Teatro Real, Real Decreto

Con el fin de atender a la demanda expresada por algunos espectadores el pasado 20 de septiembre, el Teatro Real, siempre sensible a los planteamientos y preocupaciones de su público, ha decidido limitar a un 65% el aforo en las zonas delimitadas del Teatro. Para ello, desde ayer por la tarde se está contactando con los abonados con entradas correspondientes a cada área para informarles del protocolo de seguridad sanitaria vigente en el Teatro y proponerles, si fuera el caso, la reubicación de sus localidades o, en su defecto, la devolución del importe íntegro de sus entradas.

El Teatro Real está recordando a todo el público que se mantiene activo su estricto protocolo de seguridad sanitaria: alfombras desinfectantes, gel hidroalcohólico, oferta de mascarillas y medición de temperatura en todos los accesos al teatro; áreas de movilidad limitadas dentro del edificio; incremento de baños y barras para evitar aglomeraciones; limpieza permanente de todos los espacios públicos (baños, escalinata, barras, etc.), entrada y salida de los espectadores de manera escalonada; asistencia permanente e individualizada al público por parte del personal de sala; servicio médico asistencial durante las representaciones, etc.

Asimismo, los espectadores con residencia en las zonas de semi-confinamiento delimitadas por la Comunidad de Madrid podrán recuperar el importe de su localidad acreditando la dirección postal de su domicilio.

El Teatro Real agradece el respaldo de las instituciones oficiales -Gobierno de España, Comunidad y Ayuntamiento de Madrid-, la colaboración imprescindible y generosa de los patrocinadores -y sus muestras de apoyo muy especial en estos últimos días-, así como la actuación conjunta de los órganos de gobierno del teatro y de todos los trabajadores.

Teatro Real

cosi fan tutte

El Palau de les Arts reflexiona sobre la soledad y la fragilidad de las relaciones humanas en una producción de ‘Così fan tutte’ adaptada a la nueva normalidad, con la que se inaugura el 27 de septiembre la temporada 2020-2021 en la Sala Principal.

Les Arts ha presentado hoy en rueda de prensa este título que, bajo la dirección musical de Stefano Montanari y escénica de Silvia Costa, protagoniza un reparto de jóvenes pero experimentados intérpretes, habituales en este repertorio en los repartos de los teatros y festivales de mayor prestigio: Federica Lombardi, Paula Murrihy, Marina Monzó, Anicio Zorzi Giustiniani, Davide Luciano y Nahuel Di Pierro.

El director artístico del teatro, Jesús Iglesias Noriega, ha subrayado el esfuerzo no solo del equipo artístico y creativo, sino también del equipo técnico, artístico y administrativo del teatro, así como del Cor de la Generalitat y de la Orquestra de la Comunitat Valenciana por poner en marcha esta nueva producción en apenas dos semanas tras la cancelación de la adaptación escénica de Romeo Castellucci del ‘Réquiem’ de Mozart.

“Un teatro es una institución dinámica y no puede parar. Es nuestra obligación seguir adelante para mantener viva la cultura y ofrecer a la ciudadanía un espacio y foros de reflexión y crítica con las máximas garantías de seguridad para público y artistas”.

El violinista y director Stefano Montanari, batuta de acreditado prestigio en los repertorios barroco y clásico, regresa a Les Arts, donde actuó por primera vez en 2006 como solista con la Accademia Bizantina en ‘L’isola del piacere’ de Martín i Soler. En esta ocasión, debuta en el podio con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana en una producción que, como él mismo señala, permite la perfecta relación entre música y escena.

En el apartado escénico, Silvia Costa propone una visión atemporal, un espacio simétrico y abstracto que confronta dos mundos. El montaje, con atrezo y vestuario confeccionado por el equipo técnico del teatro, e iluminación de Marco Giusti, pone su foco, según la ‘regista’, en “soledad de personajes” y “la fragilidad de las relaciones humanas”, como apunta también el director musical.

Ascendentes intérpretes

Debuta en Les Arts, con el papel de Fiordiligi, la ascendente soprano Federica Lombardi, consagrada pese a su juventud como una de las intérpretes más cotizadas, especialmente en los papeles mozartianos, en teatros como La Scala de Milán, el Metropolitan de Nueva York, la Staatsoper de Viena o la Ópera de Múnich.

En el rol de su hermana Dorabella, se presenta ante el público valenciano la mezzosoprano Paula Murrihy. Habitual en los teatros de ópera europeos y estadounidenses, la cantante irlandesa es además una de las voces de referencia para Teodor Currentzis, con quien colabora regularmente con su agrupación MusicAeterna.

La valenciana Marina Monzó cierra la terna femenina como la intrigante doncella Despina. La emergente artista, después de su aplaudido trabajo en ‘La tabernera del puerto’ la pasada temporada, hará con ‘Così fan tutte’ su esperado debut operístico en Les Arts.

En el apartado masculino, canta por primera vez en la Sala Principal el barítono italiano Davide Luciano (Guglielmo) que, gracias a sus incursiones en el repertorio clasicista y belcantista, se ha revelado como uno de los nuevos valores en su tesitura con trabajos en Nueva York, Milán, Berlín o Moscú, entre otras plazas.

https://www.lesarts.com/es/

Fotografía: Miguel Lorenzo

María Bayo

La gran soprano española María Bayo​, presenta su próximo álbum Reflejos dedicado a canciones latinoamericanas y francesas, además de música inédita del artista belga ​Max Moreau​. El nuevo disco reúne a compositores como Bizet, Guastavino, Lecuona, y Moreau​, que confluyen en un dominio de la melodía y en su capacidad para transportar a paisajes de una gran diversidad.

Reflejos estará disponible en todas plataformas digitales a mediados de octubre. La cantante de Navarra es una de las intérpretes más admiradas y respetadas en el mundo lírico y para este proyecto estuvo acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre​. Ambos artistas trabajaron estrechamente para la selección final de las obras y la recuperación histórica de la música de Moreau.

Sin embargo, también es el álbum más íntimo de la carrera de Bayo, quien actualmente se encuentra en un período de madurez, con una vasta experiencia interpretativa y un excepcional dominio de la técnica. En este nuevo disco se incluyen siete canciones del compositor Georges Bizet​, interpretadas por la soprano, experta en el repertorio francés. Además de la música inédita de Max Moreau​, pintor belga que vivió durante tres décadas en la ciudad de Granada, fue ahí donde creó una gran cantidad de obras, incluida una colección de poemas líricos. Se aprecian seis canciones por primera vez grabadas.

De Ernesto Lecuona​, uno de los compositores cubanos más reconocido alrededor del mundo, se incluyen las canciones de Balada, Canción del amor triste, Señor Jardinero, La señora luna ​y ​Si yo fuera hombre. También se interpretan las obras de Carlos Guastavino -uno de los exponentes del nacionalismo musical argentino-, como la canción Se equivocó la paloma inspirada en el poema de Rafael Alberti.

María Bayo inaugura la temporada 2020/21 del Teatro de la Zarzuela, el próximo domingo 27 de septiembre, a las 18.00 horas​, con un programa titulado Ecos Barrocos con el conjunto Vespres d’Arnadì, bajo la dirección musical de Daniel Espasa y la puesta en escena de Pedro Chamizo.

TRACKLIST
Georges Bizet (1838-1835)
1 Chanson d’Avril.
2 Vieille chanson.
3 Coccinelle.
4 Ma vie a son secret.
5 Adieu.
6 Ouvre ton coeur.
7 Guitare.
Max Moreau (1902-1992)
8 Sérénade.
9 Les hirondelles.
10 Tristesse.
11 Chansons orientales.
12 Palais andalou.
13 Bateau.
Ernesto Lecuona (1895-1930)
14 Balada.
15 Canción del amor triste.
16 Señor Jardinero.
17 La señora luna.
18 Si yo fuera hombre
Carlos Guastavino (1912-2000)
19 La siesta.
20 Violetas.
21 Piececitos.
22 Se equivocó la paloma.

http://mariabayo.com/

Fotografía: David Ruano

Un ballo in maschera

Después de analizar las posibles causas de la protesta de un grupo de espectadores que ha acudido ayer, 20 de septiembre, a representación de Un ballo in maschera, que finalmente no ha podido llevarse a cabo, el Teatro Real lamenta mucho lo sucedido y expresa su comprensión con todos los espectadores que no se han sentido seguros en sus butacas, aunque se cumpliera escrupulosamente con la normativa sanitaria vigente en la actualidad, comprobada por la Policía que se ha desplazado anoche al Teatro.

Quizás el origen de la disconformidad de una parte del público con la distribución de sus localidades en la sala se deba a los cambios en el protocolo de seguridad sanitaria adoptado para las funciones de Un ballo in maschera, que no son los mismos que se aplicaron en las representaciones de La traviata en julio: se ha eliminado el precintado de las sillas y la obligatoriedad de dejar dos butacas vacías al lado de otras dos ocupadas, ya que ha variado también la normativa sanitaria de la Comunidad de Madrid.

En las funciones de La traviata no salieron a la venta las localidades previamente bloqueadas y en Un ballo in maschera se ha dejado venta libre hasta completar el 65% del aforo total de la sala, cuando el máximo autorizado por la Comunidad de Madrid era ayer de un 75%. Así, el público que ha comprado sus entradas ha podido elegir libremente sus localidades en la sala, sin límite por zonas, estando contemplada por el teatro, dentro de la normativa sanitaria vigente, la posibilidad de que los espectadores se sentaran en butacas consecutivas –tal como pasa en los transportes públicos- protegidos por su mascarilla y en una sala en que están en silencio escuchando la ópera.

Quizás este hecho haya sido el desencadenante de las protestas, ya que el público esperaba encontrar la sala con una distribución de las butacas similar a la de las funciones de julio, pero el protocolo sanitario de entonces y el de ahora es distinto, como lo ha sido en el escenario, en el que se está ofreciendo ya una producción operística completa, con escenografía, figurines, y los solistas, coro y bailarines con una mayor movilidad en el escenario.

El Teatro Real quiere reiterar su compromiso con la seguridad sanitaria del público, artistas y trabajadores, en el que lleva trabajando con ahínco, responsabilidad y mucha energía, desde el mes de abril, con un Comité Médico proprio y el seguimiento escrupuloso de la normativa del Gobierno de España y de la Comunidad de Madrid.

Después del incidente de anoche el Teatro Real adoptará todas las medidas necesarias para que los espectadores se sientan más seguros, reforzando igualmente su comunicación con el público.

El Teatro Real agradece, como siempre, a los artistas y trabajadores toda su implicación y entrega para hacer la ópera posible en estos días de incertidumbre. Una vez más este agradecimiento es extensivo a todo el público, incluyendo también a los espectadores que anoche no se han sentido cómodos en la sala. A todos pedimos confianza, comprensión y generosidad para afrontar juntos estos días difíciles, en los que el arte y la música son más necesarios que nunca.

Fotografía: Javier del Real

Teatro Real

AENOR

Hoy, 20 de septiembre, antes del inicio de la función de Un ballo in maschera, en la que había 905 localidades ocupadas (51,5% del aforo total de la sala), un grupo de espectadores ha expresado con aplausos y gritos su disconformidad con el emplazamiento de sus localidades.

La protesta se ha prolongado pese a los avisos de megafonía que ofrecían a los espectadores la posibilidad de recolocarles o devolverles el importe de las entradas.

Después de la reubicación de una gran parte de los espectadores que protestaban, y de dos intentos de interpretar la ópera por parte del director de orquesta y de todos los artistas y técnicos que participaban en la función, un reducidísimo grupo insistió en proseguir con sus protestas para boicotear la representación, por lo que la misma tuvo que suspenderse, cerca de las 21.10 horas.

La dirección del Teatro Real abrirá una investigación para averiguar esta lamentable incidencia y tomará las medidas necesarias para para que las sucesivas funciones se desarrollen con normalidad.

Teatro Real

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Un Especial baile de máscaras

Un ballo in maschera

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Pocas veces un título es tan acertado para describir una situación. Y es que el Teatro Real estrena esta extraña e incierta temporada 20/21 con ‘Un ballo in maschera’, de Verdi.

Para entrar en el Teatro hay que dedicarle ahora un poco más de tiempo. No puede una saltarse ninguno de los pasos de la nueva liturgia de seguridad contra el covid-19 que en este Teatro es especialmente minuciosa. Todo perfectamente ordenado para evitar cualquier tipo de aglomeración y un solícito personal de sala que da todo tipo de información e indicaciones.

Esta temporada el Teatro Real pone en marcha una iniciativa que ya se viene realizando en otros teatros europeos con gran éxito. Se trata de un preestreno dedicado exclusivamente a los jóvenes. El 16 de septiembre, dos días antes del estreno oficial, ha tenido lugar esta estimulante premier que ha tenido una respuesta extraordinaria. Una magnífica iniciativa muy celebrada por una joven afición que normalmente, bien por razones de aforo o por el elevado precio de las localidades, no acude a estos espectáculos con la asiduidad que le gustaría.

Hemos hablado con alguno de estos jóvenes que han venido a esta primera gala y han compartido con nosotros sus puntos de vista. Hoy ellos son los protagonistas.

No es la primera vez que Cristina asiste a una ópera. De hecho, ha trabajado como maquilladora en el Teatro. ”Me parece muy buena la iniciativa, me gusta mucho y si hoy, que vengo sola, me gusta, me voy a traer a todos mis amigos. Por 35€ me parece brutal poder venir y disfrutar de todo esto”.

Manuel y José Ignacio, son músicos que vienen por primera vez al Teatro Real desde Sevilla y Aracena, Huelva. “Nuestras expectativas son muy altas. Siempre nos ha gustado la música de Verdi y venimos con ganas. La propuesta del Teatro nos parece muy interesante, sobre todo para el acercamiento de la ópera a los jóvenes. Generalmente no nos lo podemos permitir y estos son unos precios muy razonables. Siempre nos teníamos que conformar con verla por internet y ahora estamos aquí.”

Gonzalo y Eduardo es la primera vez que vienen a la ópera y se encuentran un poco perdidos. “Venimos con ganas, es una experiencia nueva y creo que nos va a gustar. Desde fuera tiene muy buena pinta. La primera vez, ¡a ver qué tal!”.

A diferencia de la Traviata del mes de julio, este Ballo in Maschera es escenificado. Ante la imposibilidad de trasladar a Madrid la producción inicialmente programada de David Alden, se ha optado por la escenografía de Gianmaria Aliverta. El esfuerzo realizado para adaptar esta producción, estrenada en 2017 en el Teatro La Fenice de Venecia, a los estrictos protocolos sanitarios ha sido importante. La escenificación es casi completa. Evitando el contacto o la cercanía entre los intérpretes y en el que solo los bailarines llevan mascarilla, por cierto, tan discreta que apenas se deja ver.

La escenografía resulta anticuada y sosa. Todos los elementos son muy estáticos, a excepción de una gran roca en el segundo acto que gira (para tormento de Amelia, que tiene que cantar a la vez que trepa por ella). Nada en el escenario proporciona el dinamismo al que no llegan los cantantes, por la necesaria falta de movimientos. Tampoco ayudan los largos cambios de escénicos durante la representación.

La coreografía del cuerpo de bailes tampoco es muy estimulante, no parece muy elaborada. Desconcierta también el hecho de situar la obra en la América de la esclavitud, con una bandera americana con excesiva presencia, por lo gigantesca.

Pero la ausencia de proximidad entre los cantantes, sobre todo en el dúo de amor, es compensado por la música. El maestro Luisotti lo describe muy bien: “La experiencia de la ópera es una experiencia personal. La posibilidad de cerrar los ojos e imaginar lo que está ocurriendo nos lo proporciona la música. En el dúo de amor, aunque no lo estuviera viendo, puedo imaginar el abrazo de los dos amantes.” Verdi consigue transmitir, a través de su música, las palabras exactas para describir una acción.

Un Ballo in maschera es sin duda la más italiana de las óperas de Verdi, y la batuta de Nicola Luisotti, gran conocedor de este repertorio, lo pone de manifiesto a lo largo de toda la representación. Si uno se abandona a la música y el color y detalle que Luisotti extrae de la orquesta, nada de lo que ocurre en el escenario altera la esencia de la obra.

Hay que reconocer el gran trabajo desarrollado por el escenógrafo Massimo Checchetto y por los cantantes. No es fácil desenvolverse en un escenario manteniendo distancias con todo el mundo. Lo que afecta también, no solo a la interpretación, sino a la proyección sin referencias cercanas.

Este Ballo in maschera cuenta con dos repartos y cuatro Amelias. La representación de la gala joven estuvo a cargo de un segundo reparto encabezado por el veterano Ramón Vargas, como el Conde Ricardo, que conserva la clase y el fraseo que hicieron de él uno de los más grandes tenores. La madrileña Saioa Hernández, como Amelia, que demostró una gran sensibilidad con la expresividad de su voz. Geroge Petean, con una profunda voz de barítono que dio vida al amigo y después rival de Ricardo. Silvia Beltrami, que construyó un oscuro personaje de la hechicera Ulrica. Elena Sánchez Pereg, que interpretó al joven Oscar, Tomeu Babiloni, como Silvano, Daniel Giulianini, como Samuel, Goderdzi Janelidze, como Tom y Jorge Rodríguez Norton.

El coro estuvo asistido en todo momento por la técnica para poder guardar las distancias sobre plataformas móviles.

Un comienzo de temporada esperanzador en medio de esta situación distópica y llena de incertidumbre pero, como recordó Vargas Llosa la noche del estreno “La cultura está hecha para enfrentar tiempos difíciles”. Por eso estamos aquí, rodeadas de jóvenes…

Texto: Paloma Sanaz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Ópera Nacional de Taiwán

Los próximos días 26 y 27 de septiembre, la Taipei Opera estrenará una doble producción del ballet “El amor brujo” y la ópera “La vida breve” de Manuel de Falla. Un programa especial que rinde tributo a una de las figuras musicales más importantes del siglo XX español, en la gala de inauguración de la nueva temporada 2020/2021, y que contará con el director de orquesta sevillano Manuel Busto al frente de la legendaria National Taiwan Symphony Orchestra (NTSO).

Será la primera vez que se represente una doble producción de estos dos títulos de Falla en Asia y Asia-Pacífico, y el estreno de “La vida breve”, una ópera nunca vista en Taiwán. Un acontecimiento musical que se hará realidad, gracias al incansable empeño de Dau-Hsiong Tseng, barítono, director de orquesta y Director Artístico de la compañía de la Taipei Opera, por presentar esta ópera de Falla al público de Taiwán. Tseng, que también firma la dirección escénica, fundó la Taipei Opera en 1971 con el fin de acercar la ópera occidental a la sociedad taiwanesa, y desde entonces ha estrenado más de cincuenta títulos, labor por la que en 2011 recibió la prestigiosa Medalla Nacional de las Artes y la Cultura. Experto en la vida y obra del conocido compositor andaluz, de quien escribió un libro monográfico en mandarín, Dau-Hsiong Tseng cumple así la promesa que hizo ante la tumba de Manuel de Falla durante su estancia en España en 1969 para disfrutar de una beca en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Con “La vida breve”, Manuel de Falla pretendía componer una ópera “española”, y Dau-Hsiong Tseng quiere ser lo más fiel posible al deseo del compositor en esta producción diseñada enteramente en Taiwán, pero totalmente respetuosa con la cultura española; para ello, ha querido contar con el joven director y compositor andaluz Manuel Busto, reconocido especialista en la obra de Falla y gran conocedor del flamenco. Además, el escenógrafo y el diseñador de vestuario pasaron un mes en Andalucía para conocer de primera mano sus costumbres y poder plasmarlas en esta producción, que cuenta con la colaboración de la Fundación Archivo Manuel de Falla.

Esta ambiciosa producción, con la que la Taipei Opera quiere mostrar el triunfo de la sociedad taiwanesa en su lucha por combatir la COVID-19, será transmitida internacionalmente a través de un innovador Live Streaming 4K desarrollado por Rexcel Group LLC.

Enlaces a los dos canales 4K a través de los cuales se podrá seguir el Live Streaming:

https://youtu.be/_Ijve2_GBy4

https://youtu.be/kxGjNI15X4M

Ballo in maschera
  • La inauguración oficial de la presente temporada, el próximo 18 de septiembre, será precedida, por primera vez, de un preestreno sólo para menores de 35 años ─la Gala Joven─ el 16 de septiembre.
  • Se ofrecerán 16 funciones de Un ballo in maschera con un aforo máximo del 75% de las localidades y con las medidas de seguridad sanitaria implementadas en las 27 representaciones de La traviata el pasado julio, modificadas de acuerdo con la normativa aprobada recientemente por la Comunidad de Madrid.
  • El director de escena Gianmaria Aliverta y el escenógrafo Massimo Checchetto han introducido importantes modificaciones en la producción original del Teatro de La Fenice de Venecia para adaptarla al protocolo sanitario del Teatro Real, manteniendo intacto su concepto dramatúrgico. 
  • Nicola Luisotti, primer director musical invitado del Teatro Real, dirigirá su sexto título verdiano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del enorme éxito obtenido con Don Carlo y La traviata en la pasada temporada. 
  • Dos repartos (con cuatro Amelias) se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); las sopranos Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky (Amelia); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato); las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y las sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).
  • Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre a las 20.00 horas, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y en la Plaza de Isabel, con aforo limitado y de acuerdo con la normativa relativa a la COVID 19 de la Comunidad de Madrid.
  • En torno a Un ballo in maschera se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real y en colaboración con la Fundación SGAE, Museo de Artes Decorativas y Universidad Nebrija, destacando la sesión de Enfoques, el 14 de septiembre a las 20.15 horas, con un aforo del 75% de las localidades presenciales y retransmisión, por primera vez, en el canal de Youtube del Teatro Real.
  • Las funciones de Un ballo in mascheracuentan con el patrocinio de Telefónica.

  • La retransmisión en directo de la ópera en las pantallas exteriores está patrocinada por Telefónica, Endesa, Loterías y Apuestas del Estado, Mutua Madrileña, Fundación Redexis y Fundación EDP.
  • La Gala Joven contará con la colaboración de la firma de servicios profesionales EY.

El Teatro Real inaugurará la Temporada 2020-2021 ─la 24ª desde su reapertura─, con Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, que se ofrecerá en una producción procedente del Teatro La Fenice de Venecia y repuesta en colaboración con el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

El libreto de la ópera, algo trasnochado para la época, parte de uno anterior, de Agustin Eugène Scribe, inspirado tangencialmente en el asesinato del rey Gustavo III de Suecia durante un baile de máscaras en la Ópera de Estocolmo, víctima de una conspiración. Sucesivos problemas con la censura romana y napolitana obligaron al libretista Antonio Somma a trasladar el trasfondo político de la ópera de la corte sueca a Boston, a finales del XVII, entonces bajo gobernación británica.

El director de escena Gianmaria Aliverta mantiene la trama de la ópera en Estados Unidos, pero desplaza la acción al siglo XIX, cuando las violentas luchas fratricidas enfrentaban los estados del Norte y del Sur, que se resistían a abolir la esclavitud y a perder otras prerrogativas abusivas adscritas a los propietarios de los grandes latifundios.

En este contexto de enfrentamientos se enfatiza la tensión política que subyace en el libreto, que tiene, en primer plano, un funesto triángulo amoroso, en el que las vicisitudes de los protagonistas son descritas musicalmente con el afilado sentido dramático de Verdi y su inagotable inspiración melódica. El compositor entrelaza arias, dúos y escenas corales en bloques que conforman grandes cuadros, articulando con extrema habilidad el drama y la comedia, los números de conjunto y los momentos íntimos, el bullicio palaciego y el drama interior de los personajes, manteniendo siempre la tensión en “el más melodramático de los melodramas”, en las palabras de Gabrielle D’Annunzio.

Nicola Luisotti, primer director invitado del Teatro Real, estará al frente de dos repartos de grandes voces verdianas, en los que el papel protagonista femenino (Amelia), será interpretado por cuatro distintas sopranos: Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky. Completan los elencos los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato), las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).

Tal como ocurrió con las funciones de las La traviata, los solistas, coro, actores y trabajadores del teatro cumplirán rigurosamente con el Protocolo de Seguridad Sanitaria diseñado por el Comité Médico del Teatro Real, en conformidad con las directrices de la Comunidad de Madrid.

Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y, por primera vez, en la Plaza de Isabel II, donde se colocarán 450 sillas separadas entre sí por 2 m., en un área acotada de 4000 m2 con 320 m. de vallado de seguridad y 8 entradas y salidas debidamente señalizadas y dotadas de hidrogel.

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro. En estos años Telefónica ha ampliado el número de funcionalidades y servicios de la web, reforzando el carácter interactivo y la comunicación con los usuarios. De este modo, ha permitido crear un catálogo de productos mucho más amplio -abarcando diferentes tipos de música- y accesible, con servicios más ajustados a las preferencias de los seguidores de esta institución. Un paso más dentro de este proyecto global ha sido My Opera Player, plataforma digital que permite a los amantes de la ópera, la danza y la música clásica disfrutar desde casa, con tan sólo un click, de las mejores producciones de éxito internacional.

MyOperaPlayer, , cuenta con Telefónica, como socio tecnológico del Teatro Real, y con el patrocinio de Endesa, que apoyó esta iniciativa como patrocinador único cuando la plataforma se llamaba Palco Digital.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

11 de septiembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti y Gianmaria Aliverta -directores musical y de escena de Un ballo in maschera- y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real. Interpretación de arias de óperas de Mercadante y Auber basadas en el libreto de Eugene Scribe.

18 de septiembre, a las 20.00 horas | Retransmisión en la Plaza de Oriente y Plaza de Ópera

Retransmisión en directo de Un ballo in maschera en las pantallas situadas en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II.

8 de octubre, 19:00 h. | Universidad Nebrija

Conferencia en streaming: primera de cuatro las conferencias del ciclo Hilvanes de ópera, que a lo largo de toda la temporada del Teatro Real quiere ahondar en el fascinante mundo de la moda a través de la ópera.

Actividad gratuita previa inscripción en actos.nebrija.es

11 de octubre, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala Principal

Los domingos de cámara I: los Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real ofrecerán un concierto con afinidades con la ópera Un ballo in maschera.

18 de octubre, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Todos a la Gayarre: talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Un baile con suspense. Nos colamos con un paje en un baile de disfraces.

Sábados y domingos de octubre a diciembre | Museo de Artes Decorativas

Recorridos en familia: bajo el título Un baile de máscaras, Mitos clásicos el museo ofrece itinerarios autoguiados para descubrir en familia la multitud de héroes de la mitología clásica que se esconden en sus salas. Héroes que en muchas ocasiones la máscara del tiempo ha convertido en figuras anónimas y de los que ahora podremos conocer su nombre y su historia. Actividad gratuita previa inscripción en difusion.mnad@cultura.gob.es

Fotografía: Javier del Real

Riccardo Frizza

El maestro italiano regresa a la ciudad de los canales para ponerse al mando de la Orquesta y Coro de La Fenice con un concierto que celebra los 1.600 años de Venecia y con la ópera Roberto Devereux, inicio de una temporada en la que también destacan compromisos en Bérgamo, Barcelona, Montecarlo, Florencia, París y Nápoles.

Después de dirigir el pasado mes de julio en la Arena de Verona un concierto y de ofrecer en agosto clases magistrales en Florencia, el director italiano Riccardo Frizza vuelve a los escenarios este mes de septiembre con dos compromisos en Venecia, una ciudad en la que se ha prodigado con asiduidad durante su trayectoria artística.

El 8 de septiembre dirigirá a los cuerpos estables de La Fenice en la icónica Plaza San Marcos y en un concierto que celebra los 1.600 años de la fundación de la ciudad de los canales. Compartiendo el podio con Daniele Callegari, el evento ofrecerá un repaso a algunas de las páginas operísticas más emblemáticas de autores tan populares como Verdi, Rossini o Puccini, en las que también participarán la soprano Claudia Pabone y el tenor Piero Pretti. “Con este concierto se quiere ofrecer a los venecianos alegría e ilusión después del duro período vivido por la pandemia; además, la orquesta y el coro de La Fenice volverá a tocar en la Plaza San Marcos después de muchos años, por lo que estamos todos especialmente emocionados”, afirma Frizza.

Siempre en Venecia pero en la emblemática sala del Teatro La Fenice, el director italiano dirigirá los días 15, 17 y 19 de septiembre Roberto Devereux, de Donizetti, uno de los títulos de la Trilogía Tudor que reúne algunos de los pasajes más bellos y elaborados de la producción del compositor bergamasco, así como un libreto que ofrece un brillante análisis psicológico de su protagonista, la reina Isabel I de Inglaterra. Serán tres funciones en formato semiescenificado y con dirección de escena de Alfonso Antoniozzi. En los roles principales destacan la Elisabetta de la soprano Roberta Mantegna, la Sara de la mezzo Lilly Jørstad, el Devereux del tenor Enea Scala y el Duque de Nottingham que será interpretado por Alessandro Luongo.

Próximos compromisos llevarán a Riccardo Frizza a escenarios como los del Festival Donizetti de Bergamo, del que es su director musical y en el que en la edición 2020 dirigirá Belisario y Marino Faliero; al Gran Teatre del Liceu de Barcelona donde dirigirá un concierto Donizetti con Sondra Radvsnovsky y Otello; a la Opéra de Monte-Carlo con un concierto de bel canto junto a Olga Peretyatko y Karine Deshayes; al Maggio Musicale de Florencia con Rigoletto; al Théatre des Champs-Élysées con La Sonnambula y al Teatro San Carlo de Nápoles con L’elisir d’amore.

Fotografía: Joan Tomás

Más información

Fabio Parenzan

La famosa mezzosoprano italiana Daniela Barcellona regresa al escenario del Real para su debut como la maga Ulrica de la ópera de Verdi “Un ballo in maschera”, ópera que el próximo 18 de septiembre inaugura la nueva temporada lírica del coliseo madrileño. La cantante nacida en Trieste y aclamada como una de las grandes figuras de la lírica internacional en los teatros de ópera más importantes del mundo, vuelve al Teatro Real, con la que será su primera actuación operística tras su reciente éxito como solista de la Novena de Beethoven en el concierto de reapertura del mítico Teatro San Carlo, celebrado en la Piazza del Plebiscito.

Considerada como la mezzosoprano rossiniana de referencia de las últimas décadas, y una de las voces más importantes del circuito operístico internacional, tanto por su calidad vocal como por sus dotes escénicas, que la convirtieron en la primera cantante italiana galardonada con el prestigioso premio “Olivier Award”; Daniela Barcellona, que ha cantado bajo la batuta de maestros como Claudio Abbado, Colin Davis, Lorin Maazel, James Levin, Georges Prêtre, Kent Nagano, Valery Gergiev, Daniel Barenboim o Riccardo Muti, ha decidido seguir la evolución natural de su voz y en los últimos años ha incorporado nuevos roles a su repertorio. A su amplio catálogo de personajes ha añadido otros nuevos, como Baba la Turca en The rake’s progress de Stravinsky, su aplaudida Didon de Les Troyens de Berlioz, Santuzza (Cavalleria rusticana), Laura Adorno (La Gioconda) y los verdianos, Princesa de Éboli (Don Carlo), Ámneris (Aida) – tras su memorable interpretación en la Arena di Verona, la crítica italiana la saludó como “Grandissima Daniela Barcellona! Abbiamo finalmente trovato l’Amneris areniana che aspettavamo da anni!”- o la Mrs Quickly de Falstaff, rol que ha cantado en Chicago con Riccardo Muti, en la Opéra National de París, La Scala de Milán, Dutch National Opera de Holanda, la Staatsoper de Berlín con Daniel Barenboim y Zubin Mehta, o la primavera pasada en el Teatro Real de Madrid, en la nueva producción de Laurent Pelly.

Sus compromisos más inmediatos incluyen, de nuevo, Falstaff en Bruselas, su debut como Azucena (Il trovatore) en la Opéra National de París, y el Requiem de Verdi junto a la Staatskapelle Berlin y Zubin Mehta en la Staatsoper Unter den Linden y la Philharmonie de Berlín.

Fotografía: Fabio Parenzan

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Palau Les Arts de Valencia

El Palau de les Arts inaugurará la temporada 2020-2021 con una versión de ‘Così fan tutte’, de Mozart, adaptada a los requisitos de la actual realidad sanitaria.

Esta ópera sustituirá en el calendario a las representaciones de la impactante recreación escénica de Romeo Castellucci del ‘Réquiem’ de Mozart que se había anunciado como título inaugural.

Ante la evolución de la situación de la COVID-19 en las últimas semanas, Les Arts considera apropiado posponer, por su complejidad escénica, el aplaudido montaje del dramaturgo y artista plástico italiano.

La coproducción de Les Arts con Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theatre Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie se estrenará dentro de la temporada 2021-2022.

Con el fin de garantizar la seguridad de artistas y público, se ofrecerá una versión de ‘Così fan tutte’ con una duración aproximada de 2 horas y 15 minutos sin descanso.

El violinista y director Stefano Montanari, batuta de acreditado prestigio en los repertorios barroco y clásico, dirigirá esta ópera, con la que se cierra la llamada trilogía Mozart-Da Ponte.

Les Arts continúa así con su apuesta por el repertorio de Wolfgang Amadeus Mozart, que ya inauguró la pasada temporada con ‘Le nozze di Figaro’, el primero de los títulos de la trilogía, que surge como fruto de la colaboración del compositor de Salzburgo con el exitoso libretista de Treviso Lorenzo Da Ponte.

Silvia Costa, estrecha colaboradora de Romeo Castellucci, firma la concepción de esta propuesta semiescenificada, que se realizará ‘ad hoc’ para sus representaciones en Les Arts, y que cuenta con iluminación de Marco Giusti.

Destacados intérpretes mozartianos conforman el reparto. Anett Fritsch, Anicio Zorzi Giustiniani, Davide Luciano, Nahuel Di Pierro, entre otros, protagonizan los enredos del celebrado ‘dramma giocoso’, que supondrá también el debut operístico en Les Arts de la valenciana Marina Monzó con el papel de Despina.

En los próximos días, Les Arts contactará con sus abonados para informarles de las diferentes opciones ante este cambio en la programación.

Más información

Celso Albelo

El tenor Celso Albelo presentará el 5 de septiembre en el Teatro Leal de La Laguna (Tenerife) APDP… en busca de la PAZ, un disco con temas populares canarios, de autores sudamericanos y de su propia autoría que se grabó íntegramente durante el confinamiento. El cantante español ha realizado esta aventura con varios amigos y compañeros de viaje, como son los también tenores Javier Camarena y Pancho Corujo, la soprano Blanca Valido y el cantante y productor Sergio Núñez. Salvo el intérprete mexicano, todos los demás acompañarán al tenor tinerfeño en el concierto del día 5.

APDP… en busca de la PAZ se compone de canciones populares que forman parte de la banda sonora de la vida de Albelo, e incluye temas canarios y de autores cubanos, argentinos y mexicanos, sin olvidar un bolero del puertorriqueño Pedro Flores interpretado a dúo con Camarena. Editado por Atlántida Music, la idea es ponerlo a la venta en formato vinilo, con cinco temas por cara. “En estos tiempos de velocidades de vértigo, ahora truncadas por la pandemia, la idea de editarlo en vinilo nos invita a gozar del ritual de escuchar música con la calma que ese acto merece”, afirma el tenor canario.

Además de una muestra del arte operístico del cantante, la famosa aria “Una furtiva lagrima” de la ópera de Donizetti L’elisir d’amore, muy ligada a la trayectoria internacional del cantante, en el disco también hay espacio

para una canción escrita por Albelo, Linaje del Pago –compuesta en colaboración con Sergio Núñez y el tenor Juan Manuel Padrón–, la cual está dedicada a las bodegas del mismo nombre ubicadas en El Sauzal (Tenerife), en las que el tenor es director artístico del evento músico-culinario anual La Voz de Tinto.

Según indica el cantante, la idea y la producción del disco se llevó a cabo durante la pandemia y se realizó exclusivamente por teléfono, incluyendo la grabación y el trabajo de edición. Celso Albelo agradece a sus colaboradores y además a bodegas Linaje del Pago y a BMW Canaauto, empresas que han patrocinado APDP… en busca de la PAZ.

El nuevo álbum también se presentará en conciertos en diversas ciudades, en una gira por las Islas Canarias y en otros escenarios nacionales e internacionales.

Entre otros compromisos, en la temporada 2020/2021 Celso Albelo regresará al Teatro de La Zarzuela de Madrid con un recital, será Alfredo de La Traviata en Las Palmas de Gran Canaria, debutará en el Festival Donizetti de Bérgamo con Belisario junto a los españoles Plácido Domingo y Davinia Rodríguez dirigidos por el director musical del certamen, Riccardo Frizza, regresará a la Ópera de Oviedo ahora como Nadir de Les Pêcheurs de Perles de Bizet –que grabó en el Teatro Verdi de Salerno para Brillian Classics–, debutará el rol de Hoffmann de Les contes d’Hoffmann en la Opéra Royal de Wallonie-Liège y debutará en la Arena de Verona interpretando a Alfredo de La Traviata.

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La Traviata, “ritorno alla vita”
La Traviata
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Ópera en tres actos
Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la novela y la obra de teatro La Dame aux camélias de Alexandre Dumas hijo
Estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853 y el el Teatro Real el 1 de febrero de 1855. Ópera en versión de concierto semiescenificada
D. musical: Nicola Luisotti
Concepto escénico: Leo Castaldi
Iluminación: Carlos Torrijos
D. Coro: Andrés Máspero
Reparto: Marina Rebeka, Michael Fabiano, Artur Rucinski, Sandra Fernández, Marifé Nogales, Albert Casals, Isaac Galán, Tomeu Bibiloni, Stefano Palatchi, Emmanuel Faraldo, Elier Muñoz y Carlos García
Habían pasado cuatro meses desde que todo se suspendió. Al principio parecía que sería por poco tiempo, pero a medida que pasaban las semanas y los acontecimientos, la incertidumbre pasó a ocuparlo todo.
En este período ha habido tiempo para pensar en muchas cosas. También en que solo un milagro me devolvería a esta butaca. Pero los milagros existen, y los hacemos nosotros. En este caso, el Teatro Real. Y ha obrado un milagro que cubre varios aspectos. El primero, tener la valentía y determinación de volver a la actividad operística de la forma más segura, y el segundo, y no por ello menos importante, tener la capacidad de demostrar que, por difíciles que sean las circunstancias, se puede hacer una buena gestión, incluso, muy buena.La apuesta es arriesgada, mantener este frágil equilibrio cuando todo el mundo operístico está mirando, no es fácil. Durante un mes completo, en el que se han multiplicado las representaciones para compensar la limitación del aforo, se presenta esta adaptación escénica que ha realizado Leo Castaldi, como quien dice, con cuatro cositas que ha encontrado por el teatro, para crear una escenografía que no puede ser más eficaz. En ella aparecen los elementos imprescindibles, no falta ni sobra nada. Un escenario parcelado delimita los dos metros cuadrados de los que dispone cada cantante para moverse. Un espacio reducido, pero en el que caben todas las emociones de los protagonistas. El coro, que ocupa la mitad posterior de la caja escénica, permanece disciplinadamente recluido, cada uno de ellos, en su terreno, lo que no le resta un ápice de su sonoridad y profesionalidad. Todo ello iluminado con gran acierto por Carlos Torrijos.No era fácil sumergirse en la historia en un ambiente tan diferente al que estamos acostumbrados. Demasiados elementos nos distraen en la sala, en el escenario, la distancia, la mascarilla… Pero entonces, apareció él, como un héroe sin capa para rescatarnos del silencio, Nicola Luisotti. Uno de los hombres que más debe estar trabajando en las últimas semanas y que se mostraba exultantemente feliz ante este reto, tal vez por haber vivido las circunstancias dramáticas que nos han tocado con la intensidad que solo tiene un apasionado como él. Fue el primero en suspender el estreno de Il Trovatore en la Scala de Milán y ahora es el primero en levantar el telón en lo que llama “ritorno alla vita”.Fue entonces cuando empezó a sonar uno de los fragmentos de ópera más elaboradamente románticos y evocadores que se han escrito, la obertura del primer acto de La Traviata. La Orquesta, que ocupa todo el espacio del foso, aparece también con sus mascarillas, a excepción del viento, que está separado por mampara, como el propio Luisotti. El maestro italiano fue el vínculo perfecto entre lo que sucedía en el alejado escenario y el amplio foso, generando confianza y equilibrio en esta novedosa y extraña forma de interpretación. Después de una obertura profunda, sobria y sentida, por quien es gran conocedor de este repertorio, supo transmitir al escenario la teatralidad que le faltaba. Su dirección estuvo por encima de algunos sonidos más apagados provocados por las distancias físicas y técnicas. La orquesta sonó empastada y con la delicadeza que a veces algunos abandonan cuando se trata de Verdi.La distancia a la que se mantenían los cantantes no resulto perturbadora. Siempre atentos al maestro que les acompañaba, más que dirigía. A pesar de no acercarse ni tocarse, Violetta y Alfredo fueron capaces de demostrar su pasión.La letona Marina Rebeka es la primera de las cinco sopranos que abordan el personaje de Violetta Valéry. Posee una extensa y voluminosa voz de soprano lírica, un preciosos timbre y gran sonoridad que se apreció muy bien en las partes más dramáticas y en unos bien delineados pianos. Demasiado contenida quizá, lo que afectaba a la parte más teatral del personaje, algo muy importante en este rol del que Rebeka es gran conocedora y amante. Si dejara que el personaje se apoderara de ella, unido a su excepcional técnica, sería la mejor de las Violetas.El Alfredo de Michael Fabiano fue de menos a más. Tuvo momentos de gran inspiración, aunque se le notó un poco inseguro al inicio, algo que puede ser normal dadas las circunstancias, y que desapareció a partir del segundo y tercer acto, en el que brilló con un Alfredo inspirado e intenso.El más aplaudido de la noche fue el Artur Rucinski y su Giorgio Germont. Una buena dicción y un fraseo elegante y muy cuidado para su estirado Germont. Muy bien en el Di Provenza.

El resto de comprimarios estuvieron a gran altura. Estupenda la participación Marifé Nogales en su rol de Annina. Perfecta también Sandra Fernández, con una frívola Flora Bervoix, ambas intervienen en todas las funciones. Al igual que Albert Casals, como Gastone, Isaac Galán, como el Barón Douphol, Tomeu Bibiloni, como Marqués de Obigny, Stefano Palatchi, como el Doctor Grenvil y Emmanuel Faraldo, como Giuseppe y el criado de Violetta.

Un éxito sin duda del Teatro Real demostrando una gran valentía y capacidad. Todo ello servido con una seguridad que se palpa. Si se produce un brote importante, yo me voy al Teatro Real. Y es que la normalidad no viene sola, hay que conquistarla.
Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

El Escorial

El Teatro Auditorio abrirá con un aforo del 50% y bajo estrictas medidas de seguridad e higiene para garantizar la seguridad de público y trabajadores.

La inauguración del festival correrá a cargo del virtuoso pianista ruso Arcadi Volodos, que tocará obras de Liszt y Schumann​​.

La soprano Ainhoa Arteta y la mezzosoprano Joyce DiDonato, dos de los platos fuertes del festival, deleitarán al público con sus famosas voces acompañadas al piano por Javier Carmena y Carri Ann Matheson, respectivamente.

El toque de humor lo podrán Goyo Jiménez -acompañado al piano por Julio Awad-, el tenor Zapata y Maestrissimo, espectáculo cómico-musical de Yllana.

Forma Antiqva, Sergio Bernal Dance Company y Joaquín de Luz, Capella de Ministres, Noelia Rodiles, Antonio Galera o la Orquesta Sinfónica de RTVE serán otros de los protagonistas de una edición con doce espectáculos para todos los gustos.

El Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid vuelve a abrir al público el próximo 23 de julio con la nueedición del Festival de Verano, un clásico en las noches estivales de la sierra madrileña y uno de los principales festivales de la temporada veraniega en nuestro país. Desde ese día y hasta el 6 de agosto el Festival presenta doce espectáculos de música, danza, teatro y humor que tendrán como protagonistas a Ainhoa Arteta, Joyce DiDonato, Goyo Jiménez, Yllana, Arcadi Volodos o Zapata, entre otros muchos. La reapertura del Teatro Auditorio para el Festival de Verano se hará bajo estrictas medidas de seguridad e higiene a través de un protocolo que garantiza la seguridad de público y trabajadores. Se abrirá con un aforo del 50%.

El Festival se inaugura el 23 de julio con el recital de piano de Arcadi Volodos, que interpretará obras de Liszt(Ballade nº2, Légende nº1St François d’Assise: La prédication aux oiseaux’) y Schumann (Bunte Blätter, Humoreske). El conocido pianista ruso se ha convertido en una referencia mundial en la música clásica, considerado un genio por su habilidad única para combinar un virtuosismo excepcional con una musicalidad profunda y expresiva. Desde su debut en Nueva York en 1996, Volodos ha actuado en todo el mundo, tanto en recitales como con las orquestas y directores más eminentes del panorama internacional.

El día 24 de julio será el turno de la Orquesta Sinfónica de RTVE, que deleitará al público con dos sinfonías de Ludwig van Beethoven. La reputada formación musical interpretará la sinfonía nº 1, la primera de las nueve que compuso Beethoven; y la sinfonía nº 5, una de las composiciones más populares de la historia de la música clásica, cuyo allegro inicial está presente en el imaginario colectivo universal. La formación tocará bajo la batuta de Manuel Coves, director andaluz con una dilatada trayectoria en la que ha dirigido numerosas orquestas españolas y europeas. El concierto se enmarca en el Año Beethoven, ya que en 2020 se celebra el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán en Bonn (1770).

Ainhoa Arteta, una de las grandes voces de nuestro país, volverá al Teatro Auditorio el 25 de julio con el recital Orígenes. Música española. Acompañada del magistral pianista Javier Carmena, la soprano recorrerá las grandes piezas musicales del repertorio clásico español, para volver a las raíces de nuestra cultura musical gracias a las obras de compositores como Joaquín Turina, Enrique Granados o Jesús Guridi. En esta nueva propuesta, la cantante presenta un programa que va más allá del concepto de recital como sucesión de obras y que descubre parte de su recorrido vital y profesional. Ainhoa es marca España y así quiere plasmarlo en esta velada, mostrando un profundo respeto por las regiones y sus gentes, por las raíces y, en definitiva, por las tradiciones y costumbres.

Mujeres extraordinarias, danza clásica y española, música barroca y humor

En esta edición los espectadores viajarán a otras épocas a través de la vida de dos mujeres extraordinarias. El 26 de julio Capella de Ministres presenta su particular homenaje musical a Lucretia Borgia, hija de Alejandro VI, tres veces casada, con un marido asesinado y un hijo ilegítimo. Y todo en sólo 39 años y en pleno Renacimiento. El conjunto valenciano, dirigido por Carles Magraner, se ha basado en la música coetánea a Lucretia para mostrar su humanidad, liberarla del cliché de mujer disoluta y situar su contexto histórico-social, que trasladará al público al fascinante día a día de las cortes renacentistas italianas.

El 31 de julio Forma Antiqva estrena La Caramba, un nuevo espectáculo lírico escenificado en el que recupera la música de María Antonia Vallejo Fernández. Esta producción de teatro musical español -que cuenta con la voz de la soprano María Hinojosa y la propuesta escénica de Pablo Viar- homenajea a la famosa tonadillera del s.XVIII volviendo a las fuentes que fundamentaron su leyenda, tema de numerosas canciones, libros, zarzuelas y películas de los siglos XIX y XX. La Caramba fue objeto de fascinación por su belleza, su enorme poder de seducción, sus pícaras ocurrencias, su gracia en el arte de cantar y, finalmente, por su insólita conversión religiosa y retiro en el punto álgido de su carrera.

Antonio Galera y Noelia Rodiles ofrecerán dos recitales de piano los días 27 y 28 de julio. En la actuación del día 27 Antonio Galera interpretará obras de Beethoven, Liszt, Debussy y Ginastera, en una velada íntima para dejarse llevar por la melodía de sonatas, suites y danzas argentinas. El día 28 Noelia Rodiles tocará tres sonatas, dos de Beethoven y una del compositor madrileño Jesús Rueda (1961).

El toque de humor llegará con los espectáculos de Goyo Jiménez, Yllana y Zapata. El 1 de agosto el televisivo humorista Goyo Jiménez presentará sus Grandes éxitos acompañado al piano por Julio Awad. Con este espectáculo, el Festival de Verano se ha tomado la licencia de incluir una propuesta fuera de su habitual programación musical que seguro que divertirá a todo tipo de público. Las risas también están aseguradas en Maestrissimo (Pagagnini 2), el show cómico-musical que Yllana interpreta el 4 de agosto. Un espectáculo familiar que reinventa la relación entre el humor y la música clásica y en el que se muestran, al más puro estilo Yllana, las aventuras y desventuras de un cuarteto de cuerdas en un período indeterminado entre los siglos XVII y XVIII (Barroco y Neoclasicismo). El 5 de agosto José Manuel Zapata estrena Del revés, un monólogo lírico en el que el tenor abre su corazón al público. Esta obra unipersonal y valiente comienza como ‘un concierto más’, pero pronto se transforma en un viaje por la vida y música del artista, repleto de humor, sorpresas y todo tipo de anécdotas.

Además, en esta edición habrá espacio para la danza con Volver, del ballet clásico a lo último de la danza española, el montaje que Sergio Bernal Dance Company presenta el 3 de agosto. Pasión, técnica y gran talento conforman este espectáculo, que aúna ritmos flamencos y de bolero con coreografías del ballet clásico y la danza española. Sobre el escenario estarán Sergio Bernal, primer bailarín del Ballet Nacional de España hasta 2019; Joaquín de Luz y la bailaora Lucía Campillo.

El Festival de Verano se clausurará por todo lo alto el 6 de agosto con la actuación de Joyce DiDonato. La popular mezzosoprano estadounidense ofrecerá un recital lleno de color en el que deslumbrará al público con su colatura de voz y su expresividad hipnótica, acompañada al piano por Carri Ann Matheson. DiDonato es una de las mezzos más solicitadas de la actualidad, proclamada por The New Yorker como, posiblemente, “la cantante femenina más potente de su generación”. Con una voz de “nada menos que oro de 24 quilates” (The Times), DiDonato ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que se incluyen tres Grammy.

My Opera Player

My Opera Player, la plataforma de vídeo del Teatro Real, consolida su presencia internacional gracias a un nuevo catálogo que incluye, además de producciones propias, títulos de importantes coliseos líricos como la Ópera de París, la Royal Opera House, el Teatro Bolshoi, el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires o el Teatro Municipal de Santiago de Chile, por citar sólo algunos.

Durante el periodo de confinamiento, en el que el Teatro Real dio acceso gratuito en España a la videoteca completa de la plataforma, sin dejar de ampliar contenidos, más de 52.000 personas se sumaron a la iniciativa con cerca de 4 millones de visitas. My Opera Player se convertía así en un teatro de teatros al que pueden acudir melómanos de todo el mundo.

En un paso más hacia el futuro, el Teatro Real, de la mano de Samsung, Telefónica y Endesa, ha puesto en marcha la aplicación My Opera Player para smartphones y tablets con sistemas Android, que próximamente estará disponible en otros entornos, dando la oportunidad de disfrutar del contenido exclusivo que incluye la aplicación en cualquier momento y desde cualquier lugar a través de sus dispositivos móviles.

MyOperaPlayer, que ya estaba operativa en Samsung Smart TV desde el pasado mes de noviembre, cuenta con Telefónica, como socio tecnológico del Teatro Real, y con el patrocinio de Endesa, que apoyó esta iniciativa como patrocinador único cuando la plataforma se llamaba Palco Digital.

La videoteca de MyOperaPlayer, disponible bajo demanda, para una sola conexión o en diversas modalidades de suscripción, ofrece una amplia selección de títulos que incluyen ópera, danza, conciertos, espectáculos infantiles y juveniles, contenidos extras sobre las producciones, grabaciones en 4K y emisiones en directo.

Teatro de la Zarzuela

De espectáculos comprendidos entre el 27 de septiembre y el 30 de diciembre

En este periodo no se podrán renovar los abonos, ya que el aforo se verá reducido al 75%

La venta de entradas para la Temporada 2020/2021 del Teatro de la Zarzuela comenzará a las 12h00 de mañana martes, 21 de julio, a través de los canales habituales de venta: Internet (entradasinaem.es), taquilla y venta telefónica (902 224 949).

Por la prudencia que se ha de tener ante los posibles cambios que la crisis sanitaria pueda ocasionar, en principio solo saldrán a la venta los espectáculos comprendidos entre el 27 de septiembre y el 30 de diciembre.

En este primer periodo de venta no será posible la renovación de abonos, debido a que el aforo se verá reducido al 75% en cumplimiento de la normativa de la Comunidad de Madrid.

La prioridad del Teatro es garantizar la seguridad del público y de los artistas. Por ello, además de la reducción del aforo será obligatorio el uso de mascarilla dentro del edificio y durante las representaciones.

LaTraviata

Mañana,15 de julio, a las 20.00 h*, vive en directo una Traviata histórica desde el Teatro Real de Madrid.

Disfruta en My Opera Player de La traviata de Verdi en una cuidada versión semiescenificada por Leo Castaldi y con Marina Rebeka y Michael Fabiano en los roles principales.

Con esta emocionante propuesta, adaptada al nuevo contexto actual, el Teatro Real se convierte en uno de los primeros coliseos del mundo en levantar de nuevo el telón.

Una vez emitida, se incorporará al catálogo de My Opera Player para que puedas volver a verla cuando y donde quieras dentro de tu suscripción.

¡Nos vemos en My Opera Player!

Les ArtsPresentación

La temporada 2019-2020, que tan particularmente cerramos en estos días, da paso al ilusionante periodo que se inicia con la presentación de la temporada 2020-2021: una realidad que se mostrará viva ya desde las semanas centrales del próximo mes de septiembre.

LES ARTS ÉS ÒPERA

REQUIEM
Wolfgang Amadeus Mozart
Dirección musical Stefano Montanari Dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación Romeo Castellucci Directora de escena asociada Silvia Costa Coreografía Evelin Facchini
Dramaturgia Piersandra di Matteo

Soprano: Anett Fritsch , Mezzosoprano: Sara Mingardo, Tenor: Anicio Zorzi Giustiniani, Bajo: Nahuel Di Pierro, Niño soprano: Francisco José Rita
Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales y Orquestra de la Comunitat Valenciana

FIN DE PARTIE
György Kurtág
Dirección musical Markus Stenz
Dirección de escena Pierre Audi Escenografía y vestuario Christof Hetzer Iluminación Urs Schönebaum
Dramaturgia Klaus Bertisch

Hamm: Frode Olsen, Clov: Leigh Melrose, Nell: Hilary Summers, Nagg: Leonardo Cortellazzi
Orquestra de la Comunitat Valenciana

IL TUTORE BURLATO
Vicente Martín i Soler
Dirección musical Cristóbal Soler Dirección de escena
y escenografía Jaume Policarpo Vestuario José María Adame Iluminación Antonio Castro

Il Cavaliere: Joel Williams, Anselmo: Gonzalo Manglano, Violante: Aida Gimeno, Don Fabrizio: Oleh Lebedyev, Menica: Vittoriana De Amicis, Pippo: Omar Lara
Orquestra de la Comunitat Valenciana

MITRIDATE, re di Ponto

Wolfgang Amadeus Mozart

Dirección musical: Marc Minkowski

Mitridate: Pene Pati, Aspasia: Julie Fuchs, Sifare: Elsa Dreisig, Farnace: Jakub Józef Orliński, Ismene: Sarah Aristidou, Marzio: Jonathan Winell, Arbate: Adriana Bignagni Lesca
Les Musiciens du Louvre

LA CENERENTOLA
Gioachino Rossini
Dirección musical: Maurizio Benini
Dirección de escena y vestuario: Laurent Pelly Escenografía Chantal Thomas
Diseñador de vestuario asociado: Jean-Jacques Delmotte
Iluminación: Duane Schuler

Don Ramiro: René Barbera, Clorinda: Larisa Stefan, Angelina: Anna Goryachova, Alidoro: Riccardo Fassi, Dandini: Carles Pachón, Don Magnifico: Carlos Chausson, Tisbe: Evgeniya Khomutova
Cor de la Generalitat Valenciana
Director: Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

FALSTAFF
Giuseppe Verdi
Dirección musical: James Gaffigan, Dirección de escena: Mario Martone, Escenografía: Margherita Palli, Vestuario: Ursula Patzak, Iluminación: Pasquale Mari, Coreografía: Raffaella Giordano

Sir John Falstaff: Ambrogio Maestri, Ford: Mattia Olivieri, Fenton: Juan Francisco Gatell, Dr. Cajus: Jorge Rodríguez Norton, Bardolfo: Joel Williams, Pistola: Valeriano Lanchas, Mrs. Alice Ford: Ainhoa Arteta, Nannetta: Sara Blanch, Mrs. Quickly: Violeta Urmana, Mrs. Meg Page: Amber Fasquelle

Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

L’ISOLA DISABITATA Manuel García

Dirección de escena: Emilio Sagi, Escenografía: Daniel Bianco, Vestuario: Pepa Ojanguren, Iluminación: Albert Faura

Costanza: Larisa Stefan, Silvia: Evgeniya Khomutova, Gernando: Joel Williams, Enrico y Piano: N.N.

TRISTAN UND ISOLDE
Richard Wagner
Dirección musical: Mikko Franck, Dirección de escena: Àlex Ollé (La Fura dels Baus), Escenografía: Alfons Flores, Vestuario: Josep Abril,
Iluminación: Urs Schönebaum, Video: Franc Aleu

Tristan: Stephen Gould, König Marke: René Pape, Isolde: Elena Pankratova, Kurwenal: James Rutherford, Melot: Neal Cooper, Brangäne:
Elena Zhidkova, Cor de la Generalitat Valenciana, Director: Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

CAVALLERIA RUSTICANA
Pietro Mascagni
PAGLIACCI
Ruggero Leoncavallo
Dirección musical Jordi Bernàcer Dirección de escena Giancarlo del Monaco Escenografía Johannes Leiacker Vestuario Birgit Wentsch
Iluminación Wolfgang von Zoubeck

CAVALLERIA RUSTICANA
Santuzza: Sonia Ganassi, Turiddu: Jorge de León, Lola: N.N., Mamma Lucia: María Luisa Corbacho, Alfio: Misha Kiria

PAGLIACCI

Nedda: Ruth Iniesta, Canio: Jorge de León, Tonio: Misha Kiria, Peppe: Joel Williams, Silvio: Davide Luciano

Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana

LES ARTS ÉS SARSUELA:

EL BARBERILLO DE LAVAPIÉS

LES ARTS ÉS DANS:

UNA ODA AL TIEMPO -María Pagés Compañía- SONOMA -La Veronal-
GISELLE -Compañía Nacional de Danza-

LES ARTS ÉS LIED:

LISE DAVIDSEN, AINHOA ARTETA, ANITA RACHVELISHVILI, CHRISTIAN GERHAHER, SONYA YONCHEVA, RENÉ PAPE

LES ARTS ÉS GRANS VEU:

JOYCE DIDONATO

LES ARTS ÉS SIMFÒNIC:

PABLO HERAS-CASADO, GUSTAVO GIMENO, DANIELE GATTI, JUANJO MENA, ANTONELLO MANACORDA, FABIO LUISI

LES ARTS ÉS FLAMENCO:

JOSÉ MERCÉ, DUQUENDE LA MACANITA, ARGENTINA, NIÑO DE ELCHE

LES ARTS ÉS ALTRES MÚSIQUES:

MARIZA, UTE LEMPER, PAT METHENY

Riccardo Frizza

El director italiano Riccardo Frizza regresa este mes de julio al podio del festival de la Arena de Verona para dirigir en el espectáculo Il Cuore italiano della musica, una gala lírica en la que participarán algunas de las mejores voces de la lírica internacional vinculadas al popular certamen veronés. La gala, que se ofrece en memoria de las víctimas de la pandemia y como homenaje a los profesionales sanitarios italianos, contará con la participación de cantantes de ese país como Francesco Meli, Fabio Sartori, Roberto Aronica, Fabio Armiliato, Annalisa Stroppa, Barbara Frittoli, Eleonora Buratto, Luca Salsi, Leo Nucci, Daniela Barcellona o Ferruccio Furlanetto, a quienes se unen otros tantos como María José Siri o Saimir Pirgu. El maestro Frizza compartirá el podio junto a las batutas de Marco Armiliato, Andrea Battistoni y Francesco Ivan Ciampa.

Este es el segundo homenaje a las víctimas de la Covid-19 en la que participa Riccardo Frizza. El domingo 28 de junio se puso al mando de la Messa da Requiem de Donizetti gracias a una iniciativa del Festival Donizetti Opera de Bérgamo del que es responsable musical, evento realizado a las puertas del Cementerio Monumental de la ciudad lombarda que fue retransmitido por la RAI y que contó con la presencia de las máximas autoridades italianas encabezadas por el presidente de la República, Sergio Mattarella.

Aunque el maestro Frizza tenía que haber inaugurado en septiembre la temporada de la Opéra National de París con L’elisir d’amore, compromiso que se ha cancelado a raíz de la crisis sanitaria, próximamente le esperan compromisos en Bérgamo (Belisario, Marino Faliero), Barcelona (concierto Donizetti junto a Sondra Radvanovsky, Otello de Verdi), Montecarlo (gala bel canto) y París (La Sonnambula), entre otros.

Info:

Web Riccardo Frizza: www.riccardofrizza.com

AENOR

AENOR ha certificado al Teatro Real por sus protocolos frente al COVID-19, convirtiéndose así en la primera institución musical española en lucir este distintivo.

El certificado de AENOR es un aval externo sobre la efectividad de las medidas que aplica el Teatro y, de forma paralela, respalda que estas iniciativas cumplen con las directrices marcadas por el Ministerio de Sanidad en materia de prevención e higiene sobre el COVID-19. El sello tiene una validez anual, aunque debe someterse a revisiones de seguimiento cada tres meses.

El Teatro Real ha puesto en marcha un completo plan de medidas preventivas de seguridad y salud para trabajadores, cantantes, músicos y público. Entre ellas, el control de temperatura en el acceso a las funciones, alfombras viricidas, mamparas de seguridad entre los músicos, colocación de estaciones de limpieza en diferentes puntos de los centros con gel hidroalcohólico y spray con productos homologados para la desinfección, papel y papeleras. Todo el protocolo completo de medidas se puede ver en este vídeo.

La evaluación que realiza AENOR valora un amplio abanico de aspectos como la gestión de riesgos, la gestión de la salud en el trabajo (los protocolos de actuación, la realización de serologías a todos los trabajadores), la formación, información y comunicaciones desarrolladas; las medidas organizativas (control de aforo, distancia de seguridad garantizada en la zona de público y escenario); de protección (uso de material de protección individual), así como las buenas prácticas de limpieza e higiene.

Sobre AENOR

AENOR es una entidad de servicios profesionales que identifica y ayuda a corregir las brechas de competitividad de las empresas, sectores y del tejido económico en general. Contribuye a la transformación de la sociedad creando confianza entre las organizaciones y las personas mediante servicios de evaluación de la conformidad (certificación, inspección y ensayos), formación e información.

AENOR es la entidad líder en certificación en España. Más de 82.000 centros de trabajo en el mundo tienen alguno de los certificados de AENOR en campos como la Gestión de la Calidad, Sostenibilidad, Verificación de Información no financiera, Bienestar Animal, Seguridad y Salud en el Trabajo, Digitalización o Compliance.

Entre las ventajas competitivas diferenciales de AENOR se encuentran el reconocimiento de marca más elevado entre las empresas (B2B) y los consumidores (B2C); contar con personal propio, lo que le permite gestionar el conocimiento acumulado en beneficio de sus clientes; innovar en la resolución de nuevas brechas de competitividad gracias a su proximidad con las fuentes de conocimiento; y su capilaridad geográfica y sectorial.

AENOR es una entidad global, que ya desarrolla operaciones en 90 países. En España dispone de 20 sedes en todas las Comunidades Autónomas con auditores propios.

Fotogtafía: Javier del Real

Thomas-Hengelbrock

La Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) cierra el ciclo ‘Torna a Les Arts’ con un monográfico de Beethoven bajo la dirección de Thomas Hengelbrock el próximo 15 de julio a las 20.00 horas en la Sala Principal.

La formación titular de Les Arts se suma así a las celebraciones del Año Beethoven con un programa que incluye sus obras ‘Obertura de Fidelio, op. 72’ y las sinfonías número 6 y 8 en el primer concierto en formato sinfónico que ofrece desde la instauración de la nueva normalidad.

La cita supone también el debut con la OCV del alemán Thomas Hengelbrock, considerado como uno de los directores de orquesta más versátiles y fascinantes de su generación. Particularmente reconocido por sus trabajos historicistas en el Barroco, su repertorio abarca desde la música del siglo XVII hasta obras contemporáneas, e incluye todos los géneros.

Les Arts ha puesto ya a la venta las entradas para este concierto, que tienen un precio único de 20 euros para el público general y de 10 euros para los abonados.

De acuerdo con la nueva situación, Les Arts elevará el aforo de venta hasta el 75 % del número de localidades de la sala, con el requisito imprescindible para el público asistente de hacer uso de la mascarilla durante todo el espectáculo, así como en las zonas comunes.

Asimismo, se mantendrán el resto de protocolos de seguridad, como la toma de temperatura, el acceso y desalojo controlado de la sala, utilización individual de los ascensores y mantenimiento de la distancia interpersonal de 1,5 metros, además del uso restringido de los aseos.

Festival de Granada

Dos días después de su concierto en Les Arts, Thomas Hengelbrock se presentará con la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Festival de Música y Danza de Granada con este mismo programa.

El prestigioso certamen, que celebra este año su edición número 69, es la primera gran cita musical en España dentro de la nueva normalidad. La presente edición está dedicada al 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven.

El concierto, que tendrá lugar el 17 de julio a las 22.00 horas en el palacio de Carlos V, constituye, además, el regreso de la OCV a la programación del reconocido festival, en el que actuó por última vez en 2011 bajo la dirección de Zubin Mehta.

Fotografía: (C) FLORENCE GRANDIDIER

lisette-oropesa

Tras su extraordinario éxito como Lucia (Lucia di Lammermoor, Donizetti) en la temporada 2017-2018, la soprano estadounidense de origen cubano regresa al coliseo madrileño los próximos días 18, 22, 25 y 28 de julio para protagonizar uno de los títulos operísticos más conocidos, La Traviata de Giuseppe Verdi. Después de haber sido galardonada con dos de los más grandes premios de la ópera en Estados Unidos, el Premio Richard Tucker y el Premio Beverly Sills, y de sus aplaudidos debuts como Marguerite de Valois (Les Huguenots, Meyerbeer) en la Opéra national de París, Rodelinda (Rodelinda, Haendel) en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Amalia (I masnadieri, Verdi) en la Scala de Milán o Manon (Manon Lescaut, Massenet) en la Metropolitan Opera de Nueva York, la soprano vuelve a Madrid para interpretar a la desdichada heroína de La traviata, la primera ópera postconfinamiento del Teatro Real. Se da la circunstancia de que Lisette Oropesa, en su primera actuación post-Covid, vuelve al escenario del Real para ponerse en la piel de Violetta Valery, el mismo rol con el que estaba cosechando un gran éxito en la Metropolitan Opera de Nueva York, tal y como reflejó The New York Times: “Lisette Oropesa hace suya La Traviata”, Anthony Tommasini (critic’s pick), cuando cerró sus puertas en plena emergencia mundial por el coronavirus.

Lisette Oropesa está nominada en la categoría de mejor Female Singer en la edición 2020 de los prestigiosos International Opera Awards, que se celebrarán en septiembre, y entre sus próximos compromisos destacan: la “Rossini Gala” de la Arena de Verona, Konstanze en Die Entführung aus dem Serail de Mozart en la Wiener Staatsoper, en una nueva producción de Hans Neuenfels, recitales en el Wexford Festival Opera, el Théâtre des Champs Elysées y el Smetana Hall de Praga, La Traviata de Verdi en la Metropolitan Opera de Nueva York, y la Premiere de Lucia di Lammermoor de Donizetti en la Opernhaus Zürich, con firma escénica de Tatjana Gürbaca.

https://lisetteoropesa.com/

Teatro de la Zarzuela

El deseo del Teatro es que esta nueva temporada sea un ansiado reencuentro: un gran abrazo colectivo del público con los artistas.

Se presentarán 9 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico, 5 producciones de gran repertorio y 6 nuevas producciones

Se ofrecerán 173 funciones, un 50% más desde la llegada de Daniel Bianco a la dirección

Se han reprogramado todos los espectáculos cancelados por la pandemia

  • Una de las líneas maestras de la programación es la figura de la mujer en la música española, dedicando íntegramente a las compositoras españolas el ciclo Domingos de Cámara Mujeres con Ñ, el recital de “Notas del Ambigú” Zarzuela en femenino y el concierto de Mujeres de Música, de Sole Giménez
  • El afianzado Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– volverá a ser una de las joyas de la temporada, y los proyectos didácticos suponen ya más del 20% de la programación
  • El ciclo de Conciertos incrementa su oferta con 13 propuestas de algunas de las más destacadas voces e instrumentistas de la lírica, el flamenco, el pop o la música popular
  • Los recitales del ciclo ‘Notas del ambigú’, que continúa vendiendo todas las entradas, ofrece 12 recitales, uno más que en la pasada temporada y más del doble que en su primera edición
  • Volverán, asimismo, el Teatro Musical de Cámara en coproducción con la Fundación Juan March y el ciclo de Lied, coproducido con el CNDM
  • Se mantienen los precios populares (4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto.

 

 

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2020/2021 cuyas 173 funciones suponen un aumento del 50% desde que Daniel Bianco recalara en el coliseo de la madrileña calle Jovellanos en 2015. Respecto a la nueva realidad que irremediablemente se deriva de la crisis sanitaria, el director del Teatro es optimista, confía en el futuro y asegura que “sí, son tiempos muy difíciles, pero aquí estamos para presentar una temporada que los haga más luminosos”. Una temporada que, según sus palabras, “pretende ser un gran abrazo que nos ofrezca ese calor en el corazón que enciende siempre la música española”.

Y pese al optimismo, el gestor no deja de ser cauto, porque así lo imponen las complejas circunstancias que debemos afrontar: “Más allá de nuestra ilusión y nuestro deseo, hemos escogido el camino de la prudencia, que es mejor consejera que la prisa”. En este sentido, recalca que sinceramente cree que “afrontar un futuro con optimismo, ilusión y prudencia allana el camino y disipa de alguna manera sus dificultades por grandes que sean.”

Bianco, que se ha mostrado siempre defensor a ultranza del teatro público, sostiene que, como tal, “esta es nuestra primera responsabilidad y nuestro compromiso prioritario: que la prudencia sea la que abra el Teatro el día 1 de octubre con el inicio de esta nueva temporada, garantizando así el estricto cumplimiento de todas las recomendaciones y normas que nos protegen del coronavirus.” Y es categórico al insistir que “debemos tener todas las garantías no solo de poder ofrecer espectáculos de la mayor excelencia, sino también la protección a nuestros artistas, a nuestros trabajadores y a nuestro público ante cualquier riesgo”.

Espectáculos reprogramados

Otra de las grandes preocupaciones del director de La Zarzuela es recuperar todos aquellos espectáculos que no han podido celebrarse por culpa de la pandemia. Por ello, desde el teatro de la zarzuela, “con el fin de paliar el enorme impacto de este parón obligatorio”, y siguiendo las directrices del INAEM y de su directora general, Amaya de Miguel, se han reprogramado todos los espectáculos cancelados. Algunos se podrán disfrutar en la temporada presentada hoy, y otros se retomarán en futuras temporadas ya comprometidas.

“El objetivo es proteger a nuestros artistas y ofrecerles un horizonte de esperanza porque nadie puede quedarse atrás”, explica Daniel Bianco, quien añade que “estamos muy felices de haberlo conseguido, y todo gracias a que somos un teatro público.”

Teatro online

En referencia a la intensa actividad online del mundo de la cultura en general y de los teatros en particular, dice que “este terrible virus ha atacado en su esencia misma el hecho teatral. Ha herido su raíz, su razón de ser”, y en consecuencia, opina, “el teatro ha buscado un recurso, una grieta para abrirse paso mediante las retransmisiones online”. Según su opinión, “es de agradecer esta posibilidad que nos brinda la tecnología, pero el teatro es mucho más, es un acto irrepetible, es ese momento fugaz en el que la vida del artista se conjuga con la del público. La música y la escena –prosigue– sólo florecen con el contacto humano y su milagro se hace presente cuando público y artistas comparten un mismo ritmo, un mismo canto, un mismo sueño y una misma respiración.”

Y eso que los números registrados en las redes sociales del Teatro de la Zarzuela en el periodo de confinamiento no son nada desdeñables: en Facebook se ha producido un crecimiento del 17,85% en el número de seguidores con un total de 1.800.000 impresiones y 485.883 reproducciones de vídeo. En Twitter la subida ha sido del 8,87% y el alcance de 784.500 impresiones; en YouTube las impresiones han sido 965.440 y la subida de suscriptores del 110% (el consumo principal del canal fueron las zarzuelas completas disponibles, así como conciertos retransmitidos en directo con anterioridad). Por último, a través de Instagram el Teatro ha alcanzado a 422.870 usuarios.

La Temporada

La Temporada 2020/2021, cuyo primer título lírico se presentará el 1 de octubre y se extenderá hasta el 18 de julio, presenta 9 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico –‘Marianela’, ‘Las calatravas’, ‘Benamor’ e ‘I Tre Gobbi’–, 5 producciones de gran repertorio –‘La tempranica’, ‘La vida breve’, ‘La del manojo de rosas’, ‘Luisa Fernanda’ y ‘El rey que rabió’y 6 nuevas producciones –‘La tempranica’, ‘Luisa Fernanda’, ‘Amores en Zarza’, ‘Benamor’, ‘El rey que rabió’ e ‘I Tre Gobbi’–.

Asimismo, crecen tanto el ciclo de conciertos (con 13 propuestas) como el de Notas del Ambigú (con 12 recitales) y se consolida el ciclo Domingos de Cámara protagonizado por músicos de la orquesta Titular del Teatro, ORCAM. De igual manera, continúan las colaboraciones ya veteranas con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el ciclo de Lied, y con la Fundación Juan March en el ciclo de Teatro Musical de Cámara.

En cuanto a las entradas, se mantienen los precios populares (de 4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto. Daniel Bianco manifiesta al respecto que esta es una de las funciones esenciales de un teatro público: ser “verdaderamente” el teatro de todos. Mantener esta escala de precios ”supone un enorme esfuerzo, un sacrificio que es absolutamente necesario”, indica.

LÍRICA

Comenzará la temporada con 14 funciones del espectáculo ‘Granada’, que reúne y aúna dos títulos especialmente representativos de nuestra lírica: Por un lado ‘La tempranica’, zarzuela en un acto de Gerónimo Giménez en una nueva producción del Teatro de la Zarzuela, y por otro, ese drama lírico que es ‘La Vida Breve’ de Manuel de Falla en una producción del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia. Los dos títulos tienen mucho en común: Una historia de amor, Granada como paisaje y que ‘La vida breve’ se miró en el espejo de ‘La tempranica’ por la admiración que Falla profesaba a Giménez. El texto del dramaturgo Alberto Conejero cuenta la historia de La Tempranica a través de tres encuentros imaginarios de los dos compositores a lo largo de sus vidas. Ambas propuestas escénicas están firmadas por Giancarlo del Monaco, y contarán con Miguel Ángel Gómez-Martínez en la dirección musical, escenografía de William Orlandi, vestuario de Jesús Ruiz y unos elencos encabezados por Nancy Fabiola Herrera, Ainhoa Arteta, Ana Ibarra, Virginia Tola, Rubén Amoretti, Javier Franco, Jorge de León o Francesco Pio Galasso; ‘Granada’ estará en cartel del 1 al 18 de octubre.

Tras este singular inicio, será el turno para la reposición de uno de los montajes más exitosos de la historia contemporánea del Teatro de la plazuela de Jovellanos: la producción de ‘La del manojo de Rosas’ ideada por Emilio Sagi en 1990, que supuso (entre otras muchas alegrías) el debut estelar y el descubrimiento de ese cantante único que es Carlos Álvarez. Para conmemorar los 30 años transcurridos desde entonces, el propio barítono malagueño encarnará al personaje de Joaquín en 6 de las 12 funciones del incontestable sainete lírico de Pablo Sorozábal, programadas del 10 al 22 de noviembre; con el director musical del Teatro, Guillermo García Calvo en el podio del foso, el reparto, además de con arlos Álvarez, contará entre otros con Ruth Iniesta, Raquel Lojendio, Gabriel Bermúdez, Vicenç Esteve, Enrique Baquerizo o Ángel Ruiz. La escenografía es de Gerardo Trotti y el vestuario de Pepa Ojanguren.

Los días 27 y 29 de noviembre el público podrá disfrutar de ‘Marianela’, la ópera en tres actos de Jaime Pahissa estrenada en el Gran Teatre del Liceu en 1923, cuyo libreto es una adaptación de la obra teatral escrita por Serafín y Joaquín Álvarez Quintero basada en la célebre novela del mismo nombre de Benito Pérez Galdós, precisamente en este año en que se celebra el centenario de la muerte del literato canario y universal acaecida en Madrid cuando contaba 76 años. El aficionado de hoy se enfrentará por vez primera a este más que interesante título que, como tantos otros, cayó en el más injusto de los olvidos y que se presenta en versión de concierto. Jaime Pahissa, pertenece a esa generación de músicos que, a pesar de su calidad, han quedado prácticamente olvidados. Como tantos otros, tuvo que abandonar España durante la Guerra Civil, y en su caso el destino fue Argentina. Óliver Díaz asumirá la dirección musical, y el reparto estará integrado por Adriana González, Paola Leguizamón, Alejandro Roy, Luis Cansino, Simón Orfila, Luis Méndez Silvagnoli y María José Suárez.

A continuación, el escenario revivirá el Madrid de mediados del siglo XIX (también aquella Extremadura que cierra la historia) para acoger las idas y venidas de una de las obras maestras indiscutibles de nuestra lírica: ‘Luisa Fernanda’ de Federico Moreno Torroba, con libreto de una de las parejas más prolíficas, exitosas e ilustradas del género, como son Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Programada en un principio para la Temporada 2019/2020, finalmente tuvo que ser pospuesta debido a la crisis sanitaria. El estreno de esta nueva producción promete ser todo un acontecimiento, y más si se tiene en cuenta que el Teatro de la Zarzuela y esta obra han estado estrechamente unidos desde 1934, dos años después de su estreno en el Teatro Calderón de Madrid. Dirigida musicalmente por Karel Mark Chichon y David Gómez-Ramírez, otro de los muchos atractivos de este proyecto es la visión que de esta obra tan popular como amada regalará el director de escena turinés Davide Livermore. La escenografía es de Giò Forma y el vestuario de Mariana Fracasso. Yolanda Auyanet, Maite Alberola, Jorge de León, Alejandro del Cerro, Juan Jesús Rodríguez, Javier Franco, Rocío Ignacio o Leonor Bonilla son algunas de las voces que conforman un doble reparto de absolutas campanillas. Las 14 funciones programadas irán del 28 de enero al 14 de febrero.

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dicen bien claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Por ello, como ya ocurriera en la anterior temporada, se recuperará un segundo título en versión de concierto. En esta nueva ocasión será ‘Las calatravas’, comedia lírica en tres actos de Pablo Luna. Estará dirigida en lo musical por Guillermo García Calvo, con un reparto integrado por Miren Urbieta-Vega, Lola Casariego, Lucía Tavira, David Menéndez, Andeka Gorrotxategi o Carlos Cosías y con el joven dramaturgo y actor Paco Gámez adaptando el libreto de Federico Romero y José Tellaeche en forma de narración. Se ofrecerán dos pases, el 12 y el 14 de marzo.

Será motivo de celebración la oportunidad de ver y escuchar ‘Benamor’. La recuperación de esta opereta en tres actos de Pablo Luna (cuya música magistral es una de las protagonistas indiscutibles de la temporada), completa la que se conoce como “trilogía oriental” junto a ‘El asombro de Damasco’ y ‘El niño judío’. Con libreto de Antonio Paso y Ricardo González del Toro, en esta ocasión en versión de Enrique Viana que también asume la dirección de escena, la obra que se estrenó en el mismo Teatro de la Zarzuela hace ahora 97 años tendrá entre los muchos valores de esta nueva producción la batuta de José Miguel Pérez-Sierra, la escenografía de Daniel Bianco, el vestuario de Gabriela Salaverri o la coreografía de Nuria Castejón, además de un luminoso doble reparto con Vanessa Goikoetxea, Susana Cordón, Carol García, Cristina Faus, Damián del Castillo, César San Marín, Gerardo Bullón, Irene Palazón, Amelia Font, Gerardo López, Francisco Javier Sánchez, Emilio Sánchez y el propio Enrique Viana. Serán diez funciones del 14 al 25 de abril.

Si hay que destacar a los mejores y más influyentes compositores del género de la zarzuela, en todas las listas sin excepción aparecerá entre neones el nombre de Ruperto Chapí. El escenario del Teatro de la Zarzuela volverá a acoger una nueva producción de ‘El rey que rabió’ 130 años después de su estreno en estas mismas tablas. La emoción está servida, puro Chapí (ese monstruo dominador a partes iguales de lo teatral y lo musical hasta el punto de convertir sus creaciones en un explosivo todo escénico) y un satírico libreto de Miguel Ramos Carrión y Vital Aza con alusiones veladas y no tanto a la España del momento, que expone las razones de por qué el público de zarzuela tan a menudo abandona la sala con una luminosa sonrisa. Será duro esperar todo un año para tener la oportunidad de disfrutar de los sobrados encantos de este título, y más si el equipo artístico lo integran nombres como el del maestro Iván López Reynoso –quien hace varias temporadas dirigió en este Teatro el concierto de Zarzuela de Javier Camarena–, Bárbara Lluch, la directora de escena que hizo posible el milagro operístico de ‘La casa de Bernarda Alba’ –con música y dirección de Miquel Ortega y ganadora del Premio Ópera XXI a la mejor producción de ópera de la temporada 2018/2019–, el del escenógrafo Juan Guillermo Nova, el de la figurinista Clara Peluffo o el del maestro de maestros iluminadores Vinicio Cheli. El doble reparto tampoco tiene desperdicio: Enrique Ferrer, Jorge Rodríguez-Norton, Rocío Ignacio, Sofía Esparza, María José Suárez, Carlos Chausson, Miguel Sola, José Manuel Zapara, Carlos Cosías, Igor Peral o José Julián Frontal. Serán 14 funciones del 3 al 20 de junio.

Con la presentación de estos 8 títulos el teatro seguirá siendo ejemplo único en la conservación, difusión y exhibición de nuestra lírica, tan fecunda como heterogénea.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus cuatro primeras temporadas (esta última irremediablemente mermada por la pandemia), el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal incrementa su oferta, y propone 13 conciertos con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Entre las propuestas, se incluyen los conciertos que en el presente curso no han podido celebrarse debido a la crisis sanitaria: este es precisamente el caso del de María Bayo. ‘Ecos barrocos’, en el que la siempre sorprendente y carismática soprano navarra presentará un programa que va desde José de Nebra, Sebastián Durón o Emanuele Ricón de Astorga, hasta Alessandro Scarlatti, Antonio Lotti, Händel o Vivaldi, acompañada por la orquesta barroca Vespres D’Arnadì (27 de septiembre); Celso Albelo, tenor de agudos conmovedores y admirable proyección, en este concierto el público podrá descubrir, además, una de sus facetas más desconocidas. Y es que este tinerfeño de nacimiento y convencimiento, alternará un programa de inmortales romanzas de zarzuela con canciones tradicionales de su venerada tierra (5 de octubre); la cantante Sole Giménez presenta ‘Mujeres de Música’, proyecto que reúne grandes canciones compuestas y escritas por mujeres con la intención de visibilizar el trabajo de la mujer en el mundo de la música (6 de octubre); el tenor Ismael Jordi, uno de nuestros cantantes más internacionales, invitado en las casas de ópera más importantes de Europa, celebrará con este concierto sus 20 años de carrera haciendo un repaso por alguno de los grandes títulos de nuestro patrimonio lírico y estará acompañado al piano por Rubén Fernández Aguirre (28 de noviembre); Rodrigo Cuevas es uno de los artistas de mayor impacto en los últimos años en el ámbito de la música popular que, con su rompedor y vanguardista concepto del folclore, combina lo popular de ayer y de hoy, lo rural y lo urbano. En esta ocasión, su espectáculo ‘Barbián’ cambiará el folclore por la zarzuela (30 de noviembre); el tradicional Concierto de Navidad, con el Maestro Víctor Pablo Pérez como director musical, a quien acompañarán la soprano Yolanda Auyanet y la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera (30 de diciembre); Amancio Prada. ‘Voces y huellas’, un recital antológico que muestra el amplio y variado horizonte de la poesía española de todos los tiempos. Encuentro y revelación de las huellas y voces que laten en su propio canto y que según el intérprete han trenzado el hilo de su vida de artista (2 de febrero); En ‘Navarra es música’, la soprano Sabina Puértolas, la mezzosoprano Maite Beaumont y el tenor José Luis Sola, acompañados por el pianista Rubén Fernández Aguirre, conducirán al público por un intenso y profundo viaje a través de la música de esa prolífica tierra (13 de marzo); Saioa Hernández y Francesco Pio Galasso, acompañados por el pianista Vincenzo Scalera: la soprano bautizada por su maestra Montserra Caballé como “la diva del siglo XXI”, vuelve junto con el tenor italiano al Teatro de la Zarzuela después de su debut en este escenario con ‘El Gato Montés’ en 2012 y del éxito rotundo de ‘Curro Vargas’ en 2014, y lo hace después de haberse labrado una trayectoria internacional de gran altura encarnando a las primeras figuras de la ópera en los teatros más relevantes del mundo (28 de marzo); Argentina. ‘La vida del artista’: desde su concepción del flamenco y las posibilidades que este arte permite, desde la alegría hasta la melancolía, pasando por otros estados de infinita profundidad, Argentina reivindica el arte y al artista de verdad en una época dura. En este proyecto hermana el flamenco, la canción, el fado, el tango, el teatro, la pintura, la literatura, la música clásica y en este concierto, además, también la zarzuela (20 de abril); Sonya Yoncheva, con dirección musical de Miquel Ortega: la soprano búlgara, una de las voces más aclamadas actualmente por la crítica internacional y el público de los más célebres escenarios de ópera del mundo, ha desarrollado un intrépido y exitoso itinerario artístico encarnando los principales y más arriesgados personajes de ópera, del Barroco al Verismo. Con este concierto, Yoncheva debuta en este teatro, único en el mundo, y suma la Zarzuela Grande a su exquisito repertorio poniendo así de relieve la creciente atracción y reconocimiento que nuestro género lírico suscita fuera de nuestras fronteras (29 de abril); Joaquín Achúcarro: el pianista universal celebra en el Teatro de la Zarzuela los 75 años de carrera transcurridos desde su debut como concertista siendo tan solo un niño de 13 años (8 de mayo); Lucero Tena y Xavier de Maistre: dos maestros se unen en este concierto para deleitarnos con algunas de las más hermosas perlas de la música española. Con el tañido apasionado y bizarro de las castañuelas, en irresistible conversación con el dulce y evocador sonido del arpa (23 de mayo).

Desde su creación, hace ya cuatro temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’. Esa es una de las razones por las que en la próxima temporada siga ofreciendo más del doble de recitales que al inicio del ciclo: en esta ocasión los protagonistas serán el guitarrista Ricardo Gallén con ‘Guitarra romántica’ (12 de octubre), la soprano Raquel Lojendio y el pianista Rubén Fernández Aguirre que rinden homenaje a Lorenzo Palomo, uno de nuestros más internacionales compositores (20 de octubre), el conjunto barroco La Ritirata dirigido por el violonchelista Josetxu Obregón con ‘Il Spiritillo Brando’ (1 de noviembre), el Trío Arbós con la tercera entrega de ‘Música de cámara’ (9 de noviembre), la violinista y violista Cecilia Bercovich, el pianista y bandoneonista Claudio Constantini y el violonchelista y guitarrista Sergio Menem, que ofrecen un concierto dedicado a la música palpitante e imperecedera del maestro José Padilla (24 de noviembre), la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajean a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias que la música profana y sacra ejercieron entre sí en tiempos en que las representaciones teatrales, que antes quedaban adscritas al ámbito litúrgico, comenzaban a tomar un carácter más profano para, poco a poco, salir ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer. El Teatro de la Zarzuela quiere dar así visibilidad a las mujeres que, a pesar de las dificultades para hacerlo y la ingratitud del olvido, se dedicaron a la composición de

zarzuelas y música española (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas representativas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra. Se trata de las lamentaciones del Profeta Jeremías compuestas por el prolífico maestro de capilla de la Catedral de Valencia, Pasqual Fuentes i Alcàsser (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, homenajeará a aquellos artistas, músicos y letristas que, desde el otro lado del Atlántico, lo sedujeron e inspiraron formando parte de su vida y de su bagaje artístico en ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

El CICLO DOMINGOS DE CÁMARA: MUJERES CON Ñ con solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, orquesta Titular del Teatro, y dedicado exclusivamente a la música española, irrumpe con fuerza y personalidad en su segunda temporada. El ciclo está dedicado en esta ocasión a música compuesta por mujeres. Para el Teatro de la Zarzuela es importante dar visibilidad a las mujeres compositoras que rara vez obtuvieron el merecido reconocimiento por su labor musical y cuyas obras han permanecido en la ingratitud del olvido. Con ello el Teatro quiere poner en valor a algunas de nuestras compositoras de los siglos XX y XXI como María Rodrigo, María Teresa Prieto, Pilar Jurado, Teresa Catalán, Zulema de la Cruz, Marisa Manchado, Rosa Alarcó o Diana Pérez Custodio entre muchas otras. Las cinco citas de esta edición serán: ‘Miradas cruzadas’ (18 de octubre), ‘Imágenes contemporáneas’ (15 de noviembre), ‘Navidad con Ñ’ (20 de diciembre), ‘Modernas y clásicas’ (14 de marzo) y ‘Hacer las Américas’ (6 de junio). Como el Teatro entiende que esta reparación no solo debe centrarse en la historia, sino también en el hoy, el ciclo acogerá cuatro estrenos absolutos de alumnas del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid: Laura de las Heras, Miriam Sanz Ortega, Amanda Garrido y Sofía Sainz.

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará su XXVII edición con 10 recitales: El barítono Florian Boesch (28 de septiembre), la soprano Juliane Banse (13 de octubre), la soprano Sabine Devieilhe (16 de noviembre), el tenor Matthew Polenzani (14 de diciembre), el barítono Florian Boesch (25 de enero) el barítono Christian Gerhaher (8 de febrero), el contratenor Bejun Mehta (15 de marzo), el tenor Christoph Prégardien (12 de abril), la soprano Núria Rial (17 de mayo) y de nuevo el barírono Florian Boesch (14 de junio), completan la propuesta de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a la formación y la información para ese amplio público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que, a su vez, deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que más del 20% de la programación del Teatro esté dedicada al público joven, y hasta tal punto la respuesta es positiva que la edad media de los espectadores del Teatro se ha reducido en las cuatro últimas temporadas en diez años: de 69 a 59 años.

En la nueva Temporada se ofrecerá un total de 36 funciones entre los tres espectáculos que conforman el proyecto didáctico.

El PROYECTO ZARZA, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone un éxito rotundo cada temporada. Desde que se iniciara hace ya cuatro, han ocupado las butacas del Teatro 26.000 espectadores de entre 12 y 18 años, que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’ y ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’, y otros 90.000 que pudieron verlos por ‘streaming’. Como no podía ser de otra forma, en la Temporada 2020/2021 el proyecto vuelve con fuerza y renovado: En él se presentará la nueva producción del Teatro ‘Amores en Zarza’, con música de Pablo Sorozábal, Gerónimo Giménez, Federico Chueca, Ruperto Chapí o José Serrano, entre otros grandes compositores de nuestro género. El texto será del novelista y dramaturgo Nando López, que en la presente temporada firmaba la versión de ‘Agua, Azucarillos y aguardiente’. Con dirección de escena de Rita Cosentino, musical de Miquel Ortega, escenografía y vestuario de Elisa Sanz, iluminación de Juanjo Llorens y coreografía de Nuria Castejón, el reparto estará formado, tal como ocurriera con los anteriores títulos, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañado por un conjunto musical de cámara. Las 13 funciones, cuatro de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 26 de febrero al 5 de marzo de 2021.

En la Temporada 2020/2021 se presentará, asimismo, un espectáculo didáctico participativo “intergeneracional e interactivo” que bajo el título ‘De la Z a la A’ se ha ideado para acercar la Zarzuela a un público poco habituado al género, desde la conexión entre la memoria musical de los abuelos y los lenguajes y estéticas audiovisuales de los nietos. Esta producción de Diabolus in Música es un espectáculo en el que cada función será única, diferente a cualquier otra por su carácter participativo, en el que la implicación e interacción del público determinará su desarrollo.

Y los proyectos didácticos vuelven a destacar un año más porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por cuarto año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’ y el éxito arrollador de ‘La increíble historia de Juan Latino’, volverá a nuestro Ambigú el teatro de títeres con música en directo. La propuesta será la reposición de este último título, coproducido por el Teatro y la Compañía Claroscvro, después de los 1.800 niños de entre 6 y 10 años que el pasado mes de enero llenaron día tras día sus 18 funciones. En esta ocasión serán otras 18 funciones (cuatro de ellas abiertas al público) del 9 al 19 de enero de 2021.

También enmarcado en los proyectos didácticos, el director de escena José Carlos Plaza, cuyo nombre, sinónimo de teatro con mayúsculas, es tan importante para este Teatro de la Zarzuela, ofrecerá clases magistrales a esa generación de cantantes españoles que necesita un Maestro de la escena para completar su formación. Del 6 al 13 de octubre de 2020. La última sesión se realizará abierta al público en la sala principal del Teatro.

DANZA

En la temporada próxima la danza será protagonista a través de las dos compañías nacionales: La Compañía Nacional de Danza presentará una nueva producción de ‘Giselle’ coreografiada y dirigida por su director artístico Joaquín de Luz a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli sobre la música de Adolphe-Charles Adam. Contará con la dirección musical de Oliver Díaz, dramaturgia de Borja Ortiz de Gondra, escenografía de Ana Garay, vestuario de Rosa García Andújar e iluminación y audiovisuales de Pedro Chamizo. Serán doce funciones del 9 al 22 de diciembre. Por su parte, el Ballet Nacional de España llega con el ESTRENO ABSOLUTO de ‘La bella Otero’, con música de Manuel Busto, Alejandro Cruz, Rubén Díaz y Agustín Diassera, coreografía y dirección de escena del director de la Compañía, Rubén Olmo, dirección musical del propio Manuel Busto, dramaturgia de Gregor Acuña-Pohl, escenografía de Eduardo Moreno, vestuario de Yaiza Pinillos e iluminación de Juan Gómez-Cornejo. Serán diez funciones del 7 al 18 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que prevalece cada año renovado de energía e intenciones es el dedicado al Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 10 al 18 de enero de 2021 se presentarán las siete funciones (tres de ellas escolares) de ‘I Tre Gobbi’ (‘Los tres jorobados’) de Manuel García, con libreto del propio músico sevillano del siglo XVIII basado en el intermedio de Carlo Goldoni. Se trata de una nueva coproducción entre ambas instituciones, que vuelve a demostrar que la suma de esfuerzos permite llegar más lejos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Rubén Fernández Aguirre, uno de los más destacados expertos en la obra de Manuel García, que también interpretará la música al piano. La dirección de escena es de José Luis Arellano, la escenografía de este y Pablo Menor, el vestuario de Ikerne Giménez y el reparto lo componen Serena Sáenz, David Alegret, David Oller y Javier Povedano. Como es habitual, las representaciones serán en la Fundación Juan March.

Riccardo Frizza

Riccardo Frizza, director musical del Festival Donizetti Opera con sede en Bérgamo (Italia), dirigirá el próximo 28 de junio la Messa da Requiem de Gaetano Donizetti a las puertas del Cementerio Monumental de la ciudad de la Lombardía en recuerdo y homenaje a las víctimas de la Covid-19. La pandemia golpeó duramente tanto a la ciudad como a toda esa región del norte de Italia. A la cita se espera contar con la presencia de las máximas autoridades del país encabezadas por el presidente de la República, Sergio Mattarella, velada en la que participarán intérpretes muy ligados al territorio como son la soprano Eleonora Buratto, la mezzosoprano Annalisa Stroppa, el tenor Piero Pretti y el bajo Alex Esposito junto al Coro y Orquesta Donizetti Opera.

Riccardo Frizza, director muy ligado a diferentes coliseos líricos españoles, afirmó que “el poder evocador de la música ayudará a celebrar este rito comunitario” con el que arranca la actividad cultural de la ciudad. “Antes de organizar cualquier iniciativa artística, lo que está muy arraigado en nuestra cultura, consideramos necesario brindar este homenaje a las víctimas y al dolor común que todos hemos sentido por la pérdida de tantos seres queridos. Para un acto de estas características el Requiem de Donizetti es la opción más adecuada, que será interpretado por artistas relacionados con el Festival Donizetti y con las ciudades de Bérgamo y Brescia, a quienes queremos agradecer su predisposición aceptando un caché simbólico”, afirma el maestro italiano.

La Messa da Requiem fue compuesta por Donizetti en 1835 tras la muerte de Vincenzo Bellini, a quien el compositor bergamasco profesaba una profunda admiración, y se interpretó por primera vez en la Basílica de Santa Maria Maggiore de Roma el 28 de abril de 1870, veintidós años después de la muerte del propio Donizetti.

En julio Riccardo Frizza –que la próxima temporada vuelve al Liceu de Barcelona para dirigir un concierto Donizetti junto a la soprano Sondra Radvanovsky y una producción de Otello– participará en el macroconcierto Il cuore italiano della Musica que organiza la Arena di Verona en el que participarán 25 cantantes y otros tres directores.

Web Riccardo Frizza

Web Donizetti Opera Festival

La Traviata

La traviata, de Giuseppe Verdi, estaba prevista en la presente temporada ─con la célebre producción del Festival de Salzburgo dirigida por Willy Decker─ en dos períodos: del 9 a 24 de mayo (10 funciones) y del 7 al 19 de julio (9 funciones).

Debido al estado de alarma decretado por el Gobierno de España, las representaciones de mayo no han podido realizarse, por lo que el Teatro Real está intentando reubicar en julio a las personas que habían adquirido sus entradas para esas fechas. Paralelamente, se recolocará a los espectadores de las funciones de julio afectados por la restricción del aforo, que será de 869 localidades, en cumplimiento de la normativa de seguridad sanitaria.

De las 19 funciones programadas se ha pasado a 27 con aforo reducido, que se ofrecerán del 1 al 29 de julio (el 6 y el 20 de julio no habrá función), con cuatro distintos repartos en la interpretación del trío protagonista: como Violeta, las sopranos Marina Rebeka, Ruth Iniesta, Ekaterina Bakanova, Lana Kos y Lisette Oropesa; como Alfredo Germont, los tenores Michael Fabiano, Ivan Magrì, Matthew Polenzani y Ismael Jordi; y como Giorgio Germont, los barítonos Artur Rucinski, Nicola Alaimo, Luis Cansino y Javier Franco.

Debido a las restricciones de movilidad provocadas por la crisis del coronavirus tanto en España como en los diversos países de procedencia de los cantantes ─que viajaron desde Estados Unidos, Austria, Croacia, Italia, Letonia, Polonia, etc.─, los ensayos han comenzado el 19 de junio con todos los solistas, con excepción de la soprano Lisette Oropesa, que llegará a Madrid el 13 de julio para participar en las funciones finales de la ópera.

Junto a los solistas actuarán el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Nicola Luisotti, que dirigirá su quinto título verdiano en el Teatro Real ─después de Il trovatore (2007), Rigoletto (2015), Aida (2018) y Don Carlo (2019)- y que volverá en septiembre con el sexto, Un ballo in maschera, que inaugurará la próxima temporada.

La producción de La traviata que se ofrecerá a lo largo del mes de julio ya no será la que estaba anunciada, con dirección de Willy Decker, ya que los cantantes, coro y orquesta deberán adecuarse a las directrices de seguridad sanitaria vigentes en la actualidad.

Para presentar una versión de la ópera que respete estas normas y que se pueda realizar con apenas 10 días de ensayos, pruebas de vestuario y caracterización, el director de escena Leo Castaldi ha ideado una versión de concierto semiescenificada, en colaboración con el iluminador Carlos Torrijos y el equipo técnico del Teatro Real, utilizando elementos de atrezzo, vestuario y caracterización procedentes de los fondos del Teatro.

Partiendo precisamente de la contundencia con la que la distancia de seguridad se está interponiendo entre nosotros, Leo Castaldi ha concebido una ‘escenografía’ marcada por un reticulado de cuadrados de 2 por 2 metros dibujados en el suelo y proyectados sobre los muros del escenario, ‘aprisionando’ psicológicamente a los personajes en sus espacios limitados. Los solistas, que guardarán una distancia mínima de 2 m. entre ellos se moverán en 100 m2, compartiendo el escenario con el coro, que ocupará 260 m2, y con la banda interna (grupo de 16 músicos que toca en el escenario), que utilizará, durante su actuación, 60 m2.

Para unificar y cohesionar la propuesta dramatúrgica sin un diseño previo de vestuario ni tiempo material para realizarlo, Castaldi ha optado por crear una atmósfera vintage, de mediados del siglo XX, en la que se utilizarán trajes del Teatro y de los propios intérpretes y elementos de atrezzo del mismo período.

En el foso, con su máxima dimensión de 140 m2, estará la orquesta con la plantilla completa de la partitura para interpretación de La traviata: 56 músicos tocarán con mascarilla, atril individual y con 1,5 m. de distancia entre ellos. Los instrumentistas de viento tendrán paneles de metacrilato estratégicamente colocados delante de sus instrumentos. Sobre el escenario tocará la banda interna con 16 profesores.

Para que los músicos puedan tener jornadas de descanso entre las 27 funciones, la Orquesta Titular del Teatro Real se desdoblará en dos tocando cada formación por períodos de 3 días consecutivos.

El Coro Titular del Teatro Real, con 51 cantantes, interpretará la ópera sobre tarimas, lo que permitirá la optimización del sonido, pese a la distancia de seguridad de 2 m. entre sus miembros. Ocuparán un área de 260 m2, con aproximadamente 24 m. de ancho por 11 m. de fondo.

La traviata se presentará en el Teatro Real en el contexto singular que todos estamos viviendo. La ópera se presentará con menos ensayos de los normales y con una propuesta escénica diseñada para adaptarse a las circunstancias. Todo el equipo del Teatro Real, así como los artistas y el Coro y Orquesta Titulares, asumen el reto con un enorme sentido de responsabilidad, mucha imaginación y una gran ilusión por dar un paso más hacia la normalización de la vida artística, animando al público y a la ciudadanía a afrontar con ánimo y espíritu positivo la nueva realidad en la que nos encontramos. Eso sí, todo se hará respetando escrupulosamente las directrices de las autoridades sanitarias del Gobierno de España y de la Comunidad de Madrid.

Traviata
Traviata

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro. En estos años Telefónica ha ampliado el número de funcionalidades y servicios de la web, reforzando el carácter interactivo y la comunicación con los usuarios. De este modo, ha permitido crear un catálogo de productos mucho más amplio -abarcando diferentes tipos de música- y accesible, con servicios más ajustados a las preferencias de los seguidores de esta institución. Un paso más dentro de este proyecto global ha sido My Opera Player, plataforma digital que permite a los amantes de la ópera, la danza y la música clásica disfrutar desde casa, con tan sólo un click, de las mejores producciones de éxito internacional.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

7 y 8 de julio, a las 18.30 y 21.00 horas | Fundación SGAE, Sala Berlanga

Cine: la Fundación SGAE programará un ciclo titulado Modelos de mujer en el que se proyectarán Yo soy la Juani de Bigas Luna y Nadie quiere la noche de Isabel Coixet. Dos películas sobre mujeres que, como Violetta Valèry, han transgredido los “roles femeninos” a los que por su condición social y/o momento histórico estaban abocadas.

Del 1 al 31 de julio | Museo del Romanticismo

Exposición: dentro de la iniciativa Una obra, una ópera, el Museo expondrá una maravillosa edición ilustrada de 1857 de La dama de las camelias, la novela que inspiró La traviata. De esta forma, el público que visite las salas podrá ver esta joya impresa que se custodia en la biblioteca del Museo.

A partir del 10 de julio | Museo Lázaro Galdiano

Audioguía: el Lázaro Galdiano ofrece al público del Teatro Real la posibilidad de descargarse un podcast exclusivo con el que conocerá las historias y leyendas que rodean a algunas de las mujeres que aparecen representadas en sus salas. Mujeres que, como la protagonista de La traviata, lucharon contra el destino que les dibujaron. Solicitud de código de descarga en educación@museolazarogaldiano.es

Fotografía: Javier del Real

ABAO Bilbao Ópera

El próximo sábado 20 de junio a las 19:00h se estrenará en la página web de ABAO de Bilbao Opera una emotivo espectáculo de despedida en abierto, que pondrá el broche de oro al escenario virtual #ABAOenCasa.

Esta iniciativa digital que la Asociación puso en marcha el pasado 15 de abril a través de su página web, ha ayudado a toda la sociedad a sobrellevar la situación excepcional provocada por la pandemia del COVID-19, fomentando el disfrute del bien esencial que constituye la cultura.

Ahora y cumplido su objetivo, #ABAOenCasa se despide a lo grande con un evento en abierto que reúne a 15 queridos y reconocidos artistas en un encuentro muy especial, lleno de cariño, talento y emoción. Un espectáculo que combina mensajes, experiencias y momentos artísticos, y que permanecerá vigente hasta el domingo 28 de junio.

Maestros de orquesta como Juanjo Mena la Pedro Halffter, grandes directores de escena como Emilio Sagi la Calixto Bieito y las voces de destacados intérpretes: Marco Berti, Juan Jesús Rodriguez, Joyce El-Khoury, Jessica Pratt, Ismael Jordi, Marko Mimica, Rocío Ignacio, Jorge de León, Xabier Anduaga, Vanessa Goikoetxea y Javier Camarena, se unen con ABAO Bilbao Opera en un espectáculo único que nadie debería perderse.

UN PROGRAMA PARA TODOS LOS GUSTOS

Durante estos meses la iniciativa ha obtenido una gran acogida entre los aficionados a la lírica, tal y como reflejan las más de 132.000 visitas registradas en la web de la Asociación y 290.000 visualizaciones en redes sociales. Miles de espectadores virtuales han podido disfrutar desde sus casas de diez grandes títulos de la lírica, cuatro conciertos, y momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación con nueve recopilatorios que han sumado 53 escenas memorables de 40 óperas y conciertos imprescindibles. También los más pequeños de la casa han podido divertirse online con siete espectáculos de las temporadas de ABAO Txiki.

En la vertiente cultural, los aficionados han compartido experiencias y nuevos enfoques sobre la ópera en 10 encuentros y conferencias de la mano de artistas, críticos y musicólogos.

Además, a este escenario virtual se sumaron dos nuevas propuestas: un programa especial para el canal de televisión interno del Hospital Universitario de Cruces dentro del proyecto “Ópera y +”, con el patrocinio de la Fundación Repsol y Petronor y la colaboración de obra social LaCaixa; y la retransmisión radiofónica de cuatro grandes títulos de ópera, recuperando así una tradición histórica de ABAO.

ABAO Bilbao Opera despide ahora esta iniciativa singular con un gran espectáculo de cierre para congregar a todos los aficionados a la lírica, y con la mirada puesta en el inicio de la 69 Temporada el próximo mes de octubre. La cita será con El turco a Italia Rossini, una de las óperas del compositor mejor valoradas con una historia de galanteo, encanto, enredos y mucha diversión, protagonizada por Paolo Bordogna y Sabina Puértolas.

Para celebrar la Fiesta Internacional de la Música y festejar el solsticio de verano después de los difíciles días de confinamiento, Opera Europa ofrecerá gratuitamente, desde su plataforma de ópera en streaming, el próximo domingo, 21 de junio, a las 19:00 horas, la Opera Vision Summer Gala, en la que se presentará una sucesión de breves recitales líricos desde ocho teatros de ópera europeos.

El Teatro Real dará a conocer una ópera olvidada del patrimonio lírico español, Don Fernando, el emplazado, de Valentín de Zubiaurre, que se ofrecerá íntegramente la próxima temporada, bajo la dirección musical de José Miguel Pérez Sierra. El barítono Damián del Castillo encarnará al desdichado Don Fernando, y el tenor Gerardo López, a Don Rodrigo, interpretando, junto con la pianista Patricia Barton, un fragmento de esta ópera romántica de abruptos contrastes muy aplaudida por el público del Real en el siglo XIX.

Ruth Iniesta, que será una de las cinco Violetas en las funciones de La traviata que tendrán lugar en julio en el Teatro Real, interpreta en la Gala el aria de Donna Anna, de Don Giovanni, “Crudele… Non mi dir”.

El prestigioso director de escena Kasper Holten, que en el Teatro Real dirigió La prohibición de amar, será el encargado de presentar la Opera Vision Summer Gala desde el Teatro Real de Dinamarca, del cual fue director artístico antes de asumir el mismo cargo en la Royal Opera House.

TEATROS DE ÓPERA INTÉRPRETES
Ópera Nacional de Holanda, Ámsterdam Eva-Maria Westbroek (soprano)

Thomas Oliemans (barítono)

Ernst Munneke (piano)

Vadim Tsibulevsky (violin)

Ópera Cómica de Berlín Alma Sadé (soprano)

Barrie Kosky (piano)

Festival de Glyndebourne Danielle de Niese (soprano)

Allan Clayton (tenor)

Matthew Fletcher (piano)

Teatro Real de Madrid Damián del Castillo (barítono)

Gerardo López (tenor)

Ruth Iniesta (soprano)

Patricia Barton (piano)

Ópera Cómica de París Jodie Devos (soprano)

Cyrille Dubois (tenor)

Marine Thoreau La Salle (piano)

Ópera de Roma Rosa Feola (soprano)

Roberto Frontali (barítono)

Ópera Real de Suecia, Estocolmo Nina Stemme (soprano)

Alan Gilbert (director musical)

Inese Klotina (piano)

The Royal Swedish Orchestra

Ópera Nacional de Polonia, Varsovia Andrzej Filończyk (barítono)

Katarzyna Sienkiewicz (piano)

Fotografía: Javier del Real

José Miguel Pérez-Sierra

El músico madrileño regresa al coliseo madrileño por partida doble, a cargo de Don Fernando, el Emplazado de Zubiaurre y de Viva la Mamma de Donizetti. Debido a la crisis sanitaria, retrasa su debut en Macerata, donde debería haber debutado con Don Giovanni este mes de julio.

El director José Miguel Pérez-Sierra estará en el podio de dos óperas en el curso 2020-2021 del Teatro Real de Madrid según pudo saberse a inicios de junio tras la presentación oficial de la próxima temporada del Teatro Real de Madrid. El maestro madrileño, además, dirigirá en dos auténticos acontecimientos. Por una parte se pondrá al mando de la esperada exhumación de la ópera Don Fernando, el Emplazado, del hoy olvidado compositor vizcaíno Valentín de Zubiaurre, título que se ofrecerá en versión de concierto (con funciones los días 15 y 17 de mayo de 2021) y que en su momento llegó a convertirse en una de las óperas españolas más importantes del siglo XIX. “Se trata de un título muy interesante e injustamente olvidado”, afirma Pérez-Sierra; ”Zubiaurre era un compositor de gran solvencia técnica y el público va a reconocer en la partitura un carácter muy verdiano, sobre todo del de la primera época y con tintes belcantistas; es sin duda una música bellísima y estoy seguro de que la recuperación de esta ópera dará muchas alegrías”.

Siempre en el Teatro Real, Pérez-Sierra también participará en el estreno en la capital española de la farsa de Donizetti Viva la Mamma o Le convenienze ed inconvenienze teatrali –título muy poco frecuente y nunca antes visto en Madrid– que llegará en la producción del aclamado director de escena Laurent Pelly que firma para la Opéra de Lyon, el Grand Théâtre de Ginebra y el coliseo español. Pérez-Sierra se muestra “encantado de poder trabajar junto a Laurent Pelly y de bajar finalmente al foso del Teatro Real tras mis dos comparecencias anteriores en concierto, tanto en el homenaje a Montserrat Caballé en 2014 como en la despedida de los escenarios madrileños de la soprano Mariella Devia en 2018”.

Por otra parte, el director madrileño, que este mes de julio tenía que dirigir Don Giovanni de Mozart inaugurando el Festival de Macerata, ha cedido la batuta al director musical del certamen italiano, Francesco Lanzilotta, debido a la situación excepcional ocasionada por la crisis sanitaria. La Associazione Arena Sferisterio, organizadora del Festival de Macerata, ha agradecido el gesto a Pérez-Sierra y lo ha invitado a dirigir uno de los títulos que se programarán durante el verano de 2021, todavía por determinar.

Además, en el próximo curso, José Miguel Pérez-Sierra dirigirá tanto ópera como música sinfónica en países como España, Italia y Alemania.

Más información

Sala principal del Palau de Les Arts. Fotografías Miguel Lorenzo / Mikel Ponce

La Orquestra de la Comunitat Valenciana, los artistas del Centre de Perfeccionament y el Cor de la Generalitat protagonizan las distintas sesiones.

Las localidades tienen un precio único de 5 euros y solamente se podrán adquirir a través de la web de Les Arts y en la línea 902 202 383.

El Palau de les Arts pone a la venta este lunes, 8 de junio a las 10.00 h, las entradas para el ciclo de conciertos y recitales ‘Torna a Les Arts’, con el que el centro cultural reanuda la actividad artística después del periodo de confinamiento.

Tras el concierto dedicado al personal sanitario el viernes, 12 de junio, la Sala Principal, acogerá, a partir del sábado 13 de este mismo mes, diez sesiones con diferentes propuestas a cargo de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, los artistas del Centre de Perfeccionament y del Cor de la Generalitat.

Los conciertos, con localidades con un precio único de 5 euros, tendrán una hora de duración, sin descanso, y se celebrarán los jueves, viernes y sábados, hasta el próximo 11 de julio.

En virtud de los protocolos sanitarios, las sesiones se comercializan con butaca numerada. y un aforo siempre ajustado a la normativa vigente. Les Arts recuerda que, dentro de su apuesta por fomentar la lírica y la música clásica para los más jóvenes, las sesiones de los viernes se reservarán exclusivamente a menores de 29 años.

Las entradas pueden adquirirse a través la página web de Les Arts, así como en el teléfono 902 202 383, que estará operativo de lunes a viernes de 10.00 h a 14.30 h. La compra mínima es de dos localidades contiguas. Las entradas individuales únicamente pueden solicitarse a través de la línea de venta telefónica.

La dirección artística de Les Arts ha adaptado las diferentes propuestas y programas musicales a los requisitos de la situación actual. Tanto la Orquestra de la Comunitat Valenciana, en agrupación camerística, como el Cor de la Generalitat, con una plantilla reducida, mantendrán en todo momento las exigencias de distanciamiento sobre el escenario.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana ofrecerá tres programas diferentes durante este ciclo: uno para instrumentos de cuerda, con páginas de Mozart, Dvořák, Barber y Chaikovski, otro dedicado exclusivamente a la sección de vientos, con obras de Donizetti, Gounod y Beethoven y una tercera propuesta para vientos y cuerdas con partituras de Cimarosa, Mozart y Haydn.

El Cor de la Generalitat, por su parte, en su única actuación el 2 de julio, interpretará obras de Victoria, Palestrina, Guerrero, Bach, Elgar, Bruckner, Poulenc y Fauré, entre otros, con el acompañamiento de Francisco Hervás al piano.

Los cantantes del Centre de Perfeccionament, acompañados por los pianistas José Miguel Román y Stanislav Angelov, interpretarán diferentes programas con arias y romanzas de ópera y zarzuela en sus respectivas sesiones.

Fotografía: Miguel Lorenzo / Mikel Ponce

ABAO Bilbao Ópera

ABAO de Bilbao Opera, principal referente lírico de Bilbao, da el primer paso hacia la normalidad cultural.

Una iniciativa privada que apuesta por la cultura de calidad

La actividad artística crece con nuevos estrenos y títulos que se incorporan al catálogo de la asociación

El emblemático proyecto Tutto Verdi alcanza su punto final con un estreno en Bilbao y una producción Premio Ópera XXI 2019

Grandes figuras de reconocido prestigio internacional protagonizan una temporada de la máxima calidad

La Fundación BBVA colabora con la creación cultural de ABAO como patrocinador principal de la temporada

El próximo 24 de octubre se inaugura la 69 Temporada de ABAO Bilbao Opera con nuevos proyectos, actividades y una programación que crece en nuevos títulos y programas sociales y culturales. La iniciativa privada, principal referente lírico y artístico de Bilbao, confirma su apuesta por una cultura de la máxima calidad.

Aplicando un estricto principio de prudencia al que las circunstancias actuales derivadas de la pandemia sanitaria obligan, ABAO reabre sus puertas y presenta una propuesta intensa, emocionante, variada, llena de novedades y que se llevará a cabo con todas las medidas de seguridad que sean necesarias, sin menoscabo de la calidad artística.

En este sentido, la Asociación trabaja con las instituciones públicas así como con las organizaciones de teatros líricos, en la búsqueda de las soluciones más adecuadas que permitan el normal desarrollo de la temporada de ópera de forma totalmente compatible con la seguridad de la salud. El Euskalduna Bilbao está en proceso de obtención de la certificación pertinente que avale su idoneidad como espacio seguro. La tradicional colaboración entre ambas instituciones contribuirá al éxito de la temporada y a potenciar la imagen de Bizkaia como un referente cultural. En paralelo, la Asociación prepara el diseño de posibles alternativas ante cualquier eventualidad o limitación, para garantizar el derecho de socios, patrocinadores y público en general, de poder asistir a las representaciones, siempre en condiciones de seguridad.

PRINCIPALES DESTACADOS DE LA NUEVA TEMPORADA

  • ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.
  • La nueva temporada trae grandes títulos del repertorio lírico como L’Elisir d’Amore y Tosca, obras prácticamente desconocidas en España como Alzira, títulos menos frecuentes como Samson et Dalila, y una joya por descubrir para el público bilbaíno: Il turco in Italia.
  • Entre las óperas y espectáculos programados, hay, 1 estreno absoluto, 5 estrenos en Bilbao, 2 coproducciones de ABAO y 6 nuevos títulos que se incorporan a la lista del repertorio de ABAO Bilbao Opera en sus 67 años de historia.
  • 3 producciones de las cinco que se presentan en la temporada general son estreno a nivel nacional,
  • Se ofrecen un total de 43 funciones: 26 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao y 17 para el público infantil y juvenil en la temporada Abao Txiki en el Teatro Arriaga, con 70.500 espectadores previstos.
  • El estreno en Bilbao de Alzira, pone en escena una coproducción de ABAO Bilbao Opera junto al Gran Teatro Nacional de Perú y la Opèra Royal Wallonie-Liège, que ha sido galardonada con el Premio Ópera XXI 2019 a la Mejor Producción de Ópera Latinoamericana.
  • El emblemático proyecto Tutto Verdi toca a su fin con la puesta en escena del título número 30 del catálogo verdiano, y un gran Concierto de cierre del programa.
  • Cinco grandes batutas visitan la nueva temporada: Christophe Rousset, Daniel Oren, Renato Palumbo, Oliver Díaz e Yves Abel para dirigir la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa y el Coro de Ópera de Bilbao, que amplían su repertorio consolidando el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.
  • Debutan 11 cantantes junto a destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo como: Ainhoa Arteta, Teodor Ilincai, Paolo Bordogna, Sabina Puértolas, Anna Pirozzi, Ekaterina Semenchuck, Joel Prieto o Elena Sancho Pereg.
  • ABAO TXIKI ofrece 4 producciones de distintos formatos para diferentes edades, todos estrenos en Bilbao. Tres de los espectáculos tendrán sesiones escolares con la participación de 2.700 jóvenes estudiantes de 34 centros educativos, reafirmando el compromiso de ABAO con la formación y su apuesta por acercar la ópera al público infantil y juvenil.
  • Celebramos en Abao Txiki el año Beethoven con el estreno absoluto de: El viaje de Ludi. Una nueva producción de ABAO Bilbao Opera pensada para acercar la música del compositor alemán a los más jóvenes en un año emblemático.
  • Se ofrecen más de 400 actividades gratuitas que incluyen charlas didácticas, talleres, coloquios y ciclos de conferencias con un alcance previsto de 41.400 beneficiarios.
  • Se refuerza el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años que les permite acceder a los espectáculos en cualquier función y en las mejores localidades disponibles por una tarifa plana de 25 y 30€.
  • Se consolida el programa “Ópera y +” en el Hospital de Cruces para pacientes, familiares y personal sanitario de las áreas de nefrología, pediatría, neonatología y oncología con actividades en torno a la ópera como vehículo integrador y terapéutico, con el patrocinio de Fundación Repsol y Petronor y la colaboración de Obra Social LaCaixa

69 TEMPORADA DE ÓPERA

La nueva temporada desarrolla un programa de la máxima calidad que incluye cinco grandes títulos de la historia de la lírica en los que se refleja el viaje de los sentimientos encontrados a través de la música.

Rossini, Verdi, Saint-Saëns, Donizetti y Puccini traen a la escena bilbaína dos títulos de repertorio L’elisir d’amore y Tosca, una ópera menos frecuente Samson et Dalila y dos estrenos Il turco in Italia y Alzira, título que clausura el emblemático proyecto de la Asociación bilbaína, Tutto Verdi.

Una nueva temporada en la que debutan once cantantes, un director musical y un director de escena, y que destaca con la presencia en el foso de cinco grandes batutas del ámbito internacional al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa y del Coro de Ópera de Bilbao, junto a ellos destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Gioachino Rossini

IL TURCO IN ITALIA

24, 27, 30 de octubre y 2 de noviembre 2020

  • Estreno en ABAO Bilbao Opera
  • En los roles principales Paolo Bordogna, Sabina Puértolas, Renato Girolam y Juan José de León
  • En escena una producción de Emilio Sagi, fresca, inteligente y llena de color que recrea el universo napolitano de los años 60
  • En el foso, el afamado clavecinista y director de orquesta Christophe Rousset al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa

Abre la temporada el estreno en Bilbao de Il turco in Italia de Gioachino Rossini una de las óperas del compositor mejor valoradas con una historia de galanteo, encanto, enredos y mucha diversión. La ópera bufa de Rossini ironiza sobre las diferentes formas de ver la sociedad y narra las desventuras de Selim, un príncipe turco con ganas de descubrir nuevos placeres en Italia.

En el reparto de esta ópera el barítono Paolo Bordogna, un auténtico especialista en papeles bufos, la soprano navarra Sabina Puértolas, la “Fiorilla de Sagi” con una intensa intervención actoral y vocal, el debut del barítono Renato Girolami y el tenor Juan José de León.

En el apartado musical el maestro y clavecinista francés Christophe Rousset, gran conocedor de este repertorio y uno de los directores más activos de la fonografía actual, se pone al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa para dirigir una partitura llena de seductores momentos, elevada inspiración melódica y ricas texturas.

En el escenario una producción de Emilio Sagi, de gran atractivo visual que traslada la acción al Nápoles de los años 50-60. Una propuesta teatral extraordinaria, fresca, moderna y chispeante, reflejada escenográficamente en una populosa calle napolitana donde no falta detalle. Armada por Daniel Bianco, muestra grandes edificios, plazas, tendales, tranvías y vespas, en una acertada recreación costumbrista llena de luz y color.

Giuseppe Verdi

ALZIRA

21, 24, 27 y 30 de noviembre de 2020

  • Estreno en ABAO Bilbao Opera
  • Alzira, último título del proyecto Tutto Verdi
  • Anna Pirozzi, Sergio Escobar y Juan Jesús Rodríguez en el trío protagonista
  • En la dirección musical el debut de Daniel Oren, director artístico del Teatro Giuseppe Verdi de Salerno
  • Coproducción de ABAO Bilbao Opera, Premio Ópera XXI 2019 a la Mejor Producción Latinoamericana

En noviembre se estrena Alzira, una de las óperas menos conocidas de Giuseppe Verdi, con cuya puesta en escena ABAO Bilbao Opera concluye el emblemático proyecto Tutto Verdi. Este proyecto se inició en 2006 y ha traído a la escena bilbaína 30 títulos del catálogo verdiano, ciclos de conferencias, grabaciones y publicaciones, en un programa cultural que ha durado 15 años, sin precedentes en todo el mundo.

Esta ópera étnica está inspirada en la obra de Voltaire ‘Alzira y los americanos’ y contiene todas las semillas que posteriormente harían célebre al genio de Busseto. Encontrar en el compositor más popular y representado del mundo una historia que se refiera al Perú y la época de la Conquista, resulta un atractivo añadido para una obra épica entre conquistadores y oprimidos, junto a un devastador triángulo amoroso.

Encabeza el trío protagonista la espléndida soprano napolitana Anna Pirozzi, una de las artistas con más relieve en el panorama lírico actual. A su lado el tenor Sergio Escobar, que recientemente ha triunfado en París sustituyendo a Roberto Alagna en el verdiano Don Carlo, y el siempre seguro barítono Juan Jesús Rodríguez.

En el foso el debut del maestro israelita Daniel Oren, heredero de la gran tradición italiana, director artístico del Teatro Giuseppe Verdi de Salerno, y cuya presencia es habitual en los grandes coliseos de todo el mundo como el Metropolitan de Nueva York, la Royal Opera House y la State Opera de Viena, para ponerse al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa.

La coproducción de ABAO Bilbao Opera, el Gran Teatro Nacional de Perú y la Opèra Royal Wallaonie-Liège ideada por el debutante en Bilbao Jean Pierre Gamarra, se diseñó en 2018 en el marco de las celebraciones por el Bicentenario de la Independencia del Perú y recientemente ha obtenido el Premio Opera XXI 2019 a la Mejor Nueva Producción Latinoamericana.

La puesta en escena traslada la acción a la Lima de inicios del siglo XX con vestuarios sofisticados de corte occidental, una escenografía minimalista, melancólica, donde la iluminación cobra especial importancia y otorga una sensación de tragedia, reclusión y claustrofobia, adecuada a esta trama de dominados y oprimidos. Una propuesta creativa de gran calidad y vigente en los temas que aborda, ya que pone sobre la mesa un combate dialéctico entre la américa europea y el americano dueño de la tierra, la lucha por la supremacía, el abuso sistemático de la Iglesia y el trágico destino de una mujer en un mundo guiado por las obsesiones del hombre.

Camile Saint-Saëns

SAMSON ET DALILA

23, 26, 29 de enero y 1 de febrero de 2021

  • ABAO recupera una de las óperas más significativas del repertorio francés, tras dos décadas de ausencia
  • Debut de Ekaterina Semenchuck, especialista en el repertorio de mezzosoprano dramática del siglo XIX
  • En el foso el emblemático director italiano Renato Palumbo al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa
  • Producción del debutante en ABAO Paul-Emile Fourny, estreno en España

Samson et Dalila de Camile Saint-Saëns, una de las óperas francesas más representativas del siglo XIX, abre 2021 veinte años después de su última reposición en ABAO. Este título de pasión y exotismo fusiona la historia bíblica y la ópera para narrar el duelo entre un hombre con apariencia de titán, y una mujer que lo arrastrará a la perdición cortándole el cabello, símbolo de su fortaleza.

En el dúo protagonista, debut de la rusa Ekaterina Semenchuck, una de las grandes mezzosopranos del momento que triunfa en los principales teatros del mundo y especialista en el repertorio del XIX; y el regreso del tenor Marco Berti tras su reciente éxito en La fanciulla del West de ABAO el pasado mes de febrero.

Para dirigir esta ópera de importantes episodios corales cuya partitura combina el color tímbrico de la orquestación con el rigor de la construcción musical, la batuta del gran maestro Renato Palumbo al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

El director de escena Paul-Emile Fourny escoge una lectura poco convencional de esta obra mitad oratorio, mitad ópera bíblica, donde privilegia y prevalece la acción dramática y el canto sobre la concepción escénica, respetando el carácter universal y atemporal de la historia. Muy puro, con gran inventiva y sin provocación, el regista enfoca la atención en los protagonistas. Grandes elementos móviles configuran una escena cambiante, más simbólica y abstracta que realista, que crea la atmósfera de opresión inherente a la obra y donde la iluminación ocupa un espacio relevante. El efecto de la caída del templo, es particularmente espectacular. El vestuario y las coreografías exponen espléndidas pinturas demostrativas de la acción.

Gaetano Donizetti

L’ELISIR D’AMORE

20, 23, 26, 27 (Opera Berri) de febrero y 1 de marzo de 2021

  • Una de las obras más populares de Donizetti y de las más queridas del público
  • Un reparto joven encabezado por Elena Sancho Pereg y Joel Prieto
  • En el apartado musical el destacado maestro Óliver Díaz al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa
  • Producción de Marina Bianchi, fresca, ágil y muy divertida, estreno a nivel nacional
  • XV edición del programa Opera Berri con un segundo cast en los roles principales y entradas al 50% de su precio habitual.

Vuelve en febrero una de las óperas más queridas por el público y una de las joyas más encantadoras de la ópera bufa del siglo XIX: L’elisir d’amore de Donizetti. Esta comedia sentimental ambientada en el País Vasco, es una de las cimas de la producción del maestro italiano, y posee una mezcla equilibrada entre la comedia y el drama, la profundidad y la sencillez, el romanticismo y la melancolía, con personajes arquetípicos inspirados en la commedia dell’arte.

Encabezan el reparto la joven soprano donostiarra Elena Sancho Pereg y el tenor madrileño Joel Prieto, que debuta en ABAO y cuya carrera se ha desarrollado con gran éxito en Estados Unidos, quien será el encargado de entonar la famosa aria “Una furtiva lagrima”. El barítono Pablo Ruiz y el bajo David Menéndez completan el cuarteto.

En el podio orquestal para dirigir una partitura con gran frescura e inspiración, el joven maestro Óliver Díaz, director musical hasta el pasado año del Teatro de la Zarzuela de Madrid, al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa.

En escena una producción estreno en España, divertida, fresca y ágil firmada por Marina Bianchi que resalta la juventud y el enamoramiento recreando una delicada escenografía al aire libre.

El 27 de febrero este título tendrá función Opera Berri. Esta iniciativa socio-cultural de ABAO Bilbao Opera, cumple su XV edición y tiene el objetivo de acercar la ópera a la sociedad, con títulos muy conocidos y entradas al 50% de su precio habitual. El dúo protagonista está encarnado por Itziar de Unda y Moisés Marín.

Giacomo Puccini

TOSCA

22, 25, 28 y 31 de mayo de 2021

  • Trío de estrellas protagonistas: Ainhoa Arteta, Teodor Ilincai y Roberto Frontali
  • Producción histórica y monumental, concebida por el reputado regista Mario Pontiggia
  • Yves Abel uno de los grandes maestros internacionales, al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa

La inmortal Tosca de Puccini, una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas y conocidas de la historia de la ópera, clausura en mayo la temporada.

En 1900 la obra supuso una revolución, abriendo una nueva página de la ópera italiana y el camino hacia un Puccini completamente maduro. El libreto esboza una estructura dramática perfecta, con unidad de tiempo, lugar y acción, y con una tensión dramática constante, que combina amor, intriga, violencia, pasión y muerte.

Floria Tosca, prima donna indiscutible en mostrar sus pasiones: amor, odio y los celos que la llevarán a la tragedia, será interpretada por la voz contundente y segura de Ainhoa Arteta, una de las sopranos dramáticas más populares del momento. Teodor Ilincai interpreta al impetuoso Mario Cavaradossi, uno de los papeles más apreciados en su repertorio, para abordar con maestría el anhelo lírico de “E lucevan le stelle”. Completa el trío protagonista Roberto Frontali en el papel de Vitellio Scarpia; el carismático barítono ha llevado al personaje del malvado barón a escenarios de todo el mundo.

En el apartado musical regresa a Bilbao Yves Abel, uno de los grandes maestros internacionales, para al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa poner música a una partitura de instrumentación colorista y de gran viveza.

La dirección de escena es del emblemático regista Mario Pontiggia, un director caracterizado por el rigor de sus propuestas. La magnífica escenografía, con un diseño histórico y monumental, actúa como una caja de resonancia apoyando el impresionante valor pictórico del conjunto escénico, proyectando al espectador en un espacio opulento, dominado visualmente por los símbolos de la Roma papal de 1800, sometida por la cruel policía del Vaticano entre fanatismo, violencia y pompa. Toda la escenografía es colosal, desde el corte en perspectiva de la cúpula de Sant’Andrea della Valle del primer acto, a los grandes elementos del Palazzo Farnese guarida del diabólico Scarpia, hasta el trágico epílogo en la terraza de Castel Sant’Angelo, donde el escudo de armas papal actúa como un trasfondo simbólico de la muerte de Tosca. El vestuario de Francesco Zito posee un gran esplendor, pertinencia cromática y elegancia.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

GRAN CONCIERTO TUTTO VERDI

  • Un gran espectáculo para cerrar en junio de 2021 el exitoso y emblemático proyecto Tutto Verdi
  • Artistas de renombre internacional pondrán el broche de oro a 15 años de un programa cultural sin precedentes

ABAO Bilbao Opera prepara un brillante y espectacular Concierto para cerrar en junio de 2021 el proyecto Tutto Verdi que la asociación desarrolla desde 2006, y que concluye con la puesta en escena de Alzira esta temporada.

Durante 15 años el proyecto ha representado 30 títulos con 120 funciones, se han organizado diez Semanas Verdi con la participación de más de 50 ponentes de distintas disciplinas, y se han publicado siete libros y editado cuatro DVDs y CDs. Todo ello conforma un programa cultural único en el mundo.

Para concluir este trascendental y extenso proyecto, ABAO prepara un evento único: un extraordinario concierto que contará con la presencia de seis destacados intérpretes del panorama internacional, junto a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y el Coro de Ópera de Bilbao. Más de 150 artistas en el escenario para representar un programa lleno de pasión, sentimiento y fuerza, con un recorrido a través de las obras más emblemáticas del maestro de Busseto, con interpretaciones de las escenas más conocidas y alguna sorpresa inédita en ABAO del compositor italiano predilecto de los aficionados bilbaínos.

XVI TEMPORADA ABAO TXIKI

  • Cuatro estrenos: Acróbata y Arlequín, El elixir de amor, El viaje de Ludi y el título en euskera Itsasotik eskolara
  • 17 funciones para públicos de diferentes edades y 18.100 espectadores previstos
  • 2.700 escolares de 34 centros educativos participan en las funciones escolares

La temporada de ópera pensada para despertar el interés cultural de los más jóvenes y ser disfrutada en familia, alcanza su decimosexta edición en el Teatro Arriaga con tres nuevos títulos estreno en Bilbao y un título estreno absoluto.

El estreno de Acróbata y Arlequín, un proyecto escénico-musical de La Maquiné inspirado en el universo del circo imaginario de la etapa rosa de Piccaso, y la música de las primeras vanguardias a través de los compositores Erik Satie y Francis Poulen, inaugura en octubre la temporada.

Una nueva producción estreno en Bilbao de El elixir de amor de Donizetti, ideada por el tenor Aquiles Machado, llega en enero para celebrar la Navidad. Machado ubica la historia en un mundo de fantasía que surge a partir de los libros que tanto gustan a una Adina niña. Desde su pupitre Adina imagina la historia cuya fantasía lleva a los protagonistas de esta historia a transformarse en héroes, heroínas y villanos de cuentos.

En marzo llega el estreno mundial de El viaje de Ludi, una producción de ABAO Bilbao Opera ideada por Ana Alcolea donde se combinan la magia de la música con la del teatro para, de la mano del maestro Beethoven, realizar un viaje por Europa descubriendo los diferentes aspectos de la historia de la música. Este título es un colofón a las celebraciones por el 250 aniversario del nacimiento del músico alemán.

Cierra la temporada en mayo el estreno en Bilbao de Itsasotik eskolara de la Quincena Musical Donostiarra. Un espectáculo músico-teatral infantil en euskera, hecho por y para niños, interpretado por el Coro Infantil Easo que se asienta sobre los pilares de la sostenibilidad creativa, ecológica y social y está compuesta por dos obras musicales de formato operístico: “Los cantos del mar” de Roger Calmel y “La maestra de escuela” de Georg Philipp Telemman.

La decimosexta temporada de ABAO TXIKI cuenta con un aforo previsto de 18.100 espectadores, y se afianza tanto en el aspecto artístico como en el educativo, con 2.700 alumnos de 34 centros que participan en las 3 funciones escolares, dentro del programa didáctico de ABAO Bilbao Opera, y se esperan 15.400 espectadores en las 14 funciones de sesiones en familia, que se desarrollan a través del programa social de la Asociación.

ACTIVIDADES CULTURALES

  • El ciclo El ABC de la Ópera presenta 5 nuevas ponencias en el Museo Bellas Artes
  • Opera Bihotzetik continua en DeustoForum con nuevas experiencias
  • 1.600 participantes previstos

ABAO Bilbao Opera mantiene un amplio programa cultural con actividades gratuitas y accesibles con el objetivo de acercar la ópera a todos los públicos creando espacios para la cultural y el arte.

El Programa Cultural se sustenta con actividades como el Ciclo El ABC de la Ópera con ponencias gratuitas en el Auditorio del Museo de Bellas Artes de Bilbao, donde participan más de 1.000 aficionados cada nueva temporada y que cuenta con ponentes de reconocido prestigio en el sector como Luis Gago, Rubén Amón o Eva Sandoval, entre otros

La iniciativa Opera Bihotzetik en Deusto Forum diseñada para todos los públicos, promueve de forma cercana y accesible el conocimiento de la lírica a través de la experiencia de grandes figuras. Esta temporada tendrá nuevos e interesantes encuentros con más de 600 asistentes previstos.

PROGRAMA SOCIAL

  • 31 años de programa didáctico en torno a la ópera
  • 422 actividades en 7 programas de actuación
  • Más de 28.000 beneficiarios
  • El programa “Opera y +” en el Hospital de Cruces amplía su alcance
  • Cientos de jóvenes participan de la iniciativa Gazteam Abao cada temporada

El Programa didáctico de ABAO, pilar de la institución y el más longevo del Estado inició su andadura hace 31 años. Se sustenta en una colaboración activa con 150 centros educativos que llega cada año a más de 17.000 asistentes que participan en 332 actividades programadas. El programa incluye las sesiones escolares de la temporada Abao Txiki y guías pedagógicas para docentes.

El programa “Opera y +” busca contribuir a través de la ópera al bienestar emocional de pacientes, familiares y personal sanitario de las áreas de nefrología, pediatría, neonatología y oncología del Hospital Universitario de Cruces, con el patrocinio de la Fundación Repsol y Petronor y la colaboración de Obra Social LaCaixa. Una actividad que en su quinta edición va a desarrollar 56 actividades en las que participarán más de 1.900 beneficiarios.

El programa Opera Berri, acerca un título cada temporada a 2.000 espectadores con entradas a mitad de su precio habitual. Esta temporada será el 27 de febrero, con L’elisir d’amore y las voces de Itziar de Unda y Moisés Marín en el dúo protagonista.

El programa para jóvenes menores de 30 años Gazteam Abao, cuenta con tarifas planas de 25 y 30€ para ir a la ópera en cualquier función o título y en las mejores localidades disponibles. Cerca de 500 jóvenes disfrutan de esta ventaja y participan en eventos, visitas y otras actividades.

El Programa Senior se diseña en colaboración con las aulas de la experiencia y los centros culturales de mayores tanto de universidades como de ayuntamientos de distintas localidades de Bizkaia, Gasteiz, Burgos o Santander. Charlas didácticas, visitas al teatro y asistencia a los ensayos generales, cuenta con 3.300 participantes.

Además, ABAO desarrolla un programa de inclusión y colaboración social para favorecer el acercamiento a la lírica y la cultura a personas con capacidades diversas o en situación de riesgo de exclusión, y colabora asiduamente con organizaciones como Caritas, Bakuba, Acción Familiar de Euskadi, ASEBI, Aspanovas, AECC, Avices, Asociación Hemofilia Euskadi, Hirikude, entre otras.

Teatro Real 20/21

“No podemos esperar que la normalidad llegue sola, tenemos que ser valientes”. Estas palabras del director del Teatro Real, Joan Matabosch, que son toda una declaración de intenciones, han acompañado la presentación de la próxima temporada del coliseo madrileño. Una programación que, como ha apuntado Matabosch, apenas ha sufrido variaciones con respecto a la que estaba prevista. Muchas novedades, óperas de repertorio y un buen número de artistas nacionales, son alguna de las características de esta nueva temporada.

En su 24ª temporada después de la reinauguración, el Teatro Real presenta una ambiciosa programación, capitaneando coproducciones con los más importantes teatros europeos, impulsando la creación actual, defendiendo el patrimonio musical español y ofreciendo grandes títulos del repertorio lírico con algunos de los cantantes más aclamados mundialmente en sus respectivos repertorios.

Entre los 15 títulos de la PROGRAMACIÓN DE ÓPERA, que se extiende del siglo XVII a la actualidad, habrá 7 nuevas producciones del Teatro Real ─Rusalka, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Norma, Viva la Mamma! y los 2 estrenos mundiales Marie y Tránsito─; 4 producciones invitadas ─Un ballo in maschera, Don Giovanni, Siegfried y Tosca─; y 4 óperas en versión de concierto: El nacimiento del Rey Sol, Elektra, Don Fernando, el emplazado y Orlando Furioso.

Esta temporada es posible gracias al apoyo de todos los patrocinadores del Teatro Real y en especial a Telefónica, como mecenas principal tecnológico; a Endesa, como mecenas principal energético; y a Fundación BBVA y a Fundación Santander, como mecenas principales.

Nuevas producciones del Teatro Real

  • Por su proyección internacional, destacan dos nuevas e importantes coproducciones europeas que se estrenarán en el Teatro Real antes de presentarse en los demás teatros coproductores: Rusalka, de Antonin Dvořák (Ivor Bolton/Christof Loy), coproducida con los teatros de ópera de Dresde, Bolonia, Barcelona y Valencia; y Peter Grimes, de Benjamin Britten (Ivor Bolton/Deborah Warner), coproducción con la Royal Opera House de Londres, Ópera de París y Ópera de Roma.

 

  • La popular ópera romántica checa Rusalka se presentará por primera vez en el reinaugurado Teatro Real con dirección de escena de Christof Loy, artífice del gran triunfo de Capriccio, de Richard Strauss, la pasada temporada. Con la complicidad de Ivor Bolton, responsable de la dirección musical, Loy volverá a explorar un universo mítico y misterioso teñido de trágicas resonancias y poblado por ninfas, duendes, príncipes y princesas que entonan bellas melodías y a los que darán vida dos repartos encabezados por Asmik Grigorian y Olesya Golovneva, que estarán acompañadas por Karita Mattila y Alexandra Deshorties; Eric Cutler y David Butt Philip; Katarina Dalayman y Okka von der Damerau, Maxim Kuzmin-Karavaev y Steven Humes.

  • Peter Grimes volverá a reunir a Ivor Bolton (dirección musical), Deborah Warner (dirección escénica) y Michael Levine (escenografía), después del grandísimo éxito obtenido con la premiada producción de Billy Budd, también de Britten, en la que trabajaron juntos. Contarán nuevamente con un reparto coral encabezado por Allan Clayton, Maria Bengtsson y Christopher Purves, en esta obra maestra que habla del poder destructivo de una sociedad hipócrita e inclemente.

Peter Grimes volverá al Teatro Real después de 23 años, ahora con la participación de su Coro y Orquesta Titulares, ya que en 1997 la ópera fue presentada con los cuerpos estables del Teatro de La Monnaie.

  • Otra importante coproducción internacional, Lessons in Love and Violence, de George Benjamin ─encargo conjunto y coproducción del Teatro Real con las Óperas de Londres, Ámsterdam, Hamburgo, Lyon, Chicago y Barcelona─ culminará la presentación en Madrid de las óperas de este genial compositor, después del enorme éxito de Written on Skin (2016) e Into the Little Hill (2019).

La ópera, creada como las anteriores en parcería con el dramaturgo Martin Crimp, parte del drama isabelino Edward II, de Christopher Marlowe, para adentrarse en el sórdido y tortuoso camino de ascenso al poder como una perversa espiral de la que nadie se salva, reflejada con agudeza en la puesta en escena de Katie Mitchell, muy elogiada por la crítica internacional en su estreno en la Royal Opera House de Londres hace dos años. Josep Pons, director musical del Gran Teatre del Liceu de Barcelona, dirigirá la ópera en ambos teatros. Entre los solistas destacan Stéphane Degout, Gyula Orendt y Georgia Jarman.

  • Dos estrenos mundiales de compositores españoles de distintas generaciones reafirman el compromiso del Teatro Real con la creación actual. Marie, de Germán Alonso, con libreto y dramaturgia de Lola Blasco, indaga sobre la lucha de una mujer por su libertad sexual partiendo del personaje de Woyzeck de Georg Büchner, presente en la ópera de Alban Berg. Se presentará en el Teatro de la Abadía, con puesta en escena de Rafael Villalobos y la participación de los cantantes Xavier Sabata, Jordi Domènech, Nicole Beller Carbone y Valentina Coladonato, que actuarán con el Ensemble Proyecto Ocnos bajo la dirección del compositor.

Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres, es una incursión al universo de los exilados republicanos españoles después de la segunda guerra mundial, en un tiempo de dudas y decepciones evocadas en el desgarrador drama homónimo de Max Aub. La ópera se estrenará en Naves Matadero, con Lydia Vinyes-Curtis, Isaac Galán, María Miró, Javier Franco y José Manuel Sánchez; dirección de escena de Eduardo Vasco y dirección musical de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

  • El Teatro Real estrenará una nueva producción de Norma, de Vincenzo Bellini, con dirección musical de Maurizio Benini y dos repartos de grandes voces en el que se alternarán en el rol titular Yolanda Auyanet y Hibla Gerzmava, secundadas por Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa; Michael Spyres y John Osborn; y Roberto Tagliavini y Fernando Radó, en los papeles principales.

La dirección de escena será de Justin Way, quien, junto con el reputado escenógrafo Charles Edwards, ha concebido un montaje minimalista y de fuerte poder simbólico preparado para una fácil itinerancia. El Real pasará así a contar con una producción propia de esta ópera icónica del belcantismo romántico, con flexibilidad para ser adaptada a diferentes espacios, como el del Festival de Ljubljana, donde subirá a escena cinco meses después de su estreno en Madrid, en una gira del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

  • Viva la Mamma!, nueva producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Lyon y Ginebra, es el nombre acuñado por el director de cine Helmut Käutner al dramma giocoso de Gaetano Donizetti Le Convenienze ed Inconvenienze Teatrali, que se estrenará en Madrid con una puesta en escena hilarante e ingeniosa firmada por Laurent Pelly y aclamada por público y crítica desde su estreno. En su satírico enredo, que desvela la trastienda de un ensayo de ópera donde desfila una galería de personajes caricaturescos, destaca el de la histriónica Mamma Agata, madre de la seconda-donna, cuyo disparatado papel Donizetti adjudicó a un barítono y que será interpretado en el Real por Carlos Álvarez y Luis Cansino, al frente de ambos repartos. Le acompañarán Sabina Puértolas, Borja Quiza, Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz, Xabier Anduaga, Carol García y Enric Martínez-Castignani, bajo la dirección musical de Evelino Pidò.

Producciones invitadas

  • Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, inaugurará la temporada con una producción procedente del Teatro de la Fenice, en la que el director de escena Gianmaria Aliverta reivindica la ambientación estadounidense ideada por los libretistas de Verdi para sortear la censura.

Nicola Luisotti, principal director invitado del Teatro Real, dirigirá dos repartos de grandes voces verdianas, que se alternarán en los papeles protagonistas: Michael Fabiano, Ramón Vargas, Anna Pirozzi, Tatiana Serjan, Artur Rucinski, George Petean, Daniela Barcellona, María José Montiel, Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí.

  • Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart traerá al Real la aclamada puesta en escena de Claus Guth, en la que Don Giovanni, asestado desde el inicio de la ópera por un golpe mortal, rememora, agonizante, los episodios de su vida disoluta en un ambiente tenebroso e inquietante.

Ivor Bolton, eximio director mozartiano, estará al frente de dos repartos con Christopher Maltman y Adrian Erod; Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno; Mauro Peter y Airam Hernández; Anett Fritsch y Federica Lombardi; Erwin Schrott y Marko Mimica; en los papeles protagonistas.

  • Con Siegfried proseguirá la tetralogía El anillo del nibelungo, de Richard Wagner, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y la perturbadora y reivindicativa producción de Robert Carsen y Patrick Kinmonth protagonizada por un selecto reparto wagneriano: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler, Ricarda Merbeth y Ronnita Miller, entre otros.

 

  • Tosca, de Giacomo Puccini, con Nicola Luisotti en la dirección musical, cerrará la temporada con una producción concebida por Paco Azorín, responsable de la dirección de escena y escenografía del drama pucciniano, que fluye de manera directa y eficaz, dejando espacio a la expresión de los personajes, que serán encarnados por tres repartos de estrellas y que traerán a Madrid a Sondra Radvanovsky, Maria Agresta, Anna Netrebko, Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazof, Jonas Kaufmann, Carlos Álvarez y Luca Salsi.

Óperas en versión de concierto

  • En el marco de la defensa del patrimonio musical español se rescatará del olvido una ópera romántica que triunfó en el Teatro Real en el siglo XIX, Don Fernando, el emplazado, de Valentín de Zubiaurre con revisión del gran experto verdiano Francesco Izzo y la colaboración del ICCMU, Instituto Complutense de Ciencias Musicales. José Miguel Pérez Sierra será el encargado de dirigir la partitura al frente de un reparto en el que destacan José Bros, Miren Urbieta Vega, Damián del Castillo, Fernando Radó y Cristina Faus, entre otros.

 

  • La ópera barroca estará representada por dos propuestas muy diversas, ambas en versión de concierto y con cantantes y orquestas especializadas en ese repertorio. El nacimiento del Rey Sol (Le Ballet Royal de la Nuit), deliciosa ‘miscelánea’ de ópera y danza del siglo XVII concebida por varios compositores, será recreada por el Ensemble Correspondances dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé. Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi, será interpretada por la versátil agrupación griega Armonia Atenea, con la impronta de su multifacético y premiado director George Petrou, reconocido experto en el universo barroco.

  • Finalmente, se ofrecerá una única función de Elektra, de Richard Strauss, con la Philharmonia Orchestra, que actuará junto a un impactante trío femenino ─Irene Theorin, Lise Davidsen y Anna Larsson─, bajo las órdenes del célebre director finlandés Esa-Pekka Salonen.

  • La PROGRAMACIÓN DE DANZA traerá al Teatro Real 3 compañías que representan a diferentes universos coreográficos y estilísticos. El Ballet de Múnich interpretará Giselle, en la versión de Peter Wright revisada por su actual director, Igor Zelensky. La Compañía Nacional de Danza presentará tres obras: Apollo, de George Balanchine; Concerto DSCH, de Alexei Ratmanski; y White Darkness, de Nacho Duato. Y el Real Ballet de Flandes ofrecerá el estreno absoluto de una nueva versión de la obra In memoriam, concebida por su director, Sidi Larbi Cherkaoui.

 

 

  • Completan la programación musical el ciclo de 7 conciertos los DOMINGOS DE CÁMARA protagonizados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real; el Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real en conmemoración del 250º aniversario de Ludwig van Beethoven, en el que la Mahler Chamber Orchestra y el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, bajo la dirección de Gustavo Dudamel, interpretarán la arrebatadora 9ª Sinfonía; y el Concierto del Concurso tenor Viñas, protagonizado por los ganadores de su 58ª edición, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Álvaro Albiach.

 

  • ÓPERA EN CINE, con una programación articulada con las producciones de la temporada, ofrecerá en la sala principal 4 óperas grabadas en su escenario: Faust, de Charles Gounod (Dan Ettinger/Àlex Ollé); Il travatore, de Giuseppe Verdi (Maurizio Benini/Francesco Negrín); y las premiadas producciones de Benjamin Britten Billy Budd (Ivor Bolton/Deborah Warner) y Gloriana (Ivor Bolton/David McVicar).

 

  • Conforman la programación infantil y juvenil de EL REAL JUNIOR 8 espectáculos de distintos formatos ─música, danza, cine, títeres, marionetas, teatro de sombras, cuentos musicales, etc.─ concebidos para diferentes edades, de los cuales 3 son producciones propias y 5 nuevas producciones que se verán por primera vez en el Teatro Real y un total de 83 funciones destinadas al público familiar y a centros escolares.

 

  • La temporada de EL REAL JUNIOR arranca con la Gala ¡Todos a la Gayarre!, esta vez en la Sala principal, que evocará los momentos estelares de los 70 talleres infantiles realizados durante 9 años con este exitoso ciclo concebido por Fernando Palacios, que ofrecerá otras nuevas 18 funciones familiares en la acogedora Sala Gayarre, íntimamente relacionadas, como siempre, con las óperas programadas. Le seguirán una inspirada versión de la Historia de un soldado, de Igor Stravinsky, con coreografía y dramaturgia de Ferran Carvajal e interpretación de los solistas de la JORCAM; el mágico espectáculo de títeres y circo Totolín-Entredós, creación de la compañía Etcétera Teatro; la celebrada versión cinematográfica (premiada con un Oscar en 2011 a la mejor película de animación) de Pedro y el Lobo, de Serguéi Prokofiev, con interpretación de la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Luis Miguel Méndez; los Cuentos al calor del hogar, creación para marionetas y teatro de sombras sobre cuentos de los hermanos Grimm concebida por la compañía Karromato de Praga; el concierto Al piano… ¡Johann Sebastian Jazz! con un diálogo a dos pianos entre Alexis Delgado e Iñaki Salvador en la Sala de orquesta; la poética propuesta Una sonrisa sin gato (suite) inspirada en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Caroll, con música del compositor José Luis Greco e interpretación de los solistas de la JORCAM; y, finalmente, el divertido Festival Real Junior para celebrar por todo lo alto el inicio de las vacaciones de verano, con la complicidad del Coro y Orquesta de la JORCAM y de invitados sorpresa, bajo la dirección de Rubén Gimeno.

  • El PROGRAMA DE FORMACIÓN se incrementa y diversifica notablemente en la próxima temporada, y abordará tanto formación presencial como online.

En el apartado de La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 6 talleres: Un ballo in maschera, Siegfried, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Viva la Mamma! y Tosca. Asimismo, también en estrecha relación con la temporada, se ofrecerán 4 cursos monográficos: Comprender a… Mozart, Benjamin Britten, George Benjamin y el teatro musical norteamericano.

  • Para aquellos que quieran iniciarse o ampliar su cultura operística, el Teatro Real ofrece 4 cursos de conocimientos sobre la ópera, 1 sobre Historia de las voces y 3 alrededor de Conceptos fundamentales: Desde el inicio hasta el siglo XIX, La ópera romántica y La ópera contemporánea; y también 3 cursos interdisciplinares: El papel de las mujeres en la historia de la ópera, Didáctica de las artes escénicas y Música e inteligencia emocional.

 

  • Proseguirán los cursos para estudiantes de educación superior dentro del programa La Universidad a Escena y se han diseñado 3 cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura: Ópera y liderazgo: el arte de trabajar con equipos de alto rendimiento, Fotografía de escena y Regiduría y protocolo.

 

  • Además de estas propuestas formativas, el Teatro Real ha creado EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, que contará con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

 

  • Paralelamente a estos programas, el Real ha ideado, como en las temporadas precedentes, una riquísima programación de ACTIVIDADES PARALELAS a cada producción operística, con la colaboración de prestigiosas instituciones culturales como (por orden alfabético): ACNUR, Biblioteca Nacional, Biblioteca Regional de Madrid, British Council, Centro Checo de Cultura, Círculo de Bellas Artes, Fundación SGAE, Instituto Internacional, Instituto Polaco de Cultura, Museo Arqueológico Nacional, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo de Artes Decorativas, Museo Lázaro Galdiano, Museo Nacional de Escultura, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Museo Naval, Museo del Romanticismo, Residencia de Estudiantes, Rutas del Emperador Carlos V y Universidad Nebrija.

 

  • Dentro de este permanente diálogo con diferentes formas de expresión artística y lenguajes musicales, tendrá lugar la sexta edición del UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL, en verano, y la tercera edición del ciclo FLAMENCO REAL, con actuaciones a lo largo de toda la temporada en el Salón de Baile del Teatro Real.

 

  • El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones y la ampliación del catálogo de MyOperaPlayer, plataforma audiovisual internacional creada y tutelada por el Teatro Real, que ofrece grabaciones procedentes de un gran número de teatros de Europa, América y Asia.

 

  • Finalmente, en el marco de su AULA SOCIAL, el Teatro Real sigue acogiendo durante todo el curso a niños en situaciones desfavorables, ya sean físicas, psíquicas o sociales, con un programa que utiliza la música como vehículo integrador y terapéutico, desarrollado con el apoyo de la fundación Acción Social por la Música.

DATOS Y CIFRAS

PROGRAMACIÓN

  • FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 234 funciones: 122 funciones de ópera, repartidas entre 15 títulos; 12 funciones de danza con 3 diferentes espectáculos; 13 conciertos de distintos formatos; 5 conciertos de Voces del Real; 6 conciertos de Los domingos de cámara, 2 conciertos extraordinarios; 83 funciones de El Real Junior y 4 proyecciones de Ópera en Cine.

  • PRODUCCIONES DE ÓPERA | Se ofrecerán 7 nuevas producciones del Teatro Real ─Rusalka, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Norma, Viva la Mamma!, incluyendo los 2 estrenos mundiales, Marie y Tránsito─; 4 producciones invitadasUn ballo in maschera, Don Giovanni, Siegfried y Tosca─; y 4 óperas en versión de concierto: El nacimiento del Rey Sol, Elektra, Don Fernando, el emplazado y Orlando Furioso.

 

  • PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina Un ballo in maschera; Fundación Santander patrocina Rusalka; Endesa patrocina Don Giovanni y Norma; la Junta Amigos del Teatro Real patrocina Elektra y Viva la Mamma!; y la Fundación BBVA patrocina Peter Grimes y Tosca.

 

  • ÓPERAS POR SIGLOS | Habrá 1 ópera del siglo XVII (El nacimiento del Rey Sol); 2 óperas del siglo XVIII (Orlando Furioso y Don Giovanni); 5 óperas del siglo XIX (Viva la Mama!, Norma, Un ballo in maschera, Siegried y Don Fernando, el emplazado); 4 óperas del siglo XX (Rusalka, Tosca, Elektra y Peter Grimes); y 3 títulos del siglo XXI (Lessons in Love and Violence, Marie y Tránsito).

 

  • ÓPERAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS | Se presentarán 4 óperas italianas; 3 óperas españolas, 3 óperas germánicas (1 de ellas, Don Giovanni, en italiano); 2 óperas inglesas, 1 ópera francesa y 1 ópera checa.

 

  • DANZA | Habrá 12 funciones protagonizadas por 3 compañías, con 4 funciones para cada una.

 

  • EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está composta por 83 funciones, divididas entre 26 escolares y 57 familiares, incluyendo 18 talleres ¡Todos a la Gayarre!.

 

  • PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 6 talleres de Ópera al Descubierto, 4 cursos monográficos, 4 cursos de conocimientos generales sobre la ópera, 1 curso de Historia de las voces, 3 cursos sobre Conceptos fundamentales de la historia de la ópera, 3 cursos interdisciplinares, 3 cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura y 1 edición del programa La Universidad a Escena.

 

  • ACTIVIDADES PARALELAS | En torno a cada producción de ópera se han organizado 75 actividades con la colaboración de 20 instituciones culturales, que serán ampliadas a lo largo de la temporada

LOCALIDADES Y ABONOS

LOCALIDADES Y ABONOS | Se pondrán a la venta cerca de 255.000 localidades (incluyendo las de los abonos) de la próxima temporada.

CATEGORIAS DE ABONOS DE ÓPERA | Se ofrecen 2 turnos de abonos de 10 óperas, 5 turnos de abonos de 9 óperas (uno en fin de semana), 1 turno de abono de 7 óperas, 3 turnos de abonos de 6 óperas (uno también en fin de semana), 2 turnos de abonos de 5 óperas y 2 turnos de abonos (Selección I y II) de 3 títulos populares.

ABONOS DE DANZA | Se ofrecen 4 turnos de abonos de danza con 3 espectáculos cada uno.

ABONO DE ‘VOCES DEL REAL’ | Se ofrece 1 turno de abono de 3 conciertos.

ABONOS DE ‘DOMINGOS DE CÁMARA’ | Se ofrece 1 turno de abono de 7 conciertos (incluye el Concierto Viñas)

ABONOS DE ‘ÓPERA EN CINE’ | Se ofrece 1 turno de abono de 4 proyecciones.

ABONOS DE ‘EL REAL JUNIOR’ | Se ofrecen 3 modalidades de abonos distintos con funciones de fin de semana: 2 turnos para la sala principal en sábado y domingo con 3 espectáculos; 2 turnos para la Sala Gayarre y Sala de Orquesta con 4 espectáculos también en sábado y domingo; y el abono dominical ¡Todos a la Gayarre! en turno matutino y vespertino.

EL REAL JOVEN | El compromiso con los jóvenes se refuerza con nuevas y ampliadas iniciativas como la primera Gala inaugural de la temporada para jóvenes con Un ballo in maschera a precios especiales el 16 de septiembre. También se crea la Butaca Joven, con más de 5.000 entradas en butacas para jóvenes distribuidas en Platea, Principal y Entresuelo, que tendrá una venta preferente para Amigos jóvenes y para resto de jóvenes hasta 35 años antes de la salida a la venta al público. Los menores de 26 conseguirán estas entradas por 20 € y aquellos hasta 35 años por 30 €. Asimismo, se abrirá la venta online del Último Minuto, en la que los menores de 26 años podrán adquirir una entrada por 20 euros y los jóvenes de entre 26 y 35 años podrán adquirir entradas por 35 euros.

AMIGOS DEL TEATRO REAL | A partir de 60 euros por año ya se podrá disfrutar de las ventajas de ser Amigo del Teatro Real, con un 75% de la donación deducible.

AMIGOS JÓVENES DEL TEATRO REAL | A partir de 25 euros por año ya se podrá disfrutar de las ventajas de ser Amigo Joven del Teatro Real.

Fotografía: Javier del Real

Intermezzo

Ya está abierta la matrícula para el curso, que arrancará el próximo mes de octubre en la sede de Musikene en Donostia.

El Centro Superior de música del País Vasco Musikene e Intermezzo se unen para ofrecer un innovador posgrado dirigido a cantantes de coro que buscan hacer de su pasión su profesión. El curso de especialización se ofrecerá a partir de octubre en Donostia-San Sebastián, y persigue profundizar en la formación requerida a un cantante profesional de coro. En las 14 sesiones dobles previstas durante el curso y que se realizarán viernes y sábados, se trabajarán tanto la técnica vocal específica, como todos aquellos aspectos relacionados con la interpretación del repertorio coral y su puesta en escena.

Intermezzo, además, ofrecerá varias propuestas de trabajo para participar en producciones en las que colabora. La empresa, con una trayectoria de más de 15 años, gestiona el coro titular del Teatro Real de Madrid, refuerza el coro del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y participa en temporadas de Ópera y Festivales.

El curso de 150 horas repartidas entre octubre y mayo, tiene como objetivo principal ofrecer las herramientas necesarias a los alumnos que quieran profesionalizarse como cantantes de coro, desarrollando todos los aspectos profesionales relacionados con su trabajo. El posgrado incluye asignaturas para trabajar la técnica vocal, el repertorio lírico y sinfónico coral, la correcta dicción de los diversos idiomas utilizados en dicho repertorio, o técnicas corporales y movimientos en escena, entre otras. La especialización se completará con diferentes conferencias sobre aspectos profesionales con las que el alumno conseguirá obtener una visión global de cómo funciona el sector, con ponentes expertos en diferentes disciplinas.

La matrícula ya está abierta para todos aquellos interesados que estén en posesión de una titulación superior de música (el equivalente). Se puede consultar toda la información y programa.

PatronatoJunio

El Teatro Real ha celebrado en la mañana de hoy la segunda sesión del Patronato de esta temporada, en la que se ha aprobado la programación para la Temporada 2020/2021, que se presentará mañana, y se han dado a conocer importantes nombramientos a propuesta del presidente del Patronato, Gregorio Marañón, quien ha reiterado la importancia del “apoyo de la sociedad civil al proyecto artístico y cultural y a esta institución pública. Estos nombramientos constituyen un refuerzo para afrontar los retos que tiene la primera institución cultural de las artes escénicas y musicales de nuestro país”

La vicepresidenta primera del Gobierno de España, Carmen Calvo Poyato, ha sido nombrada Patrona de Honor. Fue presidenta del Teatro Real en su etapa de ministra de Cultura y se ha distinguido siempre por su apoyo al Teatro Real.

Asume la vicepresidencia del Patronato del Teatro Real, Helena Revoredo, presidenta del Consejo Internacional del Teatro Real y presidenta del grupo Prosegur. Asimismo, se incorpora al patronato, a propuesta del ministro de Cultura, el vicepresidente y consejero delegado del Banco Santander y miembro de la Junta de Protectores del Teatro Real, José Antonio Álvarez

El escritor y académico Antonio Muñoz Molina es el nuevo presidente del Consejo Asesor, cargo que desempeñaba Mario Vargas Llosa, quien ostentará, a partir de ahora la presidencia de honor de dicho órgano, y continuará siendo Patrono.

Para la presidencia de la Junta de Protectores, ha sido nombrado Claudio Aguirre Pemán, presidente y socio fundador de ALTAMAR. El hasta ahora presidente, Alfredo Sáenz Abad, pasa a ser presidente de honor de la misma.

En la Junta de Amigos del Teatro Real asume la presidencia Jesús María Caínzos, de la que era vicepresidente hasta el reciente fallecimiento de su predecesor en el cargo, Alfonso Cortina. Myriam Lapique, ocupará la vicepresidencia.

Estos nombramientos, aprobados por el Patronato, reafirman la implicación de la sociedad civil en el apoyo a la cultura y al Teatro Real. La trayectoria personal y profesional de las personas que los ocupan, significan un aval de prestigio.

La sesión se inició con un minuto de silencio en memoria de todas las víctimas de la pandemia. Hubo un especial recuerdo para Alfonso Cortina, presidente de la Junta de Amigos, y Carlos Falcó, miembro de la misma, ambos fallecidos por el coronavirus.

El director general del Teatro Real ha informado al Patronato del trabajo realizado y de las medidas adoptadas para la reapertura del Teatro el próximo 1 de julio. También del compromiso de los trabajadores con el Teatro Real y de la declaración de excepcional interés público del acontecimiento”Teatro Real, cerca de ti. Programa de difusión social de la ópera. Se ha destacado, también el enorme crecimiento de My Opera Player como plataforma de divulgación de la ópera que ha alcanzado más de 50.000 usuarios.

El director artístico, Joan Matabosch, ha presentado la temporada 20/21, de ópera, danza y conciertos, destacando 15 títulos de ópera, de los cuales 7 son nuevas producciones del Teatro Real, que será presentada mañana a los medios de comunicación.

Han asistido a la reunión, María José Gualda, secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos del Ministerio de Hacienda; Javier García Fernández, secretario general de Cultura del Ministerio de Cultura y Deporte; Andrea Gavela Llopis, subsecretaria de Cultura y Deporte; Enrique Osorio, consejero de Educación y Juventud de la Comunidad de Madrid; Amaya de Miguel Toral, directora general del INAEM; Gonzalo Cabrera Martín, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid y Andrea Levy Soler, delegada del área de gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

Asimismo, han estado presentes, entre otros patronos, José Bogas, consejero delegado de Endesa; Demetrio Carceller, presidente de la Fundación DAMM; Florentino Pérez, presidente ejecutivo de ACS; Eduardo Navarro, director de Estrategia y Asuntos Corporativos de Telefónica S.A; Jaime Montalvo vicepresidente de la Mutua Madrileña; y Rodrigo Echenique, presidente de la Fundación Banco Santander.

Fotógrafo © Javier del Real / Teatro Real

Palau Les Arts de Valencia

El Palau de les Arts reabre sus puertas al público a partir del viernes, 12 de junio, con un ciclo de conciertos y recitales en la Sala Principal, adaptándose a las nuevas medidas generales de seguridad, prevención e higiene.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), los cantantes y pianistas del Centre de Perfeccionament y el Cor de la Generalitat ofrecen un total de once sesiones vespertinas que comenzarán el próximo viernes, 12 de junio, con un concierto de la OCV reservado exclusivamente a la comunidad sanitaria, en reconocimiento por la labor realizada durante la crisis del coronavirus.

A partir del día 13 de junio, Les Arts abre este ciclo para todos los públicos que se celebrará a las 20.00 horas todos los jueves, viernes y sábados hasta el próximo 11 de julio. Los conciertos, con localidades con un precio único de 5 euros, tienen una hora de duración, sin descanso, y se comercializarán con butaca numerada para garantizar los protocolos de distanciamiento y un aforo siempre ajustado a la normativa vigente.

Para la adquisición de entradas, siguiendo las recomendaciones de las autoridades sanitarias, Les Arts priorizará la venta telemática, que se pondrá en marcha a partir de la segunda semana de junio en la página web del teatro (https://www.lesarts.com).

Con el propósito de fomentar una mayor diversidad de públicos, se han establecido tres sesiones semanales dedicadas, cada una de ellas, a un colectivo. De esta forma, los conciertos de los jueves tendrán una venta prioritaria para los abonados de Les Arts, mientras que los viernes se reservarán exclusivamente para menores de 29 años. Los espectáculos de los sábados se destinarán al público general.

Actividades artísticas adaptadas

Con el fin de satisfacer los requisitos de seguridad, la dirección artística ha diseñado una selección de programas musicales, ajustados a la situación actual, para pequeñas formaciones musicales.

Tanto la Orquestra de la Comunitat Valenciana, en agrupación camerística, como el Cor de la Generalitat, con una plantilla reducida, mantendrán en todo momento las exigencias de distanciamiento sobre el escenario.

El repertorio previsto para dichos conciertos incluye, entre otros programas, uno para instrumentos de cuerda, con páginas de Mozart, Dvořák, Barber y Chaikovski, así como una velada dedicada exclusivamente a la sección de vientos, con obras de Donizetti, Gounod y Beethoven.

Por su parte, los cantantes del Centre de Perfeccionament, acompañados por los pianistas José Miguel Román, y Stanislav Angelov, interpretarán diferentes programas con arias y romanzas de ópera y zarzuela en sus respectivas sesiones.

ABAO Bilbao Opera

LA PAROLA ESCÉNICA, CONCIERTO HOMENAJE A IÑAKI AZKUNA SE ESTRENA ESTA SEMANA EN ESCENARIO VIRTUAL #ABAOenCasa

El entrañable concierto de Leo Nucci “La parola scenica”, celebrado en enero de 2014 en honor al añorado alcalde de Bilbao Iñaki Azkuna, se estrena esta semana en el escenario virtual #ABAOenCasa. El carismático barítono italiano, acompañado por la Italian Chamber Opera, ofreció este recital en el que nos acercó al músico italiano más universal interpretando los grandes temas que han forjado su carrera. En ese marco incomparable, un emocionado Iñaki Azkuna recibió la máxima distinción de honor de ABAO que le fue concedida en 2012 como reconocimiento a su apoyo a la ópera e implicación y compromiso con el proyecto Tutto Verdi.

ABAO INFORMA

PROGRAMA #ABAOencasa

Del 25 de mayo al 7 de junio

ESTRENOS

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Lunes 25 de mayo

MOMENTOS ABAO. Parte III

Momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. Vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles:

Pagliacci. (Ruggero Leoncavallo)

Roberto Devereux. (Gaetano Donizetti)

La Sonnambula. (Vincenzo Bellini)

Manon Lescaut. (Giacomo Puccini)

Miércoles 27 de mayo

MOMENTOS ABAO. Parte IV

Momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. Vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles:

Il Barbiere di Siviglia. (Gioachino Rossini)

Lucrezia Borgia. (Gaetano Donizetti)

La Cenerentola. (Gioachino Rossini)

Don Giovanni. (Wolfgang Amadeus Mozart)

Sábado 30 de mayo

CONCIERTO “LA PAROLA ESCÉNICA” HOMENAJE A IÑAKI AZKUNA – Leo Nucci

Representado en ABAO el 17 enero de 2014

Leo Nucci (Barítono), Italian Chamber Opera Ensemble

El carismático barítono italiano Leo Nucci protagonizó este recital homenaje al añorado alcalde de Bilbao, Iñaki Azkuna. Bajo el título “La parola scenica”, Nucci nos acercó al músico italiano más universal interpretando los grandes temas que han forjado su exitosa carrera.

MOMENTOS ABAO. Parte V

Momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. Vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles:

Don Pasquale. (Gaetano Donizetti)

Manon. (Jules Massenet)

Semiramide. (Gioachino Rossini)

Concierto “Delirio”

ABAO TXIKI

Martes 26 de mayo

RETABLO DE MAESE PERDRO (Manuel de Falla)

Representada en marzo de 2009

Manipuladores: Gabriel Ferrigno, Abel González Melo, Carlos Montes, Álvaro Ortega Beltrán, Luis Rodríguez, Migue Rubio, Óscar Ruiz, Miguel Ángel Saura, , Claudio Vegal, José Luis Villegas Padilla

Cantantes: Olatz Saitua , Marc Canturri, Xavier Moreno

Clavecinista: Iván Martín

Músicos: Orquestra de l’Acadèmia del Gran Teatre del Liceu

Director musical: Josep Vicent

Dirección de escena: Enrique Lanz

Producción: ABAO-OLBE, el Teatro del Liceu, el Teatro Real, el Teatro de la Maestranza, la Ópera de Oviedo, el Teatro Calderón de Valladolid y la Compañía Etcétera

EN CARTEL:

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Hasta el martes 26 de mayo

MOMENTOS FUNDACIÓN BBVA. Parte II

Fragmentos de óperas de diferentes temporadas de ABAO patrocinadas por la Fundación BBVA. En esta parte se incluyen los siguientes fragmentos:

Norma, Acto I,”Norma viene…Sediziose voci, voci di guerra…Casta Diva…”Ah! bello a me ritorna”

Norma, Acto II, “Mira o Norma… Si, fino all’ore estreme”

Salome, Acto I, “Escena final”

Concierto “Delirio”, Hamlet, “Et maintenant ecoutez ma chanson…pale et blonde”

Hasta el domingo 7 de junio

MOMENTOS ABAO. Parte I

Momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. Vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles:

Krol Roger. (Jaroslaw Iwaszkiewicz)

Maria Stuarda. (Gaetano Donizetti)

Adriana Lecouvreur. (Francisco Cilea)

I Puritani. (Vincenzo Bellini)

MOMENTOS ABAO. Parte II

Momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. Vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles:

Turandot. (Giacomo Puccini)

Werther. (Jules Massenet)

Madama Butterfly (Giacomo Puccini)

Cavalleria Rusticana. (Pietro Mascagni)

ABAO TXIKI

Hasta el domingo 31 de mayo

LA PRINCESA ÀRABE (Idea y adaptación de Anna-Sophie Brüning sobre música Juan Crisóstomo de Arriaga)

Representada en marzo de 2013

Marta Ubieta, Manuel de Diego, María Lacunza, Erkuden Eceolaza, Maite Ozkoidi, Eugenio Hamuraru, Imanol Espinazo

Director musical: Carlos Aragón

Dirección de escena: Pablo Ramos

Producción: ABAO Bilbao Opera, Ópera de Cámara de Navarra

CONFERENCIAS

  • Hasta el domingo 31 de mayo. Opera Bihotzetik. Conferencia del referente cultural en el Reino Unido, director general de la English National Opera y de la Ópera Estatal de Baviera, Sir Peter Jonas
  • Hasta el domingo 7 de junio. Opera Bihotzetik. Conferencia de la apreciada soprano lírica, Roberta Alexander
OCNE

La Orquesta y Coro Nacionales de España, unidad dependiente del Inaem, regresan a las ondas de Radio Clásica (RTVE) los próximos domingos, tras un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones públicas, con el objetivo de recuperar seis conciertos especialmente relevantes de la historia actual de la OCNE. Esta nueva iniciativa se enmarca en la línea de divulgación y comunicación que está llevando a cabo la OCNE en estos meses marcados por la pandemia del Covid-19.

La OCNE y Radio Clásica ponen así en marcha este nuevo espacio, hasta que la emisora cambie a su programación estival, en las mañanas de los domingos, a las 11,30 horas. Un nuevo programa en el que se retransmitirán, desde el próximo domingo 24 de mayo y hasta el 28 de junio, los conciertos dirigidos por los maestros que han estado unidos de manera especial a la OCNE en su historia reciente: Rafael Frühbeck de Burgos, Juanjo Mena, Josep Pons y David Afkham.

El próximo domingo 24 de mayo, a las 11.30 horas, se retransmitirá el primero de los conciertos, el dirigido en diciembre de 2013 por el maestro Rafael Frühbeck de Burgos (director titular de la OCNE de 1962 a 1978 y posteriormente emérito hasta su fallecimiento en 2014) con un programa en el que se estrenó la obra “Codex Calixtinus” de Tomás Marco y “Carmina Burana” de Carl Orff , interpretada por el Coro Nacional de España y las voces solistas de Auxiliadora Toledano (soprano), Carlos Mena (contratenor), Jochen Kupfer (barítono), Ángel Rodríguez (barítono del CNE) y la colaboración de la Escolanía del Sagrado Corazón de Rosales. Se trata del último concierto que Frühbeck de Burgos dirigió a la OCNE antes de su fallecimiento y es, por lo tanto, un registro histórico.

El resto de los conciertos seleccionados, que se emitirán hasta el domingo 28 de junio, son los dirigidos por Josep Pons , director titular y artístico durante nueve años de 2003 a 2012 y director honorario en la actualidad, el director asociado Juanjo Mena y el actual director titular y artístico, David Afkham. Asímismo, se podrán escuchar de nuevo las obras de encargo y estrenos absolutos que realizó la OCNE a los compositores españoles Tomás Marco, Juan Manuel Cañizares, Francisco Coll y Óscar Navarro.

EMISIÓN DE LOS CONCIERTOS OCNE EN RADIO CLÁSICA (RTVE)

Temporada 2013-14 (Sinfónico 6). Director: Rafael Frühbeck de Burgos.
PROGRAMA:

TOMÁS MARCO (1942-) “Codex calixtunus (Cantus iacobi)”*
*Obra encargo de la Orquesta y Coro Nacionales de España)
CARL ORFF (1895-1982) “Carmina burana”

Fecha de concierto: 22-12-2013
Fecha de nueva emisión: 24-5-2020 / 11:30 h.

Programa de mano

Temporada 2015-16 (Sinfónico 21) Director: Josep Pons
PROGRAMA:

GABRIEL FAURÉ (1845-1924) “Pavane, opus 50 “(versión coral)
JUAN MANUEL CAÑIZARES (1966) / JOAN ALBERT AMARGÒS (arr.) (1950)
“Al-Andalus, concierto flamenco para guitarra y orquesta, a la memoria de Paco de Lucia” (Estreno absoluto encargo de la OCNE)
RODION SHCHEDRIN (1932-1972) “Carmen Suite” (Primera vez ONE)

Fecha del concierto: 29-5-2016
Fecha de nueva emisión: 31-5-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2016-17 (Sinfónico 17) Director : David Afkham
PROGRAMA:

FRANCISCO COLL (1985) “Concerto Grosso «Invisible Zones»” (Estreno absoluto encargo de la OCNE)
W. AMADEUS MOZART (1756-1791) “Sinfonía Concertante para oboe, clarinete, trompa, fagot y orquesta K. 297b (Anh. C14.01)”
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) “Sinfonía núm. 6 en fa mayor, opus 68 «Pastoral»”

Fecha del concierto: 1-4-2017
Fecha de nueva emisión: 07-6-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2016-17 (Sinfónico 22) Director: Juanjo Mena
PROGRAMA:

MANUEL DE FALLA (1876-1946) “El retablo de maese Pedro”
JESÚS TORRES (1965-) “Concierto para acordeón y orquesta”
EDWARD ELGAR (1857-1934) “Variaciones Enigma opus 36”

Fecha del concierto: 3-6-2017
Fecha de nueva emisión: 14-6-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2017-18 (Sinfónico 12) Director: David Afkham
PROGRAMA:

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) “Matthäuspassion (La pasión según San Mateo)”

Fecha del concierto: 11-2-2018
Fecha de nueva emisión: 21-6-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2018-19 (Sinfónico 18) Director: Josep Pons
PROGRAMA:

RICHARD WAGNER (1813 – 1883) “Preludio y muerte de amor de la ópera Tristán e Isolda”
ÓSCAR NAVARRO (1981 – ) “Connection, concierto para trompa y orquesta sinfónica” (Estreno absoluto encargo de la OCNE)
RICHARD WAGNER “Götterdämmerung (El Ocaso de los Dioses)”; selección de fragmentos orquestales

Fecha del concierto: 7-4-2019
Fecha de nueva emisión: 28-6-2020 / 11:30

Programa de mano

Teatro Real, Real Decreto

La iniciativa, que comienza hoy, tratará de paliar la difícil situación generada por el cierre del Teatro tras el comienzo del estado de alarma del pasado 13 de marzo.

Todas las donaciones podrán beneficiarse de un 80% de desgravación fiscal.

Los interesados en participar en la iniciativa pueden hacerlo a través de la página de la Fundación Amigos del Teatro Real.

La Fundación Amigos del Teatro Real ha iniciado una campaña de captación de fondos, a través de donaciones, con el fin de contribuir a la recuperación de la situación generada por el cese de su actividad, ayudar al mantenimiento de su estabilidad económica y formar parte del impulso de su proyecto cultural.

Gracias a la aprobación, el pasado 7 de mayo, del Real Decreto-ley que incluía la declaración del «Plan de Fomento de la Ópera del Teatro Real» como Acontecimiento de Excepcional Interés Público, todas las donaciones que se hagan a la Fundación Amigos del Teatro Real podrán beneficiarse de una desgravación fiscal cercana al 80% del importe.

Como reconocimiento a la colaboración de los donantes, el Teatro Real les concederá una mención especial en la lista de mecenas del Teatro Real, que tendrá visibilidad en sus diversos canales de difusión, como publicaciones, página web, etc.

CNDM

Tras el éxito de la primera edición, que fue seguida por más de 7.000 usuarios, artistas de primera fila acercarán al público los diferentes géneros musicales que componen la programación del Centro Nacional de Difusión Musical

Madrid, 15 de mayo de 2020.- El lunes 18 de mayo, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad dependiente del INAEM, inicia un segundo ciclo de Micro-conciertos en directo a través de su cuenta de Instagram (@cndm_inaem). Tras el éxito de la primera edición, que concitó a más de 7.000 usuarios en Instagram, el público podrá disfrutar de un concierto diario que en esta nueva edición se amplía a 30 minutos de duración.

Las propuestas de los artistas participantes abarcan la amplia variedad estética y de géneros musicales que tienen cabida en la programación del CNDM. Así, se darán cita a través de Instagram artistas como el dúo formado por Raquel Andueza (soprano) y Jesús Fernández (tiorba), Enrike Solinís (guitarra barroca), Isabel Villanueva (viola), Moisés P. Sánchez (piano), Maria Rodés (voz y guitarra), Niño de Elche (cante y guitarra) y Pablo Ferrández (violonchelo).

Los siete conciertos se celebrarán entre el lunes 18 y el domingo 24 de mayo a las 19:30 horas y se podrá acceder a los mismos a través de la cuenta de Instagram del CNDM (@cndm_inaem).

Las actuaciones programadas a lo largo de la semana son las siguientes:

Lunes 18 de mayo: Raquel Andueza (soprano) y Jesús Fernández (tiorba)
Martes 19 de mayo: Enrike Solinís, guitarra barroca
Miércoles 20 de mayo: Isabel Villanueva, viola
Jueves 21 de mayo: Moisés P. Sánchez, piano
Viernes 22 de mayo: Maria Rodés, voz y guitarra
Sábado 23 de mayo: Niño de Elche, cante y guitarra
Domingo 24 de mayo: Pablo Ferrández, violonchelo

Con estos ciclos digitales de música en directo el CNDM quiere enviar a su público un mensaje de ilusión y cercanía, al tiempo que subraya el papel esencial que la música cumple en nuestras vidas, especialmente en estos tiempos difíciles.

Los micro-conciertos se dirigen tanto al público habitual que acude a los conciertos y ciclos que programa el CNDM -en el Auditorio Nacional de Música como en otras salas de toda la geografía española e internacional-, así como a aquellos que deseen disfrutar de buena música y observar el trabajo de los artistas en un entorno íntimo.

Finalmente, cabe destacar que esta iniciativa forma parte del afán del CNDM por acercar sus propuestas musicales a nuevos públicos, entre ellos a los más jóvenes.

ABAO Bilbao Opera

ESTRENOS ABAO Bilbao Ópera

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Lunes 18 de mayo

MOMENTOS ABAO. Parte I

Momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. Vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles:

Krol Roger. (Jaroslaw Iwaszkiewicz)

Maria Stuarda. (Gaetano Donizetti)

Adriana Lecouvreur. (Francisco Cilea)

I Puritani. (Vincenzo Bellini)

Miércoles 20 de mayo

MOMENTOS ABAO. Parte II

Momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. Vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles:

Turandot. (Giacomo Puccini)

Werther. (Jules Massenet)

Madama Butterfly (Giacomo Puccini)

Cavalleria Rusticana. (Pietro Mascagni)

CONFERENCIAS

Jueves 21 de mayo. Opera Bihotzetik. Conferencia de la apreciada soprano lírica, Roberta Alexander

EN CARTEL:

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Hasta el martes 19 de mayo

NORMA (V. Bellini)

Representada en mayo de 2018

Anna Pirozzi (Norma), Silvia Tro Santafé (Adalgisa), Gregory Kunde (Pollione), Roberto Tagliavini (Oroveso), Itxaro Mentxaka (Clotilde), Vicenç Esteve (Flavio), Director musical: Pietro Rizzo, Director de escena: Davide Livermore, Director Escena de la reposición: Emilio López, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Bilbao Orkestra Sinfonikoa

Norma, obra de madurez de Bellini y título emblemático de la lírica, clausuraba la 66 Temporada de ABAO. La Asociación Bilbaína contó con un trío de lujo para dar vida a los protagonistas de este título, fusión extraordinaria de melodía sublime, desafío vocal y poder dramático. La soprano napolitana Anna Pirozzi estuvo espléndida en que fue su debut en el papel más emblemático del bel canto. A su lado también triunfaron Gregory Kunde, Pollione de referencia en su generación, y Silvia Tro Santafé una de las mezzosopranos de más nivel de nuestro país.

Hasta el jueves 21 de mayo

MOMENTOS TUTTO VERDI. Parte II

Esta colección recoge actuaciones singulares de algunos de los 29 títulos del repertorio verdiano que ABAO ha puesto en escena en este gran proyecto cultural único en todo el mundo.

Don Carlos, Acto II, “Que de fleurs et que d´ètoiles”

Messa da Requiem, “Lacrymosa”

Stiffelio, Acto III, “Lina, pensai che e un angelo…”

Stiffelio, Acto III, “Non allo sposo volgomi…”

Stiffelio, Acto III, “Non punirmi signor…”

I Masnadieri, Acto II, “Dall’infame banchetto… Tu del mio Carlo”

I Masnadieri, Acto IV, Finale

I Lombardi, Acto II, “Recitativo ed Aria – Eremita”

I Lombardi, Acto II, “Recitativo ed Aria – Giselda”

I Lombardi, Acto III, “Gerusalem!… Gerusalem!… La grande”

Hasta el martes 26 de mayo

MOMENTOS FUNDACIÓN BBVA. Parte II

Fragmentos de óperas de diferentes temporadas de ABAO patrocinadas por la Fundación BBVA. En esta parte se incluyen los siguientes fragmentos:

Norma, Acto I,”Norma viene…Sediziose voci, voci di guerra…Casta Diva…”Ah! bello a me ritorna”

Norma, Acto II, “Mira o Norma… Si, fino all’ore estreme”

Salome, Acto I, “Escena final”

Concierto “Delirio”, Hamlet, “Et maintenant ecoutez ma chanson…pale et blonde”

ABAO TXIKI

Hasta el lunes 18 de mayo

NI FU NI FA SOSTENIDO (Mozart, Wagner, Rossini, Gounod, Bizet, Offenbach, Auber y Donizetti)

Representada en marzo de 2010

Ana Otxoa, Nerea Castellot, Alberto Núñez, Juan José Navarro, Itziar Recalde, Itxaro Mentxaka, Juanjo Otero, Aritza Rodríguez, Director musical: Daniel Oyarzabal, Dirección de escena: Enrique Viana Daniel Oyarzabal (piano), Producción: ABAO Bilbao Opera, Teatro Arriaga

Hasta el domingo 31 de mayo

LA PRINCESA ÀRABE (Idea y adaptación de Anna-Sophie Brüning sobre música Juan Crisóstomo de Arriaga)

Representada en marzo de 2013

Marta Ubieta, Manuel de Diego, María Lacunza, Erkuden Eceolaza, Maite Ozkoidi, Eugenio Hamuraru, Imanol Espinazo, Director musical: Carlos Aragón, Dirección de escena: Pablo Ramos, Producción: ABAO Bilbao Opera, Ópera de Cámara de Navarra

CONFERENCIAS

  • Hasta el domingo 31 de mayo. Opera Bihotzetik. Conferencia del referente cultural en el Reino Unido, director general de la English National Opera y de la Ópera Estatal de Baviera, Sir Peter Jonas
ABAO PROGRAMACIÓN

ABAO Bilbao Opera programará el Concierto de Rossini, Anna Bolena de Donizetti y la ópera infantil Guillermo Tell durante 2022. Fiel a su compromiso con la cultura, sus socios y los aficionados a la lírica en general y siguiendo con su vocación de no cancelar ninguna función, la Asociación Bilbaína ha conseguido cuadrar unas nuevas fechas en las que ofrecer estos tres espectáculos, cuya representación dentro de la presente temporada se ha visto obligada a posponer por causas de fuerza mayor debido al estado de alarma decretado por el Gobierno con motivo de la pandemia del COVID-19.

ABAO logra así su objetivo de seguir apoyando la cultura y minimizar en la medida de lo posible los efectos que esta compleja situación ha ocasionado. El Concierto de Rossini, compuesto por dos obras: Giovanna d’Arco y Stabat Mater, se representará por primera vez en Bilbao el miércoles 6 de abril de 2022 en la temporada 2021-2022 con el patrocinio de la Fundación BBVA, patrocinador principal de ABAO Bilbao Opera. Para la ocasión ABAO cuenta con la incorporación de la soprano Angela Meade, reina indiscutible del Metropolitan, que sustituye a Joyce El-Khoury, el resto del elenco y la dirección musical se mantienen.

Anna Bolena, primer título de la “trilogía de las reinas de Donizetti”, subirá a escena los días 19, 22, 25 y 28 de noviembre de 2022. La única novedad en el elenco es la soprano Joyce El-Khoury, sustituyendo a Angela Meade, como ‘Anna Bolena’, el resto del elenco y la producción son los mismos que tenían previsto clausurar la 68 Temporada de ABAO.

Por último, el espectáculo infantil Guillermo Tell subirá a las tablas del Teatro Arriaga los días 3, 4 y 5 de enero de 2022. Una trepidante y divertida adaptación entorno a las emocionantes aventuras del héroe suizo que la compañía La Baldufa crea a partir de la inmortal ópera de Rossini.

Política de devolución de entradas:

Para todos aquellos aficionados que hayan adquirido entradas para los espectáculos aplazados y las nuevas fechas no les sean satisfactorias ABAO Bilbao Opera pone a su disposición tres alternativas como les será comunicado, pormenorizadamente, en próximas fechas: donación a la ABAO. solicitud de un bono con caducidad de 18 meses y reintegro del precio de la entrada.

Continúa el escenario virtual #ABAOenCasa con tres estrenos cada semana

ABAO Bilbao Opera continúa con su temporada de forma virtual a través de la iniciativa #ABAOenCasa. Un escenario virtual en la web de ABAO que supera las 93.000 visitas con acceso totalmente gratuito a los mejores títulos de ópera, conferencias, momentos inolvidables de otras temporadas y una programación específica para los más pequeños.

Liceu de Barcelona

El Liceu de Barcelona tuvo que anunciar la pasada semana la cancelación definitiva de la temporada 19/20. Una temporada llena de ilusión, la del 20º aniversario de la reapertura del Teatro, que recordaremos inevitablemente como la del COVID-19: un periodo complejo que ha cambiado nuestra manera de afrontar la vida y que, entre muchos otros placeres, nos ha privado de disfrutar de la música y la cultura en directo.

Pero a pesar de todo, queremos continuar allí donde lo dejamos. Mirando hacia delante con esperanza, y construyendo el Liceu del futuro con ambición artística y decisión social. Por este motivo, de nuevo solicitamos tu colaboración.

Conseguir el Liceu que queremos requiere de tu generosidad y complicidad. Hoy, tu apoyo y compromiso con el Liceu son esenciales para que podamos seguir disfrutando de la ópera, la música y la cultura como elementos fundamentales en nuestras vidas. Hazlo posible!

El Liceu ha implementado, a través de su página web, un servicio de donaciones a partir de 50€. Entra en su página web y ¡hazlo posible!
MyOperaPlayer

l pasado mes de noviembre nacía la plataforma de video del Teatro Real, MyOperaPlayer, con la vocación de convertirse en un teatro de teatros en el que los amantes de la ópera, la danza y la música pudieran acceder al mayor número de títulos posibles, tanto de producción propia como de otras importantes instituciones nacionales e internacionales.

En esta primera etapa, el proyecto ha contado con la participación de grandes centros de ópera, como el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o el Teatro del Bicentenario (San Juan, Argentina) junto a Patrimonio Nacional, Fundación Albéniz y RTVE.

A partir de ahora, MyOperaPlayer crece con la incorporación de nuevas producciones procedentes de la Ópera de París, la Royal Opera House, el Teatro Bolshoi, la Staatsoper Berlin, la Ópera de Zúrich o la Ópera de Baviera, por citar sólo algunos, que aportarán algunas de sus espectaculares producciones en los próximos meses.

Entre los títulos que estarán disponibles en los próximos días figura Capriccio, en la espectacular producción del Teatro Real en la pasada temporada, Madama Butterfly, desde la Royal Opera House, y Elektra, procedente de la Ópera de París, en el plano lírico.

La danza verá reforzada su presencia con obras emblemáticas como La bella durmiente y El lago de los cisnes, interpretados por los bailarines del Teatro Boshoi, o Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, a cargo del Royal Ballet londinense.

Esta nueva proyección internacional de MyOperaPlayer ha sido posible gracias al acuerdo suscrito con Naxos, uno de los sellos más importantes en la grabación y distribución de música clásica en el mundo.

En los dos últimos meses, el Teatro Real ha dado acceso gratuito en España al catálogo completo de la plataforma, sin dejar de ampliar contenidos, acompañando a los aficionados y abriendo un nuevo horizonte cultural a otros públicos durante los largos días de confinamiento. Más de 52.000 personas formaron parte de la iniciativa con cerca de 4 millones de visitas.

A partir ahora, MyOperaPlayer recupera su formato por suscripción que, en los próximos días, desde el pasado domingo, 10 de mayo, y hasta el próximo 17 de mayo, se ofrecerá una promoción especial del 50% de descuento que permitirá adquirir abonos de seis meses por 23€ o de un año, por 40€, lo que supone menos de 4 euros al mes.

MyOperaPlayer cuenta con el desarrollo tecnológico de Telefónica y Samsung, y el patrocinio de Endesa.

Teatro Real, Real Decreto

El Consejo de Ministros aprobó ayer un Real Decreto-ley de medidas de apoyo al sector cultural que incluye la declaración del «Plan de Fomento de la Ópera del Teatro Real» como Acontecimiento de Excepcional Interés Público.

Este Programa se desarrollará durante tres temporadas artísticas 2020-21, 2021-22 y 2022-23, bajo la denominación «Teatro Real, cerca de ti. Programa de difusión social de la ópera» y constituye un importante atractivo para todas las empresas patrocinadoras del Teatro Real, que podrán beneficiarse de relevantes ventajas fiscales gracias a su contribución económica.

Los incentivos fiscales que derivan de esta declaración permiten a las empresas patrocinadoras del Teatro Real una bonificación del 90 % en todos los impuestos que puedan recaer sobre las operaciones relacionadas con el desarrollo del programa de difusión social de la ópera de esta institución. EL Teatro Real cuenta con una importante participación de la sociedad civil a través del mecenazgo.

Con esta declaración el Teatro Real podrá impulsar el mantenimiento de su estabilidad económica durante los próximos tres años, con la realización de nuevas actividades de gran atractivo para el mecenazgo privado en distintos puntos de la geografía española, así como la programación de tres temporadas nuevas de ópera que suscitarán el interés del público y de las empresas patrocinadoras por su elevada calidad escénica y musical. Del mismo modo, este plan permitirá efectuar un nuevo impulso a la importante actividad de difusión digital del Teatro Real a través de la plataforma de vídeo “My Opera Player”, en el marco de la apuesta estratégica por las nuevas tecnologías.

Asimismo, dicho Real Decreto-ley ha aprobado también un importante aumento de las deducciones fiscales de la Ley de Mecenazgo para las donaciones efectuadas por personas físicas a instituciones como el Teatro Real. Hasta ahora, las aportaciones de hasta 150 euros disfrutaban de un 75% de deducción, y por encima de esta cantidad, de un 30%; con esta modificación, se elevan los importes de deducción hasta el 80% para los primeros 150 euros y posibilitando elevar hasta el 40% las donaciones que excedan de esta última cantidad.

ABAO Bilbao Opera

El escenario virtual #ABAOenCasa de ABAO de Bilbao Opera logra un gran respaldo popular. Esta iniciativa digital, compuesta por 36 actividades y puesta en marcha el pasado 12 de abril por la asociación a través de su página web para ayudar a la sociedad a sobrellevar esta situación excepcional y fomentar el disfrute del bien esencial que constituye la cultura, ha conseguido que las visitas a la página web de ABAO se hayan multiplicado por cinco con respecto al tráfico habitual que registra la página durante la temporada.

Durante estos días ha sido también relevante la actividad de las redes sociales de la Asociación (Facebook, Instagram, Twitter y YouTube), canales directos de interactuación de ABAO con sus socios y aficionados, han conseguido un notable incremento de seguidores, llegándose además a registrar 151.361 visualizaciones de las mismas.

Hasta la fecha y como reflejan las 92.405 visitas registradas en la web, un gran número de aficionados a la ópera han podido disfrutar desde sus casas de ocho grandes títulos de la lírica programados en diferentes temporadas de la Asociación Bilbaína: Eugene Onegin de Chaikovski, Rigoletto de Verdi, Rusalka de Dvořák, La Bohème de Puccini, Billy Budd de Britten, Fidelio de Beethoven, Les pêcheurs de perles de Bizet y Lucia di Lammermoor de Donizetti. Además, se han podido ver también tres grandes conciertos: Messa da Requiem de Verdi, el Concierto de Jessica Pratt “Delirio” y el Concierto de Leo Nucci y Daniela Barcellona,

Cinco son los títulos de las temporadas de ABAO TXIKI que los más pequeños de la casa han podido y pueden seguir disfrutando en línea por el momento: La capucha, ópera original en euskera basada en la conocida historia de Caperucita; los inolvidables cuentos El gato con botas de Perrault y El Sastrecillo valiente de los Hermanos Grimm; el clásico de Dickens Cuento de Navidad, y el original y divertido Ni fú ni fa sostenido.

Los aficionados han mostrado también interés por las conferencias del ciclo “El ABC de la Ópera”, el programa de la Asociación Bilbaína para conocer todas las claves de los compositores, voces y títulos de las dos últimas temporadas con la musicóloga Eva Sandoval, los críticos Luis Gago, Rubén Amón y Andrea Merli, la directora de orquesta y soprano Pilar Jurado y los periodistas Mariela Rubio y Rafael Bernardo y el ciclo de conferencias Opera Bihotzetik, una iniciativa desde la que se promueve, de forma cercana y accesible, el conocimiento de la lírica a través de la experiencia de grandes figuras. Hasta ahora son dos las conferencias de este ciclo disponibles con François Le Roux y Ruggero Raimondi como protagonistas.

A este escenario virtual se incorporó dentro del proyecto “Ópera y +”, un programa especial para el canal de televisión interno del Hospital Universitario de Cruces. Los pacientes y personal médico pueden disfrutar en abierto de una selección de fragmentos de distintas óperas de las últimas temporadas. ABAO contribuye de este modo al bienestar emocional dentro del proceso de la enfermedad, proporcionando momentos placenteros vinculados con la música y la ópera, y también una forma de ayuda, adhesión y ánimo, en esta situación en la que no se permite el acompañamiento familiar. El programa cuenta con el patrocinio de la Fundación Repsol y Petronor y la colaboración de obra social LaCaixa.

Durante los próximos días la iniciativa #ABAOenCasa continuará ofreciendo a los amantes de la lírica tres nuevos estrenos cada semana entre los que se incluyen momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación como los Momentos Fundación BBVA y los Momentos Tutto Verdi. Los primeros recogen las mejores escenas de óperas patrocinadas por el principal patrocinador de la Asociación, la Fundación BBVA y en los segundos se agrupan las actuaciones singulares de algunos de los 29 títulos del repertorio verdiano que ABAO ha puesto en escena en el proyecto Tutto Verdi, un gran proyecto cultural único en todo el mundo. Además, seguirán ofreciéndose conferencias así como una programación específica para los más pequeños.

Madama Butterfly

Para amenizar los días de confinamiento a través de la ópera, la danza, conciertos y espectáculos para toda la familia, el Teatro Real ha dado acceso gratuito en España, desde el pasado 18 de marzo, al catálogo completo de MyOperaPlayer, ampliando sus contenidos durante este período, con la complicidad y apoyo de los teatros e instituciones que participan en esta plataforma audiovisual: Gran Teatre del Liceu, Gran Teatro Nacional de China, Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro del Bicentenario de San Juan (Argentina), Teatro Municipal de Santiago (Chile) y también Patrimonio Nacional, Fundación Albéniz y RTVE.

Para culminar esta oferta a los usuarios a lo largo de casi dos meses, el Teatro Real dará acceso gratuito en todo el mundo, los días 8 y 9 de mayo, a La Traviata y a Madama Butterfly en MyOperaPlayer, con la colaboración de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, AECID, que promocionará esta iniciativa a través de todos sus canales de difusión internacional.

El Teatro Real culminará así, el 9 de mayo, el período de acceso gratuito al catálogo completo de MyOperaPlayer iniciado el pasado 18 marzo, en el ámbito de las iniciativas llevadas a cabo durante el período más estricto del confinamiento, que comienza ahora su paulatina y progresiva desactivación, bajo las directrices del Gobierno de España.

A lo largo de estas 9 semanas se han inscrito en la plataforma más de 52.000 personas, con cerca de 4 millones de visitas, animadas por las propuestas de programación que se han lanzado semanalmente desde todos los canales de difusión del Teatro Real: información personalizada, newsletters, notas de prensa, redes sociales, etc.

Para promocionar y difundir la programación artística gratuita, en constante diálogo e interacción con el público, se han realizado conexiones en directo con varios artistas, vídeos y numerosos contenidos originales en las redes sociales del Teatro Real, con un notable aumento de su actividad y la constante participación de los usuarios, que han tenido un incremento de 15.000 seguidores, un alcance de 4.789.303 personas y un total de más de 3 millones de interacciones.

La programación infantil y juvenil de El Real Junior en MyOperaPlayer ha contado con gran número de usuarios, en su mayoría familias, que han utilizado los varios materiales didácticos disponibles para ayudar a padres y educadores.

El Teatro Real también ha dado acceso a algunos títulos de su catálogo a los países latinoamericanos miembros de OLA-ÓPERA LATINOAMÉRICA: Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, Guatemala, México, Perú y Uruguay.

El Teatro Real proseguirá con sus esfuerzos para sortear con generosidad, motivación y perseverancia, las limitaciones impuestas por la crisis del coronavirus, ofreciendo la ópera, la danza y los conciertos a en las mejores condiciones posibles, en el marco de las directrices del Gobierno de España y de la Comunidad de Madrid.

Fotografía: Javier del Real

Entre bambalinas

Ante la prolongada situación de confinamiento, el Teatro de la Zarzuela ha potenciado su oferta y la actividad en sus redes sociales para mantener un contacto continuo con aficionados y artistas, y para contribuir a la difusión de cultura en estos tiempos en que se hace aún más necesaria. Bajo el nombre ‘Entre bambalinas en el Teatro de la Zarzuela’, a partir de mañana martes, 5 de mayo (19h00), el coliseo de la plazuela de Jovellanos iniciará una serie de encuentros entre su director, Daniel Bianco, y diferentes profesionales de la música y el teatro. El primer invitado a las bambalinas del histórico Teatro: el director de escena Emilio Sagi.

En esta primera semana también conversarán con Bianco la coreógrafa Nuria Castejón (miércoles 6), el barítono Luis Cansino (jueves 7) -reciente creador del Sindicato de Artistas Líricos ALE para la defensa del sector- y el director de orquesta Guillermo García Calvo (viernes 8), director musical del Teatro desde el pasado 1 de enero.

Entre los atractivos de la propuesta en redes del Teatro de la Zarzuela está la posibilidad de disfrutar en sus canales de YouTube y Facebook, en abierto y en alta definición, de las producciones estrenadas en el teatro desde junio de 2018. A esto se suman las decenas de títulos del Teatro incluidos en la Teatroteca del Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música (CDAEM).

Ambas instituciones pertenecen al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM, del Ministerio de Cultura, que bajo el hashtag #LaCulturaEnTuCasa promueve estos días la difusión de numerosas y muy diversas propuestas para su disfrute en los hogares.

Instagram @teatrodelazarzuela

YouTube https://www.youtube.com/playlist?list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-

Facebook https://m.facebook.com/TeatroZarzuela/?locale2=es_ES

Teatroteca http://teatroteca.teatro.es/opac/#indice

ABAO Bilbao Ópera

Lunes 4 de mayo

CONCIERTO LEO NUCCI – DANIELA BARCELLONA

Representado en ABAO el 13 de mayo de 2017

Leo Nucci (barítono), Daniela Barcellona (soprano), James Vaughan (piano)

El barítono Leo Nucci, artista largamente reconocido en los escenarios de ópera más prestigiosos, y la mezzosoprano Daniela Barcellona, intérprete imprescindible del panorama lírico actual, protagonizaron el recital acompañados al piano por el maestro James Vaughan. El exigente programa titulado “Un viaje a través de la ópera del siglo XIX” incluyó arias de Rossini, Verdi, Donizetti, Cilea, Giordano y Thomas.

Miércoles 6 de mayo

MOMENTOS FUNDACIÓN BBVA. Parte 1.

Fragmentos de óperas de diferentes temporadas de ABAO patrocinadas por la Fundación BBVA. En esta parte se incluyen los siguientes fragmentos:

Tosca, Acto I, “Tre scbirri, una carroza”

Tosca, Acto II, Orsù, Tosca, parlate

Otello, Acto II, Gran escena de Yago…”Credo”

Otello, Acto IV, “Ave María”

Don Carlos, Acto I, “Que faites-vous donc?…”

Don Carlos, Acto II, “Die, tu semas dans nos âmes…”

Messa da Requiem, “Libera me”

Andrea Chenier, Acto II, “La mia scrittrice”

Andrea Chénier, Acto IV, “Vicino a te”

El concierto de ABAO-OLBE, Il Barbiere di Siviglia, “Dunque io son… tu non m’inganni”:

Viernes 8 de mayo

MOMENTOS FUNDACIÓN BBVA. Parte 2.

Fragmentos de óperas de diferentes temporadas de ABAO patrocinadas por la Fundación BBVA. En esta parte se incluyen los siguientes fragmentos:

Norma, Acto I, “Norma viene…Sediziose voci, voci di guerra…Casta Diva…”Ah! bello a me ritorna”

Norma, Acto II, “Mira o Norma… Si, fino all’ore estreme”

Salome, Acto I, “Escena final”

Concierto “Delirio”, Hamlet, “Et maintenant ecoutez ma chanson…pale et blonde”

ABAO TXIKI

Martes 5 de mayo

NI FU NI FA SOSTENIDO (Mozart, Wagner, Rossini, Gounod, Bizet, Offenbach, Auber y Donizetti)

Representada en marzo de 2010

Ana Otxoa, Nerea Castellot, Alberto Núñez, Juan José Navarro, Itziar Recalde, Itxaro Mentxaka, Juanjo Otero, Aritza Rodríguez

Director musical: Daniel Oyarzabal, Dirección de escena: Enrique Viana Daniel Oyarzabal (piano), Producción: ABAO Bilbao Opera, Teatro Arriaga

CONFERENCIAS

  • Jueves 7 de mayo. Opera Bihotzetik. Conferencia del cantante y director de escena Ruggero Raimondi

EN CARTEL:

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Hasta el martes 5 de mayo

LES PÊCHEURS DE PERLES (G. Bizet)

Representada en mayo de 2019

Javier Camarena (Nadir), María José Moreno (Leïla), Lucas Meachem (Zurga), Felipe Bou (Nourabad)

Director musical: Francesco Ivan Ciampa, Director de escena: Pier Luigi Pizzi, Director Escena de la reposición: Massimo Gasparon, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Bilbao Orkestra Sinfonikoa

Uno de los títulos más destacados del repertorio francés, representado en ABAO hace apenas un año, con Javier Camarena que junto a Lucas Meachem y Maria José Moreno obtuvieron uno de los éxitos de mayor contundencia de nuestra historia reciente. A ello se sumó la producción de Pier Luigi Pizzi que conjugaba los ambientes marinos con los sentimientos humanos.

Hasta el jueves 7 de mayo

LUCIA DI LAMMERMOOR (G. Donizetti)

Representada en octubre de 2019

Jessica Pratt (Lucia di Lammermoor), Ismael Jordi (Lord Edgardo), Juan Jesús Rodríguez (Lord Enrico), Marko Mimica (Rainmondo Bidavent), Juan José de León (Lord Arturo), Maite Maruri (Alisa), Gerardo López (Normanno), Director musical: Riccardo Frizza, Director de escena: Lorenzo Mariani, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa

Jessica Pratt ha dejado muestras de lo que es bel canto, pero sin duda su Lucia es un cum laude en su trayectoria artística, que la ha encumbrado como una de las mejores cantantes de su tesitura. Junto a ella el elegante Ismael Jordi y la impetuosidad de Juan Jesús Rodríguez. Un trio de ases.

Hasta el domingo 10 de mayo

CONCIERTO JESSICA PRATT

Representado en ABAO el 20 de marzo de 2019

Jessica Pratt (soprano)

Director Musical – Giacomo Sagripanti

Euskadiko Orkestra Sinfonikoa

Jessica Pratt, una de las representantes actuales más importantes del bel canto romántico, protagonizó este recital acompañada por la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa dirigida para la ocasión por Giacomo Sagripanti, elegido mejor director joven en los International Opera Awards 2016. El exigente programa titulado “DELIRIO” hace un recorrido por reconocidas piezas de locura de grandes títulos de la lírica de Bellini, Donizetti, Rossini, Thomas y Cherubini. Un tour de forcé que implica una energía como la que desbordó esta gran soprano.

ABAO TXIKI

Hasta el lunes 4 de mayo

CUENTO DE NAVIDAD (Iñigo Casalí)

Representada en enero de 2018

Alfonso García-Noain, Carlos Crooke, Marta Infante, Enrique Sánchez Ramos, Itxaso Moriones Noemí Irisarri, Idoia Martínez, Leyre Medina

Director musical: Jesús María Echeverría, Dirección de escena: Pablo Ramos, Coros adulto e infantil de OCN y Escuela de ópera OCN., Orquesta Ciudad de Pamplona, Coproducción: ABAO Bilbao Opera, Ópera de Cámara de Navarra

Hasta el lunes 11 de mayo

EL SASTRECILLO VALIENTE (Tibor Harsányi)

Representada en mayo de 2014

Noche Diéguez, Yanisbel Victoria Martínez, Araceli García, Carlos Montes, Álvaro Ortega, Director de escena: Enrique Lanz, Escenografía y títeres: Enrique Lanz, Iluminación: Lía Alves, Proyecciones: Enrique Lanz y Merli Borrel, Coproducción: ABAO Bilbao Opera, Etcétera, Teatro Real y Festival Internacional de Música y Danza de Granada

CONFERENCIAS

  • Hasta el martes 5 de mayo. Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre Les pêcheurs de perles de Bizet a cargo de Mariela Rubio y Rafa Bernardo.
  • Hasta el jueves 7 de mayo Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre Lucia di Lammermoor de Donizetti a cargo de Eva Sandoval
  • Hasta el domigo 10 de mayo Podcast el ABC de la ópera. Conferencia de Pilar Jurado sobre Delirio el concierto de Jessica Pratt
Fair Saturday Forum

Desde el próximo 3 de mayo hasta el 15 junio la fundación Fair Saturday y la BBK -en colaboración con la DFB-BFA y le Ayuntamiento de Bilbao– ofrecerán una ponencia diaria alrededor de la cultura y la innovación social en tiempos de Covid19 en el marco del FSforum. Estamos viviendo tiempos de incertidumbre acelerados por la pandemia del covid19. Parece que se inicia una etapa de suma importancia para el futuro de la humanidad en la que revisaremos una -repentinamente vieja- normalidad y aceleraremos la creación de “lo nuevo”. Y en todo eso… ¿qué papel debe jugar la cultura y la innovación social? Por primera vez en edición digital, alrededor de 50 líderes culturales y sociales de diferentes países compartirán sus reflexiones en la cuarta edición del Fair Saturday forum -uno de los nuevos espacios de encuentro internacional nacidos en Bilbao- El acceso al foro será libre a través del registro en www.fsforum.online, tenendo acceso a una ponencia diaria. Algunas de las ponencias serán emitidas en 360 grados. En la edición de este año el FSforum ha sido concebido íntegramente online fomentando una experiencia diferente en los asistentes al mismo.

Según Gorka Martínez, director general de BBK “nuestro deber es impulsar la cultura, ahora más que nunca. Debemos conseguir dar un paso más, anticiparnos a las necesidades de la sociedad, con la cultura y la innovación como medios para garantizar la libertad, la cohesión social y la igualdad”.
Como evento de clausura del foro, la Sociedad Coral de Bilbao actuará por primera vez en 360 grados interpretando el “Réquiem” de Fauré. De esta forma la Coral de Bilbao rendirá homenaje a todos los afectados por la pandemia, así como a todas las personas que con generosidad y valentía están dando lo mejor de si mismas por los demás.
www.fsforum.online

baila en MyOperaPlayer

El próximo 29 de abril se conmemora el Día Internacional de la Danza y el Teatro Real ha querido unirse a esta celebración con una presencia más destacada de este arte en MyOperaPlayer

Desde el Municipal de Santiago-Ópera Nacional de Chile nos llega la versión coreográfica que Marcia Haydée realiza del clásico El lago de los cisnes interpretado por el Ballet de Santiago, que ella dirige

Recuperamos otra obra emblemática de Antonio Gades, Bodas de sangre, inspirada en el drama homónimo de Federico García Lorca, en la que el bailarín y coreógrafo recoge la esencia de la tragedia, sustentada sobre el temperamento andaluz, interpretada magistralmente por su compañía

El coreógrafo norteamericano Mark Morris busca su inspiración en la música de Händel y en los cuadros de William Blake para crear una bellísima coreografía: L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato

Fuenteovejuna, basada en el original de Lope de Vega, convierte el Siglo de Oro en ópera con la música de Jorge Muñiz y el libreto de Javier Almuzara, estreno mundial en una magnífica producción que inauguró la temporada de la Ópera de Oviedo en 2018

El gran drama romántico, Lucia de Lammermoor, llegará a la plataforma el fin de semana desde el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, con un reparto de lujo encabezado por Elena Mosuc y Juan Diego Flórez

Os recordamos que, para acceder gratuitamente a todos los contenidos de MyOperaPlayer sólo hay que registrarse en el enlace www.myoperaplayer.com e introducir el código OperaEnCasa.

Con la cercana celebración del Día Internacional de la Danza, el próximo miércoles, 29 de abril, MyOperaPlayer ha querido abrir una ventana especial a esta expresión artística con la presentación de tres espectáculos muy distintos que muestran desde la esbelta elegancia de la danza clásica, con El lago de cisnes, a la expresión y fuerza raciales del baile español, en Bodas de sangre, a la sutil ligereza de la forma contemporánea de L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato.

La directora artística del Ballet de Santiago de Chile, la brasileña Marcia Haydée, nos ofrece una versión del famoso ballet El lago de los cisnes en la que el perverso hechicero Rothbart adquiere especial protagonismo, equiparando su presencia en escena a la de la “doble” pareja protagonista y consiguiendo una lectura novedosa de la historia que ha cautivado al mundo entero desde su aparición en 1895. El chileno César Morales en la interpretación de Sigfrido, la brasileña Andieza Randisek en el doble reto de Odette/Odile y el chileno Rodrigo Guzmán encarnando a Rothbart, componen un virtuoso trío protagonista arropado por una compañía que atraviesa un magnífico momento técnico y artístico.

En 1974 el escenario del Teatro Olímpico de Roma acogía el estreno mundial de la que sería una de las grandes coreografías del mítico Antonio Gades, Bodas de sangre, con la que el bailarín y coreógrafo quería rendir homenaje al poeta Federico García Lorca, al que le unían posturas éticas y políticas, y la utilización del folclore y de las tradiciones de la cultura popular española como fuente de inspiración artística. El sentimiento trágico del pueblo andaluz, la fuerza de la danza española y la esencia flamenca se amalgaman en una obra que interpreta y engrandece aún más la obra del autor granadino. En su concepción Gades lo entrega todo componiendo una narración, casi fílmica, que no ha dejado de interpretarse por todo el mundo desde su nacimiento convirtiendo Bodas de sangre en el estandarte del baile español.

L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato, del coreógrafo Mark Morris recrea 32 escenas inspiradas en pinturas de William Blake, sobre música de Georg Friedrich Händel. Morris dibuja una obra expresiva, con presencia predominante del grupo a través de una coreografía marcada por pasos vitales y espontáneos que caminan desde la melancolía inicial hacia la energía contagiosa, donde el colectivo predomina sobre el individuo, convenciendo a este de la alegría plena que el ser humano siente cuando es parte de algo.

En septiembre de 2018 la Ópera de Oviedo asumía, probablemente, uno de sus retos más valientes con el estreno mundial de la ópera Fuenteovejuna, primera producción propia del teatro asturiano, con música de Jorge Muñiz y libreto de Javier Almuzara basado en el original de Lope de Vega, cuya publicación celebraba entonces su 400 aniversario. Un equipo artístico íntegramente español en el que participaron nombres de lujo de la escena de nuestro país encabezados por Miguel de Arco en la dirección de escena, con la colaboración de Paco Azorín en los decorados y Sandra Espinosa en los decorados, por citar sólo algunos.

Las funciones de Lucia de Lammermoor, de Gaetano Donizetti, en el Gran Teatre del Liceu, fueron la ocasión perfecta para que el tenor Juan Diego Flórez debutara el difícil papel de Edgardo. Este gran melodrama tejido con amores imposibles, traiciones, enfrentamientos ancestrales y muerte, contiene una de las arias más conocidas de la historia de la lírica en el momento de la locura de su protagonista, interpretada en esta ocasión por Elena Mosuc.

La producción de Damiano Michieletto, dirigida musicalmente por Marco Armiliato, recrea un ambiente desnudo de excesos, dominado sólo por el vidrio cortante y frío de una torre, que es a la vez lugar de fiesta y de muerte.

My Opera Player fue puesta en marcha por el Teatro Real en noviembre de 2019 y ha contado con la participación tecnológica de Telefónica y Samsung y el patrocinio de Endesa.

#QuedateEnCasa, el Teatro Real se queda contigo.

PROGRAMACIÓN

EL LAGO DE LOS CISNES

Marcia Haydée

Municipal de Santiago-Ópera Nacional de Chile

Fundado en 1959 con el nombre de Ballet de Arte Moderno, el Ballet de Santiago es la única compañía de danza clásica profesional de Chile. Su domino del repertorio clásico, su cercana relación con coreógrafos contemporáneos, la calidad de sus artistas y la experiencia de sus maestros, el Ballet de Santiago es una de las compañías más importantes de Latinoamérica.

Desde 2004, la compañía está dirigida por Marcia Haydée, considerada una de las bailarinas más importantes del siglo XX. De ella es la versión coreográfica de esta producción que ofrece MyOperaPlayer, con escenografía y vestuario de Pablo Núñez e iluminación de Ricardo Castro.

Estrenado en 2009 por el Ballet Real de Flandes, El lago de los cisnes de Marcia Haydée da una lectura novedosa a la historia. en la que el personaje de Rothbart, tantas veces relegado a un lugar secundario, adquiere especial importancia, sumándose a la “doble” pareja de los enamorados como un protagonista más.

El chileno César Morales en la interpretación de Sigfrido, la brasileña Andieza Randisek en el doble reto de Odette/Odile y el también chileno Rodrigo Guzmán encarnando a Rothbart, componen un virtuoso trío protagonista arropado por una compañía que atraviesa un magnífico momento técnico y artístico.

La música está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Santiago, bajo la dirección musical de Roberto Rizzi Brignoli.

BODAS DE SANGRE

Antonio Gades

Teatro Real 2011

En 1974 se estrena en el Teatro Olímpico de Roma Bodas de sangre, coreografía de Antonio Gades con la que quería rendir homenaje al poeta Federico García-Lorca, al que le unían posturas éticas y políticas,y la fuente inagotable de inspiración que emana de la cultura popular española.

Gades, con la colaboración de Alfredo Mañas en la adaptación para el ballet de la obra literaria, estructura la obra en seis escenas a lo largo de las cuales se describe la tragedia con una expresividad y una plasticidad que señalan, de manera rotunda, la personalidad del bailarín. Desprovisto de artificio, combina los lenguajes de la danza, pero también de las otras artes, que explora y devora con curiosidad, y extrae la esencia.

Protagonizan esta representación los bailarines Cristina Carnero (Novia), Joaquín Mulero (Novio), Ángel Gil (Leonardo) y Vanesa Vento (Madre), junto a la Compañía Antonio Gades. Los decorados y el vestuario son diseño de Francisco Nieva.

L’ALLEGRO, IL PENSEROSO ED IL MODERATO

Mark Morris

Teatro Real 2014

L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato, está considerada una de las coreografías más interesantes de Mark Morris. Inspirada en la oda pastoral de George Friedrich Händel (1685-1759) del mismo título, la obra está dividida en dos actos, en los que recrea 32 escenas inspiradas en pinturas de William Blake.

Predomina en esta creación la presencia del grupo, la estructura coral, marcada por pasos vitales y espontáneos en forma de trazados básicos que caminan desde la melancolía inicial hacia la energía contagiosa, donde el colectivo predomina sobre el individuo, convenciendo a este de la alegría plena que el ser humano siente cuando es parte de algo.

Morris cuenta en este espectáculo con la presencia de las sopranos Sarah-Jane Brandon y Elizabeth Watts, el tenor James Gilchrist y el bajo Andrew Foster-Williams, quienes, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, Händel bajo la dirección de la maestra Jane Glover.

FUENTEOVEJUNA

Jorge Muñiz

Opera de Oviedo 2018

En septiembre de 2018 tenía lugar en la Ópera de Oviedo el estreno absoluto de una ópera basada en una de las obras maestras del Siglo de Oro español, Fuenteovejuna, de Lope de Vega, que plantea interrogantes perfectamente trasladables a la sociedad actual: la fuerza solidaria de una masa social bajo la represión del poder establecido y la corrupción y sirve de homenaje a los 400 años de la primera publicación de esta obra maestra.

Con este punto de partida, el compositor Jorge Muñiz, con la colaboración en el libreto de Javier Almuzara, concibe una obra con música de ritmo muy activo, muestra muchas tradiciones y géneros diferentes pero conectados de una manera muy orgánica, con referencias a las corrientes populares de hoy, como el motown, el jazz o el hip hop.

La apuesta escénica está sustentada sobre algunos de los nombres más importantes del teatro de nuestro país, encabezados Miguel del Arco (por el Premio Nacional de Teatro) que contó con la colaboración de Paco Azorín en la concepción escenográfica, Sandra Espinosa en el diseño de vestuario, Juanjo Llorens en la iluminación y Pedro Chamizo en el diseño de proyecciones.

Santiago Serrate estuvo al frente de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y el Coro de la ópera de Oviedo, junto a un reparto encabezado por Mariola Cantarero (Laurencia), Antonio Lozano (Frondoso), Felipe Bou (Esteban), Damián del Castillo (Fernán Gómez), Juan Antonio Sanabria (Mengo), Isabela Gaudí (Pascuala), Luis Cansino (Flores) y Pablo García-López (Juez).

LUCIA DE LAMMERMOOR

Gaetano Donizetti

Gran Teatre del Liceu 2015

Juan Diego Flórez debutaba el rol de Edgardo en Lucia di Lammermoor en noviembre de 2015, en el Gran Teatre del Liceu, con esta producción de Damiano Michieletto dirigida musicalmente por Marco Armiliato y con la soprano Elena Mosuc en el papel protagonista de la ópera.

Basada en la truculenta novela histórica de Walter Scott, The Bride of Lammermoor, que Salvatore Camarano transformó en libreto para Gaetano Donizetti, quien compuso la ópera en apenas un mes, Lucia di Lammemoor expresa el amor romántico que perdura más allá de la mentira, de la incomprensión, de la locura y de la muerte. Situada en Escocia, la rivalidad entre dos clanes enemigos es el escenario que ve nacer el amor entre Lucia y Edgardo, que se juran en secreto voto de matrimonio. La protagonista, Lucía, es uno de los grandes retos del repertorio operístico, tanto en el ámbito vocal como escénico, y que es conocido por uno de sus puntos álgidos, cuando el personaje se entrega a la locura.

La propuesta escénica que nos ofrece el Liceu, dirigida por Damiano Micheletto y estrenada en la Opernhaus Zürich, recrea un ambiente “desnudo de excesos, dominado sólo por el vidrio cortante y frío de una torre, que es a la vez lugar de fiesta y de muerte”, en palabras del director de escena.

Fotografía: Javier del Real

Anna Bolena

Debido a la aprobación realizada por el Gobierno el pasado miércoles 22 de abril, ampliando el estado de alarma hasta el 9 de mayo, y la imposibilidad de apertura de teatros y celebración de espectáculos públicos, ABAO Bilbao Opera se ve obligada por causas de fuerza mayor, a posponer la celebración de la ópera Anna Bolena.

El título de Donizetti constituía la quinta ópera de la 68 temporada de ABAO, con la que se esperaba una clausura con “broche de oro. Sin embargo, las circunstancias actuales impiden llevarla a cabo en los tiempos necesarios programados, ya que tanto el montaje de la producción como los ensayos con los artistas estaba previsto se iniciasen el 29 de abril.

Desde ABAO pensamos que debemos seguir apoyando a la cultura y tratar de minimizar en la medida de lo posible los efectos de esta situación. La intención de ABAO Bilbao Opera es no cancelar espectáculos ni contratos o compromisos, para que los profesionales y el público en general tengan el menor impacto posible. ABAO confía en lograr su objetivo y que Anna Bolena se pueda celebrar pronto con la misma producción y elenco, una vez superados estos complejos momentos en los que la salud es lo esencial para todos.

Del mismo modo, y en relación al espectáculo Guillermo Tell de la temporada Abao Txiki, patrocinado por BBK y previsto para el último fin de semana del mes de mayo, estamos a la espera de las indicaciones de las autoridades una vez levantado el estado de alarma, aunque es previsible que no pueda celebrarse en las fechas programadas inicialmente.

#ABAOenCasa también en el Hospital Universitario de Cruces

ABAO Bilbao Opera continúa con su temporada de forma virtual a través de la iniciativa #ABAOenCasa. Un escenario virtual en la web de ABAO con acceso totalmente gratuito a los mejores títulos de ópera, conferencias, momentos inolvidables de otras temporadas y una programación específica para los más pequeños.

A este escenario virtual que se inició el pasado 12 de abril y que se renueva cada semana, se incorpora dentro del proyecto “Ópera y +”, un programa especial para el canal de televisión interno del Hospital Universitario de Cruces. Los pacientes y personal médico podrán disfrutar en abierto de una selección de fragmentos de distintas óperas de las últimas temporadas. ABAO Bilbao Opera con el patrocinio de Fundación Repsol y Petronor y la colaboración de Obra Social La Caixa, contribuye de este modo al bienestar emocional dentro del proceso de la enfermedad, proporcionando momentos placenteros vinculados con la música y la ópera, y también una forma de ayuda, adhesión y ánimo, en esta situación en la que no se permite el acompañamiento familiar.

Billy Bood

LA BOHEME (G. Puccini)

Representada en octubre de 2018

Ainhoa Arteta (Mimí), Rodolfo Teodor Ilincai (Rodolfo), Artur Ruciski (Marcello), Jessica Nuccio (Musetta), David Menéndez (Schaunard), Krzysztof Bączyk (Colline), Fernando Latorre (Benoit y Alcindoro), Director musical: Pedro Halffter, Director de escena: Mario Pontiggia, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Coro Infantil Sdad. Coral de Bilbao, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa.

El inconfundible título de Giacomo Puccini, abría la temporada 2018/2019 con una Mimí de rompe y rasga, como es la que siempre ha cantado Ainhoa Arteta. Ella es conocedora sin límites de la personalidad femenina de los personajes del compositor y por eso su temperamento se adapta tan bien a todas sus recreaciones.

Hasta el jueves 30 de abril

BILLY BUDD (B. Britten)

Representada en octubre de 2009

Nathan Gunn (Billy Budd), Timothy Robinson (Captain Vere), Sir John Tomlinson (John Claggart), Christopher Robertson (Mr. Redburn), Johannes Weisser (Mr. Flint), Fernando Latorre (Lieutenant Ratcliffe), Hans Jürgen Schöpflin (Red Whiskers), Nikolay Borchev (Donald), Markus Hollop (Dansker), Michael Spyres (Maintop), Cosmin Ifrim (A Novice), Andrew Ashwin (Novice’s friend), Manel Esteve (Bosun), Alberto Núñez (First Mate), Fernando Laborda (Second Mate), Pablo López (Arthur Jones), Director musical: Juanjo Mena, Director de escena: Davide Livermore, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

La historia literaria creada por el mago de la palabra Hermann Melville, fue llevada a ópera por Benjamin Britten, uno de los compositores contemporáneos más representados. Esta producción, que supuso un reto escénico para ABAO, constituyó de igual forma un éxito a todos los niveles. Era la segunda vez que se representaba un título de Britten y el público deliró con la maldad que respiraba Sir John Tomlinson en su cruel personaje y la bondad del barítono Nathan Gun como el desdichado Billy Budd. Juanjo Mena supo dotar con su maestría a esta ópera que se mecía a sus órdenes como el propio barco del protagonista en el mar

Hasta el domingo 3 de mayo

FIDELIO (L. van Beethoven)

Representada en noviembre de 2018

Elena Pankratova (Leonore – Fidelio), Peter Wedd (Florestan), Tijl Faveyts (Rocco), Anett Fritsch (Marzelline), Mikeldi Atxalandabaso (Jaquino), Sebastian Holecek (Don Pizarro), Egils Silins (Don Fernando), Manuel Gómez Ruiz (Prisionero 1) Felipe Bou (Prisionero 2), Director musical: Juanjo Mena, Director de escena: José Carlos Plaza, Director de escena de la reposición: Gregor Acuña-Pohl, Director del coro: Boris Dujin Coro de Ópera de Bilbao, Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

Fue de nuevo Juanjo Mena quien de las tormentas oceánicas de Britten nos llevó por las notas de Beethoven a la prisión Sevillana donde Fidelio/Leonora y Florestan viven sus tribulaciones. Impresionante interpretación de la soprano Elena Pankratova, en una producción cuya plástica conmovió a todos los espectadores y con la que celebramos la histórica representación número 1.000 de ABAO.

ABAO TXIKI

Hasta el lunes 27 de abril

TXANOZURITZU (Carlos Imaz)

Representada en marzo de 2016

Marta Ubieta, Mikeldi Atxalandabaso, Itxaro Mentxaka, José Manuel Díaz, Marifé Nogales, Gexan Etxabe, Olatz Saitua, Itziar de Unda, Dirección musical y piano: Rubén Fernández Aguirre, Dirección de escena y dramaturgia: Mitxel Santamarina, Gaudeamus Korala, Orquesta Kissar Ensemble, Producción: ABAO Bilbao Opera.

Hasta el lunes 4 de mayo

CUENTO DE NAVIDAD (Iñigo Casalí)

Representada en enero de 2018

Alfonso García-Noain, Carlos Crooke, Marta Infante, Enrique Sánchez Ramos, Itxaso Moriones, Noemí Irisarri Idoia Martínez Leyre Medina, Director musical: Jesús María Echeverría, Dirección de escena: Pablo Ramos, Coros adulto e infantil de OCN y Escuela de ópera OCN., Orquesta Ciudad de Pamplona, Coproducción: ABAO Bilbao Opera, Ópera de Cámara de Navarra.

CONFERENCIAS

  • Hasta el 28 de abril. Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre La Boheme de Puccini a cargo de Eva Sandoval
  • Hasta el 3 de mayo. Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre Fidelio de Beethoven a cargo de Luis Gago

María Llorens Cortés, con el relato titulado El descanso de Pélida, y Eva María Torrecilla, con la obra La fecha de Apolo, han obtenido ex aequo el primer premio de Relato Corto Teatro Real para Jóvenes convocado el pasado mes de febrero, con motivo del estreno de Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli, cuyo tema era el mito de Aquiles.

En la misma convocatoria han resultado finalistas Javier Quevedo, con Fantasmas, y Miguel Reviriego Antón, con Última Misiva antes de salir a la batalla.

El jurado, formado por los periodistas y escritores, Concha Barrigós, redactora jefe de cultura de la Agencia EFE; Jesús García Calero, jefe de cultura del periódico ABC, y Juan Cruz, adjunto a la dirección de EL PAÍS, ha destacado la calidad de los treinta relatos presentados y ha valorado la creación literaria y artística que representan.

Sobre El descanso de Pélida, de María Llorens, el jurado ha señalado que “se trata de un relato vibrante y tierno, que presenta a Aquiles viviendo una historia de amor eterno con Patroclo. El relato premiado combina con eficacia una fuerza narrativa y una tensión poética que lo dotan de una sutil belleza. La magia y la tristeza esperanzada se unen en una historia llena de ternura”.

La flecha de Apolo, de Eva María Torrecilla, sitúa la historia en la época de la epopeya troyana y narra la muerte del hijo de la diosa y el mortal a manos de Paris “con una estructura poética y cinematográfica muy atractiva que recrea, en distintos planos y con verosimilitud, los últimos momentos del héroe”.

Ambos relatos serán publicados en la web del Teatro Real, y en futuras ediciones impresas de la institución, y sus autoras formarán parte de la Fundación Amigos sin cuotas durante un año y recibirán dos entradas para el estreno de la ópera Rusalka, de Antonín Dvořák, que tendrá lugar el próximo mes de noviembre, dentro de la Temporada 2020-2021 del Teatro Real.

Los dos finalistas, Javier Quevedo, y Miguel Reviriego Antón obtendrán un año de permanencia en la Fundación Amigos y dos entradas para alguna de las funciones de la mencionada ópera.

Aquiles en Esciros, obra recuperada por el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU) para el Real, no llegó a estrenarse debido a la declaración del estado de alarma que ha impedido el desarrollo normal de nuestra vida cotidiana.

La flecha de Apolo
por Eve Blakesley

Troya arde.
Sus templos, casas y palacios se consumen en una gigantesca pira; de su interior
se escapan los gritos ahogados de aquellos que jamás conseguirán huir con vida. En las
calles, los supervivientes son hostigados por las tropas griegas, que sedientas de sangre,
recorren lanza en mano las entrañas de la ciudad, acabando con la vida de hombres,
mujeres y niños por igual.
Y sin embargo, esas pobres almas que ya se apresuran a cruzar la laguna Estigia
no me importan. Los cadáveres que alfombran los bellos jardines de la familia real
troyana carecen de sentido para mí.
Igual que esta maldita guerra. Igual que mi propia vida. No son más que
ilusiones enviadas por los dioses para torturarme, para recordarme que, por mucho que
lo deseé, no puedo morir.
Aprieto la espada entre mis dedos ensangrentados. Es una realidad que creí
aceptar hace tiempo, pero tras la muerte de Patroclo, algo se desgarró dentro de mí, algo
oscuro y visceral.
Un deseo nacido del más profundo dolor.
Una necesidad de seguir a Patroclo hasta los mismísimos brazos de Hades solo
por contemplarle una última vez.
Sin embargo, no puedo morir. El gran héroe Aquiles, temido y amado al mismo
tiempo por los dioses, está condenado a llevar una vida maldita, añorando aquello que
jamás volverá a tener.
El dolor parece a punto de partirme en dos, y como único modo de liberarlo,
levanto la espada y atravieso el pecho de un soldado troyano demasiado joven,
demasiado crédulo, que se disponía a ensartarme con su lanza. En sus ojos veo la
esperanza de convertirse en un héroe para su ciudad; el sueño pueril de ser aquel que
venció a Aquiles. El muy necio no ha pasado de ser más que una mera marioneta de los
dioses, un peón en medio de una guerra absurda, y mientras arranco la espada de su
pecho aún palpitante, veo cómo la esperanza se diluye en sus ojos antes de que su
cuerpo caiga a plomo en la tierra.
Para esto nací. Para esto me eligieron los dioses: la muerte, la guerra, la gloria.

Las palabras de mi madre resuenan como un susurro frío en mis oídos, traídas
desde mis recuerdos más primarios: Si te quedas, vivirás largos años, pero sin gloria. Si
te vas, alcanzarás una inmensa fama entre los hombres, pero tu vida será fugaz.
Y heme aquí, con la gloria entre mis dedos, pero sin rastro de la muerte que tanto
ansío conseguir. Los dioses deben de estar burlándose de mí y de mi desdicha, y furioso,
alzo de nuevo la espada para cortar el cuello a otro troyano, tan joven y confiado como
el anterior.
Después, llega otro. Y otro. Los troyanos se arman con su desesperación y me
ofrecen su última defensa; sin embargo, sus lanzas resbalan sobre mi armadura y sus
espadas, demasiado lentas, parecen ser repelidas por la propia Atenea.
Los soldados más sensatos empiezan a retroceder, percatándose de que su guerra
estaba perdida incluso antes de comenzar. Me quedo de pie ante ellos, resollando. El
casco me oprime; el calor del fuego que se alza a mi espalda, lamiendo el cielo
nocturno, parece a punto de hacerme arder.
Me quito el casco con un gesto brusco de la mano, tirándolo sobre el montón de
cadáveres que me rodea. Después, levanto la espalda y apunto con ella a los soldados,
lanzándoles una sonrisa desafiante.
—¿Quién será el próximo que se enfrente a Aquiles? —grito—. ¿Quién osará
desafiar a los mismísimos dioses?
Casi me parece saborear el escalofrío de terror que recorre el cuerpo de los
soldados, cuyas armas tiemblan en sus manos. Noto cómo la sonrisa estira aún más mis
labios, pero entonces uno de los soldados levanta la mirada hacia el extremo de los
jardines. Sigo la dirección de sus ojos para encontrarme la figura de un hombre saliendo
del palacio. Lleva una espada al cinto y un arco en la mano, y por un momento, me
parece estar viendo al dios Apolo, preparado ya para cumplir mis más profundos deseos.
Sin embargo, cuando el hombre se separa de las sombras de palacio y el fuego
ilumina los atractivos rasgos de su rostro, compruebo que solo se trata del príncipe
Paris.
Ladeo la cabeza hacia él, midiéndole desde la distancia. Le recuerdo del día que
me enfrenté a su hermano, el príncipe Héctor, a los pies de las murallas troyanas. Paris,
lejos de mostrar el mismo valor que su hermano, se mantuvo escondido en lo alto de las
murallas, protegido tras la figura de su amante Helena, y no hizo un solo movimiento
cuando atravesé el pecho de Héctor con mi lanza. Tampoco cuando até su cadáver a un
carro y lo arrastré en torno a la ciudad.

Sin embargo, ahora, tras tanto tiempo, parece que el dolor ha anidado en su
alma, porque me observa de la misma manera en la que yo miraba a Héctor: con el odio
desmedido de aquel que ha perdido lo que más ama en este mundo de desgracias.
—¿Qué estás mirando, príncipe? ¿A qué esperas para vengar a tu hermano? —le
grito, alzando mi espada ante él.
Paris yergue la cabeza. Su rostro juvenil, de ojos dorados y rasgos afilados,
perfilados por bellos rizos castaños, se transforma en una máscara de ira. No desenvaina
la espada; en su lugar, levanta el arco, saca una flecha del carcaj a su espalda y me
apunta.

Ni siquiera tiene el coraje suficiente como para entablar un combate a espada
conmigo.
De mi boca se escapa un resoplido lleno de desprecio, y sacudiendo la cabeza, le
doy la espalda. Las flechas no pueden matarme; nada puede hacerlo. Comienzo a
caminar hacia los soldados, pero entonces escucho el murmullo que Paris dedica a los
cielos.
—Dioses, permitidme cumplir con mi venganza.
Hasta mí llega la forma en la que tensa su arco, el sonido de la cuerda
estirándose. Sonrío y sigo caminando.
—Apolo, guía la flecha hacia el corazón de mi enemigo. Que el disparo sea
certero, te lo ruego…
Levanto la espada hacia los soldados, dispuesto a ensartarlos, pero entonces un
rayo de dolor me paraliza la pierna. Bajo la mirada para contemplar la flecha que acaba
de atravesarme el talón: un charco de sangre negra empieza a manchar la tierra.
Ladeo la cabeza hacia Paris, que ha palidecido y que se apresura a cargar el arco
con una nueva flecha. Es un hombre tan débil que lo más piadoso para él sería que
acabara ya con su mísera existencia. Sin embargo, antes de que pueda agacharme para
arrancar la flecha de mi talón y me apresure a cortar el cuello de Paris, el dolor que me
sube por la pierna se me hace insoportable.
Una agonía intensa nace en algún punto de mi pecho. Jadeo y bajo la mirada
hacia el charco de sangre que me rodea. Es demasiada sangre, demasiado dolor, para
una simple herida de flecha. La debilidad se extiende por mi cuerpo como una
enfermedad, y no tardo en caer de rodillas a la tierra, empapándomelas de rojo.
¿Quizás sea esto la muerte? ¿Caeré aquí, a merced de la flecha de un mortal?

Suelto la espada, que se desploma con un agudo sonido metálico sobre el suelo;
apoyo las manos en la tierra y jadeo, con la respiración dificultosa y el corazón alegre
por primera vez en años.
Sí, aquí está la muerte del héroe Aquiles: la siento en los huesos, que se me
tornan quebradizos a cada segundo; la noto en el sabor acerado que me inunda la
lengua; la siento en las risas histriónicas de los dioses, que llegan desde el Olimpo como
un débil rumor.
Mi muerte, tan ansiada, tan querida… La abrazo como si estuviera fundiéndome
con el mismísimo Patroclo. Una sonrisa acude a mis labios sin que pueda evitarlo. Noto
la presencia del príncipe Paris tras de mí. Dice algo, no comprendo el qué, aunque
tampoco importa. Ya nada importa.
Me desplomo sobre mi propia sangre, tan negra como la noche que nos rodea.
Así rubrico mi final, yo, Aquiles, caído como el más patético de los mortales
ante el más débil de los hombres. Se me cierran los ojos de golpe, sin que un solo
recuerdo pueda acudir a mi mente, sin que pueda atarme a nada de lo que tuve en vida.
Cuando vuelvo a abrirlos, se extiende ante mí, eterna, gris y humeante, la laguna
Estigia.
Por fin.

Lucrezia Borgia

El Palau de les Arts continúa con el ciclo ‘Ópera desde casa’ con la emisión de ‘Lucrezia Borgia’, de Donizetti, protagonizada por la soprano Mariella Devia.

Tras finalizar la colaboración con Unitel con la emisión de ‘Fidelio’, Les Arts amplía la oferta de ópera online, que se prolongará hasta el próximo 30 de abril. De esta forma, además de la ópera de Gaetano Donizetti, desde la web de Les Arts se podrá visionar también ‘Le cinesi’, de Gluck, el lunes 27, y ‘Il corsaro’, de Verdi, el jueves día 30.

A partir de las 20.00 horas del 24 de abril y hasta las 20.00 horas del lunes 27 de este mes, la web de Les Arts ofrece de manera libre y gratuita uno de los títulos de referencia del bel canto en un montaje de Emilio Sagi con dirección musical de Fabio Biondi.

La soprano italiana Mariella Devia, en una de sus últimas actuaciones antes de retirarse de los escenarios, encarna a la enigmática hija del papa Alejandro VI, uno de los papeles más exigentes de todo el repertorio belcantista. Le acompañan en el reparto el tenor estadounidense William Davenport, el bajo-barítono croata Marko Mimica y la mezzosoprano valenciana Silvia Tro Santafé.

El lunes 27, a partir de las 20.00 horas, Les Arts ofrece ‘Le cinesi’ de Gluck. Bajo la batuta de Fabio Biondi, la soprano italiana Désirée Rancatore, la mezzosoprano sueca Ann Hallenberg y la valenciana Silvia Tro Santafé, junto con el tenor italiano Anicio Zorzi Giustiniani, interpretan esta ópera en un acto, en versión de concierto, registrada en el Auditori de Les Arts.

La ópera ‘Le cinesi’ versa sobre las aspiraciones de tres mujeres chinas que, tras escuchar los relatos que circulan sobre Occidente, sienten la atracción de querer vivir su vida, sensibles al deseo de un mundo imaginario donde (aparentemente) hay una mayor libertad.

Cierra la programación de ‘Ópera desde casa’ ‘Il corsaro’, de Verdi, gracias a la colaboración del prestigioso canal de televisión Mezzo, que ha cedido para este propósito la grabación que hizo de esta obra durante sus representaciones en Les Arts en 2018.

El jueves 30 de abril, a las 20.00 horas, los espectadores tienen la posibilidad de descubrir, desde la web de Les Arts, una de las obras menos conocidas y representadas de Giuseppe Verdi, que la alemana Nicola Raab puso en escena en una nueva producción con Fabio Biondi en el podio.

El tenor Michael Fabiano encabeza el reparto de esta obra, en el que figuran también Oksana Dyka, Vito Priante, Kristian Mkhitaryan y Evgeny Stavinsky.

Fotografía: Tato Baeza

ABAO Bilbao Opera

ABAO Bilbao Ópera continúa con su programación #ABAOencasa y esto es lo que nos regalan la semana del 19 al 26 de abril:

ESTRENOS:

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Lunes 20 de abril

LA BOHEME (G. Puccini)

Representada en octubre de 2018

Ainhoa Arteta (Mimí), Rodolfo Teodor Ilincai (Rodolfo), Artur Ruciski (Marcello), Jessica Nuccio (Musetta), David Menéndez (Schaunard), Krzysztof Bączyk (Colline), Fernando Latorre (Benoit y Alcindoro), Director musical: Pedro Halffter, Director de escena: Mario Pontiggia, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Coro Infantil Sdad. Coral de Bilbao, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa.

El inconfundible título de Giacomo Puccini, abría la temporada 2018/2019 con una Mimí de rompe y rasga, como es la que siempre ha cantado Ainhoa Arteta. Ella es conocedora sin límites de la personalidad femenina de los personajes del compositor y por eso su temperamento se adapta tan bien a todas sus recreaciones.

Miércoles 22 de abril

BILLY BUDD (B. Britten)

Representada en octubre de 2009

Nathan Gunn (Billy Budd), Timothy Robinson (Captain Vere), Sir John Tomlinson (John Claggart), Christopher Robertson (Mr. Redburn), Johannes Weisser (Mr. Flint), Fernando Latorre (Lieutenant Ratcliffe), Hans Jürgen Schöpflin (Red Whiskers), Nikolay Borchev (Donald), Markus Hollop (Dansker), Michael Spyres (Maintop), Cosmin Ifrim (A Novice), Andrew Ashwin (Novice’s friend), Manel Esteve (Bosun), Alberto Núñez (First Mate), Fernando Laborda (Second Mate), Pablo López (Arthur Jones), Director musical: Juanjo Mena, Director de escena: Davide Livermore, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

La historia literaria creada por el mago de la palabra Hermann Melville, fue llevada a ópera por Benjamin Britten, uno de los compositores contemporáneos más representados. Esta producción, que supuso un reto escénico para ABAO, constituyó de igual forma un éxito a todos los niveles. Era la segunda vez que se representaba un título de Britten y el público deliró con la maldad que respiraba Sir John Tomlinson en su cruel personaje y la bondad del barítono Nathan Gun como el desdichado Billy Budd. Juanjo Mena supo dotar con su maestría a esta ópera que se mecía a sus órdenes como el propio barco del protagonista en el mar.

Viernes 24 de abril

FIDELIO (L. van Beethoven)

Representada en noviembre de 2018

Elena Pankratova (Leonore – Fidelio), Peter Wedd (Florestan), Tijl Faveyts (Rocco), Anett Fritsch (Marzelline), Mikeldi Atxalandabaso (Jaquino), Sebastian Holecek (Don Pizarro), Egils Silins (Don Fernando), Manuel Gómez Ruiz (Prisionero 1), Felipe Bou (Prisionero 2), Director musical: Juanjo Mena, Director de escena: José Carlos Plaza, Director de escena de la reposición: Gregor Acuña-Pohl, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

Fue de nuevo Juanjo Mena quien de las tormentas oceánicas de Britten nos llevó por las notas de Beethoven a la prisión Sevillana donde Fidelio/Leonora y Florestan viven sus tribulaciones. Impresionante interpretación de la soprano Elena Pankratova, en una producción cuya plástica conmovió a todos los espectadores y con la que celebramos la histórica representación número 1.000 de ABAO.

ABAO TXIKI

Miércoles 22 de abril

CUENTO DE NAVIDAD (Iñigo Casalí)

Representada en enero de 2018

Alfonso García-Noain, Carlos Crooke, Marta Infante, Enrique Sánchez Ramos, Itxaso Moriones, Noemí Irisarri Idoia Martínez Leyre Medina, Director musical: Jesús María Echeverría, Dirección de escena: Pablo Ramos, Coros adulto e infantil de OCN y Escuela de ópera OCN., Orquesta Ciudad de Pamplona, Coproducción: ABAO Bilbao Opera, Ópera de Cámara de Navarra

CONFERENCIAS

  • Lunes 20 de abril. Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre La Boheme de Puccini a cargo de Eva Sandoval
  • Jueves 23 de abril. Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre Fidelio de Beethoven a cargo de Luis Gago

EN CARTEL:

CONCIERTO

Hasta el martes 21 de abril

MESSA DA REQUIEM (G. Verdi)

Representada en ABAO en abril de 2016

Angela Meade (soprano), Dolora Zajick (mezzo), Gregory Kunde (tenor), Ildebrando D’Arcangelo (bajo), Director Musical – Francesco Ivan Ciampa, Director del coro – Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Orquesta Sinfónica Verum.

Es una de las obras más icónicas de la música sacra, sin duda gracias al dramatismo y carácter operístico que Verdi dotó a la monumental partitura de esta Messa da Réquiem, que ABAO Incluyó dentro de su ciclo Tutto Verdi en 2016.

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Hasta el martes 21 de abril

EUGENE ONEGIN (P. I. Tchaikovski)

Representada en abril de 2011

Scott Hendricks (Eugene Onegin), Ainhoa Arteta (Tatiana), Ismael Jordi (Vladimir Lenski), Irina Zhytynska (Olga), Annie Vavrille (Larina), Stanislav Shvets (Príncipe Germin), Nadine Weissmann (Filippyevna), Mikeldi Atxalandabaso (Triquet), Fernando Latorre (Comandante), Director musical: Miguel Ángel Gómez Martínez, Director de escena: Michal Znaniecki, Director del coro: Boris Dujin, Coreografía: Diana Theocharidis, Coro de Ópera de Bilbao, Orquesta Sinfónica de Szeged Kraków, Opera Ballet.

El primer título en ruso que ABAO representó en el Euskalduna y que además resultó ganador del premio a la mejor producción de ópera en la edición de los Premios Líricos Teatro Campoamor en 2012. Con un reparto muy interesante y una novedosa producción que aunque contemporánea, se enmarca en el espíritu romántico de Tchaikovski y en el literario de Pushkin.

Hasta el jueves 23 de abril

RIGOLETTO (G. Verdi)

Representada en octubre de 2013

Leo Nucci (Rigoletto), Elena Mosuc (Gilda),Ismael Jordi (Duque de Mantua), Maria José Montiel (Maddalena), Felipe Bou (Sparafucile), Ainhoa Zubillaga (Giovanna), José Antonio García (Conde de Ceprano), Javier Galán (Monterone), César San Martín (Marullo), Eider Torrijos (Condesa de Ceprano), Eduardo Ituarte (Matteo Borsa), Susana Cerro (Un paje), Director musical: Miguel Ángel Gómez Martínez, Director de escena: Emilio Sagi, Dirección del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

Este conocidísimo título del repertorio verdiano, tiene como protagonista al bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua, alrededor del cual se desencadena un drama de pasión, engaño, amor filial y venganza. Se representó en ABAO en octubre de 2013, propiciando uno de los acontecimientos más singulares de nuestra historia, ya que Leo Nucci y Elena Mosuc hicieron un bis de la celebérrima escena “Si, vendetta” en cada una de las representaciones.

Hasta el domingo 26 de abril

RUSALKA (A. Dvořák)

Representada en octubre de 2005

Sondra Radvanovsky (Rusalka), Michael Myers (Príncipe), Larissa Diadkova (Princesa extranjera), Lauren Flanigan (Ježibaba), Hans Peter König (Vodník), Marta Ubieta (Primera duendecilla), Tatiana Davidova (Segunda duendecilla, Francisca Beaumont (Tercera duendecilla), José Ruiz (Guardabosques), Alexandra Rivas (Duquesa), Director musical: Jiri Kout, Director de escena: Jean Claude Berrutti, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa.

La triste historia de esta mitológica hada de las aguas se representaba por primera vez en ABAO en octubre del 2005, con una espectacular y clamorosa Sondra Radvanovsky en el rol principal, con un éxito sin precedentes. El escenario se llenó de agua y había magia de bosques y cielos encapotados en nubes que hacían de manta a la Luna, a la que la desdichada Rusalka cantaba.

ABAO TXIKI

Hasta el lunes 20 de abril

EL GATO CON BOTAS (Xavier Montsalvatge)

Representada en enero de 2005.

Marisa Martins, Mario Villoria, María Luz Martínez, Enric Martínez-Castignani, Alberto Feria, Director musical: Jordi Bernàcer, Dirección de escena: Emilio Sagi, Escenografía Agata Ruiz de la Prada, Diseño de Vestuario Agata Ruiz de la Prada, Diseño de Iluminación José Luis Canales, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa, Coproducción: ABAO Bilbao Opera, Gran Teatre del Liceu, Teatro Real de Madrid.

Hasta el lunes 27 de abril

TXANOZURITZU (Carlos Imaz)

Representada en marzo de 2016

Marta Ubieta, Mikeldi Atxalandabaso, Itxaro Mentxaka, José Manuel Díaz, Marifé Nogales, Gexan Etxabe, Olatz Saitua, Itziar de Unda, Dirección musical y piano: Rubén Fernández Aguirre, Dirección de escena y dramaturgia: Mitxel Santamarina, Gaudeamus Korala, Orquesta Kissar Ensemble, Producción: ABAO Bilbao Opera.

CONFERENCIAS

  • Hasta al jueves 23 de abril. Horizontes de la Excelencia. Encuentro entre Ainhoa Arteta y Pedro Halftter.
  • Hasta el domingo 26 de abril. Opera bihotzetik. Conferencia del barítono francés François Le Roux.
Otello, Teatro Real

El próximo 23 de abril se conmemora el Día Internacional de Libro, en torno a esta celebración MyOperaPlayer ha seleccionado títulos de óperas inspirados en grandes obras literarias cuyas representaciones han tenido lugar en el Teatro Real

El Siglo de Oro inaugura esta propuesta cultural con Fuenteovejuna, versión de la obra teatral homónima de Lope de Vega (1562-1635) creada por Antonio Gades e interpretada por su compañía, con una muestra magistral de narración y expresividad a través de la danza española

Dedicamos el fin de semana a una ópera cuyo estreno tuvo lugar en el Teatro Real precisamente un 23 de abril, en 2019, Falstaff, de Giuseppe Verdi, cuya visualización estará disponible sólo estos dos días. El poeta Arrigo Boito busca la inspiración para el libreto en varias obras de William Shakespeare (1564-1516)

El año 2015 tiene lugar el estreno mundial de la ópera El Público, encargo del Teatro Real al compositor Mauricio Sotelo, con libreto del escritor y músico Andrés Ibáñez. La ópera rescata la esencia de la obra del mismo título de Federico García Lorca (1898-1936)

La arrebatadora fuerza dramática de W. Shakespeare, quien retrata como nadie las esencias del ser humano, está en la génesis de algunos de los grandes títulos de G. Verdi como es el caso de Otello. A. Boito fue el responsable de convertir en libreto la obra del inmortal inglés, El moro de Venecia

De la fructífera colaboración entre el compositor Richard Strauss y el poeta y dramaturgo Hugo von Hofmannsthal nace una obra indispensable en la historia de la ópera, Elektra, basada en la narración homónima de Sófocles (496 a.c.- 406 a.c.)

Os recordamos que, para acceder gratuitamente a todos los contenidos de MyOperaPlayer sólo hay que registrarse en el enlace www.myoperaplayer.com e introducir el código OperaEnCasa.

Muchos son los compositores de ópera que han bebido de fuentes literarias para la elaboración de sus libretos, combinando dos artes que en numerosas ocasiones han contribuido al engrandecimiento mutuo y otras han corrido suerte desigual. De la misma forma, el mundo de la danza, con su doble lenguaje musical y coreográfico, ha narrado historias y hermosos cuentos procedentes de la pluma de grandes autores.

Estimulado por esta eterna relación, y con la cercana celebración del Día Internacional del Libro, el próximo 23 de abril, el Teatro Real ha seleccionado una serie de óperas para su plataforma de vídeo MyOperaPlayer, cuyo argumento nace de títulos de la literatura universal a través de la reescritura de autores no menos celebrados como Arrigo Boito, en el caso de Giuseppe Verdi; Hugo von Hofmannsthal, en el de Richard Strauss, o Andrés Ibáñez, en el de Mauricio Sotelo.

Dos obras de Verdi: Falstaff (disponible sólo durante el fin de semana del sábado 18 y el domingo 19) y Otello, en grandes producciones protagonizadas por los mejores intérpretes del momento.

El anterior director artístico del Teatro Real, Gerard Mortier, encargaba en 2010 al compositor español Mauricio Sotelo una nueva ópera. Cinco años más tarde el escenario madrileño acogería el estreno mundial de El Público, con libreto del escritor y músico Andrés Ibáñez sobre la obra homónima de Federico García Lorca. Compleja, simbólica y trascendental la ópera se apoya en recursos tan distantes como la música electrónica o el flamenco, cantado y bailado, recreando un universo turbio y, a veces desgarrador, cargado de imágenes de intensa belleza.

En otoño de 1998 el Teatro Real afrontaba la segunda temporada desde su reapertura. En su programación, el entonces director musical y artístico de la institución, Luis Antonio García Navarro, se ponía al frente de Elektra, de Richard Strauss, protagonizada por una de las intérpretes de referencia de este papel, Eva Marton. Televisión Española rescata ahora de su archivo histórico esta producción para ofrecerla en MyOperaPlayer.

Será sin embargo la danza la encargada de inaugurar esta semana especial de la mano de Antonio Gades y su compañía con una de las joyas de su repertorio, Fuenteovejuna. En esta coreografía, el talento del genial Gades se une al de Lope de Vega, con la colaboración de José Manuel Caballero Bonald, para contarnos la lucha solidaria de un pueblo contra la tiranía a través de la expresión de la mejor danza española y el folclore más genuino que dan como resultado un espectáculo mítico que ha sido exhibido por todo el mundo.

Como en la mejor Feria del libro, parece que esta semana nos acompañará la lluvia. Un motivo más para adentrarse en esta nueva propuesta musical.

#QuédateEnCasa, el Teatro Real se queda contigo.

PROGRAMACIÓN

FUENTEOVEJUNA

Antonio Gades

Compañía Antonio Gades. Teatro Real

Fuenteovejuna, obra culmen de Antonio Gades, es ante todo una obra hermosísima, el último fruto de una gran madurez artística y personal. La sutil y conmovedora calidad de su materia no reside ni en sus valores estético ni en su espectacularidad, sino en la sencillez apabullante con que muestra la esencia de las cosas que quiere contar.

Estrenada en la Ópera Carlo Fenice de Génova, el 20 de diciembre de 1994, está basada en la creación dramática homónima de Lope de Vega, a partir de un hecho histórico en el que un pueblo entero de la alta Andalucía, Fuente Ovejuna, se rebela contra los abusos perpetrados por un noble, el Comendador de la Orden de Calatrava Fernán Gómez de Guzmán, y acaba por ajusticiarlo. Cuando los Reyes Católicos, Isabel y Fernando, envían a un juez para esclarecer el caso, ni aun sometiendo a las peores torturas a los aldeanos logra que éstos denuncien al culpable, pues todos, con una sola voz, asumen la muerte del noble “innoble” y la responsabilidad de su destino.

Dedicada a la memoria de Celia Sánchez Manduley, la adaptación de la obra corre a cargo del propio Gades con la colaboración de José Manuel Caballero Bonald. El espectáculo cuenta con un equipo artístico de lujo en el que participan en ambientación y vestuario Pedro Moreno; en iluminación, Dominique You y en los arreglos y selección musical Faustino Núñez.

Los papeles protagonistas recaen sobre Cristina Carnero (Laurencia), Ángel Gil (Frondoso), Alberto Ferrero (Alcalde) y Joaquín Mulero (Comendador).

FALSTAFF

Giuseppe Verdi

Teatro Real 2019

El estreno de esta producción tuvo lugar, precisamente, el 23 de abril de 2019, día internacional del libro, en el Teatro Real. Se trata de Falstaff, cuyo libreto, de Arrigo Boito, está inspirado en pasajes de Las alegres comadres de Windsor, Enrique IV y Enrique V de William Shakespeare, al servicio del genio de Giuseppe Verdi quien, ya octogenario, escribe una partitura genial, despidiendo su carrera operística con un canto a la humanidad lleno humor, sabiduría, vitalidad, hondura y regocijo.

Laurent Pelly, responsable de la dirección de escena y de los figurines de la ópera -muy querido en el Real por sus acertadas versiones de La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015) y El gallo de oro (2017)- traslada la acción de la obra a nuestro tiempo con una escenografía esquemática, ‘orgánica’ y mutante, diseñada por Barbara de Limburg, en la que va profundizando en el interior de los personajes a través de una narración en la que se desvanecen los límites de la farsa y de la comedia, para entrar en el reino mágico del encantamiento y la fábula.

La endiablada partitura de Verdi está dirigida por Daniele Rustioni al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de un reparto encabezado por el barítono Roberto de Candia, en el papel titular, secundados por Daniela Barcellona (Mistress Quickly), Maite Beaumont (Mrs. Meg Page), Rebecca Evans (Mrs. Alice Ford), Ruth Iniesta (Nannetta), Joel Prieto (Fenton), Simone Piazzola (Ford), Christophe Mortagne (Dr. Caius), Mikeldi Atxalandabaso (Bardolfo) y Valeriano Lanchas (Pistola).

El gordo fanfarrón nos divierte con nuestras penas, nos redime de nuestras miserias y nos lleva a un mundo mejor, más tolerante y risueño, donde “tutto è burla”.

EL PÚBLICO

Mauricio Sotelo

Teatro Real 2015

El Público, encargo del Teatro Real al compositor Mauricio Sotelo, con libreto del escritor y músico Andrés Ibáñez (1961), rescata la esencia de la obra homónima de Federico García Lorca (1898-1936) escrita en 1930 en Cuba, después del transcendente viaje que el poeta granadino realizó a Nueva York, en un período de profunda crisis emocional y efervescencia creativa.

Al escribir el libreto de El Público, Andrés Ibáñez ha intentado conservar todas las dimensiones de la obra, manteniendo sus dos temas fundamentales: “la homosexualidad y el teatro contemporáneo. Ambos se unen en un tema central que tiene que ver con la apariencia o la máscara. Máscara del ‘amor que no puede decir su nombre’ y, finalmente, máscara que se revela como esencia del ser humano. (…) La obscenidad, la crueldad y la irreverencia son elementos fundamentales del lenguaje poético de Lorca. No se han enfatizado ni se han evitado. El texto explora el deseo sexual con una franqueza y una complejidad que desafía las simplificaciones bienintencionadas o más o menos moralizantes.”

También para Mauricio Sotelo, “la inteligibilidad del texto cantado fue el faro que siempre guió el proceso de composición. Si se entiende el texto con claridad, entonces será posible que éste proyecte toda su luz en el espectador.

El compositor se inspira en el mundo simbólico del poeta. Partiendo de las letras del nombre L-O-R-C-A, Sotelo teje una fluida pero compleja partitura, en la que utiliza desde las texturas armónicas del microtonalismo a sofisticadas técnicas electrónicas, y en la que esconde relaciones numéricas, esotéricas e icónicas, sin prescindir de la estructura de una ópera tradicional, con un prólogo y cinco cuadros, arias, dúos, interludios, etc…Para explorar el mundo ancestral y telúrico que subyace en el texto de Lorca, las fuerzas animales y sexuales, ha recurrido al flamenco, incorporando en la partitura su lenguaje y su duende.

Un variado y multicultural grupo de intérpretes dará vida al mundo simbólico de El Público: ocho cantantes encabezados por los barítonos José Antonio López y Thomas Tatzl, encarnarán, cada uno, a varios personajes; dos cantaores, Arcángel y Jesús Méndez, junto con el bailaor Rubén Olmo, interpretan los tres caballos blancos que simbolizan las fuerzas incontrolables de la naturaleza; tres bailarines que representan los trajes de arlequín, de bailarín y el pijama y, finalmente, dos niños bailarines y actores. Junto a ellos estarán el Coro Titular del Teatro Real, la prestigiosa orquesta de música contemporánea Klangforum de Viena, el guitarrista Cañizares y el percusionista Agustín Diassera, todos bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, Principal Director Musical Invitado del Teatro Real.

La escenografía está diseñada por el pintor y escultor Alexander Polzin y la dirección de escena está a cargo de Robert Castro.

OTELLO

Giuseppe Verdi

Teatro Real 2016

La arrebatadora fuerza dramática de William Shakespeare vuelve a convertirse en fuente de inspiración para Giuseppe Verdi y el poeta Arrigo Boito dando como fruto Otello. Boito construye para esta ópera un libreto en el que simplifica la trama profundizando en la complejidad de los personajes y sus relaciones, mientras Verdi utiliza todos sus recursos creativos al servicio de la dramaturgia, creando una partitura sin fisuras, con una orquestación genial en la que el canto fluye como una declamación, que entrelaza sutiles melodías, casi epigramáticas, de enorme fuerza dramática, con otras de largo aliento expresivo.

Cuenta esta producción con un trío protagonista de auténtico lujo encabezado por el tenor Gregory Kunde, uno de los más alabados intérpretes del exigente papel de Otello en la actualidad; la soprano albanesa Ermonela Jaho, conmovedora en su interpretación de Desdémona, y el barítono George Petean, encarnando al sádico y sibilino Iago. El coro Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, dirigido por Ana González, y el Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director titular, Andrés Máspero, actuarán una vez más junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Renato Palumbo

El director de escena estadounidense David Alden opta por enfatizar el conflicto interno de Otello, cuyo carácter guerrero enmascara la enorme inseguridad que lo hace vulnerable a la maquinación perversa de Iago. Una derruida y sombría ciudad mediterránea concebida por el escenógrafo Jon Morrell acentúa la atmósfera terrorífica del drama.

ELEKTRA

Richard Strauss

Teatro Real 1998

Del archivo histórico de RTVE rescatamos, en esta ocasión, Elektra, de Richard Strauss, cuya representación tuvo lugar en noviembre de 1998, cuando comenzaba a rodar la segunda temporada del Teatro Real, cuya reapertura había tenido lugar un año antes. Esta historia de odio y venganza, con libreto del poeta Hugo von Hofmannsthal, inspirado en la obra de Sófocles, de compleja orquestación y extrema dificultad interpretativa tuvo al frente del proyecto a García Navarro, director artístico y musical del coliseo madrileño en ese momento.

El 29 de enero de 1996 ardía el teatro de La Fenice de Venecia por segunda vez en su historia. Las ruinas de esa emblemática casa de la ópera servían de inspiración a Ezio Toffolutti para crear la escenografía de esta producción en la que trataba de renovar y actualizar el mito clásico que Strauss y Hofmannsthal habían situado en el patio interior del palacio de Agamenón.

En este espacio devastado, bajo la dirección de Henning Brockhaus, tomaba forma la desgarradora historia de Electra encarnada en la voz de la que ha sido considerada una de las mejores intérpretes de este papel, Eva Marton. Lideraba el reparto esta soprano dramática en el que estaba acompañada por la mezzosoprano noruega Anne Gjevang, como Clitemnestra, y la soprano española Ana María Sánchez, en el rol de Crisotemis, completando el trío protagonista. Junto a ellas, el tenor norteamericano Kenneth Riegel, Egisto, el bajo alemán Hans Tschammer, Orestes, y la Orquesta Sinfónica de Madrid.

Fotografía: Javier del Real

Les Arts Streaming

El Palau de les Arts inicia su tercera semana de ópera en línea con ‘La vida breve’, de Manuel de Falla, la única producción en su catálogo videográfico dirigida por Lorin Maazel, que podrá verse este martes 14 de abril a partir de las 20.00 horas.

El centro de artes continúa, así, con el ciclo ‘Ópera desde casa’, que realiza en colaboración con Unitel GmbH & Co.KG, copropietaria de las grabaciones, en el que se ofrecen algunos de los montajes más emblemáticos de la historia del teatro.

Además de la ópera de Falla, en la página web de Les Arts se emitirán también esta misma semana, ‘Les Troyens’, de Hector Berlioz, y ‘Yevgueni Oneguin’, de Piotr Chaikovski. Les Arts recuerda que cada título estará disponible para su visionado por un periodo de 48 horas a partir de la fecha asignada a cada obra.

Lorin Maazel (1930-2014), primer director musical del Palau de les Arts y fundador de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, asumió el reto de dirigir por primera vez en su carrera ‘La vida breve’ en sus representaciones en València, que tuvieron lugar en marzo de 2010.

Giancarlo del Monaco fue el encargado de poner en escena la ópera española por excelencia en una producción propia de Les Arts. En su propuesta, el respetado ‘regista’ narra, desde la perspectiva del psicodrama, la infidelidad y la traición de Paco (Jorge de León), un señorito enamorado de la gitana Salud (Cristina Gallardo-Domâs), a la que abandona para desposarse con una joven de familia adinerada.

El jueves 16 de abril a las 18.00 horas, en la web de Les Arts, se presenta la futurista y ambiciosa producción de ‘Les Troyens’, de Berlioz, con la que La Fura dels Baus inauguró la tercera temporada del teatro.

Después de su éxito con ‘El anillo del Nibelungo’, Carlus Padrissa combinó informática, ingeniería y elementos del lenguaje furero para la primera vez que esta ópera, basada en los libros I, II y IV de la ‘Eneida’, de Virgilio, se representaba en España de manera íntegra.

‘Les Troyens’ significó también otro hito en la historia del teatro con el debut del prestigioso director Valery Gergiev al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, en unas funciones protagonizadas por Lance Ryan, Daniela Barcellona, Elisabete Matos, Gabriele Viviani, Giorgio Giuseppini, Stephen Milling y Eric Cutler.

Cierra la semana operística ‘Yevgueni Oneguin’, de Chaikovski, el sábado 18 de abril, a las 20.00 horas. Les Arts recupera uno de los trabajos más aplaudidos de Omer Meir Wellber como director de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y de un reparto con Artur Ruciński, Kristīne Opolais, Dmitry Korchak, Lena Belkina y Günther Groissböck en los papeles principales.

El cineasta Mariusz Treliński presenta una visión minimalista y cargada de símbolos para poner en escena una de las piezas imprescindibles del repertorio ruso, basada en la novela homónima de Alexander Pushkin, que retrata la historia de Yevgueni Oneguin, un dandi de clase acomodada que, preso de sus paradojas personales, termina confinado en la más absoluta soledad.

Fotografía: Tato Baeza

giuseppe-verdi

ABAO de Bilbao Opera presenta una nueva experiencia: #ABAOenCasa. Una iniciativa digital que vamos poner en marcha a través de la web de ABAO para ayudar a toda la sociedad a sostener esta situación y seguir disfrutando de la cultura que es un bien esencial.

Presentamos un amplio programa cultural para todos los gustos. Con acceso a los mejores títulos de ópera, a conferencias magistrales, a momentos inolvidables de nuestra temporada, a iniciativas lúdicas y formativas, llamadas a la participación, y por supuesto, no nos olvidamos de los más pequeños con una programación específica para ellos

TE QUEDARÁS SIN EXCUSAS PARA NO DISFRUTAR DE LA ÓPERA

Queremos invitar a toda la sociedad a disfrutar de la ópera en cualquier momento, a cualquier hora y desde la comodidad de su hogar, de forma ttotalmente libre, sin condiciones y sin registros. El amplio programa de #ABAOenCasa incluye:

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

ABAO vuelve a programar una temporada de un concierto y ocho títulos: Messa da Requiem de Verdi, Eugene Onegin de Chaikovski, Rigoletto de Verdi, Rusalka de Dvořák, La Bohème de Puccini, Billy Budd de Britten, Fidelio de Beethoven, Les pêcheurs de perles de Bizet y Lucia di Lammermoor de Donizetti.

Este programa comenzará mañana domingo 12 de abril cuando ya se podrá disfrutar de la Messa da Requiem, El gato con botas y el podcast de ABAO Bilbao Opera. El lunes se incorporará la ópera Eugene Onegin y el martes Horizontes de Excelencia con Pedro Halffter y Ainhoa Arteta.

Todas las semanas los lunes, miércoles y viernes se podrá disfrutar de un nuevo estreno de ópera que permanecerá accesible durante diez días.

CRÓNICAS DE ABAO

Para disfrutar de momentos inolvidables de la historia operística de la Asociación. La serie está compuesta por varios vídeos de una duración aproximada de 80 minutos, con las mejores escenas de óperas imprescindibles. Se divide en tres grandes colecciones:

Momentos Fundación BBVA

Esta colección recoge las mejores escenas de algunas de las óperas patrocinadas por el patrocinador principal de la temporada y actividades de ABAO, la Fundación BBVA, desde la temporada 2012-2013.

Momentos Tutto Verdi

Un proyecto icónico de ABAO iniciado en 2006 no podía faltar en esta experiencia virtual. Esta colección recoge actuaciones singulares de algunos de los 29 títulos del repertorio verdiano que ABAO ha puesto en escena en este gran proyecto cultural único en todo el mundo.

Horizontes de Excelencia

Fruto de la colaboración entre la Fundación BBVA y ABAO se podrá disfrutar también de los extraordinarios encuentros exclusivos que se han realizado con artistas como Ainhoa ​​Arteta y Pedro Halffter en torno a la ópera Bohemio..

JUGAR, DIVERTIRSE Y APRENDER CON ABAO TXIKI

En #ABAOenCasa no podía faltar una propuesta para que los más jóvenes puedan seguir disfrutando del proyecto Pequeño Abao, el programa de ABAO especialmente diseñado para disfrutar en familia y transmitir valores esenciales de convivencia y educación.

El programa se compone de cinco títulos: La capucha, ópera original en euskera basada en la conocida historia de Caperucita; los inolvidables cuentos El gato con botas de Perrault y El Sastrecillo valiente de los Hermanos Grimm; el clásico de Dickens Cuento de Navidad, y el original y divertido Ni fú ni fa sostenido.

EL CICLO “EL ABC DE LA ÓPERA” EN CLAVE PODCAST

Para aquellos que quieran completar la programación anterior tenemos una propuesta: el podcast ABAO Bilbao Opera.

Aquí, además de otros contenidos, se podrá acceder al ciclo de conferencias “El ABC de la Ópera”. Un programa para conocer todas las claves de los compositores, voces y títulos de las dos últimas temporadas de ABAO con la musicóloga Eva Sandoval, los críticos Luis Gago, Rubén Amón y Andrea Merli, la directora de orquesta y soprano Pilar Jurado y los periodistas Mariela Rubio y Rafael Bernardo.

¿CÓMO SE PUEDE ACCEDER A TODOS ESTOS CONTENIDOS?

Para el Escenario Virtual, ABAO Bilbao Opera ha diseñado un acceso gratuito, cómodo, fácil y sin registros, en tres sencillos pasos:

1. Acceder a www.abao.org desde cualquier dispositivo.

2. Clicar en el botón negro de la parte superior: Disfruta de la ópera #ABAOenCasa

3. Acceder directamente al contenido que más te guste.

Para disfrutar del podcast de ABAO, el proceso es igual de sencillo:

1. Descargar una aplicación de podcast en el móvil o tableta, si no hubiera una instalada

2. Buscar “ABAO Bilbao Opera”

3. Reproducir el archivo audio que más te interese.

Pero esto no va a ser todo…. Es importante estar en contacto con ABAO y visitar la web para conocer las nuevas iniciativas y los estrenos del programa #ABAOenCasa.

NO TE CONTAMOS TODO…DESCÚBRELO.

En ABAO en casa te ofrecemos nuevos estrenos, actividades…y alguna sorpresa. Consulta en nuestra página web www.abao.org la programación y novedades de cada semana.

ABAO ACCESIBLE

Con esta iniciativa ABAO Bilbao Opera quiere en estos momentos ofrecer y compartir gratuitamente con toda la sociedad lo mejor de su videoteca y contenidos. Un esfuerzo más de su labor de divulgación artística y didáctica, y su compromiso con la cultura, que defiende como un bien esencial. #YoSoyABAO ahora es también #ABAOenCasa.

Pagliacci

Con la llegada de los días festivos de Semana Santa, en los que muchos hacen un alto en el trabajo y los más pequeños tienen un descanso escolar, la plataforma de vídeo del Teatro Real, MyOperaPlayer sigue con sus puertas abiertas, de forma gratuita, para ofrecer una opción de ocio on line de la que todos puedan participar.

El pasado fin de semana, el Teatro Real ponía en marcha la iniciativa Aprende y juega en casa con el Real Junior, destinada a familias con niños y unidades pediátricas de hospitales, con el catálogo en abierto de sus espectáculos infantiles y juveniles, complementado con guías didácticas y videos introductorios a cada uno de los títulos.

Para los próximos días, el Teatro Real propone una nueva selección de títulos de ópera, junto a conciertos sinfónicos, entre los que destacamos la emblemática producción de Billy Budd, de B. Britten, concebida por Deborah Warner, con dirección musical de Ivor Bolton, reconocida con el premio a la Mejor Nueva Producción en los International Opera Awards en 2017 y con el DIAPASON D’OR en la categoría de ópera, otorgado por la revista DIAPASON al DVD, coproducido con Bel Air Classiques. Billy Budd estará disponible sólo durante el sábado 11 de abril, sólo durante 12 horas, a partir de las 19.00 horas.

#QuédateEnCasa, el Teatro Real se queda contigo.

PROGRAMACIÓN

TOSCA

Giacomo Puccini

Teatro Real 2004

El verano de 2016 nos dejaba la soprano Daniela Dessì. Los aficionados del Teatro Real guardan en su memoria la interpretación de papeles memorables, como el de esta Tosca en la que Dessì está acompañada por las magníficas interpretaciones del tenor Fabio Armiliato, en el papel de Mario Cavaradossi, el bajo barítono Ruggero Raimondi, considerado uno de los mejores Scarpiia, de la historia junto al Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real, dirigidos por Mauricio Benini.

Bajo la mirada de Nuria Espert, el trágico drama de Puccini adquiere una profundidad estremecedora. En su puesta en escena gana preponderancia el contexto social en el que se desencadena la historia, con los constantes crímenes y torturas inflingidos por un poder político y religioso que maquina, asesina y humilla bajo los auspicios de una iglesia hipócrita e inquisitorial.

Esta atmósfera opresiva y tenebrosa está magníficamente reflejada a través de los imponentes decorados del gran escenógrafo italiano Ezio Frigerio, referente de la escena mundial, por los figurines de la oscarizada Franca Squarciapino y por la iluminación casi pictórica de Vinicio Cheli.

CAVALLERIA RUSTICANA

Pietro Mascagni

I PAGLIACCI

Ruggero Leoncavallo

Teatro Real 2007

Ambas obras, que habitualmente se ofrecen en una misma sesión, se representaron en el escenario del Real en 2007 con producciones concebidas por el director de escena italiano Giancarlo del Monaco, quien acentúa el desgarrado verismo de ambas historias con dos aplaudidas propuestas que dejan al descubierto la tortuosa psicología de los personajes.

Jesús López Cobos, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, contó con dos repartos de conocidas voces encabezadas por Violeta Urmana, Vincenzo La Scola, Viorica Cortez, Marco Di Felice y Dragana Jugovic en la ópera Cavalleria rusticana; y Vladimir Galouzine, María Bayo, Carlo Guelfi, Antonio Gandía y Ángel Ódena, en Pagliacci.

Cavalleria Rusticana: Un pueblo de Sicilia. Es domingo de Pascua. Turiddu se ha prometido a Santuzza, pero sigue manteniendo relaciones a escondidas con Lola, su antigua amante. Santuzza, muy afectada, le confiesa a Mamma Lucia, la madre de Turiddu, que su hijo le está siendo infiel con Lola. Luego intenta convencer a Turiddu para que abandone a Lola y vuelva a su lado, pero éste la rechaza violentamente. Despechada, Santuzza se lo cuenta todo a Alfio, el marido de Lola. Herido en su honra, Alfio mata a Turiddu en una pelea a navajazos.

I Pagliacci: Tonio, Peppe, Canio y su mujer, Nedda, forman una compañía de cómicos ambulantes.

Una tarde, antes de la función, Tonio hace ver a Canio que su mujer se está viendo con Silvio, un lugareño que pretende huir con ella durante la noche.

Aprovechando la trama de la comedia que representan, un sainete de celos e infidelidades, Canio intenta que Nedda le revele el nombre de su amante. La actitud despectiva de ésta y las risas del público, que piensa que todo forma parte del espectáculo, encolerizan tanto a Canio que apuñala a su mujer sobre el escenario. Silvio, que se encontraba entre los espectadores, se acerca para ayudarla, pero Canio lo apuñala también.

SINFONÍA Nº 6 EN LA MENOR “TRÁGICA”

Gustav Mahler

RTVE 2018

La Orquesta Sinfónica RTVE, dirigida por Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Teatro Real, interpreta la Sinfonía nº 6 en La menor “Trágica”, de Gustav Mahler, en un concierto grabado en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial en 2018.

Mahler compuso esta sinfonía entre 1903 y 1904, en su casa de verano en Maiernigg y se estrenaría el 27 de mayo de 1906 en Essen, durante el Festival del Allgemeiner deutsche Musikverein dirigida por el propio compositor. La obra, con el nombre de “La Trágica”, recorre en sus cuatro movimientos las deliberaciones más profundas del compositor, su lucha interior contra el destino, como un héroe trágico derrotado por el futuro irremediable.

Paradójicamente, la obra ve la luz en uno de los periodos personales y profesionales más florecientes del compositor y se comporta como un oráculo, como el vaticinio de los duros momentos que le aguardaban a la vuelta de la esquina.

MISA Nº 2 EN MI MENOR

Anton Bruckner

RTVE 2018

Este concierto fue grabado durante la celebración de la 57ª Semana de Música Religiosa de Cuenca, en 2018, en el Auditorio de la ciudad y contó con la participación del Coro de RTVE y el Conjunto de viento de la Orquesta Sinfónica RTVE. En él, bajo la dirección de Javier Corcuera, fue interpretada la Misa nº 2 en Mi menor de Anton Bruckner.

Vinculado desde niño a la tradición musical religiosa, ya que comienza su formación musical en la parroquia de su localidad natal, Ansfelde, y la completa en la abadía de San Froilán, donde aprende canto y órgano, Bruckner compone numerosas obras sacras y misas.

La Misa nº 2 en Mi menor fue escrita por encargo del arzobispo de Linz en 1866, aunque fue objeto de numerosas revisiones en los años posteriores, algo muy común en toda la obra del compositor austriaco.

BILLY BUDD

Benjamin Britten

Teatro Real 2017

Billy Budd, una de las mejores óperas de Benjamin Britten, se presentó por primera vez en Madrid el 31 de enero de 2017 en el Teatro Real con una nueva producción concebida por Deborah Warner, recibida con entusiasmo por el público y grandes elogios de la crítica, tanto por su mérito escénico como por la excelente interpretación musical de los solistas y el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real bajo la dirección de su director titular, Ivor Bolton.

Respetando los espacios más velados e inescrutables del cuento de Melville que sirve de base a la ópera, tratados con pudor y rigor por Benjamin Britten y los libretistas de la ópera, Deborah Warner concibe la puesta en escena sin juzgar a los personajes y rehuyendo la separación más simplista entre buenos y malos. La directora británica contó con la colaboración escenógrafo canadiense Michael Levine, la premiada figurinista griega Chloe Obolensky y el magnífico iluminador Jean Kalman.

La fragata de guerra de Billy Budd es una terrible metáfora de tantos espacios donde la opresión y tiranía siembran los instintos más viles e irreprimibles, capaces de aflorar en cualquier momento. Este sentimiento de inestabilidad y tensión latente preside la concepción de la escenografía de Michael Levine, una inmensa jaula de cuerdas marinas, donde las escenas se suceden en balanceantes plataformas suspendidas, que sugieren el permanente peligro que se esconde en el seno del universo claustrofóbico de la armada británica, cuando los vientos revolucionarios de Francia alentaban a los marinos oprimidos al motín. En las fisuras de ese terrible microcosmos emergen sentimientos y pulsiones desconocidos.

IOLANTA

Piotr Ilich Chaikovski

PERSÉPHONE

Igor Stravinski

Teatro Real 2012

Iolanta, de Piotr Ilich Chaikovski, y Perséphone, de Igor Stravinski, son dos obras poco habituales en los escenarios de ópera. Ambos títulos, protagonizados por sendos personajes femeninos, nos relatan historias transformadoras; dos melodramas cargados de simbología que navegan de la luz a la oscuridad, y a la inversa, en los que detrás de cada personaje está siempre su opuesto.

Teodor Currentzis, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, gran conocedor de la identidad musical rusa, nos acerca su esencia desde los extremos de ambos compositores, tanto en concepto como en expresión, pero también como un todo que evoluciona en ambas direcciones

El director de escena Peter Sellars utiliza para su narración un escenario único con “imágenes visuales muy intensas y abstractas”, en las que todo cambia, como en el drama simbolista ruso.

Es determinante, tanto en Iolanta como en Perséphone, la presencia del coro en escena. Al modo del teatro griego clásico, sus voces se alzan como narrador, interlocutor, vínculo entre la audiencia y la escena, guías en medio de las metáforas que tejen ambas historias. Si en Iolanta sus cantos nos conducen de la mentira a la dramática verdad, en Perséphone, reforzados por la voces blancas (en esta ocasión de los Pequeños Cantores de la JORCAM) son la puerta del regreso a la luz y a la esperanza.

Podremos escuchar aquí la voz de la soprano rusa Ekaterina Scherbachenko en el personaje de Iolanta, y en Perséphone, cuya protagonista no canta, sino recita, la declamación de la prestigiosa actriz francesa Dominique Blanc, arropada por la voz del tenor Paul Groves y el grupo de bailarines camboyanos procedentes de Amrita Performing Arts (Camboya).

Fotografía: Javier del Real

Andrea Bocelli

El Domingo de Pascua (12 de Abril de 2020), el tenor italiano e icono musical Andrea Bocelli dará una actuación en solitario en la histórica catedral de Milán, Italia, invitado por la Ciudad y la catedral; gracias a la hospitalidad del Arcipreste y la Veneranda Fabbrica del Duomo.
“En el día en el que celebramos el triunfo de la vida, es un honor y alegría responder con un ‘Sì’ a la invitación de la Ciudad y de la Catedral de Milán”. Así es como Andrea Bocelli aceptó la invitación de la Ciudad de Milán en estos tiempos oscuros que han herido a toda Italia.

No habrá audiencia presente y el acceso al público estará estrictamente prohibido (de acuerdo a las normas de Covid-19 del gobierno), pero el concierto se retransmitirá de forma global y exclusivamente en el canal de YouTube del tenor, desde las 19:00 horas, uniendo al mundo entero de cara a esta pandemia global.
En un concierto que representará un mensaje de amor, cura y esperanza para Italia y el resto del mundo, el Duomo, punto de referencia nacional e internacional y actualmente cerrado al público, abrirá sus puertas exclusivamente a Andrea Bocelli que estará acompañado únicamente por el organista de la catedral, Emanuele Vianelli, que tocará uno de los órganos más grandes del mundo. Las canciones cuidadosamente seleccionadas con una composición especial para la voz en solitario y el órgano en esta ocasión, incluyen el entrañable Ave Maria de Bach/Gounod y el Sancta María de Mascagni – un inspirador y sagrado repertorio musical en un día simbólico del renacimiento.

El evento está patrocinado por la Catedral de Milán y la Veneranda Fabbrica del Duomo, producido por Sugar Music y Universal Music Group, gracias a la generosa contribución de YouTube. La participación de Andrea Bocelli es completamente voluntaria (en colaboración con Almud y Maverick Management).
“Estoy muy contento de que Andrea haya aceptado nuestra invitación”, decía el alcalde de Milán, Giuseppe Sala. “Este año, la Pascua será muy diferente para todos nosotros. La alegre serenidad que suele traer este día ha sido aquejada por la pandemia que estamos viviendo. Estoy seguro de que la extraordinaria voz de Bocelli será el abrazo que echamos en falta estos días, un fuerte, especial y cálido abrazo para los corazones de Milán, de Italia y del mundo”.

“Nuestro ‘Hallelujah’ es una invitación que pusimos en el arca hace cuarenta días y que la inundación que nos ha llegado a todos, casi nos hizo olvidar la alegría de expresarla el día de Pascua. La voz y la palabra de Andrea Bocelli nos recuerda que la razón de nuestra esperanza no viene de nosotros, es un regalo que viene de Dios. Esto es lo que significa patrocinar desde nuestra catedral – el hogar del pueblo de Milán – y a través de la voz de Bocelli, la confianza que tenemos en que el Espíritu del Crucifijo Resucitado nos ayudará a dar forma a los días que se nos han otorgado en el su Reino, el de aquel que quiso una nueva humanidad unida y fraterna”, dijo el Monseñor Gianantonio Borgonovo, Arcipreste de la catedral de Milán.

“Creo en la fuerza de rezar juntos; creo en la Pascua Cristiana, un símbolo universal de resurrección que todos – sean o no creyentes – de veras necesitan en este momento. Gracias a la música, retransmitida en directo y juntando uniendo millones de manos por todo el mundo, abrazaremos el corazón palpitante y herido de la Tierra, esta increíble forja motivo de orgullo italiano. La generosa, valiente y proactiva ciudad de Milán, junto a toda Italia, será de nuevo y muy pronto un modelo ganador y motor del renacimiento que todos esperamos.

“BOCELLI: MUSIC FOR HOPE”

EN DIRECTO DESDE EL DUOMO, CATEDRAL DE MILÁN,
ITALIA DOMINGO DE PASCUA, 12 DE ABRIL
RETRANSMITIDO EN DIRECTO EN
YOUTUBE.COM/ANDREABOCELLI

SIN AUDIENCIA PRESENTE Y SIN ACCESO AL PÚBLICO

Gie Walküre - Tato Baeza

El Palau de les Arts inicia esta semana la emisión online desde su página web de la producción de ‘El anillo del Nibelungo’, de Richard Wagner. A partir de este lunes, 6 de abril, a las 18.00 horas, con la emisión del primero de los títulos ‘El oro del Rin’, Les Arts continúa con el ciclo ‘Ópera desde casa’, con el que ponen a disposición de la ciudadanía los títulos más emblemáticos de su catálogo videográfico. La iniciativa es posible gracias a la colaboración de Unitel GmbH & Co.KG, copropietaria de las grabaciones.

La emisión de la tetralogía se completará con ‘La Valquiria’, el miércoles 8 de abril; ‘Sigfrido’, el viernes 10 de abril, y ‘El ocaso de los dioses’, el domingo 12 de abril. Les Arts recuerda que cada título estará disponible para su visionado por un periodo de 48 horas a partir de la fecha asignada a cada ópera. Debido
a su duración, la hora de inicio para la emisión de cada uno de los títulos que integran ‘El anillo del Nibelungo’ será a las 18.00 horas. Zubin Mehta en el podio y Carlus Padrissa de La Fura dels Baus para la puesta en escena firman ‘El anillo del Nibelungo’, una coproducción de Les Arts con el Maggio Musicale Fiorentino, ganadora de dos Premios Líricos Teatro Campoamor, así como del Premio Franco Abbiati de la crítica italiana.

Reputados intérpretes como Matti Salminen, Juha Uusitalo, Peter Seiffert, Jennifer Wilson, Lance Ryan, Franz-Josef Kapellmann, Stephen Milling, Petra-Maria Schnitzer, Catherine Wyn-Rogers y Elisabete.Matos dan vida al universo mítico que el gran compositor alemán creó para esta obra que tardó 26 años en completar.

Carlus Padrissa, por su parte, propone una puesta en escena que integra los elementos y recursos escénicos que el mismo Wagner diseñó, junto con componentes propios del lenguaje de La Fura dels Baus, con videoproyecciones, efectos de luz, vestuario multimedia e impresionantes muestras de arquitectura humana.

Premios internacionales. La grabación en alta definición por Unitel de ‘El anillo del Nibelungo’ en sus funciones en València y su comercialización en DVD y Blue-ray bajo el sello C Major dieron a conocer la producción y el Palau de les Arts al resto de Europa, Estados Unidos y Japón. Dicha proyección se vio incrementada por la exhibición de esta obra en las salas de cine de Australia, Estados Unidos, Irlanda, Nueva Zelanda y Reino Unido, así como su posterior emisión por las cadenas de habla alemana ZDF, 3Sat y ÖRF, y la británica Sky Arts.

Entre las menciones obtenidas en su andadura en el mercado digital, la tetralogía ha obtenido un premio ICMA de la crítica europea, sendas menciones de la asociación de críticos discográficos alemanes, un Echo Klassik, el Choc de la revista francesa ‘Classica’, el Diamant d’Opéra de ‘Opéra Magazine’ y el Diapason d’Or, considerado como el premio europeo independiente más significativo para la música clásica.

Fotografía: Tato Baeza

gioacchino-rossini

Nos hubiese gustado no tener que comunicaros este aplazamiento, y no solo por lo que representa el Concierto, que en estos momentos debe quedar en un segundo plano. Confirmar su celebración nos hubiese gustado porque eso supondría que habríamos superado esta pandemia y sus consecuencias, recuperado nuestra libertad, y que los efectos económicos de esta situación se habrían atenuado.

Ayer sábado 4 de abril, el Gobierno anunciaba la ampliación del estado de alarma hasta el domingo 26 de abril, lo cual nos imposibilita por causas de fuerza mayor, la celebración de este Concierto.

ABAO Bilbao Opera considera que la cultura es un bien esencial y pensamos que una vez superada esta situación, debemos de seguir con más ganas e ilusión fomentando su consumo y disfrute.

Por ello, estamos trabajando no pensando en una suspensión, que sería lo más fácil, si no en lograr su celebración en fechas posteriores.

La nueva fecha dependerá no solo de nosotros. Confiamos que el Euskalduna Bilbao nos facilite unas fechas adecuadas y consigamos compaginar las agendas de los artistas. Este es nuestro objetivo prioritario, en el estamos trabajando, y comunicaremos oportunamente cualquier novedad a medida que se produzca.

En estos momentos difíciles para todos en los que la salud es lo primordial, queremos contar con vuestro apoyo, el de las instituciones, y el de nuestro principal patrocinador la Fundación BBVA, para que una vez superada esta situación, en la recuperación, la cultura sea considerada también como un bien esencial y no quede relegada por limitaciones presupuestarias.­­­­

Gracias por vuestro apoyo. Juntos lo superaremos. No ha sido posible de momento, pero pronto lo será.

El pasado sábado, 28 de marzo, la plataforma de vídeo del Teatro Real, MyOperaPlayer congregaba a cerca de 13.000 personas en torno al estreno de Turandot, ópera G. Puccini cuya producción, dibujada por el inconfundible talento de Bob Wilson y la dirección musical de Nicola Luisotti, se ofrecía en primicia, y por un solo día, a los espectadores.

Para reforzar la iniciativa de acompañar y satisfacer a los melómanos, y a los que se están iniciando en estos días de encierro, MyOperaPlayer continúa incrementando su oferta audiovisual con sesiones únicas, conciertos históricos, espectáculos infantiles y documentales, que puedan satisfacer las expectativas de una comunidad que alcanza ya los 32.000 suscriptores.

La propuesta del Teatro Real para los próximos días contempla un amplio abanico en el que destacamos Parsifal, de Richard Wagner, producción grabada con tecnología 4k, que contó con la participación de un elenco de grandes voces wagnerianas, dirección musical de Semyon Bychkov y escénica de Claus Guth, cuya visualización sólo estará disponible el próximo sábado, 4 de abril, a partir de las 19.00 horas.

#QuédateEnCasa, el Teatro Real se queda contigo.

PROGRAMACIÓN

L’ITALIANA IN ALGERI

Gioachino Rossini

Teatro del Liceu 2019

L’italiana in Algeri se representó en el Liceu la temporada 2018/19 en conmemoración de los 150 años de la muerte del compositor italiano Gioachino Rossini. El regista Vittorio Borrelli plantea un montaje vistoso y colorista, unido a la vibrante música rossiniana bajo la batuta del maestro Riccardo Frizza. El reparto está liderado por la mezzosoprano Varduhi Abrahamyan como Isabella, el bajo-barítono Luca Pisaroni como Mustafá y el tenor Maxim Mironov como Lindoro, tres voces muy cotizadas internacionalmente que confluyen en el escenario con Giorgio Caoduro como Taddeo; Sara Blanch, como Elvira; Lidia Viñas-Curtis, como Zulma, y Toni Marsol, como Haly.

L’ italiana in Algeri es una obra que juega la carta de la liberación de la mujer a través de su protagonista, Isabella, capaz de poner cada cosa en su lugar ante la rudeza de Mustafá. Rossini consiguió, a los 21 años, un triunfo total con esta farsa cómica en dos actos. A pesar de ser tan joven, el músico italiano consolidó su estilo personal, como legítimo heredero de la ópera buffa del siglo XVIII. Grandes arias como ‘Cruda sorte’ de Isabella y unos concertantes espléndidos —como por ejemplo el onomatopéyico final del primer acto— son algunos de los platos fuertes de este hilarante menú rossiniano.

ROBERTO DEVEREUX

Gaetano Donizetti

Teatro Real 2015

La soprano Mariella Devia y el tenor Gregory Kunde protagonizan este título del belcanto, cuya interpretación exige un gran virtuosismo vocal, que en septiembre de 2015 inauguraba la temporada del Teatro Real. Bajo la dirección musical de Bruno Campanella, gran especialista de este repertorio, completan el cuarteto protagonista la mezzosoprano Silvia Tro Santafé y el barítono Ángel Ódena, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Creada en un período terriblemente doloroso de la desdichada vida de Gaetano Donizetti, la partitura de Roberto Devereux, cargada de rabia, pena y desesperación, ofrece un sobrecogedor retrato psicológico de la reina Isabel I de Inglaterra (Elisabetta), víctima de su propio despotismo en la corte claustrofóbica, endogámica y terrorífica de los Tudor.

Siguiendo la estela de Donizetti, y la dramaturgia de la ópera servida por el libreto de Salvatore Cammarano, el director de escena sudafricano Alessandro Talevi refuerza precisamente la expresión de las emociones desenfrenadas, las pulsiones lujuriosas y los tormentos corrosivos de la impetuosa reina, en una espiral destructiva que arrastra a los protagonistas a su trágico desenlace.

PARSIFAL

Richard Wagner

Teatro Real 2016

Parsifal, última, enigmática y genial ópera de Richard Wagner, que el compositor clasificó como “Festival escénico sacro en tres actos”, cuenta con un extraordinario reparto protagonizado por Klaus Florian Vogt, junto a otros veteranos cantantes wagnerianos como Anja Kampe (Kundry), Detlef Roth (Amfortas), los barítonos Franz-Josef Selig (Gurnemanz) y Evgeny Nikitin (Klingsor), y el bajo-barítono Ante Jerkunica (Titurel), además del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

La dirección musical cuenta con el prestigioso director de orquesta ruso Semyon Bychkov y escénica del alemán Claus Guth, quien traslada el desaliento y la orfandad de los caballeros del Grial en su castillo de Monsalvat a un sanatorio donde recalan los soldados destrozados por la guerra, en una Europa devastada, rota y sin rumbo.

Este monumental e inclasificable “oratorio místico-dramático”, concebido para ser representado únicamente en el revolucionario Teatro de Bayreuth, y sin aplausos, para no perturbar la atmósfera religiosa del rito músico-teatral, ha impulsado, desde su estreno en 1882, interpretaciones muy diversas y contradictorias, encendidos debates y un sinfín de obras inspiradas directa o indirectamente en la deriva existencial del misterioso héroe wagneriano.

EL MESÍAS

Georg Friedrich Händel

Coreografía de Mauricio Wainrot

Teatro del Bicentenario, San Juan (Argentina) 2019

El Teatro del Bicentenario se transforma en un glorioso y minimalista firmamento donde los cuerpos toman forma y confluyen desde la impronta contemporánea y neoclásica para celebrar las sublimes vibraciones de El Mesías, oratorio Georg Friedrich Händel, a través de la coreografía de Mauricio Wainrot.

Wainrot oma la esencia religiosa y emocional de la obra de Händel y construye un ballet que transforma los estados de ánimo en movimiento, invitando al público a embarcarse en un viaje espiritual e introspectivo. Las escenas, abstractas, pero de sutil belleza, evocan por momentos escenas del Nuevo Testamento y guardan una íntima relación con el ánimo que inspira la música de Haendel.

El Mesías, está protagonizada protagonizada por Victoria Balanza y Gerardo Marturano, junto a un destacado elenco de artistas argentinos, quienes enfrentan este importante desafío técnico y artístico que propone la icónica obra de Wainrot.

CONCIERTO ALFREDO KRAUS

Archivo histórico de TVE

Concierto en el Teatro Real 1998

En una época marcada por las prisas y la necesidad de alcanzar inmediatamente las más rápidas metas, Alfredo Kraus supo instalar la prudencia y la mesura entre sus objetivos. La inteligencia comienza con el descubrimiento de su capacidad vocal, sigue con la elección del oportuno repertorio y termina con la controlada distribución de sus posibilidades. La coherencia de su trayecto profesional es determinante. De casi 40 roles operísticos, unos veinte bastan para cimentar su leyenda, todos cantados en italiano o francés y, por lo tanto, pertenecientes a estos repertorios. Personalidades juveniles, apasionadas y proclives al sentimiento amoroso, entidades que facilitan las mejores armas de su canto: la elegancia, la flexibilidad, la fluidez, la espontaneidad, la transparencia del sonido, la sutileza y la facilidad de ascensión al registro agudo, cualidades mantenidas impolutas, con los lógicos cambios aportados por la edad, a lo largo de su dilatada carrera.

Kraus nos impresiona por muchas razones, pero especialmente por la característica calidad tímbrica, la fantasía del fraseo, la exhibición de sus regulaciones, la naturalidad de su legato y la perfección de la línea.

Fragmento del texto del programa de mano del Teatro Real, por Fernando Fraga

IL BARBIERE DE SIVIGLIA

Gioachino Rossini

Teatro Real 2005

Protagonizada por un excelente elenco, con Juan Diego Flórez, María Bayo, Pietro Spagnoli y Ruggero Raimondi, esta producción de Il barbiere de Siviglia estrenada en el Teatro Real Madrid, el mes de enero de 2005, contó con la dirección musical del gran experto rossiniano Gianluigi Gelmetti y la puesta en escena de Emilio Sagi, Director Artístico del Teatro Real entre 2001 y 2005.

En esta producción, concebida como una ingeniosa follie organizée, todo se mueve, nada es seguro, incluyendo el decorado (completamente blanco), que se forma y transforma permanentemente delante del público, dando cobijo a las diferentes escenas de la ópera.

La alegría, “el salero” y el carácter extrovertido de los sevillanos es evocado a lo largo de toda la obra a través de un minucioso trabajo dramático desarrollado por los protagonistas (todos ellos grandes cantantes y excelentes actores), el coro y los actores-bailarines que participan en la ópera, tratada como una inmensa coreografía en la que danzan también el decorado y el atrezzo.

Aunque la época de la trama no esté reflejada de manera explícita, toda la escenografía remite al siglo XVIII, reflejando sobre todo ese momento de inestabilidad en el que el oscurantismo del Ancien Régime da paso a la Ilustración, asomando ya el germen de la revolución burguesa que más tarde aflorará.

El color y la iluminación se convierten en elementos dramáticos, más que escenográficos: el espectáculo está todo él concebido en blanco y negro, y sólo las apariciones de Rosina, con su rebeldía y ganas de vivir, introducen en la escena una nota de color, que borran inmediatamente los criados de Bartolo.

Finalmente, en “la tempesta” una lluvia multicolor rompe la bicromía de la escena dando paso a una progresiva emergencia de los colores a medida que se desencadena el final de la trama.

La vitalidad, el bullicio y la espontaneidad de las “gentes de la calle” andaluzas, con sus sevillanas y su gestualidad de inspiración flamenca, son fundamentales en el diseño coreográfico de la ópera, llena de sorpresas, ironía y guiños cómplices al espectador.

Teatro Real

El Hospital Clínico San Carlos, el Hospital Universitario 12 de octubre y el Hospital IFEMA de emergencia reciben hoy lotes de material de prevención que el Teatro Real guardaba en sus almacenes.

El Teatro Real se une a la cadena de solidaridad que moviliza a instituciones, empresas y ciudadanos en estos tiempos difíciles, donando a tres hospitales madrileños material de prevención de riesgos laborales que guardaba en sus almacenes.

El Hospital Clínico San Carlos, el Hospital Universitario 12 de octubre y el Hospital IFEMA de emergencia están recibiendo, a lo lardo del día de hoy, lotes de material de prevención que incluyen las siguientes unidades para cada institución:

HOSPITAL IFEMA DE EMERGENCIA | Entrega a las 18.00 horas de hoy

1187 prendas de ropa reutilizable: 142 monos blancos, 320 batas de laboratorio, 200 batas blancas y 525 camisas de pacientes.

HOSPITAL CLÍNICO SAN CARLOS | Entrega por la mañana

790 unidades de material desechable ─360 batas, 80 monos, 250 pares de zapatillas y 100 patucos─ y 1187 prendas de ropa reutilizable: 142 monos blancos, 320 batas de laboratorio, 200 batas blancas y 525 camisas de pacientes.

HOSPITAL UNIVERSITARIO 12 DE OCTUBRE | Entrega por la mañana

790 unidades de material desechable: 360 batas, 80 monos, 250 pares de zapatillas y 100 patucos.

La colaboración del Teatro Real con las instituciones madrileñas se enmarca en su proyecto global de solidaridad, normalmente adscrito a su Programa Social, cuya vocación primordial es atender a niños en situaciones desfavorecidas, ya sean físicas, psíquicas o sociales, en colaboración con distintas entidades y organizaciones no gubernamentales.

Fotografía: Javier del Real

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Los músicos de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León siguen grabando obras y publicándolas en sus redes sociales con carácter diario. Estos breves conciertos se comparten, además, en los canales del Centro Cultural Miguel Delibes y de “Castilla y León es Vida”. ‘O sole mio’, de Eduardo di Capua e interpretado por la violinista Tania Armesto abría este programa el pasado jueves rindiendo homenaje a nuestros vecinos de Italia.

Desde que el pasado lunes, 23 de marzo, la OSCyL publicara un video coordinado por más de cuarenta músicos interpretando el ‘Himno de la Alegría’, el cuarto movimiento de la ‘Novena Sinfonía’ de Beethoven, no han dejado de crecer las visualizaciones y visitas a los medios sociales de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. La Orquesta anunciaba, el jueves 26, que seguiría ofreciendo pequeños videos a cargo de sus músicos y profesores durante los próximos días. La iniciativa arrancaba con la interpretación de Tania Armesto del ‘O sole mio’ de Eduardo di Capua, obra con la que la violinista rendía un sentido homenaje a la vecina Italia. ‘Dúo nº 1 de los 12 dúos de Mozart KV 487’ tomaba el relevo en una pieza a cargo de Emilio Climent y Blanca Sanchís (trompa y violín). Ayer lunes era la violinista Anneleen Van der Broeck con un reconocido tema del grupo vallisoletano Celtas Cortos, ‘La senda del tiempo’ quien arrancaba esta semana cediendo el turno, hoy martes 31, al ‘Adagio 1ª Sonata para violín solo’ de Johann Sebastian Bach en el violín de Liz Moore, y coincidiendo con la celebración del aniversario del nacimiento del compositor alemán (31 de marzo de 1685).

La OSCyL continuará publicando diariamente, a las 12.00 horas, estos conciertos virtuales en YouTube (https://www.youtube.com/channel/UCAHN1yIObGL9VF_0R-IxWJw) así como a través de sus propias redes sociales en Facebook, Twitter e Instagram, de igual modo que los canales del Centro Cultural Miguel Delibes y los de “Castilla y León es Vida”). Mañana retomará el programa el ‘Solo de violonchelo del Otoño Porteño’, firmado por Astor Piazzola e interpretado por Marius Díaz. Los violinistas Irene Ferrer y Jordi Gimeno, director técnico de la OSCyL, (‘Dúo’, de Bela Bartók); Daniela Moraru (canción irlandesa); Ana G. Charro y Damián Sánchez (Hoffmeister, ‘1-III Rondo’); Eduard Marashi (‘Adagio 1ª Sonata para violín solo’, de Johann Sebastian Bach), y los trombones Robert Blossom (‘Noches de blanco satén’ de The Moody Blues) y Philippe Stefani (‘Ave María’, de Schubert) protagonizarán los conciertos para las próximas jornadas.

Los músicos de la Orquesta continúan haciendo gala del lema que dictaba el original ‘Himno de la Alegría’ editado y pensado para sus abonados y todos los melómanos de nuestro país: “En momentos difíciles la música acorta distancias. Desde cada hogar, juntos lo superaremos”.

PROGRAMA:

  1. Martes, 31 de marzo: Liz Moore – ‘Adagio 1ª Sonata para violín solo’, Johann Sebastian Bach
  2. Miércoles, 1 de abril: Marius Díaz – ‘Solo de violonchelo del Otoño Porteño’, Astor Piazzola
  3. Jueves, 2 de abril: Irene Ferrer & Jordi Gimeno – ‘Dúo’, de Bela Bartók
  4. Viernes, 3 de abril: Daniela Moraru – canción irlandesa
  5. Sábado, 4 de abril: Robert Blossom – ‘Noches de blanco satén’, The Moody Blues
  6. Domingo, 5 de abril: Ana G Charro & Damián Sánchez 6 – Hoffmeister, ‘1-III Rondo’
  7. Lunes, 6 de abril: Philippe Stefani – ‘Ave María’, Schubert
  8. Martes, 7 de abril: Eduard Marashi – ‘Adagio 1ª Sonata para violín solo’, de Johann Sebastian Bach

El Teatro Real y sus trabajadores han consensuado un procedimiento por el que, una vez finalizado el actual Estado de Alarma por la emergencia sanitaria del COVID-19, los trabajadores que no hayan podido realizar sus funciones mediante sistemas alternativos de trabajo a distancia (teletrabajo), podrán devolver progresivamente parte de las horas pendientes de trabajar a través de la realización de servicios extraordinarios hasta el 31 de diciembre de 2021, para facilitar la continuidad de la programación artística y descartar así un posible ERTE.

El Teatro Real agradece a los trabajadores el esfuerzo que van a realizar con estas medidas que garantizan que la programación de la temporada 20/21 se pueda disfrutar con normalidad y se palian en parte algunas las graves consecuencias económicas del confinamiento.

Por último, el Teatro Real, ante el ERTE propuesto por Intermezzo y que afecta a los coristas que componen el Coro titular del Teatro Real, y por la Orquesta Sinfónica de Madrid que conforma la Orquesta Titular del Teatro Real, ha llegado a un acuerdo, tanto con Intermezzo como con la Orquesta Sinfónica de Madrid que permitirá paliar algunas de las consecuencias retributivas de sus coristas y músicos mientras dure el expediente de regulación de empleo al que se verán sometidos.

El Día Mundial del Teatro, tan esperado siempre por aficionados y profesionales de las artes escénicas, tiene este año que buscar nuevas fórmulas de celebración. Debemos permanecer ineludiblemente en casa, pero aun así, no deja de ser viernes. Este puede ser, por tanto, el día más apropiado para ponerse cómodos y darse el gusto de disfrutar de las producciones que el Teatro de la Zarzuela de Madrid ofrece en abierto a través de su canal de YouTube y de su cuenta de Facebook.

De la ‘Katiuska’ de Pablo Sorozábal con Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez o Jorge de León, a ‘La Casa de Bernarda Alba’ de Miquel Ortega, galardonada con el Premio Ópera XXI a la mejor producción de ópera de la temporada 2018/2019; de la exitosa ‘Cecilia Valdés’ de Gonzalo Roig, primera zarzuela cubana que se presenta en el coliseo de la plazuela de Jovellanos en sus 163 años de historia, a la unánimemente elogiada ‘El barberillo de Lavapiés’ de Barbieri con la deslumbrante puesta en escena del Premio Nacional Alfredo Sanzol, o al homenaje que un nutrido grupo de nuestros más celebrados cantantes rindieron a Montserrat Caballé para abrir la presente temporada. El día, sin duda, se hará mucho más llevadero.

Esta es la lista completa de títulos (que van de junio de 2018 a la actualidad) y sus enlaces:

– 24 HORAS MINTIENDO de Francisco Alonso (julio de 2018)

https://www.youtube.com/watch?v=QwL50X68YkQ&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=11&t=703s

– KATIUSKA de Pablo Sorozábal (octubre de 2018)

https://www.youtube.com/watch?v=uOybl5IJLa8&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=10&t=0s

– LA CASA DE BERNARDA ALBA de Miquel Ortega (noviembre de 2018)

https://www.youtube.com/watch?v=z0MWgv-CNcc&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=9&t=5249s

– EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO de Joaquín Gaztambide (febrero de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=FsjBueP1uyE&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=7&t=2509s

– LA VERBENA DE LA PALOMA de Tomás Bretón (marzo de 2019). Proyecto Zarza – Zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes

https://www.youtube.com/watch?v=VhwDGRh6NBQ&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=8&t=0s

– EL BARBERILLO DE LAVAPIÉS de Francisco Asenjo Barbieri (abril de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=9K-Jfx0HNfE&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=6&t=1272s

– DOÑA FRANCISQUITA de Amadeo Vives (mayo de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=MZ9hgW6mIL4&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=5&t=6712s

– HOMENAJE A MONTSERRAT CABALLE, Gala Lírica (septiembre de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=iDVjcKhJmMU&list=PLGLWpLsLZlD0DY_me_u3zPxXi5DD3eeZB&index=2&t=2741s

– EL CASERÍO de Jesús Guridi (octubre de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=Go_5nLTSLyY&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=3

– TRES SOMBREROS DE COPA de Ricardo Llorca (noviembre de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=KJL2dERkd3M&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=2

– CECILIA VALDÉS de Gonzalo Roig (febrero de 2020)

https://www.youtube.com/watch?v=QYRARfeHTH0&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=1

– AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE de Federico Chueca (marzo de 2020). Proyecto Zarza – Zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes

https://www.youtube.com/watch?v=OqArGDPoswE&t=2564s

Más de 23.000 personas se han sumado a la iniciativa puesta en marcha por el Teatro Real el pasado 18 de marzo, que permite el acceso gratuito a su plataforma de vídeo “My Opera Player”, para poder disfrutar de todos los títulos de ópera, danza y conciertos que ya ofrece en su catálogo y de los que se están incorporando estos días.

Los vídeos de “My Opera Player” se han reproducido en 152.000 ocasiones, y las óperas más vistas han sido Madama Butterfly (Puccini) y Aida (Verdi), con 10.000 y 8.000 reproducciones, respectivamente. Estas dos forman parte de los últimos títulos que se han lanzado, además de La traviata y Un ballo in maschera, de Verdi, y Roméo et Juliette, de Gounod.

Tras el anuncio, el pasado domingo, de la prórroga de alarma sanitaria, que obliga a los ciudadanos a permanecer recluidos en sus domicilios por dos semanas más, el Teatro Real ha decidido ampliar esta propuesta hasta el 11 de abril, acogida con entusiasmo por melómanos de todo el país.

A partir del viernes 27 de marzo, “My Opera Player”, que ofrece algunas producciones emblemáticas del Teatro Real junto a otras de importantes teatros internacionales de ópera, será escenario de nuevos títulos, retransmisiones especiales, eventos únicos y citas familiares. Además, el director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, ofrecerá diariamente una visión documental y didáctica de cada título para enriquecer la experiencia de los usuarios.

Las nuevas actividades se darán a conocer el jueves 26 de marzo en la página web del Teatro Real, en sus redes sociales y la página principal de la plataforma. Para acceder de manera totalmente gratuita a los contenidos, los usuarios sólo tienen que registrarse en el enlace www.myoperaplayer.com e introducir el código OperaEnCasa.

En el catálogo de “My Opera Player” encontrarán óperas como como La Bohème (Puccini ), El barbero de Sevilla (Rossini), Las bodas de Fígaro y Così fan tutte (Mozart), El holandés errante y El oro del Rin (Wagner)o Los cuentos de Hoffmann (Offenbach).

El apartado de danza incluye títulos que ya forman parte de la herencia cultural de nuestro país como Carmen, Fuenteovejuna o Bodas de sangre, del inolvidable Antonio Gades, junto a la propuesta contemporánea del L’Allegro, il Penseroso ed il moderato, de Mark Morris, o la singular C(h)oeurs, con los bailarines de la compañía de Alain Platel y la participación inolvidable del Coro Titular del Teatro Real.

“My Opera Player” es un proyecto liderado por el Teatro Real del que forman parte grandes teatros de ópera como el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires o el Teatro del Bicentenario, San Juan (Argentina).

“My Opera Player” fue puesta en marcha por el Teatro Real en noviembre de 2019, y ha contado con la participación tecnológica de Telefónica y Samsung, y el patrocinio de Endesa.

Para cualquier información o aclaración sobre “My Opera Player”, existe un servicio de atención al espectador que está disponible a través del correo electrónico soporte@myoperaplayer.com

Fotografía: Javier del Real

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan La cuarta sala del Canal, un proyecto impulsado por su directora Blanca Li con el fin de ofrecer al público diferentes piezas creadas por los artistas desde sus casas a través de la cuenta de Facebook de los Teatros del Canal y en las cuentas de Twitter e Instagram con las etiquetas #SinSalirDeCasa, #ElCanalEnCasa y #LaCuartaSalaCanal.

“En estos momentos difíciles, la cultura y el arte son más necesarios que nunca para mantenernos unidos. Los Teatros del Canal abren un nuevo espacio de creación desde el cual nuestros artistas podrán presentar sus piezas creadas en casa. Un espacio de creación virtual, una nueva sala, La cuarta sala del Canal.

La cuarta sala del Canal estará abierta a partir del viernes 27 de marzo, Día Mundial del Teatro. Cada día a las 18h, ofreceremos desde nuestro Facebook, un conjunto de creaciones hechas por nuestros artistas desde sus casas. Podemos inventar nuevas maneras de crear y hoy tenemos la suerte de tener Internet, un espacio público de expresión, intercambios, encuentros y creación. Desde los Teatros del Canal queremos mantener el contacto con nuestro público. Una sala abierta a nuestras creadoras, actores, directoras, bailarines, coreógrafas, músicos, compositoras, escritores, artistas plásticos, fotógrafas, video artistas…

Os esperamos a todos en la nueva sala del Canal.”

Blanca Li

Este sábado y domingo por la tarde, actuaciones en directo desde la cuenta de Instagram de cada cantante

Participan: Ruth Iniesta, Luis Cansino, Michael Fabiano, Ainhoa Arteta, Manel Esteve, Borja Quiza, Pablo García-López, Berna Perles, Rocío Pérez, Natalia Labourdette, Inés Ballesteros y Lisette Oropesa

Más información y seguimiento en la cuenta Instagram del Teatro Real.

Desde el inicio de la alerta sanitaria del pasado viernes, en que las autoridades han limitado el movimiento de los ciudadanos para evitar la propagación del coronavirus, el mundo del arte y la cultura se ha volcado con iniciativas para amenizar la reclusión y reforzar el mensaje #QuédaEnCasa.

El Teatro Real, que ha abierto las puertas de su plataforma de vídeo MyOperaPlayer de forma gratuita entre el 18 de marzo y el 1 de abril, construye ahora un escenario virtual sobre el que distintos cantantes ofrecerán una pequeña actuación a través de sus redes sociales con el título de #OperaFest, que tendrá lugar en las tardes de este fin de semana, 21 y 22 de marzo, a partir de las 17.00 horas.

Desde su propio perfil de Instagram cada cantante interpretará conocidas arias y canciones del repertorio lírico, en diálogo con el público.

El Teatro Real agradece a los intérpretes que se han unido a #OperaFest desde sus hogares e invita a todo el público a disfrutar de sus actuaciones.

SÁBADO, 21 DE MARZO
17.00 h. Ruth Iniesta, soprano (@ruth_iniesta)

17.30 h. Luis Cansino, barítono (@luiscansinobaritono)

18.00 h. Michael Fabiano, tenor (@tenorfabiano)

18.30 h. Ainhoa Arteta, soprano (@ainhoarteta)

19.00 h. Manel Esteve, barítono (@manelestevemadrid)

19.30 h. Borja Quiza, barítono (@borjaquiza)

20.00 h. Juan Francisco Gatell, tenor (@juanfranciscogatell)

DOMINGO, 22 DE MARZO
17.30 h. Pablo García-López, tenor (@pablogarcialpez)

18.00 h. Rocío Pérez, soprano (@rocioperezsop)

18.30 h. Berna Perles, soprano (@bernaperles)

19.00 h. Natalia Labourdette, soprano (@labourdettesoprano)

19.30 h. Inés Ballesteros, soprano (@inesballesterossoprano)

20.00 h. Lisette Oropesa, soprano (@lisetteoropesa)

Ante la situación de alarma sanitaria que la sociedad española está viviendo y que obliga a los ciudadanos a permanecer recluidos en sus domicilios, el Teatro Real quiere contribuir a hacer más llevaderos estos difíciles días compartiendo con todos lo que mejor sabe hacer, música, teatro y ópera.

Para ello, pone a disposición de todo el público en España, a partir de mañana, miércoles 18 de marzo, de manera totalmente gratuita, su plataforma de video “My Opera Player”, en la que podrán disfrutar de todos los títulos de ópera, danza y conciertos que ya ofrece en su catálogo y a los que se irán incorporando en los próximos días, registrándose en el enlace www.myoperaplayer.com e introducir código OperaEnCasa.

El Teatro Real incluye en “May Opera Player” algunas de sus producciones más emblemáticas como La Bohème (Puccini), La traviata (Verdi), El barbero de Sevilla (Rossini), Las bodas de Fígaro y Cosi fan tutte (Mozart), El holandés errante y El oro del Rin (Wagner), Los cuentos de Hoffman (Offenbach) o Werther (Massenet).

Todos los títulos, además de la representación, incluyen interesantes entrevistas con los directores y protagonistas, información de la obra y reportajes, todos ellos de acceso gratuito.

Por su parte, el Teatre del Liceu aporta óperas como Norma (Bellini), Rigoletto (Verdi) o Capuleti e Montecci (Bellini).

En los próximos días se subirán a la plataforma los siguientes títulos:

Jueves 19 : Aida (Verdi) Teatro Real (2018); viernes 20: Madama Butterfly (Puccini) Teatro Real (2017); sábado 21: Romeo y Julieta (Gounod) Gran Teatre del Liceu (2018), domingo 22: Un ballo in maschera (Verdi), Gran Teatre del Liceu (2017); lunes 23, La traviata (Verdi) Teatro Real (2015) y martes 24, Macbeth (Verdi), Gran Teatre del Liceu (2017).

“My Opera Player” es un proyecto liderado por el Teatro Real del que forman parte grandes teatros de ópera como el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires o el Teatro San Juan Bicentenario de Buenos Aires.

Junto a ellos, destacados centros culturales de nuestro país como Patrimonio Nacional, que aporta grabaciones de los conciertos celebrados en el Salón de Columnas del Palacio Real; Televisión Española, que ha seleccionado grandes momentos de su archivo histórico musical, y la Fundación Albéniz, con algunos de sus conciertos.

“May Opera Player” fue puesta en marcha por el Teatro Real en noviembre de 2019, y ha contado, con la participación tecnológica de Telefónica y Samsung, y el patrocinio de Endesa.

Para cualquier información o aclaración sobre “My Opera Player”, existe un servicio de atención al espectador que está disponible a través del correo electrónico soporte@myoperaplayer.com

El Teatro Real, con motivo de la declaración del estado de alarma, procedió el pasado viernes 13 de marzo a la suspensión efectiva de su actividad artística y laboral. Como consecuencia de ello, las representaciones a puerta cerrada de Aquiles en Esciros no se van a llevar a cabo ni se podrá grabar esta ópera como se había anunciado.

El Teatro Real también cancela las cinco representaciones de la ópera Lear, previstas para los días 16, 19, 22, 25 y 28 de abril al haberse suspendido los ensayos de esta semana, como estaba programada.

El Teatro Real se dirigirá a los abonados y compradores de la misma para informarles de los sistemas de devolución de entradas.

El Teatro Real lamenta profundamente estas cancelaciones e intentará, en la medida de lo posible, recuperar los títulos ahora anulados cuando la programación artística lo permita. El Teatro Real manifiesta, asimismo, su apoyo solidario a todas las personas afectadas, a sus familiares, a la ciudadanía en general y, en especial, a todos los trabajadores y trabajadoras de la sanidad y la seguridad que con su esfuerzo inmenso harán que superemos esta situación adversa.

Fotografía: Javier del Real

Fallece el prestigioso representante de artistas Luca Targetti. Una de las víctimas del coronavirus en Italia. Targetti era uno de los gestores y manager más resperados de Europa. Nacido en Milán, realizó trabajos de Director de Casting en el Departamento Artístico en el Teatro alla Scala de Milán. Fue además jefe de proyectos Internacionales en la Academia de La scala de Milán. Fue a partir de 2011, cuando retomó su profesión de manager de artistas a través de su agencia Art Management. Son muchos los cantantes que iniciaron una brillante carrera profesional de su mano. Desaparece un profesional de la lírica que aportaba gran experiencia y conocimiento de la profesión.

El Teatro Real, siguiendo las medidas aprobadas por el Consejo de Ministros en relación con el Coronavirus COVID-19 y de acuerdo con el Gobierno de España y la Comunidad de Madrid, ha adoptado las siguientes medidas:

  1. Las funciones de los días 17, 19, 20, 22, 23 y 25 de marzo la ópera Aquiles en Esciros, cuyo estreno estaba previsto para el próximo martes 17 de marzo, se realizarán a puerta cerrada, sin público, y se retransmitirán en directo a través de la plataforma de video del Teatro Real “My Opera Player.

Las funciones de los días 26 y 27 de marzo se mantienen a la espera de las próximas directrices de las Autoridades Sanitarias.

Todos los abonados y compradores de entradas de esta ópera podrán disfrutarla gratuitamente, en el mismo día y hora que tenían previsto asistir al Teatro Real, a través de la plataforma “My Opera Player”. También la podrán ver gratuitamente todos los trabajadores del Teatro Real.

  1. La función del día 27 de marzo se emitirá en directo para toda España por La 2 de TVE en un programa especial que dará comienzo a las 19.15 y para el resto de Europa por el canal ARTE.

Igualmente, Aquiles en Esciros se podrá escuchar a través de Unión Europea de Radiodifusión (UER) el día 25 de marzo, y el día 28 de marzo, a las 20.00 horas, a través de Radio Nacional de España (RNE).

  1. Respecto al resto de la programación del Teatro Real, quedan suspendidos: Los Nibelungos (21 y 28 de marzo), el Concierto Francisco Viñas (22 de marzo), Flamenco Real (13, 20 y 27 de marzo), Jazz Real (19 de marzo), la visita guiada y libre al Teatro Real, así como las actividades paralelas previstas en otras instituciones culturales vinculadas a la ópera y los Enfoques de Aquiles en Esciros (consultar www.teatroreal.es) .
  2. Por su parte, las funciones infantiles del espectáculo Historia de Babar, previstas entre los días 14 a 22 de marzo, se posponen hasta el mes de mayo.
  1. Se mantiene la actividad interna del Teatro Real, con los ajustes de programación mencionados, siempre dentro de las directrices marcadas por el Gobierno de España y la Comunidad de Madrid.

Todas estas medidas se han tomado para mitigar factores de posible contagio, tanto para el público como para los trabajadores. Se trata de medidas provisionales, proporcionadas y modificables en función de evolución de las circunstancias.

El Teatro Real lamenta las molestias que estas decisiones puedan ocasionar a los abonados y compradores. Damos las gracias a los trabajadores, a RTVE y al canal ARTE, así como al elenco artístico, al Coro Titular del Teatro Real y a la Orquesta Barroca de Sevilla por su valiosa colaboración en estas circunstancias.

Se ofrecerán 8 funciones de la ópera, entre el 17 y el 27 de marzo, en una nueva producción del Teatro Real, que reafirma su compromiso con la recuperación del patrimonio lírico español.

Aquiles en Esciros se estrenó en el Coliseo del Buen Retiro de Madrid en 1744 para festejar el enlace de la infanta María Teresa Rafaela de España, hija de Felipe V, con el delfín Luis de Francia, hijo de Luis XV.

En su puesta en escena de la ópera, Mariame Clément –que dirigió antes Platée, de Rameau, escrita para celebrar la misma boda- recrea el estreno de Aquiles en Esciros en Madrid a través de la infanta española, que adquiere un gran protagonismo dramatúrgico en la producción.

La escenografía y figurines de Julia Hansen evocan la libertad y fantasía del Barroco y la atmósfera de ensoñación del universo mitológico.

El director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, estará al frente de dos elencos, del Coro Titular del Teatro Real y de la Orquesta Barroca de Sevilla, además de interpretar el clavecín.

La partitura original de la ópera, conservada en la Biblioteca Histórica Municipal Conde Duque de Madrid, fue recuperada por el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), en edición moderna a cargo del musicólogo Álvaro Torrente.

Aquiles en Esciros será retransmitida en directo por ARTE TV el 27 de marzo, a las 20.00 horas, en una coproducción audiovisual de François Roussillon, Arte TV, Mezzo y RTVE. Posteriormente la producción será editada en DVD y estará disponible en el catálogo de My Opera Player, plataforma audiovisual del Teatro Real.

El 25 de marzo a las 20.00 horas la ópera será retransmitida en diferido para los países de la UER, Unión Europea de Radiodifusión, y el 28 de marzo, a las 20.00 horas, para toda España por Radio Clásica, de RNE.

En torno a Aquiles en Esciros se han organizado un gran número de actividades paralelas en el Teatro Real, Fundación Juan March, Museo del Prado, Museo Arqueológico Nacional, Museo Nacional de Escultura de Valladolid, Biblioteca Nacional, Círculo de Bellas Artes, Institut Français de Madrid, Vila romana La Olmeda y Fundación SGAE.

Coincidiendo con las funciones de la ópera, el Teatro Real acogerá, del 25 al 27 de marzo, el Congreso Internacional de Musicología Parole del Metastasio, que reunirá a filólogos y musicólogos internacionales expertos en el legado del libretista.

Las funciones de Aquiles en Esciros cuentan con el patrocinio de la Junta de Amigos del Teatro Real.

AQUILES EN ESCIROS, DE FRANCESCO CORSELLI

Contexto histórico

En la Europa del siglo XVIII las guerras religiosas habían dado paso a las contiendas puramente territoriales, con constantes tratados, alianzas y pactos, muchos de ellos sellados con matrimonios reales. En este contexto se enmarca la boda de la infanta María Teresa Rafaela de España ─hija de Felipe V e Isabel de Farnesio─ con el delfín Luis de Francia, hijo de Luis XV, que se celebró por poderes en Madrid, el 18 de diciembre de 1744, y en persona en Versalles, el 23 de febrero de 1745, y con la que se pretendía apaciguar las tensas de relaciones entre ambos países.

Para celebrar el enlace de los futuros reyes de Francia ─que finalmente no reinarían por la prematura muerte de ambos─ se estrenaron dos obras: Achille in Sciro (Aquiles en Esciros), de Francesco Corselli el 8 de diciembre de 1744, en el Coliseo del Palacio del Buen Retiro de Madrid, abriendo los festejos de la boda, en presencia de la infanta y de los reyes de España, antes de que la joven partiera para Francia; y Platée (Platea), de Jean-Philippe Rameau, presentada en la Grand Écurie de Versalles un mes después del enlace ante la familia real francesa.

Un año después de los fastos de esta boda, fallecía en París la infanta española como consecuencia del parto de una niña que moriría a los 2 años. El delfín de Francia le sobreviviría casi 20 años, junto a su segunda esposa, aunque murió de tuberculosis antes de llegar a reinar.

Aquiles en Esciros se verá por segunda vez en Madrid, 275 años después de su estreno, pero hoy sabemos que el enlace que se celebraba no tuvo el final feliz que corona la ópera.

Francesco Corselli (1705-1778)

Francesco Corselli, natural de Piacenza e hijo de Charles Courcelle, maestro de baile francés de Isabel de Farnesio en Parma, se formó y consagró como compositor en Parma y Venecia, donde estrenó sus dos primeras óperas. En 1733 vino a España, desempeñando años más tarde el cargo de maestro de la Capilla Real durante cuatro décadas. Su notoria influencia italiana en la vida cortesana se vio reforzada por la presencia del célebre castrato Farinelli (1705-1782), excelso cantante y consejero musical de los reyes a lo largo de los más de 20 años que residió en Madrid.

La producción de Corselli, con un notable catálogo de obras mayoritariamente religiosas, acompaña la evolución del barroco musical europeo de mediados del siglo XVIII, ya tardío y sobrio, hasta entroncar con el clasicismo. De sus seis óperas conocidas, dos tienen, como Aquiles en Esciros, libreto de Pietro Metastasio (1698-1782), gran amigo de Farinelli que, según el musicólogo Álvaro Torrente, habría intervenido en los contactos con el libretista, la selección de intérpretes y otros detalles relativos a la producción de la ópera.

Pietro Metastasio escribió 27 libretos de ópera sobre los que se compusieron cerca de 900 partituras a lo largo del siglo XVIII. El de Aquiles en Esciros fue redactado en 1736, en apenas 18 días, para celebrar los esponsales de María Teresa de Austria, con música del compositor Antonio Caldara. El mismo libreto sería utilizado en otras 38 óperas, casi todas, como la de Francesco Corselli, caídas en el olvido.

Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli

Entre paréntesis, las tesituras de los intérpretes en la producción del Teatro Real.

La ópera narra el jugoso episodio de la vida de Aquiles (Achile, contratenor, tesitura de soprano), en el que su madre, Tetis, decide enviarlo a la isla de Esciros para evitar que el valiente e impulsivo joven participe en la guerra de Troya, donde, según el oráculo, perderá la vida.

Con la complicidad y vigilancia del viejo Nearco (tenor) y la ayuda incauta del rey Licomedes (Licomede, bajo), Aquiles se oculta entre sus hijas disfrazado de mujer con el nombre de Pirra, lo que le permite conocer y disfrutar, incógnito, del encanto y placeres de la juventud femenina. En ese juego erótico y camaleónico de travestismo esconde su secreta relación amorosa con Deidamia (soprano), hija de Licomedes, destinada a desposar al joven Teagene (soprano), que a su vez está enamorado de Pirra / Aquiles.

En medio de estos hilarantes enredos, cuya ambigüedad sexual es acentuada por las tesituras, también travestidas, de los cantantes, llega a la isla el poderoso Ulises (Ulisse, contratenor, tesitura de mezzosoprano), advertido ya de la situación y decidido a rescatar a Aquiles para capitanear el ejército griego. Conociendo su ímpetu guerrero e intempestivo, utiliza todas las artimañas para seducirlo: pronuncia un elocuente discurso en el que apela a la heroica defensa de Grecia, ofrece regalos a las hijas del rey ocultando una espada para Aquiles y simula un falso ataque a la isla que despierta, finalmente, el brío del futuro héroe de la epopeya.

A partir de ese momento la ópera adquiere su carácter épico de opera seria y Aquiles deja la fogosidad juvenil y se debate, hasta el final de la obra, con las grandes cuestiones éticas que subyacen en el mito:

─ ¿Una vida corta con gloria o larga sin ella?

─ ¿El amor bienaventurado o la lucha por un ideal?

─ ¿La inmortalidad en el Edén o la muerte heroica como un hombre?

La nueva producción del Teatro Real

La directora de escena Mariame Clément indaga sobre estas y otras cuestiones en su original dramaturgia, presentando Aquiles en Esciros a la verdadera infanta María Teresa Rafaela como una especie de “éducation sentimentale”, en la que los personajes y las sucesivas escenas de la ópera le harán reflexionar sobre los sentimientos, los placeres, los ideales, los deberes, las dudas, los miedos y los atributos del hombre y de la mujer.

Con la complicidad de la escenógrafa y figurinista Julia Hansen, con quien trabaja regularmente, Clément sitúa la trama de la ópera en una “gruta encantada” de perfume rococó, que evoca las falsas ruinas de los jardines dieciochescos; o el vientre femenino, curvilíneo y libidinoso de una madre protectora; o la roca de una isla imaginaria. Ahí vive Aquiles disfrazado, imberbe y juguetón, en igualdad de circunstancias que las mujeres, y de ahí saldrá maduro y presto a luchar por su pueblo, investido de masculinidad y heroísmo, dispuesto a dejar a su amada después de la feliz boda que concluye la ópera. Un camino de iniciación y de nacimiento de un héroe y un viaje de la ópera del siglo XVIII desde la libertad sexual, abstracción y goce del barroco primigenio a los convencionalismos de género que se impondrían en los siglos siguientes.

Fotografía: © Javier del Real | Teatro Real

Gustavo Gimeno dirige el sábado, 7 de marzo, en el Auditori del Palau de les Arts las obras ‘Petrushka’ y ‘Le sacre du printemps’, de Igor Stravinski, dentro del apartado de la programación ‘Les Arts és Simfònic’.

El director valenciano regresa a Les Arts tras nueve meses, cuando cerró la temporada sinfónica con la ‘Novena sinfonía’ de Mahler, que agotó todas las localidades. En esta ocasión, dirige por primera vez el repertorio ruso en el Auditori, en una nueva colaboración con la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

En la actualidad, Gustavo Gimeno es director musical de la Filarmónica de Luxemburgo y a partir de la temporada 2020-2021, y por un periodo de cinco años, asumirá la titularidad de la Sinfónica de Toronto, convirtiéndose así en el primer valenciano en aceptar el reto de dirigir una gran orquesta en América del Norte.

El Palau de les Arts programa en el Auditori dos obras de referencia en el repertorio de ballet: ‘Petrushka’, en su arreglo de 1947, y ‘Le sacre du printemps’, ambas compuestas por Igor Stravinski, justo en el mismo mes en el que la Compañía Nacional de Danza estrena ‘Carmen’.

El concierto, que se celebra este sábado en el Auditori de Les Arts a las 19.00 horas, cuenta con unos precios que oscilan entre los 30 y los 45 euros.

Gustavo Gimeno visitará también con la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló con este mismo programa el domingo 8 de marzo a partir de las 19.30 horas.

Boris Berezovsky (Moscú, 1969) actuará el próximo 20 de marzo en el Auditorio Nacional, en el que será el tercer concierto del Ciclo Goldberg. Berezovsky recupera para el Auditorio un formato poco habitual, como solista al piano y director, junto a la Orquesta Sinfónica Estatal de Rusia “Evgeny Svetlanov”. Con el título VIRTUOSISMO SIN LÍMITES, se interpretarán tres conciertos para piano, P. I. Tchaikovsky , S. Prokofiev y D. Shostakovich.

Este será el tercero de los cinco novedosos conciertos con grandes intérpretes de la escena internacional que está trayendo el ciclo al escenario madrileño. Denis Matsuev, el titán del piano actuará el 10 de mayo y el joven y talentoso pianista Alexander Malofeev cerrará el ciclo el 20 de mayo.

El Ciclo Goldberg Grandes Conciertos estádirigido a los melómanos más exigentes pero también a quienes quieran introducirse en la música clásica, con un rango de precios asequibles.Abonos y entradas sueltas pueden adquirirse en www.goldbergconciertos.com, en Taquillas del Auditorio Nacional de Música y en www.entradasinaem.es.

20 de marzo 2020

19:30 HS

VIRTUOSISMO SIN LÍMITES

Boris Berezovsky, piano y director

Orquesta Sinfónica Estatal de Rusia “Evgeny Svetlanov”

  1. I. Tchaikovsky

Concierto para piano Nº2 en sol mayor Op. 4

  1. Prokofiev

Concierto para piano Nº1 en re bemol mayor Op.10

  1. Shostakovich Concierto para piano Nº 2 en fa mayor Op.102

(1906-1975)

Boris Berezovsky nació en Moscú en 1969, estudió en el Conservatorio de Música de su ciudad y, antes de los 20 años, en 1988, tras su presentación en el Wigmore Hall de Londres, el periódico The Times lo calificaba como «una promesa excepcional, un pianista de un virtuosismo deslumbrante y de formidable poder». Cuando dos años después ganó la Medalla de Oro en el Concurso Internacional Chaikowsky de Moscú, todas las predicciones se hicieron realidad. Había nacido una estrella mundial del piano.

Sus treinta años de carrera pianística no han hecho más que confirmar a Berezovsky como “el pianista más auténtico del movimiento ruso”, un artista reclamado por las más prestigiosas orquestas y directores y ovacionado en las más importantes salas del mundo. Desde el Concertgebouw a la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Nacional de Francia, Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Munich, la Orquesta Sinfónica de Dinamarca, Orquesta Sinfónica de Dresden, Orquesta de Staatskapelle de Dresde, Orquesta de Teatro Mariinsky, por solo citar algunas de las decenas de orquestas con las que ha actuado en estos años y con directores tan prestigiosos como Antonio Pappano, Yuri Temirkanov, Alexander Vedernikov, Leif Segsertam, Dmitri Kitaenko, Wolfgang Sawallisch, Leonard Slatkin, Dimitri Liss o Kurt Masur.

Su presentación como solista en recitales es constante, al igual que su presencia en los principales festivales pianísticos del mundo como el Festival de Gstaad, La Roque d’Anthéron, Verbier, Bérgamo, Brescia o Salzburgo.

Es notable destacar su pasión por la música de cámara y su colaboración con algunos de los más reconocidos instrumentistas como Vadim Repin, Brigitte Engerer, Dmitri Makhtin, Julian Rachlin, Alejandro Gindin, Michael Collins, Henri Demarquette, Alejandro Melnikov, Alexander Kniazev o los cuartetos Borodine, Britten, Endellion y Takacs. En este ámbito de la música de cámara ha mantenido una intensa colaboración durante muchos años con Brigitte Engerer, tanto en grabaciones como en escenarios.

Su actividad en grabaciones discográficas ha sido muy especial. Su registro de los conciertos completos de Beethoven, con la Orquesta de la Cámara Sueca y la dirección de Thomas Dausgaard, ha sido recibidos con excelentes críticas. Para el sello Teldec ha realizado un considerable número de grabaciones dedicadas a obras de Chopin, Schumann, Rachmaninov, Músorgski, Balákirev, Medtner, Ravel o Franz Liszt. Junto con Dmitri Majtin, y Aleksandr Kniázev grabó un DVD con obras para piano, violín y chelo, de Chaikovski y Rachmaninov y para Warner Classics International, grabaron igualmente obras de Shostakovitch y Rachmaninov.

Estos trabajos discográficos han sido ampliamente reconocidos y premiados con galardones como el Choc de la Musique en Francia, Gramophone en Inglaterra, Echo Classic 2005 en Alemania, el Diapason d’Or y el RTL d’Or. En 2006 Berezovsky, gano el Premio de la crítica discográfica alemana y de la BBC Music Magazine Awards. El sello discográfico Gramophone lo describe como “el más auténtico de los grandes pianistas rusos”.

No es anecdótico destacar su versatilidad interpretativa y señalar que es un brillante intérprete de jazz. Y es habitual que se presente con su trío de jazz en salas y clubes de su país. Recientemente una de estas sesiones de jazz fue presentada en televisión y ofreció una interpretación impresionante de la versión al piano del tema «Mack the Knife».

En 2014 fue nombrado Director Artístico del Festival “Música de la Tierra” en Moscú y San Petersburgo.

Berezovsky tiene una hija, Evelyne Berezovsky —nacida en 1991—, quien también es pianista. Habitualmente vive en Bruselas.

ORQUESTA ESTATAL RUSA “EVGENY SVETLANOV”

En 2016, la Orquesta Sinfónica Académica Estatal de Rusia “Evgeny Svetlanov”, uno de los conjuntos sinfónicos más antiguos del país, celebró su 80 aniversario. La presentación de la orquesta estatal bajo la batuta de Alexander Gauk y Erich Kleiber tuvo lugar hace ocho décadas, el 5 de octubre de 1936, en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú.

A lo largo de los años, la orquesta ha estado dirigida por destacados músicos como Alexander Gauk (1936-1941),NatanRakhlin (1941-1945), Konstantin Ivanov (1946-1965) y EvgenySvetlanov (1965-2000).

El 27 de octubre de 2005, la Orquesta Sinfónica Académica del Estado recibió el nombre oficial de E. F. Svetlanov. De 2000 a 2002, la orquesta estuvo dirigida por VasilySinaisky, y de 2002 a 2011 por Mark Gorenstein.

El 24 de octubre de 2011, Vladimir Jurowski, director de renombre mundial que colabora con muchas compañías de ópera y grandes orquestas, fue nombrado Director Artístico de la Orquesta Estatal. Desde la temporada 2016/2017 Vasily Petrenko es el director invitado principal de la orquesta.

La orquesta ha actuado en lugares tan prestigiosos de la Federación Rusa como el Gran Salón del Conservatorio de Moscú, la Sala de Conciertos Tchaikovsky, el Teatro Bolshoy, la Sala de los Pilares de la Casa de los Sindicatos, el Palacio Estatal del Kremlin (Moscú), y en escenarios internacionales tan reconocidos como el Carnegie Hall (Nueva York) , el Kennedy Center (Washington, DC), Musikverein (Viena), el Royal Albert Hall (Londres), la Salle Pleyel (París), el Teatro Colón (Buenos Aires) y el Suntory Hall (Tokio). En 2013, la orquesta actuó por primera vez en la Plaza Roja de Moscú.

A lo largo de su historia ha sido dirigida, como directores invitados, por H.Abendroth,E.Ansermet, L.Blech, N.Golovanov, A.Jansons, O.Klemperer, K.Kondrashin, L.Maazel, N.Malko, I.Markevitch, E.Mravinsky, C. Munch, M.Rostropovich,G.Rozhdestvensky,K.Sanderling,S.Sondeckis,I.Stravinski,A.Boreiko, C.Dutoit, V.Gergiev, M.Jurowski, A.Lazarev, I.Marin, K.Masur, A.Sladkovsky, L.Slatkin, Y.Temirkanov, A.Vedernikov, entre otros.

Algunos de los solistas más destacados que han actuado con la orquesta son los cantantes I.Arkhipova, M.Caballe, D.Hvorostovsky, S.Lemeshev, E.Obraztsova, G.Vishnevskaya, P. Domingo, M.Guleghina y J.Kaufmann; los pianistas V. Cliburn, E.Gilels, H.Neuhaus, N.Petrov, S.Richter, M.Yudina, V.Afanassiev, B.Berezovsky, E.Kissin, N.Lugansky, D.Matsuev, G.Sokolov,D. Alieva, A.Garifullina, W.Meier, A.Netrebko, H.Gerzmava, A.Pendatchanska, I.Abdrazakov, D.Korchak, y V.Ladiuk, R. Pape y E. Virsaladze; los pianistas M. A. Hamelin, L.O.Andsnes, A.Volodin, J.Y.Thbaudet, M.Uchida y R.Buchbinder;los violinistas L. Kogan, Y.Menuhin, D.Oistrakh, V.Pikayzen, G.Kremer, V.Repin, V.Spivakov, V.Tretyakov, K. Barati, L.Kavakos, P.Kopachinskaja, S.Krylov, J.Rachlin, J.Fischer, D.Hope, y N.Znaider y M.Vengerov; el violista Y.Bashmet; y los violoncelistas M.Rostropovich, N.Gutman, A.Kniazev y A.Rudin.

Desde su primera gira al extranjero en 1956, la orquesta representa regularmente la cultura rusa por todo el mundo.Sus giras se han sucedido por Australia, Austria, Bélgica, Canadá, China, Checoslovaquia, Dinamarca, Francia, Hong Kong, Italia, Japón, Líbano, México, Nueva Zelanda, Polonia, Corea del Sur, Suiza, Tailandia, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Chile, Alemania, España, Turquía, China y muchos otros países.

Su discografía incluye cientos de discos de vinilo y CD lanzados por importantes sellos rusos y extranjeros como Melodiya, Bomba-Piter, Delos, EMI Classics, BMG, Deutsche Grammophon, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhausund Grimm, Toccata Classics, Fancymusic.

Una de las grabaciones más destacadas en su discografía es la Antología de la Música Sinfónica Rusa que abarca grabaciones de audio de compositores rusos desde M.Glinka hasta I.Stravinsky con EvgenySvetlanov como director.

En los último años, la orquesta ha actuado en el Festival Grafenegg (Austria), Kissinger Sommer en BadKissingen (Alemania), el Festival de Arte de Hong-Kong, el Festival “Otro espacio”, “Opera en vivo” y el XIII Festival Internacional de Moscú “Guitar Virtuosi”. VII Festival Internacional Denis Matsuev en Perm, IV Festival Internacional de Arte Tchaikovsky en Klin.

La orquesta ha realizado estrenos mundiales de obras de A.Vustin, S.Goss, E.Podgaits, S.Slonimskiy, A.Nikolaev, J.Sherling y estrenos rusos de obras de J.Adams, L. van Beethoven – G.Mahler , D. Kurtag, V.Silvestrov, R.Schedrin, J.Tavener, A.Skryabin – A.Nemtin, C.Orff, G.Gladkov, V.Tarnopolskiy, K.Stockhausen.

Además, participó en el XV Concurso Internacional de Chaikovski, el I y el II Concurso Internacional para jóvenes pianistas del Concurso de Piano de Cola, presentó seis ciclos anuales de conciertos educativos “Historias con la orquesta”.

Desde enero de 2016, la orquesta ha estado trabajando en un proyecto especial cuyo objetivo es apoyar la composición, que implica una colaboración estrecha con los autores rusos modernos, Aleksander Vustin es el primer compositor en residencia de la orquesta.

www.goldbergconciertos.com

El Teatro Real ofrecerá dos apasionantes proyectos que parten de un formato similar, donde la música y la imagen son parte inseparable de un todo, pero cuyo planteamiento artístico se desarrolla desde dos perspectivas bien diferenciadas: Three Tales (1998-2002), creación contemporánea que se estrena en España, con música de Steve Reich y vídeo de Beryl Korot, y Los nibelungos (1924), mítica película de Fritz Lang con partitura de Gottfried Huppertz. Ambas propuestas, dirigidas por Nacho de Paz, contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real.

THREE TALES

Coproducción del Teatro Real con las Naves Matadero, Three Tales es una “vídeo-ópera digital documental” en la que filmaciones históricas, entrevistas de vídeo, fotografías, textos e imágenes digitales son proyectadas en una pantalla de cine en interacción con sonidos electrónicos, música en directo y las voces de cinco solistas ─dos sopranos y tres tenores─ de la formación Synergy Vocals.

Articulada en tres actos, la obra de Beryl Korot y Steve Reich revisita tres sucesos clave de principios, mediados y finales del siglo XX. Cada uno de ellos reflexiona sobre las implicaciones del desarrollo de la ciencia en el pasado reciente. Así, desde los inicios del transporte aéreo hasta las pruebas nucleares o los experimentos genéticos, se plantea el debate sobre la naturaleza física, ética y religiosa de un entorno tecnológico que ha crecido de manera exponencial desde 1945.

La Sala Fernando Arrabal, en las Naves del Español en Matadero, será el escenario idóneo para la interpretación de Three Tales los días 5 y 6 de marzo a las 20.30 horas y el día 7 de marzo en sesión doble, a las 18.00 y a las 20.30 horas.

LOS NIBELUNGOS

En 1924 se presentaba en Berlín uno de los proyectos más ambiciosos del histórico cineasta Fritz Lang: Los nibelungos, inspirado en el poema épico El cantar de los nibelungos y compuesto por las películas La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda. Para esta obra colosal del cine mudo alemán, Lang contó con la colaboración del compositor Gottfried Huppertz, quien creó una partitura de efectos narrativos que trascienden la imagen, subrayando las escenas y dotando de entidad a los personajes principales, a los que adjudica una serie leitmotiv, en la senda del legado wagneriano.

Casi cien años después de su estreno, y tras una cuidada restauración de ambas películas y de la recuperación de la partitura conservada en la Cinemateca Alemana, se nos brinda ahora la oportunidad de asistir a una proyección de Los nibelungos tal y como fue concebida en su día: en gran pantalla, con orquesta en vivo y en el marco más adecuado, la sala principal del Teatro Real.

En este ambicioso proyecto han participado la Fundación Friedrich-Wilhelm-Murnau (institución depositaria del legado de Lang), la Filmoteca Alemana, la British Film de Londres, el Archivo Nacional de la Imagen de Montevideo y la Filmoteca Española, entre otros.

El 21 de marzo a las 20.00 horas se ofrecerá La muerte de Sigfrido, primera parte de Los nibelungos, y el 28 de marzo a las 20.00 horas, La venganza de Krimilda, segunda parte de la película. Serán ambas proyectadas en gran pantalla, en la Sala principal del Teatro Real, con la interpretación de la Orquesta Titular del Teatro Real y bajo la dirección de Nacho de Paz.

El Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela nació hace ahora cuatro temporadas con una clara y necesaria intención: popularizar en el siglo XXI el género que le da nombre. Dentro de este firme objetivo, el público joven tiene una relevancia decisiva. Conseguir que este se aproxime sin miedo y exento de prejuicios a la zarzuela, dando así continuidad al género y afianzando su futuro, es el afanoso y feliz propósito de la iniciativa.

Por esta razón el Teatro de la plazuela de Jovellanos puso en marcha el Proyecto Zarza, una de sus iniciativas estrella, dirigido a un público juvenil de entre 12 y 18 años. El título escogido en esta cuarta edición es ‘Agua, azucarillos y aguardiente’ de Federico Chueca, y estará interpretado por jóvenes cantantes de entre 18 y 30 años elegidos a través de un riguroso proceso de audiciones en las que participaron más de 300 chicos y chicas. Puede decirse que estos cantantes y actores forman hoy por hoy la joven compañía del Proyecto Zarza.

‘Agua, azucarillos y aguardiente’, en esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, es una versión libre de la obra de Chueca firmada por el dramaturgo y novelista Nando López a partir del libreto que Miguel Ramos Carrión escribiera a finales del XIX. La dirección musical y la escénica correrán a cargo, respectivamente, de Óliver Díaz (desde el piano) y de Amelia Ochandiano, y los diecisiete actores-cantantes estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos. Todas las funciones serán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela del 2 al 7 de marzo, y se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) y funciones para el público general (6 y 7 de marzo) con un total de 11 sesiones. En las citas escolares, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

La función escolar del viernes 6 de marzo (11h00) será emitida en directo a través de Facebook, YouTube y la página web del Teatro.

Un viaje poético a través del tiempo

Este “pasillo veraniego en un acto” está hecho, por tanto, por jóvenes y para jóvenes, siguiendo la filosofía prioritaria del proyecto: acercar el género a las nuevas generaciones; y qué mejor manera de hacerlo que utilizando su propio lenguaje. Ochandiano sostiene al respecto que “es ahora, en pleno siglo XXI, cuando tenemos ante nosotros el reto de ofrecer este pequeño pedazo de la historia más brillante de nuestro teatro musical a las nuevas generaciones.” Y afirma que “la verdadera afición por el teatro o en este caso la afición por el teatro musical o la zarzuela, nace de asistir a espectáculos, de vivir experiencias teatrales realizadas desde el rigor, la excelencia y el lenguaje contemporáneo que requiere el hacer teatro; porque hacer teatro –señala– lleva implícito el presente, es un compromiso con nuestro momento y con nuestra visión de hombres y mujeres de hoy en día.”

Esta nueva versión mantiene todos los números musicales, pero cambia los textos no cantados, adaptando los personajes originales al siglo XXI y haciendo que Federico Chueca sea un personaje más. La propuesta escénica convierte la obra en un viaje poético a través del tiempo, donde presente y pasado se mezclan en el relato de una noche mágica en un Madrid que, como apunta Nando López, «se vuelve pasillo». Un homenaje a Madrid como referencia de lugar de encuentro, de cruce de caminos y destinos, de espacio de búsqueda y depósito de esperanzas, “un lugar para soñar”, como señala la propia directora de escena, que nos acerca a una obra clave de nuestra lírica a través de esta sugestiva, dinámica y fresca apuesta que una vez más celebra el compromiso del Teatro con los jóvenes artistas y los jóvenes espectadores.

Lunes 2 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Martes 3 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Miércoles 4 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Jueves 5 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Viernes 6 de marzo 11h00 (función escolar)

Viernes 6 de marzo 19h00 (función abierta)

Sábado 7 de marzo 19h00 (función abierta)

Anita Hartig

Entrevista a la soprano Anita Hartig
Violetta Valery, Liú y, sobre todo, Mimí. Anita Hartig es la Mimí del momento. La versatilidad y características de su voz y su sensibilidad y capacidad dramática sobre el escenario, hacen de la soprano rumana una de las voces más demandadas por los pincipales
teatros del mundo.Habla para nosotros antes de sus próximas actuaciones en España, en Granada y Barcelona.
Brío Clásica: Tuvimos la gran fortuna de escuchar su Mimí del Teatro Real, rol del que se puede decir que es experta. ¿cree que Puccini requiere de una técnica especial para su interpretación?Anita Hartig: Eres muy amable diciendo que soy experta. Puccini es el compositor que más he cantado a lo largo de mi carrera y siento que todavía descubro cosas nuevas al respecto, así que la conquista no ha terminado todavía. La técnica es y debe de ser la misma para todo, pero con Puccini se requieren muchas emociones y sentimientos que pueden llegar a lastimarte y tienes que mantener cierta distancia. Me refiero a estar involucrada pero siempre sin olvidar que tienes que cantar bien y no sólo actuar. Muchas veces me he centrado más en la interpretación y me quedaba sin aliento mientras cantaba. La maestría es siempre encontrar el equilibrio.Actualmente es un tema delicado porque ciertos directores de escena quieren que te muevas todo el tiempo en el escenario y que actúes, pero se olvidan que es necesario respirar para cantar las partes difíciles. Ópera no es teatro o teatro de prosa, es teatro cantado y la acción necesita más tiempo porque una palabra puede estar escriba en 4.6 compases y repetirlas en un registro más alto, así que para que sea creíble hay que ser capaz de prestarle toda la atención y mucha concentración. Y por supuesto quieres respetar el legado del compositor. Así que para mí la partitura es una biblia, un manuscrito sagrado que tengo que respetar.
B.C: Mozart es otro de sus compositores fetiche, ¿con cuál de los dos compositores se siente más cómoda vocalmente?

A.H: Mozart es el que requiere un canto más limpio, estrecho, elegante y especialmente curado. Disfruto a ambos compositores por distintas razones. Mozart por su musicalidad tan sencilla, melodías únicas, puras, elegantes y de alguna manera celestiales, meditativas y también porque tengo la sensación que en muchos momentos nos hace un guiño a través de su música. Ahora pensando en La Contessa, que debuté en el Met de Nueva York recientemente, pienso en las frases musicales, no son tan profundas ni viscerales como en la música de Puccini. Puccini de alguna manera necesita un apoyo bajo y un sonido más carnoso. Diría que el primero es más celestial y el otro más terrestre. Pero esto es solo una idea que pensaré más profundamente, mientras espero cantar más de ambos compositores y en diferentes roles en el futuro.

B.C: En escena posee una gran expresividad y dramatismo, ¿cuánto de importante es una buena formación dramática?

A.H: Eso es otro tema muy interesante para mi y se necesita más tiempo para hablar al respecto. Como dije, el equilibrio entre cantar y actuar crean una ópera ideal. Para encontrar ese equilibrio tendríamos que trabajar, desde mi punto de vista, como actores de teatro, pero no igual. Usamos la respiración con el texto un poco como los actores de teatro, pero no igual. Al utilizar nuestra respiración sobre el texto y al cantar frases largas, más altas o más profundas, se necesita más aire que para simplemente declamar. Deberíamos, junto con el director, trabajar sobre el texto de una ópera como actores, pero siendo sensibles a todo lo anterior, actuando en consonancia con las frases cantadas y las declamadas. Respetar también y prestar la debida atención en el respeto de las partes musicales y también darle un sentido al interpretarlo, pero nunca de más, sobreactuando, ya que la frase cantada sufrirá en la falta de aire y de atención.

B.C: Su carrera ha estado ligada durante varios años a la Opera Estatal de Viena, ¿qué le aportó su paso por este teatro?

A.H: Tuve la gran fortuna de estar en la Óper de Viena durante seis años. Cantando desde roles más pequeños a más importantes, reemplazando a cantantes y aprendiendo distinto repertorio en otros idiomas con muy buenos acompañantes, en diferentes repartos. Observando a los mejores cantantes de nuestro tiempo en el escenario, inspirándome en ellos, saliendo a tomar un café o a almorzar y viendo que son personas sencillas, Me gustó eso. Pensaba que los artistas eran pretenciosos y distantes, muchos de ellos lo son pero la mayoría son sensatos y generosos.

B.C: Y ahora está en Madrid y nosotros estamos felices por ello, ¿qué tiene Madrid para que haya decidido vivir aquí?

A.H: Yo también estoy muy feliz de estar aquí, gracias. Madrid tiene mucho más sol y ambiente, especialmente comida increíble!! La gente es cálida y la cantidad de museos es enorme. En verano tuve la oportunidad de visitar algunas ciudades del norte y el próximo he decidido recorrer el sur. Sigo descubriendo el país y lo encuentro muy inspirador.

B.C: ¿Qué le parece el repertorio español, tiene alguna de sus obras en su repertorio?

A.H: Desafortunadamente no he tenido la oportunidad de cantar en español todavía. Como hay muchos cantantes que se especializan en zarzuelas, no creo que pueda hacerlo mejor que ellos, y no soy una cantante que quiera cantar todo. Tengo mi propio repertorio y trato de mejorarlo.
B.C: Javier Camarena dijo hace unos días que piensa en sus nuevos roles a más de cuatro años vista, ¿cómo estructura usted su carrera? Los nuevos roles, ¿los planifica o es la voz la que pide los cambios?

A.H: Es una mezcla de ambas cosas. Dependiendo de la naturaleza, lla voz puede, con el tiempo, volverse más completa,tener más cuerpo, por decirlo de algún modo. A veces las circunstancias te obligan a probar nuevos roles para los que aún no estás preparado, o en ocasiones, es mi caso dejo pasar mucho tiempo antes de abarcar un rol más dramático. Soy perfeccionsita, y antes de avanzar me gusta sacar todo lo que se puede de ese rol. Y como se que estoy en continuo cambio como ser humano, tengo otras experiencias en mi vida personal que me inspiran para los roles que canto, entonces tengo la sensación de añadir capas y caracter al personaje cada vez que lo canto.

B.C: ¿Cuál es su relación con el repertorio barroco?

A.H: En realidad empecé a cantar música de iglesia y piezas de Bach, Philipp Caudella y otros compositores con un grupo al comienzo de mis estudios, pero no puedo decir que lo encuentro muy atractivo para mi mente y mi voz. Tampoco pasé mucho tiempo con la música de barroca, quizás sólo es mi ignorancia hablando. Pero, de nuevo, no quiero cantar todo … sólo lo que encuentro interesante y emocionante.
B.C: Actualmente, ¿cómo definiría las características de su voz? Siendo aficionada a la pintura, ¿un color con el que la defina?

Siempre fui una soprano lírica y siempre lo seré. Muchos de los papeles que me interesan son líricos tanto desde el punto de vista musical como del personaje. Mujeres sensibles, encuentran el amor, se sacrifican por el amor, y en muchos casos mueren al final, eso es un personaje lírico que necesita un enfoque lírico del canto.

Entonces, incluso si algunos de los roles tiene acentos dramáticos o coloraturas, normalmente tienen muchos momentos líricos, con frases largas, respiración larga, arias de reflexión, oraciones y enamoramientos.

Si hay momentos de mayor tensión como un gran arrebato de ira, de desamparo y lucha emocional, como el segundo acto de La traviata, o el final de Marguerite o e terceto de Antonio, algunos momentos de Mimì en el principio del tercer acto, todos son líricos con algunos momentos conmovedores.
B.C: En este mundo de la lírica, tan competido y con tantos buenos profesionales, ¿qué es para usted la originalidad y cómo se consigue?

A.H: La autenticidad trae consigo originalidad. Permitir llevar tu comprensión, experiencias, sensibilidad, creatividad y temperamento al escenario. De hecho, muchas veces se tiene que aplastar el ego y creencias para no tener desacuerdos con los compañeros, directores de orquesta, directores de escena y mantener a todos contentos.

Por otro lado, muchos amantes de la ópera dicen que ya no tenemos personalidades como en “la edad de oro de las ópera”. !Hoy en día no serían toleradas! Creces con una personalidad y principios fuertes al tener espacio para compartir su punto de vista sobre cosas y no ser perseguido por ellas, o porque no compartes un punto de vista común.

Pero para tener un ambiente pacífico en el trabajo todos tenemos que hacer concesiones, no sólo en los teatros.

Creo que al final la música siempre ganará sobre todo lo demás y es lo único que sobrevivirá.
B.C: Próximamente, ¿tiene previsto incorporar nuevos roles?

A.H: Sí, debutaré en el papel de la Condesa en Las bodas de Fígaro, la Sinfonía nº 8 de Mahler y Mariella de la ópera Piccolo Marat, en versión de concierto, serán nuevas para mi.

Y, por supuesto, incluso si no estoy cantando ciertos roles ahora estoy empezando a preparar algunos fragmentos

B.C: ¿Cuándo tendremos la oportunidad de volver a escucharla en Madrid?

A.H: En Madrid en dos temporadas por ahora, pero hasta entonces tendré un Mahler 8 en Granada, bajo el maestro Pons, y en Barcelona, una nueva producción de La Boheme.

Entrevista: Paloma Sanz

La pequeña Cenicienta, sus sueños e ilusiones, regresan a la temporada de ABAO TXIKI para revivir en clave de humor esta historia con final feliz donde triunfa la bondad y los sueños se hacen realidad. Esta adaptación del famoso cuento de Perrault ideada por Joan Font, director de la compañía teatral Comediants sobre la alegre partitura de Rossini, sube a escena en “sesiones en familia” el sábado 29 de febrero a las 18:00h y el domingo 1 de marzo en doble función a las 12:00h y a las 18:00h. El lunes 2 tiene lugar la “sesión escolar” a las 11:00h.

Durante aproximadamente una hora, los asistentes disfrutarán de un espectáculo recomendado a partir de cinco años, con una historia muy popular y conocida pero contada de una forma nueva y diferente. Una ratoncita es la encargada de contar el cuento de una cenicienta llamada Angelina. Angelina barre, limpia, obedece, se aguanta… pero cae la noche y entonces sueña que todo es posible, tanto que hasta una pequeña cenicienta puede convertirse en una princesa. En la ópera de Rossini, Angelina planta cara a sus hermanastras, no hay madrastra sino padrastro y un filósofo y maestro del Príncipe es el encargado de sustituir al hada madrina.

Una divertida y original versión con una puesta en escena llena de alegría y movimiento que reúne los momentos musicales más significativos con gran teatralidad, efectos especiales y juego escénico.

El vestuario chillón e imaginativo, obra de Joan Guillén, caricaturiza a los personajes coronándolos con gigantes pelucas.

El músico catalán Albert Romaní ha realizado la adaptación musical de esta ópera infantil reduciendo la partitura orquestal a una versión para piano y fagot a cargo de Olga Kobekina y Pau Santacana. La obra aúna todos los ingredientes musicales del compositor belcantista con arias y melodías rítmicas y cómicas.

El Teatro Arriaga es el escenario al que suben los intérpretes de esta ópera: Helios Pardell como el príncipe ‘Don Ramiro’, Lluís Martínez-Agudo como su servidor ‘Dandini’, Xavi Fernández da vida al malvado padrastro ‘Don Magnífico’, Maia Planas y Laura Ortiz se encargan de las burlonas y envidiosas hermanas ‘Clorinda’ y ‘Tisbe’, Marta Valero interpreta el rol de la protagonista ‘Angelina’ y la actriz Marta Rosell se pone en la piel de la ‘Ratita’, maestra de ceremonias que nos cuenta la historia.

La siguiente cita con ABAO TXIKI será en mayo con Guillermo Tell, la compañía La Baldufa crea una trepidante y divertida adaptación entorno a las emocionantes aventuras del héroe suizo creada a partir de la inmortal ópera de Rossini.

Entradas a la venta

Las localidades pueden adquirirse en las taquillas, webs y venta telefónica de ABAO y del Teatro Arriaga, y en los cajeros multi-servicio de la BBK.

Die Walküre
Die Walküre
Richard Wagner (1813 – 1883)
Primera jornada en tres actos del festival escénico
Der Ring des Nibelungen
Libreto de Richard Wagner
Teatro Real de Madrid 14 febrero de 2020
D. musical: Pablo Heras-Casado
Concepción: Robert Carsen, Patrick Klinmonth
D. escena: Robert Carsen
Escenógrafo y figurinista: Patrick Klinmonth
iluminador: Manfred Voss
Reparto: Christopher Ventris, Ain Agner, James Rutherford, Elisabet Strid, Ingela Brimberg, Daniela Sindram, Julie Davies, Samantha Crawford, Sandra Fernández, Bernadett Fodor, Daniela Köhler, Heike Grötzinger, Marifé Nogales y Rosie Aldridge
W agner empezó a trabajar en Die Walküre mientras daba los últimos retoques a la orquestación de Das Rheingol. Desde Zúrich, donde se había refugiado huyendo de la policía alemana por sus actividades revolucionarias, vivía tranquilo, dedicado a sus composiciones y a una de sus nuevas aficiones, las largas caminatas por los Alpes Suizos.Es precisamente este contacto con la naturaleza uno de los elementos inspiradores de la obra del compositor alemán. Y es la mitología escandinava y la complejidad de las relaciones entre dioses y humanos, el hilo conductor de su universo musical.

Roger Scruton dice en su libro El anillo de la verdad: “El combate entre Hunding y Siegmund nos devuelve con la máxima intensidad la antigua idea de que, cuando nosotros, los mortales, combatimos por aquello que realmente nos importa, los inmortales combaten junto a nosotros, persiguiendo sus propios objetivos”.

“Die Walküre”, La Valquiria, es la primera jornada de la tetralogía de “El anillo del Nibelungo” que se empezó a representar la temporada pasada con “Das Rheingol”, El oro del Rin, y que tendrá su continuidad las dos próximas temporadas con Sigfrido y El ocaso de los dioses. Una obra de dimensiones mastodónticas en la que Wagner invirtió 25 años de trabajo para crear 15 horas de música siempre contemporánea.

La Valquiria es quizá la obra más importante de esta tetralogía, teniendo en cuenta su estructura y su discurso musical, completamente distinto al de El oro del Rin y demostrando una clara evolución musical y dramática. Tardó 18 meses en terminar su composición. Puede parecer mucho tiempo, pero al escuchar esta obra puede tomarse la medida de su verdadera y descomunal dimensión artística. Un trabajo arquitectónico, lleno de complejidades para construir una orquestación de gran solidez que la aleja de cualquier fugacidad.

Había ideado una orquesta de unas dimensiones desconocidas hasta ese momento. Introduce instrumentos, como las tubas wagnerianas, y otros que apenas se utilizaban hasta entonces. Cambia la forma tradicional de trabajar con la orquesta, en lugar de hacerlo por familias de instrumentos, la transforma en una gran orquesta de cámara, donde cualquier instrumento puede combinarse con el siguiente, aunque no pertenezca a la misma familia. Crea así el sonido contemporáneo.

La Valquiria también aporta novedades en los aspectos dramáticos. Los personajes poseen una mayor profundidad psicológica y Wagner asocia a cada uno de ellos un motivo orquestal que le define, el leitmotiv, otra revolución. Es La Valquiria, la que posee la partitura más elaborada e interpretada de la tetralogía, donde los protagonistas muestran su parte más humana, aun siendo dioses, y se distancian de la mitología. Heras-Casado dice que “Lo que hace Wagner es transformar en música un momento emocionalmente complejo de un individuo, y para ello debe construir todo un edificio sonoro”.

Y la manera más perfecta con la que Wagner expresa estas profundidades psicológicas, con una orquesta de semejantes dimensiones, no es el volumen y la densidad de sonido, sino la delicadeza y la sofisticación de los momentos más íntimos de la obra. Los dúos entre Sieglinde y Siegmund o entre Wotan y Brünnhilde o, sobre todo, el final de la ópera, son de una sutileza extrema que parece interminable y que solo se puede conseguir con esa gran orquesta, con esas seis arpas, ni una menos.

Pablo Heras-Casado, junto a Robert Carsen, son los encargados de llevar a cabo toda la tetralogía. Puede apreciarse la evolución que la orquesta, de la mano de su director, ha tenido desde El oro del Rin de la pasada temporada. Ha decidido Heras-Casado centrarse en la parte más humana y psicológica de la descripción musical. Tras una tormenta inicial un tanto destemplada, fue trabajando con meticulosidad y extrayendo de la orquesta un sonido de gran calidad.

Los mejores momentos llegaron con las escenas de mayor intimidad y delicadeza. La meticulosidad del director granadino alcanzó su máxima expresión en los interludios y en la escena en que las Valquirias rescatan a los guerreros muertos para llevarles al Valhalla, auinque los vientos se tomaron alguna libertad. A partir de aquí todo fue ganando en intensidad, musicalidad y dramatismo, que culminaron con el seductor fuego mágico final. Después de casi cinco horas de ópera, te quedas con ganas de más. Si este es el primer Anillo del Pablo Heras-Casado, quiero volver a escucharle cuando ya lleve unos cuantos.

La escenografía de Robert Carsen comienza con la nieve, retomando así el final del Oro del Rin. Es elegante, pero desoladora. Tan solo la nieve adorna un primer acto que parece ser la guarida de unos traficantes de armas. Tal vez a Wagner le hubiera gustado este decorado inhóspito. Desde luego no distrae del elemento principal, que es la música.

El segundo acto está localizado en lo que se supone es el castillo de Wotan. Un amplio y lujoso salón custodiado por militares. Aparece un Wotan distinto al del Oro del Rin, donde parecía un militar de poco rango o venido a menos. En esta ocasión, tiene mayor rango y autoridad.

El tercer acto es el más logrado, continua siendo desolador pero con una atmósfera diferente y un evocador fuego final. Su potente inicio, la cabalgata de las Valquirias, y los soldados camino del Valhalla, conforman una hermosa escena llena de fuerza.

En esta fría escenografía, que resuelve bien algunas cuestiones y otras no tanto, hay que resaltar la iluminación de Manfred Voss, que genera ambientes de manera magistral sin apenas elementos escénicos.

En cuanto a las voces, me gustaron más ellas que ellos.

El Wotan de James Rutherford mostró su lado más humano, primero derrotado ante la autoridad de Fricka y después, ante sus hijas, las Valquirias. Lástima que su hermoso timbre no fuera suficiente para compensar la escasez de volumen de su voz.

Christopher Ventris cumplió como heroico Siegmund. Tuvo sus dificultades con los agudos pero el tenor británico tiene gran experiencia con los roles wagnerianos, sobre todo de Parsifal.

La Brünnhilde de Ingela Brimberg tiene un agudo penetrante y bien timbrado y un volumen más que notable. Puede presumir también de graves densos y compactos. Brilló en el apartado interpretativo, poniendo el acento en las debilidades humanas más que en las cualidades sobrenaturales que se le suponen a su personaje.

Sieglinde estuvo interpretada por Elisabet Strid, buena conocedora del rol para el que se precisa una lírico spinto. Strid, con un centro poderoso y unos agudos limpios y bien delineados, es una muy buena Sieglinde. Voz voluminosa que supo poner también al servicio de los dúos más liricos junto a su esposo y hermano . Demostró gran capacidad interpretativa.

Las Valquirias estuvieron interpretadas por Julie Davis (Gerhilde), Samantha Crawford (Ortlinde), Sandra Fernández (Waltraute), Bernadett Fodor (Schwertleite), Daniela Köhjer (Helmwgide), Heike Grötzinger (Siegrune), Marifé Nogales (Gimgerde) y Rosie Aldridge (Rossweise). Cumplieron muy bien con su papel, sin parar un momento sobre el escenario. Protagonizaron alguno de los mejores números, la Cabalgata de las Valquirias y la resurrección de los guerreros. Y todo, a pesar de haber sido uniformadas con una batita de andar por casa.

Muy bien la Fricka de Daniela Sindram, con sus matices interpretativos. Espléndida en su monólogo del segundo acto.

El bajo estonio Ain Anger perfiló un magnífico Hunding en lo vocal y de gran presencia escénica.

Parece que el esfuerzo que supone una producción como esta en temporadas sucesivas está cumpliendo objetivos. Lo mejor de todo es la expectación que genera. Ya estoy deseando ver el siguiente capítulo la temporada que viene.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

La flauta mágica, ¡de cine!
La flauta mágica
W. A. Mozart (1756 – 1791)
Die Zauberflöte
Singspiel en dos actos
Libreto de Emanuel Schikaneder
Producción de la Komische Oper de Berlín
Teatro Real Madrid 17/02/20
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Suzane Andrade, Barrie Kosky
Concepto: 1927 (Suzane Andrade & Paul Barritt)Barrie Kosky
Escenografía y figurinista: Esther Bialas
Iluminador: Diego Leetz
Dramaturgo: Ulrich Lenz
D. coro: Andrés Máspero
D. coro JORCAM: Ana González
Reparto: Rafal Siwek, Paul Appleby, Rocío Pérez, Olga Peretyatko, Andreas Wolf, Ruth Rosique, Mikeldi Atxalandabaso, Elena Copons, Grmma Coma-Alabert, Marie-Luise Dreben, Catalina Peláez, Celia Martos, Patricia Ginés, Antonio Lozano, Felipe Bou
E l Teatro Real ha tirado de fondo de armario (lo hizo también esta temporada con su L´elissir d´amore) y ha programado La Flauta mágica que con tanto éxito estrenó la temporada 2016. Hay que decir que en esta ocasión el éxito no ha sido menor. Barrie Kosky y Suzanne Andrade firman una escenografía que hace las delicias de todo tipo de público en una de las obras más populares del repertorio.Le quedaban a Mozart apenas unos meses de vida cuando se estrenó La Flauta mágica, atendiendo un encargo que podría ayudar a sanear su maltrecha economía. El más influyente personaje de la vida cultural de Viena, Emanuel Schikaneder, libretista, empresario, cantante, actor, compositor y director de escena, había pedido a Mozart la composición de un Singspiel, lo que se entendía tradicionalmente por una comedia costumbrista, con personajes campesinos y muy populares en el que se alternaban partes cantadas con recitadas.El género fue evolucionando y empezó a incorporar otros personjes, como nobles y burgueses, sin abandonar nunca el costumbrismo y la humorada.
Mozart consiguió elevar el género del Singspiel introduciendo para ello personajes más propios de la ópera seria y elaborando partituras más complejas musicalmente para alguno de los roles. En La flauta mágica Mozart llena la partitura y el libreto de una serie de claves y referencias masónicas, logia a la que pertenecían tanto Mozart como Schikaneder, y que recorría Europa de la mano de las nuevas ideas de la ilustración. Todos estos elementos enriquecen el género más popular en esos momentos en Alemania y Austria.

Teniendo como eje principal la popularidad de la obra, Barrie Kosky y Suzanne Andrade han desarrollado una escenografía inspirada en el cine y la animación. Para ello han contado con la colaboración de la compañía de teatro 1927, que tiene ya cierta experiencia en trabajar vinculando la animación con personajes reales. El resultado no puede ser más espectacular y atractivo para el público. Pero también entraña algunos riesgos, sobre todo para unos cantantes que, de manera intuitiva, deben interactuar con unas proyecciones que no pueden ver. Otro problema que pueden presentar las proyecciones cinematográficas es que el público preste más atención al vídeo que a los cantantes y la partitura.

Se puede decir que esta producción no tiene escenografía, tan solo una enorme pantalla en boca de escenario sirve para que los cantantes, a través de pequeñas gestualizaciones que imitan el cine mudo, interpreten su papel junto a las imágenes que se proyectan.
En algunos momentos el volumen de imágenes y el movimiento constante puede resultar abrumador para el público. Pero lo cierto es que las nuevas tecnologías y la realidad virtual al servicio del teatro, abren unas posibilidades escénicas, casi infinitas.

La Flauta mágica es una ópera en la que a menudo se prescinde de los recitativos cuya presencia era tan importante en el momento de su composición. Esta producción no es una excepción. Se han eliminado dejando la parte más superficial e infantil, renunciando a la filosofía más profunda e instruida de la obra creada por Mozart. A cambio aparecen entre escenas los típicos carteles que acompañaban el cine mudo y que van narrando brevemente la historia. Todo muy bien encajado en la línea cinematográfica de la producción. En esta ocasión están acompañados del fortepiano de Ashok Gupta, interpretando fragmentos de la Fantasía en Do menor de Mozart.

La dirección musical ha estado a cargo del titular del teatro, Ivor Bolton. Su técnica y corrección a la hora de dirigir es absoluta, pero en esta ocasión la orquesta sonó plana, apagada, con escaso volumen de sonido y sin matizaciones. Faltó la chispa que acompaña las obras Mozart que en esta ocasión solo fue correcto.

Del cuadro de cantantes, que podía haber estado más equilibrado, hay que resaltar su esfuerzo para cantar en unas condiciones en las que habría que verse. Aparecían las más de las veces en pequeñas plataformas a varios metros del suelo. Aunque estaban bien amarrados, hay que valorar su disposición y buen trabajo.
La Pamina de Olga Peretyatko fue de lo mejor de la noche. Una muy buena línea de canto y fraseo para una voz con buen volumen y hermosos timbre.

El norteamericano Paul Appleby fue un Tamino irregular. Posee un bonito timbre, sobre todo en los agudos, a los que llega de un modo extraño en los apoyos.

Rocío Pérez fue la Reina de la noche, pero solo por reparto de roles. Abordó su personaje sin miedo, que no es poco, pero sus sobreagudos quedaros algo tirantes. Mejor su primer aria. Por lo visto en los tres repartos de este papel, hay cierta crisis de reinas.

Muy bien el Papageno de Andreas Wolf. Voz poderosa y excelente fraseo, ser alemán ayuda en estos casos.
Otro de los triunfadores fue Mikeldi Atxalandabaso, que interpretó un Monostratos evocador de Nosferatum lleno de matices vocales e interpretativos.

La Papagena de Ruth Rosique estuvo en su punto, divertida y chispeante. Muy bien también las tres damas Elena Compons, Marie-Luise Dreben y Gemma Coma-Alabert, a pesar de la indisposición de esta última.

Buena labor realizó Rafal Siwek, como Sarastro, posee un buen registro central, aunque sus graves eran casi inaudibles. Solvente la interpretación de Antonio Lozano y Felipe Bou, como dos hombres con armadura.

Los tres muchachos que interpretan los pequeños cantores de la JORCAM Catalina Peláez, Lucía Seriñán, Celia Martos, Chandra Henderson y Patricia Ginés, María Guzmán, son de esas voces que nunca fallan. Aunque estén casi colgadas a varios metros del suelo.

Un éxito más de esta reedición de una Flauta mágica que siempre es una garantía. Taquilla, espectáculo y público feliz. Misión cumplida.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

 

 

 

 

 

 

 

 

El 18 de febrero tuvo lugar en Sevilla la presentación de la 37ª edición del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS) en el que estuvieron presentes Fahmi Alqhai, director del festival, junto a Maider Múgica, directora adjunta del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), y Antonio Muñoz, delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla. El programa de esta nueva edición, que se desarrollará en la capital andaluza del 13 de marzo al 1 de abril busca el acercamiento al público de la música histórica llevando la interpretación musical a entornos patrimoniales de la mano de primeras figuras de prestigio internacional. Esta particularidad hace de la cita sevillana una experiencia melómana especial e irrepetible y un evento consolidado como el mejor festival de músicas históricas de España. La programación de este año tendrá como ejes centrales las conmemoraciones de la primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven.

Una alianza imprescindible y fructífera

El Festival cuenta por séptima vez consecutiva con la colaboración del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que coproduce los conciertos de tres agrupaciones de referencia en la música histórica: Al Ayre Español, uno de nuestros más importantes conjuntos historicistas, fundado y dirigido por Eduardo López Banzo y que ofrecerá la recuperación histórica de obras de José de Torres y Juan Francés de Iribarren; Los Músicos de Su Alteza, bajo la dirección de Luis Antonio González, con un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano con piezas inéditas del siglo XVII español y La Real Cámara, dirigida por Emilio Moreno, en un concierto cuyo eje principal es la integración de la música de Giuseppe Torelli con la del músico y jesuita sevillano Francisco José de Castro.

El XXXVII Festival de Música Antigua de Sevilla, proyecto del Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla, cuenta con la coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Diputación de Sevilla y Real Alcázar. Seis serán los entornos patrimoniales de esta nueva edición del FeMÀS: el Espacio Turina, el Teatro de la Maestranza, el Real Alcázar, la Iglesia de San Luis de los Franceses, el Teatro Alameda y el Teatro Lope de Vega.

La primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven, ejes del festival

La programación de esta 37ª edición del FeMÀS se ha planteado en torno a dos efemérides de gran relevancia para la humanidad como son el V Centenario de la primera vuelta al mundo y el 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven.

En relación con la primera de ellas, el FeMÀS hará un recorrido por las nuevas músicas que llegaron a Europa tras los descubrimientos y la primera vuelta al mundo y cómo influyeron en los músicos del siglo XVI. Sobre el segundo leitmotiv, el festival pretende de algún modo mostrar las maneras historicistas de interpretación de un repertorio habitualmente adjudicado a las orquestas sinfónicas; estas últimas con criterios, en muchos casos, muy diferentes a los modos de entonces, que este FeMÀS permitirá recuperar.

Según ha anunciado Fahmi Alqhai, en la nueva edición se reintroduce la figura del artista residente, que se pretende mantener en sucesivas ediciones. El artista residente este año es el pianista Juan Pérez Floristán, un gran referente de la nueva generación de músicos sevillanos que lleva el nombre de ciudad por las salas de conciertos más importantes del mundo.

Pérez Floristán será el encargado de la inauguración del festival el día 13 de marzo, junto a la Hofkapelle München con un programa que incluye el Concierto para piano nº 4 de Beethoven y la más célebre sinfonía de Mozart.

Dos actuaciones más, una conferencia y una masterclass completarán la residencia de Pérez Floristán en un festival que tendrá como broche final la actuación en el Teatro de la Maestranza de la Orquesta Barroca de Sevilla y su interpretación de la Misa en si menor de J. S. Bach, un sueño que puede hacerse realidad gracias a la colaboración de la Hermandad del Gran Poder, que celebra el IV centenario de la hechura del Señor.

En sus sucesivas jornadas, destacan en la programación grandes nombres propios como el del tenor Ian Bostridge, el grupo Il Giardino Armonico o la Orquesta Barroca de Ámsterdam, dirigida por Ton Koopman, sin olvidar los nuevos grupos que siempre han tenido en el festival una plataforma y un altavoz magníficos para hacerse ver y oír.

Programación

El sábado, día 14 de marzo, el FeMÀS se abre al público familiar en el Teatro Alameda, a las 18.00 horas, con La increíble historia de Juan Latino. Se trata de la quinta producción de la compañía hispano-canadiense Claroscuro Teatro. Pensada para un público de 8 años en adelante, el referido montaje usa títeres, máscaras y música barroca en directo para contar la verdadera historia de superación racial y social de un esclavo negro en la España del siglo XVI.

También el sábado, a las 20.30 horas, en el Espacio Turina, llega otro de los platos fuertes de esta edición, de la mano de Pérez Floristán y el tenor Ian Bostridge, con una sólida carrera internacional.

La programación del domingo, día 15 de marzo, da comienzo a las 13.00 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con el Ensemble Flandriae-Pyrenaei, con un concierto con repertorio de música barroca de Flandes y Cataluña.

A las 20.30 horas, en el Espacio Turina, bajo la dirección de Eduardo López Banzo, el grupo aragonés Al Ayre Español, consolidado como una de las referencias más destacadas en esta especialidad musical a nivel nacional e internacional, ofrecerán un programa con el título ¡Ay, bello esplendor! Grandes villancicos barrocos. En este recital, el público podrá conocer una serie de obras inéditas de José de Torres y Juan Francés de Iribarren, recuperadas y transcritas por el propio López Banzo a partir de manuscritos originales conservados en las catedrales de Salamanca, Málaga y Guatemala.

El martes 17 de marzo el conjunto musical Il Giardino Armonico, fundado en Milán (Italia) en 1985 y especializado en piezas de los siglos XVII y XVIII, protagonizará otro de los grandes momentos del FeMÀS. La cita será a las 20.30 horas en el Turina, espacio en el que su director Giovanni Antonini empuñará la flauta de pico para interpretar un programa titulado La Morte della Ragione.

Las citas programadas en el Real Alcázar dan comienzo el 18 de marzo, a las 20.30 horas, de la mano de The Orlando Consort, uno de los conjuntos vocales más importantes de Europa, que ofrecerá con Mantra su particular visión de la fusión de culturas que existió hace 500 años. Constituido en el Centro de Música Antigua de Gran Bretaña en 1988, el trabajo de este conjunto combina a la perfección la seriedad y el rigor de sus programas con la frescura de sus interpretaciones, que cautivan al público inmediatamente.

La programación continúa el jueves, día 19 de marzo, a las 20.30 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con otro referente nacional, Los Músicos de Su Alteza, agrupación dirigida por Luis Antonio González. Con Veritas-Vanitas, la agrupación propone un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano, algunas conocidas, otras recuperadas por el conjunto, con piezas inéditas del siglo XVII español.

Al día siguiente, el viernes 20 de marzo, en el Espacio Turina, el reconocido grupo Accademia del Piacere, con su fundador y director al frente, Fahmi Alqhai, ofrecerá un programa bajo el nombre Ars Melancholiae, también a las 20.30 horas.

Tras una nueva jornada, la del sábado 21 de marzo, protagonizada por el artista residente Juan Pérez Floristán, el domingo 22 llegan al FeMÀS dos grupos que, hasta la fecha, no habían participado en la referida cita con la música antigua. Por la mañana, a las 13.00 horas, será el turno de La Vaghezza, con O prima alba del mondo; y a las 20.30 horas, en el Real Alcázar, Constantinople con otro de los conciertos dedicados al V Centenario de la primera vuelta al mundo.

La Iglesia de San Luis de los Franceses abrirá una nueva semana musical el martes, día 24 de marzo, a las 20.30 horas en el Real Alcázar. Collegium Musicum Madrid interpretará un concierto con el título Rumbo a poniente, una cita a la que sucederá el programa Lenguas Malas, a cargo de Cantoría, el miércoles 25 de marzo, en San Luis de los Franceses.

El día 26 de marzo Lina Tur Bonet, considerada como una de las violinistas más interesantes del ámbito internacional, y el clavecinista sevillano Javier Núñez, llegan al Espacio Turina con un programa en torno a la música de la familia Bach.

El último fin de semana del FeMÀS comienza el viernes, día 27 de marzo, a las 20.30 horas en el Espacio Turina con Capella Neapolitana, agrupación fundada en 1987 por Antonio Florio, integrada por instrumentistas y cantantes especializados en la interpretación del repertorio musical napolitano de los siglos XVII y XVIII, y en la recuperación de compositores olvidados.

Día Bach

El sábado a las 13.00 horas, en la Iglesia de San Luis de los Franceses, la protagonista será la clavecinista Irene González Roldán, ganadora de la beca de la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca de Sevilla, destinada a la educación y promoción de jóvenes músicos historicistas. A las 20.30 horas, en el Real Alcázar, el grupo de música antigua Euskal Barrokensemble, creado por Enrike Solinís en Bilbao en el año 2006, ofrecerá un programa titulado Elkano.

La jornada del domingo, día 29 de marzo, FeMÀS celebra un año más el Día Bach. En esta ocasión, por la mañana, a las 13.00 horas en San Luis de los Franceses, junto a la arpista Margret Köll; y a las 20.30 horas, junto al mítico Ton Koopman y su maravillosa Amsterdam Baroque Orchestra.

La penúltima jornada de FeMÀS el público aficionado podrá disfrutar de un programa con música atribuida a Francisco José de Castro, jesuita sevillano que vivió en Brescia dedicado a diversas ocupaciones intelectuales, entre ellas la música, y era conocido en tierras italianas como ‘Spagnuolo’. Emilio Moreno ha profundizado como ningún otro violinista actual en la obra de este músico y ofrecerá una selección de sus composiciones en su recital con La Real Cámara.

Sobre la clausura en el Teatro de la Maestranza, la Orquesta Barroca de Sevilla interpretará la Misa en si menor de J. S. Bach, bajo la dirección musical de Andreas Spering. La colaboración de FeMÀS, Teatro de la Maestranza, Hermandad del Gran Poder y Fundación La Caixa han propiciado este especial broche final del Festival.

A la extensa programación musical se suma, una edición más, las actividades paralelas, una serie de conferencias con las que se pretende contextualizar el contenido de esta cita con la música antigua.

La emblemática Sala de Orquesta del Teatro Real, y su mágico piano, vuelven a ser los protagonistas de El Real Junior en esta temporada. Mientras el atardecer acaricia los tejados de Madrid, la pianista Isabel Dombriz y Fernando Palacios descubrirán “otros mundos” escondidos en un concierto enigmático.

Destinado a un público a partir de 12 años, las sesiones tendrán lugar los fines de semana del 21, 22 y 23 de febrero y del 28, 29 de febrero y 1 de marzo, a las 20.00 horas, salvo los domingos (23 de febrero y 1 de marzo) que dará comienzo a las 19.00 horas.

Además de pianos nocturnos, bajo la luz de la luna, y con caras ocultas y escondidas en penumbras, hemos encontrado pianos de otros mundos. Están en el Valhala de Wagner, en Los Planetas de Holst, en Visiones fugitivas de Prokófiev y en las profundidades de La Catedral sumergida de Debussy.

También los hemos localizado, flotando en los mundos circulares de Bach, en el cosmos vaporoso de Pink Floyd o en los universos paralelos de Scriabin. Todos se darán cita al atardecer en un universo único…

Fotografía © Javier del Real / Teatro Real

UNA ESPLÉNDIDA ELEKTRA, CON LA QUE SE RECUPERAN EN EL VALENCIANO PALAU DE LES ARTS LAS MEJORES SENSACIONES DE ANTAÑO. Por Diego Manuel García Pérez.Las representaciones de Elektra de Richard Strauss, que tuvieron lugar el pasado mes de enero en el Palau de Les Arts de Valencia, han resultado un auténtico triunfo, sobre todo por la magnífica prestación de la Orquesta de la Comunitat Valenciana, esta vez ampliada a más de cien instrumentistas y muy bien dirigida por Marc Albrecht, gran conocedor del repertorio straussiano. Entre las voces destacó la soprano norteamericana Sara Jakubiak, magnífica Chrysotemis y el barítono australiano Derek Welton como Orestes. El canadiense Robert Carsen, realizó una excelente dirección escénica, moviendo de manera altamente expresiva a cantidad figurantes en un especio escénico prácticamente vacío. El aforo estaba casi al completo, lo cual resultaba reconfortante, sobre todo con un título como Elektra bastante alejado del repertorio más habitual. Un público entusiasta dedicó grandes ovaciones al final de las representaciones. Después de varios años de cambios e incertidumbres, El Palau de Les Arts ha recuperados sus mejores sensaciones de antaño.Después del gran éxito conseguido por Richard Straus con Salome, se inició su colaboración con el gran dramaturgo y poeta austriaco Hugo von Hofmannsthal, en la que música y texto se complementaban de manera perfecta, produciendo en veinte años seis óperas: Elektra de 1909, Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) de 1911, Ariadne auf Naxos (primera versión de 1912 y segunda y definitiva de 1916) y Die frau ohne schatten (La mujer sin sombra) de 1919, que pueden considerarse verdaderas obras maestras, y las otras dos: Die Ägyptische Helena (La Helena egipcia) de 1928 y Arabella, estrenada en 1933, de extrema calidad. La muerte de Hofmannsthal, en 1929, cuando ya había casi concluido el libreto de Arabella, fue un duro golpe para Strauss. En 1903, Hofmannsthal estrenó con gran éxito su obra teatral Elektra (adaptación de la obra de Sófocles), en el Kleines Theater de Max Reinhardt de Berlín. Strauss asistió a una representación en otoño de 1905, muy poco antes del estreno de Salome, y consideró que su estructura dramática resultaba muy idónea para una ópera. En la primavera de 1906, compositor y escritor se reunieron para discutir las condiciones para convertir la obra teatral en ópera. La composición se alargó durante más de dos años, comenzando en el verano de 1906 y concluyendo en el otoño de 1908. Elektra se estrenó en el Teatro Real de Dresde, el 25 de enero de 1909, y ese mismo año tuvieron lugar exitosas representaciones en Munich, Frankfurt, Berlín, Hamburgo, Düsseldorf, Viena, Graz, Milán y al año siguiente, se estreno en Londres y Nueva York. Puede considerarse la más revolucionaria de las óperas de Strauss, que precisa de una gigantesca orquesta con más de cien instrumentistas, ejecutando una música fuertemente expresionista, donde el compositor mezcla la tonalidad con la politonalidad y el atonalísmo más atrevido, junto a momentos de gran intensidad lírica. Compuesta en un solo acto, requiere tres grandes cantantes de magnífica vocalidad y gran capacidad expresiva: una soprano dramática para la obsesionada y vengativa Elektra, una lírico-spinta para su hermana Chrysothemis y una mezzo dramática o contralto para el papel de su madre Klytämnestra, junto con un barítono en el papel de Orestes, en posesión de una poderosa vocalidad. Más episódico el papel Aegisth, interpretado por un tenor de voz ligera y extravagantes movimientos escénicos. Cabe destacar los monólogos de Elektra, sus dúos con Chrysothemis (alucinante el que se produce al final de la ópera), el que interpreta con Orestes, donde se mezclan lirismo y una gran intensidad dramática; y, sobre todo, el impresionante dúo con su madre Klytämnestra, donde las voces deben ofrecer un considerable volumen en conjunción con el imponente sonido orquestal.El excelente recorrido inicial de Elektra, durante los años 1909 y 1910, en los grandes teatros de todo el mundo, quedó ensombrecido por el tremendo éxito de las dos siguientes dos óperas de Strauss: Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) y Ariadna auf Naxos, que junto a Salome, se convirtieron en el trío de óperas straussianas más representadas. Será preciso la aparición de la soprano húngara Rose Pauly, cuya interpretación del papel de Elektra al final de los años veinte y la década de los treinta, volverá a relanzar esta ópera en los escenarios europeos y americanos. En el Festival de Salzburgo, con una fuerte tradición straussiana no llegó a representarse hasta 1934, con Rose Pauly y la Chrysothemis de la gran Viorica Ursuleac (la soprano favorita de Richard Strauss), con su marido Clemens Krauss al frente de la Filarmónica de Viena. Rose Pauly grabó esta ópera completa en 1937, con dirección de Artur Rodzinky al frente de la New York Philarmonic- Symphony Orchestra; varios fragmentos de esta grabación pueden escucharse en YouTube y permiten comprobar la gran calidad de la Elektra interpretada por la soprano húngara. Es partir de la década de los cincuenta, cuando Elektra recibe su impulso definitivo, sobre todo por el interés de directores como Dimitri Mitropoulos, Karl Böhm y Fritz Reiner. También, muestran gran interés por esta ópera las sopranos suecas Inge Borg y Astrid Varnay, de grandes medios vocales y expresivos, quienes dominaran el papel de Elektra a partir de 1950, hasta mediados de los años sesenta, interpretándolo en muchas ocasiones, con bastantes grabaciones, siendo muy recomendable por su extrema calidad y buen sonido la toma en directo realizada en el Festival de Salzburgo de 1957 (disponible completa en YouTube) dirigida por Dimitri Mitropoulos al frente de la Filarmónica de Viena, con la imponente Inge Borg (Elektra), junto a la bellísima voz de Lisa Della Casa (Chrysothemis) y a la extraordinaria mezzo norteamericana Jean Madeira (una Klytämnestra referencial). De las interpretaciones de Elektra realizadas por Astrid Varnay, han quedado varias magníficas grabaciones, entre ellas son muy recomendables dos tomas en directo (disponibles completas en YouTube): la primera realizada en el Metropolitan neoyorkimo, en 1952, con dirección orquestal de Fritz Reiner y la segunda en el Festival de Salzburgo de 1964, dirigida por Herbert von Karajan. Tomando el testigo de Varnay y Borg, otra extraordinaria soprano sueca Birgit Nilsson, empezó a cantar Elektra a partir de 1965 hasta 1980. Sus compañeras más habituales en múltiples funciones serán Leonie Rysanek (Chrisothemis de referencia, que ya había interpretado este papel con Varnay y Borg), y la mezzo Regina Resnik (Klytämnestra). Es preciso escuchar (está disponible completa en YouTube), la toma en directo realizada en la Ópera de Viena, en 1967, con estas tres cantantes dirigidas por Karl Böhm, al frente de la Filarmónica de Viena. La soprano húngara Eva Marton y la alemana Hildegard Berens, durante los años noventa, también realizaron notables interpretaciones de Elektra, aunque no comparables con las realizadas por Nilsson, Varnay y Borg. En tiempos recientes, a partir de 2010, la soprano sueca Irene Theorin y la alemana Evelyn Herlitzius, están interpretando excelentes Elektras, a ellas se ha unido a partir de 2015, otra gran soprano sueca Nina Stemme (parece que las sopranos suecas tienen gran afinidad con el personaje de Elektra). Puede considerarse una moderna referencia de esta ópera, la toma en video (disponible completa en YouTube), de excelente imagen y sonido, plagada de imponentes primeros planos, realizada en el Festival de Salzburgo de 2010, con un gran reparto: Irene Theorin (Elektra), Eva María Westbroek (Chrysothemis), Waltraut Mayer (Klytämnestra) y un magnífico René Pape (Orestes), con dirección escénica de Likolaus Lehnhoff y musical de Daniele Gatti, al frente de la Filarmónica de Viena.

La producción presentada en Valencia, proviene de la Ópera National de París, basada en una coproducción del Maggio Musicale Fiorentino y la Tokio Opera Nomori, con dirección escénica de Robert Carsen y una escenografía de Michael Levine de carácter totalmente minimalista, con un espacio escénico de absoluta la desnudez constituido por un amplio recinto cerrado por tres grandes paredes que se curvan en su base de apoyo sobre el escenario, con un suelo terroso de oscura arena donde se abre un hueco rectangular multiuso, ya que se trata de la tumba de Agamenón y la entrada en el palacio donde habitan los reyes Klytämnestra y Aegisth, asesinos de Agamenon. En realidad, el atractivo de esta producción reside en la capacidad de Robert Carsen para mover con gran sentido dramático a cantidad de figurantes alrededor de los protagonistas. Resulta impactante la entrada en escena de Klytämnestra totalmente vestida de blanco sobre una cama también blanca, que es portada a modo de trono por las numerosas bailarinas-figurantes. El blanco queda resaltado mediante una idónea iluminación focal, dentro de la oscuridad escénica y las vestimentas negras del resto de personajes. Destacar de esta puesta en escena el momento en que Elektra, en su monólogo inicial, invoca la figura de su padre Agamenón y las figurantes lo extraen de su tumba portándolo y entregándoselo a Elektra. Los movimientos coreográficos de las bailarinas y esa iluminación focal diseñada por el propio Robert Carsen y Peter van Praet, también confieren auténtico atractivo a esta escenografía. También cabe destacar el diseño de vestuario realizado por Vazul Matusz, de color negro para las protagonistas y figurantes, en comparación con las vestimentas blancas que portan Klytämnestra y Aegisth.

Elektra es una ópera donde la amplísima orquesta de más de cien músicos adquiere absoluto protagonismo y las voces solistas se insertan como un instrumento más. La Orquesta de la Comunitat Valenciana, sensiblemente ampliada a ciento tres ejecutantes, volvió a demostrar su extrema calidad, con la magnífica dirección de Marc Albrecht, plena de transparencia, con perfecta diferenciación de los planos sonoros y ofreciendo toda una gama de matices en la densa y extraordinaria orquestación que Strauss concibió para esta ópera. Albrecht manejó muy bien las dinámicas. Todas las secciones orquestales rayaron a gran altura, con una cuerda suntuosa, capaz de alternar sonidos de fortísima contundencia y maravillosos pianísimos. Strauss presenta la novedad de tres grupos de primeros, segundos y terceros violines, cada uno de ellos con ocho instrumentistas, junto a otros tres de primeras, segundas y terceras violas, cada uno con seis instrumentistas, y la cuerda grave con seis primeros violonchelos y seis segundos, junto a ocho contrabajos. Ya, solo la cuerda, con nada menos que sesenta y dos ejecutantes supera con creces las dimensiones de una orquesta clásica. También los metales brillaron a gran altura, con imponentes sonoridades de las trompas, trombones y trompetas, capaces también de emitir delicados pianísimos. La respuesta orquestal siempre estuvo en consonancia con la complejidad de esta riquísima partitura donde se mezclan pasajes tonales con otros inmersos en la más pura atonalidad, en contraste con numerosos momentos de fino melodismo casi camerístico. En el mismo arranque de la ópera puede escucharse el tema de Agamenon, brillantemente emitido en fortísimo por trompa y trompeta al unísono con toda la cuerda, al que siguen el sonido tenue en pianísimo de trombones y contrabajos. Este tema se convierte en recurrente con distintas variaciones a lo largo de la ópera: aparición de Orestes en su gran escena con Elektra, quien vuelve a cantarlo en un tono despiadado e irónico cuando Klytemnestra y Aegisth son asesinados por Orestes, y que reaparece en el alucinante dúo de Elektra y Chrisotemys, casi al final de la ópera, con toda la salvaje intensidad del comienzo, repetido tres veces asemejando rayos de tormenta que abaten a Elektra, después de su danza frenética para festejar la muerte de Klytämnestra y Aegisth. El otro tema recurrente de esta ópera es el llamado “acorde de Elektra”, donde Strauss utiliza la politonalidad, que ya puede escucharse por primera vez, de manera episódica en la escena inicial de las doncellas y que reaparece de modo suntuoso, ejecutado reiteradamente por cuerda y maderas en la entrada escénica de Elektra. Destacar el tema de intenso lirismo de Chrysotemis y sus expansiones melódicas en el primero de sus dúos con Elektras, donde tienen brillantes intervenciones los metales y en especial las cinco trompas. Sin duda, el momento culminante de esta ópera y donde la Orquesta de la Comunitat Valenciana brilló a mayor altura, lo constituye toda la gran escena de Klytämnestra y Elektra, con un interludio orquestal introductorio de carácter fuertemente atonal, donde intervienen todas las secciones orquestales en un imponente crescendo, que en su transcurso permite el lucimiento de la percusión así como de los metales, en especial de trompetas y tubas. En el diálogo de madre e hija se van alternando disonancia y melodía, destacando la presencia puntual de un trombón con sordina y del sonido combinado de las arpas y contrafagot, junto a las numerosas intervenciones de la celesta (instrumento muy apreciado por Strauss). Otro gran momento es el interludio que precede a la irrupción escénica de Orestes, dominado por el sonido de los metales, con incursiones de violonchelo y fagot. La orquesta también brilló en el largo dúo de Elektra y Orestes, donde reaparece el “acorde de Elektra” ejecutado de manera suave y cadenciosa, también se insertan pequeños interludios orquestales de fino melodismo, bruscamente interrumpidos por las poderosas y disonantes irrupciones de trompas y trompetas. Destacar finalmente, la labor concertadora de Marc Albrecht muy pendiente de las voces, algunas de ellas con problemas para atravesar la inmensa orquesta, por estar colocadas en el fondo del escenario.

Irene Theorin ha interpretado con bastante frecuencia el personaje de Elektra en los últimos diez años, destacando de manera brillante en la ya mencionada producción del Festival de Salzburgo de 2010. Pero, diez años no pasan en balde; y, en estas funciones valencianas tuvo un comienzo discreto, en su gran monólogo inicial “Allein! Weh, ganz allien”, con escaso volumen, una emisión un tanto irregular y falta de proyección de la voz; también pudo deberse a imperativos escénicos al tener cantar tendida en el suelo proyectando la voz hacia arriba. Mejoró sensiblemente en su gran escena con Klytämnestra, bien interpretada por la veterana mezzo alemana Doris Soffel, ya con setenta y un años, que mostró gran dominio del canto parlato, y una magnífica capacidad escénica para matizar cada frase, cada palabra cantada. Lógicamente dada su edad, mostraba deterioro vocal con problemas en el registro grave y agudo. Ambas cantantes se insertaron bien en el imponente sonido orquestal. Theorin también realizó una buena interpretación en su escena con el Orestes del barítono australiano Derek Welton, de poderosa vocalidad y excelente línea de canto. Sin embargo, en sus dúos con Chrisothemis, fue claramente superada por la soprano norteamericana de origen polaco Sara Jakubiak: una Chrisothemis de bello timbre, considerable volumen, dominio de todos los registros, capacidad para las regular el sonido y proyectar la voz hacia delante, traspasando la barrera orquestal. Tenía interés de escuchar en directo a Sara Jakubiak, después de conocer sus interpretaciones editadas en DVD, de Agathe en Der Freischütz (El cazador furtivo) de Carl Maria von Weber, con dirección de Christian Thielemann; y, sobre todo, de su extraordinaria creación de Heliane en Das wunder der Heliane (El milagro de Heliane), de Erich Wolfgang Korngold, dirigida por Marc Albretht. El personaje de Aegist fue interpretado por el veterano tenor checo Stefan Margita, cuya voz blanquecina y ademanes histriónicos resultaban idóneos en su dúo con Elektra. Destacar las interpretaciones en la escena inicial de la ópera de las cinco doncellas interpretadas por Eva Kroon, Evgeniya Khomutova Emilie Pictet Larisa Stefan y Aida Gimeno, también interpretando a la confidente de Klitämnestra.

Excelente prestación del Coro de la Generalitat Valenciana, sonando fuera del escenario al final de la ópera. Destacar también al grupo de veinte bailarinas que ejecutan la coreografía de Philippe Giraudeau, tanto en sus desplazamientos en línea con los brazos abiertos hacia arriba. También bailando en circulo o actuando de manera mimetizada con Elektra o alrededor de ella ocultando un hacha en sus espaldas. Y, en la escena de Elektra y Orestes, cuando este comenta que hasta los perros del palacio le han reconocido, y las bailarinas se acercan a él, moviéndose como perros a cuatro patas. En fin, una magnífica Elektra.

Rocío Máequez

Rocío Márquez cantará temas de su último álbum ‘Visto en El Jueves’ en su debut en el Palau de les Arts el próximo sábado 22 de febrero a las 21.00 horas en el Teatre Martín i Soler.

La ‘cantaora’, encumbrada por la prensa como la voz de la nueva generación del cante jondo, protagoniza la segunda sesión de ‘Les Arts és Flamenco’, el primer ciclo que el centro de artes dedica a este género, y que inauguró con el exitoso concierto de Diego el Cigala, con todas las localidades agotadas el pasado mes de diciembre.

En ‘Visto en El Jueves’, la intérprete onubense hace gala de su personalidad inquieta y de su enorme curiosidad con un repertorio en el que la brecha entre lo flamenco y lo no flamenco, el cante y la canción, queda desdibujada, con canciones versionadas de grandes artistas, así como palos flamencos recreados.

Canciones de Bambino, Rocío Jurado, Paco Ibáñez, Concha Piquer, El Cabrero, Turronero, Pepe Marchena, José Menese y Manuel Vallejo se cruzan y entremezclan con serranas, ‘abandolaos’, fandangos, malagueñas, rondeñas, peteneras, bulerías, marianas, romances y rumbas en el quinto trabajo discográfico de la artista Rocío Márquez.

Tras prescindir de la guitarra en sus dos anteriores proyectos (‘Firmamento’ y ‘Diálogos de viejos y nuevos sones’), Rocío Márquez vuelve al instrumento angular del flamenco de la mano de Canito. Entre ambos, y arropados por las percusiones de Agustín Diassera, asumen el reto de exprimir sus posibilidades expresivas desde los parámetros de naturalidad y sencillez musical y transitando por una constante experimentación de arreglos y melodías.

Las entradas para la actuación de Rocío Márquez, así como para el resto de conciertos de este ciclo tienen un precio único de 30 euros.

‘Les Arts és Flamenco’

En su búsqueda de nuevos públicos y disciplinas, Les Arts ha puesto en marcha, el ciclo ‘Les Arts és Flamenco’ dentro de la temporada 2019-2020. El pasado mes de diciembre, Diego el Cigala inauguró el primer monográfico del teatro de ópera valenciano dedicado a este género con todas las localidades agotadas en el Auditori.

Rocío Márquez será la encargada de abrir este sábado el ciclo de conciertos en el Teatre Martín i Soler, por cuyo escenario pasarán también en los próximos meses dos de las figuras de relevancia en el cante jondo: Duquende y Manuel Lombo.

Juan Cortés, Duquende, actuará en Les Arts el próximo 13 de marzo acompañado de la guitarra de Diego del Morao y de las palmas, coros y compás de Los Mellis. Descubierto por Camarón de la Isla con tan sólo ocho años y heredero de la tradición del mítico genio del flamenco, el ‘cantaor’ de Sabadell es una de las figuras más respetadas por la honestidad y sentimiento profundo de sus interpretaciones.

Por su parte, el día 25 de abril, Manuel Lombo visitará el Teatre Martín i Soler con su nuevo proyecto ‘P’alante y p’atrás’, junto a Macarena López y Sara Jiménez. El artista de Dos Hermanas se ha erigido como uno de los nombres que ha introducido savia nueva en el cante jondo gracias a sus interpretaciones y composiciones procedentes del pop o del ‘jazz’, sin renunciar a la tradición.

Annalisa Stroppa, Carmen

Pocos personajes tienen tanta afinidad con la vocalidad de la mezzosoprano italiana Annalisa Stroppa como la protagonista de Carmen de Bizet. La ha cantado en diversos escenarios desde que la debutó en 2011 en el Teatro Sociale di Trento (Italia) para retomarlo en el Opéra-Théâtre de Limoges (Francia), el Festival de Bregenz (Austria) o la temporada Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria, siempre siendo aclamada por la crítica y por el público. Según explica, se muestra encantada de regresar a España, “más todavía con un personaje tan fascinante como la gitana de Bizet y en el montaje de Calixto Bieito, lleno de desafíos para sus intérpretes”.

La cantante de Brescia subraya que, para ella, este mito andaluz representa “a una mujer de una modernidad excepcional; es coherente con sus ideas, un ser libre que cree firmemente en todo lo que hace y sigue sus propias reglas hasta las últimas consecuencias, incluso hasta el punto de sacrificar su vida. Es un personaje que tiene muchísimas facetas, todas complejas y a la vez fascinantes. No debemos quedarnos con la idea estereotipada de la cigarrera femme fatal, porque Carmen es mucho más que eso; es un ser fuerte y vulnerable al mismo tiempo y, en definitiva, un caramelo para artistas a las que nos gusta vivir intensamente las emociones de los roles que interpretamos”.

Y si la vocalidad del papel le va como anillo al dedo, considera que su afinidad con el personaje lo acerca mucho como mujer e intérprete.

La obra se ofrecerá en el Teatre Principal de Palma, en Mallorca, los días 1, 4, 6 y 8 de marzo, con el valenciano Manuel Coves en el podio ante la Simfònica de les Illes Balears.

Después de su debut mallorquín, Annalisa Stroppa ofrecerá actuaciones en Verona, Múnich, Wiesbaden, Bregenz y Budapest, además de debutar en el Festival de verano de Savonlinna, en Finlandia.

Annalisa Stroppa

teatro Principal, Palma

Fotografía: Carmen Bregenz

Guillermo García Calvo

El Teatro de la Zarzuela cumple una labor esencial en la preservación, recuperación, revisión y difusión de nuestro patrimonio lírico, así lo exigen sus estatutos y el coliseo lo cumple escrupulosamente temporada a temporada. De ahí que la programación de ‘Farinelli’, ópera de Tomás Bretón en un prólogo y tres actos, sea uno de los títulos de 2019/2020 esperados con singular y nerviosa expectación. Con libreto del precoz escritor sevillano, académico de la Lengua (también político y gran orador) Juan Antonio Cavestany, la partitura de quien en palabras del ilustre profesor Emilio Casares, “es probablemente el mejor compositor de ópera de nuestra historia” es una “especie de fusión” en la que conviven wagnerismo, “verismo”, ópera francesa e historicismo. Se estrenó el 14 de mayo de 1902 en el nuevo y gigantesco Teatro Lírico de Madrid (el más grande que nunca ha tenido la ciudad), con capacidad para 2.900 espectadores y visibilidad “casi perfecta”, erigido en la calle Marqués de la Ensenada y dirigido por Ruperto Chapí, en lo que pretendía ser un proyecto de gran envergadura en defensa e impulso de la ópera española en clara disputa con otros teatros que mostraban su abierto rechazo a la lírica compuesta de puertas adentro. Por esta razón, el sábado 15 y el lunes 17 de febrero (ambos a las 20h00) serán dos fechas necesariamente trascendentes para nuestra lírica. La obra, de la que no existe grabación alguna, de ahí la relevancia del registro que llevará a cabo Radio Clásica para su emisión en fechas próximas, volverá a escucharse más de un siglo después de su última audición. Será en versión de concierto y con adaptación libre de la reconocida dramaturga María Velasco. Música totalmente nueva, pues, para nuestros oídos del siglo XXI.

‘Farinelli’ fue víctima de la misma apatía que otras cerca de 700 óperas compuestas en España y condenadas al más profundo de los olvidos. Y es curioso, como recuerda Casares, que decenas de ellas fueron “aplaudidas por el exigente público del ochocientos”. La efervescencia de la ópera como uno de los géneros predilectos en España, culmina en las dos primeras décadas del nuevo siglo (el XX) con el estreno, en ese periodo, de más de 100 óperas españolas. Nada menos.

Los dos conciertos que ahora hacen justicia a ‘Farinelli’ (una de las ocho grandes óperas compuestas por Bretón entre las más de 140 obras que componen su catálogo, algunas tan universales como ‘La verbena de La Paloma’ o ‘La Dolores’) estarán dirigidos por Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela desde el pasado 1 de enero, así como director general musical de la centenaria Ópera alemana de Chemnitz y de su orquesta –la Robert-Schumann-Philharmonie– desde 2017 y uno de los maestros españoles más destacados y solicitados en Europa. García Calvo, al frente de la Orquesta Titular del Teatro, la ORCAM, deberá acometer la inspiración melódica, la exigente escritura vocal y el solvente discurso orquestal y coral que edifican la majestuosa estructura de ‘Farinelli, y no es para menos si se tiene en cuenta que, además de un portentoso violinista, Bretón fue un magnífico director de orquesta.

Los numerosos e intensos pasajes corales constituyen otra de las peculiaridades de esta ópera. “No es excesivo señalar que nos encontramos ante una obra coral”, advierte Emilio Casares, que lo argumenta con un dato incontestable: “De las veintiséis escenas de que consta, solo en seis falta el coro.” Será esta, por tanto, una buena ocasión para el lucimiento del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de Antonio Fauró.

Asimismo, para atenuar todas estas dificultades, esa orquesta y ese coro deben necesariamente envolver voces de primera fila. Y eso es lo que el Teatro de la Zarzuela ha reunido para esta nueva e histórica puesta de largo de ‘Farinelli’.

La mezzosoprano Maite Beaumont interpretará el papel de Farinelli (Carlo Broschi) que se enamora hasta la desesperación de Beatriz (alter ego en la obra de la cantante de mediados del XVIII Elena Pieri), cantada por la también mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera, quien le corresponde en este enamoramiento. Ambos tienen que separarse. Farinelli viaja a España mientras Beatriz permanece en Italia. Ambos sufren, primero la separación y luego el difícil reencuentro, en cuyo desenlace cobra especial protagonismo Jorge, padre de Farinelli, en cuya piel se mete el barítono hispano-brasileño Rodrigo Esteves. Este desvela a Beatriz la verdadera razón del rechazo que desde que llegó a España sufre por parte del atormentado Farinelli: Ella también es hija suya, y por tanto, hermana de Farinelli. Y entre tanto abatimiento y enredo, varios de los momentos más amables de la trama los protagoniza el personaje del doctor, a quien da vida el barítono David Menéndez.

Apoyo a los jóvenes cantantes

Llegados a este punto, debemos referirnos a dos de las sorpresas reservadas para el público, y que pone de manifiesto el firme empeño del Teatro de la Zarzuela en descubrir y apoyar a los jóvenes intérpretes: De una parte, el tenor mexicano Leonardo Sánchez, el artista más joven del International Opernstudio de la Ópera de Zúrich y ganador de tres premios diferentes (‘Primer lugar’, ‘Revelación juvenil’ y ‘Especial’) en la 34ª edición del Concurso de Canto Carlo Morelli, el certamen de canto lírico más importante en México; Sánchez encarna a Alberto, amigo de Farinelli que trae a Beatriz a España y que termina desposándose con ella para angustia del cantante. De otro lado, la sorpresa llegará cabalgando la honda voz de Manuel Fuentes, que recientemente fue tricampeón del VII Concurso Internacional de Canto Alfredo Kraus (primer premio, premio del público y premio al mejor cantante de nacionalidad española), además de ser ganador de dos importantes galardones en la primera edición del Concurso Internacional Lírico de Alicante. Fuentes asumirá el papel de director de orquesta.

La historia fluye como un río en la literatura de María Velasco, y será el veterano actor Emilio Gutiérrez Caba quien entre los números musicales ejerza de narrador de los acontecimientos; sin duda un aliciente más de esta feliz recuperación.

foto by © david bohmann photography

DIEGO MARTIN ETXEBARRIA
La Orquesta Nacional de España contará con dos estrenos este próximo fin de semana, el estreno absoluto de la obra encargo Concierto para órgano y orquesta del compositor gallego Fernando Buide del Real y el debut del joven director Diego Martin-Etxebarria que se pondrá al frente del conjunto en este programa, que tendrá a Juan de la Rubia como organista invitado.
Los conciertos, que se celebrarán del viernes 14 al domingo 16 de febrero en el Auditorio Nacional de Música, se completarán con la programación de las obras Hymne pour grande orchestra del compositor, organista y pedagogo francés Olivier Messiaen y Sinfonía en do de Paul Dukas, composición expresiva y entusiasta con una rica y sutil paleta de colores.
El compositor gallego Fernando Buide, también formado como organista, estrena esta obra encargo de la OCNE Concierto para órgano y orquesta, pensada específicamente para el órgano Grenzing del Auditorio Nacional de Música que en octubre cumplirá 30 años de su construcción e instalación. En palabras del propio compositor, la obra parte de un sencillo tema que podría remitirnos al repertorio del órgano barroco ibérico, a partir del que se establece una suerte de variaciones, sin solución de continuidad, donde orquesta y órgano transforman tímbricamente las ideas iniciales. Una suerte de narrativa fantástica que no excluye momentos más impetuosos donde el órgano muestra su lado más virtuoso.
El director que debutará como batuta al frente de la Orquesta Nacional de España es Diego Martin-Etxebarria, nombrado recientemente principal director residente del Teatro de la Ópera de la ciudad alemana de Chemnitz. Este joven director de orquesta es principal director residente y vicedirector musical de los Teatros alemanes de Krefeld y Mönchengladbach desde el año 2016 y ha sido galardonado con el Primer Premio, el Premio Hideo Saito y el Premio Asahi en el Concurso de Dirección de Orquesta de Tokyo en 2015.
Martin-Etxebarria se estrenó el pasado mes de noviembre de 2019 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, dirigiendo la ópera Tres sombreros de copa de Ricardo Llorca en una temporada en la que además, ha debutado con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y dirigido el concierto inaugural de la temporada del Teatro de Chemnitz así como la ópera El rapto en el serrallo de Mozart y el ballet El lago de los cisnes de Tchaikovsky; en Krefeld y Mönchengladbach, Rusalka de Dvorak, La flauta mágica de Mozart y Orfeo en los infiernos de Offenbach.
Para el organista Juan de la Rubia estrenar un concierto para órgano y orquesta es siempre una oportunidad especial porque no existe una gran cantidad de conciertos con orquesta para este instrumento. “En el siglo XXI se pueden explorar las capacidades de dos instrumentos -la orquesta y el órgano en su versión sinfónica- con unos recursos tímbricos muy abundantes, dada la complejidad de la escritura para órgano, cuya técnica debe ser conocida por el compositor y que en este caso ha sido muy bien aplicada por Fernando Buide”, añade de la Rubia.
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ABAO Bilbao Opera programa por primera vez dentro de su historia La fanciulla del West, la ópera más colorista, armoniosa y sutil de Puccini. Los próximos días 15, 18, 21 y 24 de febrero, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, sube a escena este título que narra la romántica y poética historia de ‘Minnie’ en el Salvaje Oeste. Un mundo cruel y sin leyes que es descrito musicalmente con brillantez y plasmado en escena con gran espectacularidad.

Un acontecimiento imprescindible y seis razones para no perdérselo:

  1. Es la ópera más original de Puccini y su partitura más innovadora y sinfónica con un gran protagonismo de la orquesta.
  2. Narra una historia diferente, ambientada en un espacio, un lugar y un tiempo poco habituales en la lírica.
  3. Es una obra coral, con 17 personajes y más de 197 personas en el escenario entre artistas, cuerpo técnico y equipo creativo. Un espectáculo redondo y una experiencia teatral y musical que atrapa al espectador desde el primer momento.
  4. Una espectacular producción con tres escenarios diferenciados que reúne todos los elementos del realismo duro y poético de la narrativa del Viejo Oeste. La atmósfera sucia de la mina, el sórdido ambiente del Saloon ‘La Polka’ y la pobreza de la cabaña de ‘Minnie’, despliegan el espacio dramático donde se mezclan amor, acción y desesperanza.
  5. Una estética que evoca los grandes musicales de Broadway, pero con el añadido de la extraordinaria calidad de producción e interpretación de un gran espectáculo de ópera.
  6. En 2020 este título sólo está programado en siete teatros en el mundo: Bilbao, Munich, Seúl, Orlando, Taillín, San Petersburgo y Estocolmo. Poder disfrutar de la belleza de esta ópera aquí, es una oportunidad única.

La ópera: un auténtico tesoro del compositor italiano

Esta ópera de intenso pulso dramático, cuya brillante y novedosa partitura anuncia ya lo que será la extrema originalidad de Il tabarro y Turandot, es una de las joyas del catálogo pucciniano.

Después de una serie de personajes femeninos destinados al sacrificio como ‘Manon’, ‘Mimì’, ‘Tosca’, ‘Cio-Cio-San’, con ‘Minnie’, la única mujer en un mundo de hombres rudos, bandidos y mineros, Puccini descubre un nuevo modelo de feminidad: una heroína valiente, una guerrera fuerte pero al mismo tiempo apasionada y decidida a defender su felicidad a toda costa.

En medio de la historia de amor que enmarca el tema principal, redime al protagonista masculino, le salva la vida y limpia sus pecados, la ópera narra también uno de los episodios más destacados de la época: la epopeya de la conquista del Oeste y la esperanza de fortuna de los buscadores de oro.

Las voces: 17 grandes voces ponen acción y emoción a la historia de amor y fortuna

La soprano ucraniana Oksana Dyka, una cantante consagrada con compromisos en los principales coliseos del mundo, debuta en ABAO para interpretar a ‘Minnie’, un exigente papel en una tesitura difícil y plagada de dificultades armónicas con poderosos agudos que suponen un gran desafío a nivel actoral y vocal. El tenor Marco Berti, una voz de grandes dimensiones, potente zona aguda y buen squillo, en el rol del bandido ‘Dick Johnson’, y el barítono Claudio Sgura como el Sheriff ‘Jack Rance’ cierran el trío protagonista. Completan el amplio reparto de 16 cantantes el tenor Francisco Vas como ‘Nick’, el barítono Manel Esteve como ‘Sonora’, el bajo Paolo Battaglia como ‘Ashby’, el tenor Manuel de Diego Pardo como ‘Trin’, el barítono Isaac Galán como ‘Sid’, el también barítono Carlos Daza como ‘Bello’, los tenores Jorge Rodríguez-Norton y Gerardo López como ‘Harry’ y ‘Joe’ respectivamente, el barítono José Manuel Díaz como ‘Happy’, el bajo-barítono Fernando Latorre como ‘Larkens’, el bajo Cristian Díaz como ‘José Castro’ y ‘Billy Jackrabbit’, la mezzosoprano Itxaro Mentxaka como ‘Wowkle’, el bajo David Lagares como ‘Jake Wallace’ y Santiago Ibañez como ‘Postiglione’.

La dirección musical: Josep Caballé Domenech al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa

En el foso el director titular de la Colorado Springs Philharmonic Orchestra y Director Musical de la Orquesta del Festival de Moritzburg, Josep Caballé Domenech. El maestro regresa a la temporada de ópera bilbaína tras su exitosa dirección de Roberto Devereux en 2015, para al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa dirigir una partitura refinada y culta en la que se aprecia la influencia de la obra de Claude Debussy y Richard Strauss y cuya orquestación, la más extensa que Puccini utilizó nunca, es tan poderosa como sutil, ya sea conjurando una tremenda tormenta de nieve, una tensa partida de póquer o gotas de sangre que fluyen. “Es una obra muy original, plena de poder sinfónico, con una orquestación mucho más minuciosa y detallista que otras óperas del compositor”, afirma Caballé Domenech.

Completando este apartado y encarnando al coro de mineros, cuya nostalgia por su hogar es un importante hilo dramático que atraviesa toda la ópera, el Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin.

Momentos cumbre de La fanciulla del West

Entre los fragmentos más destacados de este título se encuentran el aria ”Ch’ella mi creda libero e lontano” y el dueto de amor “Dolce viver cosi, cosi moriré”. Otro de los momentos más intensos de esta obra es el juego de cartas que sostiene Minnie con el sheriff Jack Rance: “Una partita póker… siete pronto”, o el extraordinario dúo “Voi potete restar un’ora, due, o più”.

La puesta en escena: nueva coproducción de ABAO estreno a nivel nacional

En el escenario una nueva coproducción de ABAO Bilbao Opera y el Teatro San Carlo di Napoli, que se estrena por primera vez en España, concebida por uno de los grandes directores de escena del momento Hugo de Ana, encargado también de la escenografía y el vestuario.

Basado en una narración limpia, ligera y fácil de intuir por el espectador, y con un estilo cinematográfico inspirado en los clásicos westerns de John Ford o Sergio Leone, Hugo de Ana presenta una visión fresca sobre la gran aventura de colonización, el amor y la eterna lucha por la búsqueda de la felicidad y la fortuna.

La acción tiene lugar en un campamento de buscadores de oro de las altas montañas de Sierra Madre en California, donde no falta de nada: la vieja mina con su gran molino, railes y vagonetas, el Saloon ‘La Polka’ y su ambiente de tahúres, naipes y alcohol, y la humilde casa de ‘Minnie’ donde esconde a su amado. Todo cuidado hasta el mínimo detalle en una superproducción que congrega más de 197 personas entre artistas, técnicos y creativos.

Un espectáculo al alcance de todos

Disfrutar de esta ópera y dejarse seducir por la grandeza de la obra de Giacomo Puccini nunca fue más fácil. Existe un amplio abanico de precios en las localidades. Así, los menores de 35 años disponen de entradas desde 37€ y a partir de 36 años, hay muchas opciones desde 56€.

Además, el programa Gazteam ABAO propone a los jóvenes la posibilidad de disfrutar de la ópera, en cualquier función y localidad con una tarifa plana de 25€ hasta 25 años y 30€ entre 26 y 30 años. El programa se completa con muchas otras actividades para disfrutar en comunidad.

Ciclo ABC de la ópera: Rubén Amón descubre La fanciulla del West

El ciclo “El ABC de la ópera” que ABAO Bilbao Opera organiza en el Museo Bellas Artes, permite descubrir de forma gratuita los aspectos más relevantes de cada título de la temporada, en una conferencia magistral previa al estreno.

El viernes 14 de febrero el conocido periodista y escritor Rubén Amón, será el encargado de desvelar los detalles de La fanciulla del West y la obra de Puccini.

Rubén Amón participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales, como Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas como una investigación sobre Los secretos del Prado (Temas de Hoy 1997), la biografía de Plácido Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y Pavarotti, cuando la ópera llena estadios.

Fundación BBVA: impulso al conocimiento científico y cultural

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.

Las representaciones de La fanciulla del West están patrocinadas en exclusiva por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

Fotografía: E. Moreno Esquibel

Jessica Pratt

Al igual que en la gira realizada al Festival de Savonlinna (Finlandia) en 2017 con I Puritani de Bellini, el Teatro Real de Madrid vuelve a contar con Jessica Pratt como cabeza de cartel en su visita, este mes, a la Alfried Krupp Saal de la Philharmonie Essen (Alemania), donde se anuncia una gala operística rossiniana el 5 de marzo a cargo de la Orquesta del Teatro Real. Pratt interpretará arias y dúos (acompañada del tenor español Xabier Anduaga) de las óperas Semiramide, Otello, Matilde di Shabran, L’Italiana in Algeri, Il Barbiere di Siviglia, Le Conte Ory y Guillaume Tell. En la breve gira la orquesta titular del Real contará en el podio con el director musical del coliseo madrileño, Ivor Bolton, precisamente, director en residencia del auditorio de la ciudad alemana. La Philharmonie Essen destaca en el comunicado de promoción del concierto la presencia de la soprano australiana, “aclamada desde La Scala hasta el Met en Nueva York. Ya se le compara con Joan Sutherland y es una invitada habitual del Festival Rossini en Pésaro. Tiene 12 óperas del compositor italiano en su repertorio”. Pratt se incorpora a la gira del Real después de haber conseguido un gran éxito con su ya calificada como “modélica” Lucia di Lammermoor tanto en Bilbao como en Oviedo. Con esa misma ópera despidió el curso pasado del Palau de Les Arts de Valencia, antes de su regreso, en el verano de 2019, al Festival de Pésaro para exhumar la hoy olvidada ópera de Rossini Demetrio e Polibio. Jessica Pratt arrancó la temporada 2019-2020 con un verdadero tour de force al interpretar a Olympia, Antonia, Giulietta y Stella en la ópera de Offenbach Les contes d’Hoffmann, todo un hito en su carrera. Además ha cantado I Puritani en la Opéra de Marsella, título que retomará, en el mes de mayo, en el Teatro San Carlo de Nápoles antes de cantar La Traviata (Verdi) en Las Palmas de Gran Canaria y Lucrezia Borgia (Donizetti) en Opera Australia.

Into the little hill, inquietante fábula de George Benjamin

La actual temporada lírica en Madrid ofrecerá al público la oportunidad de disfrutar y conocer la ópera de George Benjamin Into the Little Hill, nueva coproducción del Teatro Real en colaboración con los Teatros del Canal y La Veronal, cuyas representaciones tendrán lugar en la Sala Verde de Canal, los días 11, 13, 14 y 15 de febrero.

El interés del público por esta obra, tan bella en lo musical como inquietante en lo dramatúrgico, ha llevado a ambas instituciones a añadir una función más de las programadas (14 de febrero a las 20.00 h) tras haberse agotado, semanas antes de su estreno, todas las localidades.

Al igual que en la desgarradora Written on Skin, que pudo escucharse en la Temporada 2015-2016 del Teatro Real, Into the Little Hill nace de la colaboración entre el dramaturgo Martin Crimp y el compositor George Benjamin, cuyo último trabajo, Lessons in Love and Violence, ha sido comisionado y coproducido por el Teatro Real, junto a otros teatros, y se presentará en Madrid en la próxima temporada.

Into the Little Hill es una adaptación del cuento El Flautista de Hamelin, de los hermanos Grimm, cuya acción se traslada a un escenario político contemporáneo dominado por el totalitarismo, con una sociedad frágil y manipulable, incapaz de prever o evitar su destrucción, anestesiada en el desastre, tal y como explica el coreógrafo y director de escena Marcos Morau (La Veronal), responsable de la producción que veremos estos días y para cuya dramaturgia ha contado con la participación de Roberto Fratini.

George Benjamin estrenó Into the Little Hill, su primera ópera, en 2006 en el Teatro de la Ópera de París; el color de su música, la tensión dramática y el reconocimiento y del público y de la prensa especializada la han convertido en una obra que no ha dejado de representarse desde entonces. Concebida para una formación de quince músicos y dos voces, una soprano y una mezzosoprano que dan vida a todos los personajes, contará para su representación en Madrid con la dirección musical de Tim Murray al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real y de las voces de Jenny Daviet y Camille Merckx, junto a un elenco de bailarinas formado por Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Angela Boix, Núria Navarra.

nominaciones a los Opera Awards

Los International Opera Awards hicieron públicos, en la tarde de ayer, los finalistas de su edición de 2020, en la que el Teatro Real ha conseguido cuatro nominaciones en las categorías de Mejor Compañía de Ópera, Mejor Orquesta, Mejor Estreno Absoluto (Je suis narcisiste) y Mejor Grabación en DVD (Street Scene).

En mayo de 2018 el Teatro Real obtuvo también cuatro nominaciones: Mejor Coro, Mejor Compañía de Ópera, Mejor Obra Recuperada (Bomarzo) y Mejor Nueva Producción por Billy Budd, consiguiendo el primer galardón para esta última, dirigida en escena por la británica Deborah Warner, con el reconocimiento internacional para la inolvidable ópera de Benjamin Britten, compositor talismán que el pasado año convirtió a Gloriana en una de las favoritas a los premios, con dirección musical de Ivor Bolton, y escénica de David McVicar.

Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde el principio fueron consideraros los Oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas, y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.

La Orquesta Titular del Teatro Real es, en la actualidad, una de las formaciones mejor valoradas por los grandes directores de musicales del momento por su profesionalidad, versatilidad y entrega, cuyos valores musicales han conseguido el reconocimiento de la crítica y el aplauso del público, tras demostrar sus capacidades de interpretación en títulos de Mozart a Wagner, de Verdi a Janáček, de Britten a Zimmermann..

Je suis narcissiste, ópera bufa de la compositora española Raquel García-Tomás, con libreto de Helena Tornero, en el que se denuncia, en clave de humor, el delirante narcisismo imperante en la sociedad actual, es una de las favoritas. Con dirección musical de Vinicius Kattah y escénica de Marta Pazos, la ópera contó con la interpretación de las sopranos Elena Copons y María Hinojosa, el barítono Toni Marsol, el tenor Joan Ribalta y la Orquesta Titular del Teatro Real. Un apasionante proyecto con equipo esencialmente joven y femenino, que puso en pie una historia llena de frescura y cargada de humor negro en un proyecto en el que, por primera vez, colaboraban el Teatro Real y el Teatro Español.

El DVD grabado en el Teatro Real de la ópera Street Scene, realizado en coproducción con Bel Air Classiques y ganador del prestigioso premio Diamant d’Opéra Magazine el pasado mes de diciembre, es uno de los nominados a la Mejor Grabación Audiovisual. Street Scene, de Kurt Weill, producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Colonia y de Montecarlo, fue estrenada en Madrid con dirección musical de Tim Murray y con dirección de escena de John Fulljames, quien recreaba la atmósfera de los años 40 neoyorquinos, y musical de Tim Murray.

Los International Opera Awards reconocen también el trabajo de grandes voces de la lírica entre cuyas nominaciones figuran nombres que formaron parte de la pasada temporada, y también de la actual, como Maria Agresta, Lisette Oropesa, Javier Camarena, René Pape o George Petean.

Fotografía: © Javier del Real / Teatro Real

La Valquiria en el Real

Entre los días 12 y 28 de febrero el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de La valquiria, de Richard Wagner (1813-1883), segunda de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y dirección de escena de Robert Carsen.

Estructurada como los antiguos dramas griegos, la monumental tetralogía wagneriana comienza con la ópera El oro del Rin, prólogo explicativo de la saga, presentado la pasada temporada. Le sigue ahora La valquiria, que narra la génesis del héroe Siegfried, fruto del amor incestuoso entre los gemelos Siegmund y Sieglinde ─hijos extramatrimoniales de Wotan, concebidos en una de sus múltiples aventuras amatorias con mortales, disfrazado de Wälse─, de quien el dios espera recibir ayuda en el futuro para la conquista del poder supremo, materializado en la posesión de El anillo del nibelungo.

La relación incestuosa de los dos hermanos, fruto a su vez del adulterio de la gemela Sieglinde, es maldecida y perseguida por la irascible mujer de Wotan, Fricka, y protegida por La valquiria Brunhilde, hija predilecta del dios, que a lo largo de la ópera descubre el amor, la compasión y vulnerabilidad de los mortales y experimenta una transformación interior que determinará el devenir de toda la epopeya.

En su concepción de El anillo del nibelungo, el director canadiense Robert Carsen, junto con el escenógrafo y figurinista Patrick Kinmonth y el iluminador Manfred Voss, trasladan el universo mitológico wagneriano a un mundo también metafórico, pero más cercano a nuestra realidad, en el que las luchas de poder, las pasiones y las relaciones entre los personajes son más fácilmente reconocibles por el espectador actual.

Siguiendo tangencialmente el pesimismo filosófico de Arthur Schopenhauer (1788-1860) y en la estela del dramaturgo y crítico Bernard Shaw (1950-1956), quien veía en la tetralogía wagneriana una alegoría de la sociedad estratificada en clases, Carsen deja patente en su puesta en escena el poder destructivo del capitalismo feroz, cuando la ambición desenfrenada de poder y de riqueza conduce inevitablemente a la destrucción de humanidad, de las relaciones interpersonales y de los lazos familiares.

Si en El oro del Rin el espectador era confrontado con un planeta destrozado, en el que los dioses (ricos y poderosos), los gigantes (proletarios insumisos) y los nibelungos (una especie de escoria social), luchaban por la posesión del anillo (dinero y poder); en La valquiria, el contexto es ya de una guerra explicita. Los dioses, aislados en un lujoso bunker (el Valhalla) ─con sus luchas, pactos, maquinaciones, traiciones y conflictos conyugales─ mueven con prepotencia y altanería los hilos del universo, hasta la irrupción del amor verdadero y pasional, con la vacilación de Brunhilde y su insumisión a los dictámenes del todo poderoso Wotan…

La nieve, con todo su poder metafórico y plástico, enlaza La valquiria con la ópera precedente, y enfatiza sus cuadros más intimistas, con una heladora capa, que el fuego del amor, que se divisa al final de esta primera jornada de la saga, derretirá…

Dos repartos wagnerianos darán vida a la partitura, bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, encabezados por Stuart Skelton y Christopher Ventris (Siegmund); René Pape y Ain Anger (Hunding); Tomasz Konieczny y James Rutherford (Wotan); Adrianne Pieczonka y Elisabet Strid (Sieglinde); Ricarda Merbeth y Ingela Brimberg (Brünnhilde), secundados por Daniela Sindram (Fricka) y las ocho valquirias.

La gran saga wagneriana proseguirá en las dos próximas temporadas, con Siegfried y El ocaso de los dioses, en la que seguiremos los pasos del héroe de la tetralogía, desde su glorificación hasta el cataclismo final, en el marco de la misma producción creada por Carsen y Kinmonth, con su visión implacable e inquietante del mundo real, pero con un rayo de esperanza, porque “solo la consciencia de los problemas de la humanidad y de nosotros mismos, permite su solución.”

Las funciones de La valquiria están patrocinadas por la Fundación BBVA como parte de su programa de Música, que se concibe como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística.

MÚSICA EN BLANCO Y NEGRO

Como actividad paralela a La valquiria se proyectarán en la sala principal del Teatro Real las dos películas de Fritz Lang (1890-1976) que conforman Los nibelungos: La muerte de Siegfried (21 de marzo a las 20.00 h.) y La venganza de Krimilda (28 de marzo a las 20.00 h.). Los filmes, con guion Thea von Harbou (1888-1954), esposa del director, están inspirados en el poema épico medieval El cantar de los cantares, una de las fuentes primordiales de Richard Wagner en su Tetralogía.

Para acompañar las películas, la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Nacho de Paz, interpretará las partituras originales que el compositor Gottfried Huppertz (1887-1937) –colaborador de Fritz Lang en varios proyectos─ creó para acompañar ambos filmes. El mismo equipo –Lang, Harbou y Huppertz- dejaría su impronta en la historia del cine con Metropolis, la pionera película expresionista de ciencia ficción.

Pese a que la música de Huppertz acompaña a una película muda, la partitura se aleja de la descripción sonora de la acción y asume una capa más del subtexto fílmico, articulando escenas, comentando acciones y enfatizando el contenido épico de la trama.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

21 de marzo a las 20.00 horas | Teatro Real, sala principal

Música en blanco y negroI – Proyección de la película muda La muerte de Siegfried, primera parte de Los nibelungos, de Fritz Lang, en la que la Orquesta Titular del Teatro Real interpretará la partitura original de Gottfried Huppertz escrita para acompañar el film, bajo la dirección de Nacho de Paz.

28 de marzo a las 20.00 horas | Teatro Real, sala principal

Música en blanco y negro II – Proyección de la película muda La venganza de Krimilda segunda parte de Los nibelungos, de Fritz Lang, en la que la Orquesta Titular del Teatro Real interpretará la partitura original de Gottfried Huppertz escrita para acompañar el film, bajo la dirección de Nacho de Paz.

16 de febrero a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

¡Todos a la Gayarre! – Talleres para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Cabalgando por los aires: dioses, semidioses, humanos y sobrehumanos en un mundo mágico.

20 y 27 de febrero, a las 18.00 horas | Museo Lázaro Galdiano

Visita guiadaUn wagneriano coleccionista de arte. Recorrido único poel r el Palacio de Parque Florido.

Visita en la que se rastrearán los gustos musicales de José Lázaro Galdiano, sus vínculos con la Sociedad Wagneriana y las sorprendentes relaciones entre la Colección Lázaro y el mundo de la ópera.

15 de febrero a las 16.30 y a las 17.30 horas | Museo Naval

Visita teatralizada – Sigfrido, al igual que Elcano, fueron dos aventureros cuyas aventuras en el mar son dignas de una ópera.

Fotografía: © Klaus Lefebvre

Andrea Jiménez, canción vasca

En la presente temporada del Teatro de la Zarzuela la música vasca es protagonista indiscutible. Ya desde su apertura en octubre, se adivinaba la feliz intención con ‘El caserío’ de Jesús Guridi. Después llegaron los ‘Cuartetos vascos’ en uno de los conciertos del ciclo ‘Domingos de Cámara con Ñ’ que protagonizan agrupaciones compuestas por profesores de la Orquesta Titular del Teatro, ORCAM, y tras ellos ‘Mirentxu’, también de Guridi, en la primera ocasión que en el coliseo de la plazuela de Jovellanos se cantaba en euskera. Ahora es el turno de la joven soprano navarra Andrea Jiménez, quien nos sumerja mañana martes 4 de febrero (20h00) y dentro del Ciclo Notas del Ambigú, en el bello y electrizante universo del cancionero vasco. La intérprete estará acompañada al piano por Ramón Grau.

En el recital serán protagonistas cinco compositores indispensables de nuestra música: Jesús Guridi (¡cómo no!), de quien Jiménez cantará las ‘Seis canciones infantiles’ con textos de Jesús María de Arozamena; Pablo Sorozábal, quien, dicho sea de paso, y al hilo de lo ya expuesto, tomará el relevo en esta constelación de música vasca cerrando la temporada lírica con ‘La tabernera del puerto’; José María Usandizaga, de quien se interpretará ‘Rapsodia Vascongada’ y las páginas para piano solo ‘Jota’; Emiliana de Zubeldía, con las ‘Seis canciones populares españolas’; y Emilio Arrieta, de quien podrán escucharse ‘La niña abandonada’, ‘La sombra’ o ‘De las aves el trino amoroso’, romanza esta última de la zarzuela ‘El planeta Venus’ con textos de Ventura de la Vega.

El Teatro de la Zarzuela volverá a ser así ese lugar diferente donde también los conciertos se viven como una experiencia única. Público y artistas compartiendo la música en comunión. Próximos en un mismo plano, arropados por la intimidad de ese cálido salón que es el Ambigú.

Al concierto de Andrea Jiménez, quinto del ciclo, seguirán los del tenor y actor Ángel Ruiz dedicado al Cuplé, la soprano Ruth González ‘Tres pasiones de mujer’, la formación barroca La ritirata liderada por el violonchelista Josetxu Obregón ‘Il Spiritillo Brando’, el guitarrista Ricardo Gallén ‘Guitarra romántica’, el Trío Arbós con su nueva entrega de ‘Música de cámara’ y el de la soprano Berna Perles sobre Joaquín Turina.

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

 

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, nunca es tarde…
Cecilia Valdés
Gonzalo Roig (1890-1970)
Libreto de Agustín Rodríguez y José Sánches-Arcilla,
basado en la novela Cecilia Valdés o la Loma del Ángel
D. musical: Óliver Díaz
D. escena: Carlos Wagner
Escenografía: Rifail Ajdarpasic
Vestuario: Christophe Ouvrard
Iluminación: Fabrice Kebour
Coreografía: Nuria Castejón
Reparto: Elizabeth Caballero, Martín Nusspaumer,
Homero Pérez-Miranda, Linda Mirabal, Cristina Faus, Yusniel Estrada
En esta afortunada línea del Teatro de la Zarzuela de recuperar nuestro patrimonio lírico, se ha estrenado estos días la zarzuela cubana, “Cecilia Valdés”. Su compositor, Gonzalo Roig (La Habana, 1890 – 1970) redefinió la zarzuela cubana e hizo de ella una referencia lírica en América.La zarzuela nació con espíritu viajero y Cecilia Valdés es uno de sus más claros ejemplos. Los españoles que al final del siglo XIX y primera mitad del XX llegaron a América, lo hicieron, como no, llevando su cultura y sus músicas. También fueron determinantes las orquestas y compañías de zarzuela que se trasladaron a actuar allí para dar cobertura musical a los muchos emigrantes.Cecilia Valdés tiene las peculiaridades de los sones caribeños y africanos y, como buena zarzuela, los episodios costumbristas y populares más reconocibles en el momento de su composición. La partitura es de una riqueza ritmica extraordinaria. Bembé, guaracha, contradanza o bolero, se combinan con sonidos africanizantes y afrocubanos, como los números de Linda Mariscal, totalmente cubanos. Pero también aparecen en la partitura momentos líricos y llenos de romanticismo, como los dúos entre Cecilia y Leonardo. El resultado es la perfecta combinación entre músicas populares y lirismo, en una mezcla de géneros que se complementan y que hacen de “Cecilia Valdés” la obra más importante de la música cubana.

La escenografía de Carlos Wagner, buen conocedor de la cultura caribeña, tuvo como gran reto dónde ambientar la obra, y lo ha hecho en la Cuba prerevolucionaria.

El escenario principal permanece fijo mientras fluyen dentro de él los elementos que sitúan cada una de las escenas. Consigue transformar, con toda naturalidad, una plantación de azúcar en un salón de baile donde celebran sus fiestas los protagonistas. La celeridad y fluidez de los cambios no interrumpe en absoluto el ritmo de la obra. Los colores, iluminación y texturas, te trasladan a Cuba y a ese ambiente caribeño de altas temperaturas.
El libreto de Agustín Rodríguez y José Sánchez Arcilla, basado en la novela Cecilia Valdés o la Loma del Ángel, de Cirilo Villaverde, nos presenta los problemas de convivencia entre esclavos y mestizos, las críticas a la esclavitud y las consecuencias del machismo y el racismo. También muestra esa mezcla de religión y paganismo que aparece en un final de la obra algo extraño que sorprendió al público.

La parte teatral de la obra tiene una gran importancia y queda brillantemente cubierta por Paloma Córdoba, Alberto Vázquez, Eduardo Carranza, Ileana Wilson, Giraldo Moisés de Cárdenas, Isabel Cámara y Juan Matute. El cuerpo de baile cubano fue en su conjunto un protagonista más de esta zarzuela y de los más aplaudidos de la noche.
Cubanos son también algunos de los protagonistas, como la soprano Elizabeth Caballero, que defendió su rol protagonista de Cecilia Valdés de manera más que solvente. No estuvo muy bien acompañada en lo vocal por Martín Nusspaumer que, sin embargo, si construyó un buen Leonardo en la parte interpretativa.

El barítono Homero Pérez-Miranda, como José Dolores, y la mezzosoprano Cristina Faus, en el papel de Isabel Ilincheta, estuvieron a gran altura en sus respectivas interpretaciones. Se puede decir lo mismo del resto del reparto. Hay que resaltar la extraordinaria participación de Linda Mariscal, que interpretaba a la esclava liberada Dolores Santa Cruz.

Representación histórica, aunque tardía, de la primera y más importante zarzuela cubana que sube al escenario del Teatro de la Zarzuela. Esperemos que tras Cecilia Valdés vengan algunas más.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Simon Keenlyside

El lunes 3 de febrero a las 20h, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presentan en el XXVI Ciclo de Lied al barítono británico Simon Keenlyside junto a la pianista Caroline Dowdle. Ambos artistas abordarán un programa con lo mejor de la tradición musical romántica alemana y francesa a través de las páginas de Schubert, Ravel, Fauré, Poulenc y Debussy. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Simon Keenlyside nació en Londres. Hizo su debut operístico en la Ópera Estatal de Hamburgo como el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro. Keenlyside ha cantado en los grandes teatros de ópera del mundo y tiene una asociación particularmente estrecha con la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House de Londres, la Ópera de Baviera y la Ópera de Viena, donde ha interpretado a Prospero (The Tempest), Rodrigo (Don Carlo), Giorgio Germont (La traviata), Papageno (Die Zauberflöte), el conde de Almaviva y los papeles principales en Don Giovanni, Eugenio Oneguin, Pelléas et Mélisande, Wozzeck, Billy Budd, Hamlet, Macbeth y Rigoletto. Recientemente, ha interpretado Rigoletto en Luxemburgo, París, Bratislava y Múnich, Giorgio Germont y Ford en la Ópera Estatal de Viena, el conde de Almaviva en la Royal Opera House, Wolfram en la Ópera Alemana de Berlín, así como su don Giovanni en la Ópera de Baviera. En concierto, Simon Keenlyside ha cantado canciones de Sibelius con la Orquesta de Cleveland, bajo la dirección de Franz Welser-Möst, y con la Orquesta Sinfónica de la Radio ORF en la Vienna Konzerthaus con Ryan Wigglesworth. Es un reconocido recitalista que canta en los principales escenarios del mundo. La pasada temporada ofreció algunos recitales en Vancouver, Quebec, Washington D. C., Atlanta, Schenectady, Filadelfia, Cleveland, Estrasburgo, Ámsterdam, Viena y Londres, acompañado al piano por Malcolm Martineau, Emanuel Ax, Natalia Katyukova o Julius Drake. Ha grabado un álbum de lieder de Schumann con Graham Johnson y cuatro con Malcolm Martineau con obras de Schubert, Strauss y Brahms, y más recientemente, uno de canciones, Songs of War, que obtuvo el Premio Gramophone 2012. Ha cantado bajo la dirección de los principales directores del mundo con la Orquesta de Cámara de Europa, la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica Checa, así como las de Cleveland, Viena y Berlín. También ha grabado el War Requiem de Britten con la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Noseda, Elijah de Mendelssohn con McCreesh, Des Knaben Wunderhorn con Simon Rattle, así como Don Giovanni con Abbado, Carmina Burana con Thielemann, La bohème con Chailly, Billy Budd, Die Zaruberflöte con Mackerras, Le nozze di Figaro con Jacobs y The Tempest con Adès, que ganó en la categoría de mejor grabación de ópera (Grammy 2014) y de grabación musical de dvd del año (Echo Klassik 2014). En 2006, le concedieron el Premio Olivier; en 2007, el Echo Klassik en la categoría de cantante masculino del año y, en 2011, el Musical America’s Vocalist of the Year. Y, en 2017, fue nombrado Kammersänger por la Ópera Estatal de Viena. Simon Keenlyside ha participado en tres ediciones del Ciclo de Lied: XIII (06-07), XV (08-09), XXI (14-15).

Fotografía: © Robert Workman

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

 

Entrevista Franco Vassallo

Era apenas un niño cuando un profesor le escuchó cantar por los pasillos del colegio. Inició entonces sus estudios de música y su interés por las artes y las humanidades, las grandes pasiones de Franco Vassallo. Meticuloso hasta el extremo preparando sus personajes, llega al Liceu de Barcelona con Aida y nos brinda un Amonasro lleno de intensidad y dramatismo. Nos habla de ello en esta entrevista para
Brío Clásica.
ENTREVISTA FRANCO VASSALLO / BRÍO CLÁSICA
B.C: Sus comienzos fueron muy originales: le escuchó un profesor cantar de manera casual en los pasillos de la escuela. Si no hubiera sido así, ¿se habría decidido igualmente por la música y el canto? ¿Cómo fue ese inicio?
F.V: A estas alturas, con la experiencia de estos años a mis espaldas, es difícil decir lo que hubiera hecho si aquel entrañable episodio ocurrido en la escuela no hubiera sucedido, pero con toda seguridad hubiera encontrado otro camino para focalizar mi pasión por el arte, la cultura, la literatura y la filosofía. Ante todo, digamos que me considero un humanista.
B.C: ¿Podría describir las características de su voz?
F.V: Es siempre difícil hablar de la propia voz en una grabación, ya que desgraciadamente los cantantes no podemos escucharnos a nosotros mismos en vivo. Diría que la mía es franca, sincera, directa. Creo que siempre ha tenido una cierta dulzura, que aún conserva, aunque lógicamente con los años ha madurado y ha ganado en rotundidad, tomando un color más bronceado que me ha permitido afrontar un repertorio más dramático.
B.C: Sabemos de su interés y conocimiento por la dramaturgia, pieza fundamental en la ópera. Cuando se interpreta un rol en muchas ocasiones, ese personaje, ¿lo hace suyo y le imprime un determinado carácter para siempre o tiene más peso la producción y el director de escena?
F.V: La dramaturgia en el género operístico es fundamental porque la ópera es teatro y música, por lo que no puede prescindir de su parte teatral. Pero la verdad escénica de la ópera se obtiene encontrando la llave justa del personaje, que no está solo en la parte actoral sino que se obtiene también y, sobre todo, a través de la partitura, porque el compositor lo deja todo muy claro. ¡Todo está en la partitura! De hecho, estos compositores, como Verdi, no han sido nunca olvidados porque eran verdaderos genios; crearon unas obras maestras que aún hoy escuchamos y por eso se han convertido en inmortales. Tenían una capacidad intuitiva e innata de plasmar en la partitura la verdad escénica del personaje. Cuando te lo haces tuyo –en mi caso además me ha ayudado el método Stanislavski, que he estudiado– lo haces revivir a través tuyo. En el período de estudio pensamos el personaje para construirlo y darle forma, pero una vez subimos al escenario dejamos de pensar para simplemente ser él y vivir como él, es decir, en mi caso trato de mirar y sentir como el personaje; lo dejo fluir. Los intérpretes racionalmente sabemos qué está sucediendo en la escena y lo que pasará después, en cambio el personaje no lo sabe, por eso hay que vivirlo y reaccionar de forma verdadera ante todo lo que le está sucediendo. Es algo complejo, pero al mismo tiempo apasionante, muy parecido a lo que siente un actor, aunque nosotros, los cantantes, tenemos además la ventaja de apoyarnos en la columna sonora, la música, que describe la situación que estamos viviendo y ofrece a nuestra actuación una fuerza expresiva increíble. Por otro lado, también tenemos la desventaja de que si estamos acatarrados no nos queda otro remedio que salir y cantar [risas].
B.C: A partir del 13 de enero está participando en la producción del Liceu de Aida, de Verdi, con la dirección musical de Gustavo Gimeno y la escenografía de Mestres Cabanes. ¿Qué Amonasro vamos a ver en el Liceu?
F.V: Cuando llego a los primeros ensayos naturalmente ya siento que el personaje corre por mis venas; lo siento mío y me he hecho una idea completa del rol que obviamente tengo que contrastar con el director de escena; trato siempre de encontrar un equilibrio entre la idea que tiene él del personaje y la que tengo yo. Obviamente siempre hay algunos directores con los que conecto más que con otros, pero a veces me presentan una visión del rol que, aunque de entrada no concuerde con ella, si la idea es inteligente, simplemente me dejo llevar por sus indicaciones hasta acabar haciendo mía su propuesta. En todo caso, nosotros, los intérpretes, como los directores musicales o de escena, debemos estar al servicio de la música y del compositor. Me viene a la mente una frase bellísima que Verdi le dijo al barítono Felice Varesi, que estrenó varias de sus óperas: “Te pido que por favor sirvas antes al poeta que al músico”; viniendo de Verdi me resulta fascinante, porque quiere decir que tenía un gran respeto a la realización escénica, porque era como decir: si hacemos un buen teatro la música viene sola, por eso creo que hay que tener un gran respeto por el libreto. En cuanto al Amonasro que interpreto, lo siento como un personaje intensísimo, trágico y doloroso; es un rey que Verdi nos describe e invita a interpretar con “impeto selvaggio” (ímpetu salvaje), un dato que está ahí, en la partitura; pero a veces nos olvidamos de su inmensa humanidad. En su gran momento escénico, en el dúo con Aida, su carácter práctico y determinante que debe tener como político se topa con los afectos y sentimientos; vemos a un padre que se ve obligado a pedirle a su hija un sacrificio enorme, obligándola por su pueblo a traicionar al hombre que ama. De ahí su rabia, que no es otra cosa que una reacción humana al dolor interno que siente por tener que pedirle algo tan cruel a una hija. Es un personaje que vive intensamente el dolor; al final del dúo le dice a su hija algo increíble: “Pensa che un popolo, vinto, straziato, per te soltanto risorger può” (“piensa que un pueblo conquistado, desgarrado, solo gracias a ti puede levantarse de nuevo), es decir, “todo está en tus manos y por nuestro pueblo debes hacer este sacrificio, que sé que es infame, pero no hay otro camino”. Es sin duda uno de los momentos más bellos de toda esta escena. Por otro lado, Amonasro demuestra ser un gran rey, inteligente y guerrero pese a haber sido derrotado en la batalla. Vive situaciones extremas desde el inicio al fin, ya que desde que entra en escena está casi condenado a muerte y en muy poco tiempo debe hacer de todo para conseguir sus objetivos, salvar a su pueblo y su propia vida. En resumen, estamos ante un personaje absolutamente trágico por todo lo que le sucede, pero a la vez fascinante aún siendo relativamente breve.
B.C: En 2004 interpretó a Zurga, en Les pêcheurs de perles en Bilbao, en 2008 fue Fígaro en Il barbiere di Siviglia en la Ópera de Las Palmas, en 2014 participó en I vespri siciliani en el Teatro Real interpretando a Guido di Monforte, y ahora llega al Liceu de Barcelona con Amonasro. ¿Por qué han sido tan espaciadas sus actuaciones en España?
F.V: Además de los compromisos que usted cita, en realidad debuté en España con I vespri siciliani en la Ópera de Bilbao en 2001 y también canté Ernani en Las Palmas de Gran Camaria en 2005 e I Puritani en Menorca en 2008. En todo caso, y en comparación a la carrera que he hecho en otros países, es cierto que mi presencia en España ha sido escasa, pero no ha sido por mi voluntad, porque lo cierto es que adoro este país y me encanta trabajar aquí; simplemente ha sucedido lo habitual en estos casos: a veces llegan ofertas en épocas en las que estás ocupado y el tiempo va pasando sin que coincidan las agendas.
B.C: ¿Cómo se siente más cómodo, con la intensidad expresiva y vocalidad contundente de Amonasro o la ligereza y brillantez de Fígaro? ¿Cómo se abordan técnicamente roles tan diferentes?
F.V: Como la antigua escuela del “canto sul fiato” decía, no están reñidas estas dos formas de cantar e interpretar, es decir, es importantísima la ductilidad vocal; hay que poder pasar de un rol brillante a uno dramático y viceversa, sobre todo cuando el instrumento te lo permite. Cuando la voz con la experiencia y madurez está lista para afrontar el repertorio dramático, es importante regresar de vez en cuando al repertorio belcantista para mantener la elasticidad y el squillo, así evitamos que la voz se vuelva pesada. Recordemos que los cantantes del pasado cambiaban del repertorio ligero al pesado con una rapidez pasmosa; creo simplemente que teniendo un mínimo de tiempo, si mantienes la voz en el lugar adecuado, sin forzar, puedes cambiar sin mayores problemas. Este año felizmente he vuelto a interpretar a Figaro (Il barbiere di Siviglia) en la Ópera de Hamburgo viniendo de interpretar Rigoletto, y me he encontrado rápidamente cómodo en la frescura y la elasticidad adecuada casi naturalmente y sin ningún trabajo previo. Lo que llamamos “memoria muscular” funciona siempre. En definitiva, no hay que forzar nada porque el sonido se vuelve pesado, solo hay que mantener la voz siempre alta y en la máscara.
B.C: Parece que cada vez cuesta más encontrar voces verdaderamente graves. De ser así, ¿a qué cree que es debido?
F.V: Creo que la voz que ciertamente es difícil de encontrar es la del verdadero bajo profundo; hoy en día predomina más el bajo-barítono, pero no sabría decir un motivo preciso. Las voces graves –a veces, no siempre– tienden a cantar de forma natural porque la voz ya suena por sí misma, sin necesidad de aplicar toda la técnica que sin duda sí necesitan las voces más agudas para que suenen bien. Esto a veces hace que las carreras de las voces más graves sean ligeramente más cortas, a no ser que trabajen la técnica con un buen maestro. En cualquier caso, el trabajo técnico es imprescindible para todas las cuerdas, y no siempre es gracias a contar con un buen profesor. Como decía el mío, no es solo importante un gran maestro, sino que ese gran maestro debe encontrar al gran alumno.
B.C: Teniendo en cuenta la evolución de su voz y de su canto, ¿qué nuevos roles tiene en mente para temporadas futuras?
F.V: Me gustaría seguir explorando el verismo y el repertorio pucciniano, como La fanciulla del West, Gianni Schicchi, Paglicci o Cavalleria rusticana, por ejemplo, pero al mismo tiempo mantener el repertorio verdiano que para el barítono es básico, y por supuesto el bel canto. Próximamente cantaré Il pirata, Lucia di Lammermoor y Roberto Devereux, un repertorio que para mí es fundamental para seguir manteniendo la voz dúctil.
B.C: ¿Habrá que esperar cuatro años más para volver a escucharle en España?
F.V: ¡Ojalá que no! Espero de corazón estar por lo menos cada año en algún teatro español.
Firma jóvenes talentos

La Fundación Amigos del Teatro Real, en colaboración con la Fundación Banco Sabadell, ha creado un ciclo de conciertos de cámara destinado a los Amigos Jóvenes del Teatro Real, que contará con la participación de los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, creando así un espacio de cultura musical “de jóvenes para jóvenes”.

Este proyecto tiene el objetivo de ofrecer la oportunidad a jóvenes aficionados de compartir y disfrutar de la música de cámara interpretada por los estudiantes de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.

El ciclo, de acceso gratuito para los Amigos Jóvenes del Teatro Real, dará comienzo el próximo 29 de enero en la Sala de Orquesta del Teatro Real. Continuará con sesiones el 19 de febrero, en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, y los días 18 de marzo y 17 de junio, en la Sala Gayarre del Teatro Real.

Tomando como referencia las óperas programadas en la temporada del Teatro Real, el ciclo se abrirá con Mozart, cuya ópera La flauta mágica se está representando estos días en el escenario madrileño. El segundo concierto contará con un repertorio romántico, en referencia a La Valquiria de Wagner y la tercera cita ofrecerá piezas de Boccherini y Haydn para enmarcar Aquiles en Esciros. Para el último concierto se ha diseñado un programa con obras de los compositores del siglo XX Arnold Schönberg y Mieczysław Weinberg, autor este último de La Pasajera, ópera cuyo estreno tendrá lugar el próximo mes de junio en el Teatro Real.

PROGRAMACIÓN

CONCIERTO I:

Fecha: 29 de enero a las 20 horas

Sala: Sala de Orquesta Teatro Real

Ópera en escena: La Flauta Mágica, de Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart

Cuarteto de cuerda en mi bemol mayor, KV.428 (30 min.)

Cuarteto Albéniz de Prosegur (Javier Comesaña, violín; Diana Poghosyan, violín; Joaquín Arias, viola; Eva Arderíus, violonchelo)

Sinfonía Concertante para violín y viola en mi bemol mayor, KV.364 (35 min.)

Javier Comesaña, violín; Raquel de Benito, viola; y Antonia Valente, piano

CONCIERTO II:

Fecha: 19 de febrero a las 20 horas

Sala: Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía

Ópera en escena: La Valquiria, de Richard Wagner

Johannes Brahms

Cuarteto para piano y cuerdas No.3, Op.60 (35 min.)

Grupo Arriaga de Banco de España (Sara Valencia, violín; Noemí Fúnez, viola; Alejandro Gómez, violonchelo; Manuel Alonso-Bartol, piano)

Claude Debussy

Trio para violín, violonchelo y piano en sol mayor (25 min.)

Grupo Da Vinci de Google (Roman Kholmatov, violín; Alessandra Doninelli, violonchelo; Daniela Rodo, piano)

CONCIERTO III:

Fecha: 18 de marzo a las 20 horas

Sala: Sala Gayarre del Teatro Real

Ópera en escena: Aquiles en Esciros, Francesco Corselli

Luigi Boccherini

Quinteto de cuerdas “Música notturna delle strade di Madrid”, Op.30 No.6 (15 min)

Raquel Areal, violín; Patricia Cordero, violín; Raquel de Benito, viola; Montserrat Egea, violonchelo; Alejandro Viana, violonchelo

Joseph Haydn

Cuarteto para cuerdas del Op.64 – No.5 (23 min.)

Cuarteto Mendelssohn de BP (Eva Rabchevska, violín; Roman Kholmatov, violín; Bella Chich, viola; Hayk Sukiasyan, violonchelo)

François Couperin

Les Nations: “L´Espagnole” Versión para flautas, oboes, fagot y continuo (30 min.)

Grupo Barroco (Ana Ferraz, Ekaterina Kornishina, flautas; Javier Ayala, Lucas Martínez, oboes; Miguel Carrillo, fagot; Jimena Rodríguez, contrabajo; Luis Arias, clave)

CONCIERTO IV:

Fecha: 17 de junio a las 20 horas

Ópera en escena: La Pasajera, Mieczysław Weinberg

Sala: Sala Gayarre

Mieczysław Weinberg

Concierto para violonchelo Op.43 – Versión para violonchelo y piano (30 min.)

Alejandro Viana, violonchelo; Ofelia Montalván, piano

Arnold Schönberg

Sexteto para cuerdas “Noche transfigurada” Op.4 (30 min.)

Grupo Schumann de Enagás (Anna Tanaka, violín; Desislava Vaskova, violín; Lara Albesano, viola; Samuel Palomino, viola; Willard Carter, violonchelo; Alejandro Gómez, violonchelo).

Fotografía: Javier del Real

 

Coro de la Comunidad Valenciana

El Palau de les Arts abre las puertas de su Sala Principal este domingo, 26 de enero, con una nueva sesión de ‘Matins a les Arts’ que protagoniza el Cor de la Generalitat Valenciana a las 12.00 horas.
Tras el éxito de público el pasado mes de octubre, Les Arts propone otra edición de esta actividad que pretende acercar a todos los públicos la lírica y su entorno.

Por cinco euros, Les Arts invita a descubrir su Sala Principal con las actuaciones de los principales activos artísticos del teatro, con el complemento de una exposición de vestuario de alguna de las producciones de ópera más emblemáticas, relacionadas con los compositores y obras que centran las diferentes ‘matinées’.
Para el concierto de este domingo, el Cor de la Generalitat propone una actuación a capela, en la que realizará un recorrido por la historia musical valenciana del XVI hasta el siglo XXI.

Desde el escenario principal, la formación que dirige Francesc Perales interpretará un variado programa con obras de los cancioneros de Gandia, del duque de Calabria, una selección de las ‘Danzas del Corpus Christi’, así como páginas de compositores como Tomás Luis de Victoria, Ginés Pérez, Matías Navarro, Eduardo López-Chavarri, Oscar Esplà y Matilde Salvador, entre otros.

Como acompañamiento, el público podrá contemplar una exhibición con indumentaria de producción propia de dos óperas: ‘L’arbore di Diana’, de Vicente Martín i Soler, y ‘Lucrezia Borgia’, de Gaetano Donizetti.

‘Matins a les Arts’ se enmarca en el apartado de la programación ‘Les Arts és per a tots’, que incluye actividades educativas o familiares, dedicadas a todo tipo de géneros musicales, en los diferentes espacios y salas del teatro.
Las propuestas, de carácter gratuito o con un precio simbólico, tienen como objetivo la apertura a nuevos
públicos que todavía no han tenido la ocasión de asistir a un espectáculo en el edificio diseñado por
Santiago Calatrava.

Les Arts celebrará nuevas ediciones de ‘Matins a les Arts’ los días 16 de febrero, 8 de marzo, 5 de abril y
24 de mayo de 2020.