ABAO Bilbao Opera

ABAO Bilbao Ópera continúa con su programación #ABAOencasa y esto es lo que nos regalan la semana del 19 al 26 de abril:

ESTRENOS:

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Lunes 20 de abril

LA BOHEME (G. Puccini)

Representada en octubre de 2018

Ainhoa Arteta (Mimí), Rodolfo Teodor Ilincai (Rodolfo), Artur Ruciski (Marcello), Jessica Nuccio (Musetta), David Menéndez (Schaunard), Krzysztof Bączyk (Colline), Fernando Latorre (Benoit y Alcindoro), Director musical: Pedro Halffter, Director de escena: Mario Pontiggia, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Coro Infantil Sdad. Coral de Bilbao, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa.

El inconfundible título de Giacomo Puccini, abría la temporada 2018/2019 con una Mimí de rompe y rasga, como es la que siempre ha cantado Ainhoa Arteta. Ella es conocedora sin límites de la personalidad femenina de los personajes del compositor y por eso su temperamento se adapta tan bien a todas sus recreaciones.

Miércoles 22 de abril

BILLY BUDD (B. Britten)

Representada en octubre de 2009

Nathan Gunn (Billy Budd), Timothy Robinson (Captain Vere), Sir John Tomlinson (John Claggart), Christopher Robertson (Mr. Redburn), Johannes Weisser (Mr. Flint), Fernando Latorre (Lieutenant Ratcliffe), Hans Jürgen Schöpflin (Red Whiskers), Nikolay Borchev (Donald), Markus Hollop (Dansker), Michael Spyres (Maintop), Cosmin Ifrim (A Novice), Andrew Ashwin (Novice’s friend), Manel Esteve (Bosun), Alberto Núñez (First Mate), Fernando Laborda (Second Mate), Pablo López (Arthur Jones), Director musical: Juanjo Mena, Director de escena: Davide Livermore, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

La historia literaria creada por el mago de la palabra Hermann Melville, fue llevada a ópera por Benjamin Britten, uno de los compositores contemporáneos más representados. Esta producción, que supuso un reto escénico para ABAO, constituyó de igual forma un éxito a todos los niveles. Era la segunda vez que se representaba un título de Britten y el público deliró con la maldad que respiraba Sir John Tomlinson en su cruel personaje y la bondad del barítono Nathan Gun como el desdichado Billy Budd. Juanjo Mena supo dotar con su maestría a esta ópera que se mecía a sus órdenes como el propio barco del protagonista en el mar.

Viernes 24 de abril

FIDELIO (L. van Beethoven)

Representada en noviembre de 2018

Elena Pankratova (Leonore – Fidelio), Peter Wedd (Florestan), Tijl Faveyts (Rocco), Anett Fritsch (Marzelline), Mikeldi Atxalandabaso (Jaquino), Sebastian Holecek (Don Pizarro), Egils Silins (Don Fernando), Manuel Gómez Ruiz (Prisionero 1), Felipe Bou (Prisionero 2), Director musical: Juanjo Mena, Director de escena: José Carlos Plaza, Director de escena de la reposición: Gregor Acuña-Pohl, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

Fue de nuevo Juanjo Mena quien de las tormentas oceánicas de Britten nos llevó por las notas de Beethoven a la prisión Sevillana donde Fidelio/Leonora y Florestan viven sus tribulaciones. Impresionante interpretación de la soprano Elena Pankratova, en una producción cuya plástica conmovió a todos los espectadores y con la que celebramos la histórica representación número 1.000 de ABAO.

ABAO TXIKI

Miércoles 22 de abril

CUENTO DE NAVIDAD (Iñigo Casalí)

Representada en enero de 2018

Alfonso García-Noain, Carlos Crooke, Marta Infante, Enrique Sánchez Ramos, Itxaso Moriones, Noemí Irisarri Idoia Martínez Leyre Medina, Director musical: Jesús María Echeverría, Dirección de escena: Pablo Ramos, Coros adulto e infantil de OCN y Escuela de ópera OCN., Orquesta Ciudad de Pamplona, Coproducción: ABAO Bilbao Opera, Ópera de Cámara de Navarra

CONFERENCIAS

  • Lunes 20 de abril. Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre La Boheme de Puccini a cargo de Eva Sandoval
  • Jueves 23 de abril. Podcast el ABC de la ópera. Conferencia sobre Fidelio de Beethoven a cargo de Luis Gago

EN CARTEL:

CONCIERTO

Hasta el martes 21 de abril

MESSA DA REQUIEM (G. Verdi)

Representada en ABAO en abril de 2016

Angela Meade (soprano), Dolora Zajick (mezzo), Gregory Kunde (tenor), Ildebrando D’Arcangelo (bajo), Director Musical – Francesco Ivan Ciampa, Director del coro – Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Orquesta Sinfónica Verum.

Es una de las obras más icónicas de la música sacra, sin duda gracias al dramatismo y carácter operístico que Verdi dotó a la monumental partitura de esta Messa da Réquiem, que ABAO Incluyó dentro de su ciclo Tutto Verdi en 2016.

ÓPERAS PARA EL RECUERDO

Hasta el martes 21 de abril

EUGENE ONEGIN (P. I. Tchaikovski)

Representada en abril de 2011

Scott Hendricks (Eugene Onegin), Ainhoa Arteta (Tatiana), Ismael Jordi (Vladimir Lenski), Irina Zhytynska (Olga), Annie Vavrille (Larina), Stanislav Shvets (Príncipe Germin), Nadine Weissmann (Filippyevna), Mikeldi Atxalandabaso (Triquet), Fernando Latorre (Comandante), Director musical: Miguel Ángel Gómez Martínez, Director de escena: Michal Znaniecki, Director del coro: Boris Dujin, Coreografía: Diana Theocharidis, Coro de Ópera de Bilbao, Orquesta Sinfónica de Szeged Kraków, Opera Ballet.

El primer título en ruso que ABAO representó en el Euskalduna y que además resultó ganador del premio a la mejor producción de ópera en la edición de los Premios Líricos Teatro Campoamor en 2012. Con un reparto muy interesante y una novedosa producción que aunque contemporánea, se enmarca en el espíritu romántico de Tchaikovski y en el literario de Pushkin.

Hasta el jueves 23 de abril

RIGOLETTO (G. Verdi)

Representada en octubre de 2013

Leo Nucci (Rigoletto), Elena Mosuc (Gilda),Ismael Jordi (Duque de Mantua), Maria José Montiel (Maddalena), Felipe Bou (Sparafucile), Ainhoa Zubillaga (Giovanna), José Antonio García (Conde de Ceprano), Javier Galán (Monterone), César San Martín (Marullo), Eider Torrijos (Condesa de Ceprano), Eduardo Ituarte (Matteo Borsa), Susana Cerro (Un paje), Director musical: Miguel Ángel Gómez Martínez, Director de escena: Emilio Sagi, Dirección del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

Este conocidísimo título del repertorio verdiano, tiene como protagonista al bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua, alrededor del cual se desencadena un drama de pasión, engaño, amor filial y venganza. Se representó en ABAO en octubre de 2013, propiciando uno de los acontecimientos más singulares de nuestra historia, ya que Leo Nucci y Elena Mosuc hicieron un bis de la celebérrima escena “Si, vendetta” en cada una de las representaciones.

Hasta el domingo 26 de abril

RUSALKA (A. Dvořák)

Representada en octubre de 2005

Sondra Radvanovsky (Rusalka), Michael Myers (Príncipe), Larissa Diadkova (Princesa extranjera), Lauren Flanigan (Ježibaba), Hans Peter König (Vodník), Marta Ubieta (Primera duendecilla), Tatiana Davidova (Segunda duendecilla, Francisca Beaumont (Tercera duendecilla), José Ruiz (Guardabosques), Alexandra Rivas (Duquesa), Director musical: Jiri Kout, Director de escena: Jean Claude Berrutti, Director del coro: Boris Dujin, Coro de Ópera de Bilbao, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa.

La triste historia de esta mitológica hada de las aguas se representaba por primera vez en ABAO en octubre del 2005, con una espectacular y clamorosa Sondra Radvanovsky en el rol principal, con un éxito sin precedentes. El escenario se llenó de agua y había magia de bosques y cielos encapotados en nubes que hacían de manta a la Luna, a la que la desdichada Rusalka cantaba.

ABAO TXIKI

Hasta el lunes 20 de abril

EL GATO CON BOTAS (Xavier Montsalvatge)

Representada en enero de 2005.

Marisa Martins, Mario Villoria, María Luz Martínez, Enric Martínez-Castignani, Alberto Feria, Director musical: Jordi Bernàcer, Dirección de escena: Emilio Sagi, Escenografía Agata Ruiz de la Prada, Diseño de Vestuario Agata Ruiz de la Prada, Diseño de Iluminación José Luis Canales, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa, Coproducción: ABAO Bilbao Opera, Gran Teatre del Liceu, Teatro Real de Madrid.

Hasta el lunes 27 de abril

TXANOZURITZU (Carlos Imaz)

Representada en marzo de 2016

Marta Ubieta, Mikeldi Atxalandabaso, Itxaro Mentxaka, José Manuel Díaz, Marifé Nogales, Gexan Etxabe, Olatz Saitua, Itziar de Unda, Dirección musical y piano: Rubén Fernández Aguirre, Dirección de escena y dramaturgia: Mitxel Santamarina, Gaudeamus Korala, Orquesta Kissar Ensemble, Producción: ABAO Bilbao Opera.

CONFERENCIAS

  • Hasta al jueves 23 de abril. Horizontes de la Excelencia. Encuentro entre Ainhoa Arteta y Pedro Halftter.
  • Hasta el domingo 26 de abril. Opera bihotzetik. Conferencia del barítono francés François Le Roux.
Otello, Teatro Real

El próximo 23 de abril se conmemora el Día Internacional de Libro, en torno a esta celebración MyOperaPlayer ha seleccionado títulos de óperas inspirados en grandes obras literarias cuyas representaciones han tenido lugar en el Teatro Real

El Siglo de Oro inaugura esta propuesta cultural con Fuenteovejuna, versión de la obra teatral homónima de Lope de Vega (1562-1635) creada por Antonio Gades e interpretada por su compañía, con una muestra magistral de narración y expresividad a través de la danza española

Dedicamos el fin de semana a una ópera cuyo estreno tuvo lugar en el Teatro Real precisamente un 23 de abril, en 2019, Falstaff, de Giuseppe Verdi, cuya visualización estará disponible sólo estos dos días. El poeta Arrigo Boito busca la inspiración para el libreto en varias obras de William Shakespeare (1564-1516)

El año 2015 tiene lugar el estreno mundial de la ópera El Público, encargo del Teatro Real al compositor Mauricio Sotelo, con libreto del escritor y músico Andrés Ibáñez. La ópera rescata la esencia de la obra del mismo título de Federico García Lorca (1898-1936)

La arrebatadora fuerza dramática de W. Shakespeare, quien retrata como nadie las esencias del ser humano, está en la génesis de algunos de los grandes títulos de G. Verdi como es el caso de Otello. A. Boito fue el responsable de convertir en libreto la obra del inmortal inglés, El moro de Venecia

De la fructífera colaboración entre el compositor Richard Strauss y el poeta y dramaturgo Hugo von Hofmannsthal nace una obra indispensable en la historia de la ópera, Elektra, basada en la narración homónima de Sófocles (496 a.c.- 406 a.c.)

Os recordamos que, para acceder gratuitamente a todos los contenidos de MyOperaPlayer sólo hay que registrarse en el enlace www.myoperaplayer.com e introducir el código OperaEnCasa.

Muchos son los compositores de ópera que han bebido de fuentes literarias para la elaboración de sus libretos, combinando dos artes que en numerosas ocasiones han contribuido al engrandecimiento mutuo y otras han corrido suerte desigual. De la misma forma, el mundo de la danza, con su doble lenguaje musical y coreográfico, ha narrado historias y hermosos cuentos procedentes de la pluma de grandes autores.

Estimulado por esta eterna relación, y con la cercana celebración del Día Internacional del Libro, el próximo 23 de abril, el Teatro Real ha seleccionado una serie de óperas para su plataforma de vídeo MyOperaPlayer, cuyo argumento nace de títulos de la literatura universal a través de la reescritura de autores no menos celebrados como Arrigo Boito, en el caso de Giuseppe Verdi; Hugo von Hofmannsthal, en el de Richard Strauss, o Andrés Ibáñez, en el de Mauricio Sotelo.

Dos obras de Verdi: Falstaff (disponible sólo durante el fin de semana del sábado 18 y el domingo 19) y Otello, en grandes producciones protagonizadas por los mejores intérpretes del momento.

El anterior director artístico del Teatro Real, Gerard Mortier, encargaba en 2010 al compositor español Mauricio Sotelo una nueva ópera. Cinco años más tarde el escenario madrileño acogería el estreno mundial de El Público, con libreto del escritor y músico Andrés Ibáñez sobre la obra homónima de Federico García Lorca. Compleja, simbólica y trascendental la ópera se apoya en recursos tan distantes como la música electrónica o el flamenco, cantado y bailado, recreando un universo turbio y, a veces desgarrador, cargado de imágenes de intensa belleza.

En otoño de 1998 el Teatro Real afrontaba la segunda temporada desde su reapertura. En su programación, el entonces director musical y artístico de la institución, Luis Antonio García Navarro, se ponía al frente de Elektra, de Richard Strauss, protagonizada por una de las intérpretes de referencia de este papel, Eva Marton. Televisión Española rescata ahora de su archivo histórico esta producción para ofrecerla en MyOperaPlayer.

Será sin embargo la danza la encargada de inaugurar esta semana especial de la mano de Antonio Gades y su compañía con una de las joyas de su repertorio, Fuenteovejuna. En esta coreografía, el talento del genial Gades se une al de Lope de Vega, con la colaboración de José Manuel Caballero Bonald, para contarnos la lucha solidaria de un pueblo contra la tiranía a través de la expresión de la mejor danza española y el folclore más genuino que dan como resultado un espectáculo mítico que ha sido exhibido por todo el mundo.

Como en la mejor Feria del libro, parece que esta semana nos acompañará la lluvia. Un motivo más para adentrarse en esta nueva propuesta musical.

#QuédateEnCasa, el Teatro Real se queda contigo.

PROGRAMACIÓN

FUENTEOVEJUNA

Antonio Gades

Compañía Antonio Gades. Teatro Real

Fuenteovejuna, obra culmen de Antonio Gades, es ante todo una obra hermosísima, el último fruto de una gran madurez artística y personal. La sutil y conmovedora calidad de su materia no reside ni en sus valores estético ni en su espectacularidad, sino en la sencillez apabullante con que muestra la esencia de las cosas que quiere contar.

Estrenada en la Ópera Carlo Fenice de Génova, el 20 de diciembre de 1994, está basada en la creación dramática homónima de Lope de Vega, a partir de un hecho histórico en el que un pueblo entero de la alta Andalucía, Fuente Ovejuna, se rebela contra los abusos perpetrados por un noble, el Comendador de la Orden de Calatrava Fernán Gómez de Guzmán, y acaba por ajusticiarlo. Cuando los Reyes Católicos, Isabel y Fernando, envían a un juez para esclarecer el caso, ni aun sometiendo a las peores torturas a los aldeanos logra que éstos denuncien al culpable, pues todos, con una sola voz, asumen la muerte del noble “innoble” y la responsabilidad de su destino.

Dedicada a la memoria de Celia Sánchez Manduley, la adaptación de la obra corre a cargo del propio Gades con la colaboración de José Manuel Caballero Bonald. El espectáculo cuenta con un equipo artístico de lujo en el que participan en ambientación y vestuario Pedro Moreno; en iluminación, Dominique You y en los arreglos y selección musical Faustino Núñez.

Los papeles protagonistas recaen sobre Cristina Carnero (Laurencia), Ángel Gil (Frondoso), Alberto Ferrero (Alcalde) y Joaquín Mulero (Comendador).

FALSTAFF

Giuseppe Verdi

Teatro Real 2019

El estreno de esta producción tuvo lugar, precisamente, el 23 de abril de 2019, día internacional del libro, en el Teatro Real. Se trata de Falstaff, cuyo libreto, de Arrigo Boito, está inspirado en pasajes de Las alegres comadres de Windsor, Enrique IV y Enrique V de William Shakespeare, al servicio del genio de Giuseppe Verdi quien, ya octogenario, escribe una partitura genial, despidiendo su carrera operística con un canto a la humanidad lleno humor, sabiduría, vitalidad, hondura y regocijo.

Laurent Pelly, responsable de la dirección de escena y de los figurines de la ópera -muy querido en el Real por sus acertadas versiones de La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015) y El gallo de oro (2017)- traslada la acción de la obra a nuestro tiempo con una escenografía esquemática, ‘orgánica’ y mutante, diseñada por Barbara de Limburg, en la que va profundizando en el interior de los personajes a través de una narración en la que se desvanecen los límites de la farsa y de la comedia, para entrar en el reino mágico del encantamiento y la fábula.

La endiablada partitura de Verdi está dirigida por Daniele Rustioni al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de un reparto encabezado por el barítono Roberto de Candia, en el papel titular, secundados por Daniela Barcellona (Mistress Quickly), Maite Beaumont (Mrs. Meg Page), Rebecca Evans (Mrs. Alice Ford), Ruth Iniesta (Nannetta), Joel Prieto (Fenton), Simone Piazzola (Ford), Christophe Mortagne (Dr. Caius), Mikeldi Atxalandabaso (Bardolfo) y Valeriano Lanchas (Pistola).

El gordo fanfarrón nos divierte con nuestras penas, nos redime de nuestras miserias y nos lleva a un mundo mejor, más tolerante y risueño, donde “tutto è burla”.

EL PÚBLICO

Mauricio Sotelo

Teatro Real 2015

El Público, encargo del Teatro Real al compositor Mauricio Sotelo, con libreto del escritor y músico Andrés Ibáñez (1961), rescata la esencia de la obra homónima de Federico García Lorca (1898-1936) escrita en 1930 en Cuba, después del transcendente viaje que el poeta granadino realizó a Nueva York, en un período de profunda crisis emocional y efervescencia creativa.

Al escribir el libreto de El Público, Andrés Ibáñez ha intentado conservar todas las dimensiones de la obra, manteniendo sus dos temas fundamentales: “la homosexualidad y el teatro contemporáneo. Ambos se unen en un tema central que tiene que ver con la apariencia o la máscara. Máscara del ‘amor que no puede decir su nombre’ y, finalmente, máscara que se revela como esencia del ser humano. (…) La obscenidad, la crueldad y la irreverencia son elementos fundamentales del lenguaje poético de Lorca. No se han enfatizado ni se han evitado. El texto explora el deseo sexual con una franqueza y una complejidad que desafía las simplificaciones bienintencionadas o más o menos moralizantes.”

También para Mauricio Sotelo, “la inteligibilidad del texto cantado fue el faro que siempre guió el proceso de composición. Si se entiende el texto con claridad, entonces será posible que éste proyecte toda su luz en el espectador.

El compositor se inspira en el mundo simbólico del poeta. Partiendo de las letras del nombre L-O-R-C-A, Sotelo teje una fluida pero compleja partitura, en la que utiliza desde las texturas armónicas del microtonalismo a sofisticadas técnicas electrónicas, y en la que esconde relaciones numéricas, esotéricas e icónicas, sin prescindir de la estructura de una ópera tradicional, con un prólogo y cinco cuadros, arias, dúos, interludios, etc…Para explorar el mundo ancestral y telúrico que subyace en el texto de Lorca, las fuerzas animales y sexuales, ha recurrido al flamenco, incorporando en la partitura su lenguaje y su duende.

Un variado y multicultural grupo de intérpretes dará vida al mundo simbólico de El Público: ocho cantantes encabezados por los barítonos José Antonio López y Thomas Tatzl, encarnarán, cada uno, a varios personajes; dos cantaores, Arcángel y Jesús Méndez, junto con el bailaor Rubén Olmo, interpretan los tres caballos blancos que simbolizan las fuerzas incontrolables de la naturaleza; tres bailarines que representan los trajes de arlequín, de bailarín y el pijama y, finalmente, dos niños bailarines y actores. Junto a ellos estarán el Coro Titular del Teatro Real, la prestigiosa orquesta de música contemporánea Klangforum de Viena, el guitarrista Cañizares y el percusionista Agustín Diassera, todos bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, Principal Director Musical Invitado del Teatro Real.

La escenografía está diseñada por el pintor y escultor Alexander Polzin y la dirección de escena está a cargo de Robert Castro.

OTELLO

Giuseppe Verdi

Teatro Real 2016

La arrebatadora fuerza dramática de William Shakespeare vuelve a convertirse en fuente de inspiración para Giuseppe Verdi y el poeta Arrigo Boito dando como fruto Otello. Boito construye para esta ópera un libreto en el que simplifica la trama profundizando en la complejidad de los personajes y sus relaciones, mientras Verdi utiliza todos sus recursos creativos al servicio de la dramaturgia, creando una partitura sin fisuras, con una orquestación genial en la que el canto fluye como una declamación, que entrelaza sutiles melodías, casi epigramáticas, de enorme fuerza dramática, con otras de largo aliento expresivo.

Cuenta esta producción con un trío protagonista de auténtico lujo encabezado por el tenor Gregory Kunde, uno de los más alabados intérpretes del exigente papel de Otello en la actualidad; la soprano albanesa Ermonela Jaho, conmovedora en su interpretación de Desdémona, y el barítono George Petean, encarnando al sádico y sibilino Iago. El coro Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, dirigido por Ana González, y el Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director titular, Andrés Máspero, actuarán una vez más junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Renato Palumbo

El director de escena estadounidense David Alden opta por enfatizar el conflicto interno de Otello, cuyo carácter guerrero enmascara la enorme inseguridad que lo hace vulnerable a la maquinación perversa de Iago. Una derruida y sombría ciudad mediterránea concebida por el escenógrafo Jon Morrell acentúa la atmósfera terrorífica del drama.

ELEKTRA

Richard Strauss

Teatro Real 1998

Del archivo histórico de RTVE rescatamos, en esta ocasión, Elektra, de Richard Strauss, cuya representación tuvo lugar en noviembre de 1998, cuando comenzaba a rodar la segunda temporada del Teatro Real, cuya reapertura había tenido lugar un año antes. Esta historia de odio y venganza, con libreto del poeta Hugo von Hofmannsthal, inspirado en la obra de Sófocles, de compleja orquestación y extrema dificultad interpretativa tuvo al frente del proyecto a García Navarro, director artístico y musical del coliseo madrileño en ese momento.

El 29 de enero de 1996 ardía el teatro de La Fenice de Venecia por segunda vez en su historia. Las ruinas de esa emblemática casa de la ópera servían de inspiración a Ezio Toffolutti para crear la escenografía de esta producción en la que trataba de renovar y actualizar el mito clásico que Strauss y Hofmannsthal habían situado en el patio interior del palacio de Agamenón.

En este espacio devastado, bajo la dirección de Henning Brockhaus, tomaba forma la desgarradora historia de Electra encarnada en la voz de la que ha sido considerada una de las mejores intérpretes de este papel, Eva Marton. Lideraba el reparto esta soprano dramática en el que estaba acompañada por la mezzosoprano noruega Anne Gjevang, como Clitemnestra, y la soprano española Ana María Sánchez, en el rol de Crisotemis, completando el trío protagonista. Junto a ellas, el tenor norteamericano Kenneth Riegel, Egisto, el bajo alemán Hans Tschammer, Orestes, y la Orquesta Sinfónica de Madrid.

Fotografía: Javier del Real

El pasado sábado, 28 de marzo, la plataforma de vídeo del Teatro Real, MyOperaPlayer congregaba a cerca de 13.000 personas en torno al estreno de Turandot, ópera G. Puccini cuya producción, dibujada por el inconfundible talento de Bob Wilson y la dirección musical de Nicola Luisotti, se ofrecía en primicia, y por un solo día, a los espectadores.

Para reforzar la iniciativa de acompañar y satisfacer a los melómanos, y a los que se están iniciando en estos días de encierro, MyOperaPlayer continúa incrementando su oferta audiovisual con sesiones únicas, conciertos históricos, espectáculos infantiles y documentales, que puedan satisfacer las expectativas de una comunidad que alcanza ya los 32.000 suscriptores.

La propuesta del Teatro Real para los próximos días contempla un amplio abanico en el que destacamos Parsifal, de Richard Wagner, producción grabada con tecnología 4k, que contó con la participación de un elenco de grandes voces wagnerianas, dirección musical de Semyon Bychkov y escénica de Claus Guth, cuya visualización sólo estará disponible el próximo sábado, 4 de abril, a partir de las 19.00 horas.

#QuédateEnCasa, el Teatro Real se queda contigo.

PROGRAMACIÓN

L’ITALIANA IN ALGERI

Gioachino Rossini

Teatro del Liceu 2019

L’italiana in Algeri se representó en el Liceu la temporada 2018/19 en conmemoración de los 150 años de la muerte del compositor italiano Gioachino Rossini. El regista Vittorio Borrelli plantea un montaje vistoso y colorista, unido a la vibrante música rossiniana bajo la batuta del maestro Riccardo Frizza. El reparto está liderado por la mezzosoprano Varduhi Abrahamyan como Isabella, el bajo-barítono Luca Pisaroni como Mustafá y el tenor Maxim Mironov como Lindoro, tres voces muy cotizadas internacionalmente que confluyen en el escenario con Giorgio Caoduro como Taddeo; Sara Blanch, como Elvira; Lidia Viñas-Curtis, como Zulma, y Toni Marsol, como Haly.

L’ italiana in Algeri es una obra que juega la carta de la liberación de la mujer a través de su protagonista, Isabella, capaz de poner cada cosa en su lugar ante la rudeza de Mustafá. Rossini consiguió, a los 21 años, un triunfo total con esta farsa cómica en dos actos. A pesar de ser tan joven, el músico italiano consolidó su estilo personal, como legítimo heredero de la ópera buffa del siglo XVIII. Grandes arias como ‘Cruda sorte’ de Isabella y unos concertantes espléndidos —como por ejemplo el onomatopéyico final del primer acto— son algunos de los platos fuertes de este hilarante menú rossiniano.

ROBERTO DEVEREUX

Gaetano Donizetti

Teatro Real 2015

La soprano Mariella Devia y el tenor Gregory Kunde protagonizan este título del belcanto, cuya interpretación exige un gran virtuosismo vocal, que en septiembre de 2015 inauguraba la temporada del Teatro Real. Bajo la dirección musical de Bruno Campanella, gran especialista de este repertorio, completan el cuarteto protagonista la mezzosoprano Silvia Tro Santafé y el barítono Ángel Ódena, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Creada en un período terriblemente doloroso de la desdichada vida de Gaetano Donizetti, la partitura de Roberto Devereux, cargada de rabia, pena y desesperación, ofrece un sobrecogedor retrato psicológico de la reina Isabel I de Inglaterra (Elisabetta), víctima de su propio despotismo en la corte claustrofóbica, endogámica y terrorífica de los Tudor.

Siguiendo la estela de Donizetti, y la dramaturgia de la ópera servida por el libreto de Salvatore Cammarano, el director de escena sudafricano Alessandro Talevi refuerza precisamente la expresión de las emociones desenfrenadas, las pulsiones lujuriosas y los tormentos corrosivos de la impetuosa reina, en una espiral destructiva que arrastra a los protagonistas a su trágico desenlace.

PARSIFAL

Richard Wagner

Teatro Real 2016

Parsifal, última, enigmática y genial ópera de Richard Wagner, que el compositor clasificó como “Festival escénico sacro en tres actos”, cuenta con un extraordinario reparto protagonizado por Klaus Florian Vogt, junto a otros veteranos cantantes wagnerianos como Anja Kampe (Kundry), Detlef Roth (Amfortas), los barítonos Franz-Josef Selig (Gurnemanz) y Evgeny Nikitin (Klingsor), y el bajo-barítono Ante Jerkunica (Titurel), además del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

La dirección musical cuenta con el prestigioso director de orquesta ruso Semyon Bychkov y escénica del alemán Claus Guth, quien traslada el desaliento y la orfandad de los caballeros del Grial en su castillo de Monsalvat a un sanatorio donde recalan los soldados destrozados por la guerra, en una Europa devastada, rota y sin rumbo.

Este monumental e inclasificable “oratorio místico-dramático”, concebido para ser representado únicamente en el revolucionario Teatro de Bayreuth, y sin aplausos, para no perturbar la atmósfera religiosa del rito músico-teatral, ha impulsado, desde su estreno en 1882, interpretaciones muy diversas y contradictorias, encendidos debates y un sinfín de obras inspiradas directa o indirectamente en la deriva existencial del misterioso héroe wagneriano.

EL MESÍAS

Georg Friedrich Händel

Coreografía de Mauricio Wainrot

Teatro del Bicentenario, San Juan (Argentina) 2019

El Teatro del Bicentenario se transforma en un glorioso y minimalista firmamento donde los cuerpos toman forma y confluyen desde la impronta contemporánea y neoclásica para celebrar las sublimes vibraciones de El Mesías, oratorio Georg Friedrich Händel, a través de la coreografía de Mauricio Wainrot.

Wainrot oma la esencia religiosa y emocional de la obra de Händel y construye un ballet que transforma los estados de ánimo en movimiento, invitando al público a embarcarse en un viaje espiritual e introspectivo. Las escenas, abstractas, pero de sutil belleza, evocan por momentos escenas del Nuevo Testamento y guardan una íntima relación con el ánimo que inspira la música de Haendel.

El Mesías, está protagonizada protagonizada por Victoria Balanza y Gerardo Marturano, junto a un destacado elenco de artistas argentinos, quienes enfrentan este importante desafío técnico y artístico que propone la icónica obra de Wainrot.

CONCIERTO ALFREDO KRAUS

Archivo histórico de TVE

Concierto en el Teatro Real 1998

En una época marcada por las prisas y la necesidad de alcanzar inmediatamente las más rápidas metas, Alfredo Kraus supo instalar la prudencia y la mesura entre sus objetivos. La inteligencia comienza con el descubrimiento de su capacidad vocal, sigue con la elección del oportuno repertorio y termina con la controlada distribución de sus posibilidades. La coherencia de su trayecto profesional es determinante. De casi 40 roles operísticos, unos veinte bastan para cimentar su leyenda, todos cantados en italiano o francés y, por lo tanto, pertenecientes a estos repertorios. Personalidades juveniles, apasionadas y proclives al sentimiento amoroso, entidades que facilitan las mejores armas de su canto: la elegancia, la flexibilidad, la fluidez, la espontaneidad, la transparencia del sonido, la sutileza y la facilidad de ascensión al registro agudo, cualidades mantenidas impolutas, con los lógicos cambios aportados por la edad, a lo largo de su dilatada carrera.

Kraus nos impresiona por muchas razones, pero especialmente por la característica calidad tímbrica, la fantasía del fraseo, la exhibición de sus regulaciones, la naturalidad de su legato y la perfección de la línea.

Fragmento del texto del programa de mano del Teatro Real, por Fernando Fraga

IL BARBIERE DE SIVIGLIA

Gioachino Rossini

Teatro Real 2005

Protagonizada por un excelente elenco, con Juan Diego Flórez, María Bayo, Pietro Spagnoli y Ruggero Raimondi, esta producción de Il barbiere de Siviglia estrenada en el Teatro Real Madrid, el mes de enero de 2005, contó con la dirección musical del gran experto rossiniano Gianluigi Gelmetti y la puesta en escena de Emilio Sagi, Director Artístico del Teatro Real entre 2001 y 2005.

En esta producción, concebida como una ingeniosa follie organizée, todo se mueve, nada es seguro, incluyendo el decorado (completamente blanco), que se forma y transforma permanentemente delante del público, dando cobijo a las diferentes escenas de la ópera.

La alegría, “el salero” y el carácter extrovertido de los sevillanos es evocado a lo largo de toda la obra a través de un minucioso trabajo dramático desarrollado por los protagonistas (todos ellos grandes cantantes y excelentes actores), el coro y los actores-bailarines que participan en la ópera, tratada como una inmensa coreografía en la que danzan también el decorado y el atrezzo.

Aunque la época de la trama no esté reflejada de manera explícita, toda la escenografía remite al siglo XVIII, reflejando sobre todo ese momento de inestabilidad en el que el oscurantismo del Ancien Régime da paso a la Ilustración, asomando ya el germen de la revolución burguesa que más tarde aflorará.

El color y la iluminación se convierten en elementos dramáticos, más que escenográficos: el espectáculo está todo él concebido en blanco y negro, y sólo las apariciones de Rosina, con su rebeldía y ganas de vivir, introducen en la escena una nota de color, que borran inmediatamente los criados de Bartolo.

Finalmente, en “la tempesta” una lluvia multicolor rompe la bicromía de la escena dando paso a una progresiva emergencia de los colores a medida que se desencadena el final de la trama.

La vitalidad, el bullicio y la espontaneidad de las “gentes de la calle” andaluzas, con sus sevillanas y su gestualidad de inspiración flamenca, son fundamentales en el diseño coreográfico de la ópera, llena de sorpresas, ironía y guiños cómplices al espectador.