El Palau de les Arts inaugura el viernes, 27 de septiembre, la temporada 2019-2020 con el estreno en la Sala Principal de ‘Le nozze di Figaro’, de Mozart.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado en conferencia de prensa este montaje acompañado de su director musical, el británico Christopher Moulds, así como de Emilio Sagi, artífice de la puesta en escena.

“Mozart es un compositor imprescindible para cualquier teatro con vocación internacional y así va a ser en Les Arts a partir de esta temporada, en la cual ya podremos escuchar un título inédito para nuestro público, como es ‘La finta giardiniera’, el próximo mes de noviembre”, ha señalado Iglesias Noriega. “Y también es un autor indispensable dentro de nuestro compromiso con la formación de nuevos públicos. Por eso, ‘Le nozze di Figaro’ es uno de los títulos que Les Arts ha programado con precios populares, entre 18 y 60 euros, pero con el mismo nivel artístico que el resto de las propuestas de la temporada”, ha señalado.

Christopher Moulds, internacionalmente reconocido por sus trabajos en el Barroco y Clasicismo musical, debuta con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

El maestro británico, que ha tenido palabras de elogio para los cuerpos estables del teatro, ha trabajado desde la perspectiva de la música de cámara para extraer un sonido más clásico de la OCV, ‘una formación de costumbres románticas’, tal y como ha apuntado.

Emilio Sagi firma la puesta en escena de ‘Le nozze di Figaro’, que es una coproducción del Teatro Real de Madrid con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO) y el Teatro Nacional de Ópera y Ballet de Lituania, con escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Renata Schussheim, iluminación de Eduardo Bravo y coreografía de Nuria Castejón.

Figura imprescindible en la historia de Les Arts, donde ha presentado producciones como ‘La bruja’, ‘El rey que rabió’, ‘El dúo de ‘La Africana’’, ‘Katiuska’, ‘Luisa Fernanda’, ‘Lucrezia Borgia’, ‘Tancredi’, ‘Il mondo della luna’ o ‘Rigoletto’, Sagi reproduce con fidelidad la sensualidad de la ciudad de Sevilla a mediados del siglo XVIII.

El director ovetense, que considera ‘Le nozze di Figaro’ como una pieza teatralmente perfecta en la que caben alteraciones, plantea un Mozart ‘hiperrealista’, exagerando el carácter español del argumento, con elementos como el vestuario de Schussheim, de corte claramente goyesco.

Les Arts reúne en este reparto a reconocidas voces del repertorio mozartiano, con dos de las sopranos españolas más internacionales, María José Moreno y Sabina Puértolas, en los papeles de Condesa de Almaviva y Susanna, respectivamente. Asimismo, el centro de artes presenta al barítono canadiense Robert Gleadow, aclamado por público y crítica como el nuevo intérprete de referencia en el rol de Figaro.

El emergente barítono polaco Andrzej Filończyk, como el Conde de Almaviva; o la sobresaliente ‘mezzosoprano’ rossiniana Cecilia Molinari, que interpreta al ingenuo Cherubino, cierran el quinteto protagonista. Completan el elenco de la producción la soprano Susana Cordón, el bajo-barítono Valeriano Lanchas, el tenor José Manuel Montero, el bajo Felipe Bou, y los artistas del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo Joel Williams, Vittoriana De Amicis, Aida Gimeno y Evgeniya Khomutova.

‘Le nozze di Figaro’ se representará en Les Arts el 27 y el 29 de septiembre, así como los días 2, 4 y 6 de octubre en la Sala Principal.

‘Le nozze di Figaro’

‘Le nozze di Figaro’ es una ópera bufa en cuatro actos con libreto en italiano de Lorenzo Da Ponte, que se basó en la obra de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, ‘Le mariage de Figaro’.

Con este título comienza la llamada trilogía Mozart-Da Ponte, que surge como fruto de la colaboración del compositor de Salzburgo con el exitoso libretista de Treviso, Lorenzo Da Ponte, y a la que pertenecen ‘Don Giovanni’ y ‘Così fan tutte’.

Ambientada en la segunda mitad del siglo XVIII, en la residencia de un noble español en los campos de Sevilla, ‘Le nozze di Figaro’ escenifica el conflicto moral en torno al derecho feudal de pernada. De fondo, un fresco de la vida cotidiana en el que evolucionan los siervos, los burgueses y los señores al son de la burla final a las leyes arcaicas de que aún gozan los señores.

La obra está considerada un canto en pro de un nuevo orden social en el que el don de la inteligencia nada le debe al dinero y la cuna, y el valor de las clases fabriles se contrapone a la inoperancia frívola de las clases dominantes y pasivas. Su estreno tuvo lugar el 1 de mayo de 1786 en Viena, a tres años del estallido de la Revolución Francesa.

La nueva temporada supone el aumento en un 30 % de la actividad de Les Arts dirigida al público con una propuesta variada que, además de ópera, zarzuela y música sinfónica, incluye danza, ‘lied’, flamenco y otras músicas.

El conseller Marzà ha destacado que “esta programación plasma el gran trabajo realizado por las personas que me acompañan y que están haciendo realidad Les Arts que queremos: un espacio de excelencia operística, abierto a la sociedad y con una programación más amplia para atraer nuevos públicos”, a lo que ha añadido: “Les Arts es ópera, sin duda, pero también es para todos, y la nueva programación ahonda en las artes que acompañan a la ópera y se enriquece mucho con nuevas expresiones, con más actividades educativas y con propuestas de apertura del coliseo a la gente”.

Susana Lloret ha destacado la ambiciosa propuesta, que incluye 47 funciones de ópera y zarzuela, 19 representaciones de danza, 6 recitales de ‘lied’, 8 conciertos, 4 veladas de flamenco y dos sesiones dedicadas a otras músicas, sin olvidar los 12 programas de apertura al público, nuevas colaboraciones institucionales, además de la actividad del Programa Didáctico y del Centre Plácido Domingo.

“La ópera está en el corazón de este proyecto, pero la música —gracias a la visión y la gestión de Jesús Iglesias—, fluye ahora de muchas otras maneras por todas las salas de este emblemático edificio, para llegar a un público más amplio, para un mayor disfrute de este patrimonio que es de todos”, ha subrayado.

‘Les Arts és Òpera’

Jesús Iglesias Noriega ha recordado su propósito de convertir Les Arts en un “teatro musical, que abarque la música lírica en todas sus manifestaciones, sin olvidar la ópera como actividad principal”, que tendrá su concreción en la ampliación de repertorio, géneros, espectáculos y nuevos ciclos que serán el motor de una programación de gran variedad y riqueza artística.

La temporada de ópera incluye nueve títulos que abrazan un horizonte temporal, que va desde 1735, año del estreno de ‘Ariodante’, de Händel, hasta 1947, en el que tuvo lugar la primera función de ‘Les mamelles de Tirésias’, de Poulenc.

El repertorio se diversifica con una incursión en el Barroco ‘Ariodante’, tres obras pertenecientes a la época clásica ‘Le nozze di Figaro’ y ‘La finta giardiniera’, de Mozart, e ‘Il tutore burlato’, de Martín y Soler, un título belcantista ‘Il viaggio a Reims’, de Rossini, una obra de Verdi ‘Nabucco’, una perteneciente al Romanticismo francés ‘Faust’, de Gounod y dos óperas del siglo XX ‘Elektra’, de Strauss, y ‘Les mamelles de Tirésias’.

La apertura de Les Arts a nuevas estéticas incluye el debut de directores que se distinguen por su trayectoria y por la modernidad que imprimen a sus montajes, como Robert Carsen (‘Elektra’), Richard Jones (‘Ariodante’) o Keith Warner (‘Faust’), además del regreso de Damiano Michieletto (‘Il viaggio a Reims’).

Por su parte, la elección de los directores musicales, según ha indicado Iglesias Noriega, se ha realizado en base a su especialidad con el repertorio que van a abordar: Andrea Marcon, el barroco; Christopher Moulds o William Christie, el clásico; Marc Albrecht, la música de Strauss; Francesco Lanzilotta el repertorio rossiniano; y Michel Plasson, el repertorio romántico francés.

La actividad operística se inicia a finales de septiembre con cinco funciones de ‘Le nozze di Figaro’ a precios populares, en un celebrado montaje de Emilio Sagi, protagonizado por las sopranos españolas María José Moreno y Sabina Puértolas, el barítono polaco Andrzej Filończyk, y el bajo canadiense Robert Gleadow.

En noviembre, la Sala Principal ofrece, en versión semiescenificada, la primera ópera cómica que compuso Mozart apenas cumplidos los 18 años: ‘La finta giardiniera’, y que supone la presentación en Les Arts de William Christie y Les Arts Florissants, formación de referencia absoluta en la recuperación e interpretación de música barroca y clásica con instrumentos antiguos.

El Centre Plácido Domingo se adentra también en nuevos compositores y estilos en esta temporada. Bajo la responsabilidad musical de Roger Vignoles, los jóvenes artistas exploran el repertorio operístico francés con ‘Les mamelles de Tirésias’, de Poulenc, en una transcripción para dos pianos de Britten.

Debuta en Les Arts uno de los nuevos valores de la puesta en escena, el estadounidense Ted Huffman, con una chispeante producción, de la que se han programado 6 funciones en noviembre en el Teatre Martín i Soler y una en el Teatro Principal de Castelló.

La estrecha relación de Plácido Domingo con Les Arts se mantiene con una nueva hazaña del artista en la tesitura baritonal con ‘Nabucco’, de Verdi, que se estrena el 2 de diciembre. Acompañado de Anna Pirozzi, soprano de referencia para el papel de Abigaille, regresa al foso Jordi Bernàcer en su primera ópera como titular en la Sala Principal.

El ‘regista’ Tadeusz Strassberger, autor de la coproducción de Les Arts de ‘I due Foscari’, rinde tributo a la opulencia y el color del péplum cinematográfico en este montaje del título icónico de la nación italiana.

Con ‘Elektra’, programada para el mes de enero, la decimocuarta temporada salda una de las grandes demandas de crítica y público: el regreso del gran repertorio centroeuropeo con el que la Orquestra de la Comunitat Valenciana ha obtenido sus mayores reconocimientos, tal y como ha explicado Iglesias Noriega.

Al debut de dos figuras consagradas como Marc Albrecht y Robert Carsen, se une “un elenco de primerísimo nivel” encabezado por Iréne Theorin, intérprete de referencia de este papel, Doris Soffel y Sara Jakubiak.

El 29 de febrero se estrena ‘Il viaggio a Reims’, un paseo por el repertorio belcantista de la mano de uno de sus máximos representantes, Gioachino Rossini, bajo la dirección del ascendente Francesco Lanzillota.

Sobre el escenario, Les Arts recibe la puesta en escena de referencia de esta obra, que Damiano Michieletto ha llevado a capitales como Amsterdam, Copenhague, Roma, Moscú o Melbourne. Un reparto integrado por algunas de las jóvenes voces rossinianas más interesantes de la actualidad aborda esta auténtica fiesta vocal y escénica.

Doce años después del estreno de ‘Orlando’ en la Sala Principal, el Barroco de Händel regresa en abril con ‘Ariodante’, un canto poético al honor y la fidelidad, a cargo de reputados especialistas en este estilo musical.

Richard Jones, uno de los grandes innovadores de la escena británica, firma una interesante adaptación que traslada la leyenda medieval a mediados del siglo XX, que ha gozado de una excelente recepción en Europa y Estados Unidos.

El director artístico también ha remarcado que Les Arts, como motor cultural, tiene una obligación con el patrimonio musical valenciano y, especialmente, con el más exitoso operista del territorio: Vicente Martín y Soler.

Por ello, ‘Il tutore burlato’ será la nueva producción lírica de la temporada; un encargo al valenciano Jaume Policarpo, que contará con destacados profesionales de Les Arts para su ejecución, y el maestro de Alcàsser Cristóbal Soler en su primera colaboración con los artistas del Centre Plácido Domingo.

La visita de una de las grandes leyendas de la dirección de orquesta, Michel Plasson, con uno de los títulos de referencia de la ópera gala, ‘Faust’, de Gounod, cierra la temporada. Plasson, experto incuestionable en el repertorio francés, se pone por primera vez al frente de los cuerpos estables de Les Arts.

‘Faust’ supone, asimismo, el reencuentro del público valenciano con la soprano Ailyn Pérez y el bajo-barítono Alex Esposito, además de la ocasión de escuchar por primera vez al cotizado tenor John Osborn.

‘Les Arts és Sarsuela’

El director artístico ha avanzado que la presencia de la zarzuela, en gran formato y con primeras figuras, será otra constante. En octubre, y dentro de los títulos con precios populares, se ofrece ‘La tabernera del puerto’, de Sorozábal.

Guillermo García-Calvo, habitual en la Ópera de Viena, dirige los cuerpos estables del teatro y una nómina de cantantes, en la que figuran dos valencianos que todavía no habían cantado en Les Arts: Marina Monzó y Antonio Gandía.

Mario Gas, uno de los grandes creadores de la escena nacional, se rodea de profesionales como Ezio Frigerio o la oscarizada Franca Squarciapino para un montaje espectacular y de gran fidelidad al texto original.

‘Les Arts és Dansa’

La danza se convierte en un capítulo de la programación con entidad propia. Inaugura el ciclo en enero una nueva producción de Les Arts con Ananda , ‘Âtman, el comiat’.

Tras más de 40 años de carrera, la fundadora y coreógrafa de la compañía, Rosángeles Valls, se despide de los escenarios con este espectáculo, acompañado de la música de su colaborador habitual, Pep Llopis.

Por su parte, en febrero, la Compañía Nacional de Danza traerá en gira la coreografía de ‘Carmen’ que estrenó John Inger en 2015 y que contará con el acompañamiento de la OCV bajo la dirección de Óliver Díaz.

‘Una oda al tiempo’, de la María Pagés Compañía, cierra la oferta de danza. La bailaora, creadora y coreógrafa visita Les Arts por primera vez con su concepto estético del baile flamenco con el que ha traspasado fronteras.

‘Les Arts es Lied’

La Sala Principal es el escenario de una nueva línea de programación, un ciclo de ‘lied’, que supone el debut en el teatro de ópera valenciano de algunas de las voces más aclamadas del panorama internacional.

El tenor polaco Piotr Beczała, el contratenor francés Philippe Jaroussky, el barítono inglés Simon Keenlyside o la soprano guipuzcoana Ainhoa Arteta, también por primera vez en Les Arts, junto con Violeta Urmana, bien conocida por el público de Les Arts, ofrecen seis selectas veladas dedicadas al género.

‘Les Arts és Grans Veus’

‘Les Arts és Grans Veus’ es otra propuesta inédita, con la que se invita las figuras más emblemáticas a hacer un repaso por los estilos y repertorios que han forjado sus carreras. La estadounidense Joyce DiDonato sugiere el 17 de mayo un selecto programa barroco, estilo que la ha elevado al olimpo de la lírica, acompañada de la orquesta Il Pomo d’Oro y el ascendente director Maxim Emelyanychev.

‘Les Arts és Simfònic’

La Orquestra de la Comunitat Valenciana trabajará durante la nueva temporada con algunos de los directores más prestigiosos del circuito, que debutan o regresan al coliseo valenciano. James Gaffigan, Michele Mariotti, Gustavo Gimeno, Juanjo Mena, Ivor Bolton y Daniele Gatti propondrán, en sus respectivas citas, variados programas, cuatro de ellos con la participación del coro, con los que evidenciar la excelencia de los cuerpos estables de Les Arts.

‘Les Arts és Flamenco i Altres Músiques’

Durante su intervención, Jesús Iglesias Noriega, ha recordado la diversidad musical como uno de los pilares del proyecto artístico para los próximos años, y el flamenco, como una de las señas de identidad más importantes de la cultura española, gozará de capítulo propio.

Bajo este epígrafe, el centro de artes articula cuatro propuestas con las que abordar el cante jondo: Diego el Cigala, una de las figuras más representativas de las nuevas tendencias; el soplo de aire fresco de Rocío Márquez; el talento del cantaor Duquende, y el flamenco fusión de Manuel Lombo.

Además, la programación atenderá manifestaciones musicales poco atendidas hasta la fecha en las anteriores temporadas: el ‘jazz’ y el fado. Chick Corea presentará en marzo ‘Chick Corea Trilogy’, un encuentro con el ‘jazz’ de siempre, a través de conocidos temas, mientras que la estremecedora Mariza, una de las grandes fadistas de la actualidad, interpretará en junio una selección de obras de un género inédito hasta la fecha en la oferta del teatro.

‘Les Arts és per a tots’

El compromiso de Les Arts como teatro público se materializa en el programa ‘Les Arts és per a tots’, que reúne actividades, espectáculos, colaboraciones e iniciativas gratuitas o con precios simbólicos con las que revertir a la sociedad valenciana su apoyo al proyecto. Además de dos actividades consolidadas como la ‘Jornada de Puertas Abiertas’ o ‘Nit a les Arts’, el apartado incluye nuevas aportaciones para diversificar públicos y enriquecer la vida del teatro:

La primera novedad será el ciclo ‘Matins a les Arts’: seis matinés musicales de domingo en la Sala Principal, con un precio simbólico de cinco euros, en las que los activos artísticos del teatro: la Orquestra de la Comunitat Valenciana, el Cor de la Generalitat y los cantantes del Centre Plácido Domingo, ofrecen interesantes programas para atraer a nuevas audiencias.

Le sigue ‘Preestrena fins a 28’, una iniciativa de gran aceptación en los grandes teatros de ópera europeos, y que permitirá a los menores de 28 años disfrutar de títulos como ‘La tabernera del puerto’, ‘Il viaggio a Reims’, ‘Ariodante’ o ‘Faust’ por diez euros.

Tras varios años de maratones alrededor de Mozart, y con motivop del estreno de ‘Il viaggio’,el nuevo curso operístico se dedicará a Gioachino Rossini. Bajo el nombre de ‘Marató Rossini’, Les Arts invitará a celebrar la figura del genio de Pésaro y su impacto en la cultura europea con un amplio abanico de actividades gratuitas.

La apertura a la sociedad pasa también por acercar a ella a sus artistas. Ese es el propósito de la iniciativa ‘Perspectives’, en la que los protagonistas de ópera y zarzuela entablarán un diálogo con los espectadores y que servirá de complemento al ciclo de ‘Conferències’ del experto operista Ramon Gener.

Asimismo, el camión de ‘Les Arts Volant’ continuará su recorrido por diferentes municipios con el exitoso montaje de ‘Bastià i Bastiana’, de Mozart, y presentará una nueva producción de ‘El tutor burlat’, de Vicente Martín y Soler.

Nuevas instituciones se adhieren a Les Arts este curso para fortalecer vínculos con la realidad social y cultural. Además de las cooperaciones con el IVAM, el Museo de Bellas Artes de Castelló, La Filmoteca de València y Berklee College of Music serán nuevos colaboradores y también se mantendrá la actividad con la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana.

Por otra parte, bajo este apartado se incluirá también el montaje ‘The Opera Locos’, recientemente galardonado con el Premio Max, que fusiona fragmentos de las óperas más populares con diversos estilos musicales

‘Les Arts és Educació i Formació’

El programa educativo de Les Arts afianza su oferta, que alcanza ya a todas las edades y audiencias: bebés, estudiantes de Educación Infantil, de Primaria, de Secundaria, de Formación Profesional, de enseñanzas de régimen especial, de universidad, de formación de personas adultas y también tiene un apartado dedicado al público familiar.

Espectáculos como ‘Babies Only’, ‘Sent la música’, ‘Conta’m una òpera’ y ‘Detectius en l’òpera’, sesiones de trabajo como ‘Tots a Cor’, ‘L’òpera en construcció’ o ‘Un matí amb’, y talleres didácticos como ‘VestuArts’ i ‘CaracteritzaT’ articulan las principales acciones.

También figuran en este apartado el seguimiento y la coordinación del programa LOVA (‘La ópera como vehículo de aprendizaje’), la planificación de funciones didácticas de los espectáculos representados en el Teatre Martín i Soler, la colaboración con el festival Danseta de Dansa València, además de las acciones en ámbito universitario con la UJI de Castelló, la UPV, la UV y la UNED.

Por su parte, el Centre Plácido Domingo, que este año se abre también a pianistas repertoristas, se mantendrá como principal agente de formación, además de su aportación a la programación del teatro en diversas acciones.

La principal novedad en el programa de formación será el ‘Taller de direcció coral d’òpera’, dirigido por Francesc Perales, en colaboración con el Cor de la Generalitat, con el objetivo de completar la formación de jóvenes directores profesionales.

La flauta mágica

El Palau de les Arts reivindica la figura de la mujer en el nuevo montaje de ‘La flauta mágica’, de Mozart, que firma el prestigioso director inglés Graham Vick.

El centro de artes inaugura este sábado, 1 de diciembre, su decimotercera temporada de abono con este título, coproducido con el Festival de Macerata (Italia), y que podrá verse hasta el día 15 de este mismo mes en la Sala Principal.

Lothar Koenigs debuta en el foso con los cuerpos estables de Les Arts, el Cor de la Generalitat, la Orquestra de la Comunitat Valenciana y los artistas del Centre Plácido Domingo.

El director alemán, según ha recordado la presidenta del Patronato de Les Arts, Susana Lloret, es una reputada batuta mozartiana, que, tras su paso por València, dirigirá en el Metropolitan de Nueva York ‘La clemenza di Tito’.

Nacido en Aquisgrán, el maestro Koenigs cultiva un repertorio que abarca desde Mozart hasta Alban Berg, con trabajos en las principales capitales líricas como Viena, Nueva York, Múnich o Milán.

Para Lothar Koenigs, ‘La flauta mágica’ tiene una música que “te atrapa y puedes sentir desde dentro. En ella se reconocen diferentes elementos: como las referencias a la música sacra en Sarastro, las melodías sencillas y de fácil retención en Papageno, los elementos oscuros en la segunda aria de la Reina de la Noche…”

El alemán también ha subrayado la importancia del texto que incluye referencias a lo que será el futuro de la ópera, como la escena entre Tamino y el Sacerdote, donde ya se adivina figuras como Wagner.

Versión novedosa

‘La flauta mágica’ es la tercera puesta en escena de Graham Vick que presenta Les Arts, pero la primera realizada por el prestigioso ‘regista’ para el centro operístico valenciano, en colaboración con el Festival de Macerata (Italia).

Graham Vick es uno de los grandes nombres de la escena operística, además de uno de sus mayores renovadores. Como fundador y director artístico de la Ópera de Birmingham, ha convertido a la compañía en estandarte de la modernización y democratización de la ópera. Reconocido con las más altas distinciones, ha desarrollado su faceta de director de escena en los principales teatros del mundo.

Para esta coproducción de ‘La flauta mágica’, el veterano inglés se ha rodeado de un equipo formado por Stuart Nunn, responsable de la escenografía y del vestuario, Giuseppe Di Iorio, artífice de la iluminación, y Ron Howell, coreógrafo.

Según explica Vick, se trata de la quinta producción en su carrera del Singspiel mozartiano. En esta ocasión el inglés ha concebido “una versión totalmente novedosa, incluyendo un final más abierto que suscita muchas preguntas y subraya aspectos como el papel de la mujer”.

En este sentido, el fundador de la Ópera de Birmingham recuerda que la obra de Mozart está influenciada por la masonería: “La sociedad masónica era exclusivamente patriarcal, una realidad también en la Iglesia católica, donde la mujer no tiene poder y no se le permite nunca opinar. Es muy interesante ver que estos dos enemigos tengan eso en común, además del silencio y el secretismo”.

Asimismo, Graham Vick ha reducido el texto en alemán para añadir diálogos en español en los que intervienen los 73 ciudadanos que invitó a participar en el montaje a modo del coro de una tragedia griega, o de una comedia de Aristófanes.

“Recurro a actores no profesionales −idea con la que llevo experimentando veinte años− con la intención de enriquecer la función de ópera, como deber cívico, tanto desde el punto de vista de la representación como del público. Busco un público democrático y un formato de ópera que se dirija a cualquier escala, raza o credo de la comunidad en que vivimos”, ha explicado.

Veteranía y juventud

Les Arts combina veteranía y juventud para el reparto de esta producción, “con la excelencia artística como denominador común”, como ha recordado Susana Lloret en la presentación de la producción.

Dmitry Korchak, uno de los tenores belcantistas más aclamados, regresa al centro de artes para cantar el papel de Tamino. Vinculado al centro operístico valenciano desde sus inicios, el público recordará sus interpretaciones en ‘L’enfant et les sortilèges’, de Ravel, ‘Eugenio Oneguin’, de Chaikovski, ‘La cenerentola’, de Rossini, o ‘Don Giovanni,’ de Mozart.

Debuta en el Palau de les Arts, Mariangela Sicilia como Pamina. Desde su reconocimiento en Operalia 2014, la joven cantante se ha revelado como una de las sopranos italianas con mayor proyección. Le acompaña en su presentación en València la también soprano Tetiana Zhuravel, que encarnó a la Reina de la Noche en el estreno de este montaje en Macerata y que repite este mismo rol.

Mark Stone da vida a Papageno, papel que ha cantado anteriormente en compañías como la Opera de Philadelphia. El barítono británico, que desarrolla una importante carrera como intérprete de recital, posee asimismo una premiada trayectoria discográfica.

Por su parte, el bajo Wilhelm Schwinghammer, figura habitual de festivales de prestigio como Bayreuth o Salzburgo, canta el papel de Sarastro.

Completan el reparto, el bajo búlgaro Deyan Vatchkov (orador/primer sacerdote), el tenor granadino y antiguo alumno del Centre Plácido Domingo Moisés Marín (Monóstatos), el bajo galés Richard Wiegold (segundo armado), la soprano catalana Júlia Farrés-Llongueras (Papagena), la soprano italo-brasileña Camila Titinger (primera dama), las mezzosopranos del Centre Plácido Domingo Olga Syniakova y Marta Di Stefano, el tenor valenciano y también integrante del Centre de Perfeccionament Vicent Romero y los niños del Trinity Boys Choir: Lucas Rebato, Kiran Patel y Dionysios Sevastakis.

En total, Les Arts ofrecerá seis funciones de este innovador montaje de ‘La flauta mágica’ los días 1, 4, 7, 9, 13 y 15 de diciembre.

Tosca

El Palau de les Arts estrena el domingo 6 de mayo ‘Tosca’, de Puccini, en una producción en plano secuencia de Davide Livermore para el Teatro Carlo Felice de Génova, con dirección musical de Nicola Luisotti. La ópera ha batido récords de taquilla con las entradas agotadas desde finales del pasado mes de febrero.

La soprano Lianna Haroutounian (Tosca), el tenor Alfred Kim (Cavaradossi) y los barítonos Claudio Sgura y Gevorg Hakobyan, que alternan el papel de Scarpia en las seis funciones, conforman el elenco protagonista.

Nicola Luisotti, director musical de la Ópera de San Francisco y del Teatro San Carlo de Nápoles, se reencuentra con la Orquestra de la Comunitat Valenciana, a la que anteriormente ha dirigido en ‘Mefistofele, de Arrigo Boito, y en ‘Nabucco’, de Verdi.

Según explica el maestro de Viareggio, el éxito de Puccini y de ‘Tosca’ radica “en que el lenguaje musical de Puccini ha sido siempre muy próximo al público, por su escritura, por sus armonías y por las melodías que utiliza”.

‘Tosca’ es una de las obras más conocidas y representadas del repertorio. El compositor de Lucca aúna en la trágica historia de la cantante Floria Tosca y el pintor Mario Cavaradossi ‒con el barón Scarpia como fatal mediador‒ política, pasión, revolución y celos.

En su adaptación, Davide Livermore, autor también de la escenografía y la iluminación del espectáculo, reflexiona sobre el poder temporal de la Iglesia en una producción ambientada en el año 1800.

“La escenografía crea una relación dinámica con el público, como un gran plano secuencia continuo, con un giratorio sobre el cual he dibujado mi representación de la deformación del poder temporal de la Iglesia. Una gran superficie de mármol peligrosamente inclinada, como peligroso es este triángulo de pasión, amor y sexo.”

“Gracias también al vestuario de Gianluca Falaschi –prosigue el regista turinés– estaremos en los tres lugares de esta obra de arte: la iglesia de Sant’Andrea della Valle, el Palazzo Farnese y el techo de la prisión del Castel Sant’Angelo”.

Con un final inspirado en ‘Der Himmel über Berlin (1987)’, de Wim Wenders, Livermore explica las referencias al lenguaje del séptimo arte por la naturaleza cinematográfica de la propia ópera, que confirma a Puccini como “maestro del suspense”.

Lianna Haroutounian debuta en Les Arts con el papel de Floria Tosca. La crítica ha elevado a la diva armenia entre las sopranos verdianas más prometedoras de su generación. “Para mí, Tosca, en su vida –explica– lo decide todo: la hora de su amor y la hora de su muerte”.

Alfred Kim encarna a Mario Cavaradossi. El tenor coreano se presenta por primera vez en València con este papel que ha cantado en Roma, Frankfurt, Barcelona y Seúl, cuenta con trabajos para el Covent Garden de Londres, la Staatsoper de Viena o la Deutsche Oper de Berlín.

Los barítonos Claudio Sgura (6, 12, 18) y Gevorg Hakobyan (9, 15, 21), que alternan el papel de Scarpia en las seis funciones programadas, cierran el elenco protagonista.

El reparto se completa con las voces de Alejandro López (Cesare Angelotti), Moisés Marín (Spoletta), César Méndez (Sciarrone), Alfonso Antoniozzi (Sagrestano), Andrea Pellegrini (Carceriere) y Alejandro Navarro (Pastorello), junto con la Escola Coral Veus Juntes de Quart de Poblet y el Cor de la Generalitat.

Les Arts recuerda que hay seis funciones programadas de ‘Tosca’ los días 6, 9, 12, 15, 18 y 21 de mayo. Las localidades para todas las representaciones están agotadas salvo el cinco por cien que se reserva para el mismo día de cada representación.

Il Corsaro

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena el próximo 28 de marzo en la Sala Principal una nueva producción de ‘Il corsaro’, de Verdi, de matices poéticos e interpretación musical historicista.

Así lo han explicado hoy en la presentación de este título Fabio Biondi, director musical, y Nicola Raab, directora de escena. En la conferencia de prensa también han estado presentes el tenor Michael Fabiano, protagonista de la obra, junto con la soprano Oksana Dyka.

‘Il corsaro’ es el primer título que Les Arts transmitirá en ‘streaming’ esta temporada a través de la plataforma europea OperaVision, gracias a la colaboración de la Agencia Valenciana del Turismo.

Fabio Biondi pone en escena la partitura más enigmática y menos representada de Giuseppe Verdi con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana. Una obra marcada, según señala el maestro palermitano, por el desarrollo histórico y la motivación de la composición:

“Por primera vez, Verdi no da una obra a Ricordi sino que alcanza un ventajoso acuerdo con Lucca. La mala relación con el nuevo editor será determinante en el destino de esta ópera. Un hecho que se une al momento histórico de revolución (1848) en el que se escribe. El Verdi político y del Risorgimento, de óperas como ‘Nabucco’ o ‘La battaglia di Legnano’, escribe una composición profundamente romántica”.

El director titular de la Orquestra de la Comunitat Valenciana señala, no obstante, la gran belleza de las páginas de ‘Il corsaro’, en las que se escuchan momentos que rememoran ‘La traviata’ o ‘Rigoletto’, que se unen a una duración idónea, “una hora y media de música muy densa sin momentos carentes de interés”, apunta Biondi.

Para su interpretación, el director ha reproducido el tamaño y la disposición de la orquesta para la que Verdi pensó ‘Il corsaro’. “La ubicación del foso, bastante alto para la media de hoy en día, da ventaja a los cantantes, sobre todo en los recitativos, muy cerca del estilo belcantista”, añade el maestro.

Seis años después de su exitosa visión de ‘Thaïs’, de Massenet, en la que Plácido Domingo estrenó en València su papel número 139, Athanaël, Nicola Raab firma su primer montaje para Les Arts, que se realiza en coproducción con la Ópera de Montecarlo.

En esta ocasión, la ‘regista’ alemana se ha rodeado de un equipo creativo formado por George Souglides (escenografía y vestuario) David Debrinay (iluminación) y Ran Arthur Braun (coreógrafo de lucha y rodaje).

Producto de su entusiasmo por Lord Byron, gran poeta romántico en lengua inglesa, Giuseppe Verdi se encomendó a convertir la novela versificada ‘The Corsair’ en su decimotercera ópera, con Francesco Maria Piave como libretista.

‘Il corsaro’ narra la historia de Corrado, corsario del mar Egeo, que zarpa en misión secreta para atacar a los turcos, dejando a su amada Medora con los peores presentimientos.

Ya en la ciudad de Corone, los corsarios logran sorprender a los turcos quemando sus naves y asaltando el harén del pachá Seid, en el que Corrado salva a Gulnara, la esclava favorita, de morir entre las llamas. Sin embargo, la rápida reacción de los turcos les permite devolver el golpe y apresar a los invasores, condenando a Corrado a muerte.

Pero Gulnara consuma su venganza, liberando a los corsaros y poniendo fin a la vida de Seid. Ya en la isla corsaria, las funestas premoniciones de Medora le llevan a envenenarse. A su llegada, Corrado apenas tiene tiempo de despedirse de ella y, desesperado, se arroja al mar. Gulnara cae a tierra destrozada.

La propuesta de Raab imagina la historia de ‘Il corsaro’ en una acción interna que tiene lugar en la mente del protagonista, que ella reconvierte en el propio Lord Byron, autor del poema que inspiró a Verdi.

El espacio escénico es su pensamiento, una mente en blanco que se transforma en las diferentes ideas de Corrado mediante proyecciones, luces y movimientos, donde Medora es un recuerdo del pasado y Gulnara una invención que se convertirá en realidad.

Según ha subrayado Fabio Biondi, ‘Il corsaro’ es una “ópera concebida para un reparto de grandísimos cantantes”. El tenor Michael Fabiano encabeza el reparto en Les Arts, en el que le acompañan las sopranos Oksana Dyka y Kristina Mkhitaryan, el barítono Vito Priante, el bajo Evgeny Stavinsky y los tenores del Cor de la Generalitat Valenciana Ignacio Giner, Antonio Gómez y Jesús Rita.

Fabiano, una de las voces más codiciadas del momento, interpreta a Corrado, el papel protagonista, que ya debutó en 2014 en Washington, con una excelente acogida de la crítica especializada. El tenor de Nueva Jersey hace su debut en Valencia junto con la soprano ucraniana Oksana Dyka (Gulnara), a la que el público valenciano recuerda por sus memorables interpretaciones de ‘Madama Butterfly’ y ‘Tosca’.

Completan el cuarteto protagonista dos emergentes voces, que también se presentan por primera vez en Les Arts: la soprano rusa Kristina Mkhitaryan (Medora), ganadora del segundo premio de Operalia 2017, y el barítono italiano Vito Priante (Seid), que cuenta ya con destacados trabajos en Londres, Milán, París, Múnich, Chicago y Los Ángeles.

Les Arts presenta ‘Il corsaro’ los días 28 de marzo y 1, 5, 8 y 10 de abril en la Sala Principal.

‘Streaming’

El Palau de les Arts Reina Sofía ofrecerá en ‘streaming’ la representación del 8 de abril de ‘Il corsaro’ a través de www.OperaVision.eu, la nueva plataforma auspiciada por Opera Europa, que reúne a 30 compañías de ópera de 18 países del continente.

La transmisión de esta función es posible gracias a la colaboración de la Agencia Valenciana del Turismo y del canal de televisión especializado en música Mezzo.

Actividad didáctica

El domingo 25 de marzo, a las 12.00 h, Les Arts propone una actividad didáctica intergeneracional para comprender qué es y cómo se produce una ópera desde el corazón del teatro, el escenario de la Sala Principal. “Una mañana con ‘Il corsaro’” explicará a los asistentes el proceso de elaboración de esta nueva producción, desde los primeros bocetos hasta los trabajos técnicos o artísticos.

Les Arts informa de que el precio de la localidad es de 15 euros para adultos y de 7 euros para el público joven.

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Hace justo diez años se represento por primera vez El Palau de Les Arts, el verdiano Don Carlo, entonces con la excelente dirección del ya desaparecido Lorin Maazel ¡eran aún buenos tiempos para El Palau! Esta ópera ha vuelto a programarse para inaugurar oficialmente, el pasado 9 de diciembre, la nueva temporada 2017-18, con la presencia en el reparto del incombustible Plácido Domingo como Rodrigo Marqués de Posa. El cantante madrileño a punto de cumplir setenta y siete años, sigue teniendo un auténtico tirón, hasta el punto que casi todas las entradas de las cinco representaciones programadas, se habían agotado con bastante antelación. El estreno estuvo marcado por la gran polémica surgida pocos días antes, con la dimisión Davide Livermore como Intendente y Director Artistico del Palau de Les Arts. Antes del comienzo de la representación una espectadora solicitó un aplauso para Livermore, que fue seguido de una fuerte ovación. Tras el descanso, cuando estaba a punto de comenzar el Acto III, una voz gritó “conceller cobarde”, secundado por numerosos aplausos y otras voces que decían “fuera políticos” o “no os carguéis la ópera”. Todas estas espontaneas manifestaciones, muestran el tremendo malestar de un público, que discrepa de unas decisiones políticas, que pueden perjudicar a este importante centro operístico. Esperemos que todo se resuelva, para que los aficionados al mundo de la lírica, podamos seguir disfrutando de las excelentes programaciones ofrecidas por este teatro. El complejo mundo de la ópera debe ser gestionado por auténticos expertos, que no estén mediatizados por los intereses políticos.

Don Carlos surge como un encargo a Giuseppe Verdi del gobierno francés, con motivo de la Exposición Universal que iba a tener lugar en París, en 1867. El tema elegido era una adaptación de la obra Don Carlos, Infant von Spain de Schiller. El magnífico drama del poeta alemán databa de 1787, y era una obra de intenso contenido político, donde Schiller, realizaba una dura crítica del autoritario Felipe II, fuertemente influido por la Inquisición, en contra del ansia de libertad de su hijo el Infante Don Carlos y su amigo Rodrigo Marqués de Posa. El dramaturgo se había inspirado para su obra, en un episodio de la “leyenda negra” que sobre Felipe II, que maquinaron Guillermo de Orange, responsable de rebelión contra el Imperio Español de los Países Bajos y Antonio Pérez, el desleal secretario de Felipe II. Ese episodio era el de la muerte en prisión de Don Carlos, heredero del trono, en circunstancias nunca aclaradas. Es una realidad histórica que cuando el Infante era un niño, se había pensado en casarlo con la hija de Enrique II de Francia, Isabel de Valois. Finalmente, ésta había sido destinada, cuando solo contaba trece años, a ser esposa de Felipe II, viudo ya dos veces. Lejos toda realidad histórica, la obra de Schiller planteaba que Isabel Valois, siendo una adolescente, había conocido en Francia a Don Carlos, que era de su misma edad, estableciéndose entre ambos una relación amorosa, finalmente truncada por el casamiento de Isabel con Felipe II. El reencuentro de Don Carlos e Isabel, es el detonante del drama escrito por Schiller, donde la detención y muerte de Don Carlos se había producido por los celos de Felipe II, al descubrir las antiguas relaciones de su hijo con Isabel y el apoyo que el Infante estaba dando a los rebeldes flamencos, duramente perseguidos por su padre. A partir de la obra de Schiller, Joseph Méry y Camille du Locle, prepararon un magnífico libreto. Con ese material Verdi consiguió poner música a un texto de largos diálogos morales y políticos, con una feroz crítica a La Inquisición, representada por ese tremendo y siniestro personaje del Gran Inquisidor, en la estremecedora escena de su dúo con Felipe II. Se trata de una historia sobre la amistad, el amor, los celos, los conflictos paterno-filiales, que siempre interesaron a Verdi; y, sobre todo, de la soledad del poder, plasmada en un impresionante monólogo de Felipe II. La obra seguía las convenciones de la Gran Ópera, con una estructura en cinco actos, y la inserción en el Acto III de un ballet de ciertas dimensiones, denominado La Peregrina.
El estreno de Don Carlos se produjo en el Teatro Imperial de la Ópera de París (posteriormente llamado Palais Garnier) el 11 de marzo de 1867, con asistencia del emperador Napoleón III y de su esposa Eugenia de Montijo, a quien molestó de sobremanera la forma en la que Verdi trataba a Felipe II. Paralelamente a la versión escrita en francés, Achile de Lauzières, preparó una traducción del libreto al italiano, que fue estrenada en el Teatro Comunale de Bolonia el 27 de octubre de 1867. Con el paso de los años, Verdi decidió reducir la ópera a cuatro actos, donde se eliminaba el Acto I de la versión francesa (Acto de Fontainebleau) y el ballet. Esta versión se estrenó en el Teatro alla Scala el 10 de enero de 1884, y es la que se representa más habitualmente.
Las representaciones de Don Carlo fueron muy escasas durante la primera mitad del Siglo XX. A partir de 1950 vuelve a ser programada con cierta asiduidad, siendo el personaje de Don Carlo interpretado por grandes tenores como Jussi Björling, Richard Tucker, Franco Corelli, John Vickers y Carlo Bergonzi, quien en 1965 realizó una extraordinaria interpretación, en una referencial grabación de estudio (versión italiana en cinco actos) del sello DECCA, junto a Renata Tebaldi como Isabel de Valois, la impresionante Princesa de Éboli de Grace Bumbry, el espléndido Felipe II de Nicolai Ghiaurov, el elegante y sutil Posa de Dietrich Fischer-Dieskau y el imponente Gran Inquisidor de Martti Talvela, dirigidos por Georg Solti al frente de la Orquesta del Covent Garden.
Cabe señalar las magníficas creaciones de Don Carlo realizadas por tenores españoles como José Carreras, Jaime Aragall, y sobre todo de Plácido Domingo, quien más veces lo interpretó, desde que lo debutase en la Ópera de Viena, en 1967, hasta unas últimas funciones, también en ese mismo teatro, en 1992. En el transcurso de esos veinticinco años, Domingo ha dejado un importante legado discográfico de esta ópera, con numerosas grabaciones en directo, entre ellas, dos tomas en video: en 1978 (Teatro alla Scala) junto al Posa del gran Renato Bruson, con dirección de Claudio Abbado y en 1983 (Metropolitan de New York) junto a la magnífica Isabel Valois interpretada por Mirella Freni, con dirección de James Levine. De todas sus interpretaciones, cabe destacar la que realizó en estudio (versión italiana en cinco actos) para EMI, en 1970, junto a Monserrat Caballé como Isabel de Valois, la extraordinaria Éboli de Shirley Verret, el Felipe II de Ruggero Raimondi y Sherrill Milnes como Posa, con la magnífica dirección de Carlo María Giulini al frente de la Orquesta del Covent Garden. Esta grabación resulta referencial junto a la de Solti, y en ella, Domingo realiza una de las mejores interpretaciones de toda su carrera. Curiosamente, ya pasados veinticinco años de su último Don Carlo, Domingo ha retomado esta ópera, interpretando el papel baritonal de Rodrigo Marqués de Posa, que debutó en la Ópera de Viena, en junio pasado y que ha vuelto a interpretar en el Palau de Les Arts.

El Don Carlo representado en Valencia es la versión en cuatro actos, siendo una producción de la Deutsche Oper de Berlín dirigida escénicamente por Marco Arturo Marelli, también responsable de la escenografía y el diseño de iluminación. Reconozco mi predilección por las producciones que reproduzcan, lo más fielmente posible, tanto en su escenografía como en el vestuario un período histórico concreto, y ello se hace aún más necesario en óperas como Don Carlo. Sin duda, estas producciones son sumamente costosas, pero resultan especialmente brillantes. Y, pueden servir de ejemplo los montajes de Franco Zeffirelli, John Dexter o Hugo de Ana. En este Don Carlo se ha optado por una escenografía de carácter minimalista con unos grandes paneles móviles que se van desplazando para acotar espacios escénicos, realzados, en diferentes momentos, por una acertada iluminación. Los huecos que se forman entre los paneles, durante gran parte de la representación, adoptan la forma de cruz, en un intento de mostrar la gran influencia religiosa sobre el poder político en la época de Felipe II. Los objetos escénicos son mínimos: un pequeño monolito coronado por numerosas velas que aparece al comienzo y final de la ópera, algunas banquetas o el lecho conyugal vacío, que Felipe II contempla con infinita tristeza en su gran escena del Acto III. El diseño de vestuario de Dagmar Niefind resulta atractivo, siendo de carácter histórico el que llevan las mujeres con predominio de tonos oscuros, excepto el personaje de Éboli, que luce un vestido de color verde. El vestuario masculino, es más intemporal, con detalles claramente modernos como esa cartera que lleva en bandolera el marqués de Posa. Los colores oscuros contrastan con el intenso rojo de las vestimentas eclesiásticas, sobre todo en la gran escena del Auto de Fé, uno de los momentos más conseguidos de esta producción. Aceptable dirección escénica de Marco Antonio Marelli, quien al final de la ópera se toma licencias con respecto al texto original, con el fusilamiento de Don Carlo y sus amigos flamencos, que recuerda el famoso cuadro de Goya, “Los fusilamientos de la Moncloa”.

Gran actuación de la Orquesta de la Comunidad Valenciana dirigida por Ramón Tebar, quien mostro gran conocimiento de esta partitura verdiana, ofreciendo una lectura meticulosa, intensa y contrastada, donde el sonido orquestal brilló de sobremanera en la “Canción del velo” en el Acto I, y sobre todo en la gran escena de la Coronación y Auto de Fé, conclusiva del Acto II, con una muy destacada intervención de los metales. También, el acompañamiento orquestal confirió un tremendo dramatismo al diálogo entre Felipe II y El gran Inquisidor en el Acto III. Cabe destacar la ejecución de la suave y delicada música que introduce el Acto II. Otros excelentes momentos orquestales se produjeron en el dúo de Felipe II e Isabel del Acto III, y en trío de ese mismo acto con Éboli, Posa y Felipe II, con excelente prestación de los violonchelos. De gran belleza el sonido de flauta y metales, cuando se produce la muerte de Posa. Precioso resulta el diálogo de cuerda grave y metales en el preludio del Acto IV. Mención especial merece la brillantísima intervención solista del violonchelo en la gran escena de Felipe II, al comienzo del Acto III. Magnífica prestación de oboe y corno inglés acompañando el aria de Isabel del Acto I “Non pianger mia compagna”. Muy brillante el sonido orquestal acompañando el “Dúo de la amistad” de Don Carlo y Posa, al final del Cuadro I del Acto I, que aparece reiteradamente en diferentes momentos de la ópera. Excelente labor de concertación de Ramón Tebar muy pendiente de las voces, en especial facilitando la labor de Plácido Domingo. En suma, la actuación orquestal fue el gran atractivo de este Don Carlo.

Plácido Domingo ha ampliado a su extensísimo repertorio, el papel de Rodrigo Marqués de Posa, que interpretó por primera vez el pasado mes de junio, en la Ópera de Viena, precisamente cuando se cumplía el cincuenta aniversario de su debut como Don Carlo en ese mismo teatro. Al escuchar la magnífica creación del infortunado Infante de España, realizada por un jovencísimo Domingo, de timbre bellísimo, con una espléndida línea de canto verdiano, y comprobar su lógico estado vocal actual, surge -al menos para mí- una gran pena y nostalgia. Posa es uno de los más bellos roles baritonales creados por Verdi. Se trata de un personaje de presencia y vigor juveniles, de la misma edad que Don Carlo. Por tanto, el primer problema, para Domingo es su absoluta falta de adecuación escénica, ya que con su aspecto físico actual, -propio de alguien a punto de cumplir setenta y siete años- en sus escenas con Don Carlo, parece su padre e incluso su abuelo. Otro problema es la falta de diferenciación tímbrica con Don Carlo, ya que Domingo canta papeles baritonales con voz de tenor. A todo ello se añade un corto fiato y perdida de volumen vocal que le hace casi inaudible en los concertantes. Sin embargo, aún tiene capacidad para ofrecer una línea de canto verdiano, mucho mejor que la de sus compañeros de reparto. Y, en su gran escena del Acto III, es capaz de superar carencias e interpretar de manera muy notable, ligando bien las notas, la bellísima aria “Per me giunto è il dì supremo”, dando una lección de canto verdiano. Cuando acudió a saludar, al final de la representación, el público le dedicó una estruendosa ovación, consciente de que estaban en presencia del último gran mito de la ópera.
Andrea Caré en el papel de Don Carlo, ofreció un atractivo timbre moviéndose bien en la zona aguda, aunque mostrando dificultades en la zona de paso. Se mostró poco expresivo, con un fraseo monótono y falto de intencionalidad. Sus mejores momentos fueron su dúo con Éboli del Acto I, y sobre todo el gran dúo final del Acto IV, con una Isabel de Valois, interpretada por María José Siri, quien mostró una buena vocalidad, con un seguro registro agudo, aunque con una muy limitada gama de graves y un canto, por momentos, poco expresivo. Realizó una notable interpretación vocal –peor en el plano expresivo- de su aria del Acto I “Non pianger mia compagna”. Estuvo bastante entonada en el Trío del Acto I, junto a Éboli y Posa. Su actuación fue ganando en intensidad en su dúo con Felipe II, del Acto III, consiguiendo ofrecer una magnífica interpretación de su gran aria del Acto IV “Tu che la vanita”, con excelentes regulaciones del sonido incluso ejecutando una meritoria “messa di voce” y emitiendo con seguridad un Si4.
Violeta Urmana ofreció un interpretación de Éboli, llena de expresividad, aunque en el plano vocal tuvo ciertas dificultades en la ejecución de las agilidades en su aria del Acto I “Nell giardin del bello” (La canción del velo), donde, curiosamente, quedó cortada la última parte de la repetición, con una serie de compases omitidos, que adelantan el momento orquestal que marca la presencia de la reina. Muy bien en su dúo con Isabel del Acto III, seguido de la muy difícil aria del “O don fatale” que interpretó con arte y auténtica valentía, aunque con carencias en el registro grave y unos agudos algo destemplados y tirantes.
El bajo Alenxander Vinogradov como Felipe II, ofreció una imponente vocalidad, aunque no muy metido en el estilo de canto verdiano, y ello se pone de manifiesto en su dúo con Posa del Acto I, donde Plácido Domingo, si muestra un buen dominio del fraseo verdiano. El bajo ruso realizó una muy notable y matizada interpretación de su gran escena en el arranque del Acto III, “Ella giammai m’amo….Dormiró sol nel manto” y está magnífico en el impresionante dúo con el gran Inquisidor interpretado por el bajo Marco Spotti, carente de la rotundidad de bajo profundo que requiere este rol, donde es superado claramente por Alexander Vinogradod, uno de los grandes triunfadores de este Don Carlo.
Bien el resto de los interpretes, destacando la soprano Karen Gardeazabal como el travestido Tebaldo, ridículamente caracterizado con bigote incluido, y la voz del Cielo interpretada Olga Zharikova, que aparece en escena con un bebe que le es arrebatado.
Como siempre, excelente prestación del Coro de la Generalitad Valenciana, en sus numerosas intervenciones, resultado sumamente meritoria su labor, en momentos donde las voces quedan encajadas en los huecos que dejan los paneles móviles, como en el caso de la escena del “Auto de Fé”.

Don Carlo, Infante de España

El Palau de les Arts Reina Sofía pone en escena ‘Don Carlos, infante de España’, del dramaturgo alemán Friedrich Schiller, que inspiró el libreto de la ópera de Giuseppe Verdi, ‘Don Carlo’, que actualmente se representa en la Sala Principal.

Les Arts y La Farseria coproducen esta lectura dramatizada con dirección de escena de Andrés Poveda, y adaptación del texto y propuesta escénica del propio Poveda y de Anselmo Alonso, a partir de la traducción de 1881 a cargo de Josep Yxart.

Según explican Alonso y Poveda, han comprimido en 80 minutos la adaptación del texto de Schiller con el fin esperado en una lectura dramatizada: evidenciar rápida y claramente el mensaje:

“Por eso nos hemos enfrentado a los temas de este ‘Don Carlos’, con la tijera de la precisión, para que la idea política, la filosofía, la función del amor, la idea de la patria y la religión hablen con lengua clara”, señalan los autores.

El reparto está formado por Christian Giner (Don Carlo), Jaume Ibáñez (Felipe II), Laura Pellicer (Isabel de Valois), Lucrecia Cervelló (Princesa de Éboli), Miguel Seguí (Inquisidor y Marqués de Posa) y Toni Misó (Duque de Alba).

La actividad, que se incluye dentro de las propuestas del Programa Didáctico, cuenta con una sesión abierta al público este sábado, 16 de diciembre, a las 18.00 h, en el Aula Magistral con entradas a ocho euros.

La ópera de Verdi es el eje vertebrador de un amplio abanico de propuestas educativas. Por un lado, desde el día 12 hasta mañana sábado, el centro de artes ofrece el taller de introducción a la ópera ‘Don Carlo’, organizado de forma conjunta por el departament d’Educació de Les Arts y el centro asociado Alzira-Valencia de la UNED. Además de recibir formación académica, los asistentes presenciarán una función ‘Don Carlo’ de Verdi, en la Sala Principal, así como una representación de la lectura dramatizada de la obra de Schiller. Entre los diferentes ponentes del curso, figuran Jordi Claramonte, profesor de Estética y Teoría del Arte de la UNED, y Mercedes Jorge Serra, catedrática de Historia de la Música en el Conservatori Superior de Música de València.

Asimismo, Les Arts ha albergado talleres como ‘De libro a libreto, sobre las relaciones del texto de Schiller y la adaptación para la partitura de Verdi, y ‘La ópera en construcción’ en el que los más pequeños descubren el proceso de producción de este título, que Les Arts ofrece en un montaje de Marco Arturo Marelli.

Palau Les Arts Reina Sofía

El Palau de les Arts Reina Sofia abre el próximo miércoles, 13 de septiembre, en su página web www.lesarts.com, el periodo de inscripción a través de un formulario en línia para las 176 sesiones didácticas que contempla el programa educativo de la temporada 2017-2018.

Las actividades, dirigidas principalmente a estudiantes de Primaria, Secundaria, universidad, conservatorios de Música y Danza y escuelas oficiales de idiomas, incluyen por primera vez una actividad para menores de tres años: Babies ONLY, un taller de estimulación sensorial.

Espectáculos educativos, talleres, jornadas, encuentros, coloquios e iniciativas de divulgación de la lírica y de la música sinfónica articulan las diferentes propuestas que hasta junio de 2018 albergarán los diferentes espacios de Les Arts.

Dentro de los espectáculos educativos, el centro de artes repone dos de sus montajes más celebrados: ‘Detectives en la ópera’, una alocada visita guiada en la que los niños y niñas, convertidos en detectives noveles, descubren los secretos de un teatro de ópera; y ‘Dibujar la música’, inspirado en ‘La historia de Babar, el pequeño elefante’, de Francis Poulenc, y ‘El carnaval de los animales’, de Camille Saint-Saëns.

Además, el presente curso incluye otras propuestas como ‘Siente la música’, que permitirá a los asistentes conocer de manera transversal el piano, su naturaleza, timbre y registros, así como la continuidad del proyecto LOVA.

El Aula Magistral, por su parte, acoge dos lecturas dramatizadas a través de las cuales el alumnado explora las relaciones entre la lírica y la literatura. De manera paralela al estreno en el mes de diciembre de ‘Don Carlo’, de Verdi, se representará ‘Dom Karlos, Infant von Spanien’, de Friedrich Schiller, mientras que en mayo, con motivo de las funciones de ‘Tosca’, se pondrá en escena ‘La fosca’, parodia de la ópera de Puccini en un acto y cuatro cuadros y medio, escrita en verso por Salvador María Granés. Como complemento, Les Arts oferta la actividad ‘De libro a libreto’, en la que los estudiantes de Secundaria y Bachillerato trabajan el proceso de adaptación de una obra literaria al lenguaje operístico.

Entre las diferentes iniciativas se mantienen también sesiones prácticas alrededor de la lírica y su funcionamiento, como ‘La ópera en construcción’, que descubre la interacción de las diferentes disciplinas profesionales en un teatro de ópera, o la propuesta familiar ‘Una mañana con…’, que muestra el proceso de creación de una producción operística.

En el apartado de talleres, Les Arts retoma propuestas como ‘Attrezzomania’, ‘VestuArts’ y ‘CaracterizaT’, dirigidas a estudiantes de segundo ciclo de Primaria para que conozcan de primera mano la actividad de departamentos imprescindibles en cualquier teatro: utilería, vestuario y caracterización.

Acercar la excelencia artística

La calidad de la actividad artística constituye otra de las bases del programa didáctico. Como complemento a la formación de los futuros profesionales, el centro de artes organiza encuentros y coloquios con destacados directores de orquesta y cantantes, con motivo de su presencia en el teatro.

Por su parte, los cuerpos estables de Les Arts serán también objeto de estudio en otras actividades: ‘Educant en Simfonia’ y ‘Re-Cambra’, alrededor de los conciertos sinfónicos y de música de cámara de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, y ‘Tots a Cor’, sobre la actividad del Cor de la Generalitat Valenciana.

En este sentido, Les Arts también mantiene acciones de divulgación y acercamiento de la lírica como espectáculo. A lo largo de la temporada, el programa ‘Siente la ópera’ permite disfrutar de una de las funciones de ópera a estudiantes de Secundaria, de Bachillerato y de centros de enseñanza de régimen especial, además de los ensayos generales y funciones didácticas destinados exclusivamente al público educativo.

El programa didáctico de la temporada 2017-2018 incluye también las diferentes propuestas con las que Les Arts se suma cada año a la celebración de los European Opera Days, que en la pasada edición reunieron a más de mil cien personas en el centro de artes. Estas jornadas, promovidas desde Ópera Europa -la principal organización del continente, con 170 compañías de ópera y festivales asociados-, tienen como fin poner en valor la música como lenguaje universal y ensalzar la ópera, arte por excelencia de la identidad europea.

Tancredi

El Palau de les Arts Reina Sofía cierra la temporada lírica con su primera incursión en la ópera seria de Gioachino Rossini, ‘Tancredi’, que se estrenará el próximo viernes, 23 de junio en la Sala Principal.

El intendente de Les Arts, Davide Livermore, ha presentado este título hoy en conferencia de prensa junto con Roberto Abbado, director musical; Emilio Sagi, director de escena; la mezzosoprano Daniela Barcellona (Tancredi); la soprano Jessica Pratt (Amenaide); el tenor Yijie Shi (Argirio); y el barítono Pietro Spagnoli (Orbazzano).

El también director artístico del teatro de ópera ha recordado que se dedicarán las representaciones de ‘Tancredi’ a la memoria de Alberto Zedda, máxima autoridad en la obra del compositor de Pésaro, que ejerció, además, de primer director artístico del Centre Plácido Domingo:

“Qué mejor homenaje podemos rendirle, que ofrecer un Rossini con los mejores mimbres artísticos que se pueden encontrar en el panorama operístico actual, a la altura de su Rossini Opera Festival de Pésaro o de los mejores teatros del mundo”, ha explicado Livermore.

Roberto Abbado, por segundo año consecutivo, cierra la oferta de Les Arts con este título, que compagina con el concierto que dirigirá en el Palau de la Música con la soprano Anna Caterina Antonacci y la Orquestra de la Comunitat Valenciana el día 30 de junio.

Según destaca el maestro milanés: “Rossini ha sido el compositor de ópera más grande de su tiempo, con gran influencia no sólo en la ópera italiana sino también en la francesa. Lo más fascinante es el desarrollo innovador, no hay otro italiano que haya empujado la ópera hacia adelante como él, era como si tuviese un telescopio para mirar el futuro”.

“Siempre utiliza -continúa el director- un idioma muy típico y reconocible, por eso la dificultad como intérpretes es que debemos saber distinguir para hacer que ese mismo idioma funcione de forma distinta en una ópera seria o en una ópera bufa”.

Sobre los diferentes finales, Roberto Abbado matiza que de los tres que existen: Venecia, Ferrara y una versión milanesa con otros personajes, el final trágico (Ferrara, marzo 1813) que se verá en Les Arts, corresponde “según mi visión al ideal de ‘Tancredi’ que Rossini había pensado, además de ser muy innovador porque en él la música se va desintegrando para terminar en silencio”.

Se trata de la séptima puesta en escena que Emilio Sagi presenta en el enclave cultural valenciano tras sus celebradas propuestas para ópera española y zarzuela: ‘La Bruja’ y ‘El rey que rabió’, ambas de Ruperto Chapí; ‘Luisa Fernanda’, de Moreno Torroba; ‘El dúo de ‘La Africana’, de Fernández Caballero, ‘Katiuska’, de Pablo Sorozábal y ‘Lucrezia Borgia’, de Donizetti.

El montaje, coproducido por la Opéra de Lausanne y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, cuenta con escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Pepa Ojanguren e iluminación de Eduardo Bravo.

El reputado director de escena ovetense emplea una estética “inspirada en los principios del siglo XX, pero con un corte atemporal” para “ganar en credibilidad y dar una imagen menos acartonada del libreto”. “La música de Rossini -apunta- es universal y moderna también, por eso funciona hacer un montaje alejado de la narración original palabra por palabra, que no es otra cosa que una historia de caballeros y héroes”.

Daniela Barcellona, voz rossiniana de referencia, regresa a Les Arts con uno de sus papeles fetiche, Tancredi, que le ha acompañado toda su carrera desde su debut en Pésaro en 1999. Se trata de su tercera actuación en el centro operístico, tras cantar en la Gala Puccini bajo la batuta de Plácido Domingo en 2008, encarnar a Didon en ‘Les Troyens’, con Valery Gergiev, en 2009, y presentar por primera vez el rol de Amneris en ‘Aida’ en 2010.

“Para mí, Tancredi es un rol muy significativo, porque ha sido el papel que ha hecho toda mi carrera. Cuando lo debuté sabía que suponía una gran responsabilidad, ya que antes de mí lo había cantado Lucia Valentini Terrani. Como personaje, lo sigo amando muchísimo, es poético y muy positivo, tanto que pese a que piensa que Amenaide no lo ama, se bate por ella”, subraya la mezzosoprano italiana.

Jessica Pratt interpreta a Amenaide, su primer papel en Valencia. La soprano, nacida en Inglaterra pero criada en Australia, es una de las voces con mayor presencia en la escena internacional. Desde su debut en 2007 como ‘Lucia di Lammermoor’, su nombre es imprescindible en las grandes producciones de bel canto en Europa y Estados Unidos, que le ha llevado a conseguir numerosos galardones en todo el mundo.

“Tancredi’ -añade Jessica Pratt- fue la primera ópera de Rossini que vi en Italia y también la que me hizo enamorarme del bel canto. Amenaide es un papel muy interesante tanto escénica como musicalmente. La música es increíblemente hermosa, aunque también supone un reto porque tiene mucho que cantar: dos duetos, tres escenas y el final primero… Físicamente es muy exigente, pero yo adoro los desafíos”.

En el apartado masculino, Les Arts cuenta con otras dos figuras de contrastado prestigio que también hacen su primera incursión en el centro operístico valenciano: Yijie Shi (Argirio) y Pietro Spagnoli (Orbazzano).

El tenor chino Yijie Shi está en primera línea de la escena operística después de ser la revelación en el Rossini Opera Festival de 2008 con el papel de Cavalier Belfiore en ‘Il viaggio a Reims’, al que siguió un sonado éxito por el papel protagonista en ‘Le comte Ory’ en 2009.

Pese a su juventud, Yijie Shi cuenta ya con el reconocimiento de los teatros de ópera más prestigiosos como el Metropolitan de Nueva York, la Ópera de San Francisco, el Théâtre des Champs Élysées de París, la Accademia Nazionale di Santa Cecilia en Roma, el Maggio Musicale Fiorentino, el Rossini Opera Festival de Pésaro, la Deutsche Oper de Berlín o La Fenice de Venecia, y ha trabajado con directores como Roberto Abbado, Zubin Mehta, Kent Nagano y Alberto Zedda.

Nacido en Roma, el barítono Pietro Spanogli es uno de los intérpretes de referencia en el repertorio de Donizetti, Mozart y Rossini gracias a papeles como Figaro y Conte Almaviva en ‘Le nozze di Figaro’; el rol protagonista en ‘Don Giovanni’; Guglielmo y Don Alfonso en ‘Così fan tutte’; Dandini y Don Magnifico en ‘La Cenerentola’: Belcore y Dulcamara en ‘L’elisir d’amore’; Sulpice en ‘La fille du regiment’ o Malatesta en ‘Don Pasquale’.

Cierran el elenco de ‘Tancredi’, la emergente mezzosoprano Martina Belli (Isaura) y la soprano del Centre Plácido Domingo Rita Marques (Roggiero).

‘Tancredi’ es un ‘melodrama heroico’ en dos actos con libreto en italiano de Gaetano Rossi, que fue representado por primera vez en el teatro La Fenice de Venecia el 6 de febrero 1813. El texto está basado en la tragedia ‘Tancréde’, que escribió Voltaire en 1759.

Además del día 23, Les Arts ha programado otras representaciones de la ópera de Rossini los días 25, 27 y 29 de junio además de una última función el 1 de julio.

Werther

Werther se ha representado por primera vez en El Palau de les Arst de Valencia, en el transcurso de cinco representaciones. La Orquesta de Comunitat Valenciana, magníficamente dirigida por el húngaro Henrik Nánási, ha sido la gran triunfadora. Los resultados tanto en el plano vocal como escénico han sido más discretos.

Jules Massenet (1842 –1912) llegó a componer hasta veinticinco óperas siendo las más conocidas y representadas Manon (1884), Werther (1892) y Thaïs (1898). También cabe citar otros títulos como Le Cid (1885), Esclarmonde (1889), La Navarreise (1894), Le Jongleur de Notre-Dame (1902) y Don Quichotte (1910). Ya, en 1880, Massenet comenzó a barajar la idea de componer una ópera basada en la obra de Goethe Die Leiden des jungen Werther (Las desventuras del joven Werther) de 1774.

Durante un viaje que el compositor junto a su editor Georges Hartmann realizaron a Bayreuth, en 1886, para escuchar Parsifal, tuvieron ocasión de visitar la ciudad de Wetzlar cerca Frankfurt, donde Goethe había escrito su obra. Es, a partir de entonces, cuando Massenet inicia la composición de Werther, con un libreto de Édouard Blau, Paul Milliers y Georges Harmant, quienes adaptan la obra de Goethe, dándole mucha más relevancia al personaje de Charlotte, la mujer idealizada por Werther, por la que siente una incontrolable pasión amorosa. Una vez concluida la composición en junio de 1887, Massenet la ofreció a La Opera-Comique de París, cuyo director Leon Carvalho la rechazó por considerar que el argumento era demasiado triste para interesar al público.

Finalmente, la ópera traducida al alemán, se estrenó con gran éxito en el Teatro Hofoper de Viena el 16 de febrero de 1892. La versión en francés fue estrenada en La Opera de Ginebra el 27 de diciembre de 1892 y el 16 de enero de 1893 se produjo el estreno en La Ópera-Comique de París, donde fue alabada por la crítica aunque recibida con reticencias por el público.

La ópera tuvo una gran aceptación en los principales teatros de todo el mundo. Durante la primera mitad del Siglo XX, fue representada con cierta regularidad en Francia y de manera más intermitente en el resto del mundo, destacando la extraordinaria creación de Werther realizada por el gran tenor francés Georges Thill, junto a la magnífica Charlotte de la soprano Ninon Vallin, que puede escucharse en la grabación discográfica de 1931, dirigida por Elie Cohen al frente de la Orquesta de La Ópera-Comique, remasterizada en CD por EMI en 1989 y aún con mejor sonido por NAXOS en 2000.

Han transcurrido ochenta y seis años y aquella grabación de Werther continua siendo una auténtica referencia. La versión en italiano de Werther tuvo como gran protagonista a Tito Schipa, quien ya la interpretó en Liceu de Barcelona, en diciembre de 1918, y mantuvo en su repertorio durante tres décadas, existiendo muchas grabaciones de la famosa aria del Acto III “Pourquoi me reveiller” en italiano “Ah! Non mi ridestar” y también del aria del Acto I “Allors, c’est bien ici…O Nature” en italiano “Allor sta propio quá…..O natura” y una selección de la ópera junto a la Charlotte de la mezzo Gianna Pederzini grabada en 1940. Schipa fue el modelo de otros tenores italianos como Giuseppe Di Stefano, Ferruccio Tagliavini, Cesare Valletti y Carlo Bergonzi que interpretaron esta ópera en puntuales ocasiones durante los años cincuenta y sesenta del pasado siglo.

Sin embargo, el auténtico resurgir de Werther se produjo cuando el gran Alfredo Kraus la incorporó a su repertorio, en enero de 1966, en el Teatro Municipale de Piazenza, cantada en italiano; aunque pronto el tenor canario interpretará la versión en francés, cuyo primer testimonio es la toma en directo realizada en el madrileño Teatro de la Zarzuela en 1969, donde Kraus compartía reparto con la exquisita Charlotte de Victoria de Los Angeles, quien ese mismo año había intervenido en una magnífica versión discográfica realizada por EMI, junto al excelente Werther del gran tenor sueco Nicolaï Gedda, dirigidos de manera espléndida por Georges Prêtre, al frente de la Orquesta de la Ópera de París. Alfredo Kraus interpretó Werther durante treinta años, en innumerables representaciones por todos los grandes teatros del mundo, compartiendo repartos con magníficas Charlotte, entre ellas: Tatiana Troyanos, Teresa Berganza, Elena Obraztsova, Regine Crespin, Frederica von Stade o Martha Senn.

Numerosas tomas en directo tanto en audio como en video, acreditan la extraordinaria interpretación que Alfredo Kraus realizó de Werther, existiendo también una referencial grabación discográfica, con excelente sonido, realizada en estudio por EMI, en 1979, con dirección orquestal de Michel Plasson al frente de la Orquesta Filarmónica de Londres, donde Kraus compartía reparto con la excelente Charlotte de la mezzo Tatiana Troyanos. El Werther de Alfredo Kraus, sintetiza el estilo aristocrático de Georges Thill con el colorido vocal de Tito Schipa. Después de Kraus cabe destacar las interpretaciones realizadas por Roberto Alagna y Jonas Kaufmann. El tenor francés Jean François Borras, quien ha interpretado Werther en las funciones del El Palau de Les Arts, tuvo su gran oportunidad al sustituir a un indispuesto Jonas Kaufmann, en el transcurso de una representación de Werther, en 2014, en el Metropolitan de Nueva York, ello supuso su debut en este papel que ha interpretado con cierta frecuencia en los últimos años.

El Werther representado en el valenciano Palau de Les Arts, es una coproducción de este Teatro y la Ópera de Montecarlo, con dirección escénica de Jean Louis Grinda, y escenografía de Rudy Sabounghi, con la presencia, desde el mismo comienzo de la Ópera de un gran espejo donde se refleja un Werther de ensangrentada camisa. Súbitamente el espejo se rompe, es atravesado por el protagonista y su troceada moldura se desplaza a los extremos del escenario, volviendo a recomponerse en diferentes momentos: la preciosa escena del “Claro de luna” en el Acto I y en todo el Acto IV, con el que finaliza la representación.

La historia es mostrada a modo de un largo flach-back, empezando por el final, donde Werther contempla el trágico desarrollo de su vida en los últimos seis meses, que constituyen el período de tiempo entre su propia muerte y el momento en que se siente atraído por su ideal femenino representado por Charlotte. El modo de relatar la historia es interesante, aunque resulta un tanto fallido, ya que este procedimiento narrativo típicamente cinematográfico (recuerda el utilizado por Billy Wilder en sus famosas películas: Perdición y El crepúsculo de los dioses) requiere la continua presencia escénica del protagonista, algo que no ocurre en Werther.

El escenario que aparece en los dos primeros actos es el jardín de la casa donde vive Charlotte y como fondo un bosque de verdes colores en el arranque del verano donde transcurre el Acto I, que deriva a las ocres tonalidades del otoño durante el Acto II. El escenario del Acto III, resulta muy convencional, con una gran sala en la casa matrimonial de Charlotte, cuyos elementos principales son un clavicordio, y una iluminada vitrina que contiene una colección de pistolas. La escenografía solo adquiere relevancia al comienzo del Acto IV, con una proyección donde puede verse la figura frontal de Charlotte, con un rostro desencajado, dentro del marco reconstruido de ese gran espejo, corriendo sobre la nieve hacia la casa de Werther.

Poco acertada esa presencia de celestiales angelitos, con sus correspondientes alas, que aparecen rodeando a Werther y Charlotte al final de la ópera. Tampoco la iluminación consigue dar realce a la sencilla escenografía.

En una ópera como Werther, donde el entramado orquestal resulta fundamental siempre imbricado en la acción dramática: La Orquesta de la Comunitat Valenciana fue la gran triunfadora de estas representaciones, espléndidamente dirigida por el húngaro Henrik Nánási, quien consiguió extraer de todas las secciones orquestales, expresivas sonoridades, que ya se ponen de manifiesto en la ejecución de la obertura inicial con momentos de gran tensión dramática en la ejecución de ese tema musical recurrente, que traduce la pasión que Werther siente por Charlotte y que enlaza con los bucólicos acordes que muestran ese otro tema también recurrente de la naturaleza, con brillantes intervenciones solistas del violín concertino.

El sonido orquestal resultó verdaderamente sublime en la interpretación de “El Claro de Luna” en el Acto I, que se convierte en el tema musical esencial de la ópera, y donde destacó de sobremanera el sonido de los violonchelos.

Magnífica la respuesta orquestal en el transcurso del Acto III, en el acompañamiento de las arias de Charlotte, con especial referencia a las intervenciones del saxo, en la segunda aria “Va! Laisse couler mes larmes!” y también las intervenciones de los chelos y el arpa en la famosísima aria de WertherPourquoi me reveiller”. Resaltar la gran interpretación orquestal de la obertura del Acto IV, que lleva por subtítulo “La nuit de Noël”. Magnífica prestación del corno inglés dándole realce a los pasajes de mayor tensión dramática. Excelente sonido de los metales en especial de las trompas. Destacar el solo de órgano como coda conclusiva del dúo de Charlotte y Albert en el Acto II. Solo cabría reprochar un excesivo volumen del sonido orquestal, que, en algún momento, tapó a las voces.

Werther es una ópera de verdadero lucimiento para los dos protagonistas a través de numerosas arias y ariosos, junto a cuatro grandes dúos. En su interpretación de Werther, el tenor francés Jean Louis Borrás, mostró adecuación idiomática y estilística, con una voz lírica de bonito timbre y aceptable volumen, aunque algo ligera y que solamente adquiere rotundas dimensiones en el registro agudo. En sus intervenciones se echó en falta más variedad de acentos, que dotaran a su canto de auténtica expresividad. Realizó una notable interpretación llena de melancolía en ese canto a la naturaleza que constituye el recitativo-aria “Alors, c’est bien ici……Ô nature, plein de grâce” del Acto I. Ya, en el Acto II, mostró en su aria “Un autre est son époux!” ese grado de frustración que le produce ver a Charlotte ya casada con Albert.

Borrás ofreció sus mejores momentos en la famosa aria “Pourquoi me reveiller” insertada en el gran dúo del Acto III con Charlotte, interpretada por la mezzo Anna Caterina Antonacci, quien muestra su gran calidad de interprete al penetrar plenamente en la psicología del personaje, aunque con una voz bastante agostada, con un importante vibrato en todos los registros, escaso volumen y una gama de graves prácticamente inaudibles. Estas carencias se hacen patentes en sus dramáticas intervenciones del Acto III: el aria de las cartas “Werther! Werther…Qui m’aurait dit la place” aceptablemente resuelta, y mostrando auténticos problemas en “Va! Laisse couler mes larmes!” tan exigente en el registro grave.

Muestra una matizada línea de canto en el precioso dúo con Werther del “Claro de Luna” en el Acto I, en comparación con la interpretación más plana de Jean François Borras. Antonacci también está notable en el dúo final con Werther, donde Borrás abusó de las notas afalsetadas, con perdida de afinación en alguna de ellas.

Muy bien la Sophie de Helena Orcoyen, una voz ligera de timbre penetrante y bien proyectada, que se luce en su recitativo-aria del Acto I “Frère, voyez le bouquet….Du gai soleil, plein de flamme”, donde muestra una juvenil alegría ligando bien las frases y ofreciendo unos magníficos agudos. También destaca su interpretación en el dúo con Charlotte “Bonjour, grand soeur!” del Acto III, donde su alegría y desenfado contrasta con la tristeza de su abatida hermana.

Muy discreta la interpretación del bajo-barítono Michael Borth, como Albert, mostrando auténticas limitaciones en un papel de cierta exigencia, sobre todo en el aria “Elle m’aime elle pensé a moi” del Acto I o en el dúo con Charlotte “Trois mois! Voici trois mois” del Acto II, donde se ponen de manifiesto sus carencias vocales e interpretativas.

Aceptable interpretación de Alejandro López como Le Bailli (El magistrado padre de Charlotte). Exagerada caracterización de Moisés Marín y Jorge López interpretando respectivamente a los borrachos Schmidt y Johann, con una notable interpretación de su dúo “Vivat Bacchus, Semper vivat” en el arranque del Acto II, que suele cortarse, pero que si está incluido en esta producción.

Buenas interpretaciones de los niños de La Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats y de las niñas de La Escola Coral Veus Juntes de Quart de Poblet.

Texto: Diego Manuel García Pérez
Fotografías: Tato Baeza

The Turn of the Screw

El Palau de les Arts Reina Sofía se adentra en el mundo fantasmagórico de ‘The Turn of the Screw, de Benjamin Britten, que se ha estrenado el 2 de junio, en el Teatre Martín i Soler. Davide Livermore, Intendente de Les Arts y responsable de la puesta en escena, y Christopher Franklin, director musical, presentan la tercera y última nueva producción de la Temporada 2016-2017 de Les Arts, que interpretan los artistas del Centre Plácido Domingo.

The Turn of the Screw’, según ha explica Davide Livermore, es “una obra maestra sin discusión”, que no sólo es interesante “por su valor en la formación de los intérpretes del Centre”, sino también “por su atractivo para acercar nuevos públicos a la ópera”.

“Britten es una figura fundamental para mostrar a la gente que la ópera habla de actualidad: la violencia de género, los abusos sexuales a menores o el debate sobre la pena de muerte”, apunta Livermore.

Basada en la celebérrima novela de terror de Henry James, ‘The Turn of the Screw’ es la inquietante historia de una niñera, una ama de llaves y dos niños huérfanos acosados por fantasmas en un mundo donde la ambigüedad circula por todos lados.

“The Turn of the Screw – según Livermore- habla de una situación que vemos constantemente en la actualidad: el fin de la inocencia. Hoy en día, en los medios de comunicación social, en la calle, nos encontramos con niños que imitan roles de adultos perdiendo así su infancia. En Britten podemos ver el daño que se puede infligir a un niño al que se roba la inocencia”.

Benjamin Britten compuso una partitura desasosegante y teatral, con un tema y quince variaciones de éste, para una orquesta de cámara de 13 músicos. El libreto fue escrito por Myfanwy Piper. Comisionada por la Bienal de Venecia, el estreno de ‘The Turn of the Screw’ tuvo lugar en el Teatro La Fenice el 14 de septiembre de 1954.

Christopher Franklin regresa a Les Arts tras su reconocido debut la pasada temporada con ‘Café Kafka’, de Francisco Coll, y ‘Juana de Arco en la hoguera’, de Honegger. Según explica el director estadounidense, “Benjamin Britten es un compositor muy característico, tan sólo hace falta escuchar dos compases para reconocer una obra suya”.

‘The Turn of the Screw’ supone -en palabras del maestro- “todo un reto”. “Tenemos jóvenes cantantes, con unas voces muy bonitas, que cantan por primera vez Britten. La meta es el inglés y aprender a cantar en inglés con ritmos difíciles, melodías complicadas y entradas que aprender. El desafío no es sólo musical porque es una obra de fuerte dramaturgia”.

En este sentido, Davide Livermore ha remarcado el gran valor de los cantantes del Centre Plácido Domingo para cantar y también interpretar una obra que aborda “un tema tan delicado y peligroso como el abuso sexual en niños”, que evidencia “el enorme talento y profesionalidad” de los artistas de la octava promoción de este proyecto.

Los cantantes del Centre Rita Marques y Karen Gardeazabal (Institutriz), Giorgia Rotolo y Olga Zharikova (Flora), Anna Bychkova y Nozomi Kato (Mrs. Grose), Andrés Sulbarán y Gustavo Adolfo Palomo (Peter Quint), Marianna Mappa (Miss Jessel) junto con los niños del coro de Trinity School Jeremie de Rijk y William Hardy (Miles) configuran el reparto.

Les Arts presenta un montaje que ha sido realizado íntegramente por el Equipo Técnico del centro operístico, con escenografía de Manuel Zuriaga, vestuario de Mariana Fracasso, iluminación de Nadia García y Antonio Castro, videocreación de Miguel Bosch y coreografía de Fátima Sanlés.

La ópera de Britten se representará en el Teatre Martín i Soler los días 2, 4 y 10 de junio, con una función didáctica el día 6. Las localidades tienen el precio único de 25 euros.

Temporada Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía aumenta la colaboración institucional y ofrece 249 sesiones artísticas y educativas en la Temporada 2017-2018, que han presentado hoy en conferencia el secretario autonómico de Cultura y Deporte, Albert Girona, y el intendente-director artístico Davide Livermore.

Una oferta, que como ha señalado Albert Girona, incluye 38 representaciones de ópera, 10 de ballet, 11 conciertos sinfónicos, 2 sesiones de música de cámara, 3 recitales, 4 conciertos de música de banda, 5 jornadas de actividad continua i gratuita, 37 funciones de espectáculos educativos. 110 funciones que junto con las propuestas y talleres didácticos suma la cifra de 248 sesiones de actividades para la ciudadanía, 27 más que la anterior Temporada.

El secretario autonómico de Cultura ha puesto en valor los acuerdos con la Universitat de València, la Federación de Sociedades Musicales, el Ayuntamiento de València, la Agencia Valenciana del Turismo, la Diputación de València, además de una actividad sinfónica en Alicante y Castelló, en la línea de apertura de Les Arts al territorio, que este año acogerá nuevamente, doce años después de su inauguración, el concierto institucional del 9 de Octubre.

Asimismo, Albert Girona ha recordado la apuesta del Govern del Botànic por lograr una auténtica participación de la ciudadanía del patrimonio cultural, que se materializa en una pretemporada con precios populares y una programación al mismo nivel artístico que el resto de espectáculos de Les Arts.

Lucrezia Bori en una nueva interpretación del artista italiano Francesco Calcagnini se mantiene como icono de Les Arts según ha avanzado Davide Livermore. El ilustrador y escenógrafo ha creado, además, una serie de composiciones que constituirán la imagen de cada una de las propuestas de la Temporada 2017-2018.

El 5 de octubre, Fabio Biondi, con un concierto con obras de Händel y Rameau, inaugura la Pretemporada de Les Arts, siguiendo la misma filosofía de precios populares que anteriores ediciones: entradas de 7 a 50 euros para las representaciones de ópera y de 10 a 20 euros para los conciertos, junto con los pases combinados con descuentos añadidos de hasta el 50% sobre estos importes.

Como principal novedad, este año, Les Arts estrena una nueva producción de ‘Madama Butterfly’, de Puccini, con cinco funciones los días 11, 14, 17, 20 y 22 de octubre. Diego Matheuz, la nueva estrella del Sistema Venezolano de Orquestas, asume la dirección musical. En el escenario, dos jóvenes estrellas: la soprano armenia Liana Aleksanyan, que debutó en La Scala de Milán con Riccardo Chailly en el papel de Cio-cio san, y el toledano Sergio Escobar, que recientemente salvó ‘in extremis’ la despedida de Zubin Mehta del Maggio Musicale Fiorentino al sustituir al protagonista de ‘Don Carlo’ ya comenzada la función. El joven valenciano Emilio López, que comenzó su carrera en el centro de artes, firma la puesta en escena.

El 2 de noviembre, Fabio Biondi dirige, en versión de concierto, el primer título dentro la colaboración con la Agencia Valenciana del Turismo: ‘Le cinesi’, de Gluck, ópera sobre las diferencias culturales entre oriente y occidente, con con dos primeras voces en el Auditori: la soprano italiana Desirée Rancatore y la mezzo sueca Ann Hallenberg. Una semana después, el día 7, el maestro palermitano ofrece su primer Rossini en Les Arts: ‘Petite Messe Solennelle’, obra sacra del genio de Pésaro.

El día 10 de noviembre regresa La Fura dels Baus con cinco funciones de ‘El amor brujo’, de Falla. Carlus Padrissa dirige este espectáculo alrededor de la célebre gitanería y otras obras del compositor español, que combina palabra, fuego, magia, arena y agua en una fiesta para los sentidos. En el podio, debuta con la Orquestra de la Comunitat Valenciana una de las jóvenes batutas más prometedoras del panorama nacional, el madrileño Andrés Salado.

Por segundo año consecutivo, los artistas del Centre Plácido Domingo clausuran la Pretemporada con el concierto ‘Noves Veus’, con fragmentos de ópera en el programa.

Temporada de ópera

El 9 de diciembre, Plácido Domingo, en el papel de Rodrigo, inaugura la Temporada de abono con ‘Don Carlo’, la monumental ópera de Verdi sobre las intrigas palaciegas del rey Felipe II en El Escorial. Ramón Tebar, principal director invitado, dirige un reparto de primerísimas estrellas: María José Siri, Violeta Urmana, Alexánder Vinogradov y Andrea Carè. El reconocido ‘regista’ suizo Marco Arturo Marelli, es el autor de esta producción de la Deutsche Oper de Berlín.

Gregory Kunde regresa en febrero para interpretar al pescador inglés Peter Grimes, en la ópera homónima de Benjamin Britten, uno de los primeros éxitos del compositor inglés. Christopher Franklin vuelve al foso para ofrecer el tercer Britten para la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El alemán Willy Decker, autor de ‘La Traviata’ minimalista que abrió el curso lírico 2013-2014, firma la puesta en escena del montaje, adquirido al teatro La Monnaie de Bruselas.

En el mes de marzo, los artistas del Centre Plácido Domingo protagonizan en el Teatre Martin i Soler ‘Il mondo della luna’, de Haydn, una deliciosa ópera bufa sobre los engaños a un inocente burgués apasionado por la astronomía que hará disfrutar a todos los públicos. Emilio Sagi estrena un interesante montaje del Teatro Arriaga, premiado como la mejor producción operística de 2013 en España, y cuenta con direccion musical de Jonathan Brandani.

A finales de ese mismo mes, el centro operístico recupera una de las óperas de juventud de Giuseppe Verdi: ‘Il Corsaro’, melodrama trágico en tres actos basado en el poema homónimo de Lord Byron, que -por primera vez en su carrera- dirige Fabio Biondi. El joven tenor estadounidense, Michael Fabiano, una de las sensaciones del momento, protagoniza este título junto con Oksana Dyka y la prometedora soprano Kristina Mkhitaryan. Nicola Raab que estrenó en 2012 la aplaudida puesta en escena de ‘Thaïs’, de Massenet, realiza su primera producción para Les Arts.

En mayo, el podio de la Sala Principal recibe a Nicola Luisotti, director de la Opera de San Francisco, para ‘Tosca’, de Puccini. La diva armenia, Lianna Haroutounian, protagoniza esta obra, que representamos en un montaje de Davide Livermore para el Teatro Carlo Felice de Génova y que aborda la historia de la actriz Floria Tosca y el pintor Mario Caravadossi desde múltiples puntos de vista.

Roberto Abbado estrena en Les Arts ‘La damnation de Faust’, de Berlioz, leyenda dramática entre la sinfonía y la ópera alrededor de la obra de Goethe, con el tenor canario Celso Albelo y el bajo burgalés Rubén Amoretti como protagonistas. Damiano Michieletto, uno de los ‘registas’ del momento firma esta nueva coproducción de Valencia con la Ópera de Roma y el Teatro Regio de Torino.
El Auditori de Les Arts programa el 24 y 28 de junio la última ópera que dejó escrita Mozart, ‘La clemenza di Tito’, en versión de concierto-espectáculo, con Fabio Biondi como director musical. Dos reputadas voces mozartianas: el tenor estadounidense René Barbera y la distinguida soprano italiana Eva Mei, encabezan el reparto.

Ballet

Los días 21, 22, 23, 24 y 25 de febrero, la Sala Principal recibe la visita de la Compañía Antonio Gades con un espectáculo que revolucionó la visión del flamenco en el mundo: ‘Carmen’, el tercer ballet narrativo del mítico bailarín y su primera colaboración con Carlos Saura. Flamenco, la música de Bizet y la literatura de Prosper Mérimée se reúnen en este espectáculo, la segunda propuesta de danza que programa Les Arts.

Conciertos, música de cámara y recitales

Además de los conciertos de Pretemporada, el Palau de les Arts incluye en su duodécima Temporada otras siete citas de referencia con la Orquestra de la Comunitat Valenciana, entre las que destaca el regreso, después de 12 años, del Concierto Institucional del 9 de Octubre. El alcoyano Jordi Bernàcer, primer valenciano que dirigió ópera en la Sala Principal, se pone al frente de la formación titular de Les Arts para esta jornada.

Roberto Abbado se subirá en tres ocasiones al podio del Auditori. El 14 de diciembre, el maestro milanés propone obras de Haydn, Beethoven y Hindemith, mientras que el 25 de mayo, abunda en uno de los autores que más éxitos ha dado a la OCV: Mahler con su séptima sinfonía, también llamada ‘Canción de la Noche’. El 2 de junio, el director musical de Les Arts dirigirá una de las grandes citas de la Temporada, el concierto lírico en el que Mariella Devia interpretará algunas de las arias que la han encumbrado como reina del bel canto.

Plácido Domingo protagoniza el concierto de Navidad en su faceta de director de orquesta el 22 de diciembre, en una cita en la que Les Arts celebrará el 30 aniversario del Cor de la Generalitat Valenciana. La oferta sinfónica también incluye un concierto, el 2 de febrero, con el ganador del Concurso Internacional de Piano José Iturbi y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, fruto de la colaboración de Les Arts con la Diputación de València.

El 20 de abril, la Orquestra de la Comunitat Valenciana recibe a una de las batutas más apreciadas por el público, el húngaro Henrik Nánási, que después de ‘El castillo del duque Barbazul’, ‘Macbeth’ y ‘Werther’ para dirigir un concierto con la OCV.

La Temporada 2017-2018 mantiene la música de cámara con dos conciertos de Fabio Biondi y los profesores de la Orquestra de la Comunitat Valenciana los meses de marzo y abril en los que interpretan la integral de los ‘Conciertos de Brandenburgo’, de Bach. Asimismo, los artistas del Centre Plácido Domingo ofrecen dos recitales de ‘Lied’ en abril y junio.

Programa didáctico

El Programa Didáctico de Les Arts aumenta su presencia en la temporada con 176 sesiones planificadas, que incluyen desde espectáculos educativos como: ‘Siente la música’, ‘Detectives en la ópera’, ‘Dibujar la Música’, Lecturas Dramatizadas y Conciertos participativos hasta talleres didácticos, acciones divulgativas y de acercamiento de la lírica.

A lo largo del curso, el centro cultural acogerá propuestas de trabajo alrededor de la ópera, su entorno profesional y funcionamiento como ‘La ópera en construcción’, ‘Una mañana con…’, ‘Atrezzomania’, ‘VestuArts’, ‘CaracterizaT’, ‘Tots a Cor’, además de los grupos de trabajo del Proyecto LÓVA.

Asimismo, junto con las conferencias previas a las funciones de ópera, que se realizan en colaboración con la Universitat de València, los principales protagonistas de la temporada participarán en actividades divulgativas como ‘La voz de…’ y los encuentros magistrales.

El programa también incluye iniciativas para la apertura de la lírica al público más joven con programas como ‘Siente la ópera’, funciones orientadas a la comunidad educativa y los ‘European Opera days’.

Actividades gratuitas y de apertura de Les Arts

El 24 de septiembre, Les Arts celebra la X Jornada de Puertas Abiertas, con dos espectáculos gratuitos: un concierto de Jordi Bernàcer y la Orquestra de la Comunitat Valenciana y un recital de los cantantes del Centre Plácido Domingo con fragmentos de ópera y zarzuela.

El centro de artes volverá a celebrar el natalicio de Mozart con la maratón cultural ‘Mozart, Mozart Nacht und Tag’, que registró el pasado enero, en su primera edición, la asistencia de 2.500 personas a las más de 24 horas de oferta de música, charlas y actividad para todos los públicos.

Como cada temporada, Nit a Les Arts clausurará la actividad del teatro con espectáculos técnico-artísticos desde el escenario de la Sala Principal y música en vivo en diferentes terrazas y espacios abiertos del edificio durante dos noches consecutivas.

Además, el ciclo ‘Bandes a Les Arts’ se incorpora oficialmente a la Temporada con cuatro conciertos los días 17 de septiembre, 11 de febrero, 25 de marzo y 3 de junio, además de la celebración del Certamen de Bandas de la Comunitat Valenciana que tradicionalmente acoge el Auditori.

Werther

Henrik Nánási dirige por tercera vez a la Orquestra de la Comunitat Valenciana tras sus celebrados trabajos en ‘El castillo del duque Barbazul’ y ‘Macbeth’. Jean-Louis Grinda firma este montaje con escenografía y vestuario de Rudy Sabounghi, iluminación de Laurent Castaingt y videocreación de Julien Soulier. El tenor Jean-François Borras (Werther) y la soprano Anna Caterina Antonacci (Charlotte) protagonizan esta nueva coproducción con la Ópera de Montecarlo.

El Palau de les Arts Reina Sofía retoma el repertorio francés con un nuevo montaje de ‘Werther’, de Massenet, coproducido con la Ópera de Montecarlo, que se estrena el próximo sábado, 20 de mayo.

“Werther” -según ha destacado el Intendente Davide Livermore en su presentación- “constituye uno de los títulos imprescindibles de la ópera francesa y también la obra cumbre de Jules Massenet, un autor imprescindible en la historia de Les Arts, donde se ha podido escuchar anteriormente ‘Manon’, ‘Thaïs’ y ‘Le Cid’.”

“Un siglo después de que Goethe sentara las bases del Romanticismo con su novela epistolar, Massenet legó su alma y conciencia como artista en este canto al amor romántico, desesperado y trágico, donde convergen los profundos razonamientos del impulsor del ‘Sturm und Drang’ alemán junto con el sensible melodismo francés del S. XIX.”

Se trata, como ha apuntado Livermore, de la segunda nueva producción de la Temporada 2016-2017, para la que Les Arts ha reunido un destacado elenco creativo y artístico: Henrik Nánási, director musical; Jean-Louis Grinda, director de escena; el tenor Jean-François Borras, en el papel de Werther; y la soprano Anna Caterina Antonacci, en el rol de Charlotte.

El director húngaro Henrik Nánási regresa al foso de Les Arts tras sus celebradas incursiones con la Orquestra de la Comunitat Valenciana con ‘El castillo del duque Barbazul’, de Bartók, y ‘Macbeth’, de Verdi. El titular de la Komische Oper de Berlín ha mostrado su satisfacción por regresar a Valencia y trabajar con la OCV, de la que elogia “su versatilidad y talento”.

Jean-Louis Grinda, director de la Ópera de Montecarlo (Mónaco) y del Festival Chorégies d’Orange (Francia), estrena su tercera puesta en escena en Valencia después de ‘Tosca’ y ‘Amelia al ballo’ y ‘The Telephone’.

Según explica el ‘regista’ monegasco, la dramaturgia de la nueva producción, con escenografía y vestuario de Rudy Sabounghi, iluminación de Laurent Castaingt y videocreación de Julien Soulier, plantea “realizar la historia de Werther a la inversa”.

“El punto de partida es la muerte de Werther. En el momento de su agonía, durante esos segundos en los que le parece ver toda su vida, intenta comprender cómo ha llegado hasta allí y revivir su aventura con Charlotte”, apunta Grinda.

“Todo ocurre a través de un espejo roto, que simboliza la vida que él atraviesa y mediante el cual establece un diálogo, no sólo consigo mismo sino también con Dios. Todo se desarrolla con ese trasfondo hasta el final. Entonces surge la pregunta: ¿Seguirá viviendo y buscando eternamente ese instante de felicidad que haya podido tener?”.

Musicalmente, Massenet escribió uno de los papeles más temidos para tenor, equiparado por sus exigencias con el Tristán de Wagner. Jean-François Borras, que debutó en Les Arts en ‘Manon’ en el año 2010, regresa al centro de artes como uno de los intérpretes de referencia de este rol, “su preferido”, como él mismo señala, y que requiere de una “gran entrega física y vocal”.

“En toda la partitura tengo cuatro arias y tres dúos. Al no haber coro, todo descansa sobre tres personajes y es, por tanto, un rol muy exigente pero que estoy convencido de que es el papel que todos los tenores desean cantar algún día”.

Para dar vida a Charlotte, Les Arts presenta a la soprano Anna Caterina Antonacci, que canta por primera vez en el centro operístico. Consolidada como una de las sopranos más distinguidas de su generación por su timbre extraordinario y sus excelentes dotes teatrales, la diva italiana regresará a finales de junio -tal y como ha recordado Livermore- para cantar ‘La mort de Cléopâtre’, de Berlioz, en el concierto que la OCV ofrecerá en el Palau de la Música, con Roberto Abbado como titular.

Sobre su personaje, la estrella italiana ha remarcado la dualidad que afronta toda la ópera entre sentir y deber sentir. “Es un personaje muy sutil, una burguesa muy alejada de la heroína de la tragedia griega, que, además, en esta producción sale de la historia real para situarse en un recuerdo”, afirma.

Completan el reparto de ‘Werther’ Helena Orcoyen (Sophie), Iuliia Safonova (Käthchen) y los artistas del Centre Plácido Domingo: Michael Borth (Albert), Alejandro López (Le Bailli), Moisés Marín (Schmidt), Jorge Álvarez (Johann) y Fabián Lara (Brühlmann). Asimismo, el Intendente Livermore ha destacado la excelente labor de las voces infantiles de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats y de la Escola Coral Veus Juntes de Quart de Poblet en esta producción.

Además del estreno de ‘Werther’, el sábado 20, Les Arts ha programado más funciones los días 23, 26, 28 y 31 de mayo.

Jessica Pratt

Es uno de los pocos escenarios españoles en los que todavía no había debutado en ópera escenificada, ya que la soprano australiana Jessica Pratt, sin duda una de las intérpretes más importantes del panorama internacional –aclamada por la crítica como la digna sucesora de la gran Joan Sutherland–, se ha ido presentando paulatinamente, y siempre con éxito en las grandes plazas líricas del país. Lo mismo sucede en París, Nueva York, Londres o Milán, donde también la han aplaudido. Y después del reciente triunfo en Las Palmas como Marie en La fille du régiment, ahora le toca el turno al Palau de Les Arts de Valencia, teatro en el que debutará en una ópera escenificada en el difícil papel de Amenaide de la ópera Tancredi, de Rossini, en una coproducción entre la Opéra de Lausanne y el Teatro Municipal de Santiago de Chile con dirección de escena del español Emilio Sagi y que para la ocasión contará con la batuta de Roberto Abbado (los dias 23, 25, 27, 29 de junio y 1 de julio).

Tras una intensa temporada en la que ha paseado algunos de sus personajes más emblemáticos como Semiramide (Semiramide, Ópera de Florencia), Rosmonda (Rosmonda d’Inghilterra, Florencia y Teatro Donizetti de Bérgamo), Reina de la Noche (La flauta mágica, Metropolitan Opera, Nueva York), o Gilda (Rigoletto, Ópera de Oviedo), Jessica Pratt cantará en mayo La Sonnambula (Victorian Opera, Melbourne), I Puritani (Müpa, Budapest), Le Comte Ory (Klangvokal Musikfestival, Dortmund) antes de viajar en junio a Valencia.

En los próximos meses le esperan los roles protagonistas de I Puritani (Festival de Savonlinna en la visita del Teatro Real de Madrid al certamen finlandés), Lucia di Lammermoor (Théâtre des Champs Elysées, París), su regreso a España con Don Pasquale (ABAO-OLBE, Bilbao) y L’elisir d’amore (Liceu de Barcelona) y su esperada vuelta a Nueva York con Lucia di Lammermoor (Metropolitan Opera).

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El sombrero de tres picos

El Palau de les Arts Reina Sofía presentará desde el viernes 21 hasta el lunes 24 de abril, ‘Homenaje a Antonio Ruiz SolerEl sombrero de tres picos’ del Ballet Nacional de España (BNE) en la Sala Principal.

El centro de artes mantiene su apuesta por el ballet como pieza fundamental en la programación, con un espectáculo que “reúne la riqueza y diversidad de la Danza Española”, según ha subrayado hoy Davide Livermore en la presentación ante los medios. Antonio Najarro, director del BNE, y Álvaro Albiach, director musical, han acompañado al intendente de Les Arts en la conferencia de prensa.

Antonio Najarro ha diseñado el homenaje al mítico bailarín que el Ballet Nacional de España estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 18 de junio de 2016, dentro del vigésimo aniversario de la muerte del que fuera “una de las grandes figuras de la Danza Española”.

‘Homenaje a Antonio Ruiz Soler’, según explica el director del BNE, “reúne una selección de coreografías, la mayoría pertenecientes al repertorio del Ballet Nacional, en el que quedaron representados varios de los estilos de la Danza Española a través de las brillantes creaciones del gran Antonio: ‘Eritaña’, con música de Isaac Albéniz; ‘Zapateado’ de Sarasate, ‘Taranto’ del ballet flamenco ‘La Taberna del Toro’, ‘Fantasía Galaica’, con música de Ernesto Halffter; y ‘El sombrero de tres picos’, de Manuel de Falla”.

En este sentido, Antonio Najarro ha remarcado “el especial interés en recuperar los telones y escenografías originales, así como en reproducir con detalle los decorados y trajes de las distintas coreografías, que son obras de arte que siempre identificaron la creatividad y puesta en escena de Antonio. Para ello ha sido imprescindible la colaboración desinteresada de los artistas vinculados a su carrera, que se han volcado en facilitarnos una valiosa documentación para engrandecer este homenaje”.

El valenciano Álvaro Albiach, que ya debutó en 2014 con la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Auditori de Castelló, se presenta por primera vez en el edificio de Calatrava con una partitura, ‘El sombrero de tres picos’, que tan sólo ha dirigido anteriormente Lorin Maazel durante los conciertos inaugurales de 2005. De esta forma, el actual titular de la Orquesta de Extremadura se une a la lista de valencianos que han dirigido en la Sala Principal: Jordi Bernàcer, Enrique García Asensio, Gustavo Gimeno, José Ramón Martín, Cristóbal Soler y Ramón Tebar.

Davide Livermore, que ha valorado la excelente acogida de la propuesta “para la que apenas quedan entradas”, se ha referido también a la nómina de destacados solistas que participan en las diferentes piezas: la mezzosoprano valenciana Sandra Ferrández, el violinista Albert Skuratov y la pianista Cori Lechner.

Ballet Nacional de España

El Ballet Nacional de España (BNE), dirigido por Antonio Najarro desde septiembre de 2011, es en la actualidad el mayor exponente de la danza española, mostrando todos los estilos del baile de nuestro país en los más destacados teatros del mundo a través de muy distintos espectáculos que abarcan tradición y vanguardia, la escuela bolera, la danza clásico-española, el folclore y el flamenco en ‘Suite Sevilla’, ‘Ángeles Caídos’, ‘Sorolla’, ‘Alento’ y ‘Zaguán’. Coreografías en las que el director ha contado con jóvenes coreógrafos invitados con muy diferentes personalidades y estéticas dancísticas con el principal objetivo de divulgar y preservar nuestra danza, abarca a públicos más amplios. Asimismo, da protagonismo al repertorio de la Danza Española recuperando piezas como: ‘Medea’, ‘Grito’, ‘Ritmos’, ‘Bolero’ (J. Granero), ‘Paso a Cuatro’, ‘Farruca’, ‘Viva Navarra’ y ‘Jota de la Dolores’. Después del Homenaje realizado a R. Aguilar se ha incorporado igualmente al repertorio del Ballet su ‘Bolero’.

El BNE actuó por primera vez en Les Arts en 2012 con ‘Ángeles caídos’ y ‘Suite Sevilla’.

Lucrezia Borgia Les Arts

Lucrezia Borgia de Gaetano Donizetti, se ha representado por primera vez en El Palau de les Arst y ha supuesto un verdadero triunfo para la soprano Mariella Devia, quien ha ofrecido toda una lección magistral de bel canto, acudiendo a todas las demandas vocales y escénicas de ese complejo y contradictorio personaje, siendo su labor premiada con sonoras ovaciones. El otro atractivo de estas representaciones ha sido la magnífica actuación de la mezzo valenciana Silvia Tro Santafé como el travestido Maffio Orsini.

Gaetano Donizetti (Bergamo, 29 de noviembre de 1797 – Bergamo, 8 de abril de 1848) fue uno de los más prolíficos compositores de óperas de toda la historia del género, con sesenta cinco títulos, en un período de veintiocho años, entre 1816 en que compone su primera ópera Il Pigmalione, hasta su último trabajo Caterina Cornaro de 1844. Durante su carrera conseguirá grandes éxitos con óperas como L’elixir d’amore (1832), Lucrezia Borgia (1833), Lucía di Lammermoor (1835), La fille du Regiment y La Favorite ambas de 1840, Don Pasquale (1843) y la famosa Trilogía Tudor compuesta por Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1835) y Roberto Devereux (1838). Durante la segunda mitad del siglo XX, ha habido una verdadera renacimiento de la obra donizettiana y muchas de sus óperas, entre ellas la Trilogía Tudor y Lucrezia Borgia, junto a otras menos conocidas, han sido recuperadas gracias al interés de cantantes como María Callas, Leyla Gencer, Monserrat Caballé, Joan Sutherland, Beverly Sills, y en tiempos más recientes de Edita Gruberova y Mariella Devia.

Ya, con una producción de cuarenta óperas, Donizetti compuso Lucrezia Borgia en el otoño de 1833, con libreto de Felice Romani, quien había realizado una adaptación de la obra teatral del mismo título de Victor Hugo, estrenada en febrero de aquel mismo año. Ópera estructurada en un prólogo y dos actos, con cuatro protagonistas: Lucrecia Borgia, su hijo secreto Gennaro, Alfonso D’Este duque de Ferrara, esposo de Lucrezia y Maffio Orsini amigo de Gennaro, junto a una serie de personajes secundarios, algunos con intervenciones de cierta relevancia. Su estreno tuvo lugar en el Teatro alla Scala de Milán el 26 de diciembre de 1833.

Las representaciones de esta ópera en sus primeros años de andadura, tuvieron problemas de todo tipo: cuando fue estrenada en París, en 1840, Victor Hugo interpuso una querella reclamando sus derechos de autor, teniendo Donizetti y Romani que reescribir la obra situando la acción en Turquía y denominándola La Rinnegata. Problemas con la censura de la época y también las protestas de los descendientes de la familia Borgia, hicieron que Donizetti tuviese que cambiar el nombre de su ópera cuando fue estrenada en diferentes ciudades: Eustorgia da Romano en Florencia, Alfonso duca di Ferrara en Trieste, Giovanna I di Napoli en Ferrara y Elisa da Fosco en Roma. Finalmente, la ópera recobró su título original siendo representada con frecuencia durante la segunda mitad del Siglo XIX.

En 1904 fue estrenada en el Metropolitan neoyorkino con Enrico Caruso como Gennaro. Durante la primera mitad del Siglo XX, las representaciones fueron muy escasas, destacando la que tuvo lugar en 1933, en conmemoración del centenario del estreno, en el transcurso del primer Maggio Musicale Fiorentino, con un extraordinario reparto que incluía a Giannina Arangi-Lombardi (Lucrecia), Beniamino Gigli (Gennaro), Gianna Pederzini (Orsini) y Tancredi Pasero (Alfonso).

La verdadera recuperación de Lucrezia Borgia se produjo en 1965, durante las representaciones que tuvieron lugar en el neoyorkino Carnegie Hall, con Monserrat Caballé como Lucrezia, sustituyendo a una indispuesta Marilyn Horne y que supusieron el gran lanzamiento internacional de la soprano catalana, constituyendo durante bastantes años una de sus grandes interpretaciones.

Destacar también, las magníficas creaciones que realizaron de este personaje: Leyla Gencer, Joan Sutherland, Beberly Sill, y en años más recientes, Renée Fleming, Edita Gruberova y Mariella Devia. El personaje de Gennaro, ha sido magníficamente interpretado por tenores españoles como Jaime Aragall, Josep Carreras; y, sobre todo, el gran Alfredo Kraus. Donizetti realizó dos versiones de Lucrezia Borgia: la primera estrenada en Teatro alla Scala de Milán en 1833, con la dificilísima cabaletta final de Lucrezia “Era desso il figlio mio”, y una segunda, en 1840, también representada en ese mismo teatro, donde Donizetti compuso un nuevo final anulando la cabaletta y sustituyéndola por el aria de Gennaro “Madre, se ognor lontano”.

Al final de los años sesenta del pasado siglo, el director de orquesta y musicólogo Richard Bonynge, descubrió una copia del recitativo-aria de gran belleza y dificultad “Partir degg’io…T’amo qual s’ama un angelo”, compuesta por Donizetti para el Gennaro del tenor ruso Nikolai Ivanov y de la que Alfredo Kraus realizó extraordinarias interpretaciones. En las muchas representaciones de Lucrezia Borgia dirigidas por Richard Bonynge se inserta ese recitativo-aria y también, fundidos, ambos finales, con el aria de Gennaro y la cabaletta de Lucrecia en la que puede llamarse “Versión Bonynge”. Esta es una opción alternativa que se incluye en diferentes producciones. Existen dos magníficas grabaciones realizadas en estudio, la primera editada por el sello RCA en 1966, e interpretada por Monserrat Caballé, Alfredo Kraus, Shirley Verrett y Ezio Flagelo con dirección de Jonel Perlea. La segunda editada por DECCA en 1978, e interpretada por Joan Sutherland, Jaime Aragall, Marilyn Horne e Ingvar Wixell con dirección de Richard Bonynge, donde ya se incluyen los dos finales y el recitativo-aria “Parti degg’io…T’amo qual s’ama un angelo” al comienzo del Acto II.

En estas representaciones valencianas se optado por la versión del estreno en el Teatro alla Scala, en 1833. Se trata de una producción del Palau de Les Arts dirigida escénicamente por Emilio Sagi, que es un reciclaje ¡mejorado! de los que Sagi dirigió en Bilbao (2001) y Oviedo (2004), con la escenografía de Llorenc Corbella, a base de grandes paneles móviles, sobre los que se proyectan dibujos abstractos que adquieren relevancia gracias al magnífico diseño de iluminación de Eduardo Bravo, alternando tonalidades cálidas y frías en función del desarrollo de la acción y el estado psicológico de los personajes.

En la primera escena del prólogo, esos paneles perfectamente alineados en sentido decreciente y con una profusa iluminación dorada, reproducen una gran sala del palacio Grimani en Venecia, lleno de figurantes, entre ellos Gennaro y sus amigos, que bailan y se divierten durante los festejos del carnaval veneciano. Ya, en la escena segunda, de manera súbita, los personajes desaparecen excepto Gennaro que permanece dormido, la iluminación se torna más tenue, y al fondo del escenario puede verse la llegada de una góndola de la que desciende Lucrecia, acercándose a Gennaro, produciéndose un rápido movimiento de los paneles que confiere a la estancia un carácter claramente intimista.

El escenario recupera al final del prólogo, las grandes dimensiones iniciales con la aparición del grupo de amigos de Gennaro que increpan durísimamente a Lucrezia. La escenografía adquiere un auténtico atractivo visual al comienzo del Acto I, donde unos pocos paneles de diferentes alturas con una brillante iluminación que les confiere un color gris plateado, reproducen la entrada del palacio de Ferrara (residencia de Lucrezia y su marido el duque Alfonso D’Este) con grandes letras apoyadas verticalmente sobre el escenario con el apellido BORGIA, que se reflejan sobre un pulido suelo escénico. La B inicial es desmontada por Gennaro para convertirse en la palabra ORGIA, que será el desencadenante de todo el drama posterior. También, en ese Acto I, de nuevo, el rápido movimiento de los paneles acota el despacho privado del duque, quien mantendrá una fuerte discusión con su esposa Lucrezia, y en esa estancia aparece reproducido espacialmente el famoso “Hombre de Vitruvio” dibujado por Leonardo de Vinci, un símbolo netamente renacentista, que sitúa la acción en un concreto espacio temporal.

Ya, en el Acto II, Gennaro junto a una maqueta de la ciudad de Ferrara son elevados del escenario donde se desarrollan malévolas intrigas, en un intento de plasmar, simultáneamente, en diferentes planos dramáticos, el crudo mundo real y el fantasioso en que se mueve Gennaro. De gran impacto visual resulta la trágica escena final de la ópera, donde el espacio escénico acotado por los paneles, está tenuemente iluminado con fríos colores azulados que contrastan con el precioso vestido rojo que exhibe Lucrezia, creado por Pepa Ojanguren, quien triunfa plenamente tanto en los elegantes y glamurosos vestidos diseñados para Lucrecia, como en las sobrias e intemporales vestimentas del elenco masculino.

Fabio Biondi que en la actualidad comparte con Roberto Abbado la dirección musical del Palau de Les Arts, ha conseguido auténtica fama con su conjunto Europa Galante, en los repertorios barroco y mozartiano. Lucrezia Borgia era su primera incursión en el repertorio belcantista, al menos en este teatro. Biondi ha intentado darle auténtico protagonismo a la orquesta, ofreciendo una lectura de carácter historicista, incluyendo en el foso un pianoforte. Sin embargo, en esta partitura lo más importante son las voces, que resultaron, por momentos, perjudicadas por un excesivo volumen orquestal.

Su dirección pecó de cierta lentitud en momentos del prólogo y del Acto II. No obstante, estaba al frente de la magnífica Orquesta de la Comunidad Valenciana, con excelentes prestaciones de metales y maderas, sobre todo de flautas, clarinetes y el precioso sonido del oboe solista. También, destacar las excelentes intervenciones del arpa acompañando las interpretaciones solistas de Lucrezia.

Los mejores momentos orquestales se produjeron en la obertura cuyos sombríos acordes iniciales derivan a una música alegre y desenfadada que, sin solución de continuidad, introduce la festiva y colorista primera escena. Muy conseguido ese precioso tema musical que de manera recurrente marca la presencia de Lucrezia en su gran escena del Prólogo, y que reaparecerá en el magnífico trío del Acto I. Destacar también, la interpretación orquestal en conjunción con el coro y las voces solistas en el gran concertante con el que finaliza el Prólogo. Así como, esa coda instrumental –típicamente donizettiana- conclusiva de la vibrante cabaletta de Lucrezia y Gennaro al final del Acto I.

El gran atractivo de esta Lucrezia Borgia ha sido la magnífica interpretación de la soprano Mariella Devia, quien a punto de cumplir sesenta y nueve años, sigue mostrando su gran técnica, con una perfecta colocación y proyección de la voz, absoluto dominio del canto legato, con gran control del fiato en las regulaciones de sonido; y, en posesión de todas las cualidades que requiere el “bel canto”.

Ya en su entrada escénica, al comienzo del recitativo “Tranquillo ei posa” nos ofrece una magnífica “messa di voce”, y después, afronta con maestría y absoluto dominio de las agilidades la famosa aria “Com’ è bello! Quale incanto”, en cuya segunda parte “Mentre geme il cor sommesso”, ofrece complejas variaciones y notas bellamente adornadas, sobre todo en las frases finales del aria “Gioia sogna, ed un angio. Non ti desti che al piacer”. Impresionante esa nota en piano que sostiene durante varios compases al final del Prólogo.

También, muestra auténtica fuerza dramática en el dúo con Alfonso del Acto I. Ya, en el Acto II, realiza una gran interpretación del bellísimo Largo “M’odi, ah! M’odi, io non t’imploro”, con una expresiva y dramática utilización de la coloratura. Y, en la conclusión de la ópera, ofrece una deslumbrante interpretación de la cabaletta “Era desso il figlio mio”, página de absoluto virtuosismo, donde muestra su dominio de las agilidades en la ejecución de trinos y complejas escalas, imprimiendo al canto, por momentos, un ritmo vertiginoso, para concluir con la emisión de un impresionante sobreagudo.

Excelente la mezzo Silvia Tro Santafé en su interpretación de Maffio Orsini, mostrando una gran musicalidad, dominio de todos los registros y buena resolución de las agilidades. Todo ello se pone de manifiesto desde el mismo inicio de la ópera, cuando canta “Nella fatal di Remini e memorabil guerra…..Là nella notte tacita….” donde manifiesta su entrañable y ambigua relación con Gennaro. Dota de auténtica fuerza dramática a frases como “Maffio Orsini, signora, son io” dirigiéndose con desprecio a Lucrezia al final del Prólogo. Asimismo, realiza una gran interpretación del largo dúo con Gennaro del Acto II, el que se intercala el precioso arioso “Onde a lei ti mostri grato”, donde Silvia Tro muestra su impecable línea de canto. Deslumbrante resulta su interpretación del famoso brindis “Il segreto per esser felice” en cuya segunda parte “Profittiamo degl’ anni fiorenti”, inserta con maestría una serie de variaciones.

El joven bajo-barítono croata Marko Mimica, en el papel de Alfonso D’Este duque de Ferrara, exhibe unos poderosos medios vocales junto a una buena actuación escénica. Muy notable y llena de nobles acentos resulta su interpretación en el Acto I del recitativo-aria-cabaletta “E l’ultium’alba è questa……Vieni: la mia vendetta…..Mai per cotesti insani”. Floja actuación del tenor norteamericano William Davenport como Gennaro, con dificultad para proyectar la voz. Resulta discreta su interpretación del aria en el Prólogo “Di pescatore ignobile”, y muestra todas sus carencias en los dúos con Lucrezia, sobre todo en la vibrante cabaletta “Infelice! Il veleno bevesti!” con la que finaliza el Acto I.

Buenas prestaciones del resto de los interpretes, casi todos procedentes del Centro de Perfeccionamiento Plácido Domingo, en especial el bajo Michael Borth y el tenor Moises Marín, respectivamente Astolfo y Rustighello, sobre todo en su sombrío dúo del Acto I. Como siempre, resulto magnifica la actuación del Coro de la Generalitat Valenciana, dirigido por su titular Francesc Perales.
Texto: Diego Manuel García Pérez
Fotografías: Tato Baeza

Lucrezia Borjia

Fabio Biondi y Emilio Sagi firman ‘Lucrezia Borgia’, de Gaetano Donizetti, la primera nueva producción de la Temporada 2016-2017 del Palau de les Arts Reina Sofía, que se estrenará el domingo 26 de marzo, a las 18.00 h.

El maestro palermitano y el director de escena ovetense han presentado hoy en conferencia de prensa este título basado en el retrato que hizo Victor Hugo de la enigmática hija del papa valenciano Alejandro VI.

Durante su intervención han estado acompañados por los principales protagonistas del montaje: la soprano Mariella Devia, la mezzosoprano Silvia Tro Santafé, el tenor William Davenport y el bajo-barítono Marko Mimica.

‘Lucrezia Borgia’ supone también un hito en la historia de Les Arts, puesto que será la primera ópera que se emita en ‘streaming’ el próximo 1 de abril, a través de ‘The Opera Platform’. La transmisión es posible gracias al acuerdo suscrito con la Agència Valenciana del Turisme y se enmarca dentro de la promoción de la Ruta de los Borja. De esta forma, durante el intermedio entre los actos I y II, se ofrecerá contenido audiovisual sobre la huella de la poderosa estirpe en la Comunitat Valenciana, además de las habituales entrevistas con el elenco de la producción y conexiones desde el teatro.

Fabio Biondi se adentra en la ópera belcantista en Les Arts después de sus recientes éxitos con la OCV en los repertorios barroco y clasicista. Con el reto de presentar el belcanto de Donizetti desde un prisma diferente, con un lenguaje historicista, el director musical de Les Arts completará su labor filológica alrededor de este periodo de la lírica italiana con ‘Italia más allá de la ópera’, un nuevo capítulo del ciclo de música de cámara que acogerá el Espai Los Toros el 30 de marzo.

Para Emilio Sagi, se trata del sexto montaje -el tercero de producción propia- que se presenta en el enclave cultural valenciano tras sus celebradas propuestas para ópera española y zarzuela: ‘La Bruja’ y ‘El rey que rabió’, ambas de Ruperto Chapí; ‘Luisa Fernanda’, de Moreno Torroba; ‘El dúo de ‘La Africana’, de Fernández Caballero, y ‘Katiuska’, de Pablo Sorozábal.

La puesta en escena con escenografía de Llorenç Corbella, vestuario de Pepa Ojanguren e iluminación de Eduardo Bravo, supone la primera visita del oventense durante esta temporada, que se cerrará también con una producción suya: ‘Tancredi’, de Rossini.

El libreto de Felice Romani, con quien Donizetti firmó éxitos como ‘L’elisir d’amore’ o ‘Anna Bolena’, toma como referencia el drama homónimo de Victor Hugo, más vinculado con la leyenda y mito alrededor de Lucrecia Borja que con su verdadera historia. La ópera se desarrolla en Ferrara, donde Lucrezia Borgia, desposada con el duque Alfonso d’Este, transita entre las contradicciones que arroja su figura pública frente a los sentimientos hacia su hijo secreto Gennaro.

Musicalmente, ‘Lucrezia Borgia’ es una de las partituras más endiabladas de Gaetano Donizetti, especialmente para su protagonista, un papel que en la historia de la lírica ha quedado reservado a voces legendarias, entre las que destacan Montserrat Caballé o Joan Sutherland.

La soprano Mariella Devia, considerada como la última gran dama del bel canto, encarna en Les Arts a la controvertida protagonista. Célebre por sus interpretaciones de Bellini y Donizetti, la diva italiana debutó en el centro de artes en el ‘Homenaje a Puccini’ que dirigió Plácido Domingo en 2008, y regresó en 2015 para ‘Norma’, uno de los papeles por los que obtuvo el ‘International Opera Award’ en 2016.

La mezzosoprano valenciana Silvia Tro Santafé canta el papel de Maffio Orsini. Intérprete de referencia en el repertorio haendeliano y rossiniano, ha actuado en los principales teatros y festivales líricos europeos, con directores como William Christie, René Jacobs, Lorin Maazel, Neville Marriner, Yehudi Menudin y Alberto Zedda. Tras su presentación en Valencia con ‘Orlando’, de Händel, en el año 2007, regresó en 2014 para ‘L’italiana in Algeri’.

El tenor estadounidense William Davenport, que inauguró la Pretemporada con ‘L’elisir d’amore’, también de Donizetti, presenta su segundo papel en Les Arts: Gennaro, el hijo secreto de Lucrezia Borgia. Con una ascendente carrera en América del Norte, el cantante de Maryland destaca por sus incursiones en el repertorio italiano.

Cierra el cuarteto protagonista el bajo-barítono croata Marko Mimica como Alfonso d’Este. El intérprete de Zagreb, calificado por la crítica como una de las voces del futuro, desarrolla una emergente carrera con actuaciones en Berlín, Palermo, Pésaro, Roma y, próximamente, París.

El elenco de ‘Lucrezia Borgia’ se completa con los cantantes del Centre Plácido Domingo Fabián Lara (Liverotto), Andrés Sulbarán (Vitellozzo), Alejandro López (Gazella), Moisés Marín (Rustighello), Andrea Pellegrini (Gubetta) y Michael Borth (Astolfo). Participan también Simone Alberti (Petrucci), José Enrique Requena (Ujier) y Lluís Martínez (Una voz) junto con el Cor de la Generalitat Valenciana, que dirige Francesc Perales.

Además del estreno el día 26 de marzo, Les Arts ha programado otras representaciones los días 29 de marzo y 1, 5 y 8 de abril.
The Opera Platform

Desde 2014, ‘The Opera Platform’ (TOP) ofrece una temporada europea de ópera en directo mediante acceso gratuito a través de su portal (http://www.theoperaplatform.eu/en), con el objetivo de atraer y cultivar nuevos públicos.

El proyecto está cofinanciado por el programa ‘Creative Europe’ de la Comisión Europea, en asociación con 15 teatros de 12 países europeos y cuenta con una audiencia potencial de dos millones de espectadores.

Les Arts ha sido invitado a participar en la presente temporada con la emisión de ‘Lucrezia Borgia’ de Donizetti, para la que cuenta con la colaboración de la Agència Valenciana del Turisme en una iniciativa que aúna la divulgación de la lírica a toda la sociedad junto con la promoción de la Comunitat Valenciana como destino cultural.

Después de su emisión, ‘Lucrezia Borgia’ estará todavía disponible seis meses más en la plataforma para quienes deseen verla durante ese periodo. El único requisito para disfrutar del espectáculo es disponer de conexión óptima a Internet.

Lectura dramatizada

Les Arts ofrece, con motivo de estas representaciones, una lectura dramatizada de ‘Lucrèce Borgia’, obra teatral en tres actos y prosa que Victor Hugo estrenó en París el 2 de febrero de 1833.

En el texto -un paradigmático ejercicio del imperante Romanticismo que latía con enorme vitalidad en los años 30 del siglo XIX-, el dramaturgo francés ofrece un retrato en negativo de la ilustre hija del Papa Borgia. Un retrato que va más allá de los suaves contornos de la mujer hermosa; un retrato que afila el perfil trágico de la asesina que fue también mujer utilizada y humillada.

Pepe Galotto, de La Farsería, dirige en el Aula Magistral este montaje que está orientado hacia el público del Programa Educativo los días 4, 6 y 7 de abril junto con una representación el domingo 9, a las 18.00 h, abierta para el público general.

28 horas en Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía ofrece 28 horas ininterrumpidas de actividad gratuita para celebrar el cumpleaños de Wolfgang Amadeus Mozart con ‘Mozart Nacht und Tag’, los días 27 y 28 enero. Se trata de una nueva iniciativa para todos los públicos alrededor de la figura del genio de Salzburgo y su repercusión en las diferentes disciplinas artísticas.

Según ha explicado hoy en conferencia de prensa el Intendente de Les Arts Davide Livermore, la idea surge de una propuesta que él mismo introdujo en el Teatro Baretti de Turín y que en Les Arts se canaliza a través del Programa Didáctico, que dirige Víctor Gil.

Diferentes profesionales, instituciones y artistas colaboran de forma voluntaria en la puesta en marcha de esta “inédita maratón artística”: la Universitat de València, a través de los departamentos de Filología Inglesa y Alemana; el Conservatorio Superior Salvador Seguí, de Castelló; los Conservatorios Joaquín Rodrigo, José Iturbi y número 1 de Valencia; así como el Instituto de Secundaria Lluís Vives, el Centre Plácido Domingo, los músicos Eduardo Díaz, Elizabete Šīrante, Gianluca Tavaroli y la solista de la OCV Susana Gregorian.

Davide Livermore les ha trasladado su gratitud junto a los profesionales de Les Arts implicados en la actividad, además de a Gourmet Catering & Espacios por su contribución “para lograr la I edición de ‘Mozart Nacht und Tag”.

El abanico de posibilidades abarca desde talleres didácticos, recitales, sesiones de música DJ, proyecciones, lecturas, música de cámara, ballet y una charla-café que acogerán el Aula Magistral, el Teatre Martín i Soler y la Sala Principal. Un total de 21 propuestas, que a excepción de los talleres, serán de libre acceso hasta completar el aforo de las salas o espacios habilitados.

La actividad comienza a las 20.00 h del 27 de enero con un recital de Lied a cargo de los cantantes del Centre Plácido Domingo, en el Teatre Martín i Soler.

De forma paralela, 35 alumnos de Educación Primaria llegarán al teatro, alrededor de las 20.30 h, para ser los primeros en pasar una noche en el Palau de les Arts y conocer mejor la figura de Mozart gracias al trabajo de alumnos del Máster Universitario en Profesor/a de Educación Secundaria, que organiza el departamento de Filología Inglesa y Alemana de la Universitat de València.

Media hora después, el Vestíbul del Teatre Martín i Soler acogerá una Lectura acompañada de piano de las ‘Cartas’ de Mozart, realizada en colaboración con los alumnos de Lengua Alemana del Instituto Lluís Vives, seguido de un recital de violín de la profesora de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, Susanna Gregorian.

A las 22.30 h, antes de dirigirse a la Sala Principal para dormir, los más pequeños asistirán

a una sesión educativa sobre “La flauta mágica”, la ópera de Mozart que goza del favor de niños y adultos, en la Sala de Ensayos A, que Les Arts utiliza para los trabajos previos a los ensayos en la Sala Principal.

Al mismo tiempo, el vestíbulo del Teatre Martín i Soler se transformará en un animado café para charlar sobre las ‘Cartas’ de Mozart e intercambiar opiniones sobre la figura del genio de Salzburgo.

A partir de la medianoche, Les Arts propone dos alternativas para el público más trasnochador cine o música DJ.

El Teatro Martín i Soler se convertirá en un cine para 380 personas con dos proyecciones emblemáticas: ‘Juan’, de Kasper Holten, prestigioso director de escena danés y anterior director artístico del Covent Garden, con el barítono Christopher Maltman como protagonista, y ‘Amadeus’, la oscarizada visión de Miloš Forman sobre el genial compositor.

Por su parte, el vestíbulo del Aula Magistral se transformará en una singular pista de baile con dos sesiones de música DJ sobre obras de Mozart, con los pinchadiscos Gianluca Tavaroli y Eduardo Díaz como artífices del espectáculo.

La mañana del día 28 comienza con el desayuno de los más pequeños, cortesía de Gourmet Catering & Espacios, en el Vestíbul Principal, que pone punto y final al taller didáctico alrededor de Mozart.

A partir de las 11.00 h el Teatre Martin i Soler y el Aula Magistral albergan un intenso ciclo de recitales junto con una sesión de ballet. A las 11.00 h, Elizabete Šīrante, del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo, protagoniza una matinée pianística con obras del prodigioso autor. Hora y media después, la danza llega de la mano de jóvenes bailarines que han mostrado su talento en diferentes espectáculos de Les Arts y que se suman de manera voluntaria a estas jornadas con el montaje ‘Mozart und Tanz’ en el Teatre Martín i Soler.

Mozart Nacht und Tag’ incluye cuatro propuestas de música de cámara y dos recitales de voz. El Aula Magistral recibe, a las 13.00 h, a músicos del Conservatorio Municipal José Iturbi para la primera sesión camerística, que dejará paso a un recital a cargo de alumnos del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo, a las 15.45 h. El epicentro musical se desplaza a partir de las 16.00 h al Teatre Martín i Soler con dos sesiones de cámara que ofrecen instrumentistas del Conservatorio José Iturbi, a las 16.00 h, y del Conservatorio Superior Salvador Seguí, a las 18.15 h.

Los intérpretes del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo son los protagonistas de las dos últimas sesiones de música de cámara y de música vocal que ofrece Mozart Nacht und Tag, a las 19.15 h en el Aula Magistral y a las 20.30 h en el Teatre Martín i Soler.

Los artistas del Centre Plácido Domingo clausurarán la maratón mozartiana a las 22.30 h con un recital con arias de óperas del genio de Salzburgo en su escenario de referencia, el Teatre Martín i Soler.

Fikemone e Bauci

Les Arts inicia 2017 con la ópera para marionetas de Haydn “Philemon und Baucis”+ç

El Palau de les Arts Reina Sofía comienza el año 2017 con la ópera para marionetas de Franz Joseph Haydn “Philemon und Baucis”, que se estrena en el Teatre Martín i Soler el domingo, 8 de enero.

Una amena propuesta con la que acercarse a la ópera -según ha señalado Davide Livermore en la presentación- y descubrir también nuevas formas de representación artística al público de Les Arts”.

Cantantes, actores, músicos y marionetistas se reúnen en un complejo ejercicio de teatro musical, que hacen posible dos especialistas: Fabio Biondi como director musical y la veterana compañía de marionetas Carlo Colla e Figli junto con los grandes jóvenes artistas del Centre Plácido Domingo”, ha apuntado el Intendente.

Tras los conciertos “Gloria e Imeneo” e “Israel in Egypt”, el maestro Biondi realiza su tercera incursión en la Temporada 2016-2017 con un título que le valió una distinción especial, junto con la compañía Carlo Colla, en la edición de 2008 de los prestigiosos Premios Franco Abbiati de la crítica italiana.

Haydn apreciaba mucho este género, de hecho, compuso seis o siete óperas para marionetas de las cuales sólo “Philemon und Baucis” ha sobrevivido”, ha remarcado Fabio Biondi, que también ha subrayado el espectáculo como un “ejercicio al servicio de la música y de la belleza, el público no ve ni a marionetistas, ni a cantantes, ni a la orquesta, ni tampoco al director sólo a las marionetas”.

El director titular de la OCV ha apuntado también que esta ópera es un espectáculo perfecto para todas las edades, visualmente extraordinario e idóneo para abrir la lírica a una joven generación.

Más de 200 años de experiencia avalan a la compañía Carlo Colla e Figli, que comenzó siendo un grupo de artistas itinerantes por el norte de Italia, hasta que en 1906 se estableció en el Teatro Gerolamo de Milán. La llegada de la televisión y de los dibujos animados contribuyó a la crisis de este espectáculo a mediados de los años 50. La compañía abandona su teatro estable y comienza una intensa actividad por diversas ciudades de Italia, para empezar en los años 80 a recorrer el mundo.

Consolidada ya como una de las empresas más prestigiosas en el teatro de marionetas, en 1994, nace en Milán el Atelier Carlo Colla e Figli, que se convierte en la sede definitiva de la compañía.

Eugenio Monti Colla, actual director artístico de la compañía, que pertenece a la quinta generación de esta estirpe de marionetistas, ha explicado la complejidad del trabajo en este tipo de representaciones, que ha equiparado a la técnica de un músico para tocar un instrumento.

La marionetas no copian el movimiento del ser humano, son un elemento metafísico, un símbolo que a través de los hilos se convierten en un personaje y entonces el marionetista deja de existir”.

Además del estreno, programado este domingo, “Philemon und Baucis”, se podrá ver también los días 12 y 15 de enero junto con una representación didáctica el día 11 de este mismo mes. Las localidades para esta obra, de una hora de duración, tienen un precio único de 35 euros.

Ópera para marionetas

Philemon und Baucis” de Franz Joseph Haydn descubre al espectador de Les Arts el poco conocido repertorio lírico para teatro de marionetas, un género nacido en la Italia del Renacimiento tardío que se hizo tremendamente popular en el Imperio austrohúngaro, a donde llegó vía Venecia en el siglo XVII.

La ópera para marionetas gozaba de larga popularidad ya en 1773, año en el que se estrena esta ópera Singspiel de argumento moralizante y mitológico. El texto de Philip Georg Bader y Gottlieb Konrad Pfeffel se sirve de una de “Las Metamorfosis” del poeta romano Ovidio, en la que se narra la conversión en árboles inmortales de un matrimonio de ancianos incondicionalmente fieles a Júpiter, dios de dioses.

Los libretistas y Haydn, artista de la corte del príncipe Esterházy, componen este “Philemon und Baucis” a mayor gloria de la emperatriz María Teresa de Austria. En la ópera, ofrecerán una versión transformada del mito ovidiano con un mensaje profundamente moralizante: la loa al orden social del Antiguo Régimen, sistema que se enfrentaba a su brusco final con la Revolución Francesa en 1789.

Música de cámara

Davide Livermore ha anunciado que este mes de enero comienza el ciclo de música de cámara que Fabio Biondi y los profesores de la Orquestra de la Comunitat Valenciana ofrecen en el Espai Los Toros, “un nuevo rincón de Les Arts que se abre al público general”, como ha señalado el Intendente.

Para la primera sesión, el 14 de enero, bajo el epígrafe “En torno a Mozart”, el programa incluye obras de Haydn, Martín i Soler, Salieri, Beethoven y Mozart. Las localidades tienen un precio único de 15 euros.

I Vespri Siciliani

El Palau de les Arst, ha iniciado su nueva temporada con I Vespri Siciliani, una ópera verdiana de auténtico atractivo, aunque poco conocida por el gran público, ya que se representa en contadas ocasiones. Solamente, su magnífica obertura suele incluirse como pieza de concierto. Por tanto, para el coliseo valenciano resultaba todo un reto representar una ópera como esta, sobre todo, por sus grandes demandas en el plano vocal.

Después del éxito de la llamada “Trilogía popular” constituida por Rigoletto de 1851, junto a Il Trovatore y La Traviata ambas estrenadas en 1853, Giuseppe Verdi comienza a replantearse su carrera, con la intención de ralentizar sus labores creativas que entre 1839 y 1953, habían producido dieciocho óperas, casi todas ellas marcadas por las premuras, al tener que componer a gran velocidad -en ocasiones dos óperas en un mismo año- para satisfacer las demandas de los teatros.

El compositor de Busetto decide ofrecer menos cantidad y más calidad, fruto de un trabajo más reposado, con la elección de atractivos textos, junto a una música más trabajada y una orquestación de mayor complejidad y sofisticación. Esta nueva etapa va a iniciarse con la composición de Les Vêpres Siciliennes (Las Vísperas Sicilianas) encargo de la Ópera de París.

Verdi llegó a la capital francesa en la primavera de 1854, comenzando la búsqueda de un texto que tuviera atractivo y auténtica fuerza dramática.

Sin embargo, temeroso de no acertar en los gustos del público francés, no eligió el tema, sino que se lo encargó a Eugene Scribe, famoso libretista muy relacionado con la ópera parisina, quien propuso a Verdi como argumento un hecho tuvo lugar en Sicilia, concretamente en su capital Palermo, en 1282, durante la ocupación francesa de la isla y en los prolegómenos de una sublevación del pueblo siciliano, apoyada militar y financieramente por Pedro III de Aragón, enfrentado abiertamente al rey francés Carlo I de Anjou.

Verdi dedicó casi un año a la composición de su nueva ópera, cuya estructura era la típica de “Grand Ópera” con sus cinco actos y un atractivo ballet de ciertas proporciones llamado “Las cuatro estaciones”, insertado en el Acto III. Finalmente, Les Vêpres Siciliennes se estreno en La Gran Ópera de París, en una “soirée de gala” el 13 de junio de 1855, coincidiendo con los festejos de la Exposición Universal que se estaba desarrollando en la capital francesa. El libreto original escrito en francés fue traducida al italiano por Arnaldo Fusinato, y esta nueva versión con el título I Vespri Siciliani, se estrenó en el Teatro alla Scala de Milán, el 4 de febrero de 1856. Durante años posteriores, la ópera en su versión italiana tuvo cierto recorrido a nivel internacional, para caer en el más absoluto de los olvidos.

Su recuperación se produjo en 1951, año del cincuenta aniversario de la muerte de Verdi, con una producción estrenada en el Maggio Musicale Fiorentino, dirigida musicalmente por el gran Erich Kleiber, que contaba con la imponente creación de María Callas como la Duquesa Elena, junto a otro extraordinario interprete, el bajo búlgaro Boris Christoff en papel de Giovanni da Procida, el cuarteto protagonista se completaba con el excelente Guido de Monforte interpretado por el barítono Enzo Mascherini, justo a la discreta prestación del tenor griego Giorgio Bardi Kokolios como Arrigo. El absoluto éxito de aquellas representaciones florentinas, propició que fuera el título elegido para la inauguración de la temporada del Teatro alla Scala de Milan el 7 de diciembre de 1951, con dirección musical a cargo de Victor de Sabata, con los mismos interpretes de Florencia y el Arrigo sensiblemente mejorado del tenor norteamericano Eugene Conley.

En tiempos más recientes se han producido importantes representaciones de esta ópera, como las que tuvieron lugar en el Teatro Comunale de Bolonia, en 1986, dirigidas por un joven Riccardo Chailly y un magnífico elenco que incluía el Monforte de Leo Nucci, junto al excelente tenor Veriano Luchetti como Arrigo, el muy solvente bajo Bonaldo Giaiotti como Procida y la magnífica interpretación de Elena, realizada por la soprano norteamericana Susan Dunn.

Destacar también, las funciones que supusieron la inauguración de la temporada scalígera de 1989-1990, con la extraordinaria dirección de Riccardo Muti, y un muy notable grupo de interpretes que contaba con la presencia de Cheryl Studer como Elena, Giorgio Zancanaro en una brillante interpretación de Monforte, Chris Merritt como Arrigo y Ferruccio Furlanetto en el papel de Procida. Señalar que en aquellas funciones milanesas se incluía el precioso ballet “Las cuatro estaciones”, que habitualmente suele omitirse. Existen sendas tomas en video, realizadas en el transcurso de las funciones en el Teatro Comunale de Bolonia y en la Scala de Milán, que posteriormente fueron editadas en DVD.

El Palau de les Arts ha elegido para estas representaciones de I Vespri Siciliani, una coproducción realizada por el Teatro Reggio di Torino y la bilbaína ABAO-OLBE, con una puesta en escena de Davide Livermore (actual director artístico de Les Arts) que fue estrenada en el Teatro Reggio di Torino en 2011, con ocasión del 150 aniversario de la unidad italiana. Livermore traslada la acción a la Sicilia de 1992, año en que se produjo el terrible atentado en el que fue asesinado por la Mafia el juez Giovanni Falcone, su esposa y tres de sus escoltas.

El funeral de Falcone tuvo lugar en la Catedral de Palermo y fue televisado en directo para todo el mundo. En el Acto I, la escenografía de Santi Centineo reproduce aquel funeral, esta vez dedicado a Federico el hermano de la Duquesa Elena, ajusticiado por los franceses, con el féretro portado a hombros y un cortejo fúnebre donde figura Elena y otras damas junto a eclesiásticos.

La seriedad y recogimiento del evento es frivolizado al máximo por las cámaras de video que lo están tomando como un auténtico “reality show” y cuyas imágenes pueden contemplarse en dos grandes pantallas. Sin duda, este planteamiento viene a constatar el poder que tienen los medios de comunicación para manipular la realidad, siempre al servicio de la clase política corrupta, en este caso dominada por La Mafia.

Mucho más idónea es la escenografía del Acto II, donde se muestra, en un ambiente penumbroso, dos coches destrozados, en alusión al atentado de Falcone y que marca el regreso a Palermo del patriota Giovanni da Procida, dispuesto a preparar un levantamiento popular contra los ocupantes franceses.

Sin embargo, esta dramática escenografía, se mantiene -totalmente fuera de lugar- durante el resto del acto, englobando la danza en forma de “tarantela” que bailan los jóvenes sicilianos con sus parejas, que les son arrebatadas por soldados franceses quienes abusan de ellas, todo ello aderezado con una profusa iluminación de fondo, que confiere a la escena un ambiente orgiástico nocturno. Y, finalmente, en ese mismo espacio escénico, se extiende una alfombra roja donde van pasando las parejas invitadas a la fiesta del gobernador Monforte. escuchándose como fondo una alegre “barcarola”.

En contraste, la escenografía en el Acto III, es un elegante edificio de arquitectura racionalista, que deriva a un hemiciclo parlamentario en el que se desarrolla el “Baile de mascaras”, donde los conjurados pretender asesinar al gobernador Guido de Monforte.

Ya, en el final del acto, en los grandes ventanales del hemiciclo, aparecen proyectadas imágenes de personajes de todos los ámbitos que han marcado la historia de la “Italia Unificada”: políticos como Cavour, De Gasperi, Aldo Moro, Giulio Andreotti, junto a deportistas como Fausto Coppi o actores como Marcello Mastroianni y dramaturgos como Darío Fo, imágenes que acaban fundiéndose con banderas de Italia.

Ya en el Acto IV, la cárcel donde se encuentran Elena y Procida, también tiene el estilo del edificio descrito al comienzo del acto anterior, con unos negros y simétricos elementos estructurales verticales y horizontales, realzado por una excelente iluminación de fondo a base de tonos anaranjados que van apagándose para mostrar un espacio escénico oscuro y opresivo, que deriva hacia un espacio abierto y alegre donde pueden verse sobre un atril a Elena y Arrigo junto a Monforte, quien anuncia el compromiso matrimonial de ambos. En el arranque del Acto V, se recupera el estilo de “reality show”, del Acto I, con la fiesta donde se realizan los preparativos de la boda el de Elena y Arrigo, aderezado con las intervenciones de bailarinas cuyas vestimentas y evoluciones sugieren un espectáculo de revista.

El trágico final de la historia, con la revuelta de los sicilianos contra los franceses y la masacre donde mueren los protagonistas, queda amortiguada mostrando solo sus cuerpos tendidos, en el recuperado espacio escénico del hemiciclo parlamentario, en cuyo fondo aparece proyectado el artículo primero de la constitución italiana “La soberanía reside en el pueblo, que la ejerce con arreglo a la forma y los límites que establece la constitución”. La puesta en escena de Livermore, resulta, por momentos, interesante y original, aunque excesivamente circunscrita al mundo italiano. La Orquesta de la Comunidad Valenciana volvió a demostrar su gran calidad, conducida de manera solvente por Roberto Abbado, actual director musical de Les Arts.

El sonido orquestal resultó de gran brillantez en la ejecución de la extensa obertura, una de las más bellas creaciones sinfónicas verdianas, donde destaca el vibrante y reiterado tema central, junto a otro de gran impulso melódico que reaparecerá en el gran dúo de Arrigo y Monforte del Acto III. Excelente resolución orquestal del Acto II, con páginas de gran intensidad dramática junto a otras de carácter folclórico como “La tarantela” y “La barcarola”. Magníficas interpretaciones de las introducciones orquestales de los restantes actos, donde se alternan la ligereza de esa música en forma de danza que preludia el Acto III, con la muy sombría y lúgubre que marca el comienzo del Acto IV, en comparación con la de carácter festivo y folclórico que introduce el Acto V.

Señalar también que la orquesta brilló de sobremanera en el imponente concertante que cierra el Acto III y en transcurso de los dos últimos actos, sobre todo, en el dramático final de la ópera. Dentro del excelente rendimiento de todas las secciones orquestales, cabe señalar que Roberto Abbado dio más preponderancia a metales y percusión realzando los momentos de mayor contundencia orquestal, aunque la cuerda tuvo momentos de calidad extrema en el acompañamiento del aria de Monforte del Acto III. Señalar el precioso sonido orquestal que acompaña la intervención de Procida “Addio, mia patria” del Acto IV. Abbado mostró capacidad concertadora cuidando al máximo el acompañamiento a los cantantes, en especial a la soprano.

Entre la voces solistas cabe destacar a Gregory Kunde, como Arrigo, quien, muestra su dominio del estilo de canto verdiano, con un incisivo fraseo, y un brillante registro agudo, junto a una matizada y expresiva interpretación. Destaca en su gran escena del Acto IV el recitativo-aria “È di Monforte il cenno….Giorno di pianto, di fier dolore”, seguida del largo e intenso dúo con Elena, lleno de intenso lirismo y dramáticos acentos, donde ofrece toda una lección interpretativa.

El tenor norteamericano está magnífico en los heroicos dúos con Monforte de los Actos I y III, y en su gran interpretación del terceto con Elena y Procida del final de la ópera, donde su canto, adquiere, por momentos, intensos tonos dramáticos. En contraposición, muestra ligereza en el festivo dúo con Elena del Acto V “La brezza aleggia intorno a carezzarmi il viso”, aunque, emitiendo el Re bemol conclusivo sobre la palabra “Addio” con una fea nota en falsete.

El barítono onuvense Juan Jesus Rodriguez realiza una buena interpretación de Guido de Monforte, mostrando los cambiantes estados anímicos del personaje y brillando de sobremanera en su intervención solista del Acto III, con una magnífica interpretación del aria “In braccio alle dovizie”, donde ofrece una excelente línea de canto en el mejor estilo verdiano.

Destacar también sus intervenciones en los dúos con Arrigo sobre todo el del Acto III, con esas preciosa frases “Mentre contemplo quel volto amato, balzar di goia me sento il cor…” donde se retoma uno de los temas musicales de la obertura.

El bajo Alexánder Vinogradov, ofreció una voz un tanto gutural en los registros grave y central, que al ascender hacia el agudo gana brillo e intensidad.

Realiza una matizada interpretación de la nostálgica aria “O tu Palermo, terra adorata” una de las más bellas páginas compuestas por Verdi para bajo. Destaca también, su interpretación de la bellísima página “Addio, mia patria” en el cuarteto con Monforte, Arrigo y Elena del Acto IV. Y, tiene vibrantes intervenciones en el dramático trío con Elena y Arrigo al final de la ópera.

El día del estreno le tocó a la joven soprano jerezana Maribel Ortega, cantar el dificilísimo papel de Elena, con unas exigencias vocales extremas. Grave responsabilidad que la cantante afrontó con alto grado de profesionalidad. Su actuación no pasó de discreta, en el Acto I, sobre todo en su interpretación de la cabaletta “Coraggio, su, coraggio”. No estuvo muy atinada en el “Bolero” del Acto V. Mejoró en los dúos con Arrigo, sobre todo en el largo e intensamente lírico del Acto IV. También en la gran escena con Monforte, Arrigo y Procida que cierra este acto. Tuvo su mejor momento en el terceto conclusivo de la ópera junto a Procida y Arrigo, donde colocó un par de imponentes agudos. Bien el resto de los interpretes casi todos procedentes de Centro de Perfeccionamiento Plácido Domingo.

De nuevo, el Coro de la Generalitat, volvió a demostrar su gran calidad en sus múltiples intervenciones a lo largo de la ópera. Muy destacada su actuación en el gran concertante del Acto III, en el sobrecogedor momento de Acto IV, entonando uno de los salmos “De profundis”, seguido del concertante “Ministro di morte arresta!” que cierra el acto: una muy bella página verdiana. Ya, al final de la ópera el coro se luce en la impresionante “Vendetta! Vendetta!”.
Texto: Diego Manuel Pérez Espejo
Fotografías: Tato Baeza

I vespri siciliani
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma in cinque atti
Libreto de Augustin Eugène Scribe y Charles Duveyrier
D. musical: Roberto Abbado
D. escena: Davide Livermore
Escenografía: Santi Centineo
Vestuario: Giusi Giustino
Iluminación: Andrea Anfossi
Coreografía: Luisa Baldinetti
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, director
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Reparto: Gregory Kunde, Maribel Ortega, Juan Jesús Rodríguez, Alexánder Vinogradov, Andrea Pellegrini, Cristian Díaz, Nozomi Kato, Moisés Marín, Andrés Sulbarán, Jorge Álvarez y Fabián Lara.

Fabio Biondi

Fabio Biondi cierra la programación de 2016 en Les Arts con “Israel in Egypt”, de Händel, el jueves 22 de diciembre, a las 20.00 h en el Auditori. El director titular de la Orquestra de la Comunitat Valenciana se adentra en el repertorio de uno de sus autores fetiche, que ya presentó con éxito en su primera temporada al frente de la OCV con la ópera “Silla”.

El Cor de la Generalitat, que dirige Francesc Perales, canta una de las partituras corales más exigentes del repertorio junto con los cantantes del Centre Plácido Domingo Jorge Álvarez, Michael Borth, Karen Gardeazabal y Marianna Mappa, además de Cristina Alunno y Valentino Buzza, de anteriores promociones de este proyecto.

“Israel in Egypt” es un oratorio bíblico, con textos del Antiguo Testamento, principalmente del Éxodo y del Libro de los Salmos, que se estrenó el 4 de abril de 1739 en el King’s Theatre en el Haymarket de Londres. La obra de Händel narra la esclavitud del pueblo de Israel bajo el yugo del faraón y su posterior liberación guiados por Moisés. Al contrario que las anteriores composiciones del alemán, “Israel in Egypt” contiene más movimientos corales que para solistas.

Después de este oratorio, el maestro Biondi aparca el repertorio barroco para hacer una incursión en el clasicismo en Les Arts con “Philemon und Baucis”, de Haydn. Esta ópera compuesta para ser representada por marionetas se estrena el próximo 8 de enero en el Teatre Martín i Soler con la compañía de títeres Carlo Colla e Figli y las voces de los artistas del Centre Plácido Domingo.

Un poderoso ejercicio de reivindicación

Según indica Anselmo Alonso, del departamento de Dramaturgia de Les Arts, la génesis de la partitura está contagiada por el momento decisivo que atravesaba Gran Bretaña, en el que no pocos identificaron la esclavitud de los judíos bajo los egipcios, con el sometimiento del pueblo británico a los Hannover, la dinastía germánica reinante en Gran Bretaña.

Este oratorio, uno de los dos compuestos por Händel con textos de la Biblia, es un poderoso ejercicio de reivindicación del poder que reside en el pueblo y de su rebelión ante un injusto dominador.

Es por ello que su personaje principal es el coro, un doble coro del pueblo hebreo esclavizado, para el que el compositor escribe una sucesión de números apenas interrumpida por las intervenciones solistas, escasas en cantidad pero no por ello menos brillantes. A este esplendor contribuirá una orquesta llena de colores, sonidos de trompeta, trombones y timbales.

La idea de grito multitudinario fue puesta de manifiesto por público y prensa, en una reacción que confirma la grandeza del arte de Händel y la del arte en general: la potencia de su mensaje universal, pareja a la de su belleza formal, la identificación entre la música y el sentimiento íntimo, han convertido esta pieza en obra de arte universal.

El gato montés

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena el próximo 30 de octubre “El Gato Montés”, de Manuel Penella, ópera en tres actos con libreto del mismo compositor, que el próximo 22 de febrero celebra 100 años de su primera representación en el Teatro Principal de Valencia.

"Una efémeride que -según ha recordado el Intendente Davide Livermore– Les Arts conmemora en su programación de la Temporada 2016-2017, dentro su compromiso, como teatro público, con la historia de este territorio”.

Para David Livermore, “El Gato Montés” es “mucho más que un célebre pasodoble, que ya conocen y reconocerán la mayoría de espectadores que venga a nuestro teatro. Manuel Penella nos dejó una magnífica ópera verista, a la española, cargada de fatalismo y sensualidad. Una historia con un triángulo amoroso icónico: un bandolero, una gitana y un torero cuya fama trascendió fronteras hasta llegar a Broadway en los años 20”.

Reconocidos expertos del teatro musical español se reúnen para este título. Óliver Díaz, actual titular del Teatro de la Zarzuela, asume la dirección musical de una producción que ya dirigió en su estreno en 2012 en Madrid. El maestro ovetense sube por segunda vez al podio de Les Arts tras su primer contacto la pasada temporada con la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el ballet “Don Quijote”, de Ludwig Minkus, a cargo de la Compañía Nacional de Danza.

El director ovetense considera la ópera de Penella como “una de las obras cumbre de la lírica española, que marca lo que podría haber sido el futuro del teatro lírico español. Es una ópera hija de su tiempo, con claras influencias puccinianas y una orquestación rotunda y a la vez sutil”.

José Carlos Plaza, tres veces ganador del Premio Nacional de Teatro y una de las máximas figuras de las artes escénicas en España, presenta su primer montaje en Les Arts, para el que ha contado con escenografía e iluminación de Paco Leal, vestuario de Pedro Moreno y coreografía de Cristina Hoyos.

Antes de desglosar los detalles del montaje, el director teatral ha tenido una especial mención para su reencuentro con el Cor de la Generalitat Valenciana, con el que realizó años atrás “Orfeo”, de Monteverdi, una de sus primeras incursiones en la ópera, además de elogiar la labor de la Escolanía de la Virgen desde Desamparados.

"Nos encontramos ante una de las grandes obras de la dramaturgia española, con una gran profundidad en los temas que aborda: la pasión por encima de la razón, la injusticia social, el trato de la etnia gitana, y la mujer como objeto de violencia y maltrato”, ha explicado el director teatral.

La puesta en escena de José Carlos Plaza quita todo lo superficial y folclórico y toma las imágenes de la España más dura y seca, donde se puede ver un pueblo manipulado por su propia incultura. En este sentido, el director ha valorado también la aportación de Cristina Hoyos al montaje, que incluye dos números de ballet en los interludios con el sueño de Soleá y las sevillanas de la calle.

Destacados cantantes del género musical español conforman el reparto. El barítono catalán Àngel Òdena Juanillo juega el bandido "El Gato Montes", papel por el que ganó el premio lírico Campoamor en 2012.

Andeka Gorrotxategii encarna su oponente en el triángulo amoroso, el torero Rafael. El cantante vasco es el tenor revelación del momento, con una fulgurante carrera internacional desde su debut con este montaje de “El Gato Montés” en 2012.

En medio de ambos está la emergente soprano Maribel Ortega, que da vida a Soleá. La diva jerezana es una de las nuevas promesas de la lírica, que regresará a Les Arts en diciembre para encarnar a Elena en la última función de “I vespri siciliani”.

El reparto también incluye a dos mezzosopranos valencianas de carrera internacional e imprescindibles en la historia del Palau de les Arts. Cristina Faus (Gitana), que el público del centro de artes recordará por sus intervenciones en “La Cenerentola”, "L'arbore di Diana", "Otello" y "Maror". Y Marina Rodríguez vías (Frasquita), que desde los conciertos inaugurales en 2005 es una presencia habitual en la ópera de Valencia con papeles en “La Belle et la Bête”, "Madama Butterfly", "Filisteos de Jonathan dispersos", "Thaïs" y "El Barbero de Sevilla".

Otro intérprete español presente en las grandes capitales del circuito operístico, el bajo Miguel Ángel Zapater (Padre Antón) cierra el elenco protagonista.

Además del estreno este domingo, 30 de octubre, Les Arts acoge más funciones de esta ópera de Manuel Penella los días 1, 3 y 5 de noviembre. El importe de las localidades oscila entre 7 y 50 euros, con precios intermedios de 40, 28, 20 y 15 euros.

In memoriam Alfredo Brotons

Asimismo, Davide Livermore ha anunciado que el enclave cultural dedicará estas funciones de “El Gato Montés”, a la memoria del crítico Alfredo Brotons, fallecido este pasado verano.

"Desde Les Arts creemos que este Gato Montés, que está a punto de cumplir 100 años, es el más justo tributo a una figura imprescindible en la difusión de la cultura musical en este territorio”, ha declarado el Intendente.

Fabio Biondi

Fabio Biondi dirige a la soprano Roberta Invernizzi y a la contralto Sonia Prina en “Gloria e Imeneo”, de Vivaldi, dentro del concierto que ofrece la Orquestra de la Comunitat Valenciana este jueves, 6 de octubre, en el Auditori del Palau de les Arts Reina Sofía.

Les Arts recibe por primera vez a dos de las grandes divas del barroco, que cantan también en la segunda parte de la velada otra obra de Vivaldi, su célebre “Gloria RV 589”, junto con la mezzosoprano del Centre Plácido Domingo Nozomi Kato y el Cor de la Generalitat Valenciana.

El concierto se enmarca dentro de la II Pretemporada con precios populares de Les Arts, con localidades entre 10 y 20 euros.

La obra de Vivaldi está fuertemente ligada a la trayectoria de Fabio Biondi desde que revolucionara en 1990 el mercado y la crítica con su edición de “Las cuatro estaciones”. La amplia discografía del director musical de Les Arts sobre el repertorio de ‘Il prete rosso’ ha recibido el aplauso de la prensa especializada: “Vivaldi’s concertos” fue merecedora de galardones como el ‘Premio Cini’ de Venecia; ‘Choc de la Musique’, cinco ‘Diapasons d’Or’, ‘Diapason d’Or de l’Année’ y el ‘Prix du Disque’ de Telerama en Francia; o el Premio de la RTL alemana, además de la ópera “Bajazet”, nominada en 2006 para los Premios Grammy estadounidenses.

La soprano Roberta Invernizzi es una de las grandes voces del repertorio barroco y clásico. La diva milanesa ha cantado en los teatros de más prestigio, dirigida por maestros como Claudio Abbado, Rinaldo Alessandrini, Fabio Biondi, Franz Bruggen, Ottavio Dantone, Nikolaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt y Jordi Savall. Colabora con regularidad con las formaciones Concentus Musicus Wien, Accademia Bizantina, Il Giardino Armonico, Cappella della Pietà dei Turchini y Europa Galante, entre otras. Ha grabado cerca de setenta álbumes para los sellos discográficos más importantes.

Por su parte, Sonia Prina está considerada como una de las mejores contraltos de su generación. Formada en la academia de jóvenes cantantes de la Scala, su particular voz pronto comenzó a acaparar el interés de teatros y auditorios a nivel internacional. Entre sus interpretaciones más aclamadas destacan títulos como “Orlando” (Teatro de los Champs Elysées Ópera y Sídney), "Rinaldo" (la Scala y Zúrich), "Tamerlano" (Múnich), "Julio César" (Rávena, Génova y Lille), el rol de Polinesso en “Ariodante” (Festival de Aix-en-Provence) o "Ascanio in Alba" (Festival de Salzburgo).

"Gloria e Imeneo”

Gloria e Imeneo” es un encargo a Vivaldi del embajador francés en Venecia, Jacques-Vincent Languet, conde de Gergy, con motivo de los esponsales de Luis XV con la princesa polaca Maria Leszcynska. La obra se interpretó en una fiesta organizada en los jardines de la embajada el 12 de septiembre de 1725.

Sus dos personajes alegóricos representan al dios del matrimonio, Himeneo, y a la Gloria, que encarna para la ocasión a la casa real francesa. Se debe destacar que Antonio Vivaldi no establece entre dichos personajes una acción, sino que busca para ellos el único fin de entonar una loa a los recién casados, en la que parece, quizá, que ambas figuras, dotadas de voz de soprano y contralto, compiten por la exaltación del radiante futuro de la monarquía francesa, representada por los dos novios reales, en una sucesión de recitativos cortos y animados y amplias expansiones líricas de una belleza reconociblemente vivaldiana.

“L’elisir d’amore”

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena este sábado, 1 de octubre, “L’elisir d’amore”, de Donizetti, la ópera con la que comienza la II Pretemporada con precios populares.

Keri-Lynn Wilson regresa al podio de Les Arts diez años después de su primera colaboración con la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), en febrero de 2007, en un concierto de la mezzosoprano Olga Borodina y el bajo Ildar Abdrazakov.

Según ha señalado la directora canadiense, “si ya quedé impresionada hace diez años por el excelente nivel de la OCV, en mi primera ópera con ellos he podido comprobar cómo han crecido y madurado en este tiempo, su técnica perfecta y un gran respeto por la lírica y las voces. Han conseguido en apenas diez años un nivel que a otras formaciones les cuesta 50 años”.

El centro de artes repone su montaje de “L’elisir d’amore”, realizado en coproducción con el Teatro Real, que ha sido requerido por las óperas de Bruselas, Graz y Palermo. Damiano Michieletto firma la puesta en escena, con escenografía de Paolo Fantin, vestuario de Silvia Aymonino e iluminación de Alessandro Carletti.

En esta ocasión, Eleonora Gravagnola firma la reposición de esta obra “digna de Broadway por su frescura y energía”, en palabras de Keri-Lynn Wilson. el director, que ha asistido a Damiano Michieletto en sus principales colaboraciones, ha resaltado la visión joven y actual de esta ópera, cuya acción se tralada a una jornada, con su día y su noche, en una playa valenciana.

En la producción de Michieletto, Adina regenta el chiringuito de la playa donde trabaja Giannetta. Nemorino es un humilde “chico para todo”, cuya máxima dicha es poder contemplar a la bella Adina. Dulcamara es un moderno charlatán que promete felicidad a cambio de sus brebajes energéticos, mientras que Belcore es un marinero recién llegado al puerto que desembarca en la costa con ganas de compañía femenina.

miste lugar, la playa, recoge de manera simple las relaciones necesarias del libreto y potencia la diversión y la credibilidad para el público de hoy. En el primer acto es la playa de día, con las familias y los niños que juegan. En el segundo acto es la playa de noche, con la fiesta, el alcohol, el sexo, las bromas y luego la playa desolada y vacía en la que Nemorino canta ‘Una furtiva lagrima’, uno de los momentos más célebres de la partitura”.

La historia de “L’elisir d’amore” es divertida pero a la vez triste porque nos muestra al desdichado Nemorino, que prueba lo posible y lo imposible para conquistar a Adina. Lo intenta incluso con un elixir mágico que promete el amor, pero el propio brebaje es una mentira en sí mismo”.

Destacados artistas, jóvenes cantantes y antiguos alumnos del Centre Plácido Domingo integran el reparto de la obra. La soprano Ilona Mataradze, una de las primeras artistas del Centre que disfruta de carrera internacional, alterna el papel de Adina con Karen Gardeazabal, de la actual promoción del proyecto artístico.

Por su parte, el ascendente tenor estadounidense William Davenport, que cantará también en “Lucrezia Borgia”, de Donizetti, interpreta el papel de Nemorino, que ya ha cantado con éxito en Estados Unidos, donde lo han encumbrado como una de las promesas del repertorio italiano.

Paolo Bordogna es una de las máximas estrellas del repertorio ‘buffo’, con trabajos en los principales teatros de ópera del mundo y más de 50 roles en su currículo. Debutó en Les Arts en 2011 con “La Cenerentola” y retorna para dar vida a Dulcamara, el ‘charlatán’ de “L’elisir d’amore”.

El barítono Mattia Olivieri, que también se formó en el Centre de Perfeccionament y que en la actualidad canta con regularidad en teatros y festivales de prestigio como Glyndebourne, la Ópera de Roma y la Scala de Milán, es Belcore. Cierra el elenco la reconocida soprano belcantista Caterina di Tonno (Giannetta).

Una de las favoritas del repertorio

El elixir de amor " es una ópera cómica en dos actos con libreto de Felice Romani, basado en el libreto de Eugène Scribe para “La poción ", Daniel Auber. Estrenada en Milán en 1832, relata las vicisitudes que atraviesa el ingenuo Nemorino para conquistar el amor de la rica y distante Adina. El éxito fue tan grande que la ópera permaneció en cartel durante 32 días consecutivos y apenas tardó un año en estrenarse en España.

La obra de Donizetti es una de las piezas imprescindibles dentro del repertorio operístico y figura entre los primeros quince títulos más representados del gran repertorio. Su partitura contiene algunas de las arias más populares del género como ‘Una furtiva lagrima’ y ‘Chiedi all’aura lusinghiera’.

Además del estreno este sábado, 1 de octubre, Les Arts acoge más funciones de “L’elisir d’amore” los días 4, 7, 9 y 12 de ese mismo mes. El importe de las localidades oscila entre 7 y 50 euros, con precios intermedios de 40, 28, 20 y 15 euros.

Palau Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía pone en marcha, hasta el próximo domingo 25 de septiembre, la comercialización de los nuevos abonos para la Temporada 2016-2017 a través de su página web www.lesarts.com, o de forma presencial en las Taquillas.

Les Arts ofrece para el próximo curso siete turnos de abono que combinan cinco títulos de ópera en la Sala Principal: “I vespri siciliani”, “La traviata”, “Lucrezia Borgia”, “Werther” y “Tancredi”, el ballet “El sombrero de tres picos”¸ y los conciertos “Israel in Egypt”, “Piramo e Tisbe” y “Mural – Das Lied von der Erde”.

Los precios oscilan entre los 652,50 euros del pase de Turno A en zona de visibilidad 1 y los 219,30 euros de los formatos más económicos, en zona de visibilidad 4, en los turnos D, E y F. El abono de Les Arts incluye un descuento del 15% sobre el precio original de las localidades si se abona en un único pago, o de un 10% si se fracciona.

Además, el centro de artes introduce una nueva modalidad en los diferentes turnos: los abonos Mentor-Neo, que ofrece un descuento añadido del 5% a los titulares (Mentor) que apadrinen a un joven abonado (Neo) menor de 30 años y titular del Carnet Joven, que se beneficiará de un descuento del 60%. En este sentido, el centro de artes recuerda que los abonos Neo están limitados a un máximo de 20 localidades por turno de abono y que sus titulares sólo podrán renovarlo una temporada adicional siempre y cuando se mantengan en los límites de edad estipulados.

Los titulares del abono de Les Arts disfrutan, entre otras ventajas, de una serie de descuentos y promociones en la compra de productos y servicios del teatro, además de una atención personalizada en las Taquillas o de periodos de venta preferente para los espectáculos propios del centro operístico.

Asimismo, el centro de artes recuerda otras fechas de interés dentro de la campaña de abonos. Hasta el 18 de septiembre, los abonados podrán remitir sus formularios de actualización de datos y también, ese mismo día, finaliza el plazo para solicitar la renuncia al abono de temporada. El lunes 19, de 10.00 a 18.00 h, Les Arts registrará las solicitudes de cambio de turno y del 30 de septiembre al 2 de octubre las peticiones de compra preferente de localidades. La documentación para todos estos procedimientos está disponible en www.lesarts.com.

Continúa la venta de pases y entradas para la Pretemporada

Por otra parte, Les Arts continúa con la venta de pases y localidades para las diferentes propuestas de la Pretemporada. Cinco espectáculos conforman la oferta con precios populares de 2016: las óperas en la Sala Principal “L’elisir d’amore”, de Gaetano Donizetti, y “El gato montés”, de Manuel Penella, junto con los conciertos “Gloria e Imeneo”, “Cantúria cantada” y ‘Noves veus’.

El centro lírico mantiene las tarifas de esta iniciativa para todos los públicos, con entradas para ópera en la Sala Principal entre 7 y 50 euros, conciertos en el Auditori de 10 a 20 euros, y espectáculos en el Teatre Martín i Soler por 15 euros.

Asimismo, también se ofrecen pases que agrupan las diferentes propuestas desde 62 euros en la versión más económica, la dirigida a los titulares del Carnet Jove en zona 3, hasta los 150 euros que alcanza el pase para público general en zona de máxima visibilidad.

La segunda Pretemporada comenzará el 1 de octubre con “L’elisir d’amore”, de Donizetti, en el montaje que Damiano Michieletto ambientó en la playa de La Malvarrosa, con Keri-Lynn Wilson en el foso. La ópera española regresa con “El gato montés”, del valenciano Manuel Penella, que Les Arts programa en al centenario de su estreno en el Teatro Principal de Valencia con Óliver Díaz como director musical y José Carlos Plaza al frente de la dirección escénica.

La oferta se complementa con un monográfico de Vivaldi bajo la batuta de Fabio Biondi, director musical de Les Arts, el 6 de octubre en el Auditori, con las obras “Gloria e Imeneo” y “Gloria”. A éstas se añaden dos propuestas en le Teatre Martín i Soler: “Cantúria Cantada”, de Carles Santos, a cargo del Cor de la Generalitat, con dirección de Dolors Ricart el 10 de noviembre, y una gala de ópera con los artistas de la octava promoción del Centre Plácido Domingo, ‘Noves veus’, dirigida por Ramón Tebar, el 26 de ese mes.

Horario de Taquillas de Les Arts

Les Arts recuerda que, hasta el 18 de septiembre inclusive, el horario de atención al público, así como de las líneas 902 202 383 y 96 197 59 00, es de lunes a viernes de 10.00 h a 14.30 h.

Les Arts Valencia
Nit a Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía celebra las noches del 1 y del 2 de julio una doble edición de su jornada de puertas abiertas nocturna ‘Nit a Les Arts’, con la que el enclave cultural se despide de la actividad abierta al público hasta el mes de septiembre.

‘Nit a Les Arts’ ofrece exhibiciones técnico-artísticas y actuaciones en vivo del Cor de la Generalitat Valenciana y de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, además de una exposición con elementos de vestuario y utilería de la ópera “Aida” para todo aquel que se acerque al edificio de Santiago Calatrava. Como fin de fiesta, ambas noches, una sesión de música con DJ pondrá el punto final a la jornada.

La actividad al público comienza tanto el viernes 1 como el sábado 2 con el inicio de los seis pases de la exhibición técnico-artística que acoge el escenario de la Sala Principal en los siguientes horarios: 20.00 h, 20.50 h, 21.40 h, 23.00 h, 23.50 h y 0.40 h.

En grupos de hasta 240 personas, los asistentes tienen la ocasión de conocer in situ, mediante un espectáculo de unos 40 minutos de duración, el funcionamiento de la maquinaria escénica, iluminación, audiovisuales y todos los elementos necesarios para poner en marcha una función de ópera.

La parte artística de esta exhibición corre a cargo de los artistas del Centre Plácido Domingo y del Ballet de la Generalitat, que ofrecen una representación, dirigida por Emilio López, que combina elementos de lírica y danza.

Para poder disfrutar de esta actividad, los interesados deberán presentarse en las Taquillas de Les Arts en los 30 minutos previos al inicio del pase que mejor se acople a su agenda. Se hará entrega de un máximo de dos invitaciones por persona hasta completar el aforo de cada turno.

Asimismo, el centro de artes reserva un cupo de localidades para estos pases a sus abonados de Temporada, que podrán efectuar su reserva entre los días 29 y 30 de junio en el apartado de la página web que el coliseo dispondrá a tal efecto.

El vestuario de “Aida”

A partir de las 20.30 h de ambas veladas el Vestíbulo de la Sala Principal abrirá sus puertas para disfrutar de una exposición de vestuario y utilería de la ópera “Aida”, de Giuseppe Verdi.

El público, de manera libre, podrá disfrutar del vestuario diseñado por Moritz Junge para esta coproducción de Les Arts con el Covent Garden de Londres y la Ópera de Oslo, además de elementos de utilería empleados en este montaje.

Música en vivo y libre recorrido por las terrazas

A partir de las 20.30 h, el Palau de les Arts Reina Sofía abre sus terrazas y balcones para todo aquel que quiera conocer y disfrutar de los espacios al aire libre del enclave operístico.

Los cuerpos estables del centro de artes valenciano: El Cor de la Generalitat, que colabora por segunda ocasión en este evento, y la Orquestra de la Comunitat Valenciana ponen la nota musical a la noche en blanco de Les Arts.

El Restaurante Los Toros, ubicado en la undécima planta del teatro y conectado con las Terrasses de les Palmeres, es el marco donde, desde las 21.00 h hasta las 0.00 h, el Cor de la Generalitat y agrupaciones de Profesores de la OCV ofrecen diversas actuaciones.

El viernes, los protagonistas serán los músicos de la formación titular del Palau de les Arts con micro-conciertos de 25 minutos de duración a las 21.00 h, 21.55 h, 22.45 h y 23.40 h.

El sábado, los solistas de la OCV se turnarán con el Cor de la Generalitat Valenciana, que acompañado al piano por Francisco Hervás y dirigido por Francesc Perales, interpreta coros de títulos que integran la Temporada 2016-2017 de Les Arts como L’elisir d’amore, de Donizetti, I vespri siciliani y La traviata, de Verdi, Gloria, de Vivaldi, Israel in Egypt, de Händel, o Missa Papae Marcelli, de Palestrina.

Desde las 20.30 h hasta las 0.30 h de la madrugada, además, el Palau de les Arts ha dispuesto servicio de restauración en ambas terrazas de la planta undécima, en las que lucirá una espectacular escultura LED, cortesía del artista Nacho Ruiz.

A partir de las 0.30 h, en ese mismo piso, la terraza con vistas al Jardín del Turia se convertirá en una gran pista de baile con una sesión de música con DJ en vivo, que despedirá la actividad de ambas jornadas a ritmo ‘dance’.

El centro de artes cerrará sus puertas a las 2 de la madrugada tanto el sábado 2 como el domingo 3.

Pérez-Sierra

José Miguel Pérez Sierra asume la dirección musical del concierto-espectáculo “El sueño de una noche de verano”, de Mendelssohn-Bartholdy, el próximo 23 de junio en el Auditori del Palau de les Arts Reina Sofía.

El maestro madrileño sustituye a Ramón Tebar, principal director invitado del centro de artes, que ha tenido que cancelar su participación por motivos de salud.

Pérez Sierra debutó en Les Arts en 2009 con la dirección musical de “La scala di seta”, de Rossini, título al que le han seguido zarzuelas como “El rey que rabió”, de Chapí o “El dúo de “La Africana” así como un concierto con obras del género lírico español.

“El sueño de una noche de verano”, de Mendelssohn-Bartholdy clausura la temporada de abono de Les Arts, en la misma fecha en la que comienza la estación estival. El programa también incluye “Sinfonía Escocesa”, del compositor alemán.

El centro de artes ofrece un nuevo concierto-espectáculo, de facturación propia y dirección de concepto- escénico a cargo de Allex Aguilera. Regresa a la ópera de Valencia la actriz Rossy de Palma, que anteriormente ha participado en los montajes de la zarzuela “La corte de Faraón”, de Lleó Barbastre, y en “Romancero Gitano”, de García Lorca. La reconocida intérprete pone voz a los extractos de la comedia de Shakespeare que introdujo el compositor en la partitura.

Palau Les Arts Reina Sofía

Roberto Abbado, en el podio, y Paul Curran, como director de escena, cierran el curso lírico en el Palau de les Arts Reina Sofía con la ópera “A Midsummer Night’s Dream”, de Benjamin Britten, que se estrena el viernes 10 de junio.

El maestro milanés y el director escocés han comparecido hoy en rueda de prensa, junto con el Intendente de Les Arts, Davide Livermore, para presentar la cuarta nueva producción del centro de artes en la Temporada 2015-2016.

“A Midsummer Night’s Dream”, ópera en tres actos con música de Benjamin Britten y libreto de Benjamin Britten y Peter Pears, basado en la obra homónima de William Shakespeare, inaugura un mes de junio dedicado al dramaturgo inglés en el cuarto centenario de su muerte, según ha explicado Davide Livermore.

Se trata, además de la primera obra del compositor inglés, “uno de los genios del S. XX” que interpreta la Orquestra de la Comunitat Valenciana. “Una partitura de reparto coral y de gran fuerza teatral, que precisa de unos sólidos mimbres artísticos para ser representada”, ha matizado el Intendente.

En este sentido, ha explicado que Les Arts reúne un reparto de valores consolidados del repertorio inglés junto emergentes voces, los artistas del Centre Plácido Domingo y los niños de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats.

La soprano Nadine Sierra, a quien el público valenciano recordará por Don Pasquale bajo la dirección del propio maestro Abbado en 2015, y el contratenor Christopher Lowrey, uno de los nuevos valores en su tesitura, encabezan el reparto como Tytania y Oberon, reyes las hadas.

Completan el elenco Brandon Cedel (Theseus), Iuliia Safonova (Hippolyta), Mark Milhofer (Lysander), Dan Kempson (Demetrius), Nozomi Kato (Hermia), Leah Partridge (Helena), Conal Coad (Bottom), Richard Burkhard (Quince), Keith Jameson (Flute), Tyler Simpson (Snug), William Ferguson (Snout), Michael Borth (Starveling) y Chris Agius Darmanin (Puck).

Roberto Abbado, director titular de la OCV, ha subrayado la capacidad innovadora de Britten con esta obra, que introduce nuevos elementos como la relevancia de la figura del contratenor, el papel de los coros infantiles para extraer un color “no humano” y “mágico” y un sonido orquestal misterioso. “Es una partitura con una gran cantidad de matices y colores, que es un placer extraer para un director”, ha añadido.

Paul Curran, director de escena, escenógrafo y coreógrafo de “A Midsummer Night’s Dream” debuta en Les Arts con esta producción, que cuenta con vestuario de Gabriella Ingram e iluminación de David Jacques.

Según ha destacado Livermore, el director escocés, artista polifacético y reconocido en los principales teatros del mundo, fue, además, maestro del director artístico de Les Arts. Para Curran la principal dificultad de la ópera, como director de escena, estriba en su reparto con 19 papeles para solista, “donde todo el mundo es una estrella”.

“A Midsummer Night’s Dream nos ofrece también una riqueza increíble para trabajar” -ha analizado Curran- “puesto que es la única ópera basada en Shakespeare que usa el texto real del dramaturgo sin cambiar apenas nada”.

Curran, según ha avanzado, ambienta la acción de “A Midsummer Night’s Dream” en las ruinas de un viejo templo en el que convergen las tres dimensiones de la fantasía de Shakespeare. El director asimismo, ha destacado los tres ejes temáticos sobre los que se basa la obra: política, religión y sexo. “Os encantará”, ha sentenciado el escocés.

Además del día 10, habrá más representaciones los días 12, 14, 16 y 18 de junio, siendo el día 16 la soprano estadounidense Jennifer O’Loughlin quien cante el papel de la reina de las hadas.

Actividades alrededor de William Shakespeare.

Este mismo mes de junio, ha recordado Davide Livermore, el Aula Magistral acoge una lectura dramatizada del clásico shakesperiano, con funciones para el público del programa didáctico, los días 8 y 9, y una representación para el público general el sábado 11 de junio a las 18.00 h. Les Arts presenta una nueva producción teatral propia, con texto adaptado por Anselmo Alonso, y actores de La Farsería.

De manera paralela, los estudiantes podrán analizar en el Taller literario ‘De libro a libreto’, la adaptación del texto teatral, que escribió el dramaturgo inglés a finales del S. XVI, al lenguaje operístico del S. XX en la obra de Benjamin Britten.

Más información: www.lesarts.com

Roberto Abbado

El director de orquesta milanés, cierra la temporada operística 2015-2016 del Palau con el estreno de “El sueño de una noche de verano” (A Midsummer Night’s Dream), la primera incursión de la formación titular de les Arts en la obra de Benjamin Britten. Roberto Abbado asume la dirección musical de esta ópera basada en la obra homónima de Shakespeare, que levanta el telón el próximo 10 de junio con una producción propia del coliseo valenciano, una apuesta con la que el Palau de les Arts Reina Sofia se suma a las celebraciones de los 400 años de la muerte de William Shakespeare.

Además de su amplia trayectoria en la dirección del repertorio sinfónico en Estados Unidos y en formaciones europeas de referencia como la Concertgebouw de Ámsterdam, Gewandhaus de Leipzig o Staatskapelle de Dresde, el maestro Roberto Abbado ha dirigido numerosos estrenos en los teatros de ópera más prestigiosos de la escena internacional: el Teatro alla Scala de Milán (La Gioconda, Lucia di Lammermoor, La donna del lago), la Staatsoper de Viena (I vespri siciliani), la Ópera Estatal de Baviera (El amor de las tres naranjas, Aida y La Traviata), el Metropolitan de Nueva York (Fedora), la Deutsche Oper de Berlín (Don Giovanni), la Ópera Nacional de París (La donna del lago), Rossini Opera Festival de Pesaro (Ermione, Zelmira, y Mosè in Egitto), el Maggio Musicale Fiorentino (Le comte Ory, Attila, I Lombardi, Il barbiere di Siviglia, Anna Bolena, Phaedra), entre otros. Tras el éxito de público y crítica en su primera ópera como titular del podium valenciano, el pasado mes de enero, con Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns y una dilatada experiencia en el repertorio contemporáneo y la música de los grandes compositores del siglo XX como Luciano Berio, Salvatore Sciarrino, Henri Dutilleux, Olivier Messiaen, Helmut Lachenmann, John Adams o Hans Werner Henze, entre otros muchos, retoma la batuta del coliseo valenciano para el estreno, por primera vez en el Palau de les Arts, de la ópera en tres actos basada en la obra de Shakespeare con música de Benjamin Britten (1913-1976) y libreto del compositor británico y Peter Pears, estrenada el 11 de junio de 1960 en el Festival de Aldeburgh, con dirección del propio compositor.

Roberto Abbado ha sido galardonado en dos ocasiones con el prestigioso y codiciado “Premio Abbiati” de la crítica italiana.

Fotografía: Priamo Tolu-Teatro lirico Cagliari

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