Lang Lang en el Festival de Música de Canarias

LANG LANG, UN ICONO MUNDIAL AL PIANO

Lang Lang, uno de los pianistas más aclamados y adorados por el público de todo el mundo, es una de las incorporaciones estrella de la 38 edición del Festival Internacional de Música de Canarias (FIMC). El músico, que ha recibido multitud de premios, tocará el 27 de enero en Las Palmas de Gran Canaria y el 30 de enero en Tenerife. En ambos escenarios interpretará ‘Arabesque in C major’ de Schumann y las ‘Variaciones Goldberg’ de Bach.

Calificado por The New York Times como “el artista más popular de la música clásica”, Lang Lang es una figura destacada como pianista, educador y filántropo, que se ha convertido en uno de los embajadores de las artes más influyentes y comprometidos del mundo en el siglo XXI. Es un maestro de la comunicación a través de la música. Se reconoce igual de feliz tocando para miles de millones de espectadores en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Pekín que tocando solo para niños en las escuelas públicas.

Realiza colaboraciones continuas con directores como Sir Simon Rattle, Gustavo Dudamel, Daniel Barenboim y Christoph Eschenbach y con las mejores orquestas del mundo. También ha realizado colaboraciones más allá de la música clásica: sus actuaciones en los premios Grammy con Metallica, Pharrell Williams o la leyenda del jazz Herbie Hancock han sido vistas por millones de espectadores.

Durante aproximadamente una década, Lang Lang ha contribuido a la educación musical en todo el mundo. En 2008, creó la Lang Lang International Music Foundation con el objetivo de cultivar a los mejores pianistas del futuro, defender la educación musical a la vanguardia de la tecnología y construir una audiencia joven a través de experiencias musicales en vivo. En 2013, Lang Lang fue designado por el Secretario General de las Naciones Unidas como Mensajero de la Paz centrado en la educación global.

PHILIPPE JAROUSSKY Y THIBAUT GARCIA PRESENTAN DISCO JUNTOS

El FIMC contará esta semana con Philippe Jaroussky y Thibaut Garcia que llegan a Tenerife (29 de enero) y Las Palmas de Gran Canaria (30 de enero) para presentar À Sa Guitare, su primer disco juntos.

Philippe Jaroussky está considerado el mejor contratenor de la actualidad, con una maestría técnica que le permite los más audaces matices y espectaculares pirotecnias vocales.

Thibaut Garcia es ‘la nueva cara de la guitarra clásica’. Un artista en pleno auge que, después de ganar varios concursos internacionales, ya es comparado por la crítica con los grandes guitarristas del pasado.

En À sa guitare (Warner Classics/Erato, 2021), Jaroussky y Garcia arriesgan, dan un paso más en su carrera, y apuestan por salir de sus registros habituales para crear un álbum que mezcla diferentes estilos: además de música clásica, los artistas se atreven con la mítica ‘Alfonsina y el mar’ del argentino Ariel Ramírez; la conocida canción brasileña ‘Manhã De Carnaval’ de Luiz Bonfá; o las populares ‘Anda, jaleo’ de Federico García Lorca y ‘La cumparsita’ de Matos Rodríguez.

SEMANA INTENSA EN EL FESTIVAL ‘EN PARALELO’

Como su nombre y filosofía indican, el festival ‘En Paralelo’ se lleva a cabo de forma simultánea al FIMC, para completar una edición que ha vuelto con fuerza a sus fechas originales de invierno. Por el festival ya han pasado propuestas singulares como los conciertos del Trío Arbós (Premio Nacional de Música 2013) junto al tenor canario Manuel Gómez Ruiz, o el espectáculo ‘Piel con piel’, que esta semana celebra la última función de su gira por las islas en El Hierro (25 de enero).

Durante estos días también se podrá disfrutar de los ‘Sonidos olvidados’ del luthier y multiinstrumentista Abraham Cupeiro, que actúa por varias islas junto con el grupo de cámara de la Orquesta Sinfónica de Las Palmas del 27 de enero al 12 de febrero. También habrá ocasión de escuchar a la Orquesta de Jazz del Atlántico & Chris Kase, en Tenerife (25 de enero) y Gran Canaria (26 de enero), así como de descubrir que ‘Vivaldi es Gloria’ junto a la Camerata Lucunensis y la Orquesta Barroca de Tenerife en la gira de conciertos que darán del 28 de enero al 6 de febrero.

ARABELLA STEINBACHER Y LA ORQUESTA DE CÁMARA DE PARÍS

Después de su concierto inaugural en La Palma, la Orquesta de Cámara de París continúa su gira por las islas con conciertos en Gran Canaria (25 de enero), Tenerife (26 de enero), Fuerteventura (28 de enero) y Lanzarote (29 de enero).

Dirigida por el director español Antonio Méndez, la orquesta estará acompañada por la violinista alemana Arabella Steinbacher, aclamada en todo el mundo por su talento y un repertorio extraordinariamente variado.

Nacida en una familia de músicos, Steinbacher toca el violín desde los tres años y estudia con Ana Chumachenco en la Universidad de Música y Teatro de Múnich desde los ocho años. Además, colabora habitualmente con orquestas de prestigio como la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Boston, o la Sinfónica de Chicago y ha actuado con éxito con la London Symphony, la Orchestre National de France o la Seoul Philharmonic Orchestra.

AGENDA DEL 24 AL 30 DE ENERO DE 2022

Martes 25 de enero

Orquesta de Cámara de París – Gran Canaria

Orquesta de Jazz del Atlántico & Chris Kase – Tenerife

Piel con piel – El Hierro

Miércoles 26 de enero

Orquesta de Cámara de París – Tenerife

Orquesta de Jazz del Atlántico & Chris Kase – Gran Canaria

Jueves 27 de enero

Abraham Cupeiro y OSLP – Fuerteventura

Lang Lang – Gran Canaria

Viernes 28 de enero

Orquesta de Cámara de París – Fuerteventura

Abraham Cupeiro y OSLP – Lanzarote

Vivaldi es Gloria – Gran Canaria

Sábado 29 de enero

Orquesta de Cámara de París – Lanzarote

Philippe Jaroussky y Thibaut Garcia – Tenerife

Vivaldi es Gloria – Fuerteventura

Domingo 30 de enero

Philippe Jaroussky y Thibaut Garcia – Gran Canaria

Vivaldi es Gloria – Lanzarote

Lang Lang – Tenerife

P JAROUSSKY (c) Simon Fowler

El martes 12 de octubre a las 18 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta la primera cita de su ciclo Universo Barroco en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid: la ópera Radamisto de Haendel. El impecable conjunto barroco Il Pomo D´Oro dirigido por Francesco Corti junto al contratenor Philippe Jaroussky en el papel principal y un elenco de otras grandes estrellas del actual universo lírico (Marie-Nicole Lemieux, Emöke Baráth, Zachary Wilder, Renato Dolcini, Anna Bonitatibus y Alicia Amo) serán los encargados de interpretarla en versión concierto. Esta cita musical forma parte de una gira europea que pasará también por Montpellier, Barcelona (Liceo, 6 de octubre), París, Essen y Ginebra. Las entradas para Madrid, con un precio general de 20 a 60 euros, están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

Con diez conciertos programados de octubre de 2021 a mayo de 2022, este año pasarán de nuevo por la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional nombres imprescindibles de la escena barroca internacional que se suman a los ya mencionados: Balthasar-Neumann-Chor y Solisten Balthasar-Neumann-Ensemble (dirigidos por Thomas Hengelbrock), Les Arts Florissants (con William Christie al frente), Freiburger Barockorchester (capitaneados por René Jacobs) y Europa Galante junto al Coro de Cámara del Palau de la Música Catalana y bajo las órdenes de Fabio Biondi. La otra mitad del ciclo estará protagonizada por figuras nacionales que también pertenecen a la excelencia interpretativa de la música histórica: Jordi Savall (junto a sus grupos Capella Reial de Catalunya y Hespèrion XXI y un programa dedicado a las cantigas de Alfonso X El Sabio en su centenario), Vesprés d´Arnadí (recreando la ópera de Haendel basada en el clásico de la literatura Amadís de Gaula), Nereydas (que estrenarán la recuperación histórica de la ópera La Nitteti de Niccoló Conforto), la Orquesta Barroca de Sevilla, interpretando la integral de las Suites para orquesta de Bach y cerrará la serie Lina Tur Bonet, violinista y artista residente del CNDM en la presente temporada, junto a su grupo Musica Alchemica y un programa con obras de Bach y Vivaldi.

Radamisto: Haendel en estado puro
Como comenta Eduardo Torrico: «Radamisto no es un título más en la insuperable producción operística de Georg Friedrich Haendel. Fue su primer título para la Royal Academy of Music, fundada en febrero de 1719 por un grupo de nobles londinenses para asegurarse un suministro regular de óperas serias italianas. El sajón sería elegido director y uno de los tres principales compositores que debían proveer de música a la compañía (los otros dos eran Giovanni Bononcini y Attilio Ariosti). Entre las obligaciones de Haendel estaban las de adaptar óperas extranjeras y proporcionar libretos —fundamentalmente provenientes de Italia— para consumo particular, así como la de seleccionar músicos. También correspondió a Haendel seleccionar los instrumentistas para una nutrida orquesta: diecisiete violines, dos violas, dos violonchelos, dos contrabajos, cuatro oboes, tres fagotes, un archilaúd, una trompeta y dos claves (uno de ellos, el propio Haendel). Haendel había compuesto para tan magna ocasión una ópera que llevaba por título Radamisto, pero los quehaceres de Jorge I no le permitían asistir al estreno, fijado para el 2 de abril de 1720, así que finalmente se representó el 27 de ese mismo mes en el King’s Theatre de Haymarket. John Mainwaring, teólogo y primer biógrafo de Haendel, lo reflejaría así años más tarde: Si personas que aún viven y que estuvieron presentes en la representación [de Radamisto] pueden ser creídas, los aplausos que recibió fueron extremados, como los que había despertado su Agrippina: el gentío y el tumulto del teatro de Venecia apenas igualaron al de Londres. En tan espléndida y elegante asamblea de damas (a la excelencia de su gusto debemos imputarlo) no había la menor sombra de formas, o de ceremonia, verdaderamente escasa apariencia de orden o regularidad, cortesía o recato. Muchas, que habían entrado a la fuerza en el teatro con impetuosidad nada apropiada a su rango y sexo, se desmayaron realmente debido al calor excesivo y lo cerrado del lugar. Varios caballeros, que habían ofrecido cuarenta chelines [el precio oficial era de cinco] por una localidad, fueron rechazados en la galería, después de haber perdido la esperanza de conseguir alguna en platea o palcos… «.

Tanto caló el título en el público de Londres que Haendel repuso la ópera en el mismo teatro solo ocho meses después, el 28 de diciembre, con una segunda versión que difería considerablemente de la primera: buena parte de la música fue revisada y reasignada a otros personajes, con el propósito de adaptar los papeles a las voces de los cantantes que no habían intervenido en el estreno, como el castrato Senesino que recogió, finalmente, el rol principal.

Philippe Jaroussky (c) Simon Fowler copie

Philippe Jaroussky

À sa guitare

El primer álbum conjunto del contratenor Philippe Jaroussky y el guitarrista Thibaut García, À sa guitare toma su nombre de una canción del compositor francés del siglo XX Francis Poulenc, pero el marco de referencia del álbum es extraordinariamente amplio, tanto cultural como estilísticamente. Sus 22 grabaciones abarcan 400 años y música de compositores de Francia, Gran Bretaña, Austria, Italia, España, Brasil, Argentina y Estados Unidos.

En el lado estrictamente clásico, entre los elementos más conocidos se encuentran el lamento de Dido «When I am laid in earth», el espeluznante «Erlkönig» de Schubert y la brillante aria de Rossini «Di tanti palpiti». Más cercanos a nuestra época existen temas como ‘Alfonsina y el mar’ del argentino Ariel Ramírez (celebrado por su folclórica Misa Criolla), el melancólico ‘Septembre’ de la legendaria chansonnière parisina Barbara.

Philippe Jaroussky y Thibaut García se conocieron en 2019 en Victoires de la Musique, el equivalente francés de los Grammy. 2019 también fue el año que trajo el lanzamiento de Jaroussky Passion, un álbum triple que celebra el 20 aniversario del debut profesional del contratenor. Si bien la mayor parte del material se extrajo del importante catálogo Erato de Jaroussky, la colección también ofreció algunas nuevas grabaciones. García hizo una aparición especial en dos de ellos: «Flow my tear» de John Dowland (de principios del siglo XVII) y «Les Feuilles mortes» de Joseph Kosma (de 1946). Su álbum debut, Leyendas, había sido lanzado por Erato en 2016. Más recientemente (otoño de 2020) publicó un álbum de obras para guitarra y orquesta, Aranjuez.

Jaroussky explica que, “Habiendo hecho discos con orquesta o piano, mi idea con À sa guitare era encontrar algunos colores en mi voz diferentes a los que uso en, digamos, la música barroca. También estaba la idea de un álbum que mezclara varios estilos”. Thibaut García retoma el hilo: “La guitarra tiene una imagen tanto de instrumento clásico como de instrumento pop, así que tiene un poco de doble vida. En un álbum como este podemos evocar colores enormemente diferentes mientras hacemos malabarismos entre la música renacentista y una canción de Barbara «.

Presentación CNDM

La Directora General del INAEM, Amaya de Miguel y el Director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, han presentado esta mañana en rueda de prensa la Temporada 21/22 de la institución. El CNDM, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) renueva en su duodécima temporada su compromiso con sus valores fundacionales de recuperación y difusión del valioso patrimonio musical histórico español, el fomento de la creación contemporánea, la atención a repertorios menos habituales o de tradición popular, como el flamenco o el jazz, y el desarrollo de nuevos públicos a través de numerosas actividades educativas. Asimismo, el CNDM seguirá cumpliendo otra de sus misiones fundamentales: dotar de una programación propia al Auditorio Nacional de Música con un contenido que sea el mejor escaparate de las tendencias del panorama musical tanto español como internacional. Todo ello manteniendo un alto nivel de calidad y una oferta amplia y diversa, sin parangón en ninguna otra institución musical de nuestro país.

– La duodécima temporada del CNDM constará de 274 actividades diferentes en Madrid y otras 28 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, además de estar en 8 ciudades extranjeras (un total de 37 ciudades distintas). De los 216 conciertos previstos, 107 se ofrecerán en Madrid y 109 fuera de la capital española.

– La presencia internacional se traduce en 12 conciertos en las siguientes ciudades: Basilea (Suiza), Elvas (Portugal), Potsdam (Alemania), la ciudad-emirato de Dubái y las italianas Milán, Roma, Nápoles y Palermo.

– Se mantienen las figuras de Compositor Residente, con el compositor Mauricio Sotelo (Madrid, 1961), mientras que la violinista Lina Tur Bonet ostentará una “doble residencia”: por un lado como Artista Residente, mientras que la formación por ella fundada, Musica Alchemica, será Grupo Residente.

– El CNDM propone en esta temporada tres ciclos transversales que recorren toda la programación: #AlfonsoX.800 conmemora los ochos siglos del nacimiento de Alfonso X el Sabio. Con #RodríguezdeHita.300 el CNDM reivindica a Antonio Rodríguez de Hita, compositor español de música sacra y teatral. Finalmente, el clavecinista y organista Benjamin Alard ofrecerá los 3 conciertos que completan el #ProyectoClavierÜbung, el ciclo de 6 conciertos iniciado en la pasada temporada en torno a la literatura para teclado publicada en vida de Johann Sebastian Bach.

Asistiremos al estreno absoluto de 48 nuevas partituras, 22 de ellas por encargo del CNDM, de las cuales más de la mitad serán creadas por compositoras. Se recuperarán 54 composiciones del patrimonio musical español que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada. Entre éstas destacamos La Nitetti, ópera de Niccolò Conforto -compositor napolitano instalado en la corte madrileña-, estrenada originalmente en 1756.

– En esta nueva temporada disfrutaremos de un plantel de artistas imprescindibles de diversos géneros como Philippe Jaroussky, uno de los contratenores más célebres del mundo; el maestro René Jacobs al frente de la Freiburger Barockorchester ofreciendo un título especial y poco frecuentado de Antonio Caldara (Maddalena ai piedi di Cristo); William Christie, nombre indiscutible de la música antigua europea al frente de Les Arts Florissants; Jordi Savall, célebre director, musicólogo y violagambista y uno de nuestros músicos más prolíficos y prestigiosos; la arrolladora y virtuosa del violín Janine Jansen; conjuntos de alto nivel, como la Akademie für Alte Musik Berlin (Akamus) o el magnífico Cuarteto Emerson.

Nos visitará también la legendaria pianista argentina Martha Argerich, que en esta temporada celebra su 80 aniversario; Elisabeth Leonskaja junto al Cuarteto de cuerda de la Staatskapelle Berlin, en dos conciertos; la fusión del Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ébène, todo un “dream team” al que escucharemos en formato “octeto”, o el reputadísimo Klangforum Wien, uno de los conjuntos internacionales más requeridos. – En el Ciclo de Lied disfrutaremos, entre otras, de voces como la de la soprano Eva-Maria Westbroek, por primera vez en el programa, o la del barítono Christian Gerhaher. También escucharemos a figuras de otros géneros como a Camané, el simpar príncipe del fado, al cantaor Arcángel, a la gran Mayte Martín en el campo del flamenco, junto a muchas otras estrellas del género; a la versátil Anne Sofie Von Otter en un elegante proyecto junto al cuarteto Brooklyn Rider, al pianista minimal Joep Beving; a Dianne Reeves, indudable reina del jazz vocal junto a otras grandes artistas del género, como la polifacética Madeleine Peyroux (firmante del celebérrimo Careless Love), o Andrea Motis, uno de nuestros nombres más internacionales. Destacamos también propuestas heterodoxas como las del inquieto Rodrigo Cuevas o la del inclasificable Niño de Elche, entre muchas otras.

– La educación tendrá de nuevo un papel relevante, con 58 actividades, casi todas gratuitas, en 13 ciudades españolas. Celebraremos también una nueva edición del Proyecto Pedagógico “Todos creamos”, en el que participarán sendos centros educativos de primaria y secundaria de la Comunidad de Madrid. El tema de esta nueva edición será “Entre las redes”.

– El CNDM colaborará en la temporada 21/22 con 153 instituciones públicas y entidades privadas e incorporará nuevas alianzas, como la iniciada con el Palau de Les Arts de Valencia, donde se estrenará un nuevo ciclo de música barroca: Les Arts és Barroc.
– La institución ha mantenido su compromiso de reprogramar aquellos conciertos y ciclos afectados por la emergencia sanitaria declarada en 2020. Así, tras reubicar en la pasada temporada 64 conciertos, en la 21/22 el CNDM ha incluido la práctica totalidad de los conciertos que no pudieron reprogramarse en la anterior temporada.

– Cabe destacar que más del 50% de los encargos de composición realizados por el CNDM lo son a mujeres, un dato que muestra el esfuerzo de la institución por reflejar el creciente reconocimiento que corresponde a las mujeres en el mundo cultural y creativo. De igual manera, debemos subrayar la notable presencia de los artistas españoles en la programación del CNDM.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), propone para su duodécima temporada un amplio programa que mantiene su misión de recuperación y difusión de nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, así como el apoyo a la creación actual y el desarrollo de nuevos públicos a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

Una de las misiones fundamentales del CNDM es dotar de una programación propia al Auditorio Nacional de Música con un contenido que sea el mejor escaparate de las tendencias del panorama musical tanto español como internacional. Además de esta presencia imprescindible en el Auditorio Nacional, el CNDM está presente en el Teatro de la Zarzuela con el ciclo de Lied y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), donde se celebra el ciclo de música de hoy Series 20/21, erigido como uno de los más importantes de Europa en su género.

A lo largo de estos doce años el CNDM se ha convertido en el proyecto musical más completo y ambicioso de nuestro país, un centro creativo y educativo, dinámico y descentralizado, capaz de vertebrar e integrar sus propuestas artísticas abarcando toda la geografía española, así como numerosos países extranjeros.

La temporada 2021/2022 está conformada por un total de 274 actividades que tendrán lugar desde el 16 de septiembre de 2021 y hasta el 18 de julio de 2022. El programa se desarrollará en Madrid y en otras 28 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, a las que hay que añadir 8 ciudades extranjeras con 12 conciertos repartidos por Basilea (Suiza), Elvas (Portugal), Potsdam (Alemania), la ciudad-emirato de Dubái y las italianas Milán, Roma, Nápoles y Palermo, hasta alcanzar un total de 37 ciudades distintas, con una gran oferta de conciertos, sesiones educativas, cursos de interpretación, clases magistrales y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En total, se producirán 216 conciertos, con música del siglo XII al XXI, de los cuales 109 se ofrecerán fuera de la capital española.

Los conciertos organizados en Madrid se reparten, de nuevo, en 9 ciclos desarrollados en sus tres espacios habituales: el Auditorio Nacional de Música, en el que se celebran Universo Barroco (Sala Sinfónica y Sala de Cámara), Liceo de Cámara XXI, Fronteras, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio y Bach Vermut; el Teatro de La Zarzuela, en el que se desarrolla el Ciclo de Lied, y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), que alberga Series 20/21. A todo lo mencionado hay que añadir la décima edición del proyecto pedagógico y social “Todos creamos”, que estará dedicado en esta ocasión al tema “Entre las redes”.

En la próxima temporada el CNDM mantiene sus colaboraciones con más de 150 instituciones públicas y entidades privadas. Así, volverá a coproducir el ciclo Músicas Históricas de León –en su XIX edición, junto al Auditorio Ciudad de León y el Ayuntamiento de la ciudad-, los ciclos de música actual de Badajoz, Malpartida de Cáceres (Museo Vostell Malpartida) y Segovia; los ciclos barrocos de Oviedo y Salamanca, al que hay que añadir un nuevo ciclo dedicado a esta música en el Palau de Les Arts de Valencia, además de los conciertos coproducidos por los cabildos catedralicios e incluidos dentro de la serie El Órgano en las Catedrales. En Barcelona, en coproducción con el Palau de la Música Catalana y la Asociación Franz Schubert se celebrará la Schubertíada, así como el vanguardista ciclo Sámpler Series en L’Auditori. Prosiguen las coproducciones estables con los festivales internacionales de música de Cádiz, Sevilla, Úbeda-Baeza y Granada. En esta nueva temporada el CNDM volverá a estar presente en Alicante, en concreto en el Auditorio de la Diputación, y a coproducir el pujante festival de Música Antigua de Betanzos.

El CNDM continuará su actividad en el campo del jazz insistiendo en su compromiso de contribuir al desarrollo de un circuito nacional estable para este género en el que se ponga en valor a sus principales intérpretes. Así, tras la primera y exitosa primera edición de Oviedo Jazz -un festival “recuperado” y realizado en coproducción con la Fundación Municipal del Ayuntamiento de la capital asturiana que colocó en su pasada edición el cartel de “no hay billetes” en todos sus conciertos-, el CNDM volverá a coproducir Salamanca Jazz, junto a la Universidad de Salamanca. De igual manera, la institución volverá a colaborar con Jazz Madrid.

El programa internacional repite la colaboración por séptimo año con la localidad portuguesa de Elvas. Asimismo, el CNDM vuelve a colaborar con el Proyecto Europa junto al Instituto Cervantes para coproducir 4 conciertos de Lina Tur Bonet y su conjunto Musica Alchemica en otras tantas ciudades italianas: Milán, Roma, Nápoles y Palermo. Asimismo, estará presente en el Festival de Potsdam Sanssouci, con la presencia de algunos de algunos de nuestros mejores intérpretes, como el Euskal Barrokensemble, la soprano Lucía Caihuela junto a L’Apothéose, la mezzosoprano Maite Beaumont y Al Ayre español o la Orquesta Barroca de Sevilla. El CNDM estará también presente en Basilea -con el Compositor Residente, Mauricio Sotelo– y en la Expo 2020 de Dubái con “Rediscovering Spain”, el célebre proyecto de Fahmi Alqhai y la cantante Rocío Márquez al que se sumará en esta ocasión la guitarra flamenca de Dani Morón y el baile de la nueva estrella del flamenco, Patricia Guerrero.

En el apartado de las residencias del CNDM, en esta entrega el Compositor Residente será Mauricio Sotelo (Madrid, 1961), uno de nuestros nombres más universales, un creador único, forjador de un universo personal, en feliz equilibrio entre los lenguajes más vanguardistas y las texturas más tradicionales, en especial la de la expresión flamenca. En esta nueva temporada podremos conocer más de cerca el potente universo sonoro de este artista imprescindible, del cual escucharemos un gran número de obras, entre ellas 4 estrenos absolutos. En el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía el público podrá disfrutar de una selección de sus obras, incluidos varios estrenos absolutos, encargos del CNDM.

En esta línea de apuesta por representar a nuestros artistas y valores más internacionales contamos con la “doble residencia”, que ostentará Lina Tur Bonet, por una parte como Artista Residente y, por otra, con su formación Musica Alchemica como Grupo Residente. Lina es versatilidad, creatividad y explosión de belleza y colores al violín. Las propuestas musicales de Lina Tur Bonet y de Musica Alchemica estará presente a lo largo de toda la temporada, transportándonos a diferentes universos creativos: del stylus phantasticus a las creaciones de Vivaldi y Corelli, acercándose también a Johann Sebastian Bach y desembocando en repertorio de nuestros días, con autores como György Kurtág, Kaija Saariaho o nuestros Mauricio Sotelo y Josep Maria Guix, en ambos casos con estrenos.

La programación 21/22 del CNDM propone esta temporada tres ciclos transversales. En #AlfonsoX.800 conmemoramos los ochos siglos del nacimiento del rey sabio, profundizando en las sublimes Cantigas. A lo largo de toda la temporada, varios conjuntos españoles ofrecerán por toda la geografía peninsular conciertos que celebran la efeméride. Con #RodríguezdeHita.300 el CNDM reivindica y recupera, a los 300 años de su nacimiento, la música de Antonio Rodríguez de Hita, compositor español de música sacra y teatral, considerado como uno de los iniciadores de la zarzuela costumbrista. Finalmente, el clavecinista y organista Benjamin Alard ofrecerá los tres conciertos que completan el #ProyectoClavierÜbung, el histórico ciclo de seis conciertos iniciado en la pasada temporada dando vida a algunas de las mejores páginas de Johann Sebastian Bach.

En esta temporada el CNDM profundiza nuevamente en la recuperación de nuestro valioso patrimonio musical histórico con 54 estrenos en tiempos modernos. De igual modo, se mantiene la tradicional cita con nuestro repertorio lírico menos conocido con hitos como la recuperación histórica y estreno en tiempos modernos de La Nitetti, ópera del siglo XVIII de Niccolò Conforto, compositor napolitano instalado en la corte madrileña, con libreto de Pietro Metastasio. Esta obra se estrenó en 1756 en el Teatro del Buen Retiro de Madrid como regalo de cumpleaños de María Bárbara a su esposo, el rey Fernando VI. Ofrecerá esta ópera en versión concierto el conjunto Nereydas, bajo la dirección de Javier Ulises Illán y protagonizada por un elenco de magníficas voces nacionales como María Espada, Núria Rial, y Lucía Caihuela. Verán además su estreno en tiempos modernos obras de Antonio Rodríguez de Hita, Francisco Corselli y José de Nebra, entre otros, interpretadas por los mejores grupos e intérpretes españoles.

En el campo lírico asistiremos a otros hitos importantes: Radamisto de Haendel con Il Pomo d’Oro y el gran Philippe Jaroussky junto a un elenco de grandes voces; el Orfeo de Monteverdi interpretado por el tenor Ian Bostridge junto a la Europa Galante de Fabio Biondi; el Amadigi di Gaula de Haendel con Xavier Sabata y Núria Rial; los siempre bienvenidos Les Arts Florissants, que nos traerán un oratorio haendeliano: L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato. Destacamos también la sublime Misa en mi menor de Johann Sebastian Bach, por el Balthasar Neumann Ensemble und Chor, dirigido por Thomas Hengelbrock y Maddalena ai piedi di Cristo, oratorio poco conocido de Antonio Caldara que resonará bajo la batuta de René Jacobs.

El CNDM mantiene su política de apoyo a la creación contemporánea, con 48 estrenos absolutos, 22 de los cuales son encargos del CNDM a autores de reconocida trayectoria y jóvenes promesas, más de la mitad, compositoras, cuyas obras verán la luz tanto en los escenarios madrileños como en circuitos nacionales, interpretadas por formaciones y músicos españoles y extranjeros de primera fila.

Series 20/21 consta de 16 conciertos, arrancando el primero de ellos con la soprano finlandesa Anu Komsi junto con su marido, el violinista y director de orquesta Sakari Oramo, interpretando los Kafka fragments de Gyorgy Kurtag; seguirá el ensemble LUX:NM, con un estreno absoluto encargo del CNDM de una obra de Carolina Cerezo Dávila. Tras una nueva edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM, asistiremos al concierto “a tres” del violonchelista Jean-Guihen Queyras, el clarinetista Mark Simpson y el pianista Pierre Laurent-Aimard.

El compositor residente del CNDM, Mauricio Sotelo, es el protagonista de muchos de los conciertos del ciclo, el primero de ellos a cargo de la Orquesta de Cámara Musica Vitae, con el estreno absoluto de los arreglos del compositor a las sonatas de Scarlatti y los Preludios nº 4 y nº 8 pertenecientes al op. 28 de Chopin, junto con la pieza Escultura de roja luz interna. Posteriormente, el Auditorio 400 del MNCARS volverá a presentar A mitad del camino de la vida, encargo del CNDM a Mauricio Sotelo y estrenado con gran éxito este año 2021.

Este trabajo –una peculiar mirada musical a la obra magna de Dante Alighieri- contará de nuevo con el cantaor Arcángel, el contrabajista Pablo Martín Caminero, el pianista Juan Carlos Garvayo y el percusionista Agustín Diassera. Tras la actuación del Trío Isimsiz, que ofrecerá un estreno absoluto de Francisco Coll, el célebre conjunto Klangforum Wien, dirigido por Mauricio Sotelo, desvelará el estreno de una pieza de este último, también encargo del CNDM.

El recorrido de Series 20/21 por la música contemporánea proseguirá con St. Lawrence String Quartet, que interpretará diversos estrenos de Juan José Colomer, Osvaldo Golijov y Jessica Meyer. Será después el turno para el pianista Juan Carlos Garvayo, -solista y miembro del reputado Trío Arbós- que abundará en la música de nuestro compositor residente. El programa continuará con los conciertos de la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y con un recital de violín de nuestra insigne artista residente, Lina Tur Bonet, en el que abordará un variado programa con obras de autores del siglo XVII y contemporáneos, incluyendo estrenos absolutos de sendas obras de Mauricio Sotelo y Josep Maria Guix.

El ciclo proseguirá con Plural Ensemble –junto con el clarinetista Jörg Widmann-, dirigido por Fabián Panisello, y el siempre deslumbrante Cuarteto Diotima, con un concierto centrado en los “cuartetos” de Mauricio Sotelo. Series 20/21 culminará su periplo con el Grup Instrumental de Valencia, que interpretará el concierto en coproducción con la Casa de Velázquez, y con el Ensemble Sonido Extremo, colectivo que clausurará esta temporada el ciclo que el CNDM dedica a la música de hoy.

Universo Barroco Sinfónico constará de diez conciertos, dos de ellos extraordinarios; en el primero, la Orquesta Barroca de Sevilla, dirigida por el especialista Giovanni Antonini, ofrecerá la Integral de las Suites para Orquesta de Johann Sebastian Bach; el segundo, protagonizado por Musica Alchemica y Lina Tur Bonet, planteará un “diálogo” entre la música orquestal de Bach y la de Vivaldi. Indudable plato fuerte del ciclo en la temporada será el concierto de Il Pomo d’Oro dando vida a la ópera Radamisto de George Frideric Haendel, con un elenco de voces encabezado por el contratenor Philippe Jaroussky.

A continuación, Jordi Savall propondrá un concierto dedicado a las Cantigas de Alfonso X, en una sesión inscrita dentro del “transversal” del CNDM dedicado al rey sabio; el músico catalán fue precisamente el firmante de una de las grabaciones de referencia dedicadas a este corpus esencial. A continuación, el reconocido bachiano Thomas Hengelbrock, al frente de los dos grupos que fundara en 1991 y 1995 –el Balthasar-Neumann-Chor & Solisten y el Balthasar-Neumann Ensemble– interpretará una monumental obra de arte: la Misa en si menor de Johann Sebastian Bach. Otro nombre imprescindible y asiduo a los ciclos barrocos del CNDM es el de Fabio Biondi, que junto a su Europa Galante y el Coro de Cámara del Palau de la Música Catalana hará sonar L’Orfeo de Monteverdi, acompañado por un elenco encabezado por el tenor Ian Bostridge.

El festín proseguirá con Vespres d’Arnadí, dirigida por Dani Espasa, que brindará el haendeliano Amadigi di Gaula junto a un elenco de grandes voces encabezadas por el contratenor Xavier Sabata y la soprano Núria Rial. Les Arts Florissants, en esta ocasión con William Christie al frente, vuelven al ciclo con L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato, uno de los más originales oratorios de Haendel. Llegamos a la recta final del ciclo con René Jacobs y la Freiburger Barockorchester que interpretarán el oratorio Maddalena ai piedi di Cristo de Antonio Caldara, obra convertida en pieza de culto por el músico belga.

El ciclo sinfónico del CNDM se cerrará con un gran acontecimiento: la recuperación histórica y estreno en tiempos modernos de La Nitteti, ópera representada por primera vez en el Teatro del Buen Retiro en 1756 como regalo de cumpleaños de María Bárbara a su esposo, el rey Fernando VI. El libreto era de Metastasio y la música de Niccolò Conforto, un compositor napolitano que acababa de llegar a la corte madrileña. Firman este “rescate” el conjunto Nereydas, dirigido por Javier Ulises Illán, que dirige a un elenco de voces solistas entre las que podemos nombrar al tenor Zachary Wilder y a las sopranos María Espada, Ana Quintans, Núria Rial y Lucía Caihuela, entre otras.

Universo Barroco en la Sala de Cámara propone un largo e intenso programa compuesto por 17 conciertos. Abrirá fuego la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca dirigida por Alfredo Bernardini que, bajo el genérico “1685. El año de los gigantes”, ofrecerá obras de Domenico Scarlatti, G.F. Haendel y J.S. Bach, tres músicos nacidos en dicho año. Los “residentes” Lina Tur Bonet y su Musica Alchemica presentarán una buena muestra de las mejores creaciones enmarcadas en el stylus phantasticus del siglo XVII.

Asistiremos después a un concierto de Nevermind, joven agrupación que ha deslumbrado con su buen hacer y que nos acercarán a los cuartetos para flauta, viola y bajo de Carl Philipp Emanuel Bach, junto a tres contrapuntos de El arte de la fuga de “Bach padre”. Stile Antico, insignes representantes de la cantera de grupos polifónicos ingleses homenajeará a Josquin Desprez en el quinto centenario de su muerte.

Por su parte, el conjunto La Galanía de Raquel Andueza cumple diez años y, para conmemorarlo, recorrerán algunos de sus “grandes éxitos” tras consultar a sus seguidores a través de las redes sociales; el resultado: obras de Claudio Monteverdi, Antonio Cesti, Benedetto Ferrari y Tarquinio Merula. La Grande Chapelle de Albert Recasens realizará un concierto inscrito en el transversal #RodriguezdeHita.300, en el que se rescata la obra de Antonio Rodríguez de Hita, músico madrileño, importante referencia del teatro musical en el tercer tercio del siglo XVIII y maestro del repertorio sacro; en este concierto se estrenarán en tiempos modernos diversos salmos, responsorios y antífonas a ocho voces firmadas por el compositor. La siempre brillante Akademie Für Alte Musik Berlin, “Akamus”, celebrará un concierto en torno a Claudio Monteverdi y el nacimiento de la música instrumental. Les Arts Florissants, con Paul Agnew al frente, retomarán su “integral” de los madrigales a cinco voces de Gesualdo.

Benjamin Alard, uno de los grandes bachianos de hoy, proseguirá su periplo a través del #ProyectoClavierÜbung en el cuarto concierto de este histórico ciclo transversal del CNDM que ocupa dos temporadas. Concerto 1700 de Daniel Pinteño unirá fuerzas con el contratenor Carlos Mena y la soprano Jone Martínez para afrontar un programa de recuperación histórica de trabajos de tres importantes compositores del Barroco hispano: Antonio de Literes, Francisco Corselli y el menos conocido Antonio Corvi Moroti. Volverá después Benjamin Alard para abordar las legendarias Variaciones Goldberg, en una nueva aparición en el ciclo.

El programa proseguirá con La Ritirata, el conjunto dirigido por Josetxu Obregón que, junto a un grupo de cuatro extraordinarios clavecinistas –Pierre Hantaï, Daniel Oyarzabal, Ignacio Prego y Diego Ares– ofrecerá los conciertos para dos, tres y cuatro claves de Johann Sebastian Bach. Musica Boscareccia, el conjunto fundado por la soprano Alicia Amo y el violinista Andoni Mercero, vuelven sobre Francisco Corselli en un concierto en el que dos de sus obras verán su estreno en tiempos modernos. Bach vuelve de la mano de Kristian Bezuidenhout, una de las grandes figuras de los teclados de época, sumergiéndose de lleno en varios trabajos del gigante alemán, especialmente en una de sus obras de juventud.

El conjunto Jupiter, fundado por el laudista Thomas Dunford y la mezzosoprano Lea Desandre pondrán el foco en dos de los mayores melodistas de la historia: los británicos John Dowland y Henry Purcell. Con el programa “A pleasure garden”, Forma Antiqva, encabezada por el clavecinista Aarón Zapico, nos llevará a una seductora simbiosis de música y jardinería, rememorando la refinada diversión que pudieron gozar los londinenses durante siglos en los jardines de Vauxhall, con obras de Haendel, entre muchos otros autores del XVII y XVIII. Como despedida del ciclo, Ottavio Dantone y su Accademia Bizantina propondrá, junto a la mezzosoprano francesa Delphine Galou, un programa de Barroco italiano.

Liceo de Cámara XXI, otro ciclo-icono del CNDM, estará conformado por 16 conciertos, dos de ellos extraordinarios; el primero de ellos se desarrollará en la Sala Sinfónica y estará protagonizado por la gran Martha Argerich, todo un acontecimiento para cualquier amante de la música en un recital en el que tendremos la oportunidad de aplaudir a esta legendaria virtuosa en su 80 aniversario. Junto al pianista Nelson Goerner dará forma a un recital en el que se homenajeará a dos influyentes compositores: Claude Debussy y Serguéi Rachmaninov.

El segundo concierto extraordinario será protagonizado por otra grande, Janine Jansen -por primera vez un ciclo del CNDM-, junto con el pianista Denis Kozhukhin, formando uno de los dúos más brillantes de la actualidad; ofrecerán diversas sonatas de Schubert, Brahms y Beethoven. Cuatro jóvenes solistas de impecable currículum, Hyeyoon Park (violín), Timothy Ridout (viola), Kian Soltani (violonchelo) y Benjamin Grosvenor (piano), se reunirán en el siguiente concierto de Liceo de Cámara para interpretar tres cuartetos para piano y cuerdas de Gustav Mahler, Richard Strauss y Robert Schumann.

A continuación visitará el ciclo el Cuarteto Quiroga, una agrupación asentada con firmeza entre las mejores de hoy, que nos propondrá la audición de dos obras de Haydn y una de Mozart. La residente Lina Tur Bonet unirá fuerzas con la pianista Alba Ventura para dar forma a un precioso repertorio dedicado en su mayor parte a nombres señeros de la música española (Enrique Granados, Joaquín Turina, Manuel de Falla, entre otros). Cuatro jóvenes músicos españoles, Aitor Hevia (violín), Lara Fernández (viola), Fernando Arias (violonchelo) y Noelia Rodiles (piano) demostrarán su virtuosismo con un programa compuesto por dos cuartetos de Mozart junto con dos obras de Schubert, en concreto su Trío de cuerda en si bemol y los Momentos musicales, considerados una de las cumbres de su obra pianística. Volverá después al Auditorio la gran pianista georgiana Elisabeth Leonskaja junto al Cuarteto de cuerda de la Staatskapelle de Berlín para protagonizar dos conciertos consecutivos en un doble programa dedicado íntegramente a Brahms. Dos de los más brillantes cuartetos del presente -el Belcea y el Ébène– unirán fuerzas para ofrecer un repertorio formado por dos obras señeras: el Octeto de Mendelssohn y el Octeto del rumano George Enescu.

En la siguiente cita del ciclo disfrutaremos de nuevo del Cuarteto Casals, una de nuestras formaciones más internacionales. Junto a otra figura de gran proyección global, el pianista Juan Pérez Floristán, abordarán una de las obras mayores de Antonín Dvorák: su Quinteto para piano y cuerdas nº 2 en la mayor. La siguiente cita del ciclo será todo un acontecimiento, ya que se estrenará el ciclo de canciones póstumo obra del recientemente desaparecido Cristóbal Halffter en un concierto para voz –con la maravillosa mezzosoprano Anna Lucia Richter– y cuarteto –el Cuarteto Schumann, al que se añadirán los arreglos, a cargo de Stefan Heucke, de cuatro canciones sobre lieder de Johannes Brahms, Robert Schumann y Clara Schumann.

En el siguiente concierto del ya legendario Cuarteto Emerson, escucharemos algunas de las cumbres del cuarteto de cuerda del siglo XIX firmadas por Schubert y Beethoven. Tabea Zimmermann (viola) y Javier Perianes (piano) recorrerán piezas que revelan mundos más o menos distantes representados por autores de distintos orígenes y estéticas: desde Pablo Casals hasta Dmitri Shostakóvich, pasando por Astor Piazzolla, Benjamin Britten y nuestro residente Mauricio Sotelo.

El barítono alemán Konstantin Krimmel y el cuarteto español Cosmos nos deleitarán con un programa poco convencional, en el que se convoca a Franz Schubert, a Maurice Ravel y al suizo Othmar Schoeck. La recta final de este exhaustivo festín camerístico estará protagonizada por el violonchelista Gautier Capuçon, quien propondrá tres muestras de la riqueza de la literatura para violonchelo solo con piezas de diferentes siglos firmadas por Johann Sebastian Bach, Henri Dutilleux y Zoltan Kodaly. El broche de oro para el ciclo lo pondrá el joven Azahar Ensemble junto al gran pianista Christian Zacharias dando forma al quinteto de Beethoven junto a obras de un autor a menudo olvidado, Anton Reicha.

Fronteras es el ciclo inquieto y heterogéneo del CNDM, un espacio privilegiado para descubrir músicas del pasado, del presente y hasta de un futuro cercano. El programa de la temporada está conformado por diez conciertos, uno de ellos extraordinario y protagonizado por el Philip Glass Ensemble, todo un mito de la música de nuestro tiempo cuya influencia ya ha dejado su huella en al menos tres generaciones de melómanos.

El viaje fronterizo del CNDM proseguirá con Rudolf Buchbinder y “Diabelli 2020”, que reúne en diálogo las famosas Variaciones Diabelli de Beethoven y once nuevos encargos, realizados por el CNDM y diversas instituciones y salas de concierto internacionales, a compositores de la talla de Tan Dun, Toshio Hosokawa, Max Richter, Rodion Shchedrin, Johannes Maria Staud o Jörg Widmann, entre otros, y que el pianista ha publicado recientemente con Deutsche Grammophon. Después conoceremos a Joep Beving, compositor neoclásico y pianista que nos introducirá en su peculiar microcosmos de belleza, reflexión y melancolía. Igualmente estimulante -entre el neoclasicismo, la electrónica y la vanguardia- resulta la propuesta del joven dúo polaco formado por la pianista y cantante Hania Rani y la violochelista Dobrawa Czocher. El sobrio y distinguido Camané, acompañado al piano por Mário Laginha oficiará el gran ritual de la cultura popular portuguesa y demostrará por qué le llaman el Príncipe del Fado.

Apasionante también el proyecto del inquieto violagambista Fahmi Alqhai junto a la bailaora y coreógrafa Patricia Guerrero, que nos transportará a la Sevilla del siglo XVII, imbuida de los ritmos y las danzas afrocaribeñas llegadas desde el Nuevo Mundo a través del puerto sevillano. Vuelve después a Fronteras el siempre heterodoxo Niño de Elche, un artista que excede cualquier etiqueta y clasificación, en esta ocasión presentando su nuevo proyecto La exclusión.

La aventura musical continuará con el esperadísimo concierto del islandés Víkingur Ólafsson –firmante de premiadísimos proyectos discográficos y una reputación de “nuevo genio del piano”- en el que escucharemos su nuevo proyecto discográfico sobre Mozart y sus contemporáneos. La ilustrísima mezzosoprano Anne Sofie von Otter ha triunfado en todas las mecas mundiales del canto, pero su don más preciado sigue siendo la versatilidad: lo demostrará una vez más en su recital madrileño, interpretando junto al cuarteto Brooklyn Rider piezas de Franz Schubert en diálogo con otras de contemporáneos como Rufus Wainwright y Osvaldo Golijov. Cerrará Fronteras el gran Rodrigo Cuevas, arqueólogo del folclore, performer, transgresor… con el derroche de ingenio e hiperactividad creativa de este artista singular despediremos esta entrega del ciclo más ecléctico del CNDM.

El CNDM y el Instituto Andaluz del Flamenco presentan en coproducción una nueva edición de Andalucía Flamenca, que volverá a dar cita en el Auditorio a los mejores representantes del apasionado y apasionante arte flamenco: el primer concierto correrá a cargo de dos leyendas vivas del cante del jerezano barrio de Santiago: Juana ‘La del Pipa’ y Luis ‘El Zambo’. Después llegará la onubense Argentina, con un recital en el que ofrecerá los temas de su sexto trabajo discográfico dedicado a la Navidad. Mayte Martín visitará el ciclo con “Memento”, una mirada atrás, una incitación al recuerdo musical y “al respeto religioso” que la cantaora profesa al flamenco. “Noche flamenca” es la propuesta de María Mezcle y Sandra Carrasco, que harán un recorrido por el cancionero flamenco popular “dibujado” desde estéticas y geografías diferentes: Sanlúcar y Huelva. El turno será después para el legendario José Cortés ‘Pansequito’, un veterano artista que lleva toda su vida recorriendo los escenarios más importantes del mundo. Cerrarán este programa de grandes voces y personalidades únicas María Toledo, artista con una profunda preparación como cantaora y pianista y el cantaor Manuel Lombo, intérprete de una obra repleta de aromas, matices y lírica en estado puro.

Vuelve también Jazz en el Auditorio, con una relevante representación del jazz nacional y un formidable plantel de artistas internacionales. Hasta cuatro conciertos extraordinarios en la Sala Sinfónica se han programado en esta temporada, protagonizados por tres grandes divas del jazz: Madeleine Peyroux, Dianne Reeves, y Cécile McLorin Salvant. El cuarto concierto extraordinario lo protagonizará nuestra querida Andrea Motis, uno de los más deslumbrantes talentos del jazz patrio.

En la Sala de Cámara nos esperan otras apasionantes propuestas, como el diálogo entre Enrico Rava (trompeta) y Fred Hersch (piano); el concierto de Enrico Pieranunzi junto a Eurostars Trio; Antonio Serrano Quartet con “Clazzical” junto a Albert Sanz (piano), Toño Miguel (contrabajo) y Stephen Keogh (batería); Artemis, banda formada íntegramente por mujeres de talento colosal, liderada por la pianista Renee Rosnes. La constelación de estrellas prosigue inagotable con Chano Domínguez, músico decisivo en la estética del jazz-flamenco, el contrabajista Christian McBride en formato quinteto junto a Inside Straight. Después tendrán lugar el concierto del pianista Joey Calderazzo a dúo con John Patitucci y el de los veteranos The Cookers. Cerrará este brillante recorrido Jazzmeia Horn, una cantante de voz poderosa y resonancias clásicas que se ha hecho imprescindible en el circuito mundial del género.

La nueva edición del exitoso Bach Vermut ofrecerá en Madrid ocho conciertos que reunirán a los organistas más prestigiosos de la actualidad. El ciclo -con su novedosa apuesta de conciertos de órgano retransmitidos por pantalla grande, acompañados de un aperitivo posterior amenizado por conjuntos de jazz-, se ha convertido ya en un fenómeno cultural, lúdico y social (si bien esta última faceta ha sido aplazada temporalmente por las medidas de seguridad derivadas de la situación sanitaria). A estos recitales hay que añadir otros ocho conciertos enmarcados en “El órgano en las catedrales”, que se desarrollará en Murcia, Bilbao, Burgos, León, Barcelona, Pamplona, Málaga y Las Palmas.

Este “ciclo catedralicio” del CNDM fue creado con la vocación de hacer llegar la música de órgano a un gran número de ciudades españolas a través de una serie de conciertos que reúnen a los mejores instrumentistas nacionales e internacionales. Además, el programa pone en valor los magníficos instrumentos de nuestras catedrales, manteniendo vivo este patrimonio no solo desde el punto de vista musical sino también histórico. Escucharemos entre ambos ciclos a grandes del órgano como Jean-Baptiste Robin, Gunnar Idenstam, Alberto Sáez Puente junto al Coro Infantil de la Sociedad Coral de Bilbao, Pablo Márquez, Benjamin Alard, Herman Jordaan, Óscar Candendo junto a la Coral de Cámara de Navarra, Christian Schmitt, Aarón Ribas, Pieter Van Dijk, Joan Seguí, Ángel Montero y Mar Vaqué.

El Ciclo de Lied, en su vigesimoséptima edición en el Teatro de La Zarzuela, reunirá un año más a algunas de las mejores voces del género en diez conciertos, en los que podremos escuchar a Ekaterina Semenchuk, Marlis Petersen, Eva-Maria Westbroek (en su presentación en el ciclo de Lied), Matthias Goerne, Josep-Ramon Olivé, Katharina Konradi (estos dos últimos debutando también en el ciclo), Andrè Schuen, Mark Padmore y Christian Gerhaher en dos conciertos, el primero de ellos junto a Julia Kleiter (en su debut en el ciclo), y el segundo acompañado por Anna Lucia Richter.

El CNDM mantiene su determinación por incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos con 58 actividades, casi todas gratuitas, en 13 ciudades españolas, en coproducción con 15 instituciones académicas: siete universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca, Complutense de Madrid, Granada, Cádiz y CEU), seis Conservatorios de Música españoles (Alicante, Badajoz, Don Benito, Mérida, Madrid y Oviedo), y dos centros educativos de primaria y secundaria de la Comunidad de Madrid (que participarán en la undécima edición del Proyecto Pedagógico «Todos creamos», coordinado por el pedagogo Fernando Palacios y dedicado este año a «Entre las redes”, un proyecto en el que los jóvenes estudiantes analizarán y trabajarán en torno a la actual realidad de nuestro mundo “interconectado”).

En la Universidad de Salamanca tendrá lugar el ya tradicional Curso de Canto Histórico impartido por Carlos Mena así como el Curso de Cuerda Barroca impartido por Pedro Gandía, Andoni Mercero e Itziar Atutxa. Y en el Auditorio Ciudad de León se celebrará el X Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director, clavecinista y musicólogo Eduardo López Banzo.

También se mantienen los descuentos para jóvenes menores de 30 años, con diversas ofertas e importantes ventajas en la adquisición de entradas, sobre todo a través del programa Último Minuto (que como novedad ofrece el precio de 2 euros para localidades adquiridas desde una hora antes del inicio de los conciertos) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes que participan activamente en los cursos y ciclos coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Se beneficiarán de un descuento del 50% los mayores de 65 años, los menores de 30, los desempleados, las familias numerosas y las personas con una discapacidad mínima del 33%. Los grupos de más de 20 personas podrán acogerse a un descuento del 20%.

Al igual que en la pasada temporada, en la 21/22 la venta de entradas se realizará en dos fases. Para la “pretemporada”, que comprende los conciertos programados en Madrid entre los meses de octubre y diciembre, solo habrá entradas sueltas y se podrán adquirir a partir del 25 de junio. La “temporada”, que comprenderá los conciertos programados en la capital entre los meses de enero y junio dispondrá de abonos y localidades sueltas si las condiciones lo permiten. La adquisición de dichas localidades se podrá realizar a partir de otoño y se informará más adelante de todos los detalles, en función de las medidas que dictamine la Comunidad de Madrid.

Las entradas de la pretemporada de los ciclos programados en el Auditorio Nacional de Música se pueden comprar a partir del 25 de junio en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, en las taquillas de la red de teatros del INAEM, en www.entradasinaem.es y en el servicio telefónico 91 193 93 21. Las entradas para el Ciclo de Lied del CNDM en el Teatro de la Zarzuela están disponibles desde el 21 de junio.

Las entradas para todos los conciertos programados en otoño en la Sala Sinfónica tendrán un coste entre 5 y 60 euros y los programados en la Sala de Cámara entre 10 y 40 euros. El XXVII Ciclo de Lied del Teatro de La Zarzuela mantiene sus localidades de 4 a 35 euros, y Series 20/21 programado en el Museo Reina Sofía mantendrá el acceso libre hasta completar el aforo permitido de la sala.

Rocas es el nombre de la serie de imágenes que componen la nueva temporada del CNDM y son obra de la fotógrafa vasca Isabel Díez. Las imágenes, todas ellas fotografías de superficies rocosas han sido elegidas no solo por su plasticidad y “ritmo” visual sino también por trasladar la idea de solidez del proyecto del CNDM, un proyecto que incluso en las circunstancias más difíciles y desafiantes se ha mantenido, alcanzando altos niveles de actividad y afluencia de público, reafirmando su compromiso con la excelencia musical, con la sociedad y con el sector de la música española.

Fotografía (c) Elvira Megías

Philippe Jaroussky

El Teatro Real había anunciado un recital en el que el protagonista absoluto iba a ser el contratenor francés Philippe Jaroussky. En dos sesiones, una a las 19:00 y otra a las 21:30 horas (hay que echarle imaginación para sortear las restricciones de aforo causadas por el covid-19). Pero lo que nos encontramos fue todo un concierto barroco, un tanto peculiar, pero todo un concierto. Eso si, el protagonismo de Jaroussky fue compartido por la alta calidad del resto de intérpretes y orquesta.

Doce obras de Vivaldi, entre arias y fragmentos de óperas, se repartieron entre los cuatro intérpretes. Tres para cada uno que, de manera un tanto mecánica, salían a escena uno tras otro. Supongo que como consecuencia del apremio de las dos sesiones, por lo que hay que valorar el esfuerdo de Teatro e intérpretes,

A pesar de estas situaciones poco habituales, producto del tiempo que vivimos, el resultado artístico y musical estuvo a un muy alto nivel. Comenzó con el aria de La fida ninfa “Non tempesta che gl´alberi sfronda”, interpretado por el tenor alemán, de origen chileno, Emiliano González Toro. El volumen y la coloratura no suelen ser compatibles y, en el caso de González Toro, el primero es sacrificado, claramente, en beneficio de la segunda, al menos en esta primera obra, porque en sus dos intervenciones posteriores sorprendió con una voz luminosa y bien timbrada, una línea de canto elegante y limpia que supo lucir sobre todo en la última de sus arias, la delicada “Tu vorresti col tuo pianto”, de Griseelda, donde demostró una exquisita expresividad.

La pirotecnia vocal estuvo reservada para la soprano húngara Emóke Baráth. Realizó gran despliegue de coloratura en sus dos primeras arias, “Armatae face et anguibus”, de Juditha Triumphans y “Alma oppressa da sorte crudele”, de La fida ninfa. Pero fue también en la dramática “Vede orgogliosa l´onda”, de Griselda, donde expuso una delicadeza vocal muy bien modulada.

La contralto Lucile Richardot tiene un hermoso y original timbre. Posee una buena amplitud vocal que demostró en los giros hacia el registro grave, desde unos potentes y afilados agudos. Se lució tanto en la coloratura como en los momentos más dramáticos y delicados. Toda una sorpresa desde su primera intervención con “Sovente il sole”, de Andromeda Liberata o la segunda “Frema pur”, de Ottone in villa.

El más conocido y esperado era, sin duda, Philippe Jaroussky. Como siempre, el contratenor francés ofreció en sus tres interpretaciones la expresividad matizada y la delicadeza que son su seña de identidad. Comenzó con la pieza más conocida “Vedró con mio diletto” de Il giustino, después “Gelido in ogni vena”, de Il farnace y terminó su breve intervención con “Se in ogni guardo”, de Orlando fintto pazzo.

Como regalo final, los cuatro intérpretes ofrecieron un bis en conjunto, “De’ll aura al susurrar” de La fida ninfa, una especie de adaptación que Vivaldi realizó de su Primavera.

Le Concert de la Loge, grupo no muy conocida en España, sorprendió gratamente de la mano de su director y violín Julien Chauvin, que dirigió con gran dinamismo y acento barroco a unos músicos de una calidad extraordinaria.

Fotografía: Javier del Real

PhilippeJaroussky

La cita tendrá lugar el próximo 5 de octubre, como estaba previsto, en sesión doble a las 19.00 y a las 21.30 horas

Los abonados del ciclo Grandes Voces y los compradores con entrada para este concierto serán reubicados según las directrices del protocolo sanitario y en un nuevo horario

Bajo el título¡ Viva Vivaldi ! se ofrecerá un programa compuesto por arias y extractos de óperas del compositor veneciano

Jaroussky estará acompañado por la soprano Emóke Baráth, la contralto Lucile Richardot y el tenor Emiliano González Toro, junto a Le Concert de la Loge con dirección musical del violinista Julien Chauvin

El vínculo de Philippe Jaroussky con el Teatro Real siempre ha estado relacionado con el éxito artístico y con el enorme cariño que el público de Madrid le profesa desde su debut en este escenario en el año 2000 con Celos aun del aire matan, de Juan Hidalgo. Su rápida y brillante carrera, que le ha situado entre los mejores contratenores del mundo, señala al coliseo madrileño como testigo de grandes noches de lírica.

Por esta razón, y ante la actual situación provocada por el COVID-19, el artista francés y el Teatro Real han decidido ofrecer el concierto previsto para el próximo 5 de octubre, en una sesión doble, a las 19.00 y a las 21.30 horas, que permita reubicar al público con entrada para esta cita en las mejores condiciones de seguridad sanitaria.

Jaroussky se presentará en esta cita con una selección de arias y extractos de ópera de su compositor fetiche, Antonio Vivaldi, acompañado por la formación barroca Le Concert de la Loge, dirigida por el violinista Julien Chauvin. Junto a ellos participarán la soprano Emóke Baráth, la contralto Lucile Richardot y el tenor Emiliano González Toro.

El título del concierto lo dice todo, ¡Viva Vivaldi!. Las obras del compositor veneciano son el lugar en el que la voz de Jaroussky mejor exhibe su virtuosismo y sensibilidad dotando cada fragmento de una irrenunciable belleza. El timbre inconfundible de su voz se ensamblará, en algunos momentos del programa a las de Emóke Barát y Emiliano González Toro para interpretar el trío de La veritá in cimento, “Aura placide et serene” o compartirá las apasionadas notas de Il Giustino con Emiliano para contraponer la intensidad dramática y melódica de esta ópera que contiene algunas de las arias más redondas del compositor como “Vedrò con il mio diletto” e “Il piacer della vendetta”.

El Teatro Real se pondrá en contacto con todos los abonados del ciclo Grandes y Voces y con los compradores con entrada para este concierto para comunicarles el cambio de hora y la reubicación en nuevos lugares, con el fin de garantizar la distancia de seguridad sanitaria que permita disfrutar de una inolvidable velada.

Teatro Real

Cecilia Bartoli

Decca Classics publica una asombrosa compilación de arias de Cecilia Bartoli el 27 de noviembre de 2020, ‘La Reina del Barroco’. El primer álbum recopilatorio de Cecilia en una década presenta lo mejor de las elogiadas grabaciones de delicias y descubrimientos musicales de los siglos XVII y XVIII, incluidas dos grabaciones anteriormente inéditas y sendas primicias discográficas mundiales de joyas olvidadas de los compositores italianos Leonardo Vinci y Agostino Steffani.

Una gran valedora del repertorio barroco a lo largo de toda su carrera, se unen a Cecilia en esta grabación los invitados especiales Philippe Jaroussky, June Anderson, Franco Fagioli y Sol Gabetta, que comparten su pasión por curiosidades musicales que han salido a la luz a lo largo de los siglos.

La ópera barroca se caracterizó por la gran riqueza de nuevos materiales y por haber contado con un público amplio y ávido de novedades. Evolucionaban los estilos de vestuario, cambiaban los repartos, instrumentos solistas recién desarrollados pasaban a situarse en primero plano, y las historias exploradas dentro de la música no dejaban de reimaginarse una y otra vez. Estructuralmente, una ópera barroca estaba integrada por arias enlazadas unas con otras por medio de recitativos que enriquecían la trama, desplegaban multitud de símiles y ofrecían estampas alegóricas. Las arias podían extraerse de una producción e introducirse en otras, a veces para crear una opera pasticcio en la que un “mega mix” de grandes éxitos populares se presentaba en un nuevo contexto. En vez de considerarse un ejercicio de plagio, esta acción rendía homenaje a grandes músicos y servía para prolongar la vida de un aria.

‘Reina del Barroco’ sirve como un homenaje tanto a Cecilia Bartoli, ampliamente celebrada por su tratamiento de las arias barrocas, como a los compositores que crearon los grandes éxitos de su tiempo. Momentos de serena contemplación contrastan con otros de carácter virtuosístico: toda la inmensa variedad de la condición humana queda abarcada por medio de arrullantes dúos de amor, duelos de coloratura, fervor religioso, dramatismo bélico, momentos de desesperación, humor insinuante y descubrimientos sensacionales.

Como una artista siempre en busca de un desafío musical amistoso, Cecilia Bartoli ha cimentado colaboraciones ganadoras con artistas tanto consolidados como emergentes. ‘Reina del Barroco’ ha permitido colaboraciones renovadas con Sol Gabetta, Franco Fagioli, Daniel Behle y Philippe Jaroussky. Un dúo con la soprano estadounidense June Anderson sirve de testimonio de los primeros años de la carrera de Cecilia.

A lo largo de la celebrada carrera de Cecilia, los instrumentos de época y la práctica interpretativa históricamente informada han desempeñado una parte esencial dentro de sus proyectos y han dado lugar a la formación de su propia orquesta, Les Musiciens du Prince-Monaco, en 2016. Cecilia se convertirá en la Directora de la Ópera de Montecarlo en 2023. Seguirá siendo Directora Artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo hasta 2026.

El álbum ‘Reina del Barroco’ de Cecilia Bartoli se publica el 27 de noviembre en Decca Classics

Lista de cortes:

  1. Steffani – I trionfi del fato: “E l’honor stella tiranna”*
  2. Vinci – Alessandro nelle Indie: “Quanto Invidio…Chi vive amante”*
  3. Handel – Rinaldo: “Lascia ch’io pianga”
  4. Broschi – Artaserse: “Son qual nave”
  5. Pergolesi – Stabat Mater, P. 77: 1. “Stabat Mater dolorosa”, con la colaboración de June Anderson
  6. Vivaldi – Griselda: “Agitata da due venti”
  7. Steffani – Niobe, regina di Tebe: “Serena, o mio bel sole… Mia fiamma…”, con la colaboración de Philippe Jaroussky
  8. Scarlatti – Il Sedecia, Re di Gerusalemme: “Caldo Sangue”
  9. Handel – Serse: “Ombra mai fu”
  10. Albinoni – Il nascimento dell’Aurora: “Aure andate e baciate”, con la colaboración de Sol Gabetta
  11. Graun – Adriano In Siria: “Deh, tu bel Dio d’amore…Ov’e il mio bene?”
  12. Steffani – Stabat Mater: “Eja Mater, fons amoris… Fac, ut ardeat… Sancta Mater… Tui nati, vulnerati”, con la colaboración de Franco Fagioli y Daniel Behle
  13. Caldara – Il Trionfo dell’Innocenza: “Vanne pentita a piangere”
  14. Handel – La Resurrezione (1708), HWV 47: “Disserratevi oh porte d’Averno”
  15. Porpora – Germanico in Germania: “Parto ti lascio, o cara”
  16. Steffani – I Triondi del fato: “Combatton quest’alma”, con la colaboración de Philippe Jaroussky
  17. Handel – Rinaldo: “Bel piacere”

*Primera grabación mundial

Philippe Jaroussky en Les Arts

El contratenor francés Philippe Jaroussky debuta en el Palau de les Arts el próximo domingo, 12 de enero, en la tercera sesión del ciclo ‘Les Arts és Lied’.

El prestigioso intérprete es una de las figuras más relevantes del panorama lírico, que se suma a la nómina de grandes voces que debutan en Les Arts en la temporada 2019-2020.

Público y crítica acreditan a Philippe Jaroussky como el contratenor por excelencia de su generación tanto por sus trabajos en los principales teatros y festivales como por sus registros discográficos.

Con el acompañamiento pianístico de Jérôme Ducros, el contratenor, gran estrella del repertorio barroco, presenta en Les Arts su incipiente faceta de ‘liederista’, con el que hará gala de la maestría técnica y elegancia que caracterizan sus actuaciones.

Como carta de presentación, Philippe Jaroussky interpreta partituras de Franz Schubert, sin duda el gran maestro del ‘lied’, no sólo por las más de 600 piezas que dejó escritas, sino también por el lirismo y riqueza de sus obras.

‘Les Arts és Lied’, el primer ciclo que el centro de artes consagra a este género, continuará con los recitales del barítono británico Simon Keenlyside -el día 1 de febrero-, y la soprano guipuzcoana Ainhoa Arteta, el 15 de marzo.

El coliseo recuerda a los interesados que el precio de las entradas oscila entre 20 y 40 euros y que podrán ser adquiridas en las taquillas del teatro y a través de la web www.lesarts.com.

Fotografía: Simon Fowler

Philippe Jaroussky

El gran contratenor Philippe Jaroussky dedica a Francesco Cavalli su nuevo disco «Ombra Mai Fu«, que se publicará el 8 de marzo en formatos CD digipack y digital.
Ombra Mai Fu incluye números vocales e instrumentales de más de una docena de óperas de Cavalli, que van desde trabajos relativamente conocidos como Calisto, Ercole amante, Ormindo, Giasone o incluso Eliogabalo, representada en París y Ámsterdam, hasta rarezas como Statira, principessa di Persia y La virtù dei strali d’Amore. En los dúos amorosos, participa la soprano Emőke Baráth (cuyo nuevo disco bajo el sello Erato, titulado Voglio Cantar, repasa la música de Barbara Strozzi, alumna de Cavalli) y la contralto Marie-Nicole Lemieux, que le complementa en el cómico dueto “Ninfa bella” de Calisto.
La pieza que da título al álbum ha sido tomado de la ópera Xerse, creada en 1654 y basada en el mismo libreto que usara Händel para su famosísimo Serse, 80 años después. La versión de éste último contiene una de las arias más conocidas fuera del mundo de la ópera, Ombra mai fù.

En palabras de Philippe Jaroussky “Cavalli jugó un papel muy importante en el asentamiento de la ópera (ese nuevo género creado por Monteverdi y otros) como una forma de entretenimiento popular. Compuso diversas óperas para el Teatro San Cassiano, el primero que ofreció ópera en Venecia.”

Cavalli fue también muy activo en el campo de la música religiosa. Siendo niño, cantó bajo la dirección de Monteverdi en el coro de la Basílica de San Marcos. Llegó a ser el organista de la catedral y puntalmente, en 1668, siguió sus pasos como maestro de capilla allí, lo que equivale hoy en día a su director musical. Preparando este álbum, Ombra mai fù, Jaroussky pudo estudiar los manuscritos de la mayoría de las 37 óperas conservadas de Cavalli. “Quería mostrar en este disco toda la variedad y las cualidades de la música de Cavalli. A veces, algo puede parecer tremendamente simple pero tiene una melodía especial, distinta y con un delicioso sabor en sus armonías. Este proyecto está diseñado para destacar los contrastes de sus óperas en el paso de unas escenas a otras, donde el lamento puede estar seguido directamente de un elemento muy humorístico.”
PHILIPPE JAROUSSKY presentará en concierto el repertorio de este disco:

7 Abril – Oviedo (Auditorio Príncipe Felipe)
9 Abril – Bilbao (Teatro Arriaga)
11 Abril – Santander (Palacio de Festivales de Cantabria)

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Only the sound remains

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Only the sound remains
Kaija Saariaho (1952)
Opera en dos partes
Libreto de Ezra Pound y Ernest Fenollosa, basado en Tsunemasa
y Hagaromo, dos piezas del clásoco teatro noh japonés.
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con De Nationale Opera & Ballet de Ámsterdam, la Finnish National Opera de Helsinki, la Opéra National de Paris y la Canadian Opera Company de Toronto.
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Peter Sellars
Escenógrafa: Julie Mahretu
Figurinista: Robby Dulveman
Iluminador: James F. Ingalls
Diseñador de sonido: Christophe Lebreton
Ingenieros de sonido: Timo Kurkikangas, David Poissonnier
Reparto: Philippe Jaroussky, Davone Tines,
y la bailarina Nora Kimball-MentzosNho quiere decir acción o talento. Es la forma más tradicional de teatro japonés. Nho integra el canto la danza y la poesía de forma sutil y elegante en unas escenografías extremadamente sencillas, donde nada cambia y solo aparece la figura de un pino como único elemento escénico. Nada debe distraer de lo verdaderamente importante, la expresión de las emociones humanas.

Ernest Fenollosa, uno de los japonólogos más importantes, dejó tras su muerte en 1908, algunas traducciones inéditas de piezas tradicionales del teatro noh japonés. El poeta estadounidense Ezra Pound, perteneciente a la Lost Generation, y firme defensor de poner la poesía antigua al servicio de una concepción más moderna y conceptual, adaptó dos de esas obras traducidas por Fenollosa, Tsunemasa y Hagaromo, que han sido la base inspiradora de la obra de la compositora finlandesa Kaija Saariaho.

Only the sound remains no es una ópera al uso. Se encuentra en la vanguardia de la música contemporánea, con todo lo que esto supone en cuanto a la experimentación con el sonido. Un tratamiento conceptual donde Saariaho emulsiona elementos tradicionales, como el Kantele, instrumento tradicional finlandés, y elementos electrónicos para modificar o amplificar el sonido. Saariaho crea una música atmosférica, un experimento sonoro y filosófico en el que hay que abandonarse, algo que no siempre es fácil o posible.

Como en el teatro noh, la escenografía de Peter Sellars, buen conocedor y admirador de las corrientes minimalistas orientales, ha dibujado un escenario extremadamente sencillo. El pino como único elemente escenográfico del noh, ha sido sustituido aquí por dos lienzos de la artista de origen etíope, Julie Mehretu.

El encargo para esta producción consiste en dos lienzos de gran tamaño en los que ella ha trazado una serie de marcas de tinta a distintos niveles que nos dan rápidamente una impresión de caligrafía china o japonesa. Realiza sus obras durante varios meses pintando capa sobre capa. En Only the sound remains puede verse la evolución de esas capas al tiempo que avanza la obra, lo que profundiza en su espiritualidad.

Las dos historias que componen esta ópera son muy sencillas, pero también profundas. Nos hablan de pérdidas, de renuncias y de reencuentros. Del rastro (el sonido) que deja en nuestras vidas aquello que un día amamos. En la primera, “Always Strong”, un guerrero muerto en batalla regresa como fantasma para intentar volver a tocar su laud.

La segunda historia, “Feather Mantle”, trata de un pescador que encuentra una hermosa capa de plumas propiedad de un ángel que la necesita para regresar al cielo. El pescador la devolverá a cambio de contemplar una danza celestial.

La primera es una historia sombría, angustiosa. La segunda es una historia luminosa y cautivadora. Ambas están interpretadas por el contratenor Philippe Jaroussky, el joven espíritu y el ángel, y por el bajo barítono Davone Tines, sacerdote y pescador. Para ambos intérpretes escribió Kaija Saariaho estos personajes. La voz de de Jaroussky, que ha perdido parte de la pirotécnia de sus inicios pero ha ganado en matices y intensidad, es perfecta para los personajes sobrenaturales que interpreta. En algunos momentos su voz es distorsionada por ordenador lo que proporciona un efecto tímbrico sorprendente.

Más discretas son las prestaciones vocales del barítono Davone Tines, pero abordó sus dos protagonistas con solvencia. En el aspecto teatral, no hay que achacarle a él el estatismo de sus personajes, esa falta de movimiento es muy del gusto del genial Sellars.

La bailarina Nora Kimball-Mentzos, musa y colaboradora en numerosas producciones de Peter Sellars, llenó el escenario en la segunda historia con una danza llena de sensibilidad y delicadeza. Durante el tiempo que está en escena, no puedes dejar de observarla.

En una parte elevada del foso se encuentran los siete músicos, un cuarteto de cuerda, Meta 4 Quartet, formado por Antti Tikkanen y Minna Pensola, violín, Atte Kilpelänen, alto, Tomas Djupsjöbacka, violonchelo, Heikki Parviainen, percusión, Eija Kankaanranta, kantele y Camila Hoitenga, flauta. Junto a ellos el cuarteto vocal Theatre of Voices, formado por Else Trop, soprano, Iris Oja, alto, Paul Bentley-Angell. Tenor y Steffen Brunn, bajo. Ambos ensembles llevan tiempo colaborando con Kaija Saariaho. Este conocimiento mutuo y el virtuosismo de todos ellos consiguen unos resultados sonoros sorprendentes. Emiten todo tipo de sonidos con una precisión milimétrica a las órdenes de un Ivor Bolton exacto y riguroso en cada una de sus indicaciones, creando una textura atmosférica envolvente.

Quizá estas formas de expresión artística requieran de un espacio más recogido, más íntimo. En cualquier caso, siempre es un acierto programar nuevas experiencias que no serían posibles de otro modo.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Only the Sound Remains

Se ofrecerán 7 funciones de la ópera, entre el 23 de octubre y el 9 de noviembre, en una coproducción del Teatro Real con la Nationale Opera & Ballet de Ámsterdam, la Opéra national de Paris y la Canadian Opera Company.

Peter Sellars, responsable, junto a Kaija Saariaho, de la génesis de la ópera, ha concebido una puesta en escena estilizada, hipnótica y poética, que invita a la participación ritual del público.

La escenografía es de la gran pintora etíope Julie Mehretu, conocida por sus murales abstractos y estratificados, de la que el Centro Botín ha ofrecido recientemente, con gran éxito, la más completa retrospectiva europea.

Only the Sound Remains será interpretada por el mismo trío protagonista que estrenó la partitura en 2016: el contratenor Philippe Jaroussky, el bajo-barítono Davone Tines y la bailarina Nora Kimball-Mentzos.

Junto a ellos actúan el cuarteto vocal Theatre of Voices, el cuarteto de cuerdas Meta4 Quartet, tres músicos finlandeses -Camila Hoitenga (flauta), Eija Kankaanranta (Kantele, instrumento tradicional finlandés) y Heikki Parviainen (percusión)-, conChristophe Lebreton y Timo Kurkikangas en el diseño y tratamiento del sonido.

Al frente de este conjunto camerístico estará Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, al que veremos explorar un nuevo registro dentro de su amplísimo repertorio.

En torno a Only the Sound Remains se están ofreciendo, desde el pasado 10 de octubre, múltiples propuestas culturales en el Teatro Real, Instituto Internacional, Residencia de Estudiantes y Museo de Artes Decorativas.

Radio Clásica, de RNE, retransmitirá en diferido Only the Sound Remains, en fecha todavia por determinar.

Las funciones de Only the Sound Remains están patrocinadas por la Fundación BBVA.

El próximo 23 de octubre se estrena en España Only the Sound Remains, de la compositora finlandesa Kaija Saariaho (Helsinki, 1955), encargada y coproducida por el Teatro Real junto con la Nationale Opera & Ballet de Ámsterdam, la Ópera Nacional Finlandesa, la Opéra national de Paris y la Canadian Opera Company.

El estreno mundial de la ópera ─con dirección de escena de Peter Sellars, y protagonizada por el contratenor Philippe Jaroussky, el bajo-barítono Davone Tines y la bailarina Nora Kimball-Mentzos tuvo lugar en Ámsterdam el 15 de marzo de 2016. Posteriormente se presentó en Helsinki (abril de 2017) y en París (enero 2018), siempre con una excelente acogida por parte del público y de la crítica internacional.

La ópera se basa en dos evocadores cuentos que tradujo Ezra Pound (1885-1972), extraídos de la recopilación de relatos orientales que escribió el poeta y japonólogo de ascendencia española Ernest Francisco Fenollosa (1853-1908) partiendo del teatro noh japonés.

En el primer cuento, Always Strong (Siempre fuerte), un joven guerrero y virtuoso laudista, muerto heroicamente en el campo de batalla, reaparece convertido en un atormentado fantasma, incapaz de tañer su bello instrumento como otrora; en el segundo, Feather Mantle (El manto de plumas), un pescador encuentra una deslumbrante capa de plumas que solamente está dispuesto a devolver al ángel que la posee, si éste le baila su danza celestial.

La riquísima paleta sonora de Kaija Sariaaho, de sorprendentes texturas tímbricas, armonías flotantes y una depurada utilización del tratamiento electrónico del sonido, concede a ambos relatos una atmósfera cósmica y misteriosa, en los que la trama, como una alegoría, se diluye en una especie de celebración metafísica.

Las dos historias, de temas independientes, pero de simétrico andamiaje, indagan sobre nuestra relación con lo sobrenatural, con seres y universos intangibles, con un mundo espiritual cada vez más alejado de la realidad física, material y veloz que nos atrapa. En esta huida hacia delante Peter Sellars reivindica la ópera como un puente simbólico hacía ese ‘otro lado’, una travesía mágica con la participación, casi ritual, del público.

Philippe Jaroussky, protagonista de los dos cuentos que conforman la ópera, vuelve al Teatro Real después de sus actuaciones en Celos aún del aire matan de Juan Hidalgo (2000), L’incoronazione di Poppea de Claudio Monteverdi (2010), y dos conciertos: uno dedicado a Händel ─Fuegos de artificio de un castrato (2011)─ y otro, a Vivaldi (2014).

En Only the Sound Remains su voz alcanza registros y timbres casi sobrehumanos, debido al tratamiento electroacústico concebido por Kaija Saariaho, que escribió los papeles especialmente para él. A su lado, dos artistas afroamericanos: la bailarina Nora Kimball-Mentzos, que desdobla su personaje, y el bajo-barítono Davone Tines, habitual colaborador de la compositora.

Junto a ellos el cuarteto vocal Theatre of Voices ­–Else Torp, Iris Oja, Paul Bentley-Angell y Steffen Bruun─, el cuarteto de cuerdas Meta4 Quartet ─Antti Tikkanen, Minna Pensola, Atte Kilpeläinen y Tomas Djupsjöbacka─ y tres instrumentistas finlandeses: Heikki Parviainen (percusión), Camila Hoitenga (flauta) y Eija Kankaanranta (Kantele, instrumento tradicional finlandés semejante a la cítara).

Al frente de este conjunto camerístico estará Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, al que veremos explorar un nuevo registro dentro de su amplísimo repertorio, con la sensibilidad y musicalidad que exige la partitura.

En Only the Sound Remains el coro, orquesta y solistas que conforman una ópera tradicional se reducen a un pequeño conjunto vocal e instrumental acrisolado y orgánico, que actúa en un espacio espectral enmarcado por los murales abstractos de Julie Mehretu ─una de las más brillantes artistas plásticas actuales─, a los que da vida la iluminación mutante y evocadora de James F. Ingalls: una obra para dejarse llevar cuando baja el telón y el mundo se para.

Orfeo y Eurídice

El estelar contratenor Philippe Jaroussky continúa sus investigaciones en las propuestas operísticas basadas en el mito de Orfeo. En esta ocasión, presenta la obra más famosa de Gluck, en la que se relata la triste historia del poeta griego que acude al inframundo en busca de su difunta esposa: Orfeo y Eurídice. Contiene una de las arias más veneradas en el mundo operístico: “Chè faró senza Euricide”, el canto contenido, pero inmensamente conmovedor de Orfeo.

Dirigida por Diego Fasolis, ésta es la primera grabación mundial de una versión de la obra realizada en el Palacio Real de Nápoles en 1774. Fue, por tanto, 12 años después de que Orfeo y Eurídice se estrenase en Viena, siendo la primera de las óperas de la reforma gluckiana. En estas composiciones, Gluck enfatiza la simplicidad de la forma y subraya la expresividad, rechazando conscientemente las extravagancias de la ópera seria que regía en los primeros años del siglo XVIII y que se caracterizaba por las enrevesadas tramas y por sus larguísimas y artificiosas arias.

En 2017, Jaroussky presentó bajo el sello Erato su propia relectura del mito. En La Storia di Orfeo, introdujo arias escritas por tres compositores italianos del siglo XVII (Monteverdi, Rossi y Sartorio). Su Eurídice fue la soprano húngara Emöke Baráth, quien realiza en esta ópera de Gluck el rol del dios Amor. En este caso, la esposa del protagonista es la soprano americana Amanda Forsythe, quien ya participó junto a Jaroussky en la ópera Niobe, Regina di Tebe de Agostino Steffani, grabada también para Erato.

Philippe Jaroussky

Gluck: Orfeo ed Euridice – Philippe Jaroussky

Amanda Forsythe (Euridice), Emőke Baráth (Amore), I Barocchisti, Coro de la Radiotelevisión suiza, Diego Fasolis.

Fecha de lanzamiento: 18/mayo/ 2018

El estelar contratenor Philippe Jaroussky continúa con sus investigaciones en las propuestas operísticas basadas en el mito de Orfeo. Ésta vez, presenta la obra más famosa y conocida que relata la triste historia de este poeta griego, quien acude al inframundo a buscar a su esposa difunta: Orfeo y Eurídice de Gluck. Contiene una de las arias más veneradas en el mundo operístico. “Chè faró senza Euricide”, canto contenido pero inmensamente conmovedor de Orfeo.

Dirigida por Diego Fasolis, ésta es la primera grabación mundial de una versión de la obra realizada en el Palacio Real de Nápoles en 1774. Fue, por tanto, 12 años después de que Orfeo y Eurídice se estrenase en Viena, siendo la primera de las óperas de la reforma gluckiana. En estas composiciones, Gluck enfatiza la simplicidad de la forma y subraya la expresividad, rechazando conscientemente las extravagancias de la ópera seria que regía en los primeros años del siglo XVIII y que se caracterizaba por enrevesadas tramas y por larguísimas y artificiosas arias.

En 2017, Jaroussky presentó bajo el sello Erato su propia relectura del mito. En La Storia di Orfeo, introdujo arias escritas por tres compositores italianos del siglo XVII (Monteverdi, Rossi y Sartorio). Su Eurídice fue la soprano húngara Emöke Baráth, quien realiza en esta ópera de Gluck el rol del dios Amor. En este caso, la esposa del protagonista es la soprano americana Amanda Forsythe, quien ya participó junto a Jaroussky en la ópera Niobe, Regina di Tebe de Agostino Steffani, grabada también para Erato.

Además de en La Storia di Orfeo, Diego Fasolis ha colaborado con Jaroussky en las grabaciones del Artaserse de Vinci (en vídeo y DVD), en el Faramondo de Händel y en el Stabat Mater de Pergolesi. Todas ellas fueron lanzadas bajo el sello Erato.

LISTADO DE PIEZAS

Gluck: Orfeo ed Euridice

1 Sinfonía: Allegro con moto

ESCENA 1ª

2 1. Coro: Ah! se intorno a quest’urna funesta

3 2. Recitativo accompagnato: Basta, basta, o compagni!

4 3. Ballo: Tempo di Minuè

5 4. Coro e ballo: Ah! se intorno a quest’urna funesta (bis)

6 5. Aria: Chiamo il mio ben così… Piango il mio ben così

7 6. Recitativo accompagnato: Numi, barbari Numi!

ESCENA 2ª

8 7. Recitativo accompagnato: T’assiste Amore.

9 8. Aria: Gli sguardi trattieni…. Sai pur che talora

10 9. Recitativo accompagnato: Che disse? Che ascoltai?

ESCENA 3ª

11 10. Ballo di Furie e Spettri: Maestoso — Un poco largo

12 Aria: Deh placatevi con me

ESCENA 4ª

13 11. Coro: Misero giovine!

14 12. Aria: Mille pene

15 13. Coro: Ah quale incognito

16 14. Aria: Men tiranne

17 15. Coro: Ah quale incognito (bis)

ESCENA 5ª

18 16. Ballo d’eroi ed eroine negli Elisi

19 17. Aria: Che puro ciel!

Recitativo accompagnato: Euridice dov’è?

20 18. Coro: Vieni a’ regni del riposo

21 19. Ballo: Andante

22 20. Recitativo accompagnato: Anime avventurose

23 21. Coro: Torna, o bella, al tuo consorte

ESCENA 6ª

24 22. Recitativo accompagnato: Vieni, segui i miei passi… Ch’io taccia!

25 23. Duetto (del signor Egidio Lasnel): Vieni, appaga il tuo consorte… Grande, o Numi

26 24. Recitativo accompagnato: Qual vita è questa mai

27 25. Aria: Senza un addio?… Ah! Crudel

28 Recitativo accompagnato: Più frenarmi non posso

29 26. Aria: Che farò senza Euridice

30 27. Recitativo accompagnato: Ma finisca, e per sempre

31 Recitativo [secco]: Orfeo, che fai ?

ESCENA 7ª

32 28. Coro: Trionfi Amore!

Orfeo Philippe Jaroussky, contratenor

Euridice Amanda Forsythe, soprano

Amore Emőke Baráth, soprano

Coro de la Radiotelevisión Suiza

I Barocchisti / Diego Fasolis

Philippe Jaroussky

El contratenor francés Philippe Jaroussky ha presentado en Madrid su último trabajo, «Sacred Cantatas», un recorrido por las principales obras religiosas de Bach y Teleman, y los tres conciertos que ofrecerá el 21, 22 y 23 de octubre en el Auditorio Nacional de Música en el que ofrecerá, junto a la Orquesta Nacional de España (ONE), y bajo la dirección de Nathalie Stutmann, el recital «Les nuits d’été», de Hector Berlioz. Obra que Un programa con repertorio francés del siglo XIX en el que interpretará obras de Édouard Lalo y Georges Bizet.

No suele Jaroussky prodigarse mucho con orquesta sinfónicas. En esta ocasión y acompañado de su «amiga» Nathalie Stutmann, de quien dice le «conoce bien» y le animó a interpretar estas obras y quien le ayudará a «minimizar los riesgos» de un repertorio que se aleja de las obras barrocas que se adecuan mejor a su peculiar tesitura.

Durante su encuentro con la prensa Jaroussky ha desvelado que volverá al Teatro Real en la temporada 18/19 para estrenar una ópera contemporánea bajo la dirección escénica de Peter Sellars. Se trata de dos obras cortas, de cincuenta minutos cada una y escritas para su voz. Sobre el escenario solo dos personajes, el propio Jaroussky y un barítono.

CarlosMena

Es la de contratenor una de las voces por la que aquí más nos interesamos cuando tenemos ocasión. Influye también el gusto por el repertorio al que este registro vocal pertenece casi por entero. El contratenor era la figura que sustituía a las mujeres que entonces no podían entrar en los teatros ni templos. Bach lo arreglaba con un coro de niños que lo cantaba todo, ya que no fue hasta el clasicismo cuando se llegó a un equilibrio vocal, sobre todo los compositores y óperas napolitanos y, principalmente, Mozart. Con el que los distintos papeles y voces conformaron la nueva tendencia operística, también en lo vocal.

La voz de contratenor actual es de un registro alto, de cabeza y una voz que el cantante ha trabajado duramente para desarrollar un falseado casi natural. Con dos tipos principales de voz, alto y bajo. En tiempo de castratis se denominaban altus y bassus. El altus derivó posteriormente en lo que se conoció después como contralto. Y la figura de castrati desapareció a principios del siglo XX.

El nuevo impulsor de esta cuerda, el británico Alfred Deller (1912-1979), rescató este repertorio barroco y su original tesitura en la segunda mitad del siglo XX. Todo un portento si tenemos en cuenta que su formación para conseguir llegar a este registro fue totalmente autodidacta.

Deller tenía una voz más bien pequeña, pero bien afinada, suave y matizada. Su gran expresividad llamó la atención de un público que tenía de nuevo la oportunidad de escuchar este repertorio en la voz para la que se escribió en origen. Además del repertorio barroco, popularizó de nuevo canciones tradicionales inglesas.

Muchos son los contratenores que actualmente podemos disfrutar en el panorama internacional. El mediático Philippe Jaroussky, ejemplo de contratenor alto, el alemán Andreas Scholl, de exquisita técnica vocal, Max Emanuel Cencic, extraordinaria voz de contratenor bajo.

Pero vamos ha centrarnos en una de las más excepcionales voces. Por su sensibilidad y pulcritud estética, Carlos Mena es el principal exponente español de esta selecta cuerda. Estudioso de las obras hasta llegar a lo más profundo de su musicalidad, sus interpretaciones rebosan equilibrio y delicadeza. Si tienen oportunidad, no duden en escucharle en directo y disfrutar.

Philippe Jaroussky

La voz de contratenor ha estado siempre asociada al repertorio barroco ampliamente conocido por el público aficionado. Es esta la razón por la que sorprende que una de estas voces, la del francés Philippe Jaroussky, vuelva al Teatro de la Zarzuela, a su XXI Ciclo de Lied en esta ocasión, con un recital de música francesa de compositores del siglo XX. Con el nombre de Green nos presenta su trabajo más personal y ambicioso.

Paul Verlaine, uno de los más importantes poetas franceses, ha sido la inspiración para Jaroussky. Igual que lo ha sido para distintas generaciones de compositores que han versionado sus poemas. Y este ha sido el nexo común de este recital, los poemas de Verlaine a través de las partituras de Fauré, Reynaldo Hahn, Poldowski, Charles Bordes, Debussy, Déodat de Séverac, Ernest Chausson, Emmanuel Chabrier, Léo Ferré, Saint-Saëns o Arthur Honegger.

El resultado es un recital mucho más intimista de lo que nos tiene acostumbrados Jaroussky. Sin la pirotecnia de las arias barrocas, pero con la inspiración y el recogimiento de la poesía.
Magistralmente acompañado al piano por un Jérôme Ducros, que maneja con delicadeza y solidez el teclado y el tempo. Atento en todo momento y perfectamente acompasado con un Jaroussky que cuenta por legión sus seguidores en Madrid. Su interpretación de estos nuevos repertorios mantienen la frescura y el refinamiento que constituyen una de sus principales características. Adapta su voz y su técnica extraordinariamente a este tipo de obras gracias a sus recursos vocales y su capacidad interpretativa.

Jaroussky

Tres bises no parecían suficientes para un público que, puesto en pie, no dejaba de aplaudir y lanzar bravos a este joven contratenor francés. Con un repertorio clásico muy ajustado a sus cualidades vocales, Philippe Jaroussky cautivó a un público cada vez más enamorado de este tipo de tesituras. Recuperada para los escenarios a partir de mediados del siglo pasado gracias a Deller, la voz de contratenor, muy evolucionada desde entonces, cuenta cada vez con más presencia en recitales y óperas que requieren de su participación.

Al concluir el recital, un emocionado Jaroussky agradecía en castellano el calor del público. “Siempre es un placer para mi volver a este Teatro”. En él debutó con apenas 22 años en el papel de Alecto en Celos aun del aire matan. La pasada temporada ya demostró las cualidades de su voz en un complicado Nerone, en la “Poppea” de Monteverdi.

Dotado de una voz ligera y de extraordinaria facilidad para los agudos y la coloratura, interpretó para demostrado el aria de Giustino, “Vedro con mio diletto”. Y su exquisito gusto en la interpretación fue más evidente en las arias dramáticas que en las de coloratura (aunque sean estas últimas las que más agradece el público). Su voz es bellísima, cristalina, casi transparente y de gran virtuosismo en la técnica. El único pero es un escaso volumen de voz y las dificultades con el fiato en los tonos medios y graves. Pero maneja muy bien su líquido instrumento.

Muy bien acompañado estuvo con Jeannette Sorrell, directora de la Orquesta Barroca de Cleveland, Apollo´s Fire. Sorrell dirige a la vez que toca el clavecín. Lo hacen con gran intensidad e incluyen ese momento vellones que de inmediato delata a la mayoría de intérpretes norteamericanos.

La Orquesta hizo vibrar también al público con interpretaciones brillantes como el Concierto para dos violonchelos en Sol menor, RV 531 de Vivaldi, la chacona Il Parnaso in festa, de Händel y “La follia” de Vivaldi, con arreglos de la propia Sorrell, que entusiasmó al teatro.

En los bises ofrecieron “Alto Giovanni”, un aria de Porpora dedicado a Farinelli y que hizo a este tan famoso; “Venti turbini”, de Rianldo de Händel y terminó con “Ombra mai fu”, de Serse, que fue un extraordinario colofón a una noche mágica tras casi dos horas y media de concierto.

Poppea

Para concluir con la trilogía monteverdiana, el Teatro Real ha llevado a cartel una producción de l’incoronazione di Poppea de la mano del mismo equipo que se encargó de las dos anteriores. Es esta ópera, la última que compuso Monteverdi cuando contaba ya setenta y cinco años, se demuestra una complejidad y madurez mayores que en L´orfeo o Il ritorno d´Ulisse in patria.
L´incoronazione desarrolla tramas múltiples con un gran despliegue de personajes secundarios. Comienza con el enfrentamiento entre la Fortuna y la Virtud, pero es el amor el que triunfa dejándolo claro ya en el prólogo:

Amor: «Hoy en un solo certamen, las dos diosas, a mi sometidas, dirán que a una señal mía cambia el mundo«.

Un gran éxito está acompañando las representaciones de L´incoronazione di Poppea, bajo la dirección del Maestro William Christie que, con su Orquesta Les Arts Florissants y sus instrumentos de época, consiguen llenar de matices esta dificil partitura.
Christie controla absolutamente todo lo que ocurre a su alrededor, tanto en el foso como en el escenario, proporcionando a los cantantes una gran seguridad como manisfestó el propio Philippe Jaroussky en rueda de prensa.
La Orquesta ofreció momentos mágicos. Como uno en el que el acompañamiento se reduce unicamente a una guitarra barroca creando una atmósfera bellísima.

No se puede decir lo mismo del Maestro Pizzi que, sin duda, firma la peor escenografía de la trilogía. Un escenario poco refinado, frío, sin detalles, que no está a la altura de la música ni de las voces. Con un vestuario poco acertado y en ocasiones (como la guardia de Nerone o el paje de Ottavia), rozando el ridículo. Una lástima que la concepción romántica de la ópera de Pizzi haya quedado en esta ocasión más como un simple decorado que como una escenografía de altura.

La iluminación a cargo de Sergio Rossi tampoco estuvo afortunada. Demasiadas sombras que oscurecieron a los personajes. Tampoco se entendían muy bien los espejos que en ocasiones distraían.

La sorpresa de la noche fue Danielle de Niese en el papel de Poppea, tal vez porque las espectativas no eran demasiadas. No es una Poppea muy sutil, y no domina la ornamentación de la época, pero ofreció frescura y timbre, con una voz ágil, ligera y llena de matices, voluminosa a veces que debía contener por momentos, pero muy soleada. Abusó en exceso del portamento e hizo uso de unas apoyaturas muy evidentes. Su interpretación estuvo llena de sensualidad, quizá algo inocente, le faltó un poco de la lascivia más propia del personaje.

Pero sin duda el tiunfador de la noche fue Philippe Jaroussky como Nerone. Un papel lleno de dificultades por los agudos estratosféricos. En ocasiones se le notó al límite de su capacidad vocal, sobre todo al principio, pero supo resolver las dificultades con soltura. Representó un Nerone tirano y caprichoso, aunque algo soso (en consonancia con otros personajes). Firmó un Nerone brillante y muy celebrado por el público.
Max Emanuel Cencic, en un registro muy diferente al de Jaroussky, con un hermosísimo y delicado timbre, no dotó a su personaje de la consistencia suficiente. El resultado fue un Ottone exageradamente frágil, incluso desvalido en algunos momentos. Una lástima para uno de los mejores contratenores actuales no haber aprovechado esta oportunidad.

La Ottavia de Anna Bonitatibus puso la elegancia sobre el escenario. Puede que severa en demasía en algún momento, pero casi adecuada en una emperatriz ofendida. Con una gran presencia escénica solo oscurecida por la mala iluminación. Su magnífico lamento restó importancia a un vibrato ligeramente molesto a veces, pero su voz de bronce está bien construida y posee unos matices mediterráneos muy agradables. Su salida del escenario expresiva y sobria, debería haberse acompañado por los aplausos que no fueron escatimados al finalizar.

Para mi la mejor de la noche fue, sin duda, la joven portuguesa Ana Quintans en el personaje de Drusilla. Con un timbre cristalino, brillante, lleno de la energía a la que también dotó al personaje. Una voz pulida y esmaltada y una proyección impecable y dominando el canto barroco mucho mejor que de Niese.

Antonio Abete fue un Séneca muy descafeinado. No vivía el personaje y así lo transmitió. Mejor estuvieron sus alumnos aunque alguno algo impostado y poco natural.
El resto de reparto estaba lleno de jóvenes promesas, algunas muy interesantes que habrá que seguir de cerca por estar llamadas a crecer en importancia.
En general, una muy buena representación de esta Poppea como colofón al merecido homenaje del Real a Monteverdi.

Críticas