Eleonora Buratto

Un año después de mi debut como Desdémona en Otello de Verdi en el Liceu de Barcelona, Eleonora Buratto tiene el gran honor de enfrentarse por primera vez a Desdémona de Rossini. Otello se representará en el Festival de Ópera de Rossini del 11 al 20 de agosto, con dirección escénica de Rosetta Cucchi y dirección musical de Yves Abel.

«De Shakespeare a Rossini y a Verdi, ¡qué cambio experimentan los personajes principales! Al explorar esta ópera de Rossini, he adquirido una comprensión más profunda de sus fortunas mixtas. Antes del Renacimiento de Rossini, casi siempre fue eclipsado por la ópera del mismo nombre de Verdi. Mi comprensión y amor por esta ópera se han visto realzados gracias a esta puesta en escena de Rosetta Cucchi, perfecta en la forma en que responde a las necesidades del drama, destacando lo difícil que es para estos personajes comunicarse ya que «buscan emociones que van más allá de la historia». , llevándolo a un área metafísica diferente donde cada uno de nosotros pueda verse a sí mismo” (como escribió Alberto Zedda). Ensayar para este Otello, siguiendo el camino narrativo de Rosetta Cucchi, se está convirtiendo en una experiencia emocional vertiginosa. Los temas son potentes, con el femicidio ahí en escena mostrando la relevancia que siempre tiene este tema, al igual que la traición (incluida la del padre), el amor, la pasión, la desesperación y los celos. Nada puedo añadir en lo que se refiere a la fuerza musical de Otello (y de Desdémona, la auténtica protagonista)».

los sublimes artistas que han cantado en este papel, empezando por Isabella Colbran, dan testimonio de su atractivo vocal y del desafío que supone. Representa para los cantantes de Belcanto, sino también su complejidad dramática. Tras la última de las cuatro funciones programadas, el 21 de agosto canto junto a otros compañeros en la Gala Tra rondò e tournedos con la que el Festival de Ópera Rossini celebrará los magníficos cuarenta años de Pier Luigi Pizzi en el festival. Tanto Otello como la Gala contarán con la Orquesta Sinfónica Nazionale della Rai y el Coro del Teatro Ventidio Basso, un motivo más de celebración. Finalmente, me complace confirmar que la función inaugural de Otello será retransmitida por Radio Rai 3. Puede encontrar toda la información sobre los equipos creativos y los elencos aquí.

Fotografía © Dario Acosta | © ROF / Studio Amati Bacciardi

Hadrian

El próximo 27 de julio, el Teatro Real culminará la actual temporada con el estreno de Hadrian, segunda incursión en la ópera del cantautor canadiense-estadounidense Rufus Wainwright, que se ofrecerá en versión semi-escenificada protagonizada por el barítono Thomas Hampson, quien dio vida al emperador Adriano en el estreno absoluto de la obra en Toronto en 2018.

Haciendo uso de una paleta musical que el propio autor define como «más oscura y potente» que la de su primera ópera –Prima donna–, tejida con largas líneas melódicas mezcladas con ricas texturas orquestales,

Wainwright construye un relato verdaderamente apasionante.

El complejo entramado vocal estará defendido por Thomas Hampson en el papel titular, Ainhoa Arteta (Plotina), Santiago Ballerini (Antinous), Rubén Amoretti (Turbo) y Vanessa Goikoetxea (Sabina) entre otros. Junto a ellos, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección musical de Scott Dunn.

Las impactantes imágenes del fotógrafo Robert Mapplethorpe y la dirección de escena de Jorn Weisbrodt, completan este interesante espectáculo.

Rufus Wainwright describe así su elección de este personaje histórico para su segunda ópera: “Cuando leí por primera vez las fabulosas Memorias de Adriano, de Marguerite Yourcenar, una novela que inspiró al menos a tres generaciones de hombres homosexuales, me asaltó al instante la idea de transformar este tema histórico en forma de ópera. Tanto su naturaleza íntima como su salvaje grandeza parecían perfectamente adecuadas para lo que la ópera hace mejor: crear una hiperilustración de las oscuras vidas interiores de las personas que se enfrentan a formidables circunstancias exteriores y, al mismo tiempo, recorrer musicalmente las dimensiones surrealistas de lo que hay entre ellas. En mi opinión, ninguna otra forma teatral retrata

verdaderamente la vida en una miríada de colores vibrantes y brillantes como lo hace la ópera, y la historia del emperador romano Adriano es un diamante perfectamente tallado para esa tarea”.

La ópera se centra en el verdadero pero problemático amor del emperador por el bello joven Antinoo. Mientras el oscuro espectro del monoteísmo se acerca anunciado por los judíos y los primeros cristianos, hasta destruir el antiguo sistema de creencias paganas. La investigación histórica asegura que muchas partes de la vida y el legado de Adriano fueron destruidos por sus detractores y, aunque fue un gobernante productivo y justo, su masacre de los judíos no puede ser olvidada, y es un punto principal de la obra.

Así, Rufus Wainwright concluye: “Casi inmediatamente después de la muerte de Adriano, los dictados patriarcales de la humanidad se apoderaron de la narración, dejando que la patética observación antigua de que «lloró como una mujer» cuando Antinoo se ahogó, ensombreciera todos sus logros”.

HADRIAN

Ópera en cuatro actos

Música de Rufus Wainwright (1973)

Libreto de Daniel Mcivor

Con la colaboración especial de la Mapplethorpe Foundation

Estrenada en la Canadian Opera Company de Toronto el 13 de octubre de 2018

Estreno en el Teatro Real

Ópera en versión de concierto semiescenificada

EQUIPO ARTÍSTICO

Director Musical I Scott Dunn

Imágenes I Robert Mapplethorpe

Director de Escena I Jorn Weisbrodt

Diseñador de luces | John Torres

Diseñador de proyecto | Michael Worthington

Asistente del diseñador del proyecto | Cory Siefker

Programador de proyección | James Pomichter

Director del Coro I Andrés Máspero

Coro y Orquesta titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

REPARTO

Hadrian | Thomas Hampson

Plotina | Ainhoa Arteta

Antinous | Santiago Ballerini

Turbo | Rubén Amoretti

Sabina | Vanessa Goikoetxea

Trajan | Alejandro del Cerro

Fabius | Vicenç Esteve

Hermogenes | Gregory Dahl

Primer Senador | Pablo García-López

Segundo Senador | Josep-Ramón Olivé

Tercer Senador | David Lagares

Lavia | Berna Perles

Dinarchus | Albert Casals

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Manuel Busto

Tras el exitoso estreno de su ópera de cámara La mujer tigre en una nueva producción del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega, Manuel Busto regresa a la capital hispalense el próximo 22 de julio para dirigir La Traviata de Verdi en la producción de David McVicar, que ya se presentó en la Scottish Opera de Glasgow, la Welsh National Opera de Cardiff, el Teatro Real de Madrid y el Liceu de Barcelona. Busto, que hace cuatro años dirigió el famoso título de la trilogía popular verdiana en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste, se pondrá al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), el Coro del Teatro de la Maestranza, y un cast encabezado por la soprano Ashley Galvani Bell (Violetta), Antoni Lliteres (Alfredo Germont) y Carlos Arámbula (Giorgio Germont).

Entre los próximos compromisos del director sevillano cabe destacar su debut con la Orquesta Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla, así como importantes engagements en el extranjero, como su regreso al Teatro Comunale di Bologna y La bohème de Puccini en el International Festival of Opera and Ballet “María Biesu” de Kishinev. Además, como compositor estará presente en la temporada del Bellas Artes de México con sus obras Jauleña e Invocación bolera, realizadas por encargo del Ballet Nacional de España.

Manuel Busto se ha convertido en uno de los directores de orquesta más solicitados de su generación, con un amplio currículum nacional e internacional en el ámbito de ópera y ballet, colaborando con destacadas orquestas como la Taiwan National Symphony Orchestra, la Orquesta de la Comunidad Valenciana (OCV), I Pomeriggi Musicali di Milano, la BBC Symphony Orchestra, la Orquesta de la Academia Barenboim-Said, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), y actuando en teatros de renombre como el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro de la Maestranza, el Teatro Giuseppe Verdi di Trieste, el Teatro Comunale di Bologna o la Dutch National Opera de Ámsterdam, entre otros.

PABLO GARCIA LOPEZ

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de primer senador, vuelve al Teatro Real (27 de julio) y debuta en el Festival de Peralada (29 de julio) con Hadrian, de Rufus Wainwright. Dos únicas funciones de esta ópera contemporánea, en versión de concierto semiescenificada, basada en el emperador romano Adriano, que reúne los ingredientes perfectos para una trama de ópera clásica que narra la historia de amor entre Adriano y su joven amante.

Para la ocasión, el Teatro Real y el Festival Castell de Peralada han reunido un elenco capitaneado por Thomas Hampson, Santiago Ballerini, Vanessa Goikoetxea, Ruben Amoretti, Josep-Ramón Olivé y las bases estables del Teatro Real con Scott Dunn en el podio.

Hadrian, segunda incursión en la ópera del cantautor canadiense-estadounidense Rufus Wainwright, se suma así a una ilustre serie de títulos operísticos –Pergolesi, Caldara o Johann Christian Bach, entre otros– con este emperador romano como protagonista. Estrenada en Toronto en 2018, contó con el barítono Thomas Hampson en un rol titular escrito a su medida y que repetirá en el Teatro Real y en el Festival de Perelada. Haciendo uso de una paleta musical que el propio autor ha definido como “más oscura y potente” que la de su primera ópera –Prima Donna–, y apoyado por las impactantes imágenes del fotógrafo Robert Mapplethorpe, Hadrian discurre, según se apunta desde el Teatro Real- “en un viaje sin fin entre el frágil consuelo de la memoria y la inapelable realidad de la pérdida”.

García López llega a este estreno tras su participación en la Ópera de Lausanne, el Teatro Real, el Festival de La Rioja “Pablo Sainz Villegas”, su debut en el Auditorio Nacional de música de Madrid con la OCNE y la orquesta de Castilla y León y en el Auditorio Miguel Delibes.

Nabucco
Nabucco en el Teatro Real, casi un estreno
Nabucco
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma lírico en cuatro actos
Libreto de Temistocle Solera, basado en la obra Nabuccodonosor (1836)
de Auguste Anicet-Bourgeois y Francis Cornu, y en el ballet Nabuccodonosor (1838) de Antonio Cortesi
Estrenada en el Teatro Alla Scala de Milán, el 9 de marzo de 1842
Estrenada en el Teatro Real el 27 de enero de 1853
Producción de la Opernhaus de Zürich, en coproducción con el Teatro Real
D. musical: Nicola Luisotti – Sergio Alapont (13, 16, 20 jul)
D. escena: Andreas Homoki
Escenógrafo: Wolfgang Gussmann
Figurinistas: Wolfgang Gussmann, Susana Mendoza
Iluminador: Franck Evin
Dramaturgo: Fabio Dietsche
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Nabucco: Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani, Luis Cansino;
Ismaele: Michael Fabiano, Eduardo Aladrén; Zacaria: Dmitry Belosselsky, Roberto y Tagliavini Alexander Vinogradov; Abigaille: Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka;
Fenena: Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono; El Gran Sacerdote: Simon Lim y Felipe Bou; Abdallo: Fabián Lara y Anna Maribel Ortega

Nabucco se estrena en el Teatro Alla Scala de Milán, el 9 de marzo de 1842. Llegó a España muy pronto, en el Teatro de la Santa Creu de Barcelona en 1844 (aún no se había inaugurado el Liceu). Al frente del reparto estaba Antonio Superchi, uno de los barítonos más importantes de la época.

En Madrid se estrena apenas dos meses después en el Teatro Circo, con Giogio Ronconi, otro grande, en el rol de Nabucco. Desde 1844 hasta 1850, Nabucco estuvo en cartel casi todas las temporadas. Desde que se inauguran el Liceu en 1847 y el Teatro Real en 1850, se convierte en una de las obras más representadas y de mayor éxito. Siempre en cartel y siempre de la mano de los mejores intérpretes.

El 9 de febrero de 1871, Nabucco se representa por última vez en Madrid. Desde entonces, y a pesar de la enorme popularidad de esta obra, no había vuelto a subir al escenario del Real hasta ahora.

Cuando Verdi recibe el encargo de Nabucco, está pasando por uno de los peores momentos de su vida. Su mujer y sus hijos habían fallecido y estaba valorando la posibilidad de abandonar la música. Al principio rechaza el proyecto pero, tras pensar que puede ser la oportunidad para salir adelante, acepta el trabajo. Verdi no sabía que gracias a esta obra se convertiría en un héroe nacional.

Con tan solo doce días desde el primer ensayo al piano hasta el día del estreno, Verdi tiene que trabajar duro con una partitura que introduce varias novedades en su orquestación. La primera es la utilización de numerosos metales, como trompas y cornetas, elevando el volumen de sonido, algo que no era muy habitual en el resto de óperas. Como contrapunto al volumen de sonido, crea momentos de gran intimidad en las arias, como el sexteto de violonchelos que acompañan a Nabucco, o el aria de Abigaile, acompañada solo por un violonchelo y un corno inglés, creando uno de los momentos más sublimes d esta obra, junto a las intervenciones del coro.

Para este casi reestreno en el Teatro Real, se ha elegido la producción de la Opernhaus de Zürich, en coproducción con el propio Real. Al frente de la orquesta Nicola Luisotti, un maestro del repertorio verdiano que sabe mantener como nadie los equilibrios sonoros de la orquestación de una obra como esta.

La escenografía de Andreas Homoki y Wolfgang Gussmann es casi inexistente. Como la obra se divide en cuatro actos, y cada acto en dos cuadros, se hace muy difícil montar ocho escenografías diferente por lo que, según los propios directores de escena, “decidimos que la mejor manera de reflejar los cambios y que las escenas fluyeran y tuvieran continuidad era, simplemente, que no hubiera escenografía”. Y así es, bajo la presencia absoluta de un elegante color verde carroza, sobre el escenario solo aparece una especie de encimera de mármol gigantesca que se mueve generando los espacios en los que se desarrollan la acción. Lo único que viste la escena y la ambienta, son los figurines de Wolfgang Gussmann y Susana Mendoza, junto a la iluminación, siempre acertada, aunque muy oscura (algo que se ha puesto de moda) de Franck Evin.

Para las voces no se han escatimado esfuerzos, hasta cuatro Nabuccos participan en esta producción, Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani y Luis Cansino. Para Ismaele dos opciones, el siempre impecable Michael Fabiano y Eduardo Aladrén. A Zacaria le dan vida Dmitry Belosselsky, Roberto Tagliavini y Alexander Vinogradov.
Abigaille cuenta con la participación de Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka. Fenena corre a cargo de Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono. Como grandes sacerdotes, Simon Lim y Felipe Bou. Y no podemos olvidar la participación del gran protagonista de esta ópera, el Pueblo, representado por el Coro Titular del Teatro, Coro Intermezzo que, en el momento de escribir esta crónica, ya ha tenido un primer bis en el estreno con “Va pensiero”. Y es que este coro, bajo la dirección de Andrés Máspero, demuestra por qué está entre los mejores del mundo y con todo merecimiento.

Un impresionante elenco de voces para elegir al gusto en esta obra para la que ha habido que esperar 151 años, pero que ha merecido la pena.

Con motivo de la Semana de la Ópera, los días 14 y 15 de julio, a las 21.00 horas, Nabucco podrá ser vista en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) con dos repartos distintos. Habrá 1000 sillas disponibles para el público, por orden de llegada, hasta completar aforo.

El 15 de julio a las 21.00 horas, Nabucco será retransmitida gratuitamente en MyOperaPlayer para todo el mundo y en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España.

Sergio Alapont

El director de orquesta español Sergio Alapont vuelve este mes de julio al Teatro Real de Madrid –alternándose en el podio con el maestro Nicola Luisotti– para ponerse al mando de Nabucco, de Verdi, en el que será su debut dirigiendo ópera en ese escenario. “Estoy encantado y muy emocionado de dirigir por primera vez en el Real una obra maestra de uno de los compositores de los que he dirigido más representaciones de sus diferentes títulos y al que he proferido admiración y devoción por su grandeza”, comenta el músico nacido en Benicàssim (Castellón). “Además a Verdi le debo el premio de la revista italiana GBOpera como mejor director de 2016 por Aida”. Alapont regresa al coliseo madrileño tras debutar en ese escenario dirigiendo una gala lírica en 2018, “y al año siguiente regresé con el Stabat Mater de Pergolesi, siempre al frente de la Sinfónica de Madrid, una orquesta con una rica versatilidad sonora y de una calidad extraordinaria. Estoy muy contento de volver ahora con esta ópera tan llena de significado para la literatura operística. Verdi la escribió gracias a la insistencia del gerente de La Scala ya que el compositor había decidido dejarlo todo al estar devastado emocionalmente por la pérdida de sus dos hijos y de su mujer, Margherita. Además acababa de sufrir dos fracasos en sus óperas anteriores. Con Nabucco anuncia los grandes trabajos y roles que completarán su catálogo en años venideros. La obra representa el inicio del drama verdiano y de esa humanidad tan característica que otorga a los personajes que solo Verdi sabía plasmar en la partitura y que han quedado en el imaginario del público. La música de Nabucco y la espectacular narración que consigue el compositor es soberbia y dirigirla es uno de los mayores placeres para un director”, añade.

Sergio Alapont se pondrá al mando de las funciones programadas los días 13, 16 y 20 de julio en una producción firmada escénicamente por Andreas Homoki y teniendo en el reparto a Luis Cansino (Nabucco), Oksana Dyka (Abigaille), Eduardo Aladrén (Ismaele), Alexander Vinogradov (Zaccaria), Aya Wakizono (Fenena), Felipe Bou (Gran Sacerdote), Fabián Lara (Abdallo) y Maribel Ortega (Anna).

En los últimos años, la carrera del director castellonense se ha consolidado en el panorama internacional, habiendo sido nombrado en 2022 director titular de la Orquestra Clássica do Centro en Coimbra, Portugal, con la que tiene una intensa actividad cada temporada.

Entre sus compromisos más recientes destaca un concierto sinfónico en el National Concert Hall de Dublín con la RTÉ Concert Orchestra (Orquesta de la Radio Televisión Irlandesa, en febrero de 2022), además de la presentación del CD de La Bohème para el sello británico Signum Classics grabada en 2021 en la Irish National Opera y con la que ha conseguido excelentes críticas.

Tras estas funciones de Nabucco y de su actividad junto a la Orquestra Clássica do Centro, durante el verano Sergio Alapont dirigirá un concierto con obras de Beethoven en el Festival das Artes en Coimbra (24 de julio), otro de música española con la popular cantaora Estrella Morente y la Orquestra Clássica de Espinho en el Auditório de Espinho (Portugal, 30 de julio) y abrirá el Festival de Pollença (Mallorca) con la Simfònica de les Illes Balears y el pianista Kris Bezuidenhout con un programa con obras de Beethoven, Schumann y Dvořák (6 de agosto). Más tarde inaugurará la temporada 2022 / 2023 del Teatro Comunale de Sassari con un concierto sinfónico y con la ópera Don Giovanni de Mozart –en el que será su sexto retorno al teatro italiano, en el que debutó en 2010– y actuará por primera vez en Canadá a cargo de un concierto junto a la Orchestre Symphonique de Longueuil en la Maison Symphonique de Montréal.

Sondra_Radvanovsky_copyright Michael Cooper

Cap Rocat, el hotel más recóndito y exclusivo del Mediterráneo, ofrecerá el próximo 23 de julio a las 21:30h una velada musical que unirá bajo el estrellado cielo mallorquín a una de las más grandes sopranos del momento, la norteamericana Sondra Radvanovsky, junto con la Orquestra Simfònica de les Illes Balears bajo la dirección musical del maestro Pablo Mielgo.

La gran diva de la ópera de hoy, dueña de una de las voces más aplaudidas del panorama lírico mundial, ofrecerá en Cap Rocat un recital en el que se recorrerán algunas de las piezas más célebres y queridas de la ópera: desde O mio babbino caro de Gianni Schicchi, hasta el Vissi d’arte con el que Floria Tosca se entrega a los brazos del destino, sendas arias firmadas por Giacomo Puccini, pasando por hitos como La mamma morta de Andrea Chénier de Umberto Giordano, o Bolero Mercè, diette amiche de I Vespri Siciliani de Giuseppe Verdi.

Según apuntan los críticos, la intérprete se encuentra en la cúspide de su carrera artística y posee por naturaleza una voz idónea para este repertorio, una voz que ha sido comparada con la de estrellas de la lírica de la talla de María Callas o Rosa Ponselle. En definitiva, un concierto en el que Sondra Radvanovsky recorrerá la geografía musical de la gran ópera romántica, un repertorio con el que ha cosechado aplausos y ovaciones desde La Scala de Milán hasta el Metropolitan Opera de Nueva York.

Esta enorme capacidad para comunicar se ha confirmado en los recientes y sonados bises que la cantante ha otorgado en nuestro país, tanto en el Teatro Real en la producción de Tosca estrenada hace ahora un año, como en el Liceo en Barcelona donde, tras más de 30 minutos ininterrumpidos de aplausos, volvió a cantar la mítica Mamma morta en Andrea Chénier.

A la voz de una de las más grandes sopranos del momento se le sumará una orquesta de referencia en el panorama nacional e internacional: la Sinfónica de las Islas Baleares que, junto con su director titular, Pablo Mielgo, ofrecerá algunas de las oberturas más conocidas de Verdi, como las de La Forza del destino o Nabucco, así como otras de Puccini u Otto Nicolai. En definitiva, una noche musical en la que tanto Sondra Radvanovsky como los músicos de la Sinfónica de Baleares podrán brillar al máximo.

La “Noche de los Sentidos” en el hotel más exclusivo del Mediterráneo Desde hace ya unos años, Antonio Obrador, artífice creativo de Cap Rocat, La Fundación Madina Mayurqa y Pablo Mielgo, director musical de la Sinfónica de Baleares, trabajaron en la idea de impulsar una serie de conciertos líricos estivales, presentando a grandes figuras de la ópera y la música clásica en este espacio extraordinario, con el objetivo de convertir esta cita anual en un acontecimiento deseado por los melómanos y en un referente cultural en las Islas.

Así, y a pesar de las dificultades, en agosto del año pasado se logró celebrar un primer gran recital lírico bajo el nombre “La Noche de los sentidos”, en el que pudo escucharse al barítono menorquín Simón Orfila, a la soprano mallorquina Irene Mas y a la Sinfónica de las Islas Baleares bajo la dirección de Pablo Mielgo. El evento tuvo lugar en Cap Rocat ante un público compuesto por unas 200 personas y fue un gran éxito. Ahora, la Noche de los Sentidos vuelve por segundo año con más fuerza y sin las restriccciones que el año pasado imponía la pandemia. Tal y como afirma Antonio Obrador, “queremos que la Noche de los Sentidos vuelva para quedarse, dando continuidad a aquel primer concierto y con la idea de convertirlo en una cita anual esperada y deseada por todos en Mallorca”.

Asimismo y para la organización anual de este evento, Cap Rocat contará con un reconocido profesional del mundo de la ópera, Ilias Tzempetonidis -coordinador artístico del Teatro San Carlos de Nápoles- como director artístico y con Pablo Mielgo como director musical. Sin duda, gran parte de la magia de estos conciertos se deberá al impresionante escenario en el que se desarrolla: Cap Rocat, el hotel más deseado y privado del Mediterráneo, un lugar que ofrece a sus huéspedes una experiencia inigualable de máximo bienestar en uno de los lugares más espléndidos de la costa mallorquina.

Situado en una antigua fortaleza militar, mimetizado con la reserva natural de 30 hectáreas que le rodea y delimitado por 2 Km de costa protegida, Cap Rocat es un remanso de calma a tan solo diez minutos de Palma de Mallorca. Tranquilidad, sencillez y reivindicación de los valores autóctonos son las principales señas de identidad de este hotel único, pionero del turismo ecológico y miembro de Small Luxury Hotels of the World.

Sondra Radvanovsky copyright Michael Cooper

MoisesMarin

El tenor granadino Moisés Marín, una de las voces jóvenes de mayor proyección de nuestro país, protagonizará este verano un doble debut en el Belcanto Opera Festival ‘Rossini in Wildbad’ con dos de los roles más exigentes del repertorio: por una parte será Pirro en la ópera Ermione, bajo la dirección musical de Antonino Fogliani y con puesta en escena de Jochen Schönleber, los días 16 y 23 de julio. Además, interpretará a Goffredo en una versión en concierto de otro drama rossiniano, Armida, bajo la dirección musical de José Miguel Pérez Sierra, que podrá escucharse los días 15 y 20 de julio. Ambas óperas serán interpretadas por la Orquesta y Coro de la Filarmónica de Cracovia.

Los dos títulos se preestrenarán en el Royal Opera Festival de Cracovia (Armida el 3 de julio y Ermione el 10). Estrenada en el Teatro San Carlo de Nápoles el 27 de marzo de 1819, Ermione está hoy considerada como un golpe de genialidad de Rossini, aunque sufrió en su estreno un sonoro y doloroso fracaso. El poco éxito de este drama ambientado en la Guerra de Troya se debió en parte a su final trágico, que no era del gusto del público de la época y en parte a la música, innovadora y revolucionaria para su tiempo. La obra, que cuenta con libreto de Andrea Leone Tottola basado en Andrómaca de Jean Racine, no fue recuperada hasta su reestreno en 1987 en el festival de Pesaro. Se trata de una ópera que requiere cantantes de primer nivel: Moisés debutará con el papel de Pirro, hijo de Aquiles y rey de Epiro; le acompañarán Serena Farnocchia como Ermione y Patrick Kabongo como Orestes.

La dirección de escena corre a cargo de Jochen Schönleber, director artístico del festival de Bad Wildbad. Por su parte, Armida tuvo su primera representación en el Teatro San Carlo de Nápoles el 11 de noviembre de 1817 y cuenta con un libreto de Giovanni Schmidt basado en escenas del poema épico Jerusalén liberada de Torquato Tasso, inspirado en hechos de la Primera Cruzada. Armida requiere seis papeles de tenor -y uno de bajo barítono- y es también uno de los títulos más difíciles de Rossini. Moisés Marín compartirá escenario con Ruth Iniesta como Armida, el único papel femenino de la obra. En el preestreno de Cracovia, Moisés interpreta a Goffredo y también a Ubaldo, todo un tour de force vocal para el granadino, que estará apoyado en la sólida dirección de Miguel Pérez-Sierra. Tanto Armida como Ermione se grabarán en CD y DVD para la Rossini Complete Edition del Sello Naxos.

Moisés Marín: una intensa temporada 22/23
Este último papel, el de Pirro, hijo del guerrero Aquiles y de la princesa Deidamía, está considerado una de las piedras angulares del repertorio del llamado Baritenore Rossiniano, donde se enmarcan los roles que el “Cisne de Pesaro” escribió para el tenor Andrea Nozzari. El nombre de baritenor se utiliza para referir un tipo de voz de tenor que adquirió especial importancia en las óperas de Rossini y que se caracteriza por un registro inferior oscuro y un registro superior resonante y con la suficiente versatilidad para cantar coloratura.

La voz de Moisés Marín cuenta con una serie de características difíciles de encontrar en un mismo artista. A una tesitura amplísima de tres octavas se une un color oscuro y una agilidad de natura. Este hecho conjugado con una incesante y constante búsqueda de la excelencia técnica e interpretativa le llevan a investigar nuevos retos artísticos y de repertorio, como este doble debut en el festival Rossini con dos de los roles más exigentes del repertorio. Justo después de este hito, Moisés se aventurará en otro de los roles de Baritenore por antonomasia, Pollione en Norma, papel que Bellini escribió para Giandomenico Donzelli.

Después seguirá una intensa temporada en los principales teatros de ópera españoles: en el Liceu como Spoletta en Tosca, en el Palau de les Arts de Valencia como Melot en Tristán e Isolda, y como Pang en la Turandot del Teatro Real. Todo ello conforma una temporada transversal de amplio repertorio que enmarca a Moisés Marín como artista polivalente, desplegando todos sus recursos técnicos y artísticos. Y es que, más allá de su trayectoria internacional, el cantante granadino se ha convertido en los últimos años en un habitual de todas las temporadas líricas españolas y en referente de algunos de los roles de tenor de carácter más importantes, tales como Goro, Increidibile, Spoletta o Steuermann.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad
Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricasespañolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. Goro en Madame Butterfly, Jacquino en Fidelio, Albazar en El Turco en Italia, Incredibile en Andrea Chenier, Steuermann en El holandés errante, entre otros, conforman su intensa actividad en las últimas temporadas españolas. Entre sus compromisos futuros destacan de nuevo su paso tanto por el Teatro Real, el Liceu, ABAO y Sevilla, así como el mencionado debut como Pollione en Norma. Algunos de sus pasados compromisos incluyen: Percy en Ana Bolena de Gaetano Donizetti bajo la batuta de Fabio Biondi y Europa Galante en Italia, Dorvil en La escala de seda de Gioachino Rossini bajo la batuta de Alberto Zedda, Duca en Rigoletto, Nemorino en El elixir de amor, Don Ottavio en Don Giovanni, Selimo en Adina de Rossini, Pang en Turandot; y de su etapa en el Auditorium Parco della Musica de Roma, el maestro de escuela en La zorrita astuta de Leoš Janáček y Gherardo en Gianni Schicchi de Puccini.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia. En este periodo de dos años como estable en Les Arts ha sido un habitual de la programación del teatro, interpretando diversos roles en operas como Las vísperas sicilianas, Filemón y Baucis, Lucrecia Borgia, Werther, Madame Butterfly, Peter Grimes, La Traviata, Bastián y Bastiana, El mundo de la Luna y Tosca. Teniendo la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roverto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore. Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Ha sido miembro del Opera Studio Ensemble de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y desde sus inicios como flautista en el conservatorio Victoria Eugenia de Granada empieza a estudiar con la soprano María del Coral Morales. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

NIT A LES ARTS

Les Arts cierra su temporada 2021-2022 el 8 y 9 de julio con ‘Nit a Les Arts’: dos noches de actividad gratuita para todos los públicos, con un amplio abanico de propuestas en las diferentes salas del edificio desde las 20.00 h hasta las 2.00 h de la madrugada.

Tras varias ediciones pospuestas por la pandemia, Les Arts recupera su ‘noche en blanco’, que, en su novena celebración, incluye espectáculos técnico-artísticos con el Cor de la Generalitat y los artistas del Centre de Perfeccionament, conciertos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana dirigidos por Sergio Sáez, dos funciones de la ópera ‘El tutor burlat’, una exposición de vestuario y utilería y dos sesiones de música DJ con Eduardo Díaz (NO FROST).

De manera paralela al desarrollo de la actividad artística, Les Arts abre, desde las 20.30 h, sus áreas de libre recorrido para todo aquel que quiera conocer y disfrutar de los espacios al aire libre del enclave operístico, que contarán con servicio de restauración.

A partir de las 20.00 h comienzan los cinco pases técnico-artísticos (20.50 h, 21.40 h, 23.30 h y 0.20 h) que permiten contemplar entre bambalinas cómo es el trabajo en el escenario de la Sala Principal.

En grupos de hasta 240 personas, los asistentes tienen la ocasión de conocer mediante un espectáculo ‘ad hoc’, de unos 40 minutos de duración, el funcionamiento de la maquinaria escénica, iluminación, audiovisuales y todos los elementos necesarios para poner en marcha una función de ópera, en esta exhibición en la que participan los cantantes del Centre de Perfeccionament y del Cor de la Generalitat.

Por su parte, la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) descubrirá un espacio inédito al público general, la Sala de Ensayos de la Orquesta, en la que la formación titular de Les Arts ofrecerá tres conciertos, de 40 minutos de duración, bajo la dirección musical de Sergio Sáez, profesor de la OCV.

El repertorio de cada uno de los tres pases (20.50 h, 21.50 h y 23.50 h) estará integrado por célebres oberturas de ópera y zarzuela. El acceso del público se realizará desde la planta undécima del edificio, donde se ubican las Terrasses de les Palmeres.

En esa misma planta, el Espai Los Toros acogerá una exposición de vestuario y utilería, con figurines y elementos escénicos de algunas de las producciones más significativas de Les Arts.

Por su parte, el Teatre Martín i Soler abrirá sus puertas a las 22.00 h para acoger una representación de ‘El tutor burlat’, la primera ópera de Vicente Martín i Soler, en su versión en valenciano, que cantarán jóvenes cantantes y antiguos alumnos del Centre de Perfeccionament acompañados al piano.

Jaume Policarpo dirige esta colorista y divertida producción que, además de sus representaciones en Les Arts, recorre con éxito diferentes municipios de la Comunitat Valenciana con el camión de ‘Les Arts Volant’.

A las 0.30 h, el DJ Eduardo Díaz (NO FROST) convertirá las terrazas de la planta undécima, con vistas al jardín del Turia, en una gran pista de baile con una sesión de música, que despedirá la actividad de ambas jornadas a ritmo ‘dance’. El centro de artes cerrará sus puertas la noche del viernes al sábado a las 2.00 de la madrugada, y una hora más tarde, a las 3.00 h, en la noche del sábado al domingo.

Entradas

Les Arts recuerda que será necesario disponer de localidad (gratuita) para poder disfrutar de los espectáculos en espacios cerrados: los pases técnico-artísticos en la Sala Principal, los conciertos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en la Sala de Ensayos, y las funciones de la ópera ‘El tutor burlat’ en el Teatre Martín i Soler.

Los abonados y miembros del programa de mecenazgo de Les Arts podrán solicitar previamente sus localidades a partir del día 5 de julio en la página web www.lesarts.com y, desde el día 6, presencialmente en las taquillas del teatro, con un máximo de 4 accesos por abonado o mecenas.

Por su parte, el público general, podrá pedir sus entradas desde el mismo 6 de julio a través de la web de Les Arts y, un día después, el 7 de julio, de manera física en el teatro. Se asignará un máximo de dos invitaciones por solicitante.

Les Arts recuerda que las localidades disponibles por pase están limitadas al aforo de cada uno de los recintos.

Fotografía © Miguel Lorenzo / Mkel Ponce

MARC MIGÓ

Los días 9 y 10 de julio, el joven compositor afincado en Nueva York Marc Migó estrenará su segunda ópera de cámara, realizada por encargo del Liceu de Barcelona, en el marco del proyecto ÒH!OPERA con dirección artística de Àlex Ollé.

The Fox Sisters, se trata de una micro-ópera basada en la historia real de las hermanas Fox, a las que se les atribuye la creación del movimiento espiritista. En 1848, en el estado de Nueva York, Kate y Maggie Fox, se divertían asustando a su madre, asegurando que se podían comunicar con un fantasma. Leah, la hermana mayor, comprendió el potencial empresarial de explotar a sus hermanas menores como niñas prodigio en comunicaciones supernaturales, y se convirtió en su manager. Años más tarde, Kate y Maggie se habían convertido en unas famosas médiums. Sin embargo, al final de sus vidas decidieron retractarse de la nueva religión espiritista, desvelando delante de periodistas y científicos todos los presuntos trucos que usaban en las sesiones espiritistas.

Con libreto de Lila Palmer, dirección escénica de Silvia Delagneau, dirección musical de Irene Delgado-Jiménez y la participación de BAU Centro Universitario de Diseño, la ópera de cámara The Fox Sisters, aborda temas de actualidad como el feminismo o la postverdad, y está escrita para soprano, mezzosoprano, barítono y trío de cuerda (violín, violonchelo y contrabajo), amplificado y conectado a un sistema de altavoces que rodea al público, con el fin de crear un efecto envolvente, para que el drama no solo suceda en el escenario sino en todo el espacio.

Marc Migó, que actualmente está cursando sus estudios de doctorado en composición en la Juilliard School de Nueva York, bajo la tutela del John Corigliano, se acaba de incorporar al catálogo de compositores de la prestigiosa editorial Universal Edition para la publicación de sus obras, y este verano estrenará su obra orquestal Dumka for Anya en el prestigioso Festival de Cabrillo (California). Además, ha obtenido recientemente la Fellowship Dominik Argento for Opera Composition de la National Opera Association.

Guiomar Cantó

La soprano madrileña Guiomar Cantó presenta su agenda de conciertos para la temporada de verano. Una serie de recitales que le llevarán a Madrid, Murcia, Suiza, para finalizar en el festival Opern im Berg de Salzburgo.

Guiomar inició la temporada estival el pasado 25 de junio con el estreno en España de la Misa en Do de Rheinberger en la Iglesia de las Mercedarias Descalzas de la Purísima Concepción de Madrid, junto a la Orquesta y Coro de la Universidad Carlos III dirigida por el maestro Jerónimo Martín.

En el marco de la festividad de Santa Ana, el próximo 23 de julio, Guiomar Cantó cantará en el Monasterio de Santa Ana en Jumilla. Un concierto junto a la Orquesta Sinfónica de la Universidad Católica de Murcia dirigida por Salvador Pérez con un programa que abarca arias de ópera y romanzas de zarzuela como La Traviata, Reina de la Noche, Lucia di Lammermoor o Doña Francisquita, entre otras.

La agenda continua en Suiza, concretamente el 3 de septiembre en Wolfsberg Castle. En esta ocasión Cantó actuará junto a la Orchestra Klassik Nuevo dirigida por Srdjan Vukasinovic, con un repertorio argentino y alemán.

El 17 de septiembre la soprano debutará en la ciudad austriaca de Salzburgo, en el festival de Opern im Berg. en el Aula Grosse, para interpretar el rol de Musetta en La Bohème. Esta actuación forma parte del Premio Puccini que la cantante recibió en 2019 en el concurso internacional de canto Grandi Voci del mismo festival, el cual no pudo hacer efectivo hasta ahora debido a la crisis pandémica de estos dos últimos años.

Sobre Guiomar Cantó

De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.

En 2021 Guiomar Cantó ha sido seleccionada como parte del programa Crescendo del Teatro Real. Ha debutado en el Teatro de la Zarzuela el pasado mes de octubre en Los Gavilanes de J. Guerrero y por primera vez se presentará como Pamina en la Flauta Mágica de W. A Mozart en el Teatro Romea de Murcia y en el Teatro Vico. Volverá a cantar en Suiza donde debutó en 2017, esta vez en un concierto en Ermantigen junto a la orquesta Klassik Nuevo dirigida por Srdjan Vukasinovic. Ha grabado el papel protagónico de Doña Ana en la zarzuela de Julián Santos “El fantasma de la Tercia” que se estrenará esta temporada obteniendo ya buenas críticas, por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.

Palau Les Arts

El Palau de les Arts ha creado una ‘Tarifa Plana Jove’ destinada a menores de 28 y 35 años para los espectáculos que conforman la temporada 2022-2023 y que se pondrá a la venta el próximo 11 de julio, dentro de la venta general de entradas. Tras el éxito de acciones como ‘Preestrena fins a 28’, que ha superado el 90 % de ocupación en todas las funciones y que tendrá continuidad en el nuevo curso, Les Arts pone en marcha esta iniciativa que tiene como objetivo continuar con la apertura de su programación al público más joven y aumentar su accesibilidad.

Para ello, la nueva ‘Tarifa Plana Jove’ permitirá disfrutar de cinco espectáculos a elegir por un precio de 50 euros, para los menores de 28 años, y de 100, para los menores de 35. Las propuestas, hasta un total de cinco, entre las que los jóvenes pueden escoger incluyen las funciones de ópera en la Sala Principal, en las zonas 5 y 6, los conciertos de ‘Les Arts és Simfònic’, en zona 3, y de ‘Les Arts és Barroc’, sin limitación de zona, o la ópera en concierto ‘Alcina’, en las zonas 3 y 4.

Dos días antes del espectáculo, los titulares de la ‘Tarifa Plana Jove’ podrán escoger sus localidades para el concierto o la ópera seleccionados en cualquier zona de la sala. La campaña comercial para la temporada 2022-2023 también incluye mayores descuentos en los abonos, que podrán solicitarse hasta el próximo 1 de julio, con una reducción de un 15 % sobre el importe total
para quienes soliciten el pago fraccionado, que se elevará hasta un 20 % en el caso de que se opte por un pago único.

Junto con estas novedades, Les Arts equipara también su clasificación de precios a los grandes teatros y recintos nacionales e internacionales con la aplicación de un sistema de tarifas dinámicas. De esta forma, en función del título y el día en que esté programado el espectáculo, se incrementará el precio de las entradas entre un 10 % y un 20 % cuando el aforo vendido supere el 70 % de la ocupación de la sala.

Kiki Morente

En la recta final de la actual temporada de Flamenco Real, llega al Salón de Baile del Teatro Real uno de los representantes más mediáticos de las nuevas generaciones del cante, con fuerte raigambre flamenca y un arte nuevo forjado en la diversidad musical que le ha rodeado desde la cuna. Su nombre, Kiki Morente.

Los próximos días 30 de junio y 1 de julio, el joven cantaor ofrecerá una propuesta escénica, dirigida por él mismo, en la que contará con la presencia de otros grandes nombres del flamenco, con la colaboración especial de la bailaora Belén López, para celebrar un personal ENCUENTRO FLAMENCO  inspirado en la figura de Enrique Morente. Junto a ellos, el espectáculo contará también con la presencia de Antonio Carbonell, al cante; Rafael Jiménez “el Chispas” y José Carbonell, a la guitarra y Carlos Jiménez en la percusión.

Nacido en Granada, hijo del cantaor Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell, hermano de Estrella y Soleá, José Enrique Morente Carbonell, Kiki Morente, tiene en su linaje materno grandes guitarristas y cantaores -Montoyita, Sabicas- y en sus vivencias y aprendizaje la influencia de maestros como Pepe Marchena, Antonio Chacón, Manuel Torre, Pepe Pinto o El Sevillano, entre otros.

Animado por su padre, Kiki estudia guitarra en el Conservatorio de juventudes musicales de Granada, instrumento que él mismo toca en muchos de sus conciertos. Conoce y estudia el cante clásico, al que imprime su personalidad, y se deja influenciar por artistas de primer nivel de otras manifestaciones musicales como Pat Metheny, Leonard Cohen, Cheb Khaled o Dulce Pontes, a los que conoce a través de  proyectos impulsados por su padre.

En 2010 comienza su carrera en solitario y en otoño de 2017 publica su primer disco Albayzín, de corte eminentemente clásico, acompañado por las guitarras de Juan y Pepe Habichuela, Rafael Riqueni, Diego del Morao, Juan Carlos Romero, Montoyita, Juan Habichuela nieto, Josemi Carmona y Juan Carmona “Camborio”.

Fotógrafo: © Juanlu Vela

Nabucco

Entre el 5 y el 22 de julio se ofrecerán 15 funciones de la ópera Nabucco, de Giuseppe Verdi, con dirección musical de Nicola Luisotti y puesta en escena de Andreas Homoki, en una nueva producción del Teatro Real y la Ópera de Zúrich, donde se estrenó en 2019 y se repondrá en septiembre.

Más allá de la cualidad intrínseca de Nabucco, que pertenece todavía al primer período creativo de Giuseppe Verdi, esta ópera fue muy importante en su vida personal y su carrera artística. El compositor atravesaba una gran crisis existencial tras el fallecimiento de sus dos hijos y su esposa y del estrepitoso fracaso de Un giorno di regno, que lo hizo cavilar sobre la idea de abandonar la composición. Un encuentro fortuito con el director de La Scala, que le propuso la creación de una ópera con libreto bíblico de Temistocle Solera, sobre la resistencia del pueblo judío a la invasión de las huestes babilonias bajo la égida de Nabucco, inspiró al compositor, que escribió la partitura sin apenas descanso.

El clamoroso éxito del estreno de Nabucco el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán y la inmediata asociación de la opresión de los judíos con la de los italianos, bajo el yugo del imperio austrohúngaro, dio a la ópera una enorme popularidad, transformando a Verdi, involuntariamente, en uno de los héroes del Risorgimento, que desembocaría en la unificación de los territorios italianos.

Este inesperado triunfo y la participación en la ópera de la soprano Giuseppina Strepponi, su futura pareja, en el endiablado papel de Abigaille, fue el acicate necesario para que Verdi retomara su fecunda y genial carrera creativa, cuyo germen está también en Nabucco. Aunque la ópera sea deudora de Donizetti y Rossini y de la tradición operística italiana, en la partitura sobresalen sus maravillosas melodías, su enorme facilidad para la caracterización musical de los personajes (destacando, sobre todo, Nabucco y Abigaille) y la eficacia dramatúrgica de la orquestación, que no dejaría de progresar hasta su extraordinaria Falstaff.

El director de escena Andreas Homoki, que debuta en el Teatro Real, traslada el conflicto entre judíos y babilonios, en el siglo VI a.C., al enfrentamiento entre italianos y austríacos, en el siglo XIX, donde “al sistema politeísta de los babilonios se contrapone, como utopía, un sistema nuevo y moderno, encarnado en la visión monoteísta del mundo de los hebreos”. Las dos hermanas hijas de Nabucco encarnan el trasfondo de dos mundos que se contraponen: “Abigaille, la primogénita, intenta desesperadamente salvar el antiguo sistema derrocando a su padre y asumiendo ella misma el poder. Fenena, la otra, percibe el momento de transición en el que se encuentran y quiere salvarse cambiando de bando. En el proceso de relevo de lo antiguo por lo nuevo, también la familia acaba rompiéndose”.

El drama transcurre en un decorado austero, minimalista y conceptual diseñado por el escenógrafo Wolfgang Gussmann, que también firma el suntuoso vestuario junto a Susana Mendoza.

Nabucco fue el primer título verdiano que sonó en el recién construido Teatro Real, en las pruebas acústicas previas a su inauguración, en 1850. La ópera se estrenó en su escenario en 1853 y se presentó en temporadas sucesivas, siempre con grandísimo éxito, hasta 1871. Desde entonces no ha vuelto a ofrecerse en su sala.

Ahora, 151 años después de la última función, regresa con tres repartos de grandes voces verdianas, que se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: Nabucco, los barítonos Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani y Luis Cansino; Abigaille, las sopranos Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka; Ismaele, los tenores Michael Fabiano y Eduardo Aladrén; Fenena, las mezzosopranos Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono; Zaccaria, los bajos Dmitry Belosselskiy, Roberto Tagliavini y Alexander Vinogradov; y El Gran Sacerdote, los bajos Simon Lim y Felipe Bou.

Nicola Luisotti dirigirá su séptimo título verdiano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del enorme éxito obtenido con Il trovatore (2007), Rigoletto (2015), Aida (2018), Don Carlo (2019), La traviata (2020) y Un ballo in maschera (2020). Sergio Alapont dirigirá tres de las 15 funciones.

En Nabucco el coro ocupa un papel primordial, tanto del punto de vista estructural como dramatúrgico. El Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director, Andrés Máspero, entonará el célebre Coro de los esclavos, Va pensiero, dando voz a los oprimidos, como en la mítica Babilonia del siglo VI a.C., la Italia del siglo XIX o Ucrania en la actualidad.

Las funciones de Nabucco están patrocinadas por la Fundación BBVA, cuyo programa de actividades contempla la música como una manifestación artística prioritaria.

Fotografía: Javier del Real

Festival Lírico Ópera Benicàssim

La edición 2022 del Festival Lírico Ópera Benicàssim (Castelló) promete este verano, un año más, llenar de lírica la ciudad. El certamen, organizado por el Ayuntamiento de Benicàssim, contará con grandes artistas del panorama nacional e internacional. La alcaldesa, Susana Marqués, junto al concejal de Cultura del Ayuntamiento, Javier Alonso, al director artístico del certamen, Roberto Turlo y a Marcello Pérez Pose, director de la Asociación Zarzuela por el Mundo y de la promotora AIM-América Iber Música, han presentado esta mañana en rueda de prensa su XIV edición, que se celebrará del 1 al 6 de agosto, y que cuenta con cuatro conciertos y dos encuentros artísticos, actividades que tendrán lugar en sus escenarios habituales, el Teatre Municipal Francesc Tàrrega y el palacete municipal Villa Elisa.

Como ha comentado la alcaldesa, “el Festival Lírico Ópera Benicàssim se suma a la gran oferta cultural con el que cuenta el municipio y que aúna propuestas de diferentes géneros. Un año más, y durante una semana, volveremos a acercar a toda la ciudadanía la posibilidad de disfrutar de este estilo musical que, tras 14 años, ya se ha consolidado en nuestro municipio dentro de la marca Benicàssim, Ciudad de Festivales”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Javier Alonso, destacó que el programa –preparado por Ópera Benicàssim junto a AIM-América Iber Música– contará con cantantes “de reconocido prestigio y de carreras consolidadas, pero también dando la bienvenida a artistas jóvenes, que representan el futuro”.

El responsable artístico del certamen, el solista de oboe de la Orquestra de València Roberto Turlo, comentó que la oferta 2022 posee varios “niveles de lectura” con propuestas pensadas para que disfruten “tanto los aficionados del mundo de la ópera y la zarzuela, como cualquier espectador que se interese en la música y la cultura en general e, incluso, quienes simplemente quieran disfrutar de un gran espectáculo al calor del verano. Tendrán a su disposición una gran variedad de repertorio con un alto nivel de excelencia artística. Además nos gusta que quien venga al festival disfrute de toda la oferta de conciertos, y no solo de uno de ellos”, afirma el músico de Benicàssim.

Este año se apuesta por figuras consagradas y muy queridas por el público, como la del bajo-barítono menorquín Simón Orfila, “un cantante con una amplia trayectoria que se encuentra en un momento muy dulce de su carrera, quien hará dúo con la destacada soprano andaluza Mariola Cantarero; será seguro una gran fiesta en la que podremos disfrutar de la simpatía y del gran poder de comunicación y complicidad que tienen ambos artistas, esta vez acompañados al piano por Miguel Huertas”.

Debutará en el Festival la mezzosoprano Rinat Shaham, “una cantante de trayectoria internacional que acaba de realizar una gira con Simon Rattle y la London Symphony, además de estar presente en importantes escenarios operísticos internacionales siendo una de las grandes intérpretes de Carmen del momento. En Benicàssim, acompañada de los Solistes de València, la intérprete israelí mostrará su gran versatilidad en un programa en el que sonarán ritmos y melodías

americanas de Gershwin y tintes de cabaret con obras de autores como Kurt Weill, George Forrest o John Kander”, asegura Turlo.

Antes, el 2 de agosto, inaugurará el certamen “una voz consolidada y espectacular”, en palabras del director artístico: la del tenor Eduardo Sandoval, quien acaba de interpretar Aida e Il Trovatore de Verdi. “Nos ofrecerá, junto al piano de J. Ramón Martín, un programa muy contrastado que incluye canción napolitana y española, además de zarzuela, un menú musical que seguro que el público disfrutará”.

Benicàssim, un año más, apoya a las nuevas generaciones de artistas y este año apuesta por el joven sopranista valenciano Rafael Quirant, “una voz de gran calidad, dueño de un tipo de cuerda que nunca se ha escuchado en el Festival; ganador recientemente del concurso de Juventudes Musicales, ya ha podido debutar en grandes escenarios con excelentes críticas. Nos ofrecerá un viaje por la historia, desde Monteverdi a Rossini pasando por Gluck y Martín y Soler, pero además con obras de Turina e incluso alguna copla, todo ello con acompañamiento de piano y de guitarra”.

También, como cada año, el Festival promueve encuentros populares del público con los artistas, tanto en coloquios como en “ensayos abiertos” en los que, una vez acabado el trabajo de los intérpretes, “los asistentes tienen la ocasión de dialogar con ellos, una iniciativa que comenzamos hace ya algunas ediciones con gran éxito. En las ponencias este año contaremos con un encuentro dedicado a la zarzuela presentado por Marcello Pérez Pose, director de la Asociación Zarzuela por el Mundo, y que contará con figuras como la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera”, quienes explicarán experiencias vividas en torno al género lírico español en escenarios de todo el mundo. “Creemos que es importante que el público sepa de primera mano cómo viven el mundo de la música tanto los artistas como los programadores y promotores culturales. En los encuentros también contaremos con Simón Orifla y Mariola Cantarero para conocer los entresijos que conlleva una producción operística o de zarzuela y el proceso artístico en general”, concluye Roberto Turlo.

Crescendo

La segunda edición de Crescendo, Creamos Ópera, programa de la Fundación Amigos del Teatro Real, ha concluido con éxito después de tres meses de formación y actividades artísticas.

Veintitrés jóvenes promesas de la ópera, de nueve nacionalidades distintas, han sido los beneficiarios de la II edición de Crescendo, Creamos Ópera, programa de la Fundación Amigos del Teatro Real que acaba de concluir su fase formativa desarrollada durante tres exigentes meses de trabajo.

Con el objetivo de ofrecer formación y prácticas profesionales de primer nivel para el talento joven, el programa Crescendo ha contado en este curso con 37 sesiones de formación en distintas disciplinas como talleres de interpretación y entrenamiento vocal con destacados maestros –Carmen Santoro, Víctor Dogar, Ánima May o Sabina Puértolas-, expresión corporal, marca personal y comunicación, clases con maestros repetidores y asistencia a ensayos de ópera.

Todo esto, sumado a una decena de oportunidades profesionales para actuar en recitales, producciones y eventos del Teatro Real, completan una experiencia de formación que impulsa la carrera de una nueva generación de artistas y les abre las puertas al mundo laboral.

Los jóvenes cantantes de Crescendo han tenido una presencia destacada en la presentación de la Temporada 2022-2023 del Teatro Real, han participado en los encuentros del programa Enfoques y está prevista su actuación en las producciones del Real Junior de la próxima temporada: Fantasma que canta no espanta, A.I.D.A., Festín musical en familia y ¡Todos a la Gayarre!.

Los participantes de esta segunda edición son jóvenes de 23 a 35 años, procedentes de Albania, Chile, Colombia, España, Paraguay, Portugal, Rusia, Serbia y Venezuela, seleccionados tras una rigurosa audición, hasta configurar un grupo formado por 12 sopranos, 2 mezzosopranos, 1 tenor, 4 barítonos, 1 bajo-barítono y, por primera vez, 3 pianistas repetidores. En total, las dos primeras ediciones del programa ya suman 43 jóvenes beneficiados.

La experiencia y el bagaje que estos jóvenes adquieren tras su paso por Crescendo queda reflejado en las palabras de la soprano venezolana Sonia Suárez, de 28 años, una de las cantantes que actuó en la presentación de Temporada del Teatro Real, quien aseguraba, al finalizar el curso que “ha sido maravilloso, no solo por cumplir el sueño de cantar en el Real, sino porque nos tratan como profesionales y nos brindan oportunidades laborales en estos tiempos tan difíciles. Gracias al programa, muchas agencias han puesto los ojos en nosotros. En mi caso acabo de firmar un contrato con Iberkonzert”.

Crescendo es una iniciativa de alcance nacional y, a largo plazo, internacional, que apuesta por los artistas desde el inicio de su trayectoria laboral. El próximo 16 de julio ofrecerán un recital que presentarán los jóvenes talentos de esta segunda edición en el Teatro Real.

El programa Crescendo está patrocinado por Porosus Fonds de dotation, Edmond de Rothschild Foundations y la Fundación Banco Sabadell.

José Miguel Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra, uno de los directores españoles más importantes de su generación, debutará en septiembre como principal director invitado de la temporada que organizan los Amigos de la Ópera de A Coruña. El músico español, que estos días se encuentra en el Teatro de La Zarzuela de Madrid dirigiendo El barberillo de Lavapiés, se ha mostrado “honrado y agradecido” con el nombramiento, fruto de una fantástica e intensa relación con la entidad gallega desde su debut en 2007. “En A Coruña confiaron en mi prácticamente desde los inicios de mi carrera”, comenta Pérez-Sierra satisfecho. “Además me ilusiona consolidar mi relación con la Sinfónica de Galicia, el conjunto de referencia de esa temporada, una orquesta realmente extraordinaria con la que disfruto muchísimo haciendo música; de hecho, mi debut profesional fue con el conjunto gallego en 2005 con un para mí inolvidable concierto sinfónico. Con A Coruña me une también la figura de mi maestro, Alberto Zedda, gran musicólogo y director de orquesta ligado durante muchos años a la ciudad; con él inicié mi relación en la capital gallega siendo su asistente en 2003. Por lo tanto, ya son casi 20 años de colaboración con la asociación y me hace muy feliz consolidarla con este nombramiento”, añade el director madrileño.

La carrera de José Miguel Pérez-Sierra no ha parado de crecer en las últimas temporadas, tanto en terreno operístico como sinfónico, habiendo dirigido en algunos de los más importantes teatros y auditorios junto a orquestas de gran prestigio. En la temporada 2021-2022 han destacado un concierto con la soprano Lise Davidsen en A Coruña y en la Ópera de Bucarest –allí, junto al tenor Freddie de Tommaso–, la ópera Marina de Arrieta y un concierto sinfónico con la Sinfónica de Navarra, así como su regreso a la Opéra de Marseille con Armida (Rossini) y su debut ante la Orchestre Philharmonique du Luxembourg con Carmen.

Tras las diez funciones de El barberillo de Lavapiés en Madrid, en el verano le esperan Armida en el Royal Opera Festival de Cracovia (Polonia) y en el Festival Rossini de Wildbad (Alemania) –que grabará para Naxos-, certámenes con los que tiene relaciones estables desde hace varias temporadas.

Iniciará el curso 2022-2023 precisamente en A Coruña dirigiendo la ópera Norma y una gala lírica con Angela Meade, Moisés Martín, Verónica Dzhioeva, Mónica Redondo, Nicole Brandolino y Luiz-Ottavio Faria, para después ponerse al mando de la zarzuela San Franco de Sena (Arrieta) en Pamplona, de una gala junto al tenor Roberto Alagna en A Coruña, de un concierto con Nancy Fabiola Herrera en Tenerife y de la ópera Les Huguenots en Marsella, entre otros compromisos.

Programación Amigos de la Ópera de A Coruña

El nacimiento del Rey Sol

El próximo domingo, 19 de junio, podremos disfrutar en el Teatro Real del espectáculo El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royal de la nuit, concebido e interpretado por la compañía francesa Ensemble Correspondances, dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé, cuyo estreno tuvo que ser aplazado la pasada temporada debido a dificultades en el traslado de los artistas por la pandemia.

Son muchos los monarcas que han protagonizado títulos operísticos, pero son muy pocos los que tienen el honor de haber sido estrenados por un rey, como es el caso de Le ballet royale de la nuit (1653), espectáculo en el que Luis XIV encarnó al dios Apolo en calidad de bailarín con apenas 14 años de edad. La aristocracia, presente en gran número, los embajadores europeos y también la burguesía parisina aclamaron este gran espectáculo cuyas maravillas crearon una impresión muy duradera.

El espectáculo, nada inocente en términos políticos, sancionaba el triunfo de la corona sobre las revueltas que los aristócratas de la Fronda habían instigado durante el lustro precedente, a través de una alegoría en la que el Rey Sol disipaba las tinieblas de la noche, dispuestas musicalmente a lo largo de cuatro vigilias que alternaban números cantados y bailados. Por vez primera en la historia del género aparece un libreto unificado y cuidadosamente desarrollado en cuatro vigilias (partes) y un gran ballet conclusivo; todos los niveles de interpretación y todas las artes señalan hacia un único fin, la salida del Sol.

La partitura, compuesta por diversos autores franceses e italianos vinculados con la corte, durmió durante siglos entre los archivos de la colección Philidor, del antiguo conservatorio de París, hasta su redescubrimiento en 2004 y su recreación musical en 2016 por Sébastian Daucé y el Ensemble Correspondances. La poesía que acompañaba el ballet real era del ilustre Isaac de Benserade, quien en 1653 ya gozaba de gran prestigio como escritor y que sobresaldría tanto en el género del ballet de cour como en la lírica más refinada.

Resulta, por lo general, difícil precisar la autoría de la música de los ballets de cour en los primeros años del reinado de Louis XIV. En el caso del Ballet Royal de la Nuit podemos estar seguros de la identidad de Jean de Cambefort (c.1605-61), que produjo los recitativos y arias que abren cada una de las cuatro vigilias, y de Antoine Boësset (1587-1643) y Louis Constantin (1586-1657),aunque, sin duda, hubo otros compositores participantes.

EL NACIMIENTO DEL REY SOL

Le ballet royal de la nuit

Semiópera en cuatro escenas y baile final

Jean de Cambefort (1605-1661), Antoine Boësset (1587-1643), Louis Constantin (1586-1657),

Michel Lambert (1610-1696), con extractos de Ercole amante (1662) de Francesco Cavalli

(1602-1676) y Orfeo de Luigi Rossi (1597-1653)

Libreto de Isaac de Benserade (1613-1691)

Estrenada en el Palacio Petit-Bourbon de París el 23 de febrero de 1653

Estreno en el Teatro Real

Semiópera en versión de concierto

Director y reconstructor musical Sébastien Daucé

REPARTO

La Noche / Venus | Lucile Richardot

Eurídice / Una gracia / Belleza / Un alma errante / Cynthia | Caroline Weynants

Venus / El Silencio / Una gracia | Caroline Bardot

Una gracia francesa | Marie-Frédérique Girod

Una gracia italiana | Eva Plouvier

La luna / Deyanira / Una gracia / Un alma errante | Blandine de Sansal

Juno | Ilektra Platiopoulou

Apolo / Una gracia / Un seguidor de Endimión | David Tricou

El Sueño / Un seguidor de Venus / Un río / La aurora / Un alma errante / Un Zéfiro | Etienne Bazola

Hércules | Renaud Bres

Un zéfiro / Un seguidor de Endimión | Nicolas Brooymans

Ensemble Correspondances

Edición musical Edición crítica de Sébastien Daucé

Duración aproximada: 2 horas y 55 minutos

Fotografía © JM Berns

Mark Elder

‘Sir’ Mark Elder, reconocido como una de las grandes batutas del circuito internacional, dirige el poema sinfónico ‘Ein Heldenleben’ (‘Una vida de héroe’), de Richard Strauss’, y ‘Sinfonía de los salmos’, de Igor Stranvinsky en València y Castelló de la Plana.

El prestigioso director británico debuta con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) en el último de los conciertos del ciclo ‘Les Arts és Simfònic’, programado el viernes, 10 de junio, en el Palau de les Arts (20.00 h), y el sábado 11 en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló de la Plana (19.30 h).

El actual titular de la Orquesta Hallé de Manchester y principal director invitado de la Filarmónica de Bergen dirige las formaciones más importantes de Europa y Estados Unidos. Artífice del crecimiento artístico de la English National Opera, compagina el repertorio sinfónico con el operístico, con trabajos en el Covent Garden de Londres, la Opéra de París o el Metropolitan de Nueva York.

Para su debut, ‘Sir’ Mark Elder propone dos obras de fascinante sonoridad y complejidad técnica con las que disfrutar de las excelencias de los cuerpos estables de Les Arts, que este mismo mes han culminado con excelencia uno de sus mayores desafíos artísticos con el estreno de ‘Wozzeck’ en València.

Igor Stravinsky compuso ‘Sinfonía de los salmos’ como encargo para celebrar el 50 aniversario de la Sinfónica de Boston. Basada en tres salmos del Libro de los Salmos de David y dedicada ‘a la gloria de Dios’, esta sinfonía coral está considerada como una de las obras sacras más brillantes del s. XX.

Adscrita al periodo neoclásico del compositor, está dividida en tres movimientos que se ejecutan sin interrupción. La austera y singular orquestación, que excluye violines, violas y clarinetes, la intervención del coro, que interpreta los textos extraídos de las versiones de la ‘Vulgata’ en latín, generan una turbadora sonoridad con la que Stravinsky alcanza las más altas cotas de elevación espiritual.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana clausurará el ciclo sinfónico con una de las obras más complejas y comprometidas del gran repertorio, ‘Ein Heldenleben’, de Richard Strauss, partitura brillante, enérgica y dotada de un colorido orquestal de impresionante riqueza.

Compuesto en 1898, el último poema sinfónico de Strauss es una alegoría en la que el autor retrata, mediante el léxico heroico, la vida del artista. Configurada en seis movimientos, contiene alusiones melódicas a poemas sinfónicos anteriores, a modo de autobiografía musical.

‘Ein Heldenleben’ es, además, una de las obras imprescindibles en la trayectoria de la OCV, con la que hizo su aplaudido debut en el Auditorio Nacional de Madrid en 2010 bajo la dirección de Zubin Mehta.

Mark Elder

‘Sir’ Mark Elder es director musical de la Orquesta Hallé de Mánchester desde 2000. A partir de septiembre de 2022 será principal director invitado de la Filarmónica de Bergen. Anteriormente desempeñó los cargos de director musical de la English National Opera (1979-1993) y de la Filarmónica de Rochester, Nueva York (1989-1994), además de los de principal director invitado de los London Mozart Players y de las sinfónicas Ciudad de Birmingham y la BBC.

El maestro británico dirige las orquestas más importantes del panorama internacional: Concertgebouw, París, Festival de Budapest, filarmónicas de Berlín y Londres y las sinfónicas de Boston y Chicago. Es artista principal de la Orchestra of the Age of Enlightenment, colabora regularmente con la Sinfónica de Londres y ha dirigido en los Proms durante muchos años.

Su presencia es también habitual en los principales teatros de ópera: Covent Garden, Metropolitan, las óperas de París y Chicago o el Festival de Glyndebourne. También ha sido invitado al Festival de Bayreuth (donde fue el primer director inglés en dirigir una nueva producción), Múnich, Ámsterdam, Zúrich, Ginebra, Berlín y al Festival de Bregenz.

Premios Teatro Real

José María Álvarez-Pallete, José Bogas, Florentino Pérez, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Christof Loy, Michael Fabiano, Carlos Álvarez y Santiago Moreno, recibieron anoche en el Teatro Real, en una gala dedicada a la mezzo Teresa Berganza y que estuvo presentada por Anne Igartiburu, los primeros premios que concede el Teatro a la actividad institucional y artística desarrollada en el coliseo.

La entrega de los galardones, esculturas donadas por Cristina Iglesias representando la embocadura de un escenario, fue la antesala de un concierto protagonizado por la mezzo Silvia Tro Santafé, excelente intérprete y gran admiradora de Teresa Berganza, fallecida el pasado 13 de mayo.

Los premios Teatro Real, según explicó en su intervención el presidente de la institución, Gregorio Marañón, se otorgan a “personas excepcionales” que han contribuido decisivamente con su apoyo y con su talento a hacer del Teatro Real “uno de los principales teatros de ópera del mundo, recuperando el prestigio que tuvo en el siglo XIX”. Marañón recordó que, aunque Teresa Berganza, patrona de Honor del Teatro, quiso irse en silencio, la emoción de sus interpretaciones acompañará siempre a todos.

El presidente de Telefónica, José María Álvarez-Pallete, aseguró, al recibir su galardón de manos de la vicepresidenta del Patronato del Teatro Real, Helena Revoredo, que “las puertas del Real, fábrica de recuerdos inolvidables, dan entrada a momentos únicos, momentos que muy pocos teatros del mundo son capaces de producir”.

Para el consejero delegado de Endesa, José Bogas, a quien entregó su escultura el director general del Teatro, Ignacio García-Belenguer, el Real, se ha convertido “en un referente mundial de gestión en el mundo de la ópera”, un camino en el que su empresa ha acompañado a la institución desde su reapertura, en 1997, y que tiene ahora en la plataforma audiovisual del coliseo, My Opera Plater, y en el proyecto Cerca de Ti, dos experiencias que les “entusiasman” y que definen su apuesta por el patrocinio de la cultura.

El presidente de ACS, Florentino Pérez, señaló, tras recibir su premio de manos del presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, que “en estos momentos se hace más evidente que nunca” que se debe mantener todo el esfuerzo en potenciar la cultura y el deporte, y subrayó que el Real es, en ese sentido, “una institución clave en la difusión de la cultura española”.

“Este galardón no es solo mi galardón, es el galardón de la gente del Teatro Real porque en este Teatro hay personas: hay orquesta, coro, técnicos, maestros, gente que trabaja todos los días para la música, para el teatro, para la esperanza, para el futuro”, afirmó en su turno el director de orquesta el maestro Nicola Luisotti, a quien entregó su galardón el embajador de Italia en España, Riccardo Guariglia.

“Solo quiero decir que cuando el resto del mundo esperó para actuar, actuó el Teatro Real, un teatro al que llamo mi hogar, mi casa. Es el líder mundial en mantener la cultura y, por eso, debemos permanecer agradecidos a todo el equipo de esta maravillosa compañía”, resaltó el tenor estadounidense Michael Fabiano, a quien hizo entrega de su premio la secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Gualda.

El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, fue el encargado de dárselo a la soprano letona Marina Rebeka, que hizo un dúo con Silvia Tro Santafé como colofón del concierto.

“Quería decir que este teatro ha sido siempre muy especial para mí. Esta Traviata –la que cantó en julio de 2020 con Fabiano como compañero en escena y Luisotti en el foso- estará siempre en mi memoria y mi corazón porque estábamos todos en casa, sin nada, sin trabajo… La pandemia se interponía contra la cultura y ahora cuando miro esta sala sin mascarillas pienso que ha sido una victoria”, afirmó Rebeka.

El director de escena alemán Christof Loy, responsable de la producción de Rusalka en 2021, recordó, tras entregarle su escultura la coordinadora general de la Alcaldía de Madrid, Matilde García Duarte, que su primera producción en el Teatro fue Capriccio, en 2019, y “fue amor a primera vista” porque el Real es, detalló, “una mezcla maravillosa de pasión y disciplina”.

El barítono Carlos Álvarez, a quien le dio su premio la patrona del Real y consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, se confesó “un privilegiado” por tener la suerte de pisar un teatro en el que trabaja “un gran equipo”. Afirmó que los artistas tienen la obligación de “seguir siendo un ejemplo para aquellos que tienen una necesidad de esperanza y de cultura”.

Cerró la ceremonia de entrega de premios el presidente del Comité Médico del Teatro, el jefe del servicio de Enfermedades Infecciosas del hospital madrileño Ramón y Cajal, Dr. Santiago Moreno, quien dedicó su galardón a todos los que trabajan en Sanidad, a quienes “han estado velando para que nuestra salud se mantuviera un poquito mejor”.

El Teatro Real, dijo tras recoger su premio de manos del director general adjunto del Teatro, Borja Ezcurra, ha sido “un ejemplo de lo bien que se pueden y se deben hacer las cosas (…) El Teatro aceptó, voluntariamente, el gran reto de no interrumpir su actividad durante plena pandemia. Era el único ejemplo en el mundo capaz de llevar a cabo semejante hazaña velando a toda costa por la seguridad de sus trabajadores y la del público. La travesía ha sido recorrida con éxito y figurará en los anales de la historia de los teatros de ópera”, añadió.

Fotografía: © Javier del Real | Teatro Real

Annalisa Stroppa

Una de las cantantes italianas más consolidadas del circuito lírico internacional, la mezzosoprano Annalisa Stroppa, regresa este mes de junio a Palma para despedir la temporada del Teatre Principal de la capital mallorquina. Lo hará con los papeles de La Musa, Nicklausse y La voix de la tombe, de la ópera de Offenbach Les contes d’Hoffmann en su vuelta al repertorio francés, en el que ha conseguido recientes éxitos como en la inauguración de la temporada del Teatro Massimo de Palermo con Carmen, de Bizet, cuyo rol titular también ha interpretado ante el público mallorquín.

Stroppa afirma sentirse “encantada” de meterse en la piel del estudiante Nicklausse, apariencia terrena de la musa de la poesía, quien intenta guiar, reconducir y hacer ver la realidad al enamoradizo Hoffmann. “Adoro interpretar personajes masculinos de vez en cuando”, comenta la mezzosoprano: “es un reto que me divierte y me apasiona; como mezzosoprano he interpretado varios roles en travesti, como Orfeo, Cherubino, Hansel, Roméo, Siebel, Stéfano o Ascanio. A Nicklausse ya le conozco, porque tuve la suerte de debutarlo hace dos temporadas en el Teatro San Carlo de Nápoles. Es un personaje que tiene un peso especial en esta apasionante ópera tanto a nivel escénico como vocal. Además en Palma se recuperarán algunas escenas que suelen cortarse”.

Stroppa debutó en Palma en “un momento delicado”, comenta, “justamente en marzo de 2020, antes de que la pandemia paralizara el mundo. Esa Carmen fue la última producción que canté antes de vivir ese momento tan difícil para la humanidad en el que tantas personas fallecieron especialmente en mi tierra, Brescia (en el norte de Italia), que en un primer momento fue el epicentro de la enfermedad en Europa. Me ayudó a superarlo el recuerdo de la maravillosa acogida del público mallorquín, por lo que tengo unas ganas enormes de reencontrarme con esa audiencia tan apasionada con un rol tan diferente al de hace dos años y en una tierra tan hermosa como la de las Islas Baleares; cantar en España es siempre una gran alegría: amo a su público, a sus fantásticos teatros, la comida, la gente y los bellísimos paisajes”, concluye. La producción de Les Contes d’Hoffmann (8, 10 y 12 de junio) cuenta con la dirección de escena de Vincent Huguet y musical de la maestra china Yi-Chen Lin.

Annalisa Stroppa concentra gran parte de su carrera en el repertorio belcantista (Rossini, Donizetti, Bellini) y en el del romanticismo francés, pero en sus próximos compromisos se abre al primer Verdi y a su Preziosilla (La forza del destino en el Festival Verdi de Parma) y además interpretará su primera Laura en La Gioconda, de Ponchielli, en Verona. Todo ello antes del importante debut con Léonor de Guzmán, la protagonista de La Favorite en el Festival Donizetti de Bérgamo, el certamen más importante del mundo dedicado al compositor italiano.

Marion Cotillard

Entre los días 7 y 17 de junio, el Teatro Real ofrecerá 8 funciones de una nueva coproducción con la Ópera de Frankfurt, que une la cantata La damoiselle élue (La doncella bienaventurada), de Claude Debussy (1862-1918) -con libreto del poeta y pintor inglés Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)- y el oratorio dramático Juana de Arco en la hoguera (Jeanne d’Arc au bûcher), de Arthur Honegger (1892-1955), con libreto del escritor Paul Claudel (1868-1955). Marion Cotillard

Las dos obras se presentan sin pausa, con dramaturgia y puesta en escena de Àlex Ollé (La Fura dels Baus), en un decorado único concebido por Alfons Flores, con figurinismo de Lluc Castells, iluminación de Joachim Klein y Urs Shönebaum y vídeo de Franc Aleu.

Creada por encargo de la bailarina, actriz y mecenas franco-ucraniana Ida Rubinstein (1885-1960), Juana de Arco en la hoguera se estrenó en versión de concierto en 1938. Sin embargo, las atrocidades del nazismo y la ocupación de Francia llevaron a Paul Claudel y Arthur Honegger a añadir posteriormente un prólogo que uniera más claramente la tragedia de Juana de Arco en la Guerra de los Cien Años y la brutal expansión alemana en la Segunda Guerra Mundial.

Esta segunda versión, con prólogo y 11 escenas, estrenada en 1946, es la que se verá en el Teatro Real. En ella, Juana de Arco (Marion Cotillard), en la pira que la quemará, recuerda desordenadamente momentos de su vida en un doble flashback por el que van desfilando una serie de personajes distorsionados: un juez-cerdo, un fiscal-burro, un jurado de ovejas, una masa ruidosa de hombres bestializados, pero también la virgen, santas y niños.

La música, con una orquestación original -que incluye dos pianos, tres saxofones, ondas martenot, etc.- se sucede como un mosaico de lenguajes, estilos e influencias que van del canto gregoriano y el contrapunto a las melodías de inspiración folclórica y jazzística, sin rehuir las disonancias, con una escritura coral de gran complejidad y vigor dramático.

Àlex Ollé concibe la producción como una distopía, con un mundo arrasado por las mismas hordas deshumanizadas que han devastado Europa en el siglo XV de Juana de Arco, en el siglo XX de Claudel y Honegger y en siglo XXI, más allá de nosotros: un universo de bestias manipuladoras y de chusmas gregarias del que solo la muerte, la espiritualidad y la fe nos pueden liberar. Ese plano inmaterial y trascendente, donde habitan la virgen y los santos -representado, en el decorado de Alfons Flores, por la mitad superior del escenario- es también el reino celestial donde La demoiselle élue, La doncella bienaventurada, espera a su amante, que vive aún en el mundo real, para, después de la muerte, unirse a ella en la eternidad del amor. Este universo intangible, de paz y serenidad, es el mismo que le espera a Juana de Arco más allá de la pira y el fuego exterminador, uniendo a las dos protagonistas como el díptico de un retablo.

La cantata de Claude Debussy, con reminiscencias de los pasajes más trascendentes y etéreos de Richard Wagner, será protagonizada por la soprano Camilla Tilling, la mezzosoprano Enkelejda Shkosa y un coro de voces femeninas que cantan fragmentos del poema simbolista The Blessed Damozel, de Dante Gabriel Rossetti, que también pintó el retrato de la heroína (actualmente en el Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard).

El final evanescente de La demoiselle élue da paso al tenebroso Prólogo de Juana de Arco en la hoguera, protagonizado por Marion Cotillard, junto al actor Sébastien Dutrieux (Fray Dominique), las sopranos Sylvia Schwartz (La virgen) y Elena Copons (Marguerite), la mezzosoprano Enkelejda Shkoza (Catherine), el tenor Charles Workman (Porcus), el bajo-barítono Torben Jügens (Heraldo), el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la JORCAM, bajo la dirección musical de Juanjo Mena.

Juana de Arco en la hoguera se interpretó en el Teatro Real, en versión de concierto, en 1971 -protagonizada por Claude Nollier, con el Coro y la Orquesta de RTVE dirigida por Odón Alonso- y en 1978, con la actriz Lilliane Becker en el rol titular, junto a la Orquesta Nacional de España y el Orfeón Pamplonés bajo la dirección de Pedro Pirfano. Llega ahora, por primera vez, con una versión escénica que muestra cómo la barbarie y el fragor de la guerra siguen devastando el gran teatro del mundo.

Premios Teatro Real

El barítono español Carlos Álvarez y el tenor estadounidense Michael Fabiano; el director de orquesta italiano Nicola Luisotti; el director de escena alemán Christof Loy y la soprano letona Marina Rebeka, son los ganadores artísticos de la primera edición de los Premios Teatro Real, que se entregarán el próximo 6 de junio en una Gala protagonizada por la mezzosoprano española Silvia Tro Santafé.

Estos premios se unen a los ya anunciados, en la categoría institucional, a José María Álvarez-Pallete, José Bogas y Florentino Pérez, además de al doctor Santiago Moreno, presidente del Comité Médico del Teatro Real.

Los galardones de la categoría artística se conceden a Christof Loy, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Carlos Álvarez y Michael Fabiano por su gran temporada artística en el Teatro Real. Los artistas, parte de la “Gran Familia” del Teatro Real, han regalado con su talento un viaje a mundos que solo ellos pueden construir.

El próximo 6 de junio, a las 19.30 horas, el Teatro Real entregará, en una Gala especial, los galardones, que tienen como objetivo reconocer el mérito de personalidades y artistas vinculados al Real y que han destacado, de manera especial, por su apoyo a la institución a lo largo de la temporada 2020-2021.

En esta ocasión, la Gala estará dedicada a la fallecida mezzosoprano Teresa Berganza, Patrona de Honor del Teatro, cuya impronta estará presente en algunas de las piezas elegidas para el concierto.

Las distinciones, distribuidas en dos categorías, institucional y artística, nacen con vocación de continuidad. El premio es una magnífica obra de la escultora Cristina Iglesias, realizada generosamente por la gran artista para el Teatro Real.

Lara Diloy
Lara Diloy, la naturalidad al frente de una orquesta

Lara Diloy encontró en la dirección de orquesta la mejor manera de vincularse a su mayor pasión, la música. Como directora asistente es toda una garantía para teatros y directores titulares. Y hemos podido comprobarlo recientemente, dirigiendo algunas funciones de la opera Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela. Su seguridad y actitud al frente de una orquesta nos demuestra que estamos ante uno de los nuevos talentos de la dirección en nuestro país. El futuro ya está aquí.

¿Cómo y cuándo decide que quiere ser directora de orquesta?

En mi caso ha sido una consecuencia natural de mi dedicación y pasión por la música. Desde pequeña descubrí que hacer música junto a otras personas me hacía muy feliz. La orquesta era mi hogar, por eso cuando terminé los estudios superiores de trompa y sentí que necesitaba ampliar mi formación para convertirme en un músico más completo, la opción fue estudiar dirección de orquesta, ya que esta disciplina me permitía profundizar mis conocimientos manteniéndome ligada a la orquesta.

Si tengo que elegir un momento clave en el que decidí dedicarme profesionalmente a ello, fue participando en un encuentro de la JONDE como joven directora. Me llenó tanto la experiencia que el curso siguiente dejé mi trabajo como docente y las colaboraciones como trompista en orquestas, y desde entonces me he volcado en cuerpo y alma a la dirección.

El director de orquesta es el único músico que no emite ningún sonido, pero consigue que lo hagan todos los demás. ¿Qué cualidades considera que debe tener un director de orquesta?

Cierto es que nosotros no emitimos ningún sonido de forma directa, pero apuntaré que la batuta suena (y mucho). La orquesta percibe nuestra energía y nuestro conocimiento de la música, y como tal lo traslada a la interpretación. Esa es la magia de la dirección de orquesta.

Las cualidades necesarias son múltiples ya que nuestra disciplina requiere del dominio de muchas facetas. Pero algo que considero fundamental es tener un profundo conocimiento de la música que tienes entre manos, decidir tu idea interpretativa y, por supuesto, tener la capacidad de comunicación para transmitirla al grupo que tienes delante en cada momento.

Ha sido en varias ocasiones directora asistente en el Teatro de la Zarzuela, pero esta es la primera vez en la que le ha tocado sustituir al maestro titular en varias funciones. Aunque, tarde o temprano puede llegar ese momento, ¿cómo es?, ¿qué pasó por su cabeza?

Realmente ha sido una experiencia inolvidable. Aunque como asistente eres consciente de que en cualquier momento puede pasar algo y hay que sustituir al maestro, habitualmente no suele suceder. Por ello es difícil saber cómo vas a reaccionar en una situación así.

En Don Gil de Alcalá me ha tocado tomar el mando en pocas horas (me avisaron a las 15h y la función era a las 20h), y puedo decir que solamente pensé en hacer lo que tenía que hacer: estar tranquila y dirigir. Conocía perfectamente la música y la producción, y además estaba arropada por el maestro desde la distancia y por todo el teatro. Se generó una energía fantástica con los cantantes, el coro y la orquesta, y esa energía llegó al público. Solo puedo estar agradecida por esta oportunidad.

Aunque ha tenido la oportunidad de dirigir en teatros importantes como Auditorio Nacional de Música y Teatro Monumental (Madrid), Auditorio Alfredo Kraus (Las Palmas de Gran Canaria) o el Teatro Arriaga (Bilbao), ¿cómo ha sido esta primera experiencia al frente de la Orquesta, el Coro y el cuadro de cantantes en una producción tan importante como la de Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela?

Es un debut muy especial para mí por muchas razones. En primer lugar, porque debutar en el Teatro de la Zarzuela es un sueño cumplido. Llevo años asistiendo como público, participando en diversas producciones y trabajando con ilusión para llegar a dirigir desde el foso.

Me siento muy afortunada de que haya sido con un título como Don Gil de Alcalá, una ópera de Penella con una música maravillosa, en esta producción de Emilio Sagi que hace las delicias de los espectadores (es un “caramelo”). Si a eso le sumas haber trabajado mano a mano con el maestro Macías y un elenco enorme en lo profesional y en lo humano, y hacer música con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro, agrupaciones a las que tengo gran cariño, es emoción pura haber vivido esta experiencia, por lo que siempre ocupará un lugar importante en mi memoria.

La figura de director asistente no es muy conocida. Explíquenos un poco en qué consiste y la importancia que tiene en una producción.

La labor que realiza el asistente musical es fundamental dentro de una producción y, como afirmas, poco conocida y reconocida. Es la extensión del maestro musical en el Teatro, y por ello adquiere importancia esta figura para todos los elementos que lo forman: producción, regiduría, equipo técnico, orquesta (archivo, inspección, músicos), coro… El director asistente se encarga de cuestiones como preparar los materiales en coordinación con el archivo de la orquesta, dar notas a los cantantes, al coro y la orquesta, de escuchar los balances en los ensayos, sustituir al maestro en ensayos de escena (lecturas, conjuntos y funciones si fuera necesario)… Junto con los maestros repetidores forman el equipo musical y facilitan el trabajo del director.

Cuando hay bandas internas, se hace cargo de dirigirlas, algo que en mi caso he tenido que hacer en teatros como el de la Maestranza o el Palau de Les Arts. La carga de trabajo se amplía cuando eres asistente musical de una Temporada. Desde 2021 he asumido este rol en la Ópera de Oviedo, donde además realizo labores de coordinación musical que tienen que ver con el largo plazo (previsión de plantillas, cortes, disposición de la orquesta y un largo etc.)

El trabajo del director asistente no solamente es importante en producciones, también en conciertos sinfónicos o galas líricas. Recientemente he sido asistente en el Teatro Real junto al maestro Rovaris, en una gala con Lisette Oropesa, y la coordinación con el archivo del teatro y el maestro para preparar los materiales fue fundamental para optimizar al máximo el tiempo de ensayo.

Además de la dirección de orquesta, es directora y fundadora del coro de voces blancas Sinan Kay, que hemos podido escuchar estos días participando en Carmen, de Bizet, en el Teatro Monumental con la Orquesta y Coro de RTVE. ¿Cómo surgió este proyecto y qué supone para usted?

Sinan Kay es un proyecto muy personal. Surge de mi etapa como docente, donde me hice cargo del coro infantil del centro en que trabajaba. La agrupación desapareció de la programación y los padres y alumnos quisieron continuar con la actividad. Se constituyó como asociación en el curso 2015/2016 y desde entonces hemos buscado siempre un equilibrio entre la excelencia artística y pedagógica.

Además de contar con un equipo docente multidisciplinar, hemos participado en numerosos concursos y festivales, siendo premiados en varias ocasiones. En cuanto a colaboraciones, hemos cantado en producciones del Teatro de la Zarzuela junto a la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro destacando títulos como Pinocchio, El Gato Montés o Mirentxu, y junto a la Orquesta y Coro de Radio Televisión Española en el Concierto de Reyes de 2020 y en esta Carmen. La próxima temporada volvemos a tener compromisos con ambas instituciones.

Su conocimiento del repertorio sinfónico y operístico es muy amplio. Si tuviera que decantarse por alguno de los dos, ¿prefiere dirigir “sólo” orquestas sinfónicas o prefiere la ópera?

He tocado en orquesta desde los 12 años. El repertorio sinfónico me ha acompañado siempre y me ha hecho crecer como músico. No podría concebir dedicarme a la dirección de orquesta dejando de lado ese repertorio. Aún así, creo que en el mundo lírico estoy encontrando mi espacio. Me siento cómoda y mi alta dedicación a ello en los últimos años está dando sus frutos. En una producción se trabaja durante varias semanas, hay más tiempo para profundizar en la música y para conocer a las personas con las que trabajas, y esa parte me hace inclinar la balanza hacia la ópera y zarzuela, aunque me gustaría combinar ambas.

Usted ha dicho que las mujeres llegan a la dirección de orquesta para darle otro punto de vista, enriquecer… ¿cuál es el suyo?, ¿qué propone Lara Diloy batuta en mano?

Por supuesto, considero que la inclusión de nuevos perfiles en cualquier campo es enriquecedora. Aunque quizá mi aportación no es nueva, sí creo que es poco frecuente: tratar la profesión con naturalidad (somos personas preparadas para hacer un trabajo complejo, pero no “divos” ni nada parecido), con un liderazgo basado en el trabajo en equipo y en hacer que los demás brillen, y buscando la excelencia desde el amor por la música y el respeto y cariño por las personas que me acompañan en cada proyecto.

¿Hay algún director en el que se fije especialmente o le inspire?

En el último año he tenido la fortuna de trabajar con maestros maravillosos: Yves Abel, Corrado Rovaris, Ramón Tebar, Gianluca Marcianó, Lucas Macías, Iván López-Reynoso, Daniele Callegari… De ellos he aprendido mucho y son mi mayor fuente de inspiración en el día a día.

También tengo mucho que agradecer a Óliver Díaz, con quien trabajo desde hace tiempo, que destaca por su profesionalidad y talla humana. Además, sigo a directores españoles o que están haciendo carrera en España como Pablo González o Dima Slobodeniouk, ya que son músicos de gran talento.

En cuanto a grandes nombres de la historia, Carlos Kleiber es un referente que siempre tengo en mente. Y también mujeres como Marin Alsop o Susanna Mälkki que han sido pioneras y nos han abierto camino.

¿Hay algún compositor u obra que le guste especialmente dirigir y por qué?

Me siento muy cómoda dirigiendo repertorio español, tanto lírico como sinfónico, y también con música de compositores como Mozart y Beethoven. Quizá porque han sido los pilares de mi formación como músico y se adhieren en el ADN. Aún así, cada vez estoy incorporando más repertorio y, aunque suene a tópico, intento que la obra que estoy interpretando o estudiando en cada momento sea la más maravillosa del mundo.

Seguro que ya está cumpliendo alguno de sus sueños. ¿Dónde le gustaría verse dentro de no mucho tiempo?, ¿con qué sueña?

El más importante se está realizando, que es poder vivir de la dirección de orquesta. A partir de ahí me gustaría siempre seguir superándome y mejorando, afianzar mi carrera en los teatros y orquestas españolas, y despegar con una carrera internacional.

Aquiles nueva temporada Teatro Real

La temporada 2022-2023 del Teatro Real comienza bajo el signo de OrfeoOrphée, de Philip Glass, se estrenará en España el próximo 21 de septiembre en los Teatros del Canal- y su embrujo transitará por toda la temporada, con la presentación de L’Orfeo, de Claudio Monteverdi y Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

Debido a las complejas obras de renovación del suelo de la caja escénica, después de 25 años de utilización máxima e ininterrumpida, la inauguración oficial de la Temporada 2022-2023 será el 24 de octubre, con la reposición de la espectacular Aida, de Giuseppe Verdi, concebida y renovada por Hugo de Ana, bajo la dirección musical de Nicola Luisotti.

Una vez más, la Temporada del Teatro Real, con una gran variedad de épocas y estilos, recorre cinco siglos de creación musical [ver tabla abajo] y está compuesta por 18 obras en el apartado de ÓPERA, 4 programas de DANZA, 15 CONCIERTOS 4 Voces del Real, 3 conciertos líricos, 2 Galas y 6 conciertos del ciclo Los domingos de cámara-. Se completa con 9 espectáculos para niños y adolescentes enmarcados en EL REAL JUNIOR, además de los 9 talleres infantiles ¡Todos a la Gayarre!

De los 18 títulos de ÓPERA, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto [ver tabla abajo].

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

De las 8 nuevas coproduciones del Teatro Real, 5 son producciones que se presentan primero en Madrid y posteriormente en los demás teatros coproductores: Orphée, de Philip Glass; La sonnambula, de Vincenzo Bellini; Dido and Aeneas, de Henry Purcell; Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; e Il turco in Italia, de Gioachino Rossini.

En su compromiso con la recuperación del patrimonio lírico español, el Teatro Real presentará dos obras barrocas del siglo XVIII, estrenadas durante el reinado de Felipe V: la ópera Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli y la zarzuela Coronis, de Sebastián Durón, entonces Maestro de la Real Capilla de Madrid.

   ÓPERAS DE LA TEMPORADA

 

Nuevas coproducciones

 

 

 

 

 

 

 

Producciones

invitadas 

 

Reposiciones

 

Versiones

semiescenificadas  

 

Versiones de

concierto 

 

 

Orphée*, de Philip Glass | Estreno en España

La sonnambula*, de Vincenzo Bellini

Dido y Eneas*de Henry Purcell

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid

Aquiles en Esciros*, de Francesco Corselli

La narizde Dmitri Shostakóvich | Estreno en Madrid (versión escénica)

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España

Il turco in Italia*, de Gioachino Rossini

 

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid

 

Aidade Giuseppe Verdi

Turandot, de Giacomo Puccini

 

Tristán e Isolda, de Richard Wagner

 Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España

 

El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

Tolomeo, rey de Egiptode Georg Friedrich Händel

Coronis, de Sebastián Durón (versión de concierto)

Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

*Estreno de la producción antes de presentarse en los teatros coproductores

              ÓPERAS POR ORDEN CRONOLÓGICO DE CREACIÓN

Siglo XVII

 

 

Siglo XVIII

 

 

Siglo XIX

 

 

 

Siglo XX

 

 

 

 

 

 

 Siglo XXI

 

 

                      

1607 – L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

1689 – Dido y Eneasde Henry Purcell

16…* – Coronis, de Sebastián Durón

1728 – Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel

1744 – Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli

1762 – Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

1814 – Il turco in Italia, de Gioachino Rossini

1831 – La sonnambula, de Vincenzo Bellini

1865 – Tristán e Isolda, de Richard Wagner

1871 – Aidade Giuseppe Verdi

1923 – El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

1926 – Turandot, de Giacomo Puccini

1930 – La narizde Dmitri Shostakóvich

1933 – Arabella, de Richard Strauss

1987 – Nixon in China, de John Adams

1989 – Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich

1993 – Orphée, de Philip Glass

2019 – Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané

* Fecha de estreno desconocida

Por primera vez en la historia del Teatro Real

Los Teatros del Canal acogerán 3 producciones –Orphée, de Philip Glass; Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané; y Dido y Eneas, de Henry Purcell- y el Círculo de Bellas Artes presentará Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich.

En la dirección de escena destaca, la próxima temporada, la presencia de 4 mujeres: Mariame Clément (Aquiles en Esciros), Bárbara Lluch (La sonnambula), Sasha Waltz (L’Orfeo) y Blanca Li (Dido y Eneas), las dos últimas también coreógrafas.

Vuelven al Real Christof Loy (Arabella), Laurent Pelly (Il turco in Italia), Bob Wilson (Turandot), Barrie Kosky (La nariz), John Fulljames (Nixon in China), Justin Way (Tristán e Isolda), Rafael Villalobos (Orphée) y Hugo de Ana (Aida) y debutan Marc Rosich (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y Johannes Stepanek (Anti-formalist Rayok), además de las citadas Mariame Clément, Bárbara Lluch y Blanca Li.

Entre la dirección musical tienen una presencia más relevante, como siempre, Ivor Bolton (Aquiles en Esciros y Nixon in China) y Nicola Luisotti (Aida y Turandot).

Vuelven al Real Semyon Bychkov (Tristán e Isolda), Maurizio Benini (La sonnambula), Daniel Oren (Aida), David Afkam (Arabella), Mark Wigglesworth (La nariz), Diego García Rodríguez (Aida), Jordi Francés (Orphée) y Francesc Prat (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y, con orquestas invitadas, Pablo Heras-Casado (El retablo de Maese Pedro), William Christie (Dido y Eneas), René Jacobs (Orfeo ed Euridice), Vicent Dumestre (Coronis) y Francesco Corti (Tolomeo, rey de Egipto).

Debutan en el Real Giacomo Sagripanti (Il turco in Italia) y Leonardo García Alarcón (L’Orfeo), este con la Freiburger Barockorchester.

Seis orquestas y dos coros invitados participarán en la temporada: la Freiburger Barockorchester y el Vocalconsort Berlin en L’Orfeo, de Claudio Monteverdi; Les Arts Florissants en Dido y Eneas, de Henry Purcell; la Orquesta Barroca de Sevilla en Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; la Mahler Chamber Orchestra en  El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla, y en la Suite Pulcinella, de Ígor Stravisnki; Il Pomo d’Oro en Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel; Le Poème Harmonique en Coronis, de Sebastián Durón; y la Freiburger Barockorchester y el RIAS Kammerchor en Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

El Coro Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Andrés Máspero, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con su director titular, Ivor Bolton, que gozan de un creciente prestigio nacional e internacional, participarán en gran parte de la programación, consolidando los vínculos con sus directores principales invitados, Nicola Luisotti y Pablo Heras-Casado.

Paralelamente a los títulos de la temporada se ofrece un ambicioso programa de ACTIVIDADES PARALELASciclos de cine, exposiciones, conciertos, conferencias, cursos, mesas redondas, talleres, visitas guiadas, actividades infantiles, etc.- organizadas en el Teatro Real y en colaboración con 28 instituciones culturales (por orden alfabético):  Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque), Biblioteca Nacional de España, Biblioteca Regional de Madrid Joaquín Leguina, British Council, Casa Asia, Casa de América, Círculo de Bellas Artes, Filmoteca Española Cine Doré, Fundación Pastor, Fundación Sgae, Instituto Cervantes, Instituto Italiano di Cultura di Madrid, International Institute, Museo Arqueológico Nacional, Museo Cerralbo, Museo de Historia de Madrid, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional de Artes Decorativas, Museo Nacional del Romanticismo, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Museo Naval, Patrimonio Nacional, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Red Cooperación Rutas de Carlos V, Residencia de Estudiantes, Sala Equis y Universidad Nebrija.

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer.

La próxima temporada se organizarán 4 Preestrenos Jóvenes para menores de 35 años y seguirán las ventajas y descuentos en la compra de localidades a través de la Butaca Joven o de las localidades de Último Minuto.

La SEMANA DE LA ÓPERA, con sus retransmisiones y actividades populares para la divulgación de la ópera, y la CARROZA DEL REAL, un escenario ambulante siempre preparado para ofrecer conciertos de cámara en distintos lugares del país, son dos de los proyectos más destacados enmarcados en el programa TEATRO REAL CERCA DE TI, con vigencia hasta el final de la temporada.

Además de su programación artística, el Teatro Real sigue afianzando el diálogo con otros tipos de música, coproduciendo en los meses estivales el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL  y, a lo largo de la temporada, las actuaciones de baile y cante de FLAMENCO REAL, que tienen lugar los jueves y viernes en su Salón de Baile.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones en directo en MY OPERA PLAYER, cuyo catálogo sigue creciendo con la incorporación regular de nuevas ofertas procedentes de más de 50 teatros y auditorios de todo el mundo. Recientemente se ha creado dentro de la plataforma un espacio dedicado únicamente al flamenco, con una pestaña propia, para impulsar la difusión de este arte español a nuevos públicos de todo el mundo.

PROGRAMACIÓN DE ÓPERA

Orphée, de Philip Glass | Estreno en España | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal.

Estrenada en 1993, esta ópera de cámara de Philip Glass, con texto de Jean Cocteau, es un canto de despedida del poeta francés a su joven amante y, medio siglo más tarde, del compositor a su compañera.

Rafael Villalobos, que triunfó con el estreno mundial de Marie, de Germán Alonso, en la pasada temporada, llevará a escena el desgarrador duelo de Orfeo y su camino de liberación, con la complicidad de un doble elenco mayoritariamente español, bajo la dirección de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

21 septiembre – 25 septiembre | 5 funciones | 2 repartos | Teatros del Canal 

Aida, Giuseppe Verdi | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con la Abu Dhabi Music and Arts Foundation, basada en la producción original del Teatro Real de 1998.

Aida inaugura la temporada lírica del Teatro Real, precedida de un preestreno para jóvenes menores de 35 años, el 21 de octubre.

La renovada producción concebida por Hugo de Ana en 1998 vuelve bajo la infalible batuta de Nicola Luisotti, que se alternará en el foso con Daniel Oren y Diego García Rodríguez al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Tres repartos de estrellas verdianas encabezados, en el rol titular, por Krassimira Stoyanova, Maria Agresta, Roberta Mantegna y Anna Netrebko, se alternarán en las 20 representaciones, en las que participarán también, entre otros, Piotr Beczala, Jorge de León, Carlos Álvarez, Artur Rucinski, Jamie Barton y Sonia Ganassi.

24 octubre – 14 noviembre | 20 funciones | 3 reparto

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi | Producción invitada

Producción de Sasha Waltz & Guests, en colaboración con la Dutch National Opera Amsterdam, el Gran Théâtre du Luxemburg, el Bergen International Festival y la Opéra de Lille.

La coreógrafa Sasha Waltz, que presentó en el Teatro Real, en 2019, su versión de Dido y Eneas, de Henry Purcell, vuelve con una nueva ceremonia ritual coreográfica, evocadora de celebraciones ancestrales, en una producción ya icónica que triunfó en varios teatros y festivales europeos. El director musical argentino Leonardo García Alarcón debuta en el Teatro Real al frente de un reparto de cantantes del universo barroco, junto al Vocalconsort Berlin y a la Freiburger Barockorchester.

20 noviembre – 24 noviembre | 4 funciones | 1 reparto

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real | Producción invitada

Producción de la Òpera de Butxaca i Nova Creació, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Festival Castell de Peralada.

Partiendo de la novela de caballerías Tirant lo Blanc, de Joanot Martorell, el compositor Joan Magrané y el libretista y director de escena Marc Rosich han creado una ópera de cámara como una ‘batalla de amor’ medieval, que se desarrolla en una instalación lumínica de Jaume Plensa, donde los tres protagonistas glosan el amor y el desamor, junto a solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Francesc Prat.

23 noviembre – 27 noviembre | 4 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal

La sonnambula, de Vincenzo Bellini | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el New National Theatre Tokio, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro Massimo di Palermo.

Nadine Sierra y Xabier Anduaga, y Jessica Pratt y Lawrence Brownlee, encabezan los dos repartos que traerán al escenario del Real la ópera de Bellini, icono del belcantismo romántico, en la visión lúcida, moderna y feminista de Bárbara Lluch, que debuta en el Teatro Real como directora de escena, después de más de una década de asiduas colaboraciones como asistente. Maurizio Benini, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, será el responsable de la dirección musical de la ópera, con la seriedad y elegancia que requiere este tipo de repertorio.

15 diciembre – 6 enero | 13 funciones | 2 repartos

Dido y Eneas, de Henry Purcell | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal, en coproducción con la Opéra Royal de Versailles, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Théâtre Impérial de Compiegne y Les Arts Florissants.

Este canto inconsolable de una reina abandonada por su amante, joya del barroco inglés, se estrenó en 1689 en una ‘School for Girls’, situación muy inspiradora para abordar la ópera desde el universo femenino de la gran coreógrafa Blanca Li, que será la responsable de llevar a escena la ópera de Purcell, contando para ello con la versatilidad y maestría de Les Arts Florissants, con William Christie en la dirección musical.

17 enero – 22 enero | 5 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal 

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real procedente de la Oper Frankfurt.

Vuelve Christof Loy con un título de Richard Strauss después del éxito de su Capriccio, en 2019, de nuevo con una producción llena de texturas interpretativas, que transita entre los personajes reales y espectrales, explorando el trasfondo de una comedia glamourosa y poética, pero también inquietante y trágica.
David Afkham, director titular de la ONE, volverá al foso del Teatro Real, al frente de un elenco coral encabezado por la soprano Sara Jakubiac y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

24 enero – 12 febrero | 7 funciones | 1 reparto

Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio musical español

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Theater an der Wien.

Ivor Bolton capitanea la recuperación de esta ópera desconocida del barroco español, al frente de la Orquesta Barroca de Sevilla, del Coro Titular del Teatro Real y de un elenco encabezado por el contratenor Franco Fagioli, que interpreta a Aquiles travestido, cuando su madre lo disfraza de mujer y lo envía a la isla de Esciros para impedir su participación en la guerra de Troya.

Mariame Clément sitúa la trama en la corte de Felipe V, con la participación de la infanta María Teresa Rafaela, cuyos esponsales con el delfín de Francia, hijo del Rey Sol, se celebraron con esta ópera.

17 febrero – 25 febrero | 5 funciones | 1 reparto

El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla| Suite Pulcinella, de Ígor Stravinski | Versión de concierto

Pablo Heras-Casado, al frente de la prestigiosa Mahler Chamber Orchestra, con la que trabaja regularmente, evocará el teatro popular del Siglo de Oro con el mosaico cervantino de Manuel de Falla inspirado en las fechorías de Maese Pedro, y explorará el universo burlesco y ampuloso de la commedia dell’arte, a través de Ígor Stravisnki.

18 febrero | 1 función

La nariz, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en versión escénica en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Royal Opera House, la Komische Oper Berlin y Opera Australia.

La imaginación desbordante e irreverente de Barrie Kosky -conocido por el público del Real por su exitosa versión de La flauta mágica en cine de animación- está patente en esta sorprendente y ácida ópera de Shostakóvich, por la que desfilan más de 80 personajes que gravitan en el mundo grotesco de un burócrata amargado, interpretado por Martin Winkler. El elenco, mayoritariamente eslavo, contará con la participación de Anne Igartiburu en el papel de presentadora de televisión.

La dirección musical será del inglés Mark Wigglesworth, quien volverá a dirigir el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después del éxito, en 2018, con Dead Man Walking, de Jake Heggie.

13 marzo – 30 marzo | 7 funciones | 1 reparto

Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta pequeña ópera de cámara grotesca, marginal y maldita entrelaza fragmentos de supuestos discursos esperpénticos de autoridades soviéticas con música folclórica y evocaciones de marchas militares, en una nada disimulada crítica al régimen comunista que provocó la ocultación de la partitura hasta después del fallecimiento del compositor. Se presentará como complemento a La nariz, en versión semiescenificada de Johannes Stepanek, con cantantes del Coro Titular del Teatro Real, el bajo Alexander Teliga y un grupo instrumental con Judith Jáuregui al piano.

26 marzo | 1 función | Círculo de Bellas Artes

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera.

El Teatro Real estrena en España esta ya clásica ópera de John Adams, que recrea la visita del presidente de Estados Unidos, Richard Nixon, a China, en 1972, en el marco del megalómano ceremonial maoísta, en plena guerra fría.

En la partitura se articulan arias, dúos, concertantes, coro y ballet, emulando la tradición operística decimonónica con una clara crítica a la parafernalia del poder, que subraya la puesta en escena de John Fulljames.

La dirección musical es de Ivor Bolton, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y un elenco del que forman parte Leigh Melrose, Sarah Tynan, Jacques Imbrailo, Alfred Kim, Audrey Luna y Borja Quiza, entre otros.

17 abril – 2 mayo | 7 funciones | 1 reparto

Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel | Ópera en versión de concierto

Prosigue la presentación de la fabulosa producción operística de HändeI en las temporadas del Teatro Real. Después de Alcina (2015), Rodelinda (2017), Ariodante (2018), Agripina (2017) y Parténope (2021), vuelve

Tolomeo, rey de Egipto -ofrecida en 2009- protagonizada por un reparto especializado en el Barroco encabezado por el contratenor Jakub Jósef Orlinski, junto a la orquesta Il Pomo d’Oro, con dirección musical de Francesco Corti.

23 abril | 1 función

Tristán e Isolda, de Richard Wagner | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta obra maestra de todos los tiempos, fuente de inagotables análisis musicales y filosóficos, y de vuelos emocionales y trascendentales, vuelve con un reparto de lujo, con Andreas Schager y Ingela Brimberg en los papeles titulares y dirección actoral de Justin Way.

Semyon Bychkov asumirá la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

25 abril y 6 mayo | 4 funciones | 1 reparto

Il turco in Italia, de Gioachino Rossini | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Opéra de Lyon y el New National Theatre Tokyo

Laurent Pelly será el encargado de ayudar al poeta Prosdocimo, protagonista de Il turco in Italia, a encontrar la trama para su obra literaria, desenredando los embrollos libidinosos en los que se meten sus personajes, en un continuo y jugoso juego de disfraces, bajo el cual laten los grandes dilemas del alma.

La dirección musical será de Giacomo Sagripanti, que debuta en el Teatro Real al frente de un reparto que incluye muchos cantantes que nunca han actuado en su escenario, junto a otros muy queridos del público, como Lisette Oropesa, Pietro Spagnoli o Sara Blanch.

31     mayo – 12 junio | 10 funciones | 2 repartos

Coronis, de Sebastián Durón | Zarzuela en versión de concierto | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio español

El trabajo de los musicólogos españoles está descubriendo partituras sorprendentes como la de esta zarzuela, íntegramente cantada, atribuida al compositor Sebastián Durón, que entrelaza historias de dioses y ninfas, trágicas y burlescas, con una música que delata la influencia francesa e italiana, pero también la herencia musical hispana que pretende reivindicar. Vincent Dumestre, gran conocedor del repertorio barroco, estará al frente de un reparto internacional y de la Orquesta Le Poème Harmonique.

10 junio | 1 función

Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck | Ópera en versión de concierto

René Jacobs, verdadero patriarca en la recuperación e interpretación del repertorio barroco y clásico, traerá al Real un título que demostrará, una vez más, su veteranía en la lectura musical historicista, contando para ello con tres de sus habituales cantantes solistas, junto al RIAS Kammerchor y la Freiburger Barockorchester.

13 junio | 1 función

Turandot, Giacomo Puccini | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company de Toronto, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris.

El carismático lenguaje visual y dramatúrgico de Bob Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, se ha revelado ideal para contar la leyenda de la sanguinaria princesa China, enmarcada en un espacio escenográfico que entronca con el milenario teatro de sombras oriental.

Después de triunfar en París, Toronto y en MyOperaPlayer, esta producción vuelve al teatro donde nació, de nuevo bajo la dirección de Nicola Luisotti, con tres repartos excepcionales encabezados por Anna Pirozzi, Elena Pankratova y Saioa Hernández, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

3 julio – 22 julio | 17 funciones | 3 repartos

PROGRAMACIÓN DE DANZA

La programación de danza ofrece una de las propuestas más seductoras de los últimos años con la presencia de 4 compañías que, con diferentes estilos, tendrán en el Real un especial punto de partida. Inaugura la Temporada la Compañía Nacional de Danza con un Tributo a Jiři Kylian, con trabajos coreográficos de Nacho Duato, Andrea Schermoly, Sol León, Paul Lightfoot y el propio Kylian.

Sasha Waltz & Guests regresa con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para mostrar L’Orfeo de Monteverdi desde otra perspectiva. El New York City Ballet presentará en el Teatro Real dos míticas coreografías de Georges Balanchine y una de reciente factura del creador Justin Peck, toda una muestra de la personalidad de la compañía. Y cerrará el ciclo el English National Ballet con la adaptación del clásico Raymonda, con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa y cuya gira internacional, para mostrar este trabajo, dará comienzo en Madrid.

La Compañía Nacional de Danza inaugurará la temporada de danza del Teatro Real, con un tributo al bailarín y coreógrafo checo Jiří Kylián, de la mano de cuatro creadores con un fuerte vínculo artístico y personal con el maestro de la danza contemporánea y su compañía de referencia, el Nederlands Dans Theater. Ellos son Nacho Duato, Sol León, Paul Lightfoot y Andrea Schermoly. Con músicas e inspiraciones diversas, las recreaciones de los distintos momentos coreográficos constituirán un gran preludio a un programa que culminará con la interpretación de Bella figura, creación de Jiří Kylián de 1995 que, convertida ya en una obra maestra, invita a una reflexión sobre el arte mostrada como «un viaje en el tiempo, la luz y el espacio, en referencia a la ambigüedad de la estética, las representaciones escénicas y los sueños».

La coreógrafa alemana Sasha Waltz regresa al Teatro Real con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para una delicada lectura del L’Orfeo de Monteverdi. Si en origen la obra conjuga el arte del teatro y la música cantada creando un modelo de manifestación artística per se, Waltz profundiza en la exploración de una suerte de “ópera coreografiada” en la que sonido y movimiento se complementan sin fisuras. Como sucediera en el pasado con Dido & Aeneas, Sasha Waltz & Guests contará con la participación del Vocalconsort Berlin acompañados, en esta ocasión, por la Freiburger Barockorchester.

El New York City Ballet visita España y lo hará con el escenario del Teatro Real como protagonista, con un programa que recoge la esencia misma de su personalidad. Para su presentación en Madrid han seleccionado tres coreografías llenas de simbolismo. Dos son obras de George Balanchine, cofundador de la compañía y figura mítica del ballet: Serenade – un hito en la historia por ser el primer ballet original que Balanchine creó en Estados Unidos-, y Square Dance -en el que el coreógrafo unió las tradiciones de la danza folclórica estadounidense con el ballet clásico-, ambas convertidas en emblema del repertorio del NYCB, y The Times Are Racing, de Justin Peck, creada en 2015 e inspirada en las últimas cuatro pistas del álbum de 2012 de Dan Deacon, America. 

Tras su reciente estreno en Londres, y la gira que realizará por el Reino Unido el próximo otoño, el English National Ballet presentará en el Teatro Real, por primera vez a nivel internacional, Raymonda, ballet con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa. Su propuesta traslada la acción original a la guerra de Crimea, inspirándose en la figura de Florence Nightingale y en el trabajo de las mujeres que, con espíritu innovador, apoyaron el esfuerzo de los combatientes en el conflicto. Raymonda se convierte así en una joven con vocación de enfermera. Protagonizada por un gran elenco de bailarines, esta versión, aclamada por la crítica, mantiene lo mejor del original del siglo XIX, incluida la partitura de Alexander Glazunov, adaptada y editada por Gavin Sutherland y Lars Payne. Las funciones de Raymonda contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Gavin Sutherland.

CONCIERTOS Y GALAS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto en esta temporada por 5 conciertos protagonizados por algunos de los mejores artistas líricos del mundo: Cecilia Bartoli, Gregory Kunde, Carlos Álvarez, Matthias Goerne, Joyce DiDonato y Javier Camarena.

Completan la oferta los 6 que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA, y un concierto con los finalistas del Concurso Montserrat Caballé y otro los galardonados en Concurso Tenor Viñas.

La GRAN GALA ANUAL DEL TEATRO REAL, con fines filantrópicos y la asistencia de destacadas personalidades del ámbito institucional, cultural, artístico, empresarial y social, tendrá lugar el 13 de diciembre próximo.

EL REAL JUNIOR

La programación infantil y juvenil, ya completamente recuperada, tiene su espacio en EL REAL JUNIOR con 9 espectáculos, 4 de ellos nuevas producciones del Teatro Real y 5 que se verán aquí por primera vez, para diferentes edades y distintos formatos como cuentos musicales, cine, danza y conciertos dramatizados, destinados al público familiar y a centros escolares.

Dentro de esta programación ecléctica y pluridisciplinar, con artistas de ámbitos muy diferentes, destaca la participación de 4 jóvenes directores de orquesta: Rubén Gimeno, Isabel Rubio, José Sanchís y Lara Diloy.

La  temporada más joven se inaugura en octubre con dos interesantes propuestas en la Sala Principal: una destinada  a los centros escolares de la mano de la Compañía Nacional de Danza que, coincidiendo con las funciones inaugurales de la programación de danza, dedicará tres sesiones didácticas en torno a dos de las coreografías de su programa principal, Kübler-Ross y Sad Case; la otra, con un concierto cargado de arias, dúos y cuartetos de ópera con los que, en vísperas de la fiesta de Halloween, invocarán a los espíritus con Fantasma que canta, no espanta, interpretado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, programa de promoción de jóvenes talentos organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real, bajo la dirección de Rubén Gimeno, con guión y presentación de Ana Hernández Sanchís.

Continuará la aventura con una propuesta viajera que les llevará a Egipto en compañía de A.I.D.A. (Amistad, Igualdad, Diversidad, Amor), una versión reducida del título verdiano concebida por Davide Garattini Raimondi y Bárbara Palumbo, con dirección musical de Isabel Rubio. En plenas fiestas navideñas, Cascanueces y el Rey de los ratones, serán los protagonistas de un concierto en formato cuento con narración y vídeo de animación a cargo de Fernando Palacios y Fran Parreño, bajo la dirección musical de José Sanchís.

La Sala de Orquesta será el escenario de ¡Al piano, Johann Sebastian Jazz!, donde el jazz y la música clásica dialogarán con interesante complejidad, entre los dedos de los pianistas Alexis Delgado e Iñaki Salvador, junto a Fernando Palacios. Y en marzo, en paralelo a las funciones del New York City Ballet, la compañía ofrecerá unas sesiones únicas en torno a dos coreografías muy especiales para ellos: Serenade, una de sus obras emblemáticas, y The times are Racing, joven y actual.

La Sala Gayarre acogerá dos espectáculos de títeres con dos miradas muy distintas, Parade, el circo de los valientes, con el sello inconfundible de La Maquiné, y Yo soy la Locura, teatro negro con títeres, máscaras y música barroca de La Compañía Claroscuro. Y en ese mismo espacio, como cada temporada, tendrán lugar las citas mensuales ¡Todos a la Gayarre! para toda la familia, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera.

La programación termina como comenzó, con una gran fiesta musical en forma de concierto, en la Sala Principal, con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, esta vez con la animación de Fernando Palacios y la dirección musical de Lara Diloy.

Además de estas propuestas formativas, EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, cuenta con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos destinados tanto a universitarios como al público en general y abordará tanto la formación presencial como online, con 17 interesantes propuestas.

En el apartado La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en: Aida (octubre), La sonnambula (noviembre-diciembre), Il turco in Italia (mayo) y Turandot (junio-julio).

En esta edición serán 5 los Cursos relacionados con la temporada: Comprender a… Bellini (La sonnambula), Strauss (Arabella), Rossini (Il turco in Italia), Puccini (Turandot) y Ópera y pos modernidad: Glass y Adams, y 3 los destinados a adentrarse en la Historia de la ópera: Historia de la interpretación de la ópera I y II, Mujeres en la ópera construyendo, desmontando y conquistando mitos y El Real de los recuerdos, historia del Teatro Real desde 1850 hasta 1925.

Crece el número de Cursos sobre Artes escénicas y gestión cultural hasta un total de 5: Fotografía de escena; Ópera y liderazgo, El arte de trabajar con equipos de alto rendimiento; Regiduría; Inteligencia emocional en la ópera y Conceptos fundamentales de la danza.

LA TEMPORADA EN NÚMEROS 

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 188 funciones: 113 funciones de ópera repartidas entre 18 títulos; 15 funciones de danza con 4 diferentes espectáculos; 13 conciertos de distintos formatos (5 conciertos de Voces del Real, 2 conciertos líricos (concursos) y 6 conciertos de Los domingos de cámara; y 49 funciones de El Real Junior.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | De los 18 títulos de ópera, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto.

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España –Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina Aida, la Fundación BBVA patrocina L’Orfeo y Nixon in China; Endesa patrocina La sonnambula y Tristán e Isolda; la Fundación Amigos del Teatro Real patrocina Aquiles en Esciros;  Fundación Santander patrocina Il turco in Italia; y la Fundación ACS patrocina Turandot.

OBRAS POR SIGLOS DE LA TEMPORADA DE ÓPERA | Habrá 3 producciones con obras del siglo XVII (L’Orfeo, Dido y Eneas y Coronis); 3 óperas del siglo XVIII (Tolomeo, rey de Egipto; Aquiles en Esciros y Orfeo y Eurídice); 4 obras del siglo XIX (Il turco in Italia, La sonnambula, Tristán e Isolda y Aida); 7 obras del siglo XX (El retablo de Maese Pedro, Turandot, La nariz, Arabella, Nixon in China, Anti-formalist Rayok y Orphée) y 1 título del siglo XXI (Diàlegs de Tirant i Carmesina).

OBRAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS (LUGAR DONDE SE ESTRENÓ LA ÓPERA) | Se presentarán 7 óperas italianas (1 de ellas, de Glück -alemán afincado en Italia-), 3 óperas y  1  zarzuela españolas, 2 óperas estadounidenses, 2 óperas germánicas, 2 óperas rusas y 1 ópera inglesa de Händel -alemán afincado en Inglaterra-.

DANZA | Habrá 15 funciones protagonizadas por 4 compañías: Compañía Nacional de Danza, Sasha Waltz & Guests, New York City Ballet y English National Ballet.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está compuesta por 49 funciones –25 para toda la familia y 24 para centros escolares- y 9 talleres ¡Todos a la Gayarre! con 2 sesiones cada uno.

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 4 talleres de Ópera al Descubierto, 5 cursos monográficos relacionados con la Temporada, 3 cursos sobre historia de la ópera y 1 nueva edición del programa La Universidad a Escena.

LOCALIDADES Y ABONOS

CATEGORÍAS DE ABONOS DE ÓPERA | Se ofrecen 1 turno de abono estreno de 9 óperas y un concierto exclusivo de Cecilia Bartoli, 1 turno de abono de 9 óperas, 3 turnos de abonos de 8 óperas (uno en fin de semana), 3 turnos de abonos de 7 óperas, 1 turno de abono de 6 óperas, 2 turnos de abonos de 5 óperas (uno también en fin de semana), 2 turnos de abonos de 4 óperas y 2 turnos de abonos (Selección I y II) de 3 títulos populares (2 títulos de óperas y 1 título de danza) .

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos ópera: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

Fecha venta de abonos Selección: del 9 de junio al 3 de julio.

ABONOS DE DANZA | Se ofrecen 4 turnos de abonos de danza con 3 espectáculos cada uno.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 3 de julio.

ABONO DE ‘VOCES DEL REAL’ | Se ofrece 1 turno de abono de 4 conciertos.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

ABONOS DE ‘DOMINGOS DE CÁMARA’ | Se ofrece 1 turno de abono de 7 conciertos (incluye el Concierto Viñas)

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 9 de junio al 3 de julio.

EL REAL JOVEN | El compromiso con los jóvenes se refuerza con iniciativas como la el Preestreno joven inaugural de la temporada con precios especiales, el 21 de octubre. Por tercer año consecutivo,  la oportunidad de la Butaca Joven ofrecerá localidades distribuidas en Platea, Principal y Entresuelo y se habilitará una venta preferente para Amigos Jóvenes y para resto de jóvenes hasta 35 años antes de la salida a la venta al público. Los menores de 26 conseguirán estas entradas por 20 € y a partir de esa edad y hasta 35 años por 30 €. Asimismo, se abrirá la venta online de Último Minuto, en la que los menores de 26 años podrán adquirir una entrada por 20 € y los jóvenes de entre 26 35 años podrán adquirir entradas por 35 €.

Fotografía: Javier del Real

Don Gil de Alcalá
Don Gil de Alcalá triunfa en el Teatro de la Zarzuela
Manuel Penella compone Don Gil de Alcalá en 1932. Escribió la música y el libreto, inspirado por las novelas de enredo de Valle-Inclán y Jacinto Benavente. Pero su mayor estímulo lo encontró en la pieza teatral “El sí de las niñas”, de Leandro Fernández de Moratín.

Hasta ese momento el panorama musical español se caracterizaba por la variedad de tipologías musicales: sainetes, zarzuelas o revistas, entre otros. Pero a partir de 1910 se inicia un cierto declive del género chico y empiezan a triunfar zarzuelas en dos actos, al estilo de la opereta vienesa, y con una estructura más importante, similar a la ópera cómica.

El resultado es una ópera en tres actos, cuya escena situó Penella en el México del siglo XVIII, cuando aún pertenecía a la Nueva España. El autor conocía bien los países sudamericanos, y quiso con esta obra rendir un sentido homenaje a los lugares que había recorrido, gracias a su espíritu aventurero.

En la obra subyace una crítica a los matrimonios acordados que se realizaban en la época y, a través de un divertido enredo, plantea la celebración de un matrimonio desigual, entre una dama y un rufián de la corte, que no era bien visto por las clases altas a la que pertenecía la joven. Todo con un desarrollo argumental muy próximo a la ópera buffa, realizado con gran ingenio y con una escritura musical bien delineada y refinada.

En este regreso de Son Gil de Alcalá al Teatro de la Zarzuela, la dirección de orquesta corrió a cargo de la Asistente de dirección Lara Diloy, por indisposición del titular Lucas Macías.
La joven Lara Diloy es una de las pocas directoras de orquesta españolas del circuito actual y posee un amplio conocimiento del repertorio sinfónico y operístico, como quedó bien demostrado en esta representación. Siempre pendiente de los cantantes, supo imprimir a la orquesta el brío y la chispa que caracteriza esta obra. Se pudieron apreciar los delicados matices en la orquestación de una partitura de inspiración clásica, como lo es esta. Diloy demostró al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, esa seguridad que solo es fruto del trabajo y el talento. Habrá que seguirla de cerca.

La escenografía proviene del Teatro Campoamor de Oviedo, donde se representó en 2017. Se trata de una única estancia a la que se van sumando elementos que crean los distintos ambientes, siempre coloniales y siempre elegantes, como es habitual en sus directores, Emilio Sagi y Daniel Bianco, y que son ya marca de la casa, como las lámparas o la perfecta disposición sobre el escenario de todos los participantes. Exquisito también el vestuario de la recordada Pepa Ojanguren. Todo realzado por la impecable y romántica iluminación de Eduardo Bravo.

El cuadro de cantantes está formado por dos repartos de gran calidad. En este primero el tenor canario Celso Albelo se encarga de dar vida al protagonista, Don Gil de Alcalá. Lo hace con la musicalidad de su hermosa línea de canto, imprimiendo al personaje una modesta comicidad, Albelo es capaz de mucho más en la faceta interpretativa. Donde no ahorró esfuerzos fu en la parte vocal. Ese timbre que acaricia y la riqueza de matices vocales.

A su lado, como Niña Estrella, la soprano Sabina Puértolas, que representa a una chispeante, a la par que inocente, prometida de Don Diego, aunque enamorada de Don Gil. Bien en la habanera a dúo con Maya, pero le faltó expresividad en otros momentos importantes de su actuación.

Carol García dio vida a Maya, la criada de Niña Estrella, que compuso un personaje divertido y desenfadado. Destacó brillantemente en su habanera a dúo con Sabina Puértolas y fue la pareja ideal, en lo vocal y en lo interpretativo, del Chamaco de Carlos Cosías, que redondeó una magnífica actuación, llena de gracias y viveza.

El Don Diego del barítono Manuel Esteve estuvo muy bien definido, tanto en su línea de canto, como en el carácter del personaje, arrogante y formal.

El sargento Carrasquilla ha sido interpretado por Simón Orfila. Fue el personaje más simpático del reparto y el más celebrado por el público en sus agudas intervenciones de pícaro sevillano.

Como Madre Abadesa, María José Suárez, una habitual en este escenario que siempre aporta valor.
A buen nivel estuvieron el resto de comprimarios, con Miguel Sola a la cabeza, como gobernador; Pablo López, como virrey de Nueva España; David Sánchez, en el rol de Padre Magistral; Ricardo Muñiz, como maestro de ceremonias; y los miembros del cono, Paula Alonso y Rosa María Gutiérrez, como Lucía y Rosita, respectivamente.

Un Don Gil de Alcalá, que ha vuelto al Teatro de la Zarzuela 23 años después y que siempre está de moda. Con esa picaresca española de otras épocas. O no…

Teresa Berganza

La gran mezzosoprano madrileña Teresa Berganza, ha fallecido este 13 de mayo a los 89 años de edad. Paseó como nadie su voz por los más grandes teatros del mundo. Además de canto, Berganza había cursado estudios de piano, armonía, música de cámara, composición, órgano y violonchelo. Abandonó los escenarios a los 75 años, pero continuó vinculada a la lírica y dedicada a la enseñanza. «Canté durante 55 años, desde los 20 a los 75. Eso sí, disminuyendo progresivamente. Pero hubo un momento en que dije: ‘Esto se ha acabado'».

Nació muy cerca del Teatro Real, y le tocó vivir loa años más duros de la postguera civil. Pronto empezó a destacar en sus estudios de música de la mano de la que fuera su profesora, Lola Rodríguez Aragón. Debutó en 1955 en el Ateneo de Madrid, acompañada al piano por Gerardo Combáu.

El Teatro Real rendirá homenaje a Berganza dedicándole la Semana de la Ópera.

El Teatro Real, entre otras instituciones, lamentan prifundamente su fallecimiento. “Como muestra de cariño y gratitud por todo lo que hemos recibido durante tantos años de Teresa Berganza, el Teatro Real ha decidido dedicarle la edición de este año de su Semana de la Ópera, que se celebrará en junio”, ha anunciado Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, que ha expresado su más sentido pésame a la familia, amigos y al “público del Teatro Real, que la sintió siempre como suya”.

Teresa Berganza, Patrona de Honor del Teatro Real, está vinculada a esta institución desde el período en el que era sala de conciertos, donde triunfó con su voz y sus interpretaciones únicas. Después de la reinauguración del Real como teatro lírico, en 1997, participó en conciertos y en master clases dentro de su programa pedagógico.

“Como muestra de cariño y gratitud por todo lo que hemos recibido durante tantos años de Teresa Berganza, el Teatro Real ha decidido dedicarle la edición de este año de su Semana de la Ópera, que se celebrará en junio”, ha anunciado Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, que ha expresado su más sentido pésame a la familia, amigos y al “público del Teatro Real, que la sintió siempre como suya”.

Giselle

Los días 18, 20 y 21 de mayo, el Teatro Real ofrecerá cuatro funciones del ballet clásico Giselle interpretado por la Compañía Nacional de Danza, en la versión coreográfica de su director, Joaquín de Luz, inspirada en el romanticismo español y en la poesía de Bécquer.

Sin abandonar los elementos que han hecho de esta obra una de las cumbres del ballet clásico, la concepción de Joaquín de Luz recoge también la escuela bolera y las tradiciones españolas, y construye una Giselle más humana, más tangible, apoyada en la dramaturgia de Borja Ortiz de Gondra, que la dota de mayor contenido argumental, sin desvirtuar la esencia de la historia romántica que todos conocemos.

La narración transcurre en una aldea de la Sierra del Moncayo, imaginada por la escenógrafa Ana Garay junto a los bellos figurines de la diseñadora Rosa García Andújar y la iluminación de Pedro Chamizo. Juntos nos trasladan a un lugar en el que bucólicos campesinos, jóvenes enamoradas y apuestos galanes, nos acompañan hasta el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, mientras las voces del viento susurran versos del poeta español.

Con el maestro Óliver Díaz al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, y el magnífico el elenco de la CND, las funciones contarán con la presencia de la bailarina ucraniana Katja Khaniukova, Primera Solista del English National Ballet, como invitada especial en las funciones del día 20 y del 21 (a las 21.00 horas), en la que dará vida a la protagonista junto a Joaquín de Luz y Alessandro Riga, respectivamente.

Las representaciones serán especiales para las bailarinas acogidas por la CND, procedentes del Ballet de la Ópera Nacional de Ucrania e integradas actualmente en el programa de Talento Emergente de la CND, ya que tres de ellas participarán en los elencos que actuarán en el Teatro Real: Anastasiia Hurska, que será bailarina principal e interpretará el rol de Myrtha en una de las jornadas y el paso a dos del Pas de Paysan en otras dos representaciones, y Yelyzaveta Semenenko y Kateryna Chupina, como parte del cuerpo de baile en el papel de wilis.

Giada y Riga @ Alba Muriel

‘tech house’

El Palau de les Arts fusiona música ‘tech house’ y ópera para la ‘Preestrena fins a 28’ de ‘Wozzeck’, de Alban Berg, el último de los títulos del ciclo de representaciones que Les Arts reserva a menores de 29 años con localidades a un precio único de 10 euros.

Con motivo también del estreno en València de una de las óperas más revolucionarias del repertorio, Les Arts propone una experiencia diferente para el próximo 23 de mayo, en la que el público, además de la representación, podrá disfrutar de una completa velada con DJ y servicio de restauración hasta las 23.00 horas.

Después de la función de ‘Wozzeck’, Les Arts convertirá la Pasarela en una auténtica pista de baile inspirada en la estética de la impactante y vanguardista producción de esta ópera, que ha supuesto uno de los mayores desafíos técnicos y artísticos en la historia del teatro.

Roberto Sansixto hará de maestro de ceremonias. El DJ valenciano, que ha compartido escenario con artistas de la talla de David Guetta, Dimitri Vegas & Like Mike o Steve Aoki, fusiona por primera vez en su carrera música electrónica y ópera. Para su sesión en Les Arts, Sansixto propone un repertorio eminentemente ‘tech house’, que mezclará con fragmentos vocales de la ópera de Berg.

Bajo el hashtag #AfterOpera, los asistentes podrán compartir sus sensaciones y opiniones de esta experiencia transversal, con la que Les Arts, en su apuesta por acoger nuevos géneros y propuestas artísticas, busca acercar nuevos públicos a lírica.

La preestrena de ‘Wozzeck’ para jóvenes hasta 28 años tendrá lugar el lunes, 23 de mayo, a las 19.00 horas, en la Sala Principal. La representación tiene una duración prevista de 1 hora y 40 minutos. Les Arts recuerda que las localidades, con un precio único de 10 euros, pueden adquirirse a través de los diferentes canales de venta.

BodasdeFigaro-Cantantes

Por  Diego García Pérez

LAS BODAS DE FIGARO Y SUS GRANDES INTERPRETES.

Por Diego García Pérez.

Las bodas de Fígaro se estrenó el 1 de mayo de 1786 en el Teatro de la Corte imperial de Viena, consiguiendo un relativo éxito. Su estreno en Praga en febrero de 1787 si tuvo un éxito extraordinario. Ya, en 1789, se produjo su reposición en Viena. Se estrenó en París y Londres, respectivamente en 1807 y 1815. Durante casi todo el Siglo XIX, esta ópera así como otras de Mozart cayeron prácticamente en el olvido. Es desde finales del Siglo XIX y principios del XX, cuando vuelve a ser representada con cierta asiduidad, primero en el Metropolitan neoyorkino, donde había sido estrenada en enero de 1894, con un reparto que incluía a la soprano norteamericana Enma Eames (La Condesa de Almaviva), junto a dos famosos barítonos: el italiano Mario Ancona y el polaco Edouard de Rezke, interpretando respectivamente a Figaro y al Conde de Almaviva. Durante los siguientes quince años fue representada con bastante frecuencia en el teatro neoyorkino, casi siempre con la Condesa de Enma Eames, cuya última interpretación de este personaje tuvo lugar en febrero de 1909, junto a otros famosos cantantes de la época: la soprano polaca Marcella Sembrich (Susanna), el bajo también polaco Adamo Didur (Figaro), el gran barítono italiano Antonio Scotti (El Conde) y la famosa soprano norteamericana Geraldine Farrar (Cherubino), con la dirección orquestal de Gustav Mahler (este gran compositor era un consumado interprete mozartiano). Pueden escucharse en YouTube algunos fragmentos de esta ópera: el precioso duetto del Acto III “Che soave zeffiretto”, con las voces de Enma Eames y Marcella Sembrich, el aria del Acto I “Non piu andrai” en la voz de Adamo Didur y el dúo del Acto III, “Crudel perche finora”, en las voces de Antonio Scotti (El Conde) y Geraldine Farrar (Susanna). Estas antiquísimas grabaciones con deficiente sonido, nos muestran a magníficos interpretes, sobre todo las poderosas y bellas voces de Antonio Scotti y Adamo Didur, con un estilo de canto auténticamente moderno.

Las bodas de Figaro en los festivales de Salzburgo y Glyndebourne.

Sin duda, Las bodas de Fígaro recibe un gran impulso durante los años treinta del pasado Siglo, en los festivales de Salzburgo y Glyndebourne (al sur de Londres), en cuya primera edición, en 1934, tuvieron lugar varias representaciones, que fueron repitiéndose en los años siguientes. En las ediciones que tuvieron lugar entre 1934 y 1939, destaca sobremanera la soprano finlandesa Aulikki Rautawaara, quien aunaba gran calidad vocal con un excelente dominio del estilo de canto mozartiano, junto a una elegante y bella presencia escénica, que la convierten en la principal interprete de la Condesa en los años treinta. Durante las ediciones de 1934 y 1935, se realizó en Glyndebourne, la primera grabación completa de esta ópera, donde junto a Rautawaara, destacaba la magnífica interpretación de Figaro realizada por el barítono alemán Willi Domgraf-Fassbaender (padre de la famosa mezzosoprano Brigitte Fassbaender) y también las buenas interpretaciones de la soprano inglesa Audrey Midmay (Susanna) y la soprano austriaca Luise Helletsgruber (Cherubino), siendo mucha más discreta la interpretación del barítono inglés Roy Henderson (el Conde). La dirección orquestal corría a cargo del afamado director alemán Fritz Busch, con una interpretación refinada no exenta de intensidad y vida teatral, que en esta grabación queda mermada por la ausencia de los recitativos tan importantes en esta ópera. Hace algunos años, el sello NAXOS, realizó una reedición de esta grabación con mejora de sonido, que puede escucharse en YouTube. El Festival de Salzburgo, creado en 1921, comienza a programar esta ópera, con gran asiduidad, a partir de 1925, con magníficos interpretes como la Condesa interpretada por la famosa soprano ucraniana-austriaca Viorica Ursuleac; aunque con el problema de estar cantada en alemán. Es en la edición de 1937, cuando comienza a ser interpretada en italiano incluyendo los recitativos, existiendo una toma en directo (disponible en YouTube), donde Aulikki Rautawaara, vuelve a interpretar a la Condesa, junto al extraordinario Figaro del bajo italiano Ezio Pinza, y a otro famoso interprete, el bajo italiano Mariano Stabile (el Conde), a los que se unía la también famosa soprano húngara Esther Rethy (Susanna) y otra gran interprete de magnífica vocalidad, la soprano checa Jarmila Novotna (Cherubino). La dirección orquestal corría a cargo del gran Bruno Walter, al frente de la Filarmónica de Viena, siempre atento a subrayar los muchos y variados matices de esta partitura. El Metropolitan retomó en los años cuarenta esta ópera, programándola con bastante asiduidad, contando con la magnifica condesa de la soprano norteamericana Eleanor Steber, exquisita cantante de ancha voz y suntuoso colorido, con fraseo intenso y sensual, junto a una gran capacidad interpretativa, que se convierte a partir de 1942 y hasta mediados de los años cincuenta en la Condesa oficial del teatro neoyorkino. Y, en los años cuarenta, junto a Steber, en muy numerosas funciones, un extraordinario grupo de cantantes: Ezio Pinza (Figaro), el barítono australiano John Brownlee (el Conde), interprete elegante y señorial, junto a la soprano brasileña Bidù Sayao (Susanna), quien dota de mucha gracia y picardía a su personaje y Jarmila Novotna (Cherubino). Aunque existen diferentes tomas en directo con este conjunto de interpretes, cabe resaltar la realizada en 1944 (se puede escuchar completa en YouTube), con dirección orquestal de Bruno Walter.

Dos condesas referenciales: Lisa Della Casa y Elisabeth Schwarzkopf.

Paralelamente a las actuaciones neoyorkinas de Eleonor Steber, en el Festival de Salzburgo de 1947, la gran soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf interpreta el papel de Susanna y ya al año siguiente el de la Condesa, dirigida por Herbert von Karajan (su gran avalista). Esta exquisita interprete, de magnífica vocalidad y gran técnica, junto a un absoluto dominio del estilo de canto mozartiano, va a ser la Condesa oficial en la ediciones del Festival de Salzburgo de los años cincuenta, junto a grandes interpretes como la soprano Irmgard Seefried (Susanna), y junto a ellas, en los años 1956, 1957 y 1958, el gran barítono berlinés Dietrich Fischer-Dieskau, un Conde de referencia por su gran calidad vocal junto a un alto grado de expresividad con un intenso y contrastado fraseo. También en esas ediciones, destacaba de sobremanera la famosa mezzo alemana Christa Ludwid, con una extraordinaria creación de Cherubino.

La dirección orquestal corría a cargo del maestro austriaco Karl Böhm, consumado interprete mozartiano. La toma en directo realizada en 1957, puede escucharse, completa en YouTube (con buen sonido). Elisabetth Schwarzkopf participó en dos grabaciones realizadas en estudio para el sello EMI, la primera en 1950 (disponible en YouTube) con Herbert von Karajan al frente de la Filarmónica de Viena, donde el gran maestro salzburgués, ofrece timbres orquestales sugerentes y refinados mostrándose en todo momento como un estilista consumado, consiguiendo de los cantantes un óptimo rendimiento, tanto de la estilizada y perfecta condesa de Schwarzkopf, como de unas sensacionales Irmgard Seefried (Susanna) y Sena Jurinac (Cherubino), junto a las notables creaciones de George London (el Conde) y Erich Kunz (Figaro). El problema de esta grabación es que no tiene los recitativos. Diez años después, en 1960, Schwarzkopf realizó una segunda grabación, ya en stereo, con la magnífica dirección del gran maestro italiano Carlo María Giulini, quien consigue una versión vigorosa y de gran teatralidad, consiguiendo esplendidas prestaciones de los cantantes, donde brilla de nuevo la exquisitez, matización y refinamiento de la gran soprano alemana, junto a la interpretación plena de expresividad y gran humor del gran barítono italiano Giuseppe Taddei (Figaro), junto al muy expresivo y vigoroso conde del barítono austriaco Eberhard Wächter (con ciertos problemas idiomáticos), junto a la sugerente y sensual Susanna de la soprano norteamericana Anna Moffo y el Cherubino de la magnífica mezzo italiana Fiorenza Cossotto.

La otra Condesa referencial fue la gran soprano suiza Lisa Della Casa, una voz luminosa, de precioso timbre y un intenso y contrastado fraseo; no tenía la gran técnica de Schwarzkopf, pero sus interpretaciones eran de mayor calidez y humanidad que las ofrecidas por la soprano alemana. Della Casa fue quien más veces interpretó a la Condesa, con unas 150 representaciones en veinte años. Su debut en ese personaje se produjo en la Ópera de Zúrich, en 1950, y al año siguiente lo interpretará en Glyndebourne. Ya, en 1953, se produjo su debut en el Metropolitan, precisamente con el papel de la Condesa, alternándose hasta 1956, con las interpretaciones de Eleanor Steber y también con la gran Victoria de Los Ángeles, exquisita Condesa de preciosa vocalidad, como puede apreciarse en la grabación tomada en ese teatro, en 1952, con dirección de Fritz Reiner, donde compartía reparto con el magnífico Figaro del bajo-barítono italiano Cesare Siepi, verdadero sucesor de Ezio Pinza, junto al famoso barítono también italiano Giuseppe Valdengo como el Conde. Lisa Della Casa, en 1955, participó en la histórica grabación de Las bodas de Figaro (versión completa que incluye todos los recitativos) para el sello DECCA, considerada como referencial de esta ópera, con la extraordinaria dirección de Erich Kleiber, al frente de la Filarmónica de Viena, quien consigue ofrecer una lectura impecable desde el punto de vista estilístico, con una perfecta fusión de orquesta y cantantes. La soprano suiza ofrece una antológica interpretación, con una elegantísima línea de canto. Destacar en esta grabación la extraordinaria interpretación de Figaro a cargo de Cesare Siepi, junto a la famosa soprano austriaca Hilde Güden, quien realiza una magnífica interpretación de Sussanna; y, también, resaltar la gran actuación de la soprano belga Susanna Danco como Cherubino.

Más discreta la interpretación del barítono alemán Alfred Poell como El Conde. Esta soberbia grabación puede escucharse completa en YouTube. A partir de 1956, Della Casa será la Condesa oficial en el Metropolitan, con unas últimas representaciones en 1967, año en que la gran soprano Pilar Lorengar coge el relevo, interpretando numerosas funciones hasta 1972. Lorengar había debutado el papel de la Condesa, en el Festival de Glyndebourne de 1958. También lo había interpretado en el Teatro alla Scala, en 1964 y en el Covent Garden, en 1966. Por tanto, tenía un excelente dominio del personaje, ofreciendo su lírica y preciosa voz, para componer una Condesa de gran altura vocal y dramática. Ello puede apreciarse en una toma en directo realizada en el Metropolitan, en 1967, donde compartía reparto con el gran Cesare Siepi (Figaro), junto a Mirella Freni (referencial Susanna), quien muestra su magnífica vocalidad, y una interpretación plena de expresividad, realzando la femineidad, picardía y astucia del personaje; y, a Teresa Berganza, en una extraordinaria interpretación de Cherubino. Esta grabación puede escucharse en YouTube.

Las interpretaciones de nuevas generaciones de cantantes

Cuando Lisa Della Casa, en 1971, interpretó por última vez a la Condesa en la Ópera de Viena, una jovencísima cantante proveniente de Nueva Zelanda, llamada Kiri Te Kanawa, debutaba en el londinense Covent Garden, el papel de la Condesa, dirigida por Colin Davis, y que mantendrá en su repertorio hasta fines del Siglo XX, con una brillante creación del personaje. Voz lírica de gran belleza tímbrica a la que unía su deslumbrante presencia escénica (mujer alta y muy guapa). Ya, en la era de grabaciones en video, podemos escucharla en una toma realizada en el Festival de Glyndebourne de 1973, con imágenes muy aceptables para la época, con la magnífica dirección orquestal de John Pritchard (gran interprete mozartiano muy ligado a este festival), al frente de la London Philharmonic Orchestra. Junto a Kiri Te Kanawa, el otro gran aliciente de esta grabación es la presencia en el papel de Cherubino, de la entonces muy joven mezzo norteamericana Frederica von Stade, de excelente y exquisita vocalidad, junto a una bella presencia escénica, que llegó a convertirse durante veinte años en la gran interprete de este personaje. También puede escucharse en esta grabación a la excelente soprano rumana Ileana Cotrubas en el papel de Susanna. Esta grabación en video está disponible en YouTube. Cabe destacar otra grabación comercializada en DVD, por DEUTSCHE GRAMOPHON, de 1976, donde puede verse filmada la famosa producción de Jean-Pierre Ponnelle, donde junto a la espléndida condesa de Kiri Te Kanawa, pueden escucharse a cantantes de generaciones anteriores: el magnífico Figaro del barítono alemán Hermann Prey, quien dota al personaje de gran vivacidad y simpatía. Y, el gran Dietrich Fischer-Dieskau, en su referencial creación del Conde.

A ellos se une la Susanna de Mirella Freni, quien vuelve a mostrar su gran creación de este personaje, junto al muy notable Cherubino de la soprano norteamericana María Ewin, con Karl Böhm dirigiendo a la Filarmónica de Viena. Esta filmación está disponible en YouTube. Puede escucharse en audio una excelente grabación DECCA, de 1982, dirigida con su habitual energía y sentido dramático por el gran Georg Solti, al frente de la Filarmónica de Londres, también, con Kiri Te Kanawa, junto a una espléndida Lucia Popp (Susanna), de nuevo Frederica von Stade (Cherubino), y el excelente Figaro de bajo-barítono norteamericano Samuel Ramey, junto a Thomas Allen (el Conde), papel que este gran barítono inglés, interpretará con mucha frecuencia, destacando también su intervención en una producción, del Covent Garden, en 1989, esta vez junto a otra magnífica Condesa, la interpretada por la soprano norteamericana Carol Vaness, de brillante vocalidad y gran actuación escénica, sus dúos con Thomas Allen son de una imponente teatralidad. Pueden verse en YouTube, fragmentos de esa producción: las magníficas intervenciones solistas de Carol Vaness, todo el gran final del Acto II, así como la escena conclusiva de la ópera. Ya, en la década de los noventa, cabe destacar las deslumbrantes interpretaciones que la gran soprano norteamericana Renée Fleming realizó de la Condesa. Voz de lírica ancha, de gran belleza tímbrica, considerable volumen, excelente fraseo y una muy notable teatralidad, con absoluto dominio de todos los registros y de las agilidades, con una magnífica técnica que aprendió de su maestra Elisabeth Schwarzkopf. Hay disponibles dos grabaciones en video que pueden verse en YouTube, y que acreditan la extrema calidad de su Condesa: la primera en Glyndebourne, en 1994, dirigida con el gran maestro holandés Bernard Haitink. Y, sobre todo, la que interpretó en el Metropolitan, en 1998, con dirección de musical de James Levine, junto a un excelente reparto que incluía la gran creación de Figaro realizada por el bajo-barítono galés Bryn Terfel, magnífico de vocalidad y con una imponente actuación teatral. La mezzo Cecilia Bartoli como Susanna, con una deslumbrante vocalidad, ya que interpreta dos arias alternativas que Mozart compuso en la reposición de Viena, en 1789, para la soprano Adriana Ferrarese del Bene: en el Acto II “Un moto de gioia” que sustituía a “Venite, inginocchiavi!” y, en el Acto IV, en sustitución de “Deh, viene, non tardar”, “Al desio di chi t’adora”, esta última, muy larga y de complejísima coloratura.

El reparto se completaba con las notables actuaciones del barítono norteamericano Dwayne Croft (el Conde) y Susanne Mentzer (Cherubino).
Ya, en los años transcurridos del Siglo XXI, cabe destacar la gran creación de la Condesa realizada por la soprano alemana Dorothea Roschmann, de magnífica vocalidad junto a una gran actuación teatral, que puede constatarse en la grabación en video realizada en el Festival de Salzburgo de 2006, junto a la excelente Susanna de Anna Netrebko, el muy notable Figaro interpretado por el bajo-barítono italiano Ildebrando D’Arcangelo , junto al barítono danés Bo Skovhus (el Conde) y la soprano alemana Christine Schafer, en una gran creación de Cherubino. La dirección corría a cargo del maestro austriaco Nikolaus Harnoncourt, quien muestra su gran dominio de esta partitura.

En tiempos muy recientes ha surgido con gran fuerza la joven soprano italiana Federica Lombardi, quien está ofreciendo grandes interpretaciones de la Condesa, con una bella voz de lírica ancha, de considerable volumen y magnífica técnica, junto a una excelente actuación teatral. En este año 2022, ha conseguido grandes triunfos en el Covent Garden y este mismo mes de abril, en el Metropolitan. Se pueden ver fragmentos (disponibles en YouTube) de su interpretación en la Ópera de Munich, en 2017, que muestran su altísima calidad vocal e interpretativa.

Las Bodas de Figaro

Unas bodas de Figaro diferentes en el Teatro Real

Las bodas de Figaro
Le nozze di Figaro
Wolfgang A. Mozart (1756-1791)
Opera buffa en cuatro actos
Libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la comedia La folle journée, ou le mariage de Figaro (1784) de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais
Producción de Canadian Opera Company procedente del Festival de Salzburgo
Teatro Real de Madrid, 28 de abril de 2022
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Escenografo y figurinista: Christian Schmidt
Iluminador: Olaf Winter
Coreógrafo: Ramses Sigi
Diseñador de vídeo: Andi A. Müller
D. coro: Andrés Máspero
André Schuen, María José Moreno, Julie Fuchs, Vito Priante, Rachael Wilson, Monica Bacelli, Fernando Radó, Christophe Montagne, Moisés Marin, Alexandra Flood, Leonardo Galeazzi, y Uli Kirsch, que interpreta el ángel
Once años habían transcurrido desde su última comedia italiana, La Finta Giardiniera (La jardinera fingida) y Mozart se mostraba preocupado al no encontrar una historia apropiada para su próxima comedia. Lo refleja en una de las cartas a su padre en 1783, “he mirado más de cien libretos, y no he encontrado ni uno con el que estuviera satisfecho; habría que hacer tantos cambios aquí y allá, que incluso si un poeta se pusiera a ello, le sería más fácil escribir un texto completamente nuevo”.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Llega entonces a Viena, de la mano de Antonio Salieri para trabajar en la corte, el libretista y poeta italiano Lorenzo da Ponte. Se inicia entonces una fructífera colaboración entre Mozart y da Ponte que dejará atrás la época de Metastasio. Se abre un nuevo viaje operístico que ya no tendrá retorno.

Mozart mostraba cierta admiración por las obras del dramaturgo francés Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais y por una de sus obras, la trilogía de Figaro, para cuya primera parte, Il Barbiere di Siviglia (1782), había puesto ya música Giovanni Paisiello. Eligió la segunda de esta trilogía, La folle journée, ou Le mariage de Figaro (1784), que trata explícitamente los conflictos de clase de la época.

La obra de Beaumarchais, cuyo estreno teatral estuvo lleno de dificultades por la crítica social y política que contenía, puede enmarcarse dentro del proceso revolucionario que culmina en 1789 con La Revolución Francesa. Después de tres años de lucha con la censura, Las bodas de Figaro pudieron ser estrenadas llegando a las 60 representaciones. Pero las protestas y las intrigas de antiguos enemigos de Beaumarchais, consiguieron que la obra se prohibiera en toda Europa.

Como narra da Ponte en sus memorias, la ópera estuvo terminada en apenas seis semanas, “a medida que yo iba escribiendo la letra, Mozart componía la música”. Solo faltaba convencer a José II de su idoneidad. De ello se encargó da Ponte, mucho más diplomático que Mozart, que prometió al emperador prescindir de las partes más polémicas. Se suprimieron escenas enteras, pero la sustancia ideológica permanecía intacta.

La mentalidad liberal de José II, que ya había abolido la censura y autorizado un decreto de matrimonio civil por el que se suprimía el consentimiento paterno, facilitaron el estreno de una ópera que, al tener un formato de comedia, amable y simpático, disimulaba muy bien su carga de profundidad.

El 1 de mayo de 1786 se estrena por fin en Viena Le nozze di Figaro, preámbulo de Don Giovanni y, sobre todo, de Cosi fan tutte, que cierra el ciclo de la brillante colaboración entre Mozart y da Ponte.

Le nozze di Figaro es hoy en día una de las óperas más representada en todo el mundo, aunque siempre no fue así. Al Teatro Real llega pronto, en 1903, mucho antes que a otros teatros europeos. Después tuvo unos años de cierta decadencia en la programación y no fue hasta los años sesenta que, tímidamente, volvió a las temporadas operísticas.

El Teatro Real presenta esta temporada una producción que es todo un clásico, la creada por Claus Guth para el Festival de Salzburgo en 2006, que sustituye a la inicialmente anunciada de Lotte de Beer y que no tuvo muy buena aceptación, siendo generosos, en el Festival de Aix-on-Provence.

Vuelve a utilizar Guth las grandes estructuras arquitectónicas que tanto le gustan. Presenta una gran escalera en un gran espacio como único escenario. Un decorado blanco, desnudo, lejos de los excesos dieciochescos que suelen acompañar las representaciones de esta ópera. El vestuario de Christian Schmidt, también muy del estilo de Guth, como pudimos ver en Rodelinda, en este mismo Teatro, de tonos grises y uniformado. Los sutiles cambios de escena se deben sobre todo a la iluminación de Olaf Winter, que va generando con sombras y pequeñas proyecciones, las atmósferas que ayudan a describir la escena.

También en esta ocasión, Guth utiliza un personaje que no está en el libreto pero que aparece constantemente en escena. En esta ocasión se trata de una especie de Cupido que, invisible al resto de personajes, maneja los hilos de todos intentando alterar su comportamiento, sembrando confusión a su paso.

Los personajes son tratados en esta producción de manera sobria, sin adornos, dejando al descubierto la parte más profunda de su personalidad. Sin embargo, el resultado final de la escenografía es que no ayuda al desarrollo ni a la conclusión de la historia.

Volvía Ivor Bolton a dirigir Mozart al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. Puede que contagiado por la monótona escenografía, la dirección de Bolton no ha tenido la brillantez y la chispa de otras ocasiones. Solo en algunos momentos se han hecho presentes esos destellos que Mozart reflejó tan brillantemente en su partitura.

Esta obra se distingue de otras óperas buffas por la gran calidad de sus conjuntos, que expresan la enorme variedad de sentimientos amorosos. En esta ocasión quedan un poco opacados y faltos de frescura. No se aprecia la variedad de texturas de una orquestación tan detallada como la que ofrecen Las bodas de Figaro, sobre todo en la obertura y los vientos.
Lo mejor de la orquesta han sido los recitativi secchi, del clave y el violonchelo, que han permitido que las escenas fueran más fluidas.

La parte vocal ha presentado un conjunto de voces equilibrado. Para afrontar esta ópera la exigencia teatral está casi al mismo nivel que la vocal. Pero en este caso, además, es necesaria una buena forma física.

Fue una alegría ver a la granadina María José Moreno encarnar el rol de Condesa en el Teatro Real. Lo hizo con gran seguridad, como hace ella las cosas. Es esta una Condesa un poco especial, lánguida y solitaria, y Moreno la reflejó muy bien en esos aspectos a los que añade un punto de sofisticación muy adecuado al personaje. Tuvo momentos de gran lirismo y brillantez, sobre todo en sus dos arias más importantes, “Porgi Amor” y “Dove Sono”. Posee un centro poderoso y buenos agudos.

Susana, el personaje central de la obra, estuvo interpretado por la francesa Julie Fuchs. Su voz es ligera y fresca, perfecta para Susana, le faltó volumen y hacer más creíble a su personaje, tal vez demasiado infantil.

El Figaro de Vito Priante tampoco resultaba muy creíble como prometido de Susana, parecía su padre. Muy estático en escena, andaba algo perdido con su personaje, que había sido desprovisto de su verdadero carácter por el director de escena. Pero su voz esta sobrada de calidad y posee un hermoso y cálido timbre.

El barítono italiano André Schuuen interpreta al Conde Almaviva. Ya pudimos escucharle en el Capriccio hace unas temporadas. Se siente cómodo en el personaje, aunque le falte un poco de empaque y parece un adolescente con traje. Defendió bastante bien los agudos y su zona grave es suficiente y consistente.

El Cherubino de Rachael Wilson fue, junto a la Condesa, lo mejor de la noche. Fresca y juguetona en lo interpretativo, demostró tener una buena línea de canto y un centro y agudos muy poderosos y timbrados. Lástima que fuera igual vestida que el Cherubino de pega que Guth puso sobre el escenario. Se desenvolvió con destreza, la misma con la que interpretó sus arias “Non so più cosa son, cosa faccio” y “Voi che sapete”.

A buen nivel estuvieron el resto de comprimarios que en esta producción quedaron un tanto deslucidos en lo interpretativo, Monica Bacelli, como Marcelina; Fernando Radó, como Bartolo; Christophe Montagne, Como Basilio; Moisés Marin, Don Curzio; Alexandra Flood, como Barbarina; Leonardo Galeazzi, como Antonio y Uli Kirsch, que interpreta el ángel o Cupido.

Una nueva lectura de una ópera que por primera vez otorga a la partitura un papel fundamental en el desarrollo de la trama dramática.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

ABAO Bilbao Opera

El sábado 24 de septiembre, un espectacular concierto inaugura la 71º Temporada de ABAO Bilbao Opera y despide con honores el emblemático proyecto Tutto Verdi, tras 16 años de actividad. La nueva temporada trae numerosas propuestas, actividades culturales, programas sociales, y una programación artística que incluye cinco títulos en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga. Voces legendarias, grandes maestros, producciones inéditas y una apuesta permanente por la máxima calidad en todo su ámbito de actuación, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao, inspirada en las claves del Romanticismo musical.

La 71º temporada propone a los aficionados y público en general, una programación emocionante, diversa, sugestiva y de incuestionable calidad artística.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA
ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

El repertorio italiano protagoniza la temporada con títulos muy conocidos como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna Bolena.

Entre las óperas y espectáculos programados, hay una producción propia, estreno absoluto: Così fan tutte y dos producciones estreno en España, Il Trovatore y la coproducción internacional de ABAO: Anna Bolena.

Se ofrecen un total de 44 funciones: 26 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, 17 para el público infantil y juvenil en la temporada Abao Txiki en el Teatro Arriaga, y una función del Concierto Tutto Verdi también en el Euskalduna.

Seis grandes batutas visitan la nueva temporada: Daniel Oren, Giacomo Sagripanti, Jordi Benacer, Óliver Díaz, Pedro Halffter y Francesco Ivan Ciampa para dirigir a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio reforzando el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.

Debutan 9 cantantes junto a importantes y destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.

ABAO Txiki ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos tendrán sesiones escolares revalidando el compromiso de ABAO con la formación y el público infantil y juvenil.

Tres estrenos en la temporada ABAO Txiki: Historia de una semilla, Hansel & Gretel e Itsasotik.

El programa didáctico y formativo ofrece mu ltitud de actividades gratuitas en distintos programas de actuación que incluyen charlas pedagógicas, talleres, coloquios y ciclos de conferencias para colectivos de distintas edades y procedencias.

Continúa con éxito el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.

El programa “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital, para pacientes, familiares y profesionales sanitarios de las u nidades de Nefrología, Hospital de Día, Digestivo, Pediatría y Neonatología. El programa cuenta c on la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

71º TEMPORADA DE ÓPERA
La nueva temporada incluye cinco títulos, más un gran concierto y se inspira en los postulados del Romanticismo musical, entre los años 1810 y la primera década del siglo XX y la aparición del verismo. Las óperas y las propuestas artísticas resaltan la cualidad de la expresión de los sentimientos y las emociones íntimas y personales con un estilo imaginativo, novelesco y lleno de cromatismo musical.

Cinco compositores: Verdi, Bellini, Donizetti, Mozart y Puccini traen a la escena bilbaína conocidos títulos del repertorio italiano como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna  Bolena. El Concierto Tutto Verdi presenta algunos de los pasajes más conocidos del compositor con piezas de
Macbeth, Il trovatore, Don Carlos, Un ballo in maschera, Aida y Nabucco, y una pieza inédita en ABAO: el Himno de las Naciones.

Una nueva temporada en la que debutan nueve cantantes y dos directores de escena y seis grandes batutas estarán al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

Haciendo gala de su merecida fama de institución de grandes voces, ABAO reúne algunas de las más solicitadas en los principales teatros del mundo como: Jessica Pratt, Xabier Anduaga, Silvia Tro Santafé, Marko Mimica, Vanessa Goikoetxea, Oksana Dyka, Roberto Aronica, Mikeldi Atxalandabaso, Anna Pirozzi, Ekaterina Semenchuk o Celso Albelo, entre otros.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Nitteti
El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) hace historia, junto con el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), con la recuperación y el estreno de La Nitteti, una obra ideada por dos de las figuras más importantes del mundo operístico del siglo XVIII, el compositor napolitano Niccolò Conforto y el libretista Pietro Metastasio. Su estreno en tiempos modernos tendrá lugar el próximo sábado 7 de mayo a las 19:30 horas en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, a cargo de la agrupación española Nereydas, dirigida por Javier Ulises Illán, y con la participación de artistas de primer nivel como Núria Rial y María Espada, entre otros.

La Nitteti se representó en el ya extinto Real Coliseo del Buen Retiro de Madrid en 1756. Fue un encargo del legendario castrato Farinelli a su amigo Metastasio, quien la escribió exclusivamente para la familia real española, convirtiéndose en el único libreto que el italiano compuso para la corte madrileña, como un regalo de cumpleaños de María Bárbara de Braganza a su esposo, el rey Fernando VI. Por aquel entonces, tanto Farinelli como Conforto eran músicos afincados en Madrid. La ópera, que fue inmortalizada en una serie de lienzos por el pintor Francesco Battaglioli, situó a Madrid en el mapa europeo de la ópera del siglo XVIII.

Nereydas nos traslada al Egipto del año 570 a. C. con una historia de falsas identidades que deambula entre la justicia, el deber político y las grandes pasiones. El público disfrutará de una obra a caballo entre el virtuosismo barroco y la elegancia del clasicismo, a través de las diecinueve arias solistas, así como de un dúo y un terceto que resaltan la belleza de los textos de Metastasio. La acción comienza con el deseo de Amasi, rey de Egipto, de casar a su hijo, el príncipe Sammete, con Nitteti. Sin embargo, éste resulta estar enamorado de la pastora Beroe, quien, a su vez, corresponde a ese sentimiento. De este cruce de emociones encontradas surge el nudo dramático de la obra.

El estreno en tiempos modernos de La Nitteti representa la recuperación de la memoria de la España floreciente del siglo XVIII. Este proceso de recuperación ha sido posible gracias a la edición crítica de la partitura por el musicólogo José María Domínguez, en el marco de los esfuerzos de recuperación de repertorio y minuciosa edición crítica de partituras del Instituto Complutense de Ciencias Musicales y de la Universidad Complutense de Madrid, y del director de orquesta y musicólogo Javier Ulises Illán, también coautor de la edición crítica.

Un elenco de alto nivel

Hay un hilo aparentemente invisible entre la obra que se estrenó en el Teatro del Buen Retiro y la que se estrenará en el Auditorio Nacional de Música, que la hacen especial: en ambas ocasiones, el mejor talento se abrió y se abrirá paso.

En su época, Farinelli fue nombrado director de espectáculos regios del Teatro del Buen Retiro, ejerciendo de programador y de empresario y, por ello, se encargó de contratar a los mejores cantantes, músicos, pintores y escenógrafos italianos al servicio de la corte española. La Nitteti no fue una excepción. En esta ópera, Farinelli supervisó todos los elementos para conseguir el mejor talento. Al compositor napolitano Niccolò Conforto, que por aquellos años ya había logrado una carrera musical de grandes éxitos y estaba afincado en Madrid al servicio de Fernando VI, se sumaron los textos de Pietro Metastasio, considerado el mejor dramaturgo del siglo XVIII y la voz de reconocidos cantantes de la época, como Filippo Elisi en el papel de Sammete, Teresa Castellini, alumna del propio Farinelli, o el afamado tenor Anton Raaff, para quien Mozart escribió el Idomeneo.

Ahora, el proyecto llega hasta nuestros días con una producción protagonizada por grandes nombres de la escena musical española. La dirección artística y musical corre a cargo de Javier Ulises Illán, especializado en los repertorios de la corte española del siglo XVIII. Javier Ulises dirige Nereydas, un conjunto español que aúna músicos de amplia experiencia y formación y que supera una década de vida. El proyecto sitúa a España como un país con gran potencial en la interpretación de música antigua en la actualidad, con un elenco vocal encabezado por las sopranos Núria Rial y María Espada, representantes de una generación con una asentada carrera internacional, que convive con la nueva generación de cantantes españoles que están despuntando en la escena actual con gran fuerza, como las también sopranos Lucía Caihuela, Paloma Friedhoff o el bajo Víctor Cruz. Presentes en el reparto, se encuentran asimismo las voces internacionales de la soprano Ana Quintans y del aplaudido tenor Zachary Wilder, que interpretará el papel del faraón.

La Nitteti forma parte del ciclo “Universo Barroco” del CNDM, que apuesta por la recuperación del patrimonio español y por acercar al público a la música española más gloriosa del periodo barroco. A su vez, su interpretación supone el colofón al congreso internacional “Parole del Metastasio: Opera and Emotions in Eighteenth-Century Europe”, que reunirá a referencias mundiales expertas en la figura de Metastasio, promovido por la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), en el marco del ambicioso proyecto “Didone: The Sources of Absolute Music”, dirigido por Álvaro Torrente, director del ICCMU, financiado por el European Research Council.

Con el objetivo de facilitar el acercamiento a esta obra, y dentro de la iniciativa pedagógica “Contextos Barrocos” del CNDM, se ofrecerá una charla en el Salón de Actos del Auditorio Nacional de Música a las 18:30 horas a cargo de Eduardo Torrico, especialista y redactor jefe de la revista SCHERZO y que contará con la participación del Javier Ulises Illán, director artístico y musical de Nereydas

Javier Ulises Illán, director de orquesta: «Estamos ante una ópera que es toda una referencia y que aúna el poderoso texto de Metastasio con el virtuosismo de las músicas de Conforto. Gracias al rigor y a la base científica y de investigación que le da el ICCMU a la edición, La Nitteti representa un paso más no solo para darla a conocer al público, sino para que también se establezca como una obra canónica del repertorio de la ópera española. Es una obra que va a sorprender y a captar la atención del público y que pronto podremos escuchar en CD, ya que, inmediatamente después del concierto de estreno en el CNDM, acometemos la grabación de esta exuberante ópera madrileña».

Francisco Lorenzo, Director del CNDM: “En el CNDM apostamos por la recuperación de obras olvidadas de nuestro patrimonio y La Nitteti es una muestra más de este intenso trabajo que iniciamos desde la creación del centro. La importancia de este estreno radica, entre otras virtudes que encierra la propia partitura y su singular historia, en lo dificultoso que resulta la recuperación de una pieza tan significativa del repertorio operístico dieciochesco”.

Premios Teatro Real

Los Premios del Teatro Real pretenden reconocer el mérito de personalidades, empresas y artistas que han destacado de manera especial por su apoyo a la institución a lo largo de la temporada 2020-2021.

En esta primera edición se han creado dos categorías: institucional y artística.

El premio consiste en una obra que la gran escultora Cristina Iglesias ha realizado, generosamente, para el Teatro Real.

La Gala de entrega de los premios, protagonizada por la mezzosoprano Silvia Tro Santafé, tendrá lugar el 6 de junio a las 19.30 horas.

El Teatro Real ha decidido instituir los premios que llevan su nombre, para reconocer el mérito de instituciones, empresas y personalidades relacionadas con la actividad de su temporada.

La primera edición de los Premios Teatro Real nace vinculada a una temporada muy especial, que arranca en junio de 2020 con La traviata y cubre toda la temporada 2020/2021.

Los premios, que nacen con vocación de continuidad, tienen dos categorías: institucional y artística.

Los galardones de la categoría institucional se conceden en esta ocasión a Endesa, Telefónica y Florentino Pérez, por su labor de mecenazgo, así como al doctor Santiago Moreno, por su actividad al frente del equipo médico durante la pandemia. Los premios artísticos se darán a conocer más adelante.

La entrega de los galardones tendrá lugar el 6 de junio, en una Gala protagonizada por la mezzosoprano Silvia Tro Santafé.

Fotografía: Javier del Real

Las bodas de Figaro

Las bodas de Fígaro entre el 22 de abril y el 12 de mayo en el Teatro Real, en una producción original del Festival de Salzburgo (2006), que encargó a Claus Guth la dirección escénica de las tres óperas de Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte, una de las cuales, Don Giovanni, se ofreció en el Teatro Real la pasada temporada.

Considerada la más perfecta de las óperas de Mozart, Las bodas de Fígaro, estrenada en 1776, fue escrita en menos de un año de manera frenética y entusiástica por Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y el polifacético escritor y libretista Lorenzo da Ponte (1749-1838), en su primera y fecunda colaboración, que proseguiría con Così fan tutte y Don Giovanni.

Ambos creadores estaban imbuidos del fervor de las nuevas ideas revolucionarias que defendía descaradamente la obra teatral de Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) en la que se basa la ópera, La folle journée, ou Le mariage de Figaro, estrenada con gran escándalo y alboroto apenas un año antes, provocando la reclusión del autor y la prohibición de la obra en diversas cortes europeas.

Con gran pericia Da Ponte reduce y disimula el contenido más explícitamente político de la obra, manteniendo las complejas relaciones entre los distintos personajes, a los que la fabulosa partitura de Mozart otorga una inusitada profundidad psicológica, escondida bajo las formas clásicas de la opera buffa.

La música, sustentada en un armazón perfecto de simetrías y juegos estructurales y armónicos, con arias y números de conjunto de enorme belleza, sugiere, delata, contradice, insinúa, desmiente e ilumina lo que esconden las palabras de los protagonistas, dentro de un enredo aparentemente cómico.

En su propuesta escénica, Claus Guth intenta, precisamente, explorar lo que late en el alma de los personajes más allá de la comedia, auscultando el lado inconfesable, ambiguo, contradictorio, siniestro, sádico o lascivo de las relaciones amorosas.

En paralelo con la estructura clásica de la partitura, Guth, junto con el escenógrafo y figurinista Christian Schmidt, sitúa la trama en un viejo y austero palacio, con los personajes encorsetados en trajes que delatan su origen social y determinan su modo de proceder. A partir de ahí, como en una película de Ingmar Bergman, o en un drama de August Strindberg, Guth va ‘desenmascarando’ lo que pasa en el interior de los personajes con la ayuda de un ‘ángel’ silencioso que muestra al espectador lo indecible, turbio u oscuro de las relaciones amorosas.

Dos selectos elencos dan vida a los complejos personajes de esta ópera coral, que esconden lazos de seducción, amor, deseo, pasión, hastío o rencor: Andrè Schuen y Joan Martín-Royo (Conde de Almaviva); María José Moreno y Miren Urbieta-Vega (Condesa de Almaviva); Julie Fuchs y Elena Sancho Pereg (Susanna); Vito Priante y Thomas Oliemans (Fígaro); Rachael Wilson y Maite Beaumont (Cherubino); Monica Bacelli y Gemma Coma-Alabert (Marcellina); y Fernando Radó y Daniel Giulianini (Bartolo).

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, vuelve a dirigir Las bodas de Fígaro desde su foso, después del éxito obtenido con la misma partitura en 2014. Esta ópera será la séptima producción de Mozart en la que asume la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, y la tercera en la que trabaja codo con codo con Claus Guth, después de Lucio Silla (2017) y Don Giovanni (2020).

Desde la reapertura del Teatro Real, Las bodas de Fígaro se ha ofrecido en 5 de sus 25 temporadas: en 1998, con Gianandrea Noseda y Jürgen Flimm; en 2003, con Antoni Ros Marbá y Marco Arturo Marelli; en 2009, con Jesús López Cobos y Emilio Sagi, cuya producción volvió a presentarse en 2011 con Víctor Pablo Pérez, y en 2014 con Ivor Bolton.

La propuesta escénica y dramatúrgica concebida por Claus Guth, que ahora se verá en el Teatro Real, ofrece una nueva perspectiva de la obra maestra de Mozart, cuya riqueza, complejidad y hondura son una inagotable fuente de interpretaciones.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

ABAO Bilbao Opera, Alzira

ABAO Bilbao Opera concluye el titánico proyecto “Tutto Verdi” con el estreno de Alzira, la octava ópera compuesta por Giuseppe Verdi y una de las pocas obras líricas europeas dedicadas al continente latinoamericano. Iniciado en 2006, el proyecto “Tutto Verdi” ha traído a la escena bilbaína 30 títulos del catálogo verdiano, ciclos de conferencias, grabaciones y publicaciones, en un programa cultural sin precedentes en todo el mundo que ha durado 16 años.

Prevista en la programación de 2020, Alzira hubo de ser aplazada debido a la pandemia y reprogramada como un sexto título en la 70 temporada. Se ofrecerán cuatro funciones los días 23, 25, 27 y 30 de abril en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones darán comienzo a las 19:00h los dos sábados y a las 19:30h el lunes y el miércoles.

La ópera que culmina el proyecto “Tutto Verdi” suma un aliciente más para los aficionados y curiosos ya que tiene una limitada presencia en los escenarios. Hace 168 años que no se representa en España por lo que estas funciones constituyen un hito y una oportunidad casi única de disfrutar de esta ópera del compositor de Busseto.

POLÍTICA, RELIGIÓN Y UN TRIÁNGULO AMOROSO EN UNA OBRA ÉPICA
Alzira, una de las óperas más breves de Verdi y correspondiente al periodo de “años de galera”, responde al exotismo que tanto fascinó a la Europa de mediados del XIX. Es una tragedia lírica con prólogo y dos actos con libreto de Salvatore Cammarano, basado en el drama Alzire, ou les Américains de Voltaire, en lo que supuso la primera colaboración del poeta napolitano con Verdi, que también escribiría los libretos de La battaglia di Legnano, Luisa Miller e Il Trovatore.

Sitúa la acción en Lima y otras zonas de Perú, e ilustra la resistencia del pueblo indígena a la dominación política, religiosa y cultural durante la época del Virreinato, retratando cómo los nativos se unen para enfrentarse a las fuerzas invasoras y liberar a la princesa Alzira y a su padre Ataliba. En el relato, se enfrentan el inca Zamoro, amado de Alzira y líder de las tribus peruanas, y el tirano español Gusmano, Gobernador del Perú, quien quiere casarse a toda costa con la protagonista.

Encontrar en el compositor más popular y representado del mundo una historia que se refiera al Perú y la época de la Conquista, resulta un atractivo añadido para una obra épica entre conquistadores y sometidos, junto a un devastador triángulo amoroso.

UN SELECTO ELENCO DE ALTO NIVEL
La soprano Carmen Solís acomete el rol protagonista con su personal voz y presencia extraordinaria. Tiene escenas de gran credibilidad dramática como el aria de salida “Da Gusmano sul frágil barca”, precedida por el coro femenino, o la melodiosa “Nell’astro più che fulgido”.

El tenor Sergio Escobar (Zamoro), una voz brillante, clara y contundente, tiene páginas de gran sonoridad como “Un inca, eccesso orribile”, “Irne lungi ancor dovrei” o “Non di codarde lagrime”.

El temperamental barítono Juan Jesús Rodríguez (Gusmano), suma destreza, experiencia escénica y una voz sobradamente conocedora de la paleta verdiana. Algunos de sus mejores momentos son “Eterna la memoria” y “Quanto un mortal può chiedere”.

Junto a este triángulo amoroso al que rodea la trama política y religiosa de lucha contra la opresión y el racismo, se unen David Lagares (Ataliba), Josep Miquel Ramón (Álvaro), Vicenç Esteve (Ovando), María Zapata (Zuma) y Gerardo López (Otumbo).

DANIEL OREN DIRIGE A LA ORQUESTA BILBAOSINFONIETTA
El director artístico del Teatro Verdi de Salerno, Daniel Oren, repite presencia esta temporada con el reto de dirigir una partitura poco explorada pero llena de intensidad y dramatismo. La edición crítica de Stefano Castelvecchi conserva el carácter doble de la ópera: salvaje y efectivo por un lado, sensible y emotivo por el otro. Hay muchos momentos destacables en la ópera como la bella y singular Obertura, el muy emocionante Final o el sexteto y coro del acto I “Nella polve genuflesso”.

Bajo su batuta de experto verdiano estarán 60 maestros de la Orquesta BilbaoSinfonietta, una formación polivalente y flexible capaz de abarcar con solvencia el repertorio sinfónico y operístico. En ABAO Bilbao Opera la orquesta acompañó la “Gala ABAO on Stage” en 2021.

Las brillantes escenas corales corren a cargo de 60 coralistas del Coro de Ópera de Bilbao bajo la dirección de Boris Dujin.

PUESTA EN ESCENA GALARDONADA CON EL PREMIO ÓPERA XXI A LA MEJOR NUEVA PRODUCCIÓN LATINOAMERICANA
La cuidada puesta en escena del debutante en ABAO Jean Pierre Gamarra, es una coproducción internacional estreno en España del Gran Teatro Nacional del Perú, ABAO Bilbao Opera y la Opera Royal de Wallonie-Liége de Bélgica. Se estrenó en 2018 en Perú, como parte de las celebraciones por el Bicentenario de la Independencia del país y en 2019 recibió el Premio Ópera XXI a la Mejor Nueva Producción Latinoamericana.

La puesta en escena traslada la acción a la Lima de inicios del siglo XX con una escenografía de Lorenzo Albani minimalista y melancólica, donde la iluminación cobra especial importancia y otorga una sensación de tragedia y cautiverio, adecuada a esta trama de dominados y oprimidos. Lorenzo Albani presenta también un sofisticado vestuario de corte occidental.

Una propuesta creativa de gran calidad y vigente en los temas que aborda, como las referencias a la violencia con la que se trata a los conquistados, las diferencias de clase, el papel de la Iglesia, la lucha por el poder o la tragedia de una mujer que no puede escapar de las obsesiones de un hombre.

PABLO L. RODRÍGUEZ INTRODUCE LA OBRA VERDIANA EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada en una conferencia la víspera del estreno, en el Auditorio del Museo Bellas Artes de Bilbao.

El viernes 22 de abril, Pablo L. Rodríguez, musicólogo, crítico, divulgador musical y conferenciante, será el encargado de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor.

Para acceder a esta actividad gratuita se requiere invitación que puede retirarse en las oficinas de ABAO Bilbao Opera o llamando al teléfono 944 355 100, desde el martes 19 de abril. Aforo reducido.

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En la sexta edición de Melodramas –género que integra declamación hablada, composición musical y representación teatralizada–la Fundación Juan March ha programado los días 20, 22 y 23 de abril “La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke”. Esta obra, que el compositor polaco Viktor Ullmann compuso durante su estancia en el campo de concentración de Theresienstadt días antes de morir en una cámara de gas, parte del famoso poema homónimo de Rainer María Rilke, que narra la angustia de la guerra, la melancolía por el hogar lejano y la intensidad del amor en un encuentro fugaz. Las tres funciones estarán dirigidas por Ernesto caballero y contarán con Sofya Melikyan al piano, la presencia escénica de Borja Luna y Carmen Conesa en la narración. La función del día 20 se podrá seguir en directo por Radio Clásica de RNE y la del día 22 por Canal March, YouTube y RTVEplay.

Los días 20, 22 y 23 de abril la Fundación Juan March ha programado en su sede de Madrid tres funciones de La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke, un melodrama de Viktor Ullmann basado en un texto de Rainer María Rilke. Esta hermosa obra poética, que dirige Ernesto Caballero con Sofya Melikyan al piano, la presencia escénica de Borja Luna y Carmen Conesa en la narración, fue compuesta por Ullmann en el verano de 1944 mientras se encontraba preso en el campo de concentración de Terezín. Será la sexta edición de Melodramas, género de teatro musical que integra el verso declamado con la representación teatralizada y una música compuesta específicamente para ese texto, y por el que ha apostado anualmente la fundación madrileña desde 2016.

El proyecto escénico busca, como explica su director artístico, Ernesto Caballero, crear “una poética escénica sutil, que potencie tanto el poema de Rilke como la música de Ullmann utilizando una propuesta escénica casi minimalista”, de forma que la narración poética se integre en un tenso diálogo con el lenguaje musical. A nivel musical, la obra “es muy densa, polifónicamente muy rica y da mucho juego para una búsqueda musical. Escrita para piano previamente, luego fue transcrita para orquesta. Aunque a Ullmann no le diera tiempo de acabarla”, como explica la pianista Sofya Melikyan. Sus frases se intercalan con la narración y el canto de Carmen Conesa, que, expresa: “No me siento narrador, salvando las distancias estoy tomando la reencarnación de Rilke”. Para el actor Borja Luna “lo más importante es conmover y esta experiencia es muy estimulante… como un manantial del que sale agua de forma constante”.

La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke es uno de los libros de poesía más leídos del siglo XX. Escrita por Rainer María Rilke (1875-1926) con apenas 23 años, la obra se publicó por primera vez en 1904 en una edición que apenas vendió 50 ejemplares. En 1912, la editorial Insel la publicó en una versión que enseguida vendió decenas de miles de ejemplares, llegando al millón de ventas en 1959 sólo en alemán. El poema narra los días finales del joven Christoph, que se enrola para combatir contra el ejército turco en el siglo XVII, una alegoría de la Europa convulsa en la que fue escrita y refleja las obsesiones de su autor.

Este episodio de amor, heroicidad y muerte sirvió de base al compositor Viktor Ullmann (1898-1944), un compositor cosmopolita, cercano a la filosofía de Rudolf Steiner y fue director musical en la Ópera de Stuttgart hasta que fue expulsado de Alemania por los nazis. Durante su reclusión en el campo de concentración de Terezín Ullmann creó algunas de sus obras más emblemáticas, entre ellas Der Kaiser von Atlantis [El emperador de la Atlántida] (1943).

Su última composición fue el melodrama Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke [La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke] (1944) que podrá escucharse en la Fundación Juan March este abril, y en cuya historia sobre los días finales del joven protagonista enfrentando a una muerte temprana el compositor polaco pudo ver quizás reflejada su propia situación y la de miles de personas que perecieron en la Shoah. Los manuscritos del melodrama, esbozados por Ullmann con plumas y lápices de colores en papel pautado del campo hasta septiembre de 1944, han llegado hasta nosotros gracias a un antiguo prisionero, Hans G. Adler, que los rescató y los donó a la Fundación Paul Sacher. El 16 de octubre Ullmann fue deportado a Auschwitz, donde fue asesinado dos días después en una cámara de gas.

Creado en 1770 por Jean-Jacques Rousseau con la intención de reproducir de forma realista los sentimientos humanos, al melodrama se han acercado destacados compositores como Benda, Richard Strauss o Hindemith, y, sin embargo, su carácter híbrido ha dificultado su programación en salas de teatro y de conciertos. Esa condición en tierra de nadie alentó a la Fundación Juan March a dedicarle un espacio anual a este género tan original como desconocido, del que ha recuperado títulos como Manfred, de Robert Schumann, con texto de Lord Byron, o Pigmalion, el primer melodrama creado por Rousseau, que narra la historia del escultor que se enamora de su obra, que finalmente cobra vida.

Las notas al programa incluyen un texto de Ernesto Caballero, otro del etnólogo estadounidense Philip V. Bohlman y un tercero del poeta, editor y traductor del poema de Rilke al español Jesús Munarriz. El programa incluye tres de los Cinco estudios de jazz para piano de Erwin Schulhoff, que se intercalarán con Ich Weiss bestimmt ich werd’ dich wiedersehen de Adolf Strauss y Greta de Norbert Glanzberg, como preludio al melodrama Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke [La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke]. Los conciertos irán precedidos de una entrevista previa de Juan Manuel Viana a Ernesto Caballero y Jesús Munárriz que será emitida en directo Radio Clásica de RNE. La función del día 20 se transmite en directo por Radio Clásica de RNE y la del día 22 en streaming por Canal March, YouTube y RTVEplay.

FICHA DE LOS ACTOS

La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke

Miércoles 20 y viernes 22 de abril, 18:30h
Sábado 23 de abril, 12:00h

Ernesto Caballero, dirección artística. Sofya Melikyan, piano. Carmen Conesa, narración. Borja Luna, actor.

Entrada libre. Dos tercios del aforo se reservan online siete días antes –de 9:00 a 12:00– y un tercio se distribuye en la taquilla una hora antes del acto. 20 de abril en directo por Radio Clásica (RNE). 22 de abril en directo por Canal March, YouTube y RTVE Play. El audio estará disponible durante 30 días en Canal March.

Extincion

Entre los días 12 y 24 de abril, el Teatro Real ofrecerá 12 funciones de Extinción, propuesta escénica de Agrupación Señor Serrano a partir de la Missa de Batalla y la Missa pro Defunctis de Joan Cererols, estreno absoluto de esta hermosa obra en coproducción con el Teatro La Abadía y en colaboración con el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS). Todas las representaciones de Extinción tendrán lugar en el Teatro de La Abadía, en la Sala Juan de la Cruz.

La Agrupación Señor Serrano -compañía de teatro con sede en Barcelona que crea producciones originales sobre aspectos discordantes de la experiencia humana contemporánea- realiza una visual y poética propuesta escénica a partir de Missa de Batalla y Missa Pro Defunctis, de Joan Cererols, dramaturgia que despliega mediante el uso de una mezcla de objetos, texto, cámaras, performance, sonido, proyecciones y videos en directo. Con ayuda de imágenes estáticas y extáticas capturadas en vivo y transformadas en tiempo real y performers que entran y salen de diferentes figuras alegóricas, se representa la búsqueda del alma, de coltán, de fuego, de sangre… Extinción

Una embarcación española desciende por primera vez el río Amazonas, alguien hace scroll en la galería de imágenes buscando una foto, la galería inferior de una mina ilegal se derrumba, aparece en pantalla una nueva notificación de Instagram, el rey de España escucha pasmado una misa en su honor, gotas de polvo dorado en suspensión, llueve barro, un profesor de anatomía busca el lugar del alma, alguien encuentra el restaurante más cercano, mensajes sin leer, el interior de una selva en llamas, un réquiem resuena en una catedral del Nuevo Mundo, alguien mira al cielo, alguien ve una serie, alguien levanta un fragmento de mineral, alguien alza un cáliz, alguien levanta un móvil.

Una gran pantalla, varias mesas de trabajo, tres performers-manipuladores (Carlota Grau, Marcel Borràs y Àlex Serrano), un director musical (Javier Ulises Illán), y un ensemble vocal e instrumental (Nereydas y Coro Titular del Teatro Real) se entremezclan en escena.

Javier Ulises Illán, el director musical, dirige Nereydas, formación que trabaja un amplio repertorio que abarca diferentes periodos estilísticos desde músicas del Renacimiento y del Barroco hasta programas sinfónico-corales del Clasicismo. La mayor fortaleza de esta agrupación, abierta y flexible, reside en su capacidad para ensamblar, integrar y adaptar el número de músicos de amplia experiencia y formación, instrumentistas y voces, para desarrollar cada proyecto. En este caso, en colaboración con el Coro Titular del Teatro Real, dirigido por Andrés Máspero.

Joan Cererols (1618-1680), monje benedictino que renovó la tradición española renacentista abriéndola a las influencias barrocas llegadas de Italia y Flandes a mediados del siglo XVII, desarrolló toda su carrera en torno al Monasterio de Montserrat, en el que llegó a ser director de la escolanía durante más de veinte años, época en la que compuso su Missa de Batalla (1648), una misa-parodia compuesta en honor a Felipe IV, en la que refleja la ola de optimismo tras la victoria de las tropas castellanas en Nápoles, inspirada en La Guerre ou La Bataille de Marignan, otra misa-parodia del renacentista francés Clément Janequin. Sin embargo, tres años después, refleja en Missa pro Defunctis (1651) un ambiente muy diferente: más sobrio, denso y oscuro debido a la epidemia de peste en Barcelona ese año, que pasaría a propagarse posteriormente a otras partes de la Corona española.

Si bien gran parte de la obra de Cererols fue destruida en el incendio de la Abadía de Montserrat provocado por las tropas francesas en 1811, la obra que se salvó fue impresa a principios del siglo XX y acabó de poner a Cererols en los lugares de honor del Barroco español. Estas obras son testimonio de un oficio cimentado en el stile concertato y abierto a las influencias barrocas llegadas desde Italia y Flandes.

Fotografía: Javier del Real Extinción

El ángel de fuego

El ángel de fuego, estrenado en España el pasado 22 de marzo, fue recibido con excelentes críticas, tanto para el elenco –encabezado por Ausrine Stundyte y Leigh Melrose– como para la dirección de escénica de Calixto Bieito, la dirección musical de Gustavo Gimeno y la interpretación del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Hoy a las 19.30 h., espectadores de todo el mundo podrán ver la producción en directo en la página web del CANAL ARTE, disponible en español: https://www.arte.tv/es/videos/108551-000-A/el-angel-de-fuego-de-prokofiev-en-el-teatro-real-de-madrid/

Será una oportunidad única para descubrir una ópera desconocida del público español a través de una producción impactante y colosal.

El ángel de fuego es la sexta de las diez óperas compuestas por Sergéi Prokófiev (1891-1953), que dejaría inacabadas otras cuatro. La originalidad, irreverencia y libertad expresiva de títulos anteriores, como El jugador o El amor de las tres naranjas, habían forjado ya su destreza en la escritura operística que, con El ángel de fuego, recibiría un nuevo impulso.

La obra, con libreto del compositor basado en la novela homónima del escritor simbolista ruso Valeri Briúsov (1873-1924), tuvo una larga y accidentada gestación (de 1919 a 1927) y un camino no menos difícil después de concluida la partitura.

Su trama satánica, grotesca y delirante relata, a lo largo de siete escenas (en cinco actos), el camino truculento de Renata, poseída por espíritus malignos desde la aparición sobrenatural, en su infancia, de Madiel, el ángel de fuego, hasta su trágico final.

El libreto, que une la alquimia, la brujería, la cabalística, el exorcismo o la inquisición vigentes en la Alemania oscurantista pre-luterana, originó una partitura con un lenguaje de tintes expresionistas, que se aleja de la herencia nacionalista, privilegiando los tonos sombríos y la incorporación de pasajes disonantes, melodías vocales ásperas y declamaciones arraigadas a la prosodia del ruso. La orquestación salvaje, vibrante, contrastante, ‘obsesiva’, lírica y sobrenatural, mantiene una tensión dramática casi cinematográfica. (Prokófiev sería un grandísimo compositor de bandas sonoras, sobre todo en sus geniales colaboraciones con Serguéi Eisenstein, de Alejandro Nevsky a Iván el Terrible).

La ópera, en cuyo libreto ambiguo y desconcertante subyacen la violencia sexual, trastornos psíquicos, prácticas macabras, perversidad, fervor religioso, etc., provocó el rechazo de varios teatros hasta su estreno en 1954, ya después del fallecimiento de Prokófiev, en una versión de concierto, traducida al francés, en el Théâtre des Champs-Elysées. Al año siguiente, en 1955, la ópera finalmente se escenificó, bajo la dirección de Giorgio Strehler, y llegó, en italiano, a la Fenice de Venecia. Su presentación en la versión original en ruso tiene lugar, discretamente, en Perm, en 1987. En Rusia, donde la ópera estuvo prohibida durante todo el período soviético, El ángel de fuego subió finalmente al escenario del Teatro Kirov de San Petersburgo en el marco de las conmemoraciones del centenario de Prokófiev, en 1991.

La producción concebida por Calixto Bieito, con dramaturgia de Beate Breidenbach, rehúye el esoterismo del libreto, arquetipo del simbolismo ruso, y profundiza en el drama real de la protagonista. En su mente enajenada y herida, se suceden las escenas de la ópera como destellos de la memoria, recreadas en las habitaciones dispuestas en una estructura giratoria diseñada por la escenógrafa Rebecca Ringst que, con la iluminación de Franck Evin y los vídeos angustiantes de Sarah Derendinger, se transforma en una verdadera casa de los horrores. Solo una bicicleta, símbolo de la libertad, fragilidad y fuga de Renata, recuerda la inocencia perdida de su infancia.

El Teatro Real estrena finalmente en España El ángel de fuego, cuando, poco a poco, los teatros de todo el mundo recuperan esta ópera incomprendida en su tiempo, cuyos tenebrosos senderos simbolistas conducen a lo más hondo, indecible y oscuro del alma humana.

Fotografía: Javier del Real

Prokòfiev El ángel de fuego

Después de haber terminado la composición de El amor de las tres naranjas, Prokòfiev descubre en una librería de Nueva York El ángel de fuego, una novela publicada en capítulos de un autor referencia del simbolismo ruso, Valeri Briúsov. Inmediatamente, y sin que mediara encargo alguno, Prokòfiev comienza a escribir el libreto de una ópera que nunca verá representada sobre un escenario.

Desde el inicio de su composición, Prokòfiev fue muy consciente de las dificultades que tendría su obra para ser estrenada. Terminó de escribir El ángel de fuego en 1926 en París. En ese momento, Bruno Walter, director de la Städtische Oper en Berlín, tuvo conocimiento de su existencia y mostró interés en ella. Pero se dieron cuenta de la gran complejidad de la obra y que esta no llegaría a tiempo de ser programada esa temporada, decidieron entonces abandonar el proyecto.

El siguiente intento para subirla a un escenario tuvo lugar cuando el Metropolitan de Nueva York contactó con Prokòfiev. Sin embargo, en esta ocasión, la dificultad para conseguir cantantes que quisieran afrontar el reto, impidió su programación.

No fue hasta 1954, un año después de la muerte del compositor, cuando El ángel de fuego se estrenó en París, aunque fuera en versión concierto. Fue el 14 de septiembre de 1955 cuando se escenificó por primera vez en el Festival de música contemporánea de Venecia, en La Fenice. Mario Nordio realizó una versión italiana con la dirección musical de Nino Sanzogno, la dirección escénica de Giorgio Strehler, el vestuario de Ezio Frigerio, la escenografía de Luciano Damiani, y el papel principal de Renata a cargo de Doroty Dow.

Dos pueden ser las razones principales que expliquen las dificultades para estrenar esta ópera. Uno de ellos era el tratamiento de temas delicados, como los que abordaba el libreto. Prokòfiev al adaptar la obra original de Briúsov, la había despojado de los elementos mágicos y alusivos a la brujería. El propio compositor describe estas dificultades en una carta: “El ángel de fuego puede ser una ópera fascinante y poderosa, exprimirá dramatismo y terror, pero hay que evitar cualquier diablo o cualquier visión que pueda estar explícitamente en el escenario, si no, corre el riesgo de caer en la pura mascarada teatral”. Prokofiev era muy consciente que al adaptar el texto de Briúsov tenía que eliminar las escenas explícitas y presentarlas de manera ambigua a través de la protagonista. Continuaba diciendo Prokòfiev en su carta: “La otra gran dificultad es que toda la ópera está centrada en los dos personajes principales. Si no logro que salgan de escena en algún momento, no vamos a encontrar a ningún cantante que pueda con estos personajes”.

Esta es la segunda razón por la que no conseguía estrenarse El ángel de fuego. La obra, cuyo peso recae casi exclusivamente en los dos personajes principales, era de tal exigencia vocal, que ningún cantante estaba dispuesto a interpretarla.

Después de tantos intentos frustrados y ante el temor de que no llegara nunca a representarse y se perdiera la música, Prokòfiev incorporó gran parte del material musical de la ópera en la Sinfonía Nº 3 Op. 44.

La escenografía de Calixto Bieito, que presenta esta ópera por primera vez en España, se acopla magistralmente con la partitura y el libreto. No solo se ajusta a la obra, sino que potencia los aspectos psicológicos más profundos. Hay que recordar, que cuando se compuso esta ópera, se estaba desarrollando en toda Europa el psicoanálisis, y la escenografía de Rebecca Ringst, compuesta por una construcción giratoria, atiende a la descripción que del cerebro humano hizo Freud: “el cerebro es como una casa con muchas habitaciones”. Y eso es lo que ha hecho el equipo escénico, una casa con muchas habitaciones, unidas entre si por escaleras. Similar en concepto a las creaciones de Claus Guth, la estructura de apartamentos muestra espacios definidos y otros más ambiguos, formando un conjunto arquitectónico que encaja perfectamente con el enjambre psicológico de la protagonista.
Al final de la representación la estructura se separa descomponiendo el edificio, de la misma manera que se diluye el laberinto psicológico de los protagonistas. El resultado es muy sofisticado y la intensidad emocional que representa, no entra en conflicto en ningún momento con la música.

Era la primera vez Gustavo Gimeno dirigía una ópera de Prokòfiev y el resultado ha sido satisfactorio, dada la complejidad de la partitura. La orquesta mantiene la tensión dramática, que es casi permanente, aunque se echaron en falta algunos planos orquestales más definidos y un sonido más limpio.

La parte coral de esta partitura es diabólica y el Coro titular del Teatro, Intermezzo, ha tenido una intervención sobresaliente. Los patrones que utilizan, aparentemente sencillos, por repetitivos, son de una gran complejidad, pues todas las repeticiones son diferentes. De hecho, cuando se estrenó la ópera en La Fenice en el 1955, el coro se situó en el foso, para poder tener la partitura.

El Ángel de fuego está concebido alrededor de los cantantes. La exigencia vocal, emocional y física es superior a cualquier ópera que se hubiera escrito hasta el momento. El protagonismo de Renata es absoluto y su interpretación agotadora. Es una mujer traumatizada y atrapada por los fantasmas de su pasado y la soprano letona Ausrine Stundyte, refleja perfectamente a través de su interpretación, esos pensamientos que la acosan y excitan. Stundyte no descansa ni un solo momento en las dos horas largas que dura la obra. Recorre los tres pisos del escenario sin descanso y sin bajar la intensidad de su personaje atormentado. Con un gran apoyo central y caudalosos agudos, tuvo la capacidad de llegar al final de la representación con la frescura vocal e interpretativa casi intacta.

Renata estuvo muy bien acompañada sobre el escenario por el Ruprecht del británico Leigh Melrose, conocido ya en este teatro por su participación en Gloriana y Muerte en Venecia. Su capacidad interpretativa está fuera de toda duda. Nos mostró un Ruprecht contagiado del histerismo de Renata y absolutamente perturbado por ella. Su parte vocal tampoco era nada fácil, con la dificultad añadida de no contar con el apoyo de la orquesta en muchos momentos, lo que requiere una labor de afinación que solventó de manera airosa. Se notó un poco al final el cansancio provocado por el histrionismo y esfuerzo del que dotó a su personaje.
Cuanto le hubiera gustado a Prokòfiev haber contado con Stundyte y Melrose en sus intentos de estrenar El ángel de fuego…

Dmitry Golovnin se encargó de dar vida a Agrippa von Nettesheim, un personaje más filosófico y a otro mucho más oscuro, Mefistófeles. Su timbre es agudo y penetrante y resultó suficientemente inquietante en ambos casos.
Dmitry Ulianov, ya un viejo conocido del público madrileño, tuvo una buena actuación con su voz oscura y rotunda y su siempre imponente presencia escénica.
Mika Kares no supo trasladar su presencia física como inquisidor a la proyección de su voz. Se quedó un poco justo de potencia el bajo finlandés.
Agnieszka Rehlis, en su doble papel de vidente y superiora, estuvo muy acertada en su interpretación, enigmática e inquietante. Bien también en la parte vocal, mostrando unos buenos registros graves y suficiente potencia.
El tenor Josep Fadó demostró una excelente sonoridad y presencia. También David Lagares destacó en sus breves intervenciones. Ambos realizaron una buena interpretación. El resto de comprimarios estuvieron a muy buen nivel, complementando un elenco muy equilibrado. Nino Surguladze, como posadera y Anna Gomá y Estibaliz Martyn, como novicias.

Esta producción de El ángel de fuego es espectacular, hipnótica. Al terminar, te das cuenta que has estado sumergido en un mundo difícil de describir y lleno de intensidad. Una obra que no deja indiferente a nadie, menos aún en estos momentos en los que, efectivamente, estamos sumergidos en un mundo difícil de describir.

Macbeth

El Palau de les Arts estrena el próximo 31 de marzo ‘Macbeth’, de Giuseppe Verdi, con dirección musical de Michele Mariotti y escénica de Benedict Andrews.

Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts, ha presentado hoy en conferencia de prensa esta producción, acompañado por sus dos directores, Michele Mariotti y Benedict Andrews, y por los intérpretes protagonistas, el barítono Luca Salsi y la soprano Anna Pirozzi.

“A partir de una obra maestra como ‘Macbeth’, Verdi firmó una de sus grandes óperas. Compuesta en sus ‘años de galera’, sería preludio de éxitos de referencia como ‘Rigoletto’, ‘Il trovatore’ y ‘La traviata’, además de anticipo de sus otras celebradas óperas shakespearianas ‘Falstaff’ y ‘Otello’”, señala el director artístico de Les Arts.

“Nuestro propósito es buscar acciones, colaboraciones e iniciativas para que todo el mundo encuentre su lugar en Les Arts. Por eso, hoy, dentro de nuestra propuesta transversal para ‘Macbeth’, hemos venido a la Biblioteca Pública de València para poner en valor los múltiples vínculos que permiten crear un género como la ópera y quiero agradecer a su director, Romà Seguí, su acogida”.

Michele Mariotti, una de las grandes batutas verdianas, con trabajos en los principales teatros del circuito internacional, debuta con ‘Macbeth’ en Les Arts. Actual director musical del Teatro dell’Opera di Roma, ha dirigido con éxito en Les Arts ‘La Cenerentola’, de Rossini, y un concierto sinfónico-coral con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Según explica el director de Pésaro, en su primera incursión en esta ópera ha buscado mostrar con los cuerpos estables de Les Arts los colores, los ambientes, las oscuridades y corruptelas en las que se sumerge la adaptación de Verdi de la tragedia shakespeariana.

Benedict Andrews firma esta producción de la Royal Danish Opera, con escenografía de Ashley Martin-Davis, vestuario de Victoria Behr, iluminación de Jon Clark y dirección de movimientos coreográficos de Ran Braun.

“Verdi ha escrito un drama inmenso, potente, duro y cargado de erotismo sobre el deseo y la necesidad. Sigue a los protagonistas durante todo el trayecto hasta el abismo, de la misma manera que Shakespeare, pero en la ópera podemos sentir que hay una especie de coloso en la música y quizá eso sea lo que Verdi realmente añade: su sentido del destino. Ese gran interés por el destino es lo que Verdi aporta a ‘Macbeth’”, explica el director.

Les Arts presenta un reparto excepcional para el estreno de esta obra, con Luca Salsi, en el papel protagonista que ofrece en València tras inaugurar con él la temporada de ópera en La Scala de Milán, para cantarlo después en la Ópera de Viena.

Aclamado por sus interpretaciones en la ópera verdiana y verista, el barítono italiano es un cantante de reconocimiento internacional, que ha actuado, entre otros, en el Metropolitan de Nueva York, el Festival de Salzburgo, la Ópera de París y la Bayerische Staatsoper.

Luca Salsi dará vida al noble escocés los días 31 de marzo, 3 y 10 de abril. Mientras que el georgiano George Gagnidze, otro de los nombres imprescindibles en los repartos de los grandes teatros para la obra de Verdi, cantará Macbeth los días 5 y 8 de abril.

Después de su arrollador éxito con el temido rol de Abigaille en ‘Nabucco’ en 2015 y 2019, regresa a Les Arts Anna Pirozzi, una de las sopranos más cotizadas en la actualidad. La diva napolitana presenta otro de los papeles más complejos y exigentes escritos por Verdi, Lady Macbeth, con el que ya ha cosechado incontestables éxitos en la Ópera de Viena y en el Covent Garden de Londres.

El bajo-barítono croata Marko Mimica (Banco) y el joven tenor italiano Giovanni Sala (Macduff) completan los papeles principales de este reparto, en el que también figuran: Rosa Dávila (Dama di Lady Macbeth), Jorge Franco (Malcom), Luis López Navarro (Medico/Sicario), Marcelo Solís (Domestico) y Juan Felipe Durá (Araldo).

Público joven

Las representaciones de ‘Macbeth’, de Verdi, se benefician de la nueva tarifa de precios asequibles para los menores de 35 años, con un descuento del 50 % en todas las localidades.

‘Macbeth’ en ‘streaming’

Según ha explicado Iglesias Noriega, ‘Macbeth’, además de uno de los puntales artísticos de la temporada, es, así mismo, el eje vertebrador de la ‘Maratón Verdi’, un calendario transversal y de ámbito autonómico de conciertos, recitales, ópera, coloquios, cine, talleres y gastronomía alrededor del compositor de Busseto y su primera incursión en la obra de William Shakespeare.

Dentro de su apuesta por desarrollar una programación accesible para todo el territorio, Les Arts cerrará el ciclo de representaciones de ‘Macbeth’ el próximo 10 de abril con la retransmisión gratuita en ‘streaming’ de la ópera de Verdi, para los municipios y sociedades musicales de la Comunitat Valenciana que así lo hayan solicitado.

Esta iniciativa, que clausura las actividades de la ‘Maratón Verdi’, se realiza dentro de las acciones de colaboración que el teatro de ópera desarrolla con Turisme de la Comunitat Valenciana.

Nicola Beller Carbone

El Teatro de la Zarzuela emitirá en directo a través de su canal de Youtube la última sesión de las clases magistrales que desde el pasado lunes imparte la soprano internacional Nicola Beller Carbone dentro del programa pedagógico del coliseo. La emisión será a partir las 18h00 del próximo domingo 27 de marzo, Día Mundial del Teatro, tendrá una duración aproximada de 60 minutos y durante la misma se podrán enviar preguntas que serán respondidas por la propia intérprete o por los alumnos al finalizar el trabajo.

La soprano Nicola Beller Carbone se distingue por un perfil artístico peculiar, en el que cuida tanto los aspectos teatrales como los musicales. Artista de gran versatilidad gracias a una completa formación en canto, piano, arte dramático o danza clásica, así como a su experiencia en espectáculos de toda clase –ópera, concierto, musical, teatro callejero, cabaret o bandas de rock y jazz–, siempre ha cantado en teatros y festivales ilustres como la Ópera Estatal de Baviera, La Fenice de Venecia, el Festival de Bregenz, la Ópera Nacional de París, la Ópera de Zúrich, el Teatro Real de Madrid o La Monnaie de Bruselas, en los que ha interpretado muy numerosos roles entre los que siente predilección por Salomé, Tosca, la Marie de ‘Wozzeck’ o Katerina Izmáilova de ‘Lady Macbeth de Mtsensk’.

Ha sido invitada en varias ocasiones al Teatro de la Zarzuela para cantar títulos como ‘La Gran Duquesa de Gerolstein’, ‘La Villana’ o ‘El Gato Montés’.

Cantante y docente

En los últimos años Beller Carbone ha compaginado su actividad como cantante con la docencia, impartiendo clases magistrales en prestigiosas instituciones de Múnich, Madrid, Las Palmas de Gran Canaria o Florencia, entre otros lugares.

En 2019 puso en marcha LIBERAinCANTO, desde donde imparte clases magistrales para cantantes líricos en las que trabaja la actuación y el canto desde la imaginación y la creatividad, combinando la técnica, el cuerpo, la voz y la intuición.

Matins a Les Arts

Por cinco euros el público puede disfrutar del recital y de una exposición de vestuario de las óperas ‘Il trovatore’ e ‘Il corsaro’.

Los artistas del Centre de Perfeccionament dedican el programa a ‘Verdi y la canción romántica’.

El Palau de les Arts vuelve a abrir sus puertas este domingo, 27 de marzo, a las 12.00 h, con una nueva sesión de ‘Matins a Les Arts’, con los artistas del Centre de Perfeccionament como protagonistas.

La Sala Principal es, una vez más, el escenario de esta actividad, con la que Les Arts invita a la ciudadanía a descubrir al edificio diseñado por Santiago Calatrava y conocer ‘in situ’ su actividad artística de la mano de sus principales activos por tan solo cinco euros.

Los pianistas José Alberto Sancho e Ignacio Aparisi acompañan a los cantantes del Centre de Perfeccionament: las sopranos Rosa María Dávila y Pilar Garrido, las mezzosopranos Laura Orueta y Mariana Sofía García, los tenores Xavier Hetherington y Jorge Franco y los barítonos Carlos Reynoso, Marcelo Solís y Alejandro Sánchez.

Les Arts dedica esta matiné de ‘Matins a Les Arts’ a ‘Verdi y la canción romántica’, con páginas de algunos de los autores más relevantes, contemporáneos del compositor de Busseto. Obras de Fauré, Chausson, Duparc, Liszt, Albéniz y el propio Verdi conforman el programa de esta sesión.

El recital se integra dentro del Maratón Verdi, que llevará la obra del genio italiano a todos los rincones de la Comunitat Valenciana mediante actividades participativas en colaboración con artistas, asociaciones e instituciones de toda nuestra geografía.

En esta línea, y como complemento a la actuación, el vestíbulo principal acoge también una exposición del vestuario de las óperas ‘Il trovatore’ e ‘Il corsaro’, ambas de Giuseppe Verdi, que podrá visitarse antes del recital.

Lisette Oropesa

Su voz nos emocionó en aquella Traviata que nos rescataba del confinamiento, y que provocó el primer bis de una mujer en la historia reciente del Teatro Real , aunque ya nos había puesto en pie con su interpretación de Lucia de Lammermoor en 2018. Regresa ahora, al escenario de la plaza de Oriente, una de las sopranos más queridas por el público madrileño, Lisette Oropesa.

La cita tendrá lugar el próximo miércoles, 30 de marzo, con un concierto en el que, acompañada por el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Corrado Rovaris, Oropesa ofrecerá un programa compuesto por fragmentos de las óperas Guillaume Tell, Le siège de Corinthe y Le Comte Ory de Gioacchino Rossini, y de Les Martyrs, Lucie de Lammermoor, La favorite y La Fille du Régiment, de Gaetano Donizetti.

Lisette Oropesa es una cantante con magnetismo. Tiene presencia escénica, dotes de interpretación, simpatía y, lo más importante, una voz lírica y luminosa que, sustentada sobre una técnica perfecta, la convierte en la intérprete idónea para las heroínas del bel canto, como son las protagonistas de las obras escogidas para su concierto en el Real, aunque en su repertorio tienen también presencia relevante los papeles verdianos o mozartianos.

Con excepción de Lucia de Lammermoor, todas las arias elegidas para este concierto pertenecen a óperas compuestas originalmente en francés, a pesar de estar escritas por dos autores italianos, Rossini y Donizetti – no en vano, ambos compositores tenían un estrecho vínculo con los escenarios parisinos- y todas ellas (salvo Lucia) fueron estrenadas con gran éxito en la capital francesa. Son óperas que precisan de cantantes hábiles, con registros agudos, de legato limpio y extraordinaria agilidad, características que han encumbrado a la protagonista de estas Voces del Real.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Riccardo Frizza

Riccardo Frizza, uno de los directores italianos de dilatada presencia en los teatros líricos españoles, ha sido nombrado hoy director titular de la Orquesta Sinfónica y del Coro de la Radio Húngara, puesto que asumirá a partir de la temporada 2022/23. Esta colaboración es fruto de una larga relación que Frizza mantiene con el conjunto húngaro desde que lo dirigió por primera vez en 2010. El nombramiento será celebrado durante un concierto mañana 24 de marzo que tendrá lugar en el Müpa de Budapest, con el director italiano dirigiendo la Segunda Sinfonía de Mahler.

Frizza ha declarado que ser el nuevo director titular de este conjunto con más de 75 años de historia significa “un gran honor”. El maestro italiano afirma que admira mucho “tanto a los músicos como al increíble patrimonio cultural de Hungría, y estar en Budapest siempre me llena de alegría. Desde que trabajé por primera vez con esta orquesta hemos tenido un profundo entendimiento musical. Hoy me siento muy feliz de poder colaborar juntos con regularidad, desarrollando y fortaleciendo aún más nuestro camino artístico. Confío en que juntos estaremos entre las mejores y más prestigiosas orquestas europeas. ¡Este es mi objetivo! O, mejor dicho, ya puedo decir ‘nuestro’ objetivo”.

Mañana, 24 de marzo, el público del Bartók National Concert Hall del Müpa lo espera para escuchar su versión de la Sinfonia Nº. 2 en Do menor de Gustav Mahler, obra coral imponente del post romanticismo, también conocida como “Auferstehung” (“Resurrección”): a la Orquesta y Coro de la Radio Húngara se sumará el Kodály Choir Debrecen, la soprano Kinga Kriszta y la mezzosoprano Erika Gál. “Con este concierto –continúa Riccardo Frizza– sigo mi proyecto interpretativo de las sinfonías de Mahler y del gran repertorio sinfónico alemán. Dirigir la Sinfonía Resurrección en estos días es extraordinariamente delicado desde el punto de vista emocional: esta obra habla a nuestra conciencia como lo hizo a finales del siglo XIX. La extrema belleza de sus melodías nos habla de una humanidad lacerada y asombrada. Mahler, en este tormento, buscó la clave de toda su vida como compositor. Hoy tratamos de adentrarnos en ese mundo de sufrimiento expresado con las alturas vertiginosas de la música, esperando encontrar –como hiciera el compositor– alguna idea de Resurrección”.

Riccardo Frizza, director musical del Festival Donizetti de Bérgamo, es uno de los directores de orquesta más aclamados de su generación, siendo invitado habitual de teatros y festivales internacionales como la Ópera de París, la Ópera Lírica de Chicago, el Metropolitan de Nueva York, la Bayerische Staatsoper, el Teatro alla Scala, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, ABAO Bilbao Opera, Rossini Opera Festival, Festival Verdi de Parma, Maggio Musicale Fiorentino, Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma, Gewandhausorchester de Leipzig y Sächsische Staatskapelle de Dresde. Recientemente ha dirigido L’elisir d’amore en el Festival Donizetti, conciertos con la Orquesta Haydn y un Homenaje a Caruso en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, La clemenza di Tito en la Ópera de Bilbao, Las tres reinas de Donizetti en el Teatro San Carlo de Nápoles y L’amico Fritz en el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino.

En abril de 2022 regresará a la Metropolitan Opera de Nueva York con una nueva producción de Lucia di Lammermoor. En España, en junio de 2021 ganó el Premio Ópera XXI al mejor director musical de la temporada.

Coro y Orquesta de la Radio Húngara

Fotografía: Simone Falcetta

Rey-Arturo_Teatro-Real

El próximo 27 de marzo se escuchará, por primera vez en el Teatro Real, la obra de Henry Purcell (1659-1695) Rey Arturo, semi ópera inglesa que contará con la presencia de la formación belga Vox Luminis, bajo la dirección artística y musical de Lionel Meunier, en la versión dramatúrgica de Isaline Claeys en colaboración con Simon Robson, con la participación del actor José Luis Martínez.

Esta rareza musical, poco frecuente en los escenarios, perteneciente al género dramático-musical, nos cuenta la pugna entre Arturo –rey cristiano de los britones– y Oswald –rey pagano de los sajones– por hacerse con la mano de la princesa Emmeline y, con ella, del reino de Inglaterra. La historia emana de la leyenda y en ella se citan personajes literarios, deidades griegas y mitología germánica, construyendo un relato que, por su extensión y la relación entre las partes cantadas y las habladas, dificulta enormemente su representación escénica.

La partitura contiene, sin embargo, bellos y conmovedores momentos en los que las voces solistas apenas toman protagonismo –este recae sobre la declamación de los actores- dando a las partes corales, o de conjunto, una presencia muy cercana a las composiciones de carácter religioso. La evocadora parte musical de Purcell refuerza o resalta el contenido dramático del texto de John Dryden, estableciendo una fructífera relación entre ambos.

En el Teatro Real se presenta la versión dramatúrgica creada por Isaline Claeys, en colaboración con Simon Robson, estrenada en el Théatre Hardelot de Condette, Francia. Los textos hablados se han traducido al castellano y serán declamados por el actor José Luis Martínez en el papel de narrador. La parte musical estará interpretada por la formación Vox Luminis, dirigida por el bajo Lionel Meunier, especializada en el repertorio inglés, italiano y alemán del siglo XVII y principios del XVIII, reconocida en el panorama internacional por su sonido único y su capacidad de dar vida tanto a reconocidas obras maestras como a joyas raras de la composición de los mencionados periodos.

Vox Luminis, con residencia en el Concertgebouw de Brujas, ha sido galardonada con el Gramophone Awards (2012), el Diapason d’Or (2015), el BBC Music Magazine Choral Award (2018) y varios Preis der Deutschen Schalplattenkritik, por citar algunos.

Manuel Busto

Los días 12 y 13 de marzo, el Teatro Lope de Vega de Sevilla acogerá el estreno absoluto de La mujer tigre, ópera de cámara del compositor y director de orquesta Manuel Busto, realizada por encargo del Teatro de la Maestranza, en coproducción con el Teatro Lope de Vega. Con dramaturgia de Julio León Rocha y dirección de escena de Fran Pérez Román, La mujer tigre contará con la participación de la soprano Natalia Labourdette, el Trío Arbós, Proyecto Lorca, el percusionista Agustín Diassera, la bailaora Paula Comitre y la cantaora Reyes Carrasco, entre otros.

La ópera y el flamenco se dan la mano en La mujer tigre, que cuenta la historia de una mujer que despertó tigre y reflexiona sobre la monstruosidad entendida como una construcción social. “Se trata de una tonadilla escénica contemporánea; La mujer tigre tiene una serie de paralelismos con la tonadilla escénica del siglo XVIII, en la que las estéticas pre-flamencas se fundían con el lenguaje operístico de la época. Además, la temática es completamente actual, tal y como sucedía en el XVIII. La dramaturgia se desarrolla en la contemporaneidad y pone de manifiesto la realidad de la sociedad actual”, señala Manuel Busto, que también se encargará de dirigir el estreno.

La mujer tigre es la segunda ópera de cámara del compositor sevillano, que recibió recientemente la prestigiosa Beca Leonardo de la Fundación BBVA, y acaba de firmar un contrato con la famosa editorial musical Universal Edition para la edición de su catálogo de obras, entre las que se incluyen Nombre entre nardos, Jaleo’s bright, Jauleña o Invocación bolera, realizadas por encargo del Ballet Nacional de España.

Teatro de la Maestranza

El ocaso de los dioses

El Teatro Real ha decidido cancelar las actuaciones del Ballet Bolshoi, previstas para el próximo mes de mayo, ante el conflicto bélico desatado por Rusia en Ucrania, que está originando una grave crisis en el mundo y una dolorosa emergencia humanitaria.

El Teatro Real lamenta no poder contar con esta prestigiosa compañía, cuyo director, Vladimir Urin, se ha pronunciado públicamente a favor de Ucrania y en contra de la guerra.

El Teatro Real, conmocionado y consternado por la dramática situación que está viviendo Ucrania, y como expresión de profundo respeto y solidaridad con su pueblo, el pasado 27 de febrero, en la última función de El ocaso de los dioses, se envolvió el cadáver de Siegfried en la bandera de Ucrania, integrando el homenaje simbólico del Teatro Real en la visionaria y sublime ópera de Wagner.

El Teatro Real reembolsará, a lo largo del mes de marzo, el importe de las localidades que se hayan adquirido para este espectáculo.

Imagen © Javier del Real / Teatro Real

Lisette Oropesa

La soprano Lisette Oropesa, considerada como una de las grandes divas del panorama lírico, debuta este sábado, 5 de marzo, en el Palau de les Arts con obras de Bizet, Fauré, Falla, Rodrigo, Schumann y Schubert dentro del ciclo ‘Les Arts és Lied’.

Su voz espectacular, técnica incontestable, firmeza en el registro sobreagudo, timbre luminoso, facilidad pasmosa para las agilidades y una elegancia canora, junto con su poderoso magnetismo en el escenario y carisma personal, son las claves del éxito de una artista imprescindible en los grandes teatros y auditorios del circuito internacional.

Acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre, la cantante estadounidense de origen hispano se presenta ante el público valenciano con un repertorio dedicado a los grandes compositores de ‘Lied’ y canciones, con una especial atención a los autores españoles y americanos, que repetirá días después en la Staatsoper de Viena.

Lisette Oropesa iniciará el recital con páginas de liederistas de referencia como Schumann y Schubert, pasando por los franceses Bizet y Fauré, y el italiano Mercadante. Para la segunda parte, la cantante de padres cubanos brindará piezas del valenciano Joaquín Rodrigo, ‘Cuatro madrigales amatorios’, ‘Siete canciones populares españolas’, de Manuel de Falla, para concluir con un homenaje a sus orígenes con canciones de Joaquín Nin y Gonzalo Roig.

Las localidades para los recitales de ‘Les Arts és Lied’ tienen un precio de entre 40 y 20 euros para el público general. En este sentido, Les Arts recuerda que este ciclo se beneficia de la nueva tarifa única con entradas a 15 euros para los menores de 28 años.

El ciclo que Les Arts dedica a esta forma musical que aúna voz, poesía y piano continuará con los recitales de la mezzosoprano francesa Marianne Crebassa (2 de abril de 2022) y del cotizado contratenor Jakub Józef Orliński (15 de mayo de 2022).

Foto: Steven Harris

EDEN Joyce DiDonato

Desde la reforma carcelaria, la difícil situación de los refugiados, la necesidad de educación musical para todos, hasta In War and Peace, que define la industria, la superestrella de la ópera Joyce DiDonato ha sido durante mucho tiempo una artista que se ha dedicado a crear e iniciar proyectos que desafían y conmueven al público, traspasando los límites de la sala de conciertos.

EDEN es la última iniciativa multifacética de DiDonato, a la que dedicará gran parte de su tiempo durante los próximos cuatro años, uniendo música, teatro y educación para enfrentar preguntas sobre nuestra conexión individual con la naturaleza. Compuesto por una gira por más de 45 fechas en los cinco continentes entre 2022-24, un álbum para Erato, un programa educativo innovador y múltiples acciones asociadas, el impacto y el legado de EDEN, se espera que tenga un gran alcance en el tiempo y el espacio.

La pasión y fuerza impulsora detrás de EDEN para Didonato, es que se necesita un regreso colectivo a lo mejor de nosotros mismos para, no solo abordar nuestra actual crisis climática, sino también la crisis del corazón. Al examinar nuestra relación con el mundo natural y nuestro lugar único dentro de él, EDEN invita al oyente a explorar y buscar respuestas sobre pertenencia, propósito y sanación.

Cada día que pasa”, escribe DiDonato, “confío cada vez más en el equilibrio perfecto, el misterio asombroso y la fuerza que rige el mundo natural que nos rodea, cuánto tiene que enseñarnos la Madre Naturaleza. EDEN es una invitación a volver a nuestras raíces y a explorar si nos estamos conectando tan profundamente como podamos con la esencia pura de nuestro ser, para crear un nuevo EDEN desde dentro y plantar semillas de esperanza para el futuro”.

Junto a sus socios orquestales, con los que mantiene una larga y próspera relación, Il Pomo d’Oro y el director Maxim Emelyanychev, colaborarán con Didonato la directora de escena Marie Lambert y la compositora, ganadora de un Oscar, Rachel Portman, combinando música de diferentes géneros con un escenario diseñado para conectar a la audiencia con el mismo corazón del mundo natural que nos rodea.

DiDonato describe cómo, en tiempos difíciles, el contacto con la naturalez junto a su vida musical la hace sentirse conectada, en sus propias palabras: “sentir que soy una parte integral de algo más grande. Una semilla se despierta dentro de mí. Aquí es precisamente cuando busco el consuelo y la conexión de la música: cada día que pasa confío cada vez más en el equilibrio perfecto, el misterio asombroso y la fuerza rectora del mundo musical. Tanto la naturaleza, como la música nos muestran el camino, un camino dictado por la armonía y el equilibrio. ¿Responderemos a la llamada?»

El álbum EDEN se publica el 25 de febrero de 2022 a través de ERATO y la gira internacional comienza el 2 de marzo de 2022 en Bruselas. El repertorio de ambos es muy diverso, partiendo del tema atemporal de la naturaleza que ha cautivado a los compositores a lo largo de los siglos con cada grabación explorando un aspecto de la relación de la humanidad con la naturaleza y, en palabras de DiDonato, “no tendrá fronteras, será como un jardín salvaje».

Desde el siglo XVII hasta el siglo XXI, y abarcando a compositores como Handel, Gluck, Wagner, Mahler, Ives, Copland y la ganadora del Oscar Rachel Portman, a quien DiDonato le ha encargado que escriba un nuevo trabajo especialmente para EDEN, el programa está en el corazón de este proyecto visionario.

Cruzando varios géneros musicales, EDEN abre con dos piezas que plantean preguntas, data de 1908: la enigmática pregunta sin respuesta (The Unanswered Question) de Charles Ives, en la que DiDonato canta versos que normalmente se asignan a una trompeta, y un nuevo encargo de la compositora británica ganadora de un Oscar, Rachel Portman. Para EDEN, Portman se ha asociado con el poeta y escritor estadounidense Gene Scheer para componer The First Morning of the World (La primera mañana del mundo). Scheer, admirado por sus colaboraciones con compositores tan destacados como Jake Heggie (incluido el ciclo de canciones Camille Claudel: Into the fire, escrito para DiDonato y lanzado en Erato en 2018) reconoce, a través de su texto evocador, que este es un momento plagado de preguntas. Preguntándose sobre «los sonidos y las canciones de la primera mañana del mundo».

Un aria de oratorio de Josef Mysliveček se toma de un recital de la historia de Adán y Eva, mientras el Ángel de la Justicia lanza una advertencia severa y amarga a su pueblo. De la primera parte del siglo XVIII, Handel está representado por su famoso «Largo«, una oda impresionante a la refrescante sombra de un platanero. Las primeras glorias de la ópera italiana se evocan en un aria de la ópera de dioses y humanos de Cavalli, La Calisto. Su historia comienza en un paisaje árido y abrasado, pero termina con Calisto, su heroína, ascendiendo a las estrellas.

EDEN supone además un nuevo modelo que ayudará a redefinir la industria, estableciendo un nuevo estándar gracias al impacto que los artistas pueden generar con el poder de sus actuaciones. Al involucrarse con múltiples socios internacionales, EDEN asegura que su educación y trabajo comunitario sean fundamentales para el proyecto, y que su legado sea real y duradero.

Como embajadora del International Teaching Artists Collaborative (ITAC)’s, DiDonato ha estado trabajando con ellos en el diseño y entrega de programas comunitarios y educativos interdisciplinarios de naturaleza musical para coros de niños y grupos escolares en todo el mundo, bajo la experiencia de Eric Booth, cofundador de ITAC. La visión es emplear a Artistas Docentes locales en cada ciudad en la gira para amplificar las experiencias de EDEN de los jóvenes y otras personas a fin de usar sus voces para obtener una comprensión más profunda de la naturaleza y su impacto directo en el mundo. Los coros de niños locales también tendrán la oportunidad de actuar en el escenario con DiDonato en los conciertos de EDEN.

Botanic Gardens Conservation International y DiDonato han creado The EDEN Sustainability Challenge que plantea objetivos simples que, de manera demostrable, traen un estilo de vida más sostenible. BGCI está proporcionando semillas nativas para que los miembros de la audiencia las planten, brindando una oportunidad única para que la comunidad de música clásica plante literal y colectivamente un nuevo «EDEN» en todo el mundo, participando activamente en la regeneración, la conciencia y la creación.

Abrecartas

El abrecartas

Luis de Pablo (1930-2021)

Ópera en un prólogo y seis actos. Libreto de Vicente Molina Foix, basado en su novela homónima /2006)

Nueva producción del Teatro Real. D. musical: Fabián Panisello. D. escena: Xavier Albertí. Escenógrafo: Max Glaenzel. Figurinista: Silvia Delagneau. Iluminador: Juan Gómez Cornejo. Coreógrafo: Roberto G. Alonso. Diseñador de vídeo: Álvaro Luna. D. coro: André Máspero. D. coro de niños: Ana González

Se estrenaba en el Teatro Real, de manera póstuma, una de las obras líricas del recientemente fallecido Luis de Pablo. Constituía este un merecido homenaje al compositor bilbaíno. Esta obra, compuesta de un prólogo y seis escenas, es casi una recopilación artística y filosófica de su vastísima su obra. El abrecartas no deja de estar llena de la complejidad musical, marca de la casa, y de abundantes influencias vanguardistas. Pero también se deja seducir por músicas tradicionales, como el pasodoble o la pieza coral con la que termina. La música de Luis de Pablo se ha caracterizado siempre por su fuerza y creatividad y el abrecartas no es una excepción.

El propio autor de la novela, Vicente Molina Foix, ha sido el encargado de hacer la adaptación para el libreto. Pero el resultado no es el más adecuado para una ópera. Su estilo recitativo, un tanto inconexo, no encaja precisamente con lírica poética que requiere una ópera. En ningún momento abandonó su línea plana, no solo por la inexistencia de teatralidad, sino por la poca fuerza o emoción del propio texto.

No era la primera vez que Luis de Pablo ponía música a libretos de Molina Foix. Ya lo hizo con El viajero indiscreto y La madre invita a comer.

La obra gira alrededor de las cartas que se cruzaron alguno de los personajes más importantes de la vida cultural española. En ella aparecen García Lorca, Vicente Aleixandre, Miguel Hernández o Eugenio d´Ors. Tal vez por eso, por tratarse de cartas y documentos ajenos unos de otros, las escenas queden un poco inconexas.

El escenógrafo Xavier Albertí no tenía una tarea fácil, dado el eclecticismo, tanto de la música como del texto. La obra comienza con una escena infantil de Lorca en Fuentevaqueros, todo ello en medio de una gran austeridad escénica. Apenas unos archivadores móviles que realizan distintas funciones a lo largo de la representación. Una iluminación tenue y la ausencia de otro color que no sea el gris, van adornando cada una de las escenas con pequeños movimientos, aparición de cuadros de grandes dimensiones o personajes cuyo vestuario pretende ilustrar la escena.

Es esta una obra coral, con un buen número de personajes, y son las voces lo que más me ha gustado de esta producción. A pesar de lo estático de los personajes sobre el escenario, hay que destacar su buena interpretación, a pesar de ser un texto tan declamado.

Airam Hernández ha dado voz a García Lorca, demostrando una vez más que posee un hermoso timbre. Canta con gusto y elegancia, características muy apropiado al personaje.

Borja Quiza, como Vicente Aleixandre, tuvo algún problema con los graves, pero en general, resolvió bien su papeleta. Muy bien, como siempre, Mikeldi Atxalandabaso, como Alfonso, al igual quel el resto del reparto formado por José Antonio López, en el papel de Miguel Hernández, José Manuel Montero, como Rafael, Jorge Rodríguez-Norton, Como André Acero, Ana Ibarra, en los roles de Salvador y Setefilla, Vicenç Esteve, como Ramiro, Gabriel Díaz, como el comisario, David Sánchez, como Eugenio d´Ors, Laura Vila, como Sombra y Magdalena Aizpurua, como Manuela.

Fotografías: Javier del Real

Lakmé y Sabine Devieilhe

A punto de despedir un intenso mes de febrero, la temporada del Teatro Real se prepara para recibir a una de las óperas más importantes, sin duda la más conocida, y la última estrenada en vida, del compositor francés Léo Delibes (1836-1891), Lakmé, de la que se ofrecerán dos sesiones, en versión de concierto, los próximos días 1 y 3 de marzo.

Lakmé es la ópera más popular de Léo Delibes y la que más se sigue representando en la actualidad. Se estrenó en la Opéra-Comique de París el 14 de abril de 1883 y quince años más tarde, en noviembre de 1898, se escuchaba por primera vez en el Teatro Real. La delicadeza de sus melodías y su refinamiento parecen ocultar una partitura de extraordinaria dificultad para los intérpretes.

Las expresiones artísticas del siglo XIX miran a Oriente, lugar desconocido y exótico, atraídas por el misterio y la aventura de unas culturas recién descubiertas -y colonizadas- donde recrear sugerentes historias envueltas en colores y matices tan lejanos del mundo occidental. La música se impregna también de esta tendencia con relatos que han marcado la historia de la ópera en la que, por citar solo algunas, encontramos Madama Butterfly y Turandot, de Puccini; Los pescadores de perlas, de Bizet; Thaïs, de Massenet; Sansón y Dalila, de Saint-Saëns, y la que ahora nos ocupa, Lakmé.

Con libreto de Pierre-Edmond-Julien Gondinet y Philippe-Emile François Gille -basado en la novela Le mariage de Loti, de Gondinet, inspirada a su vez en la novela de Pierre Loti, RarahuLakmé, ambientada en la colonización británica de la India, cuenta la historia de amor entre la hija de un sacerdote hindú, obligado a realizar sus ritos sagrados en un templo secreto, oculto ante la prohibición del invasor de celebrar sus prácticas religiosas, y un oficial inglés en la que la confrontación entre dos culturas conduce a los protagonistas a una relación imposible cercenada por el deshonor, la venganza y la opresión colonialista.

Lakmé no sólo es la ópera más representada del compositor, incluso en nuestros días, es la obra que ha dado al género lírico algunos de los momentos musicales más conocidos tanto por los aficionados como por los que no lo son, como “El dúo de las flores” y el “Aria de las campanitas”, incluidas frecuentemente en los programas de conciertos y recitales de las grandes cantantes.

Las dos únicas representaciones contarán con las extraordinarias voces de Sabine Devieilhe (Lakmé), Xabier Anduaga (Gérald) y Stéphane Degout (Nilakantha), en los papeles protagonistas; David Menéndez (Frédéric), Héloïse Mas (Mallika), Gerardo López (Hadji), Inés Ballesteros (Miss Ellen), Cristina Toledo (Miss Rose), Enkelejda Shkosa (Mistress Bentson) e Isaac Galán (Kouravar).

Junto a ellos estarán, bajo la experta batuta de Leo Hussain, el Coro y Orquesta titulares del Teatro Real.

Fotografía © Anna Dabrowska

Sala Gayarre

ExternoRecibidos

El Teatro Real continúa con sus iniciativas de divulgación artística y cultural, entre las que destaca el empeño de acercar la ópera a un público cada vez mayor, a través de proyectos como el que pondrá en marcha el próximo 19 de febrero y que, bajo el título Sesiones Livestream, retransmitirá en directo las óperas que se estén representando en su escenario, en ese momento, en la gran pantalla de la Sala Gayarre.

Imagen de alta definición, excelente calidad de sonido y una cuidada realización permitirán a más espectadores acceder al Teatro para disfrutar de sus espectáculos en las mismas condiciones que el público de la sala principal, compartiendo espacios en los entreactos y con posibilidad de asistir al espacio gastronómico del Café de Palacio.

La primer sesión tendrá lugar el día 19 de febrero, con la retransmisión de El ocaso de los dioses, última jornada de El anillo del Nibelungo, de Richard Wagner (1813-1883), que pone fin al proyecto de la tetralogía que se ha presentado en este escenario en cuatro temporadas sucesivas y que cuenta con la dirección musical de Pablo Heras-Casado, la icónica puesta en escena de Robert Carsen, 11 solistas, 115 músicos -que estarán, como sucediera la pasada temporada en Siegfried, ubicados en el foso y en 8 palcos a ambos lados del escenario para mantener la debida distancia de seguridad sanitaria-, 62 miembros del coro y 17 actores figurantes.

El precio de las localidades para la Sala Gayarre será de 19€ y podrán adquirirse en la página web (www.teatroreal.es), en venta telefónica o en las Taquillas del Teatro, como el resto de espectáculos.

Tras la colosal partitura wagneriana, estarán disponibles otros títulos de la temporada como Lakmé -que podrá verse el 3 de marzo-, Las bodas de Fígaro, Juana de Arco en la hoguera o Nabucco.

La voix humaine

ABAO Bilbao Opera añade dos nuevos títulos a su catálogo artístico con el estreno de La voix humaine de Francis Poulenc y Eine florentinische Tragödie de Alexander Zemlinsky. Dos historias de amor, abandono, decepción y drama, con el debut en ABAO de las tres voces protagonistas. Para este estreno ABAO ha programado cinco funciones para los días 17, 19, 22, 25 y 28 de febrero en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones darán comienzo a las 19:30h excepto la del sábado 19 que comenzará a las 19:00h.

En este programa doble de obras maestras del siglo XX, todo gira en torno a las protagonistas femeninas y su situación emocional. Las óperas en un acto La voix humaine y Eine Florentinische Tragödie, se presentan unidas por el mismo anhelo de conexión, el mismo deseo de amar y ser amado, y por el sentimiento universal de la decepción amorosa. Ambas tienen una base literaria, la de Poulenc en la obra teatral homónima de Jean Cocteau y la de Zemlinsky en una obra de teatro de Oscar Wilde del mismo título. Ambas óperas comparten otras similitudes: se desarrollan a lo largo de la noche, una escena única en la primera y sólo con breves ausencias en la habitación contigua del marido en la segunda, y en ambas la acción está concentrada en lo personal.

En La voix humaine una mujer, Ella, llama a su examante, incapaz de dejarle ir. Le halaga, se desespera y le intimida con la esperanza de que él no cuelgue el teléfono. Una historia de amor sin final feliz que la protagonista pretende salvar. En Eine florentinische Tragödie el comerciante Simone regresa a casa y encuentra a su mujer, Bianca, en brazos de un noble florentino, Guido. Primero finge ignorar la situación, pero ante el descaro del noble y la indolencia de Bianca propone un duelo al amante de su esposa y lo mata. El triángulo amoroso termina con los esposos enfrentados a su miseria, “¿Por qué nunca me dijiste que eras tan fuerte?” le dice Bianca a Simone, y él responde con otra pregunta: “¿Por qué nunca me dijiste que eras tan bella?”.

La voix humaine es una obra que ha dado la vuelta al mundo y la sigue dando en varios idiomas y diversas formas: teatro, cine, ópera… siempre vigente tratándose de una reflexión sobre una emoción universal: el dolor del desamor.

El estreno de Eine florentinische Tragödie en 1917 tuvo un éxito arrollador, repetido el mismo año en Praga, Viena y Graz. La obra de Zemlinsky fue prohibida por el III Reich debido a su ascendencia judía, su recuperación comenzó en la década de los setenta del siglo XX y ha ido aumentando cada vez más en todo el mundo. Alabado por Brahms, Mahler, Schönberg y Korngold, de él dijo Stravinski, “de todos los directores que he escuchado, elegiría a Zemlinsky como el más sobresaliente”.

TRES VOCES CARISMÁTICAS DEBUTAN EN LA TEMPORADA DE ABAO
Destaca el debut en ABAO de la soprano Nicola Beller Carbone, protagonista de ambas óperas, experta en repertorio alemán, que defiende el único personaje de La voix humaine, en el transcurso de una historia de amor desesperada, donde la intérprete va pasando de la expectación al anhelo y de la esperanza a la impotencia. La ausencia de un segundo interlocutor hace que el personaje de Ella enfrente sola toda la carga vocal y dramática en tortuosa intimidad, lo que supone un auténtico tour de force para la cantante. En Eine florentinische Tragödie Nicola Beller Carbone encarna a Bianca, la protagonista femenina de un triángulo amoroso con todo el peso de un drama pasional oscuro y trágico, pero con momentos de enorme sensibilidad. Con la interpretación de Bianca, personaje que la cantante debuta, Nicola Beller Carbone completa todo el catálogo de protagonistas femeninas de las óperas de Zemlinsky.

El tenor Giorgio Berrugi, afronta para su debut en la temporada bilbaína el rol de Guido, el Príncipe de Florencia amante de Bianca, un personaje cuya arrogancia y desprecio le arrastran finalmente a la muerte. Un rol con momentos de gran sonoridad y finura lírica. Giorgio Berrugi ha actuado recientemente en Módena, Stuttgart y Barcelona y próximamente lo hará en Turín, Viena y Frankfurt.

Debuta también el bajo barítono Carsten Wittmoser con el personaje de Simone, el marido engañado, que acaba convertido en asesino. Auténtico protagonista de la ópera, es un personaje complicado de interpretar, que lleva la voz del barítono hasta los límites de tesitura y exige una línea de canto contundente. El intérprete de origen alemán afincado en México ha sido invitado recientemente por el Metropolitan de Nueva York y el Festival de Erl en Austria.

PEDRO HALFFTER REFERENTE EN LA OBRA DE ZEMLINSKY, AL FRENTE DE LA BILBAO ORKESTRA SINFONIKOA
Pedro Halffter Caro, posee una compleja y enorme sensibilidad y está considerado como uno de los directores más importantes del repertorio sinfónico de su generación. Calificado como uno de los mejores directores del repertorio alemán en España, es además un profundo conocedor de la obra de Alexander Zemlinsky, no en vano programó y dirigió en 2008 el estreno en España de Eine florentinische Tragödie y Der zwerg, y en 2016 Der König Kandaules. En Bilbao estará al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

En La voix humaine, Poulenc creó una música nueva, subrayando las emociones de forma refinada, con motivos rítmicos llenos de sensibilidad, pero con fuerza y contundencia, y desarrollando una partitura compleja que conjuga, a través de la genialidad, la forma musical y el fondo trágico. La partitura, llena de momentos intensamente dramáticos, resulta de gran dificultad para quien la ejecuta.

En Eine florentinische Tragödie la orquesta, rica en instrumentación, tiene un papel esencial marcada por el cromatismo, el sabio contrapunto, las disonancias y el expresionismo tonal que imprime el compositor vienés. La partitura, sugestiva y exuberante, se abre con una soberbia obertura orquestal, envolvente y densa, que va progresando en tensión dramática hacia el clímax de la escena del asesinato, que se resuelve con un final sorprendente, con toda la belleza del decadentismo.

UNA PRODUCCIÓN CONTEMPORÁNEA Y SORPRENDENTE
Paco Azorín, uno de los directores de escena españoles más solicitados en la actualidad, es el responsable de la dirección escénica de este díptico sobre las relaciones humanas, la soledad y la desesperación. La escenografía, revisada para ABAO Bilbao Opera basándose en la coproducción original del Gran Teatro del Liceu y Teatros del Canal, recrea un apartamento y desarrolla la acción en dos niveles, en el escenario y en la pantalla, resaltando la complejidad psicológica de los protagonistas.

En La voix humaine la orquesta se sitúa en el propio escenario, algo inédito en ABAO, para que la intérprete esté lo más cerca posible del público y transmita toda la intensidad dramática de la historia que protagoniza. En Eine florentinische Tragödie, un espacio escénico envolvente conjugado con el movimiento de los elementos que suben y bajan, configuran un ambiente muy teatral que desemboca en el trágico final.

Una puesta en escena elegante, muy visual, con sutiles elementos de atrezzo como espejos, butacas, maletas y baúles, y con gran inteligencia escénica, que ofrece un nuevo enfoque con el trabajo de videoproyecciones de Pedro Chamizo, logrando transmitir en la pantalla superior de la escenografía toda la soledad, pesadumbre y desolación de las situaciones vividas.

La efectiva iluminación de Pedro Yagüe y el trabajo de vestuario de Ana Garay, contribuyen a la indeterminación temporal y geográfica que confieren a la propuesta un valor universal.

CONFERENCIA DE LUIS GAGO EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada en una conferencia impartida por prestigiosos expertos y musicólogos en el Auditorio del Museo Bellas Artes de Bilbao. El viernes 18 de febrero, Luis Gago, crítico musical, ensayista, productor de ópera y conferenciante, será el encargado de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor.

Airam Hernández

Airam Hernández regresa en febrero a Madrid, donde volverá a subirse al escenario del Teatro Real, esta vez para participar en el estreno absoluto de la ópera El Abracartas, del recientemente fallecido Luis de Pablo. Será en una producción del coliseo madrileño con dirección de escena de Xavier Albertí y con Fabián Panisello en el podio (funciones los días 16, 18, 20, 22, 24 y 26 de febrero).

Para el tenor español, que desde los inicios de su carrera también se mueve en repertorio contemporáneo, participar en el estreno de una ópera en su país y dando vida a Federico García Lorca representa “una responsabilidad y un orgullo. Siempre me fascinó su poesía después de haber leído Romancero gitano o Poeta en Nueva York, aunque me interesan especialmente sus obras teatrales, concretamente Yerma y La casa de Bernarda Alba. Como parte del colectivo LGTBIQ+, empatizo enormemente con lo que debió vivir. Aunque no podamos afirmar que militó activamente para lograr los derechos fundamentales del colectivo, fue la manera de vivir su sexualidad con naturalidad, que incluso se ve reflejada en su obra, la que trasciende y que de algún modo, representa el fin último de cualquier militancia LGTBIQ+: el derecho fundamental de vivir libremente tal y como somos. Cuando me llamaron del Teatro Real no dudé en aceptar la propuesta. Esta es mi manera de hacerle un pequeño tributo. Lo abordo sin tener muchos testimonios audiovisuales de él, de cómo se expresaba o se movía, salvo por alguna grabación puntual. Trataré de crearlo basándome en documentales, biografías y su propia obra. Federico es una pieza de este gran puzzle que es El abrecartas y su inclusión en la obra forma parte de un recorrido por la historia de España a lo largo del siglo XX. De algún modo, en esta obra podremos ver comprimida la vida de Federico, desde su niñez hasta su muerte. Confío en que, junto a Xavier Albertí y Fabién Panisello, haremos un precioso trabajo del que Lorca pudiera sentirse orgulloso”, afirma.

En cuanto a la partitura de Luis de Pablo, asegura que “como con cualquier otro compositor, resulta fundamental entender el lenguaje musical propio que utiliza. Para aproximarse a Luis de Pablo hay que conocer su obra. En este caso, hay que tener en cuenta la importancia que da al ritmo, y a los efectos sonoros conseguidos a través de las dinámicas que escribe para crear texturas que aporten dramatismo y que ayuden a la comprensión del texto. Toda información que conozcamos del compositor y de su trayectoria sirve de guía”, concluye.

Junto a Airam Hernández también participarán en este estreno absoluto Borja Quiza y José Antonio López, que asumirán los roles de los también poetas Vicente Aleixandre y Miguel Hernández respectivamente, además de otros destacados intérpretes como Ana Ibarra, Mikeldi Atxalandabaso, Vicenç Esteve, José Manuel Montero, Jorge Rodríguez-Norton, Gabriel Díaz, David Sánchez y Laura Vila.

La temporada 2021-2022 ha llevado al cantante tinerfeño al Euskalduna de Bilbao, al Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de G. C. y al Auditorio Nacional de Madrid con la Novena Sinfonía de Beethoven; a la Ópera de Oviedo con su debut como Tamino de La flauta mágica de Mozart; a la Fundación Juan March con un recital dedicado a Rossini; al Teatro de La Maestranza de Sevilla con su primer Tebaldo de I Capuleti e i Montecchi de Bellini; y al Puerto de Tenerife como protagonista del Concierto de Navidad junto a la Sinfónica de Tenerife, dirigida por Víctor Pablo Pérez.

Tras su participación en El abrecartas Airam Hernández regresará a Tenerife para meterse en la piel de Arcadio en el estreno en España de la ópera Florencia en el Amazonas de Daniel Catán y para cantar Las siete palabras de Cristo en la Cruz, de César Franck; será Alfredo de La Traviata en el Teatro Calderón de Valladolid; cantará la Sinfonía Fausto, de Liszt, en Weimar (Alemania) y volverá al Gran Teatre del Liceu de Barcelona como Pollione de Norma de Bellini.

El abrecartas

El fallecimiento de Luis de Pablo (1930-2021) el pasado 10 de octubre, a los 91 años, ensombrece el estreno mundial de su última ópera, en la que el compositor nos sorprende con un lenguaje alejado de sus óperas precedentes, más cantábile, expresivo y evocador de la tradición musical española, en ese camino de búsqueda y experimentación sin complejos que ha caracterizado toda su carrera artística.

Aunque la música vocal ocupó siempre un lugar destacado en la producción de Luis de Pablo -compositor de grandísima cultura literaria y verdadera fascinación por la palabra y sus ecos sonoros y semánticos-, su corpus operístico lo conforman seis óperas escritas a lo largo de cerca de 30 años: Kiu (1983, Teatro de la Zarzuela), El viajero indiscreto (1990, Teatro de la Zarzuela), La madre invita a comer (1993, Bienal de Venecia, Teatro Goldoni), La señorita Cristina (2001, Teatro Real), Un parque (2005, Bienal de Venecia, Piccolo Arsenale) y, finalmente, El abrecartas, concluida en 2015.

Esta última ópera, concebida desde el inicio como una especie de ‘testamento vital’, se basa en la obra homónima de Vicente Molina Foix, libretista de la misma y colaborador de Luis de Pablo en cinco obras vocales, incluyendo el libreto de tres óperas: El viajero indiscreto, La madre invita a comer y El abrecartas.

La novela, Premio Nacional de Narrativa de 2007, es, en las palabras de su autor, una “anti-epopeya coral amarga, (…) llena de meandros y surcada por figuras reales y ficticias de la España del siglo XX, que se intercambian versos y amenazas, que se escriben cartas de amor y mensajes secretos que no llegarán a su destino, aunque otros los leerán y manipularán.”

La partitura de El abrecartas abarca únicamente las primeras 220 páginas del libro, que corresponden a la primera mitad del pasado siglo y a la época más aciaga de la novela, teniendo como telón de fondo la Guerra Civil, sus convulsos antecedentes y la dictadura posterior.

Partiendo de una foto antigua del colegio de Fuente Vaqueros en la que aparece Federico García Lorca con 6 o 7 años, vestido de blanco, junto al resto de los alumnos, Molina Foix creó una novela epistolar en la que da vida a uno de los niños anónimos del retrato, al que llama Rafael, que crece fascinado con el poeta. Junto a él germina un universo ficcional plasmado a través de cartas, misivas, notas, informes policiales y documentos de personajes reales -García Lorca, Vicente Aleixandre, Miguel Hernández, Eugenio D’Ors o Andrés Acero- y ficcionales, que comparten el mismo mundo tenebroso e inquietante que les obliga a ocultar sus pensamientos, sentimientos y pulsiones sexuales.

Aunque el trasfondo histórico de la obra sea real -el asesinato de Lorca, la muerte de Miguel Hernández, el suicidio de Acero en México, etc.­ y se utilicen incluso fragmentos de documentos auténticos, los textos epistolares que entrelazan las vivencias cruzadas de los personajes son ficticios, con excepción de las palabras utilizadas en el dúo a cappella que finaliza la obra, extraídas de La destrucción del amor, de Vicente Aleixandre.

También el director de escena Xavier Albertí ha tenido que articular las referencias históricas con el mundo espectral de las voces escritas. Rehuyendo la verosimilitud con los personajes reales, su dramaturgia evoca los ‘espacios mentales’ de los protagonistas -enfatizados con las atmósferas lumínicas de Juan Gómez Cornejo– que se suceden y superponen en una escenografía metafórica diseñada por Max Glaenzel, con grandes módulos de apartados de correos que cobijan los recuerdos de papel. El vestuario de Silvia Delagneau sugiere, como el decorado, la vida entre muros, trincheras y escondites durante la primera mitad del siglo XX.

Las reminiscencias epistolares salen del papel y viven con la música de Luis de Pablo, más descriptiva y anclada a la tradición musical española y a la prosodia del castellano hablado que en óperas anteriores. Así, la partitura comienza con un breve prólogo que evoca el juego de Los lobicos con los niños del colegio y a partir de ahí, se suceden 6 escenas concebidas como retazos de vidas; un mosaico lleno de contrastes y una escritura orquestal casi camerística, pero dotada de una rica paleta de colores y poder dramatúrgico gracias al gran número de instrumentos, pocas veces utilizados como masa sinfónica.

Como apunta José Luis Téllez, “la cita y la parodia ocupan un espacio significativo en la economía significante de El abrecartas”. A lo largo de la ópera afloran ‘paráfrasis’ melódicas, más o menos disimuladas, que van desde el cancionero renacentista español, nanas o canciones populares, hasta las evocaciones de un cuplé, o una zarzuela.

El abrecartas es también un homenaje a la literatura española, desde el siglo de oro español –con la representación de La vida es sueño, de Calderón– hasta la generación del 27, con un lugar especial para el gran poeta Vicente Aleixandre, Premio Nobel de Literatura en 1977, cuya casa –que frecuentaban De Pablo y Molina Foix– fue un espacio de creación, discusión, protección y refugio de artistas durante los tiempos más difíciles del siglo XX.

En su última ópera, Luis de Pablo, ya octogenario, mira con indulgencia, dolor y nostalgia -y también con ironía, siempre que puede-, los tiempos convulsos en que España se desgarró. Lo hace loando e igualando las voces de grandes escritores y las de seres anónimos unidos por historias de amor rotas, calladas y prohibidas, con la serenidad de saberse en otro tiempo mejor y más luminoso.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Josep Pons en Atlántida

Núria Rial, Maite Beaumont y Damián del Castillo interpretan el prólogo y la primera y tercera parte de la monumental cantata, con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

El programa del concierto también incluye las exuberantes primera y segunda suite de ‘Daphnis et Chloé’ de Ravel.

Josep Pons dirige ‘Atlántida’, de Manuel de Falla, en el Palau de les Arts, este jueves 3 de febrero, y en el Auditori de Castelló, el próximo día 4, dentro de la primera incursión sinfónica de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en 2022.

Después de debutar con la formación titular de Les Arts la pasada temporada en Sagunt a Escena y en Castelló, Josep Pons regresa con un sugerente programa, que aúna la fascinación por lo mitológico del compositor gaditano en su monumental e inacabada cantata escénica con la de su coetáneo e íntimo amigo Maurice Ravel en la primera y segunda suite de ‘Daphnis et Chloé’.

Para la primera parte de Atlántida, el actual titular del Gran Teatre del Liceu, y reconocido como uno de los grandes expertos en el legado de Falla, rescata únicamente los pasajes que el compositor dejó terminados o estructurados (prólogo, partes I y III).

Reconocidas voces como la soprano catalana Núria Rial (Isabel), la mezzosoprano navarra Maite Beaumont (Pirene) y el barítono andaluz Damián del Castillo (Corifeo) encabezan el selecto reparto que interpretará, junto con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, la fascinante partitura de Falla.

Tras el descanso, Josep Pons se adentra en el exuberante y sugestivo mundo de la antigua Grecia que Maurice Ravel orquestó en las exigentes suites de ‘Daphnis et Chloé’, una de sus obras imprescindibles, con las que el espectador podrá disfrutar las excelencias de los cuerpos estables de Les Arts.

Josep Pons dirigirá Atlántida el próximo jueves, 3 de febrero, a las 20.00 h en el Auditori de Les Arts. Un día después, el maestro catalán ofrecerá este mismo concierto en el Auditori de Castelló, el viernes día 4 a las 19.30 h.

Les Arts és Simfònic

Josep Pons, considerado como uno de los directores españoles con mayor proyección internacional, forma parte de la selecta nómina de batutas nacionales e internacionales que trabajan con la Orquestra de la Comunitat Valenciana a lo largo de la temporada 2021-2022.

Tras las exitosas incursiones de James Gaffigan, Juanjo Mena y Gustavo Gimeno, a la visita del maestro catalán le seguirán el regreso del director musical de Les Arts, James Gaffigan (6 de mayo), con obras de Rodrigo, Ravel y Dvořák, y el debut de Mark Elder (10 de junio), que clausurará la programación de Les Arts és Simfònic con Stravinski y Strauss en el atril.

Las localidades para el ciclo sinfónico de Les Arts tienen un precio que oscila entre 30 y 45 euros.

Fotografía: Igor Cortadellas

María José Montiel

María José Montiel inicia 2022 con un repertorio que le apasiona, el verdiano. Será en el Baluarte de Pamplona y con dos funciones –los días 4 y 6 de febrero– de Un ballo in maschera, interpretando a Ulrica, un rol que la mezzo madrileña tiene en repertorio desde que el maestro Zubin Mehta se lo propusiera para debutarlo en Tel-Aviv bajo su dirección y junto a la Filarmónica de Israel. “Fue una de esas cosas maravillosas que te ocurren en la vida. El maestro Mehta me invitó a cantarlo y desde el primer momento me enamoré de la fuerza vocal y dramática del personaje”, comenta la cantante española. “Se trata de un rol verdiano de tesitura grave, pero al mismo tiempo tiene subidas a la zona aguda, y aunque no es excesivamente largo, es tremendamente exigente; siempre lo he sentido muy cómodo porque me permite desarrollar la voz a través de la respiración, resaltando la redondez y riqueza de toda la tesitura; además me entusiasma lo que el genio de Verdi creó en esta maravillosa partitura, con momentos verdaderamente gloriosos, en los que el compositor, con una elaboradísima orquestación, dejó volar la imaginación imprimiendo un despliegue melódico impresionante; fue en realidad una ópera con la que el propio Verdi hizo una gran progresión estilística, dejando atrás la estructura clásica del recitativo, aria y cabaletta para jugar con un discurso musical más desarrollado y algo más cercano a la grand opéra de Meyeerber, eso sí, sin renunciar ni un ápice a su italianidad; es verdaderamente apasionante”, afirma la mezzosoprano, quien desde finales de 2018 compagina su actividad profesional sobre los escenarios con la docencia como catedrática de canto de la Universität der Künste Berlin. “Me hace una especial ilusión llevar este personaje ahora a Pamplona, donde canto a menudo y me siento siempre como en casa”, concluye.

La propuesta del popular título verdiano que se verá en el auditorio navarro es una coproducción de la Opéra National de Lorraine, Théâtres de la Ville de Luxembourg, Opéra Zuid et Angers-Nantes Opéra, con dirección de escena firmada por Waut Koeken y con Yves Abel al frente de la Sinfónica de Navarra y del Coro Lírico AGAO. Montiel compartirá escenario con la soprano Maria Pia Piscitelli como Amelia, el tenor Sergio Escobar como Riccardo-Gustavo III y el barítono Artur Rucinski como Renato-Conde Anckarström.

Tras las funciones de Un ballo in maschera en Pamplona, a María José Montiel le esperan otros compromisos como el estreno absoluto del Stabat Mater de Moreno-Buendía junto a la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia dirigida por Manuel Hernández-Silva, un recital acompañada por la pianista Laurence Verna para la Sociedad de Conciertos de Alicante y la ópera contemporánea María Moliner, de Parera Fons, en el Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo.

Baluarte

AlexEsposito-1

AlexEsposito
El bajo-baritono italiano Alex Esposito es tan apreciado por sus cualidades vocales como por sus brillantes interpretaciones. Ahora llega por primera vez al Palau Les Arts para interpretar a los cuatro
villanos de Les Contes d’Hoffmann.
Reclamado por las principales casas de ópera del mundo, estamos deseando comprobar en
España lo bueno que es haciendo de malo.

Brío Clásica: Llega ahora a Valencia para presentar en Les Arts Les Contes d’Hoffmann, interpretando Lindorf, Coppelius, Le Docteur y Le Capitaine. Se le ve muy cómodo haciendo estos roles de “diablillo”, ¿le atraen este tipo de personajes?

Alex Esposito: Sí, interpretaré los cuatro roles del diablo en Les Contes d’Hoffmann… Siempre me han fascinado los personajes malvados… cuando iba a ver cine de terror de pequeño, me atraía siempre la capacidad que tenía el malvado, el asesino, el demonio… de ejercitar ese terror en las personas … sentía una gran fascinación por esos directores y esos actores que, mediante su técnica e interpretación, tenían la capacidad de crear ese gran miedo y terror… Así que siempre me he sentido atraído por esos roles de malvado porque, sobre todo, pienso que son más interesantes, ya que no existiría una trama si no hubiera un personaje malvado, y el mal es un poco el motor desencadenante de la trama, del drama… También creo que la parte diabólica de nosotros mismos es la más interesante, porque es la más transgresiva, la más picante… es, en definitiva, nuestro lado oscuro, que al final es el que más nos gusta… Y creo que la mayor parte del público se siente atraída por estos personajes, desde un punto de vista psicológico…

B.C: Su repertorio es amplio, desde Mozart a Verdi, pasando por Rossini, Donizetti, Gounod, Offenbach o Berlioz, entre otros muchos. ¿Cuál es ese personaje que sueña con interpretar, si es que aún no ha llegado?

A.E: Sí, siempre me ha gustado experimentar… Mozart, Rossini, Stravinsky, Verdi… en realidad, Verdi lo he comenzado a hacer hace poco… trato siempre de escoger los roles con conocimiento de causa, y antes de arriesgar algo prefiero decir que no… Hay un rol que me gustaría debutar en el futuro, y que en realidad tenía ya programado pero el COVID lo canceló… se trata del malvado por excelencia, el Mefistofele de Boito… Además, también me gustaría experimentar otras formas de espectáculo… no digo que me gustaría hacer cine, porque no sé si tengo la capacidad, pero he tenido en varias ocasiones la posibilidad de hacer cosas con cámaras en ese sentido, incluso en esta producción de Les Contes d’Hoffmann aquí en Valencia y también en otra producción en la que también se usaban cámaras durante la representación en vivo, y me gustó mucho hacer cosas con este objeto misterioso que tiene un solo ojo, como si fuera un Polifemo, que te observa y que a través de un mecanismo te lanza a millones de personas…

B.C: Es usted un reconocido intérprete rossiniano y mozartiano, incluso verdiano, ¿qué cree que aporta cada uno de ellos? y, desde el punto de vista técnico ¿cree que se puede establecer un orden a la hora de interpretarlos o depende más de las características vocales?

A.E: Sí, efectivamente he interpetado mucho Rossini y Mozart antes de llegar a Donizetti y Verdi… No creo que haya un camino prestablecido ya que cada uno de nosotros desarrolla su propio camino y establece sus propias bases para llegar a unos objetivos… pero sí puedo afirmar que Mozart y Rossini han sido para mí la base del teatro, porque con los recitativos es prácticamente prosa… Se habla muchísimo, hay un tira y afloja, la acción sucede en los recitativos, porque en las arias y en los dúos asistimos solo a la fase contemplativa, pero el teatro propiamente dicho está en el recitativo … Con Mozart y Rossini se aprende a estar encima de un escenario, porque no tienes que seguir a una orquesta, y por tanto puedes tomarte tu tiempo para decir las cosas, para hacer el fraseo en el recitativo… en definitiva, dispones de mucha autonomía y mucho espacio para la inventiva y la interpretación… … Creo que Mozart es una auténtico Maestro del teatro, de la interpretación…

B.C: Rossini es un autor muy presente a o largo de toda su carrera, ¿qué Rossini le gusta más, el serio o el buffo?

A.E: Pues mi relación con Rossini es extraña porque cuando miro una partitura y veo escrito el nombre de Gioacchino Rossini, me pongo malo (risas), porque Rossini nunca escribe cosas fáciles (risas), pero al final siempre te da una gran satisfacción… Con Rossini no se puede improvisar nada, porque el canto rossiniano es como el juego del dominó que cuando tienes todas las fichas alineadas, si tiras una, se caen todas… Se trata, en definitiva, de un juego de equilibrismo y funambulismo, que requiere una gran concentración y un gran control del propio órgano vocal… Rossini es un gran Maestro del canto… ¿y si prefiero el Rossini serio o el buffo? La verdad es que del Rossini buffo he cantado bastante poco, así que prefiero el Rossini serio por todo lo que ha escrito para mi vocalità, pero cuando asisto o escucho una ópera como espectador, me gusta ver a mis colegas buffi, porque también me gusta mucho ese otro tipo de escritura.

B.C: Sus inicios en la ópera están envueltos en un halo de cierto romanticismo lírico, un joven espectador en el Teatro alla Scala, soñando con ser protagonista sobre el escenario. ¿Esto de ser cantante, es cómo se lo había imaginado? ¿Hay algo que ha descubierto en esta carrera que entonces no llegó a imaginar?

A.E: Sí, así es… me enamoré de la ópera lírica cuando fui a ver Nabucco en La Scala con once años y estaba convencido de que este iba a ser mi mundo, y estoy muy contento de que haya sido así … Cuando se alza el telón, uno ve todas las cosas bonitas, ve el resultado… pero por dentro es un mundo muy duro, que requiere mucho sacrificio y es justo que el espectador vea solo la parte bonita, porque cuando va al teatro, tiene que disfrutar, relajarse, y obviamente no sabe todo el esfuerzo que hay detrás… en realidad, hay un mes y medio de trabajo conjunto, además de meses de preparación previa para un rol… Y todo eso para montar un espectáculo que se consume en tres horas, y que se hace en directo todas las noches, es decir, no es una película, así que si uno ve diez representaciones de la misma producción, nunca verá diez representaciones iguales…

B.C: Con la perspectiva de los años y de una carrera consolidada, ¿qué diría a esos jóvenes que, como usted, asisten a una representación y sueñan con estar en escena? ¿Qué deberían hacer y qué no?

A.E: Pues me haría ilusión saber que también ellos han experimentado esa misma sensación que yo, y les diría que tienen que ser conscientes de que la vida del cantante lírico, es algo que realmente tienen que querer, cueste lo que cueste, y que por tanto no se trata de un trabajo sino de una vocación… El consejo que podría dar es que no estudien solamente canto porque el canto cuenta un 50% sobre el 100% del resultado… también hay que saber estar encima de un escenario, conocer las técnicas del teatro, interpretar… porque las obras líricas no se hacen como se hacían hace veinte o treinta años… Se necesita estar informado, ir al teatro, al cine, conocer a los grandes actores… porque lo que se ve en el escenario es el resultado de todo un background cultural que se adquiere con los años…

B.C: 2020 tuvo momentos muy intensos, también en lo profesional, ¿cómo recuerda el Requiem de Donizetti que interpretó en Bergamo?

A.E: Sí, el Requiem de Donizetti en el cementerio de Bergamo fue quizás una las cosas que más me han emocionado en mi carrera… no es algo que pueda considerar como un compromiso profesional, porque fue más bien un recuerdo del desastre que sucedió… Podría decir que para mí la vida de teatro se cerró el 22 de febrero de 2020, cuando el Teatro alla Scala bajó el telón delante de mis ojos, y luego se abrió cuando hice ese concierto delante del cementerio de Bergamo después de todo lo que había sucedido… Los días que hicimos los ensayos fueron días de gran emoción porque estábamos precisamente en aquel lugar y estuvimos en contacto con trabajadores del cementerio de Bergamo, que nos contaron cosas realmente increíbles… además, yo soy de Bergamo, así que me tocaba especialmente…

B.C: ¿Cómo está siendo el regreso a los escenarios después de unos acontecimientos como los que hemos vivido?

A.E: La vuelta a los escenarios fue muy bonita y emocionante porque es como cuando vuelves a la escuela, después de una gripe, por ejemplo, y te reencuentras de nuevo con todos tus amigos, regresas a tu ambiente… Parecía como si me gustara aún más mi profesión, porque como ocurre con todas las cosas que posees, no le das realmente importancia hasta que ves que puedes perderlas… Fue como si fuera todo nuevo, porque en aquel momento los protocolos sanitarios eran todavía más estrictos y no se sabía muy bien cómo tratar todo esto… ahora estamos vacunados y es todo mucho menos pesante…

B.C: ¿Cuáles son los grandes intérpretes en los que se ha fijado a lo largo de su carrera?

A.E: La verdad es que no tengo un intérprete de referencia en particular… podría decir Cesare Siepi y Samuel Ramey, pero todos tienen algo y a todos les falta algo… No existe la voz perfecta, el intérprete perfecto… los defectos se convierten en características… Siempre me ha gustado escuchar a todos … me hace gracia cuando escucho esas ridículas frases en plan “ya no hay intérpretes como los de antes”, que responden más a nostalgia de tiempos pasados que a un verdadero análisis de las cosas… Creo que en todos hay algo bueno, y algo menos bueno pero, en general, es muy bonito conocer, escuchar, sin tomar como modelo, pero escuchándolo para conocer la profesión y hacerse una idea de lo que se hizo.

B.C: Se dice que las voces graves y de calidad, como la suya, están escaseando cada vez más. ¿Está de acuerdo con esta opinión?, si es así, ¿porqué cree que está pasando?

A.E: No creo que haya escasez de voces graves… no escasea la materia por sí misma sino más bien la perspectiva de esta materia… Me refiero a que la voz grave es una voz que madura con los años, y cuanto más envejece, se hace más interesante… De todas formas, creo que no es tanto una cuestión de voz sino de un artista a 360 grados… debutar Don Giovanni no es difícil desde el punto de vista vocal, pero sí es difícil desde el punto de vista interpretativo… es un rol muy peligroso… tropiezas en cada parte, por eso yo nunca he querido hacerlo… lo hice una vez de joven en un teatro de provincia en Italia pero me juré a mí mismo que hasta que no encuentre a un director que me proponga una lectura satisfactoria, no lo volveré a hacer… porque en los roles no solo está el aspecto vocal, sino que hay que tener en cuenta todos los aspectos, como decía anteriormente… y para hacer ciertos roles se necesita una madurez vocal e intelectual…

B.C: ¿Qué es lo primero que tiene en cuenta a la hora de elegir un nuevo rol?

A.E: Lo primero es ver si el rol que se me propone está hecho para mí, y por tanto miro la música, la tesitura, y todas las características que se necesitan para saber si es así… Hago un estudio general del personaje, para saber de dónde viene, quién lo ha interpretado, acudo a distintos pianistas y amigos de quienes me fío que me ayudan en la preparación, e intento que el debut sea en un contexto idóneo, lo que no solo quiere decir que sea en un teatro de prestigio, sino que también haya un gran director de escena y un gran director de orquesta con una preparación… también es importante que disponga del tiempo necesario para los ensayos… No estudio el rol solo en un mes… como tenemos la suerte de conocer nuestro planning con años de antelación, estudio el rol en pequeñas dosis… a veces, es necesario dejarlo reposar para retomarlo después…

B.C: Y cuando le presentan una nueva producción, ¿qué opinión le merecen algunas escenografías actuales?

A.E: He trabajado con grandes directores de escena, de los más clásicos a los más rompedores, pero no es que ame las puestas en escena modernas y odie las clásicas, o viceversa… Me gustan las escenografías inteligentes, y detesto las escenografías convencionales y decorativas… Me gusta la idea… Me refiero a que una escenografía puede llevar vestuario de época pero puede tener una concepción y una frescura que, a veces, son mejores que las de una escenografía moderna… No me gusta el arte que consuela, porque creo que cuando uno sale del teatro contento, y va a la pizzería y se pone a hablar de otra cosa, significa que hemos fracasado… creo que el teatro tiene que continuar… las tres horas del teatro son solo la mecha que hace explotar la bomba atómica, pero el espectador tiene que seguir pensando en ese teatro durante la cena y los días siguientes… nosotros tenemos el deber de estimular algo dentro en el espectador y dejarle algo, tanto para bien como para mal, que guste o que no guste…

B.C: Ahora vamos a poder verle en Valencia pero, ¿cuáles son sus próximos compromisos?

B.C: Sí, estoy en Valencia y por fin debuto en España después de tanto tiempo… Pues estaré en Munich con Il turco in Italia y Le nozze di Figaro… haré Don Giovanni en La Scala, Faust en La Fenice…

 

Carsten Wittmoser

El bajo-barítono alemán Carsten Wittmoser debutará en la 70 Temporada de ABAO Bilbao Opera en Eine florentinische Tragödie en febrero 2022, con el rol de Simone.

Carsten Wittmoser comenzó su carrera en la Ópera Estatal de Stuttgart. Se convirtió en solista principal del Staatstheater lo que le llevó a participar en el Landestheater Linz, la Ópera de Friburgo y la Ópera Estatal de Hamburgo. Ha cantado en los teatros de ópera más prestigiosos como Berlin State Opera, Deutsche Oper Berlin, Komische Oper Berlin, State Opera Munich, Teatro Real de Madrid, Opéra de Monte-Carlo, Seattle Opera House, Michigan Opera Theatre, Ópera de Bellas Artes Ciudad de México, país donde actualmente reside, y recientemente en el Metropolitan de Nueva York donde debutó en 2016 como Kurwenal en Tristan und Isolde. Ha actuado en importantes festivales y conciertos como el Festival de Bayreuth, el Festival de Lucerna, el Festival Gergiev en Rotterdam, Bard SummerScape, el Musikverein de Viena, la Sala São Paulo, la Herkulessaal de Múnich, la Brucknerhaus de Linz, el Centro de Cultura y Convenciones de Lucerna y el Carnegie Hall.

Especialista en repertorio alemán, su catálogo comprende Beethoven, Berg, Hindemith, Humperdink, Offenbach, Orff, Strauss, Wagner, Weber y Zemlinsky, entre otros autores. Destaca especialmente en papeles de bajo y de bajo barítono dramático como Rocco y Pizarro en Fidelio, Don Basilio en Il Barbiere di Siviglia, Escamillo en Carmen, Scarpia en Tosca, los Villanos en Les contes d’Hoffmann, el Holandés en Der Fliegende Holländer, Lord Sidney en Viaggio a Reims, Peter en Hänsel und Gretel, Sarastro en Die Zauberflöte, Landgraf en Tannhäuser, Simone en Eine florentinische Tragödie.

Sus compromisos esta temporada incluyen la Novena Sinfonía de Beethoven, el Requiem de Verdi, el ciclo de lieder Winterreise de Schubert, y Fidelio también de Beethoven.

Carsten Wittmoser sustituye al inicialmente previsto Egils Silins, quien por razones de salud ha tenido que renunciar a su participación en esta ópera. ABAO desea al artista una pronta recuperación.

El ocaso de los dioses

Se ofrecerán 9 funciones de El ocaso de los dioses, entre el 26 de enero y el 27 de febrero, que darán comienzo a las 18.30 horas (17.00 los domingos) debido a la larga duración de la ópera.

El próximo 26 de enero tendrá lugar en el Teatro Real el estreno de El ocaso de los dioses, última jornada de El anillo del Nibelungo, de Richard Wagner (1813-1883), que pone fin al colosal proyecto de la tetralogía que se ha presentado en este escenario en cuatro temporadas sucesivas y que ha contado con la dirección musical de Pablo Heras-Casado y la icónica puesta en escena de Robert Carsen creada para la Ópera de Colonia en 2000 y repuesta en numerosas ocasiones.

Las nueve funciones de la ópera comenzarán a las 18.30 horas, con excepción de los domingos, cuyo inicio será a las 17.00 horas, para adaptar el horario a la larga extensión de la obra (cinco horas y media).

La interpretación de esta colosal partitura contará con 11 solistas, 115 músicos -que estarán, como sucediera la pasada temporada en Siegfried, ubicados en el foso y en 8 palcos a ambos lados del escenario para mantener la debida distancia de seguridad sanitaria-, 62 miembros del coro y 17 actores figurantes.

El ocaso de los dioses, cierre de esta magna historia, fue, curiosamente, la primera de las cuatro óperas que forman El anillo... en ser concebida por el compositor. En ella asistimos a la trágica muerte de Sigfrido, al sacrificio de Brunilda, al fin de la tiranía de los dioses y a la destrucción del Valhalla. El destino, la maldición del anillo y la ambición de los dioses conducen a los protagonistas a un final irreversible en el que, en contraposición, reside una brizna de esperanza al volver el anillo a las hijas del Rin y restablecer el orden natural.

La estructura de la obra se asemeja a la de las tragedias griegas y en ella, el desarrollo musical camina en paralelo al devenir del drama, convirtiendo a la orquesta en una suerte de personaje o coro que anticipa, explica o narra la acción, avanzando entre los numerosos leitmotivs hasta llegar a la expresión trasformadora de la muerte de Sigfrido en la “Marcha fúnebre”-con una estructura tonal que va más allá de los límites formales de la música, asociada a una profunda reflexión filosófica-, y a la redención del mundo tras la inmolación de Brunilda.

Robert Carsen realiza aquí uno de sus trabajos más brillantes, representado con gran éxito en numerosos teatros, concebido en estrecha colaboración con el escenógrafo y figurinista Patrick Kinmonth y el iluminador Manfred Voss. A lo largo de cuatro temporadas han desarrollado la idea que traslada la alegoría wagneriana a la actualidad en un mundo contaminado, que destruimos entre todos, pero que nos dará la oportunidad de resurgir tras un fuego sanador.

Una vez más, el Teatro Real ha contado con algunas de las voces wagnerianas más reconocidas del momento: Andreas Schager (Siegfried), Lauri Vasar (Gunther), Martin Winkler (Alberich), Stephen Milling (Hagen), Ricarda Merbeth (Brünnhilde), Amanda Majeski (Gutrune/norna), Michaela Schuster (Waltraute), Elizabeth Bailey (Woglinde), Maria Miró (Wellgunde), Claudia Huckle (Flosshilde/norna) y Kai Rüütel (norna).

El Teatro Real completará, en estas funciones, la grabación audiovisual de La tetralogía para su distribución internacional y emisión en My Opera Player.

Fotografía ©Javier del real / Teatro Real

La clemenza di Tito

ABAO Bilbao Opera recibe el año con el estreno en Bilbao de la última ópera de Mozart y también su obra más política: La clemenza di Tito, con el patrocinio de la Fundación BBVA. Una historia de poder, traición y remordimientos en la que finalmente triunfa la compasión, con una producción estreno en España y el debut en ABAO de grandes voces. Debido a la reducción de aforo a 800 localidades marcada por la normativa vigente, ABAO ha programado una función más de las habituales para los días 22, 24, 26, 28 y 31 de enero en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones darán comienzo a las 19:30h excepto la del sábado 22 que comenzará a las 19:00h.

La clemenza di Tito es una ópera seria en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Pietro Metastasio y Caterino Mazzolà. En 1791, y mientras estaba componiendo una de sus óperas más célebres: Die Zauberflöte (La flauta mágica), Mozart recibió el encargo de escribir una ópera que festejara la coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia. Estrenada en Praga poco antes de la muerte del compositor, actualiza un drama ambientado en la Antigua Roma con un argumento entorno a la conjura de Vitellia y de su enamorado Sesto para asesinar y derrocar a Tito, el nuevo Emperador, quien una vez conoce la traición, decide mostrar compasión y perdonar a los rebeldes demostrando que las mayores virtudes de un gobernante son la generosidad y la clemencia.

GRANDES VOCES DEBUTAN EN LA TEMPORADA DE ABAO
Destaca el debut en ABAO, en esta Clemenza di Tito, de tres grandes voces del panorama lírico actual. Paolo Fanale, el tenor italiano de moda, de timbre firme y apasionada expresión, afronta para su debut en la temporada bilbaína el rol protagonista del emperador Tito. Un personaje de personalidad íntegra con arias de gran dificultad y pasajes de canto lírico.
Debutan también dos mezzosopranos en personajes masculinos: Daniela Mack en el rol de Sesto, el amante de Vitellia y traidor amigo de Tito, una intérprete de referencia en roles mozartianos, con gran solvencia escénica, equilibrio y elegancia; y Veta Pilipenko como Annio, amigo de Sesto y enamorado de Servilia, una voz fresca y contundente.
Vanessa Goikoetxea asume el papel de Vitellia, la villana de la ópera, celosa y manipuladora. Cantante con gran sensibilidad vocal, fuerte emisión y notable expresividad dramática.
Completan el reparto la bilbaína Itziar de Unda como Servilia, y Josep Miquel Ramón como el oscuro Publio.

RICCARDO FRIZZA AL FRENTE DE LA EUSKADIKO ORKESTRA
El maestro Riccardo Frizza, recientemente galardonado con el Premio Ópera XXI al Mejor Director Musical por su trabajo en Lucia di Lammermoor en ABAO Bilbao Opera, se pone al frente de la Euskadiko Orkestra para afrontar la última partitura operística del compositor de Salzburgo, que contiene algunas de sus arias más inspiradas.
Mozart compuso La clemenza di Tito en tan solo seis semanas pero eso no impidió que la dotara de una gran solidez instrumental y musical. Ya desde la “Obertura”, se aprecia una obra de gran sonoridad y expresividad, con un potencial dramático y poético extraordinario, donde destacan grandes escenas llenas de lirismos vertiginosos, junto a brillantes piezas de conjunto a cargo de solistas y del Coro de Ópera de Bilbao.

UNA PRODUCCIÓN ESTRENO EN ABAO
Ganador en 2016 del International Opera Award para dirección joven, Fabio Ceresa, que debuta en ABAO, está considerado como uno de los más prometedores directores de escena italianos de su generación.
La producción ideada para la Opéra de Laussane, es estreno en España y ofrece una propuesta elegante y monumental, hecha de grandes figuras y paneles modulares en movimiento. Ceresa combina una estética con elementos neoclásicos de la Antigua Roma con un aspecto más contemporáneo cercano al modernismo de los años 30 del pasado siglo. Una puesta en escena con una atemporalidad consciente, para resaltar la universalidad de la obra.
La escenografía de Gary McCann presenta una línea creativa de gran calidad y combina con eficacia el ambiente palaciego con otros escenarios como baños o termas, recreando una Antigua Roma fluida, corpórea, versátil y de gran plasticidad teatral. Palacios, estatuas, monumentos, piscinas y panteones conviven en un espacio escénico en forma de alegoría sobre el modo en que los hombres luchan por el poder.
El planteamiento dramático dibuja las características de los personajes con vestuario también de Gary McCann, iluminación de Ben Cracknell y coreografía de Mattia Agatiello, con cuidados movimientos de grupo.

ANDREA MERLI INTRODUCE LA OBRA MOZARTIANA EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada en una conferencia la víspera del estreno, en el Auditorio del Museo Bellas Artes de Bilbao.
El viernes 21 de enero, Andrea Merli, crítico musical, ensayista, productor de ópera y conferenciante, será el encargado de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor.
Para acceder a esta actividad gratuita se requiere invitación que puede retirarse en las oficinas de ABAO Bilbao Opera o llamando al teléfono 944 355 100, desde el lunes 17 de enero. Aforo reducido.

Les contes d’Hoffmannn

La necesidad de reajustar el calendario de ensayos por la situación pandémica motiva esta decisión con el objetivo de ofrecer esta ópera en sus máximos estándares artísticos.

Les Arts ofrecerá a los afectados la posibilidad de asistir a la representación de esta obra que mejor se ajuste a sus necesidades.

El Palau de les Arts aplaza la primera representación de ‘Les contes d’Hoffmann’, de Jacques Offenbach, a este domingo 23 de enero, a las 18.00 h en la Sala Principal.

Les Arts adopta esta decisión ante la necesidad de reajustar el calendario de ensayos, que se ha visto afectado por la situación pandémica, con el fin de ofrecer las representaciones de la ópera de Offenbach, uno de los títulos imprescindibles del repertorio y todavía inédito para el público del teatro, en los máximos estándares artísticos.

En este sentido, Les Arts ofrecerá, tanto a los abonados con entrada de abono para el día 20 como a todos los que adquirieron localidades para esa función, la posibilidad de elegir la representación de ‘Les contes d’Hoffmann’ que mejor se ajuste a sus necesidades. A tal efecto, se remitirá a los afectados un formulario con el procedimiento.

‘Les contes d’Hoffmann’

Marc Minkowski, consagrado como el mejor intérprete de Offenbach del momento, ensaya actualmente la completísima versión de esta obra que él mismo preparó en 2012 con Les Musiciens du Louvre con los cuerpos estables de Les Arts y un elenco estelar.

El centro de artes reúne para esta ocasión a grandes figuras de la lírica internacional que cantarán por primera vez en la ópera valenciana: el tenor John Osborn, en el papel protagonista; la soprano Pretty Yende, que encarna por primera vez en su carrera a las cuatro idílicas musas, y el bajo-barítono Alex Esposito, que da vida a los cuatro demonios antagonistas de Hoffmann.

Johannes Erath firma la dirección escénica de este montaje de la Semperoper de Dresde, que recrea las vivencias reales y oníricas que experimenta el poeta en un ejercicio teatral poderoso y abundante en momentos visualmente llamativos que estimulan la imaginación del espectador.

La primera función de ‘Les contes d’Hoffmann’ tendrá lugar el día 23 de enero (18.00 h). Les Arts recuerda que las representaciones restantes, previstas para el miércoles 26, viernes 28 y lunes 31, comenzarán en esta ocasión a las 19.00 h.

La clemenza di Tito

El director de orquesta italiano regresa a ABAO Bilbao Opera tras Lucia di Lammermoor, título con el que el pasado año consiguió el Premio Ópera XXI como mejor director musical de la temporada española.

Será con La clemenza di Tito, obra maestra del genio mozartiano nunca antes representada en la programación de ABAO Bilbao Opera, que la institución vasca y el maestro Riccardo Frizza abren su temporada operística 2022. La producción llega desde la Opéra de Lausanne, cuyo estreno en la capital bilbaína está previsto para el día 22 de enero (con reposiciones los días 24, 26, 28 y 31 de enero), con dirección de escena firmada por Fabio Ceresa, escenografía y vestuario de Gary McCann, iluminación de Ben Cracknell y coreografía de Mattia Agatiello, mientras que en los papeles principales figuran Paolo Fanale (Tito), Daniela Mack (Sesto), Vanessa Goikoetxea (Vitellia), Veta Pilipenko (Annio), ltziar de Unda (Servilia) y Josep Miquel Ramón (Publio).

Para Riccardo Frizza, que en esta ocasión dirigirá a la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa y al Coro de Ópera de Bilbao preparado por Boris Dujin, La clemenza di Tito, última ópera de Mozart, “recuerda los antiguos rasgos estilísticos del período dorado de la ópera seria, en un mundo en el que con Gluck –el gran reformador del género– había alcanzado su máximo esplendor para después caer en decadencia”. El músico italiano lleva casi veinte años colaborando con el curso abaísta, y esta ópera, compuesta para celebrar la coronación del Gran Duque de Toscana Leopoldo II de Habsburgo como Rey de Bohemia, fue puesta en música por Mozart sobre un libreto de Metastasio “especialmente revisado por Caterino Mazzolà con la reducción de tres a dos actos, el corte de varios recitativos y la transformación de algunas arias en piezas de conjunto. Posee múltiples referentes masónicos en tonalidades, células rítmicas y en el mismo argumento, que ensalza las cualidades de un soberano coronado de todas las virtudes, clemente e ilustrado. En la partitura el genio de Mozart emerge en todo su esplendor dibujando un soberano entregado al bien público, con fluidas estructuras musicales y con una música maravillosa que, en definitiva, anticipa soluciones que posteriormente Beethoven, Weber y Rossini tomarán como modelo para sus obras”, comenta el director nacido en Brescia.

La clemencia di Tito se representa por primera vez en Bilbao, por lo que me siento muy honrado de que hayan confiado en mí para esta tarea. Al fin y al cabo, llego a Bilbao sintiéndome como en casa para dirigir toda una novedad para los socios de ABAO. Desde mi debut en 2005 con La Sonnambula, esta es mi octava producción en tierras vascas y estoy feliz de reencontrarme con los músicos de la Sinfónica de Euskadi, con los que en 2019 dirigí Lucia di Lammermoor, título por el que la asociación Ópera XXI me otorgó el premio al mejor director de la temporada en España«, concluye Riccardo Frizza.

Entre otros compromisos, en 2022 le esperan en el Teatro Malibran de Venecia (concierto sinfónico), en el Teatro San Carlo de Nápoles (Las Tres Reinas de Donizetti con Sondra Radvanovsky e Il barbiere di Siviglia), en el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (L’amico Fritz) y en el Metropolitan Opera de Nueva York (Lucia di Lammermoor).

Riccardo Frizza © Gianfranco Rota

Ópera Abao Bilbao

Riccardo Frizza

PlanEstrategico

La estabilidad del Teatro Real, materializada en la ratificación, en los últimos meses, de su presidente, Gregorio Marañón, y de sus directores general, artístico y musical ­Ignacio García-Belenguer, Joan Matabosch e Ivor Bolton, respectivamente­, permitirá al coliseo madrileño llevar a cabo un ambicioso plan estratégico para los próximos 5 años (2021-2026).

Su eficaz modelo de gestión (con el que pudo hacer frente a la pandemia), la independencia de sus órganos de gobierno, la experiencia acumulada y el apoyo de las administraciones públicas, patrocinadores y sociedad civil le han permitido diseñar un proyecto que consolida la hoja de ruta iniciada en los últimos años y abrir nuevas sendas de crecimiento, sobre todo en el ámbito de la digitalización, optimización de recursos, ampliación y fidelización del público, educación, inclusión, sostenibilidad, accesibilidad e internacionalización.

El proyecto artístico que dirige Joan Matabosch, de amplio respaldo y reconocimiento nacional e internacional, seguirá ampliando el repertorio del Teatro Real con una programación de gran espectro protagonizada por prestigiosos artistas y privilegiando las coproducciones con los más importantes teatros de ópera del mundo. La articulación de óperas de repertorio con obras maestras menos conocidas, estrenos mundiales y recuperación del patrimonio musical español, seguirá trayendo al escenario del Real a los intérpretes, directores musicales y equipos escénicos más idóneos para cada propuesta artística.

Ivor Bolton, en la dirección musical de la institución, secundado por Nicola Luisotti y Pablo Heras-Casado, junto a Andrés Máspero, al frente del coro, proseguirán su labor junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, en una permanente y tenaz búsqueda de la excelencia, que alaba unánimemente la crítica nacional y extranjera.

La vocación de servicio público del Teatro Real y su compromiso con un público cada vez más amplio, diverso, descentralizado e inclusivo, en el que los niños y los jóvenes ocupan un lugar privilegiado, vertebran su plan quinquenal.

Tras la recuperación de las visitas libres al Teatro Real después del parón provocado por la COVID 19, las visitas guiadas se reactivarán con nuevos modelos y recorridos, más atractivos y diversificados.

El Real Joven -con las entradas de Último Minuto, la Butaca Joven y el Comité Joven­, así como los Amigos Jóvenes del Teatro Real, también crecerá con la creación del Consejo Internacional Joven, que unirá a los amantes de la ópera de diferentes nacionalidades hasta 35 años, propiciando fecundos vínculos y sinergias.

LÓVA (La Ópera, Vehículo de Aprendizaje), proyecto que nació en el Teatro Real en 2007 y que se desarrolla ya en más de 200 centros escolares de toda España, vuelve a ser tutelado por el Teatro Real, que le dará un nuevo impulso después del parón provocado por la pandemia y el fallecimiento de su gran mentor, Pedro Sarmiento.

En el ámbito de la Formación, se incrementará la oferta de cursos para el público, universitarios, y profesionales del mundo artístico, destacando la puesta en marcha de una Plataforma de Enseñanza Online del Teatro Real.

Crescendo, creado en colaboración con la Fundación Amigos del Teatro Real en pleno período de pandemia para facilitar el acceso de jóvenes cantantes al mundo profesional, seguirá afianzándose con proyectos de ópera-estudio que integrarán la programación de El Real Junior (a semejanza de la reciente producción de La cenicienta) y poniendo en marcha otras iniciativas, como la formación de pianistas repetidores, que comenzará en esta temporada.

En el marco del programa Cerca de Ti -aprobado en Consejo de ministros como Acontecimiento de Excepcional Interés Público y con vigencia hasta 2023- se desarrollarán distintas iniciativas de difusión de la ópera y la música, destacando la itinerancia de la carroza del Teatro Real, en coordinación con las comunidades autónomas de toda España, y la instalación de una pantalla, de forma permanente, en la fachada de la Plaza de Isabel II, que divulgará la programación cultural y artística de Madrid (a semejanza de las existentes en la Plaza de Callao o Coliseum), dando especial relevancia a los contenidos y retransmisiones del Teatro Real.

Seguirá el compromiso del Teatro Real con la accesibilidad de sus espectáculos, perfeccionando su aplicación ‘Teatro Real Accesible’ para espectadores con discapacidades visuales y auditivas, su sistema de bucle magnético instalado en la sala principal y mejorando la movilidad de las sillas de ruedas en el interior del edificio.

Uno de los grandes retos para los próximos años es la sostenibilidad medioambiental del Teatro Real, basada en la eficiencia energética, descarbonización, digitalización de las operaciones de mantenimiento, optimización de recursos, modernización de equipamientos e implementación de energías renovables, con el objetivo de convertirse en un edificio de consumo nulo 4.0.

En el ámbito de la mejora de las instalaciones e infraestructuras, se llevará a cabo la renovación del suelo de la caja escénica del Teatro Real, después de 25 años de utilización máxima e ininterrumpida.

El centro logístico de Arganda, que da cobijo a las producciones y coproducciones del Teatro Real, se modernizará con la digitalización y automatización de los procesos de almacenamiento.

La utilización de las nuevas tecnologías afectará a todas las áreas y servicios del Teatro Real para una gestión más eficiente, destacando la creación de un archivo histórico digital, con la recopilación y catalogación de todo el material de interés histórico y musicológico, que estará a disposición de estudiosos e investigadores.

Se trabajará con ahínco en la proyección internacional del Teatro Real en sus múltiples vertientes: coproducciones con teatros extranjeros, alquiler de producciones propias, ampliación del catálogo de MyOperaPlayer, retransmisiones y emisiones en coproducción con televisiones y plataformas internacionales de prestigio y campañas de comunicación para consolidar la notoriedad del Teatro entre los más importantes del mundo.

La programación del Real en 2019, reconocida con el prestigioso International Opera Award (con un año de retraso provocado por la pandemia), tuvo una repercusión mediática importante, que proseguirá con la Gala que se celebrará el próximo 28 de noviembre en su escenario. Será la primera vez que la entrega de premios se realiza fuera de Inglaterra.

El trabajo del Real durante la pandemia, único en el mundo, ha atraído la atención de la prensa internacional y ha dado gran visibilidad al Teatro más allá del ámbito musical, con una destacada presencia en medios de comunicación extranjeros.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Alex Esposito_foto Victor Santiago

El bajo-barítono italiano Alex Esposito cantará, por primera vez, en el escenario valenciano del Palau de les Arts Reina Sofía. Será los días 20, 23, 26, 28 y 31 de enero, en la producción de Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con dirección musical de Marc Minkowski y firma escénica de Johannes Erath. Esposito interpretará los cuatro roles de “villano” (el consejero municipal Lindorf, el inventor Coppelius, el Doctor Miracle y el hechicero Dapertutto), roles que ya ha cantado con gran éxito en la Deutsche Oper de Berlín, el Teatro San Carlo de Nápoles, la Bayerische Staatsoper de Munich y la Ópera de Stuttgart.

Apreciado internacionalmente por su gran capacidad dramática, Alex Esposito confiesa sentirse muy cómodo cantando roles diabólicos: “Me gusta ser el malo en la ópera… en Les contes d’Hoffmann, hay tres modos de ver al diablo: el más divertido es Coppelius, el científico caprichoso y embaucador que vende ojos mágicos para dar vida a una muñeca mecánica; el más dramático y violento es Miracle, una especie de doctor Mengele, un conspirador que juega con los sentimientos de culpa, ante la desesperación de un padre que asiste impotente… Sin embargo, Dapertutto es el que cumple el delito más cruel: sustraer al hombre la propia identidad… no soy malo, me diseñan así.”, señala Esposito, que ha interpretado también a Nick Shadow en The Rake’s Progress de Stravinsky y a Mefistófeles en La Damnation de Faust de Berlioz, y en Faust de Gounod.

Nacido en Bergamo, Alex Esposito es uno de los cantantes más solicitados del circuito internacional, y su presencia es habitual en los teatros líricos más prestigiosos del circuito internacional como la Royal Opera House de Londres, la Bayerische Staatsoper de Munich, La Scala de Milán, La Fenice de Venecia, la Deutsche Oper de Berlín, la Ópera Nacional de París o la Wiener Staatsoper, entre otros, y en célebres festivales europeos como el Rossini Opera Festival de Pesaro, el Festival de Salzburgo, el Donizetti Opera Festival o el Festival Aix-en-Provence. Ha trabajado con batutas tan destacadas como Claudio Abbado, Antonio Pappano, Riccardo Chailly, Kent Nagano, Myung-Whun Chun, Giovanni Antonini o Teodor Currentzis, y ha colaborado con directores de escena de renombre como Peter Mussbach, Claus Guth, Graham Vick, Damiano Michieletto, David Alden, Laurent Pelly o Pierluigi Pizzi. Además, ha sido galardonado con el “Premio Abbiati” de la Crítica musical italiana, y la Bayerische Staatsoper le ha concedido recientemente el título de Kammersänger.

Fotografía: Victor Santiago

Palau Les Arts

Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra dirigirá Carmen en febrero, convirtiéndose en el primer director español que dirige una ópera francesa en los 160 años del coliseo belga, en una producción que seguidamente, en marzo, él mismo llevará al Grand Théâtre de Luxemburgo.

José Miguel Pérez-Sierra, uno de los directores españoles más importantes de su generación y de gran proyección internacional, suma un nuevo escenario a su trayectoria al subir al podio de La Monnaie-De Munt de Bruselas, en el que dirigirá Carmen, de Bizet; se trata de la primera ocasión en la que un director español se pone al mando de una ópera francesa en la capital europea. En 2011, otro español, Pablo Heras-Casado, dirigió en La Monnaie la ópera contemporánea Matsukaze, del japonés Toshio Hosokawa, pero ningún otro español había dirigido en este teatro desde que se reinaugurara en 1856 tras el incendio que lo destruyó un año antes.

De la popular ópera francesa Pérez-Sierra dirigirá cinco funciones (días 1, 5, 8, 10 y 13 de febrero) en una producción del Festival d’Aix-En-Provence en coproducción con Les Théâtres De La Ville De Luxembourg y la Philadelphia Opera, con dirección de escena de Dmitri Tcherniakov. Sobre el escenario contará, entre otros, con Ève-Maud Hubeaux como Carmen, Andrea Caré como Don José, Anne-Catherine Gillet como Micäela y Jean-Sébastien Bou como Escamillo.

El director madrileño inició la temporada 2021-2022 con un concierto junto a la Orchestre national de Metz y a Hamilton de Holanda para dirigir más tarde un concierto con la soprano Lise Davidsen y la ópera Pagliacci (Leoncavallo) en A Coruña; la ópera Marina (en el 200º aniversario de E. Arrieta) y un concierto sinfónico junto a la Sinfónica de Navarra en el auditorio Baluarte de Pamplona; ha regresado a la Opéra de Marseille con Armida (Rossini) y ha ofrecido conciertos junto a la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) en el Auditorio Nacional de Música y en el Auditorio de Alcobendas y junto a la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia en A Coruña. En lo que queda de temporada, y tras su debut en La Monnaie-De Munt, debutará en el Grand Théâtre de Luxemburgo con Carmen antes de regresar al Teatro de La Zarzuela de Madrid para dirigir la puesta en escena de El barberillo de Lavapiés (Barbieri).

Miguel Muñiz

Nacido en Orense en 1939, Miguel Muñiz era licenciado en Ciencias Económicas por la Universidad Complutense de Madrid y en su dilatada trayectoria profesional estuvo vinculado a diversas instituciones y empresas públicas y privadas. En 1982 fue nombrado Secretario General de Economía y Planificación en el Ministerio de Economía y Hacienda y en 1986, Presidente del Instituto de Crédito Oficial (ICO), cargo que ejerció hasta 1996. Formó parte del Instituto Nacional de Estadística y Telefónica, donde estuvo encuadrado en su gabinete de estudios, en una primera etapa, y posteriormente en su Comité Ejecutivo.

El 27 de septiembre de 2004 es nombrado director general del Teatro Real, cargo que desempeñaría hasta 2012. Bajo su mandato se llevaron a cabo iniciativas como la puesta en marcha de las Entradas de Último Minuto, el Proyecto Audiovisual y las primeras grabaciones de ópera en DVD, el Proyecto Social – cuya iniciativa de música en la cárcel, obtuvo la Medalla al Mérito Social Penitenciario dos años consecutivos-, la creación de los festivales de jazz y flamenco en la Sala Principal o las primeras jornadas de Puertas Abiertas, por citar sólo algunas; acciones, todas ellas, que contribuyeron a modernizar e impulsar la apertura del Teatro Real.

Sobre su labor al frente de la institución, Gregorio Marañón, presidente del Teatro Real, ha declarado: «Conocí a Miguel Muñiz hace muchos años y, en el 2004, le propuse como director general del Teatro Real a la ministra de Cultura Carmen Calvo. Se retiró en 2012 habiendo desempeñado una extraordinaria labor en los tiempos difíciles de la crisis económica de 2008. Además de ser un muy buen profesional, como había demostrado en la presidencia del ICO, Miguel ha sido una excelente persona».

Fotografía © Javier del Real / Teatro Real

James Gaffigan

El director estadounidense James Gaffigan compatibilizará la dirección musical de ambas instituciones a partir de septiembre de 2023.

Gaffigan dirigirá el próximo mes de mayo un concierto con obras de Rodrigo, Ravel y Dvořák y el estreno en València de ‘Wozzeck’, de Berg.

Se ha anunciado el nombramiento de James Gaffigan, director musical del Palau de les Arts, como nuevo ‘Generalmusikdirektor’ de la Komische Oper de Berlín; cargo que asumirá en septiembre de 2023 y que compatibilizará con sus responsabilidades en Les Arts.

En este sentido, Les Arts transmite su felicitación al maestro Gaffigan por su designación, que refrenda la apuesta artística del teatro valenciano por una de las figuras con mayor proyección en la dirección musical para liderar la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV).

“València y Berlín se convertirán en mis dos ‘hogares musicales’ y este nuevo cargo no supondrá cambio alguno en mi relación con Les Arts. Abre, además, posibilidades de colaboración entre ambas instituciones”, ha explicado el director neoyorquino.

El compromiso del artista estadounidense con Les Arts conlleva la dirección musical de dos títulos de ópera y de dos programas sinfónicos por temporada, además de las responsabilidades propias del cargo con la OCV durante los próximos cuatro años.

James Gaffigan regresará a València esta primavera para dirigir un concierto de la OCV con obras de Rodrigo, Ravel y Dvořák, así como el estreno en València de un título todavía inédito en el repertorio de la ciudad, ‘Wozzeck’, de Alban Berg, con el que clausurará la temporada de ópera.

Daniela Mack

La mezzosoprano argentina Daniela Mack debutará en la 70 Temporada de ABAO Bilbao Opera en La clemenza di Tito en enero 2022, con el rol de Sesto.

Daniela Mack lidera la vanguardia de una nueva generación de cantantes de ópera y destaca por la intensidad, audacia y carisma de sus interpretaciones. La artista ha sido calificada por la crítica como «sobresaliente» (The New York Times), «una poderosa mezzo» (Wall Street Journal), «poseedora de una técnica virtuosa sin igual» (The Guardian) y «una voz como ónix pulido: fuerte, oscura, profunda y reluciente” (Opera News). En 2013 fue finalista del certamen BBC Cardiff Singer of the World.
Sus compromisos esta temporada incluyen Partenope en el Teatro Real, I capuleti e i montecchi en la Maestranza, Amadigi di Gaula en Boston Baroque, Serse en el Carnegie Hall y Nabucco de nuevo en el Teatro Real, entre otros.

Daniela Mack es alumna del Programa de Becas Adler en la Ópera de San Francisco, donde ha cantado Idomeneo, Faust y Die tote Stadt. Ha interpretado el papel principal de La Cenerentola como miembro del Programa de Ópera Merola y un recital de la serie Recitales Debut de Schwabacher de la Ópera de San Francisco.

En el plano concertístico destacan L’heure espagnole, L’enfant et les sortilèges, y Sombrero de tres picos con la Orchestra de la suisse Romande, la Boston Symphony Orchestra y la Chicago Symphony Orchestra, bajo la dirección de Charles Dutoit. Se ha presentado en escenarios como la Royal Opera House, Ópera Nacional de Washington​, Ópera de Santa Fe, San Francisco Ópera, Atlanta Ópera, Metropolitan, Ópera Omaha, Palm Beach Ópera, Ópera Philadelphia, etc.

Daniela Mack sustituye a la inicialmente prevista Daniela Barcellona, quien se está recuperando de una lesión que, si bien no reviste importante gravedad, le impide poder incorporarse a los ensayos de la ópera en cartel en las fechas previstas. ABAO ha trasladado a la artista sus mejores deseos de una pronta recuperación.

Manuel Busto

El próximo 29 de diciembre, el director de orquesta Manuel Busto debutará en el mítico Teatro Comunale di Bologna, al frente de la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, que han dirigido batutas de la talla de Sergiu Celibidache, Sir Georg Solti, Kurt Masur, Rostropovich, Georges Prêtre, Riccardo Muti, Riccardo Chailly, Daniele Gatti o Christian Thielemann, entre otros. Manuel Busto será el responsable de la Dirección Musical del ballet Don Juan con la Fondazione Nazionale della Danza Aterballetto (la principal compañía italiana de danza), que se podrá ver hasta el 2 de enero en el escenario de la Sala Bibiena. Manuel Busto también es el responsable de la partitura y de su adaptación orquestal sobre temas originales de Marc Álvarez.

El espectáculo Don Juan, realizado en coproducción con el Ravenna Festival, el Teatro Regio di Parma, el Sferisterio de Macerata o el Festspielhaus St. Poelten, entre otras instituciones, ha sido diseñado por el coreógrafo sueco Johan Inger, que aborda la figura del Don Juan como mito paradigmático antiguo y también contemporáneo. La comedia original de Tirso de Molina, Molière, Bertold Brecht y la obra teatral de Suzanne Lilar sirven de inspiración a Inger y su dramaturgo Gregor Acuña-Pohl, que consultaron un total de 25 textos diferentes relacionados con la figura de Don Juan, y nos presentan todos los personajes de la historia en este Kammerspiel: Donna Elvira, Donna Anna, Zerlina, Masetto…

No es la primera vez que Manuel Busto dirige en un teatro de ópera en Italia, pues ya ha trabajado anteriormente en el Teatro Verdi di Trieste. Además, dirigió varios conciertos de la conocida Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano en el Teatro Dal Verme de Milán, Bergamo y Bellagio. Además de su amplia trayectoria como director de orquesta, Manuel Busto realiza también numerosos encargos como compositor y esta primavera estrenará su primera ópera La mujer tigre, por encargo del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega.

Teatro Comunale di Bologna

Iñaki Encina Oyón en Alcina

Tras su exitoso debut en la Ópera Nacional de París, con Iphigénie en Tauride de Gluck, el pasado mes de octubre, el director de orquesta alavés Iñaki Encina Oyón regresa al foso del Palais Garnier para dirigir Alcina, con mise en scène de Robert Carsen; será los días 26 y 28 de diciembre, y en esta ocasión, estará al frente del conocido conjunto alemán Balthasar Neumann Ensemble. En el reparto de esta ópera seria en tres actos de Haendel, destacan las voces de la soprano Jeanine de Bique (Alcina), la soprano Elsa Benoit (Morgana) o la mezzosoprano Roxana Constantinescu (Bradamante), entre otras.

La vinculación de Iñaki Encina Oyón con la Ópera Nacional de París se remonta al 2005, año en el que se incorporó como miembro de su prestigioso Atelier Lyrique; posteriormente, tuvo la oportunidad de trabajar como director asistente de reconocidos especialistas como Thomas Hengelbrock en Idomeneo de Mozart y Emmanuelle Haïm en Hippolyte et Aricie de Rameau. Además, Encina Oyón es invitado habitual de
destacados teatros de ópera franceses como la Opéra de Lille, la Opéra de Toulon, la Opéra de Rouen o el Grand Théâtre de Dijon, entre otros.

Director musical de la Academia Internacional de Música Antigua del Festival du Périgord Noir desde 2016, Alcina será su tercer título haendeliano, tras haber abordado recientemente los oratorios Il trionfo del tempo e del disinganno y Athalia. Encina Oyón es conocido también por su faceta como pianista, y entre sus próximos proyectos, destaca el recital que ofrecerá en enero junto a la soprano guatemalteca Adriana González, en el Musée des Beaux-Arts de Dijon, con canciones de Robert Dussaut, Henri Duparc, Ravel, Hélène Covatti, Isaac Albéniz, Mompou, Obradors y Granados.

Iñaki Encina Oyón

Lisette Oropesa, Zarzuela

Durante más de una hora estuvo Lisette Oropesa saludando y fotografiándose con los fans, que la esperaban a la salida del Teatro de la Zarzuela el lunes 23, tras su recital de “Zarzuela de ida y vuelta”. Y es que Oropesa se ha convertido casi en un fenómeno de masas allá por donde actúa. Aún se recuerda en Madrid, entre otras actuaciones, su Lucia di Lammermoor en el Teatro Real, hace ya tres temporadas, junto a Javier Camarena.

Era la primera vez que la soprano norteamericana actuaba en el Teatro de la calle Jovellanos, estrenando además repertorio. Nada menos que un programa íntegramente de zarzuela, y destacar sin duda el esfuerzo y el interés de Oropesa por cantar estas emblemáticas piezas del género, convenientemente mezcladas con obras de marcado carácter hispano-cubano.

Demostró una vez más la gran versatilidad de su voz, capaz de abordar nuevos géneros e interpretarlos de manera brillante. O habría que decir, apabullante. Sus cualidades vocales son evidentes. No existe nada en la partitura, ni fuera de ella, que se le resista. Mantiene unos agudos y sobreagudos excepcionales, un centro homogéneo y unos graves muy consistentes. Y una de sus mayores cualidades, teniendo en cuenta su ligereza, un volumen de voz más que apreciable. Aunque en algunos momentos sonó un poco engolada, utiliza a la perfección el legato y la media voz. Mantiene impecable su buena dicción y gestiona con brillantez y generosidad el fiato.

Estuvo acompañada al piano por un enérgico Rubén Fernández Aguirre. Y es que no resulta fácil acompañar al piano a una fuerza tan arrolladora como Lisette Oropesa. Interpretaron obras de Barbieri, Falla, Joaquín Nin, Jorge Ankermann, Sorozabal, Lecuona, Rodrigo, Carlos Imaz, Manuel Penella, Gonzalo Roig y Piazzolla al piano de Fernández Aguirre.

Su cercanía con el público la llevó a tener momentos muy simpáticos, llegando a contar algún chiste. También tuvo el detalle de pedir que la Zarzuela sea declarada Patrimonio de la Humanidad. Todo cuenta en este empeño común.

El éxito de Lisette Oropesa fue absoluto. Tras salir varias veces a saludar a un público en pie, ofrecieron tres propinas. La primera fue una habanera cubana. Después interpretó “Las carceleras”, de la zarzuela Las hijas del Zebedeo, de Ruperto Chapí. Y por último una obra poco conocida, una pieza del El húsar de la guardia, de Amadeo Vives, llena de dificultades, coloraturas y sobreagudos que fueron muy apreciados y premiados por el público que no dejaba de aplaudir.

Sin duda uno de los grandes éxitos que se han visto en este Teatro en muchos años. Esperemos que no sea el último y que Lisette Oropesa incluya al Teatro de la Zarzuela entre sus habituales.

Fotografía: Elena del Real

Piano mágico

La magia de las fiestas navideñas, en las que los niños siempre tienen un papel protagonista, no podía faltar en la programación de El Real Junior, que abrirá la Sala Principal a un espectáculo para toda la familia lleno de imaginación y fantasía tejido con el piano y la música de Frédéric Chopin, los próximos días 27 y 30 de diciembre y 3 y 4 de enero, a las 12.00 horas.

Bajo el título de Magic Chopin se presentará, por primera vez en España, esta propuesta de los oscarizados BreakThru Films –cuya creación, Pedro y el Lobo, ganadora de varios premios, pudo verse en el Teatro Real en la pasada temporada – que ahora nos invitan a un concierto cinematográfico animado que contará con la pianista Mariana Gurkova, interpretando en directo la música del compositor polaco, y la participación de Fernando Palacios, como guionista y presentador.

Magic Chopin presenta la música de Chopin con un conjunto de animaciones únicas, compuestas por un largometraje principal, Magic Piano, de unos 30 minutos de duración, en el que se cuenta la aventura de

Anna y su primo Chip-Chip a bordo de un piano mágico y volador, y varios cortos animados, The Chopin Shorts (Los cortos de Chopin), en los que se cuentan cuatro historias de 2 a 3 minutos, cada una.

Las diferentes narraciones envuelven al espectador que, desde el primer momento, empatiza con las aventuras, emociones y actitudes de los protagonistas sin dejar de sorprenderse hasta el último momento, llevándose, al salir, el recuerdo de una inolvidable experiencia y muchas reflexiones sobre los momentos vividos.

BreakThru Films, fundada en 2001 por el productor Hugh Welchman, es una compañía polaca de animación, conocida en todo el mundo por sus proyectos innovadores y de extraordinaria calidad artística. Su primera gran producción, Pedro y el Lobo, ganadora del Oscar al mejor cortometraje de animación, fue pionera en el formato de películas exhibidas en salas de conciertos acompañadas por orquestas en directo, y atraen cada vez a más público ¡ y más joven ! BreakThru Films se ha labrado una gran reputación gracias a sus cortometrajes, avalada por más de 20 premios y nominaciones internacionales, entre ellos dos nominaciones a los BAFTA, la selección oficial de Cannes, el premio Canal+ de Chicago y el premio TCM, por citar algunos.

MAGIC CHOPIN – SINOPSIS

MAGIC PIANO

Études de Frédéric Chopin (1810-1849)

Opus 25 Nº5, Opus 10 Nº3, Opus 10 Nº1, Opus 10 Nº7, Opus 25 Nº6, Opus 25 Nº1, Opus 25 Nº12, Opus 10 Nº9 y Opus 25 Nº11

Dirección: Martin Clapp

Magic Piano cuenta la historia de Anna, una niña de 10 años cuyo padre la ha dejado en Polonia con su tía y su primo Chip-Chip, mientras él trabaja en el extranjero, en Londres. Anna, que echa de menos a su padre, decide huir. Al verla partir, Chip-Chip la sigue. Para librarse de él, se esconde en un montón de basura y tropieza con un viejo piano, que se transforma en una mágica máquina voladora en la que ambos son transportados por el aire, como si viajaran en un velero gigante o una nave espacial.

Anna decide utilizar el artilugio para encontrar a su padre y llevarlo de vuelta a casa. Chip-Chip, a pesar de sentir un vértigo terrorífico, decide acompañarla ya que desea desesperadamente caerle bien a su prima.

Ambos comienzan la aventura pero, al llegar a los tejados de París, se encuentran con un joven con el que Anna parece conectar muy bien. Chip-Chip, receloso, se amotina e intenta hacer girar la máquina voladora en el aire. Ambos comienzan una discusión y, en el transcurso de la pelea, rompen el mecanismo de dirección, y van a la deriva en el viento a través de mares tormentosos hacia nieblas impenetrables.

Cuando la niebla se despeja, descubren sorprendidos que están en Londres aunque, con la máquina estropeada, no pueden dar el último pequeño paso hacia papá.

Detrás de ellos se forma una gigantesca tormenta que los arrastra lejos del piano mágico y, de forma inexplicable, los devuelve súbitamente a Varsovia, junto al montón de basura, donde ya no hay ningún piano viejo pero…donde encuentran a papá caminando hacia ellos.

THE CHOPIN SHORTS (LOS CORTOS DE CHOPIN)

EL HÁMSTER GORDO

Étude Opus 25. Nº 8

Dirección: Adam Wyrwas

Los protagonistas son una pareja de hámsters adorables y esponjosos. Uno de ellos es terriblemente glotón, pero su compañero no quiere que sea gordo y le obliga a hacer ejercicio en la rueda de la jaula. La monotonía del movimiento le deja sumido en un sueño profundo, momento que su glotón compañero aprovecha para atiborrarse de comida… con cómicas consecuencias…

PL.INK!

Étude Opus 10. Nº 4

Dirección: Anne-Kristin Berge

Un pintor minimalista pierde a su hijo pequeño dentro de uno de sus cuadros. Al acceder al interior de la pintura para rescatar al travieso niño de los monstruos de tinta, encuentran ayuda de una máquina voladora.

EL CIELO DEL HÁMSTER

Étude Opus 10. Nº 11

Dirección: Paul Bolger

La preciosa historia de amor de una pareja de estos simpáticos roedores en la que el macho hará lo posible para no separase nunca de la hámster que ama..

EL NIÑO DE PAPÁ

Étude Opus 25. Nº 9

Dirección: Leevi Leemetty

Un ratoncito que quiere ser bailarín de ballet. Su padre, un ex campeón de boxeo, no puede entender su pasión por la danza, pero cuando el pequeño utiliza sus habilidades como bailarín para engañar a un gato que ha atrapado a su padre, éste observa orgulloso a su pequeño haciendo piruetas para ayudarle a escapar.

Cultura por navidad

El Palau de les Arts propone regalar cultura por navidad estas fiestas con la comercialización de su primera tarjeta regalo, que será canjeable por el importe de localidades para cualquier espectáculo de la temporada.

A través de su página web, y presencialmente en las taquillas del teatro, Les Arts pone a la venta este
nuevo producto, disponible por un importe mínimo de 50 euros y con caducidad un año después de la
compra, destinado a los interesados en las diferentes propuestas artísticas adscritas a la temporada del
teatro.

En 2022, la oferta de Les Arts incluirá importantes hitos de la programación con títulos inéditos como
‘Los cuentos de Hoffman’ de Offenbach, bajo la dirección musical de Marc Minkowski; el regreso del
Barroco escenificado a la Sala Principal con ‘Ariodante’ de Händel, dirigido por Andrea Marcon; el
primer Bernstein del teatro con ‘Trouble in Tahiti’, además del imprescindible repertorio verdiano con
‘Macbeth’.

Asimismo, durante el próximo año, el ciclo dedicado al ‘lied’ recibirá la visita de algunos de los artistas
más cotizados del panorama lírico como Matthias Goerne, Benjamin Bernheim, Marianne Crebassa o
Jakub Józef Orliński, mientras que en el capítulo sinfónico, la Orquestra de la Comunitat Valenciana
mantendrá su trabajo con batutas de referencia con citas con Josep Pons, Mark Elder y su director
musical James Gaffigan.

Por su parte, el apartado dedicado a la danza presentará en 2022 tres espectáculos coreográficos de primer
nivel, con El Ballet Nacional de España (BNE) y el espectáculo ‘Invocación’; Sol Picó y su compañía de
danza, que estrenan ‘Titanas’, una nueva producción en colaboración con Les Arts, y la presencia del
Ballet de la Ópera de Perm, que ofrece ‘La Bayadère’ de Ludwig Minkus.

Además, Les Arts continuará en 2022 con las diferentes líneas de programación alrededor de la voz y que
incluyen desde el cante jondo con Arcángel, Mayte Martín y María Terremoto en ‘Les Arts és flamenco’
hasta el jazz de Pat Metheny en ‘Les Arts és Altres Músiques’.

Contes d’Hoffmann© Heikki Tuuli_Finnish National Opera

Entrevista Michael Fabiano

Michael Fabiano regresa a Madrid, ciudad en la que se siente como en casa, después de haber protagonizado la temporada pasada alguno de los momentos más emocionantes sobre el escenario del Teatro Real tras la pandemia, y regresa con uno de sus personajes fetiches, Rodolfo, en La Bohéme que dirige Nicola Luisotti. Una nueva oportunidad para disfrutar de la sensibilidad y fuerza que el cantante de New Jersey imprime al romántico personaje creado por Pucinni.

Fabiano es uno de los más destacados intérpretes belcantistas del momento. En esta entrevista nos habla de la evolución de su carrera, de alguno de los momentos más especiales sobre un escenario y de sus planteamientos para el futuro.

Eleonora Buratto

La soprano italiana Eleonora Buratto, considerada una de las mejores intérpretes del personaje pucciniano, vuelve al coliseo madrileño para interpretar seis funciones de La Bohème en una temporada en la que también la cantará en Nueva York.

La carrera de Eleonora Buratto no para de conquistar escenarios y de ganar adeptos en todo el mundo. No es para menos: su agenda apunta compromisos en los más importantes teatros del panorama lírico internacional gracias a una voz de impresionante belleza y a un temperamento que deja sin aliento a críticos y público allá donde actúa.

La cantante llega a Madrid con su aclamada Mimì de La Bohème después de haber triunfado con el popular personaje de Puccini en la Metropolitan Opera de Nueva York cosechando un impresionante éxito de público y crítica, escenario en el que volverá a interpretar a la costurera parisina este mismo curso. En el Teatro Real ya ha cantado, desde su debut en 2012 con I due Figaro, títulos como Don Pasquale, L’elisir d’amore, Le nozze di Figaro, Carmen e Idomeneo. Ahora regresa con La Bohème, que interpretará los días 13, 16, 19, 27 y 30 de diciembre y 3 de enero, en un montaje firmado escénicamente por Richard Jones y con Nicola Luisotti en el podio al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid. Se trata de una coproducción del Teatro Real, la Royal Opera de Londres y la Lyric Opera de Chicago. “Me entusiasma enfrentarme a nuevas aventuras artísticas, pero, en esta ocasión, a la alegría le sumo la emoción de cantar para un teatro con el 100% de su capacidad”, afirma la cantante nacida en Mantua. “Estoy en Madrid en plenos ensayos de La Bohème encarnando a Mimì, uno de mis roles distintivos. Es además el último personaje que canté a principios de 2020, antes del confinamiento, en la Royal Opera de Londres. Y ninguno de nosotros podía imaginar en ese momento que el mundo entero y el de la ópera estaban a punto de paralizarse a causa de la pandemia. Espero que el círculo se cierre definitivamente y que, aunque con todas las precauciones necesarias, estemos retomando la vida como antes”.

Ya en el verano de 2020 Eleonora Buratto pudo reiniciar la actividad artística con el Réquiem de Donizetti y el de Verdi. “También debuté dos apasionantes roles verdianos como Elvira y Desdemona, además de la Fiordiligi mozartiana en Così fan tutte, primero en La Scala y luego en Turín –con Riccardo Muti–, y Anaïs en Moïse et Pharaon en el Rossini Opera Festival, pero ensayar ahora con un auténtico espíritu de normalidad como el que estamos viviendo en el Teatro Real es un regalo maravilloso. Estoy vinculada a este teatro desde 2012; aquí he realizado importantes debuts como el de Elettra en Idomeneo, entre otros. Ahora es el turno de Mimì. Espero trasmitir al público español las emociones de un rol y una obra que desde hace más de un siglo ha hablado al público de todo el mundo del amor, la alegría, la enfermedad, el dolor y, sobre todo, la infinita melancolía que conlleva el fin de la juventud. Creo que hoy, más que nunca, La Bohème es capaz de regalarnos las emociones más verdaderas y compartidas”, concluye la soprano.

Tras su compromiso madrileño viajará a Roma para participar en tres conciertos Rossini junto a la Orchestra e Coro dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia dirigidos por Antonio Pappano, a París para cantar el Réquiem de Verdi dirigida por Daniele Gatti en el Théâtre des Champs-Élysées y regresará a Nueva York, esta vez para debutar Madama Butterfly y encarnar nuevamente a Mimì de La Bohème, ambos compromisos en la Metropolitan Opera House durante marzo, abril y mayo de 2022

Navidad con la La bohème

Esta navidad, entre el 12 de diciembre y el 4 de enero el Teatro Real ofrecerá 15 funciones de La bohème, de Giacomo Puccini, en una coproducción del Teatro Real con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago, que se presentó en su escenario en 2017.

La génesis de La bohème, y también el desarrollo de todo su proceso creativo hasta el estreno de la ópera en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, están minuciosamente documentados gracias a la abundante correspondencia entre Giacomo Puccini, su editor y mentor Giulio Ricordi, y los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, que iniciaron su tormentosa y fructífera colaboración en esta ópera, escribiendo posteriormente los libretos de Tosca y Madama Butterfly.

Partiendo del libro Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger (1822-1861), nacido como una serie de relatos autobiográficos publicados en forma de folletín, los dos libretistas, siempre celosamente dirigidos por Puccini, construyeron un libreto coral, en el que cuatro jóvenes bohemios -un escritor (Rodolfo), un pintor (Marcello), un músico (Schaunard) y un filósofo (Colline)- sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal.

La historia de amor trágica entre uno de ellos, Rodolfo, aspirante a poeta, y la sastrecilla Mimì, cuya muerte por tuberculosis, inexorable, les sorprende, articula una especie de camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y trascendencia.

Con su genial paleta orquestal, su dominio de la prosodia y su enorme talento dramático, Puccini va construyendo la personalidad de los jóvenes con su característica habilidad para articular los destellos más anecdóticos y divertidos de lo cotidiano con los sentimientos más hondos, pasionales y arrebatadores. Así, entrelaza sus frases cortas “de conversación” con otras de enorme aliento melódico y dramático. Su orquestación sugiere, con enorme eficacia tímbrica, desde detalles tan nimios como el serpenteo de las llamas o el tintineo de las monedas, hasta las ‘ambientaciones’ casi cinematográficas de la desangelada buhardilla, del bullicio del París navideño o de la soledad y privaciones de la pobreza.

La evocación de momentos pasados, como si fueran destellos que la memoria revive y actualiza, está magistralmente recreada con la utilización de motivos musicales asociados a emociones, sentimientos, o incluso a objetos a los que Puccini concede un enorme poder simbólico, como la vela de Mimì, la cofia rosa que le compra Rodolfo, el gabán de Colline, o el manguito que calienta las manos frías de la protagonista en su lecho de muerte.

Son estos momentos que vienen y vuelven con la memoria, que están escondidos y asoman con las vivencias que suman y construyen el camino la vida, los que vertebran la producción de La bohème que se podrá ver en el Teatro Real.

En su propuesta dramatúrgica, el prestigioso director británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de Escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve cómo se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas, como si fueran retazos de vida apiñados en la memoria.

Situándose en un lugar privilegiado, el espectador contempla permanentemente el pasado y el presente de los personajes, incapaz de sumergirse en el París frío y efervescente de los jóvenes bohemios porque lo verá siempre representado sobre el escenario.

Pero este artificio del ‘teatro dentro del teatro’, en que se confunden el tiempo real y el teatral, el espacio del público y del artista, el drama de la ópera y sus metáforas, llevará al espectador a una interpretación más rica de la obra de Puccini, potenciada por su visión desde distintos ángulos, pero también con sus reflejos.

Dos repartos darán vida a esta popular ópera coral, en la que destacan, en los papeles principales, las sopranos Ermonela Jaho y Eleonora Buratto (Mimì) y los tenores Michael Fabiano y Andeka Gorrotxategi (Rodolfo), secundados por las sopranos Ruth Iniesta y Raquel Lojendio (Musetta); los barítonos Joan Martín-Royo y Manel Esteve (Schaunard), los tenores Vicenç Esteve y Pablo García López (Benoît); los barítonos Lucas Meachem y Andrzej Filonczyk (Marcello); y los bajos Krzysztof Baczyk y Solomon Howard (Colline) y Roberto Accurso (Alcindoro).

La dirección musical correrá a cargo de Nicola Luisotti, con excepción de los días 30 de diciembre y 3 de enero, en los que la ópera será dirigida por Luis Miguel Méndez.

La bohème será el décimo título que Nicola Luisotti dirigirá en el Teatro Real, después de Il trovatore (2007), La damnation de Faust (2009), Rigoletto (2015), Aida y Turandot (2018), Don Carlo (2019), La traviata y Un ballo in maschera (2020) y Tosca (2021).

Además del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por Andrés Máspero, participa en la producción el coro infantil Pequeños Cantores de la JORCAM, preparados por Ana González.

La Bohème vuelve al Teatro Real en fechas navideñas, trayendo a su escenario la alegría, complicidad y sueños de cuatro jóvenes que se encuentran con la vida real, paradójicamente, encontrándose con la muerte.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Fundación Juan March

Los próximos 15, 17 y 18 de diciembre la Fundación Juan March pondrá el broche final a su proyecto de recuperación de óperas de salón de Manuel García con la reposición en Madrid de Un avvertimento ai gelosi [Una advertencia a los celosos], una producción del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia. La institución cierra así la etapa que ha dedicado desde 2017 a la música teatral en pequeño formato de este reputado tenor y profesor de canto del siglo XIX, padre de una larga saga de cantantes como María Malibrán y Pauline Viardot además de prolífico compositor, de quien ha recuperado, en colaboración con la ABAO y el Teatro de la Zarzuela, otros dos títulos: Le cinesi en enero de 2017 y, en mayo de 2019, Il finto sordo.

Manuel del Pópulo Vicente García (Sevilla, 1775-París, 1832) ha pasado a la historia como uno de los mayores tenores de su generación. En 1816 estrenó en Roma el papel de Almaviva en Il barbiere di Siviglia, que Rossini compuso para él, y durante la década siguiente presentó sus óperas en ciudades como Londres, París, Nueva York o Ciudad de México. Profesor reputado a quien se le atribuye la preservación de valiosas técnicas belcantistas, fue un prolijo compositor, autor de obras que han pasado al imaginario colectivo, como su conocida “Aria del contrabandista”, así como de más de cincuenta óperas y operetas, canciones, sinfonías, misas y obras de cámara que la Fundación Juan March ha querido contribuir a recuperar.

Hacia el final de su vida, el tenor escribió cinco óperas de salón: L’isola disabitata, Un avvertimento ai gelosi, Le cinesi, I tre gobbi e Il finto sordo. Para crearlas se basó en libretos de larga trayectoria que adaptó al nuevo contexto interpretativo doméstico, concibiéndolas tanto para la educación vocal, musical y dramática de sus alumnos como para el divertimento de amigos y familiares. Así, cada ópera cuenta con un número reducido de cantantes y un acompañamiento al piano, y está concebida como un vehículo para la improvisación – habilidad que él consideraba indispensable para un cantante– así como con una brillante escritura en los números de conjunto.

Es el caso de Un avvertimento ai gelosi, que García definió como una “opera per società” [sic], concebida para ese ambiente íntimo del salón parisino. Escrita para seis voces con acompañamiento pianístico, está basada en un libreto de Giuseppe Maria Foppa (1760-1845), una comedia de un solo acto en la que un reducido número de personajes se ven enredados en diversas intrigas amorosas.

En esta producción, el diseño corre a cargo de Bárbara Lluch, la dirección musical e interpretación al piano, de Rubén Fernández Aguirre y la interpretación, de la nueva promoción de alumnos del Centre de Perfeccionament del Palau de Les Arts. En el argumento, un marido enormemente celoso, Berto (el barítono Marcelo Solís), sospecha injustamente de la infidelidad de su preciosa mujer, Sandrina (la soprano Rosa María Dávila). A fin de castigarle por sus celos, Sandrina simula corresponder el interés del Conde Ripaverde (el tenor Jorge Franco), el nuevo señor feudal, lo que se traduce en divertidísimas complicaciones que confunden a todo el mundo. Completan el reparto la mezzosoprano Laura Orueta, como la prometida del conde Ernesta, el tenor Xavier Hertheringon, como el jardinero Menico, y el barítono Carlos Fernández Reynoso, que interpretará al pomposo criado del conde, Don Fabio.

El proyecto es una coproducción con el Palau de Les Arts de Valencia y el Festival de Ópera de Oviedo, estrenada el pasado 12 de noviembre en el Teatro Martín i Soler del Palau de les Arts y que se ha presentado también en el Teatro Principal de Castellón el pasado 2 de diciembre. El próximo viernes se presentará en el Auditorio de Teulada-Moraira y los días 15, 17 y 18 de diciembre en la sede madrileña de la Fundación Juan March. La presentación del miércoles 15 en Madrid estará precedida por una entrevista emitida en directo por Radio Clásica que realizará Jesús Trujillo a Daniel Bianco, director del Teatro de la Zarzuela.

La función del miércoles 15 se transmite en directo por Radio Clásica de RNE.

La del viernes 17 por streaming a través de Canal March y Youtube.

El audio del concierto estará disponible 30 días en Canal.march.es.

Fotografía ©Miguel Lorenzo_LesArts

Un avvertimento ai gelosi

Ópera de salón con música y texto de Manuel García (1775-1832),

basada en un libreto de Giuseppe Maria Foppa (1760-1845)

Nueva coproducción del Palau de les Arts Reina Sofía

y el Festival de Ópera de Oviedo

Dirección musical y piano

Rubén Fernández Aguirre

Dirección de escena

Bárbara Lluch

REPARTO

Sandrina

Rosa María Dávila, soprano

Berto

Marcelo Solís, bartítono

Il Conte di Ripaverde

Jorge Franco, tenor

Don Fabio

Carlos Fernando Reynoso, barítono

Ernesta

Laura Orueta, mezzosoprano

Menico

Xavier Hertherington, tenor

Piano

Ignacio Aparisi Doménech (15)

Rubén Fernández Aguirre (17, 18)

Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts

Airam Hernández

Airam Hernández, uno de los cantantes más importantes de su generación que continúa conquistando escenarios internacionales, regresa en diciembre al Teatro de La Maestranza de Sevilla, en esta ocasión para debutar I Capuleti e i Montecchi de Bellini. El tenor canario, asegura encontrarse “encantado” de sumar este nuevo rol a su lista de personajes belcantistas: “Bellini era una genio de la melodía; sus legati, su fraseo elegante e infinito y la enorme importancia que el compositor de Catania brinda a la palabra me enamoraron desde el primer momento en que canté una partitura suya; su música te permite colorear y volar con la belleza de sus melodías. Es maravilloso regresar a su música y será fantástico hacerlo de la mano del maestro Jordi Bernàcer y ante un público entusiasta como el sevillano; esta temporada interpreto dos personajes muy contrastados de Bellini: Tebaldo (en el espectro del repertorio más ligero) y Pollione (en el ámbito más dramático)”, concluye el tenor.

Después de cosechar un triunfo personal en el Teatro Campoamor de Oviedo con su primer Príncipe Tamino de La flauta mágica, el versátil cantante afronta el personaje belcantista en un nuevo montaje coproducido entre la Ópera de Tenerife y el Teatro Comunale de Bolonia, con dirección de escena de Silvia Paoli y contando con Jordi Bernàcer al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Junto a su Tebaldo completan el elenco Daniela Mack (Romeo), Leonor Bonilla (Giulietta), Luis Cansino (Capellio) y Dario Russo (Lorenzo). Las funciones están programadas para los días 9, 11 y 13 de diciembre.

El intérprete canario viene desarrollando su carrera principalmente en escenarios europeos y americanos, pero esta temporada ha podido por fin centrar su agenda en territorio español: además del debut en Oviedo y del compromiso en el Maestranza, este curso volverá a la cartelera del Teatro Real de Madrid en la piel de Federico García Lorca en lo que será el estreno absoluto de la ópera El abrecartas del compositor recientemente fallecido Luis de Pablo. También cantará en la Ópera de Tenerife (Florencia en el Amazonas de Daniel Catán) y en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Norma de Bellini).

Nicola Beller 2 ©Hagen Schnauss

La soprano alemana Nicola Beller Carbone cantará los roles de La voix en La voix humaine y Bianca en Eine florentinische tragödie en febrero de 2022, dentro de la 70 Temporada de ABAO Bilbao Opera.

Nicola Beller Carbone es una gran especialista en el repertorio alemán y en obras del siglo XX: Wozzeck, Lady Macbeth de Mzensk, Mahagonny de Weill, Senso, Die tote Stadt, König Kanduales, Der Zwerg, Krenek Karlos V, La voix humaine, Die Gezeichneten, Die Soldaten, die Frau ohne Schatten, Die Hamletmaschine, Parsifal, Des Ring des Nibelungen y un largo etcétera que interpreta en los principales teatros europeos. Es además, una de las pocas sopranos que tiene en su repertorio todo el catálogo de Zemlinsky. En 2015 recibió el Premio Teatro Campoamor a la Mejor Intérprete Española de Ópera y Zarzuela.

En las últimas temporadas ha cantado La Gran Duquesa de Gerolstein, La Villana y El gato montés en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, Lady Macbeth de Mzensk en Montecarlo, Die Walküre en Oviedo y Elektra en Montreal. También destacan sus actuaciones en Sevilla con Der König Kandaules de Zemlinsky, Der Kaiser von Atlantis y Der Diktator, y en el Teatro Real de Madrid con Bomarzo. Ha cantado Die sieben Todsünden en Wiesbaden y participado en la versión concierto de Erwartung en Utrecht. Dos de sus últimos grandes retos han sido dar vida a Kundry de Parsifal en el Tiroler Festpiele Erl y asumir el papel principal de Elektra en el Stadttheater de Klagenfurt.

De sus recientes compromisos destaca especialmente su participación en el estreno absoluto de la ópera Marie de Germán Alonso, una coproducción del Teatro Real y el Teatro de la Abadía, su debut en el Teatro Arriaga en Die sieben Todsünden de Weill y su regreso al Campoamor con El Gato Montés. Próximamente volverá a la Bayerische Staatsoper de Múnich con la ópera Bluthaus y a España con La voix humaine en Córdoba y Sevilla.

Nicola Beller sustituye a la inicialmente prevista Ainhoa Arteta, quien se está recuperando de la situación personal acontecida el pasado mes de agosto. La artista ha comunicado a los responsables de ABAO Bilbao Opera que su recuperación se desarrolla bien y en los plazos previstos, pero que lamentablemente en estos momentos se ve en la obligación de renunciar a su debut en las producciones de La voix humaine y Eine florentinische tragödie, por el alto nivel de exigencia artística y compromiso personal con la que ha abordado este proyecto y por el respeto que siente por el público bilbaíno y la ABAO. “Espero con impaciencia poder reencontrarme con el público de ABAO en el menor plazo de tiempo posible, y agradezco toda la compresión y apoyo que estoy recibiendo de los responsables de la Asociación”, ha señalado.

ABAO lamenta profundamente la situación de la querida artista a quien ha trasladado sus mejores deseos de una pronta recuperación.

Nicola Beller ©Hagen Schnauss

Joel Prieto

en una nueva producción de Carmen

El tenor Joel Prieto da un nuevo paso en su carrera al incorporar a su repertorio el papel de Don José de la ópera Carmen de Bizet. La popular ópera se montará en el ADDA, el Auditori de la Diputació de Alicante, los días 17, 19 y 21 de noviembre en un nuevo montaje de un auténtico especialista en la obra, el director de escena asturiano Emilio Sagi. Prieto, que ha cosechado grandes éxitos en repertorios como el mozartiano o el belcantista, está muy ilusionado con la ampliación de su repertorio hacia papeles de tenor lírico y que se adaptan a la evolución de su actual vocalidad. “La voz va cambiando con los años y ahora me siento muy cómodo en este tipo de papeles”, afirma el cantante nacido en Madrid y formado en el Conservatorio de Puerto Rico, en la Manhattan School of Music, en el Atelier Lyrique de la Opéra national de Paris y en el Proyecto para Jóvenes Cantantes del Festival de Salzburgo.

Debutar un personaje como el imaginado por Bizet, además, es un hito en la trayectoria artística de cualquier intérprete de su cuerda. “Se trata de un rol que tiene un recorrido dramático muy complejo y fascinante. Descubrir su poderío vocal y a la vez profundizar en su psicología es un reto que llevo varios años queriendo hacer. Me siento afortunado de poder debutarlo de la mano de un genio del teatro como es Emilio Sagi y con el talentosísimo Josep Vicent en la dirección musical”, asegura Joel Prieto.

Alabado por su voz excepcional, por su versatilidad estilística y por la elegancia de su fraseo, Prieto dibujará un Don José que ya tiene muy asimilado, un papel “volátil y pasional, que respira sobre lo que la orquesta transmite”, asegura, al que ha estado dando forma durante meses de estudio “e investigación personal”, según ha afirmado a la revista especializada Ópera Actual. Para el cantante se trata del cruel retrato de un hombre “con ideas erróneas sobre qué es el amor y que no se parece en nada a mí, que vivo en un entorno feminista y de libertad”.

Con más de tres lustros de trayectoria profesional en los teatros más importantes del mundo, Joel Prieto va asumiendo nuevos retos en el proceso de ampliación del repertorio: “Mi voz pedía dar el paso hacia el repertorio lírico”, al que se une también ese Narraboth, de la ópera Salome de Richard Strauss, que interpretará próximamente tanto en su regreso tanto al Festival de Aix-en-Provence (Francia) como al Teatro Bolshoi de Moscú (Rusia).

ADDA Alicante

Parténope

El Teatro Real ofrecerá, por primera vez en España, una versión escenificada de Parténope, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), en la producción icónica de la English National Opera, de 2008, coproducida con las óperas de San Francisco y de Australia.

Bajo la apariencia de una “ópera seria” dieciochesca, con su reina y príncipes de la Antigüedad clásica, esta partitura, estrenada en 1730 en Londres, está “contaminada” por un sinnúmero de detalles de la “ópera bufa”, como la frivolidad del tema, las licencias eróticas del libreto, los personajes moralmente ambiguos, o la “elasticidad” de su estructura musical, en la que abundan los números de conjunto: dos dúos, un trío, un cuarteto y un quinteto.

La trama “indecorosa” de la ópera encaja mejor en la libertad del género bufo: Parténope, reina fundadora de Nápoles, tiene que elegir a uno de sus cuatro pretendientes: el fogoso Arsace (príncipe de Corinto), el tímido Armindo (príncipe de Rodas), el guerrero Emilio (príncipe de Cuma) o el seductor Eurimene, que en realidad es Rosmira, la expareja despechada de Arsace, que se disfraza de hombre para vengarse de su antiguo amante ­al que sigue queriendo­ y competir con él en la seducción de la reina.

Arsace y Armindo están interpretados por las voces “femeninas” de dos contratenores, y Eurimene es Rosmira disfrazada de hombre, que busca los favores de otra mujer. El travestismo, la libertad sexual y la fluidez de género” de la ópera, cuyo motor son el amor y el deseo, encajan perfectamente con “el surrealismo y su visión de la naturaleza erótica de la psique”, según el director de escena Christopher Alden.

Con la complicidad del escenógrafo Andrew Lieberman y del figurinista Jon Morrell, los personajes desfilan por la mansión art déco de Parténope, en plena efervescencia de las vanguardias, con guiños a algunos de sus protagonistas, como Man Ray o André Breton. En ese espacio de libertad, vicio, creatividad, glamour y placer, Parténope reina como una musa, desde su alcoba, objeto de deseo de su corte de admiradores.

En el Real se alternarán dos repartos, con destacados cantantes del barroco, en la interpretación de los seis personajes de la ópera, que, juntos, asumirán también las partes del coro, como suele pasar en las óperas de Händel.

Darán vida a la partitura las sopranos Brenda Rae y Sabina Puértolas (Parténope); las mezzosopranos Teresa Iervolino y Daniela Mack (Rosmira); los contratenores Iestyn Davies y Franco Fagioli (Arsace), y Anthony Roth Costanzo y Christopher Lowrey (Armindo); los tenores Jeremy Ovenden y Juan Sancho (Emilio) y los barítonos Nikolay Borchev y Gabriel Bermúdez (Ormonte), junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección musical de Ivor Bolton, que será responsable, también, de los acompañamientos al clave.

El estreno de Parténope, de Georg Friedrich Händel, en el Teatro Real, se sumará a los diez títulos de este compositor que se han ofrecido desde su reapertura: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007 y 2018), Tamerlano (2008), Il trionfo del tempo e del disinganno (2008), Tolomeo, Re d”Egitto (2009), Theodora (2009), Agrippina (2009 y 2019), Alcina (2015) y Rodelinda (2017).

Parténope es única y heterodoxa dentro del corpus operístico de Händel. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la ingeniosa dramaturgia de Christopher Alden y la maestría, musicalidad y entrega de Ivor Bolton.

©Javier del Real | Teatro Real

Premios Ópera Actual 2021

Los Premio Ópera Actual han sido entregados este mediodía en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona los Premios ÓPERA ACTUAL 2021, unos galardones instaurados en 2002 por la única revista especializada en el género lírico que se edita en España y una de las más importantes del mundo. Los premiados en esta edición han sido:
PREMIO A UN ARTISTA POR SU TRAYECTORIA INTERNACIONAL

A la mezzosoprano letona Elīna GARANČA

PREMIO A UNA INSTITUCIÓN

A IIntermezzo, Coros a la carta
Recoge el Premio su director general, Jon PLAZAOLA

PREMIO AL ARTISTA JOVEN MÁS PROMETEDOR

Al tenor español Xabier ANDUAGA

PREMIO ESPECIAL 30º ANIVERSARIO ÓPERA ACTUAL

Al Teatro de La Zarzuela de Madrid
Recoge el Premio su director, Daniel BIANCO

En el acto –realizado en el Salón de los Espejos del Gran Teatre del Liceu– la mezzosoprano barcelonesa Carol García (Premio ÓPERA ACTUAL 2015) y la soprano valenciana Maite Alberola (Premio ÓPERA ACTUAL 2012), ofrecieron un recital acompañadas por los pianistas Anna Crexells y Francisco Cholbi conmemorando los treinta años de andadura de ÓPERA ACTUAL, una de las publicaciones más importantes del mundo editadas en español, y la edición 2021 de los Premios que cada año ofrece la revista con sede en Barcelona.

Este año los galardonados han sido la mezzosoprano letona Elīna Garanča –por su importantísima y dilatada carrera internacional-; los Coros Intermezzo -empresa que gestiona el coro del Teatro Real, entre otros coliseos españoles-; el Teatro de la Zarzuela de Madrid –Premio especial por el 30 aniversario de la revista-; y el tenor vasco Xabier Anduaga, sin duda una de las voces jóvenes emergentes más importantes que ha dado recientemente la cantera española de cantantes líricos.

Entregaron los galardones Fernando Sans Rivière, director de esta publicación que se edita desde 1991; Pablo Meléndez-Haddad, jefe de redacción de la revista; Javier Pérez Senz, periodista, crítico musical y colaborador de la revista; y José María Marco, corresponsal de ÓPERA ACTUAL en Madrid.

Tras la entrega de premios la revista ofreció un almuerzo en el Círculo del Liceo al que acudieron personalidades del mundo empresarial y de la Cultura como Oriol Aguilà, presidente de la Asociación Ópera XXI, que agrupa a los coliseos y festivales con programación lírica de España y director del Festival Castell de Peralada; Xavier Cester, director del Àrea de Música del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) y colaborador de ÓPERA ACTUAL; así como representantes del mundo de la lírica española como el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Valentí Oviedo, Víctor García de Gomar, Leticia Martín, Helena Roca), Fundació Òpera a Catalunya (Mirna Lacambra), ABAO Bilbao Opera (Juan Carlos Matellanes, María Luisa Molina), Ópera de Oviedo (Celestino Varela), Teatre Principal de Palma (Josep R. Cerdà); el presidente del Círculo del Liceo (Francisco Gaudier) y diversos expresidentes de la entidad (Ignacio García Nieto, Carlos Cuatrecases Targa); la presidenta del Palau de la Música Catalana, Mariona Carulla y Mercedes Conde Pons, directora artística adjunta; el presidente de la Societat del Liceu (Xavier Coll); el presidente de Amics del Liceu, Ramon Bassas; Montse Caballé e Isabel Caballé de la Fundación Montserrat Caballé; la directora del OperaStudio de la Universidad de Alcalá, Lourdes Pérez-Sierra; la directora del Conservatori Liceu, Maria Serrat, y artistas como el contratenor Xavier Sabata o el director de escena Carlus Padrissa de La Fura dels Baus, además de representantes de diversas empresas mecenas y colaboradoras de estos Premios ÓPERA ACTUAL 2021 como el Círculo del Liceo, el Gran Teatre del Liceu, Ocuri Investment, Krug (LVMH), la Sociedad del Gran Teatre del Liceu o Luxury Spain, entre otros.

José Miguel Pérez-Sierra

Tras iniciar el curso con compromisos en Metz (Francia), A Coruña (concierto con Lise Davidsen y Pagliacci) y Pamplona (Marina, en el 200º aniversario de Arrieta), José Miguel Pérez-Sierra continua con su carrera internacional que lo llevará a la Opéra de Marseille (Francia) con la ópera en versión de concierto de Armida, de Rossini; el director español regresa a ese escenario después de conseguir un gran éxito de público y crítica con La donna del lago, también de Rossini, en 2018. Para Armida en Marsella, obra maestra del compositor de Pésaro y de enorme dificultad, Pérez-Sierra se pondrá al mando de la Orchestre et Chœur de l’Opéra de Marseille y contará con un reparto de excepción que incluye a la soprano georgiana Nino Machaidze (Armida) y al tenor italiano Enea Scala (Rinaldo) en los papeles principales con un total de cuatro funciones, los días 29 y 31 de octubre y 3 y 5 de noviembre.

José Miguel Pérez-Sierra suma ya catorce óperas rossinianas en su repertorio, algunas de las cuales han sido grabadas para el sello Naxos. Después de su compromiso en la ciudad francesa le esperan, entre otros, un concierto sinfónico en Pamplona junto a la Sinfónica de Navarra, conciertos de Navidad y Fin de Año con la ORCAM en Madrid, un concierto al mando de la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia, la ópera Carmen en su debut en el Teatro La Monnaie-De Munt de Bruselas y en el Grand Théâtre de Luxembourg, El barberillo de Lavapiés en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, un concierto sinfónico y Armida con la Filarmónica de Cracovia, y de nuevo Armida en el Rossini in Wildbad Belcanto Opera Festival.

Fotografía © Pedro Aijón

Ópera de Marsella

Sabina Puértolas

El Teatro de la Zarzuela inaugurará el próximo jueves, 28 de octubre (20h00) una nueva edición de Notas del Ambigú, uno de sus ciclos más populares y exitosos. La soprano Sabina Puértolas y el pianista Rubén Fernández Aguirre rendirán un emotivo homenaje a Emilio Arrieta (Puente de la Reina, Navarra 1821 – Madrid 1894), uno de los compositores españoles más destacados en el ámbito teatral, cuya aportación para la consolidación de la zarzuela como género fue decisiva, de quien este mismo mes de octubre se cumplen 200 años de su nacimiento.

El recital comenzará con su bella colección de ‘Canciones italinas’, con letras de Pablo Milanés, Felice Romani, Adela Curti y autores anónimos, para continuar con una ‘Suite para piano sobre temas de «Marina»’ con arreglo de Carlos Imaz y una selección de ‘Canciones españolas’ con textos de José Estremera, Antonio Arnao, Antonio Fernández Grilo y de autores anónimos.

Un estreno absoluto del polifacético compositor (pianista, cantante, director de orquesta, escritor, poeta, actor, pintor…) Alberto García Demestres, cuya poliédrica alma renacentista ha creado para la ocasión una “escena lírica para soprano y piano” bajo el título ‘Los cisnes en palacio’ con texto de Antonio Carvajal.

Se da el caso de que este es el segundo homenaje que Sabina Puértolas (nacida en Zaragoza, aunque criada y educada en Navarra) y Rubén Fernández Aguirre (natural de Barakaldo, Vizcaya), rinden en el Teatro de la Zarzuela a Emilion Arrieta por su bicentenario. El primero fue el pasado mes de marzo junto con otros dos navarros ilustres como son la mezzosoprano Maite Beaumont y el tenor José Luis Sola.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles del 28 de octubre al 4 de julio.

Al de Sabina Puértolas y Rubén Fernández Aguirre sobre Emilio Arrieta seguirá el de los jóvenes cantantes provenientes del teatro musical Nuria Pérez y David Pérez Bayona, salidos del premiado Proyecto Zarza (zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes), quienes acompañados por el pianista Álvaro Ortega Luna trazarán las similitudes entre el teatro musical americano anterior a los 60 y la zarzuela en el espectáculo ‘Enzarzados’ (15 de noviembre); luego será el turno del dúo formado por el bandoneonista Claudio Constantini y la pianista Louiza Hamadi que ofrecerán un programa para festejar el centenario del nacimiento de Astor Piazzolla (2 de diciembre); a continuación será el contratenor Alberto Miguélez Rouco, flanqueado por el laúd de Pablo Fitzgerald y la viola da gamba de Teodoro Baù quien abordará las Cantadas de José Torres, uno de los compositores cruciales del Barroco (4 de enero). El ecuador del ciclo lo marcará el espectáculo de Enrique Viana ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’ quien en compañía del pianista Ramón Grau ofrecerá, con el genuino estilo a que nos tiene acostumbrados, hora y cuarto de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada (7, 8 y 9 de enero). La soprano Carmen Romeu y el pianista Borja Mariño presentarán, a su vez, ‘La meua llar’ con la intención de llevarnos en alas de la música a ese lugar íntimo, de reunión familiar, de calma y seguridad, de tradiciones, enseñanza, música y aromas de niñez –a puchero, naranjas y azahar–, el pálpito de la tierra en cada nota: Valencia (11 de febrero). Con ocasión del Día Internacional de la Mujer, la actriz y cantante Gurutze Beitia y el pianista César Belda presentrán ‘Una mujer en la música’, recital integrado por obras de compositoras de música popular de España y allende los mares (8 de marzo). Seguirá el ciclo con el concierto ‘Catalanes por el mundo’ en el que el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán obras de autores catalanes que compusieron también en otros idiomas como Eduard Toldrà, Joan Manén, Pau Casals, Jaume Pahissa o Isaac Albéniz (18 de abril). Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, y en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Teatro de la Zarzuela convocará un concurso para jóvenes compositores cuyas tres obras ganadoras serán estrenadas por el Ensemble Opus 22 (28 de junio). Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

LES ARTS JOYCE DIDONATO

La ‘mezzosoprano’ estadounidense Joyce DiDonato, una de las artistas más cotizadas en el panorama lírico internacional, regresa este sábado, 30 de octubre, a la Sala Principal de Les Arts para interpretar ‘Winterreise’, de Franz Schubert, acompañada al piano por su compatriota Craig Terry.

Después de agotar las localidades en su debut la pasada temporada con ‘My Favourite Things’, la carismática artista inaugura el ciclo ‘Les Arts és Lied’, con una de las obras fetiche del género, Winterreise’ (Viaje de invierno), las 24 canciones que compuso el genio austríaco en su último año de vida, a partir de poemas de Wilhelm Müller.

Con una obra habitual en el repertorio masculino, Joyce DiDonato se une al selecto grupo de legendarias mujeres como Lotte Lehmann, Brigitte Fassbaender o Christa Ludwig, que han prestado su voz a este melancólico y solitario viaje a través de un amor no correspondido.

La diva de Kansas imprime su sello personal a la partitura, a la que se acerca desde la perspectiva de la mujer que no corresponde y que lee las páginas del diario del caminante. Crítica y público han elogiado la primera incursión de la estadounidense en este ciclo de canciones, que estrenó en el Carnegie Hall en 2019 con el director musical del Metropolitan de Nueva York, Yannick Nézet-Séguin, al piano y recientemente ha visto la luz en el mercado discográfico.

Craig Terry acompañará a Joyce DiDonato en su actuación en Les Arts. Aclamado por su sensibilidad y elegancia, el pianista norteamericano, reciente ganador de un premio Grammy, goza de una reconocida carrera en el circuito internacional.

Joyce DiDonato
“Posiblemente, la artista más dinámica de su generación”, según ‘The New Yorker’, “Auténtico oro de 24 quilates”, según ‘The Times’, Joyce DiDonato es una de las personalidades más fascinantes y arrolladoras del panorama operístico.

Galardonada con múltiples Grammys por su discografía, merecedora del Premio Olivier británico por sus “destacados logros en la ópera” o del estadounidense Premio Richard Tucker, la ‘mezzosoprano’ de Kansas es requerida por los principales teatros y auditorios de todo el mundo tanto por sus interpretaciones de Händel y Mozart como por sus incursiones en el repertorio belcantista.

Les Arts és Lied
Joyce DiDonato será la encargada de abrir la tercera edición de ‘Les Arts és Lied’, que volverá a reunir a algunos de los más destacados intérpretes del panorama lírico internacional en la Sala Principal de Les Arts.
Tras la actuación de la carismática ‘mezzosoprano’, el ciclo que Les Arts dedica a esta forma musical que aúna voz, poesía y piano continuará con los recitales de Matthias Goerne (29 de enero de 2022),

Benjamin Bernheim (20 de febrero de 2022), Lisette Oropesa (5 de marzo de 2022), Marianne Crebassa (2 de abril de 2022) y Jakub Józef Orliński (15 de mayo de 2022). Les Arts recuerda que los precios de las entradas para los recitales del ciclo ‘Les Arts és Lied’ oscilan entre 20 y 40 euros.

Fotografía ©Miguel Lorenzo_LesArts

Acosta Danza

Los próximos días 22, 23 y 24 de octubre, el extraordinario bailarín y polifacético artista Carlos Acosta presentará en el Teatro Real su compañía, Acosta Danza, fundada en La Habana en 2015 con el objetivo de mostrar al mundo el nuevo talento artístico de Cuba, a través de un programa que aúna danza clásica, contemporánea y ritmos cubanos.

Carlos Acosta es un bailarín de leyenda. Su talento innato, unido a una extraordinaria capacidad física, y una trayectoria cimentada en el esfuerzo profesional y personal, han hecho de él uno de los mejores bailarines de su generación. Premios importantes, las compañías más prestigiosas del mundo y el Royal Ballet de Londres, donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera como Primer Bailarín, son la carta de presentación de un hombre que nunca ha olvidado sus orígenes y el latido de la cultura de su país natal, donde la danza ocupa un destacado lugar.

Por esta razón, tras retirarse de la danza clásica, Carlos Acosta emprende la aventura de reunir a los mejores bailarines de Cuba para dar a conocer su talento y versatilidad en los grandes escenarios internacionales: Acosta Danza. Ahora, para su presentación en Madrid, la compañía ha seleccionado trabajos de coreógrafos cuyos trabajos han encontrado inspiración en el alma de la isla, en sus ritmos y en sus bailes.

Evolution abrirá la velada con la coreografía de Raúl Reinoso, Satori. En el budismo zen este vocablo se refiere a la iluminación espiritual; así, esta creación ilustra el viaje hacia lo interior desde varias escenas abstractas: las interrogantes iniciales, la búsqueda, los estancamientos, la derrota de los obstáculos y, finalmente, el instante del conocimiento, el hallazgo de la verdad, de la belleza, la luz.

Carlos Acosta asumirá la interpretación de Mermaid, creación del belga Sidi Larbi Cherkaoui para la compañía, sobre música de Woojae Park y Erik Satie. En ella, la danza contemporánea abraza a la clásica para contar la historia de una sirena, en la que el vestuario y la luz se apuntan como referencias fundamentales. Acosta volverá a bailar en la segunda parte del programa con la coreografía Two, de Russel Maliphant.

Con Paysage, soudain, la nuit, el coreógrafo sueco Pontus Lidberg, inspirado en la música tradicional cubana a través de la rumba y su raíces africanas, celebra la juventud, entre los atardeceres y el amanecer, tomando como punto de partida la partitura del compositor Leo Brouwer con la complicidad de la instalación artística Vientos (2017) de la cubana Elizabet Cerviño.

Y cerrará la noche Twelve, del español Jorge Crecis, una pieza de danza-deporte, en un universo regulado por complejas permutaciones matemáticas y gráficas, con un riesgo real que pone a prueba la resistencia física y mental de 12 bailarines que tienen que hacer lo imposible para lograr lo imposible. Twelve es una combinación de lógica, estética y emoción, un rompecabezas que juega con los conceptos de éxito y fracaso, riesgo y pragmatismo y que explora los límites del cuerpo humano. Twelve ha sido una recreación exclusiva para Acosta Danza a partir de la pieza 36 creada en 2011 para la compañía Edge y presentada en 2012 en la Royal Opera House de Londres.

Serán precisamente estas dos coreografías, Paysage, soudain, la nuit y Twelve, las protagonistas de la función familiar que, bajo el nombre Aprendiendo a volar, tendrá lugar la mañana del sábado 23 de octubre a las 12.00 horas. Su gran fuerza rítmica, luminosa expresión y creatividad atraparán a los más jóvenes. La sesión contará con la participación especial de Carlos Acosta, en un encuentro con el público, en el que desvelará los secretos de la danza respondiendo a las preguntas de los asistentes, entre una y otra coreografía.

Para coordinar esta acción, los espectadores podrán enviar sus cuestiones sobre el mundo de la danza a través de un formulario disponible en la web hasta el viernes 22 a las 12.00 h. De entre todas las preguntas se realizará una selección que será respondida por Carlos Acosta durante la función.

BIOGRAFÍAS

ACOSTA DANZA

Acosta Danza se fundó el 28 de septiembre del 2015 en La Habana gracias al empeño de Carlos Acosta, e hizo su primera aparición frente al público el 8 de abril de 2016. Insertada en el panorama escénico cubano bajo una línea contemporánea, la compañía no ha dejado de lado el desarrollo técnico del ballet clásico, con la clara intención de recoger la visión artística y profesional de su creador. Su creación es el resultado del amplio desarrollo de la danza en Cuba, país en el que este arte es manifestación esencial de la idiosincrasia nacional, y cuenta con un reconocido desempeño escénico en los ámbitos del ballet, la danza contemporánea y el folclore. El repertorio coreográfico incluye títulos de Carlos Acosta, Marianela Boán, Sidi Larbi Cherkaoui, Justin Peck, Saburo Teshigawara, Goyo Montero, Pontus Lidberg, María Rovira, Rafael Bonachela, Miguel Altunaga, Alexis Fernández (Maca), Mickael Marso, Jorge Crecis y Raúl Reinoso, entre otros.

Acosta Danza está apoyada por el Consejo Nacional de la Artes Escénicas de Cuba y cuenta con la coproducción del teatro Sadler’s Wells de Londres –uno de los escenarios más importantes de Europa, asociado a nombres de la danza internacional tan reconocidos como el de Sylvie Guillem, Sidi Larbi Cherkaoui, Akram Khan– y Valid Productions, empresa logística encargada de gestionar la compañía internacionalmente.

La compañía se define como un espacio de renovación, de búsqueda e experimentación, no solo para artistas cubanos, sino también para creadores de todo el mundo como coreógrafos, músicos, diseñadores, artistas de la plástica y de los audiovisuales, a los que la compañía abre sus puertas. Con todos ellos, la compañía realiza espectáculos de danza que reflejan las últimas tendencias internacionales tanto en movimientos coreográficos como en todo lo referente a la escena. El resultado es una compañía joven, dinámica y de calidad que propone convertirse en una de las más efectivas cartas de presentación de la cultura cubana. En 2021 Acosta Danza ha sido nominada por la Sección de Danza del Círculo de Críticos del Reino Unido para el Premio Nacional de Danza de ese país como mejor compañía independiente.

CARLOS ACOSTA

Considerado uno de los más célebres bailarines de las últimas décadas, nació en La Habana y se formó en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Ha bailado en calidad de primera figura en compañías como el Royal Ballet de Londres, el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston, el American Ballet Theatre, el Ballet del Teatro Bolshoi, el Ballet de la Ópera de París, el English National Ballet y el Ballet de Australia. Su repertorio está compuesto por los títulos más significativos del ballet tradicional y contemporáneo. Como coreógrafo ha creado el espectáculo Tocororo, fábula cubana, y sus versiones de Don Quijote y Carmen.

En el 2015 fundó Acosta Danza. En 2018, la directora Icíar Bollaín estrenó Yuli, la película inspirada en la vida del bailarín. En ese año, también fue merecedor del Queen Elizabeth II Coronation Award que otorga la Real Academia de la Danza británica. Desde el 2020 Carlos Acosta dirige el Birmingham Royal Ballet. Es Comendador de la Orden del Imperio Británico, posee el Premio Benois de la Danza y fue nombrado Premio Nacional de Danza de Cuba.

© Satori_Photo Santiel Rodriguez

ACOSTA DANZA

Director: Carlos Acosta

SATORI

Música Pepe Gavilondo (1989)

Coreografía Raúl Reinoso

Concepción musical Pepe Gavilondo, Raúl Reinoso

Figurinista Ángelo Alberto

Iluminación Fabiana Piccioli

Intérpretes Zeleidy Crespo, Laura Rodríguez, Patricia Torres,

Arelys Hernández, Penélope Morejón, Mario Sergio Elías,

Enrique Corrales, Alejandro Miñoso, Yasser Domínguez,

Maikel Pons

MERMAID

Música Woojae Park (1981) Sidi Larbi Cherkaoui (1976)

Erik Satie (1866-1925)

Coreografía Sidi Larbi Cherkaoui

Figurinista Hussein Chalayan

Iluminación Fabiana Piccioli

Intérpretes Carlos Acosta, Liliana Menéndez

PAYSAGE, SOUDAIN, LA NUIT

Música Leo Brouwer (1939): Paisaje cubano con rumba

Stefan Levin (1964): Cuban Landscape

Coreografía Pontus Lidberg

Escenografía Elizabet Cerviño

Figurinista Karen Young

Iluminación Patrik Bogårdh

Dramaturgo Adrian Silver

Intérpretes Laura Rodríguez, Liliana Menéndez, Penélope Morejón, Patricia Torres, Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elías, Alejandro Miñoso, Raúl Reinoso, Maikel Pons, Javier Aguilera

TWO

Música Andy Cowton (1962)

Coreografía Russell Maliphant

Iluminación Michael Hulls

Intérprete Carlos Acosta

TWELVE

Música Vincenzo Lamagna (1982)

Concepto coreográfico y dirección Jorge Crecis

Asistente de coreografía Fernando Balsera

Figurinista Eva Escribano

Iluminación Michael Mannion, Warren Letton, Pedro Benítez

Intérpretes Laura Rodríguez, Liliana Menéndez, Penélope Morejón,

Patricia Torres, Arelys Hernández, Zeleidy Crespo,

Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elías, Javier Aguilera, Raul Reinoso, Maikel Pons

ESTRENO EN EL TEATRO REAL

Producción de Valid Productions y Sadler’s Wells,

junto con Ysarca Promotions

Fechas 22, 23 de octubre, 19.30 h

24 de octubre, 18.00 h

Duración aproximada 2 horas y 8 minutos

PARTE I: 1 hora

Pausa de 25 minutos

PARTE II: 43 minutos

Les contes d'hoffmann

ABAO Bilbao Opera inaugura su 70º Temporada con Les contes d’Hoffmann de Offenbach. Una de las óperas imprescindibles del repertorio francés, que sube a escena por tercera vez en Bilbao los días 23, 25, 27 y 30 de octubre y 1 de noviembre, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA. Las funciones darán comienzo a las 19:30h salvo la del sábado día 23 que comenzará a las 19:00h.

OBRA CUMBRE DEL REPERTORIO FRANCÉS
Les contes d’Hoffmann, cuya partitura dejó sin acabar Offenbach a su fallecimiento en 1880, cuenta las aventuras y desventuras amorosas del poeta alemán E.T.A. Hoffmann, que se convierte en protagonista de la ópera.
La historia es un tránsito sublime y delirante por los tres relatos del poeta romántico alemán que enamorado de la cantante Stella, se embarca en la búsqueda de esta mujer ideal a través de las mujeres que ha conocido y amado a lo largo de su vida: Olympia, una muñeca, Antonia, una joven que cuando canta se pone enferma y Giulietta, una cortesana, y todas ellas forman una sola: su enamorada Stella.
UN REPARTO ESTELAR PARA INAUGURAR LA TEMPORADA
Para protagonizar esta ópera apasionante, embriagadora y sublime, que recorre el camino entre la redención de la confesión y la añoranza del amor perdido, ABAO ha reunido a un elenco de grandes artistas encabezado por Jessica Pratt que arranca la temporada con un verdadero tour de force al interpretar los cuatro papeles principales para soprano: Olympia, Antonia, Giulietta y Stella, todo un hito en su exitosa carrera. Resolver la ecuación de los cuatro roles femeninos, la personalidad específica de cada heroína, su expresividad escénica y todos los imperativos líricos y dramáticos que conlleva, es un enorme desafío para el talento y el virtuosismo vocal de la soprano inglesa.
Michael Fabiano, un tenor en estado de gracia, encarna al atribulado Hoffmann en un papel extenuante que requiere toda la fuerza, seguridad y naturalidad vocal del intérprete, su exquisita pronunciación y el control absoluto de la modulación de su voz para abordar momentos de gran intensidad teatral y escenas de íntima delicadeza. Elena Zhidkova, fiel a su característica entrega dramática, es la encargada de componer la protectora Niklausse, la maternal La Musa y la fantasmagórica La voix de la tombe, y Simón Orfila encarna Los 4 villanos: Lindorf, Coppélius, Dr. Miracle y Dapertutto, con el carácter y la enérgica expresividad del barítono-bajo menorquín.
Completan el reparto el talento impecable de Mikeldi Atxalandabaso, José Manuel Díaz, Moisés Marín, Fernando Latorre y Gexan Etxabe.

CARLO MONTANARO RECREA UN DISCURSO MUSICAL ORIGINAL Y TREPIDANTE
En el apartado musical, el maestro Carlo Montanaro se pone al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa para dirigir una partitura trepidante, llena de momentos hipnóticos y exuberantes, con una estructura musical compleja y prácticamente sin sosiego.
La partitura elegida, editada por Jules Paul Barbier, Michael Kaye y Jean-Christophe Keck para Schott, culmina el acto de Venecia y añade distintas arias, y está reconocida como la más integral y legítima de las versiones desde el punto de vista musicológico.

CLASICISTA Y MONUMENTAL JUEGO ESCÉNICO DE VINCENT HUGUET
En el escenario una producción estreno a nivel nacional de Vincent Huguet, quien debuta en ABAO con una propuesta clasicista, imponente y modular, hecha de escaleras y puertas monumentales que representa un teatro y sitúan la trama durante una actuación de Don Giovanni.
Huguet, considerado el enfant terrible de la escena actual, recorre el universo fantástico y onírico de la ópera con la colaboración de Louis Geisler, que participa en la construcción dramatúrgica de los personajes y Aurélie Maestre en la escenografía. La iluminación de Christophe Forey y el vestuario de Clémence Pernoud y Laurianne Scimemi consiguen plasmar una poderosa estampa visual.

RUBÉN AMÓN INTRODUCE LES CONTES D’HOFFMANN EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera que descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada
en una conferencia magistral la víspera del estreno, inaugura una nueva edición en el Auditorio del
Museo Bellas Artes de Bilbao el viernes 22 de octubre.


El ponente encargado de desvelar todos los detalles de esta ópera es el conocido periodista y escritor
Rubén Amón, quien participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales, como
El Confidencial, Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas,
como una investigación sobre Los secretos del Prado (Temas de Hoy 1997), la biografía de Plácido
Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y
Pavarotti, cuando la ópera llena estadios (Temas de Hoy 1996). Sangre, poesía y pasión: Dos siglos de
música, ruido y silencio en el Teatro Real (Alianza Editorial 2018).


EL 25 DE OCTUBRE ABAO SE UNE A LAS CELEBRACIONES DEL DÍA MUNDIAL DE LA ÓPERA

La función de Les contes d’Hoffmann el lunes 25 de octubre conmemora el Día Mundial de la Ópera,
una iniciativa bajo el paraguas de todos los teatros y organizaciones de ópera en Europa que cumple

su tercera edición, y que se presenta este año con el lema “Ópera Reboot”, como la idea de empezar
de nuevo y empezar mejor, con objetivos duraderos y en armonía con la sociedad.


Para celebrarlo, ABAO pone a la venta los días 21 y 22 de octubre entradas para la función del día 25
por 36€ para adultos y 18€ para jóvenes hasta 35 años, en seis zonas distintas, que podrán adquirirse
en las oficinas de ABAO o a través de su página web.


ABAO BILBAO OPERA RINDE HOMENAJE A SANITARIOS, SOCIOSANITARIOS Y VOLUNTARIOS EN
LA FUNCIÓN DEL 27 DE OCTUBRE

Algunos de los sectores que más han contribuido en la lucha contra el COVID-19 son sin duda el
entorno sanitario, sociosanitario y los voluntarios del Banco de Alimentos de Bizkaia. Su esfuerzo,
dedicación y entrega infatigable durante la pandemia les ha convertido en los verdaderos héroes de
esta crisis sanitaria. Por este motivo, ABAO Bilbao Opera quiere rendirles un sentido homenaje de

respeto, agradecimiento y orgullo, en la función de Les contes d’Hoffmann el miércoles 27 de
octubre en el Euskalduna Bilbao a las 19:30h, que podrán disfrutar con entradas por valor de un
donativo de 10€.

Un homenaje con una doble finalidad, por un lado reconocer y agradecer la labor de los profesionales
y trabajadores de la salud que estuvieron en primera línea de batalla combatiendo el virus en
hospitales, centros sanitarios, residencias y centros de mayores; y por otro lado para contribuir y
apoyar con la entrega íntegra de todos los donativos recogidos, la encomiable labor del Banco de
alimentos de Bizkaia/ Bizkaiko Elikagaien Bankua, que ayudaron y continúan haciéndolo a las familias y
personas más vulnerables.

La relación de profesionales y colectivos que pueden acceder a este programa se puede consultar en
la página web de ABAO. Los interesados podrán adquirir sus entradas en las oficinas de la asociación
y en la taquilla del Euskalduna Bilbao el día de la función, para lo que será necesario presentar una
acreditación o identificación oficial que certifique la condición de profesional perteneciente a los
colectivos señalados.

Esta iniciativa se enmarca en la campaña global #TeMerecesÖpera cuya finalidad es poner en relieve la
importancia de la cultura como bien esencial. ABAO Bilbao Opera se suma así al reconocimiento al
esfuerzo y la labor desarrollada por estos colectivos desde el inicio de la pandemia, y al sentimiento de
gratitud de toda la sociedad hacia unos profesionales, trabajadores y voluntarios que han arriesgado
su salud y sus vidas para salvar las de muchas otras personas, y nos han permitido que podamos
recuperar la normalidad de nuestras actividades culturales.


FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como
cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que
la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación
de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de
grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.


Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance
del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de
conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse
en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y
creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.


Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y
teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en
Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la
Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.


Las representaciones de Les contes d’Hoffmann están patrocinadas en exclusiva por la Fundación
BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la
cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

Michael Fabiano_Photo by Jiyang Chen

Tras su debut abaísta con Lucia di Lammemoor en 2011 y su regreso a la capital bilbaína en 2018 cosechando un gran éxito como Chevalier des Grieux en Manon de Massenet, Michael Fabiano vuelve pletórico para inaugurar el curso de Abao Bilbao Opera metiéndose en la piel de uno de los personajes más emblemáticos del repertorio de tenor, Hoffmann, el protagonista de Les contes d’Hoffmann, de Offenbach. El cantante nacido en New Jersey, que debutó el atormentado personaje nada menos que en la Opéra de París en enero de 2020 –justo antes de que el mundo se paralizara a causa de la pandemia– considera que el rol es “muy complejo pero apasionante, tanto vocal como actoralmente. Está lleno de desafíos que hay que saber afrontar”, a lo que se une su omnipresencia en el escenario. “Es un hombre sumergido en la obsesiva búsqueda de lo absoluto y del ideal femenino, del amor, una historia que retrata cuatro épocas de su vida sentimental a través de una partitura muy rica, con una orquesta gigante. Sin duda es uno de esos roles que los tenores anhelamos interpretar en algún momento de nuestra carrera, cuando hay madurez vocal e interpretativa. Pude debutarlo en París en 2020 y ahora regreso a él con enorme entusiasmo ante el público de Bilbao, donde ya he cantado otras veces y donde me siento como en casa”, afirma Fabiano.

En Bilbao Michael Fabiano compartirá escenario con la soprano Jessica Pratt que asumirá los cuatro papeles femeninos protagonistas (Olympia, Giulietta, Antonia y Stella) y con el bajo barítono Simón Orfila, quien, a su vez, encarnará a los cuatro demonios. Elena Zhidkova será Niklausse, La Musa y la Madre de Antonia, en una producción firmada escénicamente por Vincent Huguet y con dirección musical de Carlo Montanaro que subirá a escena los días 23, 25, 27 y 29 de octubre y 1 de noviembre.

Tras su paso por la capital vasca, el tenor norteamericano regresará al Teatro Real de Madrid –cuya temporada inauguró el curso pasado con Un ballo in maschera– esta vez para interpretar La Bohème (diciembre), para después cantar Carmen en La Monnaie-De Munt de Bruselas (enero y febrero) y en el Grand Thêatre de Luxemburgo (marzo), para más tarde debutar en la Washington National Opera, siempre como Don José de Carmen (mayo) antes de regresar al Teatro San Carlo de Nápoles con Evgene Onegin (junio).

Michael Fabiano Photo by Jiyang Chen

Michael Fabiano

ABAO de Bilbao Opera

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Albéniz

Brío Clásica: Este es el segundo trabajo que realizan juntos. El primero es una selección de obras de Robert Dussaut y Hélène Covatti, compositores desconocidos para el gran público. Tampoco son muy conocidas la treintena de canciones de Albéniz que presentan en este segundo trabajo. Es, sin duda, una brillante labor de divulgación. ¿Cómo llegaron a este repertorio y por qué lo eligieron para estos trabajos discográficos?


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B.C.: Estas canciones son producto de la madurez artística de Albéniz, cuando ya había compuesto alguna de sus más importantes obras. Son textos en español, francés, italiano e inglés, manteniendo siempre la personalidad en cada una de ellas. ¿Podría hablarnos del carácter de estas obras y de las características de su escritura?


B.C.: Su colaboración parece de largo recorrido. ¿Hay un hilo conductor en sus proyectos o surge de manera más espontánea.

 

 

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B.C.: ¿Por qué creen que en España se programan tan pocos recitales de canción de concierto española?

 


Web de Adriana

 

B.C.: Interpretar este tipo de repertorio romántico, en una sala pequeña, acompañada únicamente de un piano o cantar una producción operística en el escenario de un gran teatro de ópera, ¿qué diferentes sensaciones se tienen?


B.C.: Recientemente ha sido Mimí, anteriormente la vimos en el rol de Corinna, de Il viaggio a Reims, ambas en el Liceu, ¿Qué roles está preparando a corto y medio plazo y cuáles sueña para el futuro?

B.C.: Ha dedicado estas Canciones de Albéniz a la que fue su profesora, Bárbara Bickford. Háblenos un poco de ella y por qué es tan importante para Usted.

 


B.C.: ¿Tiene alguna referencia importante a la hora de preparar un rol, en quién se fija?, ¿a quién admira Adriana González?

 

 

 


B.C.: ¿Cuándo vamos a poder escucharla en Madrid presentando este trabajo o en alguno de esos roles que prepara?


IÑAKI ENCINA
Web de Iñaki

B.C.: Cuando llegó al Musikene de San Sebastián fue seleccionado para piano, director de coro y director de orquesta. Tuvo que elegir uno de ellos y se decantó por el último, ¿qué le llevó a tomar esta decisión y qué cualidades, según usted, debe tener un director de orquesta que se precie?

 


B.C.: Esta Iphigénie en Tauride está dirigida escénicamente por Krzystof Warlikowski, director que no suele dejar a nadie indiferente, ¿cómo ha funcionado esta escenografía en la sala Garnier?, ¿Cómo se lleva con los directores de escena?

B.C.: En 2005 pasó a formar parte de La Academia de la Ópera Nacional de París y ahora debuta en París con Iphigénie en Tauride, ¿qué supone para Usted debutar en una Casa de Ópera como la de París?


B.C.: Dirigir un repertorio sinfónico es muy diferente a dirigir uno lírico, ¿si tuviera que elegir, por cuál se decantaría y por qué?

 

 

 


B.C.: ¿Cuándo vamos a poder verle en Madrid, dirigiendo o presentando este trabajo de Canciones de Albéniz?


Pablo García López

El próximo 5 de noviembre el tenor Pablo García-López volverá a subir al escenario de la Ópera de Lausanne para participar en una nueva producción de Le Nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart en la que interpretará el papel de Don Basilio. Una velada que a buen seguro adquirirá un tinte especialmente emotivo ya que el teatro reabre por primera vez sus puertas a la ópera tras el cierre provocado por la pandemia. Para Pablo García-López supone el regreso a un teatro en el que ha cantado en diversas ocasiones; en concreto en 2016 en La Traviata, en 2020 en Doña Francisquita, así como un recital que ofreció en el Òpera Forum. En próximas temporadas, la voz del tenor resonará en otro teatro suizo, en concreto en la Ópera de Zurich.

En Lausanne Pablo García-López compartirá escenario junto con un reparto que incluye a la soprano Valentina Nafornita, en su debut como la Contessa, y la mezzosoprano Lea Desandre como Cherubino, entre otras figuras. Le Nozze de Figaro que podrá disfrutarse a partir del 5 de noviembre es una nueva coproducción de la Ópera de Lausanne junto con el Théâtre des Champs-Elysées, Los Angeles Opera, Opéra National de Lorraine y Les Théâtres de la Ville du Luxembourg. Una propuesta que se redondea con la dirección de escena del cineasta norteamericano John Gray, la dirección musical de Frank Beermann, y vestuario del legendario Christian Lacroix. La producción podrá verse a lo largo de cinco funciones, los días 5, 7, 10, 12 y 14 de noviembre.

Compromisos exigentes para una carrera en alza

Además de esta inminente cita internacional, la agenda de Pablo García-López incluye en la temporada 21/22 otros importantes compromisos, como su paso por el Teatro Real en el papel de Benoît en La Bohème que se estrenará el próximo mes de diciembre. Asimismo, en 2022 debutará como solista en el Auditorio Nacional en dos ciclos distintos: por una parte, junto con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León en el XLIX Ciclo de Grandes Intérpretes poniendo su voz al oratorio Nach Bildern Der Bibel de Fanny Mendelssohn con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León; por otra, cantará en la Salomé de Richard Strauss con la Orquesta Nacional de España bajo la dirección de David Afkham.

Pablo García-López ha cantado en los últimos años en escenarios nacionales e internacionales de prestigio, debutando en teatros como Royal Opera Wallonie de Liège, Royal Opera House of Muscat, Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia y Théâtre du Capitole de Toulouse. Ha trabajado con directores musicales como Zubin Mehta, Riccardo Chailly, Jesús López-Cobos y Omer Meir Wellber, entre otros.

En 2021 participó en el estreno mundial de Tránsito, ópera de Jesús Torres, coproducción del Teatro Real y el Teatro Español, por la que recibió excelentes críticas. Su pasión por la música contemporánea le ha llevado a interpretar estrenos mundiales como la Sinfonía Córdoba y Escenas de una primavera alemana de Lorenzo Palomo, Café Kafka de Francisco Coll en el Palau de les Arts, Fuenteovejuna de Muñiz en la Ópera Oviedo, El Guardián de los Cuentos de Miquel Ortega en el Baluarte de Pamplona, así como los ciclos de canciones Hijo Mío de Jesús Torres y Caminos de la tarde de Hermes Luaces.

Su primer álbum en solitario titulado Rutas junto el pianista Aurelio Viribay se publicó en 2020, dedicado a la canción española con obras de Eduard Toldrá, Oscar Esplá, Joaquín Reyes y Ramón Medina Hidalgo. El disco fue premiado con el “Melómano de Oro” por la revista Melómano. Su discografía se completa con Turandot (Decca) dirigida por Zubin Mehta, La bohème (Accentus) dirigida por Riccardo Chailly, ambas de Puccini, y la Sinfónía Córdoba de Lorenzo Palomo (Naxos) dirigida por Jesús López-Cobos.

El periódico El Mundo ha elogiado la voz de Pablo García-López por su “musicalidad incuestionable llamada a progresar en comunicabilidad, atrae al oyente por la determinante belleza de su natural emisión, timbre y afinación”.

Pablo García López

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La Cenerentola estrena la temporada en el Teatro Real

La Cenerentola
Gioachino Rossini (1792-1868)
Dramma giocoso en dos actos
Libreto de Jacopo Ferreti, basado en el cuento Cendrillon (1697) de Charles Perrault
D. musical: Riccardo Frizza
D. escena y escenógrafas: Stefan Herheim y Daniel Urgen
Figurinista: Esther Bialas
Iluminador: Andreas Meier-Dörzenbang
Diseñador de vídeo: Torge Moller (fettFilm)
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Michele Angelini, Borja Quiza, Nicola Alaimo, Rocío Pérez, Carol García, Aigul Akhmetshina, Riccardo Fassi, Orquesta y Coro Titulares del Tratro Real

Un 29 de febrero, día de su cumpleaños, Rossini firma el contrato para escribir una nueva ópera que será estrenada en Roma para abrir la temporada. El exceso de encargos y algún que otro problema con los censores, llevan a Rossini y su libretista Jacopo Ferreti, a tener que improvisar un nuevo libreto del gusto de la censura. Nace así, y en menos de 24 días, La Cenerentola.

El virtuosismo de Rossini cabalga ya entre la ilustración y el romanticismo y La Cenerentola es un gran ejemplo de ello. Utiliza escenas estructuradas igual que en la ópera seria, pero con un marcado carácter buffo. En el libreto de Ferreti desaparece el hada que es sustituida por un personaje menos mágico, Alidoro, una especie de filósofo que asesora de alguna manera a la protagonista. Esta es una primera concesión a la ilustración, la sustitución de elementos mágicos por otros racionales.

También utiliza personajes serios, como la propia Cenerentola, Alidoro y el Príncipe Don Ramiro. Hay un rol intermedio, que es el Dandini, su papel es cómico pero se trata de un barítono serio. El resto de protagonistas tienen un marcado carácter buffo, como Don Magnifico y las hermanastras Clorinda y Tisbe.

A pesar de los esfuerzos de Rossini y Ferreti, La Cenerentola no se pudo estrenar a tiempo y lo hizo el 25 de enero de 1817, ya iniciada la temporada. Ferreti cuenta en sus memorias que el estreno de Cenerentola fue turbulento, pero no se entiende muy bien a qué se refiere, pues se ofrecieron 22 representaciones y se programó, ese mismo año, en otros siete teatros italianos. Su éxito pudo deberse, en gran medida, a que el personaje de Cenerentola estuviera interpretado por las más famosas mezzosopranos del momento, Isabella Colbran y Pauline Viardot. Durante todo el siglo XIX los compositores belcantistas fueron muy famosos y gozaron de gran éxito, cayendo después en el olvido y llegando a desaparecer del repertorio, con algunas excepciones, como El Barbero de Sevilla.

En la segunda mistad del siglo XX se recupera La Cenerentola y comienza a representarse, cada vez más a menudo, en los principales teatros de ópera. Esta recuperación del título y su paulatina incorporación al repertorio, tiene dos nombres propios, Conchita Supervía y Teresa Berganza, ambas dieron vida al personaje de Angelina. Por cierto, todas las funciones de esta producción del Teatro Real están dedicadas a Teresa Berganza.

La partitura es una obra maestra. Su escritura es muy sencilla, lo que le aporta agilidad y frescura. En toda la obra hay una clara preferencia de los conjuntos sobre las arias y los construye casi por acumulación. Comienza el aria un personaje y se van incorporando los demás progresivamente, empieza uno y terminan seis. Las melodías están elaboradas como un juego de permutaciones de arpegios con un virtuosismo y una precisión extrema. El resultado es, por ejemplo, el sexteto del segundo acto, Questo è un nodo avviluppato. Para ello se precisan, claro está, voces de gran agilidad.

Tras veinte años de ausencia, vuelve La Cenerentola al Teatro Real en una coproducción de Norske de Oslo y la Opéra National de Lyon. En el foso, uno de los directores que mejor conoce este repertorio, Riccardo Frizza.

En la dirección de escena, el noruego Stefan Herheim, que ha basado su escenografía en el ya tradicional juego del teatro dentro del teatro. Ha presentado una cenicienta clásica a la que ha actualizado vistiéndola de limpiadora del Teatro, con su carrito de materiales incluido. La escenografía es colorista y alegre, sobre todo el magnífico vestuario de Esther Bialas y los vídeos de Torge Moller, que proyecta imágenes del castillo del príncipe, muy evocadores de los castillos Disney, lo que ayuda a crear esa atmósfera de cuento. Aunque la escenografía es más clara y efectiva, en cuanto al desarrollo de la historia, a partir del segundo acto.

Riccardo Frizza domina este repertorio al que imprime su impronta para acentuar el estilo rossiniano. La orquesta sonó muy bien para lo poco que ha tocado Rossini en los últimos años. Los tiempos fueron algo lentos, poco chispeantes, pero el resultado estuvo lleno de matices. El primer acto resultó algo desajustado, tanto en la escenografía como en lo vocal, y de cierta desconexión entre escenario y foso. Frizza ayudó a que la orquesta no engullera alguna de las voces de volumen más bien escaso que se esforzaban sobre el escenario. Y es que la música de Rossini, como dice el propio Frizza, está a la altura de los grandes y no es fácil lidiar con sus partituras. La dirección musical, como la escenografía y las voces, se fueron creciendo a medida que avanzaba la obra, creando en el segundo acto una atmósfera rossiniana absoluta. En esta ocasión el director musical tuvo una participación activa en la representación, interviniendo en escena y conversando con los cantantes en varias ocasiones. Un detalle simpático que agradó al público.

Este segundo reparto estuvo encabezado por una jovencísima debutante que resultó una gran sorpresa, la rusa Aigul Akhmetshina. Posee una voz caudalosa y, sin embargo, con gran capacidad para las agilidades, que dominó en todo momento. Un buen registro central y potentes graves. Su Angelina fue sin duda quien más brilló esa noche, también en la parte interpretativa.

El príncipe Don Ramiro estuvo representado por el italo-americano Michele Angelini. Su timbre es agradable, pero tuvo problemas con su escaso volumen, sobre todo en las partes más agudas, donde parecía que su voz se estrangulaba. Tampoco tuvo en las agilidades su punto más fuerte.

El Don Magnifico de Nicola Alaimo fue el personaje más rossiniano de cuantos participaron esa noche. Respondió con soltura a sus dos roles, pues era también el Rossini principal en escena y el único, junto a la Angelina de Akhmetshina, que respondió a las exigentes agilidades de su rol.

El Dandini estuvo a cargo del Barítono Borja Quiza, de potente voz y gran capacidad escénica, pero este personaje no encaja bien con una voz tan lírica. Le faltó expresividad y ligereza que suplió, en parte, por su buen hacer sobre el escenario.

Muy bien estuvieron las dos malvadas hermanastras de Cenicienta, las sopranos Rocío Pérez y Carol García, muy bien en los concertantes y en sus roles, en los que se desenvolvieron con gran comicidad.

Mención especial merece el coro, solo hombres en esta ocasión, dirigidos por Andrés Máspero. No solo brillaron en lo vocal, tuvieron también unas inspiradísimas apariciones en escena.

Se entrena así una de las temporadas más especiales del Teatro Real, que continúa recibiendo todo tipo de felicitaciones por su buena gestión en una temporada tan difícil como la pasada. Un Teatro Real que no deja de ser valiente y lo demuestra programando esta Cenerentola, toda una declaración de intenciones.

Cecilia Bartoli

El 19 de noviembre, Cecilia Bartoli lanzará un álbum de dramáticas arias de concierto de la época clásica. Estas piezas, notables por su dificultad, fueron compuestas por los grandes compositores de la era clásica para las sopranos más destacadas de la época. El proyecto lleva casi una década en proyecto, y la música se grabó en 2013 con la Orquesta de Cámara de Basilea bajo la batuta de Muhai Tang. La lista de títulos la ultimó Bartoli cuando la pausa en su programa de actuaciones que supuso la pandemia permitió a la cantante volver la vista a sus trabajos inacabados.

«Me gustó poder ocuparme de tantas cosas que había dejado sin terminar, pospuestas u olvidadas. Por fin tuve la oportunidad de rebuscar entre mis archivos de sonido en busca de joyas ocultas. Entre los numerosos amigos reencontrados que salieron a la luz, siento un apego especial por las grabaciones de este álbum». Cecilia Bartoli

Con más de 12 millones de grabaciones de audio y vídeo vendidas, Cecilia Bartoli es una de los artistas clásicos de más éxito de nuestros tiempos. Bartoli lleva desde 1988 grabando en exclusiva para Decca Classics y ha recibido cinco premios Grammy, más de una docena de premios Echo y Brit, el premio Polar Music, el premio Léonie-Sonning-Music y el premio Herbert von Karajan. Ha actuado en los auditorios, óperas y festivales más prestigiosos del mundo, trabaja como directora artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo, y en enero de 2023 se convertirá en directora de la Ópera de Monte Carlo, la primera mujer de la historia en dirigirla.

En Unreleased, Bartoli ejecuta dramáticas arias de concierto compuestas a lo largo de un período de 23 años por cuatro compositores cuya influencia mutua queda patente, y cuyas composiciones reflejan la medida de las sopranos para las que se escribieron.

Ah! Perfido de Beethoven, compuesta para la célebre cantante Josepha Duschek durante la visita del compositor a Praga en 1796, puede presagiar parte de la música escrita para la única heroína operística de Beethoven: Leonore de Fidelio.

Duschek estrenó también Bella mia fiamma, de Mozart, quien también compuso originalmente para ella Ah, lo previdi, y que finalmente cantó Aloysia Weber. Otras piezas de Unreleased son arias de Mozart compuestas originalmente para otros grandes cantantes del siglo XVIII, como el castrato Tommaso Consoli, que fue el primero en interpretar L’amerò, sarò costante de Mozart en la ópera El Rey Pastor.

Bartoli continúa su labor con obras que raramente se interpretan con Se mai senti. Escrita por el compositor checo Josef Mysliveček, esta aria pertenece a su ópera de 1734 La Clemencia de Tito y fue compuesta para Pietro Benedetti (que también estrenó algunas de las óperas tempranas de Mozart). Mysliveček, que fue molinero en su Praga natal antes de trasladarse a Italia, ya se había convertido en el compositor de óperas de mayor éxito y mejor remunerado de Europa cuando entabló amistad con Mozart.

Bartoli ha cantado anteriormente Scena di Berenice de Haydn en concierto con gran aclamación del público, y su interpretación de 2001 en el Festival Styriarte fue descrita por Gramophone como «uno de los conciertos mejor grabados en DVD». Esta es la primera grabación de estudio de Bartoli de la difícil aria de Haydn, que estrenó Brigida Bant en London en 1791.

El violinista, violista y director israelí de origen ruso Maxim Vengerov toca dos solos de violín en dos de las piezas: L’amerò sarò costante y Ch’io mi scordi di te?

«Me gustaría dar las gracias a mi estimado colega y amigo Maxim Vengerov, que siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mí y me ha acompañado en la grabación de estas dos hermosas arias de Mozart».

Cecilia Bartoli

LISTA DE TÍTULOS

Beethoven: Ah! Perfido, Op. 65

Mozart: Ch’io mi scordi di te? K.505

Mysliveček: Se mai senti de La Clemencia de Tito

Mozart: Ah, lo previdi!…Ah, t’invola…Deh, non vicar K.272

Mozart: Bella mia fiamma, addio… Resta, oh cara, K528

Mozart: L’amero, sarò costante de El Rey Pastor. K.208 (solo de violín: Vengerov)

Haydn: Scena di Berenice, Hob. XXIVa:10

Iñaki Encina Oyón

El próximo 2 de octubre, el director de orquesta vasco Iñaki Encina Oyón se pondrá al frente de la Orchestre et Choeurs de l’Opéra national de París, para dirigir Iphigénie en Tauride de Gluck (1714-1787) en el Palais Garnier, en una original producción con firma escénica de Krzysztof Warlikowski. La mezzosoprano irlandesa Tara Erraugh (Iphigénie), el barítono americano Jarrett Ott (Oreste) y el tenor francés Julien Behr (Pylade) encabezan el reparto de esta tragédie lyrique en cuatro actos estrenada en París en 1779.

El director de orquesta Iñaki Encina Oyón, que en 2005 se incorporó al Atelier Lyrique de la Opéra national de París, es batuta habitual del circuito musical francés, donde ha dirigido numerosas óperas y oratorios como La Finta Giardiniera de Mozart, Madame Butterfly de Puccini, Bastián y Bastiana de Mozart, L’Isola Disabitata de Haydn, Idomeneo de Mozart, Hippolyte et Aricie de Rameau, Abu Hassan de Weber, Falstaff de Salieri, Athalia de Haendel, San Giovanni Battista de Stradella, Il trionfo del tempo e del disinganno de Haendel, y Der Tag des Gerichts de Telemann. Su extenso repertorio incluye también títulos de compositores contemporáneos como Barber, Xavier Dayer, Philippe Fénelon o Kaija Saariaho, entre otros. Desde 2016, es el director musical de la Académie Baroque Internationale del prestigioso Festival du Périgord Noir, y ha trabajado como director asistente de Thomas Hengelbrock en el Festival de Aix-en-Provence.

El 15 de octubre, saldrá al mercado el segundo proyecto discográfico de Iñaki Encina Oyón en su faceta como pianista, junto a la soprano guatemalteca Adriana González; se trata de Complete Songs de Albéniz, en el sello Audax Records. Sus compromisos más inmediatos incluyen un recital junto a Adriana González en la Opéra de Lille, Le Nozze di Figaro de Mozart en la Opéra de Toulon, y Alcina de Haendel en la Opéra national de París.

Fotografía © Marine Cessat-Bégler

Iñaki Encina Oyón

Rueda de prensal de la ópera REQUIEM de Mozart

El Palau de les Arts comienza el próximo jueves, 30 de septiembre, la temporada lírica con el estreno en España de la versión teatralizada del ‘Réquiem’, de Mozart, realizada por Romeo Castellucci, bajo la dirección musical de James Gaffigan.

Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts, ha presentado hoy en rueda de prensa el primer título del apartado ‘Les Arts és Òpera’ como “una de las apuestas más relevantes en esta nueva etapa del teatro como impulsor de nuevas estéticas y propuestas de referencia en el circuito operístico”.

“Romeo Castellucci, uno de los protagonistas del espacio teatral vanguardista en Europa, estrena en España su aplaudida versión de la inacabada misa de difuntos de Mozart. Escenificada como un canto a la vida de extraordinaria belleza plástica y arrolladora fuerza teatral, la propuesta del dramaturgo y artista plástico está considerada como uno de los espectáculos imprescindibles de los últimos años”.

‘Réquiem’ es una coproducción de Les Arts con Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theatre Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie / De Munt con Romeo Castellucci como artífice de la dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación. Silvia Costa (directora de escena asociada), Evelin Facchini (coreografía) y Piersandra di Matteo (dramaturgia) completan el equipo creativo.

Iglesias Noriega ha destacado, además, “los excelentes miembros con los que Les Arts aborda uno de los mayores retos, tanto en su faceta musical como técnica, de la temporada 2021-2022”.

“James Gaffigan, buen conocedor de la música de Mozart, y particularmente de su ‘Réquiem’, debuta como director musical en la Sala Principal al frente de los cuerpos estables del teatro: el Cor de la Generalitat, excepcional en uno de sus trabajos más complejos y exigentes tanto a nivel vocal como escénico, y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, formación de referencia en el foso”.

“En el apartado de solistas, Les Arts reúne a destacados intérpretes del repertorio mozartiano: Elena Tsallagova, Sara Mingardo, Sebastian Kohlhepp y Nahuel Di Pierro, así como el niño soprano Juan José Visquert de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats”, ha apuntado.

Por su parte, James Gaffigan ha remarcado el gran trabajo de Castellucci con su puesta en escena, que jamás distrae al espectador ni perturba la música de Mozart, sino que, todo lo contrario, realza su excelencia. Asimismo, el músico neoyorquino ha elogiado el gran trabajo del Cor de la Generalitat tanto a nivel musical como escénico para llevar a cabo las exigencias de la producción.

Despedirse de la vida

Asumiendo completamente el carácter fragmentado del ‘Réquiem’, Castellucci da vida a un espectáculo construido a partir de una serie de imágenes mudas capaces de expresar la necesidad imperiosa de despedirse de la vida.

El artista italiano captura el desvanecimiento de la vida como el origen de todas las posibles bellezas humanas. Este ‘Réquiem’ se opone a lo que cabría esperar de una misa de difuntos; no es un espacio de lamentación, quiere celebrar la vida en la fragilidad que le pertenece.

Una proyección constante de nombres de animales, plantas, pueblos, idiomas, ciudades, sentimientos extinguidos se pueden leer en paralelo a lo que sucede sobre el escenario. Las frases adoptan la forma de un adiós a los elementos en conexión con las vidas de cada uno de los espectadores, gracias a un acercamiento a nuestra época y al abandono de las cosas próximas al espectador.

Como explicó el propio Castellucci, “el ‘Réquiem’ aborda la cuestión fundamental del tiempo, de la esperanza de renacer; explora el origen y el fin, pero también el fin como origen”.

‘Réquiem’

Les Arts ha programado seis funciones del ‘Réquiem’ de Mozart los días 30 de septiembre y 2, 3, 6, 8 y 10 de octubre.

Airam Hernández en Oviedo

Si hay algún rasgo que caracteriza la trayectoria artística del tenor tinerfeño Airam Hernández es su versatilidad. Ha cantado los más variados repertorios, desde oratorios barrocos hasta óperas de Verdi o música contemporánea, pero ahora disfruta con uno de sus compositores favoritos: Mozart. Y lo hace a lo grande, con uno de los personajes más importantes para su cuerda, el del príncipe Tamino de la inmortal Flauta mágica en la Ópera de Oviedo. Será en una nueva producción que firma el regista Albert Estany, con dirección musical de Lucas Macías. El viaje al mundo mozartiano ha sido todo un descubrimiento para el cantante, un repertorio en el que, afirma, puede explotar todos sus recursos, “especialmente en los roles de carácter heroico, que requieren de una voz lírica, pero dúctil”. El canto elegante y refinado del tenor español le va como anillo al dedo al personaje de Tamino. “Este es un estilo de gran exigencia vocal en el que hay que encontrar un equilibrio entre el carácter dramático del personaje y la línea pura y limpia. Llevo un tiempo especializándome en este repertorio y espero poder debutar todos los personajes del compositor que me vayan bien a lo largo de mi carrera”, apunta el cantante. La obra se estrenará en el Teatro Campoamor de la capital asturiana el 8 de octubre, completando el calendario con funciones los días 10, 12, 14 y 16 de octubre.

Hernández, de sólida formación musical primero como intérprete de trompa y más tarde como miembro del Coro del Liceu barcelonés y del ensemble de la Ópera de Zúrich, se encuentra en un momento muy dulce de su carrera, habiendo realizado gran parte de su trayectoria a nivel internacional con debuts en media Europa y en Estados Unidos; este curso, por fin, se le verá en varios escenarios españoles. Entre otros compromisos, además de este debut en Oviedo, regresa a la temporada del Teatro Real de Madrid interpretará a Federico García Lorca en el estreno absoluto de la ópera El abrecartas de Luis de Pablo. También le esperan actuaciones en el Teatro de La Maestranza de Sevilla (I Capuleti ed i Montecchi de Bellini), en la Ópera de Tenerife (Florencia en el Amazonas de Daniel Catán) o en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Norma de Bellini).

Airam Hernández

Ópera de Oviedo

Jorge Culla

La Comisión Ejecutiva del Patronato de la Fundación de Les Arts ha aprobado nombrar a Jorge Culla Bayarri nuevo director general de la institución. Su elección para el cargo ha sido evaluada y aprobada siguiendo las pautas establecidas por el procedimiento estipulado en estos casos por el órgano de gobierno de Les Arts. De esta forma, el reconocido profesional valenciano se incorpora como máximo responsable de la gestión administrativa en el equipo de gerencia del teatro, con Jesús Iglesias Noriega a cargo de la dirección artística.

Con más de 30 años de experiencia en la gestión musical y de artes escénicas, el nombramiento de Culla Bayarri se enmarca en la hoja de ruta prevista por el Patronato para la consolidación de Les Arts como emblema cultural valenciano y su proyección en los circuitos nacional e internacional. Jorge Culla asumirá las funciones previstas en los estatutos de la Fundación para la dirección general a partir del próximo mes de octubre, fecha en la que se producirá su contratación efectiva. En este sentido, la Comisión Ejecutiva ha agradecido a José Carlos Monforte Albalat la labor que ha desarrollado desde diciembre de 2018 al frente de la dirección general de Les Arts. El órgano de gobierno de Les Arts reconoce la profesionalidad de Monforte Albalat, así como su dedicación al servicio de la institución, particularmente en la compleja gestión de la pandemia, que ha permitido el mantenimiento de la actividad del teatro, así como la tramitación administrativa de la institución en aras de lograr la máxima
eficiencia económica de los presupuestos de Les Arts.

Jorge Culla Bayarri
Nacido en València, es hijo y nieto de empresarios teatrales vinculados a los teatros Ruzafa y Apolo, a compañías de zarzuela y de revista, y a la comedia valenciana; vive el mundo de la música y el teatro desde niño. Comienza su andadura profesional en 1987 como coordinador de Producción en el Palau de la Música de València, dos años más tarde da el salto a Madrid como director adjunto del Centro Dramático Nacional, y regresa a finales de 1991 al Palau de la Música como subdirector. En 1997 asume un nuevo reto profesional en Madrid como gerente y director técnico de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. Desde 2009 ocupa el cargo de intendente de Teatros del Canal y del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, donde también dirige los festivales de este municipio de la Comunidad de Madrid. Durante estos años de vida profesional ha ocupado diferentes cargos de responsabilidad en algunas instituciones del sector de las artes escénicas y de la música. Ha presidido la Asociación Española de
Orquestas Sinfónicas y la Asociación Española de Festivales de Música Clásica (Festclásica). Ha sido miembro del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid y del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y la Música. Es miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España.

Juanjo Mena

La Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) debuta en el festival ENSEMS el próximo viernes, 17 de septiembre, bajo la dirección musical de Juanjo Mena en el Auditori de Les Arts a las 20.00 horas.

La formación titular de Les Arts realiza su primera incursión en el festival decano de música de vanguardia y experimental en España con un programa dedicado a la compositora finlandesa Kaija Saariaho, figura imprescindible en la música de los siglos XX y XXI, de quien se interpretan dos de las obras más representativas: ‘Circle Map’ y el concierto para clarinete ‘D’Om le Vrai Sens’.

Saariaho, pese a ser una autora inédita en la programación de la OCV, es, como señala el director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, “una de las referencias de la composición actual en términos absolutos, con presencia en los principales teatros y auditorios del mundo”.

“En este sentido”, explica Iglesias Noriega, “el concierto que dirige Juanjo Mena insiste en la apuesta de Les Arts por ampliar repertorios y mostrar la mayor diversidad de estilos musicales, así como por reforzar los vínculos de la institución y de sus activos artísticos con el tejido cultural valenciano, que por primera vez toman parte activa en ENSEMS”.

La expresiva música de Saariaho fusiona las tendencias modernas de composición con la tradición, y refleja su pasión por la naturaleza. Sus obras son programadas por orquestas del prestigio de las filarmónicas de Los Ángeles y Berlín, y ha escrito óperas por encargo para los teatros y festivales más importantes.

Destaca en su trayectoria la colaboración con el Festival de Salzburgo, donde se estrenó ‘L’amour de loin’, posteriormente representada en el Metropolitan de Nueva York. Asimismo, este verano, el Festival de Aix-en-Provence acogió el estreno mundial de su última ópera, ‘Innocence’, celebrado con gran éxito de público y el aplauso unánime de la crítica internacional, que ha calificado el trabajo de la finlandesa como su gran obra maestra.

Juanjo Mena está considerado como una de las batutas españolas con mayor proyección internacional. El actual director principal del Cincinnati May Festival y acreditado experto en la música contemporánea asume la dirección musical de este concierto después de inaugurar la temporada de Les Arts en Alicante con dos conciertos en Teulada y Alcoy.

El programa

Saariaho fusiona música orquestal y electrónica a partir de seis estrofas de poesía del poeta persa Rumi del siglo XIII en ‘Circle Map’ (2012). La obra, que gozó de una excelente acogida por parte de la crítica, se ha estrenado en los principales auditorios internacionales. El propio Juanjo Mena dirigió la obra en su estreno americano con la Boston Symphony Orchestra.

‘D’Om le Vrai Sens’ (2010) es un concierto para clarinete y orquesta en seis movimientos, que Saariaho compuso para su compatriota Kari Kriikku, virtuoso clarinetista que también interpretará la pieza para el público de Les Arts. La obra está inspirada en el ciclo medieval de seis tapices ‘La dama y el unicornio’, que describe de forma simbólica los cinco sentidos del ser humano junto con un misterioso sexto.

Les Arts és Simfònic

Les Arts recuerda que el precio de las localidades para el concierto de Juanjo Mena con la Orquestra de la Comunitat Valenciana oscila entre los 15 y 25 euros.

El Auditori de Les Arts recibirá dentro de la temporada 2021-2022 a las principales batutas del circuito internacional. Junto con los regresos de los directores españoles más internacionales, Gustavo Gimeno, Juanjo Mena y Josep Pons, la Orquestra de la Comunitat Valenciana trabajará por primera vez con Riccardo Minasi y Mark Elder en el primer año de James Gaffigan como director musical.

Riccardo Frizza_Donizetti Opera © Gianfranco Rota

El próximo 20 de septiembre el Teatro Real de Madrid inaugura la temporada 2021/2022 con La Cenerentola, con dirección de escena de Stefan Herheim y dirección musical de Riccardo Frizza. La ópera rossiniana estará en escena desde el 23 de septiembre al 9 de octubre con un total de 14 funciones, además del preestreno del 20 de septiembre con acceso solo por invitación. “España es el país en el que vivo y que ha significado mucho en mi vida profesional” afirma Riccardo Frizza. “Precisamente desde España llega este año un reconocimiento que me enorgullece: el Premio Ópera XXI, otorgado por la asociación de teatros y festivales de ópera españoles por la funciones de Lucia di Lammermoor que dirigí en 2019 en ABAO Bilbao Opera, y que recibiré el 11 de septiembre en el Teatro de La Zarzuela de Madrid”. La gala de entrega de premios se podrá ver en directo desde la plataforma digital OperaVision.

Respecto de su regreso al podio del Teatro Real, Frizza asegura que, por temas de agenda, hasta el momento solo había dirigido una única vez en el Real, “en 2007, cuando tuve la oportunidad irrepetible de ofrecer dos versiones de Tancredi de Rossini, la de Venecia y la de Ferrara. Fue una experiencia extraordinaria, tanto desde el punto de vista teatral –con una espléndida dirección de escena de Kokkos–, como musical, ya que se creó una muy buena sintonía entre el equipo creativo y los dos elencos, e incluso desde el punto de vista filológico gracias a la asistencia de la Fondazione Rossini de Pésaro con la edición crítica de su partitura. Fue una gran oportunidad para sondear una ópera compuesta por un Rossini de poco más de veinte años, muy lograda en relación a la edad del compositor y sin duda un eslabón importante en una cadena de obras maestras inmortales”.

Después de catorce años el maestro Frizza está muy satisfecho con el “reencuentro con un coro y una orquesta espectaculares, dos repartos solistas muy bien equilibrados y mucho entusiasmo. En estos años el mundo ha cambiado y la pandemia ha causado estragos en el sector, pero la música y la ópera han resistido, sobre todo en España y especialmente en el Teatro Real, ayudándonos a mantener el rumbo. Quizás ahora todos seamos un poco más maduros después de esta experiencia a nivel global”.

Director musical del Festival Donizetti de Bérgamo, Riccardo Frizza es uno de los más aclamados directores de orquesta de su generación, invitado regularmente de teatros y festivales internacionales como la Opéra de París, Lyric Opera de Chicago, Metropolitan Opera de Nueva York, Bayerische Staatsoper, Teatro alla Scala de Milán, Rossini Opera Festival de Pésaro, Festival Verdi de Parma, Maggio Musicale Fiorentino, Accademia Nazionale de Santa Cecilia de Roma, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Gewandhausorchester de Leipzig y Sachsische Staatskapelle de Dresden.

Riccardo Frizza

Fotografía © Gianfranco Rota

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