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Teatro de la Maestranza Archives - Brío Clásica
Rafael Riqueni

El próximo 24 de abril, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, acogerá el estreno de “Suite Sevilla” de Rafael Riqueni, en versión de Concierto para Guitarra y Orquesta, con la interpretación del propio Rafael Riqueni, junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), dirigida por Manuel Busto.

El conocido compositor y músico sevillano, considerado una leyenda viva de la guitarra, debuta con la ROSS en este concierto organizado en colaboración con el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS) y la Bienal de Flamenco.

En 2011, Suite Sevilla fue adaptada por el Ballet Nacional de España con un espectáculo que se ha representado en numerosos escenarios de todo mundo. El famoso guitarrista Rafael Riqueni nos presenta la definitiva encarnación de Suite Sevilla, en versión de concierto para guitarra y orquesta sinfónica en cuatro movimientos (El Real, Mi Paseo, Ensueño, y Realidad), que describen poéticos instantes, sensaciones y lugares en el curso vital de la ciudad. La orquestación de la obra ha sido realizada por Manuel Busto, uno de los jóvenes directores y compositores españoles con mayor proyección en el panorama sinfónico, que ha estrenado recientemente la doble producción El Amor Brujo – La Vida Breve en la Ópera Nacional de Taiwán; además, ha compuesto varios encargos para ser interpretados por el BNE en las últimas temporadas. Su método ha sido concebido desde un profundo estudio del género flamenco y sus particularidades, completando junto a Rafael Riqueni el tándem preciso para la creación de “Suite Sevilla”, Concierto para Guitarra y Orquesta.

Suite Sevilla, disco publicado en 1993, es la primera obra que fusionó con éxito música clásica y flamenco. En conjunción directa con elementos esenciales de lo jondo, Rafael Riqueni, reconocido músico flamenco y compositor, ha desarrollado un inimitable estilo en la guitarra a través de su contrastada influencia clásica, en el que desarrolla corrientes del romanticismo español y del impresionismo para crear un definido concepto armónico en pos de la “música contemporánea andaluza”, que en 2017 encontraría un nuevo y excepcional capítulo con Parque de María Luisa, considerado uno de los mejores discos del año en España.

Rafael Riqueni (c) Manuel Naranjo

Teatro de la Maestranza

Rafael Riqueni

Grigory Sokolov

Hay excelentes maestros del teclado. Hay prodigiosos virtuosos del piano. Hay concertistas emocionantes. Y luego está… Grigory Sokolov.

Carismático. Colosal. Magnético. Crecido frente a un teclado, el ruso Grigory Sokolov (Leningrado, 1950), al pianista que James Rhodes idolatra, asombró al jurado del Concurso Internacional Chaikovski de 1966 ganando el primer premio. Tenía 16 años. Cuando, a finales de los 80, Occidente escuchó al fin aquel tesoro oculto tras el Telón de Acero, el “mito Sokolov” nació instantáneamente.

Pianista de pianistas, Sokolov solo interpreta la música que ama, siempre en vivo y rara vez en estudio. Y, a partir de su portentosa precisión técnica, de ella extrae una dimensión espiritual y sonora inédita en recitales a los que se entrega con una devoción sorprendente alargándolos con la generosidad de regalarnos media docena de propinas.

Toque lo que toque, la “experiencia Sokolov” será, sin duda, mucho más que un recital, una experiencia inolvidable.

GRIGORY SOKOLOV, piano

Teatro de la Maestranza, 23 de febrero, 2021

La naturaleza única e irrepetible de la música hecha en el momento presente es fundamental para comprender la belleza expresiva y la honestidad convincente del arte de Grigory Sokolov. Las interpretaciones poéticas del pianista ruso, que cobran vida con una intensidad mística en la interpretación, surgen del profundo conocimiento de las obras de su vasto repertorio. Sus programas de recitales abarcan desde transcripciones de la polifonía sagrada medieval y obras de Byrd, Couperin, Rameau, Froberger hasta la música de Bach, Beethoven, Schubert, Schumann, Chopin, Brahms y composiciones históricas del siglo XX de Prokofiev, Ravel, Scriabin, Rachmaninoff, Schoenberg y Stravinsky. Es ampliamente reconocido entre los pianófilos como uno de los mejores pianistas de la actualidad, un artista universalmente admirado por su perfil visionario, su espontaneidad fascinante y su inflexible devoción por la música.

Nació en Leningrado (ahora San Petersburgo) el 18 de abril de 1950. Comenzó a tocar el piano a los cinco años y, dos años después, comenzó a estudiar con Liya Zelikhman en la Escuela Especial Central del Conservatorio de Leningrado. Recibió clases de Moisey Khalfin en el Conservatorio de Leningrado y ofreció su recital de debut en Leningrado en 1962. El prodigioso talento de Sokolov fue reconocido en 1966 cuando, a los 16 años, se convirtió en el músico más joven en recibir la Medalla de Oro en el Concurso de piano Internacional Tchaikovsky en Moscú. Emil Gilels, presidente del jurado del Concurso Tchaikovsky, posteriormente defendió el trabajo de Sokolov.

Mientras Grigory Sokolov realizó importantes giras de conciertos por los Estados Unidos y Japón en la década de 1970, su arte evolucionó y maduró fuera del centro de atención internacional. Sus grabaciones en vivo de la época soviética adquirieron un estatus casi mítico en Occidente, evidencia de un artista a la vez completamente individual, como ningún otro, pero alimentado por el rico suelo de la tradición rusa de tocar el piano. Tras el colapso de la Unión Soviética, Sokolov comenzó a aparecer en las principales salas de conciertos y festivales de Europa. Actuó extensamente como solista con orquestas del más alto calibre, trabajando con, entre otros, la Filarmónica de Nueva York, la Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, la Philharmonia de Londres, la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks y Munich Philharmonic, antes de decidir centrarse exclusivamente en dar solo recitales. Sokolov realiza alrededor de 70 conciertos cada temporada, se sumerge completamente en un solo programa y realiza giras por toda Europa.

A diferencia de muchos pianistas, tiene un gran interés en el mecanismo y la configuración de los instrumentos que toca. Pasa horas explorando sus características físicas, consultando y colaborando con técnicos de piano para lograr sus requisitos ideales. “Se necesitan horas para entender el piano, porque cada uno tiene su propia personalidad y tocamos juntos”, explica. La asociación entre artista e instrumento es de vital importancia para el flujo de ideas musicales de Sokolov. Ahorrando en el uso del pedal de sostenimiento, evoca todo, desde las más sutiles gradaciones tonales y texturales hasta los contrastes de sonido más audaces a través del puro brillo de su trabajo con los dedos. Los críticos suelen llamar la atención sobre su extraña habilidad para articular voces individuales dentro de una compleja textura polifónica y proyectar líneas melódicas sin fisuras.

El carismático arte de Grigory Sokolov tiene el poder de generar la concentración necesaria para que el público contemple incluso las composiciones más familiares desde nuevas perspectivas. Durarte el recital, atrae a los oyentes a una relación cercana con la música, trascendiendo la exhibición superficial y el espectáculo para revelar un significado espiritual profundo. El arte de Sokolov se basa en los sólidos cimientos de su personalidad única y su visión individual. Desde 2015 es artista exclusivo de Deutsche Grammophon. Su asociación ha hecho posible la publicación de diversas grabaciones, todas ellas extraídas estrictamente de conciertos en directo. La grabación más reciente (2020) combina un doble CD con música de Beethoven y Brahms con un DVD de un concierto en vivo grabado en Il Lingotto de Turín con música de Mozart y Beethoven y dirigido por Nadia Zhdanova.

Fotografía: ©Mary Slepkova- Deutsche Grammophon

Ismael Jordi

Belcantismo andaluz

Desde hace algunos años, dos voces andaluzas protagonizan los mejores cartelones belcantistas de los grandes teatros de ópera del mundo. De un lado, Mariola Cantarero (Granada, 1978) y, de otro, Ismael Jordi (Jerez de la Frontera, 1973) han seducido a la audiencia con la belleza de sus timbres, su dominio de las agilidades o la intensidad escénica con la que interiorizan sus personajes de Donizetti, Bellini, Mozart o Verdi.

Protagonistas de carreras meteóricas desplegadas sobre un talento innato, Mariola Cantarero, quien a finales de 2019 dirigió su primera ópera, o Ismael Jordi, forjado a la sombra de Alfredo Kraus, vuelven a reunirse en torno a un programa de canciones de Turina y Barrios completado con romanzas y dúos de zarzuela y ópera, en un Teatro donde una vez fueron la pareja explosiva de una Traviata inolvidable y sobre cuyo escenario han crecido como los grandes reclamos del belcantismo andaluz más internacional.

El tenor español Ismael Jordi nació en Jerez de la Frontera y estudió en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Alfredo Kraus. Hizo su debut en el Teatro Villamarta de Jerez, cantando Ernesto de Don Pasquale.

ISMAEL JORDI, tenor

MARIOLA CANTARERO, soprano

Canciones de Joaquín Turina y Ángel Barrios, romanzas y dúos de ópera y zarzuela.

Piano: Rubén Fernández Aguirre

Teatro de la Maestranza, 13 de febrero de 2021

Ha cantado en teatros de toda Europa, en Francia: Estrasburgo (Don Pasquale, Falstaff, L’elisir d’amore), Toulouse (Gianni Schicchi, Doña Francisquita, Der Rosenkavalier), Burdeos (Il barbiere di Siviglia, La Traviata), Marsella (La Traviata), Aviñón (Rigoletto, I Capuleti e i Montecchi, La Traviata, Maria Stuarda, Anna Bolena), Toulon (Anna Bolena), Opéra Comique (Mignon) y Opéra National Paris-Bastille (La traviata), Chorégies d’Orange (Spanish Night, junto a P. Domingo), Monte Carlo (Lucia di Lammermoor). En Alemania: Dusseldorf (Il barbiere di Siviglia), Staatsoper Berlin (Il barbiere di Siviglia, L’elisir d’amore), Deutsche Oper Berlin (La Traviata, Lucia di Lammermoor, Rigoletto), Hamburgo (La Traviata, Rigoletto), Frankfurt (Anna Bolena), Dresde (Lucia di Lammermoor), Múnich (Lucrezia Borgia). En Austria: Volksoper Wien (Martha, La Traviata). En España: Jerez de la Frontera (La Traviata, Rigoletto, Eugen Onegin, Roméo et Juliette, Fausto), Sevilla (La Traviata, Anna Bolena), y Oviedo (L’elisir d’amore, La Traviata), Bilbao (I Capuleti e i Montecchi, Eugen Onegin, Rigoletto, Lucia di Lammermoor), Valencia (Iphigénie en Tauride), Barcelona (Linda di Chamounix, La Traviata, Lucia di Lammermoor), Teatro Real de Madrid (L’elisir d’amore, Roberto Devereux, Lucia di Lammermoor, Faust). En Países Bajos: Ámsterdam (Lucia di Lammermoor, La Traviata, Roméo et Juliette, Der Rosenkavalier). En Bélgica: Lieja (Lucrezia Borgia, Manon), Amberes-Gent (el estreno mundial de Le Duc d’Albe de Donizetti-Battistelli). En Suiza: Zúrich (Lucia di Lammermoor, Anna Bolena, Rigoletto), Lausanne (La Traviata, Doña Francisquita). En Italia: Macerata (Rigoletto), Padua (Lucia di Lammermoor), Verona (Rigoletto), Nápoles (Lucia di Lammermoor, La Traviata), Venezia (La Traviata), Roma (Linda di Chamounix, Rigoletto).En Reino Unido: ROH Covent Garden en Londres (Maria Stuarda, La Traviata, Lucia di Lammermoor); en Grecia: Greek National Opera en Atenas (Roméo et Juliette); en Japón: Tokio (Lucia di Lammermoor). En Corea: Korea National Opera de Seúl (Manon); en Canadá: Montréal (Roméo y Juliette), etc.

Aparece regularmente en recitales y conciertos. Sus grabaciones incluyen Martha en el Volksoper de Viena, La Traviata con el Teatro Villamarta de Jerez y Le Duc d’Albe en el De Vlaamse Opera.

Sus proyectos hasta 2025 incluyen: La Traviata y María Stuarda en el Teatro Real de Madrid; La Favorita en Málaga y Bilbao; Anna Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux en Ámsterdam y Valencia; L’elisir d’amore en el Festival de Orange; Roméo et Juliette en la Metropolitan Opera de Nueva York; Lucia di Lammermoor en el ROH Covent Garden London y en el ORW de Lieja; Los Gavilanes, Luisa Fernanda, La Generala en el Teatro de la Zarzuela de Madrid; Doña Francisquita en Sevilla, etc.

Considerada uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista de los últimos años, Mariola Cantarero ha obtenido también importantes triunfos en obras como La Traviata, Rigoletto o La bòheme, en la búsqueda continua de las obras más adecuadas a su evolución vocal, ampliando su repertorio con éstas y otras obras como María Stuarda, Lucrezia Borgia, Anna Bolena, así como Don Giovanni o Così fan Tutte.

Granadina de nacimiento, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de su ciudad natal, y posteriormente los amplía con el Catedrático de canto Carlos Hacar, y ya en carrera se perfecciona con Ruthilde Böesch en Viena. Es premiada en diferentes concursos internacionales de canto como el “Francisco Viñas”, “Operalia´99”, “Pedro Lavirgen” y “A.S.L.I.C.O. 2000”.

Recibe distintos premios por su trayectoria como “Premio ópera Actual”, “Revelación del círculo de amigos del Liceo”, “Premio Imagen de la Ciudad de Granada”, “Ojo Crítico de RNE”, “La Mención de Honor de la Diputación de Granada”, “La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada”, así como “La Medalla de Oro de Andalucía”.

Debuta en el Teatro Carlo Felice de Génova con Le Comte Ory de Rossini en el 2000, y desde entonces se convierte en soprano habitual de los principales teatros de Europa como el Teatro Real de Madrid, Liceu de Barcelona, Maggio Fiorentino, San Carlo de Nápoles, Ópera de Roma, Rossini Opera Festival, Hamburgo, Berlín, Zúrich, Ámsterdam, Estrasburgo, y más allá de nuestro continente en la Ópera Nacional de Corea, Oriental Art Center de Shanghai, San Juan de Puerto Rico, Santiago de Chile, Ópera de São Paulo, Ópera de Detroit, New Jersey.

Ha sido dirigida por directores como Zubin Mehta, Alberto Zedda, Jesús López Cobos, Daniel Oren, Bruno Campanella, o Roberto Abbado.

Entre su amplia discografía cabe destacar Luisa Fernanda junto a Plácido Domingo en el Teatro Real de Madrid, Falstaff dirigida por Zubin Mehta en el Maggio musicale Fiorentino, La gazza ladra del Rossini Opera Festival, Il viaggio a Reims en el Liceu de Barcelona, I puritani de la Ópera de Ámsterdam, Belcanto con Simón Orfila y Canciones en la Alhambra.

Fotografía: ©F.J. Gomez Pinteño

Teatro de la Maestranza

El Teatro de la Maestranza y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla han decidido paralizar sus respectivas programaciones de la presente temporada, ante las nuevas medidas decretadas tras la reunión del Consejo Asesor de Alertas de Salud Pública de Alto Impacto de la Junta de Andalucía, que implican la restricción de la entrada y salida de todos los municipios comprendidos en las provincias de la Comunidad Autónoma de Andalucía, la limitación de la movilidad entre las 22 h. y las 7 h., el cierre de toda actividad no esencial a las 18 h., así como la limitación de aforos.

Por todo ello, ambas instituciones aplazarán, siempre que sea posible, sus programaciones previstas para el mes de noviembre.

Desde la ROSS, tal y como ha explicado su director gerente Pedro Vázquez “estamos trabajando en la reubicación de nuestros conciertos y aplazando las actividades afectadas como son Crecer con la ROSS y el tercer y cuarto concierto de abono con idea de celebrarlos a partir del próximo mes de febrero”.

Por su parte el director general del Teatro de la Maestranza, Javier Menéndez ha señalado que “estamos desolados al tener que suspender nuestra actividad. Esperamos que esta nueva situación afecte al menor número de espectáculos posible. Hasta el día de hoy y con las dificultades existentes de movilidad, aforo y horario, hemos llegado a representar las cuatro funciones de la ópera Cosi fan tutte, pero la pandemia nos vuelve a colocar en una situación de absoluta inviabilidad para la realización de la programación del mes de noviembre. Se ven afectados el concierto de Argentina, Noa, el ciclo de danza Vertebración X, para los que ya estamos buscando nuevas fechas, y la producción de Combattimento”.

En los próximos días se ofrecerá más información sobre el procedimiento a seguir para el cambio o devolución del importe de las localidades de los espectáculos afectados, en el caso de no poder asistir en las nuevas fechas de las actividades aplazadas.

Durante este periodo la taquilla permanecerá abierta para atender al público de 10 a 14 horas.

El Teatro de la Maestranza y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla mantienen a la venta los espectáculos programados a partir del 1 de diciembre.

Teatro de la Maestranza

Con motivo de la Feria Internacional de Turismo, FITUR, que tendrá lugar en Madrid del 22 al 26 de enero, el Teatro de la Maestranza ha querido aprovechar para presentar los títulos de ópera y el programa doble de zarzuela de la próxima temporada 2020/2021.

Los títulos son los siguientes:

3, 5 y 7 de noviembre, 2020. COSÌ FAN TUTTE de Wolfgang Amadeus Mozart

8, 10 y 12 de diciembre, 2020. JENŮFA de Leoš Janáček

11, 14, 17 y 20 de febrero, 2021. UN BALLO IN MASCHERA de Giuseppe Verdi

18 y 19 de marzo, 2021. LA TEMPRANICA de Gerónimo Giménez / LA VIDA BREVE de Manuel de Falla

24, 27, 29, 30 de mayo; 1, 3 y 5 de junio, 2021. CARMEN de Georges Bizet

FITUR es la primera cita anual para los profesionales del turismo mundial y la feria líder para los mercados receptivos y emisores de Iberoamérica. El Teatro de la Maestranza publicitará su programación para promover que, el turismo que visite Sevilla, pueda conocer su amplia oferta cultural.

Wilhelm Schwinghammer

El joven bajo alemán Wilhelm Schwinghammer debuta mañana en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Cantará el papel de Rocco en la nueva producción de “Fidelio”, de Ludwig van Beethoven, y dirigida por su titular, Pedro Halffter. En marzo 2018 volverá a España en una gira de conciertos de “Ariodante” de Händel, la producción se estrenará en febrero 2018 en la Opera national de Vienna (con el maestro William Christie y su orquesta »Les Arts des Florissants«). Los conciertos tendrán lugar en Barcelona (Liceu), Pamplona y Madrid (Teatro Real).

Wilhelm Schwinghammer es uno de los bajos más reconocidos de su joven generación. Su amplio repertorio abarca desde el barroco a la música contemporánea, e incluye los roles más importantes de su tesitura como Figaro (Le Nozze di Figaro), Leporello (Don Giovanni), Sarastro (Die Zauberflöte), Osmin (Die Entführung aus dem Serail), König Heinrich (Lohengrin), König Marke (Tristan und Isolde), Landgraf Hermann (Tannhäuser), Daland (Der fliegende Holländer), Fasolt (Das Rheingold), Rocco (Fidelio), Sparafucile (Rigoletto) y Orest (Elektra). En el futuro incorporará también los roles de Baron Ochs (Der Rosenkavalier) en la Ópera de Estocolmo y en una serie de conciertos con Zubin Mehta en Tel Aviv, y el Re di Scozia (Ariodante) en la Ópera de Viena.

Ha cantado en la mayoría de los principales teatros de ópera como Múnich, Berlín, Dresde, Lyon, Milán, Barcelona, Los Angeles, Washington, Chicago y Hong Kong Arts Festival. Wilhelm Schwinghammer se ha ganado también una sólida reputación como concertistas y actúa habitualmente con renombradas orquestas como la Filarmónica de Berlín, Sinfónica de Boston, Sinfónica de Bamberg, NDR Elbphilharmonie Orquesta y il Concerto Köln. En ópera y conciertos ha sido dirigido por Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Kiril Petrenko, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle, Marek Janowski, Sebastian Weigle, Philippe Herreweghe, entre otros prestigiosos directores.

En 2005 debutó en el Festival de Salzburgo como Dr. Grenvil en La Traviata con Anna Netrebko y Rolando Villazón. En 2011 volvió al Festival de Pascua de Salzburgo con Salome, dirigida por Sir Simon Rattle. Canta regularmente en el Festival de Bayreuth, donde debutó triunfalmente en 2012 como König Heinrich en Lohengrin, rol que repitió en los años sucesivos, y en 2014 y 2015 cantó, además, Fasolt en Das Rheingold, con dirección escénica de Frank Castorf.

Entre sus éxitos recientes cabe destacar una nueva producción del Ring en Chicago (dirección escénica de David Poutney), el rol titular en la nueva producción de Le Nozze di Figaro de Stefan Herheim en Hamburgo, y, en ese mismo teatro, Osmin en Die Entführung aus dem Serail.

Wilhelm Schwinghammer nació en Baviera e inició sus estudios musicales con los famosos Regensburger Domspatzen. Estudió en la Universidad de Berlín (Universität der Künste) con Harald Stamm y asistió a master-classes con Kurt Moll y Marjana Lipovšek. En 2003 fue admitido en el Programa Joven de la Ópera de Hamburgo y en 2006 entró a formar parte del conjunto estable de dicho teatro. Desde 2017 actúa como artista freelance. Ha sido premiado en diversas ocasiones y el 2009 ganó el prestigioso ARD Music Competition, donde también obtuvo el Premio del Público.

La bohème

La bohème de Giacomo Puccini, una de las óperas más amadas del gran público, pone el broche final al ciclo de ópera del Maestranza en seis funciones entre el 28 de mayo y el 10 de junio.

La producción que ya triunfó en el Palau Les Arts Reina Sofía de Valencia, llega al Teatro de La Maestranza de la mano de su director musical Pedro Halffter, la dirección de escena, escenografía e iluminación de Davide Livermore y como principales intérpretes: Anita Hartig (Mimì), José Bros (Rodolfo), Juan Jesús Rodríguez (Marcello), Mª José Moreno (Musetta), Fernando Radó (Colline), Alberto Arrabal (Benoît / Alcindoro), David Lagares (Schaunard), Francisco Castellano (Parpignol), entre otros. Producción, Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza, Escolanía de Los Palacios.

Las representaciones tendrán lugar los días 28, 31 de mayo, 2, 5, 7 y 10 de junio, 2017.

Argumento

Acto Primero

La Nochebuena de 1830 en el barrio latino de París.

El pintor Marcello y el poeta Rodolfo están trabajando en su estudio en una buhardilla. Ambos tienen frío, pero no hay leña, así que Rodolfo decide echar al fuego su manuscrito. A ellos se une el filósofo Colline y disfrutan un momento del calor de la chimenea. Como el fuego se apaga, los compañeros abuchean al autor. De pronto entran dos recaderos con comida, vino y carbón, seguidos del cuarto bohemio, el músico Schaunard. Éste deja sobre la mesa el dinero que le ha quedado tras las compras y explica cómo lo ha ganado. Los compañeros le ignoran y preparan la mesa. Schaunard se da cuenta de lo que están haciendo y propone que, ya que es Nochebuena, lo celebren cenando fuera.

Llaman a la puerta, es Benoit, el casero, que viene a cobrar el alquiler atrasado. Marcello recibe al viejo y le deja ver el dinero que hay encima de la mesa, pero Benoit cae enseguida en la trampa que le tienden: le hacen beber y le animan a que se jacte de su éxito con las mujeres y, cuando dice que está casado, los compañeros fingen escandalizarse y le ponen en la puerta (sin el dinero del alquiler). En el momento de salir, Rodoldo dice que él se queda, pues debe terminar un artículo, de modo que se reunirá con ellos más tarde. Ya a solas, Rodolfo se da cuenta de que no está de humor para escribir. Le interrumpe una llamada en la puerta: es Mimì, la vecina, que pide fuego para su vela. Cuando cruza el umbral, siente un momento de debilidad y deja caer la luz y la llave de su habitación. Rodolfo recoge la vela y la enciende de nuevo pero, cuando va a salir Mimì, se acuerda de su llave y una corriente de aire apaga otra vez la vela. Buscando la llave en la oscuridad, Rodolfo la encuentra enseguida, pero la esconde, y luego consigue tocar la mano de Mimì, lo cual da pie a que cada uno hable de su vida. De la calle llegan los gritos de sus amigos; Rodolfo, desde la ventana, les cita en el Café Momus. Al girarse y ver a Mimì iluminada por la luz de la luna, se dan cuenta de su amor. Juntos, van a reunirse con los amigos.

Acto Segundo

Un poco más tarde, en el Café Momus, la calle está abarrotada de gente y de vendedores ambulantes que pregonan sus mercancías. Mimì y Rodolfo se detienen en la tienda de una modista, donde compran un gorrito rosa. Luego se unen a los demás y Mimì es presentada con graciosa formalidad. La tranquilidad de los amigos se ve trastornada por la llegada de Musetta, un antiguo amor de Marcello, acompañada de su nuevo amante, el viejo y rico Alcindoro. Al ver a Marcello, obliga a su amante a detenerse en el café y trata de atraer su atención. El comportamiento de la mujer se vuelve cada vez más exagerado, haciendo que Alcindoro se sienta incómodo y, al mismo tiempo, consigue que Marcello se rinda nuevamente a ella. Ahora hay que librarse del viejo y, para ello, Musetta finge un dolor en el pie por culpa del zapato. Cuando envía al viejo a comprar otro par, Marcello y ella se abrazan. Llega la cuenta, pero el dinero de Schaunard ya se ha gastado. El paso de una banda militar permite a los cuatro bohemios, junto con las dos muchachas, confundirse entre la multitud dejando que la cuenta la pague Alcindoro.

Acto Tercero

En la Barrière d’Enfer, una de las barreras de peaje de París, una mañana a primeros de febrero.

Marcello y Musetta viven en una posada del puesto, donde Marcello trabaja pintando unos murales en la fachada. Se presenta Mimì, viene a ver a Marcello para pedirle consejo sobre su relación con Rodolfo, que se está volviendo insostenible. Mimì se lamenta de los celos de Rodolfo; Marcello le aconseja que le abandone. Rodolfo, que llegó mucho antes que ella, y se echó a dormir en un banco, cuando se despierta va a hablar con Marcello. Para evitar que la vea, Mimì se esconde y, escuchando lo que dice Rodolfo, descubre la verdadera razón de su comportamiento: la joven está gravemente enferma y, viviendo con él en tan míseras condiciones, acabará muriendo. Mimì tiene un ataque de tos y Rodolfo, al verla, corre a ayudarla. En la posada resuena una carcajada de Musetta, y Marcello, sospechando un coqueteo de su frívola compañera, entra parar reprenderla. Conscientes ahora ambos de la necesidad de separarse, Mimì pasará a recoger sus cosas, salvo el gorrito rosa, que lo deja como recuerdo. Finalmente, prefieren pasar juntos el invierno; se separarán cuando llegue la primavera. Mientras, en la posada, Musetta y Marcello también acuerdan separarse como resultado de la pelea que acaban de tener.

Acto Cuarto

La misma buhardilla del acto primero, donde Marcello y Rodolfo, ya separados de Musetta y Mimì, fingen trabajar, pero no pueden evitar acordarse de sus compañeras, de las que siguen enamorados. Entran Schaunard y Colline trayendo un miserable arenque por toda comida, que los cuatro consumen con cómica solemnidad. Tras la cena, disponen un baile, en el que Colline y Schaunard intercambian insultos en broma y se retan a duelo, atacándose con la paleta y las tenazas de la chimenea. De improviso aparece en la puerta Musetta: Mimì está en la calle, enferma y demasiado débil para subir la escalera. Rodolfo corre a buscarla mientras los demás preparan la cama. Mientras Rodolfo se ocupa de Mimì, Musetta cuenta que, habiendo oído que Mimì estaba moribunda, fue a buscarla, y la desdichada le pidió que la llevara con Rodolfo. La miseria de los bohemios no les permite hacer nada por ella. Musetta entrega a Marcello sus pendientes para que vaya a empeñarlos y traiga alguna medicina y un médico, aunque acaba saliendo con él para comprar un manguito para Mimì, que ha deseado en su última hora para tener las manos calientes. Colline quiere ayudar empeñando su gabán y, al salir, le dice a Schaunard que él ayude dejándoles solos.

Durante la ausencia de los amigos, Mimì y Rodolfo evocan su amor y su primer encuentro. Cuando regresan Marcello y Musetta, Mimì duerme. Musetta se arrodilla y reza. Poco después, cuando vuelve Colline y pregunta por Mimì, Rodolfo advierte el trágico ambiente en la habitación que los demás ya han percibido: Mimì ha muerto.

Irina Lévian

El día 24 de mayo será la soprano Irina Lévian, ganadora del Certamen de Nuevas Voces Ciudad de Sevilla 2014, la encargada de cerrar el Ciclo de Jóvenes Intérpretes; y lo hará acompañada al piano por Francisco Soriano.

La soprano Irina Lévian nació en 1985, en Krivoy Rog, Ucrania. Estudió en la Academia Internacional de Música A. Nezdanovoy en Odessa (Ucrania) y en la Academia Internacional de Música de P. I. Chaikovsky de Kiev (Ucrania). Se graduó en el Conservatorio Superior de Valencia, bajo dirección de Ana Luisa Chova. Debutó el rol de Euridice en Orfeo ed Euridice en Auditorio de Ribarroja. Durante dos años ha sido cantante en el “Centro de Perfeccionamiento Placido Domingo” en Palau de les Arts de Valencia, también ha participado en Opera Studio de Gijón y y en ISing Suzhou Festival en China.

En 2016, ha debutado en el rol de Mimí de La bohème de Puccini bajo la dirección de Manuel Coves y Davide Livermore, en Palau de les Arts. Interpretó el rol de Violetta en La traviata de Verdi en varios teatros y auditorios de España, incluido Palau de les Arts con Zubin Mehta en la producción de Willy Decker (Cover de Violetta). Ha interpretado este rol en Castellón, Huesca, Monzón, Torrent… También ha cantado el Réquiem de Mozart en Jaén y Magnificat de Bach en el Gran Teatro de Córdoba.

Durante el curso en el “Centro de Perfeccionamiento Placido Domingo” hizo el Cover de Mimí en La bohème de Puccini, bajo la dirección de Ricardo Chailly y Davide Livermore, Cover de Violetta en La traviata de Verdi y de Leonora en La forza del destino con Zubin Mehta y D. Livermore, rol de Oronte en L´incoronazione di Dario de Vivaldi con el Federico M. Sardelli y D. Livermore, Marisa en la zarzuela El dúo de la africana de Manuel Fernández Caballero con José Miguel Perez-Sierra y Emilio Sagi. También ha cantado en recitales y conciertos en el Teatro de la Maestranza, Palacio de Congresos de Sevilla, Auditorio Manuel de Falla de Granada, Palau de la Música de Valencia, y en China en el Shanghai Filarmonic Hall, Auditorio de Suzhou y Concert Hall de Gongzou. Ha trabajado con directores de orquesta como Zubin Mehta, Riccardo Chailly, Federico M. Sardelli, Manuel Coves, José Miguel Perez-Sierra, Maximiliano Murrali, Andrea Battistoni… y directores de escena como Emilio Sagi, Davide Livermore, M. Hummel, S. Martinović…

Ha asistido a clases magistrales con Plácido Domingo, Raina Kabaivanska, Alian Zhu, Hao Jiang Tian, Davide Livermore, Enedina Lloris, Cristina Gallardo-Domas, Ana Luisa Chova, Elena Pankratova, Roger Vignoles, Davide Livermore, Marta Domingo, Luigi Roni, Gregory Kunde, Alberto Zedda, Ernesto Palacio, Massimiliano Murrali…

Ha recibido numerosos premios y menciones de honor como primer premio, Premio de Zarzuela y Premio del Concierto extraordinario en Logroño; primer premio y Premio del Público en “Certamen de nuevas voces de Sevilla”; primer premio en Concurso Internacional de Canto de Colmenar Viejo; segundo premio en “Amigos de Alcoy”; finalista en el Concurso de Francisco Viñas 2016 en Barcelona, Concurso de Montserrat Caballé en Zaragoza, Concorso lírico di R. Zandonai en Riva del Garda (Italia), Concurso “Voci Verdiane” en Busseto (Italia).

Sus futuros proyectos incluyen: Réquiem de Verdi, en el Auditorio Nacional de Madrid, OpernWerkstatt y varias actuaciones en auditorios y teatros de Sigriswill, Bern, Basel o Zúrich en Suiza. Recitales con orquesta, como en el Auditorio de E. Nivelle con la Orquesta Filarmónica de Málaga y conciertos en Logroño.

FRANCISCO MANUEL SORIANO RAMÍREZ – Piano

Natural de Sevilla, completa estudios superiores de piano en el Real Conservatorio de Madrid y becado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, Gobierno de Polonia y Junta de Andalucía, estudios de Postgrado en la Academia Superior de Música Frédéric Chopin de Varsovia.

Ha complementado su formación con los consejos de importantes maestros, como Boris Berman, Edward Wolanin, Josep Colom, Joaquín Achúcarro, Bruno Canino o Pascal Rogé entre otros.

Ha ofrecido recitales de piano por toda la geografía española y en Polonia, y en la actualidad el acompañamiento vocal y la Música de Cámara ocupan la mayor parte de su actividad artística. Desde 2002 es profesor titular de piano, y actualmente ocupa la plaza de repertorista de canto en el Conservatorio Superior Manuel Castillo de Sevilla.

Colabora habitualmente con prestigiosos cantantes, así como con óvenes promesas, junto a los que desarrolla una intensa carrera como acompañante y “coach” repertorista, ofreciendo frecuentes recitales y conciertos en importantes auditorios y festivales, como el Festival de Música Española de Cádiz, Auditorio de Zaragoza (Ciclo de la Sociedad Filarmónica), Teatro de la Maestranza, Palacio Real “Lazienki” de Varsovia o Teatro Comunale de Lodi, entre otros.

Colabora habitualmente en Masterclases de prestigiosos maestros de canto. Ha sido profesor repertorista para el Joven Coro de Andalucía, y es el pianista oficial del prestigioso Concurso Internacional de Nuevas Voces de la ASAO (Asociación Sevillana de amigos de la Ópera).

En al ámbito de la música contemporánea, colabora con “Zahir ensemble” en conciertos por toda la geografía española (Conservatorios de Badajoz y Bilbao, Universidad de Salamanca, Teatro Central, CICUS de la Universidad de Sevilla…)

Es director artístico de la compañía “Ópera de Cámara de Sevilla”, especializada en la recuperación de títulos inéditos o pocos frecuentados de la ópera de cámara, y cuya reciente producción de Cendrillon de Pauline Viardot, ha obtenido un gran éxito en el marco del XIV Festival de Música Española de Cádiz. Esta compañia participará en abril en el estreno español de The fall of the house Usher de Phillip Glass, colaborando con “Zahir Ensemble” en el Teatro Central de Sevilla.

Madeleine Peyroux

El domingo 21 de mayo, Madeleine Peyroux regresa al Teatro de la Maestranza donde ya sedujo al público en 2009, tras haberse convertido en una de las voces esenciales de nuestro tiempo.

20 años después de Dreamland, su disco debut, Madeleine Peyroux sigue su viaje musical con Secular Hymns, un álbum que explora más allá de las fronteras de lo ordinario. Una obra de arte maestra llena de alma y de sensualidad envuelta en una cautivadora mezcla de funk, blues y jazz. Acompañada por el trío con el que ha estado girando durante estos dos últimos años -el guitarrista eléctrico Jon Herington y el bajista Barak Mori- Peyroux grabó en vivo una colección de canciones con historias propias, temas de diálogos interiores, conciencia común y esencia espiritual.

“La música ha sido parte central de nuestra vida espiritual”, cuenta Madeleine, “así que creo que estos himnos, estos himnos seculares son temas muy individuales, personales e íntimos”. Con su voz expresiva y seductora Peyroux interpreta temas de artistas seminales del blues (dos de Willie Dixon y uno de Lil Green), de la cantante clásica de góspel la Hermana Rosetta Tharpe, de la estrella del dub Linton Kwesi Johnson, tres de renombrados compositores contemporáneos (Tom Waits, Townes Van Zandt, Allen Toussaint), un tema de Stephen Foster (considerado el primer gran cantautor de América) y finaliza con un canto espiritual de la tradición afro americana.

Es remarcable la manera única en la que esta grabación ha cobrado vida. La historia comienza con un concierto en una vieja iglesia en la rural Oxofordshire, una zona campestre de Inglaterra. El reconocido chef francés Raymond Blanc había adquirido una antigua casa en el diminuto pueblo de Little Milton, la bautizó como “Belmond Le Manoir” y la convirtió en sede de eventos que incluyen una comida de nueve platos. Como parte de la experiencia, antes de la cena invitaba a la gente a visitar a una iglesia cercana de estilo normando perteneciente al siglo XII para escuchar un concierto de música en vivo. El año pasado invitó a Peyroux y a su trio a actuar.

“En la prueba de sonido, estaba cantando ‘Guilty’, un tema de Randy Newman, y la manera en que sonaba mi voz en esa habitación cavernosa fue impresionante”, relata Peyroux. “Tenía un techo de madera que le daba una reverberación a mi voz. Mi ingeniero de sonido Doug Dawson me dijo que debería de grabar un disco ahí”. Fresca después de la experiencia de interpretar ahí su cancionero, regresó con su banda algunos meses después para documentar los himnos seculares que ella y su grupo habían desarrollado cuando estaban de gira.

Peyroux reservó la iglesia de 200 asientos durante tres días -el primer día para la prueba de sonido, el segundo día para un concierto en vivo, que ofreció de manera gratuita a la gente del pueblo, mismo que se grabó, y el tercero para retomar nuevas tomas de la audiencia por si se necesitaban más tarde.

Si bien Peyroux observa que con esto se aleja de lo que es el “el trío regular de jazz” la cantante lleva su sensibilidad de jazz al territorio de la música de raíces de una manera tan conmovedora que captura la celebración y alabanza implícita en las canciones.

Día 21 de mayo, 2017, a las 20,30 horas

MADELEINE PEYROUX

Secular Hymns

Madeleine Peyorux

Voz y guitarra

Jon Herington

Guitarra

Barak Mori

Contrabajo

Grandes Intérpretes

Montiel en La Maestranza

Tras casi tres meses metida en la piel de uno de sus personajes fetiche, el protagonista de Carmen, de Bizet, con el que acaba de triunfar en la Ópera de Miami y en el Kursaal de San Sebastián, María José Montiel vuelve a la cartelera sevillana el próximo 25 de febrero para ofrecer un recital junto al piano de Rubén Fernández-Aguirre, experto en acompañamiento de grandes voces. La cita será dentro del ciclo de recitales líricos que el Teatro de La Maestranza de la capital hispalense viene programando en las últimas temporadas e incluirá un repertorio bien conocido por la mezzosoprano española: canciones de Enrique Granados -de quien este año se celebra el 150 aniversario de su nacimiento- se alternarán con obras de los también españoles Ernesto Halffter o Joaquín Turina, sin olvidar a los grandes clásicos del cancionero brasileño, como son los compositores Jayme Ovalle o Heitor Villa-Lobos, o francés, como Reynaldo Hahn, Claude Debussy, Ambroise Thomas o Camille Saint-Saëns. Con este recital María José Montiel volverá a actuar ante el público sevillano, quien la escuchó por última vez en abril de 2016 en una Gala Lírica que celebró el XXV aniversario del Teatro de La Maestranza.

Próximos compromisos llevarán a la intérprete al País Vasco para cantar la Segunda Sinfonía de Mahler junto a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en el Palacio Euskalduna, a Córdoba para brindar nuevamente su famosa versión de Carmen, de Bizet, y a Palma de Mallorca para encarnar a la protagonista de María Moliner, de Antoni Parera Fons y Paco Azorín, una ópera cuyo estreno absoluto tuvo lugar en 2016 en el Teatro de La Zarzuela de Madrid con Montiel en el papel de la gran lexicógrafa aragonesa.

Más información.

Mes de Danza

MES DE DANZA, el festival internacional de danza contemporánea de Sevilla, celebra del 26 de octubre al 6 de noviembre su 23ª edición. El festival acogerá a 22 compañías diferentes y un total de 43 funciones a lo largo de las cuales se trazará una programación ecléctica, en la que juegan en equilibrio transgresión y propuestas más conservadoras.

Un año más, MES DE DANZA tendrá en el ciclo Danza en Espacios Singulares una de sus señas de identidad más reconocibles, llevando la danza a rincones insólitos como el Metro Puerta Jerez, el Archivo de Indias, las pistas de skate de Plaza de Armas o los hoteles Petit Palace Marqués de Santa Ana y Petit Palace Santa Cruz. La programación en sala visitará el Teatro Central, la Sala Manuel García del Teatro Maestranza, el Teatro Alameda y La Fundición.

Creadores como Arturo Parrilla, de la mano de Danza Mobile, Teresa Navarrete, Natalia Jiménez y Jorge Gallardo, Fernando Hurtado, Jesús Rubio, Celeste González, Alberto Cortés, Marta Camuffi o Asha Thomas son algunos de los nombres que pueblan un cartel que contará con tres estrenos absolutos: “En Vano”, de Cía Danza Mobile, “Alf” de Silvia Balvín y Alberto Almenara, y “La Obra Vacía”, de Natalia Jiménez y Jorge Gallardo. “La Obra Vacía”, además, se presenta como la culminación del trabajo de creación de ambos artistas que ya pudo verse dentro del programa Creaciones en Proceso en la edición 22 del festival.

CREACIONES EN PROCESO

El programa Creaciones en Proceso tiene como objetivo proporcionar unos contextos y unos tiempos favorables para la creación coreográfica, facilitando a las compañías residencias artísticas y ofreciéndoles la posibilidad de estrenar su trabajo en el marco del festival. Así, dentro de este programa, este año podrá verse en el Centro de las Artes de Sevilla el work in progress de Miguel Marín, Laura Morales y Roser Tutusaus titulado A life full of rivers and mountains.

Dentro de estas creaciones en proceso, merece una mención a parte Shapers. MES DE DANZA participa junto con otras entidades dedicadas a la promoción de la danza de Francia, Marruecos, Egipto y Bosnia – Herzegovina en el proyecto euro-mediterraneo de formación y de creación Shapers,tutelado por la veterana compañía francesa Ex Nihilo especializada en danza en espacios públicos. Tras su paso por los países socios del proyecto, el resultado final será una obra coreográfica con la participación de 8 jóvenes bailarines provenientes de Egipto, Marruecos, Francia y España. El interés muy marcado en su programación desde sus inicios por la creación coreográfica en espacios públicos además de la contribución a la formación de jóvenes bailarines españoles han sido los alicientes para que MES DE DANZA se sumara a este proyecto, cuyo estreno espera acoger en su próxima edición.

PROYECTO PILOTO

En 2016 MES DE DANZA pone en marcha la experiencia piloto “Mi Cole Baila” es una experiencia piloto, con la que pretende acercar la Danza a las escuelas. Los alumnos de 5º de primaria del Colegio Juan Nepomuceno Rojas de Sevilla trabajarán diariamente durante tres semanas y dentro de su horario escolar una pieza de danza contemporánea. Las clases estarán impartidas por la bailarina y coreógrafa Elisa del Pozo, que lleva años trabajando con la danza como herramienta en el ámbito educativo. La pieza que se trabaje durante las tres semanas de clase se presentará en el Teatro Alameda el sábado 29 de octubre como antesala de la función para la familia del espectáculo “De Flor en Flor”, de la compañía malagueña Fernando Hurtado.

ACTIVIDADES PARALELAS

MES DE DANZA también ofrecerá en 2016 un extenso programa de actividades paralelas. Luis Castilla, fotógrafo oficial del festival desde sus comienzos, reedita su taller “Instantes en Movimientos”, una mirada de autor en la danza; el periodista Omar Kahn impartirá un taller de Periodismo y Danza enfocado a la investigación en torno al contexto actual de la danza en los países del proyecto SHAPERS (Marruecos, Egipto, Francia, España y Bosnia – Herzegovina), incidiendo en los aspectos socio-culturales que condicionan la creación en los cinco contextos sociales en que se desarrolla la iniciativa; por su parte la coreógrafa Matxalen Bilbao impartirá un curso de danza contemporánea en colaboración con el Conservatorio Superior Antonio Ruiz Soler. Las inscripciones para todas estas actividades pueden realizarse a través de mesdedanza.es

Al margen de la formación, MES DE DANZA también acoge dentro del programa de actividades paralelas una sesión de proyecciones en colaboración con el Festival Internacional de Barcelona de Cine y Danza Choreoscope y el SEFF Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Como otra novedad reseñable, MES DE DANZA llevará por primera vez la danza contemporánea al Centro Penitenciario Sevilla 1, con la representación especial el día 3 de noviembre del espectáculo “En Vano”, de la compañía Danza Mobile. Una programación en colaboración con SOLIDARIOS, ONG que trabaja desde hace 20 años acercando la cultura a personas que están privadas de libertad, tratando de generar sinergias que favorezcan las relaciones entre los internos, los invitados y el voluntariado.

COLABORACIONES

Junto con las colaboraciones ya mencionadas, MES DE DANZA vuelve a realizar un intercambio de programación con Festival Circada y a poner en marcha el programa “Carta Blanca A…”, que este año se ha ofrecido a la Fundición de Bilbao, que realiza desde casi 3 décadas una labor extraordinaria a favor de la divulgación de la danza y el apoyo a los creadores vascos y que ha propuesto la programación de Igor Calonge / Cielo Raso, Matxalen Bilbao y Sra Polaroiska. También se ha programado a la compañía ganadora del Certamen Mujer Contemporánea del Costa Contemporánea de Almería (Marta Camuffi).

Tannhauser

Tannhäuser, ópera romántica de Richard Wagner vuelve de nuevo al Maestranza los días 28 de octubre y 1 y 5 de noviembre en una producción del Teatro Wielki-Poznán y el Teatro de la Maestranza con dirección de escena de Achim Thorwald y musical de Pedro Hlaffter al frente de un fabuloso reparto liderado por Peter Seiffert y Ricarda Merbeth.

Días 28 de octubre, 1 y 5 de noviembre, a las 20.30 horas

TANNHÄUSER

Ópera romántica en tres actos de Richard Wagner (1813-1883),

sobre libreto del autor.

Estreno en Teatro de la Corte Real de Sajonia, Dresde, el 19 de octubre de 1845

Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg

(Pariser Fassung), WWV 70

Schott Music GmbH & Co, Kg

Dirección musical PEDRO HALFFTER

Dirección de escena ACHIM THORWALD

Director del Coro ÍÑIGO SAMPIL

Escenografía CHRISTIAN FLOEREN

Vestuario UTE FRÜHLING-STIEF

Iluminación JUAN MANUEL GUERRA

Coreografía CAROLINA ARMENTA

REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA

Director artístico y musical, John Axelrod

CORO DE LA A.A. DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA

Director, Íñigo Sampil

Producción

Teatro Wielki-Poznán / Teatro de la Maestranza

Asistente a la dirección musical Manuel Busto

Asistente a la dirección de escena Gregor Acuña-Pohl

Maestra repetidora Natalia Kuchaeva

Realización de la escenografía, vestuario, utilería y calzado Teatro Wielki-Poznán

Teatro de la Maestranza

Hermann, Landgrave de Turingia ATTILA JUN

Bajo

Tannhäuser, caballero trovador PETER SEIFFERT

Tenor

Wolfram von Eschenbach, caballero trovador MARTIN GANTNER

Barítono

Walter von der Vogelweide, caballero trovador VICENTE OMBUENA

Tenor

Biterolf, caballero trovador DAMIÁN DEL CASTILLO

Bajo

Heinrich der Schreiber, caballero trovador JOSÉ MANUEL MONTERO

Tenor

Reinmar der Zweter, caballero trovador DAVID LAGARES

Bajo

Elisabeth, sobrina del Landgrave RICARDA MERBETH

Soprano

Venus ALEXANDRA PETERSAMER

Soprano

Un joven pastor ESTEFANÍA PERDOMO

Soprano

Bailarines Sergio González, Leticia Gude, Paloma Jaén Rivas, Rocío Peluaga Lozada

Javier Ruiz de Velasco, Mario Salas, María Sánchez Calatayud, Marta Vilalta Rivas

Niños de la Escolanía de Los Palacios David Amodeo Moguer, Alba Caro Brenes

Nerea Triguero Sánchez, Antonio José Troncoso Mateo

Raúl Parejo García, Alba Vargas Crespo

Figuración Juan Carrillo Rubio, Luis Alberto Domínguez Amador

Francisco Javier Jaro Martínez, Miguel Ángel Luque Cantos

Antonio Felipe Puntas Barrios

Banda interna Miguel Carrasco, Manuel Enamorado, Ignacio Gallardo, Joaquín Gutiérrez

Marco Pacyga, Antonio Manuel Reyes, José Luis Reyes

Teatro de la Maestranza

https://www.teatrodelamaestranza.es/programacion.html

Teatro de la Maestranza

El próximo 30 de abril tendrá lugar, en el Teatro de la Maestranza, de la Gala Lírica conmemorativa del XXV Aniversario del Teatro de la Maestranza y de la Orquesta Sinfónica de Sevilla y el XX Aniversario de la creación del Coro de la A. A. del Teatro de la Maestranza.

Con este motivo se ofrecerá una Gala Lírica bajo la dirección orquestal de John Axelrod, con dirección de coro de Íñigo Sampil y la participación de los solistas María José Montiel, Mariola Cantarero y Juan Pons.

MARÍA JOSÉ MONTIEL

Mezzosoprano

Premio Nacional de Música 2015 otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, revistas como Opera News (USA), Ópera Actual (España), Opéra Magazine (Francia), L?Opera (Italia) y Orpheus (Alemania) posicionan a María José Montiel como una de las grandes mezzosopranos de la actualidad alabada por la belleza de su timbre, su delicadeza interpretativa y poder comunicativo. En 2014 y 2015 ha interpretado Carmen en Israel e Italia dirigida por Zubin Mehta, un personaje que ha paseado por los escenarios más importantes de Suiza, Italia, Alemania, Francia, España, Japón, China y Estados Unidos. La gitana de Bizet transformó a la mezzo madrileña en toda una revelación internacional y sus colaboraciones con Riccardo Chailly en obras como el Réquiem de Verdi (Viena, Frankfurt, Milán, Budapest, Tokio o Leipzig) han consolidado ese imparable prestigio.

Recientemente ha debutado el rol de Ulrica en Un ballo in maschera de Verdi, en Israel y nuevamente junto a Mehta (julio de 2015) y el personaje de Dalila en Samson et Dalila de Saint-Säens, en México (septiembre 2015); ha cantado el Réquiem de Verdi con La VERDI en Milán como parte de los actos que cierran la Expo Milano 2015 y ha debutado en el Teatro San Carlo de Nápoles como protagonista de Carmen, siempre bajo la batuta del director indio. Entre sus próximos compromisos destacan el estreno absoluto de María Moliner de Antoni Parera, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y Shéhérazade de Ravel, con la Orquesta de Valencia.

Nace en Madrid donde cursa la carrera superior de canto en el Real Conservatorio de dicha ciudad, antes de trasladarse a Viena para perfeccionarse con O. Miljakovic. También cursa estudios de Derecho en la Universidad Autónoma de Madrid, en la que además obtiene el DEA en Historia y Ciencias de la Música.

MARIOLA CANTARERO

Soprano

Granadina de nacimiento, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de su ciudad natal, y posteriormente los amplia con el Catedrático de canto cordobés Carlos Hacar y ya en carrera se perfecciona con Ruthilde Böesch en Viena. Es premiada en diferentes concursos internacionales de canto como el “Francisco Viñas”, “Operalia´99”, “Pedro Lavirgen” y “A.S.L.I.C.O. 2000” y recibe distintos premios por su trayectoria como “Premio ópera Actual 2002”, “Revalación del círculo de amigos del Liceo 2003”, “Premio Imagen de la Ciudad de Granada 2003”, “Ojo Crítico de RNE 2005”, “La Mención de´Honor de la Diputación de Granada”,”La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada”, así como “La Medalla de Oro de Andalucía 2011”.

Debuta en el teatro Carlo Felice de Genova con Le Comte Ory de Rossini, y desde entonces se convierte en soprano habitual de los principales teatros de Europa como el Teatro Real de Madrid, Liceo de Barcelona, Maestranza de Sevilla, la Ópera de Bilbao, Maggio Fiorentino, San Carlo di Napoli, L´Opera di Roma, Rossini Opera Festival, así como en la ópera de Hamburgo, ópera de Bucarest, Berlín, Zurich, Amsterdam, Strasburgo… y más allá de nuestro continente en la Ópera Nacional de Corea, Shanghai Oriental Art center de China, San Juan de Puerto Rico, Santiago de Chile, Ópera de Sao Paulo, Ópera de Detroit, New Jersey…

JUAN PONS

Barítono

Reconocido en todo el mundo como uno de los principales barítonos dramáticos de nuestro tiempo. Sus interpretaciones más reconocidas incluyen Rigoletto, Tosca, La traviata, La fanciulla del west, Gianni Schicchi, Pagliacci, Madama Butterfly, Cavalleria rusticana, etc.

A lo largo de su carrera, Juan Pons ha cantado regularmente con las compañías operísticas más prestigiosas del mundo, como por ejemplo: La Scala de Milán, el Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera Estatal de Viena, el Covent Garden de Londres, el Teatro de la Bastilla de París, la Ópera Estatal de Baviera, Hamburgo y Zúrich, el Gran Teatre del Liceu, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro Real, las óperas de Roma y Florencia, el Teatro La Fenice de Venecia, el Teatro Comunale de Bolonia, el Teatro Regio de Parma, la Arena de Verona o las Termas de Caracalla, entre muchos otros.

Programa:

I

Richard Wagner (1813-1883)

Tannhauser (coro de invitados)

George Bizet (1838-1875)

Carmen

Prelude

Habanera (Mª José Montiel y coro)

Aria de las cartas (Mª José Montiel)

Chanson Boheme

Franz Lehár (1870-1948)

La viuda alegre

Vilja Lied (Mariola Cantarero)

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Il Trovatore

Coro de Gitanos

Giacomo Puccini (1858-1924)

Tosca

Te Deum (Juan Pons y coro)

II

Richard Wagner (1813-1883)

El ocaso de los dioses

III acto “selección”

Ballet

Los días 7, 8, 9 y 10 de enero de 2016 el Teatro de la Maestranza de Sevilla presenta Aalto Ballett Essen interpretando Romeo y Julieta, con música de de Sergei Prokofiev y coreografía de Ben Van Cauwenbergh. Y a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla bajo la dirección de Johannes Witt y Yannis Pouspourikas.

Romeo y Julieta

El amor absoluto e incondicional de Romeo y Julieta inspiró a muchos compositores desde Bellini a Gounod, Tchaikovski y Bernstein pero es sin duda la partitura de Prokofiev que se ha acercado más a la tragedia Shakespeare.

Prokofiev estaba buscando algo lírico cuando le vino en mente la más conocida y trágica pareja de Shakespeare: Romeo y Julieta. Pero la transformación del hito literario del año 1596 en gran ballet amenazó con fallar, ya que “personas vivas pueden bailar y personas moribundas no bailan acostadas”. Si Romeo solo llegara un poco antes y encontrara a Julieta viva, la historia pudiera tener un final feliz.

Prokofiev estaba dispuesto a hacer algo para solucionar el problema coreográfico y transformar en éxito su ballet en su país natal. Al final decidió sin embargo quedar fiel a la obra y encontró la solución para el final mortal en un universo sonoro abrumadoramente conmovedor. El enclavamiento del material literario mundial y la expresión musical altamente emocional hace de Romeo y Julieta uno de los ballets más significantes.

A través de sus temas de amor tierno de ensueño, expresiones pujantes de hostilidad y dramáticas escenas de lucha, esta tragedia de Shakespeare crea el amor, los celos, el odio, el perdón y la muerte en todos sus sentidos. La interpretación del director artístico Ben Van Cauwenbergh combina la historia de la obra de Shakespeare y la inmediatez del lenguaje musical de Prokofiev con el vocabulario dancístico neo-clásico para crear una velada de ballet intemporal en la cual la Muerte mantiene al Amor vivo.

Maestranza

Días 2, 4 y 5 de diciembre, 2015
LOS DIAMANTES DE LA CORONA de Francisco Asenjo Barbieri
Dirección Musical: Oliver Díaz
Dirección de Escena: José Carlos Plaza
Principales Intérpretes: Sonia de Munck, Cristina Faus, Carlos Cosías, Fernando Latorre, Ricardo Muñiz
Producción: Teatro de la Zarzuela
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza
Zarzuela

Día 3 de diciembre, 2015 (Sala Manuel García)
GABRIEL UREÑA. Violonchelo
Ludwig van Beethoven, Sonata nº 3
Robert Schumann, Fantasie-Sucke
Dmitri Shostakovich, Sonata para piano y violonchelo, op.40
Jóvenes Intérpretes

Día 10 de diciembre, 2015. Función para familias
Días 9, 10 y 11 de diciembre, 2015. Seis sesiones matinales para Centros de Educación
GUILLERMO TELL de Gioacchino Rossini
Adaptación, Dramaturgia y Dirección: La Baldufa (Enric Blasi, Emiliano Pardo y Carles Pijuan)
Adaptación Musical: Albert Romaní
Dirección Musical: Olga Kharitonina
Dirección de Escena: Ramón Molins
Escenografía y vestuario: Carles Pijuan
Principales intérpretes: Maia Planas, Marta Valero, Xavier Mendoza
Producción: Gran Teatre del Liceu
En colaboración con la Obra Social “la Caixa”
Ópera para Escolares y Familias

Día 11 de diciembre, 2015
CONCIERTO BENÉFICO FUNDACIÓN BANCO DE ALIMENTOS DE SEVILLA
REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA
Director musical, Sebastian Perlowski
Soprano, Irina Lévian
Ludwig van Beethoven, Sinfonía nº 2, en Re mayor, Op. 36
Giuseppe Verdi, La forza del destino (Obertura-Pace, pace mio Dio) / Don Carlo (Tu che le vanità)
Gerónimo Giménez, La boda de Luis Alonso (Intermedio)
Federico Moreno Torroba, La marchenera (Tres horas antes del día)
Pablo Luna, El niño judío (De España vengo)
Con el patrocinio de Fundación Cajasol – Ebrofundación – KonectaConciertos
Conciertos

Día 12 de diciembre, 2015
NEW YORK CHAMBER ORCHESTRA
Sociedad Coral Excelentia de Madrid
Dirección musical: Kynan Johns
Barítono: Johannes von Duisburg
Tenor: Michael Heim
Soprano: Lee Bisset
Ludwig van Beethoven, Sinfonía nº 9 “Coral”
Organiza: La Razón / Fundación Excelentia
Conciertos

Días 15 y 16 de diciembre, 2015
FARRUQUITO Y FAMILIA
Flamenco

Días 17 y 18 diciembre, 2015
REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA. Concierto Participativo de Navidad
Colabora, Obra Social Fundación “la Caixa”
Conciertos

Día 20 de diciembre, 2015
CONCIERTO DE NAVIDAD
Programa de Villancicos
Orquesta de Cámara de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Dirección musical: Vladimir Dmitrienco
Dirección de escena: Maribel Macías
Conciertos

Días 27, 28 y 29 de diciembre, 2015
EL PEQUEÑO DESHOLLINADOR de Benjamin Britten
Dirección Musical: J. Manuel Busto
Dirección de Escena: Juan Dolores Caballero
Escolanía de Los Palacios
Producción: Teatro de la Maestranza
Ópera para Familias

Fiorenza Cedolins

Fiorenza Cedolins, una de las grandes divas de la última generación de cantantes líricas regresa al Teatro de la Maestranza, donde en 2011 emocionó al público con su gran Isabel de Valois del Don Carlo de Verdi, esta vez para mostrar su arte desnudo en un recital de arias acompañada por la pianista bielorrusa Inessa Filistovich.

Poseedora de una de las voces líricas de registro amplio más interesantes de nuestros días Fiorenza Cedolins ha sido, a lo largo de su carrera, un modelo de profesionalidad y amor al “bel canto”. La crítica ha elogiado unánimemente su timbre cálido, su dicción clara y su esmerada técnica que le han permitido, ya desde sus comienzos, enfrentarse a un repertorio que va desde el primer Verdi hasta el Verismo, sin olvidar al Bellini de Norma.

En la velada del próximo domingo, interpretará obras de Puccini, Albéniz, Falvo, Cotrrau, Granados, Giordano, Manuel de Falla, Glinka o Mascagni, entre otros compositores que hicieron del “bel canto”, en un periodo u otro, una de las expresiones musicales más emocionantes de la Historia.

Para esta ocasión y, como viene ocurriendo asiduamente desde hace unos años, Fiorenza Cedolins estará acompañada por la pianista Inessa Filistovich, habitual colaboradora de la Scala de Milán y de otros grandes intérpretes como Mirella Freni, Jaume Aragall o Bruno Cavallo.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 36 € para patio y los 21 € para Paraíso, se pueden adquirir en las taquillas del Teatro, o bien a través de Internet en la web http://ww.teatrodelamaestranza.es/

15 de marzo 2015, a las 20,30 horas

Programa

I

Giacomo Puccini (1858-1924)

Vissi d’arte de Tosca

O mio babbino caro de Gianni Schicchi

Isaac Albéniz (1860-1909)

Malagueña de España

Rodolfo Falvo (1873-1937)

Dicitenciello vuje

Teodoro Cottrau (1827-1879)

Santa Lucia

Guglielmo Cottrau (1797-1847)

Fenesta ca lucive, atribuido a Vincenzo Bellini (1801-1835)

Francesco Paolo Tosti (1846-1916)

A vucchella

Salvatore Cardillo (1874-1947)

Core ‘ngrato

Luigi Denza (1846-1922)

Funiculì funiculà

Enrique Granados (1867-1916)

Andaluza de Doce danzas españolas

Giacomo Puccini (1858-1924)

In quelle trine morbide de Manon Lescaut

Tu che di gel sei cinta de Turandot

 

II

Umberto Giordano (1867-1948)

La mamma morta de Andrea Chénier

Mikhail Glinka (1804-1857)

Nocture ‘La Séparation’

Fernando Obradors (1897-1945)

Del cabello más sutil

Manuel de Falla (1876-1946)

Nana de Siete canciones populares españolas

Arrigo Boito (1842-1918)

L’altra notte in fondo al mare de Mefistófele

Rodión Shchedrín (1932)

A la Albéniz

Pietro Mascagni (1863-1945)

Son pochi fiori de L’amico Fritz

Voi lo sapete o mamma de Cavalleria rusticana

DeLucía

El Teatro de la Maestranza cierra el Ciclo de Flamenco el próximo día 25 de febrero, a las 20,30 horas, con el espectáculo Homenaje a Paco de Lucía, en el que seis guitarristas se reúnen, en el primer aniversario de su ausencia, para homenajear a la figura que revolucionó el género.

Paco de Lucía falleció el 25 de febrero de 2014, fecha que se ha escogido en 2015 para este sentido homenaje en el que participan tantos guitarristas como cuerdas tiene el instrumento. Son Antonio Sánchez, sobrino del propio Paco de Lucía y con el que participó como segunda guitarra en una gira; el joven Dani de Morón, reconocido como uno de los mejores guitarristas de su generación; el también sobrino del genio de Algeciras José María Bandera Sánchez, partícipe en algunas giras con su tío; el guitarrista clásico José María Gallardo Rey, que ha colaborado con directores de orquesta y formaciones de relevancia internacional; el músico y compositor Juan Carlos Romero, integrante de giras y actuaciones con, entre otros, Manolo Sanlúcar, Carmen Linares, Miguel Poveda o Javier Barón; y el músico jerezano Gerardo Núñez, quien se ha adentrado en otros estilos como el jazz.

En el Homenaje a Paco de Lucía, cada uno de los seis músicos interpretará desde su punto de vista una obra compuesta por el maestro y otra creada por ellos mismos. Finalmente, estas seis guitarras sonarán juntas en un éxtasis final que busca que el tiempo nunca pase por su música haciéndola eterna.

Bajo la idea original y guión de Fernando González-Caballos, la dirección artística de José Luis Ortiz Nuevo, contará con el Montaje Audiovisual de Curro Sánchez Varela, ganador del último Goya al Mejor Documental por “ Paco de Lucía, la búsqueda”.