Palau de les Arts Reina Sofía

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy, en un acto con los medios de comunicación en Madrid, la variada y dinámica propuesta artística que el teatro valenciano ofrecerá en su vigésima temporada.

Esta temporada el Palau de les Arts Reina Sofía celebra su XX aniversario con tres nuevas producciones de ópera (‘Faust’, ‘Luisa Miller’, y ‘Enemigo del pueblo’), un repertorio que abarca 340 años de historia, desde Marc-Antoine Charpentier, pasando por Händel, Verdi, Gounod, Chaikovski, Strauss y Puccini para concluir con su primer estreno mundial, ‘Enemigo del pueblo’, de Francisco Coll, y con los directores de orquesta más internacionales al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

“Así, bajo el lema ‘Per a descobrir’, la Temporada 2025-2026  plantea una inmejorable oferta para satisfacer la curiosidad del espectador más exigente: diez títulos de ópera, un espectáculo de zarzuela de nueva creación, siete propuestas de danza, diez potentes programas sinfónicos con los mejores directores de orquesta del circuito, cinco recitales de ‘Lied’, una velada dedicada al gran repertorio lírico, seis sesiones de Barroco, cinco representantes de la música valenciana más actual, cinco noches con el mejor flamenco y dos conciertos dedicados a las músicas del mundo.

Jesús Iglesias Noriega ha remarcado el regreso del teatro valenciano a los circuitos de producción internacionales al liderar en la presente temporada tres nuevos montajes con algunas de las compañías de ópera más importantes del continente: La Scala de Milán, la Staatsoper Unter den Linden, el Maggio Musicale Fiorentino y el Teatro Real de Madrid.  

En consonancia con el término ‘Per a descobrir, Les Arts aboga, un año más, por iniciar su temporada fuera de su sede, en una gira de la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) que, bajo la dirección de Cornelius Meister, invita los ciudadanos de Altea, Cullera y Requena a conocer las excelencias de la orquesta en este ‘tour’ que culminará con el concierto de la Jornada de Puertas Abiertas y que abre la actividad al público en el edificio de Calatrava el 21 de septiembre.

‘Les Arts és Òpera’ invita a descubrir, con mirada renovada, algunos de los autores que han forjado la identidad artística del teatro en estas dos últimas décadas. Levanta el telón el 3 de octubre una ambiciosa nueva producción de ‘Faust’, liderada por Les Arts en coproducción con La Scala de Milán y la Staatsoper Unter den Linden de Berlín. Johannes Erath propone un nuevo acercamiento a este emblema de la ópera francesa, en el que Charles Gounod visita el mito germánico para revestirlo de la suntuosidad de la ‘grand opéra’.

El Barroco menos conocido, con ‘La descente d’Orphée aux enfers’ y ‘Les Arts Florissants’ de Marc-Antoine Charpentier, convive con títulos indispensables de Georg Friedrich Händel que, tanto en versión de concierto (‘Orlando’) como escenificada (‘Giulio Cesare in Egitto’), dan cuenta de un estilo musical presente en las propuestas del teatro desde sus inicios.

El estreno mundial de ‘Enemigo del pueblo’, de Francisco Coll, el 5 de noviembre de 2025, marca un hito en la historia de la institución con su primera ópera encargo, junto al Teatro Real de Madrid, en la que la música del compositor valenciano más internacional y la dramaturgia de Àlex Rigola trasponen a la lírica la poderosa denuncia de Henrik Ibsen en la pieza teatral de mismo nombre.

La obra de Giuseppe Verdi, compositor insustituible en la programación del centro operístico, capitaliza el tercer nuevo montaje de la temporada, con la cautivadora ‘Luisa Miller’, título con el que el genio de Busseto anuncia ya su celebrada trilogía popular, que forman ‘Rigoletto’, ‘Il trovatore’ y ‘La traviata’.

El repertorio alemán, con el que Les Arts y la Orquestra de la Comunitat Valenciana han protagonizado algunos de los capítulos más memorables desde 2005, tiene su réplica con la exuberante e hipnótica ‘Salome’ de Richard Strauss, mientras que el desolador lirismo ‘Eugenio Oneguin’ reivindica la ópera rusa con una de sus grandes obras maestras. ‘Turandot’, la ópera inconclusa de Puccini e icono de las más largas ovaciones en la Sala Principal cierra la programación.

‘Les Arts és Sarsuela’ sorprende con un espectáculo de nueva creación, ‘Un misterio de sainete o zarzuela a la cazuela’, en una idea de Enrique Viana con músicas del valenciano José Serrano.

En el podio junto con Sir Mark Elder en su primera temporada como titular, expertos maestros lideran las propuestas con William Christie, James Gaffigan, Marc Minkowski, Lorenzo Viotti, Timur Zangiev, que tendrán su réplica en la escena con respetados creadores: Vincent Boussard, Valentina Carrasco, Johannes Erath, Damiano Michieletto, Àlex Ollé, Laurent Pelly y Àlex Rigola.

En el capítulo sinfónico, Les Arts hace el mayor despliegue de su historia con las batutas de mayor prestigio del circuito internacional al frente de la OCV: Sir John Eliot Gardiner, Daniele Gatti, Gustavo Gimeno, Philippe Jordan, Fabio Luisi, Cornelius Meister, Javier Perianes y Dima Slobodeniouk, además del titular la formación, Sir Mark Elder. ‘Les Arts és Simfònic’ ofrece diez imponentes programas, entre los que figuran la ‘Quinta’ de Mahler, la ‘Octava’ de Bruckner, el oratorio ‘La infancia de Cristo’, de Berlioz, la integral sinfónica de Brahms y la integral de conciertos para piano y orquesta de Beethoven.

Por su parte, Les Arts és Dansa acoge siete espectáculos con lo más selecto del ballet clásico, la danza contemporánea y el flamenco de la mano de la Compañía Antonio Najarro, Kor’sia, Compañía Manuel Liñán, Compañía Nacional de Danza, Compañía Antonio Ruz, el Ballet de Dormund y una nueva producción de Les Arts con Taiat Dansa en el marco del Festival Dansa València.

Cinco citas imprescindibles se presentan para los amantes del ‘Lied’ con los debuts en este ciclo de Angel Blue, Elsa Dreisig, Katharina Konradi y Michael Spyres, además del esperado reencuentro del aficionado con Christian Gerhaher, maestro indiscutible del género. Mientras que ‘Les Arts és Grans Veus’ recibe a Nadine Sierra con un programa en el que la soprano recorrerá algunas de las obras que la han convertido en una de las divas más fascinantes de la década.

Sobradamente consolidado, ‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’, deslumbra con la presencia de William Christie y Marc Minkowski y sus formaciones especialistas, en un ciclo que, gracias a la colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical, congregará, además, a los más respetados conjuntos e intérpretes: Vespres d’Arnadí & Serena Sáenz, María Espada, Les Époppés & Eva Zaïcik e Il Fervore & Jone Martínez. 

Por su parte, Les Arts no faltará a su cita con las diferentes manifestaciones de la voz, con el duende flamenco de Pitingo, Ángeles Toledano, Argentina, Juana la del Pipa e Ismael de la Rosa, ‘El Bola’, el jazz afrocubano de Chucho Valdés, o el pop barroco y teatral de Rufus Wainwrigh. Mientras que el tejido musical valenciano estará representado por Pau Alabajos, La Maria, Anna Millo + Pep Mirambell, Jonatan Penalba y Urbàlia Rurana.

Niños Cantores de Viena

Ibermúsica recibe a una de las agrupaciones corales más legendarias de la cultura europea: los Niños Cantores de Viena. Su visita supondrá el inicio de una gira de cuatro conciertos por España con citas en Madrid (sábado 8 de marzo, Auditorio Nacional de Música), Sevilla (domingo 9, Teatro de la Maestranza), Alicante (martes 11, Auditorio de la Diputación de Alicante) y Valencia (miércoles 12, Palau de la Música).

El concierto extraordinario en Ibermúsica tendrá lugar a las 11:30h (sesión matiné), una cita en la que disfrutaremos de las voces de los Niños Cantores de Viena con un programa muy variado integrado por obras de autores como Johann Strauss II, Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Franz Schubert, canciones tradicionales de Suiza, Corea, Austria o Croacia y música de cine, como las piezas más emblemáticas de películas como Mary Poppins o Barbie.

Es uno de los más célebres coros del mundo y uno de los más antiguos. La primera mención de los niños cantores en la corte de Viena data de 1296. Doscientos años más tarde, el 7 de julio de 1498, Maximilian I fundó en Viena un coro, en el que también cantaban niños, piedra fundacional de los Niños Cantores de Viena.

Aquel primer coro también actuaba en giras y celebraciones especiales de la corte del emperador. Surgieron músicos geniales, como Heinrich Isaac, Johann Josef Fux, Christoph Willibald Gluck y Wolfgang Amadeus Mozart. Joseph Haydn, Michael Haydn y Franz Schubert cantaron de niños en este coro; Anton Bruckner era su profesor de canto y piano. Hoy en día se ha convertido en un moderno campus: es una organización privada sin fines de lucro, que se financia principalmente a través de las grabaciones de conciertos y de las giras, además de las contribuciones adicionales de sus patronos.

Comprende una escuela de música y de enseñanza secundaria especializada en música vocal. Además de los cuatro coros de niños, está el Chorus Primus, el coro mixto de la escuela, el coro de niñas, y el Chorus Juventus, coro mixto juvenil de bachillerato; en total, hay 330 niños y niñas entre 6 y 19 años en el campus, una sociedad abierta e inclusiva, donde aprenden a madurar como personas, con su música. Distinguidos por la UNESCO, en 2017, como patrimonio cultural, es accesible a todos, sin importar la procedencia, género nacionalidad y religión. Desde 1924 han hecho más de 1000 giras en 100 países donde han interpretado 29.000 conciertos.

Los domingos cantan con miembros de la Wiener Philharmoniker y del coro de hombres de la Wiener Staatsoper. Colaboran con los principales directores internacionales incluyendo a Joana Mallwitz, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Christian Thielemann, Simone Young, y con organizaciones como UNICEF, Caritas, y Licht ins Dunkel.

Foto Niños Cantores de Viena © Lukas Beck

Klaus Makela

Klaus Mäkelä, considerado uno de los mejores directores de la actualidad, debuta en Ibermúsica con la formación de la que será titular a partir de 2027: la Royal Concertgebouw Orchestra. Disfrutaremos de esta agrupación por partida doble el martes 28 y el miércoles 29 de enero, día en que además contaremos como solista invitada con Janine Jansen, una de las violinistas más destacadas del panorama actual.

La Royal Concertgebouw Orchestra regresa a España tras una larga historia musical en el país (95 conciertos desde 1967) para ofrecer dos programas que transitan por distintos periodos y estilos musicales.

El martes 28 de enero interpretarán el célebre Idilio de Sigfrido de Wagner, Una vida de héroe de Richard Strauss y Subito con forza de la compositora coreana Usunk Chin, obra encargada en 2020 por la Orquesta con motivo del año Beethoven, mientras el miércoles 29 ofrecerán el Concierto para violín, op. 15 de Britten con Janine Jansen, la Sinfonía núm. 2 de Schumann, Lacrimae antiquae de Downland y la Marcha de la música para el funeral de la Reina María de Purcell.

Estos dos conciertos suman 36 visitas de la Royal Concertgebouw a Ibermúsica desde su presentación en 1983 y forman parte de una gira por España que se inicia el domingo 26 de enero en Barcelona, prosigue el lunes 27 en Oviedo y finaliza en la capital.

ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA

Con sede en Ámsterdam, fue fundada en 1888 y recibió su denominación oficial de ‘Royal’, con ocasión de la celebración de su centenario, en 1988. Es una de las mejores orquestas del mundo y siempre ha colaborado con los más destacados directores y solistas. Compositores como Richard Strauss, Gustav Mahler e Igor Stravinski, la han dirigido en más de una ocasión.

Ha cultivado un sonido muy distintivo e individual, que se debe, en parte, a la excelente acústica de la sala Concertgebouw. Otro factor determinante es la influencia ejercida por los músicos de la Orquesta, así como de los directores titulares, de los que se cuentan siete hasta la fecha: Willem Kes, Willem Mengelberg, Eduard van Beinum, Bernard Haitink, Riccardo Chailly, Mariss Jansons y Daniele Gatti. En junio de 2022, se anunció que Klaus Mäkelä asumiría el puesto a partir de 2027. Iván Fischer es Director Invitado Honorífico. Pierre Audi colabora como socio creativo.

Además de unos 80 conciertos interpretados en el Concertgebouw de Ámsterdam, la Orquesta ofrece 40 más en otras grandes salas de concierto de todo el mundo, que llegan a 250,000 espectadores cada año. También emite sus conciertos a través de videos, streaming, radio y televisión. Graba y edita grabaciones en CD y DVD para su sello Concertgebouworkest Live.

La Academia de la Orquesta contribuye a la formación de jóvenes músicos con talento abriéndose puertas hacia músicos ya consagrados de la orquesta. Reúne jóvenes músicos desconocidos de toda Europa, de catorce a diecisiete años.

KLAUS MÄKELÄ

Es director titular de la Filarmónica de Oslo desde 2020, y de la Orchestre de Paris, desde 2021. Asumirá el puesto de director titular de la Royal Concertgebouw Orchestra en septiembre 2027. En la misma temporada ocupará el cargo como director titular de la Chicago Symphony Orchestra.

Artista exclusivo de Decca Classics, ha grabado música de los Ballets Rusos de Stravinski y Debussy, con la Orchestre de Paris. Con la Filarmónica de Oslo ha grabado el ciclo completo de las sinfonías de Sibelius, y dos álbumes con los Conciertos para violín de Sibelius y Prokófiev con Janine Jansen.

Al frente de la Filarmónica de Oslo, Mäkelä, ha estado de gira por Japón, Corea del Sur y Taiwán, y fueron invitados a dar conciertos en Hamburgo, Ámsterdam, París y Viena. Shostakovich sigue siendo el compositor principal en la quinta temporada de Mäkelä en Oslo. Centrada en compositores franceses y nuevas obras, su cuarta temporada con la Orchestre de Paris incluye invitaciones por toda Europa y un regreso a Asia en junio de 2025.

Su sobresaliente debut en septiembre 2020 hizo que la Royal Concertgebouw Orchestra le volviera a invitar cuatro veces en el plazo de dos años. Como Socio Artístico, Mäkelä colabora estrechamente con la orquesta en diversos programas durante 2024-25, entre ellos las Sinfonías núms. 1 y 8 de Mahler, la Matinée de Navidad y el concierto de Gala Anual. En noviembre 2024 está proyectada una extensa gira por Estados Unidos.

Como director invitado, en 2024-2025, volverá a dirigir la Berliner Philharmoniker y la Cleveland Orchestra y hará su debut con la Wiener Philharmoniker.

JANINE JANSEN

Considerada una de las mejores violinistas del mundo, ha realizado numerosas giras con la Royal Concertgebouw Orchestra, en España y los Estados Unidos, en 2010; Berlín, en abril de 2011; China y Corea, en febrero de 2012 y 2015; Sudáfrica, en marzo de 2013, y otra vez China, en 2017.

También ha actuado frecuentemente como invitada, desde que hiciera su doble debut con la Royal Concertgebouw Orchestra, en 2004, cuando interpretó los Conciertos para violín de Britten y núm. 2 de Prokófiev. Actuó como solista con la Royal Concertgebouw Orchestra en la gira estreno del Concierto para violín de Michel van der Aa, en 2014.

Ha sido invitada para colaborar con destacadas orquestas, entre las que cabe destacar la Chicago Symphony Orchestra, la Philadelphia Orchestra, London Symphony Orchestra, y las filarmónicas de Berlín y Viena.

Es una dedicada intérprete de música de cámara, colaborando con Leif Ove Andsnes, Martin Fröst, Itamar Golan, Mischa Maisky y Julian Rachlin. Organizó su propio Festival Bach en la Concertgebouw de Ámsterdam, en marzo de 2024.

Ha ganado numerosos premios, incluyendo cuatro Premios Edison, cuatro Echo Klassik, el Premio de Música Clásica de la Association of Theatres and Concert Hall Management Boards (2008), Mejor Instrumentalista de la Royal Philharmonic Society (2009), el Premio Concertgebouw (2013) y el Premio Johannes Vermeer (2018).

Estudió con  Coosje Wijzenbeek, Philippe Hirschhorn y Boris Belkin. Toca el Stradivarius ‘Shumsky-Rode’, de 1715.

Fotografía © Marco Borggreve

Manuel Walser

El barítono suizo Manuel Walser, uno de los especialistas más aclamados por crítica y público en los escenarios europeos, debuta junto al pianista Alexander Fleischer en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En un programa que lleva por título Liebe und Traum (Amor y sueño), recorrerán algunas de las piezas más famosas del género liederístico, canciones inspiradas en textos de poetas del Romanticismo con música de tres grandes compositores seleccionados para la ocasión: Johannes Brahms, Serguéi Rachmaninov y Richard Strauss. El recital tendrá lugar el lunes 8 de mayo, a las 20:00h, en el Teatro de la Zarzuela.

Gracias a su generosa voz y su perfecta dicción, Manuel Walser es capaz de expresar los sentimientos más profundos del alma. A lo largo de su trayectoria, este cantante ha sido galardonado en numerosas ocasiones. Además de haber sido miembro permanente del conjunto de la Ópera Estatal de Viena durante cinco temporadas, está apasionadamente dedicado al arte del lied y ha ofrecido recitales en los principales escenarios europeos. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela junto a Alexander Fleischer, quien también destaca por una fuerte pasión por el repertorio vocal de cámara y haber cosechado numerosos reconocimientos internacionales.

En el concierto, se hará un recorrido por obras maestras del género liederístico. Se escucharán algunos de los más famosos y apreciados lieder del maestro Johannes Brahms, como la balada Von ewiger Liebe, op. 43 (Del amor eterno), la canción Dein blaues Auge hält so still, op. 59 (Tus ojos azules están tan callados), que nos acerca al universo de Robert Schumann, o la dramática Wie rafft ich mich auf, op. 32 (Cómo me armé de valor…). El segundo autor seleccionado en este viaje a través de las pasiones y los sueños será Serguéi Rachmaninov, uno de los grandes compositores posrománticos europeos. Considerado, a su vez, como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX, sus lieder están cargados de figuras oníricas donde la presencia del piano toma un protagonismo especial. Finalmente, el público podrá adentrarse en la magia de las canciones de Richard Strauss, quien mantuvo durante toda su vida una fuerte relación con el lied. En sus piezas vocales destaca el canto al amor, a la naturaleza y a la nostalgia de un tiempo pasado. El recital será una oportunidad para escuchar algunas de sus obras más conocidas, como Morgen! (¡Mañana!), op. 27, nº 4, una de las joyas del género.

Mezzo

El canal MEZZO celebra sus primeros 25 años, y lo hace desde el Teatro Real retransmitiendo Arabella, de Richard Strauss. Con dirección musical de David Afkham y escenografía de Christof Loy.

El 21 de marzo de 1998, el primer día de la primavera, nació en Francia un nuevo canal de televisión, MEZZO, dedicado a la música clásica, la danza y el jazz. Veinticinco años después, MEZZO se ha desarrollado espectacularmente: ya no hay un canal sino dos, Mezzo y Mezzo Live, enriquecidos por una plétora de ofertas a la demanda, disponibles en casi 100 países con más de 65 millones de abonados.

Durante este primer cuarto de nuestro siglo, más de una generación de artistas ha triunfado, ha convivido y se ha conocido en nuestros programas; hemos asistido a muchos estrenos mundiales y redescubierto más de una obra maestra olvidada; hemos sentido las primeras emociones de conciertos, óperas, ballets que nos encantaba ver y volver a ver.

Es esta rica historia cultural que MEZZO le gustaría celebrar con nuestro 25 aniversario. Del 21 de marzo al 1 de mayo, cada noche, nuestros dos canales emitirán simultáneamente: – 25 conciertos emblemáticos que han marcado los últimos 25 años, una elección necesariamente subjetiva de todo el equipo MEZZO y que ve a Claudio Abbado y Maurizio Pollini en el Festival de Lucerna, Bernard Haitink en su concierto final con la Royal Concertgebouw Orchestra, Joyce DiDonato y Juan Diego Flórez en el Covent Garden, Nikolaus Harnoncourt y Jonas Kaufmann en la Ópera de Zúrich, Bobby McFerrin y Chick Corea, Jamie Cullum, Maurice Béjart, Anne Teresa De Keersmaeker y muchos otros que podrás descubrir.

– 17 eventos en vivo (o en ligero diferido) desde París, Londres, Praga, Montreal, Ámsterdam, Barcelona… Si la Orquesta Filarmónica de Berlín y su director Kirill Petrenko cierran este ciclo interpretando a Mozart en directo desde la Sagrada Familia, abriremos las celebraciones con un concierto de aniversario, el 21 de marzo en París, que reunirá a jóvenes artistas menores de 25 años, cuatro jóvenes talentos que sin duda brillarán en los escenarios de todo el mundo durante los próximos 25 años.

Para esta nueva primavera, los canales serán renovados con una nueva identidad visual que ya puedes descubrir en estas páginas.
Este aniversario es, por lo tanto, una oportunidad para celebrar un presente muy rico, admirable y también un futuro muy prometedor. Pero nuestros 25 años son sobre todo con – y especialmente para – los artistas: Claudio Abbado, Martha Argerich, Daniel Barenboim, Maurice Béjart, Pierre Boulez, Avishai Cohen, Hariprasad Chaurasia, Chick Corea, Jamie Cullum, Anne Teresa De Keersmaeker, Sabine Devieilhe, Joyce DiDonato, Gustavo Dudamel, Renée Fleming, Juan Diego Flórez, Sir John Eliot Gardiner, Melody Gardot, Bernard Haitink, Barbara Hannigan, Nikolaus Harnoncourt, Mariss Jansons, Jonas Kaufmann, Bruce Liu, Bobby McFerrin, Youn Sun Nah, Kirill Petrenko, Maurizio Pollini, Sir Simon Rattle, Jordi Savall, Lahav Shani, Grigory Sokolov, Daniil Trifonov, Mitsuko Uchida…

Fotografía: Javier del Real

Mark Elder

‘Sir’ Mark Elder, reconocido como una de las grandes batutas del circuito internacional, dirige el poema sinfónico ‘Ein Heldenleben’ (‘Una vida de héroe’), de Richard Strauss’, y ‘Sinfonía de los salmos’, de Igor Stranvinsky en València y Castelló de la Plana.

El prestigioso director británico debuta con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) en el último de los conciertos del ciclo ‘Les Arts és Simfònic’, programado el viernes, 10 de junio, en el Palau de les Arts (20.00 h), y el sábado 11 en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló de la Plana (19.30 h).

El actual titular de la Orquesta Hallé de Manchester y principal director invitado de la Filarmónica de Bergen dirige las formaciones más importantes de Europa y Estados Unidos. Artífice del crecimiento artístico de la English National Opera, compagina el repertorio sinfónico con el operístico, con trabajos en el Covent Garden de Londres, la Opéra de París o el Metropolitan de Nueva York.

Para su debut, ‘Sir’ Mark Elder propone dos obras de fascinante sonoridad y complejidad técnica con las que disfrutar de las excelencias de los cuerpos estables de Les Arts, que este mismo mes han culminado con excelencia uno de sus mayores desafíos artísticos con el estreno de ‘Wozzeck’ en València.

Igor Stravinsky compuso ‘Sinfonía de los salmos’ como encargo para celebrar el 50 aniversario de la Sinfónica de Boston. Basada en tres salmos del Libro de los Salmos de David y dedicada ‘a la gloria de Dios’, esta sinfonía coral está considerada como una de las obras sacras más brillantes del s. XX.

Adscrita al periodo neoclásico del compositor, está dividida en tres movimientos que se ejecutan sin interrupción. La austera y singular orquestación, que excluye violines, violas y clarinetes, la intervención del coro, que interpreta los textos extraídos de las versiones de la ‘Vulgata’ en latín, generan una turbadora sonoridad con la que Stravinsky alcanza las más altas cotas de elevación espiritual.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana clausurará el ciclo sinfónico con una de las obras más complejas y comprometidas del gran repertorio, ‘Ein Heldenleben’, de Richard Strauss, partitura brillante, enérgica y dotada de un colorido orquestal de impresionante riqueza.

Compuesto en 1898, el último poema sinfónico de Strauss es una alegoría en la que el autor retrata, mediante el léxico heroico, la vida del artista. Configurada en seis movimientos, contiene alusiones melódicas a poemas sinfónicos anteriores, a modo de autobiografía musical.

 

‘Ein Heldenleben’ es, además, una de las obras imprescindibles en la trayectoria de la OCV, con la que hizo su aplaudido debut en el Auditorio Nacional de Madrid en 2010 bajo la dirección de Zubin Mehta.

 

Mark Elder

 

‘Sir’ Mark Elder es director musical de la Orquesta Hallé de Mánchester desde 2000. A partir de septiembre de 2022 será principal director invitado de la Filarmónica de Bergen. Anteriormente desempeñó los cargos de director musical de la English National Opera (1979-1993) y de la Filarmónica de Rochester, Nueva York (1989-1994), además de los de principal director invitado de los London Mozart Players y de las sinfónicas Ciudad de Birmingham y la BBC.

 

El maestro británico dirige las orquestas más importantes del panorama internacional: Concertgebouw, París, Festival de Budapest, filarmónicas de Berlín y Londres y las sinfónicas de Boston y Chicago. Es artista principal de la Orchestra of the Age of Enlightenment, colabora regularmente con la Sinfónica de Londres y ha dirigido en los Proms durante muchos años.

 

Su presencia es también habitual en los principales teatros de ópera: Covent Garden, Metropolitan, las óperas de París y Chicago o el Festival de Glyndebourne. También ha sido invitado al Festival de Bayreuth (donde fue el primer director inglés en dirigir una nueva producción), Múnich, Ámsterdam, Zúrich, Ginebra, Berlín y al Festival de Bregenz.

Elektra, Palau Les Arts

El Palau de les Arts se adentra en el repertorio alemán con ‘Elektra’, de Richard Strauss, obra imprescindible en la programación de los teatros de ópera internacionales, que reúne en València a primeras figuras del panorama operístico internacional.

Marc Albrecht, en el podio, y Robert Carsen, en la escena, debutan en Les Arts con este título, de exigente partitura y compleja dramaturgia que se estrenará el próximo 18 de enero.

El director de orquesta alemán y el creador canadiense afrontan las últimas semanas de ensayos en València, con los cuerpos estables del teatro, el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, junto con un reparto de reconocidas intérpretes.

La soprano sueca Iréne Theorin (Elektra), aclamada por la crítica en este papel, encabeza la terna protagonista que interpreta el arrollador psicodrama de Strauss, con la veterana mezzosoprano alemana Doris Soffel como Klytämnestra y la emergente soprano estadounidense Sara Jakubiak en el rol de Chrysothemis.

Con libreto de Hugo von Hofmannsthal, basado en la tragedia homónima de Sófocles, ‘Elektra’ está considerada como una de las partituras de mayor dificultad tanto para voces como para orquesta, que, en su día, llegó a ser la más grande utilizada para una ópera.

Marc Albrecht, batuta experta en la obra de Strauss y Wagner y reciente ganador en los Opera Awards 2019 en la categoría de mejor director musical, recupera con la OCV un repertorio con el que la formación titular de Les Arts ha alcanzado sus más altas cotas de excelencia con títulos como ‘Der Ring des Nibelungen’, ‘Parsifal’ o ‘Salome’.

Por su parte, Robert Carsen, presenta ante el público valenciano una producción de la Opéra National de Paris, basada en una coproducción original del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino y Tokyo Opera Nomori, con escenografía de Michael Levine, vestuario de Vazul Matusz, iluminación propia y de Peter van Praet y coreografía de Philippe Giraudeau.

Reconocido por su gran talento teatral y por la cuidada estética de sus montajes, Carsen propone una estremecedora visión de ‘Elektra’, de gran fuerza expresiva y profundo simbolismo.

El estreno de ‘Elektra’ tendrá lugar el sábado 18 de enero. Les Arts ha programado otras cuatro funciones de la ópera de Richard Strauss los días 21, 24, 27, y 30 de enero.

Fotografía: Miguel Lorenzo


 

Capriccio, de Strauss, un regalo insperado en el Teatro Real
CAPRICCIO
Richard Strauss (1865-1949)
Teatro Real de Madrid, 31 de Mayo de 2019
Konversationsstück für Musik en un acto
Libreto de Joseph Gregor, Richard Strauss y Clemens Krauss, basado en la idea original de Stefan Zweig
Estrenada en la Staatsoper de Múnich el 28 de octubre de 1942
Estreno en el Teatro Real, en coproducción con la
Opernhaus de Zúrich
D. musical: Asher Fisch
D. escena: Christof Loy
Escenógrafo: Raimund Orfeo Voigt
igurinista: Klaus Bruns
Iluminador: Franck Evin
Coreógrafo: Andreas Heise
Reparto: Marlin Byström, Josef Wagner, Norman Reinhardt, André Schuen, Christof Fischesser, Theresa Kronthaler, John Graham-Hall, Leonor Bonilla, Juan José de León, Torben Jüngens, Emmanuel Faraldo, Pablo García-López, Tomeu Bibiloni, David Oller, Sebastiá Peris, Davil Sánches, Elizabeth McGorian y Julia Ibáñez
Orquesta Titular del Teatro Real¿Quién, en medio de uno de los peores momentos por los que atravesaba el mundo, podía pararse a pensar y componer un refinamiento aristocrático como Capriccio? Richard Strauss y Stefan Zweig fueron capaces de elaborar un debate intelectual sobre la propia ópera, al modo de los diálogos de Platón. Y puede que lo hicieran, simplemente, como método de evasión.Una ópera sobre la ópera. Este fue el tema que eligió Richard Strauss para la última de sus composiciones, la eterna discusión sobre si debe prevalecer la música o el texto.
La historia había comenzado años atrás, cuando inicia la búsqueda de un nuevo libretista, tras la muerte de Hugo von Hofmannsthal, en 1929, el que hasta entonces había sido su principal colaborador y autor del libreto de todas sus composiciones. En su siguiente ópera, Die schweigsame (La mujer silenciosa), compuesta en 1934, se hace cargo del texto uno de los escritores más importantes del momento, el austríaco Stefan Zweig. Paralelamente, buceando en la Biblioteca del Museo Británico, Zweig encuentra el libreto que había escrito Gionavanni Batista Castri para la ópera Prima la música, dopo la parole, del compositor Antonio Salieri. A Strauss le gustó la idea, pero se vieron obligados a posponer el proyecto ante los problemas que el estreno de la mujer silenciosa había causado. Se había pedido la retirada del cartel del nombre del libretista, algo a lo que Strauss se negó. Se llegó a estrenar, pero se retiró a los pocos días.Para entonces ya se habían prohibido en Alemania los libros de Zweig. El judío Zweig, como era conocido por el régimen nazi, se vio obligado al exilio, como tantos otros intelectuales a partir de 1933. Pasó de ser un judío errante a extranjero distinguido en la ciudad brasileña de Petrópolis, donde se suicidó junto a su mujer en 1942, ante el temor de que el mundo que había conocido desapareciera.El boceto del libreto de Capriccio iniciado por Zweig fue retomado, primero por Joseph Gregor, y después por el propio Strauss y su amigo, el director de orquesta Clemens Krauss. Que sería después el director de Capriccio en su estreno. Y su mujer, la soprano ucraniana-austríaca Viorica Ursuleac, que sería la primera condesa Madeleine. En esta ocasión no hubo ningún problema en su estreno. El hecho de que Clemens Kraus fuese en ese momento el hombre más poderoso de la ópera alemana y amigo personal de Goebbels, ayudó bastante. Como también ayudó él mismo, a pesar de su buena relación con el régimen, a la huida de numerosos artistas judíos, principalmente a Estados Unidos.

En la elaboración de Capriccio participó también el director Hans Swarosky, quien aportó otro de los elementos fundamentales de la ópera, un soneto del poeta francés del siglo XVI Pierre Ronsard. Una declaración de amor que es declamada por Madeleine, sobre todo en la escena final:

Me haría falta buscar otras venas
Las mías están de vuestro amor tan llenas
Que otro amor no podrían soportar

El mismo año en que moría Zweig, 1942, se estrenaba Capriccio en la Staatsoper de Múnich el 28 de octubre. Ahora es el Teatro Real el que la estrena, en coproducción con la Opernhaus de Zúrich.

Cuando Strauss y Zweig comenzaron a pensar en Capriccio, no se ponían de acuerdo sobre si debía ser una ópera o una obra de teatro. Ciertamente, es la ópera más parecida a una obra de teatro que pueda verse. En ese, como en otros aspectos, Capriccio está llena de originalidad y peculiaridades.

Christof Loy, ayudado por el escenógrafo Raimund Orfeo Voigt, ha creado una escenografía brillante, llena de exquisitez, vacía de elementos superficiales y con referencias que llenan de profundidad esta ópera dialogada. Es una obra coral, compuesta por todos los personajes que intervienen en una producción, director, compositor, libretista, escenógrafo, cantantes… Está llena de escenas de conjunto en las que los actores/cantantes se mueven e interpretan de manera enteramente teatral, sin el exceso dramático de la ópera convencional. Lo que llena el desarrollo de las escenas de realismo y credibilidad. Nada en la escenografía es casual. Loy se ocupa de dirigir todos los detalles y logra que funcione con increíble precisión. Las escenas avanzan de manera fluida y natural, como si estuviera ocurriendo de verdad. Con muy pocos elementos recrea toda la minuciosidad que atesora la partitura. Y todo con una característica siempre presente, la elegancia.

El director musical Asher Fisch ha conseguido un resultado extraordinario de la Orquesta Titular del Teatro. El sexteto de cuerda inicial, una pieza camerística que pone de manifiesto la originalidad de la obra, demuestra la solvencia de la Orquesta. La escena y el foso caminan al unísono en fluidez y musicalidad. Fisch consigue la misma intensidad y calidad de sonido a lo largo de las más de dos horas que dura la representación, con una partitura llena de dificultades y cambios constantes. Todas las cuerdas sonaron de manera excepcional, pero, además del sexteto, sobresalió el solista de trompa Ramón Cueves, sobre todo en la interpretación de la serenata para trompa y orquesta de la última escena.

Los dos amantes que rivalizan por el amor de Madeleine estuvieron interpretados por André Schuen, como Olivier y Norman Reinhardt, como Flamand. El barítono italiano André Schuen ya nos sorprendió recientemente en el Ciclo de Lied en el Teatro de la Zarzuela. Recrea muy bien su papel de poeta con un perfecto fraseo y una voz de hermoso timbre y gran sonoridad y profundidad. Teatralmente impecable, como el resto del reparto.

Norman Reinhardt interpretó al músico Flamand. Su voz de tenor ligero sonó un poco forzada a veces, pero supo estar a la altura del conjunto. Elegante también en su desempeño escénico.

Josef Wagner interpretó al Conde, uno de los detalles de Christof Loy con el barroco, al hacerle aparecer en escena con vestuario de época. Perfecta actuación y timbre oscuro y rotundo, ideal para el personaje.

La soprano sueca Malin Byström dio vida a la condesa Madeleine. Y realmente la llenó de vida. Su porte elegante y aristocrático son perfectos para el personaje y su voz, de soprano lírica, perfecta para el fraseo cantado de sus numerosos diálogos apoyada en un potente y necesario fiato. Su momento cumbre, y el de la obra, fue su brillante final, ese canto romántico y delicado del soneto de amor de Pierre Ronsard. Se mimetizó absolutamente con su personaje, que no pudo resultar más creíble. Estuvo perfectamente acompañada por sus réplicas de niña, Julia Ibáñez y de casi anciana, Elizabeth McGorian.

Interesantes fueron también las intervenciones de Theresa Kronthaler, en el papel de Clairon. Mezzosoprano que, además de su buen hacer vocal, demostró su formación escénica.

Leonor Bonilla y Juan José de León interpretaron magníficamente a los ligeros cantantes italianos. Un guiño de Strauss a la ópera italiana perfectamente imbricado en la obra.

El octeto de la escena de los criados es otro de los elementos a destacar en esta ópera. Tanto el vestuario barroco, todos de blanco, como la disposición en escena. Perfectos los figurines de Klaus Bruns y la coreografía de Andreas Heise.
Para redondear este reparto tan equilibrado, tanto en lo vocal, como en lo interpretativo, citar a John Graham-Hall, como Monsieur Taupe y Torben Jüngens, que hizo de mayordomo.

El Teatro Real nos tiene acostumbrados, al menos, a una sorpresa por temporada. Algo excepcional que nadie espera. En esta ocasión, se puede decir que es la sorpresa del bicentenario, el del Real. Un regalo inesperado que justifica, por si solo, toda una temporada.

Texto: Paloma Sanz
Imágenes: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Salome

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera)  programa Salome, ópera considerada como la más osada, breve y perfecta de Strauss y una de las joyas musicales del expresionismo alemán. Los próximos días 17, 20, 23 y 26 de febrero, con el patrocinio de la Fundación BBVA, patrocinador principal de ABAO-OLBE, sube a escena este título que se representa por segunda vez dentro de la temporada bilbaína.

Este drama musical en un acto, basado en la obra homónima de Oscar Wilde, contiene momentos de sensualidad turbadora que algunos han calificado de “lujuria sinfónica”. Para dar vida a los protagonistas de este canto sublime de amor y muerte, ABAO-OLBE ha reunido un elenco encabezado por la soprano estadounidense Jennifer Holloway, una de las grandes ‘Salome’ de hoy, quien se presenta en Bilbao tras debutar este rol en 2016 en la Sächsische Staatsoper de Dresden con enorme éxito de crítica y público. A su lado debut en ABAO dos de las voces más estimadas en este repertorio: el tenor Daniel Brenna como ‘Herodes’ y el bajo-barítono Egils Silins como ‘Jochanaan’. Cierra el cuarteto protagonista la consagrada soprano IIdiko Komlósi como ‘Herodias’. Junto a ellos completan el amplio cartel el tenor Mikeldi Atxalandabaso como ‘Narraboth’, la mezzosoprano Monica Minarelli como ‘El Page de Herodias’ en las funciones del 17 y 20 de febrero e Itxaro Mentxaka en las del 23 y 26 de febrero, los debuts de los tenores Josep Fadó, Miguel Borrallo, Igor Peral y Jordi Casanova como los ‘Judios 1, 2, 3 y 4’ respectivamente, los también debuts de los bajos-barítonos Michael Borth como ‘Judio 5’ y Manuel Mas como ‘Capadocio’, el bajo-barítono Alberto Arrabal como ‘Nazareno 1’, el tenor Alberto Nuñez como ‘Nazareno 2’, el debut de la soprano Helena Orcoyen como ‘Esclava’, el barítono José Manuel Díaz como ‘Soldado 1’y el bajo Mikel Zabala como ‘Soldado 2’ acompañados todos ellos por veintiséis actores.

En el foso la Bilbao Orkestra Sinfonikoa que bajo la batuta de su director titular Erik Nielsen se convierte en un personaje decisivo de esta ópera de orquestación impresionante, cuya música se caracteriza por un amplio cromatismo, una paleta de timbres originales y un leitmotiv sofisticado. La parte coral es una vez más tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una producción de Francisco Negrín para el Palau de Les Arts de Valencia que muestra una sociedad que duerme en los cojines de sus propias mentiras, una sociedad enferma, decadente, autosatisfecha y pagada de sí misma cuya expiación muere cuando la cabeza de Jochanaan es cercenada. La escenografía se articula sobre un cilindro giratorio con espacios cargados de simbolismo. La iluminación atenuada contribuye a crear una escena sobrecogedora donde no faltan aspectos tecnológicos como pantallas y proyecciones de vídeo.

Conferencia sobre “Salome”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Strauss, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre hasta completar aforo, para el viernes 16 de febrero en el Auditorio del Museo de Bellas Artes (entrada por la puerta Chillida) a las 19.15 horas. En esta ocasión será Luis Gago,  quien ha sido Subdirector y Jefe de Programas de Radio 2 (RNE), miembro del Grupo de Expertos de Música Seria de la Unión Europea de Radiodifusión, Coordinador de la Orquesta Sinfónica de RTVE y Editor del Teatro Real. Ha realizado programas de radio para la BBC y es autor de numerosos artículos y monografías, del libro Bach (1995) y de la versión española del Nuevo Diccionario Harvard de Música. Prepara habitualmente los subtítulos en castellano para la Royal Opera House, la English National Opera y el Digital Concert Hall de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Es editor y crítico de música de Revista de Libros, crítico musical de El País y codirector, junto con Tabea Zimmermann, del Festival de Música de Cámara de la Beethoven-Haus de Bonn.

Fundación BBVA: un amplio programa para acercar al público la mejor música

El programa de Cultura de la Fundación BBVA presta atención especial a la música, con énfasis en la contemporánea, y en este ámbito se distingue por cubrir el ciclo completo: desde la creación a la difusión, pasando por la formación de intérpretes, la grabación de obras y el reconocimiento a la excelencia musical. De esta manera, contribuye a acrecentar el repertorio mediante encargos de composición y vela por su permanencia gracias a las colecciones discográficas de referencia desarrolladas con los sellos NEOS y Verso, y a proyectos singulares realizados con un amplio y prestigioso elenco de sellos discográficos. Además, facilita el acceso a la música en vivo mediante ciclos de conciertos en sus sedes de Madrid y Bilbao, en el Auditorio Nacional, y a través de la colaboración continuada con teatros y asociaciones de todo el país, como la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO-OLBE), el Teatro Real y el Gran Teatre del Liceu. Organiza ciclos de conferencias y encuentros con expertos de primera línea, fomenta la formación internacional de jóvenes intérpretes a través de acuerdos con diversas instituciones, impulsa proyectos altamente innovadores a través de las Becas Leonardo en Música y Ópera, y distingue la excelencia mediante dos familias de galardones: el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento de Música Contemporánea y el Premio de Composición Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS)-Fundación BBVA.

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