ABAP Bilbao Opera

La Gala ABAO on Stage reunirá el sábado 24 de abril en el Euskalduna Bilbao a las 19:00h, a ocho grandes artistas como homenaje a la cultura y como acto de reconocimiento a los cantantes que se han visto afectados por la imposibilidad de celebrar algunas de las óperas de la temporada. Carmen Solís, Itziar de Unda, Silvia Tro Santafé, Celso Albelo, Sergio Escobar, Moisés Marín, Juan Jesús Rodríguez y Simón Orfila, cantarán en ABAO por primera vez un programa combinado de ópera y zarzuela, con el patrocinio de la Fundación BBVA.

La Gala nace de la voluntad de apoyar a los artistas que están sufriendo de manera singular las consecuencias de la pandemia, con un mensaje inequívoco de defensa de la cultura y el talento de los profesionales que colaboran la Asociación.

TRECE ESCENAS DE CONOCIDOS TÍTULOS DE ÓPERA Y ZARZUELA

  • Siete dúos y arias de ópera y seis de zarzuela.
  • Una velada inédita en ABAO, que sólo ha representado zarzuela en dos ocasiones con El Caserío y Marina, ambas en 1980.

Títulos de Saint-Saëns, Bellini, Bizet, Verdi y Donizetti, ponen música a la primera parte, dedicada a la ópera. El extenso y variado programa dará comienzo con la delicada obertura de La princesse jaune de Camille Saint-Saëns, que se interpreta por primera vez en ABAO, y destaca por su calidad sinfónica e instrumental.

Carmen Solís y Silvia Tro Santafé comenzarán con el dúo “Mira o Norma… Si, fino all’ore estreme” de Norma. Una pieza de repertorio para soprano y mezzosoprano, de gran fuerza dramática y una de las más conocidas de la ópera de Bellini.

Celso Albelo tomará el relevo con “Je crois entendre encore” de Les pêcheurs de perles, el difícil aria para tenor más emblemática de la ópera de Bizet, que conmueve por su mágica belleza.

El bajo Simón Orfila comenzará con “Mentre gonfiarsi l’anima parea… Oltre quel limite, t’attendo, o spettro” de la ópera Attila de Giuseppe Verdi. El aria del protagonista de la ópera que sueña que en su avance hacia Roma, un anciano alto y fuerte le impide el paso.

Otro dúo, esta vez formado por el tenor Sergio Escobar y el barítono Juan Jesús Rodríguez, darán cuenta de la pieza “È lui! Desso! L’infante!… Dio che nell’alma infondere” de la versión italiana de Don Carlo de Giuseppe Verdi, con gran riqueza musical y profunda sonoridad.

Continúa Verdi en el programa con el barítono Juan Jesús Rodriguez interpretando “Eri tu” de Un ballo in masquera. Una de las arias más bellas del compositor de Busseto para barítono, que canta Renato al inicio del tercer acto de la ópera, y que descubre los fuertes sentimientos del personaje. El arpa juega un papel fundamental en esta pieza.

Las dos últimas escenas de esta parte del programa son para obras de Gaetano Donizetti. En la primera, el dúo protagonizado por Silvia Tro Santafé y Simón Orfila interpretará “Tutta in voi la luce mia” de Anna Bolena, un tema de gran lirismo y brillante sonoridad sinfónica.

Itziar de Unda y Moisés Marín pondrán fin a la primera parte con “Caro elisir! sei mio!… Esulti pur la barbara” de L’elisir d’amore, una de las óperas más representadas de todos los tiempos.

La segunda parte del programa está dedicada a la zarzuela con obras de Jacinto Guerrero, Ernesto Lecuona, José Serrano, Pablo Sorozábal y Manuel Fernández Caballero.

La vitalidad, el colorido, la música popular y contagiosa y la alegría, vendrán de la mano de dúos y solistas en las piezas seleccionadas de: La Montería, Maria de la O, La alegría del batallón, La tabernera del puerto, La del manojo de rosas y El dúo de la Africana.

ÓLIVER DÍAZ, UNO DE LOS DIRECTORES ESPAÑOLES MÁS RENOMBRADOS

Tras cursar sus estudios de piano en el Peabody Conservatory of the John Hopkins University, fue el primer español premiado con la prestigiosa beca «Bruno Walter» de dirección de orquesta para estudiar en la Juilliard School of Music de Nueva York.

Su carrera le ha llevado a dirigir la mayoría de las orquestas españolas de primera línea y ha trabajado en importantes teatros de ópera españoles. Entre 2015 y 2019 ha sido el Director Musical titular del Teatro de la Zarzuela.

Dirige a la Bilbao Sinfonietta, una orquesta de cámara integrada por instrumentistas de larga trayectoria que avalan el talento de esta enérgica y sólida formación.

Grandes artistas queridos por el público bilbaíno

CARMEN SOLÍS

Una de las voces españolas de soprano más destacadas del panorama actual. Ha actuado en los principales escenarios nacionales, destacando sus interpretaciones en óperas como Un Ballo in Maschera, Il trovatore, Tosca, Cavalleria rusticana, Pagliacci, La Bohème, Le nozze di Figaro o la zarzuela El gato montés. En ABAO Bilbao Opera actuó en 2010 con Le nozze di Figaro.

ITZIAR DE UNDA

En el repertorio de la soprano bilbaína destacan: La Bohème, Jenufa, Il viaggio a Reims, Der Schauspieldirektor, Parsifal, Le nozze di Figaro, Otello, Carmen, entre otras. También destaca en zarzuela y oratorio con actuaciones en El barberillo de Lavapiés o La costurerita. En la temporada 2015-2016 participó en el estreno absoluto de la ópera Txanozuritxu en la temporada Abao Txiki. En ABAO Bilbao Opera ha colaborado desde 2003 en más de una decena de títulos, la última vez en Semiramide en 2019.

SILVIA TRO SANTAFÉ

La valenciana mezzosoprano canta en los mejores teatros y festivales del mundo donde destaca con títulos como Il barbiere di Siviglia, L’italiana in Algeri, Così fan tutte, La cenerentola, I Capuleti e i Montecchi, Werther, Maria Stuarda, Lucrezia Borgia, entre un amplio repertorio. En ABAO Bilbao Opera ha actuado en Roberto Deverux en 2015 y en Norma en 2018.

CELSO ALBELO

El internacional tenor tinerfeño canta en los grandes teatros del mundo en títulos como, I Puritani, L’elisir d’amore, Lucia di Lammermoor, La Favorite, Roberto Devereux, Lucrezia Borgia, Maria Stuarda, Anna Bolena, Werther o Rigoletto. En ABAO Bilbao Opera debutó en 2012 con L´elisir d´amore protagonizando el primer bis en el Euskaluna. Posteriormente ha actuado en el Concierto de ABAO junto a Patrizia Ciofi en 2013, I puritani en 2014 y Lucrezia Borgia en 2016.

MOISÉS MARÍN GARCÍA

Intérprete habitual en las principales temporadas líricas del país, el tenor destaca en roles de carácter como Goro, Jaquino, Albazar, Incredibile, Steuermann, Monostatos, Pang, Remendado, Don Curzio, Abdallo, Normanno o Spoletta. En ABAO Bilbao Opera debutó la temporada pasada en el Jerusalem de Verdi.

SERGIO ESCOBAR

Desde su debut en 2012 con Don Carlo, el tenor nacido en Toledo ha actuado en Europa y América en títulos como Tosca, Macbeth o Madama Butterfly, entre otros, con gran éxito. En ABAO Bilbao Opera debutó en 2019 con el rol de Arvino en I Lombardi alla prima crociata.

JUAN JESÚS RODRÍGUEZ

Considerado uno de los mejores barítonos verdianos en la actualidad, ha desarrollado una importante carrera internacional en los grandes teatros de ópera del mundo con títulos como: Rigoletto, Simon Boccanegra, l Trovatore, La Traviata), Otello, Nabucco, Macbeth, Don Carlo, Un Ballo in Maschera, Attila, I Vespri siciliani, Falstaff, Luisa Miller, Cavalleria Rusticana, Pagliacci, Lucia di Lammermoor, I Puritani, Roberto Devereux, o La Boheme. Gran amante y defensor del repertorio español es invitado habitualmente en el Teatro Nacional de la Zarzuela. En ABAO Bilbao Opera ha actuado en cinco ocasiones, la última la pasada temporada como Lord Enrico Ashton en Lucia di Lammermoor.

SIMÓN ORFILA

El repertorio del bajo-barítono Simón Orfila incluye títulos como Don Giovanni, Le nozze di Figaro, La Clemenza di Tito, Norma, I Puritani, Anna Bolena, L’elisir d’amore, Maria Stuarda, Lucia di Lammermoor, La Favorita, Lucrezia Borgia, La Donna del Lago, La Cenerentola, Il barbiere di Siviglia, Guglielmo Tell, Semiramide, L’Italiana in Algeri, Don Carlo, Carmen o La Bohème. Canta regularmente en los mejores teatros con los directores de orquesta más reputados. En ABAO Bilbao Opera ha interpretado cuatro títulos: Lucia di Lammermoor, I puritani, Don Giovanni y Semiramide.

Entradas A PRECIOS ASEQUIBLES

Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: 25€ los socios de ABAO hasta 35 años, y 50€ el resto de socios de ABAO; y 35€ el precio de venta al público joven hasta 35 años y 70€ el público adulto.

Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100

Duelo Romántico

Amaya de Miguel, directora general del INAEM, Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el director de orquesta James Conlon, a través de un videomensaje en diferido desde Los Ángeles, han presentado esta mañana en el Auditorio Nacional de Música la VI edición de ¡SOLO MÚSICA! “DUELO ROMÁNTICO”. Se desvela así el programa de la nueva edición de este maratón musical bienal, que el CNDM y el Auditorio Nacional de Música (ambas unidades del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM, perteneciente al Ministerio de Cultura y Deporte), organizan desde hace diez años para conmemorar el “Día de la Música”, conmemoración que se celebra en toda Europa cada 21 de junio con la llegada del solsticio de verano.

Bajo el sugerente título de “Duelo Romántico” y apoyado en una llamativa imagen obra del ilustrador madrileño Iván Solbes, la nueva edición de ¡SOLO MÚSICA! pretende, al igual que las anteriores, convertirse en una gran fiesta, en una jornada de celebración en la que el Auditorio abre sus puertas de par en par a todo el mundo, acercándose a nuevos públicos, especialmente a aquellos poco habituados a la experiencia de la música clásica en directo. Todo ello a través de grandes conciertos de calidad, dirigidos por maestros de primera fila, con las mejores orquestas del panorama nacional y a precios asequibles.

Las anteriores ediciones de ¡SOLO MÚSICA!, celebradas en 2011, 2013, 2015, 2017 y 2019, reunieron a cerca de 100.000 espectadores.

A diferencia de anteriores ediciones en las que el maratón musical se celebraba a lo largo de un día completo, en esta ocasión y observando las medidas de seguridad que impone la actual situación sanitaria, la sesión se desarrollará a lo largo de un fin de semana completo, con cuatro conciertos repartidos entre el viernes 18, sábado 19 y domingo 20 de junio.

Estos conciertos tendrán como eje central las sinfonías nº 1, 2, 3 y 4 de Schumann y de Brahms -ocho sinfonías en total- en un amistoso “duelo romántico” en el que estos dos emblemáticos músicos del Romanticismo, muy vinculados entre sí a nivel personal se “enfrentan” en un apasionante vis a vis dirigido por un solo maestro: James Conlon, uno de los más brillantes y versátiles directores musicales de todo el panorama mundial. Según ha afirmado James Conlon, “interpretar estas ocho sinfonías es un reto para cualquier director, un tour de force en el que es preciso encontrar el equilibrio entre la búsqueda de la perfección formal y la libertad creativa del romanticismo”. Esta nueva edición de ¡SOLO MÚSICA! es la primera que cuenta con un director de orquesta extranjero, por lo que nuestra cita bienal alcanza un perfil más internacional. Al mismo tiempo, y para llevar a buen puerto este apasionante maratón, James Conlon se pondrá al frente de cuatro de las más importantes orquestas españolas: Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Sinfónica de Castilla y León y Joven Orquesta Nacional de España.

Los dos protagonistas de esta nueva edición de ¡SOLO MÚSICA!, Robert Schumann (1810-1856) y Johannes Brahms (1833-1897), responden a los paradigmas de los artistas de la generación romántica, para los que el eje central de la existencia era el amor apasionado y a menudo no correspondido, la exaltación de los sentimientos, la admiración de la naturaleza y la fuerza dramática de los paisajes, así como un innegable sentimiento trágico de la vida; aspecto este último que en el caso de Schumann se hizo realidad en su turbulenta biografía. Ambos compositores compartieron una profunda y enriquecedora amistad, siendo Brahms admirador de Clara, la esposa de Schumann, a su vez pianista y compositora, e innegable fuente de inspiración para el trabajo de los dos músicos. La obra de Brahms, 22 años más joven que Schumann, estuvo muy influida por la de éste.

Según apunta el maestro Conlon, “nos encontramos ante dos visiones distintas pero complementarias del Romanticismo, la obra de dos autores que escribieron algunas de las páginas más conmovedoras y brillantes de todo este periodo”. Ambos compusieron respectivamente 4 grandes obras sinfónicas, cuya “integral” -ocho sinfonías- podrá escucharse en esta nueva edición de ¡SOLO MÚSICA!

El programa completo de ¡SOLO MÚSICA 2021! es el siguiente:

Viernes 18 de junio
20:00h ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA
Sinfonía nº 1 de Schumann
Sinfonía nº 1 de Brahms

Sábado 19 de junio
12:00h ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA
Sinfonía nº 2 de Schumann
Sinfonía nº 2 de Brahms

20:00h ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
Sinfonía nº 3 de Schumann
Sinfonía nº 3 de Brahms

Domingo 20 de junio
12:00h JOVEN ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA
Sinfonía nº 4 de Schumann
Sinfonía nº 4 de Brahms

Abonos a partir del 15 de abril, localidades individuales a partir del 12 de mayo

¡SOLO MÚSICA! mantiene su objetivo de abrir la música en directo a todo el público, ofreciendo precios asequibles para una experiencia musical de excelencia. Así, los “románticos integrales” que deseen acudir a todo el ciclo completo en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional podrán hacerlo adquiriendo un abono de entre 14 y 42 euros para los 4 conciertos; otra opción son los abonos mixtos, de 8 a 24 euros (incluyen 2 conciertos en dos modalidades: 2 conciertos por la mañana, “matinés románticas” ó 2 conciertos por la tarde, “tardes románticas”).
Las localidades sueltas tienen un precio de 5 a 15 euros para el público general y de 4 a 12 euros para menores de 30 años. La venta de abonos estará disponible desde el 15 de abril al 11 de mayo y las localidades sueltas a partir del 12 de mayo en los canales habituales de venta del CNDM (taquillas del Auditorio Nacional y red de teatros del INAEM, por teléfono en el 91 193 93 21 y en la web www.entradasinaem.es)

¡SOLO MÚSICA! es posible gracias a colaboradores habituales del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), como son la Orquesta Nacional de España y la Joven Orquesta Nacional de España (ambas unidades también del INAEM), la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, así como la colaboración de Radiodiotelevisión Española, que ofrecerá contenidos vinculados a esta nueva edición dentro de su programación dedicada a la música clásica.

James Conlon, la batuta más exigente

James Conlon, uno de los directores más versátiles y prestigiosos de la actualidad, ha cultivado un vasto repertorio sinfónico, operístico y coral. Ha dirigido prácticamente todas las orquestas sinfónicas importantes de Estados Unidos y Europa desde su debut con la Filarmónica de Nueva York en 1974. Gracias a sus giras por todo el mundo, su extensa discografía y videografía, numerosos ensayos, apariciones frecuentes en medios de comunicación y sus conferencias, James Conlon es uno de los intérpretes de música clásica más reconocidos de nuestros tiempos.
James Conlon es desde 2006 director musical de la Ópera de Los Ángeles y en septiembre de 2021 asumirá el cargo de asesor artístico de la Ópera de Baltimore. Ha sido director principal de la Orquesta Sinfónica Nacional RAI en Turín, Italia (2016-20); director principal de la Ópera de París (1995-2004); director general de Música de la Ciudad de Colonia, Alemania (1989-2003), dirigiendo simultáneamente la Orquesta Gürzenich y la Ópera de Colonia; y director musical de la Orquesta Filarmónica de Róterdam (1983-1991). Ha trabajado como director musical del Festival de Ravinia, sede veraniega de la Sinfónica de Chicago (2005-15), y actualmente es director musical laureado del Festival de Mayo de Cincinnati, el festival coral más antiguo de los Estados Unidos, donde fue director musical durante 37 años (1979-2016), marcando uno de los períodos más largos de cualquier director de una institución de música clásica estadounidense.

Como director invitado en el Metropolitan, ha dirigido más de 270 actuaciones desde su debut en 1976. También ha dirigido en importantes teatros de ópera y festivales, como la Ópera Estatal de Viena, Festival de Salzburgo, La Scala, Ópera de Roma, Mariinski, Covent Garden, Ópera Lírica de Chicago y Teatro del Mayo Musical Florentino.
Como director musical de la Ópera de Los Ángeles desde 2006, James Conlon ha dirigido más actuaciones que cualquier otro director en la historia de la compañía; hasta la fecha, casi 400 representaciones de más de 50 óperas diferentes de más de 20 compositores. Los aspectos más destacados de su mandato en la Ópera de Los Ángeles incluyen la dirección del primer ciclo de El anillo del nibelungo de la compañía; el inicio de la innovadora serie Recovered Voices, un compromiso continuo con la puesta en escena de obras maestras de la ópera europea del siglo XX que fueron suprimidas por el Tercer Reich. Entre las actuaciones que dirige durante la temporada 2020-21 de la compañía se encuentra una puesta en escena de El amante anónimo, de Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges, un destacado compositor negro de la Francia del siglo XVIII. Conlon volverá a actuar en vivo en el Dorothy Chandler Pavilion en producciones de Don Giovanni, de Mozart, y Aida, de Verdi.

En un esfuerzo por llamar la atención sobre obras menos conocidas de compositores silenciados por el régimen nazi, James Conlon se ha dedicado a una amplia programación de esta música en Europa y América del Norte. En 1999 recibió el Premio Zemlinsky, con sede en Viena, por sus esfuerzos para llevar la música de ese compositor a la atención internacional; en 2013 recibió el Premio Roger E. Joseph en el Instituto Judío de Religión del Hebrew Union College por sus extraordinarios esfuerzos para erradicar la discriminación y los prejuicios raciales y religiosos; y en 2007 recibió el premio Crystal Globe de la Anti-Defamation League. Su trabajo en nombre de compositores suprimidos llevó a la creación de la Fundación OREL, un recurso imprescindible sobre el tema para amantes de la música, estudiantes, músicos y académicos, y la Iniciativa Ziering-Conlon para Voces Recuperadas en la Escuela Colburn.

La extensa discografía y videografía de James Conlon se puede encontrar en los sellos Bridge, Capriccio, Decca, EMI, Erato y Sony Classical. Sus grabaciones de producciones de la Ópera de los Ángeles han recibido cuatro premios Grammy, dos respectivamente por Los fantasmas de Versalles, de John Corigliano, y Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Kurt Weill.

James Conlon tiene cuatro doctorados honorarios y ha recibido muchos otros premios. Fue nombrado Commendatore Ordine al Merito della Repubblica Italiana por Sergio Mattarella, presidente de Italia. También fue nombrado Commandeur de L’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministro de Cultura francés y, en 2002, aceptó personalmente el más alto honor del país, la Legión de Honor, de manos del entonces presidente de Francia, Jacques Chirac.

Una_Sonrisa_Sin_Gato

Inspirado en el maravilloso cuento de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, llega al Real Junior una delicada y colorida propuesta para los más pequeños: Una sonrisa sin gato, nueva producción para el Teatro Real en la que se darán la mano danza, teatro, música y fantasía, los días 17, 18 y 24 de abril y 1, 2, 8 y 9 de mayo, en sesión doble, a las 12.00 y a las 17.00 horas.

A lo largo de casi una hora, los pequeños –la función está concebido para niños a partir de 4 años- reconocerán muchos de los personajes que intervienen en el mítico cuento: el Conejo Blanco, la Reina de Corazones, el Sombrerero loco y por supuesto, el Gato de Cheshire, cuya sonrisa permanecía flotando en el ambiente cuando el felino ya había desaparecido y que tanto sorprendía a Alicia.

El espectáculo ha sido concebido por el polifacético Ferrán Carvajal, responsable de la dirección escénica, dramaturgia y coreografía. A través de su singular visión artística acompañamos a la protagonista en el descubrimiento de un mundo nuevo, en el que se adentra empujada por su curiosidad y sus ganas de entender el mundo, a través de una desbordante fantasía.

Completan el equipo artístico Elisa Sanz, creadora de la escenografía y el vestuario; Eduardo Bartrina, en la iluminación y los intérpretes bailarines Daniel Arancibia, Sara Sanz y Anna Serra.

La música de José Luis Greco, camino y banda sonora de esta historia, será interpretada por el violinista Alejandro González Romero, la flautista Olga Ramón Chiquero y los percusionistas Robert Úbeda Bordería y Elezar Higuera Barragán, todos ellos solistas de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.

Tras la buena acogida de los recitales de Lisette Oropesa y Anita Rachvelishvili en febrero y de Pedro Halffter en marzo, llega una nueva entrega del ciclo ABAO on Stage con el extraordinario dúo formado por el barítono Carlos Álvarez y la soprano Rocío Ignacio, el sábado 17 de abril a las 19:00h en la Sociedad Filarmónica Bilbao, patrocinado por la Fundación BBVA.

Fiel a su compromiso de seguir ofreciendo cultura y espectáculos en directo en cualquier circunstancia, ABAO Bilbao Opera continúa con el programa del ciclo ABAO on Stage que incluye ocho selectos recitales con algunas de las figuras líricas más aclamadas actualmente.

La fusión vocal de DOS GRANDES ARTISTAS

  • Barítono y soprano en perfecta armonía por destacados territorios líricos y artísticos.
  • Dúos y arias de grandes óperas.
  • Al piano el maestro bilbaíno Rubén Fernández Aguirre.

El carismático Carlos Álvarez una de las voces más bellas de barítono lírico verdiano de las últimas décadas, y uno de los cantantes españoles más internacionales, y la versátil Rocío Ignacio una de las sopranos más destacadas de su generación, darán muestra de su desenvoltura escénica y gran personalidad con un programa atractivo y minuciosamente escogido con escenas de grandes óperas.

Con oficio, técnica y generosidad artística, Carlos Álvarez ofrecerá una selección de piezas llenas de matices, carácter y fuerza, en la que su excepcional voz destaca la belleza del repertorio interpretado en solitario: “Qui donc commande…” de Hery VIII de Saint-Säens, “Zazà piccola zíngara…” de Zazà de Leoncavallo y “Eri tu” de Un ballo in maschera de Verdi.

Las grandes virtudes de Rocío Ignacio, el volumen de su voz, sus agilidades, y el buen gusto de su proyección escénica, quedará patente en sus interpretaciones: “Depuis le jour” de Louise de Charpentier, “Signore ascolta” de Turandot de Puccini y en “Come in quest’ora bruna” de Simon Boccanegra, defendiendo a la heroína verdiana.

Con sus actuaciones a dúo, ambos intérpretes regalarán al público una de esas veladas inolvidables llenas de presencia en el escenario, madurez vocal y distinguida plasticidad artística con: “Monseigneur! – Ophélie” de Hamlet (Thomas), “Silvio a quest´ora” de Pagliacci (Leoncavallo) y “Udiste? Come albeggi” de Il Trovatore (Verdi). Todo un alarde de elegancia, sabiduría dramática, fusión vocal y lírica conmovedora.

Al piano, el maestro vasco Rubén Fernández Aguirre que interpretará en solitario la pieza “Preludio” de la ópera L’Arlesiana de Francesco Cilea.

Carlos álvarez, UN INTÉRPRETE ADMIRADO Y RESPETADO EN EL CIRCUITO INTERNACIONAL

En la cumbre de una trayectoria artística modélica, pasará a la historia como uno de los grandes barítonos verdianos que sabe darlo todo en el escenario. Poseedor de una voz regia, admirado y respetado en el circuito internacional, destaca con una impresionante carrera.

Desde que hizo su debut en 1990 ha cantado en los principales teatros de ópera del mundo junto a los artistas más renombrados y los mejores directores musicales. Destacan sus actuaciones en el Festival de Salzburgo donde interpretó Don Carlo dirigido por Lorin Maazel, Otello en el Covent Garden bajo la dirección de Sir Colin Davis, I Pagliacci en Amsterdam dirigido por Riccardo Chailly, Don Giovanni en La Scala con Riccardo Muti, Don Carlo en L’Opera Bastille de París, Rigoletto en la Arena de Verona, en Viena La Forza del Destino dirigida por Zubin Mehta, Otello en Salzburgo bajo la dirección de Riccardo Muti, y sus grandes éxitos en el Metropolitan de Nueva York con Un Ballo in Maschera , Luisa Miller y Rigoletto, entre otros.

Entre sus numerosos premios, mencionar el Premio a la Labor Cultural (2001), Premio Grammy (2001 y 2005), Classical Award de Cannes, Medalla de Oro de Bellas Artes (2003), Medalla de Oro al Mérito Artístico (2003), Premio Nacional de Música (2003), Kammersänger por la Opera de Viena (2007), Medalla de Oro del Gran Teatre del Liceu (2013), Premio Ópera Actual (2015), y más recientemente ha recibido el Premio al Mejor Intérprete de Ópera por los Premios Campoamor de Oviedo y el de la Crítica Catalana.

Ha visitado ABAO Bilbao Opera en dos ocasiones, en 2000 con Il barbiere di Siviglia en el rol de Figaro y la segunda en la impresionante Carmen de Calixto Bieito en 2014, con Escamillo.

ROCÍO IGNACIO, UNA voz reveladora

Desde 2011 la sevillana soprano Rocío Ignacio poseedora de una gran generosidad vocal y un indiscutible componente actoral, desarrolla su carrera fundamentalmente en teatros españoles e italianos y fue la primera soprano española en cantar en la Ópera de Dubai.

Su largo repertorio comprende, entre otros títulos, Rigoletto, Die Zauberflöte, Marina, Carmen, L’elisir d’amore, Il barbiere di Siviglia, La bohème, Il viaggio a Reims, Don Giovanni, Turandot y Falstaff.

En las últimas temporadas su carrera ha tomado impulso con títulos como Katiuska en Madrid, Otello en Málaga, Jerusalem en ABAO y Die Zauberflöte en Jerez. Recientemente ha interpretado también, Simon Boccanegra en el Teatro Cervantes de Málaga y Luisa Fernanda en el Teatro de La Zarzuela

En el escenario de ABAO Bilbao Opera ha actuado en dos ocasiones, la primera como Adina en L’elisir d’amor en 2012 y la pasada temporada como protagonista en el estreno de Jérusalem de Giuseppe Verdi.

Entradas A PRECIOS ASEQUIBLES.

Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: 15€ los jóvenes Gazteam; 20€ los socios de ABAO hasta 35 años, y 40€ el resto de socios de ABAO; y 30€ el precio de venta al público joven hasta 35 años y 60€ el público adulto.

Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100

Peter Grimes

Entre el 19 de abril y el 10 de mayo, el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de Peter Grimes, de Benjamin Britten, nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma.

En esta ópera magistral, los habitantes de un pequeño pueblo costero, cuya dura vida transcurre bajo el influjo implacable del mar, se enfrentan, sentencian, calumnian y humillan a un pescador hosco y violento que anhela torpemente integrarse en esa sociedad que lo desprecia. La pregunta que late a lo largo de todo el drama -¿es Peter Grimes el asesino de un niño?- desencadena muchas otras, de gran hondura, a las que Britten no contesta, aunque su música trata siempre con una conmovedora compasión a los seres marginados y solitarios.

Cuando en 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Benjamin Britten (1913-1976) y su inseparable pareja, el tenor Peter Pears, se encontraban en California, descubren la obra del poeta inglés George Crabbe (1754-1832) que, como Britten, había nacido en un pueblo de la costa de Suffolk, escenario de todas sus historias. Fue tal la identificación y empatía de Britten con ese mundo tan cercano y añorado, que decide volver a Inglaterra impulsado por un revelador sentimiento de pertenencia y arraigo que lo llevan a fijar su residencia, para siempre, en esas tierras a orillas del mar del Norte. Allí mismo vive también el desdichado Peter Grimes, personaje del poema The Borough, de Crabbe, que Britten decide transformar en una ópera, esbozada, con la ayuda de Pears, durante la travesía en barco que los dos hicieron de vuelta a su patria.

En Inglaterra, donde la homosexualidad estaba penalizada, les esperaba una vida difícil en la que tendrían que esconder su amor de la sociedad bien pensante. Este hecho subyace en la ópera y en casi toda la producción operística de Britten, protagonizada por seres insondables, oscuros, a los que se contraponen generalmente víctimas inocentes.

Para mostrar en toda su crudeza el drama de Peter Grimes, estigmatizado en una sociedad que crea sus propios monstruos, Deborah Warner, con la complicidad del escenógrafo Michael Levine, ha situado el drama en una población muy pobre de la costa de Suffolk. Ahí permanecen la misma línea del horizonte, la furia del mar y la playa de guijarros que inspiraron la poesía de Crabbe y la ópera de Britten. Pero la miseria y el desamparo de sus gentes en la actualidad son fundamentales en la puesta en escena, en la que sobresale el meticuloso trabajo de Warner, que explora siempre la hondura psicológica de los personajes.

Para ello cuenta con un reparto en el que destacan el debut, en sus respectivos papeles, del tenor Allan Clayton (Peter Grimes) y de la soprano Maria Bengtsson (Ellen Orford), y la vuelta al Teatro Real del barítono Christopher Purves (Capitán Balstrode), protagonista del estreno mundial de The Perfect American, de Philip Glass, en 2013 y de Written on Skin, George Benjamin, en 2016.

También vuelven al Real dos intérpretes que actuaron en Billy Budd en 2017: Jacques Imbrailo, protagonista de la ópera en 2017 y que ahora interpreta el papel de Ned Keene, y Clive Bayley como Swallow. Les acompañan Catherine Wyn-Rogers (Auntie), John Graham Hall (Bob Boles), Rosie Aldridge (Mrs. Sedley), James Gilchrist (Rev. Horace Adams), Barnaby Rea (Hobson), Rocío Pérez (sobrina primera) y Natalia Labourdette (sobrina segunda).

El Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en esta ópera un importante cometido tanto musical como dramatúrgico. Actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de su director musical Ivor Bolton.

Benjamin Britten ha ocupado un lugar privilegiado en la programación del Teatro Real desde su reapertura. En 1997, dos meses después de la reinauguración, Peter Grimes obtuvo un gran éxito, en una producción con dirección escénica de Willy Decker procedente del Teatro de La Monnaie de Bruselas, con su coro y orquesta titulares dirigidos por Antonio Pappano. Le han seguido el Sueño de una noche de verano (2005/2006), La violación de Lucrecia (2007/2008), Otra vuelta de tuerca (2010/2011), Muerte en Venecia (2014/2015), Billy Budd (2016/2017), Gloriana (2017/2018) y las obras infantiles El pequeño deshollinador (2004/2005, 2005/2006 y 2007/2008) y El diluvio de Noé (2007/2008).

Todas estas obras dan fe del inmenso talento musical y dramatúrgico de Benjamin Britten como compositor operístico, que ha expresado a través de sus personajes los dramas, sueños, traumas, pasiones e inquietudes más hondas e inconfesables del individuo, con una profunda compasión por las miserias de la condición humana.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Patio Butacas

En el marco de apertura a otras audiencias, el Teatro Real lanza en su canal de YouTube Aventura en el Real, una iniciativa para todos los públicos protagonizada por los youtubers y divulgadores Jaime Altozano y Ter, ambos miembros del Comité Joven del Teatro Real, quienes, a través de un juego de vídeos interactivos, explorarán y descubrirán las diferentes zonas del teatro y sus secretos, ofreciendo a los ganadores la posibilidad de participar en un sorteo final de distintos premios vinculados con el mundo de la música y la lírica. El concurso permanecerá activo hasta el 20 de abril.

Se trata de la primera iniciativa dentro del proyecto de intensificación de contenidos divulgativos en el Canal YouTube del Teatro Real dirigido a todos los públicos pero, de forma especial, a nuevas audiencias y a quienes se están iniciando en el mundo de la ópera.

Uno de los puntos más destacados de este proyecto será la emisión en el canal de YouTube del Teatro Real de encuentros con artistas y creadores y de algunos de los títulos más emblemáticos de la historia del Teatro como La traviata, Lucia di Lammermoor, Il trovatore, o Madama Butterfy.

La oferta de óperas en streaming se enmarca en la ambiciosa política divulgativa y audiovisual del Teatro Real, que tiene en MyOperaPlayer, plataforma pionera en España en difusión audiovisual lírica, su principal activo y que cuenta con el patrocinio de Telefónica y Endesa. La plataforma posibilita el acceso a una amplia videoteca, con más de 150 títulos, que se enriquece con lanzamientos mensuales y con emisiones de óperas en directo.

Asimismo, el Teatro lanzará nuevas colecciones dentro de su página en Google Arts & Culture, plataforma de la que forma parte desde su lanzamiento en España en 2015. A lo largo de este año se desarrollarán nuevos contenidos, imágenes, vídeos y actividades que completarán la exposición online de la que está considerada la primera institución española de las artes escénicas y musicales, e iniciativas tipo “Quiz” en las que se desvelarán las claves y curiosidades de los procesos creativos que tienen lugar en el Real, desde la creación de un espectáculo (estudios, ensayos, preparaciones técnicas) a las experiencias artísticas o los detalles históricos.

Para los que dan sus primeros pasos como curiosos o aficionados a la lírica y a la música escénica, se han preparado contenidos especiales denominados Conceptos y ritos no escritos en la experiencia de la ópera.

En la actualidad se puede acceder a la visita virtual que explora gran parte de los 77.000 m2 del edificio, gracias a la tecnología Street View, que captura imágenes 360º de alta calidad, y que transita tanto por espacios públicos (sala principal, salones) como por lugares inaccesibles como el escenario, los talleres, salas de ensayo y el tejado, desde el que se disfruta de la espectacular vista panorámica.

Teatro Real

Tras el esfuerzo de presentar simultáneamente Siegfried y Norma, llega al Teatro Real, el próximo 19 de abril, el esperado estreno de la nueva producción de Peter Grimes, de Benjamin Britten, coproducción con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma.

 

El cambio de fechas del estreno –del 8 al 19 de abril– se ha debido a distintos factores: al retraso en la incorporación de los artistas a los ensayos provocado por las restricciones de movilidad y las trabas burocráticas del Brexit (la mayoría son británicos) y también a un reajuste completo de todos los ensayos.

 

Así, las 9 funciones de Peter Grimes tendrán lugar los días 19, 22, 24, 27 y 29 de abril y 2, 5, 7 y 10 de mayo, a las 19 horas (domingos, a las 18 horas), lo que afectará a la siguiente ópera, Lessons in Love and Violence, de George Benjamin, que será trasladada a otra temporada.

 

Aunque durante 3 semanas los ensayos de Peter Grimes se han desarrollado en la sala de puesta en escena, la sala de ballet y la sala de coro, el único espacio que se ha considerado idóneo para reunir a todos los artistas y al equipo técnico de la producción –y hacer el máximo de ensayos posibles– es el escenario.

 

Este hecho ha obligado a suspender los ensayos en las distintas salas del Teatro hasta tener montado en el escenario el decorado de la ópera, después del desalojo de las escenografías de Norma y Siegfried.

 

Una vez más el Teatro Real se ha visto obligado a reorganizar toda su actividad para adaptarse a las directrices de su Comité Médico y a las limitaciones de movilidad de los artistas.

 

Peter Grimes, con dirección musical de Ivor Bolton, dirección de escena de Deborah Warner y escenografía de Michael Levine –el mismo equipo artístico de Billy Budd, también de Benjamin Britten, que triunfó en 2017–es la más importante nueva coproducción internacional desde el inicio de la pandemia, no solo por la excelencia de su equipo artístico, sino porque está coproducida con tres de los más relevantes teatros europeos, que presentarán la ópera posteriormente.

 

La producción será protagonizada por un selecto reparto, mayoritariamente británico, en el que destaca el debut del tenor Allan Clayton en el rol titular. A su lado tendrá un papel importantísimo el Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director, Andrés Máspero, que actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

Fabio Biondi

El domingo 28 de marzo a las 19 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) prosigue su ciclo Universo Barroco en la Sala Sinfónica del Auditorio con la ópera Argippo, de Antonio Vivaldi, interpretada en concierto por un equipo de auténtico lujo: Europa Galante, con su director y fundador Fabio Biondi al frente y con un extraordinario elenco vocal encabezado por la mezzosoprano norteamericana Vivica Genaux, junto a la soprano Marie Lys, las mezzosopranos Giuseppina Bridelli y Delphine Galou y el bajo Luigi de Donato. Juntos darán vida a esta ópera recuperada en pleno siglo XXI y plasmada en un reciente trabajo discográfico firmado por Fabio Biondi y Europa Galante que ha cosechado grandes críticas en los medios especializados más influyentes y liderado ránkings como el reciente “Disco Excepcional” de la revista Scherzo. Fue el propio Fabio Biondi quien rescató en Darmstadt el manuscrito íntegro de esta enigmática obra de Vivaldi. No en vano el músico italiano está considerado como uno de los mayores especialistas mundiales en Vivaldi, siendo su multipremiada grabación de Las cuatro estaciones todo un referente en este repertorio. Según ha subrayado el propio Biondi, Argippo ocupa un lugar relevante en la obra de Vivaldi y es un trabajo ideal para demostrar el gran talento del compositor como operista, una faceta tardía pero fructífera del veneciano, con 40 títulos atribuidos a su autoría. Argippo llega a Madrid al día siguiente de su paso por Sevilla el sábado 27 en el marco del FeMÀS, en un concierto en colaboración con el CNDM que constituye el estreno en España y en tiempos modernos de esta ópera.

 

Las entradas para el concierto de Europa Galante tienen un precio general de 12€ a 40€. Pueden adquirirse en las taquillas del Auditorio Nacional y red de teatros del INAEM, en entradasinaem.es y por teléfono en el número 91 193 93 21.

 

Fabio Biondi, estilo y visión

Impulsado por una profunda curiosidad cultural, Fabio Biondi es un músico polivalente que busca sin cesar un estilo libre de limitaciones. Desde sus inicios, Biondi ha demostrado su capacidad para moverse en repertorios muy diversos abarcando tres siglos de música. En 1990, tras una amplia labor con conjuntos especializados, como Les Musiciens du Louvre y The English Concert, Biondi fundó Europa Galante, grupo que se ha forjado una altísima reputación, insuflando nueva vida a los repertorios barroco, clásico y romántico temprano en los principales festivales y escenarios internacionales. En las últimas temporadas, Biondi ha llevado de gira Silla de Haendel a China y Japón. Entre las actuaciones más recientes se encuentran sus conciertos con la Sinfónica de Chicago, la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, la RAI de Turín, la NDR Radiophilharmonie, la Sinfónica de la Radio de Fráncfort, la Filarmónica de Bergen, la Sinfónica de la Radio Finlandesa, la Orquesta de Cámara de Mahler y la Mozarteumorchester de Salzburgo. Fue director artístico de música barroca de la Orquesta Sinfónica de Stavanger. Recientemente, ha trabajado en el Gran Teatro de Ginebra en Die Entführung aus dem Serailand, de Mozart, con la Orchestre de la Suisse Romande, o en la Staatsoper unter den Linden de Berlín en La Vergine addolorata, de Scarlatti, con la Akademie für Alte Musik Berlin. Asimismo, ha participado en otras importantes producciones de óperas de Donizetti, Rossini, Haydn o Verdi. Como violinista, es reconocido como un virtuoso y actúa en recitales en todo el mundo. Su amplia discografía en Warner, Virgin y Glossa le ha valido numerosos premios. Su aclamada grabación con Europa Galante de Las cuatro estaciones de Vivaldi fue nombrada disco del año en numerosas publicaciones y premiada por la crítica de varios países. Ha grabado con intérpretes como Joyce DiDonato, Diana Damrau, Philippe Jaroussky, Vivica Genaux o Rolando Villazón. Su álbum Sonatas for violin & guitar, de Paganini, fue Editor’s Choice por Gramophone y la BBC Music Magazine. Biondi es académico de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y oficial de la Orden Nacional de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia. Fue artista residente en la temporada 18/19 del Centro Nacional de Difusión Musical. Toca un Gennaro Gagliano de 1766, propiedad de su maestro Cicero, que le cede la Fundación Salvatore Cicero de Palermo.

 

Europa Galante, una aventura musical

Tras su fundación en 1990 por Fabio Biondi, Europa Galante se estableció rápidamente como el principal conjunto de instrumentos del período italiano, insuflando nueva vida al repertorio barroco y clásico. El conjunto se especializó inicialmente en los compositores italianos de los siglos XVII y XVIII y, tras la publicación de su primer disco dedicado a los conciertos de Vivaldi, el conjunto ha recibido un reconocimiento mundial, ganando constantemente el más alto nivel de aclamación de la crítica, incluyendo el Diapasón de Oro de l’Année y el Choc de Musique. Europa Galante interpreta ahora una variedad de repertorio muy conocido y descubre gemas ocultas desde la ópera de Haendel hasta las suites orquestales de Bach, desde la ópera de Rossini hasta la música de cámara de Boccherini. Desde que fue fundada hace 30 años, Europa Galante ha realizado numerosas giras internacionales, actuando en muchas de las principales salas de conciertos y teatros del mundo, como el Teatro alla Scala de Milán, el Théatre des Champs Elysées, la Accademia di Santa Cecilia de Roma, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Wiener Musikverein, el Lincoln Center y el Carnegie Hall de Nueva York, el Suntory Hall de Tokio y la Ópera de Sydney. Las últimas aportaciones a su discografía con Warner Classics, Virgin y Glossa incluyen los Conciertos para violín ‘Dell’addio’ o Conciertos para violín ‘La bohemia’ de Vivaldi, Capuleti e Montecchi de Bellini y Macbeth de Verdi, así como diversas óperas de Vivaldi: Bajazet, L’oracolo in Messenia y Ercole sul Termodonte, recuperadas por Warner Classics con la participación destacada de Joyce DiDonato, Diana Damrau, Philippe Jaroussky, Vivica Genaux o Rolando Villazón, entre otros. Y en 2019 se publicó la grabación de Argippo, de Vivaldi, en Naïve. Europa Galante es la orquesta residente de la Fondazione Teatro Due en Parma.

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Norma
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Tragedia lírica en dos actos
Libreto deFelice Romani, basado en la obra Norma, ou l´infanticide (1831) de Alexandre Soumet
Nueva producción del Teatro Real
D. musical: Marco Armiliato
D. escena: Justin Way
Escenógrafo: Charles Edwards
Figurinista: Susan Willmington
Iluminador: Nicolas Fischtel
Coreografía: Jo Meredith
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Hibla Gerzmava, Annalisa Stroppa, John Osborn, Fernando Radó, Berna Perles, Juan Antonio SanabriaLlega al Teatro Real Norma, de Bellini, en una nueva producción propia. Lo hace coincidiendo con Siegfried, de Wagner, al que no le gustaba precisamente la ópera italiana y que, sin embargo, mostraba una gran admiración por el maestro italiano. Concretamente era Norma una de las obras por las que el maestro alemán mostraba mayor interés. Norma trascendía el bel canto, contaba con algunos elementos nuevos y plenos de romanticismo y capacidad expresiva. El declamato-cantato belliniano que en Norma alcanzaba su máxima expresión, donde las arias no son menos importantes que los diálogos y la manera, casi en forma de duelo, en los que se enfrentaban los distintos personajes mediante duetos y tercetos, dejando así de lado la tradicional sucesión de arias virtuosas que definían hasta ese momento la tradición de ópera italiana.Los personajes de esta obra, sobre todo su protagonista Norma, tienen múltiples caras. Algunas incluso contradictorias, lo que les otorga ese halo enigmático que llena el argumento de intrigas y situaciones románticas, con las que Bellini y su libretista Felice Romani pretendían hacer llorar de emoción a su público.En esta producción del Teatro Real, la escenografía de Justin Way repite el ya clásico teatro dentro del teatro, situado en la Italia anterior a la reunificación. Pero la escenografía, que está llena de originalidad y numerosos guiños a los decorados de 1831, cuando se estrenó en la Escala de Milán, se presta a cierta confusión entre las dos escenas que se combinan y que no quedan muy bien diferenciadas.Marco Armiliato ha sido el encargado de sustituir a Maurizio Benini. El cambio puede que haya ganado en sonoridad y volumen, pero quizá haya perdido matices y delicadeza. Norma es una de esas óperas por excelencia, que definen por si solas lo que es este género.

La partitura es de gran riqueza y, al mismo tiempo, sencilla. Su orquestación es de una gran delicadeza. No pretende acompañar al cantante, sino servirles de delicado colchón. Esta es sin duda una de sus mayores dificultades a la hora de abordarla, tanto para la orquesta como para los cantantes.

En esta ocasión el Teatro Real presenta dos repartos de gran altura. En este ensayo general asistimos a un segundo de extraordinario nivel que promete unas funciones de gran calidad interpretativa. Es la primera Norma a la que se enfrenta la rusa Hibla Gerzmava y la aborda con valentía. Posee un buen volumen de voz y gran dramatismo. Además de esa ligereza que exige el personaje, brilló en el duetto con Adalgisa, en el que empastaron a la perfección.

La Adalgisa de Annalisa Stroppa es sin duda la voz más claramente belcantista del reparto. Su línea de canto está muy bien definida, frasea con delicadeza y con intención belliniana. Dibuja una Adalgisa llena de sensibilidad y expresividad. Elegante siempre sobre el escenario, destacó en el duetto con Norma y el terceto del segundo acto, logrando algunos momentos de brillante lirismo. No en vano es una experimentada Adalgisa.

Otra de las voces más acertadamente belcantistas es la del Polione del estadounidense John Osborn. Sus características vocales son muy adecuadas para el personaje y para este estilo de declamato belliniano.

El resto des reparto está a gran altura. A destacar Fernando Radó, como Orobeso. Bien la Clotilde de Berna Perles y el Flavio de Juan Antonio Sanabria.
El Teatro Real acierta con esta obra del repertorio clásico que es un respiro para el aficionado tras haber asistido al interminable y descontextualizado Siegfried.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Bejun Mehta

El lunes 15 de marzo a las 20 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presenta en el XXVII Ciclo de Lied a Bejun Mehta, uno de los contratenores más reconocidos, aclamados y solicitados a nivel mundial. El cantante norteamericano mostrará su impresionante dominio de la coloratura y sentido de la musicalidad al servicio de un programa ambicioso, que abarca obras firmadas por cuatro gigantes a lo largo de tres siglos. Así, Bejun Mehta hará gala de su versatilidad acometiendo un repertorio muy diverso -desde el clasicismo hasta el siglo XX, pasando por el romanticismo-, que incluye piezas de W.A. Mozart (Ombra felice! Io ti lascio), Joseph Haydn (Arianna a Naxos, Hob XXVIb:2), L.van Beethoven (An die ferne Geliebte) y Benjamin Britten (Canticle – ‘My beloved is mine’). Estará acompañado al piano por Jonathan Ware, por primera vez en este ciclo. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, red de teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en los teléfonos 91 193 93 21 y 902 22 49 49.

Bejun Mehta, un intérprete fascinante

Según Opera News “quizás el más sofisticado y musicalmente satisfactorio de los contratenores actuales”, Bejun Mehta fascina con una expresión vocal increíble, una gran musicalidad y una fuerza apasionante como intérprete. Es un invitado habitual en los principales teatros de ópera del mundo, como la Royal Opera House, La Scala de Milán, Theatre an der Wien, la Ópera Estatal de Berlín, la Ópera Estatal de Baviera en Múnich, el Théâtre Royal de La Monnaie, la Nederlandse Opera, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Zúrich, la Ópera Nacional de París, la Ópera Metropolitana, la Ópera Lírica de Chicago, la Ópera de Los Angeles, así como los Festivales de Salzburgo, Glyndebourne, Aix-en-Provence y el Wiener Festwochen. Conciertos con importantes orquestas y recitales en solitario han llevado a Bejun Mehta a las principales salas de conciertos, donde recorre sus premiados trabajos discográficos e interpreta repertorios que van desde el barroco hasta la música contemporánea. Es invitado frecuente en el Concertgebouw de Ámsterdam, el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus y el Wiener Musikverein en Viena, Carnegie y Zankel Hall en Nueva York, Palais des Beaux-Arts de Bruselas, Palau de Les Arts en Valencia, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Cité de la Musique en París, Prinzregententheater de Múnich, Konzerthaus de Berlín, Rudolfinum en Praga y los festivales de Edimburgo, San Sebastián, Verbier, Schleswig-Holstein y BBC Proms en Londres. En los últimos años, Bejun Mehta se ha forjado un nombre como director de orquesta, trabajando con la hr-Sinfonieorchester, la Philharmonie de Dresden, la Orquesta Sinfónica de Bochum, así como la Kammerakademie Potsdam y la Württembergisches Kammerorchester Heilbronn. Además de su interés en trabajar el repertorio del barroco y los períodos clásicos con orquestas modernas, su énfasis particular está en la combinación entre orquesta y voz, ya sea con solistas invitados o en programas especialmente desarrollados que lo presentan como cantante y director. Así, podemos destacar la reposición de Rodelinda de Claus Guth (una producción realizada originalmente para Bejun Mehta en el Teatro Real de Madrid) en la Ópera Nacional de Holanda, Arias de Mozart con la Filarmónica de Viena en el Musikverein, El sueño de la canción de George Benjamin, una cantata compuesta específicamente para él –con la Concertgebouw Orchestra Amsterdam, y representaciones de Escrito en la piel de Benjamin en el papel de Ángel I/Niño, también compuesto específicamente para él– con la Mahler Chamber Orchestra. Como cantante y director, Bejun Mehta ha realizado giras por Alemania y Austria con la Württembergisches Kammerorchester y su programa Mozart-The Dramatist en lugares como el Musikverein de Viena y el Herkulessaal Munich. A este, le han seguido otros programas de canto y dirección con Hessischer Rundfunk, Bochumer Symphoniker y Kammerakademie Potsdam. En el otoño de 2019, Bejun Mehta interpretó el papel principal en una nueva producción de Giulio Cesare de Robert Carsen en La Scala de Milán, el primer contratenor en interpretar ese papel en La Scala.

Jonathan Ware, sólida carrera al alza

Nacido en Texas, el pianista Jonathan Ware se formó en la Eastman School of Music en Rochester, en la Juilliard School de Nueva York y en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” de Berlín. Ware ha ganado importantes premios, incluido el primer premio del concurso de lied 2014 de la Internationale Hugo-Wolf-Akademie en Stuttgart con el barítono Ludwig Mittelhammer, así como el premio en la categoría de pianista acompañante en el Concurso Internacional de la Canción del Wigmore Hall y el Concurso “Das Lied”. Su carrera le ha llevado a escenarios como el Alice Tully Hall y el Weill Recital Hall dentro del icónico Carnegie Hall en Nueva York, al Wigmore Hall de Londres, al Festival de Ravinia y al Berliner Festspiele, entre otros. Durante varios años ha sido pianista acompañante del Festival Akademie Lied de Heidelberger Frühling, así como coordinador de la Academia de Piano en el Festival de Verbier. En 2020 Jonathan Ware hizo su debut en la Scala de Milan junto a Bejun Mehta. Ware ha actuado en otros escenarios europeos como la Filarmónica de Múnich, la Filarmónica de Colonia, la Konzerthaus de Berlín, el Festival “Diálogos” en el Mozarteum de Salzburgo. Entre sus colaboradores musicales se encuentran artistas como Dame Felicity Lott, Christiane Oelze, Golda Schultz, Robin Tritschler, Elsa Dreisig, Ludwig Mittelhammer el Vogler Quartett y Bejun Mehta. Jonathan es profesor de la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” de Berlín y es miembro de la facultad de la Barenboim-Said Akademie.

Bejun Mehta © Marco Borggreve

Teatro Real

Sábado 13, 11.00 horas: el cicloÓpera en Cine proyectará la multipremiada producción de Billy Budd, de Benjamin Britten, estrenada en el Teatro Real en 2017 con entusiasta acogida del público y el reconocimiento unánime de la crítica nacional e internacional .

Con Billy Budd comienza el ciclo dedicado a Britten que incluye la proyección de Gloriana, el 5 de junio, y el estreno de la nueva producción de Peter Grimes, el 13 de abril.

Viernes 12 y sábado 13, a las 19.00 horas: Se ofrecerán dos funciones de la ópera Norma, con dirección musical de Marco Armiliato y escénica de Justin Way, en las que se alternarán en la interpretación del papel protagonista la soprano española Yolanda Auyanet y la rusa Hibla Gerzmava.

Domingo 14, a las 12.00 horas y a las 17.00 horas: dos nuevas sesiones familiares de ¡Todos a la Gayarre! descubrirán Los embrujos de una maga, cuyos hechizos giran en torno a Norma.

Domingo 14, a las 17.30: Pablo Heras-Casado volverá a colocarse al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real, para representar la colosal partitura de Siegfried, tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas.

El Teatro Real se prepara para el fin de semana con una programación que se presenta en distintos formatos y para todos los públicos. En el escenario se alternarán dos grandes títulos de ópera, Norma y Siegfried; la Sala Gayarre se entregará al público familiar y en la sala principal dará comienzo el ciclo dedicado a Britten con la proyección de Billy Budd, que incluye la proyección de Gloriana, el 5 de junio, y el estreno de la nueva producción de Peter Grimes, el 13 de abril.

Estrenada en enero de 2017, Billy Budd ha sido la producción más premiada del Teatro Real y cuenta entre sus galardones con el International Opera Award 2018 a la Mejor Nueva Producción y el Premio Olivier a la mejor nueva producción operística 2020 en el Reino Unido, además de los reconocimientos obtenidos por su grabación audiovisual, entre los que destacan los premios de las revistas Diapason (Diapason d’or) y BBC Music Magazine.

Tanto la versión de Billy Budd, que se proyectará el próximo sábado, como la nueva producción de Peter Grimes que veremos esta primavera, cuentan con dirección de escena de Deborah Warner, escenografía de Michael Levine, y la parte musical estará bajo la batuta del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton.

Esta ópera coral, para la que Deborah Warner crea un espacio escénico de gran simbolismo y enorme complejidad técnica -el tumultuoso barco de Billy Budd se transforma en una inmensa cárcel flotante que refuerza la universalidad de la obra- contó con un elenco exclusivamente masculino que tuvo como protagonistas al barítono Jacques Imbrailo, el tenor Toby Spence y el bajo Brindley Sherratt, junto a las 60 voces masculinas del Coro Titular del Teatro Real y los niños de los Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, que actuaron junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

El 5 de junio, también como parte de la programación de Ópera en Cine, se proyectará Gloriana, estrenada y grabada en el Real en abril 2018 (donde se representaba por primera vez en Madrid) bajo la atenta dirección musical del maestro Ivor Bolton, presente en las tres producciones confirmando su profundo conocimiento del compositor británico, y dirección de escena de David McVicar, quien concibe una escenografía depurada y conceptual en el que el rico vestuario isabelino concebido por Brigitte Reiffenstuel asume un carácter casi escenográfico.

Completará el ciclo dedicado a Britten el estreno de Peter Grimes, considerada la ópera inglesa más importante desde los tiempos de Henry Purcell. El compositor construye en ella una oscura parábola sumergida en un ambiente marino, donde el conflicto entre la masa y el individuo, la rudeza de las vidas y de las pasiones de los habitantes de este pueblo del mar del Norte y el carácter complejo e impenetrable del protagonista, configuran una tragedia que fermenta y estalla sumida en el estruendo de los silencios y las habladurías. La directora de escena Deborah Warner vuelve al Real para estrenar esta coproducción realizada junto a la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera de Roma.

El viernes 12 y el sábado 13, reinará en el escenario Norma. Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, en cuya interpretación se alternarán la soprano española Yolanda Auyanet y la rusa Hibla Gerzmava. Su extraordinaria dramaturgia expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer, en una producción concebida por Justin Way y dirigida musicalmente por Marco Armiliato.

Dos nuevas sesiones familiares de ¡Todos a la Gayarre!, Domingo 14, a las 12.00 horas y a las 17.00 horas descubrirán Los embrujos de una maga, cuyos hechizos giran en torno a Norma. Fernando Palacios, responsable del guion y la presentación, contará con la complicidad de la soprano Cristina Toledo y el pianista Aurelio Viribay. Juntos tratarán de averiguar qué quiere hacer la druida con “los hierbajos y aromas secretos” que atesora.

Y ese mismo domingo, por la tarde, Pablo Heras-Casado volverá a colocarse al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real, para representar la colosal partitura de Siegfried, tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas.

Teatro de la Zarzuela

La soprano Cristina Toledo, acompañada al piano por Aurelio Viribay, darán visibilidad a mujeres que se dedicaron a la composición de zarzuelas y música española a pesar de las dificultades.

Especialmente emotivo será el recital que el próximo lunes 8 de marzo (20h00) ofrecerán la soprano Cristina Toledo y el pianista Aurelio Viribay en el Teatro de la Zarzuela dentro del ciclo Notas del Ambigú. Bajo el título explícito de ‘Zarzuela en femenino’, se dará visibilidad a las mujeres que, a pesar de las dificultades para hacerlo y la ingratitud del olvido, se dedicaron a la composición de zarzuelas y música española.

En el concierto se oirán obras de autoras como María Rodrigo, a cuyas composiciones estará dedicada buena parte del programa. Desde una copla para piano solo (‘La copla intrusa’), a una selección de su zarzuela cómica ‘Diana cazadora o Pena de muerte al amor’, con libreto de los Álvarez Quintero, pasando por el trío de coplas ‘Ayes’ con texto de María Lejárraga, o ‘Viendo esta tierra de mis amores’ de ‘Su última canción’ con libreto de Carmen de Cantó, entre otras composiciones.

Esta será la segunda parte del recital. Antes, oiremos romanzas de zarzuelas compuestas por Remedios Selva y Torres o Carmen de Cantó (Carmen Climent) –autoras asimismo de los libretos de sus obras–, de Blanca Lozano, María de Pablos, María Teresa Prieto –responsable también de sus textos–, Elena Romero o Adela Anaya Ruiz.

Sin duda será una noche de mágicas revelaciones y de esperanza. La de que el olvido no vuelva a ser destino inevitable de estas y tantas otras sacrificadas luchadoras de la música.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de Cristina Toledo y Aurelio Virivay, seguirá el de Lamentatio. Música trobada con obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), el de la mezzosoprano María Antúnez con Rubén Fernández Aguirre al piano dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), el de la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau con la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el del artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, que presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

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Entrevistamos a Annalisa “Adalgisa” Stroppa.
Llega con su mascarilla y tras ella una gran sonrisa, hay vida en la calle, ha salido el sol y se dispone a tomar un café en una terraza. Algo muy diferente a lo que ocurre en su Brescia natal. Es su décima producción de Norma, pero para ella es como la primera vez. Y es que nada es igual, tampoco para Annalisa Stroppa, una Adalgisa puramente belcantista capaz de describir con su voz todos los colores de las emociones que vive su personaje en escena.Brío Clásica: Annalisa Stroppa llega al Teatro Real para interpretar Adalgisa en la Norma, de Bellini, un compositor por el que siente debilidad. ¿Qué le atrae tanto de este compositor?Annalisa Stroppa: Adalgisa es un personaje al que quiero y me gusta por diferentes motivos. El primero es el estilo de escritura de Bellini. A parte de ser mi compositor favorito, siempre pone las voces por encima de todo. La expresividad que puede haber en cada palabra, para él es lo primero. Ninguno como Bellini ha dado tanta importancia al sonido, a la mezza voce, al legato y al declamato, conocido ya como declamato belliniano. Pero las partituras de Bellini no son fáciles. Los cantantes deben comportarse como atletas. Son necesarios diferentes colores de voz para poder expresar el texto y Bellini permite mucha libertad en la expresión.Esta es una de las razones por las que Wagner admiraba tanto a Bellini. Por esta escritura belliniana tan particular. Por eso, para mi es extraordinario poder utilizar la voz para expresar de esta manera, coloreando cada palabra. Para Bellini es muy importante la expresión y lo acompaña orquestalmente de una manera muy sutil. Es aquí donde está la dificultad, en que la orquesta tiene que sostener lo que dices, pero no como un acompañamiento, sino teniendo el mismo sonido y la misma intención con la que se expresa el cantante.B.C: ¿Cómo es vocalmete Adalgisa y qué dificultades tiene?A.S: En este momento puedo decir que esta música es mi territorio vocal. Me siento muy cómoda expresándome a través del bellcanto y del repertorio francés. Pero Bellini es lo que más se acerca a mi vocalidad en este momento.
La dificultad que tiene Adalgisa es su amplia tesitura, llega hasta el Do5. Pero, si la voz te lo permite y te sientes cómoda, es perfecto. Las partituras de Bellini tienen una línea melódica bellísima e inimitable. Con muy pocas notas te atrapa el corazón.A nivel de personaje y también vocalmente, es el contrapunto perfecto de Norma. porque ellas, en los duetos y en la cadencia, llegan a ser la misma persona. Sus voces se entrelazan y se funden en una sola. y esto es mágico. Deben tener una gran sincronización en el sonido y en la expresión. Cuando todo esto ocurre el resultado es espectacular.B.C: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa que construye Annalisa Stroppa?A.S: Adalgisa es una mujer muy pura, una mujer que permanece siempre fiel a sí misma desde el principio de la obra, siendo muy respetuosa con Norma, nunca la traiciona y siempre está cerca de ella. El rol de Adalgisa me permite jugar con la expresión y los matices de la voz. Al principio ella muestra su esfuerzo, sus dudas, su sufrimiento. Está tan enamorada de Polione que está dispuesta a dejar sus votos como sacerdotisa. Este es para ella un conflicto muy profundo, esta enamorada y, a la vez, quiere mantener la fidelidad a su Dios y a la vida religiosa. Esto requiere de una gran delicadeza a la hora de expresarlo. Ella teme la reacción de Norma cuando conozca sus intenciones. Descubre entonces la gran humanidad de Norma que comprende su situación. Hasta que se da cuenta de la doble vida de Norma y Polione y de sus dos hijos en común. ¡Cuantos colores y expresiones hay en este argumento!. Y Bellini permite traducir con la voz el color del amor, de la humildad, de la desesperación… Todo esto está en la música de Bellini. Hasta que en el dueto del segundo acto, se revela leal y coherente con Norma. Se quedará con ella para que pueda reunir a su familia y volver con Polione. Esto es de una pureza muy grande. Ella permanece fiel a Norma pues el traidor es Polione.Esta producción de Norma en el Teatro Real es además nueva para mi. Es la primera vez que trabajo con el maestro Marco Armiliato y con el Regista Justin Way, por eso es una experiencia nueva. Me he encontrado además con un equipo de colegas maravilloso. La labor que estamos haciendo entre todos es espectacular, aunque sea con mascarilla. Es empezar de nuevo a vivir y estoy feliz.B.C: Al enfrentarse de nuevo a este personaje en estos momentos, ¿qué emociones nuevas tiene o espera?A.S: Cada vez que voy a cantar, no canta solo Adalgisa, canta también una parte de mi. Y sobre todo ahora, después de todo lo que estamos pasando, de todo este sufrimiento que todos estamos viviendo, de ese silencio de nuestro interior que tiene ahora tanto que decir… Todas estas razones harán mi Adalgisa diferente. Porque vuelvo al escenario con el calor del público que tanta falta me hace. Yo se que me voy a emocionar, porque lo que hasta hoy era normal, ahora va a ser muy especial. Vuelvo a compartir las emociones y la atmósfera que se va a generar en ese momento, siempre diferente. Lo que ahora agradezco es poder estar aquí. Gracias al Teatro Real por darme esta oportunidad y lo que me gustaría es transmitir mi emoción a través de mi voz. No se cuando volveré a cantar otra vez, por eso ahora lo haré como si fuera la primera y la última vez. Sin preocuparme de nada, solo por la emoción de volver a cantar con un público que comparte conmigo esta emoción.Por eso mi Adalgisa ahora será muy diferente a las anteriores. Esta es la décima producción de Norma en la que participo, y todas mis Adalgisas son diferentes, por distintas razones. La madurez de la voz, la madurez de la persona y vivirlo de manera diferente. También influye la Norma que me acompaña. Recuerdo con especial cariño las producciones con la Señora Mariela Devia y Edita Gruberová, por ser dos damas históricas y grandísimos iconos de la ópera.

B.C: Cuando sale del teatro, después de haberlo dado todo por un personaje como este, ¿Cómo se libera una de un roltan intenso?

A.S: No es fácil liberarse de un personaje así. Lo sientes tan fuerte en tu propia piel, que creo que hasta el final de la producción, incluso semanas después, forma parte de ti. Porque lo construyes, lo vives y le descubres siempre algo nuevo que, al final, lo llevas contigo. No son dos personas separadas, están juntas. Es como un juego muy divertido porque, a veces, los directores, me llaman Adalgisa en lugar de Annalisa (risas).

Yo no tengo capacidad de vivir de manera separada las dos personas. En el escenario llevo una parte de Annalisa con sus emociones, su vida… y las traduzco en las emociones de Adalgisa. No puedo separarlas. A veces sucede que, después de interpretar un papel, tienes que empezar rápidamente con otro, sin el tiempo necesario para decantar, como el vino, un nuevo personaje pasando página del anterior. Cuando abandonas un personaje tienes que despedirle con respeto y saludar, también con respeto, al nuevo personaje. Son nuestras pequeñas criaturas, que has elaborado con tiempo, con amor y cuidado para crear algo especial que forma parte de ti y que no desaparece de repente tras la última función.

B.C: Cuando llega a una ciudad, como ahora a Madrid, ¿cómo es el día a día fuera y dentro del teatro?

A.S: Ahora no es fácil porque lo que estamos viviendo no es normal. Siempre te cuidas, descansas, cuidas la voz pero, claro, en el día libre podía ver amigos, visitar un museo, dar un paseo por la calle… Para mi no ha sido un cambio muy grande en este aspecto pero, lo que más se nota es la tristeza. Aquí en Madrid no he sentido mucho este cambio porque la gente del teatro me hace sentir tan bien, es increíble como te cuidan. Están siempre atentos a todas las necesidades que puedas tener, a cómo te sientes. Con esto lo que demuestran es que todo esto se puede hacer y se puede hacer bien.

Siempre que llego a Madrid me siento como en casa. Por eso estar aquí para mi es tan especial. Me siento muy querida y apreciada. Si tuviera que elegir otro país donde vivir, sin duda sería España.

Sin duda es muy importante la salud física, pero es también muy importante la salud mental y emocional y la música nos cura. Es como una medicina del alma. Hay mucho público que quiere volver al teatro y espero que en Italia se pueda encontrar muy pronto una solución, por el público, por nosotros y por toda la familia que está dentro del escenario, que no se ve y que lo está pasando muy mal. El teatro es un engranaje de una máquina que funciona cuando todas las partes están presentes, como la vida.

B.C: ¿Qué opina que Madrid esté siendo casi la única ciudad de Europa que tiene los teatros abiertos?

A.S: ¡Es un milagro!. Yo, hasta el último minuto antes de tomar el avión para llegar hasta aquí, no sabía si podría venir. No me lo creía, por eso digo, ¡viva Madrid!, que ha puesto la música y la cultura en un lugar importante. La salud es importante, la economía es importante pero… no se puede quitar a la gente la posibilidad de soñar, de vivir y de compartir emociones, esto forma parte de la vida. La música es oxígeno, es vida. Gracias Madrid por ser un ejemplo en el que pueden inspirarse los demás, es la demostración de que se puede hacer. Madrid es un ejemplo de como se puede seguir adelante.

B.C: En mayo volvió a los escenarios en Wiesbaden, ¿cómo fue esa experiencia en un momento tan dramático como el que estábamos pasando?

A.S: Marzo y abril fueron unos meses muy crueles en el lugar donde yo vivo. En dos meses no pude cantar porque en ese momento había mucho sufrimiento, muchas víctimas. Era como una guerra. Y la voz participaba de este luto y no sentía la necesidad de volver a cantar.

Wiesbaden ha sido como un arco iris en el cielo después de la lluvia y la tormenta. Yo tenía este contrato hacía tiempo y pensaba que el recital se iba a cancelar. Pero no se canceló. Alemania decidió representarlo sin escenificación y lo organizaron todo. Al llegar al aeropuerto de Malpensa, desértico, yo empecé a llorar al ver a toda la gente cubierta con trajes de protección, era todo increíble. Cuando llegué a Alemania, su situación sanitaria no era tan mala y todo me pareció como un sueño. No lo podía creer.

La peculiaridad es que tenía que hacer la función sin coro y sin orquesta, era una selección de arias y duetos de Carmen y en el camerino estaba yo sola. Había llevado una maleta con vestidos similares a los de la producción, pero míos. Cantaba un aria, volvía al camerino a cambiarme para la siguiente aria pero lo hacía todo sola, no había nadie para ayudarme o indicarme. Al final, lo importante es que la música estaba ahí y yo estaba cantando. En el teatro había unas 200 personas y me pareció que estaba lleno. Ese día salió de mi todo lo acumulado en mi corazón los meses anteriores. Todo el sufrimiento, todas las emociones, todas las reflexiones, todo traducido en música. Creo que esta intensidad llegó al público porque al final lloramos juntos de la emoción. Es algo que no podré olvidar.

B.C: ¿Cómo se está trabajando ahora de cara al futuro, no tiene que ser fácil preparar una agenda?.

A.S: No, no lo es. Lo difícil es reorganizar todas las cancelaciones que ha habido todo este año. Yo tengo actuaciones que se habían cancelado y ahora se han programado en fechas donde ya tengo otros compromisos. La situación es complicada para conseguir cuadrar fechas, a pesar de la incertidumbre. Pero soy una cantante muy afortunada porque en estos meses he podido seguir trabajando, menos marzo y abril que para mi han sido meses de silencio.

Nuestra vida era muy acelerada, siempre corriendo y viajando a todas partes y, de repente, todo se paró. Durante esos meses he tenido mucho tiempo para reflexionar, para disfrutar de mi familia. Empiezas a dar valor a las cosas pequeñas, aquellas cosas que son realmente importantes. Es extraño porque descubrimos cosas que ya sabíamos pero que observas con otro punto de vista.

B.C: ¿En qué situaciones especiales se ha visto profesionalmente en estos meses?

A.S: Todo lo que ha pasado nos ayuda a redimensionarnos. He cantado en streaming en un teatro vacío y he llorado de emoción. He cantado en el cementerio de Bérgamo como homenaje a las víctimas de nuestra tierra. En abril pude cantar en la misa de Pascua en mi ciudad, después de dos meses en que mi voz no quería expresarse pero, en esos momentos, la voz se proyecta. Y lo hace porque tiene un motivo, era como una plegaria. La voz retomó su camino para volver a cantar porque, al final, no cantamos solo con la cabeza. Estamos acostumbrados a cantar en situaciones diversas, pero estas han sido especiales.

Entrevista: Paloma SanzAdalgisa-AnnalisaStroppa

Mandelring-Quartett

Tras el éxito de su primer concierto como conjunto residente del II Círculo de Cámara, el Cuarteto Mandelring regresa a Madrid para ofrecer el segundo concierto de la integral de los Cuartetos de Dmitri Shostakóvich (1906-1975). Esta nueva cita con el prestigioso cuarteto alemán tendrá lugar el domingo 7 de marzo, en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes. En esta ocasión, el Cuarteto formado por Sebastian Schmidt (violín), Nanette Schmidt (violín), Andreas Willwohl (viola) y Bernhard Schmidt (violonchelo), interpretará el Cuarteto nº 5, op. 92 (1952), el Cuarteto nº 6, op. 101 (1956), el Cuarteto nº 7, op. 108 (1960) y el Cuarteto nº 8, op. 110 (1960).

Días después, el Cuarteto Mandelring viajará a Valencia para ofrecer un concierto el día 9 con obras de Haydn, Shostakóvich y Dvorak, en el marco de la programación de la Sociedad Filarmónica de Valencia.

Además, el Cuarteto Mandelring anuncia la salida al mercado de un doble trabajo discográfico dedicado enteramente al repertorio francés. El próximo mes de abril se publicará el primer disco, con cuartetos de Ravel y Fernand de La Tombelle.

https://mandelring.com/

Amores en Zarza

Con ‘Amores en zarza’ se cumple la quinta temporada del Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela, zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes, que nació de la mano de su director, Daniel Bianco, con el propósito de popularizar el género entre las nuevas generaciones, las del siglo XXI. El público joven tiene una relevancia decisiva en el actual proyecto del coliseo, que de esta forma pretende que aquel se aproxime sin miedo y exento de prejuicios a la zarzuela, dando así continuidad al género y afianzando su futuro.

Es por ello que el Proyecto Zarza es una de las iniciativas estrella del Teatro. Dirigido a un público de entre 12 y 18 años, el título escogido en esta quinta edición es ‘Amores en Zarza’, con texto original del dramaturgo y novelista Nando López, especialista en literatura juvenil, entre cuyo público es una auténtica estrella. Se trata de una historia coral que describe diferentes formas de vivir el amor sin prejuicios, escrita en torno a composiciones de diversas zarzuelas de Federico Chueca, Joaquín Valverde, José Serrano, Pablo Sorozábal, Ruperto Chapí y Gerónimo Giménez. Y como ya es habitual, estará interpretada por jóvenes cantantes de entre 18 y 30 años elegidos a través de un riguroso proceso de audiciones en las que han participado más de 250 artistas. Puede decirse que estos cantantes-actores forman hoy por hoy la joven compañía del Proyecto Zarza, y que cumplen también la misión de servir como cantera para las grandes producciones del Teatro. Y es que, a partir de su participación en el Proyecto, un buen número de ellos ha intervenido ya en algún título de las temporadas líricas.

En Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, la dirección musical y la escénica correrán a cargo, respectivamente, del Maestro Miquel Ortega (desde el piano) y de Rita Cosentino, y los diecisiete actores-cantantes estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos. Las funciones programadas se presentarán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela del 26 de febrero al 5 de marzo, y se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) y funciones para el público general (26, 27 y 28 de febrero y 4 y 5 de marzo) con un total de 9 sesiones. Tal y como se ha venido haciendo en las cuatro ediciones precedentes, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

La función escolar del martes 2 de marzo (11h00) será emitida en directo a través de Facebook, YouTube y la página web del Teatro.

El Proyecto Zarza, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone un éxito rotundo cada temporada. Desde que se iniciara hace ya cuatro, han ocupado las butacas del Teatro 26.000 espectadores que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’ y ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’, y otras decenas de miles que han podido disfrutar de ellas online.

El amor y la magia

Estos ‘Amores en zarza’ están concebidos de acuerdo con el espíritu, la filosofía y la intención que desde el principio mueven este admirable Proyecto Zarza: acercar el género de la zarzuela a las nuevas generaciones, “y qué mejor manera de hacerlo que a través de sus propias inquietudes”, señala Nando López. Para ello, esta historia que comienza en el anochecer de un 15 de agosto cualquiera del siglo XXI, con un grupo de jóvenes que se reúne en un parque de las afueras de la ciudad dispuestos a subirse a un Cercanías rumbo a la Latina para celebrar las fiestas de La Paloma. A partir de ahí suceden muchas cosas, se tejen esperanzas inesperadas con sueños pendientes y, como dice el propio autor, “quizá no sea el azar el verdadero culpable de cuanto ocurre en esta particular —y algo shakespeariana— noche de verano en la que se acabarán enzarzando las vidas de todos…”. La magia es crucial en este particular cuento. Real como la vida misma.

Esta nueva dramaturgia juega y se recrea con composiciones de zarzuelas como el Pasacalle de ‘El año pasado por agua’ de Chueca y Valverde, “A una gitana presiosa” de ‘La alegría del batallón’ de Serrano, ¡Qué partío has perdido, chiquillo!” y “La petenera” de ‘Don Manolito’ de Sorozábal, “Hágame usté el favor de oírme dos palabras” de ‘El año pasado por agua’ de Chueca y Valverde, “Yo soy español” de ‘La patria chica’ de Chapí, “Chinochilla de mi charniqué” y “¿Quién es usté?” de ‘La del manojo de rosas’ de Sorozábal, “Tambié yo me sofoco” de La boda de Luis Alonso” de Giménez, el Fandango de ‘Los burladores’, “Yo soy español” de ‘La patria chica’ de Chapí, ‘Bailar al fin podemos ya’ de ‘El baile de Luis Alonso’ de Giménez o el Pasacalle de ‘La alegría de la huerta’ de Chueca.

Sugestiva, dinámica, fresca y poderosa apuesta que una vez más celebra el compromiso del Teatro con los jóvenes artistas y los jóvenes espectadores.

Viernes 26 de febrero 19h00 (función abierta)

Sábado 27 de febrero 19h00 (función abierta)

Domingo 28 de febrero 12h00 (función abierta)

Lunes 1 de marzo 12h00 (función escolar)

Martes 2 de marzo 11h00 (función escolar) en directo en STREAMING

Miércoles 3 de marzo 11h00 (función escolar)

Jueves 4 de marzo 12h30 (función escolar) y 19h00 (función abierta)

Viernes 5 de marzo 11h00 (función escolar) y 19h00 (función abierta)

Pablo García-Lopez

El tenor Pablo García-López regresa el 3 de marzo al escenario del Gran Teatro de Córdoba, su ciudad natal, para ofrecer un programa de canciones de autores españoles entre los que se incluyen Óscar Esplá, Eduardo Toldrá, Falla, Turina o Antón García Abril.

“Es un programa que conozco muy bien y al que tengo enorme cariño. Soy un gran defensor de la canción española de concierto, que lamentablemente creo que se está perdiendo, especialmente en las interpretaciones de hombres, por lo que el concierto de Córdoba es una excelente ocasión para rescatar y valorar este gran repertorio”, señala el tenor.

No en vano, algunas de las canciones del concierto del día 3 de marzo se incluyen en el disco Rutas, grabado por Pablo García-López con Aurelio Viribay al piano en 2020. Las de Toldrá y Esplá, de las más conocidas de este concierto, por ejemplo, “son canciones con las he crecido –explica Pablo García-López- y gracias a ellas empecé a amar la música española”.

Tanto la canción española como el lied, que el tenor conoció profundamente en sus años de residencia en Alemania, son géneros con los que conecta muy bien en lo emocional y en lo técnico, por lo que forman parte importante de su repertorio y su carrera.

Pablo García-López actuará en Córdoba el 3 de marzo, tras su último trabajo en enero de este año en Manon Lescaut, de Puccini, en Baluarte de Pamplona. Su siguiente compromiso lo sitúa en mayo en la Ópera de Zúrich, con Capricho, de Richard Strauss.

GRAN TEATRO DE CÓRDOBA

LA CANCIÓN ESPAÑOLA

3 de Marzo de 2021 (hora por determinar)

Pablo García-López, tenor

Orquesta de Córdoba

Director: Carlos Domínguez-Nieto

I

PABLO LUNA (1879-1942): La canción española – El niño judío (1918) – Versión orquestal

OSCAR ESPLÁ (1889-1976): Canciones playeras (1930)

ANTÓN GARCÍA ABRIL (1933*): Canción de la noche blanca (1992)

EDUARD TOLDRÁ (1895-1962): Tres canciones castellanas (1941), La zagala alegre (Orq.-Ros Marbá), Madre unos ojuelos vi (Orq.-Toldrá), Nadie puede ser dichoso (Orq.-Ros Marbá)

JESÚS GURIDI (1886-1961): Amorosa de las “10 Melodías vascas” (1940)

II

FREDERIC MOMPOU (1893-1987): Combat del somni (1950)

TOMÁS BRETÓN (1850-1923): Polo gitano de “Escenas andaluzas” (1894)

JOAQUÍN TURINA (1882-1949): Poema en forma de canciones, op. 19 (1917) Dedicatoria, Nunca olvida, Los dos miedos, Cantares

MANUEL de FALLA (1882-1949): Jota de “El sombrero de tres picos” (1919)

Fotografía ©Javierr Salas

Artemandoline

Si bien autores como el abate Ranieri Capponi, Niccolò Susier, Nicola Romaldi, Giovanni Pietro Sesto da Trento o Francesco Piccone en la actualidad no son tan conocidos por el gran público como Vivaldi, Bach o Händel, su obra merece la pena rescatarla del olvido al tratarse de auténticas joyas del Barroco. Es lo que han realizado Juan Carlos Muñoz y Mari Fe Pavón, miembros fundadores del afamado grupo Artemandoline que, con sus instrumentos originales, vienen brindando nueva vida al repertorio de la mandolina barroca en todas sus expresiones. En Italian Baroque Mandolin Sonatas, su nuevo trabajo discográfico, ambos revisan obras maestras de los compositores antes citados aportando, además, primeras grabaciones mundiales de cinco obras nunca antes editadas en CD.

El repertorio del disco, producto de años de investigación musicológica, pertenece a un período muy fértil en la historia del instrumento y de la forma sonata. En la época del Barroco la mandolina estaba en pleno auge y eran muchos los músicos que se interesaron en explorar los nuevos medios de expresión que ofrecían, consolidando un gran refinamiento estético gracias al pleno desarrollo de la técnica interpretativa.

La sonata italiana, que llega a su punto álgido en este período, es la forma que predomina en un disco que se pasea entre los siglos XVII y XVIII centrado en creadores que resultaron ser auténticos precursores tanto de la forma como de la técnica interpretativa. “Al acercarnos a las sonatas de mandolina en esta grabación nos sedujo inmediatamente su alta calidad de escritura, su variedad y su lado jubiloso”, afirma Juan Carlos Muñoz. “Las sonatas son animadas y están imbuidas de movimientos contrastantes, marcados por cambios de carácter y de tempo”.

Se trata de composiciones de gran libertad en la estructura, “aspecto que, como intérpretes, también nos deja muy libres en la interpretación”, apunta Mari Fe Pavón. “El uso frecuente de patrones de bajo ostinato permite una forma más creativa de tocar que resalta en la interpretación la búsqueda de colores como modo de expresión. En relación a las posibilidades de articulación, los cambios de tempi y matices, podemos, en esta música, transcribir afectos y emociones abriendo un camino directo al corazón del público”. Juan Carlos Muñoz también puntualiza que “los colores buscados no se deben al azar, porque nuestro objetivo es que las sonatas ganen siempre en novedad y frescura. El bajo continuo, en este sentido, permitió muchas variaciones en instrumentos como el clavecín, órgano, violonchelo, tiorba, guitarra y violone”.

Para comprender mejor la tradición de la sonata italiana e identificar los rasgos estilísticos del repertorio instrumental “hay que saber apreciar el aporte de compositores como Capponi, Romaldi, Trento o Susier, relegados con demasiada frecuencia a un segundo plano en comparación con los compositores de esa época”, explica Mari Fe Pavón. “Se trata de músicos que con su obra contribuyeron al modelo compositivo de la sonata de principios del siglo XVIII, un género independiente en la vida musical de la época que se convirtió en parte integral del entretenimiento cortesano”.

Italian Baroque Mandolin Sonatas propone un programa ambicioso y fascinante que se pasea por lo mejor de la creación de la mandolina barroca de la época deteniéndose sobre todo en centros de producción tan importantes como fueron Florencia y Roma.

Con su disco más reciente, Venice’s Fragrance, grabado junto a la soprano Núria Rial, Artemandoline ha conseguido una nominación para los International Classical Music Awards 2021.

Artemandolina

ABAO Bilbao Opera

Tras el gran éxito de crítica y público recogido por la soprano Lisette Oropesa, que el pasado 6 de febrero puso en pie el auditorio del Euskalduna Bilbao en el primer recital del ciclo ABAO on Stage, ABAO Bilbao Opera presenta ahora los protagonistas de los próximos tres nuevos recitales: el debut en ABAO de la magnética mezzosoprano Anita Rachvelishvili, el indiscutible maestro y compositor Pedro Halffter, y el extraordinario dúo formado por el barítono Carlos Álvarez y la soprano Rocío Ignacio. Todos los recitales están patrocinados por la Fundación BBVA, patrocinador principal de la temporada.

La voluntad y el compromiso de ABAO Bilbao Opera sigue siendo ofrecer espectáculos en vivo y en directo y emocionar al público, tal y como lo ha hecho históricamente.

Respetando todos los protocolos sanitarios y de seguridad, y las medidas adoptadas para frenar el Covid 19, ABAO quiere demostrar su buena salud artística, haciendo gala de su reputación como institución operística de grandes voces, con seis selectos recitales con algunas de las figuras más aclamadas del momento, y representaciones en el Euskalduna Bilbao y en la Sociedad Filarmónica de Bilbao. El programa ABAO on Stage se desarrolla entre los meses de febrero a mayo.

Anita Rachvelishvili, la mejor mezzosoprano verdiana de la actualidad

  • La mezzo más destacada en roles que demandan voz poderosa y timbre seductor.
  • Una ocasión única para disfrutar del magnetismo y la potencia vocal de la artista, en un exclusivo programa para voz y piano.
  • Al piano el reconocido maestro Vincenzo Scalera.

El recital del sábado 27 de febrero a las 19:00h en el Euskalduna Bilbao lo interpretará la poderosa mezzosoprano Anita Rachvelishvili.

La cantante, que debuta en ABAO, está considerada como la reina indiscutible de las mezzos dramáticas. Apadrinada por Daniel Barenboim y bendecida por Riccardo Muti como “la mejor mezzosoprano verdiana de la actualidad”, Anita Rachvelishvili es una intérprete requerida por los mejores teatros del mundo cuya actuación deja sin aliento a quienes tienen la fortuna de verla en vivo y en directo.

Intérprete de raza, galardonada con el Opera Awards 2020 como “Best Singer”, la georgiana posee una impresionante potencia vocal que acapara la actualidad por su fuerte instinto dramático y temperamento arrollador.

La crítica internacional dice de ella que “seduce al público con su voz exuberante y timbrada, amplio registro, intensa expresividad y magnética presencia escénica”.

El programa está marcado por piezas y arias que son significativas para la artista, donde explora la parte más dramática del repertorio de mezzosoprano y estará acompañada al piano por el conocido maestro italiano Vincenzo Scalera.

Comenzará el recital con grandes nombres del repertorio ruso con “Un corazón solitario”, “Noche” y “Reconciliación”, de Chaikovski, tres canciones dedicadas al amor y sus sufrimientos, a las que seguirán tres piezas de delicada melancolía: “Aquí se está bien”, “¡Oh! No te aflijas” y “No cantes más” de Serguéi Rajmáninov. Las piezas eslavas darán paso a “Siete canciones populares españolas” de Manuel de Falla, un alarde lleno de pasión, fuerza y expresividad.

La segunda parte comenzará con el italiano Francesco Tosti con “Non t’amo più” y “Tristezza”, que demuestra la versatilidad de la artista, y continuará con las famosas arias de Il Trovatore, “Stride la vampa” y Don Carlo, “Nel giardin del bello saracin ostello” de Verdi, una pieza de carácter lírico que exige agilidades donde la artista destaca por la explosión brillante de sus medios vocales. Concluye el programa con el aria “Mon coeur s’ouvre à ta voix” de Samson et Dalila, donde Rachvelishvili transmite toda la fuerza, el intimismo y la intensidad de seducción de la ópera de Saint-Saëns.

Pedro Halffter, la ebullición creativa del maestro y compositor

  • Experto en el esplendor del repertorio alemán.
  • Sus actuaciones destacan por su sensibilidad emocionante y compleja.
  • Una sorprendente y personal interpretación a piano de la magnífica producción wagneriana.

El director de orquesta y compositor Pedro Halffter, considerado el director español de referencia en el repertorio wagneriano, y que la temporada pasada dirigió un magnífico Der fliegende Holländer en ABAO, actuará en la Sociedad Filarmónica el 13 de marzo a las 19:00h.

Halffter, celebrado y aplaudido en el mundo de las artes donde destaca por su enorme y compleja sensibilidad, y aclamado como uno de los directores más importantes del repertorio sinfónico de su generación, nos invita a un viaje emocionante por las páginas más famosas del repertorio wagneriano, con un programa para piano que incluye piezas de Parsifal, Der fliegende Holländer, Götterdämmerung, Rienzi y Tristan und Isolde.

El maestro hará una breve introducción comentada a cada pieza, aportando un importante valor añadido al excepcional programa, y transmitiendo de forma completa el impulso creativo y la originalidad de la obra de Richard Wagner.

La fusión vocal de Carlos Álvarez y Rocío Ignacio

  • Barítono y soprano en perfecta simbiosis que revela los territorios artísticos en el que destacan ambos artistas.
  • Un programa extenso con dúos y arias de conocidas óperas.
  • Al piano el maestro bilbaíno Rubén Fernández Aguirre.

El recital del dúo formado por el carismático Carlos Álvarez una de las voces más bellas de barítono lírico verdiano de las últimas décadas, y la versátil Rocío Ignacio una de las sopranos más destacadas de su generación, intérpretes muy queridos por el público bilbaíno, se celebrará el 17 de abril a las 19:00h en la Sociedad Filarmónica.

Álvarez e Ignacio, poseedores de una dilatada y contrastada carrera profesional, darán muestra de su desenvoltura escénica y gran personalidad a través de un programa extenso, con dúos y arias de óperas tan conocidas como: Henry VIII, Louise, Hamlet, Turandot, Zazà. Paggliacci, Un ballo in maschera, Simon Boccanegra e Il Trovatore.

Acompañados al piano por el maestro vasco Rubén Fernández Aguirre, darán muestra de su dominio, elegancia, sabiduría dramática, fusión vocal y lírica conmovedora.

Fundación BBVA: impulso al conocimiento científico y cultura

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.

Entradas a la venta

Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: 15€ para los jóvenes Gazteam ABAO, 20€ y 40€ para los socios de ABAO joven y adulto respectivamente, y 30€-60€ precio de venta al público joven hasta 30 años y adulto.

Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100

Norma

Música, drama y emoción serán absolutos protagonistas del escenario del Teatro Real con la llegada de Norma, ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835), de la que se ofrecerán 12 funciones entre el 3 y el 19 de marzo en una nueva producción concebida por el director de escena Justin Way, con dirección musical de Marco Armiliato.

Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, y con ella Bellini manipula como nadie las emociones más encendidas del melodrama. Norma posee, además, una extraordinaria dramaturgia que expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer. Es, quizás, esa percepción fuerte y moderna del mundo femenino la que hace de esta ópera uno de los títulos más deseados de la temporada.

Justin Way sitúa la acción en el interior de un viejo teatro italiano con toda la compañía ensayando Norma. En el exterior, el siglo XIX, que ha comenzado marcado por el Congreso de Viena tras la derrota de Napoleón, mantiene el norte de Italia bajo la dominación austriaca, cuyo gobierno reaccionario provoca el nacimiento de los primeros movimientos nacionalistas. Entre ambos mundos, los dos intérpretes principales de la función mantienen una relación secreta sometida a tensiones personales y sociales, inmersa en un conflicto que no saben gestionar.

La propuesta plantea un paralelismo entre el argumento de la ópera y la realidad histórica del momento de su estreno en Milán en 1831, ofreciendo al espectador la dualidad prima donna/Norma, austriacos/romanos, coro/patriotas italianos…en una narración de la que es doblemente observador.

La escenografía de Charles Edwards reproduce la estructura de un teatro en decadencia, con viejos telones pintados similares a los utilizados por los grandes ballets románticos, y el vestuario de Sue Willmington dibuja una imaginativa indumentaria para druidas y romanos, muy al gusto de la época, alternándose con figurines decimonónicos para la vida “real”. Nicolas Fischtel, responsable de la iluminación, evoca las candilejas de los escenarios de otros tiempos, cuya cálida luz contribuye al juego onírico en el que conviven ambas realidades.

El maestro Marco Armiliato, de cuya sensibilidad pudimos disfrutar en Tosca (2004) y Madama Butterfly (2017) regresa al foso del Teatro Real para ponerse al frente del Coro y la Orquesta Titulares, junto a un doble reparto encabezado por la soprano española Yolanda Auyanet – a quien escuchamos en el Real como Vitellia en La clemenza di Tito (2016); Mimi en La bohème (2017) y Liu en Turandot (2018)- y la rusa Hibla Gerzmava, intérprete de Leonora en Il trovatore del Real en 2019.

Completan el trío protagonista los tenores Michael Spyres y John Osborn, encarnando al romano Pollione y las mezzosopranos Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa, dando vida a la virginal Adalgisa. El papel de Oroveso estará en manos de los bajos Roberto Tagliavini y Fernando Radó.

En torno a este título, el Teatro Real ofrecerá una nueva sesión de Enfoques en la que participarán los principales artistas de la producción y donde se interpretará el aria de Oroveso compuesta en 1837 por Richard Wagner “a la manera de Bellini”, en complicidad con el compositor de Siegfried, cuyas representaciones se alternarán durante este mes con Norma. La cita será el próximo miércoles, 24 de febrero, a las 20.15 horas en la Sala Gayarre (a la que se puede asistir con aforo limitado) y on line a través del canal de Youtube del Teatro. Y el día 14 de marzo, con el tono alegre y desenfadado de los talleres familiares ¡Todos a la Gayarre!, entre pócimas y conjuros, descubrirán la otra cara de Norma.

Debido al toque de queda vigente en la Comunidad de Madrid, relativa a los protocolos Covid-19, todas las funciones de Norma darán comienzo a las 19.00 horas, con excepción del domingo 7 de marzo, que será a las 18.00 horas.

ACTIVIDADES PARALELAS · NORMA

Museo Arqueológico Nacional

24 de marzo, a las 17.30 horas. Visita guiada: Norma. Veni, vidi, vici. Roma conquistadora

Aforo limitado. Información

Veni, vidi, vici. Así señalaba Julio César la rapidez con la que se consigue un éxito. En este itinerario nos trasladamos a época romana para conocer cómo se fue forjando lo que acabaría siendo uno de los mayores imperios. Un ejército muy bien estructurado, una lengua común, el derecho romano y otros aspectos serán claves para la romanización de Hispania.

Museo Nacional del Romanticismo

Marzo. Una obra, una ópera.

Actividad gratuita

Para Una obra, una ópera, el Museo del Romanticismo ha seleccionado un conjunto de figuras policromadas de su colección, datado hacia 1840, que recuerda a una escena de la ópera en la que Norma, cuchillo en mano, entra en la habitación donde duermen los niños. Polión, por su parte, con su mano derecha en el corazón parece conmovido en la escena final de la obra, en el momento en el que Norma expresa ante el pueblo su amor por Polión y reconoce haber infringido sus votos sagrados.

Fotografía: Javier del Real

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Siegfried, el heroicoSiegfried
Richard Wagner (1813-1883)
Segunda jornada en tres actos del festival escénico Der Ring des Nibelungen
Estrenada en el Festtspielhaus de Bayreuth en 1876
D. musical: Pablo Heras-Casado
D. escena: Robert Carsen
Escenógrafo y figurinista: Patrick Kinmonth
Iluminador: Manfred Voss
Orquesta Titular del Teatro Real
Reparto: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler. Jongmin Park, Okka von der Damerau, Ricarda Merbeth, Leonor BonillaEn momentos extraordinarios, hacer el trabajo de cada día puede convertirse también en algo extraordinario. Eso está ocurriendo en el Teatro Real, que continua con su programación y estos días representa la tercera entrega del Anillo wagneriano, nada menos que ‘Siegfried’.Y lo hace sin que le falte de nada. ¿Qué la orquesta no cabe en el foso, por aquello de la distancia de seguridad?, pues se reparte por los palcos de platea. Arpas a un lado, metales a otro. ¿Qué la obra dura casi cinco horas y a las 22:00 hay que estar en casa?, pues se empieza a las 16:30. ¿Qué es mucho tiempo en una sala cerrada para tanto público?, pues se mejora el sistema de renovación de aire y en lugar de renovarlo 4 veces a la hora, se renueva 8. ¿Qué coincide con las representaciones de Norma?, ¡pues como en otras ocasiones!, ¿dónde está el problema?. Está claro que el problema lo tienen otros.Llegamos con Siegfried a la segunda jornada del festival escénico Der Ring des Nibelungen. Aunque en realidad es la tercera de la tetralogía, ya que Wagner compuso esta obra descomunal empezando por el final, demostrando su control sobre la unidad dramática mucho antes de iniciar su composición.Todo empezó hace dos temporadas con Das Rheingold, donde Wagner contextualiza la historia. Continuó la temporada pasada con Die Walküre, que nos muestra los orígenes del protagonista. Ahora llega Siegfried, que expresa su máximo esplendor. Y la próxima temporada veremos Götterdämmerung, que narra el ocaso y derrota del personaje.En este aparente caos en el orden compositivo, Wagner realizó varias interrupciones y diversas modificaciones, tanto en el libreto como en la partitura, durante la composición de Siegfried. En mayo de 1857, abandona la composición de esta obra en pleno segundo acto para centrarse en Tristan und Isolde y Die Meistersinger von Nürnberg. No sería hasta doce años después, en 1869, cuando reanudó su composición que dio por terminada del todo en 1871.

Fascinado por la mitología y amante de la naturaleza, Wagner crea un universo oscuro presidido por la destrucción. Y los dioses, que son muchas veces metáfora del ser humano, personifican esta destrucción.

Dentro de este universo de devastación, Wagner ve en Siegfried el modelo de hombre nuevo, que está libre de moral y convenciones sociales, que no se sujeta a las leyes que rigen el mundo y que es capaz de enfrentarse sin miedo a los dioses. Pero este comportamiento casi heroico es también muy inocente, pues Siegfried no es consciente de que sus hazañas benefician a aquellos contra los que lucha, el universo desolador en el que reina Wotan.

Como esta es la crónica del ensayo general, no hablaremos de las voces. Pero si quiero advertir de su excelente nivel, sobre todo el Siegfried del tenor austríaco Andreas Schager, que opina que ”para hacer Siegfried no hay que tener miedo a nada”, y Schager demuestra no tenerlo.

El resto de voces están a una gran altura. Mucha calidad en este reparto con Ricarda Merbeth, como Brünnhilde. El Mime del italiano Andreas Conrad. Tomasz Konieczny, como el caminante. El nibelungo Alberich interpretado por Martin Winkler. El coreano Jongmin Park como Fafner. Erda, la diosa de la tierra, magnífica en la voz y la interpretación de Okka von der Damerau y la sevillasa Leonor Bonilla, que se encargó de poner voz al pájaro del bosque.

Como en el resto de la tetralogía, Siegfried requiere de una orquesta de dimensiones máximas y desconocidas hasta ese momento. Es aquí donde el Teatro Real obra el primer milagro, y haciendo de la necesidad virtud, manteniene las seis arpas que exige el compositor situadas en uno de los palcos de platea, los más próximos al foso. En el palco opuesto, se sitúan el grupo de metales más graves. De esta forma, el grueso de la orquesta apenas ha quedado reducida. Tan solo se ha prescindido de algunos elementos de cuerda, un par de violines, un par de chelos… El resultado sonoro es envolvente, pero evidencia algunas dificultades a la hora de empastar o de mantener ciertos equilibrios sonoros.

Para abordar la escenogafía, Robert Carsen y Patrick Kinmonth, utilizan como metáfora la destrucción de la naturaleza, dando continuidad a la línea iniciada hace dos temporadas. El resultado escénico es, básicamente, feo y desolador.

Carsen descontextualiza completamente la música de Wagner y lo cede todo a un espectáculo, que no es tal. La naturaleza aparece devastada, el pájaro está muerto, los árboles han sido talados y solo la inocencia de los dos protagonistas despiertan un poco de luz y esperanza.

Se limita a ejercer la crítica sobre el cambio climático de manera simple y llena de lugares comunes, con escenografías cada vez más austeras y minimalistas. La belleza permanece ausente de sus producciones actuales. Como nos acordamos de aquella Katia Kavanovà (2008) o Dialogues de carmélites (2006).

Otro éxito que se apunta el Teatro Real ante la incredulidad y el asombro del resto de teatros del mundo. Como dice su director, Joan Mataboch (que como Siegfried, no tiene miedo a nada), el secreto está es anticiparse a los acontecimientos para dar solución a los posibles problemas. Lo que está claro es que si se quiere respirar aire limpio hay que ir a Teatro Real.

Texto: Paloma Sanaz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Daniele Rustioni

Daniele Rustioni dirigirá las representaciones de ‘Falstaff’, de Verdi, que el Palau de les Arts ha programado en los días 2, 7, 11 y 14 de marzo.

Rustioni es uno de los jóvenes directores con mayor proyección en el circuito operístico. Premiado en los Opera Awards de 2013 como artista revelación, ha trabajado en los teatros más respetados como la Ópera de Baviera, la Scala de Milán, el Covent Garden de Londres, la Bastilla de París, el Metropolitan de Nueva York o las óperas de Zúrich y Stuttgart.

El ascendente director milanés toma el relevo en el foso al neoyorquino James Gaffigan que, por cuestiones de agenda, no ha podido atender el nuevo periodo de funciones de esta ópera, que tuvo que ser aplazada el pasado mes de enero por motivos sanitarios.

Rustioni comenzará esta próxima semana los trabajos con el elenco y los cuerpos estables de Les Arts: el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, a los que dirige por primera vez en su carrera. En este sentido, Les Arts informa de que se mantienen los principales intérpretes que se anunciaron para este título.

Ambrogio Maestri se pondrá una vez más en la piel de Sir John Falstaff, papel de referencia en su currículo. El barítono italiano se erige como el gran intérprete de su generación del ‘bon vivant’ que retrató Shakespeare y que ha encarnado en La Scala, el Festival de Salzburgo, el Metropolitan y la Ópera de París, además de en Zúrich, Múnich y Tokio.

Ainhoa Arteta hará finalmente su debut operístico en Les Arts como Alice Ford. La soprano guipuzcoana interpretará ante el público valenciano uno de los roles que más éxitos le han brindado en la escena internacional, en teatros como la Ópera de San Francisco o el Covent Garden de Londres.

Regresa también para este nuevo ciclo de representaciones Violeta Urmana, una de las divas predilectas de la platea de Les Arts por sus trabajos en ‘Parsifal’, ‘Iphigénie en Tauride’, ‘Medea’ o ‘Don Carlo’. La estrella lituana presenta una nueva incursión en su repertorio de ‘mezzosoprano’ con un rol inédito en su dilatada carrera, Mrs. Quickly.

El barítono italiano Davide Luciano, que recientemente debutó en València con ‘Così fan tutte’, da vida a Mr. Ford. Reconocido por sus incursiones en la ópera clasicista y belcantista, se ha revelado como uno de los nuevos valores en su tesitura con trabajos en Nueva York, Milán, Berlín o Moscú. Davide Luciano sustituye a Mattia Olivieri, que por motivos artísticos no podrá estar en València para las nuevas fechas.

Contrastados intérpretes completan el elenco de la producción, con Sara Blanch (Nanetta), Chiara Amarù (Mrs. Meg Page), Juan Francisco Gatell (Fenton), Jorge Rodríguez-Norton (Dr. Cajus), Antonio Di Matteo (Pistola) y el cantante del Centre de Perfeccionament Joel Williams (Bardolfo).

Les Arts presentará la comedia crepuscular de Verdi en la misma producción de la Staatsoper de Berlín que presentó el pasado mes de enero, con dirección escénica de Mario Martone, con escenografía de Margherita Palli, vestuario de Ursula Patzak, iluminación de Pasquale Mari y coreografía de Raffaella Giordano y Anna Redi.

La propuesta de Martone traslada la acción a la actualidad, en una gran metrópoli, con sus grafitis, clubes de dudosa reputación y personajes anacrónicos. Sir John Falstaff se convierte en un espíritu rebelde, fiel a su chaqueta de cuero y a sus patillas, que envejece pasando su tiempo en una especie de centro comunitario junto con turbulentos personajes.

Fotografía de Davide Cerati

Teatro Real

El próximo 18 de febrero se inaugura la segunda edición del Ciclo Jóvenes Talentos Fundación Banco Sabadell, una iniciativa organizada por la Fundación Amigos del Teatro Real en colaboración con la Fundación Banco Sabadell y con la participación de los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. En esta segunda edición se incorporarán sesiones formativas a cargo de algunos de los directores musicales y escénicos que participan en las producciones del Teatro Real, que ayudarán a los jóvenes músicos a profundizar en el conocimiento de las óperas programadas en la presente temporada, vinculando sus explicaciones con el repertorio del Ciclo.

Las sesiones, que tendrán lugar en la Sala Gayarre del Teatro Real y en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, tienen como objetivo proporcionar una experiencia formativa y una oportunidad profesional a los jóvenes alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, al mismo tiempo que ofrecen contenido cultural y artístico con acceso gratuito a los Amigos Jóvenes del Teatro Real, estudiantes y Amigos Jóvenes de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.

Tomando como referencia las óperas de la Temporada 2020-2021 del Teatro Real, el ciclo se inaugura con oberturas de Wagner, cuya ópera Siegfried se está representando estos días en el escenario madrileño.

El segundo concierto contará con un repertorio clásico y romántico, de Joseph Haydn a Vincenzo Bellini, en consonancia con la ópera Norma, en escena durante el mes de marzo en el Teatro Real.

La tercera cita del Ciclo ofrecerá obras de Benjamin Britten, autor de Peter Grimes, y para el último concierto se ha diseñado un programa dedicado al barroco musical, con piezas de Johann Sebastian Bach, Benedetto Marcello y Antonio Vivaldi, éste último de autor de la ópera Orlando Furioso, cuyo estreno tendrá lugar el próximo mes de junio en el Teatro Real.

CICLO JÓVENES TALENTOS FUNDACIÓN BANCO SABADELL

Concierto nº1
Fecha: Jueves, 18 de febrero, a las 19:30 horas
Ópera en cartel: Siegfried, de Richard Wagner
Programa:
RICHARD WAGNER: Oberturas de Tannhäuser, Lohengrin y Parsifal
FRANZ LISZT: Sonata para piano en Si menor
HENRYK WIENIAWSKI: Fantasía para violín y piano sobre temas de la ópera “Faust”, de Gounod, Op.20

Concierto nº2
Fecha: Martes, 2 de marzo, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Norma, de Vincenzo Bellini
Programa:
JOSEPH HAYDN: Cuarteto de cuerdas en Mi bemol Op.33 nº2
VINCENZO BELLINI: Concierto para oboe y piano en Mi bemol mayor
ANTONIO PASCULLI: Omaggio a Bellini, para corno inglés y piano
FRÉDÉRIC CHOPIN: Nocturno Op.27, nº2 en Re bemol mayor; Vals Op.64 nº3 en La bemol Mayor y Balada nº4 en Fa menor, Op.52

Concierto nº3
Fecha: Jueves, 29 de abril, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Peter Grimes, de Benjamin Britten
Programa:
BENJAMIN BRITTEN: Cuarteto-fantasía para oboe y cuerdas Op.2, Cuarteto de cuerdas nº2 en Do mayor, Op. 36 y Lachrymae para viola y cuarteto de cuerdas, Op.48

Cuarteto nº 4

Fecha: Martes, 29 de junio, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi
Programa:
ANTONIO VIVALDI: Concierto para fagot en Sol menor, RV 495
ANTONIO VIVALDI / JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto en Re mayor, BWV 972
ANTONIO VIVALDI: Concierto para oboe La menor, RV 461
BENEDETTO MARCELLO /JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto en Re menor, BWV 974
JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto de Brandemburgo nº5 en Re mayor, BWV 1050

Capilla Gerónimo

El ciclo Notas del Ambigú 20/21 del Teatro de la Zarzuela propone en su nueva apuesta un sorprendente viaje del Renacimiento al Barroco español a través de las influencias que la música profana y sacra ejercieron entre sí en tiempos en que las representaciones teatrales, que antes quedaban adscritas al ámbito litúrgico, comenzaban a tomar un carácter más profano para, poco a poco, salir del templo al teatro. De ahí el título de este recital de la Capilla Jerónimo de Carrión, liderada por Alicia Lázaro. ‘Del templo al teatro. Dos siglos de música sacra y profana’, se presentará el jueves 15 de febrero a las 19h00.

Acompañarán en esta ocasión a Alicia Lázaro –dirección, laúd y guitarra barroca–, la soprano Delia Agúndez, el tenor Ariel Hernández, la arpista Sara Águeda y María Alejandra Saturno a la viola da gamba.

Con un programa integrado con músicas de Juan de Urrede, Francisco Guerrero, Juan Hidalgo o Sebastián Durón, entre otros compositores, los intérpretes recorrerán en su hipnótico viaje dos siglos de música sacra y profana.

Y es que, como recuerda Alicia Lázaro, en nuestra península y con la cristianización, los templos sustituyeron a los teatros romanos como lugares de encuentro. “La liturgia es la nueva forma de representación: un conjunto de ritos por medio de los cuales la Iglesia manifiesta su devoción”, explica, y recuerda que “es en los templos católicos donde aparecerán las primeras muestras de teatro, los tropos y secuencias, los primeros indicios dramáticos en el occidente cristiano”.

Con estos antecedentes, no es de extrañar que templos y teatros pronto hayan compartido sus músicas.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de la Capilla Jerónimo de Carrión de Alicia Lázaro, seguirá el que la soprano Cristina Toledo, acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo); Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo); la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril); la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

L'isola disabitata

Los artistas del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts estrenan este próximo sábado, 13 de febrero, ‘L’isola disabitata’, de Manuel García, en el Teatre Martín i Soler.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, acompañado por el director de escena del montaje, Emilio Sagi, ha presentado hoy esta obra, que supone una nueva apuesta por la apertura a nuevos autores, además de una excelente oportunidad para los intérpretes del Centre de Perfeccionament.

Manuel García, según ha explicado Iglesias Noriega, es una figura fascinante de la vida cultural del siglo XIX. El sevillano fue cantante, compositor, actor, empresario, maestro de canto y fundador de una dinastía musical que ha llenado páginas en la historia de la lírica.

“Amigo personal de Gioachino Rossini y primer intérprete de sus títulos más importantes; padre de dos divas legendarias como las cantantes María Malibrán y Pauline Viardot-García, y también progenitor de Manuel Patricio Rodríguez García, el maestro de canto más influyente de los siglos XIX y XX, tanto su figura como su obra merecen ser objeto de estudio y reconocimiento”, ha explicado.

Para ello, Les Arts programa ‘L’isola disabitata’, una ópera de cámara —con libreto del poeta Pietro Metastasio— concebida para cuatro cantantes y acompañamiento pianístico que García compuso en 1831, un año antes de su muerte, y que, gracias a Emilio Sagi, ha vuelto al repertorio de los teatros españoles.

El director de escena ovetense dirige este montaje del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, con escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Pepa Ojanguren e iluminación de Albert Faura.

Los artistas del Centre de Perfeccionament de Les Arts conforman el equipo artístico de la producción. Con el pianista Carlos Sanchis en el acompañamiento musical, Larisa Stefan (Costanza), Evgeniya Khomutova (Silvia), Jorge Franco (Gernando), Oleh Lebedyev y Max Hochmuth (Enrico) interpretan esta ópera de un solo acto y de 1 hora y 30 minutos de duración.

Ópera de salón

Según ha apuntado el propio Emilio Sagi, Manuel García compuso en sus últimos años ‘L’isola disabitata’. La obra forma parte del ciclo de óperas de salón que el tenor sevillano dejó escritas durante su periodo al frente de su respetada escuela de canto en París.

La partitura, pese a haber sido compuesta para sus alumnos, entraña una gran dificultad para los cantantes, con páginas de gran intensidad, “arias que recuerdan a Bellini, Donizetti o Rossini, los dúos del barítono y la ‘mezzo’ o una introducción musical con visos de gran obertura”.

La acción de ‘L’isola disabitata’ se desarrolla en una isla desierta donde Gernando ha llevado a su esposa, Costanza, y su hermana, Silvia, para refugiarse. Una noche, mientras duermen, Gernando es secuestrado por unos piratas. Ambas mujeres quedan abandonadas a su suerte en el lugar.

A la hora de plantear la puesta en escena, el director de escena propone un montaje quirúrgico, poco narrativo y nada realista. “Lo que más me gustó fue pensar que una isla deshabitada puede ser cualquier sitio. Todos podemos tener nuestra propia isla o en algún momento haber sentido que vivimos en una porque no encontramos a nadie con alma alrededor”, explica Sagi.

Para ello, la escenografía diseñada por Daniel Bianco cambia la vegetación y las rocas por sillas, “que son un elemento cotidiano”, mientras que Pepa Ojanguren propone un vestuario limpio y sencillo, inspirado en la moda Adlib ibicenca.

Además del estreno de este sábado, 13 de febrero, Les Arts ha programado dos funciones más de ‘L’isola disabitata’ los días 19 y 21, así como dos representaciones (16 y 24) reservadas para el Programa Didáctico. Las localidades para este espectáculo tienen un precio único de 35 euros.

Castelló y Alcoy

Según ha remarcado Jesús Iglesias Noriega, Les Arts continuará esta temporada con acciones que permitan exportar su programación más allá del edificio diseñado por Santiago Calatrava dentro de la vocación autonómica del actual proyecto artístico.

Por segundo año consecutivo, los artistas del Centre de Perfeccionament y el equipo técnico del teatro viajarán a Castelló para ofrecer un espectáculo operístico. El próximo 4 de marzo, el Teatro Principal acogerá una representación de ‘L’isola disabitata’, con la que se busca ampliar la presencia de Les Arts en la capital de La Plana junto con acciones ya consolidadas como los recitales del Centre de Perfeccionament en el Museo de Bellas Artes y los conciertos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Auditori.

Asimismo, el Calderón de Alcoy se convertirá el próximo 7 marzo en el primer teatro de la provincia de Alicante que albergue una representación de un montaje de Les Arts. La localidad alicantina, capital cultural valenciana de 2021, cerrará el ciclo de funciones de esta ópera de Manuel García.

Fotografía ©Mikel Ponce_Les Arts

LÜ Jia

Mañana, 12 de febrero China dará la bienvenida al Año del Buey, una fecha que tradicionalmente se celebra de forma festiva, dentro y fuera de sus fronteras, y que este año estará marcada por las restricciones provocadas por el COVID-19, que limitarán todas las actividades organizadas en torno a esta fecha, concentrando todos los eventos de forma virtual.

El Teatro Real ha querido sumarse a estas celebraciones con la retransmisión en su plataforma de vídeo, My Opera Player, del Concierto para el Año Nuevo Chino celebrado en Pekín el pasado 13 de diciembre en el National Centre for Performing Arts (NCPA), en el que su orquesta titular, dirigida por Lü Jia, interpretó música popular china, clásicos occidentales y conocidas arias de ópera.

Así, junto a la Oda a la Bandera Roja, de Lyu Quiming, y el Capricho del Lago Honghu para erhu y orquesta, que contó con la participación de Deng Jiandong en el delicado instrumento oriental, los asistentes pudieron escuchar conocidas arias de ópera como “Una furtiva lagrima”, del L’Elisir d’Amore de Gaetano Donizetti; “Mercè, dilette amiche”, de I Vespri Siciliani de Giuseppe Verdi y el brindis de La Traviata, interpretados por la soprano Hui He y el tenor Jinxu Xiahou junto al coro y orquesta de la NCPA.

El concierto se ha unido también a las celebraciones del Año Beethoven al incluir en el programa la Obertura Egmont y el Concierto para Piano Núm. 5 en Mi Bemol Mayor, con Haochen Zhang como solista.

El Teatro Real forma parte de la Silk Road International League of Theaters (Liga Internacional de Teatros de la Ruta de la Seda), plataforma cultural creada por el gobierno chino para promocionar el intercambio artístico en el ámbito de las artes escénicas entre el país asiático y los demás países miembros, un total de 56, entre los que se encuentran Estados Unidos, Rusia y Francia.

My Opera Player cuenta con la participación tecnológica de Telefónica y el patrocinio de Endesa.

Annalisa Stroppa

La mezzosoprano italiana vuelve al coliseo madrileño ahora con la ópera de Bellini e interpretando a uno de sus personajes favoritos en una temporada que también la llevará a actuar en Nápoles, Piacenza, Florencia, Festival de Savonlinna en Finlandia y al Festival Arena de Verona.

Adalgisa es un personaje de una pureza extraordinaria”, afirma la cantante italiana Annalisa Stroppa ante su próximo compromiso madrileño con la ópera Norma de Vincenzo Bellini. Nacida en Brescia, Stroppa se ha impuesto en las programaciones de los grandes teatros del circuito internacional y ahora acaba de llegar a Madrid para iniciar los ensayos de la ópera belliniana, cumbre del bel canto romántico, que ha programado el Teatro Real. Con dirección de escena de Justin Way y con Marco Armiliato en el podio, Annalisa Stroppa asumirá el rol de la joven sacerdotisa los días 4, 7, 10, 13, 17 y 19 de marzo en el escenario madrileño.

Cada vez que interpreto a Adalgisa disfruto de las vivencias de esta joven sacerdotisa atrapada en las redes de su primer amor. En ella todo es etéreo y la veo como una gran soñadora que, sin embargo, madura a lo largo de la ópera debido a la realidad a la que se enfrenta, muy lejana a sus fantasías, a causa del engaño de Pollione. Se trata de un personaje plagado de matices que procuro transmitir sumergiéndome en todos los sentimientos que el compositor plasmó en la partitura”, continúa la mezzo italiana. “Desde el punto de vista vocal es un rol difícil de interpretar y, al mismo tiempo, maravilloso; tengo claro que la belleza e ingravidez de las melodías de Bellini ayudan a que afloren los sentimientos más íntimos y profundos del ser humano; el suyo es sin duda el canto del alma, razón por la que adoro su música”, concluye.

Annalisa Stroppa conoce muy bien el personaje de Adalgisa, puesto que lo ha interpretado en grandes escenarios como los del Teatro Massimo de Palermo, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Calderón de Valladolid, el Teatro Verdi de Padua, el Staatstheater Wiesbaden, el Carlo Felice de Génova, el Colón de Buenos Aires, la Bayerische Staatsoper de Múnich o el Teatro San Carlo de Nápoles.

La mezzosoprano italiana se muestra entusiasmada de volver a España, un país, asegura, en el que se siente “como en casa. Me encanta la comida, el idioma, el carácter de la gente… Y es uno de los pocos países en los que, a pesar de la pandemia que tan negativamente ha afectado a la sociedad, ha sabido defender la cultura con teatros abiertos, los cuales están haciendo grandes esfuerzos para seguir adelante con sus programaciones con todas las medidas de seguridad necesarias. Por eso siento unas ganas inmensas de regresar ante el público madrileño”.

Tras su paso por Madrid, Annalisa Stroppa seguirá con su agenda internacional que la llevará al Teatro San Carlo de Nápoles para dar vida a Suzuki en Madama Butterfly, además de cantar el Requiem de Verdi en el Teatro Municipale de Piacenza, el rol de Preziosilla de La forza del destino en el Maggio Musicale Fiorentino, su aclamada Rosina de Il barbiere di Siviglia en el Festival de Savonlinna en Finlandia y Fenena de Nabucco en el Festival Arena de Verona.

Fotografía © Silvia Lelli

Annalisa Stroppa

Teatro Real

Siegfried en el Real

Se ofrecerán 8 funciones de la ópera, entre el 13 de febrero y el 14 de marzo, que se alternarán con la nueva producción de Norma, de Vincenzo Bellini.
En la producción de la tetralogía wagneriana concebida por Robert Carsen y Patrick Kinmonth, el joven Siegfried, llamado a ser un prohombre, va descubriendo un mundo decadente, contaminado e inhóspito, resultado de la sobreexplotación irresponsable de la naturaleza.
El primer director musical invitado del Teatro Real, Pablo Heras-Casado, estará nuevamente al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real.
Protagonizan la ópera Andreas Schager (Siegfried), Andreas Conrad (Mime), Tomasz Konieczny (El viandante/Wotan), Martin Winkler (Alberich), Jongmin Park (Fafner), Okka von der Damerau (Erda), Ricarda Merbeth (Brünnhilde) y Leonor Bonilla (Voz del pájaro del bosque).
Para interpretar la partitura de Siegfried guardando la distancia de seguridad sanitaria, los músicos de la Orquesta Titular del Teatro Real ocuparán, además del foso, 8 palcos a ambos lados del escenario.
Debido a la larga duración de la ópera (cerca de 5 horas) y al toque de queda vigente actualmente en la Comunidad de Madrid (22.00 horas), todas las funciones comenzarán a las 16.30 horas.
En torno a Siegfried se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real ­–Enfoques, La universidad a escena y ¡Todos a la Gayarre!–, en el Museo del Romanticismo y en la Universidad Nebrija.
El Teatro Real proseguirá la grabación audiovisual de La tetralogía para su distribución internacional y emisión en My Opera Player.
Radio Clásica, de Radio Nacional de España, retransmitirá en diferido la ópera, tal como ha hecho con los dos títulos anteriores de la saga.
El Teatro Real agradece a la Junta de Amigos el patrocinio de Siegfried.

Entre el 13 de febrero y el 14 de marzo el Teatro Real ofrecerá 8 funciones de Siegfried, de Richard Wagner (1813-1883), tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y la icónica puesta en escena de Robert Carsen y Patrick Kinmonth concebida para la Ópera de Colonia, donde la producción se ha repuesto en varias ocasiones, siempre con un gran respaldo del público y de la crítica.

En La valquiria, Wotan, el dios que articula las cuatro óperas de La tetralogía, acaba fracasando estrepitosamente en su intento férreo de dominar el mundo. La liberación de ese gran cometido le produce una suerte de relajación que encaja con la categoría de scherzo muchas veces atribuida a la ópera Siegfried. El dios, disfrazado de Viandante cuando le conviene, indaga, reflexiona y maquina sobre el rumbo de la ‘humanidad’, velando ahora por el destino mesiánico de su nieto Siegfried.

En los dos primeros actos de la ópera, Wagner se recrea recapitulando, de forma filosófica, especulativa, dialéctica, y muchas veces irónica, todo lo acaecido en El oro del Rin y La valquiria, mientras el joven Siegfried, llamado a ser el ‘Hombre Moderno’, va descubriendo el mundo como un niño salvaje, sin miedo, sin pasado y libre de ataduras atávicas, morales y afectivas.

Entre la partitura de estos dos actos casi íntegros –una genial y endiablada prosodia musical llena de evocaciones, predicciones y advertencias entrelazadas en un sinfín de leitmotiv– y la escritura del final del segundo acto y todo el tercero, hubo un interregno de doce años con importantes cambios en la biografía de Wagner y la creación de otras obras magnas: Tristán e Isolda y Los maestros cantores de Nuremberg.

Cuando retoma la composición de Siegfried, su lenguaje musical había experimentado una gran evolución y también su visión del devenir de la saga, enriquecida por ávidas lecturas filosóficas –de Bakunin a Schopenhauer–, vivencias políticas –en una Europa en plena revolución industrial y luchas nacionalistas– y también cambios radicales en su turbulenta vida amorosa.

En el tercer acto, paroxismo de El anillo, la música alcanza un alto voltaje orquestal y armónico, cuando el temerario, indómito e infantil Siegfried descubre el miedo y tiembla finalmente con el éxtasis del amor al contemplar a Brünhilde, liberándola de su castigo con un beso redentor. Con este final feliz y luminoso culmina el ascenso del héroe antes de su fatal desenlace en El ocaso de los dioses.

En su concepción de El anillo del nibelungo, Robert Carsen, junto con el escenógrafo y figurinista Patrick Kinmonth y el iluminador Manfred Voss, trasladan el visionario universo mitológico wagneriano a un mundo también metafórico, pero más cercano a nuestra realidad, confrontando al espectador con el poder destructivo del capitalismo voraz, cuando la ambición desmesurada de poder y de riqueza conduce inevitablemente a la destrucción de la humanidad, de las relaciones interpersonales y de los lazos familiares.

Siegfried, huérfano, ingenuo, ignorante y dotado de poderes que pueden cambiar el rumbo del universo, deambula, juega y se divierte peligrosamente en un mundo contaminado y agreste, ajeno a todas las manipulaciones y maquinaciones que le harán partícipe de la destrucción de la humanidad.

Ocho cantantes con destacadas voces wagnerianas protagonizarán la ópera: los tenores Andreas Schager (Siegfried) y Andreas Conrad (Mime), los bajo-barítonos Tomasz Konieczny (El viandante / Wotan) y Martin Winkler (Alberich), las sopranos Ricarda Merbeth (Brünnhilde) y Leonor Bonilla (Voz del pájaro del bosque), la mezzosoprano Okka von der Damerau (Erda) y el bajo Jongmin Park (Fafner).

Tomasz Konieczny volverá a encarnar a Wotan (aquí disfrazado de Viandante), después de su interpretación del papel en La valquiria, y Ricarda Merbeth repetirá como Brünnhilde, volviendo a terminar la ópera como encarnación del Amor.

Para mantener la distancia de seguridad sanitaria entre sus integrantes, la Orquesta Titular del Teatro Real interpretará la colosal partitura de Siegfried, bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, con el esfuerzo adicional de cuidar el equilibrio sonoro y la concertación con los músicos ubicados en el foso (con extensiones laterales) y en 8 palcos a ambos lados del escenario: en el izquierdo estarán la percusión y seis arpas –que tocan juntas solamente en el tercer acto de la ópera–, y en el derecho, la tuba, trompetas y trombones, que en Siegfried tienen una presencia mucho más discreta que en las restantes óperas de El anillo.

La gran gesta wagneriana culminará en la próxima temporada con El ocaso de los dioses, en la que seguiremos los pasos del héroe de la tetralogía, desde su glorificación hasta el cataclismo final, en la visión inquietante, pero también esperanzadora de Carsen y Kinmonth: un alegato en defensa de la naturaleza como un bien común que todos debemos preservar porque “solo la consciencia de los problemas de la humanidad y de nosotros mismos, permite su solución.”

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Pablo García-López

Vuelve a los escenarios por primera vez este año el tenor cordobés Pablo García-López, para participar en la Temporada lírica 2020/21 de la Fundación Baluarte los próximos días 5 y 7 de febrero.

Interpretará el papel de Edmondo, el maestro de música, en una versión semiescenificada de la ópera Manon Lescaut, con dirección de Susana Gómez. García-López se une al reparto encabezado por Berna Perles (Manon Lescaut) y Walter Fraccaro (Renato des Grieux), en el que también se incorpora la Orquesta Sinfónica de Navarra y el Coro lírico de AGAO, bajo la dirección musical de Manuel Hernández-Silva.

Es el tercer título Pucciniano que el joven cantante aborda, seguido de Tosca (2015) y Turandot (2014), este último se grabó en CD bajo la dirección musical de Zubin Mehta. En ocasiones anteriores ha interpretado en el auditorio Baluarte de Pamplona La Misa en do menor de Mozart (2018) y la única ópera de Beethoven Fidelio (2020).

Recientemente, el tenor interpretó La Adelfa por última vez en noviembre de 2020 en el Gran Teatro de su natal Córdoba, como parte del programa ‘La canción española’. El concierto se ha pospuesto hasta el 3 de marzo, donde presentará su primer álbum en solitario titulado Rutas, ganador del Melómano de Oro.

Para más información y venta de entradas

Fotografía © Baluarte

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Luisa Fernanda, o el deseo indómmito de luchar por la belleza
Luisa Fernanda
Federico Moreno Torroba
Libreto: Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw
Yeatro de la Zarzuela, Madrid, 28 de enero de 2021
D. musical: Karel Mark Chichon
D. escena: Davide Livermore
Escenografía: Giò Forma
Vestuario: Mariana Fracasso
Iluminación: Antonio Castro
Coreografía: Nuria Castejón
Diseño audiovisual: Pedro Chamizo
D. coro: Antonio Fauró
Orquesta y Coro Titulares del Teatro de la Zarzuela
Intérpretes: Yolanda Auyanet, Juan Jesús Rodríguez, Rocío Ignacio, Jorge de León, María José Suárez, Nuria García-Arrés, Emilio Sánchez, Antonio Torres, Didier Otaola, Rafael Delgado, César Diéguez, Julia Barbosa y Román Fernández-Cañadas.
El 30 de abril de 2020 estaba previsto el estreno en el Teatro de la Zarzuela de Luisa Fernanda. Pero como tantas cosas en aquellos días, Luisa Fernanda quedó aplazada, que no suspendida. Ahora llega de nuevo a un Madrid azotado, pero valiente, en ese “deseo indómito de luchar por la belleza”.Estrenada en Madrid en 1932, es una de las zarzuelas más populares y de mayor aceptación. Una de esas obras que podrían representarse en cualquier teatro del mundo y que está a la altura de cualquier obra del repertorio italiano.

En esta ocasión, el Teatro de la Zarzuela, siguiendo su afán de internacionalizar el género, ha querido contar como directores músical y escénico con el británico Karel Mark Chichon y el italiano Davide Livermore, respectivamente. Se trata de una manera más de acercarse a la zarzuela sin prejuicios y de mostrar otras visiones de ver y sentir nuestra lírica.
Es la primera zarzuela completa a la que se enfrenta Chichon, un profundo conocedor de nuestro repertorio lírico que, junto a su esposa, la mezzosoprano Elina Garança, demuestran su afecto al este género interpretándolo por todo el mundo.

El conocimiento que de la zarzuela tiene Davide Livermore es más reciente, se remonta a su etapa de intendente en el Palau de Les Arts. Se acerca al género con un profundo respeto a sus principios, pero con poco acierto al escoger los elementos que protagonizan la escena. No se por qué se empeñan muchos escenógrafos en hacer que todo gire, incluso, demasiado. Aparte de casi proyectar en uno de los giros escénicos a la pobre Luisa Fernanda, resulta mareante y distrae de la escena.
A Livermore, al que le gusta los elementos escénicos de buen tamaño, se le fue un poco la mano con la buena reproducción que ha hecho de la fachada del Cine Doré. Suerte que el cuerpo de baile el coro y los cantantes, tenían una buena dirección de actores y bien aprendida la puesta en escena. No era nada fácil, sobre todo en algunos momentos, moverse por un escenario lleno de trampas y en constante movimiento.
Resultó muy romántica la idea del cinematógrafo y la proyección, a modo de película, de distintas escenas de los protagonistas y otras de la época. Si, además, las proyecciones hubieran tenido coherencia entre ellas, el resultado habría sido brillante. Más acertada fue la escena de los vareadores, con una dehesa de Extremadura bien dibujada.
En definitiva, una escenografía exagerada que parecía la recopilación de elementos de distintas obras, todas ellas de épocas diferentes. Lo que viene a ser una escenografía de aprovechamiento.

La Orquesta titular del Teatro, a las órdenes de Chichon, sonó con gran dignidad, algo lenta en algunos momentos, pero con casticismo y color. Muy meritorio para un foso formado por apenas 23 maestros por cuestiones pandémicas.
Lo mismo ocurre con un coro reducido a cinco voces masculinas y cinco femeninas. La mascarilla no impidió una magnífica actuación, con algún pequeño desajuste inicial, y el reconocimiento del esfuerzo de todos estos profesionales que forman parte del Teatro de la Zarzuela.

La labor del director musical y de escena estuvo siempre apoyada en la capacidad teatral de un buen elenco de actores/cantantes sobre el escenario.

El personaje de Vidal estuvo interpretado por Juan Jesús Rodríguez. Antes del inicio de la obra se informó de su merma vocal causada por una laringitis. Fue muy meritoria su actuación, pero se notaban sus dificultades, sobre todo en la renuncia a los registros más agudos.

Luisa Fernanda corrió a cargo de Yolanda Auyanet, que se marcó de entrada un buen recitativo, previo a sus números musicales. Como bien dice Livermore, “los recitativos no son un descanso a la espera del número musical, tienen que estar bien sujetos por una buena actriz”. Este es el caso de Auyanet, que brilló en la interpretación apoyada en una buena declamación. Su voz ha perdido algo de agilidad, pero conserva un centro poderoso y un gusto exquisito en el fraseo.

A Jorge de León vamos a terminar cogiéndole manía por la villanía de muchos de sus personajes. Debe ser por clavarlos en la interpretación. Empezar con la romanza “De este apacible rincón de Madrid”, sin haber apenas entrado en materia, puede ser un hamdicap. De León comenzó algo destemplado para entonarse con el avance de la obra. Su emisión es limpia y potente, pero su canto resulta poco natural y con sonidos engolados.

La Condesa Carolina estuvo bien interpretada por Rocío Ignacio. Supo darle el punto de frivolidad y sofisticación que requiere este personaje. Posee una voz potente y buenos agudos, pero su excesivo vibrato impide una buena dicción.

María José Suarez, en el papel de Marisa, siempre es una garantía sobre el escenario. Su presencia escénica y capacidad actoral ponen siempre ese necesario punto histriónico en cada representación.
El resto de comprimarios estuvieron a muy buen nivel. Resaltar sobre todo el revolucionario Luis Nogales, de Antonio Torres y del veterano Emilio Sánchez, como Don Florito.

Una noche de zarzuela que nos rescata de la realidad. Siempre con el miedo de una suspensión en el último momento, pero manteniendo siempre este ejercicio de resistencia frente a la realidad. Pero ¡ojo!, que esto del teatro es tan real como todo lo demás.

William-Christie

Título insignia de la Ilustración, Platée es una joya barroca y también la página más alegre del compositor Jean-Philippe Rameau, que habla de la obsesión de la ninfa Platée por el amor de Júpiter.

La ópera, en versión concierto, se estrenará en España bajo la dirección de William Christie y Les Arts Florissants, y resonará por primera vez en el escenario del Liceu con las voces de Marcel Beekman, Emmanuelle de Negri, Jeanine de Bique, Emilie Renard y Edwin Crossley-Mercer.

El horario de la función se avanza a las 19h para permitir a todo el público poder volver a sus casas antes del toque de queda establecido por las restricciones de la pandemia.

El público del Gran Teatre del Liceu podrá disfrutar del estreno en España de la ópera Platée, en versión concierto, de Jean-Philippe Rameau el próximo 3 de febrero. A pesar de ser uno de los compositores operísticos más importantes de la Ilustración, raramente se le ha podido escuchar en nuestro país. Con la programación de la obra, el Liceu deja escuchar por primera vez entre sus paredes esta ópera barroca francesa, de la mano de uno de los mejores directores musicales especializados en este período: William Christie, con el conjunto vocal e instrumental Les Arts Florissants.

Un reparto artístico que se suma a un excelente elenco vocal, liderado por el tenor holandés Marcel Beekman (Platée), un veterano especializado en repertorio barroco. Completan el reparto un equilibrado conjunto de voces jóvenes y otros de afianzada trayectoria donde destacan las sopranos Emmanuelle de Negri (Amour / Clarine), Jeanine de Bique (La Folie), la mezzosoprano Emilie Renard (Junon), el bajo Edwin Crossley-Mercer (Jupiter), el tenor Cyril Auvity (Mercure) y el barítono Marc Mauillon (Cithéron).

Jean-Philippe Rameau compuso Platée para representarla en Versalles en 1745, con motivo de la boda de Luis XV con la infanta María Teresa de España. Era un evento especial y Rameau decidió hacerlo desde el humor y la danza, con rasgos de comedia lírica. A partir de un libreto original de Jacques Autreau, adaptado por Adrien-Joseph le Valois de Orville, la obra expone como la falsa vanidad conlleva el precio de la humillación y la burla. De este modo, la trama dibuja la obsesión de Platée (una ninfa acuática) por el amor de Júpiter y de cómo éste le prepara una gran broma. Al final, en plena boda, se hace visible el engaño, y Platée, humillada, salta volviendo a su pantano.

Platée es una obra más del período tardío del Barroco que se adentra en fuentes clásicas e historias mitológicas. Su lenguaje es más cercano al Settecento -las partes cantadas mantienen el equilibrio entre la narración y el despliegue virtuoso en los ornamentos-, completado por una orquestación vibrante, colorista y que sorprende por su maravillosa riqueza de matices. En este sentido, la partitura está llena de grandes momentos musicales como el que protagoniza Platée en el segundo acto con À la aspect de ce nuage, la parte individual más larga de toda la ópera. El personaje de La Folie también se enfrenta en el segundo acto a una pieza que requiere de una gran habilidad técnica y capacidad de concentración: Aux langueur d’Apollon. Jeanine De Bique será la encargada de cantar una tonada con subidas y bajas vertiginosas de escala, con una alta exigencia interpretativa.

Liceu, un espacio seguro

El Gran Teatre del Liceu ha trabajado desde el inicio de la pandemia para poder habilitar una serie de medidas adaptadas para garantizar la seguridad sanitaria dentro del Teatre. Un protocolo que tiene la finalidad de dar cumplimiento a la normativa del departamento de Salud y las condiciones específicas del Procicat en materia de espacios culturales.

Con la intención de asegurar al máximo que el Liceo sea un espacio seguro recordamos que es obligatorio el uso de mascarilla y gel hidroalcohólico dentro del Teatre. Entre otras medidas se encuentran el control de temperatura en los accesos, la desinfección constante de los espacios, la renovación permanente del aire a través de dos nuevos ventiladores que se han instalado el agosto del 2020, la inhabilitación del guardarropa, y el uso del formato digital para los programas de mano.

Para que el público pueda devolver en sus casas antes del toque de queda, el horario de la función será a las 19h

Fotografía: Oscar-Ortega

Luisa Fernanda

Con ‘Luisa Fernanda’ vuelve al Teatro de la Zarzuela un clásico de los escenarios líricos españoles y americanos. Y en esta ocasión lo hace de forma única y especial. El género de la zarzuela no debe aspirar a quedar encerrado en la jaula de oro de “lo español”, como un exótico señuelo para el público y los artistas foráneos, sino que por calidad, por relevancia y por mero sentido común, debe aspirar a “lo universal”. Por esta razón es una ocasión única el que al timón de este nuevo barco impulsado por el Teatro de la Zarzuela, estén nada menos que el italiano Davide Livermore –en la actualidad uno de los directores más reclamados y aclamados en los más importantes Teatros de ópera del mundo y responsable de la apertura del Teatro alla Scala de Milán en las dos últimas temporadas–, y el Maestro británico Karel Mark Chichon, gran conocedor, amante e infatigable difusor de la música española. Ambos convierten la obra maestra del compositor Federico Moreno Torroba y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw en un espectáculo teatral sorprendente y emocionante a través de su intrínseco lenguaje teatral y musical, que se presenta al público como un todo compacto.

El Teatro de la Zarzuela ofrecerá 14 funciones, entre el 28 de enero y el 14 de febrero, de este espectáculo musical total en torno a una de las más grandes creaciones del repertorio, definida por Livermore como “una obra de arte de la cultura española y de la cultura universal”. El regista turinés afirma que ‘Luisa Fernanda’ “tiene una partitura que llega siempre al corazón del público, y tanto antes como ahora y dentro de cincuenta o cien años, la belleza musical de esta obra ha tenido, tiene y tendrá una atracción especial para todos los que llegamos a ella.”

Por su parte, el Maestro Karel Mark Chichon, que por primera vez dirige una producción de zarzuela en este escenario, sostiene que ‘Luisa Fernanda’ es “la última gran zarzuela romántica, y debe mucho a las obras maestras de la zarzuela grande y del género chico que la precedieron.” A esto añade que musicalmente se trata de uno de los mejores ejemplos del casticismo con el que tanto se identificaba Moreno Torroba, “combinando la gracia y colorido de la música española con la elegante comedia vienesa y el verismo de la ópera italiana.” Lo que convierte a la obra en una zarzuela “de melodías memorables con un instinto teatral infalible.”

Chichon, que estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela -Orquesta de la Comuni­dad de Madrid-, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela y de dos repartos extraordinarios, se alternará en el podio del foso con el Maestro David Gómez Ramírez que dirigirá las funciones de los días 3, 4 y 5 de febrero.

El valor de los repartos

Los dos repartos que participan en esta nueva y esperada presentación de ‘Luisa Fernanda’ –que iba a estrenarse el 30 de abril de 2020 y que tuvo que posponerse a causa de la pandemia y el consecuente confinamiento– están integrados por cantantes especialmente diestros, enérgicos, eficaces, exigentes, intensos y equilibrados. Calificativos que solo son una mínima parte de sus virtudes.

Luisa Fernanda, la hija de un funcionario jubilado que guarda ausencia a Javier Moreno, ese joven militar, antiguo mozo de posada y ahora ascendido a coronel, será interpretada por las sopranos Yolanda Auyanet (Luisa Fernanda por antonomasia) y Maite Alberola. Por otra parte, está Vidal Hernando, un rico hacendado extremeño que se disputa el amor de Luisa Fernanda con Javier, a quien darán vida los barítonos Juan Jesús Rodríguez (Vidal por excelencia) y Javier Franco. La duquesa Carolina, aquella joven hermosa y persuasiva, estará encarnada por las sopranos Rocío Ignacio y Leonor Bonilla. Y el papel de Javier Moreno, que desde que ascendió de rango tiene descuidada a su novia Luisa, lo asumirán los tenores Jorge de León y Alejandro del Cerro.

Completan el elenco María José Suárez y Nuria García-Arrés como Mariana y Rosita, Emilio Sánchez y Antonio Torres, como don Florito y Luis Nogales, Didier Otaola como Aníbal; los actores Rafael Delgado, César Diéguez y Julia Barbosa, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Pardo, Graciela Moncloa, Daniel Huerta, Rodrigo Álvarez, Ricardo Rubio, Antonio González y Quique Bustos; además de 4 figurantes y 12 bailarines.

En cuanto al equipo artístico, lo completan el estudio Giò Forma, responsable de la escenografía, la diseñadora de vestuario Mariana Fracasso, el iluminador Antonio Castro, la coreógrafa Nuria Castejón y el diseñador audiovisual Pedro CHamizo.

Amor, cine y revolución

El escenario es un espacio arquitectónico reconocible de Madrid en el que se proyectan los sentimientos de amor, dolor y angustia, “un mundo figurativo o desfigurado que evoluciona en 360 grados ante nuestros propios ojos…”, como explica el propio Davide Livermore, que para ello emplea técnicas y recursos del lenguaje cinematográfico inspirados en obras del séptimo arte.

Los hechos históricos en torno a la Gloriosa (o Revolución de 1868 que culminó con el exilio de Isabel II), que aparecen o se mencionan en esta zarzuela, son el trasfondo de lo que viven sus personajes. Entonces, como ahora, la historia de los jóvenes Luisa y Javier sorprenderá y emocionará al público, porque este episodio se combina con la vida de los espectadores de una sala de cine –a modo de plaza, de lugar de encuentro y de vida– en la también joven República (la trama se desarrolla tal cual fue escrita, pero trasladada a la fecha de su feliz estreno en el Teatro Calderón de Madrid en 1932); y aquel salón modernista no es otro que el Cine Doré, entonces uno de los más conocidos de Madrid y en la actualidad el cine en activo más antiguo de España.

Y por encima de tramas políticas y revoluciones, de galanterías y devaneos, lo que al fin de verdad importa es querer y ser querido. El amor: esa rueda que mueve el mundo.

Online y en las ondas

Como ya es habitual, una de las funciones se emitirá en directo por streaming a través del canal de YouTube, el perfil de Facebook y la página web del Teatro. La fecha elegida en esta ocasión es el miércoles 10 de febrero a las 20h00 (hora peninsular española).

Asimismo, una de las funciones será grabada por Radio Clásica de Radio Televisión Española para emitir en próximas fechas.

También en estos días se podrá disfrutar en YouTube y Facebook de la conferencia impartida por la musicóloga Mª Luz González Peña y de un nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la zarzuela’, en esta ocasión centrado en ‘Luisa Fernanda’ con Yolanda Auyanet, Juan Jesús Rodríguez y Davide Livermore como protagonistas, y, como siempre, con sorpresa incluida.

Anna Netrebko

La llegada al Teatre de Anna Netrebko, la gran estrella de la ópera, es una cita muy esperada por el público liceísta. La cantante canceló su participación en la obra Il trovatore a raíz de su convalecencia por Covid-19.

Considerada una de las grandes divas de nuestros tiempos, Netrebko ofrecerá uno de los pocos recitales a piano que actualmente hace en su carrera. La cantante cuenta con una voz de pureza y precisión inusuales, una gran gama dinámica, imaginación y enorme carisma.

Estará acompañada por el pianista Pavel Nebolsin, la mezzosoprano Elena Maximova y Giovanni Andrea Zanon al violín, con un íntimo programa que mostrará la extensión de la paleta estilística de la soprano rusa.

El horario de la función se avanza a las 19h para permitir a todo el público poder devolver a sus casas antes del toque de queda establecido por las restricciones de la pandemia.

El Gran Teatre del Liceu se prepara para volver a recibir la reina indiscutible de los escenarios de ópera más importantes del mundo. Anna Netrebko deleitará al público barcelonés el próximo 27 de enero con un íntimo recital Jour et nuit acompañada del piano de Pavel Nebolsin, la mezzosoprano Elena Maximova y Giovanni Andrea Zanon al violín. Una nueva oportunidad para reencontrarla al Teatro puesto que el pasado octubre, la soprano rusa tuvo que cancelar su participación a la obra Il trovatore debido a su convalecencia por Covid-19.

El programa de canto y piano permitirá escuchar los colores infinitos de la voz de la cantante, recorriendo piezas de diferentes compositores que nos hacen viajar en la poesía del día y la noche. La audición de esta sesión única contará con algunas de las piezas más célebres de todos los tiempos, que empezará con obras de Rachmàninov, Korsakov, Strauss, Debussy, Bridge, entre otros. La segunda parte se inicia con las sensibles canciones de Txaikovski para dar a las composiciones de Bridge, Fauré, Dvorák, entre otros.

Anna Netrebko, la soprano admirada

La prima donna del siglo XXI, Anna Netrebko, fue descubierta por Valery Guérguiev hace 25 años al Teatro Mariïnsky de San Petersburgo, y desde entonces, ha redefinido el concepto de estrella de la ópera. Desde cantar a la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2004 hasta devenir el primer artista clásico al aparecer a la lista de las 100 personas más influyentes del mundo en la revista TIME, Netrebko se ha convertido en la embajadora mundial de la ópera y es reconocida como una de las artistas escénicas más convincentes y comprometidas de la actualidad. Sus interpretaciones han sido grabadas y galardonadas en numerosas ocasiones, y actualmente se aventura en un repertorio cada vez más audaz y dramático.

La última actuación de la soprano en el Liceu fue en noviembre del 2019, cuando Anna Netrebko cantó Verdi acompañada del tenor Yusif Eyvazov y el barítono Christopher Maltman. Este magnífico trío de voces compartió escenario con la Orquesta Sinfónica del Liceu, bajo las órdenes del maestro Denis Vlasenko.

Liceu, un espacio seguro

El Gran Teatre del Liceu ha trabajado desde el inicio de la pandemia para poder habilitar una serie de medidas adaptadas para garantizar la seguridad sanitaria dentro del Teatre. Un protocolo que tiene la finalidad de dar cumplimiento a la normativa del departamento de Salud y las condiciones específicas del Procicat en materia de espacios culturales.

Con la intención de asegurar al máximo que el Liceo sea un espacio seguro recordamos que es obligatorio el uso de mascarilla y gel hidroalcohólico dentro del Teatre. Entre otras medidas se encuentran el control de temperatura en los accesos, la desinfección constante de los espacios, la renovación permanente del aire a través de dos nuevos ventiladores que se han instalado el agosto del 2020, la inhabilitación del guardarropa, y el uso del formato digital para los programas de mano.

Para que el público pueda devolver en sus casas antes del toque de queda, el horario de la función será a las 19h

cuentos al calor del hogar

En estos días de frío y lluvia, las puertas del Teatro Real se abren para reunir a toda la familia en un entorno cálido en el que disfrutar de las historias de siempre de la mano de los Hermanos Grimm y la compañía checa Karromato que, con sus marionetas de hilo y su teatro de sombras, nos devolverá a la tradición de los Cuentos al calor del hogar.

Se ofrecerán ocho funciones repartidas entre este fin de semana, sábado 24 y domingo 25, y el siguiente, sábado 30 y domingo 31, a las 12 y a las 17.00 horas, todas ellas en la Sala Gayarre.

Karromato recupera los cuentos originales, sin versiones ni adaptaciones, dejando la narración en el poder de la comunicación de las marionetas y la música, interpretada en esta ocasión por la violinista Silvia Romero y el pianista Duncan Gifford que convertirán en “palabras” la música de Robert Schumann, creando una atmósfera mágica de singular belleza.

A través de estas historias se enseña a los pequeños a superar los miedos, a afrontar los retos que les presenta la vida, a descubrir los secretos que se esconden en lo cotidiano, que serán sus herramientas del futuro. Recuerdan así los tiempos en que los ancianos transmitían a los niños y jóvenes la tradición y la sabiduría, en forma de fábula.

Karromato es una compañía europea de Marionetas con sede en Praga. Sus miembros provienen de España, Hungría y la Republica Checa, unidos por el interés en la técnica de la marioneta de hilo tradicional, en cuya construcción y manipulación están implicados desde 1997, trabajando la madera y poniendo sumo cuidado en los detalles.

Como en otros espectáculos de El Real Junior, está disponible en la página web una interesante guía didáctica con información sobre el espectáculo, detalles históricos y juegos y actividades concebidas para hacer de forma participativa en casa, antes o después de la función. Ya está disponible en el siguiente enlace: Cuentos al calor del hogar.

Producción de Karromato con la colaboración del Centro Checo de Madrid

EQUIPO ARTÍSTICO

Idea y Dirección: Compañía Karromato

Música: Robert Schumann

Adaptación musical: Marko Ivanovic

Escenógrafo: Luis Montoto

Constructor de marionetas: Jan Ruzicka

Diseñador de sombras: Ettore Battaglia

Violinista: Silvia Romero Ramos

Pianista: Duncan Gifford

Concurso Tenor Viñas

El Teatre del Liceu de Barcelona se ve obligado a modificar proyectos de la temporada para poder realizar la programación con todas las garantías de seguridad en el escenario y fuera de él y seguir, así, con la exigencia que requiere la cultura segura.

Los proyectos con gran orquesta se ven afectados por la imposibilidad de garantizar las distancias mínimas entre músicos: la solución para la ópera Lessons in Love and Violence es extender el foso hasta las primeras filas de platea, y para el concierto sinfónico La consagración de Stravinsky: los tres ballets rusos modificará su programa.

Tanto la gran orquesta, como el voluminoso coro, así como la puesta en escena obligan al Liceu a cancelar la ópera Tannhäuser. Después de varios estudios, ha sido inviable la implantación de los cuerpos estables imposibilitando su representación. El Teatre trabaja para reprogramar la ópera de Wagner en un futuro.

Las limitaciones en el transporte europeo imposibilitan la llegada de la producción Otello -Royal Opera House- desde Londres. Será, pues, el montaje de la Bayerische Staatsoper el que se podrá ver en el Liceu del 27 de marzo al 14 de abril con la dirección de escena de Amélie Niermeyer.

Las restricciones vigentes en la movilidad y la limitación en las interacciones entre diferentes grupos posponen el proyecto participativo El monstre al laberint de febrero a abril, momento en el que se espera llevar a cabo el proceso creativo entre las múltiples escuelas y alumnos que participan en el proyecto.

Uno de los conciertos más esperados de la temporada, Les Tres reines con la soprano Sondra Radvanovsky ha reprogramado la función del pasado 23 de diciembre al 6 de mayo, y abre una nueva función el 8.

Además, el Liceu habilita una nueva función LiceUnder35 de la ópera Lucia di Lammermoor con un nuevo reparto para poder llegar a más jóvenes esta temporada.

El Liceu avanza los horarios de todos los espectáculos de la temporada y pasa las funciones previstas a las 20h, a las 19h. En el caso de la doble función de Solstice, el 6 de febrero, será a las 16:30h y a las 20:30h.

El Gran Teatre del Liceu ha velado, desde el inicio de la pandemia, por una cultura segura en el escenario y fuera de él, articulando medidas para público y artistas que garanticen la correcta ejecución de las restricciones decretadas por las autoridades, así como el protocolo desarrollado por el propio Teatre validado por el Procicat. Es por ello, que el Liceu se ve obligado a modificar algunos de sus espectáculos para dar cumplimiento a la normativa vigente y seguir disfrutando de un Liceu seguro y con todas las garantías.

Las afectaciones más complejas han sido las implantaciones de orquesta, que se han analizado detenidamente para aprobar su viabilidad, ya que tanto el espacio reducido del foso como el del escenario dificultan que las grandes formaciones puedan distribuirse con la mínima distancia de seguridad entre artistas. De este modo, se anuncian tres afectaciones: la ópera Lessons in Love and Violence de George Benjamin que reubica a los músicos de la Orquesta retirando parte de las filas de la platea (de la 1 a la 4) para poder ubicar la totalidad de los músicos con la distancia necesaria para evitar el contagio (1,5 m y 2m para los vientos). En esta ópera no hay Coro en escena, hecho que facilita que sea una ópera escénicamente viable y segura. En segundo lugar, el concierto sinfónico La consagración de Stravinsky: los tres ballets rusos modifica la totalidad de su programa con el fin de poder reducir el centenar de músicos que participan en esta pieza. Este cambio, llevará al maestro titular del Liceu, Josep Pons, a afrontar un repertorio de Danzas del mundo eslavo con piezas de Brahms, Dvorak, Kodály, Liszt, Bartók y Borodin, donde el ritmo y los sonidos del Este de Europa serán los protagonistas. Consulta el programa aquí.

En el caso de Tannhäuser han sido tres los factores clave que han hecho ver al Teatre y al equipo artístico la inviabilidad de su representación, es por este motivo que se ha cancelado esta ópera con la intención de reprogramarla en un futuro. Los factores han sido: la imposibilidad de alojar la Orquesta en el foso con la distancia mínima de seguridad, el gran número de cantantes del Coro que también hace inviable su implantación en el escenario y, por último, una puesta en escena que se vería extremadamente afectada si se hicieran las rectificaciones escénicas para mantener los grupos burbuja requeridos en los protocolos. Estos múltiples factores hacen imposible la representación de esta obra durante las restricciones sanitarias y, por este motivo, el Liceu ha decidido reprogramar la ópera a futuras temporadas como ha hecho con el resto de producciones que se ha visto obligado a cancelar. El importe de las localidades será devuelto a todos los abonados el próximo 1 de febrero.

La producción Otello también se ve afectada por las restricciones de la pandemia. Las limitaciones actuales en los transportes europeos imposibilitan la llegada de la producción de la Royal Opera House desde Londres. De este modo, el Liceu ha programado la producción de la Bayerische Staatsoper, con la dirección de escena de Amélie Niermeyer, que puede garantizar la llegada al Teatre para su representación del 27 de marzo al 14 de abril. Este montaje, que se estrenó en 2018 en Múnich, muestra la lucha interior y exterior que habita en el texto de Shakespeare y pone también en el centro la figura de Desdémona subrayando el feminicidio y la misoginia a través de la mirada del realismo actual. Además de esta modificación, también se ha tenido que suspender la participación del Cor Vivaldi – Petits Cantors de Catalunya en esta ópera, debido a los múltiples grupos burbuja del mismo Coro y la interacción con el resto de los artistas. Las voces femeninas del Coro del Liceu serán las encargadas de interpretar las partes del coro infantil.

Uno de los nuevos proyectos de la temporada 2019/20, El Monstre al laberint de Jonathan Dove, una ópera participativa con alumnos de diferentes centros educativos de toda Cataluña, también se ha visto afectado por las restricciones actuales. Este espectáculo, que inició su proceso creativo el curso pasado, vio truncado su desarrollo el mes de marzo, por la plena irrupción de la pandemia. Este curso, los diferentes centros ya han iniciado el proceso de preparación y han comenzado con las acciones de formación complementarias que hacen de este espectáculo un proyecto de aprendizaje transversal. A su vez, Paco Azorín, que es quien firma escénicamente el espectáculo, está haciendo todas las adaptaciones escénicas necesarias para adecuar el espectáculo a la realidad de la pandemia. Ahora, después de este periodo inicial de preparación, hay que moderar el proceso creativo del proyecto debido a las restricciones vigentes que afectan a los desplazamientos y a las interacciones entre grupos. De este modo, el Liceu pospone el espectáculo para poder hacerlo viable con todas las garantías puesto que las condiciones actuales no son óptimas para poder estrenar el espectáculo en febrero del 2021, tal como estaba previsto. Es por ello que El monstre al laberint pospone sus funciones a los días 19, 21 y 24 de abril.

Parte de estos cambios y modificaciones en la programación también han permitido poder reubicar uno de los conciertos más esperados de la temporada: Las Tres Reinas con la soprano Sondra Radvanovsky que se podrá ver el próximo 6 de mayo, función que sustituirá la cancelada el pasado 23 de diciembre. Adicionalmente se habilita una nueva función el 8 de mayo que se pondrá a la venta el próximo 3 de febrero. Esta nueva propuesta semi escenificada cuenta con el director de escena Rafael Villalobos.

Además, el Liceu ha programado una nueva función del LiceUnder35 con la ópera Lucia di Lammermoor de Donizetti el 27 de julio con la intención de aumentar el número de jóvenes que podrán acceder a estas actividades exclusivas para menores de 35 años, puesto que la primera función Under 35 fue al 50% del aforo, y la segunda con un máximo de 500 personas. Es por ello, que el Teatre propone un nuevo reparto formado íntegramente por jóvenes cantantes que debuten en el rol: la catalana Serena Saéz como Lucia di Lammermoor, el colombiano César Cortés como Edgardo y el catalán Carles Pachón como Enrico. Este nuevo Under35 estará disponible a partir del 28 de junio a las 16h solo para menores de 35 años a un precio único de 15€.

Cambios de reparto

Hasta el momento, para la ópera Lessons in Love and Violence de George Benjamin se anuncia un cambio de reparto debido a las restricciones de mobilidad de la pandemia. El rol de Mortimer será interpretado por Peter Hoare, en substitución de William Burden. Hoare interpretó el rol en el estreno de la ópera en la Royal Opera House en mayo de 2018. Además, los papeles de Witness 2/Singer 2 y Woman 2 serán interpretados por Gemma Coma-Alabert que substituye a Marta Fontanals-Simmons.

Cambios en los horarios

Y ya para finalizar, el Gran Teatre del Liceu también anuncia el cambio horario de todas las funciones de la temporada para facilitar la movilidad de los espectadores hasta julio. Todas las funciones previstas a las 20h, pasarán automáticamente a ser representadas a las 19h. Las funciones de fin de semana previstas a las 17h o a las 18h se mantendrán con el mismo horario. Sin embargo, de momento solo habrá la excepción de la doble función de Solstice del 6 de febrero que será a las 16:30 y 20:30.

Este cambio de horarios también afecta al de taquillas que se adapta a partir del 1 de febrero para atender al público de lunes a viernes de 10h a 19h y los fines de semana: sábados de 10 a 18h (días con representación abiertas hasta inicio función) y domingos y festivos cerradas, excepto los días de representación que las taquillas permanecerán abiertas 2 horas antes del inicio de la función, y 1 hora antes en el caso de El Petit Liceu.

‘Falstaff’, Les Arts

El Palau de les Arts suspende las representaciones de ‘Falstaff’, de Verdi, ante la aparición de casos de coronavirus en el equipo de la producción. La detección ha sido posible debido a los controles sanitarios establecidos en Les Arts, por los cuales los integrantes de cada espectáculo de la programación reciben un seguimiento adecuado de prevención y detección. Además de las pertinentes medidas de seguridad: toma de temperatura, medidas de distanciamiento y uso de elementos de protección, Les Arts tiene establecido un protocolo de cribado por PCR semanal para los solistas, director de orquesta, equipo creativo y figuración.

Ante esta situación, Les Arts ha activado los pertinentes protocolos de seguridad sanitaria y someterá a control a todo el personal vinculado con este montaje operístico. De esta forma, se suspenden las representaciones previstas para los días 21, 24, 27, 29 y 31 de enero. En función de la evolución de la situación y dentro de los plazos estipulados por los protocolos sanitarios, Les Arts decidirá sobre la posible reubicación de dichas funciones dentro de la programación de la presente temporada.

En los próximos días, las taquillas de Les Arts informarán a los afectados por la suspensión de las funciones de las diferentes opciones para la devolución o canje de las localidades para ‘Falstaff’.

Fotografía: Miguel Lorenzo

Ismael Jordi

Belcantismo andaluz

Desde hace algunos años, dos voces andaluzas protagonizan los mejores cartelones belcantistas de los grandes teatros de ópera del mundo. De un lado, Mariola Cantarero (Granada, 1978) y, de otro, Ismael Jordi (Jerez de la Frontera, 1973) han seducido a la audiencia con la belleza de sus timbres, su dominio de las agilidades o la intensidad escénica con la que interiorizan sus personajes de Donizetti, Bellini, Mozart o Verdi.

Protagonistas de carreras meteóricas desplegadas sobre un talento innato, Mariola Cantarero, quien a finales de 2019 dirigió su primera ópera, o Ismael Jordi, forjado a la sombra de Alfredo Kraus, vuelven a reunirse en torno a un programa de canciones de Turina y Barrios completado con romanzas y dúos de zarzuela y ópera, en un Teatro donde una vez fueron la pareja explosiva de una Traviata inolvidable y sobre cuyo escenario han crecido como los grandes reclamos del belcantismo andaluz más internacional.

El tenor español Ismael Jordi nació en Jerez de la Frontera y estudió en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Alfredo Kraus. Hizo su debut en el Teatro Villamarta de Jerez, cantando Ernesto de Don Pasquale.

ISMAEL JORDI, tenor

MARIOLA CANTARERO, soprano

Canciones de Joaquín Turina y Ángel Barrios, romanzas y dúos de ópera y zarzuela.

Piano: Rubén Fernández Aguirre

Teatro de la Maestranza, 13 de febrero de 2021

Ha cantado en teatros de toda Europa, en Francia: Estrasburgo (Don Pasquale, Falstaff, L’elisir d’amore), Toulouse (Gianni Schicchi, Doña Francisquita, Der Rosenkavalier), Burdeos (Il barbiere di Siviglia, La Traviata), Marsella (La Traviata), Aviñón (Rigoletto, I Capuleti e i Montecchi, La Traviata, Maria Stuarda, Anna Bolena), Toulon (Anna Bolena), Opéra Comique (Mignon) y Opéra National Paris-Bastille (La traviata), Chorégies d’Orange (Spanish Night, junto a P. Domingo), Monte Carlo (Lucia di Lammermoor). En Alemania: Dusseldorf (Il barbiere di Siviglia), Staatsoper Berlin (Il barbiere di Siviglia, L’elisir d’amore), Deutsche Oper Berlin (La Traviata, Lucia di Lammermoor, Rigoletto), Hamburgo (La Traviata, Rigoletto), Frankfurt (Anna Bolena), Dresde (Lucia di Lammermoor), Múnich (Lucrezia Borgia). En Austria: Volksoper Wien (Martha, La Traviata). En España: Jerez de la Frontera (La Traviata, Rigoletto, Eugen Onegin, Roméo et Juliette, Fausto), Sevilla (La Traviata, Anna Bolena), y Oviedo (L’elisir d’amore, La Traviata), Bilbao (I Capuleti e i Montecchi, Eugen Onegin, Rigoletto, Lucia di Lammermoor), Valencia (Iphigénie en Tauride), Barcelona (Linda di Chamounix, La Traviata, Lucia di Lammermoor), Teatro Real de Madrid (L’elisir d’amore, Roberto Devereux, Lucia di Lammermoor, Faust). En Países Bajos: Ámsterdam (Lucia di Lammermoor, La Traviata, Roméo et Juliette, Der Rosenkavalier). En Bélgica: Lieja (Lucrezia Borgia, Manon), Amberes-Gent (el estreno mundial de Le Duc d’Albe de Donizetti-Battistelli). En Suiza: Zúrich (Lucia di Lammermoor, Anna Bolena, Rigoletto), Lausanne (La Traviata, Doña Francisquita). En Italia: Macerata (Rigoletto), Padua (Lucia di Lammermoor), Verona (Rigoletto), Nápoles (Lucia di Lammermoor, La Traviata), Venezia (La Traviata), Roma (Linda di Chamounix, Rigoletto).En Reino Unido: ROH Covent Garden en Londres (Maria Stuarda, La Traviata, Lucia di Lammermoor); en Grecia: Greek National Opera en Atenas (Roméo et Juliette); en Japón: Tokio (Lucia di Lammermoor). En Corea: Korea National Opera de Seúl (Manon); en Canadá: Montréal (Roméo y Juliette), etc.

Aparece regularmente en recitales y conciertos. Sus grabaciones incluyen Martha en el Volksoper de Viena, La Traviata con el Teatro Villamarta de Jerez y Le Duc d’Albe en el De Vlaamse Opera.

Sus proyectos hasta 2025 incluyen: La Traviata y María Stuarda en el Teatro Real de Madrid; La Favorita en Málaga y Bilbao; Anna Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux en Ámsterdam y Valencia; L’elisir d’amore en el Festival de Orange; Roméo et Juliette en la Metropolitan Opera de Nueva York; Lucia di Lammermoor en el ROH Covent Garden London y en el ORW de Lieja; Los Gavilanes, Luisa Fernanda, La Generala en el Teatro de la Zarzuela de Madrid; Doña Francisquita en Sevilla, etc.

Considerada uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista de los últimos años, Mariola Cantarero ha obtenido también importantes triunfos en obras como La Traviata, Rigoletto o La bòheme, en la búsqueda continua de las obras más adecuadas a su evolución vocal, ampliando su repertorio con éstas y otras obras como María Stuarda, Lucrezia Borgia, Anna Bolena, así como Don Giovanni o Così fan Tutte.

Granadina de nacimiento, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de su ciudad natal, y posteriormente los amplía con el Catedrático de canto Carlos Hacar, y ya en carrera se perfecciona con Ruthilde Böesch en Viena. Es premiada en diferentes concursos internacionales de canto como el “Francisco Viñas”, “Operalia´99”, “Pedro Lavirgen” y “A.S.L.I.C.O. 2000”.

Recibe distintos premios por su trayectoria como “Premio ópera Actual”, “Revelación del círculo de amigos del Liceo”, “Premio Imagen de la Ciudad de Granada”, “Ojo Crítico de RNE”, “La Mención de Honor de la Diputación de Granada”, “La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada”, así como “La Medalla de Oro de Andalucía”.

Debuta en el Teatro Carlo Felice de Génova con Le Comte Ory de Rossini en el 2000, y desde entonces se convierte en soprano habitual de los principales teatros de Europa como el Teatro Real de Madrid, Liceu de Barcelona, Maggio Fiorentino, San Carlo de Nápoles, Ópera de Roma, Rossini Opera Festival, Hamburgo, Berlín, Zúrich, Ámsterdam, Estrasburgo, y más allá de nuestro continente en la Ópera Nacional de Corea, Oriental Art Center de Shanghai, San Juan de Puerto Rico, Santiago de Chile, Ópera de São Paulo, Ópera de Detroit, New Jersey.

Ha sido dirigida por directores como Zubin Mehta, Alberto Zedda, Jesús López Cobos, Daniel Oren, Bruno Campanella, o Roberto Abbado.

Entre su amplia discografía cabe destacar Luisa Fernanda junto a Plácido Domingo en el Teatro Real de Madrid, Falstaff dirigida por Zubin Mehta en el Maggio musicale Fiorentino, La gazza ladra del Rossini Opera Festival, Il viaggio a Reims en el Liceu de Barcelona, I puritani de la Ópera de Ámsterdam, Belcanto con Simón Orfila y Canciones en la Alhambra.

Fotografía: ©F.J. Gomez Pinteño

‘Falstaff’, Les Arts

El Palau de les Arts se adentra en el Verdi bufo con su última ópera, ‘Falstaff’, que se estrena el próximo jueves, 21 de enero, en una producción de Mario Martone con dirección musical de James Gaffigan.

Les Arts ha presentado en conferencia de prensa su primera incursión operística en 2021 con la presencia de Jesús Iglesias Noriega, director artístico; James Gaffigan, director musical; el director de la reposición, Raffaele di Florio; y los cantantes Ambrogio Maestri y Ainhoa Arteta.

“La obra de Verdi es uno de los ejes en los que se fundamenta el proyecto artístico que presentamos hace dos años, en el que no podía faltar un título como este, imprescindible en el repertorio de los grandes teatros”, ha explicado Iglesias Noriega. Iglesias ha apuntado que “con ‘Falstaff,’ el compositor de Busseto culmina su testamento musical, que ya proyectó con ‘Otello’: una exquisita partitura, de sofisticada orquestación y de suma exigencia musical y dramática para los cantantes, con un libreto magistral de Arrigo Boito, en el que humor y poesía fluyen en perfecta unión con la música”.

Por todo ello, ‘Falstaff’, según el director artístico, es un ejercicio de dificultad para cualquier teatro, que requiere de unos sólidos cuerpos estables, como el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, así como de un reparto y de un director musical de primer nivel. Tras su debut en el Auditori con ‘Un réquiem alemán’ la pasada temporada, el neoyorquino James Gaffigan dirige su primera ópera en Les Arts. Considerado como uno de los directores de orquesta estadounidenses más relevantes del panorama musical, es un nombre habitual de las temporadas operísticas del Metropolitan de Nueva York, de la Ópera de París o de la Staatsoper de Múnich, entre otras.

Les Arts presenta la comedia crepuscular de Verdi en una producción de la Staatsoper de Berlín con dirección escénica de Mario Martone, con escenografía de Margherita Palli, vestuario de Ursula Patzak, iluminación de Pasquale Mari y coreografía de Raffaella Giordano y Anna Redi.

Martone, director, guionista y productor italiano cultiva tanto el teatro como la ópera junto con una relevante carrera cinematográfica. Vinculado en los años 90 a la nueva ola del cine napolitano, junto a figuras como Antonio Capuano, Pappi Corsicato, Toni Servillo y Paolo Sorrentino, destaca en sus trabajos por un discurso muy personal sobre su país natal.

La propuesta de Martone traslada la acción a la actualidad, en una gran metrópoli, con sus grafitis, clubes de dudosa reputación y personajes anacrónicos. Sir John Falstaff se convierte en un espíritu rebelde, fiel a su chaqueta de cuero y a sus patillas, que envejece pasando su tiempo en una especie de centro comunitario junto con turbulentos personajes.

Un reparto coral
Ambrogio Maestri regresa a Les Arts seis años después de su debut en ‘Nabucco’ para ponerse una vez más en la piel de Sir John Falstaff. Barítono de presencia habitual en los grandes teatros de Europa, Asia y Estados Unidos, se erigió como el gran intérprete del papel protagonista tras encarnarlo con éxito en La Scala, Festival de Salzburgo, el Metropolitan y la Ópera de París, además de en Zúrich, Múnich y Tokio.

Tras su celebrado recital de ‘Lied’ el pasado mes de noviembre, Ainhoa Arteta canta su primera ópera en Les Arts. La soprano guipuzcoana, una de las voces españolas con mayor proyección internacional, interpreta el papel de Alice Ford, con el que ha cosechado grandes éxitos en teatros como la Ópera de San Francisco o el Covent Garden de Londres.

Violeta Urmana, una de las grandes damas de la escena lírica, además de una de las divas predilectas del público de Les Arts, debuta con este rol en esta producción. Urmana, que ha encarnado anteriormente en València papeles como Kundry (‘Parsifal’), Iphigénie (‘Iphigénie en Tauride’), Medea o Eboli (‘Don Carlo’) presenta una nueva incursión en el repertorio de ‘mezzosoprano’ para encarnar a Mrs. Quickly.

Mattia Olivieri, uno de los alumnos más brillantes que se ha formado en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts, da vida a Mr. Ford. El barítono italiano ha destacado en Les Arts por sus trabajos en títulos como ‘La Bohème’, ‘L’elisir d’amore’, ‘Così fan tutte’ y el dúo de ‘La Africana’. En la actualidad, es uno de los artistas imprescindibles en los repartos de La Scala de Milán.

Contrastados intérpretes completan el elenco de la producción, con Sara Blanch (Nanetta), Ana Ibarra (Mrs. Meg Page), Juan Francisco Gatell (Fenton), Jorge Rodríguez-Norton (Dr. Cajus), Antonio Di Matteo (Pistola) y el cantante del Centre de Perfeccionament, Joel Williams (Bardolfo).

Les Arts representará ‘Falstaff’ los días 21, 24, 27, 29 y 31 de enero en la Sala Principal. Con el fin de cumplir con las medidas decretadas, todas las funciones comenzarán a las 18.00 horas.

Preestrena fins a 28
Por otra parte, el próximo martes, la Sala Principal de Les Arts acogerá la primera ‘Preestrena fins a 28’ del año, después del éxito de ‘La Cenerentola’, de Rossini, para la que se agotaron todas las localidades el pasado mes de diciembre. Jesús Iglesias Noriega ha valorado “de manera muy positiva” la aceptación de esta actividad que permite a los jóvenes, de hasta 28 años inclusive, disfrutar de una función de ópera por tan solo 10 euros. “Las entradas para ‘Falstaff’ también están prácticamente vendidas -ha apuntado-, lo que supone una inmejorable noticia, no sólo por la llegada de nuevos públicos a Les Arts sino también por el creciente interés de los más jóvenes por la ópera”.

Fotografía: Miguel Lorenzo

Concurso Tenor Viñas

El esfuerzo de los principales teatros de ópera del mundo y de los organizadores mantiene vivo el certamen, que implementa nuevas medidas para garantizar la seguridad

El Conservatori Superior de Música del Liceu acogerá la segunda prueba los días 17 y 18 de enero, y la semifinal el 19 y el 20. El 22 tendrá lugar la final en el Gran Teatre del Liceu y el 24, el concierto de los ganadores en el mismo escenario

Este año se celebrarán actividades paralelas entre las que destaca una mesa redonda con los responsables de los principales teatros de ópera del mundo para analizar la situación del sector. EL sábado 16 de enero tendrá lugar el pregón a cargo del periodista y escritor Sergio Vila-Sanjuán

El concurso contará con un jurado internacional de prestigio formado por directores artísticos de los grandes equipamientos operísticos mundiales y repartirá 155.000 euros en premios con el objetivo de promover la carrera de jóvenes cantantes con talento.

La 58ª edición del Concurso Internacional de Canto Tenor Viñas se celebrará en Barcelona la próxima semana con la misma excelencia y calidad de cada año, pese a las trabas que ha generado la pandemia. Ha sido posible gracias al esfuerzo logístico y económico de los organizadores, así como a la implicación de los principales teatros de ópera del mundo: National Centre for the Performing Arts of China (Pequín), Deutsche Oper (Berlín), Teatro alla Scala (Milán), The Metropolitan Opera House (Nueva York), Los Angeles Opera (Estados Unidos), Opéra National de París, Royal Opera House Covent Garden (Londres), Bolshoi Theatre of Russia (Moscú), Teatro Real (Madrid) y Gran Teatre del Liceu.

Mantener vivo el certamen ha requerido adaptarse a las normativas que han ido aprobando las autoridades e implementar una serie de medidas sanitarias y de prevención. La primera fase del concurso, por ejemplo, se realizó mediante pruebas en línea en cada uno de los teatros participantes. En la segunda fase, presencial, se han extremado las precauciones para garantizar la seguridad. La organización del concurso ha elaborado un protocolo de actuación que contempla, entre otras cosas que los cantantes que viajen desde otro país tengan que presentar una PCR negativa, que los concursantes se alojen en habitaciones individuales (otros años lo hacían en habitaciones compartida), i que no se permita la entrada de acompañantes ni de público a las pruebas que tendrán lugar en el Conservatori Superior de Música del Liceu.

Además, se ha realizado un esfuerzo económico y logístico para garantizar que el concierto final, el concierto de los ganadores y algunas de las actividades paralelas se puedan retransmitir vía streaming y de esta manera lleguen a un público más amplio, hecho que entronca con la vocación del certamen de acercar el canto lírico a la ciudadanía, tanto barcelonesa como internacional.

De esta manera, se ha conseguido que la situación provocada por la pandemia no afecte a la calidad ni al prestigio internacional del concurso. No obstante, el certamen se ha tenido que adaptar a la cancelación de la participación por parte de algunos concursantes a los que ha resultado imposible viajar hasta Barcelona. En previsión de que esto pudiera suceder, la organización aumentó el número de seleccionados para la segunda fase. En relación con los miembros del jurado, cabe destacar el compromiso de los directores artísticos de los principales teatros del mundo, que han mantenido su presencia en la fase final del concurso pese a la situación de emergencia sanitaria. Sólo en el caso de los que provenían de Estados Unidos la organización ha tenido que sustituirlos.

Fotografía: ©A Bofill

ABAO Bilbao Opera

Fiel a su compromiso con la cultura, apoyándola en cualquier circunstancia incluso en las más adversas como las que estamos atravesando en la actualidad, ABAO Bilbao Opera quiere seguir estando presente en esta nueva realidad, reinventándose y reorientando su actividad pero manteniendo la calidad y variedad de sus actividades dirigidas a socios, patrocinadores y a toda la sociedad.

El mantenimiento del aforo en 400 espectadores por función, las restricciones de movilidad dentro de cada territorio histórico (sólo los residentes en Bizkaia podrían acudir a las funciones) y la limitación horaria que obliga a que las representaciones finalicen a las 20:45h, imposibilitan que, de momento, pueda celebrarse una temporada de ópera en las condiciones habituales

No obstante, la Asociación no quiere que estas circunstancias desfavorables afecten a su actividad y condicionen su futuro, y apuesta por seguir estando presente como la ABAO de siempre, con el mismo compromiso, calidad y reconocimiento internacional.

ABAO OPERA LIVE

  • Nace un proyecto innovador para seguir disfrutando de la ópera de forma accesible en modo, lugar y precios.
  • Reinventar y reorientar la actividad con tres propuestas culturales llenas de atractivos.

Aunque la cultura en general y la ópera en particular siempre es deseable disfrutarla en vivo y en directo, la nueva realidad se impone y hay que reinventar y reorientar la actividad cultural.

Al igual que sucede con el cine, también la ópera puede disfrutarse en directo o a través de plataformas online profundizando en contenidos culturales con precios accesibles.

Con este objetivo nace ABAO OPERA LIVE. Un proyecto renovador que va a permitir vivir la ópera, una disciplina artística para todos los públicos, desde distintas facetas de forma cómoda y accesible.

Entre los meses de enero a mayo de 2021, se van a desarrollar tres propuestas culturales llenas de atractivo:

  • ABAOenCasa II. Para visionar grandes títulos y conciertos del archivo histórico de la Asociación, con la comodidad de escoger el contenido y el momento en el que hacerlo.
  • ABAO ON STAGE. Para disfrutar del arte lírico en directo, con voces destacadas y repertorios conocidos a precios accesibles. Un extenso programa de recitales que culminará con una Gala en apoyo y homenaje a los cantantes que no han podido participar en los títulos suspendidos por la pandemia.
  • OPERA SKILLS EXPERIENCE. Para cultivar más y conocer mejor distintos aspectos de la ópera a través de la reflexiones y experiencias de expertos en la materia, en un ciclo de conferencias en plataforma online.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera en este proyecto como patrocinador principal de la temporada.

ABAOenCasa II. Nueva edición del exitoso programa de ópera online

  • 13 propuestas: diez títulos de lo mejor de los últimos años en la Asociación y tres conciertos imprescindibles.
  • Un recorrido entre los años 2010 a 2020.

Tras el gran éxito obtenido durante la primera ola de la pandemia, se relanza el programa ABAOenCasa que entonces ya alcanzó más de 132.000 visitas en la web.

En este nuevo periodo se podrán seguir en el escenario virtual de la web de ABAO, diez grandes títulos operísticos del catálogo histórico de la Asociación: Werther, Semiramide, Der fliegende Holländer, Don Carlos, Die Tote Stadt, Roberto Devereux, La fanciulla del West, Adriana Lecouvreur, Maria Stuarda y Salome.

Se suman también tres conciertos imprescindibles interpretados por Leo Nucci e Inva Mula, el protagonizado por el tenor Juan Diego Flórez y el del carismático Javier Camarena.

ABAO ON STAGE. Las grandes voces vuelven a disfrutarse en directo

  • Una propuesta artística de primera magnitud.
  • Grandes intérpretes reconocidos internacionalmente.
  • Conocidos repertorios y programas de carácter universal.

ABAO Bilbao Opera apuesta por seguir disfrutando de la ópera en vivo y en directo, respetando todas las restricciones de aforo y recomendaciones sanitarias.

Entre los meses de febrero a mayo se van a celebrar seis recitales, con voces excepcionales y programas muy conocidos del repertorio universal, que tendrán lugar en diversos escenarios colaborando con distintos agentes culturales de Bilbao: en el Euskaduna Bilbao, y la Sociedad Filarmónica de Bilbao. Todas las representaciones tendrán lugar en fin de semana y comenzarán a las 19:00h.

Las entradas a la venta estarán disponibles en los próximos días con tarifa única de 40€ para los socios de ABAO (con periodo de venta preferente) y 60€ precio de venta al público.

El ciclo se inicia el sábado 6 de febrero a las 19:00h en el Euskalduna Bilbao con el primer recital en España de una de las más aclamadas sopranos del panorama operístico actual, que triunfa en los mejores teatros del mundo: Lisette Oropesa. Su hermosa voz y absoluta maestría técnica, harán un recorrido por arias conocidas del repertorio italiano y francés. El maestro Rubén Fernandez la acompañará al piano.

El programa completo de ABAO ON STAGE se está ultimando en estos momentos y en breve se informará de todos los detalles y artistas participantes.

GALA ABAO ON STAGE. Homenaje a nuestros cantantes

  • Un mensaje inequívoco en defensa de la cultura y los artistas afectados por el impacto de las medidas antiCovid.
  • Homenaje a los cantantes que no han podido participar en los títulos no celebrados por la pandemia.

ABAO Bilbao Opera defiende la necesidad de mantener la cultura y la ópera y apuesta por apoyar, en la medida de sus posibilidades, a los artistas que están sufriendo de manera singular, las consecuencias de las medidas antiCovid y su duración en el tiempo.

Para ello la Asociación ha reprogramado algunos títulos y conciertos que no se han podido celebrar durante la pandemia y ha mantenido contratos y reubicado a los intérpretes en futuras temporadas.

Ahora, ABAO da un paso más demostrando su apoyo a estos cantantes, enviado un mensaje inequívoco en defensa de la cultura y el talento de los profesionales que colaboran con la Asociación.

Nace la GALA ABAO ON STAGE como homenaje a la cultura y como acto de reconocimiento a los cantantes que se vieron afectados por la imposibilidad de celebrar, como estaba previsto, las óperas Anna Bolena, Alzira, Samson et Dalila y L’elisir d’amore, en una actuación que reunirá las voces de Simón Orfila, Silvia Tro Santa Fe, Juan Jesús Rodriguez, Carmen Solís o Celso Albelo, entre otros.

OPERA SKILLS EXPERIENCE. Crecer en habilidades en torno a la ópera

  • Siete conocidos profesionales comparten sus reflexiones, conocimientos y experiencias.
  • Mesa redonda en streaming para debatir sobre la ópera post-Covid.

Como cuanto más se conoce una disciplina, más se disfruta, ABAO ha diseñado un ciclo de conferencias online que podrán seguirse a través de su página web, donde renombrados críticos y musicólogos entre los que destacan Eva Sandoval, Rubén Amón, Andrea Merli, Luis Gago, Mariela Rubio, Rafael Bernardo y Pablo Lorenzo Rodríguez, compartirán sus reflexiones y experiencias en torno a temas tan interesantes como la ópera y el cine, Wagner y la manipulación del nazismo o el paso de la ópera bufa italiana a la opereta, entre otros.

El colofón a este ciclo lo ofrecerá una mesa redonda que podrá seguirse en streaming, en la que participarán destacados representantes de la cultura y la gestión cultural.

ABAO Bilbao Opera reitera su reconocimiento y gratitud a todos los socios, a las empresas e instituciones colaboradoras y a todo el público preocupado por el mantenimiento de Bilbao como un referente cultural de primera magnitud en el panorama artístico internacional.

ABAO Bilbao Opera

Debido a las circunstancias actuales que han obligado a las autoridades sanitarias a tomar medidas en aras del control de la pandemia COVID-19, hechas públicas el pasado 11 de enero, ABAO Bilbao Opera ve inviable la celebración de la ópera de Donizetti, L’elisir d’amore prevista para los días 20, 23, 26, 27 de febrero y 1 de marzo de 2021, con la presencia de artistas de primera línea.

El mantenimiento del aforo en 400 espectadores por función, las restricciones de movilidad dentro de cada territorio histórico (sólo los residentes en Bizkaia podrían acudir a las funciones) y la limitación horaria que obliga a que las representaciones finalicen a las 20:45h, imposibilitan, de momento una vez más, la asistencia de todos los socios y público en general a las cinco funciones previstas.

Por otra parte, la organización artística y logística de preparación y montaje de la producción, los viajes de los cantantes y equipos técnicos y el comienzo de los ensayos previstos para finales del presente mes, obligan a que la decisión de no prosperar con la celebración de la ópera, se determine en el momento actual.

ABAO Bilbao Opera mantiene que las medidas adoptadas en colaboración con el Euskalduna y la Asociación Ópera XXI, permitirían la ampliación del aforo respetando todas las medidas de seguridad sanitaria necesarias. Además, teniendo en cuenta las dimensiones del Euskalduna Bilbao, que no son comparables a las de otros espacios de eventos, tampoco debería regirse por la misma norma de límite de aforo.

La Asociación mantiene la confianza de poder clausurar la temporada con la representación de la ópera Tosca prevista para los días 22, 25, 28 y 31 de mayo, con Ainhoa Arteta, Teodor Ilincai y Roberto Frontali como protagonistas.

ABAO Bilbao Opera recuerda que la ópera, la cultura, es un instrumento básico para el desarrollo social y la difusión de valores que coadyuvan a progresar hacia una sociedad más equilibrada y plenamente desarrollada, por lo que seguirá poniendo todo su esfuerzo para mantener a Bilbao como un referente operístico internacional.

Por su notable resiliencia frente a esta crisis pandémica ABAO Bilbao Opera agradece a los socios, a las empresas e instituciones colaboradoras y al público general, su comprensión y apoyo en estas circunstancias excepcionales.

Anita Rachvelisvili

La ‘mezzosoprano’ Anita Rachvelishvili debuta en el Palau de les Arts este domingo, 17 de enero, con canciones de Chaikovski, Falla, Rajmáninov y Tosti en la Sala Principal a las 18.00 horas.

La intérprete georgiana, una de las grandes divas del panorama operístico actual, inaugura la actividad de Les Arts en 2021 con este recital dentro del ciclo ‘Les Arts és Lied’. Acompañada por el prestigioso pianista Vincenzo Scalera, la ‘mezzosoprano’ propone para su visita a València un variado programa en el que hará gala de su versatilidad y de su seductora voz.

Fiel a su apuesta por reivindicar la cultura musical de su país, Rachvelishvili comenzará la velada con ‘El sol se ha desvanecido’, de su compatriota Otar Taktakishvili, para adentrarse de lleno en los grandes nombres del repertorio ruso, con piezas líricas de Piotr Chaikovski y Serguéi Rajmáninov. Las piezas eslavas darán paso al italiano Francisco Tosti con ‘Non t’amo più’, ‘Ideale’ y ‘Tristezza’, para concluir con ‘Siete canciones populares españolas’ de Manuel de Falla.

Para los interesados, las localidades para el recital de Anita Rachvelishvili dentro del ciclo ‘Les Arts és Lied’ tienen un rango de precios que oscila entre 20 y 40 euros.

Les Arts, en su apuesta por diversificar públicos y abordar toda forma de expresión musical reúne en este apartado de la programación a las más reconocidas estrellas del circuito internacional.

Las próximas citas de ‘Les Arts és Lied’ incluyen las actuaciones del barítono Christian Gerhaher (12 de febrero), una de las máximas autoridades en esta forma musical, la consagrada soprano Sonia Yoncheva (25 de abril) y René Pape (16 de mayo), considerado por la crítica como el mejor bajo de su generación.

Anita Rachvelishvili

La ‘mezzosoprano’ georgiana Anita Rachvelishvili es una de las cantantes más reconocidas de la actualidad. Inició su carrera internacional en 1999 con su debut en ‘Carmen’ en La Scala junto a Jonas Kaufmann, bajo la batuta de Daniel Barenboim, tras su paso por la prestigiosa academia del coliseo milanés.

No tardó en volver a encarnar el emblemático rol en teatros como el Metropolitan, Deutsche Oper de Berlín, las Staatsoper de Múnich y Berlín, las óperas de Seattle, San Francisco, Chicago, Dresde y Roma o la Arena de Verona.

Asimismo, ha sido aclamada en la Opéra de París, el Covent Garden y la Staatsoper de Viena, entre otros templos de la lírica. Su primer álbum, que recoge una selección de famosas arias para ‘mezzosoprano’, ha recibido formidables elogios de la crítica.

Les contes d’Hoffmann

Considerada como una de las principales obras maestras del romanticismo francés, Les contes d’Hoffmann de Jacques Offenbach llega al Gran Teatre del Liceu de la mano de la onírica producción de Laurent Pelly

El maestro Riccardo Frizza dirige un elenco inmejorable de voces que, junto a la Orquesta Sinfónica y el Coro del Gran Teatre del Liceu, se enfrentan a la última gran ópera de Offenbach

Un reparto de lujo encabeza los roles principales: los tenores John Osborn y Arturo Chacón-Cruz como Hoffmann, Ermonela Jaho en el papel de Antonia, Olga Pudova y Rocío Pérez interpretando a Olympia y Nino Surguladze y Ginger Costa-Jackson poniendo voz a Giulietta

La obra, inacabada por el fallecimiento del compositor en 1880, narra los infortunios del poeta Hoffmann, obsesionado con triunfar en el amor. Representada 25 veces en el Teatre, el público liceísta podrá reencontrarse ahora con una creación artística fantástica

El horario de las funciones será a las 18:30h para permitir a todo el público poder regresar a sus casas antes del toque de queda establecido por las restricciones de la pandemia. La función del domingo día 31 de enero se mantendrá a las 17h.

El Gran Teatre del Liceu comienza el año con uno de los éxitos más apreciados por el público, Les contes d’Hoffmann de Jaques Offenbach, una producción del prestigioso Laurent Pelly y con la dirección del reconocido director italiano Riccardo Frizza, en substitución de Jordan de Souza, que canceló su participación por motivos personales. La más famosa de las óperas cómicas francesas se podrá ver del 18 de enero al 1 de febrero, con un total de 10 funciones. Un equipo artístico de lujo en el que John Osborn y Arturo Chacón-Cruz se pondrán en la piel del poeta maldito Hoffmann que evoca su pasado amoroso con Olympia (Olga Pudova y Rocío Pérez), Antonia (Ermonela Jaho) y Giulietta (Nino Surguladze y Ginger Costa-Jackson). La mezzosoprano Marina Viotti interpretará el rol de musa/Nicklausse junto a Carol García (19 y 31 de enero), en substitución de Stéphanie d’Oustrac que ha cancelado su participación en la producción por motivos de salud. Un elenco inmejorable de voces que también cuenta con Alexander Vinogradov y Roberto Tagliavini, encarnando a los cuatro malvados. Un elenco inmejorable de voces que también cuenta con Alexander Vinogradov y Roberto Tagliavini, encarnando los cuatro malvados. En el papel de Stella, debido al aislamiento preventivo de la soprano Adriana González, se incorpora al reparto Elena Sancho Pereg, que cantará la noche de estreno y hará un total de 5 funciones (18, 19, 25, 28 y 31 de enero). Una vez superados los 10 días de aislamiento, González se reincorporará haciendo su primera función el 20 de enero y seguirá el 21, 26, 30 de enero y 1 de febrero.

En Les contes d’Hoffmann, Offenbach crea un mundo con sus propias reglas que nos conduce a un universo en el que los sueños y la realidad se entrelazan. Sin renunciar a su propio estilo –ameno, sensible y de dulce melodía–, el dramaturgo ensanchó con ambición los límites de la ópera cómica. La obra, inacabada por el fallecimiento del compositor en 1880, quedó sin detalles de cómo debía verse exactamente el conjunto sobre el escenario. Las cinco partes que creó–tres actos, prólogo y epílogo–, a pesar de que quedaron prácticamente cerradas, se someten a menudo a revisiones musicológicas. Es por eso, que cada producción es una verdadera sorpresa y novedad. La versión de Laurent Pelly, que se estrenó en el Liceu en 2013, se adapta a la propuesta de Offenbach y recoge las dos caras del Romanticismo: la oscura historia y la magia de su reverso. Pelly recurre a la idea del viaje onírico del protagonista, un recurso narrativo siempre eficaz para dibujar una zona nebulosa donde parece que se confunden fantasía y verdad.

La última obra dramática que compuso Offenbach será uno de los retos para la Orquesta Sinfónica y el Coro del Liceu, que para esta ocasión contará con Riccardo Frizza al frente. La partitura está llena de grandes momentos musicales como el que protagonizan Hoffmann y Olympia en el segundo acto y en el cual las voces del tenor y la soprano se compenetran en una dulzura lírica encantadora. Pero sin duda el clímax es la famosa barcarola del tercer acto. Giulietta y Nicklausse cantan una de las melodías más reconocidas de todos los tiempos, una música deliciosa a medio camino entre el tempo del vals y el efecto hipnótico de una canción de cuna.

El argumento de la pieza, que se inspira en los relatos fantásticos del escritor alemán E. T. A. Hoffmann, relata la historia del poeta Hoffmann, enamorado de Stella, que se embarca, empujado por la musa, en un viaje durante una noche extraordinaria para encontrar la mujer ideal, encarnada en las protagonistas de los actos respectivos: Olympia (un autómata), Antonia (una joven que enferma cuando canta) y Giulietta (una cortesana en Venecia). La musa, sin embargo, busca el fracaso amoroso de Hoffmann, puesto que está convencida que solo cuando él renuncie al amor se podrá dedicar a la poesía y esparcir su bien a toda la humanidad.

Les contes d’Hoffmann es una ópera en tres actos con música de Jaques Offenbach y libreto de Jules Barbier. Se estrenó por primera vez el 10 de febrero de 1881 en la Opéra Comique de París. En Barcelona llegó en castellano al Teatro Eldorado, con una primera representación el 22 de abril de 1905. En el Liceu, se estrenó unos años más tarde, el 5 de febrero de 1924, y desde entonces se ha podido ver en el Teatre 25 veces.

Liceo, un espacio seguro

El Gran Teatre del Liceu ha trabajado desde el inicio de la pandemia en poder habilitar una serie de medidas adaptadas para garantizar la seguridad sanitaria dentro del Teatre. Un protocolo que tiene la finalidad de dar cumplimiento a la normativa del departamento de Salud y las condiciones específicas del Procicat en materia de equipamientos culturales.

Con la intención de asegurar al máximo que el Liceo sea un espacio seguro recordamos que es obligatorio el uso de mascarilla y gel hidroalcohólico dentro del Teatro. Entre otras medidas se encuentran el control de temperatura en los accesos, la desinfección constante de los espacios, la renovación permanente del aire a través de dos nuevos ventiladores que se han instalado en agosto de 2020, la inhabilitación del guarda- ropa, y el uso del formato digital para los programas de mano.

Para que el público pueda retornar a sus casas antes del toque de queda, el horario de las funciones será a las 18:30h. La función del domingo día 31 de enero se mantendrá a las 17h.

Fotografía: A. Bofil

Pérez-Sierra

Después de haber dirigido la ópera Carmen, la más conocida de las óperas de Geoge Bizet, el director de orquesta madrileño José Miguel Pérez-Sierra regresa al repertorio del compositor francés con su otro gran éxito lírico, Les pêcheurs de perles (Los pescadores de perlas), título que dirigirá en enero en el Teatro Campoamor para despedir la temporada 2020-2021 de la Ópera de Oviedo (funciones los días 25, 28, 31 de enero y 3, 5 y 6 de febrero)

A pesar de no ser tan conocida como Carmen, Les pêcheurs es una de las obras más queridas del repertorio francés “sobre todo por momentos estelares como las danzas religiosas del primer acto, el famoso Choeur dansé del tercero, el aria del tenor, Je crois entendre encore –que tanta fama diera a Alfredo Kraus– o el dúo de este con el barítono, Au fond du temple saint, que seguro que el público identificará de inmediato”, afirma el músico madrileño. “Bizet era un gran creador de melodías, y esta ópera está plagada de líneas melódicas que llegan directas al corazón del público. Además, en el Campoamor tendremos la suerte de contar con grandes voces como son las de Celso Albelo, Ekaterina Bakanova y Borja Quiza, entre otros, en los papeles protagonistas, que conocen muy bien los personajes; por otra parte estoy encantado de volver a la temporada de la Ópera de Oviedo, en la que estuve por última vez en 2010 con L’Elisir d’amore, aunque sí he tenido el placer de dirigir en esta preciosa ciudad en otras ocasiones”.

Próximamente le esperan la opereta Benamor, de Pablo Luna, en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, la zarzuela El barberillo de Lavapiés en el Teatro de La Maestranza de Sevilla, una gala lírica en el Auditorio Baluarte de Pamplona y las óperas Don Fernando el Emplazado de Zubiaurre y Viva la Mamma! de Donizetti, ambas en el Teatro Real de la capital de España. Más tarde se anuncia su regreso a la Opéra de Marsella (Francia) con Armida de Rossini y Les Huguenots de Meyerbeer y el próximo verano dirigirá en el Festival de Macerata (Italia) Il Barbiere di Siviglia de Rossini.

Fotografía: Pedro Aijón

Web José Miguel Pérez-Sierra

Web Ópera de Oviedo

Teatro Real

Debido a la excepcional situación meteorológica y siguiendo las recomendaciones de las autoridades y servicios de emergencia, el Teatro Real ha decidido suspender la función de Don Giovanni prevista para hoy sábado, 9 de enero, a las 19.30 horas.

Asimismo, quedan canceladas las funciones familiares del ciclo Todos a la Gayarre programadas para mañana, domingo 10 de enero, a las 12.00 y a las 17.00 horas, y la sesión de Ópera en Cine, que debía tener lugar en la sala principal a las 11.00 horas.
El Teatro Real procederá a la devolución del importe de las localidades a lo largo del mes de enero a todos los compradores y abonados, por el mismo medio de pago por el que fueron adquiridas. No será necesario solicitar dicha devolución, ya que se realizará de forma automática.

El estreno mundial de la ópera Marie, del compositor madrileño Germán Alonso y la dramaturga alicantina Lola Blasco, que debía celebrase esta tarde en el Teatro de La Abadía, queda pospuesto para el próximo martes, 12 de enero, a las 19.00 horas. La función de mañana, domingo 10 de enero, queda también aplazada a fecha todavía por determinar, pero de la que informaremos a la mayor brevedad posible.

Lamentamos las molestias que estos cambios puedan ocasionar y que se han llevado a cabo para proteger la seguridad, tanto del público como de los artistas y personal del Teatro.

Fotografía: Javier del Real

DiDonato

13 de enero, a las 19.30 horas, la mezzosoprano Joyce DiDonato, acompañada al piano por Craig Terry, interpretará un programa ecléctico, de Haydn a canciones de cabaret.

14 de enero, a las 19.30 horas, el tenor Jonas Kaufmann, junto al pianista Helmut Deutsch, presentarán una amplia selección de lieder alemán y canciones.

15 de enero, a las 19.30 horas, el tenor Javier Camarena, con la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Iván López-Reynoso, ofrecerán arias del repertorio belcantista.

Los tres conciertos conforman el ciclo Festival de Estrellas de la Ópera, con ventajas especiales para la adquisición de localidades.

El Teatro Real ofrecerá en tres días consecutivos conciertos protagonizados por tres de los más importantes cantantes líricos de la actualidad: la mezzosoprano Joyce DiDonato (13 de enero) y los tenores Jonas Kaufmann (14 de enero) y Javier Camarena (15 de enero).

Los tres cantantes interpretarán programas distintos y complementarios, con un repertorio que revela los territorios artísticos en el que destacan en la actualidad en sus respectivos formatos: dos recitales con piano (DiDonato y Kaufmann) y un concierto lírico con orquesta (Camarena).

La versátil mezzosoprano Joyce DiDonato, muy querida por el público de Madrid, interpretará obras de Joseph Haydn, Gustav Mahler, Johann Adolph Hasse y Hector Berlioz, en la primera parte y cabaret songs, en la segunda, junto al pianista Craig Terry, con el que conquistó un premio Grammy al “Best Classical Solo Vocal Album” por el disco de Songplay.

Jonas Kaufmann retorna al Teatro Real con un concierto dedicado en su mayor parte al lieder alemán, acompañado por Helmut Deutsch, uno de los más hondos y sensibles pianistas en ese tipo de repertorio. Juntos interpretarán un extenso programa con obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Franz Liszt, Johannes Brahms, Friedrich Silcher, Alexander Zemlinsky, Piotr Ilich Chaikovski, Hugo Wolf, Gustav Mahler, Richard Strauss, Carl Böhm, Antonín Dvořák y Edvard Grieg.

Javier Camarena actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Iván López-Reynoso, interpretando arias de L’italiana in Algeri y Ricciardo e Zoraide de Gioachino Rossini; de Dom Sébastien, Roi de Portugal, Deux hommes et une femme, Don Pasquale y Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti; de Romeo et Juliette, de Charles Gounod, y Le roi D’Ys, de Édouard Lalo.

Fotografía: Javier del Real

Frizza

Tras su paso el pasado noviembre por el Festival Donizetti de Bérgamo, del que es director musical desde hace tres años, Riccardo Frizza vuelve a los escenarios españoles, esta vez para ponerse al frente de las diez funciones que el Gran Teatre del Liceu de Barcelona ha programado de la ópera de Jacques Offenbach Les contes d’Hoffmann (18, 19, 20, 21, 25, 26, 28, 30, 31 de enero y 1 de febrero). El maestro italiano se pondrá al mando de la producción que firmara Laurent Pelly en 2013 para el teatro barcelonés, la Opéra National de Lyon y la Ópera de San Francisco, con la que sorprenderá al retratar las vicisitudes del torturado poeta Hoffmann.

Para Frizza, que ya debutó el título en Viena en 2012, “se trata de un título fascinante, en el que sin duda hay que sumergirse de lleno en el libreto y conocer muy bien los textos –y su significado– para poder dirigirla con coherencia; se trata de una obra compleja, con muchos personajes y que el compositor dejó inacabada siendo después terminada por Ernest Giraud. A lo largo de los años ha sufrido diversas modificaciones de las que han surgido distintas versiones; en el Liceu haremos la considerada como definitiva, que el musicólogo Michael Kaye revisó en los años noventa del siglo pasado, a quien conocí en Miami y quien me explicó algunos secretos que me ayudaron a poder debutarla en su momento”, afirma el director.

Bajo las órdenes de Frizza, en el Liceu se alternarán dos repartos en los que destacan, entre otros, John Osborn y Arturo Chacón-Cruz como Hoffmann, Olga Pudova y Rocío Pérez (Olympia), Ermonela Jaho (Antonia), Nino Surguladze y Ginger Costa-Jackson (Giulietta), Marina Viotti y Carol García (Nicklausse) y Alexander Vinogradov y Roberto Tagliavini (Lindorf / Coppélius / Doctor Miracle / Capitán Dapertutto).

Tras este nuevo compromiso en el Liceu, Riccardo Frizza continuará más tarde con su agenda internacional para dirigir conciertos junto a Joyce El-Khoury y Karine Deshayes en la Opéra de Monte-Carlo y en el Théâtre des Champs-Élysées de París, Rigoletto en el Maggio Musicale Fiorentino, La sonnambula de nuevo en el Théâtre des Champs-Elysées y L’elisir d’amore en el San Carlo de Nápoles. En 2022, entre otros compromisos, destaca su regreso al Metropolitan de Nueva York con Lucia di Lammermoor.

Web José Riccardo Frizza

Web Gran Teatro del Liceo

Marie

El próximo 9 de enero tendrá lugar en el Teatro de La Abadía el estreno mundial de Marie, ‘tragedia contemporánea’ que nace de la colaboración entre tres reconocidos artistas nacidos en los años 80: el compositor madrileño Germán Alonso (1984), la dramaturga alicantina Lola Blasco (1983) –Premio Nacional de Literatura Dramática, 2016– y el director de escena sevillano Rafael Villalobos (1987) –Premio Artes y Letras de la Fundación Princesa de Girona, 2019.

La producción –primera colaboración del Teatro Real y el Teatro de la Abadía– propone una investigación en torno al asesinato de una prostituta a manos de su pareja a través del relato de varios personajes y de las reflexiones de la autora, que analiza el homicidio desde diferentes perspectivas, dando visibilidad en Marie a todas las Marie, víctimas olvidadas y sin nombre que constituyen el eje de la tragedia.

LA GÉNESIS DE LA OBRA

El director de escena Rafael Villalobos, impresionado por el potencial musical de los textos de la dramaturga Lola Blasco –con quien trabaja desde que coincidieron en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid)– le impulsa a escribir un libreto operístico, presentándole al compositor Germán Alonso, quien ya había estrenado su primera ópera de cámara, The Sins of the Cities of the Plain.

Lola Blasco propone a ambos la creación de una obra que indague sobre el personaje de Marie en la obra Woyzeck, de Georg Büchner (1813–1837), cuyo homicidio, al final del drama original, es tratado apenas como el epílogo de la desgraciada vida del protagonista, humillado, utilizado y vilipendiado por todos, generando en el público una empatía tan grande que la mujer asesinada pasa casi inadvertida.

Con el apoyo de la Fundación BBVA, que concedió a Lola Blasco una de sus Becas Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales, la dramaturga pudo escribir el libreto de la ópera en estrecha colaboración con Germán Alonso y Rafael Villalobos.

EL LIBRETO

Una autora –alter ego de Lola Blasco, cuyas reflexiones figuran en la obra grabadas con su propia voz– pretende escribir el libreto de una ópera centrado en los motivos que han llevado al soldado Woyzeck a asesinar a su pareja. Hilando sus meditaciones, intuiciones y conjeturas con las declaraciones de los varios testigos, reconstruye tres distintos escenarios para el mismo crimen.

En la estructura dramatúrgica de la obra, concebida como un vía crucis de la protagonista, se entrelazan tres planos, correspondientes a tres tiempos y tres lenguajes distintos: el presente, con las reflexiones de la autora mientras investiga el asesinato (texto grabado con electrónica); el pasado remoto, con los recuerdos de los personajes que han convivido con Marie (teatro); y un ‘tiempo revivido’, con la triple recreación de la escena del homicidio (lenguaje operístico).

Para la construcción de los personajes Lola Blasco ha escudriñado no solo el drama de Büchner, sino también las óperas Wozzeck y Lulu de Alban Berg, o mitos literarios de Otello a Carmen, de la Biblia a Goethe, que asoman de manera explícita u oculta en el devenir del drama.

LA MÚSICA

Las partes cantadas de Marie están escritas para contratenor y soprano, –Xavier Sabata y Nicola Beller Carbone (Jordi Domènech y Valentina Coladonato, el 10 de enero)–, cuyas voces son utilizadas en todos sus registros: voz natural, impostada y vocal fry.

Además de la música electrónica y de los textos pregrabados con la voz de Lola Blasco que aparecen a lo largo de la obra, la partitura ensambla distintas fuentes musicales, del barroco al rock y a la electrónica, en una fluida osmosis sonora en la que destaca la utilización de elementos de las óperas de Alban Berg y citas de temas reconocibles ­o sumergidos que han inspirado al compositor.

En su segunda obra escénica, German Alonso vuelve a contar el ensemble Proyecto OCNOS, en esta ocasión con Diana Muela (flauta), Olga Morral (acordeón), Pedro Pablo Cámara (saxofón), Gustavo A. Domínguez Ojalvo (clarinete bajo) y Pedro Rojas Ogáyar (guitarra eléctrica), que utilizan todas las potencialidades de sus instrumentos al servicio de la dramaturgia.

LA PRODUCCIÓN

Partiendo de la ópera como género intrínsecamente ligado a la tragedia griega, entendida como una amalgama de expresiones artísticas con vocación de convertirse en herramienta social, Rafael Villalobos plantea la producción basándose en un trabajo de personnenregie, que explora los límites vocales y físicos de los intérpretes a la vez que ahonda en el concepto de lo sublime, situando la belleza como el principal canal de comunicación con el público.

La obra, articulada como el vía crucis de Marie –con sus tres muertes que emulan las tres caídas de Cristo­– se desarrolla en un espacio simbólico diseñado específicamente para los arcos del Teatro de la Abadía por Emanuele Sinisi. Presidido por una cruz versátil y omnipresente, con la iluminación cómplice de Felipe Ramos, ayuda a la metamorfosis de los distintos personajes que entran y salen a lo largo de las 14 ‘estaciones’ de la tragedia.

Rehuyendo la moraleja y cualquier anécdota espacio-temporal, la producción pretende propiciar un espacio de reflexión sobre la violencia de género, en la que el público, situado frente a una realidad compleja, es confrontado con la tragedia de Marie, de tantas Marie, con la mediación indecible y honda del Arte, la conjunción de todas las artes.

Fotografía: Javier del Real

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Don Giovanni
Wolfgang A. Mozart (1756-1794)
Dramma giocoso en dos actos
Libreto de Lorenzo Da Ponte, basado en el Burlador de Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el libreto de Giovanni Bertati para la ópera Don Giovanni Tenorio ossia il convitato di pietra (1787)
Producción de la Staatsoper de Berlín, procedente de Salzburger Festpiele
Teatro Real, Madrid 29 de diciembre de 2020
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Responsable de la reposición: Julia Burbach
Iluminador: Olaf Winter
Dramaturgia: Ronny Dietrich
Coreógrafos: Ramses Sigl
D. coro: André Máspero
Intérpretes: Adrian Eröd, Goran Juric, Adela Zaharia, Airam Hernández, Federica Lombardi, Marco Mimica, Cody Quattlebaum, Marina Monzó
Coro y Orquesta Titulares del Teatro RealPersonalmente tengo que decir que he tenido mala suerte con los Don Giovanni a los que he asistido. Tan mala suerte que creo que este es el mejor que he visto. Y tengo también que reconocer que me surgen unas cuantas contradicciones después de ver la representación. Unas cosas me gustan mucho, otras, menos. Pero si nos fijamos en el conjunto, en todos los elementos (que no son pocos) que componen esta producción, puedo decir que salí del Teatro contenta después de haber disfrutado.Don Giovanni parece tener algún tipo de maldición en Madrid, pues las representaciones que de él se han hecho en las últimas décadas no han sido precisamente brillantes. La de Claus Guth, que se estrenó en 2008 en el Festival de Salzburgo y que llega ahora al Teatro Real, se mantiene desde entonces en los escenarios con bastante dignidad. Es además la única ópera de Mozart que permaneció en el repertorio desde su estreno en el período romántico, cuando el resto habían desaparecido de las programaciones.Existen dos versiones de Don Giovanni, la de Praga de 1787 y la de Viena en 1788, que es la que se representa en esta ocasión, aunque se ha prescindido del sexteto final y del dúo entre Zerlina-Leporello. Como Mozart escribía para los cantantes, adaptó la versión de Viena para la soprano austríaca Caterina Cavalieri para el rol de Elvira, una de las más famosas cantantes del momento. Lo mismo hizo con el papel de Don Ottavio, que en Viena fue interpretado por Francesco Morella, para quien escribió el aria de Il mio tesoro, un tenor con más habilidad y facilidad para la coloratura que Antonio Baglioni, que estrenó la versión en Praga.Guth ha creado un bosque de un realismo extraordinario. Giratorio, como no podía ser de otra manera tratándose del director alemán. El bosque… ese lugar donde nos escondemos o nos amamos. Un lugar en el que podemos sentir miedo, nos perdemos e inquietamos, pero donde siempre las emociones son fuertes.La escenografía de Claus Guth empieza alterando el libreto, pues el Comendador hiere de muerte a Don Giovanni ya en la obertura, a modo de spoiler. A partir de aquí asistimos a la agonía, en tiempo real, de un Don Giovanni que es como un animal cazado y herido en un bosque que, al girar, además de resultar un poco mareante, va desvelando los misterios y rincones en los que transcurren las escenas. Todo ello en una permanente y brillante penumbra creada por Olaf Winter. Hay espacio para un coche, una parada de autobús o un columpio. Todo, menos un palacio.Tampoco acompaña a sumergirse en la obra mozartiana el vestuario ni elementos escénicos incomprensibles, como la alusión a las drogas de Don Giovanni y, en general, la falta de sensibilidad en una obra como esta.Ivor Bolton, que se maneja muy bien en el repertorio mozartiano, tuvo un resultado un tanto desigual en esta ocasión. Fue de menos a más, tras una obertura un poco apagada, como casi toda la primera parte, llegó una segunda con mayor musicalidad y refinamiento en las cuerdas. La música conseguía sofocar los momentos en los que la escenografía te sacaba de la obra. No entendí que la mandolina de James Ellis tuviera que estar amplificada. No se si fue esta la causa de la falta de pulcritud en su emisión en un aria que, por otra parte, estuvo hábilmente iluminada creando uno de los momentos más sublimes de la representación.El cuadro de cantantes ha estado muy equilibrado. Cabes destacar la interpretación del Don Giovanni de Adrian Eröd, de un alto nivel interpretativo. Frívolo y apresurado en sus conquistas mientras agoniza. Lástima que su emisión no fuera limpia, parecía que tenía algún problema. El frio, quizá. Un personaje tratado escénicamente como un pobre hombre errático. Nada que ver con el Don Juan que tenemos interiorizado.El croata Goran Jurik ofrece una buena imagen de Comendador, gracias a su presencia escénica y su poderosa voz de bajo en un rol poco agradecido, por breve.Adela Zaharia me gustó en su papel de Donna Anna. La soprano rumana combinó sensibilidad con solvencia vocal y una buena interpretación. Ella, como el resto de solistas, tuvieron que cantar mientras mantenían el equilibrio sobre un escenario irregular. A veces se piensa poco en los cantantes y mucho en elementos inestables e innecesarios del decorado.Tampoco estuvo mal la Donna Elvira de Federica Lombardi, con una solida zona central y buenos en los agudos que le permitieron momentos de brillantez.El Leporello del croata Marko Mimica tuvo casi más protagonismo vocal que el propio Don Giovanni. No así en la faceta interpretativa. Aunque se echan de menos voces verdaderamente graves en la actualidad, Mimica cumplió con su rol.

El papel de Don Ottavio ha estado interpretado por Airam Hernández, un personaje pusilánime que quedó bien retratado por el tenor tinerfeño que estuvo a buen nivel también en la parte vocal.

La Zerlina de Marina Monzó fue una de las satisfacciones de la noche, que no sorpresa. Junto al Masetto de Cody Quattlenaum, crearon una pareja bien compenetrada en la parte teatral.

Otra noche de ópera en el Teatro Real, que se está comportando como un gran buque que avanza, contra viento y marea y manteniendo el rumbo, en un inmenso océano de hielo.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real/Teatro Real
Vídeos: Teatro Real

Concierto de Navidad

El Teatro de la Zarzuela se despedirá de 2020 –este año en el que la pandemia ha cambiado nuestra forma de vivir– mañana miércoles 30 de diciembre a las 20h00 con su tradicional Concierto de Navidad. Será una fiesta dedicada a la música española, a nuestra lírica, que desde hace más de siglo y medio es la razón de ser de este coliseo. Ganas de disfrutar de nuestros compositores, de la vida y de la cultura, no faltan: las entradas se agotaron en tiempo récord.

El concierto estará dirigido por el maestro Víctor Pablo Pérez y contará con la participación de varias de las voces más admiradas en la actualidad, como son las de la soprano Yolanda Auyanet y la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera. En la gala intervendrá también el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, que junto con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del coliseo) se sumará como cada año a la celebración.

El programa irá desde obras de Chueca y Valverde, Chapí, Guerrero, Bretón, Barbieri o Serrano, a composiciones de Giménez, Sorozábal o Fernández Caballero, pasando por creaciones de Lleó y Calleja o Rubio. Todo un catálogo de obras maestras, en el que también habrá sitio para el villancico o el espiritual, para desear un 2020 lleno de luz y de música. Esta vez seguro que sí.

ABAO Bilbao Opera

La adaptación de la genial obra de Donizetti “El elixir de amor”, ideada por el famoso tenor Aquiles Machado, gran conocedor de esta ópera que ha cantado en varias ocasiones, y producida por Más que Ópera, se estrena a nivel nacional de la mano de ABAO TXIKI. Los próximos días 3 de enero a las 12:00h y a las 18:00h, el 4 de enero a las 18:00h y el 5 de enero a las 12:00h sube a escena, con el patrocinio de la Fundación BBVA, esta divertida historia situada en un mundo de fantasía a partir de los libros que tanto gustan a Adina, cuya imaginación lleva a Nemorino, Giannetta, Belcore y Dulcamara a transformarse en héroes, heroínas y villanos.

Un espectáculo con cuatro cantantes, coro y orquesta, de sesenta minutos de duración recomendado a partir de los 8 años cuya propuesta escénica ideada por Aquiles Machado con escenografía de Miguel Ruiz Massip, gira en torno a tres módulos que generan un ambiente diferente para distintas escenas, dando relieve y color al pueblo monocromático, que en ocasiones se llena con proyecciones. Una plataforma circular hace las veces de salón de clases, refugio en el bosque, escenario para el improvisado recital de Dulcamara o solar donde Nemorino deja caer una furtiva lágrima a la sombra de un árbol cuyas hojas contienen los poemas e historias preferidos de Adina, a modo de margarita gigante para averiguar si nuestra heroína lo quiere, o no lo quiere.

El Teatro Arriaga es el escenario en el que reconocidos artistas como el tenor Francisco Corujo como Nemorino, la soprano Ariadna Martínez como Adina, el bajo Simón Orfila como Dulcamara, el barítono Enrique Sánchez Ramos como Belcore y la actriz Natalia Fisac de Giannetta, dan vida a esta hilarante ópera bufa de Donizetti. Pondrá la música la orquesta Bilbao Sinfonietta dirigida por Lara Diloy.

Los jóvenes espectadores también forman parte del espectáculo

La asociación cultural Más que Ópera ha puesto en marcha una original iniciativa para que los niños y niñas participen en las representaciones de “El elixir de amor” en el Arriaga y formen parte del espectáculo.

Esta participación consiste en un coro virtual proyectado al inicio de cada función para recibir al público, y al que los jóvenes espectadores han sumado sus voces. Para ello, han tenido que descargarse la letra y la partitura en la web de Más que Ópera (http://masqueopera.com/abao-txiki/), ensayar con el karaoke que está en la página y grabarse un vídeo en horizontal con los auriculares puestos para que sólo se oiga la voz del participante.

Posteriormente, subir el vídeo a un enlace que hay en la propia página hasta el 26 de diciembre. El vídeo también lo han podido grabar caracterizados como alguno de los protagonistas de este título elaborando su propio vestuario con las ideas aportadas en la web.

Libre circulación intermunicipal en Bizkaia

Con la flexibilización de las medidas decretadas por Gobierno Vasco para contener la expansión del COVID-19 levantando el confinamiento perimetral, y permitiendo la libre circulación entre municipios en Bizkaia, se podrán acercar a Bilbao para disfrutar de este nuevo título de la temporada de ABAO TXIKI todos aquellos niños y niñas vizcaínos que lo deseen.

El siguiente título de la temporada llegará en marzo, la presentación mundial de El viaje de Ludi, una nueva producción de ABAO Bilbao Opera, estreno absoluto a nivel internacional, donde se combinan la magia de la música con la del teatro para, de la mano del maestro Beethoven, realizar un viaje por Europa descubriendo los diferentes aspectos de la historia de la música.

Entradas a la venta

Las localidades para ABAO Txiki pueden adquirirse exclusivamente en las taquillas del Teatro Arriaga, en www.teatroarriaga.eus o por teléfono: 946 850 850 (Arriaga), y en los cajeros multi-servicio de la BBK.

EDUARDO GUERRERO

El joven bailaor gaditano Eduardo Guerrero presentará en el Teatro Real, los próximos días 16 y 17 de diciembre, uno de sus espectáculos más creativos y originales, ONÍRICO, una creación en la que, con su sutil lenguaje de poderoso zapateado y bellos remates dramáticos, nos transportará a un mundo irreal, fantástico, y vinculado, como su propio nombre indica, al mundo de los sueños.

Adelanta así Guerrero su presencia en Flamenco Real, al sustituir a la bailaora Alba Heredia, quien sufre un complicado esguince que la mantendrá apartada de los escenarios las próximas semanas y ha obligado a posponer su espectáculo ALBA&LANDO en el “tablao” de la Plaza de Oriente.

El joven bailaor gaditano comenzó a bailar, con tan sólo seis años, en la escuela de Carmen Guerrero. Allí aseguró los cimientos de un arte que construiría estudiando danza española en el Conservatorio de Danza de Cádiz, además de formarse en danza contemporánea y clásica, para pasar después a su desarrollo en profundidad junto a maestros como Mario Maya, Antonio Canales y Manolo Marín, entre otros.

A partir del 2002 empieza a trabajar con grandes artistas del panorama nacional que valoran su indudable calidad, su capacidad física y su técnica depurada, desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar.

En 2011 obtuvo el 1er Premio del Concurso Coreográfico de Conservatorios Profesionales, con su coreografía coreografía Mayo . A partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es el momento de este gran bailaor que, con una estética actual, un profundo conocimiento de la esencia del flamenco, su talento, su físico y su gran carisma, conmueve y emociona, triunfando allá donde baila.

FLAMENCO REAL se adapta a la actual normativa de seguridad sanitaria cambiando la configuración y estructura de todo el ciclo. Así, el formato anterior, con sillas y mesas con vino español, a semejanza de un tablao, se ha sustituido por butacas dispuestas en semicírculo, como un auditorio, de las que se ocuparán apenas 130 asientos (40% del aforo total), guardando la debida distancia de seguridad.

Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble, a las 19.30 y a las 22:00 horas. Se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Teatro Real

Las restricciones provocadas por el COVID-19 relativas a la ubicación del público en los teatros desde el inicio del ‘desconfinamiento’, han obligado, en los últimos meses, a un constante trabajo de adaptación del aforo del Teatro Real a la normativa de seguridad sanitaria en cada momento y a la comunicación individualizada con los abonados antes de cada función programada.

Desde el pasado mes de junio las entradas de ópera, danza, conciertos y espectáculos infantiles han salido a la venta de forma irregular para algunas funciones de La traviata, Un ballo in maschera, Rusalka y Don Giovanni, conciertos, etc., cuando quedaban localidades libres después de la reubicación de los abonados y la devolución de entradas.

Finalmente, después del ajuste del aforo del Teatro Real de acuerdo con la normativa anti COVID actual, y realizados los cambios necesarios para que los abonados puedan guardar la distancia de seguridad sanitaria, a partir de mañana, 15 de diciembre, el público podrá adquirir sus entradas para cada título de la temporada (con un aforo máximo de 1280 asientos), consultando su respectiva fecha de salida a la venta, con el mismo procedimiento anterior a la pandemia.

La creación, a finales de octubre, del nuevo Plan de Atención al Abonado ha permitido agilizar la comunicación personalizada con los abonados y la reubicación de sus respectivas localidades hasta el final de la presente temporada.

En este link de la página web del Teatro Real se pueden consultar los días de salida a la venta de cada espectáculo para todo el público, con fechas preferenciales para los Amigos del Teatro Real y Abonados.

Real Joven

El Teatro Real, atento a las sensibilidades de los espectadores y consciente de que el público joven es uno de los pilares fundamentales del futuro de la cultura, trabaja desde hace tiempo en la elaboración de un proyecto destinado a quienes tienen entre 18 y 35 años, ambos inclusive, y que ahora ya es una realidad: El Real Joven.

Esta iniciativa nace con el objetivo de hacer que los jóvenes disfruten de la experiencia de la ópera y, a la vez, que formen parte de una de las realidades culturales más importantes del mundo. Para ello, el Teatro Real quiere facilitar el acceso a sus espectáculos, diversificar las actividades en torno a su programación, crear puntos de encuentro y debate sobre el futuro de la música y las artes escénicas y captar las aportaciones que ellos pueden realizar.

Con este empeño se ha creado un área propia para los jóvenes dentro de la Sala Principal denominada Butaca Joven, que incluye un número de asientos situados en los palcos de platea, entresuelo y anfiteatro, para cuya compra tendrán siempre prioridad y cuyo precio será de entre 25 y 35 euros, es decir, cuatro veces menos de su precio habitual. Asimismo, los canales de venta digitales permitirán adquirir entradas de Último minuto para las funciones de ópera y danza de la temporada y en todas las zonas del teatro, agilizando su adquisición y favoreciendo la seguridad de los espectadores al evitar las concentraciones y colas en las taquillas.

En cada estación – invierno, primavera, verano y otoño- se celebrará un Preestreno Joven en el que se distribuirán 650 entradas, con carácter gratuito, en cuyo reparto participarán, además de los Amigos Jóvenes y los jóvenes seguidores del Teatro, las tres administraciones que sustentan la institución: Gobierno de España, Comunidad de Madrid y Ayuntamiento de Madrid. Atendidos, en todos los casos, por orden de registro.

El proyecto incluye la creación de un Comité Joven, a semejanza de los órganos estables de la institución -como su Consejo Asesor, del que forman parte representantes de la Cultura y de la sociedad civil- en el que una veintena de jóvenes talentos de sectores diversos colaborarán en la creación e impulso de iniciativas y políticas orientadas a la construcción del teatro del futuro. Forman ya parte de este Comité Lucas Vidal, Ter, Jaime Altozano y Alberto Merlo, entre otros.

La nueva identidad habla también un lenguaje joven. Dentro del Teatro se está preparando un espacio físico que funcionará como punto de encuentro para los jóvenes espectadores, antes del comienzo y durante los descansos de la función. Fuera, la página web habilitará un microsite con todas las informaciones relativas al plan joven y se crearán perfiles específicos en las redes sociales.

Otra importante vía de participación es el programa Amigos Jóvenes que, por una suscripción de 25 euros al año, permite acceder a la compra anticipada de Butaca Joven una semana antes de la salida a la venta al público general y dos días antes que al resto de jóvenes, y preferencia en la adquisición de entradas de ”Último Minuto” online, el día de la función a partir de las 14.00 horas. Además de las ventajas de compra, se han diseñado actividades exclusivas para este grupo y descuentos en los cursos de formación que organiza el Teatro Real.

En estos momentos se ultiman los canales que vincularán el Real Joven con proyectos similares, nacionales e internacionales, como Juvenilia, red europea de amigos jóvenes de la ópera que organiza viajes y actividades en otros teatros de Europa.

Paso a paso, los jóvenes han construido en el Teatro Real un lugar con derecho propio. Este camino que comenzó con las entradas de último minuto y fue avanzando con programas como La Universidad a Escena, los encuentros con artistas o el recién creado Ciclo de Jóvenes talentos, abre ahora un universo de posibilidades para una comunidad que crece cada día, en torno a la ópera.

Fotografía: © Javier del Real / Teatro Real

DiDonato

El Palau de les Arts recibe este domingo, 13 de diciembre, a la mezzosoprano Joyce DiDonato que hará su debut en Les Arts con una selección de arias de sus compositores barrocos y clásicos favoritos, acompañada de la orquesta Il pomo d’oro.

La carismática artista inaugura el ciclo ‘Les Arts és Grans Veus’, una nueva propuesta de la programación de Les Arts que reunirá a las figuras más emblemáticas de la lírica de nuestro tiempo en un recorrido por las músicas y compositores que marcaron sus carreras. “Posiblemente, la artista más dinámica de su generación”, según ‘The New Yorker’, “Auténtico oro de 24 quilates”, según ‘The Times’, Joyce DiDonato es una de las personalidades más fascinantes y arrolladoras del panorama operístico.

Galardonada con múltiples Grammys por su discografía, merecedora del Premio Olivier británico por sus ‘destacados logros en la ópera’ o del estadounidense Premio Richard Tucker, la mezzosoprano de Kansas es requerida por los principales teatros y auditorios de todo el mundo tanto por sus interpretaciones de Händel y Mozart como por sus incursiones en el repertorio belcantista.

Para su primera actuación en Les Arts, la diva estadounidense estará acompañada por Il pomo d’oro, uno de los ‘ensembles’ de mayor prestigio por su papel en la recuperación de obras maestras desde el Barroco y el Clasicismo hasta el periodo belcantista.

Bajo la batuta de Francesco Corti, Joyce DiDonato ofrecerá algunas de sus arias y canciones predilectas, con páginas de Monteverdi, Gluck, Händel, Hasse y Rameau, entre otros. Fundado en 2012, Il pomo d’oro es uno de los habituales compañeros de viaje de DiDonato en diversos proyectos, entre ellos el álbum de arias barrocas titulado ‘In War and Peace’ que fue galardonado con el Echo Klassik en 2017.

Les Arts recuerda que los precios para el concierto de Joyce DiDonato en la Sala Principal, este domingo a las 18.00 horas, oscilan entre 10 y 60 euros.

Fotografía: Simon Pauly

Don Giovanni

Entre los días 18 de diciembre y 10 de enero el Teatro Real ofrecerá 15 funciones de Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart, en una producción de la Staatsoper de Berlín, estrenada en el Festival de Salzburgo en 2008, con el mismo dúo protagonista que actuará en el Real: el barítono británico Christopher Maltman, como Don Giovanni, y el bajo-barítono hispano-uruguayo Erwin Schrott, como Leporello.

La interpretación de ambos, alabada unánimemente por la crítica, adquiere en este montaje un significado especial, ya que Claus Guth refuerza, en su puesta en escena, el macabro vínculo de los dos personajes, cuya complicidad y piedad aportan, quizás, los únicos momentos tiernos y compasivos de la producción.

La trama transcurre en un bosque de abetos muy versátil, diseñado por el escenógrafo Christian Schmidt, donde se van sucediendo los distintos cuadros de la ópera, distorsionados por la agonía de Don Giovanni, que se desangra lentamente desde la primera a la última escena.

Herido por el Comendador al inicio de la ópera, en el paroxismo de la muerte desfilan por su cabeza los perversos juegos de seducción que han llenado su vida trepidante, caminando hacía la enajenación y la muerte sin abandonar nunca su espíritu impetuoso, lúbrico y blasfemo.

Ayudado por Leporello, el amigo junkie y compinche de aventuras que lo acompaña en el doloroso trance, Don Giovanni mezcla, en la ópera, los recuerdos vívidos alentados por su afán hedonista, con las visiones borrosas que preceden la muerte. Escondido en los meandros y recovecos de un bosque siempre cómplice, sabiamente iluminado por Olaf Winter, la floresta refleja el drama de los personajes, en un juego pictórico de claroscuros que enlaza el universo barroco del libertino de Tirso de Molina, con el mundo turbio de los tarados sexuales del siglo XXI.

Dos elencos de cantantes de reconocido prestigio internacional encarnan los personajes de Don Giovanni, dirigidos con la pericia y hondura por Claus Guth, que ya dejó su impronta en tres producciones presentadas en el Teatro Real: Parsifal (15/16), Rodelinda (16/17) y Lucio Silla (17/18).

Los barítonos Christopher Maltman y Adrian Eröd (Don Giovanni), los bajo-barítonos Erwin Schrott y Marko Mimica (Leporello), las sopranos Anett Fritsch y Federica Lombardi (Donna Elvira), los tenores Mauro Peter y Airam Hernández (Don Ottavio), las sopranos Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno (Donna Anna), y también Louise Alder y Marina Monzó (Zerlina), así como los bajos Krzysztof Baczyk y Cody Quattlebaum (Masetto), y Tobias Kehrer y Goran Juric (El comendador), se alternarán en las 15 funciones programadas, siempre bajo la dirección de Ivor Bolton, que dirigirá su quinto título de Mozart en el Real, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro o Real.

Don Giovanni se presentará por cuarta vez desde la reinauguración del Teatro Real: en junio de 1999 con Daniel Barenboim y Thomas Langhoff; en octubre de 2005 con Víctor Pablo Pérez y Lluis Pasqual; y en abril de 2013, con Alejo Pérez y Dmitri Tcherniakov.

La producción que llega ahora al Real se ofrece en un período de incertidumbre y dificultades, exigiendo por parte de todos un esfuerzo suplementario para presentar la ópera dentro de la normativa de seguridad sanitaria.

El director de escena Claus Guth ha modificado varios detalles de la puesta en escena y el Coro Titular del Teatro Real actuará con unas mascarillas diseñadas especialmente para cantantes, que favorecen la proyección de la voz y el movimiento facial sin liberar los aerosoles. Pero estas y otras adaptaciones no impedirán al Teatro Real ofrecer, con la máxima calidad, una perspectiva distinta del gran mito de la literatura española, con nuevas interpretaciones que siguen enriqueciendo su aura.

EL PATROCINIO DE ENDESA

Para José Bogas, consejero delegado de Endesa “contribuir a que la cultura no se pare y, en particular, apoyar al Teatro Real, es un enorme orgullo para Endesa. Valoramos enormemente que el Teatro Real sea una de las escasas Opera House del mundo que ha mantenido su programación contra viento y marea, a pesar de la pandemia; además, lo ha hecho con una enorme calidad y sin descuidar la seguridad. Y eso es lo que vamos a comprobar con este ‘Don Giovanni’ que Endesa patrocina.

La Cenerentola

El Palau de les Arts reúne a Carlo Rizzi, en la dirección musical, y a Laurent Pelly, en la dirección escénica, para ‘La Cenerentola’, de Rossini, que se estrenará este próximo 10 de diciembre en la Sala Principal.

Les Arts recupera el repertorio cómico de Rossini en su programación con este nuevo montaje, coproducido con la Dutch National Opera y el Grand Théâtre de Genève, en el que se citan algunos de los más destacados expertos en la obra del compositor de Pésaro, según ha explicado Jesús Iglesias Noriega hoy en su presentación.

En el podio regresa a Les Arts Carlo Rizzi, uno de los directores de ópera más destacados de los últimos años. Invitado por los principales teatros y festivales, Rizzi debutó con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) en 2013 con el ‘Réquiem’ de Verdi.

Carlo Rizzi ha recordado, en este sentido, la ductilidad y la capacidad de la OCV para abordar esta obra de Rossini, que está considerada como su título más apreciado, y representado, después de ‘Il barbiere di Siviglia’. El maestro milanés, asimismo, ha subrayado la necesidad de un gran reparto en una ópera en la que cobran especial protagonismo los números conjuntos.

Emergentes y consolidados intérpretes rossinianos conforman el reparto que interpretará ‘La Cenerentola’ del 10 al 23 de diciembre en Les Arts, según ha apuntado Iglesias Noriega. La ascendente mezzosoprano Anna Goryachova (Angelina) encabeza el elenco de la producción en su debut en València. Lawrence Brownlee, convertido en uno de los principales tenores del ‘bel canto’, interpreta el rol de Don Ramiro.

Para el papel de Don Magnifico cantará, por primera vez en la Sala Principal, el veterano bajo-barítono zaragozano Carlos Chausson, considerado como uno de los grandes especialistas en Rossini del panorama internacional. A su lado, dos emergentes intérpretes, el barítono catalán Carles Pachón (Dandini) y el bajo italiano Riccardo Fassi (Alidoro) cierran el reparto, en el que también participan las intérpretes del Centre de Perfeccionament Larisa Stefan (Clorinda) y Evgeniya Khomutova (Tisbe).

El cotizado director de ópera y teatro francés, Laurent Pelly, realiza su primer trabajo para Les Arts con este título, que, según ha matizado Iglesias Noriega, se enmarca en la apuesta por introducir nuevas estéticas en la programación de la mano de los principales nombres de la escena actual.

Pelly, reconocido por la cuidada dramaturgia de sus trabajos, es también el diseñador del vestuario de esta producción, con escenografía de Chantal Thomas, que cuenta con Jean-Jacques Delmotte como diseñador de vestuario asociado y con Duane Schuler en el diseño de la iluminación. Según explica él mismo, en su ‘Cenerentola’ propone una narración desde un punto de vista onírico, donde todo es producto de la mente de la protagonista. “Poco a poco el sueño de Angelina se convierte en realidad para llegar al final del espectáculo, en el que volvemos al punto de partida”.

En las representaciones del montaje en Ámsterdam y Ginebra, público y crítica han elogiado tanto el dinamismo como el fino sentido del humor de la puesta en escena de Pelly, sin olvidar la elegancia del planteamiento estético, con un predominante rosa fosforescente para encarnar la magia del sueño de ‘La

Cenerentola’.
Actividades paralelas
Con el propósito de ofrecer nuevos espacios de encuentro para la música y demás disciplinas artísticas, este viernes 4 de diciembre, a las 19.00h en el Aula Magistral, ‘Berklee a les Arts0 presenta Mediterráneas’, una propuesta gratuita y abierta al público general, con reserva previa. En esta ocasión, los estudiantes de Berklee nos invitan a reflexionar sobre distintos temas inspirados en ‘La Cenerentola’.

Por otra parte, el próximo lunes, la Sala Principal de Les Arts acogerá la primera ‘Preestrena fins a 28’ de la temporada, una actividad para la que, por primera vez, se han agotado las localidades de venta anticipada. Un dato que, como ha destacado Jesús Iglesias Noriega, pone de manifiesto tanto el interés del público joven por la lírica como la imagen de Les Arts “como un espacio para todos los públicos”.

Entre las actividades alrededor de ‘La Cenerentola’, el miércoles, 9 de diciembre, el Aula Magistral acogerá un coloquio gratuito del ciclo ‘Perspectives’, realizado en colaboración con Amics de l’Òpera i de les Arts de la Comunitat Valenciana, en el que Carlo Rizzi, Carlos Chausson y Carles Pachón hablarán sobre esta producción.

‘La Cenerentola’
Gioachino Rossini necesitó tan solo tres semanas para escribir la música de ‘La Cenerentola’. La pieza nació como un encargo al joven compositor por parte del Teatro Valle de Roma tras el éxito de ‘Il barbiere di Siviglia’. Jacopo Ferretti es el autor del texto, basado en el cuento de hadas ‘La Cenicienta’, de Charles Perrault y en los libretos de Charles-Guillaume Étienne y Francesco Fiorini.

Fue el propio Rossini quien dirigió el estreno de la obra el 25 de enero de 1817. Pese a la fría acogida de las primeras funciones, la obra alcanzó rápidamente gran popularidad tanto en Italia como fuera del país. En esta variación de la historia tradicional de Perrault, la malvada madrastra se sustituye por un padrastro, Don Magnífico, y en lugar del Hada madrina aparece Alidoro, filósofo y tutor del príncipe. Es un
brazalete y no el popular zapato de cristal el que revela la auténtica identidad de Angelina, Cenicienta.

Fotografía: Miguel Lorenzo

My Opera Player

135 títulos de más de 26 teatros componen un catálogo que crece cada mes con nuevas incorporaciones

A partir de hoy y hasta el próximo 30 de noviembre, inclusive, una promoción especial del 50% de descuento permitirá realizar una suscripción abonos de seis meses por 23€ o de un año, por 40€

My Opera Player cuenta con el desarrollo tecnológico de Telefónica y Samsung y el patrocinio de Endesa.

En un momento en el que la mayoría de los teatros del mundo continúan con el telón bajado, el Teatro Real, que no ha cesado su actividad ni en los difíciles tiempos de confinamiento, refuerza su vocación de convertirse en el punto de encuentro de los amantes de la ópera, la danza y la música a través de su plataforma de vídeo My Opera Player, que cuenta con la participación de las más importantes instituciones nacionales e internacionales.

Coincidiendo con la celebración del Black Friday, My Opera Player ofrecerá, a partir de hoy y hasta el próximo lunes 30 de noviembre, inclusive, una promoción especial del 50% de descuento que permitirá realizar suscripciones de seis meses por 23€ o de un año, por 40€, lo que supone menos de 4 euros al mes.

Espectáculos de más de 26 escenarios del mundo pueden verse en este “teatro de teatros” en el que, junto a las producciones propias del Teatro Real, se exhiben otras de la Ópera de París, la Royal Opera House, el Teatro Bolshoi, la Staatsoper Berlin, el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires o el Teatro Municipal de Santiago de Chile, por citar sólo algunos.

Desde el pasado mayo, la plataforma ha ido incorporando cada mes nuevos títulos, a los que se sumarán en los próximos días La flauta mágica, del Festival de Glyndebourne, y el ballet Giselle, interpretado por el Royal Ballet británico.

My Opera Player cuenta con el desarrollo tecnológico de Telefónica y Samsung y el patrocinio de Endesa.

LISETTE OROPESA

La soprano americana Lisette Oropesa, que triunfó el pasado verano en el Teatro Real de Madrid con La Traviata con un histórico bis del aria “Addio del passato”, vuelve a ponerse en la piel de la trágica heroína verdiana, Violetta Valéry, durante los días 10, 15, 19 y 27 de diciembre en el Gran Teatre del Liceu, donde debutó el año pasado como Rodelinda, en una producción de Sir David McVicar con dirección musical de Speranza Scappucci.

Lisette Oropesa, que acaba de cantar el rol mozartiano de Konstanze en Die Entführung aus dem Serail en la Wiener Staatsoper, será una de las principales protagonistas de la Gala del 7 de diciembre del Teatro alla Scala de Milán. Además, será la artista invitada del “Concierto de Año Nuevo” del Kulturpalast de Dresde, donde cantará conocidas arias de La Traviata, Rigoletto y La bohème, junto a la Dresdner Philharmonie y Marek Janowski. La temporada 2020/2021 tendrá también otros importantes highlights para Lisette Oropesa: un recital en el Théâtre des Champs Elysées de París, un concierto de Bel Canto junto a la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y Antonio Pappano en el Auditorium Parco della Musica de Roma, así como su debut en la Opernhaus Zürich como protagonista de una nueva producción de Lucia di Lammermoor de Donizetti firmada por Tatjana Gürbaca. Además, la próxima primavera saldrá al mercado su
primer disco con orquesta, con arias de concierto de Mozart, junto al ensemble Il pomo d’oro y Antonello Manacorda, como artista del sello PENTATONE.

https://lisetteoropesa.com/

Fotografía: Javier del Real

Palau Les Arts

Marc Minkowski dirige en el Palau de les Arts la versión en concierto de la ópera ‘Mitridate, re di Ponto’, de Mozart, este jueves, 26 de noviembre en la Sala Principal. Les Arts continúa así su apuesta por Mozart como compositor imprescindible de la programación artística, tanto con sus obras más populares como con aquellos títulos menos conocidos por el gran público, de la mano de los cuerpos estables del teatro o de las formaciones especializadas más prestigiosas.

Tras la visita de William Christie y Les Arts Florissants la pasada temporada con ‘La finta giardiniera’, Marc Minkowski y su formación, Les Musiciens du Louvre, presentan otra partitura del genio de Salzburgo inédita para el público de Les Arts, ‘Mitridate, re di Ponto’. Marc Minkowski es uno de los nombres clave en la interpretación musical, con un repertorio que abarca desde el Barroco hasta el período moderno. Fagotista de formación, fundó con apenas 20 años Les Musiciens du Louvre, que ha sido reconocida como una de las agrupaciones de instrumentos antiguos más cotizadas en la actualidad. Para su debut en Les Arts, Marc Minkowski dirige ‘Mitridate’, la primera ópera seria de Mozart, con la que el maestro parisino mantiene una estrecha relación y que ha dirigido en los principales festivales y teatros del panorama actual.

Escrita por un joven Mozart, de apenas 14 años, ‘Mitridate, re di Ponto’ supuso todo un éxito para el genio salzburgués en su estreno en el Teatro Regio Ducal de Milán en 1770. Con libreto de Vittorio Amedeo Cigna-Santi, basado en la tragedia ‘Mithridate’ de Jean-Baptiste Racine, versa sobre Mitrídates el Grande, uno de los más formidables enemigos de la República romana. Sin embargo, la obra cayó rápidamente en el olvido y no regresó a la programación de teatros y auditorios hasta su recuperación en la edición de 1971 del Festival de Salzburgo, que le ha conferido un nuevo resurgir con Marc Minkowski como uno de sus principales valedores. Partitura brillante, reúne en Les Arts a un elenco vocal sólido y experimentado, con la soprano francesa Julie Fuchs ‒solicitada por Salzburgo o las óperas de París y Viena‒ en el rol de Aspasia y la soprano franco-danesa Elsa Dreisig (ganadora de Operalia 2016 y Neue Stimmen 2015) como Sifares. El papel titular recae en el reconocido tenor estadounidense Michael Spyres mientras que el contratenor Paul- Antoine Bénos-Djian interpreta el papel de Farnaces.

Completan el elenco la soprano franco-chipriota Sarah Aristidou (Ismene), el tenor francés Cyrille Dubois (Marzio) y la ‘mezzosoprano’ Adriana Bignani Lesca (Arbate). Se recuerda que los precios de ‘Mitridate, re di Ponto’, que se interpretará en la Sala Principal, oscilan entre 10 y 60 euros. Para más información, los interesados pueden consultar www.lesarts.com Mitridate, re di Ponto Mitrídates, rey de Ponto, en Asia Menor, ha hecho difundir la falsa noticia de su muerte en combate para probar la lealtad de sus hijos Sifares y Farnaces, lo que ha desencadenado la rivalidad entre estos por el poder y por el amor de Aspasia, la prometida de Mitrídates. A su regreso, el soberano descubre que Farnaces pretende conspirar contra él uniéndose a los romanos y que Aspasia y Sifares se han enamorado. Enfurecido, decide un duro castigo para los tres, pero al regresar derrotado y gravemente herido de una nueva contienda contra Roma, Mitrídates perdona al arrepentido Farnaces y alaba la lealtad de Sifares, a quien entrega como esposa a Aspasia.

Rusalka

Pasado mañana, miércoles, 25 de noviembre, a las 19.30 horas, las cadenas de televisión MEZZO y MEDICI TV retransmitirán en directo la ópera Rusalka, de Antonin Dvořák, nueva producción del Teatro Real, coproducida con la Säschsische Staatsoper de Dresde, el Teatro Comunale de Bolonia, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, en los que se presentará después de su estreno en Madrid.

La ópera será grabada en una coproducción audiovisual con Jake Febus, Televisión Española, Mezzo, Unitel y Medici. Posteriormente será retransmitida en La 2 de Televisión Española y pasará a integrar el catálogo de MyOperaPlayer antes de su edición en DVD con distribución internacional.

La grabación audiovisual y las retransmisiones de Rusalka han ganado un especial protagonismo internacional por ser el Teatro Real el único gran teatro lírico europeo que está en estos momentos presentando óperas escenificadas.

Rusalka, estrenada en Praga en 1901, fue la penúltima de las once óperas de Antonín Dvořák (1841-1904) y, sin duda, la más célebre de todas las que compuso.

El libreto, del poeta y dramaturgo Jaroslav Kvapil, está basado en la leyenda centroeuropea que inspiró el libro Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fouqué y en el cuento La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen, en el que una ninfa de las aguas decide abandonar su mundo acuático a cualquier precio para perseguir al príncipe al que ama.

La partitura, en la que laten sutilmente el influjo de Wagner y de las corrientes del nacionalismo musical centroeuropeo, entrelaza diferentes leitmotiv y temas del folclore bohemio, con una distinta orquestación para representar el mundo de la naturaleza y los espíritus ­-con mayor riqueza armónica y una paleta tímbrica diáfana y delicada- y el mundo de los hombres, con una instrumentación más convencional y oscura.

El director de escena Christof Loy tiende un puente entre estos dos universos aparentemente irreconciliables, ahondando en los sentimientos, pasiones, anhelos y contradicciones de los personajes, que, en una atmósfera fantasmal, transitan de la vida al escenario, en una producción que es un profundo homenaje al teatro como territorio de catarsis y sublimación de las emociones.

El reino de las aguas -con Rusalka, su autoritario padre Vodník, la avezada hechicera Ježibaba (convertida en su madre) y las ninfas, sus hermanas- esconde complejas y conflictivas relaciones entre los personajes que, en la concepción de Loy, se transforman en una extraña y olvidada familia de teatro con un pasado glorioso, cuyos miembros, como espectros, viven de recuerdos nostálgicos, pero también de ilusiones. Y en ese espacio cerrado, decadente y evocador concebido por el escenógrafo Johannes Leiacker, con iluminación de Bernd Purkrabek y vestuario de Ursula Renzenbrink, todo se mueve con el sueño de una bailarina coja enamorada, que aspira a llegar al cielo con sus zapatillas de punta y el poder transformador del amor.

Fotografía: © Monika Rittershaus

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Rusalka, casi un siglo después, en el Teatro Real
Rusalka
Antonin Dvorák (1841-1904)
Libreto de Jaroslav Kvapil, basado en el cuento de hadas Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fourqué e inspirado en el cuento La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen y otros relatos europeos.
Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Semperoper de Dresde, el Teatro Comunale de Bolonia, el
Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Palau Les Arts Reina Sofía de Valencia.
Teatro Real de Madrid 13 de noviembre de 2020
D. Musical: Ivor Bolton
D. escena: Christof Loy
Escenógrafo: Johannes Leiacker
Figurinista: Ursula Renzenbrink
Coreógrafo: Klevis Elmazaj
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Olesya Golovneva, David Butt Philip, Rebecca von Lipinski, Andreas Bauer Kanabas, Okka von der Damerau, Sebastiá Peris, Manel Esteve, Juliette Mars, Julitta Aleksanyan, Rachel Kelly y Alyona Abramova.
En 1891 Antonin Dvorák recibía en su casa de Praga una carta en la que la influyente Jeanette Thurber, fundadora del Conservatorio Nacional de Música de Nueva York, le ofrecía el cargo de director del Conservatorio neoyorquino. Fue allí donde escribió una de sus obras más conocidas, la Sinfonía del Nuevo Mundo, y fue allí también donde Dvorák escuchaba, como no lo había hecho antes, las obas de Wagner. Vivió en Nueva York hasta 1895, año en que regresó a Praga para hacerse cargo de su Conservatorio. Fue entonces cuando escribió Rusalka, la penúltima de sus obras, y donde se advierte, de manera clara, las influencias de Wagner. No solo por su ambiciosa duración, más de tres horas, sino, por la utilización de los leitmotiv referidos a los personajes y una orquestación llena de complejidad y delicadeza.Pero, tratandose de Dvorák, no podía faltar en la partitura la inspiración nacionalista. Y es que Rusalka es, por encima de todo, una ópera con un marcado carácter checo. Evocadora de las melodías románticas, que pueden apreciarse en algunos de los momentos más brillantes interpretados por el arpa o ese final, casi trascendental, que está considerado por muchos uno de los más sublimes de la ópera de todos los tiempos.Rusalka llega al Teatro Real como uno de los grandes estrenos de la temporada. Y puede considerarse un estreno, ya que desde 1924 no se había vuelto a representar en Madrid. En aquella ocasión, fue su libretista, Jaroslav Kvapil, quien se hizo cargo de la dirección escénica.

El libreto está basado en el cuento de hadas Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fourqué e inspirado en el cuento La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen y otros relatos europeos. Es, en definitiva, un cuento que el director de escena Christof Loy (cuyo Capriccio de la temporada pasada nunca olvidaremos), ha situado en el interior de un teatro.

Para Loy el teatro es el único lugar en el que se puede representar la realidad y los sueños al mismo tiempo. Esa dualidad que existe en la obra entre el mundo fantástico, al que pertenece Rusalka y el mundo terrenal que tanto añora. Pero a la elegante y gris escenografía de Loy le faltan elementos imprescindibles de la obra. El lago, que es un personaje más y que da sentido a los protagonistas y a la historia, no aparece ni por casualidad. Como tampoco se hacen apenas referencias a la naturaleza, otro elemento romántico imprescindible.

La dirección musical de Ivor Bolton estuvo a una gran altura. La expresividad de sus gestos contagia a la orquesta que tuvo momentos de gran brillantez, generando esa atmósfera mágica de la partitura. Destacaron las cuerdas y la magia que Mickäele Granados supo generar con su arpa desde un lugar destacado por encima del foso.

Extraordinario el coro, en esta ocasión fuera de escena, que recrearon la magia del lago de manera impecable. Muy buena también la actuación de los bailarines y actores, que no ejercieron de mero acompañamiento en las escenas, sino que tuvieron gran protagonismo en esa especie de orgia sexual que se marcó Christof Loy.

La joven soprano rusa Olesya Golovneva demostró gran versatilidad sobre el escenario, no solo cantaba, también se desplazaba de puntas con sus zapatillas de ballet por el escenario. Con un timbre agradable y una delicada linea de canto, alcanzó momentos de gran belleza en sus intervenciones. Sus dificultades las encontró en las zonas más graves de su partitura.

El británico David Butt Philip se encargó de dar vida al príncipe que enamora a Rusalka. Un rol nada fácil, por la gran exigencia que el tenor tiene en esta obra y que Butt supo abordar sin grandes dificultades.

El Vodnik de Andreas Bauer Kanabas representó mejor la parte más desalmada del amenazante padre, que la de protector con su hija Rusalka. Posee unos potentes tonos graves y medios, pero tuvo sus dificultades en las notas más agudas.

La malvada Jezibaba estuvo interpretada por mezzosoprano alemana Okka von der Damerau. Su buena presencia escénica ayudó a plantear un personaje dual, como el resto, con su parte divertida y su parte inquietante y tenebrosa. Buen caudal de voz bien timbrada y ajustada.

Rebecca von Lipinski interpretó con mucha intención y frescura la insinuante princesa extranjera, rival de Rusalka en la conquista del príncipe.

Muy aplaudidas fueron las tres ninfas interpretadas por Julietta Aleksanyan, Rachel Kelly, con impresionantes agudos, y Alyona Abramova. Con voces muy equilibradas y bien timbradas, se desenvolvieron con soltura por todo el escenario.

El resto del reparto estuvo a gran nivel, tanto el cazador de Sebastiá Peris como los criados interpretados por Manel Esteve y Juliet Mars.

Un éxito más del Teatro Real, que continua realizando representaciones, esta ya sin adaptaciones escénicas por la pandemia, ante el asombro de los teatros del resto de Europa. ¡Bien por Matabosch!.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Monika Rittershaus

Rusalka

Entre los días 12 y 27 de noviembre el Teatro Real ofrecerá 10 funciones de Rusalka, de Antonin Dvořák, en una nueva producción del Teatro Real, coproducida con la Säschsische Staatsoper de Dresde, el Teatro Comunale de Bolonia, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, en los que se presentará después de su estreno en Madrid.

Rusalka, estrenada en Praga en 1901, fue la penúltima de las once óperas de Antonín Dvořák (1841-1904) y, sin duda, la más célebre de todas las que compuso.

El libreto, del poeta y dramaturgo Jaroslav Kvapil, está basado en la leyenda centroeuropea que inspiró el libro Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fouqué y en el cuento La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen, en el que una ninfa de las aguas decide abandonar su mundo acuático a cualquier precio para perseguir al príncipe al que ama.

La partitura, en la que laten sutilmente el influjo de Wagner y de las corrientes del nacionalismo musical centroeuropeo, entrelaza diferentes leitmotiv y temas del folclore bohemio, con una distinta orquestación para representar el mundo de la naturaleza y los espíritus ­-con mayor riqueza armónica y una paleta tímbrica diáfana y delicada- y el mundo de los hombres, con una instrumentación más convencional y oscura.

El director de escena Christof Loy tiende un puente entre estos dos universos aparentemente irreconciliables, ahondando en los sentimientos, pasiones, anhelos y contradicciones de los personajes, que, en una atmósfera fantasmal, transitan de la vida al escenario, en una producción que es un profundo homenaje al teatro como territorio de catarsis y sublimación de las emociones.

El reino de las aguas -con Rusalka, su autoritario padre Vodník, la avezada hechicera Ježibaba (convertida en su madre) y las ninfas, sus hermanas- esconde complejas y conflictivas relaciones entre los personajes que, en la concepción de Loy, se transforman en una extraña y olvidada familia de teatro con un pasado glorioso, cuyos miembros, como espectros, viven de recuerdos nostálgicos, pero también de ilusiones. Y en ese espacio cerrado, decadente y evocador concebido por el escenógrafo Johannes Leiacker, con iluminación de Bernd Purkrabek y vestuario de Ursula Renzenbrink, todo se mueve con el sueño de una bailarina coja enamorada, que aspira a llegar al cielo con sus zapatillas de punta y el poder transformador del amor.

En perfecta consonancia con esta visión psicológica de los personajes de Rusalka, Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, estará al frente de dos selectos repartos en los que se alternarán, en los papeles protagonistas, las sopranos Asmik Grigorian y Olesya Golovneva (Rusalka); los tenores Eric Cutler y David Butt Philip (El príncipe); las sopranos Karita Mattila y Rebecca von Lipinski (La princesa extranjera); los bajos Maxim Kuzmin-Karavaev y Andreas Bauer Kanabas (Vodnik) y las mezzosopranos Katarina Dalayman y Okka von der Damerau (Ježibaba).

El Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real interpretarán por primera vez esta ópera, que vuelve al escenario del Real después de 96 años de ausencia y a punto de cumplir el 120 aniversario de su creación.

ACTIVIDADES PARALELAS

Del 15 de octubre al 17 de diciembre | Instituto Internacional

Ciclo de cine: a finales de los años 40 y durante los 50 del siglo XX, productores, directores, guionistas, actores, músicos de Hollywood fueron objeto de una espectacular persecución que afectó profundamente a la industria del cine. Este ciclo, con las películas en inglés subtituladas en castellano, recoge algunos títulos que sufrieron esa caza de brujas.

– Sesiones de noviembre: Un día en Nueva York (5/11), La jungla de asfalto (12/11), Solo ante el peligro (19/11), Vacaciones en Roma (26/11).

– Sesiones de diciembre: La ley del silencio (3/12), Fugitivos (10/12), Espartaco (17/12).

Actividad gratuita previa inscripción en www.iie.es

5 de noviembre, 20:15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Ivor Bolton (director musical de Rusalka), Christof Loy (director de escena de Rusalka), Pablo Rodríguez (musicólogo y crítico de El País) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

Interpretación de canciones del ciclo Canciones de amor Op. 83, de Antonin Dvořák, por la soprano Juliette Mars y el pianista Mack Sawyer.

Asistencia presencial con aforo limitado y retransmisión en directo por el canal Youtube del Teatro Real.

10 de noviembre, 19:00 h. | Centro Checo de Cultura

Conferencia en streaming: el musicólogo norteamericano David R. Beveridge, especializado en la obra y vida de Dvořak, ofrecerá una conferencia a través de Zoom sobre el compositor checo, sus orígenes, sus fuentes de inspiración y su influencia en la música.
Actividad gratuita en madrid.czechcentres.cz

Desde el 13 de noviembre, 19:00 horas | Museo Nacional de Artes Decorativas

Cuentacuentos en streaming: bajo el título Agua de luna, el público a partir de 9 años podrá celebrar su particular viernes 13 y disfrutar de un cuento con fantasmas, un pantano de aguas profundas y misteriosas y un príncipe enamorado de una niña mágica. Una historia de amores imposibles y brujas.
Actividad gratuita en www.museoartesdecorativas.es y en su canal de YouTube.

14 y 22 de noviembre, 12:00 y 16:00 h. | Rutas del Emperador Carlos V

Visita guiada: el palacio de los condes de Osorno en Pasarón de la Vera (Cáceres) abre sus puertas en exclusiva para, en grupos de seis personas, conocer la leyenda que encierra sus muros y que, como en Rusalka, cuenta una historia de amores imposibles.
Actividad gratuita previa inscripción. Más información en admin@itineracarolusv.eu

15 de noviembre, a las 12:00 horas | Teatro Real, Sala principal

En el 120 aniversario del estreno de Rusalka, los solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real ofrecerán un programa en torno a Antonín Dvořák.

Programa:

Antonín Dvořák: Terzetto en Do Mayor op. 74 para violines y viola

Bedřich Smetana: Cuarteto de cuerdas n°1

Josef Suk: Meditación op. 35 para cuarteto de cuerdas

Antonín Dvořák: Cuarteto de cuerdas n°13

16 de noviembre, 19.00 horas | Instituto Internacional

Tertulia literaria: Alix E. Harrow, autora de A Witch’s Guide to Escape: A Practical Compendium of Portal Fantasies, con el que ganó el Premio Hugo, ofrecerá una animada charla en inglés a través de Zoom para hablar de brujería, bibliotecas y libros en la que el público podrá participar libremente.
Actividad gratuita previa inscripción en www.iie.es

21 de noviembre, 17:00 horas | Museo Naval

Cuentacuentos: el renovado Museo Naval abre sus puertas para acoger una divertida y singular actividad para niños de entre 3 y 7 años, en la que se contará la historia de la ninfa Rusalka. El acto, que será presencial, tiene el aforo limitado a cinco personas.
Actividad gratuita previa inscripción en www.armada.defensa.gob.es/museonaval

22 de noviembre, 12:00 horas | Museo del Romanticismo

Cuentacuentos: la experta narradora Alba Muñoz pondrá voz al cuento de La sirenita, de Hans Christian Andersen, una obra maestra en la que se inspiró Dvořak para componer su ópera Rusalka. Una actividad para niños a partir de 8 años que les transportará a un mundo mágico.
Actividad gratuita previa reserva en www.culturaydeporte.gob.es/mromanticismo

23 de noviembre, 19:00 horas | Instituto Internacional

Conferencia en streaming: la escritora Alix E. Harrow se reunirá virtualmente con el público para hablar de la brujería y el voto femenino, temas principales de su nueva novela The Once and Future Witches. El acto, que será en inglés, tratará la lucha por los derechos de las brujas en el movimiento sufragista.
Actividad gratuita previa inscripción en www.iie.es

25 de noviembre, 17:30 horas | Museo Arqueológico Nacional

Visita guiada: un recorrido singular y exclusivo para conocer de la mano de un guía especializado las salas de Grecia, donde el público asistente podrá descubrir las muchas sirenas, ninfas y otros seres fantásticos que pueblan algunas de las piezas de la colección del museo.
Actividad gratuita con reserva de plaza. Más información en www.man.es

29 de noviembre, a las 12:00 y a las 17:00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

¡Todos a la Gayarre!: talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios. Historia de una sirena.

Una ninfa hechiza con sus canciones al que se acerque al lago.

Fotografía: Javier del Real

LesArts

El Palau de Les Arts ofrecerá la emisión en streaming de la ópera ‘Il tutore burlarto’, de Vicente Martín i Soler, el próximo 20 de noviembre a las 20.00 horas a través de la página web de Les Arts, www.lesarts.com, gracias a la colaboración de Turisme Comunitat Valenciana. Así lo han anunciado hoy el secretario autonómico de Turisme, Francesc Colomer, y el presidente del Patronato de Les Arts, Pablo Font de Mora en conferencia de prensa tras la firma del cuarto convenio de colaboración entre ambas entidades. A través de este acuerdo, Turisme Comunitat Valenciana contribuirá económicamente en las actuaciones de promoción y marketing de la cultura con un importe máximo de 220.000 euros.

Según ha explicado el secretario autonómico de Turisme, “cuatro años de convenios han generado una alianza firme para la defensa del turismo cultural en la Comunitat Valenciana de la mano de la ópera y de un referente como es, el Palau de Les Arts”. A su juicio, “haber encontrado esta línea de trabajo de la Generalitat con el coliseo más emblemático que tenemos, nos parece un acierto”; al tiempo que ha destacado que “ubicar València como una ciudad referente, abierta y cosmopolita nos parecía fundamental y constituye una pieza clave de la propuesta de valor de nuestro territorio”.

Durante su intervención, Colomer ha destacado que “en marzo cambió el guión para todos, que aún estamos reescribiendo, pero no dudamos ni un instante en mantener este convenio, en la necesidad de construir marca y no dejar de sostener esta alianza”. El titular de Turisme ha querido resaltar “la necesidad actual de cultivar nuevos públicos a través de las herramientas digitales”, y ha avanzado que para el 2021 su departamento mantendrá la alianza con el Palau de Les Arts.
Por su parte, el presidente del Patronato de Les Arts, ha recordado las principales líneas de trabajo en los últimos cuatro años, que se resumen en acciones de visibilidad y promoción, tanto en el ámbito nacional como el internacional, así como nuevas propuestas de maridaje entre las artes escénicas y otras disciplinas, como la gastronomía. En este sentido, Pablo Font de Mora ha subrayado que el nuevo convenio recoge un apartado dedicado a la generación de contenidos digitales y a la búsqueda de nuevos públicos, en el que se incluye la emisión on-line de ‘Il tutore burlato’ de Vicente Martín i Soler.

‘Les Arts ofrecerá, en abierto y de forma totalmente gratuita, el único título que el operista valenciano más internacional compuso en España antes de emprender su carrera europea de la mano en una producción realizada por consolidados profesionales de la Comunitat”, ha apuntado. Dos valencianos de consolidada trayectoria, Cristóbal Soler en el foso y Jaume Policarpo como responsable de la puesta en escena, son los artífices de ‘Il tutore burlato’; la segunda producción propia que Les Arts ofrece esta temporada tras la versión semiescenificada de ‘Così fan tutte’, de Mozart, que inauguró la temporada.
El reparto está formado por los artistas del Centre de Perfeccionament Palau de les Arts Aida Gimeno (Violante), Ezgi Alhuda (Dona Menica), Oleh Lebedyev (Fabrizio) y Omar Lara (Pippo), junto con los cantantes valencianos David Ferri (Don Lelio) y Gonzalo Manglano (Anselmo).

Cuarto streaming
‘Il tutore burlato’ se convertirá el próximo día 20 en la cuarta ópera que Les Arts emitirá a través de Internet gracias a la colaboración de Turisme Comunitat Valenciana. En marzo de 2017, el centro de artes ofreció su primera ópera en streaming ‘Lucrezia Borgia’, de Donizetti, en una acción que aunaba la visibilidad de la programación artística del teatro con los
atractivos turísticos de la Ruta de los Borgia. A la ópera de recreación belcantista de la hija del Papa Borgia, le siguió ese mismo año, en el mes de octubre, la versión en concierto de ‘Le cinesi’ de Gluck y ya en 2018 ‘Il corsaro’, de Verdi, una de las
obras menos conocidas y representadas del compositor nacido en Busseto. Otras acciones Además de la generación de contenidos digitales, el director general de Les Arts, Jose Monforte, ha recordado que el convenio con Turisme para 2020 ha contribuido también económicamente en el desarrollo de la actividad de la Temporada 2019-2020, con la programación de ‘Il viaggio a Reims’, de Rossini, así como las actividades paralelas a esta obra como la ‘Maratón Rossini’. De la misma, dentro del apartado de promoción el convenio también recoge la contratación de diversos soportes publicitarios y otras acciones de marketing destinadas a dar visibilidad a la oferta artística de Les Arts.

Por último, señalar que Turisme a través de Les Arts da un paso más en la promoción de la Comunitat Valenciana como destino cultural, así como en la conservación del patrimonio cultural valenciano y en la difusión de las artes escénicas; facilitando el acceso a la cultura, como bien de primera necesidad.

Pablo García-López

El tenor cordobés Pablo García-López presenta su proyecto discográfico en solitario que rinde homenaje a la canción española. El joven cantante, distinguido con la Bandera de Andalucía de las Artes, lanza su primer álbum con 21 piezas musicales como las Seis Canciones Castellanas de Eduard Toldrá​, las Canciones playeras de Óscar Esplá y obras inéditas de la
música cordobesa de ​Ramón Medina Hidalgo ​y​ Joaquín Reyes​.

El repertorio elegido para este álbum, incluye canciones inspiradas en textos de Federico García Lorca, Rafael Alberti o Antonio Machado​. El disco grabado en el Estudio Uno en Colmenar Viejo (Madrid), publicado exclusivamente en formato digital, ​se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. Pablo García-López también ha participado en las grabaciones de la ópera Turandot (2015) bajo la dirección musical de Zubin Mehta y Sinfonía Córdoba. Fulgores ​(2016), del compositor español Lorenzo Palomo, firmada por Naxos.

Desde su debut en Die Zauberflöte en el Teatro Villamarta de Jerez, Pablo García-López ha actuado en prestigiosos escenarios internacionales y cantará en el Gran Teatro de Córdoba un concierto con orquesta dirigido por el maestro Carlos Domínguez Nieto, el próximo 5 de noviembre.

scala

El primer ministro italiano, Giuseppe Conte, ha dado a conocer un conjunto de medidas para convatir la pandemia de covid-19 que, además de decretar la suspensión de las actividades de gimnasios, piscinas y centros de bienestar, entre otros, obliga a bares y restaurantes a cerrar a las 6 de la tarde, pudiendo permanecer abiertos los domingos y festivos. También se suspenderán los eventos deportivos y las competiciones.

El ministro de Cultura italiano, Dario Franceschini, ha dicho mediante un tuit, que la decisión de cerrar teatros y cines ha sido muy dolorosa, pero que la protección de la salud es una prioridad absoluta.

Italia fue el primer país europeo en cerrar teatros de ópera en febrero de 2020, después de lo cual el país atravesó una feroz ola de COVID-19 que destrozó el sistema de salud italiano. Italia ha experimentado un fuerte aumento en los nuevos casos de COVID-19 en las últimas semanas, y el pico de nuevas infecciones diarias alcanzó los 19,640 casos nuevos el 24 de octubre de 2020.

pagliaci

Alcobendas inicia el próximo 28 de octubre un ciclo de seis espectáculos grabados en el Teatro Real, que serán proyectados el último miércoles de cada mes en el Auditorio Paco de Lucía, con las mejores condiciones de imagen y sonido, para que el acercamiento a la ópera llegue a los espectadores con los máximos estándares de calidad.

Las óperas Cavalleria rusticana e I pagliacci suelen presentarse en la misma velada, no solo por la corta duración de ambas sino porque las dos son un ejemplo paradigmático del llamado ‘verismo’ italiano, movimiento estilístico fugaz en el que la trama dramática pretende acercarse a la realidad sin artificios ni estilizaciones.

Estrenada en el Teatro Costanzi de Roma el 17 de mayo de 1890, Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, es un vibrante melodrama basado en la novela homónima de Giovanni Verga, sobre una historia de amor y celos en el campo siciliano.

I pagliacci, de Ruggero Leoncavallo, estrenada en el Teatro dal Verme de Milán el 21 de mayo de 1892 bajo la dirección de Arturo Toscanini, se basa en un crimen pasional en el seno de una compañía de cómicos ambulantes de Calabria, que fue juzgado por el padre del compositor.

El veterano director de escena Giancarlo del Monaco ha concedido a cada ópera una atmósfera única y profundamente evocadora, reforzada por su excelente trabajo de dirección de actores. Junto a Jesús López Cobos, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, ha dirigido los dos dramas pasionales con gran vigor teatral contando con las magníficas voces de Violeta Urmana y Vincenzo La Scola, en Cavalleria rusticana y Vladimir Galouzine y María Bayo, en I pagliacci.

Auditorio Paco de Lucía del Centro de Arte Alcobendas

C/ Mariano Sebastián Izuel, 9

Miércoles, 28 de octubre, a las 19 horas.

Entradas (4 euros) a la venta en internet (www.giglon.com) y en la taquilla del Centro de Arte el mismo día de la proyección desde las 18 horas.

Capriccio, Día Mundial de la Ópera

My Opera Player, del Teatro Real, ofrecerá en abierto para todo el mundo las óperas Capriccio de Richard Strauss, el viernes 23, y Aida, de Giuseppe Verdi, el sábado 24.

Entre los eventos programados tendrá lugar la entrega virtual de los Premios Opera XXI, a las 19.00 horas, que este año celebran su segunda edición, y cuya ceremonia podrá seguirse en My Opera Player.

Los galardones cuentan con destacada presencia del Teatro Real representado por Christof Loy, Premio a la Mejor Dirección de Escena por Capriccio, y Nicola Luisotti, Mejor Dirección Musical, por Turandot.

Opera Europa ofrecerá retransmisiones en directo desde los cinco continentes en los teatros más importantes del mundo y con conocidas voces del mundo de la lírica que pondrán su arte en una jornada marcada por el difícil reto impuesto por la pandemia.

El próximo domingo, 25 de octubre, se celebra la segunda edición del Día Mundial de la Ópera, una conmemoración que busca promover el valor cultural de este género, rendir homenaje a los creadores e intérpretes y destacar su importancia como sector de especial relevancia en la economía.

La iniciativa, creada e impulsada por el Teatro Real con el apoyo de Ópera América, Ópera Latinoamérica y Ópera Europa, cuenta con el respaldo de importantes instituciones como Ópera Canadá; Réunion des Opéras de France (Francia); Ópera XXI (España); Opera & Music Theatre Forum (Reino Unido); el Instituto Internacional del Teatro (ITI) y los Centros Nacionales para las Artes Escénicas en China e India.

Este año, marcado por las restricciones y la especial situación creada por la pandemia, las celebraciones tendrán su epicentro en Opera Vision, plataforma audiovisual de Opera Europa, que incluirá retransmisiones en directo desde los cinco continentes comenzando a las 7 de la mañana en Tokio y para recorrer después Moscú, Londres o Nueva York.

A través de My Opera Player, el Teatro Real se adelantará dos días a la fecha oficial para ofrecer en abierto, durante todo el viernes 23 de octubre, uno de los grandes títulos de la temporada 18/19, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con dirección musical de Asher Fisch y una brillante producción concebida por Christof Loy, ganadora del premio a la mejor Dirección de Escena Opera XXI.

El sábado 24 el escenario de My Opera Player pondrá a disposición de los usuarios, también de forma gratuita, Aida, de Giuseppe Verdi, en la monumental producción de Hugo de Ana bajo la batuta de Nicola Luissotti, principal director musical invitado del Teatro Real y Premio al Mejor Director Musical Opera XXI por Turandot en el Teatro Real.

Tanto Christof Loy, que se encuentra actualmente preparando una nueva producción de Rusalka para el coliseo madrileño, como Nicola Luisotti, responsable de la dirección musical de la ópera Un ballo in maschera que inauguraba la actual temporada del Teatro Real, participarán de la virtual entrega de la segunda edición de los Premios Opera XXI, que tendrá lugar en domingo 25 que podrá seguirse en streaming en My Opera Player y en la plataforma Operavision a las 19.0 horas.

La ceremonia virtual, conducida por Daniel Bianco, director del Teatro de La Zarzuela, y por la directora de escena Bárbara Lluch, contará con la actuación de dos de las artistas premiadas, Sondra Radvanovsky y Leonor Bonilla, y del pianista Rubén Fernández Aguirre. A ellos se unirán las palabras del Ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, y del presidente de la asociación, Oriol Aguilà, director del Festival Internacional Castell de Peralada. El acto contará también con las intervenciones de grandes cantantes españoles como Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez, Ruth Iniesta, Saioa Hernández, Ismael Jordi, Xavier Sabata, Jorge de León, Nancy Fabiola Herrera y Sabina Puértolas.

Adjuntamos información ampliada de los Premios Ópera XXI y de las fichas artísticas de Capriccio y Aida del Teatro Real

PALMARÉS OPERA XXI

  • Sondra Radvanovsky, Premio a la Mejor Cantante, por su interpretación protagonista en Luisa Miller de Verdi, en el Gran Teatre del Liceu en julio de 2019, así como por el recital-homenaje a Montserrat Caballé en el Festival Castell de Peralada.
  • Leonor Bonilla, Premio a la Mejor Joven Cantante, por Lucia di Lamermoor en el Maestranza, Il viaggio a Reims en la Ópera de Tenerife, Orfeo y Euridice en el Teatro Villamarta y Capriccio en el Teatro Real.
  • Nicola Luisotti, Premio al Mejor Director Musical por Turandot en el Teatro Real.
  • Cristof Loy, Premio al Mejor Director de Escena por Capriccio en el Teatro Real de Madrid.
  • Teatro de la Zarzuela, Premio a la Mejor Nueva Producción por la ópera española La casa de Bernarda Alba.
  • Òpera de Butxaca i Nova Creació (OBNC), Premio Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica.
  • Gran Teatro de Lima, Mejor Nueva Producción Latinoamericana, por Alzira, de Verdi.

Premios Honoríficos, designados en Asamblea por todos los miembros Ópera XXI

  • Fundación La Caixa, Mejor Iniciativa de Mecenazgo.
  • José Antonio Campos Borrego, Premio Honorífico a la Persona.
  • Amigos Canarios de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Premio a la Institución Cultural.

CAPRICCIO, viernes 23 de octubre

El 27 de mayo de 2019 el Teatro Real presentaba, por primera vez en su escenario, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con la reafirmaba su proyecto de ampliación de repertorio a través de una obra maestra, cuya composición y contenido argumental trascienden el valor artístico para invitar al eterno debate en torno a la ópera: ¿qué es más importante, la palabra o la música?

El director de escena alemán Christof Loy, gran conocedor de la obra de Strauss, abordaba por primera vez la interpretación de esta compleja obra en la que, sin restar protagonismo al tema central, descubría las múltiples capas que perfilan los secretos que se esconden en el alma de cada protagonista, las inquietudes y motivaciones del ser humano derivadas de sus emociones ante la percepción de la belleza.

El director musical Asher Fisch, experta batuta en la música de Strauss, estaba al frente de un reparto que contó en los papeles principales con las voces de la soprano Malin Byström (Condesa Madeleine), el barítono Josef Wagner (Conde), el tenor Norman Reinhardt (Flamand), el barítono André Schuen (Olivier) y el bajo Christof Fischesser (La Roche), entre otros, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

AIDA, sábado 24 de octubre

Con casi 300 artistas ─entre solistas, coro, bailarines, actores y orquesta─ y una escenografía ya histórica, Aida regresaba al Teatro Real el 7 de marzo de 2018, con la gran producción concebida por Hugo de Ana para la inauguración de la segunda temporada del ‘nuevo’ Teatro Real, en octubre de 1998, que desvelaba al público las enormes dimensiones y las excepcionales capacidades técnicas de su flamante escenario.

Hugo de Ana opta por una producción de fuerte poder simbólico, dominada por una colosal pirámide que sugiere la magnificencia del poder político y religioso, contrapuesta a paisajes desérticos que enfatizan la profunda soledad de los personajes, que se debaten entre sentimientos, dudas y contradicciones.

La dirección musical contó con uno de los grandes expertos verdianos, el maestro Nicola Luisotti, principal director musical invitado del Teatro Real, quien, al frente de Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real tuvo a su cargo un brillante reparto encabezado por Liudmyla Monastyrska en el rol titular; Violeta Urmana, como Amneris; Gregory Kunde, en la piel de Radames; y George Gagnidze, como Amonasro, junto al resto del elenco.

Ópera XXI

El próximo domingo, 25 de octubre, a las 19h., y coincidiendo con la celebración del Día Mundial de la Ópera, Ópera XXI, la asociación que reúne a los principales teatros, festivales y temporadas líricas de nuestro país, hará entrega, a través de una ceremonia que se emitirá por streaming, de los II Premios Ópera XXI, los galardones españoles de la lírica, que premian lo mejor de los escenarios en nuestro país durante la temporada 18/19.

La ceremonia, que estaba prevista para marzo de 2020 en el Gran Teatre del Liceu, fue pospuesta por las restricciones de la actual situación sanitaria y Ópera XXI la ha reformulado en formato virtual para garantizar la participación y la seguridad de todos los premiados y artistas involucrados. Será emitida a través de la web www.operaxxi.com, de https://operavision.eu/en la plataforma de la asociación que reúne a los principales teatros y temporadas europeas, Opera Europa, y de la plataforma cultural Arte.tv, en su canal dedicado a las temporadas de ópera en Europa. El Teatro de la Zarzuela también se unirá a esta retransmisión, emitiendo la ceremonia a través de YouTube, Facebook y de su página web.

El principal objetivo de estos galardones es dar visibilidad a la imprescindible aportación de la ópera a la sociedad española y reivindicar el papel de la cultura en nuestras vidas. Y en esta ocasión quiere ser más que nunca un gran homenaje a todos los artistas, a la infinidad de profesionales que trabajan y hacen posible que los telones de los teatros y temporadas se estén levantando en estas complejísimas circunstancias, y un especial agradecimiento a todos los que apoyan a la lírica en nuestro país, muy especialmente al público.

La ceremonia virtual, conducida por Daniel Bianco, director del Teatro de La Zarzuela, y por la directora de escena Bárbara Lluch, contará, entre otros grandes momentos, con la actuación de dos de las artistas premiadas, Sondra Radvanovsky y Leonor Bonilla, y del pianista Rubén Fernández Aguirre. Todos los galardonados conectarán y participarán en la entrega virtualmente, y a ellos se sumarán las intervenciones de algunos de los grandes cantantes españoles en el panorama lírico internacional, como Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez, Ruth Iniesta, Saioa Hernández, Ismael Jordi, Xavier Sabata, Jorge de León, Nancy Fabiola Herrera y Sabina Puértolas. A ellos se unirán las palabras del Ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, y del presidente de la asociación, Oriol Aguilà, director del Festival Internacional Castell de Peralada.

Premios Ópera XXI, galardonados

Los premios reconocen las labores de interpretación (mejor cantante y mejor joven cantante), dirección musical (mejor director), la producción operística (mejor director de escena, mejor nueva producción, mejor producción latinoamericana) y la iniciativa de fomento de la lírica. Asimismo, comprenden la concesión de tres galardones honoríficos: a la trayectoria personal, a la institución cultural y al impulso de mecenazgo.

El Premio a la Mejor Cantante lo recibirá Sondra Radvanovsky, por su interpretación protagonista en la Luisa Miller de Verdi, en el Gran Teatre del Liceu en julio de 2019, así como por el recital-homenaje a Montserrat Caballé en el Festival Castell de Peralada. Con casi tres décadas de trayectoria profesional a sus espaldas, Sondra Radvanovsky (Chicago, 1969), es una de las grandes sopranos internacionales de nuestros días. Formada en ópera en Nueva York, en el Lindemann Young Artists Development Program, no tardó en abrir las puertas de los principales teatros de ópera del mundo, como la Royal Opera House de Londres, Teatro alla Scala de Milán, Opernhaus de Zúrich y Metropolitan Opera de Nueva York, entre otros. Especialmente admirada interpretando papeles para soprano verdiana, también es reconocida por su interpretación de títulos del bel canto italiano.

Leonor Bonilla ha sido galardonada con el premio a la Mejor Joven Cantante, por sus sobresalientes actuaciones en una intensa temporada 2018/2019 para la soprano sevillana: Lucia di Lamermoor en Maestranza, Il viaggio a Reims en Tenerife, Orfeo y Euridice en Villamarta y Capriccio en el Teatro Real la han hecho ganadora de este galardón. Una destacadísima Lucia di Lammermoor, Donizetti, título que abría la temporada del Teatro de la Maestranza en 2018, con Renato Balsadonna en la dirección musical y Filippo Sanjust en la escénica. En diciembre de ese año abordó en la Temporada de Ópera de Tenerife el papel de Contessa di Folleville de Il viaggio a Reims, Rossini, al mando de las directoras Yi-Chen Lin, en el apartado musical, y Stefania Bonfadelli en la escena. En enero de 2019 fue una sobresaliente Euridice en la obra de Gluck que abordó el Villamarta de Jerez, con escena firmada por Rafael Rodríguez Villalobos y Carlos Aragón en el apartado musical. Y durante los meses de mayo y junio de 2019 participó en Capriccio (R. Strauss) en su debut en el Teatro Real interpretando el rol de cantante italiana.

Leonor Bonilla empezó formándose como bailaora y una lesión cambió su rumbo profesional hacia el canto. Su primer papel importante llegó en 2014 en el Teatro Calderón de Valladolid, en el papel de Servilia de La clemenza di Tito. En su corta carrera como cantante ya posee un nutrido palmarés de premios y reconocimientos internacionales.

El Premio al Mejor Director Musical es para Nicola Luisotti (Viareggio, Italia, 1961), por la dirección de Turandot en el Teatro Real en noviembre y diciembre de 2018 con gran éxito de crítica y público. Es director musical desde 2009 de la Ópera de San Francisco y ocupó la dirección musical del teatro San Carlo de Nápoles entre 2012 y 2014. Dirige con asiduidad en los podios de los mejores teatros del mundo desde su debut en 2005. Próximos compromisos le esperan, entre otros, en la Ópera Nacional de París, La forza del destino, en el Teatro Real, Don Carlo y La traviata, o en El Teatro alla Scala de Milán, Il Trovatore.

El Premio al Mejor Director de Escena será entregado a Cristof Loy (Essen, Alemania, 1962), por su dirección de Capriccio en el Teatro Real de Madrid en mayo y junio de 2019. Loy es uno de los directores más demandados y premiados de su generación. Ha trabajado en los principales coliseos operísticos europeos, entre ellos la Bayerische Staatsoper de Múnich, la Opernhaus de Zúrich, el Festival de Salzburgo, la Ópera Real de Estocolmo o la Royal Opera House de Londres. Elegido director del año en diversas ocasiones por la revista Opernwelt y en los International Opera Awards de 2017, recibió el Premio Lawrence Olivier por Tristan und Isolde en la Royal Opera House de Londres en 2010 y el premio a la mejor producción de los International Opera Awards de 2016 por Peter Grimes en el Theater an der Wien.

El premio a la Mejor Nueva Producción es para el Teatro de la Zarzuela por la ópera española La casa de Bernarda Alba de Miquel Ortega, que se pudo ver en coliseo madrileño en ocho funciones en noviembre de 2018. Con libreto de Julio Ramos basado en la obra original de Federico García Lorca, la dirección de escena de esta nueva producción corrió a cargo de Bárbara Lluch, con el propio Miquel Ortega al mando de la dirección musical. En el reparto figuraban nombres como el de Nancy Fabiola Herrera, Carmen Romeu, Luis Cansino, Carol García o Marifé Nogales, además de la veterana actriz Julieta Serrano. La escenografía está firmada por Ezio Frigerio y el vestuario es de Franca Squarciapino.

El Premio Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica es para Òpera de Butxaca i Nova Creació (OBNC), que acaba de celebrar sus 25 años en la escena cultural. El jurado de los premios ha reconocido su labor en el estreno absoluto, en marzo de 2019, de la ópera Je suis narcissiste, con música de Raquel García-Tomás (que recibió la pasada semana el Premio Nacional de la Música) y libreto de Helena Tornero, en un montaje de Marta Pazos con dirección musical de Vinicius Kattah, en coproducción con el Teatro Real de Madrid, el Teatro Español y el Teatre Lliure. Además de su trabajo para la promoción de la nueva creación, con el estreno de la ópera de cámara del joven compositor Joan Magrané, Diàlegs de Tirant e Carmesina, que se estrenó en julio de 2019 en el Festival de Peralada, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu, en una propuesta firmada por Frances Prat en lo musical y por Marc Rosich en la dirección escénica, con Jaume Plensa como encargado del espacio escénico. El objetivo central de OBNC es promover la nueva creación operística, potenciar la emergencia de nuevos compositores, libretistas y dramaturgos, así como músicos y cantantes que enmarquen sus trabajos en la creación contemporánea. También presenta en Cataluña obras de pequeño formato de autores internacionales.

La Mejor Nueva Producción Latinoamericana es para el Gran Teatro de Lima por Alzira, de Verdi, una coproducción del Ministerio de Cultura de Perú con ABAO (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) y la Opéra Royal de Wallonie (Liège, Bélgica). El título verdiano, con libreto de Salvatore Cammarano e inspirada en la novela Alzira y los americanos de Voltaire, se estrenó en Lima en noviembre de 2018, bajo la dirección escénica del peruano Jean Pierre Gamarra y la dirección musical del asturiano Óliver Díaz. Los roles principales fueron interpretados por la soprano argentina Jaquelina Livieri (Alzira), el tenor Juan Antonio de Dompablo (Zamoro) y el barítono limeño Jorge Tello (Gusmano). Se trata de la primera coproducción del Gran Teatro de Lima con instituciones europeas.

El jurado de la segunda edición de los Premios Ópera XXI estaba integrado por los periodistas y críticos especializados: Eva Sandoval, Jesús Ruiz Mantilla, Maricel Chavarría, Gonzalo Alonso, José Luis Jiménez, Alejandro Martínez, Fernando Sans Rivière, Richard Martet y Victoria Stapells, además de por Andrés Rodríguez (vicepresidente de OLA, Ópera Latinoamérica). Todos ellos son expertos de reconocido prestigio nacional e internacional y con un profundo conocimiento de la actividad lírica nacional actual. Estuvieron también presentes en las deliberaciones Oriol Aguilà, presidente de Ópera XXI y director del Festival Castell de Peralada; José Monforte, secretario de la Asociación y director general del Palau de les Arts Reina Sofía (Valencia), y Nieves Pascual, coordinadora de los premios.

Premios honoríficos

La Asamblea de Ópera XXI, en su encuentro semestral celebrado en noviembre de 2019, eligió los galardones honoríficos para esta segunda edición de la ceremonia.

El galardón a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo recayó en la Fundación ”la Caixa”, que mantiene un compromiso de apoyo a las temporadas de diferentes teatros y festivales españoles, así como iniciativas educativas y programas de difusión y acercamiento a la ópera.

El Premio Honorífico a la Trayectoria es un reconocimiento a la trayectoria de José Antonio Campos Borrego, una de las personalidades dedicadas a la gestión cultural más destacadas de nuestro país. Entre otros cargos, fue director del INAEM y director del Teatro de la Zarzuela de Madrid.

El galardón honorífico a la Institución Cultural recayó en los Amigos Canarios de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, por su importante tarea de promoción, impulso y difusión de la ópera durante sus 53 temporadas ininterrumpidas de trayectoria.

Teatros, festivales y temporadas que forman parte de Ópera XXI

Amics de l’Òpera de Sabadell, Amigos Canarios de la Ópera /Temporada Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Amigos de la Ópera de A Coruña, Amigos de la Ópera de Mahón, ABAO Bilbao Ópera, Amigos de la Ópera de Navarra, Ópera de Cámara de Navarra, Festival Internacional de Música Castell de Peralada, Fundación Baluarte, Fundación Ópera de Oviedo, Gran Teatre del Liceu, Gran Teatro de Córdoba, Ópera de Tenerife, Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, Teatre Principal de Maò, Teatre Principal de Palma, Teatro Arriaga de Bilbao, Teatro Calderón de Valladolid, Teatro Campoamor de Oviedo, Teatro Cervantes de Málaga, Teatro Circo Albacete, Teatro de la Maestranza, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Teatro Real de Madrid, Teatro Villamarta de Jerez, Teatro Colón de Buenos Aires (miembro honorífico).

ABAO Bilbao Opera

ABAO Bilbao Opera inaugura su 69ª Temporada con Il turco in Italia de Rossini, una de las óperas mejor valoradas del compositor italiano que sube a escena por primera vez en Bilbao, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, los próximos días 21, 24, 26, 28, 30 de octubre y 2 de noviembre (las funciones darán comienzo a las 19:30h salvo la del sábado día 24 que comenzará a las 19:00h). ABAO Bilbao Opera ha ampliado el número de representaciones programadas pasando de las cuatro habituales a seis funciones, con el objeto de cumplir con el protocolo de restricción de aforos (600 localidades) y distancias de seguridad requeridas por las autoridades competentes.

Ópera bufa de gran calidad musical

Para esta obra de narración atenta y refinada tanto en la parte vocal como en la instrumental, Gioachino Rossini se vio influido por la ópera Cosi fan tutte de Mozart. Con una historia de galanteo, encanto, enredos y mucha diversión, la ópera bufa de Rossini ironiza sobre las diferentes formas de ver la sociedad y narra las desventuras de Selim, un príncipe turco con ganas de descubrir nuevos placeres en Italia.

Un reparto que brilla con luz propia

Para dar vida a los protagonistas de esta ópera de coqueteo, seducción, equívocos, amores sin fronteras y diversión, ABAO ha reunido a un elenco de grandes artistas encabezado por un auténtico especialista en papeles bufos, el barítono italiano Paolo Bordogna quien se pone en la piel del turco Selim. A su lado la soprano navarra Sabina Puértolas, “la Fiorilla de Sagi”, con una intensa intervención actoral y vocal. Completan el cartel de este título el debut del barítono Renato Girolami como Don Geronio, el tenor David Alegret como Don Narciso, las presentaciones del barítono Pietro Spagnoli como Prosdocimo y la mezzosoprano Marina Viotti como Zaida y el tenor Moisés Marín como Albazar.

Un discurso musical creativo bajo la batuta de Christophe Rousset

En el foso, regresa a Bilbao el maestro y clavecinista francés Christophe Rousset gran conocedor de este repertorio y uno de los directores más activos de la fonografía actual. Al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, pondrá música a una partitura llena de seductores momentos, elevada inspiración melódica y ricas texturas.

Completa este apartado el Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin.

Momentos cumbre de Il turco in Italia

Gioachino Rossini no solo fue uno de los grandes maestros del bel canto, sino que creó un lenguaje donde la línea melódica domina sobre otros aspectos musicales.

Destaca en el primer acto el dueto entre Fiorilla y Selim “Siete Turchi! Non vi credo” con el cuarteto con Narciso y Don Geronio, y en el segundo acto el dueto entre Geronio y Selim “D’un bell’uso de Turchia”, uno de los más memorables de la producción rossiniana.

Otros momentos especiales de máxima exigencia artística del personaje de Fiorilla son la exquisita cavatina “Non si dà follia maggiore” y la maravillosa “Squallida veste, e bruna”, del segundo acto, con todas sus virtuosísticas variaciones.

Geronio tiene también un momento estelar en el segundo acto con la dificilísima aria “Se ho da dirla, avrei molto piacere”.

Una bella y costumbrista recreación napolitana de Emilio Sagi

En el escenario una coproducción del Théâtre du Capitole de Toulouse, la Ópera de Oviedo y el Teatro Municipal de Santiago de Chile firmada por Emilio Sagi. Una propuesta teatral extraordinaria, moderna, fresca, chispeante y plagada de referencias cinematográficas.

La acción se traslada al Nápoles de los años 60, como una “comedia urbana realista”, como la define Sagi. La escenografía llena de luz y color, obra de Daniel Bianco, muestra una populosa calle napolitana donde no falta detalle: una escalera que va al mar, un tranvía que pasa cada 14 minutos con gente que sube y baja, tendales, vespas, una pizzería, una frutería… “la intención era crear un ambiente de barrio, de calle”, relata el escenógrafo.

El juego de luces de Eduardo Bravo consigue plasmar una magnífica estampa visual. Una acertada recreación costumbrista con un colorido y espléndido vestuario de la recientemente fallecida Pepa Ojanguren, cuyo porte “alla italiana” recuerda las “Vacaciones en Roma” de Audrey Hepburn y Gregory Peck.

Rubén Amón introduce Il turco in Italia en el ciclo “El ABC de la ópera”

El ciclo “El ABC de la ópera” que descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada en una conferencia magistral días previos al estreno, estrena nueva edición en un nuevo emplazamiento. En esta ocasión tendrá lugar en la Sala 0E del Euskalduna Bilbao el viernes 16 de octubre.

El ponente encargado de desvelar todos los detalles de esta ópera es el conocido periodista y escritor Rubén Amón, quien participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales, como El Confidencial, Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas, como una investigación sobre Los secretos del Prado (Temas de Hoy 1997), la biografía de Plácido Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y Pavarotti, cuando la ópera llena estadios (Temas de Hoy 1996). Sangre, poesía y pasión: Dos siglos de música, ruido y silencio en el Teatro Real (Alianza Editorial 2018).

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Granada
La vida breve y La TempranicaLa Tempranica
Música: Gerónimo Giménez
Diálogos: ALberto Cronejo
Cantados: Julián Romea
Adaptación musical: Miguel Ortega
D. musical: Miguel Ángel Gómez Martínez
D. escena: Giancarlo del Monaco
Escenografía: William Orlandi
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Vinivio Cheli
Iluminación: Vinivio Cheli
D. coro: Antonio Faur
Ana Ibarra, Javier Franco, Ruth González, Gustavo Peña, Gerardo Bullón, Miguel Sola, Ricardo Muñiz, Andrés Merino, María Luisa Corbacho, Jesús Méndez, Alicia MArtínez, Felipe Nieto, Thais Martín de la Guerra, Jesús Castejón, Carlos Hipólito y Juan Matute
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid

La vida breve
Música: Manuel de Falla
Libreto: Carlos Fernández Shaw
D. musical: Miguel Ángel Gómez Martínez
D. escena y escenografía: Giancarlo del Monaco
Iluminación: Vinivio Cheli
Iluminación: Vinivio Cheli
Versión del texto: Alberto Cornejo
Ainhoa Arteta, Jorge de León, María Luisa Corbacho, Rubén Amoretti, Anna Gomá, Gerardo Bullón, Jesús Méndez, Gustavo Peña, Rafael Aguirre, Milagros Poblador, PAula Alonso, PAtricia Illera, Francisco Díaz

Granada es un espectáculo que surge de la unión de dos obras, la vida breve, de Manuel de Falla y La Tempranica, de Gerónimo Giménez. Dos obras que comparten como escenario la ciudad de Granada y los dramas amorosos de sus protagonistas. Dos maestros que se admiraban y que no se conocieron. Pero la magia del teatro y de Alberto Cornejo han reunido a los dos compositores en el escenario, representados por Jesús Castejón y Carlos Hipólito.

El covid, que todo lo ocupa, ha sido el responsable de que el Teatro de la Zarzuela haya tenido que separar las dos obras que componen Granada, La vida breve y La Tempranica, y ofrecerlas en días alternos para evitar los intermedios y acortar los tiempos de permanencia en el teatro.

Esto ha supuesto además un escfuerzo de adaptación. La vida breve requiere una orquesta de 96 profesores. Algo imposible en el pequeño foso del Teatro de la Zarzuela en estos momentos, pues no se podrían mantener las distancias entre músicos. En el mes de junio empezó a buscarse solución a la situación que se planteaba. Se habló para ello con la presidenta de la Fundación Falla, Elena García de Paredes, que mostró sus dudas ante la posibilidad de representar la obra con apenas 24 profesores. Accedió con tres condiciones, que se hiciera como estaba originalmente escrita, que la adaptación la hiciera el maestro Gómez Martínez y que solo se podía estrenar en este teatro y bajo estas circunstancias.

El maestro Gómez Martínez se puso manos a la obra. Reescribió toda la partitura, a mano, en tiempo record. Se han respetado las plantillas que el propio Falla utilizaba para sus representaciones en lugares reducidos. Y el resultado final es magnífico, teniendo en cuenta la drástica reducción de efectivos, la música de Falla apenas pierde espectacularidad y la orquesta, aunque reducida, sabe extraer, de la mano de Gómez Martínez, toda la musicalidad de la partitura original.

Cuando Daniel Bianco se puso en contacto con Giancarlo Del Monaco, éste no conocía La Tempranica. Se encontró, además, con que no existían grabaciones de esta obra. Lo que explica una cierta desconexión de La Tempranica con su escenografía. No ocurre así con La vida breve, a la que el color granada le sienta muy bien. Tanto como la iluminación de Vinicio Cheli. Ambas escenografías comparten sencillez de elementos, apenas unos paneles que se mueven, pero son, como casi todo en Del Monaco, elegantes y sugerentes. Unas escenografías centradas en los aspectos psicológicos de las dos protagonistas, en su sufrimiento y desengaños amorosos. Pero es La vida breve la que sale mejor parada en el reparto estilístico de Del Monaco.

El espectacular elenco de voces de La vida breve no defrauda. Ainhoa Arteta está en un buen momento de forma, tanto en lo vocal como en la parte interpretativa. Resolvió con oficio y soltura la tesitura alta en la que se desarrolla el personaje de Salud. Mantiene su hermoso timbre y una presencia escénica que cautivó a un público que la ovacionó largamente.

A Jorge de León le tocó el ingrato, por breve, papel de Paco. Apenas interviene en la obra, pero compuso un personaje perfectamente despreciable, como debe ser, y dejó algunos apuntes de la calidad de su voz.

María Luisa Corbacho lució un volumen de voz que permitía escucharla desde el fondo del escenario como si estuviera en la corbata. Con una zona central poderosa y una dramatización en el fraseo que salvó su quietud en escena.

Más expresivo sobre el escenario estuvo Rubén Amoretti. Siempre es una garantia en cualquier papel y circunstancia y se lució en ambos papeles, tanto en el Don Luis de La Teampranica como en el más dramático de el tío Salvador, de La vida breve.

La primera consecuencia de tener que separar las dos representaciones es la falta de continuidad del espectáculo. Eso, unido al hecho de haber eliminado muchos de los textos y pasajes más costumbristas de La Tempranica, han conseguido que esta pieza en soledad haya quedado un poco desamparada. Supongo que esta reducción también se debe a su adaptación al momento, pero me temo que la han mutilado demasiado. Se notaba incluso en los intérpretes. Aunque hay que alabar el buen oficio, no solo de los cantantes Ana Ibarra, Javier Franco, Ruth González, Gustavo Peña, Gerardo Bullón o Miguel Solá, entre otros, sino de los actores Jesús Castejón, Carlos Hipólito y Juan Matute, que sirvieron de hilo conductor a través de los diálogos de Alberto Cornejo.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Raquel Lojendio

El Teatro de la Zarzuela inaugurará el próximo martes, 20 de octubre (20h00) una nueva edición del que es uno de sus ciclos más populares y exitosos: Notas del Ambigú. La soprano Raquel Lojendio y el pianista Rubén Fernández Aguirre rendirán un conmovedor homenaje a Lorenzo Palomo (Ciudad Real, 1938), uno de los compositores españoles de mayor proyección internacional, cuyas obras han sido estrenadas e interpretadas por artistas y orquestas de primer nivel, en las salas de conciertos más prestigiosas del mundo.

El recital, de una belleza y atractivo indudables, comenzará con Una primavera andaluza (1992) compuesta sobre poemas de Juan Ramón Jiménez, y le seguirán Canto de Dulcinea (2006), una selección de las piezas que componen Sendero mágico (2018), las 5 composiciones que integran Del atardecer al alba o Recuerdos de juventud (1987) o Tientos, con versos de Antonio Gala.

Notas del Ambigú 20/21

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo más del doble de recitales que al inicio del ciclo. 11 citas ineludibles del 20 de octubre al 15 de junio.

Al de Lojendio y Fernández Aguirre seguirá el del conjunto barroco La Ritirata dirigido por el violonchelista Josetxu Obregón con ‘Il Spiritillo Brando’ (1 de noviembre), el Trío Arbós con la tercera entrega de ‘Música de cámara’ (9 de noviembre), la violinista y violista Cecilia Bercovich, el pianista y bandoneonista Claudio Constantini y el violonchelista y guitarrista Sergio Menem, que ofrecen un concierto dedicado a la música palpitante e imperecedera del maestro José Padilla (24 de noviembre), la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajean a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias de la música profana y sacra en ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Pablo-Heras-Casado

El principal director invitado del Teatro Real y embajador de Ayuda en Acción, Pablo Heras-Casado, se pondrá por sexto año consecutivo al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid para dirigir el concierto Acordes con Solidaridad, una iniciativa liderada por el propio director y Ayuda en Acción. La cita tendrá lugar el lunes 19 de octubre a las 20.00 horas en el Teatro Real de Madrid. En esta ocasión, se interpretará la Obertura Coriolano y la Sinfonía n. 7 de Beethoven, coincidiendo con el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán que se celebra este año. Allá por 2001, Pablo Heras-Casado hacía sonar por primera vez al genio de Bonn con su Séptima Sinfonía y, al cierre de este año y repitiendo repertorio, serán casi cien las interpretaciones de Beethoven que el director haya dirigido a lo largo de su carrera en algunos momentos tan importantes como su debut con The Cleveland Orchestra o con Los Angeles Philharmonic.

La actualidad de este autor no solo reside en la resignificación de su mensaje, sino en una música que nunca deja de sorprender. En palabras del propio director “es la ocasión para devolver a Beethoven la fuerza, el impacto y la novedad que no han de perder con el paso del tiempo”. En marzo de este año, la prestigiosa revista “The Gramophone”, aludiendo a su interpretación con la Freiburger Barockorchester aplaudía el acierto de “dejar a Beethoven ser Beethoven. Los desplazamientos rítmicos, los sforzandos explosivos, los contrastes dinámicos que desarman y suplican sinceridad, yuxtapuestos con una insistencia brutalmente empática, crean una sensación de asombro y deslumbramiento que la audiencia vienesa (…) debió experimentar al escuchar a Beethoven por primera vez; el cuidado y la consciente consideración de cada detalle, dejan en el oyente una impresión de completo abandono y rendición al espíritu de la música”.

Heras-Casado, la Freiburger Barockorchester y el pianista Kristian Bezuidenhout se han unido una vez más con el sello discográfico harmonia mundi en la grabación de una serie especial dedicada a Beethoven. Han dejado registro de la integral de los Conciertos para piano del compositor de Bonn y algunas de sus Oberturas, ya en el mercado -excepto el último de los discos de esta integral (los Conciertos 1&3) cuyo lanzamiento está previsto para agosto del próximo año, así como del Triple Concerto (junto a la violinista Isabel Faust, el cellista Jean-Guihen Queyras y el pianista Alexander Melnikov) el cual se espera para enero de 2021. Como broche a la mencionada colaboración con la Freiburger Barockorchester y el pianista Kristian Bezuidenhout, se ha grabado un disco muy especial con la Fantasía Coral y la Novena Sinfonía, con la que precisamente Heras-Casado cerrará el año Beethoven con la NHK Symphony Orchestra Tokyo en su tradicional proyecto de fin de año. Un cierre lleno de luz y esperanza que se suma a un amplio repertorio del gran compositor interpretado, aún todavía, en este año de celebración sobre el escenario, donde destacan el Concierto para violín en Re mayor, la 2ª, 3ª, 5ª, 7ª y 9ª Sinfonías, el Triple Concerto y el Piano Concerto 4 en sus versiones completa y de cámara. Sobre el escenario algunos de los mejores conjuntos del panorama como Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, European Union Youth Orchestra, Orquesta de la Escuela de Música Reina Sofía, Montreal Symphony Orchestra, Philarmonia Orchestra, Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker, la mencionada NHK o la Orquesta Sinfónica de Madrid, encargada de llevar al atril el programa del próximo día 19.

En esta sexta edición de la iniciativa Acordes con Solidaridad, la recaudación irá íntegramente destinada a la respuesta que Ayuda en Acción está dando a la emergencia provocada por la COVID-19 en España. A través del programa Aquí también, la ONG está luchando para reducir la brecha digital y educativa que se ha evidenciado y acentuado tras la pandemia, apoyando a cerca de 11.000 niños, niñas y adolescentes que se encuentran en riesgo de exclusión social en España a que puedan acceder a una educación en igualdad de oportunidades. “Se trata de una iniciativa solidaria fruto de una gran alianza en la que intervienen nuestro extraordinario embajador Pablo Heras-Casado y la Orquesta Sinfónica de Madrid, que participan en el concierto de forma completamente altruista; el Teatro Real, apoyándonos con la difusión de este gran evento; y la Fundación Repsol, que además colabora con nuestro programa Aquí también en España. Un año más, agradecemos a todos ellos su apoyo incondicional y lo extendemos al gran público del Teatro Real que, con su entrada (presencial o vía streaming) y con sus aportaciones a la fila 0, nos permiten continuar con nuestro trabajo que ahora es más necesario que nunca”, afirma Marta Marañón, directora de Relaciones Institucionales de Ayuda en Acción.

Como novedad, recalcar que el concierto se podrá disfrutar en directo por streaming desde cualquier parte del mundo. Las entradas para la retransmisión online, que ya están a la venta, se pueden adquirir en la web de la plataforma My Opera Player por 9,99 euros. Para aquellas personas interesadas en acudir a la cita de forma presencial, pueden adquirir sus entradas (desde 10€) a través de la web del Teatro Real en el teléfono 902 24 48 48 y en las taquillas del teatro. También se ha habilitado una fila 0 para donativos en el nº de cuenta ES55 0049 0001 58 2911863843. El evento se celebrará al 50% de su capacidad, con separación entre butacas y siguiendo todos los protocolos de seguridad.

Fotografía: Javier del Real

Celso Albelo

La limitación de aforo en los teatros, en este caso, en el Teatro de la Zarzuela, ha resultado ser un aliado para el tenor canario Celso Albelo, que ha conseguido crear una atmósfera de intimidad y familiaridad desde el escenario que eliminó cualquier rastro de frialdad causada por la poca afluencia de público.

Ofreció Albelo un recital especial, con obras tradicionales canarias recuperadas y adaptadas por Francisco Corujo y Fernando Briones. Obras que, como explicó el propio Albelo, han sido elevadas a categoría de lied.

Celso Albelo se sumergió desde el principio en su tierra, en su cultura, sus rincones, con ese acento y color vocal canario tan característico y reconocible. El tenor hizo una demostración de delicadeza y sutileza apianando, fraseando con elegancia y filando con un sentimiento profundo.

Comenzó con “Siete rosas”, obra de Antonio González Santamaría que fue su exposición de motivos y marcó el camino de un recital muy personal, en el que se fue encontrado cada vez más cómodo y cómplice con un público que le adora. Su voz ha ganado en solidez y seguridad, sobre todo cuando transita por las notas más agudas. Fue desgranando cada una de las canciones a la vez que conversaba animadamente con el público.

La segunda parte del recital estuvo dedicada a las romanzas, como “La isla de las perlas”, del maestro Sorozabal, “El caserío”, de Guridi o “Por el humo se sabe donde está el fuego” de la “Francisquita” de Amadeo Vives. Para finalizar con “Fiel espada triunadora” de “El huésped del Sevillano” de Guerrero.

Terminó ofreciendo unos originales bises, también de canción canaria, acompañado de una guitarra. Albelo llegó a emocionarse en algunos momentos.

Juan Francisco Parra acompañó al piano. Hubo gran complicidad entre los dos. Ofreció además dos obras, con sus correspondientes explicaciones, unos tanguillos, de Teobaldo Power y una transcripción del ovetense Anselmo González del Valle, de 1905 del dúo de “Los diamantes de la corona” de Barbieri.

Una gran noche lírica, una más, en un Teatro de la Zarzuela que ha comenzado la temporada con fuerza y con determinación y con una absoluta sensación de seguridad, con un cumplimiento exhaustivo de todos los protocolos de sanidad. ¿Dónde más seguros que en el teatro?.

Philippe Jaroussky

El Teatro Real había anunciado un recital en el que el protagonista absoluto iba a ser el contratenor francés Philippe Jaroussky. En dos sesiones, una a las 19:00 y otra a las 21:30 horas (hay que echarle imaginación para sortear las restricciones de aforo causadas por el covid-19). Pero lo que nos encontramos fue todo un concierto barroco, un tanto peculiar, pero todo un concierto. Eso si, el protagonismo de Jaroussky fue compartido por la alta calidad del resto de intérpretes y orquesta.

Doce obras de Vivaldi, entre arias y fragmentos de óperas, se repartieron entre los cuatro intérpretes. Tres para cada uno que, de manera un tanto mecánica, salían a escena uno tras otro. Supongo que como consecuencia del apremio de las dos sesiones, por lo que hay que valorar el esfuerdo de Teatro e intérpretes,

A pesar de estas situaciones poco habituales, producto del tiempo que vivimos, el resultado artístico y musical estuvo a un muy alto nivel. Comenzó con el aria de La fida ninfa “Non tempesta che gl´alberi sfronda”, interpretado por el tenor alemán, de origen chileno, Emiliano González Toro. El volumen y la coloratura no suelen ser compatibles y, en el caso de González Toro, el primero es sacrificado, claramente, en beneficio de la segunda, al menos en esta primera obra, porque en sus dos intervenciones posteriores sorprendió con una voz luminosa y bien timbrada, una línea de canto elegante y limpia que supo lucir sobre todo en la última de sus arias, la delicada “Tu vorresti col tuo pianto”, de Griseelda, donde demostró una exquisita expresividad.

La pirotecnia vocal estuvo reservada para la soprano húngara Emóke Baráth. Realizó gran despliegue de coloratura en sus dos primeras arias, “Armatae face et anguibus”, de Juditha Triumphans y “Alma oppressa da sorte crudele”, de La fida ninfa. Pero fue también en la dramática “Vede orgogliosa l´onda”, de Griselda, donde expuso una delicadeza vocal muy bien modulada.

La contralto Lucile Richardot tiene un hermoso y original timbre. Posee una buena amplitud vocal que demostró en los giros hacia el registro grave, desde unos potentes y afilados agudos. Se lució tanto en la coloratura como en los momentos más dramáticos y delicados. Toda una sorpresa desde su primera intervención con “Sovente il sole”, de Andromeda Liberata o la segunda “Frema pur”, de Ottone in villa.

El más conocido y esperado era, sin duda, Philippe Jaroussky. Como siempre, el contratenor francés ofreció en sus tres interpretaciones la expresividad matizada y la delicadeza que son su seña de identidad. Comenzó con la pieza más conocida “Vedró con mio diletto” de Il giustino, después “Gelido in ogni vena”, de Il farnace y terminó su breve intervención con “Se in ogni guardo”, de Orlando fintto pazzo.

Como regalo final, los cuatro intérpretes ofrecieron un bis en conjunto, “De’ll aura al susurrar” de La fida ninfa, una especie de adaptación que Vivaldi realizó de su Primavera.

Le Concert de la Loge, grupo no muy conocida en España, sorprendió gratamente de la mano de su director y violín Julien Chauvin, que dirigió con gran dinamismo y acento barroco a unos músicos de una calidad extraordinaria.

Fotografía: Javier del Real

PhilippeJaroussky

La cita tendrá lugar el próximo 5 de octubre, como estaba previsto, en sesión doble a las 19.00 y a las 21.30 horas

Los abonados del ciclo Grandes Voces y los compradores con entrada para este concierto serán reubicados según las directrices del protocolo sanitario y en un nuevo horario

Bajo el título¡ Viva Vivaldi ! se ofrecerá un programa compuesto por arias y extractos de óperas del compositor veneciano

Jaroussky estará acompañado por la soprano Emóke Baráth, la contralto Lucile Richardot y el tenor Emiliano González Toro, junto a Le Concert de la Loge con dirección musical del violinista Julien Chauvin

El vínculo de Philippe Jaroussky con el Teatro Real siempre ha estado relacionado con el éxito artístico y con el enorme cariño que el público de Madrid le profesa desde su debut en este escenario en el año 2000 con Celos aun del aire matan, de Juan Hidalgo. Su rápida y brillante carrera, que le ha situado entre los mejores contratenores del mundo, señala al coliseo madrileño como testigo de grandes noches de lírica.

Por esta razón, y ante la actual situación provocada por el COVID-19, el artista francés y el Teatro Real han decidido ofrecer el concierto previsto para el próximo 5 de octubre, en una sesión doble, a las 19.00 y a las 21.30 horas, que permita reubicar al público con entrada para esta cita en las mejores condiciones de seguridad sanitaria.

Jaroussky se presentará en esta cita con una selección de arias y extractos de ópera de su compositor fetiche, Antonio Vivaldi, acompañado por la formación barroca Le Concert de la Loge, dirigida por el violinista Julien Chauvin. Junto a ellos participarán la soprano Emóke Baráth, la contralto Lucile Richardot y el tenor Emiliano González Toro.

El título del concierto lo dice todo, ¡Viva Vivaldi!. Las obras del compositor veneciano son el lugar en el que la voz de Jaroussky mejor exhibe su virtuosismo y sensibilidad dotando cada fragmento de una irrenunciable belleza. El timbre inconfundible de su voz se ensamblará, en algunos momentos del programa a las de Emóke Barát y Emiliano González Toro para interpretar el trío de La veritá in cimento, “Aura placide et serene” o compartirá las apasionadas notas de Il Giustino con Emiliano para contraponer la intensidad dramática y melódica de esta ópera que contiene algunas de las arias más redondas del compositor como “Vedrò con il mio diletto” e “Il piacer della vendetta”.

El Teatro Real se pondrá en contacto con todos los abonados del ciclo Grandes y Voces y con los compradores con entrada para este concierto para comunicarles el cambio de hora y la reubicación en nuevos lugares, con el fin de garantizar la distancia de seguridad sanitaria que permita disfrutar de una inolvidable velada.

Teatro Real

Teatro Real

El público más joven vuelve a ser protagonista del fin de semana en el Teatro Real con un nuevo título de la programación del Real Junior en el que, de la mano de la música de Igor Stravinsky, descubriremos la Historia de un soldado, obra basada en el texto de Charles Ferdinand Ramuz del mismo título, inspirado a su vez en un cuento popular ruso.

Se ofrecerán tres sesiones los días 3 y 4 de octubre a las 12.00 horas, en la Sala Principal, con los protocolos y medidas sanitarias necesarias para que el público familiar se sienta seguro y pueda disfrutar de una jornada de música matinal.

El Teatro Real quiere sumarse al reconocimiento al esfuerzo y la labor desarrollada desde el inicio de la pandemia al personal sanitario y a los cuerpos y servicios de seguridad (policía nacional, protección civil, bomberos, SAMUR y policía municipal), poniendo a su disposición entradas gratuitas de funciones completas este fin de semana, para que puedan disfrutar de la música en familia. Las invitaciones han sido distribuidas a los interesados a través de hospitales, colegios profesionales y administraciones de los cuerpos de seguridad.

El cuento nos narra la historia de un soldado que, de regreso a su casa, con un permiso de descanso, es burlado por el Diablo, en forma de un desconocido, que le sugiere cambiar su violín por un libro mágico con el que podrá conocer el futuro y hacerse rico. El soldado acepta el trueque y pasar tres días en compañía del nuevo amigo con el fin, por una parte, de enseñarle a tocar el instrumento y, por otra, de aprender a interpretar el contenido del libro. Pero no todo será como él espera…

En este punto de partida, música, palabra y danza construirán el relato con una mirada más cercana y un formato más actual a los ojos y sensibilidades de los jóvenes de hoy en día, dirigido y coreografiado por Ferrán Carvajal, con la participación de Roger Orra en el diseño de la escenografía y los figurines y de Marc Lleixà en la iluminación.

El maestro Rubén Gimeno dirigirá a los solistas de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, en una partitura compleja en la que cada instrumento representa a un personaje y todos definen las distintas escenas a veces con un aire intimista y, a veces, festivo y desenfadado donde el vals, el jazz o el ragtime bailan juntos.

Historia de un soldado es una producción de L’Auditori de Barcelona, Thorus Arts y Jeloudoli que se presenta, por primera vez en el Teatro Real.

Como ya es habitual, el Teatro Real pone a disposición de los espectadores, en su página web, una completa Guía Didáctica con información complementaria y datos curiosos sobre el espectáculo.

Fotografía: Javier del Real

Cecilia Bartoli

Decca Classics publica una asombrosa compilación de arias de Cecilia Bartoli el 27 de noviembre de 2020, ‘La Reina del Barroco’. El primer álbum recopilatorio de Cecilia en una década presenta lo mejor de las elogiadas grabaciones de delicias y descubrimientos musicales de los siglos XVII y XVIII, incluidas dos grabaciones anteriormente inéditas y sendas primicias discográficas mundiales de joyas olvidadas de los compositores italianos Leonardo Vinci y Agostino Steffani.

Una gran valedora del repertorio barroco a lo largo de toda su carrera, se unen a Cecilia en esta grabación los invitados especiales Philippe Jaroussky, June Anderson, Franco Fagioli y Sol Gabetta, que comparten su pasión por curiosidades musicales que han salido a la luz a lo largo de los siglos.

La ópera barroca se caracterizó por la gran riqueza de nuevos materiales y por haber contado con un público amplio y ávido de novedades. Evolucionaban los estilos de vestuario, cambiaban los repartos, instrumentos solistas recién desarrollados pasaban a situarse en primero plano, y las historias exploradas dentro de la música no dejaban de reimaginarse una y otra vez. Estructuralmente, una ópera barroca estaba integrada por arias enlazadas unas con otras por medio de recitativos que enriquecían la trama, desplegaban multitud de símiles y ofrecían estampas alegóricas. Las arias podían extraerse de una producción e introducirse en otras, a veces para crear una opera pasticcio en la que un “mega mix” de grandes éxitos populares se presentaba en un nuevo contexto. En vez de considerarse un ejercicio de plagio, esta acción rendía homenaje a grandes músicos y servía para prolongar la vida de un aria.

‘Reina del Barroco’ sirve como un homenaje tanto a Cecilia Bartoli, ampliamente celebrada por su tratamiento de las arias barrocas, como a los compositores que crearon los grandes éxitos de su tiempo. Momentos de serena contemplación contrastan con otros de carácter virtuosístico: toda la inmensa variedad de la condición humana queda abarcada por medio de arrullantes dúos de amor, duelos de coloratura, fervor religioso, dramatismo bélico, momentos de desesperación, humor insinuante y descubrimientos sensacionales.

Como una artista siempre en busca de un desafío musical amistoso, Cecilia Bartoli ha cimentado colaboraciones ganadoras con artistas tanto consolidados como emergentes. ‘Reina del Barroco’ ha permitido colaboraciones renovadas con Sol Gabetta, Franco Fagioli, Daniel Behle y Philippe Jaroussky. Un dúo con la soprano estadounidense June Anderson sirve de testimonio de los primeros años de la carrera de Cecilia.

A lo largo de la celebrada carrera de Cecilia, los instrumentos de época y la práctica interpretativa históricamente informada han desempeñado una parte esencial dentro de sus proyectos y han dado lugar a la formación de su propia orquesta, Les Musiciens du Prince-Monaco, en 2016. Cecilia se convertirá en la Directora de la Ópera de Montecarlo en 2023. Seguirá siendo Directora Artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo hasta 2026.

El álbum ‘Reina del Barroco’ de Cecilia Bartoli se publica el 27 de noviembre en Decca Classics

Lista de cortes:

  1. Steffani – I trionfi del fato: “E l’honor stella tiranna”*
  2. Vinci – Alessandro nelle Indie: “Quanto Invidio…Chi vive amante”*
  3. Handel – Rinaldo: “Lascia ch’io pianga”
  4. Broschi – Artaserse: “Son qual nave”
  5. Pergolesi – Stabat Mater, P. 77: 1. “Stabat Mater dolorosa”, con la colaboración de June Anderson
  6. Vivaldi – Griselda: “Agitata da due venti”
  7. Steffani – Niobe, regina di Tebe: “Serena, o mio bel sole… Mia fiamma…”, con la colaboración de Philippe Jaroussky
  8. Scarlatti – Il Sedecia, Re di Gerusalemme: “Caldo Sangue”
  9. Handel – Serse: “Ombra mai fu”
  10. Albinoni – Il nascimento dell’Aurora: “Aure andate e baciate”, con la colaboración de Sol Gabetta
  11. Graun – Adriano In Siria: “Deh, tu bel Dio d’amore…Ov’e il mio bene?”
  12. Steffani – Stabat Mater: “Eja Mater, fons amoris… Fac, ut ardeat… Sancta Mater… Tui nati, vulnerati”, con la colaboración de Franco Fagioli y Daniel Behle
  13. Caldara – Il Trionfo dell’Innocenza: “Vanne pentita a piangere”
  14. Handel – La Resurrezione (1708), HWV 47: “Disserratevi oh porte d’Averno”
  15. Porpora – Germanico in Germania: “Parto ti lascio, o cara”
  16. Steffani – I Triondi del fato: “Combatton quest’alma”, con la colaboración de Philippe Jaroussky
  17. Handel – Rinaldo: “Bel piacere”

*Primera grabación mundial

Teatro Real

La periodista Concha Barrigós ha sido nombrada Directora de Comunicación y Relaciones Informativas del Teatro Real y pasa a integrarse en su Comité de Dirección.

Doctora en Periodismo por la Universidad Carlos III, era hasta su incorporación al Teatro Real, Redactora Jefa de la Agencia Efe, en la que ha sido la máxima responsable, en distintas etapas, de las secciones de Cultura y Espectáculos, Sociedad y Ciencia y Futuro. Desde hace una década se ocupaba, además, de la información en el ámbito de las Artes Escénicas y Música Clásica.

Ha sido Redactora Jefa de Informativos de Telecinco, fundadora y directora de Cable Canal Salud y socia fundadora de la revista de Comunicación Joiner.

Muy vinculada a la enseñanza superior desde hace años, ha sido profesora en las universidades Antonio de Nebrija y Carlos III. Invitada por distintas universidades e instituciones, fue ponente en seminarios de la Universidad Complutense, la Fundación Alternativas, la Fundación Santillana, la Fundación MonteMadrid, el Congreso Iberoamericano de Cultura de Zaragoza o el Hay Festival, representante española en la World Journaliste Conference de Seúl y organizadora de un congreso sobre juventud y drogas para la Presidencia Española de la UE.

Miembro del jurado de premios como el Cervantes o nacionales como los de Ensayo, Arquitectura o Literatura Infantil, tiene la Cruz Blanca de la Orden del Mérito del Plan Nacional de Drogas, el galardón Fecyt de Difusión de la Ciencia , el premio de “No violencia contra las mujeres” del ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales, entre otros.

Teatro Real, Real Decreto

Con el fin de atender a la demanda expresada por algunos espectadores el pasado 20 de septiembre, el Teatro Real, siempre sensible a los planteamientos y preocupaciones de su público, ha decidido limitar a un 65% el aforo en las zonas delimitadas del Teatro. Para ello, desde ayer por la tarde se está contactando con los abonados con entradas correspondientes a cada área para informarles del protocolo de seguridad sanitaria vigente en el Teatro y proponerles, si fuera el caso, la reubicación de sus localidades o, en su defecto, la devolución del importe íntegro de sus entradas.

El Teatro Real está recordando a todo el público que se mantiene activo su estricto protocolo de seguridad sanitaria: alfombras desinfectantes, gel hidroalcohólico, oferta de mascarillas y medición de temperatura en todos los accesos al teatro; áreas de movilidad limitadas dentro del edificio; incremento de baños y barras para evitar aglomeraciones; limpieza permanente de todos los espacios públicos (baños, escalinata, barras, etc.), entrada y salida de los espectadores de manera escalonada; asistencia permanente e individualizada al público por parte del personal de sala; servicio médico asistencial durante las representaciones, etc.

Asimismo, los espectadores con residencia en las zonas de semi-confinamiento delimitadas por la Comunidad de Madrid podrán recuperar el importe de su localidad acreditando la dirección postal de su domicilio.

El Teatro Real agradece el respaldo de las instituciones oficiales -Gobierno de España, Comunidad y Ayuntamiento de Madrid-, la colaboración imprescindible y generosa de los patrocinadores -y sus muestras de apoyo muy especial en estos últimos días-, así como la actuación conjunta de los órganos de gobierno del teatro y de todos los trabajadores.

Teatro Real

cosi fan tutte

El Palau de les Arts reflexiona sobre la soledad y la fragilidad de las relaciones humanas en una producción de ‘Così fan tutte’ adaptada a la nueva normalidad, con la que se inaugura el 27 de septiembre la temporada 2020-2021 en la Sala Principal.

Les Arts ha presentado hoy en rueda de prensa este título que, bajo la dirección musical de Stefano Montanari y escénica de Silvia Costa, protagoniza un reparto de jóvenes pero experimentados intérpretes, habituales en este repertorio en los repartos de los teatros y festivales de mayor prestigio: Federica Lombardi, Paula Murrihy, Marina Monzó, Anicio Zorzi Giustiniani, Davide Luciano y Nahuel Di Pierro.

El director artístico del teatro, Jesús Iglesias Noriega, ha subrayado el esfuerzo no solo del equipo artístico y creativo, sino también del equipo técnico, artístico y administrativo del teatro, así como del Cor de la Generalitat y de la Orquestra de la Comunitat Valenciana por poner en marcha esta nueva producción en apenas dos semanas tras la cancelación de la adaptación escénica de Romeo Castellucci del ‘Réquiem’ de Mozart.

“Un teatro es una institución dinámica y no puede parar. Es nuestra obligación seguir adelante para mantener viva la cultura y ofrecer a la ciudadanía un espacio y foros de reflexión y crítica con las máximas garantías de seguridad para público y artistas”.

El violinista y director Stefano Montanari, batuta de acreditado prestigio en los repertorios barroco y clásico, regresa a Les Arts, donde actuó por primera vez en 2006 como solista con la Accademia Bizantina en ‘L’isola del piacere’ de Martín i Soler. En esta ocasión, debuta en el podio con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana en una producción que, como él mismo señala, permite la perfecta relación entre música y escena.

En el apartado escénico, Silvia Costa propone una visión atemporal, un espacio simétrico y abstracto que confronta dos mundos. El montaje, con atrezo y vestuario confeccionado por el equipo técnico del teatro, e iluminación de Marco Giusti, pone su foco, según la ‘regista’, en “soledad de personajes” y “la fragilidad de las relaciones humanas”, como apunta también el director musical.

Ascendentes intérpretes

Debuta en Les Arts, con el papel de Fiordiligi, la ascendente soprano Federica Lombardi, consagrada pese a su juventud como una de las intérpretes más cotizadas, especialmente en los papeles mozartianos, en teatros como La Scala de Milán, el Metropolitan de Nueva York, la Staatsoper de Viena o la Ópera de Múnich.

En el rol de su hermana Dorabella, se presenta ante el público valenciano la mezzosoprano Paula Murrihy. Habitual en los teatros de ópera europeos y estadounidenses, la cantante irlandesa es además una de las voces de referencia para Teodor Currentzis, con quien colabora regularmente con su agrupación MusicAeterna.

La valenciana Marina Monzó cierra la terna femenina como la intrigante doncella Despina. La emergente artista, después de su aplaudido trabajo en ‘La tabernera del puerto’ la pasada temporada, hará con ‘Così fan tutte’ su esperado debut operístico en Les Arts.

En el apartado masculino, canta por primera vez en la Sala Principal el barítono italiano Davide Luciano (Guglielmo) que, gracias a sus incursiones en el repertorio clasicista y belcantista, se ha revelado como uno de los nuevos valores en su tesitura con trabajos en Nueva York, Milán, Berlín o Moscú, entre otras plazas.

https://www.lesarts.com/es/

Fotografía: Miguel Lorenzo

María Bayo

La gran soprano española María Bayo​, presenta su próximo álbum Reflejos dedicado a canciones latinoamericanas y francesas, además de música inédita del artista belga ​Max Moreau​. El nuevo disco reúne a compositores como Bizet, Guastavino, Lecuona, y Moreau​, que confluyen en un dominio de la melodía y en su capacidad para transportar a paisajes de una gran diversidad.

Reflejos estará disponible en todas plataformas digitales a mediados de octubre. La cantante de Navarra es una de las intérpretes más admiradas y respetadas en el mundo lírico y para este proyecto estuvo acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre​. Ambos artistas trabajaron estrechamente para la selección final de las obras y la recuperación histórica de la música de Moreau.

Sin embargo, también es el álbum más íntimo de la carrera de Bayo, quien actualmente se encuentra en un período de madurez, con una vasta experiencia interpretativa y un excepcional dominio de la técnica. En este nuevo disco se incluyen siete canciones del compositor Georges Bizet​, interpretadas por la soprano, experta en el repertorio francés. Además de la música inédita de Max Moreau​, pintor belga que vivió durante tres décadas en la ciudad de Granada, fue ahí donde creó una gran cantidad de obras, incluida una colección de poemas líricos. Se aprecian seis canciones por primera vez grabadas.

De Ernesto Lecuona​, uno de los compositores cubanos más reconocido alrededor del mundo, se incluyen las canciones de Balada, Canción del amor triste, Señor Jardinero, La señora luna ​y ​Si yo fuera hombre. También se interpretan las obras de Carlos Guastavino -uno de los exponentes del nacionalismo musical argentino-, como la canción Se equivocó la paloma inspirada en el poema de Rafael Alberti.

María Bayo inaugura la temporada 2020/21 del Teatro de la Zarzuela, el próximo domingo 27 de septiembre, a las 18.00 horas​, con un programa titulado Ecos Barrocos con el conjunto Vespres d’Arnadì, bajo la dirección musical de Daniel Espasa y la puesta en escena de Pedro Chamizo.

TRACKLIST
Georges Bizet (1838-1835)
1 Chanson d’Avril.
2 Vieille chanson.
3 Coccinelle.
4 Ma vie a son secret.
5 Adieu.
6 Ouvre ton coeur.
7 Guitare.
Max Moreau (1902-1992)
8 Sérénade.
9 Les hirondelles.
10 Tristesse.
11 Chansons orientales.
12 Palais andalou.
13 Bateau.
Ernesto Lecuona (1895-1930)
14 Balada.
15 Canción del amor triste.
16 Señor Jardinero.
17 La señora luna.
18 Si yo fuera hombre
Carlos Guastavino (1912-2000)
19 La siesta.
20 Violetas.
21 Piececitos.
22 Se equivocó la paloma.

http://mariabayo.com/

Fotografía: David Ruano

Un ballo in maschera

Después de analizar las posibles causas de la protesta de un grupo de espectadores que ha acudido ayer, 20 de septiembre, a representación de Un ballo in maschera, que finalmente no ha podido llevarse a cabo, el Teatro Real lamenta mucho lo sucedido y expresa su comprensión con todos los espectadores que no se han sentido seguros en sus butacas, aunque se cumpliera escrupulosamente con la normativa sanitaria vigente en la actualidad, comprobada por la Policía que se ha desplazado anoche al Teatro.

Quizás el origen de la disconformidad de una parte del público con la distribución de sus localidades en la sala se deba a los cambios en el protocolo de seguridad sanitaria adoptado para las funciones de Un ballo in maschera, que no son los mismos que se aplicaron en las representaciones de La traviata en julio: se ha eliminado el precintado de las sillas y la obligatoriedad de dejar dos butacas vacías al lado de otras dos ocupadas, ya que ha variado también la normativa sanitaria de la Comunidad de Madrid.

En las funciones de La traviata no salieron a la venta las localidades previamente bloqueadas y en Un ballo in maschera se ha dejado venta libre hasta completar el 65% del aforo total de la sala, cuando el máximo autorizado por la Comunidad de Madrid era ayer de un 75%. Así, el público que ha comprado sus entradas ha podido elegir libremente sus localidades en la sala, sin límite por zonas, estando contemplada por el teatro, dentro de la normativa sanitaria vigente, la posibilidad de que los espectadores se sentaran en butacas consecutivas –tal como pasa en los transportes públicos- protegidos por su mascarilla y en una sala en que están en silencio escuchando la ópera.

Quizás este hecho haya sido el desencadenante de las protestas, ya que el público esperaba encontrar la sala con una distribución de las butacas similar a la de las funciones de julio, pero el protocolo sanitario de entonces y el de ahora es distinto, como lo ha sido en el escenario, en el que se está ofreciendo ya una producción operística completa, con escenografía, figurines, y los solistas, coro y bailarines con una mayor movilidad en el escenario.

El Teatro Real quiere reiterar su compromiso con la seguridad sanitaria del público, artistas y trabajadores, en el que lleva trabajando con ahínco, responsabilidad y mucha energía, desde el mes de abril, con un Comité Médico proprio y el seguimiento escrupuloso de la normativa del Gobierno de España y de la Comunidad de Madrid.

Después del incidente de anoche el Teatro Real adoptará todas las medidas necesarias para que los espectadores se sientan más seguros, reforzando igualmente su comunicación con el público.

El Teatro Real agradece, como siempre, a los artistas y trabajadores toda su implicación y entrega para hacer la ópera posible en estos días de incertidumbre. Una vez más este agradecimiento es extensivo a todo el público, incluyendo también a los espectadores que anoche no se han sentido cómodos en la sala. A todos pedimos confianza, comprensión y generosidad para afrontar juntos estos días difíciles, en los que el arte y la música son más necesarios que nunca.

Fotografía: Javier del Real

Teatro Real

Teatro Real

Hoy, 20 de septiembre, antes del inicio de la función de Un ballo in maschera, en la que había 905 localidades ocupadas (51,5% del aforo total de la sala), un grupo de espectadores ha expresado con aplausos y gritos su disconformidad con el emplazamiento de sus localidades.

La protesta se ha prolongado pese a los avisos de megafonía que ofrecían a los espectadores la posibilidad de recolocarles o devolverles el importe de las entradas.

Después de la reubicación de una gran parte de los espectadores que protestaban, y de dos intentos de interpretar la ópera por parte del director de orquesta y de todos los artistas y técnicos que participaban en la función, un reducidísimo grupo insistió en proseguir con sus protestas para boicotear la representación, por lo que la misma tuvo que suspenderse, cerca de las 21.10 horas.

La dirección del Teatro Real abrirá una investigación para averiguar esta lamentable incidencia y tomará las medidas necesarias para para que las sucesivas funciones se desarrollen con normalidad.

Teatro Real

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Un Especial baile de máscaras

Un ballo in maschera

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Pocas veces un título es tan acertado para describir una situación. Y es que el Teatro Real estrena esta extraña e incierta temporada 20/21 con ‘Un ballo in maschera’, de Verdi.

Para entrar en el Teatro hay que dedicarle ahora un poco más de tiempo. No puede una saltarse ninguno de los pasos de la nueva liturgia de seguridad contra el covid-19 que en este Teatro es especialmente minuciosa. Todo perfectamente ordenado para evitar cualquier tipo de aglomeración y un solícito personal de sala que da todo tipo de información e indicaciones.

Esta temporada el Teatro Real pone en marcha una iniciativa que ya se viene realizando en otros teatros europeos con gran éxito. Se trata de un preestreno dedicado exclusivamente a los jóvenes. El 16 de septiembre, dos días antes del estreno oficial, ha tenido lugar esta estimulante premier que ha tenido una respuesta extraordinaria. Una magnífica iniciativa muy celebrada por una joven afición que normalmente, bien por razones de aforo o por el elevado precio de las localidades, no acude a estos espectáculos con la asiduidad que le gustaría.

Hemos hablado con alguno de estos jóvenes que han venido a esta primera gala y han compartido con nosotros sus puntos de vista. Hoy ellos son los protagonistas.

No es la primera vez que Cristina asiste a una ópera. De hecho, ha trabajado como maquilladora en el Teatro. ”Me parece muy buena la iniciativa, me gusta mucho y si hoy, que vengo sola, me gusta, me voy a traer a todos mis amigos. Por 35€ me parece brutal poder venir y disfrutar de todo esto”.

Manuel y José Ignacio, son músicos que vienen por primera vez al Teatro Real desde Sevilla y Aracena, Huelva. “Nuestras expectativas son muy altas. Siempre nos ha gustado la música de Verdi y venimos con ganas. La propuesta del Teatro nos parece muy interesante, sobre todo para el acercamiento de la ópera a los jóvenes. Generalmente no nos lo podemos permitir y estos son unos precios muy razonables. Siempre nos teníamos que conformar con verla por internet y ahora estamos aquí.”

Gonzalo y Eduardo es la primera vez que vienen a la ópera y se encuentran un poco perdidos. “Venimos con ganas, es una experiencia nueva y creo que nos va a gustar. Desde fuera tiene muy buena pinta. La primera vez, ¡a ver qué tal!”.

A diferencia de la Traviata del mes de julio, este Ballo in Maschera es escenificado. Ante la imposibilidad de trasladar a Madrid la producción inicialmente programada de David Alden, se ha optado por la escenografía de Gianmaria Aliverta. El esfuerzo realizado para adaptar esta producción, estrenada en 2017 en el Teatro La Fenice de Venecia, a los estrictos protocolos sanitarios ha sido importante. La escenificación es casi completa. Evitando el contacto o la cercanía entre los intérpretes y en el que solo los bailarines llevan mascarilla, por cierto, tan discreta que apenas se deja ver.

La escenografía resulta anticuada y sosa. Todos los elementos son muy estáticos, a excepción de una gran roca en el segundo acto que gira (para tormento de Amelia, que tiene que cantar a la vez que trepa por ella). Nada en el escenario proporciona el dinamismo al que no llegan los cantantes, por la necesaria falta de movimientos. Tampoco ayudan los largos cambios de escénicos durante la representación.

La coreografía del cuerpo de bailes tampoco es muy estimulante, no parece muy elaborada. Desconcierta también el hecho de situar la obra en la América de la esclavitud, con una bandera americana con excesiva presencia, por lo gigantesca.

Pero la ausencia de proximidad entre los cantantes, sobre todo en el dúo de amor, es compensado por la música. El maestro Luisotti lo describe muy bien: “La experiencia de la ópera es una experiencia personal. La posibilidad de cerrar los ojos e imaginar lo que está ocurriendo nos lo proporciona la música. En el dúo de amor, aunque no lo estuviera viendo, puedo imaginar el abrazo de los dos amantes.” Verdi consigue transmitir, a través de su música, las palabras exactas para describir una acción.

Un Ballo in maschera es sin duda la más italiana de las óperas de Verdi, y la batuta de Nicola Luisotti, gran conocedor de este repertorio, lo pone de manifiesto a lo largo de toda la representación. Si uno se abandona a la música y el color y detalle que Luisotti extrae de la orquesta, nada de lo que ocurre en el escenario altera la esencia de la obra.

Hay que reconocer el gran trabajo desarrollado por el escenógrafo Massimo Checchetto y por los cantantes. No es fácil desenvolverse en un escenario manteniendo distancias con todo el mundo. Lo que afecta también, no solo a la interpretación, sino a la proyección sin referencias cercanas.

Este Ballo in maschera cuenta con dos repartos y cuatro Amelias. La representación de la gala joven estuvo a cargo de un segundo reparto encabezado por el veterano Ramón Vargas, como el Conde Ricardo, que conserva la clase y el fraseo que hicieron de él uno de los más grandes tenores. La madrileña Saioa Hernández, como Amelia, que demostró una gran sensibilidad con la expresividad de su voz. Geroge Petean, con una profunda voz de barítono que dio vida al amigo y después rival de Ricardo. Silvia Beltrami, que construyó un oscuro personaje de la hechicera Ulrica. Elena Sánchez Pereg, que interpretó al joven Oscar, Tomeu Babiloni, como Silvano, Daniel Giulianini, como Samuel, Goderdzi Janelidze, como Tom y Jorge Rodríguez Norton.

El coro estuvo asistido en todo momento por la técnica para poder guardar las distancias sobre plataformas móviles.

Un comienzo de temporada esperanzador en medio de esta situación distópica y llena de incertidumbre pero, como recordó Vargas Llosa la noche del estreno “La cultura está hecha para enfrentar tiempos difíciles”. Por eso estamos aquí, rodeadas de jóvenes…

Texto: Paloma Sanaz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Ópera Nacional de Taiwán

Los próximos días 26 y 27 de septiembre, la Taipei Opera estrenará una doble producción del ballet “El amor brujo” y la ópera “La vida breve” de Manuel de Falla. Un programa especial que rinde tributo a una de las figuras musicales más importantes del siglo XX español, en la gala de inauguración de la nueva temporada 2020/2021, y que contará con el director de orquesta sevillano Manuel Busto al frente de la legendaria National Taiwan Symphony Orchestra (NTSO).

Será la primera vez que se represente una doble producción de estos dos títulos de Falla en Asia y Asia-Pacífico, y el estreno de “La vida breve”, una ópera nunca vista en Taiwán. Un acontecimiento musical que se hará realidad, gracias al incansable empeño de Dau-Hsiong Tseng, barítono, director de orquesta y Director Artístico de la compañía de la Taipei Opera, por presentar esta ópera de Falla al público de Taiwán. Tseng, que también firma la dirección escénica, fundó la Taipei Opera en 1971 con el fin de acercar la ópera occidental a la sociedad taiwanesa, y desde entonces ha estrenado más de cincuenta títulos, labor por la que en 2011 recibió la prestigiosa Medalla Nacional de las Artes y la Cultura. Experto en la vida y obra del conocido compositor andaluz, de quien escribió un libro monográfico en mandarín, Dau-Hsiong Tseng cumple así la promesa que hizo ante la tumba de Manuel de Falla durante su estancia en España en 1969 para disfrutar de una beca en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Con “La vida breve”, Manuel de Falla pretendía componer una ópera “española”, y Dau-Hsiong Tseng quiere ser lo más fiel posible al deseo del compositor en esta producción diseñada enteramente en Taiwán, pero totalmente respetuosa con la cultura española; para ello, ha querido contar con el joven director y compositor andaluz Manuel Busto, reconocido especialista en la obra de Falla y gran conocedor del flamenco. Además, el escenógrafo y el diseñador de vestuario pasaron un mes en Andalucía para conocer de primera mano sus costumbres y poder plasmarlas en esta producción, que cuenta con la colaboración de la Fundación Archivo Manuel de Falla.

Esta ambiciosa producción, con la que la Taipei Opera quiere mostrar el triunfo de la sociedad taiwanesa en su lucha por combatir la COVID-19, será transmitida internacionalmente a través de un innovador Live Streaming 4K desarrollado por Rexcel Group LLC.

Enlaces a los dos canales 4K a través de los cuales se podrá seguir el Live Streaming:

https://youtu.be/_Ijve2_GBy4

https://youtu.be/kxGjNI15X4M

Ballo in maschera
  • La inauguración oficial de la presente temporada, el próximo 18 de septiembre, será precedida, por primera vez, de un preestreno sólo para menores de 35 años ─la Gala Joven─ el 16 de septiembre.
  • Se ofrecerán 16 funciones de Un ballo in maschera con un aforo máximo del 75% de las localidades y con las medidas de seguridad sanitaria implementadas en las 27 representaciones de La traviata el pasado julio, modificadas de acuerdo con la normativa aprobada recientemente por la Comunidad de Madrid.
  • El director de escena Gianmaria Aliverta y el escenógrafo Massimo Checchetto han introducido importantes modificaciones en la producción original del Teatro de La Fenice de Venecia para adaptarla al protocolo sanitario del Teatro Real, manteniendo intacto su concepto dramatúrgico. 
  • Nicola Luisotti, primer director musical invitado del Teatro Real, dirigirá su sexto título verdiano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del enorme éxito obtenido con Don Carlo y La traviata en la pasada temporada. 
  • Dos repartos (con cuatro Amelias) se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); las sopranos Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky (Amelia); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato); las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y las sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).
  • Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre a las 20.00 horas, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y en la Plaza de Isabel, con aforo limitado y de acuerdo con la normativa relativa a la COVID 19 de la Comunidad de Madrid.
  • En torno a Un ballo in maschera se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real y en colaboración con la Fundación SGAE, Museo de Artes Decorativas y Universidad Nebrija, destacando la sesión de Enfoques, el 14 de septiembre a las 20.15 horas, con un aforo del 75% de las localidades presenciales y retransmisión, por primera vez, en el canal de Youtube del Teatro Real.
  • Las funciones de Un ballo in mascheracuentan con el patrocinio de Telefónica.

  • La retransmisión en directo de la ópera en las pantallas exteriores está patrocinada por Telefónica, Endesa, Loterías y Apuestas del Estado, Mutua Madrileña, Fundación Redexis y Fundación EDP.
  • La Gala Joven contará con la colaboración de la firma de servicios profesionales EY.

El Teatro Real inaugurará la Temporada 2020-2021 ─la 24ª desde su reapertura─, con Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, que se ofrecerá en una producción procedente del Teatro La Fenice de Venecia y repuesta en colaboración con el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

El libreto de la ópera, algo trasnochado para la época, parte de uno anterior, de Agustin Eugène Scribe, inspirado tangencialmente en el asesinato del rey Gustavo III de Suecia durante un baile de máscaras en la Ópera de Estocolmo, víctima de una conspiración. Sucesivos problemas con la censura romana y napolitana obligaron al libretista Antonio Somma a trasladar el trasfondo político de la ópera de la corte sueca a Boston, a finales del XVII, entonces bajo gobernación británica.

El director de escena Gianmaria Aliverta mantiene la trama de la ópera en Estados Unidos, pero desplaza la acción al siglo XIX, cuando las violentas luchas fratricidas enfrentaban los estados del Norte y del Sur, que se resistían a abolir la esclavitud y a perder otras prerrogativas abusivas adscritas a los propietarios de los grandes latifundios.

En este contexto de enfrentamientos se enfatiza la tensión política que subyace en el libreto, que tiene, en primer plano, un funesto triángulo amoroso, en el que las vicisitudes de los protagonistas son descritas musicalmente con el afilado sentido dramático de Verdi y su inagotable inspiración melódica. El compositor entrelaza arias, dúos y escenas corales en bloques que conforman grandes cuadros, articulando con extrema habilidad el drama y la comedia, los números de conjunto y los momentos íntimos, el bullicio palaciego y el drama interior de los personajes, manteniendo siempre la tensión en “el más melodramático de los melodramas”, en las palabras de Gabrielle D’Annunzio.

Nicola Luisotti, primer director invitado del Teatro Real, estará al frente de dos repartos de grandes voces verdianas, en los que el papel protagonista femenino (Amelia), será interpretado por cuatro distintas sopranos: Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky. Completan los elencos los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato), las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).

Tal como ocurrió con las funciones de las La traviata, los solistas, coro, actores y trabajadores del teatro cumplirán rigurosamente con el Protocolo de Seguridad Sanitaria diseñado por el Comité Médico del Teatro Real, en conformidad con las directrices de la Comunidad de Madrid.

Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y, por primera vez, en la Plaza de Isabel II, donde se colocarán 450 sillas separadas entre sí por 2 m., en un área acotada de 4000 m2 con 320 m. de vallado de seguridad y 8 entradas y salidas debidamente señalizadas y dotadas de hidrogel.

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro. En estos años Telefónica ha ampliado el número de funcionalidades y servicios de la web, reforzando el carácter interactivo y la comunicación con los usuarios. De este modo, ha permitido crear un catálogo de productos mucho más amplio -abarcando diferentes tipos de música- y accesible, con servicios más ajustados a las preferencias de los seguidores de esta institución. Un paso más dentro de este proyecto global ha sido My Opera Player, plataforma digital que permite a los amantes de la ópera, la danza y la música clásica disfrutar desde casa, con tan sólo un click, de las mejores producciones de éxito internacional.

MyOperaPlayer, , cuenta con Telefónica, como socio tecnológico del Teatro Real, y con el patrocinio de Endesa, que apoyó esta iniciativa como patrocinador único cuando la plataforma se llamaba Palco Digital.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

11 de septiembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti y Gianmaria Aliverta -directores musical y de escena de Un ballo in maschera- y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real. Interpretación de arias de óperas de Mercadante y Auber basadas en el libreto de Eugene Scribe.

18 de septiembre, a las 20.00 horas | Retransmisión en la Plaza de Oriente y Plaza de Ópera

Retransmisión en directo de Un ballo in maschera en las pantallas situadas en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II.

8 de octubre, 19:00 h. | Universidad Nebrija

Conferencia en streaming: primera de cuatro las conferencias del ciclo Hilvanes de ópera, que a lo largo de toda la temporada del Teatro Real quiere ahondar en el fascinante mundo de la moda a través de la ópera.

Actividad gratuita previa inscripción en actos.nebrija.es

11 de octubre, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala Principal

Los domingos de cámara I: los Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real ofrecerán un concierto con afinidades con la ópera Un ballo in maschera.

18 de octubre, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Todos a la Gayarre: talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Un baile con suspense. Nos colamos con un paje en un baile de disfraces.

Sábados y domingos de octubre a diciembre | Museo de Artes Decorativas

Recorridos en familia: bajo el título Un baile de máscaras, Mitos clásicos el museo ofrece itinerarios autoguiados para descubrir en familia la multitud de héroes de la mitología clásica que se esconden en sus salas. Héroes que en muchas ocasiones la máscara del tiempo ha convertido en figuras anónimas y de los que ahora podremos conocer su nombre y su historia. Actividad gratuita previa inscripción en difusion.mnad@cultura.gob.es

Fotografía: Javier del Real

Riccardo Frizza

El maestro italiano regresa a la ciudad de los canales para ponerse al mando de la Orquesta y Coro de La Fenice con un concierto que celebra los 1.600 años de Venecia y con la ópera Roberto Devereux, inicio de una temporada en la que también destacan compromisos en Bérgamo, Barcelona, Montecarlo, Florencia, París y Nápoles.

Después de dirigir el pasado mes de julio en la Arena de Verona un concierto y de ofrecer en agosto clases magistrales en Florencia, el director italiano Riccardo Frizza vuelve a los escenarios este mes de septiembre con dos compromisos en Venecia, una ciudad en la que se ha prodigado con asiduidad durante su trayectoria artística.

El 8 de septiembre dirigirá a los cuerpos estables de La Fenice en la icónica Plaza San Marcos y en un concierto que celebra los 1.600 años de la fundación de la ciudad de los canales. Compartiendo el podio con Daniele Callegari, el evento ofrecerá un repaso a algunas de las páginas operísticas más emblemáticas de autores tan populares como Verdi, Rossini o Puccini, en las que también participarán la soprano Claudia Pabone y el tenor Piero Pretti. “Con este concierto se quiere ofrecer a los venecianos alegría e ilusión después del duro período vivido por la pandemia; además, la orquesta y el coro de La Fenice volverá a tocar en la Plaza San Marcos después de muchos años, por lo que estamos todos especialmente emocionados”, afirma Frizza.

Siempre en Venecia pero en la emblemática sala del Teatro La Fenice, el director italiano dirigirá los días 15, 17 y 19 de septiembre Roberto Devereux, de Donizetti, uno de los títulos de la Trilogía Tudor que reúne algunos de los pasajes más bellos y elaborados de la producción del compositor bergamasco, así como un libreto que ofrece un brillante análisis psicológico de su protagonista, la reina Isabel I de Inglaterra. Serán tres funciones en formato semiescenificado y con dirección de escena de Alfonso Antoniozzi. En los roles principales destacan la Elisabetta de la soprano Roberta Mantegna, la Sara de la mezzo Lilly Jørstad, el Devereux del tenor Enea Scala y el Duque de Nottingham que será interpretado por Alessandro Luongo.

Próximos compromisos llevarán a Riccardo Frizza a escenarios como los del Festival Donizetti de Bergamo, del que es su director musical y en el que en la edición 2020 dirigirá Belisario y Marino Faliero; al Gran Teatre del Liceu de Barcelona donde dirigirá un concierto Donizetti con Sondra Radvsnovsky y Otello; a la Opéra de Monte-Carlo con un concierto de bel canto junto a Olga Peretyatko y Karine Deshayes; al Maggio Musicale de Florencia con Rigoletto; al Théatre des Champs-Élysées con La Sonnambula y al Teatro San Carlo de Nápoles con L’elisir d’amore.

Fotografía: Joan Tomás

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Fabio Parenzan

La famosa mezzosoprano italiana Daniela Barcellona regresa al escenario del Real para su debut como la maga Ulrica de la ópera de Verdi “Un ballo in maschera”, ópera que el próximo 18 de septiembre inaugura la nueva temporada lírica del coliseo madrileño. La cantante nacida en Trieste y aclamada como una de las grandes figuras de la lírica internacional en los teatros de ópera más importantes del mundo, vuelve al Teatro Real, con la que será su primera actuación operística tras su reciente éxito como solista de la Novena de Beethoven en el concierto de reapertura del mítico Teatro San Carlo, celebrado en la Piazza del Plebiscito.

Considerada como la mezzosoprano rossiniana de referencia de las últimas décadas, y una de las voces más importantes del circuito operístico internacional, tanto por su calidad vocal como por sus dotes escénicas, que la convirtieron en la primera cantante italiana galardonada con el prestigioso premio “Olivier Award”; Daniela Barcellona, que ha cantado bajo la batuta de maestros como Claudio Abbado, Colin Davis, Lorin Maazel, James Levin, Georges Prêtre, Kent Nagano, Valery Gergiev, Daniel Barenboim o Riccardo Muti, ha decidido seguir la evolución natural de su voz y en los últimos años ha incorporado nuevos roles a su repertorio. A su amplio catálogo de personajes ha añadido otros nuevos, como Baba la Turca en The rake’s progress de Stravinsky, su aplaudida Didon de Les Troyens de Berlioz, Santuzza (Cavalleria rusticana), Laura Adorno (La Gioconda) y los verdianos, Princesa de Éboli (Don Carlo), Ámneris (Aida) – tras su memorable interpretación en la Arena di Verona, la crítica italiana la saludó como “Grandissima Daniela Barcellona! Abbiamo finalmente trovato l’Amneris areniana che aspettavamo da anni!”- o la Mrs Quickly de Falstaff, rol que ha cantado en Chicago con Riccardo Muti, en la Opéra National de París, La Scala de Milán, Dutch National Opera de Holanda, la Staatsoper de Berlín con Daniel Barenboim y Zubin Mehta, o la primavera pasada en el Teatro Real de Madrid, en la nueva producción de Laurent Pelly.

Sus compromisos más inmediatos incluyen, de nuevo, Falstaff en Bruselas, su debut como Azucena (Il trovatore) en la Opéra National de París, y el Requiem de Verdi junto a la Staatskapelle Berlin y Zubin Mehta en la Staatsoper Unter den Linden y la Philharmonie de Berlín.

Fotografía: Fabio Parenzan

https://www.danielabarcellona.com/

Palau Les Arts de Valencia

El Palau de les Arts inaugurará la temporada 2020-2021 con una versión de ‘Così fan tutte’, de Mozart, adaptada a los requisitos de la actual realidad sanitaria.

Esta ópera sustituirá en el calendario a las representaciones de la impactante recreación escénica de Romeo Castellucci del ‘Réquiem’ de Mozart que se había anunciado como título inaugural.

Ante la evolución de la situación de la COVID-19 en las últimas semanas, Les Arts considera apropiado posponer, por su complejidad escénica, el aplaudido montaje del dramaturgo y artista plástico italiano.

La coproducción de Les Arts con Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theatre Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie se estrenará dentro de la temporada 2021-2022.

Con el fin de garantizar la seguridad de artistas y público, se ofrecerá una versión de ‘Così fan tutte’ con una duración aproximada de 2 horas y 15 minutos sin descanso.

El violinista y director Stefano Montanari, batuta de acreditado prestigio en los repertorios barroco y clásico, dirigirá esta ópera, con la que se cierra la llamada trilogía Mozart-Da Ponte.

Les Arts continúa así con su apuesta por el repertorio de Wolfgang Amadeus Mozart, que ya inauguró la pasada temporada con ‘Le nozze di Figaro’, el primero de los títulos de la trilogía, que surge como fruto de la colaboración del compositor de Salzburgo con el exitoso libretista de Treviso Lorenzo Da Ponte.

Silvia Costa, estrecha colaboradora de Romeo Castellucci, firma la concepción de esta propuesta semiescenificada, que se realizará ‘ad hoc’ para sus representaciones en Les Arts, y que cuenta con iluminación de Marco Giusti.

Destacados intérpretes mozartianos conforman el reparto. Anett Fritsch, Anicio Zorzi Giustiniani, Davide Luciano, Nahuel Di Pierro, entre otros, protagonizan los enredos del celebrado ‘dramma giocoso’, que supondrá también el debut operístico en Les Arts de la valenciana Marina Monzó con el papel de Despina.

En los próximos días, Les Arts contactará con sus abonados para informarles de las diferentes opciones ante este cambio en la programación.

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Celso Albelo

El tenor Celso Albelo presentará el 5 de septiembre en el Teatro Leal de La Laguna (Tenerife) APDP… en busca de la PAZ, un disco con temas populares canarios, de autores sudamericanos y de su propia autoría que se grabó íntegramente durante el confinamiento. El cantante español ha realizado esta aventura con varios amigos y compañeros de viaje, como son los también tenores Javier Camarena y Pancho Corujo, la soprano Blanca Valido y el cantante y productor Sergio Núñez. Salvo el intérprete mexicano, todos los demás acompañarán al tenor tinerfeño en el concierto del día 5.

APDP… en busca de la PAZ se compone de canciones populares que forman parte de la banda sonora de la vida de Albelo, e incluye temas canarios y de autores cubanos, argentinos y mexicanos, sin olvidar un bolero del puertorriqueño Pedro Flores interpretado a dúo con Camarena. Editado por Atlántida Music, la idea es ponerlo a la venta en formato vinilo, con cinco temas por cara. “En estos tiempos de velocidades de vértigo, ahora truncadas por la pandemia, la idea de editarlo en vinilo nos invita a gozar del ritual de escuchar música con la calma que ese acto merece”, afirma el tenor canario.

Además de una muestra del arte operístico del cantante, la famosa aria “Una furtiva lagrima” de la ópera de Donizetti L’elisir d’amore, muy ligada a la trayectoria internacional del cantante, en el disco también hay espacio

para una canción escrita por Albelo, Linaje del Pago –compuesta en colaboración con Sergio Núñez y el tenor Juan Manuel Padrón–, la cual está dedicada a las bodegas del mismo nombre ubicadas en El Sauzal (Tenerife), en las que el tenor es director artístico del evento músico-culinario anual La Voz de Tinto.

Según indica el cantante, la idea y la producción del disco se llevó a cabo durante la pandemia y se realizó exclusivamente por teléfono, incluyendo la grabación y el trabajo de edición. Celso Albelo agradece a sus colaboradores y además a bodegas Linaje del Pago y a BMW Canaauto, empresas que han patrocinado APDP… en busca de la PAZ.

El nuevo álbum también se presentará en conciertos en diversas ciudades, en una gira por las Islas Canarias y en otros escenarios nacionales e internacionales.

Entre otros compromisos, en la temporada 2020/2021 Celso Albelo regresará al Teatro de La Zarzuela de Madrid con un recital, será Alfredo de La Traviata en Las Palmas de Gran Canaria, debutará en el Festival Donizetti de Bérgamo con Belisario junto a los españoles Plácido Domingo y Davinia Rodríguez dirigidos por el director musical del certamen, Riccardo Frizza, regresará a la Ópera de Oviedo ahora como Nadir de Les Pêcheurs de Perles de Bizet –que grabó en el Teatro Verdi de Salerno para Brillian Classics–, debutará el rol de Hoffmann de Les contes d’Hoffmann en la Opéra Royal de Wallonie-Liège y debutará en la Arena de Verona interpretando a Alfredo de La Traviata.

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La Traviata, “ritorno alla vita”
La Traviata
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Ópera en tres actos
Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la novela y la obra de teatro La Dame aux camélias de Alexandre Dumas hijo
Estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853 y el el Teatro Real el 1 de febrero de 1855. Ópera en versión de concierto semiescenificada
D. musical: Nicola Luisotti
Concepto escénico: Leo Castaldi
Iluminación: Carlos Torrijos
D. Coro: Andrés Máspero
Reparto: Marina Rebeka, Michael Fabiano, Artur Rucinski, Sandra Fernández, Marifé Nogales, Albert Casals, Isaac Galán, Tomeu Bibiloni, Stefano Palatchi, Emmanuel Faraldo, Elier Muñoz y Carlos García
Habían pasado cuatro meses desde que todo se suspendió. Al principio parecía que sería por poco tiempo, pero a medida que pasaban las semanas y los acontecimientos, la incertidumbre pasó a ocuparlo todo.
En este período ha habido tiempo para pensar en muchas cosas. También en que solo un milagro me devolvería a esta butaca. Pero los milagros existen, y los hacemos nosotros. En este caso, el Teatro Real. Y ha obrado un milagro que cubre varios aspectos. El primero, tener la valentía y determinación de volver a la actividad operística de la forma más segura, y el segundo, y no por ello menos importante, tener la capacidad de demostrar que, por difíciles que sean las circunstancias, se puede hacer una buena gestión, incluso, muy buena.La apuesta es arriesgada, mantener este frágil equilibrio cuando todo el mundo operístico está mirando, no es fácil. Durante un mes completo, en el que se han multiplicado las representaciones para compensar la limitación del aforo, se presenta esta adaptación escénica que ha realizado Leo Castaldi, como quien dice, con cuatro cositas que ha encontrado por el teatro, para crear una escenografía que no puede ser más eficaz. En ella aparecen los elementos imprescindibles, no falta ni sobra nada. Un escenario parcelado delimita los dos metros cuadrados de los que dispone cada cantante para moverse. Un espacio reducido, pero en el que caben todas las emociones de los protagonistas. El coro, que ocupa la mitad posterior de la caja escénica, permanece disciplinadamente recluido, cada uno de ellos, en su terreno, lo que no le resta un ápice de su sonoridad y profesionalidad. Todo ello iluminado con gran acierto por Carlos Torrijos.No era fácil sumergirse en la historia en un ambiente tan diferente al que estamos acostumbrados. Demasiados elementos nos distraen en la sala, en el escenario, la distancia, la mascarilla… Pero entonces, apareció él, como un héroe sin capa para rescatarnos del silencio, Nicola Luisotti. Uno de los hombres que más debe estar trabajando en las últimas semanas y que se mostraba exultantemente feliz ante este reto, tal vez por haber vivido las circunstancias dramáticas que nos han tocado con la intensidad que solo tiene un apasionado como él. Fue el primero en suspender el estreno de Il Trovatore en la Scala de Milán y ahora es el primero en levantar el telón en lo que llama “ritorno alla vita”.Fue entonces cuando empezó a sonar uno de los fragmentos de ópera más elaboradamente románticos y evocadores que se han escrito, la obertura del primer acto de La Traviata. La Orquesta, que ocupa todo el espacio del foso, aparece también con sus mascarillas, a excepción del viento, que está separado por mampara, como el propio Luisotti. El maestro italiano fue el vínculo perfecto entre lo que sucedía en el alejado escenario y el amplio foso, generando confianza y equilibrio en esta novedosa y extraña forma de interpretación. Después de una obertura profunda, sobria y sentida, por quien es gran conocedor de este repertorio, supo transmitir al escenario la teatralidad que le faltaba. Su dirección estuvo por encima de algunos sonidos más apagados provocados por las distancias físicas y técnicas. La orquesta sonó empastada y con la delicadeza que a veces algunos abandonan cuando se trata de Verdi.La distancia a la que se mantenían los cantantes no resulto perturbadora. Siempre atentos al maestro que les acompañaba, más que dirigía. A pesar de no acercarse ni tocarse, Violetta y Alfredo fueron capaces de demostrar su pasión.La letona Marina Rebeka es la primera de las cinco sopranos que abordan el personaje de Violetta Valéry. Posee una extensa y voluminosa voz de soprano lírica, un preciosos timbre y gran sonoridad que se apreció muy bien en las partes más dramáticas y en unos bien delineados pianos. Demasiado contenida quizá, lo que afectaba a la parte más teatral del personaje, algo muy importante en este rol del que Rebeka es gran conocedora y amante. Si dejara que el personaje se apoderara de ella, unido a su excepcional técnica, sería la mejor de las Violetas.El Alfredo de Michael Fabiano fue de menos a más. Tuvo momentos de gran inspiración, aunque se le notó un poco inseguro al inicio, algo que puede ser normal dadas las circunstancias, y que desapareció a partir del segundo y tercer acto, en el que brilló con un Alfredo inspirado e intenso.El más aplaudido de la noche fue el Artur Rucinski y su Giorgio Germont. Una buena dicción y un fraseo elegante y muy cuidado para su estirado Germont. Muy bien en el Di Provenza.

El resto de comprimarios estuvieron a gran altura. Estupenda la participación Marifé Nogales en su rol de Annina. Perfecta también Sandra Fernández, con una frívola Flora Bervoix, ambas intervienen en todas las funciones. Al igual que Albert Casals, como Gastone, Isaac Galán, como el Barón Douphol, Tomeu Bibiloni, como Marqués de Obigny, Stefano Palatchi, como el Doctor Grenvil y Emmanuel Faraldo, como Giuseppe y el criado de Violetta.

Un éxito sin duda del Teatro Real demostrando una gran valentía y capacidad. Todo ello servido con una seguridad que se palpa. Si se produce un brote importante, yo me voy al Teatro Real. Y es que la normalidad no viene sola, hay que conquistarla.
Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

El Escorial

El Teatro Auditorio abrirá con un aforo del 50% y bajo estrictas medidas de seguridad e higiene para garantizar la seguridad de público y trabajadores.

La inauguración del festival correrá a cargo del virtuoso pianista ruso Arcadi Volodos, que tocará obras de Liszt y Schumann​​.

La soprano Ainhoa Arteta y la mezzosoprano Joyce DiDonato, dos de los platos fuertes del festival, deleitarán al público con sus famosas voces acompañadas al piano por Javier Carmena y Carri Ann Matheson, respectivamente.

El toque de humor lo podrán Goyo Jiménez -acompañado al piano por Julio Awad-, el tenor Zapata y Maestrissimo, espectáculo cómico-musical de Yllana.

Forma Antiqva, Sergio Bernal Dance Company y Joaquín de Luz, Capella de Ministres, Noelia Rodiles, Antonio Galera o la Orquesta Sinfónica de RTVE serán otros de los protagonistas de una edición con doce espectáculos para todos los gustos.

El Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid vuelve a abrir al público el próximo 23 de julio con la nueedición del Festival de Verano, un clásico en las noches estivales de la sierra madrileña y uno de los principales festivales de la temporada veraniega en nuestro país. Desde ese día y hasta el 6 de agosto el Festival presenta doce espectáculos de música, danza, teatro y humor que tendrán como protagonistas a Ainhoa Arteta, Joyce DiDonato, Goyo Jiménez, Yllana, Arcadi Volodos o Zapata, entre otros muchos. La reapertura del Teatro Auditorio para el Festival de Verano se hará bajo estrictas medidas de seguridad e higiene a través de un protocolo que garantiza la seguridad de público y trabajadores. Se abrirá con un aforo del 50%.

El Festival se inaugura el 23 de julio con el recital de piano de Arcadi Volodos, que interpretará obras de Liszt(Ballade nº2, Légende nº1St François d’Assise: La prédication aux oiseaux’) y Schumann (Bunte Blätter, Humoreske). El conocido pianista ruso se ha convertido en una referencia mundial en la música clásica, considerado un genio por su habilidad única para combinar un virtuosismo excepcional con una musicalidad profunda y expresiva. Desde su debut en Nueva York en 1996, Volodos ha actuado en todo el mundo, tanto en recitales como con las orquestas y directores más eminentes del panorama internacional.

El día 24 de julio será el turno de la Orquesta Sinfónica de RTVE, que deleitará al público con dos sinfonías de Ludwig van Beethoven. La reputada formación musical interpretará la sinfonía nº 1, la primera de las nueve que compuso Beethoven; y la sinfonía nº 5, una de las composiciones más populares de la historia de la música clásica, cuyo allegro inicial está presente en el imaginario colectivo universal. La formación tocará bajo la batuta de Manuel Coves, director andaluz con una dilatada trayectoria en la que ha dirigido numerosas orquestas españolas y europeas. El concierto se enmarca en el Año Beethoven, ya que en 2020 se celebra el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán en Bonn (1770).

Ainhoa Arteta, una de las grandes voces de nuestro país, volverá al Teatro Auditorio el 25 de julio con el recital Orígenes. Música española. Acompañada del magistral pianista Javier Carmena, la soprano recorrerá las grandes piezas musicales del repertorio clásico español, para volver a las raíces de nuestra cultura musical gracias a las obras de compositores como Joaquín Turina, Enrique Granados o Jesús Guridi. En esta nueva propuesta, la cantante presenta un programa que va más allá del concepto de recital como sucesión de obras y que descubre parte de su recorrido vital y profesional. Ainhoa es marca España y así quiere plasmarlo en esta velada, mostrando un profundo respeto por las regiones y sus gentes, por las raíces y, en definitiva, por las tradiciones y costumbres.

Mujeres extraordinarias, danza clásica y española, música barroca y humor

En esta edición los espectadores viajarán a otras épocas a través de la vida de dos mujeres extraordinarias. El 26 de julio Capella de Ministres presenta su particular homenaje musical a Lucretia Borgia, hija de Alejandro VI, tres veces casada, con un marido asesinado y un hijo ilegítimo. Y todo en sólo 39 años y en pleno Renacimiento. El conjunto valenciano, dirigido por Carles Magraner, se ha basado en la música coetánea a Lucretia para mostrar su humanidad, liberarla del cliché de mujer disoluta y situar su contexto histórico-social, que trasladará al público al fascinante día a día de las cortes renacentistas italianas.

El 31 de julio Forma Antiqva estrena La Caramba, un nuevo espectáculo lírico escenificado en el que recupera la música de María Antonia Vallejo Fernández. Esta producción de teatro musical español -que cuenta con la voz de la soprano María Hinojosa y la propuesta escénica de Pablo Viar- homenajea a la famosa tonadillera del s.XVIII volviendo a las fuentes que fundamentaron su leyenda, tema de numerosas canciones, libros, zarzuelas y películas de los siglos XIX y XX. La Caramba fue objeto de fascinación por su belleza, su enorme poder de seducción, sus pícaras ocurrencias, su gracia en el arte de cantar y, finalmente, por su insólita conversión religiosa y retiro en el punto álgido de su carrera.

Antonio Galera y Noelia Rodiles ofrecerán dos recitales de piano los días 27 y 28 de julio. En la actuación del día 27 Antonio Galera interpretará obras de Beethoven, Liszt, Debussy y Ginastera, en una velada íntima para dejarse llevar por la melodía de sonatas, suites y danzas argentinas. El día 28 Noelia Rodiles tocará tres sonatas, dos de Beethoven y una del compositor madrileño Jesús Rueda (1961).

El toque de humor llegará con los espectáculos de Goyo Jiménez, Yllana y Zapata. El 1 de agosto el televisivo humorista Goyo Jiménez presentará sus Grandes éxitos acompañado al piano por Julio Awad. Con este espectáculo, el Festival de Verano se ha tomado la licencia de incluir una propuesta fuera de su habitual programación musical que seguro que divertirá a todo tipo de público. Las risas también están aseguradas en Maestrissimo (Pagagnini 2), el show cómico-musical que Yllana interpreta el 4 de agosto. Un espectáculo familiar que reinventa la relación entre el humor y la música clásica y en el que se muestran, al más puro estilo Yllana, las aventuras y desventuras de un cuarteto de cuerdas en un período indeterminado entre los siglos XVII y XVIII (Barroco y Neoclasicismo). El 5 de agosto José Manuel Zapata estrena Del revés, un monólogo lírico en el que el tenor abre su corazón al público. Esta obra unipersonal y valiente comienza como ‘un concierto más’, pero pronto se transforma en un viaje por la vida y música del artista, repleto de humor, sorpresas y todo tipo de anécdotas.

Además, en esta edición habrá espacio para la danza con Volver, del ballet clásico a lo último de la danza española, el montaje que Sergio Bernal Dance Company presenta el 3 de agosto. Pasión, técnica y gran talento conforman este espectáculo, que aúna ritmos flamencos y de bolero con coreografías del ballet clásico y la danza española. Sobre el escenario estarán Sergio Bernal, primer bailarín del Ballet Nacional de España hasta 2019; Joaquín de Luz y la bailaora Lucía Campillo.

El Festival de Verano se clausurará por todo lo alto el 6 de agosto con la actuación de Joyce DiDonato. La popular mezzosoprano estadounidense ofrecerá un recital lleno de color en el que deslumbrará al público con su colatura de voz y su expresividad hipnótica, acompañada al piano por Carri Ann Matheson. DiDonato es una de las mezzos más solicitadas de la actualidad, proclamada por The New Yorker como, posiblemente, “la cantante femenina más potente de su generación”. Con una voz de “nada menos que oro de 24 quilates” (The Times), DiDonato ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que se incluyen tres Grammy.

My Opera Player

My Opera Player, la plataforma de vídeo del Teatro Real, consolida su presencia internacional gracias a un nuevo catálogo que incluye, además de producciones propias, títulos de importantes coliseos líricos como la Ópera de París, la Royal Opera House, el Teatro Bolshoi, el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires o el Teatro Municipal de Santiago de Chile, por citar sólo algunos.

Durante el periodo de confinamiento, en el que el Teatro Real dio acceso gratuito en España a la videoteca completa de la plataforma, sin dejar de ampliar contenidos, más de 52.000 personas se sumaron a la iniciativa con cerca de 4 millones de visitas. My Opera Player se convertía así en un teatro de teatros al que pueden acudir melómanos de todo el mundo.

En un paso más hacia el futuro, el Teatro Real, de la mano de Samsung, Telefónica y Endesa, ha puesto en marcha la aplicación My Opera Player para smartphones y tablets con sistemas Android, que próximamente estará disponible en otros entornos, dando la oportunidad de disfrutar del contenido exclusivo que incluye la aplicación en cualquier momento y desde cualquier lugar a través de sus dispositivos móviles.

MyOperaPlayer, que ya estaba operativa en Samsung Smart TV desde el pasado mes de noviembre, cuenta con Telefónica, como socio tecnológico del Teatro Real, y con el patrocinio de Endesa, que apoyó esta iniciativa como patrocinador único cuando la plataforma se llamaba Palco Digital.

La videoteca de MyOperaPlayer, disponible bajo demanda, para una sola conexión o en diversas modalidades de suscripción, ofrece una amplia selección de títulos que incluyen ópera, danza, conciertos, espectáculos infantiles y juveniles, contenidos extras sobre las producciones, grabaciones en 4K y emisiones en directo.

Teatro de la Zarzuela

De espectáculos comprendidos entre el 27 de septiembre y el 30 de diciembre

En este periodo no se podrán renovar los abonos, ya que el aforo se verá reducido al 75%

La venta de entradas para la Temporada 2020/2021 del Teatro de la Zarzuela comenzará a las 12h00 de mañana martes, 21 de julio, a través de los canales habituales de venta: Internet (entradasinaem.es), taquilla y venta telefónica (902 224 949).

Por la prudencia que se ha de tener ante los posibles cambios que la crisis sanitaria pueda ocasionar, en principio solo saldrán a la venta los espectáculos comprendidos entre el 27 de septiembre y el 30 de diciembre.

En este primer periodo de venta no será posible la renovación de abonos, debido a que el aforo se verá reducido al 75% en cumplimiento de la normativa de la Comunidad de Madrid.

La prioridad del Teatro es garantizar la seguridad del público y de los artistas. Por ello, además de la reducción del aforo será obligatorio el uso de mascarilla dentro del edificio y durante las representaciones.

LaTraviata

Mañana,15 de julio, a las 20.00 h*, vive en directo una Traviata histórica desde el Teatro Real de Madrid.

Disfruta en My Opera Player de La traviata de Verdi en una cuidada versión semiescenificada por Leo Castaldi y con Marina Rebeka y Michael Fabiano en los roles principales.

Con esta emocionante propuesta, adaptada al nuevo contexto actual, el Teatro Real se convierte en uno de los primeros coliseos del mundo en levantar de nuevo el telón.

Una vez emitida, se incorporará al catálogo de My Opera Player para que puedas volver a verla cuando y donde quieras dentro de tu suscripción.

¡Nos vemos en My Opera Player!

Les ArtsPresentación

La temporada 2019-2020, que tan particularmente cerramos en estos días, da paso al ilusionante periodo que se inicia con la presentación de la temporada 2020-2021: una realidad que se mostrará viva ya desde las semanas centrales del próximo mes de septiembre.

LES ARTS ÉS ÒPERA

REQUIEM
Wolfgang Amadeus Mozart
Dirección musical Stefano Montanari Dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación Romeo Castellucci Directora de escena asociada Silvia Costa Coreografía Evelin Facchini
Dramaturgia Piersandra di Matteo

Soprano: Anett Fritsch , Mezzosoprano: Sara Mingardo, Tenor: Anicio Zorzi Giustiniani, Bajo: Nahuel Di Pierro, Niño soprano: Francisco José Rita
Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales y Orquestra de la Comunitat Valenciana

FIN DE PARTIE
György Kurtág
Dirección musical Markus Stenz
Dirección de escena Pierre Audi Escenografía y vestuario Christof Hetzer Iluminación Urs Schönebaum
Dramaturgia Klaus Bertisch

Hamm: Frode Olsen, Clov: Leigh Melrose, Nell: Hilary Summers, Nagg: Leonardo Cortellazzi
Orquestra de la Comunitat Valenciana

IL TUTORE BURLATO
Vicente Martín i Soler
Dirección musical Cristóbal Soler Dirección de escena
y escenografía Jaume Policarpo Vestuario José María Adame Iluminación Antonio Castro

Il Cavaliere: Joel Williams, Anselmo: Gonzalo Manglano, Violante: Aida Gimeno, Don Fabrizio: Oleh Lebedyev, Menica: Vittoriana De Amicis, Pippo: Omar Lara
Orquestra de la Comunitat Valenciana

MITRIDATE, re di Ponto

Wolfgang Amadeus Mozart

Dirección musical: Marc Minkowski

Mitridate: Pene Pati, Aspasia: Julie Fuchs, Sifare: Elsa Dreisig, Farnace: Jakub Józef Orliński, Ismene: Sarah Aristidou, Marzio: Jonathan Winell, Arbate: Adriana Bignagni Lesca
Les Musiciens du Louvre

LA CENERENTOLA
Gioachino Rossini
Dirección musical: Maurizio Benini
Dirección de escena y vestuario: Laurent Pelly Escenografía Chantal Thomas
Diseñador de vestuario asociado: Jean-Jacques Delmotte
Iluminación: Duane Schuler

Don Ramiro: René Barbera, Clorinda: Larisa Stefan, Angelina: Anna Goryachova, Alidoro: Riccardo Fassi, Dandini: Carles Pachón, Don Magnifico: Carlos Chausson, Tisbe: Evgeniya Khomutova
Cor de la Generalitat Valenciana
Director: Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

FALSTAFF
Giuseppe Verdi
Dirección musical: James Gaffigan, Dirección de escena: Mario Martone, Escenografía: Margherita Palli, Vestuario: Ursula Patzak, Iluminación: Pasquale Mari, Coreografía: Raffaella Giordano

Sir John Falstaff: Ambrogio Maestri, Ford: Mattia Olivieri, Fenton: Juan Francisco Gatell, Dr. Cajus: Jorge Rodríguez Norton, Bardolfo: Joel Williams, Pistola: Valeriano Lanchas, Mrs. Alice Ford: Ainhoa Arteta, Nannetta: Sara Blanch, Mrs. Quickly: Violeta Urmana, Mrs. Meg Page: Amber Fasquelle

Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

L’ISOLA DISABITATA Manuel García

Dirección de escena: Emilio Sagi, Escenografía: Daniel Bianco, Vestuario: Pepa Ojanguren, Iluminación: Albert Faura

Costanza: Larisa Stefan, Silvia: Evgeniya Khomutova, Gernando: Joel Williams, Enrico y Piano: N.N.

TRISTAN UND ISOLDE
Richard Wagner
Dirección musical: Mikko Franck, Dirección de escena: Àlex Ollé (La Fura dels Baus), Escenografía: Alfons Flores, Vestuario: Josep Abril,
Iluminación: Urs Schönebaum, Video: Franc Aleu

Tristan: Stephen Gould, König Marke: René Pape, Isolde: Elena Pankratova, Kurwenal: James Rutherford, Melot: Neal Cooper, Brangäne:
Elena Zhidkova, Cor de la Generalitat Valenciana, Director: Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

CAVALLERIA RUSTICANA
Pietro Mascagni
PAGLIACCI
Ruggero Leoncavallo
Dirección musical Jordi Bernàcer Dirección de escena Giancarlo del Monaco Escenografía Johannes Leiacker Vestuario Birgit Wentsch
Iluminación Wolfgang von Zoubeck

CAVALLERIA RUSTICANA
Santuzza: Sonia Ganassi, Turiddu: Jorge de León, Lola: N.N., Mamma Lucia: María Luisa Corbacho, Alfio: Misha Kiria

PAGLIACCI

Nedda: Ruth Iniesta, Canio: Jorge de León, Tonio: Misha Kiria, Peppe: Joel Williams, Silvio: Davide Luciano

Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

LES ARTS ÉS SARSUELA:

EL BARBERILLO DE LAVAPIÉS

LES ARTS ÉS DANS:

UNA ODA AL TIEMPO -María Pagés Compañía- SONOMA -La Veronal-
GISELLE -Compañía Nacional de Danza-

LES ARTS ÉS LIED:

LISE DAVIDSEN, AINHOA ARTETA, ANITA RACHVELISHVILI, CHRISTIAN GERHAHER, SONYA YONCHEVA, RENÉ PAPE

LES ARTS ÉS GRANS VEU:

JOYCE DIDONATO

LES ARTS ÉS SIMFÒNIC:

PABLO HERAS-CASADO, GUSTAVO GIMENO, DANIELE GATTI, JUANJO MENA, ANTONELLO MANACORDA, FABIO LUISI

LES ARTS ÉS FLAMENCO:

JOSÉ MERCÉ, DUQUENDE LA MACANITA, ARGENTINA, NIÑO DE ELCHE

LES ARTS ÉS ALTRES MÚSIQUES:

MARIZA, UTE LEMPER, PAT METHENY

Riccardo Frizza

El director italiano Riccardo Frizza regresa este mes de julio al podio del festival de la Arena de Verona para dirigir en el espectáculo Il Cuore italiano della musica, una gala lírica en la que participarán algunas de las mejores voces de la lírica internacional vinculadas al popular certamen veronés. La gala, que se ofrece en memoria de las víctimas de la pandemia y como homenaje a los profesionales sanitarios italianos, contará con la participación de cantantes de ese país como Francesco Meli, Fabio Sartori, Roberto Aronica, Fabio Armiliato, Annalisa Stroppa, Barbara Frittoli, Eleonora Buratto, Luca Salsi, Leo Nucci, Daniela Barcellona o Ferruccio Furlanetto, a quienes se unen otros tantos como María José Siri o Saimir Pirgu. El maestro Frizza compartirá el podio junto a las batutas de Marco Armiliato, Andrea Battistoni y Francesco Ivan Ciampa.

Este es el segundo homenaje a las víctimas de la Covid-19 en la que participa Riccardo Frizza. El domingo 28 de junio se puso al mando de la Messa da Requiem de Donizetti gracias a una iniciativa del Festival Donizetti Opera de Bérgamo del que es responsable musical, evento realizado a las puertas del Cementerio Monumental de la ciudad lombarda que fue retransmitido por la RAI y que contó con la presencia de las máximas autoridades italianas encabezadas por el presidente de la República, Sergio Mattarella.

Aunque el maestro Frizza tenía que haber inaugurado en septiembre la temporada de la Opéra National de París con L’elisir d’amore, compromiso que se ha cancelado a raíz de la crisis sanitaria, próximamente le esperan compromisos en Bérgamo (Belisario, Marino Faliero), Barcelona (concierto Donizetti junto a Sondra Radvanovsky, Otello de Verdi), Montecarlo (gala bel canto) y París (La Sonnambula), entre otros.

Info:

Web Riccardo Frizza: www.riccardofrizza.com

Teatro Real

AENOR ha certificado al Teatro Real por sus protocolos frente al COVID-19, convirtiéndose así en la primera institución musical española en lucir este distintivo.

El certificado de AENOR es un aval externo sobre la efectividad de las medidas que aplica el Teatro y, de forma paralela, respalda que estas iniciativas cumplen con las directrices marcadas por el Ministerio de Sanidad en materia de prevención e higiene sobre el COVID-19. El sello tiene una validez anual, aunque debe someterse a revisiones de seguimiento cada tres meses.

El Teatro Real ha puesto en marcha un completo plan de medidas preventivas de seguridad y salud para trabajadores, cantantes, músicos y público. Entre ellas, el control de temperatura en el acceso a las funciones, alfombras viricidas, mamparas de seguridad entre los músicos, colocación de estaciones de limpieza en diferentes puntos de los centros con gel hidroalcohólico y spray con productos homologados para la desinfección, papel y papeleras. Todo el protocolo completo de medidas se puede ver en este vídeo.

La evaluación que realiza AENOR valora un amplio abanico de aspectos como la gestión de riesgos, la gestión de la salud en el trabajo (los protocolos de actuación, la realización de serologías a todos los trabajadores), la formación, información y comunicaciones desarrolladas; las medidas organizativas (control de aforo, distancia de seguridad garantizada en la zona de público y escenario); de protección (uso de material de protección individual), así como las buenas prácticas de limpieza e higiene.

Sobre AENOR

AENOR es una entidad de servicios profesionales que identifica y ayuda a corregir las brechas de competitividad de las empresas, sectores y del tejido económico en general. Contribuye a la transformación de la sociedad creando confianza entre las organizaciones y las personas mediante servicios de evaluación de la conformidad (certificación, inspección y ensayos), formación e información.

AENOR es la entidad líder en certificación en España. Más de 82.000 centros de trabajo en el mundo tienen alguno de los certificados de AENOR en campos como la Gestión de la Calidad, Sostenibilidad, Verificación de Información no financiera, Bienestar Animal, Seguridad y Salud en el Trabajo, Digitalización o Compliance.

Entre las ventajas competitivas diferenciales de AENOR se encuentran el reconocimiento de marca más elevado entre las empresas (B2B) y los consumidores (B2C); contar con personal propio, lo que le permite gestionar el conocimiento acumulado en beneficio de sus clientes; innovar en la resolución de nuevas brechas de competitividad gracias a su proximidad con las fuentes de conocimiento; y su capilaridad geográfica y sectorial.

AENOR es una entidad global, que ya desarrolla operaciones en 90 países. En España dispone de 20 sedes en todas las Comunidades Autónomas con auditores propios.

Fotogtafía: Javier del Real

Thomas-Hengelbrock

La Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) cierra el ciclo ‘Torna a Les Arts’ con un monográfico de Beethoven bajo la dirección de Thomas Hengelbrock el próximo 15 de julio a las 20.00 horas en la Sala Principal.

La formación titular de Les Arts se suma así a las celebraciones del Año Beethoven con un programa que incluye sus obras ‘Obertura de Fidelio, op. 72’ y las sinfonías número 6 y 8 en el primer concierto en formato sinfónico que ofrece desde la instauración de la nueva normalidad.

La cita supone también el debut con la OCV del alemán Thomas Hengelbrock, considerado como uno de los directores de orquesta más versátiles y fascinantes de su generación. Particularmente reconocido por sus trabajos historicistas en el Barroco, su repertorio abarca desde la música del siglo XVII hasta obras contemporáneas, e incluye todos los géneros.

Les Arts ha puesto ya a la venta las entradas para este concierto, que tienen un precio único de 20 euros para el público general y de 10 euros para los abonados.

De acuerdo con la nueva situación, Les Arts elevará el aforo de venta hasta el 75 % del número de localidades de la sala, con el requisito imprescindible para el público asistente de hacer uso de la mascarilla durante todo el espectáculo, así como en las zonas comunes.

Asimismo, se mantendrán el resto de protocolos de seguridad, como la toma de temperatura, el acceso y desalojo controlado de la sala, utilización individual de los ascensores y mantenimiento de la distancia interpersonal de 1,5 metros, además del uso restringido de los aseos.

Festival de Granada

Dos días después de su concierto en Les Arts, Thomas Hengelbrock se presentará con la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Festival de Música y Danza de Granada con este mismo programa.

El prestigioso certamen, que celebra este año su edición número 69, es la primera gran cita musical en España dentro de la nueva normalidad. La presente edición está dedicada al 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven.

El concierto, que tendrá lugar el 17 de julio a las 22.00 horas en el palacio de Carlos V, constituye, además, el regreso de la OCV a la programación del reconocido festival, en el que actuó por última vez en 2011 bajo la dirección de Zubin Mehta.

Fotografía: (C) FLORENCE GRANDIDIER

lisette-oropesa

Tras su extraordinario éxito como Lucia (Lucia di Lammermoor, Donizetti) en la temporada 2017-2018, la soprano estadounidense de origen cubano regresa al coliseo madrileño los próximos días 18, 22, 25 y 28 de julio para protagonizar uno de los títulos operísticos más conocidos, La Traviata de Giuseppe Verdi. Después de haber sido galardonada con dos de los más grandes premios de la ópera en Estados Unidos, el Premio Richard Tucker y el Premio Beverly Sills, y de sus aplaudidos debuts como Marguerite de Valois (Les Huguenots, Meyerbeer) en la Opéra national de París, Rodelinda (Rodelinda, Haendel) en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Amalia (I masnadieri, Verdi) en la Scala de Milán o Manon (Manon Lescaut, Massenet) en la Metropolitan Opera de Nueva York, la soprano vuelve a Madrid para interpretar a la desdichada heroína de La traviata, la primera ópera postconfinamiento del Teatro Real. Se da la circunstancia de que Lisette Oropesa, en su primera actuación post-Covid, vuelve al escenario del Real para ponerse en la piel de Violetta Valery, el mismo rol con el que estaba cosechando un gran éxito en la Metropolitan Opera de Nueva York, tal y como reflejó The New York Times: “Lisette Oropesa hace suya La Traviata”, Anthony Tommasini (critic’s pick), cuando cerró sus puertas en plena emergencia mundial por el coronavirus.

Lisette Oropesa está nominada en la categoría de mejor Female Singer en la edición 2020 de los prestigiosos International Opera Awards, que se celebrarán en septiembre, y entre sus próximos compromisos destacan: la “Rossini Gala” de la Arena de Verona, Konstanze en Die Entführung aus dem Serail de Mozart en la Wiener Staatsoper, en una nueva producción de Hans Neuenfels, recitales en el Wexford Festival Opera, el Théâtre des Champs Elysées y el Smetana Hall de Praga, La Traviata de Verdi en la Metropolitan Opera de Nueva York, y la Premiere de Lucia di Lammermoor de Donizetti en la Opernhaus Zürich, con firma escénica de Tatjana Gürbaca.

https://lisetteoropesa.com/