Palau de les Arts Reina Sofía

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy, en un acto con los medios de comunicación en Madrid, la variada y dinámica propuesta artística que el teatro valenciano ofrecerá en su vigésima temporada.

Esta temporada el Palau de les Arts Reina Sofía celebra su XX aniversario con tres nuevas producciones de ópera (‘Faust’, ‘Luisa Miller’, y ‘Enemigo del pueblo’), un repertorio que abarca 340 años de historia, desde Marc-Antoine Charpentier, pasando por Händel, Verdi, Gounod, Chaikovski, Strauss y Puccini para concluir con su primer estreno mundial, ‘Enemigo del pueblo’, de Francisco Coll, y con los directores de orquesta más internacionales al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

“Así, bajo el lema ‘Per a descobrir’, la Temporada 2025-2026  plantea una inmejorable oferta para satisfacer la curiosidad del espectador más exigente: diez títulos de ópera, un espectáculo de zarzuela de nueva creación, siete propuestas de danza, diez potentes programas sinfónicos con los mejores directores de orquesta del circuito, cinco recitales de ‘Lied’, una velada dedicada al gran repertorio lírico, seis sesiones de Barroco, cinco representantes de la música valenciana más actual, cinco noches con el mejor flamenco y dos conciertos dedicados a las músicas del mundo.

Jesús Iglesias Noriega ha remarcado el regreso del teatro valenciano a los circuitos de producción internacionales al liderar en la presente temporada tres nuevos montajes con algunas de las compañías de ópera más importantes del continente: La Scala de Milán, la Staatsoper Unter den Linden, el Maggio Musicale Fiorentino y el Teatro Real de Madrid.  

En consonancia con el término ‘Per a descobrir, Les Arts aboga, un año más, por iniciar su temporada fuera de su sede, en una gira de la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) que, bajo la dirección de Cornelius Meister, invita los ciudadanos de Altea, Cullera y Requena a conocer las excelencias de la orquesta en este ‘tour’ que culminará con el concierto de la Jornada de Puertas Abiertas y que abre la actividad al público en el edificio de Calatrava el 21 de septiembre.

‘Les Arts és Òpera’ invita a descubrir, con mirada renovada, algunos de los autores que han forjado la identidad artística del teatro en estas dos últimas décadas. Levanta el telón el 3 de octubre una ambiciosa nueva producción de ‘Faust’, liderada por Les Arts en coproducción con La Scala de Milán y la Staatsoper Unter den Linden de Berlín. Johannes Erath propone un nuevo acercamiento a este emblema de la ópera francesa, en el que Charles Gounod visita el mito germánico para revestirlo de la suntuosidad de la ‘grand opéra’.

El Barroco menos conocido, con ‘La descente d’Orphée aux enfers’ y ‘Les Arts Florissants’ de Marc-Antoine Charpentier, convive con títulos indispensables de Georg Friedrich Händel que, tanto en versión de concierto (‘Orlando’) como escenificada (‘Giulio Cesare in Egitto’), dan cuenta de un estilo musical presente en las propuestas del teatro desde sus inicios.

El estreno mundial de ‘Enemigo del pueblo’, de Francisco Coll, el 5 de noviembre de 2025, marca un hito en la historia de la institución con su primera ópera encargo, junto al Teatro Real de Madrid, en la que la música del compositor valenciano más internacional y la dramaturgia de Àlex Rigola trasponen a la lírica la poderosa denuncia de Henrik Ibsen en la pieza teatral de mismo nombre.

La obra de Giuseppe Verdi, compositor insustituible en la programación del centro operístico, capitaliza el tercer nuevo montaje de la temporada, con la cautivadora ‘Luisa Miller’, título con el que el genio de Busseto anuncia ya su celebrada trilogía popular, que forman ‘Rigoletto’, ‘Il trovatore’ y ‘La traviata’.

El repertorio alemán, con el que Les Arts y la Orquestra de la Comunitat Valenciana han protagonizado algunos de los capítulos más memorables desde 2005, tiene su réplica con la exuberante e hipnótica ‘Salome’ de Richard Strauss, mientras que el desolador lirismo ‘Eugenio Oneguin’ reivindica la ópera rusa con una de sus grandes obras maestras. ‘Turandot’, la ópera inconclusa de Puccini e icono de las más largas ovaciones en la Sala Principal cierra la programación.

‘Les Arts és Sarsuela’ sorprende con un espectáculo de nueva creación, ‘Un misterio de sainete o zarzuela a la cazuela’, en una idea de Enrique Viana con músicas del valenciano José Serrano.

En el podio junto con Sir Mark Elder en su primera temporada como titular, expertos maestros lideran las propuestas con William Christie, James Gaffigan, Marc Minkowski, Lorenzo Viotti, Timur Zangiev, que tendrán su réplica en la escena con respetados creadores: Vincent Boussard, Valentina Carrasco, Johannes Erath, Damiano Michieletto, Àlex Ollé, Laurent Pelly y Àlex Rigola.

En el capítulo sinfónico, Les Arts hace el mayor despliegue de su historia con las batutas de mayor prestigio del circuito internacional al frente de la OCV: Sir John Eliot Gardiner, Daniele Gatti, Gustavo Gimeno, Philippe Jordan, Fabio Luisi, Cornelius Meister, Javier Perianes y Dima Slobodeniouk, además del titular la formación, Sir Mark Elder. ‘Les Arts és Simfònic’ ofrece diez imponentes programas, entre los que figuran la ‘Quinta’ de Mahler, la ‘Octava’ de Bruckner, el oratorio ‘La infancia de Cristo’, de Berlioz, la integral sinfónica de Brahms y la integral de conciertos para piano y orquesta de Beethoven.

Por su parte, Les Arts és Dansa acoge siete espectáculos con lo más selecto del ballet clásico, la danza contemporánea y el flamenco de la mano de la Compañía Antonio Najarro, Kor’sia, Compañía Manuel Liñán, Compañía Nacional de Danza, Compañía Antonio Ruz, el Ballet de Dormund y una nueva producción de Les Arts con Taiat Dansa en el marco del Festival Dansa València.

Cinco citas imprescindibles se presentan para los amantes del ‘Lied’ con los debuts en este ciclo de Angel Blue, Elsa Dreisig, Katharina Konradi y Michael Spyres, además del esperado reencuentro del aficionado con Christian Gerhaher, maestro indiscutible del género. Mientras que ‘Les Arts és Grans Veus’ recibe a Nadine Sierra con un programa en el que la soprano recorrerá algunas de las obras que la han convertido en una de las divas más fascinantes de la década.

Sobradamente consolidado, ‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’, deslumbra con la presencia de William Christie y Marc Minkowski y sus formaciones especialistas, en un ciclo que, gracias a la colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical, congregará, además, a los más respetados conjuntos e intérpretes: Vespres d’Arnadí & Serena Sáenz, María Espada, Les Époppés & Eva Zaïcik e Il Fervore & Jone Martínez. 

Por su parte, Les Arts no faltará a su cita con las diferentes manifestaciones de la voz, con el duende flamenco de Pitingo, Ángeles Toledano, Argentina, Juana la del Pipa e Ismael de la Rosa, ‘El Bola’, el jazz afrocubano de Chucho Valdés, o el pop barroco y teatral de Rufus Wainwrigh. Mientras que el tejido musical valenciano estará representado por Pau Alabajos, La Maria, Anna Millo + Pep Mirambell, Jonatan Penalba y Urbàlia Rurana.

Roberto Devereux

La ópera Roberto Devereux de Gaetano Donizetti se representará en el Palau de Les Arts Reina Sofía los días 4,7,11 , 14 y 18 de junio (sala principal).

Les Arts concluye la trilogía Tudor de Donizetti protagonizada en cada una de sus entregas por Eleonora Buratto, junto al tenor Ismael Jordi y la mezzosoprano valenciana Silvia Tro Santafe. La aplaudida soprano italiana, que ha cosechado la admiración del público y el elogio de la crítica en sus dos debuts anteriores (Anna Bolena y Maria Stuarda), corona el proyecto con el último y más complejo reto, la Elisabetta de Roberto Devereux, dirigida musicalmente por Francesco Lanzilotta.

La directora de escena Jetske Mijnssen traza una dramaturgia que indaga en el aspecto psicológico de los cuatro personajes principales, con una puesta en escena de estética más contemporánea que implica al espectador en las emociones y sufrimiento de los protagonistas del melodrama.

Criaturas de un belcanto freudiano
La tragedia amorosa de la denominada Reina virgen nacía en tiempos de peste, guerras y fronteras tan difusas como peligrosas; y pérdidas irreparables. Donizetti, viudo en fechas recientes, vuelca sus tristes energías en la composición de esta ópera.

Roberto Devereux anticipa aspectos del nuevo melodrama romántico de segunda época, menos belcantista a la vez que férreamente apegado a los modos básicos de este estilo; y será modelo del Verdi joven, enérgico y de ágil dramaturgia.

La reina crepuscular que Donizetti retrata en esta ópera es fiel ejemplo de lo dicho: mujer imperiosa más allá de su rango real, ajena a la lágrima fácil; psicológica e irónica, abandonada a sentimientos cantados en líricas espirales de notas que corren por el peligroso límite del engaño, para mostrar toda su violencia cantada en intervalos de vértigo; mujer que muestra amor y dominio en evocación casi freudiana que apuntan al horizonte de la Lady Macbeth verdiana.

Les Arts concluye la trilogía Tudor de Donizetti protagonizada en cada una de sus entregas por Eleonora Buratto, junto al tenor Ismael Jordi y la mezzosoprano valenciana Silvia Tro Santafé. La aplaudida soprano italiana, que ha cosechado la admiración del público y el elogio de la crítica en sus dos debuts anteriores (Anna Bolena y Maria Stuarda), corona el proyecto con el último y más complejo reto, la Elisabetta de Roberto Devereux, dirigida musicalmente por Francesco Lanzilotta. La directora de escena Jetske Mijnssen traza una dramaturgia que indaga en el aspecto psicológico de los cuatro personajes principales, con una puesta en escena de estética más contemporánea que implica al espectador en las emociones y sufrimiento de los protagonistas del melodrama.

Dutch National Opera – Roberto Devereux – photo ©Ben van Duin

L’heure espagnole

El Palau de les Arts Reina Sofía aúna el fino sentido de la comedia de Maurice Ravel en ‘L’heure espagnole’ y el inteligente humor de Giacomo Puccini en ‘Gianni Schicchi’ en una ingeniosa propuesta que se representará en la Sala Principal del 25 de abril al 4 de mayo.

Moshe Leiser y Patrice Caurier, tándem de referencia en la escena operística internacional, dirigen en València los ensayos de esta nueva producción con escenografía de Alain Lagarde, vestuario de Agostino Cavalca e iluminación de Christophe Forey.

Su propuesta rechaza el juego burlesco y caricaturesco para presentar unos personajes profundamente humanos: una familia destrozada por una herencia en ‘Gianni Schicchi’ o a una mujer frustrada por la impotencia de su marido en ‘L’heure espagnole’ son, en sí mismas, tragedias. “Pero la idea de la que parten Ravel y Puccini es reírse de ello: ahí yace toda la fuerza de estas obras”, explican.

Según analizan ambos directores: “En el caso del meticuloso colorista Ravel, en el espíritu de su libretista Franc-Nohain, todo está sugerido, insinuado, salaz cuando es necesario, a menudo poético e incluso, a veces, onírico”.

“Puccini es más cruel que Ravel: su comedia es negra, despiadada, donde la familia, cegada por el señuelo de la ganancia, niega en un instante toda su supuesta moral. El realismo se impone: una habitación de hospital, porque hoy en día, es allí donde a menudo se muere. Y hay que reírse hasta de la muerte”.

En el podio, regresa el joven, pero ya consolidado, Michele Spotti, aclamado como una de las sensaciones en el circuito europeo y batuta revelación en la Temporada 2022-2023 de Les Arts por sus memorables funciones de ‘Ernani’ con la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Les Arts reúne un elenco de contrastadas voces del repertorio francés e italiano para ambos títulos. Debuta en València, con el papel de la libertina Concepción en ‘L’heure espagnole’, la joven mezzosoprano francosuiza, Eve-Maud Hubeaux, una de las estrellas emergentes en el circuito internacional con importantes compromisos en su currículo en Viena, París, Salzburgo o Berlín.

El barítono italiano Ambrogio Maestri se reencuentra con el público de Les Arts con otros de sus roles más celebrados en su carrera, el astuto Gianni Schicchi, después de protagonizar con éxito ‘Falstaff’ y Nabucco’ en la Sala Principal. La valenciana Marina Monzó, otra de las artistas imprescindibles en los repartos de Les Arts, regresa a la capital del Túria con el rol de ‘Lauretta’.

Los tenores Iván Ayón Rivas y Mikeldi Atxalandabaso y el bajo Manuel Fuentes realizan una doble incursión en esta propuesta: el joven y prometedor cantante peruano da vida a Gonzalve y Rinuccio, mientras que el intérprete vasco, y especialista en bel canto, encarna a Torquemada y a Gherardo. El crevillentino Manuel Fuentes asume los papeles de Don Iñigo Gómez y Betto di Signa.

El doble programa ‘L’heure espagnole’ / ‘Gianni Schicchi’ es una producción de Les Arts con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, que se enmarca en las celebraciones de 150 aniversario de Maurice Ravel (1875-1937) y que se representará los días 25, 27 y 30 de abril, así como el 2 y 4 de mayo en la Sala Principal del teatro de ópera valenciano.

Gianni Schicchi ©Miguel Lorenzo-Mikel Ponce-Les Arts

Der Fliegende Holländer ©Miguel Lorenzo-Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía propone una nueva incursión en el universo de Richard Wagner con ‘Der fliegende Holländer’ (‘El holandés errante’), la primera obra maestra del compositor que se representará del 2 al 14 de marzo en la Sala Principal.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy este título ante los medios de comunicación junto con su director musical, James Gaffigan, y el director de escena de la reposición, Stefan Heinrichs.

“Les Arts continúa en 2025 con su apuesta por uno de sus compositores fetiche: Richard Wagner.  Tras el estreno de ‘El anillo sin palabras’, de la mano de Gustavo Gimeno, es el momento de introducir otra obra inédita en el repertorio del teatro, ‘El holandés errante’, su primer gran éxito y la única de sus óperas tempranas que se representa en el Festival de Bayreuth, en la que Wagner traza ya las líneas de su revolucionario estilo musical”, ha señalado.

Les Arts estrena la aplaudida producción de Willy Decker, con escenografía y vestuario de Wolfgang Gussmann, e iluminación Hans Tölstede. El director alemán, uno de los grandes nombres de la escena europea, ya ha recibido el aplauso de Les Arts por su ‘Traviata’ o ‘Peter Grimes’. Su propuesta, caracterizada por sus decorados monumentales a la vez que minimalistas y por un magistral diseño de luces, ahonda en el drama psicológico de la obra.

Tras sus aplaudidas funciones de ‘Tristan und Isolde’ en 2023, James Gaffigan dirige con ‘El holandés errante’ su última ópera como director musical de Les Arts. El maestro neoyorquino se encuentra inmerso en los últimos ensayos con los cuerpos estables de Les Arts, el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, junto con el Coro de la Comunidad de Madrid y un reparto de destacadas voces del repertorio wagneriano.

El barítono estadounidense Nicholas Brownlee (El holandés) y la soprano sueca Elisabet Strid (Senta), dos de las jóvenes estrellas con mayor proyección en el repertorio alemán, encabezan el elenco de ‘El holandés errante’.

Nicholas Brownlee se ha convertido en el bajo-barítono de referencia para la obra de Richard Wagner. Cantante habitual de las óperas de Baviera, Fráncfort y Viena, a su debut en 2024 en Bayreuth, se une su flamante presentación como Wotan en ‘El anillo del Nibelungo’ en Múnich con Vladimir Jurowski y en la Opéra de Paris con Pablo Heras-Casado.

Elisabet Strid desarrolla una intensa carrera en el circuito europeo, en el que destaca por sus interpretaciones de Wagner y Strauss. La artista sueca, que recientemente causó sensación por su Senta en el Covent Garden, regresará al coliseo londinense para encarnar a Brünnhilde en su nueva producción de ‘El anillo del Nibelungo’ con Antonio Pappano.

Franz-Josef Selig (Daland) es uno de los grandes bajos wagnerianos del momento. Con compromisos en Múnich, Nueva York, Milán, París, Viena, Bayreuth, Salzburgo y Aix-en-Provence, ha trabajado con Christian Thielemann, Simon Rattle, Marek Janowski, Zubin Mehta, Semyon Bychkov, Riccardo Muti, Yannick Nézet-Séguin, Antonio Pappano, Philippe Jordan o Daniel Harding.

Desde su debut en el Festival de Aix-en-Provence con ‘Die Zauberflöte’, Stanislas de Barbeyrac (Erik) ha protagonizado una ascendente carrera internacional, con trabajos en las principales plazas operísticas: Covent Garden, Metropolitan, Bayerische Staatsoper, Dutch National Opera y las óperas de París, y Viena, así como en los festivales de Aix-en-Provence y Salzburgo.

El tenor granadino Moisés Marín, antiguo alumno del Centre de Perfeccionament de Les Arts, en el papel de Steuermann (Timonel) y la soprano holandesa Eva Kroon (Mary) completan el reparto.

‘El holandés errante’ es una producción del Teatro Regio di Torino, original de la Opéra National de Paris. Les Arts ha programado cinco representaciones de la obra los días 2, 5, 8, 11 y 14 de marzo.

‘El holandés errante’

Richard Wagner se inspira en la obra de Heinrich Heine ‘Memorias del señor de Schnabelewopski’ para escribir el libreto de ‘El holandés errante’, la historia de un capitán holandés condenado a navegar eternamente en su barco fantasma, hasta que el amor fiel de una mujer rompa la maldición. La redención llegará de la mano de Senta, la hija del marino noruego Daland, que sacrificará su vida para salvar al ‘Holandés’.

Der Fliegende Holländer ©Miguel Lorenzo-Les Arts

Anna Netrebko 009 Photo © 2023 Olga Rubio Dalmau

El Palau de les Arts Reina Sofía recibe el domingo, 16 de febrero, a Anna Netrebko, que debutará en la Sala Principal (19.00 h) con un recital en el que intercalará páginas del repertorio lírico ruso, con fragmentos de algunas de las óperas que la han encumbrado como la ‘prima donna’ del S. XXI.

La gran estrella de la lírica, que llega a València con las entradas agotadas desde hace meses, ofrece una visión caleidoscópica de grandes compositores de su Rusia natal: Chaikovski, Rajmáninov y Rimski-Kórsakov, junto con arias de algunos de sus papeles más celebrados, como Adriana Lecouvreur en la ópera homónima de Cilea, Giulietta en ‘I Capuleti e i Montecchi’, de Bellini, con el acompañamiento pianístico de Pavel Nebolsin.

El programa incluye también dos duetos con la mezzosoprano Elena Maximova, que el público valenciano recordará por sus intervenciones en ‘Carmen’ en 2010 y su más reciente incursión en ‘La dama de Picas’ la pasada temporada. Netrebko y Maximova interpretarán dos de las piezas imprescindibles en la exitosa carrera de la diva rusa: ‘Duo des fleurs o Sous le dôme épais’ de ‘Lakmé’ de Delibes y el duo de Natasha y Sonya en ‘Guerra y Paz’, de Prokófiev.

Artista mediática y aclamada por el público y la crítica a nivel mundial, Anna Netrebko es un nombre imprescindible en los grandes escenarios del mundo, como demuestra su impresionante trayectoria profesional, en la que ha trabajado con las primeras figuras de la dirección musical y escénica. Cada una de las actuaciones de la soprano está considerada un auténtico evento, no sólo para los amantes de la lírica, sino también para el público general.

La inconmensurable capacidad interpretativa de Anna Netrebko le ha permitido abarcar roles de todas las categorías, desde las heroínas belcantistas a los personajes más dramáticos del repertorio. Su voz camaleónica, pasión, fuerza y versatilidad en el escenario la han convertido en la gran estrella de la lírica actual.

Anna Netrebko Photo © 2023 Olga Rubio Dalmau

Dialogues des Carmélites

El Palau de les Arts Reina Sofía se encuentra inmerso en los ensayos de la que será una de las grandes apuestas de 2025, el estreno de ‘Dialogo de Carmelitas’, la sobrecogedora ópera de Francis Poulenc sobre las dieciséis carmelitas guillotinadas durante el Terror de la Revolución Francesa, que llega en una impactante producción de Robert Carsen.

‘Diálogos de Carmelitas’ será la tercera producción del director de escena canadiense que Les Arts presenta, tras la excelente acogida de ‘Elektra’, en 2020, y de ‘Orfeo ed Euridice’, en la pasada temporada. Premiado y reclamado por los principales teatros de ópera de todo el mundo, Carsen está considerado uno de los grandes directores de escena de los últimos 30 años.

Les Arts reúne a más de 230 músicos y artistas para representar el que está considerado como el montaje de referencia de la obra de Poulenc y uno de los trabajos más elogiados de Carsen; una producción que, desde su primera función en Ámsterdam en 1997, ha gozado del aplauso unánime de público y crítica en cada uno de los teatros en los que se ha programado: Londres, Milán, Viena, Chicago, Toronto y Madrid, entre otros.

Sobre el escenario de la Sala Principal, 25 intérpretes solistas, 59 cantantes del Cor de la Generalitat, 75 figurantes y 77 músicos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) en el foso, afrontan uno de los mayores retos en la historia de Les Arts desde el punto de vista artístico.

La producción de Robert Carsen de ‘Diálogos de Carmelitas’ también supone un desafío en el ámbito técnico. Su representación precisa de espacio escénico útil de 700 metros cuadrados -cifra récord en el pasado más inmediato de Les Arts- para albergar la escenografía de Michael Levine. Dicho espacio está limitado por tres impresionantes muros de 17 metros de altura, cuyo peso oscila entre 1 y 1,5 toneladas, que se mueven de forma constante durante el espectáculo para configurar los requisitos escénicos del drama.

La iluminación, uno de los aspectos fundamentales en las producciones de Carsen, que el canadiense ha diseñado en esta ocasión junto con Cor van den Brink, precisa de una potencia 270 kw, uno de los mayores registros en el histórico de representaciones de Les Arts.

El colosal número de intérpretes en escena convierte a ‘Diálogos de Carmelitas’ en una de las producciones con mayores necesidades de vestuario y caracterización: 16 trajes para los cantantes solistas, 11 vestimentas completas para las monjas que interpretan otras 11 cantantes adicionales ; doble vestimenta para la figuración especial masculina (30 trajes, en total); 14 trajes para la figuración especial femenina; a lo que hay que sumar las 120 piezas completas de vestuario para la figuración que interpreta a la muchedumbre.

El maestro italiano Riccardo Minasi lidera el apartado musical. Tras sus celebradas incursiones con la OCV, el fundador de la prestigiosa orquesta Il Pomo d’Oro asume, por su parte, su propio reto artístico, puesto que dirigirá por primera vez en su carrera la estremecedora partitura de Poulenc, considerada como única en su género, con un singular lenguaje musical que lleva a sentir al espectador de primera mano la emoción y sufrimiento que las protagonistas transitan hasta su trágico final.

En el nutrido elenco vocal que precisa ‘Diálogos de Carmelitas’, regresa a Les Arts la veterana diva Doris Soffel, brillante Klytämnestra en la ‘Elektra’ de 2020 y excelente Condesa en ‘La dama de picas’ en 2023, para interpretar el lucido papel de Madame de Croissy.

Debutan en el teatro de ópera valenciano algunas de las voces con mayor proyección en el repertorio francés, como las sopranos Ambur Braid (Madame Lidoine) y Alexandra Marcellier (Blanche de la Force), junto con el tenor Valentin Thill (Le Chevalier de la Force), acompañados de reconocidos intérpretes como el bajo Nicolas Cavallier (Le Marquis de la Force) y la mezzosoprano Michèle Losier (Mère Marie de l’Incarnation).

El reparto de ‘Diálogos de Carmelitas’ también incluye el reencuentro del público de Les Arts con una de las cantantes valencianas más apreciadas, Marina Rodríguez Cusì, que vuelve a la Sala Principal 12 años después para interpretar a Mère Jeanne de l’enfant Jésus.

‘Dialogues des Carmelites’ (‘Diálogos de Carmelitas’), de Francis Poulenc, se representará los días 23, 25, 28 y 31 de enero y el 2 de febrero de 2025 en la Sala Principal de Les Arts

Pablo Heras-Casado

El Palau de les Arts Reina Sofía celebrará un concierto en solidaridad con los afectados por la riada el próximo 10 de diciembre, a las 19.30 horas, en el Auditori en el que la Orquestra de la Comunitat Valenciana, bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, interpretará ‘Obertura Egmont’ y ‘Sinfonía Nº3’ de Beethoven.

El director de orquesta granadino ha querido participar de forma desinteresada en esta iniciativa, de nombra SOM SOLIDARITAT cuya recaudación se destinará íntegramente a la reparación de daños y reconstrucción después de la inundación. Las entradas tendrán un precio único de quince euros.

Asimismo, se habilitarán tres Filas 0, cuyos donativos se canalizarán a través de las cuentas solidarias habilitadas por la Generalitat, así como por la FSMCV (Federación de Sociedades Musicales de la Comunitat Valenciana) y Cáritas.

Les Arts propone para SOM SOLIDARITAT un programa sinfónico para exaltar la heroicidad ser humano ante la adversidad, con dos obras con las que Ludwig van Beethoven ensalzó estos valores, la ‘Obertura Egmont’, la música incidental que compuso para la obra teatral de Goethe sobre el héroe nacional de Países Bajos Españoles, el Conde de Egmont, y su ‘Tercera sinfonía’, conocida como ‘La Heroica’.

Este concierto extraordinario de la Orquestra de la Comunitat Valenciana contará, además, con la colaboración especial de la Schola Cantorum d’Algemesí como reconocimiento y solidaridad con el tejido musical valenciano que se ha visto perjudicado por el temporal este pasado 29 de octubre. La entidad coral inaugurará el concierto con una selección de obras que interpretará intervenciones ‘a cappella’.

Pablo Heras-Casado es uno de los directores españoles con mayor relación con formación titular de Les Arts, a la que ha dirigido en memorables veladas sinfónicas desde su primer contacto en 2013.

Está considerado como una de las batutas con mayor proyección internacional. El primer español en estrenar una nueva producción en el prestigioso Festival de Bayreuth y uno de los pocos escogidos por la Filarmónica de Berlín en su nómina de directores, compagina su carrera internacional con una activa presencia en acciones solidarias.

Pablo Heras-Casado Concierto © Miguel Lorenzo-Les Arts

Il trovatore

El Palau de les Arts Reina Sofía propone una reflexión sobre la guerra y la venganza con la impactante producción de Àlex Ollé de ‘Il trovatore’, de Giuseppe Verdi, que contará con la dirección musical de Maurizio Benini en sus representaciones del 8 al 22 de diciembre.

Les Arts recupera el único de los tres títulos de la magistral ‘Trilogía popular’ de Verdi -que conforman ‘La traviata’, ‘Rigoletto’ y el propio ‘Trovatore’- que no se había vuelto a programar en el centro de artes. Curiosamente, se trata de la única ópera del compositor nacido en Busseto con vínculos valencianos.

La trama original se desarrolla en paralelo a la revuelta de Jaime de Urgel contra Fernando de Antequera, a raíz del resultado del Compromiso de Caspe (1412), convocado para designar el sucesor de Martín el Humano al trono aragonés. La huella histórica en la ópera de Verdi se plasma en Manrico, un trovador y oficial del ejército de Jaime de Urgell, mientras que su rival por el corazón de Leonora, el conde de Luna, es un noble al servicio de Fernando I de Aragón.

En dicho contexto, Verdi explora la irracionalidad de las grandes pasiones humanas que imperaron en el Romanticismo. Según explica Àlex Ollé: “Il trovatore’ es casi un retrato de cómo el hombre de mediados del siglo XIX quería verse a sí mismo: apasionado, sentimental, heroico, rebelde, solitario, arrastrado por las fuerzas oscuras de la noche y el amor, dispuesto al máximo
sacrificio por salvaguardar aquello que ama, ya sea la madre, ya sea la amada”.

A la hora de abordar este título en la actualidad, el director catalán, que disfrutó de un inmejorable debut en València con su ‘Tristan und Isolde’, hace hincapié en la guerra como el marco en el que explicar las pasiones desaforadas, los odios absurdos y las acciones irracionales sin tiempo para la reflexión para “hacer verosímil la historia extrañísima de amor maternal y venganza ciega que es, en el fondo, el eje vertebrador de la ópera de Verdi”.

Para ello, Ollé, junto con Alfons Flores (escenografía), Lluc Castells (vestuario) y Urs Schönebaum (iluminación) recrean el paisaje fantasmagórico de las trincheras de la I Guerra Mundial como espacio escénico en el que el triángulo amoroso entre el conde de Luna, Lenora y Manrico convive con los deseos de venganza de la madre de éste, Azucena, deseosa de resarcir la
condena a muerte de su madre por orden del padre del actual conde de Luna.

Lidera el apartado musical, Maurizio Benini que goza del reconocimiento internacional como uno de los grandes expertos en el repertorio italiano. Tras sus elogiados trabajos con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana en ‘Anna Bolena’ y ‘Maria Stuarda’, de Donizetti, regresa para dirigir los cuerpos estables del teatro en uno de los títulos más desafiantes del compositor de Busseto, que a su vez requiere también uno de los repartos más exigentes de toda la producción verdiana.

Debuta en València la joven y ascendente soprano Olga Maslova (Leonora), solista del Teatro Mariinsky, y reconocida ya por la prensa especializada como una de las nuevas voces con mayor proyección en el repertorio italiano tras sus actuaciones en roles no menos comprometidos como Aida y Turandot.

Después de 14 años de su primer papel en Les Arts (‘Lucia di Lammermoor’), regresa Antonio Poli en el desafiante y temido papel de Manrico, que tiene en la cabaletta ‘Di quella pira’ uno de los mayores ‘tour de force’ de toda la ópera.

Otro celebrado reencuentro para el público valenciano lo protagoniza Ekaterina Semenchuk, que interpreta a la gitana Azucena, el mismo rol con el que se presentó en Les Arts en 2012 para encadenar sucesivos éxitos ante el público valenciano tanto en su faceta como intérprete de ópera y ‘Lied’.

Asimismo, el reparto cuenta con Artur Ruciński, que también ha tenido una activa presencia en el teatro de ópera valenciano desde sus primeras temporadas, el barítono polaco dará vida a Il Conte di Luna en la que será quinta su incursión en una ópera en la Sala Principal.

Cierra el elenco protagonista, el emergente bajo italiano Adolfo Corrado (Ferrando), una de las revelaciones con su Masetto en ‘Don Giovanni’ en 2023, que suma un nuevo papel en su prometedora carrera. Fiel a su apuesta por los nuevos talentos de la lírica, el reparto de ‘Il trovatore’ también cuenta con las voces de Holly Brown (Inés) y Filipp Modestov (Ruiz), cantantes del Centre de Perfeccionament de Les Arts.

‘Il trovatore’ es una coproducción de la Dutch National Opera, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera de Roma. Les Arts ha programado cinco funciones los días: 8, 11, 14, 19 y 22 de diciembre.

Àlex Ollé ©Miguel Lorenzo-Les Arts

Mark Elder

El prestigioso director británico Sir Mark Elder inaugura esta semana con ‘La Sexta’ de Mahler la temporada sinfónica de abono de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en Castellón (10 de octubre) y València (11 de octubre).

Para su esperado tercer concierto con la formación titular del Palau de les Arts Reina Sofía, el director emérito de la Orquesta Hallé de Manchester y principal director invitado de la Filarmónica de Bergen ha escogido esta obra -inédita en el repertorio de la OCV-, reconocida como uno de los mayores desafíos artísticos para una orquesta sinfónica y su director.

La ‘Sinfonía N˚ 6’, también conocida como ‘La Trágica’, precisa de un profundo conocimiento además de una agrupación instrumental de contrastado nivel. Tras sus celebradas incursiones en València con Shostakóvich, Strauss, Stravinsky y la inacabada ‘Décima’ de Mahler, el director británico y reputado mahleriano se adentra en esta partitura de inmensa complejidad y profundidad emocional.

Premonitoria de los trágicos acontecimientos que tanto afectarían emocionalmente al compositor nacido en Bohemia, como profetizan los potentes golpes de martillo que se hacen oír en el Finale, ‘La Trágica’ de Mahler cautiva al oyente por su profunda y conmovedora exploración de la experiencia humana.Sir Mark Elder dirigirá a la OCV con este programa el jueves, 10 de octubre,
en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló y, posteriormente, el viernes 11 en el Auditori de Les Arts.

Imagen ©Mikel Ponce

Maria Stuarda

El Palau de les Arts Reina Sofía prosigue con su nueva producción de la Trilogía Tudor de Gaetano Donizetti con el estreno de la ‘Maria Stuarda’ este domingo, 10 de diciembre en la Sala Principal. El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy esta segunda entrega del proyecto, realizado en coproducción con la Dutch National Opera de Ámsterdan y el Teatro San Carlo de Nápoles, que se centra en uno de los “personajes históricos más controvertidos y fascinantes de su época: una mujer envuelta en cambios políticos, sociales y religiosos que marcarían un nuevo curso de la historia de Europa”.

En la rueda de prensa, le han acompañado Maurizio Benini, director musical, Jean-François Kessler, director de escena de la reposición del montaje; y la soprano Eleonora Buratto, protagonista de la obra.

Jesús Iglesias Noriega ha destacado que ‘Maria Stuarda’ supone uno de los títulos imprescindibles para los amantes del ‘bel canto’ no solo por la belleza y exigencias vocales de su partitura, además de la fuerza de su dramaturgia: “un triángulo amoroso, dos reinas enfrentadas por un trono y un hombre”.

En su intervención, Iglesias Noriega he recordado la excelente acogida de ‘Anna Bolena’ en 2022, que inició “el primer gran proyecto operístico de Les Arts’ en esta nueva etapa” y que concluirá en la Temporada 2024-2025 con el estreno de ‘Roberto Devereux’.

“La Trilogía Tudor de Les Arts supone una ambiciosa y también meditada apuesta artística”, ha explicado, para la que se ha conformado un equipo artístico y musical de referencia dentro del panorama operístico actual”.

Maurizio Benini, uno de los más reputados expertos en belcanto, asume la dirección musical de los tres títulos en València. Invitado habitual de los teatros de ópera más prestigiosos, entre ellos Metropolitan de Nueva York, Ópera de París, Staatsoper de Viena, Covent Garden de Londres, recibió excelentes críticas por su trabajo con el Cor de la Generalita y la Orquestra de la Comunitat Valenciana la pasada temporada.

Lilian Stillwell, que concluirá con el estreno del último de los títulos de la trilogía, ‘Roberto Devereux’. Esta segunda entrega de la Trilogía enfrenta a Isabel I, reina de Inglaterra, y a María Estuardo, reina exiliada de Escocia, en una lucha encarnizada que tiene tanto que ver con el poder como con el amor y la rectitud moral.

La directora holandesa propone en ’Maria Stuarda’ un montaje menos realista que ‘Anna Bolena’, en el que ahondará más en los miedos, las pesadillas y las obsesiones de los personajes. Mijnssen considera crucial el papel de Elisabetta (Reina Isabel), además del de Maria. Su objetivo es presentar a ambas mujeres como personajes complejos y con múltiples capas.

Después de sus aplaudidas intervenciones en ‘Anna Bolena’, repiten en ‘Maria Stuarda’, la soprano Elenora Buratto, en el papel protagonista, la mezzosoprano Silvia Tro Santafé y el tenor Ismael Jordi.

Buratto, que debutará en València los tres roles protagonistas de la Trilogía, aborda en esta ocasión una de las partituras para soprano más temidas, que hasta la fecha han inmortalizado las grandes divas del género. Silvia Tro Santafé encarna en Les Arts a Elisabetta (Reina Isabel) uno de sus papeles de referencia en su repertorio, por el que ha recibido excelentes críticas. Mientras que Ismael Jordi, que ganó el Premio Talía por su intervención en Les Arts en ‘Anna Bolena’, repetirá en el rol de Leicester en València, después de su éxito en el estreno de esta coproducción en la Dutch National Opera.

‘Maria Stuarda’ supone también el regreso a Les Arts del emergente bajo alicantino Manuel Fuentes (Giorgio Talbot), que debutó en Valencia en ‘La Bohème’ en 2022, y el ascendente barítono Carles Pachon, que tras su celebrado Dandini en ‘La Cenerentola’ cantará el rol de Lord Guglielmo Cecil.

Cierra el elenco Laura Orueta (Anna Kennedy), antigua alumna del Centre de Perfeccionament. ‘Maria Stuarda’ se estrena el domingo, 10 de diciembre, a las 18.00 h. Las restantes representaciones tendrán lugar los días 13, 16, 19 y 22 de este mismo mes.

Fotografía © Miguel Lorenzo-Les Arts

El retablo de maese Pedro

El Palau de les Arts Reina Sofía representa este viernes, 10 de noviembre, la primera ópera dirigida al público familiar que podrá verse en la Sala Principal: ‘El retablo de maese Pedro’, de Manuel de Falla. Con motivo del centenario del estreno de la obra en París, Les Arts presenta en Valencia esta ópera de cámara para títeres, basada en un capítulo de ‘El Quijote’, de Miguel de Cervantes.

El valenciano Pablo Rus Broseta dirige a los cantantes del Centre de Perfeccionament Iria Goti (Trujamán), Max Spósito (Maese Pedro) y Daniel Gallegos (Don Quijote) y a la Orquestra de la Comunitat Valenciana en esta atractiva propuesta, que también incluye el ‘Concierto para clave’ del genial compositor gaditano con Diego Ares como solista.

La Compañía Etcétera, Premio Nacional de Artes Escénicas para la infancia y la juventud (2014), y su director, Enrique Lanz, firman la impactante puesta en escena de ‘El retablo de maese Pedro’, realizada en coproducción con el Teatro Real de Madrid y el Festival de Granada.

Enrique Lanz es nieto de Hermenegildo Lanz, el artista que creó los títeres originales para el estreno de la obra de Falla en París. Cien años después, el titiritero y escenógrafo propone un espectáculo de teatro dentro del teatro, con marionetas inspiradas en el montaje original, que superan los siete metros de altura, en un homenaje a dos ‘gigantes’ de la cultura española: Miguel de Cervantes y Manuel de Falla.Les Arts ha programado una doble función de la obra para este viernes, 10 noviembre. En este sentido, se recuerda que la representación de las 10.30 h, es exclusiva para el público del Programa Didáctico. La función de las 19.30 h está abierta al público familiar, con localidades con un precio único de 15 euros.

Argumento
‘El retablo de maese Pedro’ está basado en el capítulo vigesimosexto de la segunda parte de ‘El Quijote’. En dicho episodio, Cervantes aborda el encuentro del hidalgo con maese Pedro y su ayudante, Trujamán, que ofrecen una función de títeres en la que representan ‘El retablo de la libertad de Melisendra’, un romance medieval que narra la liberación de la francesa Melisendra, esposa de don Gaiferos, a quien retiene cautiva el rey moro Marsilio. El caballero andante incapaz de discernir entre ficción y realidad terminará destruyendo los títeres de maese Pedro para salvar a los fugitivos.

Sala principal del Palau de Les Arts. Fotografías Miguel Lorenzo / Mikel Ponce

Ha tenido lugar en Madrid la presentación del proyecto cultural del Palau de Les Arts Reina Sofía junto con Turismo de la Comunitat Valenciana en una jornada en la que se ha puesto en valor la oferta musical y cultural del teatro valenciano. El acto ha contado con la presencia de Francesc Colomer, secretario autonómico de Turismo de la Generalitat Valenciana; Pablo Font de Mora, presidente del Patronato de la Fundación Palau de les Arts Reina Sofía y Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts. La presentación ha incluido la degustación de los menús temáticos que al hilo de la programación de Les Arts, propone Pablo Ministro, chef ejecutivo de Contrapunto, restaurante del teatro valenciano.

En su intervención, Francesc Colomer ha reivindicado la proyección de la Comunitat Valenciana como destino cultural, siendo éste uno de los segmentos con mayor proyección y futuro en el territorio en los últimos años según apuntan las estadísticas.

A tal efecto, Colomer ha enmarcado la alianza establecida con Les Arts dentro de la estrategia para impulsar la diferenciación turística de la Comunitat Valenciana mediante la creación de productos experienciales:

“Con una oferta artística diversa y de prestigio internacional, en un marco arquitectónico inigualable, el Palau de les Arts es un icono y embajador cultural indiscutible de las experiencias que esperan al visitante en la Comunitat Valenciana”.

Por su parte, Pablo Font de Mora ha puesto en valor la gran labor realizada desde el teatro para ofrecer desde junio de 2020, tras el confinamiento, una actividad regular e ininterrumpida al público con los máximos estándares artísticos y de seguridad con la que garantizar una oferta cultural a la ciudadanía.

En su tercera temporada bajo la dirección artística de Jesús Iglesias Noriega, Les Arts ahonda en una programación de calidad internacional, ecléctica y diversa en géneros, estilos e intérpretes, para que cada ciudadano encuentre su espacio en el teatro. Con la voz como eje vertebrador, Les Arts propone ópera, música sinfónica, zarzuela, danza, música barroca y antigua, Lied, grandes recitales, flamenco, músicas del mundo, y actividades educativas y familiares con una proyección que alcanza más allá del icónico edificio gracias a apuesta territorial por toda la Comunitat Valenciana.

Por un lado, el proyecto avanza en la actual temporada con un viaje por la historia de la música, desde la Edad Media hasta el siglo XXI, que ofrece al espectador de Les Arts estilos, géneros y artistas inéditos hasta la fecha, gracias a la inclusión de iniciativas como el primer ciclo en la historia del teatro dedicado a la música barroca y antigua, realizado en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical.

Por otra parte, el curso 2021-2022 supone la estabilización de los cimientos artísticos con la incorporación del norteamericano James Gaffigan como nuevo director musical para los próximos cuatro años. El director fue el encargado de inaugurar exitosamente el capítulo operístico con una cita histórica: el estreno en España de la revolucionaria escenificación de Romeo Castellucci del ‘Requiem’ de Mozart; Gaffigan también cerrará la programación dirigiendo un título vanguardista e inédito en València: ‘Wozzeck’, de Alban Berg.

En 2022, la oferta de Les Arts incluye importantes hitos de la programación: ‘Les contes d’Hoffman’ de Offenbach, bajo la dirección musical de Marc Minkowski; el regreso del Barroco escenificado a la Sala Principal con ‘Ariodante’ de Händel, dirigido por Andrea Marcon; clásicos como ‘Madame Butterfly’ de Puccini -dirigida por el joven y emergente Antonino Fogliani-, o títulos contemporáneos como ‘Trouble in Tahiti’, de Leonard Bernstein.

En el apartado de voces, dentro de la nutrida nómina de primeras figuras sobresale el regreso a Les Arts de Carlos Álvarez, cuya voz resonará en el Macbeth de Verdi, así como los debuts de papeles de dos de las sopranos más cotizadas del momento: Marina Rebeka en su primera Cio-cio-san en ‘Madama Butterfly’, y el reto de Pretty Yende de encarnar las cuatro musas de ‘Les contes dHoffmann’.

Asimismo, durante 2022 será de nuevo el momento de reencontrarse con grandes voces en el ciclo dedicado al ‘Lied’, con recitales de Matthias Goerne, Benjamin Bernheim, Marianne Crebassa o Jakub Józef Orliński, considerado la gran sensación de la escena barroca internacional.

En el capítulo sinfónico, la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), formación titular de Les Arts, mantiene bajo la égida de James Gaffigan, su trabajo con las batutas de referencia, tanto nacionales, como internacionales. Gustavo Gimeno, fiel a su compromiso con la agrupación, se reencontrará con la OCV el 23 de diciembre, a la que seguirán citas con Josep Pons, el propio Gaffigan y Mark Elder, con programas con especial atención al repertorio sinfónico-coral, con la participación del Cor de la Generalitat Valenciana.

La danza crece en su espacio propio en Les Arts, presentando en 2022 tres espectáculos coreográficos de primer nivel que aúnan el talento nacional con las grandes compañías extranjeras. El Ballet Nacional de España (BNE), con el espectáculo ‘Invocación’, Sol Picó y su compañía de danza, que estrenan ‘Titanas’, una nueva producción en colaboración con Les Arts y la presencia del Ballet de la Ópera de Perm, que ofrece ‘La Bayadère’ de Ludwig Minkus.

El Centre de Perfeccionament, tercer pilar artístico de Les Arts con la Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat Valenciana, suma también nuevas propuestas para el público de la mano de la nueva promoción de artistas que inició su formación en València el pasado mes de septiembre.

Tras su presentar el estreno absoluto de la primera producción de ‘Un avvertimento ai gelosi’, de Manuel García, la segunda propuesta del Opera Studio de Les Arts se adentra en una de las grandes leyendas del pasado siglo, Leonard Bernstein, con ‘Trouble in Tahiti’.

Dentro de la actividad para los próximos meses, cabe subrayar también la importante labor del programa didáctico, con talleres, cursos y espectáculos para todas las edades y públicos, con iniciativas a partir de los 0 años y que alcanzan hasta los espectadores adultos con el fin de atender tanto la demanda educativa como la del público familiar.

Además, a lo largo de la primera mitad de 2022, según ha apuntado Jesús Iglesias Noriega, continuarán también las restantes líneas de la programación puestas en marcha con el nuevo proyecto artístico, con nuevas citas en ‘Les Arts és Flamenco’ y ‘Les Arts és Altres Músiques’, además del ciclo ‘Les Arts és Per a Tots’, destinado a la apertura de espacio cultural a nuevos públicos.

Fotografía ©Mikel Ponce y Miguel Lorenzo_Les Arts

Les Arts Streaming

El Palau de les Arts inicia su tercera semana de ópera en línea con ‘La vida breve’, de Manuel de Falla, la única producción en su catálogo videográfico dirigida por Lorin Maazel, que podrá verse este martes 14 de abril a partir de las 20.00 horas.

El centro de artes continúa, así, con el ciclo ‘Ópera desde casa’, que realiza en colaboración con Unitel GmbH & Co.KG, copropietaria de las grabaciones, en el que se ofrecen algunos de los montajes más emblemáticos de la historia del teatro.

Además de la ópera de Falla, en la página web de Les Arts se emitirán también esta misma semana, ‘Les Troyens’, de Hector Berlioz, y ‘Yevgueni Oneguin’, de Piotr Chaikovski. Les Arts recuerda que cada título estará disponible para su visionado por un periodo de 48 horas a partir de la fecha asignada a cada obra.

Lorin Maazel (1930-2014), primer director musical del Palau de les Arts y fundador de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, asumió el reto de dirigir por primera vez en su carrera ‘La vida breve’ en sus representaciones en València, que tuvieron lugar en marzo de 2010.

Giancarlo del Monaco fue el encargado de poner en escena la ópera española por excelencia en una producción propia de Les Arts. En su propuesta, el respetado ‘regista’ narra, desde la perspectiva del psicodrama, la infidelidad y la traición de Paco (Jorge de León), un señorito enamorado de la gitana Salud (Cristina Gallardo-Domâs), a la que abandona para desposarse con una joven de familia adinerada.

El jueves 16 de abril a las 18.00 horas, en la web de Les Arts, se presenta la futurista y ambiciosa producción de ‘Les Troyens’, de Berlioz, con la que La Fura dels Baus inauguró la tercera temporada del teatro.

Después de su éxito con ‘El anillo del Nibelungo’, Carlus Padrissa combinó informática, ingeniería y elementos del lenguaje furero para la primera vez que esta ópera, basada en los libros I, II y IV de la ‘Eneida’, de Virgilio, se representaba en España de manera íntegra.

‘Les Troyens’ significó también otro hito en la historia del teatro con el debut del prestigioso director Valery Gergiev al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, en unas funciones protagonizadas por Lance Ryan, Daniela Barcellona, Elisabete Matos, Gabriele Viviani, Giorgio Giuseppini, Stephen Milling y Eric Cutler.

Cierra la semana operística ‘Yevgueni Oneguin’, de Chaikovski, el sábado 18 de abril, a las 20.00 horas. Les Arts recupera uno de los trabajos más aplaudidos de Omer Meir Wellber como director de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y de un reparto con Artur Ruciński, Kristīne Opolais, Dmitry Korchak, Lena Belkina y Günther Groissböck en los papeles principales.

El cineasta Mariusz Treliński presenta una visión minimalista y cargada de símbolos para poner en escena una de las piezas imprescindibles del repertorio ruso, basada en la novela homónima de Alexander Pushkin, que retrata la historia de Yevgueni Oneguin, un dandi de clase acomodada que, preso de sus paradojas personales, termina confinado en la más absoluta soledad.

Fotografía: Tato Baeza

La Flauta Mágica 1

La Flauta Mágica 2

La Flauta Mágica 3

La Flauta Mágica 4

La Flauta Mágica 5

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La Flauta Mágica 8

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Una polémica «Flauta Mágica» abre temporada en Les ArtsPor Diego Manuel García Pérez.

Muy controvertida esta Flauta mágica, con una transgresora puesta en escena de Graham Vick, que pretende mostrar los graves desequilibrios que afectan a la sociedad actual, con un claro enfrentamiento entre las clases más privilegiadas y las más desfavorecidas. Grandes cartelones y pancartas reivindicativas dominaban el espacio escénico así como los extremos laterales de las diferentes plantas de la sala, junto  a una gran cantidad de figurantes, que se movían tanto en el escenario como fuera de él. Todo ello, lo que produce es desviar la atención de los espectadores de lo que realmente importa: la maravillosa música mozartiana. Afortunadamente, la orquesta  de la Comunitat Valenciana, bien dirigida por Lothar Koenigs,  ofreció un excelente sonido y el Coro de la Generalitat estuvo a su gran altura habitual. Notable prestación del grupo de cantantes solistas, donde cabe destacar a la soprano italiana Mariangela Sicilia, que ofreció una excelente creación de Pamina.

Die Zauberflöte (La flauta mágica) es un Singspiel (ópera cantada en alemán donde se incluyen diálogos teatrales), en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Emanuel Schikaneder. Su estreno tuvo lugar en el popular Theater auf der Wieden de Viena el 30 de septiembre de 1791, dirigido por el propio Mozart y con Schikaneder interpretando el personaje de Papageno. Fue el último estreno del compositor, que moriría dos meses después, el 4 de diciembre, con solo treinta y cinco años. Hoy parece demostrado que fue Mozart quien propuso a Schikaneder (personaje multifacético: empresario, actor, cantante, libretista y director teatral), y no a la inversa, la creación de una ópera alemana  de carácter mágico. Quería repetir el gran éxito obtenido, en 1782, con el Singspiel Die Enführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo). El argumento ha sido muy controvertido, por su desordenado entramado. Parece ser que empezaron a redactarlo Schikaneder y el actor y cantante Ludwig Giesecke, junto al propio Mozart, y que cambiaron de criterio una vez escritas las primeras escenas, por lo que, de comedia mágica con una Reina atribulada por el rapto de su hija la princesa Pamina y el galante príncipe Tamino encargado de rescatarla, se convirtió en algo más complejo:  una apología de la francmasonería, a la que se alude claramente al convertir al malvado raptor de Pamina, en el sabio sacerdote Sarastro, quien gobierna un templo al que se accede superando unas pruebas donde se debe mostrar valor y firmeza de carácter. Tamino y Pamina, logran superarlas sellando así su amor, a pesar de las maquinaciones de La Reina de la Noche y de las tres damas a su servicio. El personaje más entrañable de la obra es el sencillo Papageno, cazador de pájaros, en principio al servicio de la Reina de la Noche, y posteriormente convertido en protector de la relación amorosa entre Pamina y Tamino. Este deslavazado argumento es cohesionado por la extraordinaria música de Mozart, en cuyo entramado orquestal se insertan las voces de los diferentes personajes como un instrumento más. Obviamente, al tratarse de una ópera de repertorio habitual, existen muchas grabaciones tanto en CD como DVD. Cabe citar dos grabaciones históricas, con magníficas orquestas y excelentes interpretes, tomadas en estudio y que pueden escucharse completas en YouTube. La primera de ellas fue realizada en Berlín entre 1937 y 1938, con el gran director inglés Sir Thomas Beecham, al frente de la Filarmónica de Berlín. En un ambiente ya prebélico, Beechan no pudo terminar la grabación; que, parece ser, fue concluida por un joven Herbert von Karajan. El reparto estaba encabezado por dos sensacionales interpretes: la soprano alemana Tiana Lemnitz como Tamina, ofreciendo una voz de gran pureza y plena de melancolía, junto al Tamino del tenor danés Helge Roswaenge, voz voluminosa y de gran belleza, con un magnífico fraseo y absoluto dominio del estilo mozartiano. La soprano Erna Berger realiza una excelente creación de la Reina de la Noche. La edición remasterizada por el sello NAXOS, mejora sensiblemente el sonido original. La segunda grabación  recomendada, fue la realizada por EMI, en 1950, con la bellísima respuesta orquestal de la Filarmónica de Viena dirigida por Herbert von Karajan, y un gran elenco vocal con el excelente Tamino del tenor esloveno Antón Dermota, auténtico estilista mozartiano, de una depurada línea de canto, junto a la soprano alemana Irmgard Seefried, una voz de gran belleza tímbrica que interpreta a una sensible y delicada Pamina. Wilma Lipp realiza una gran creación de La Reina de Noche, con magnífico dominio de la coloratura. El resto de personajes están interpretados por excelentes voces: el gran bajo Ludwig Weber, interpreta un sensacional Sarastro, Erich Kunz (Papageno), George London (Sprecher), Emmy Loose (Papagena). A mediados de los años cincuenta del pasado siglo, irrumpe en el panorama lírico el extraordinario tenor alemán Fritz Wunderlich, de bellísima vocalidad y gran temperamento dramático, cuya creación de Tamino resulta antológica, llegando a interpretarlo en muchas ocasiones. En 1964 (dos años antes de su muerte, con apenas treinta y seis años) interpretó Tamino en una grabación de estudio DEUSTCHE GRAMMOPHON, con Karl Böhm al frente de la Filarmónica de Berlín, el gran Hans Otter (Sprecher), Franz Grass (Sarastro), Dietrich Fischer-Dieskau (Papageno), Evelyn Lear (Pamina) y Roberta Peters (Reina de la Noche). Escuchar a Fritz Wunderlich en el aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, es un verdadero deleite canoro.

Existen dos tomas en video, que pueden escucharse completas en YouTube. La primera de ellas realizada en 1983, en la Ópera de Munich, con dirección orquestal de Wolfgang Sawalisch, y comercializada en DVD por DEUSTCHE GRAMMOPHON, con el magnífico Tamino del tenor mejicano Francisco Araiza, de bello timbre y perfecta adecuación estilística al repertorio mozartiano, junto a la excelente Pamina de la gran soprano checa Lucia Popp, con una voz de cristalina pureza, y la Reina de la Noche de Edita Gruberoba, quien muestra su absoluto dominio de la   coloratura. La segunda toma en video recomendada, fue realiza en la Ópera de Zurich, en le año 2000 y comercializada en DVD por ARTHAUS MUSIC, con dirección orquestal de Frantz Welser-Möst, con el magnífico Tamino del tenor polaco Piotr Beczala, cuya voz recuerda la de Fritz Wunderlich, junto a la Pamina de la soprano sueca Malin Hartelius, quien aporta belleza vocal y escénica. El gran bajo finlandés Matti Salminen, compone un imponente Sarastro. Clásica y muy adecuada la propuesta escénica de Jonathan Miller.

No puede decirse lo mismo del montaje escénico de Graham Vick, que ha podido verse en Valencia, con la coproducción del Palau de les Arts, la Ópera de Birminghan y el Festival de Macerata. Los espectadores que entraban en la sala quedaban sorprendidos por una serie de grandes cartelones colgados desde todos los pisos con reivindicativos mensajes: “Contra la violencia machista”, “En defensa de los derechos y la libertad”, “El sistema no puede combatir la corrupción porque la corrupción es el sistema”, “Pensiones justas, ya”. Cantidad de figurantes invadían tanto el escenario como los espacios de unos sufridos espectadores que, lo que pretendían, era pasar un buen rato escuchando la maravillosa música de Mozart. Y, todo ello, es el envoltorio de la propia escenografía, realizada por Stuart Nunn, (también responsable del diseño de vestuario), donde pueden verse tres edificios colindantes: uno de gran altura, en cuya parte superior, aparece el símbolo del euro (El poder financiero), una tienda de Appel (El poder informático, también sede del templo masónico) y una reproducción de la Basílica de San Pedro (El poder de la iglesia). De estos edificios, en algún momento de la función, salen cantidad de figurantes: ejecutivos financieros elegantemente vestidos y rodeados de mujeres sofisticadas, junto a militares y eclesiásticos de rojas púrpuras, que conforman los poderes fácticos, opresores de ese pueblo que se manifiesta con significativas pancartas: “No, es no”, “Nosotros también tenemos voz”, “No nos robéis el futuro”, “Diversidad, Igualdad y Unidad”, en las cercanías de esos emblemáticos edificios, acotados con defensivas vallas. El edificio financiero es girado en algún momento, pudiendo verse en su parte posterior, una batería de misiles ¡connivencia del poder económico y militar! o se nos muestra la parte posterior de la basílica, donde aparece una gran madonna, con la boca tapada ¡la  marginación de la mujer en los centros de poder del mundo eclesiástico católico! Resulta inadmisible la manipulación realizada por Graham Vick de los brillantes diálogos en alemán del texto original, con la inserción de frases en español, donde ese improvisado coro de figurantes actúa a modo de corifeo griego, advirtiendo a los personajes de las posibles consecuencias de sus acciones o reprochándoles su conducta. La pretensión de trasladar una obra inmersa en el mundo de finales del Siglo XVIII a la problemática actual, debería llevar por título: La Flauta mágica con música de Wolfgang Amadeus Mozart y texto de Emanuel Schikaneder, revisado por Graham Vick. El vestuario resulta variopinto, desde ese elegante traje de ejecutivo que porta Sarastro, hasta Papageno envuelto en un disfraz de pollo, pasando por Tamino vestido con chándal y Pamina con una vestimenta que recuerda a la muñeca Olympia de Los cuentos de Hoffmann, o las tres damas embutidas en monos de trabajadoras, que se quitan exhibiendo atractivas vestimentas en consonancia con la que lleva su jefa, la malvada Reina de la Noche ¡Ah! Y, también señalar la presencia de una pala excavadora que hace las veces de la serpiente que persigue a Tamino, y de unos patinetes donde se desplazan los niños soprano. Al final, el desplome de los tres edificios emblemáticos seguido de una macrodanza donde evolucionan todos los participantes ¡preámbulo de un mundo donde reina la paz y la armonía!

Ante tantos figurantes, con sus continuos movimientos escénicos, tiene mucho merito la labor directorial y concertadora de Lothar Koenigs, con el excelente sonido de la Orquesta de la Comunitat Valenciana, que ya se pone de manifiesto en la obertura, la más extensa compuesta por Mozart, con un sorprendente uso del contrapunto, y que tiene su continuación con esa música que envuelve el arioso de un asustado Tamino y la irrupción escénica de las tres damas. Destacar la resolución orquestal tanto del quinteto de Tamino, Papageno y las tres damas, como  del precioso dúo de Pamina y Papageno. La orquesta brilla de sobremanera en todo el amplísimo final del Acto I, con ese solemne acompañamiento que confiere auténtico énfasis al dúo de Tamino y el Sprecher, o el sonido de la flauta mágica en la segunda intervención solista de Tamino, junto a la música que marca la presencia escénica de Sarastro,  y el conjunto orquesta-coro, con el que concluye ese Acto I. Ya, en el Acto II, cabe resaltar el sonido orquestal introductorio con esa “Marcha de los sacerdotes” y la brillante combinación de orquesta y coro en el “Coro de los sacerdotes”. El sonido orquestal envuelve de manera brillante las dos intervenciones solistas de Sarastro. Muy destacada actuación orquestal en las intervenciones solistas de Papageno, con la continua presencia sonora del “glockenspiel”. Pero, sobre todo, cabe destacar, el excelente sonido orquestal en todo el amplio final de la obra, con momentos musicales de extraordinaria calidad: esa gran escena, donde, primeramente, intervienen los dos hombres armados del templo junto a Tamino, con unos sonidos que recuerdan un oratorio dramático, seguido de ese sublime dúo de Pamina y Tamino, en el que se insertan preciosos interludios orquestales donde luce el sonido de la flauta, junto a una coda conclusiva donde se conjuntan de manera brillantísima coro y orquesta. Como en tantos momentos de esta obra, se muestran los contrastes entre el mundo idealizado en el que se mueven Tamino y Pamina, y la realidad tangible, con ese cómico dúo de Papageno y Papagena, donde también –en otro plano- el sonido orquestal resulta muy brillante. Hermosa conjunción de orquesta, voces solistas y coro en el brillantísimo final de este Singspiel. Dentro del alto nivel de todas las secciones orquestales cabe destacar el sonido de oboes, clarinetes y fagots con una especial mención a la flauta solista.

Del extenso grupo de cantantes cabe destacar la magnífica Pamina de la soprano italiana Mariangela Sicilia, voz de atractivo timbre, con anchura y extensión, junto a un excelente fraseo y capacidad para las regulaciones de sonido. Ya muestra su calidad vocal en el precioso dúo con Papageno del Acto I, ofreciendo su mejor prestación en el aria del Acto II  “Ach, ich fühl’s, esist verschuwunden”, cantada con buen estilo mozartiano y gran capacidad dramatica. Magnífica su interpretación de ese sublime dúo “Tamino mein! O welch ein Glück” junto al Tamino interpretado por el tenor ucraniano Dmitry Korchak, de voz ancha con buen registro agudo, aunque mostrando carencias estilísticas, sobre todo al afrontar la dificilísima aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, que exige depurada técnica y gran expresividad. Su actuación mejora en el aria “Wie stark ist nicht dein Zauberton” acompañado por su flauta mágica. Destacar su intervención en el trío del Acto II junto a Pamina y Sarastro, interpretado por el bajo alemán Wilhelm Schwinghammer, de muy elegante presencia escénica, canta con estilo, aunque adolece de esas profundas notas graves que requiere el personaje. También está sometido a las ocurrencias de Graham Vick, teniéndose que mover por el patio de butacas y emitir algunas palabras en español. El barítono inglés Mark Stone, compone un gracioso Papageno, notable en el plano vocal y sobre todo interpretativo, teniendo también que cantar frases en español. Como Reina de la Noche, la soprano checa Tetiana Zhuravel, ofrece una atractiva presencia escénica; y, aunque su voz resulta  pequeña y en exceso ligera, logra resolver de manera notable la coloratura del aria “Der Hölle rache kocht in meinen Hertz”, con esas dificilísimas notas picadas. Bien el Monostatos de Moisés Marín. Muy graciosas las tres damas: Camila Titinger, Olga Syniakova y Marta Di Stefano, pertenecientes al Centro Plácido Domingo. Aceptable el Sprecher interpretado por el bajo Deyan Vatchkov. Notable la creación de Papagena de la soprano Júlia Farrés-Llongueras, quien, en su primera aparición, Graham Vick, la obliga a permanecer cual contorsionista en un pequeño contenedor, y que dota de auténtica comicidad  a su dúo con Papageno. Bien el resto de interpretes incluidos los tres niños-soprano que se desplazan en patinete.

El Coro de la Generalitat vuelve a mostrar su gran calidad en sus muchas intervenciones a lo largo de la obra.

 

Mariella Devia

Roberto Abbado dirige la Orquestra de la Comunitat Valenciana en este concierto que incluye piezas orquestales de Bellini, Rossini y Verdi.

La soprano italiana, que recientemente se ha despedido de la ópera escenificada, está considerada como una de las grandes divas del género.

Mariella Devia interpreta en el Palau de les Arts sus papeles más exitosos del repertorio belcantista el próximo sábado, 2 de junio, en el Auditori.

La soprano hará un repaso por algunas de las páginas que han cimentado sus 45 años de carrera como gran estrella del género, después de su apoteósica retirada de la ópera escenificada el pasado 19 de mayo en La Fenice de Venecia con tres funciones de ‘Norma’, de Bellini.

Acompañada por la Orquestra de la Comunitat Valenciana, y dirigida por Roberto Abbado, interpretará arias como ‘Di mia vita infelice’ de ‘Tancredi’, de Rossini; ‘Casta Diva’, de ‘Norma’, de Bellini, o ‘Merce dilette amiche’ de ‘I vespri siciliani’, de Verdi, que se intercalarán con pasajes como las oberturas de ‘Semiramide’, de Rossini, o ‘Luisa Miller’, de Verdi.

Mariella Devia ha sido aclamada por la crítica y el público como una de las grandes divas por su agilidad vocal, registro agudo y dominio absoluto de la técnica, que ha exhibido en los principales teatros del circuito internacional.

Su primer encuentro con el público de Les Arts tuvo lugar en 2008 con la ‘Gala Puccini’, que Plácido Domingo dirigió con motivo del 150 aniversario del nacimiento del compositor de Lucca. Su debut operístico, no obstante, llegaría siete años después.

En 2015, la soprano de Chiusavecchia protagonizó su primera ópera en escena en València, en una nueva producción de ‘Norma’, de Bellini, a la que seguiría en 2017 otra nueva producción de ‘Lucrezia Borgia’, de Donizetti, con la que Les Arts realizó su primera incursión en la emisión de ópera en ‘streaming’.

Reconocida por su trabajo con las nuevas generaciones de intérpretes, Mariella Devia ofreció el pasado mes de abril una serie de clases magistrales de canto a los artistas de la novena promoción del Centre Plácido Domingo.

Michael Fabiano

Desde que la debutó en la Washington National Opera (Estados Unidos) no han dejado de pedírsela. Michael Fabiano viajará al Palau de Les Arts de Valencia en marzo para ser el protagonista de una nueva producción de la raramente programada ópera de Verdi Il Corsaro, “una obra que se inscribe en ese período en el que el compositor soñaba con la unificación italiana y trasladaba a sus óperas los deseos de libertad de su pueblo, todo dicho muy entrelíneas”, afirma el tenor estadounidense respecto de un título que ha venido madurando desde 2014, cuando lo cantó por primera vez. “Se trata de una obra que recoge la herencia del belcantismo, pero en la que Verdi ya apunta maneras y crea escenas de alto contenido dramático”, comenta Michael Fabiano.

El cantante norteamericano aterrizará en Valencia después de haber conseguido un gran triunfo en la temporada bilbaína con su inigualable Chevalier Des Grieux de Manon de Massenet, “un papel que me va muy bien tanto en lo vocal como en su temperamento, y que es muy romántico. En noviembre también lo canté en San Francisco, o sea que llevaba varios meses con el personaje. Junto al Corrado de Il Corsaro conformará un adecuado contraste, ya que este último además posee tintes heroicos, aunque su línea es casi puro bel canto”.

Michael Fabiano vuelve a España para debutar en Valencia después de haber comenzado la temporada como Rodolfo de La Bohème en una nueva producción en la Royal Opera House de Londres, de pasear su Des Grieux por San Francisco y Bilbao, de cantar el Duca de Rigoletto en la Royal Opera de Londres y de unas cuantas funciones de Lucia di Lammermoor en la Metropolitan Opera de Nueva York, título que después de su debut valenciano continuará cantando en mayo en ese mismo escenario.

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Las cinco representaciones de Peter Grimes que han tenido lugar en el Palau de les Arts, se han saldado con un importante triunfo, debido a la excelente conjunción de escenografía, dirección escénica, un magnífico rendimiento orquestal, magníficas prestaciones de las voces solistas, bien complementadas por unas notables intervenciones del resto de interpretes que componen el extenso reparto de esta ópera. Y, sobre todo, una muy brillante actuación –como siempre- del Coro de la Generalitad Valenciana, verdadero protagonista de la obra. Destacar, el interés del Palau de les Arts, por alternar títulos del repertorio más tradicional, con otros como este Peter Grimes, que se complementa con otras dos óperas de Britten: El sueño de una noche de verano y Otra vuelta de tuerca, representadas en pasadas temporadas. Sin duda, en el transcurso de estas representaciones de Peter Grimes, el interés del público por asistir a ellas ha ido en aumento, sobre todo por la excelente acogida que tuvo la primera de las funciones.

Edward Benjamin Britten, Baron de Britten (Lowestoft, Condado de Suffolk, Inglaterra, 22 de noviembre de 1913 – Aldeburgt, Condado de Suffolk, 4 de diciembre de 1976) fue uno de los músicos más importantes y singulares del Siglo XX, con una importante producción sinfónica, concertística y sobre todo de óperas con trece títulos, que le sitúan como un gran compositor del género, durante el pasado siglo, junto a Richard Strauss, Leos Janacek y Giacomo Puccini. Peter Grimes surgió como encargo de Sergei Koussevitzky, director de la Orquesta Sinfónica de Boston, durante la estancia de Britten en EEUU, entre 1939 y 1942. Con un libreto de Montagu Slater a partir del poema The Borougt (El Pueblo) de George Crabbe, donde también intervinieron de manera importante, el propio Britten junto al tenor Peter Pears (colaborador y compañero sentimental de Britten) para quien estaba destinado el papel de Peter Grimes. El estreno tuvo lugar en el londinense Teatro Sadler’s Wells el 7 de junio de 1945, solo un mes después de concluida la Segunda Guerra Mundial. A la euforia del triunfo conseguido por Britten y Pears, se añadió el orgullo que representaba el nacimiento de una nueva ópera inglesa, la primera desde la muerte Henry Purcell en 1695 o desde la última obra teatral de Häendel en 1741. Peter Grimes es un pescador solitario, soñador y a la vez primitivo y brutal, totalmente marginado por el entorno social donde habita, y al que solo tratan y respetan la maestra del pueblo Ellen Orford, enamorada de él y el capitán Balstrode, viejo marino ya jubilado. Grimes a perdido de manera sucesiva y accidental a tres de sus grumetes, lo que le conduce a la locura y a un trágico final. Britten trató un tema recurrente en la mayoría de sus óperas: el drama de personajes marginales enfrentados a una sociedad hostil, hipócrita y cruel que acaba exterminándolos. Musicalmente es una obra prodigiosa, plena de imaginación, ingenio y eclepticismo, en el que se dan la mano influencias diversas: Verdi, en la fusión de orquesta, voz y situación dramática; Debussy, Mahler y Richard Strauss, en la pintura armónica y el colorido orquestal; Stravinsky, en la imponente fuerza rítmica; Puccini, sobre todo de su Fanciulla del West. También, cabe señalar ciertas influencias de la Lady Macbeth de Dimitri Shostakovich, quien fue gran amigo de Britten, dedicándole su Sinfonía nº 14. En su estructura formal, se muestran las claras divisiones entre recitativos, arias, dúos y números de conjunto, con una unidad dramática admirable y un protagonismo orquestal que agita la tensión dramática y une las siete escenas de la ópera con seis interludios sinfónicos de poderoso efecto.
Después de sus primeras funciones londinenses, y en solo tres años, Peter Grimes se estrenó en Estocolmo, Amberes, Zurich, París, Milán, Nueva York y Los Ángeles. Su muy tardío estreno en España tuvo lugar en el Teatro de La Zarzuela de Madrid en 1991 y posteriormente fue representada en el Teatro Real de Madrid, en 1997. Después de su fuerte impulso inicial, la ópera fue representada escasamente en los años cincuenta del pasado siglo. A partir de 1963, volverá al escenario de su estreno en el londinense Teatro Sadler’s Wells, dirigida por Colin Davis, quien se convertirá desde entonces y durante más de cuarenta años, en el gran avalista de Peter Grimes. Existen diferentes grabaciones tanto en CD como DVD, que permiten una aproximación a esta ópera. En 1958, se realizó la primera grabación de estudio para el sello DECCA, con la Sinfónica de Londres dirigida por el propio Benjamin Britten y un excelente Peter Pears como Peter Grimes. En 1969, la BBC realizó una filmación, magníficamente ambientada, con dirección de Brian Large, en la actualidad comercializada en DVD por DECCA, de nuevo con Britten al frente de la Sinfónica de Londres, el Coro Ambrosiano y un Peter Pears, que une a su gran actuación vocal una extraordinaria creación escénica, junto a la Ellen Orford, magníficamente interpretada por la soprano Heather Harper, quien durante bastantes años será el autentico referente de este personaje. El tenor canadiense John Vickers interpretó por primera vez Peter Grimes, en enero de 1967, en el Metropolitan de Nueva York, con dirección musical de Colin Davis, convirtiéndose desde entonces, en un papel esencial de su repertorio, llegando a interpretarlo durante el resto de su carrera, en más de cien funciones, en los grandes teatros de todo el mundo. La creación de Vickers resulta excelente en el plano vocal, exhibiendo un contrastado e incisivo fraseo y dotando a su actuación de gran expresividad, resaltando la faceta salvaje y enloquecida del personaje. Vickers realizó una grabación de estudio para el sello PHILIPS, en 1978, junto a Heather Harper, con dirección de Colin Davis al frente de la Orquesta del Covent Garden. Existe una toma en video comercializada en DVD por WARNER MUSIC, de 1981, realizada en el Covent Garden, de la famosa producción con dirección escénica de Elijah Moshinsky y musical de Colin Davis, donde Vickers realiza una creación antológica de Peter Grimes, de nuevo en compañía de Heather Harper. Peter Pears o John Vickers, son los más grandes Peter Grimes de la historia, sus creaciones son muy diferentes pero complementarias para dar una imagen completa de ese complejo personaje.

En estas funciones valencianas se ha utilizado la histórica producción de 1994, para el Théâtre de Monnaie de Bruselas, dirigida por Willy Decker, que ya pudo verse en el Teatro Real de Madrid en 1997. En esta reposición han sido François de Carpentries y Rebekka Stanzel, los responsables de la dirección escénica, con excelentes resultados. La sencilla escenografía consta de un suelo en pendiente donde se mueven unos grandes paneles que van acotando los diferentes espacios: la Iglesia, la cabaña de Grimes; y, la lúdica taberna, con tonalidades rojas que le dan un inquietante aspecto, realzado por la magnífico diseño de iluminación de Trui Malten, sobre todo cuando se abre la puerta y una gran sombra distorsionada de Grimes se proyecta sobre la pared, con un tono claramente expresionista. Y, sobre todo, ese fondo marino, más intuido que visualizado, que domina toda la obra. En esta escenografía juegan un papel muy importante los numerosos figurantes (protagonistas y miembros del coro) que se mueven sobre el escenario en compactos grupos, dando auténtico realce al desarrollo de la acción dramática. Resaltar escénicamente toda la parte final de Acto II, donde, se van mezclando espacios visibles con otros en off: la comitiva que se forma a la puerta con todos los notables del pueblo, conducida por el arriero Hobson tocando el tambor, en dirección a la cabaña de Grimes, y que desaparece de escena, donde solo quedan, en un primer plano, cuatro mujeres: La tabernera Auntie, sus dos sobrinas y Hellen Orford; y, al fondo del escenario pueden verse ascender a derecha e izquierda las oscuras siluetas, a modo de aves de rapiña de otras mujeres, que finalmente conforman un oscuro y acechante grupo, que actúa como contrapeso al de las cuatro mujeres situadas en primer plano perfectamente visibles. La acción dramática continua en el arranque del Acto III, en otro espacio visible: la cabaña donde se encuentran Peter Grimes y su grumete, quienes comienzan a escuchar el sonido de tambor que anuncia la llegada de la comitiva antes citada, lo que produce gran alteración a Grimes, quien obliga al grumete a bajar hacia el mar por un acantilado, donde acaba despeñándose; Grimes va a auxiliarlo (otra escena en off.) quedando la cabaña vacía, en la que irrumpe la comitiva, ya de nuevo visualizada. Destacar también, el impresionante final de la primera parte del Acto III, muy bien resuelta escénicamente, mostrando a una vociferante y enloquecida multitud, en compacto grupo, que pretende linchar a Grimes. En suma, una magnífica escenografía de John Macfarlane, también responsable del diseño de vestuario (a base de colores negros y rojos) adecuado al tiempo –hacia 1830- en que se desarrolla la acción.

La Orquesta de la Comunitat Valenciana brilló a gran altura, dirigida por el norteamericano Christopher Franklin, a quien se le puede reprochar no cuidar debidamente las dinámicas, con propensión a ofrecer, por momentos, una línea sonora un tanto plana, utilizando en demasía los sonidos en forte. Ello se puso de manifiesto, sobre todo en los grandes “tutti orquestales”, donde se percibía cierta dificultad en la diferenciación de planos sonoros, con preponderancia de los metales sobre el resto de las secciones. Ello no es óbice para destacar el magnífico rendimiento de todas las secciones orquestales, con una magnífica cuerda, y el gran lucimiento de diferentes instrumentos, sobre todo en esos preciosos “Interludios marinos”: en el primero de ellos “Dawn (El Alba)” a modo de preludio del Acto I, de naturaleza descriptiva, donde brilla de sobremanera el sonido de las flautas y de los violines en registro agudo (muy presente durante el desarrollo de toda la escena primera del Acto I) que sugiere el vuelo y los gritos de las gaviotas o la conjunción de clarinetes, violas y arpa para mostrar el fluir de las olas. En el cuarto interludio el famoso “Passacaglia”, situado entre las dos escenas del Acto II, con las destacadas intervenciones de los metales en conjunción con la cuerda, y de las trompas junto al arpa o ese brillantísimo final donde confluyen el sonido de viola y celesta que va desvaneciéndose hasta desaparecer. Muy brillante la ejecución del quinto interludio “Moonligh (Claro de luna)” con el que comienza el Acto III, con ese imponente sonido de la cuerda a modo de marcha fúnebre donde se insertan, por momentos, flautín y flauta y se van incorporando los metales en un gran crescendo, para concluir con el sonido conjunto de xilófono y arpa. Destacar también, en la conclusión del Acto II, el sonido conjuntado de fagots y celesta. Impresionante sonido orquestal en conjunción con el coro, en el concertante con el que concluye la primera escena del Acto III.

Gregory Kunde interpretaba por segunda vez Peter Grimes, la primera fue en la Ópera de Roma en 2013, y su prestación resultó muy notable en el plano vocal y sobre todo en el dramático, penetrando en la psicología de este complejo personaje. Muy bien en su soliloquio del Acto II “Now the Great Bear (Ahora la Osa Mayor)” donde, mirando a las estrellas, medita sobre su desgraciado destino. Interpreta de manera notable en el Acto II el aria “In dreams l’ve built (En mis sueños había construido)” donde alterna momentos de gran lirismo, con esas típicas inflexiones muy puccinianas, con otros donde el canto adquiere agresividad y violencia. Y, está muy brillante, con una muy matizada y teatral interpretación, de su soliloquio final “Steady! There you are……What harbour scheters peace (¡Calma! ¡Estás aquí!……¿En que puerto es posible encontrar la paz?)” Donde ya, completamente enloquecido piensa, de nuevo, en ese triste destino del que no puede escapar, y acaba sollozando y lleno de desesperación. Kunde está magnífico en los dúos Ellen Orford: el que interpretan a cappella, en el Prólogo, lleno de esperanza, donde ambos hacen planes de futuro, con una delicada línea de canto; y, sobre todo, el del Acto II, donde contrastan la serenidad y cordura de Ellen con el comportamiento violento e irracional de Peter. Notable su interpretación en el gran dúo del Acto I, con el capitán Balstrode (bien interpretado por el barítono Robert Bork) donde Grimes manifiesta todos su sueños y esperanzas y las grandes contradicciones de su personalidad, en contraste con la visión realista y atinada de Balstrode, quien con sus consejos a Grimes, muestra el gran aprecio que siente por él. La soprano norteamericana Leah Partrigge muestra ciertas carencias en los registros grave y central, pero está en posesión de unos excelentes agudos y de la gran teatralidad que confiere a su interpretación. Está magnífica en su enfrentamiento con la multitud, en el Acto I, y realiza una magnífica y matizada interpretación con una exquisita línea de canto, en su aria del Acto III “Embroidery in chilhood (cuando era pequeña)”, seguida del dúo con Balstrode. Destacar también su gran interpretación en el precioso cuarteto –una aguda reflexión del papel de las mujeres en su relación con los hombres- con la tabernera Auntie (discretamente interpretada por la mezzo Dalia Schaechter) y sus dos sobrinas bien interpretadas por las sopranos Giorgia Rotolo y Marianna Mappa, ambas pertenecientes al Centro de perfeccionamiento Plácido Domingo. Rosalind Plowright realizó una importante carrera como soprano en los años setenta y ochenta del pasado siglo, aunando una buena vocalidad y una magnífica presencia escénica. Aquí como mezzo y sensiblemente envejecida, realiza una notable interpretación de la chismosa y malévola Mrs. Sedley. Bien el resto del extenso reparto.

Mención especial merece el Coro de la Generalitad Valenciana, brillando a un altísimo nivel durante sus numerosas intervenciones a lo largo de toda lo ópera. Cabe destacar su interpretación en el transcurso de la primera escena del Acto I, y que, en una perfecta estructura simétrica, también cierra la ópera, cuando Ellen Orford y el Capitán Balstrade, después de la tragedia, vuelven a integrarse en la dinámica de la comunidad. En fin, un excelente Peter Grimes.

Il mondo della luna

El Palau de les Arts Reina Sofía alberga los primeros ensayos de la ópera ‘Il mondo della luna’, de Haydn, bajo la supervisión de Emilio Sagi, director de escena de este montaje operístico que interpretan los artistas del Centre Plácido Domingo.

El Teatre Martín i Soler estrenará el 8 de marzo esta hilarante ópera bufa sobre los engaños a un inocente burgués apasionado por la astronomía. La obra se representa con el montaje del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con la Ópera de Montecarlo, que ganó en 2013 el Premio Campoamor a la mejor nueva producción.

Daniel Bianco (escenografía), Pepa Ojanguren (vestuario), Albert Faura (iluminación) y Nuria Castejón (coreografía) conforman el equipo creativo de ‘Il mondo della luna’.

Se trata, además, de la segunda ocasión en que Sagi trabaja con los jóvenes cantantes del Centre Plácido Domingo. En el año 2012, el ‘regista’ ovetense presentó en València la primera zarzuela de este proyecto: ‘El dúo de La Africana’, de Fernández Caballero, que se convirtió en el primer espectáculo en agotar el aforo del Teatre Martín i Soler.

La dirección musical recae en Jonathan Brandani, maestro italo-norteamericano que desarrolla una emergente carrera en Europa y Estados Unidos, además de destacar por sus incursiones en música antigua con su formación en L’Eloquenza.

Brandani y Emilio Sagi trabajan desde esta semana con los cantantes del Centre Plácido Domingo que integran el reparto: Vicent Romero (Ecclitico), Olga Syniakova (Ernesto), César Méndez y Jorge Álvarez (Buonafede), Annya Pinto (Clarice), Giorgia Rotolo (Flaminia), Andrés Sulbarán (Cecco) y la antigua alumna del Centre Nozomi Kato (Lisetta).

El reparto se completa con la sección de tenores y bajos del Cor de la Generalitat Valenciana.

Basado en una obra de Carlo Goldoni, comediógrafo italiano que tanto escribió sobre los cambios sociales de finales del siglo XVIII, el libreto cuenta un divertido complot para lograr que el acaudalado protagonista (Buonafede) consienta los matrimonios de sus hijas (Clarice y Flaminia).

Ante las pretensiones del progenitor, que quiere desposar a las jóvenes con ricos aristócratas, los interesados pretendientes (Ecclitico y Ernesto) se aprovechan de su interés por los astros para urdir el engaño y hacerle creer que viajará a la Luna.

Según explicó el propio Emilio Sagi en la presentación del montaje, la obra “trata de escarnecer a un personaje a la antigua y muy machista, que tiene una idea de la mujer completamente anticuada y, obviamente, sale escaldado”.

Para esta producción, el director de escena de Oviedo retoca el argumento original y traslada el enredo al siglo XX, en un ambiente de cabaré y fantasía, enmarcado en la escenografía diseñada por Daniel Bianco.

Las entradas para ‘Il mondo della luna’ tienen un precio único de 35 euros. Además del estreno el día 8 de marzo, el Teatre Martín i Soler acogerá más funciones los días 10 y 14 de marzo. El aforo de la representación del día 12 está reservado al público del Programa didáctico, dentro del Plan de acción social de Les Arts.

Peter Grimes de Benjamin Britten.

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena el jueves, 1 de febrero, ‘Peter Grimes’, de Benjamin Britten, una de las obras maestras del siglo XX, además de la mejor ópera inglesa desde ‘Dido and Aeneas’ de Henry Purcell (1689). Christopher Franklin, en el foso, y Willy Decker, como director de escena de esta producción del Teatro de La Monnaie (Bruselas), abordan la primera ópera de Les Arts en 2018. Un acontecimiento que supone, además, el debut escénico de Gregory Kunde en el rol del atormentado marinero, estigmatizado, perseguido y abocado al suicidio por un supuesto maltrato a sus aprendices.

Especialistas en el repertorio inglés lo acompañan sobre el escenario: Leah Partridge (Ellen Orford), Robert Bork (Balstrode), Dalia Schaechter (Auntie), Andrew Greenan (Swallow), Charles Rice (Ned Keene), Ted Schmitz (Reverend Adams), Richard Cox (Bob Boles) y Lukas Jakobski (Hobson), junto con la legendaria diva Rosalind Plowright en el papel de Mrs. Sedley.

Benjamin Britten aborda en ‘Peter Grimes’ dos temas recurrentes en su legado: el enfrentamiento de un individuo con la sociedad y también la pérdida de la inocencia. A través de la figura del protagonista, el compositor inglés explora los efectos psicológicos de la exclusión en quienes contravienen los códigos convencionales.

Así lo apunta el director musical, Christopher Franklin, que destaca la “contemporaneidad” de la obra. “No es una ópera sobre mitos, ni sobre dragones, princesas, cortes o reyes… sino que trata un tema que, hoy en día, sigue siendo muy actual, el modo en que la sociedad, como un todo, reacciona contra un individuo”.

Musicalmente, Benjamin Britten hace gala de un gran instinto dramático al aglutinar en el pentagrama los diferentes ambientes por los que transita ‘Peter Grimes’, desde los delirios a los arrebatos del pescador, las canciones populares en la posada de Auntie, la tormenta o los cantos dominicales en la iglesia, otorgándole al mar un inusitado protagonismo como personaje encarnado por la orquesta, testigo continuo y presente del drama humano.

Franklin, que dirige su segunda obra del compositor inglés en València después de ‘The Turn of the Screw’ en 2017, añade que se trata de una “ópera casi wagneriana, en el sentido de que se usa el coro como el coro en el teatro griego: es el reflejo de la sociedad”.

Tras su celebrada ‘Traviata del reloj’, que cautivó en el Festival de Salzburgo y que el centro de artes programó dentro del bicentenario del nacimiento de Verdi, Willy Decker presenta ‘Peter Grimes’. Un montaje del consagrado director, con escenografía y vestuario de John Macfarlane, iluminación de Trui Malten y coreografía de Athol Farmer, que ha recibido el elogio unánime de crítica y de público desde su estreno en 1994.

Decker enfatiza el papel del mar en su propuesta, un mar que “determina en su violencia el comportamiento de los hombres”. Su violencia se refleja en la violencia de los hombres y de sus actos: la tierra firme y el mar, el hombre y la naturaleza, se encuentran atrapados en las garras el uno del otro… En todos los sentimientos, principalmente en la angustia y en los deseos, siempre está presente”.

Para su puesta en escena, el ‘regista’ alemán recurre a imágenes de “su inmensidad y violencia y representa los efectos que produce el mar en el alma de los hombres”.

“Un papel con el que sueña todo tenor”

Desde que cantara su primer ‘Otello’ en España bajo la dirección de Zubin Mehta en el Festival del Mediterrani de 2013, Gregory Kunde es uno de los artistas de referencia en la programación de Les Arts, con destacados debuts en València, como Don Álvaro en ‘La forza del destino’ o el rol protagonista en ‘Samson et Dalila’.

El tenor estadounidense ya cantó en 2013 la versión en concierto de esta ópera bajo la dirección de Antonio Pappano. Una actuación que le valió la comparación con el mismísimo Sir Peter Pears, el tenor y amante de Benjamin Britten para el que el genio inglés compuso este papel, y quien estrenó la obra el 7 de junio de 1945 en el Teatro Sadler’s Wells de Londres.

Ante su primera representación de ‘Peter Grimes’, Kunde equipara el personaje con otro determinante en su carrera actual. “Para mí es como el ‘Otello’ de Verdi: un papel con el que sueña todo tenor”.

“Es el mejor trabajo de Britten –prosigue–. Le conocemos muchos otros títulos: ‘Death in Venice’, ‘Billy Budd’… pero, en mi opinión, esta es la obra maestra de sus óperas. Y si hablamos del siglo XX, diría que es una de las cinco mejores de ese siglo. Ya nadie la considera ópera moderna, porque se ha convertido en pieza de repertorio, lo que es fantástico”.

Leah Patridge encarna a Ellen Orlford, la maestra del pueblo y la más ferviente defensora de Grimes. Se trata de su segunda visita a Les Arts tras cantar el papel de Helena en ‘A Midsummer Night’s Dream’ en 2016 con Roberto Abbado.

La soprano estadounidense considera que cantar la obra de Britten supone “experimentar un cambio de vida”. “Una vez que con tus habilidades musicales logras apreciar y trabajar a Benjamin Britten, sientes como si accedieras a otro mundo de expresión”, explica.

“Cada vez que escucho esta obra me sorprende cómo pudo pensar en escribirla… El modo en que capta el mar, la mañana, cómo plasma la escena en la posada de Auntie… En su música, todo es muy visual. Hay momentos verdaderamente espeluznantes y otros provocadores. Nunca me canso de escuchar esta música, ni de cantarla”.

Rosalind Plowright interpreta a la Señora Sedley, “la mala de la historia”, en palabras de la propia diva, que aborda con este papel lo que ella denomina su “tercera carrera” tras 35 exitosos años sobre los escenarios.

Brillante soprano ‘spinto’, reconvertida posteriormente en ‘mezzosoprano’ y actualmente especializada en papeles de carácter, califica a la Señora Sedley como “alguien desagradable, muy desagradable”.

“Ella lo exagera todo mucho más, y quiere realmente que Peter Grimes se hunda”, apostilla.

Les Arts estrenará el 1 de febrero ‘Peter Grimes’, el segundo título de Britten que se presenta en la Sala Principal, después de ‘A Midsummer Night’s Dream’. Las restantes funciones tendrán lugar los días 4, 7, 10 y 13 de ese mismo mes.

Ramón Gener

El humanista y divulgador musical Ramon Gener desvela los secretos ‘Don Carlo’, de Verdi, al público del Palau de les Arts Reina Sofía, el miércoles, 29 de noviembre, a las 19.30 h en el Aula Magistral.

El centro de artes retoma así el ciclo de conferencias-espectáculo ‘Les Arts és òpera’ después de la excelente acogida la pasada temporada. Con su habitual lenguaje didáctico y materiales audiovisuales, el presentador del célebre programa “This is Opera” visitará Les Arts para analizar los títulos que conforman el abono operístico del teatro: ‘Don Carlo’, de Verdi; ‘Peter Grimes’, de Britten; ‘Il corsaro’, de Verdi; ‘Tosca’, de Puccini; y ‘La damnation de Faust’, de Berlioz.

Las conferencias tendrán lugar en el Aula Magistral, con una capacidad de 380 espectadores, y será necesario solicitar previamente localidad para su asistencia. A través del apartado de Venta de Entradas de www.lesarts.com y dentro de las fechas indicadas, se podrá retirar un máximo de 2 invitaciones por solicitante.

Mañana martes, 28 de noviembre, de 10.00 h a 23.59 h, o hasta completar el aforo disponible, el público general podrá adquirir sus entradas para la conferencia de ‘Don Carlo’.

Ramon Gener

Licenciado en Humanidades y en Ciencias Empresariales. Empezó su formación como músico estudiando piano en el Conservatorio del Liceo y la completó con Anna Maria Albors. Por recomendación de la soprano Victoria de los Ángeles empezó a estudiar canto bajo su supervisión. Completó sus estudios vocales en Varsovia con el barítono Jerzy Artysz y en Barcelona con el tenor Eduard Giménez. Después de una carrera de varios años como barítono dejó de cantar y empezó una nueva etapa como divulgador musical ofreciendo conferencias sobre música «clásica» y ópera.

El eco y la repercusión de estas conferencias lo llevaron hasta el mundo de la televisión. Primero a TV3 con el programa «Òpera en texans” y después a la escena internacional con «This is Opera», una coproducción española y alemana grabada en inglés y español que se puede ver en muchos países del mundo. En la radio colabora de forma habitual en el programa «Hoy por hoy» de la cadena SER y en el programa «Versió RAC1». También se ha introducido en el mundo literario con la publicación de «Si Beethoven pudiera escucharme» (2013) y «El amor te hará inmortal» (2016).

Andrea Caré

Andrea Carè, uno de los tenores más importantes de su generación, acaba de triunfar en el Teatro Real de Madrid interpretando a Pinkerton en Madama Butterfly y a Don José en Carmen. Ahora prepara su debut en el Palau de Les Arts de Valencia donde volverá a ser el protagonista de la ópera de Verdi Don Carlo, título que el interprete italiano ya ha cantado en Canadá, Francia y en el mítico Bolshoi de Moscú. “Se trata de un personaje fascinante por la complejidad psicológica que representa y por su dificultad vocal e interpretativa, aunque creo que se adapta muy bien a mi instrumento”, apunta el tenor, entusiasmado con cantar esta ópera en España, país en el que se ambienta la acción. Esta vez encarnará al infante nada menos que junto al Rodrigo de Plácido Domingo, artista con el que Andrea Carè ha coincidido en varias oca-siones y con quien tiene grabado Nabucco en DVD (Sony). Ganador de la Spoleto International Opera Competition (2005), ha perfeccionado su arte con la mítica soprano Raina Kabaivanska así como con el legendario Luciano Pavarotti. Y si en próximas temporadas debutará en el Metropolitan de Nueva York y en la Ópera de Viena, Carè ya ha actuado en algunos de los escenarios más importantes del mundo, como la Royal Opera House del Covent Garden de Londres, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Regio de Turín, la Ópera de Roma, la Deutsche Oper de Berlín, el China NCPA de Pequín o el Teatro alla Scala de Milán. Con esta producción valenciana, Carè consolida su presencia en el mercado operístico español después de sus debuts en Barcelona y Madrid.

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Jaume Aragall

El legendario tenor catalán Jaume Aragall se encuentra esta semana en el Palau de les Arts Reina Sofía para preparar el debut de la novena promoción del Centre Plácido Domingo en Castellón.

Los jóvenes artistas, acompañados por la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), bajo la dirección de Alan Buribayev, interpretan fragmentos de óperas de Mozart y Rossini el sábado, 21 de octubre, en el Auditori de la capital de La Plana, a las 19.30 horas.

Aragall, “la voz más bonita del siglo XX” según Luciano Pavarotti, se suma con esta acción a la nómina de grandes voces de la lírica que trabajan con los jóvenes artistas del Centre de Perfeccionament, que, además del propio Plácido Domingo, incluye figuras como los bajos italianos Ruggero Raimondi o Luigi Roni, y a la que próximamente se sumará la soprano Mariella Devia.

Los cantantes Jorge Álvarez, Arturo Espinosa, Marianna Mappa, Andrea Pellegrini, Annya Pinto, Vicent Romero, Giorgia Rotolo, Elena Schirru, Andrés Sulbarán, Olga Syniakova y Maria Volgina trabajan actualmente con Jaume Aragall fragmentos de la Trilogía Mozart – Da Ponte y de ‘La flauta mágica’, así como piezas de las óperas rossinianas ‘Semiramide’, ‘La Cenerentola’ o ‘L’italiana in Algeri’.

Además, el tenor dedica parte de estas clases magistrales a las nuevas voces que se han incorporado este mes de septiembre al Centre Plácido Domingo, a los que asesora tanto en el desarrollo de su repertorio como en materias técnicas.

De manera paralela, Alan Buribayev se encuentra inmerso en los ensayos con la formación titular de Les Arts. El maestro kazajo, director musical de la Ópera de Astana (Kazajistán) y principal director invitado de la Japan Century Symphony Orchestra en Osaka, debuta al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana con este concierto, que incluye las oberturas de ‘Don Giovanni’, de Mozart, e ‘Il barbiere di Siviglia’, de Rossini.

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