FLORIAN BOESCH & MALCOLM MARTINEAU

Florian Boesch ha sido durante esta temporada artista residente del Ciclo de Lied que realizan el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música. Boesch ha sido, por tanto, el encargado de abrir y cerrar el ciclo. En esta ocasión, interpretando una obra que conoce bien y que ya pudimos escuchar en 2015 en la Fundación Juan March.

Se trata de Reisebuch aus den Österreichischen Alpen, op.62 (1929) (Libro de viajes de los Alpes austríacos) del compositor Ernst Krenek (1900-1991), obra compuesta en los últimos coletazos del romanticismo y antes de que Krenek se adentrase en el dodecafonismo.

Krenek fue uno de los más significados representantes de la llamada Entartete Musik (Música degenerada), que se inició en 1938 como consecuencia clara de la Entartete Kunsy (Arte degenerado), que comenzó un año antes en Düsseldorf. Estuvo fuertemente vinculado con el mundo cultural de la Alemania de Weimar e influido por los grandes músicos de su época, convirtiéndose en uno de los enemigos del régimen nazi.

En este peculiar viaje por los Alpes, Krenek expresa su amor por Austria y por su patrimonio cultural y natural. Pero es también una crítica avanzada de lo que será más adelante el turismo de masas y los efectos que este tiene sobre los espacios naturales. Los textos, escritos por el propio Krenek, están cargados de ironía y crítica costumbrista que son de plena actualidad.

Florian Boesch aborda este repertorio, perfecto para su instrumento, con frescura y expresividad. Con esa manera suya de decir y acentuar cada frase. Articulando el sonido en un recitativo cantado al que acompaña con gestualidad descriptiva. Su simpatía sobre el escenario aportó un toque más desenfadado y adecuado a este viaje a las Alpes.

La partitura para piano descrita por Krenek está llena de originalidad. Camina paralelo a la partitura de voz, acompañándola con gran fluidez. Lo que crea una atmósfera única y curiosa, con un patrón diferenciador dentro del lied. Su interpretación ha estado a cargo de Malcolm Martineau, acompañante habitual de Boesch que dejó claro su conocimiento de este repertorio y la generosa maestría en la lectura que hizo de la escritura.

Un excelente final al XXVII Ciclo de Lied en una temporada complicada pero resuelta de manera extraordinaria por sus dos organizadores. Esperamos con ganas sumergirnos pronto en el XXVIII que es, sin duda, el mejor ciclo de Lied al que se puede asistir.

Fotografía (c) Rafa Martín

Ángel Ruiz

Hay músicas que de tanto escucharlas, de acompañarnos tanto, terminan por colorear a su gusto nuestra existencia. Algunos años, algunas horas, algunos momentos. Se quedan, se quedaron a vivir dentro de nosotros como un órgano vital. Imprescindible. Esta es precisamente la esencia del viaje que nos proponen el tenor y actor Ángel Ruiz y el pianista César Belda en el recital que ofrecerán mañana martes, 15 de junio (20h00), para culminar el Ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela.

Composiciones que marcaron las carreras de sus autores e intérpretes, y que se convirtieron en himnos imprescindibles, en pertenencias personales del equipaje emocional del público. Canciones que vuelan de Argentina con César Illera, Ariel Ramírez, Juan Carlos Cobián, Cacho Castaña o Fito Páez; a Perú con Chabuca Granda; a Venezuela con Simón Díaz; a Cuba con Bola de Nieve o Pablo Milanés; a Chile con Violeta Parra o Víctor Jara; a Brasil con Vinícius de Moraes.

Y así, en pleno vuelo de evocación y deleite, se despedirá el ciclo Notas del Ambigú esta temporada. Con la inalterable complicidad entre público e intérpretes. Con la intimidad que convierte la música en patrimonio sagrado.

Florian Boesch

El lunes 14 de junio, el barítono austriaco Florian Boesch ofrecerá el último recital de la temporada del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) coproducido con el Teatro de la Zarzuela. Con este concierto, Florian Boesch culmina su etapa como artista residente en el ciclo, que se ha traducido en 3 conciertos a lo largo de la temporada 20/21. En este su tercer y último recital, el cantante pondrá su versatilidad vocal y amplios recursos expresivos al servicio del ciclo postromántico del compositor austriaco Ernst Krenek, Reisebuch aus den österreichischen Alpen (Libro de viaje a través de los Alpes austriacos), un exigente tour de force vocal y emocional para cualquier cantante lírico. Las entradas para el concierto tienen un precio general de 4 a 35 euros, y están a la venta en www.entradasinaem.es, en el teléfono 91 193 93 21, así como en las taquillas del Teatro de la Zarzuela y red de teatros del INAEM.

El “Libro de viaje” de Ernst Krenek (1900-1991) es una de sus obras más célebres y refleja el amor del compositor por los paisajes de su tierra natal y su naturaleza. También es un producto de la década de 1920, cuando los recuerdos del horror de la Primera Guerra Mundial todavía estaban calientes y se anticipaba la catástrofe inminente de la Segunda. Según la crítica, la obra ofrece claras resonancias de Schubert, cuya obra influyó considerablemente en Krenek durante su primer periodo creativo. Acompañará al piano a Florian Boesch el prestigioso Malcolm Martineau.

En su primer concierto como artista residente en el ciclo de lied el pasado 28 de septiembre y acompañado al piano por Justus Zeyen, Boesch interpretó una selección de lieder de Franz Schubert y Hugo Wolf junto a los Sechs Monologe aus “Jedermann” de Frank Martin. En el segundo recital, celebrado el 25 de enero, y de nuevo junto a Zeyen, Boesch dio vida al imprescindible Winterreise de Schubert.

Con diez conciertos programados entre septiembre de 2020 y junio de 2021, a lo largo del XXVII Ciclo de Lied han pisado las tablas del Teatro de la Zarzuela algunas de las voces líricas más importantes de la actualidad, como las de Anna Lucia Richter, Sabine Devieilhe, Matthew Polenzani, Christian Gerhaher, Bejun Mehta, Christoph Prégardien y Núria Rial. Diferentes estilos, timbres y colores para una edición que ha logrado reunir a algunas de las voces que resuenan en las mejores salas de música mundiales.

Florian Boesch, fuerza y emoción

Nacido en Saarbrücken en 1971, Florian Boesch es uno de los más destacados intérpretes de lied de nuestros tiempos. Ha cantado en salas como el Wigmore Hall de Londres, Musikverein y Konzerthaus de Viena, Het Concertgebouw de Ámsterdam, Laeiszhalle de Hamburgo, Philharmonie de Colonia, así como en los Festivales de Edimburgo y Schwetzingen, Maifestspiele Wiesbaden, Festival de Salzburgo, así como en el Carnegie Hall de Nueva York. Fue artista residente en el Wigmore Hall de Londres en la temporada 2014-2015 y en la Konzerthaus de Viena en la 2016-2017. Trabaja habitualmente con las orquestas y directores más prestigiosos del panorama actual: Wiener y Berliner Philharmoniker, Royal Concertgebouw Orkest de Ámsterdam, Gewandhausorchester de Leipzig, Staatskapielle de Dresde, London Symphony Orchestra, entre otras, y directores de la talla de Ivor Bolton, Riccardo Chailly, Gustavo Dudamel, Adam Fischer, Iván Fischer, Valery Gergiev, Stefan Gottfried, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, Pablo Heras-Casado, Mariss Jansons, Sir Roger Norrington, Sir Simon Rattle, Robin Ticciati y Franz Welser-Möst. En la temporada 2019/2020 ofreció una variedad de conciertos que incluyeron War Requiem (Britten) con la Orchestre de Paris y Daniel Harding, Monologe aus “Jedermann” (Martin) con la Konzerthausorchester Berlin y Juraj Valčuha, Requiem (Mozart) con la Orquesta Nacional de España y David Afkham. Durante la temporada 2019/2020, Florian Boesch ha cantado en la Ópera de Frankfurt, el Festival Liszt en Raiding, el Musikverein de Viena, el Concertgebouw en Ámsterdam, el May Festival en Wiesbaden y el Konzerthaus Berlin con Vikingur Ólafsson. Sus grabaciones han sido aclamadas por la prensa internacional y ha recibido numerosos premios, incluido el Edison Klassiek Award. Die schöne Müllerin fue nominado para un Grammy 2015 en la categoría Mejor Solista Vocal Clásico. A principios de septiembre de 2017, Hyperion lanzó una nueva grabación de Winterreise de Schubert con Roger Vignoles al piano. En el otoño de 2018 realizó una grabación con obras de Schubert con Concentus Musicus Vienna bajo la batuta de Stefan Gottfried. Las grabaciones de Boesch con obras de Schumann y Mahler fueron galardonadas en los Premios de la BBC Music Magazine.

Teatro de la Zarzuela 21/22

Daniel Bianco, director del Teatro de la Zarzuela: “Una nueva temporada es una nueva ilusión que promete un futuro, es un horizonte que ofrece esperanza, algo que todos necesitamos ahora más que nunca”

Se presentarán 10 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico, 6 producciones de gran repertorio y 5 nuevas producciones

Se ofrecerán 164 funciones, manteniendo la media de los últimos años

Una de las líneas maestras de la programación vuelve a ser la figura de la mujer en la música española, ampliando y dedicando el ciclo Domingos de Cámara Mujeres con Ñ íntegramente y por segundo año consecutivo a las compositoras españolas, así como el recital de “Notas del Ambigú” Una Mujer en la música –con motivo del Día Internacional de la Mujer– y los conciertos Zarzuela tiene nombre de mujer de Rosa Torres-Pardo y Nancy Fabiola Herrera a base de romanzas que tienen a la mujer como protagonista y Mujeres de Música de Sole Giménez

El Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– recientemente galardonado con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomentode la Lírica, será de nuevo pieza fundamental de la temporada, y los proyectos didácticos volverán a superar el 20% de la programación

El ciclo de Conciertos ofrecerá 8 propuestas de algunas de las más destacadas voces de la lírica, el flamenco, el pop y la música popular

El ciclo ‘Notas del ambigú’, que continúa su incesante éxito de público, ofrece 10 recitales

Se crea el ciclo, “A propósito de…”, de la mano del director musical del Teatro, Guillermo García Calvo

Volverán, asimismo, el Teatro Musical de Cámara en coproducción con la Fundación Juan March y el ciclo de Lied, coproducido con el CNDM

Se mantienen los precios populares (4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto.

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2021/2022 cuyas 164 funciones programadas, que mantienen la media de los últimos años, serán la plasmación de que ya se vislumbra un nuevo horizonte. Así lo señala Daniel Bianco, director del coliseo, que tilda el nuevo curso como “la temporada de la ilusión”. Y la confianza y la buena sintonía no es para menos, ya que en la temporada que aún estamos la feroz amenaza de la covid no ha podido con este Teatro: “Podemos decir con orgullo que no hemos retrasado ni una sola función ni cancelado un solo día por causa de la covid”, señala, e indica que “todas las producciones propias del teatro, conciertos y recitales hasta el día de hoy se han podido llevar a cabo”.

Y no quiere dejar de mencionar a nadie en esta ardua tarea que ha supuesto sacar adelante toda una programación con las hostiles circunstancias a las que toda la sociedad aún hace frente: “Ha sido un esfuerzo de todos. Técnicos, Coro, Cantantes, Bailarines, Actrices, Actores y Artistas que aman y arman el Teatro con la misión de levantar el telón cada noche. Y así lo hemos hecho, misión cumplida”, afirma con una nada disimulada satisfacción.

Esto explica la ilusión a la que el director alude como lema de la temporada en el titular de la presentación; ilusión porque la música, la zarzuela, continuará sonando en este escenario en la próxima temporada. “Creo firmemente que la música y la escena son capaces de cambiar el mundo y juntas de mejorarlo, y que su milagro se hace presente cuando público y artistas participan de un mismo ritmo, un mismo canto, un mismo sueño, una misma respiración”.

Y la complacencia se transforma en profunda emoción cuando alude al público. “Cuando comenzamos la temporada no sabíamos de qué manera iba a reaccionar, si nos acompañaría en este camino, si tendría miedo a volver… Pero la respuesta ha sido excelente: ha demostrado una vez más su fidelidad acudiendo a todas nuestras funciones, siguiendo nuestras retransmisiones por streaming, nuestras conferencias y encuentros online con artistas. Formando parte de la vida, del día a día de este teatro”. Y con una afirmación categórica, apoya la certeza de que solo hay lugar para la emoción y el agradecimiento: “Sin el público este teatro no existiría”.

Y quiere Daniel Bianco recordar aquella extremada prudencia a la que al comienzo de la temporada que ahora termina, aludía como la única manera posible de funcionar: “Como teatro público esta es nuestra primera responsabilidad y nuestro compromiso: la prudencia ha guiado nuestros pasos y hemos completado la temporada entera cumpliendo con rigor todas las recomendaciones y normas que nos protegen del coronavirus dictadas en el protocolo del INAEM”.

La Temporada

Esta que se presenta es la sexta temporada desde que Daniel Bianco llegó al Teatro (aunque también se podría presentar como la temporada 162 desde su fundación en 1856): “Se trata de una etapa más de un proyecto de largo alcance cuyo objetivo persigue un fin concreto: que el Teatro de la Zarzuela siga cumpliendo con la misión con la que nació, que no es otra que ser el escenario privilegiado del teatro musical español, con la vocación irrenunciable de ser un teatro público, accesible y asequible, abierto para todo aquel que quiera descubrir y disfrutar el patrimonio lírico español. Estas son las razones por las que –como dicen nuestros estatutos– somos y seguiremos siendo el Teatro Lírico Nacional”.

Por ello, y bajo esa máxima, en la próxima temporada se presentarán 164 funciones, manteniendo la media de funciones de los últimos años; 10 títulos de teatro musical, de los cuales 4 son recuperaciones del patrimonio lírico español: dos de ellos en concierto y dos en escena; además de 6 títulos líricos del gran repertorio zarzuelístico. El ciclo de conciertos con 8 propuestas que van de la lírica, al flamenco, el pop o la música popular y el ciclo notas del ambigú con 10 recitales. Además, se amplía el ciclo Domingos de Cámara dedicado a las creadoras españolas e echa a andar un nuevo ciclo de la mano del director musical del Teatro, Guillermo García Calvo.

De igual manera, continúan las colaboraciones ya veteranas con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el ciclo de Lied, y con la Fundación Juan March en el ciclo de Teatro Musical de Cámara.

En cuanto a las entradas, se mantienen los precios populares (de 4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto. Daniel Bianco manifiesta al respecto que esta es una de las funciones esenciales de un teatro público: ser “verdaderamente” el teatro de todos. Mantener esta escala de precios ”supone un enorme esfuerzo, un sacrificio que es absolutamente necesario”, indica.

LÍRICA

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dicen bien claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Por ello, comenzará la temporada con la recuperación de uno de los títulos capitales de la ópera española. Hablamos de ‘Circe’, obra de gran significación en la historia de la ópera española porque en ella Ruperto Chapí desarrolla hasta sus últimas consecuencias un estilo propio que asumen las vanguardias de corte wagneriano y las traspone a la lírica española. No en vano, ‘Circe’ fue (junto a ‘Farinelli’ de Bretón y ‘María del Pilar’ de Giménez, ambas también recuperadas recientemente por el Teatro de la Zarzuela) uno de los títulos de la temporada inaugural del Teatro Lírico de Madrid, coliseo que se levantó precisamente para dar espacio y oportunidades a la ópera española, en contraposición con la ópera italiana y francesa que dominaba la cartelera lírica de la ciudad. Estará dirigida por Guillermo García Calvo y contará con las voces de Saioa Hernández, Alejandro Roy, Rubén Amoretti y Pilar Vázquez. Serán 2 funciones en versión de concierto los días 10 y 12 de septiembre.

Después de 20 años sin representarse en el Teatro de la Zarzuela, vuelve a su escenario uno de los títulos más queridos y celebrados por el público fiel al género y su teatro: ‘Los Gavilanes’. Esta fue precisamente la primera incursión del Maestro Jacinto Guerrero en la zarzuela grande, y se ha mantenido hasta hoy en el repertorio y en la memoria sentimental de los aficionados. La obra habla de la inmigración, del paso del tiempo, de los amores jóvenes y de los amores olvidados. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela tendrá como director musical a Jordi Bernàcer y como director de escena a Mario Gas. Se han programado 13 funciones del 8 al 24 de octubre, y contará con la participación de Juan Jesús Rodríguez, Javier Franco, María José Montiel, Sandra Ferrández, Marina Monzó, Leonor Bonilla, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro,
Lander Iglesias, Esteve Ferrer, Ana Goya,
Trinidad Iglesias, Enrique Baquerizo, Mar Esteve y Raquel del Pin. La escenografía será de Ezio Frigerio, el vestuario de Franca Squarciapino y la iluminación de Vinicio Cheli.

Hace ahora un año, cuando todavía estábamos saliendo del confinamiento, el Teatro de la Zarzuela se comprometió a reubicar todos los espectáculos que se vieron afectados entre marzo y junio de 2020. Durante la presente temporada se han reprogramado todos los conciertos y recitales que tuvieron que ser aplazados, y el pasado mes de enero se estrenó la nueva producción de ‘Luisa Fernanda’ prevista para mayo de 2020. En noviembre de 2021 se recuperará ‘La Tabernera del puerto’, una producción que no sólo se vio afectada por el confinamiento, sino también por las huelgas de 2018 contra la fusión del Teatro Real y el Teatro de la Zarzuela. En aquella ocasión solo pudieron celebrarse cinco funciones. En noviembre de este año, el público podrá disfrutar, entre el 19 y el 28 de noviembre de 8 funciones de este título imprescindible de Pablo Sorozábal, con dirección musical de Óliver Díaz, escénica de Mario Gas, escenografía de Ezio Frigerio, vestuario de Franca Squarciapino e iluminación de Vinicio Cheli. En los repartos participarán María José Moreno, Sofía Esparza, Damián del Castillo, Rodrigo Esteves, Antonio Gandía, Antoni Lliteres, Rubén Amoretti, Ruth González, Vicky Peña, Pep Molina, Ángel Ruiz, Abel García y Agus Ruiz.

Si ‘La Tabernera del puerto’ es una de las obras más populares de nuestro género, el Maestro Sorozábal tiene joyas no tan conocidas, como es el caso de ‘Entre Sevilla y Triana’, sainete lírico en dos actos estrenado en 1950. Entre el 26 de enero y 6 de febrero se ofrecerán 10 funciones históricas de esta obra que llega por vez primera al escenario de La Zarzuela. Como suele pasar en todas las obras del compositor donostiarra, nadie quedará indiferente: en esta ocasión, se reivindica la dignidad de la mujer (en la figura de una madre soltera) contra las costumbres y moralidad de una época que por fortuna ya es historia. En ella nos deslumbraremos con el Sorozábal más andaluz que existe, con una melodías llenas de luz y otras de profundo dramatismo. Se trata de una producción de 2012 del Teatro Arriaga de Bilbao, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, los Teatros del Canal de Madrid y el Teatro Campoamor de Oviedo. El director musical será Guillermo García Calvo, director musical de la casa, y el de escena Curro Carreres. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario de Jesús Ruiz y la coreografía de Antonio Perea. Los dos elencos contarán con Carlos Álvarez, Javier Franco, Ainhoa Arteta, Carmen Solís, Andeka Gorrotxategi, Alejandro del Cerro, Anna Gomà, Jesús Méndez, Gurutze Beitia, Pedro Bachura, Antonio Martínez, Rocío Galán, Natán Segado y Lara Chaves.

Los días 4 y 6 de marzo, y de nuevo siguiendo con la política de recuperación del patrimonio lírico español del Teatro, será rescatada del olvido ‘Tabaré’, obra magnífica como todas las de Tomás Bretón. Estrenada en su día por el tenor Francisco Viñas en 1913 en el Teatro Real, solo pudo escucharse en tres únicas funciones y hasta el día de hoy no ha sido representada nunca más. Se trata de una composición de madurez que sintetiza el lirismo melódico de la tradición italiana, el tratamiento armónico de la ópera wagneriana y sonoridades propias del impresionismo. El propio Bretón la consideraba su obra más personal e independiente. Y el tema sobre el que se desarrolla el argumento no puede ser más particular: la lucha entre los indios charrúas (que poblaban en el siglo XVI lo que hoy es Uruguay) y los españoles. Una temática nada convencional con libreto del propio Tomás Bretón basado en el poema épico homónimo de Juan Zorrilla de San Martín. Será dirigida por el maestro Ramón Tebar al frente de la orquesta Titular del Teatro, Orquesta de la Comunidad de Madrid, ORCAM, y del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, y de un reparto que cuenta con Andeka Gorrotxategi, Maribel Ortega y Juan Jesús Rodríguez.

Otro momento especialmente importante se vivirá en el mes de abril: la recuperación escénica de la comedia musical de Isaac Albéniz ‘The Magic Opal’. Se trata de la primera obra escénica que compuso Albéniz para el público inglés. Estrenada en Londres, en inglés, en 1893, rápidamente fue traducida al español y presentada en 1894 en el Teatro de la Zarzuela.
En esa ocasión, el público no entendió la obra por estar alejada de la tradición musical española. Sin embargo, se trata de una obra colorista, sugestiva y fresca: un Albéniz diferente. La traducción del libreto de 1894 –titulado entonces ‘La Sortija’– no se ha conservado, y esa es la razón por la que para esta representación que recupera el título se ha encargado una nueva traducción al castellano elaborada por Javier L. Ibarz y Pachi Turmo. La dirección musical será de Guillermo García Calvo, la dirección de escena y escenografía de Paco Azorín, el vestuario de Juan Sebastián Domínguez, la iluminación de Pedro Yagüe y el diseño de audiovisuales de Pedro Chamizo. Encabezarán los repartos Ruth Iniesta, Carmen Romeu, Santiago Ballerini, Leonardo Sánchez, Luis Cansino, Rodrigo Esteves, Damián del Castillo y César San Martín. Están programadas 8 funciones del 1 al 10 de abril.

El siguiente título es un ejemplo de gran maestría: con tan solo una orquesta compuesta por las secciones de cuerda y dos arpas, Manuel Penella consigue escribir uno de los títulos más bellos del repertorio. Hablando de ‘Don Gil de Alcalá’, una ópera ambientada en el Virreinato de Nueva España en el siglo XVIII, que se presentará en una producción del Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo firmada por Emilio Sagi en 2017. Se ofrecerán 14 funciones del 5 al 22 de mayo, la dirección musical será de Lucas Macías y en los repartos intervendrán Celso Albelo, José Luis Sola, Sabina Puértolas, Irene Palazón, Carlos Cosías, Facundo Muñoz, Carol García, Lidia Vinyes-Curtis, Manel Esteve, Eleomar Cuello, Stefano Palatchi, Simón Orfila, María José Suárez, David Sánchez, Ricardo Muñiz y Miguel Sola. La escenografía es de Daniel Bianco, el vestuario de Pepa Ojanguren, la iluminación de Eduardo Bravo y la coreografía de Nuria Castejón.

Y para rematar la temporada lírica, uno de los títulos ineludibles de zarzuela, de los que hacen grande al género y crean afición, ‘El barberillo de Lavapiés’ de Francisco Asenjo Barbieri, que llegará al escenario en la producción del coliseo que se estrenó con atronador éxito en 2019, y que ha viajado con idéntica suerte a Sevilla, Oviedo y Valencia. Firmada por Alfredo Sanzol, uno de nuestros más destacados dramaturgos y directores, Premio Nacional de Literatura Dramática en 2017, en lo musical volverá a dirigirla José Miguel Pérez-Sierra; la escenografía y el vestuario son de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la coreografía de Antonio Ruz. Borja Quiza, David Oller, Cristina Faus, Carol García, María Miró, Cristina Toledo, Javier Tomé, Francisco Corujo, Gerardo Bullón y Abel García compondrán los elencos en las 10 funciones que irán del 15 al 26 de junio.

Con la presentación de estos 8 títulos el teatro seguirá siendo un año más ejemplo único en la conservación, difusión y exhibición de nuestra lírica, tan fecunda como heterogénea.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus cinco primeras temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal presenta 8 nuevas propuestas con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Esto convierte al Teatro en un espacio fundamental en nuestro teatro porque en él tiene cabida la pluralidad de la música española, sin prejuicios y con un espíritu abierto a todos los públicos. Abrirá el ciclo la cantante Sole Giménez presentando ‘Mujeres de Música’, continuación del concierto que ya ofreciera la pasada temporada como parte de un amplio proyecto que reúne grandes canciones compuestas y escritas por mujeres con la intención de visibilizar el trabajo de la mujer como autora en el mundo de la música (18 de octubre); la soprano Lisette Oropesa, aclamada internacionalmente, debuta en el Teatro de la Zarzuela y cantara por primera vez en su carrera un recital de romanzas de zarzuela española y cubana: ‘Zarzuela de ida y vuelta’. Un concierto muy especial con el que la cantante quiere rendir un sentido homenaje a Cuba, la tierra de sus padres, y en el que estará acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre (13 de diciembre); el tradicional Concierto de Navidad, con el Maestro Guillermo García Calvo como director musical, a quien acompañará la soprano Ainhoa Arteta con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela (30 de diciembre); Estrella Morente, con su voz privilegiada, sentido único del ritmo, pasión y la herencia de sus mayores, este referente indiscutible del flamenco y de la música española vuelve a su casa en Madrid a celebrar 20 años como artista única. (31 de enero); y de una estrella del firmamento flamenco a otra: Arcángel, uno de los cantaores de referencia en el panorama actual del flamenco con una extensa carrera caracterizada por el equilibrio entre la tradición y la vanguardia, nos presenta ‘Bel cante’. Con esa incansable búsqueda de nuevos caminos, sumergirá al público en una travesía por la zarzuela, el flamenco y la ópera junto al Quinteto Tottem Ensamble (5 de marzo); luego llegará el espectáculo ‘Zarzuela tiene nombre de mujer’ en el que dos artistas imprescindibles, la pianista Rosa Torres-Pardo y la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera se reúnen en un recital en el que “conversarán” a través de diferentes romanzas que tienen a la mujer como protagonista (5 de abril); Silvia Pérez Cruz. ‘Farsa (género imposible)’. Sola: la reconocidísima artista de Palafrugell regresa a este escenario, sola, con su guitarra, creando un espacio íntimo para presentar su último proyecto discográfico. (9 y 10 de mayo); Xabier Anduaga. ‘Nuestra música’. El tenor donostiarra, brillante ganador del International Opera Award y del Premio Ópera XXI como mejor cantante joven y antes del Premio Zarzuela Operalia y también al Mejor Cantante Joven del Concurso International Opera World, cantara por primera vez en este Teatro un recital de zarzuela y canciones de compositores españoles. Además, seducirá al público con romanzas y arias de zarzuela (21 de junio).

Desde su creación, hace ya cinco temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’ y han dejado un gusto dulce y diferente a cualquier experiencia musical por la proximidad del artista con el público que crea una atmósfera emocionante y feliz. En esta ocasión, los protagonistas serán la soprano Sabina Puértolas junto al pianista Rubén Fernández Aguirre, que ofrecerán un recital dedicado íntegramente a Emilio Arrieta (1821-1894) en conmemoración del bicentenario de su nacimiento (28 de octubre); los cantantes y actores Nuria Pérez y David Pérez Bayona, que acompañados por el pianista Álvaro Ortega Luna, presentarán ‘Enzarzados. Del teatro musical a la zarzuela’. La historia de dos jóvenes provenientes del teatro musical que iniciaron su andadura en el Proyecto Zarza y descubrieron en la zarzuela un género que, sin saberlo, les pertenecía (20 de octubre); el bandoneonista Claudio Constantini y la pianista Louiza Hamadi que conmemorarán el centenario del nacimiento de Astor Piazzolla (1921-1992) (2 de diciembre); el contratenor Alberto Miguélez Rouco con Pablo Fitzgerald (laúd) y Teodoro Baú (viola da gamba) nos ofrecerán un programa dedicado a Cantadas de Jose de Torres (1670-1738), uno de los compositores más importantes del Barroco español; maestro de capilla, editor musical, organista y compositor de zarzuela (4 de enero); el tenor Enrique Viana, acompañado por el pianista Ramón Grau, regalará al público una hora y cuarto de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada. Un ≪cabaret lirico≫ con músicas de nuestra zarzuela bajo el título ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’ (7, 8 y 9 de enero); La soprano Carmen Romeu y el pianista Borja Mariño presentarán ‘La meua llar’, un programa con el que nos harán descubrir música de compositores valencianos como Oscar Esplá, Manuel Palau Boix, Miquel Asins Arbó, Ángeles Lopez Artiaga y Matilde Salvador, entre otros (11 de febrero); con ocasión del Día Internacional de la mujer, la actriz-cantante Gurutze Beitia ofrecerá el recital ‘Una mujer en la música’ dedicado a mujeres compositoras de música popular como Chabuca Granda, Mercedes Sosa, Violeta Parra, Consuelo Velázquez o Cecilia, y con César Belda al piano (8 de marzo); el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán el recital ‘Catalanes por el mundo’ con obras de compositores catalanes que compusieron también en otros idiomas: en catalán, Eduard Toldrà; en alemán, Joan Manen; en francés, Pau Casals; en castellano, Jaume Pahissa; o en italiano, Isaac Albéniz; entre otros (18 de abril); ‘Música española contemporánea’. Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, el Teatro de la Zarzuela, en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, convoca un concurso de composición para jóvenes compositores. Las tres obras ganadoras se estrenarán en este concierto por el Ensemble Opus 22 (28 de junio); y para cerrar el ciclo el guitarrista Rafael Aguirre dedicará su recital ‘Los últimos románticos’ a la música de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

El CICLO DOMINGOS DE CÁMARA: MUJERES CON Ñ. Tercera edición del ciclo de música española de cámara que por segundo año consecutivo estará dedicado íntegramente al papel de la mujer en la música en su faceta como compositora. Con este ciclo el Teatro quiere continuar con la difusión de estas obras, muchas inéditas, y descubrir al público la excelente calidad de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron o tienen el debido reconocimiento por sus creaciones. De esta manera, se pondrá en valor a algunas de nuestras compositoras del siglo XX y XXI como Maria Teresa Prieto, Raquel Garcia-Tomás, Claudia Montero, Diana Perez Custodio, Iluminada Perez Frutos, Laura Vega, Maria Jose Arenas, Mercedes Zavala, Dolores Serrano, Marisa Manchado, Sonia Magías, Cruz Lopez de Rego, Zulema de la Cruz, Maria Rosa Ribas, Emma Chacón, Elena Mendoza, Emiliana de Zubeldia, Gabriela Ortiz, Nuria Núñez o Teresa Catalán, entre otras. Y el compromiso del Teatro de la Zarzuela es también con el futuro de las autoras, por lo que cada concierto contará con un estreno absoluto de jóvenes compositoras, alumnas del real Conservatorio de Música Superior de Madrid. Las cinco citas de esta edición serán: Cuarteto Bretón (7 de noviembre), Cristina Montes, arpa (20 de febrero), Cuarteto Sax-Ensemble (20 de marzo), Trío Arbós (24 de abril) y Mario Prisuelos, piano (5 de junio). Lo estrenos absolutos serán de las alumnas Amanda Garrido, Adela Rodríguez Yus, Laura de las Heras, Miriam Sanz Ortega y Nuria M. Sánchez Sánchez.

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará su XXVIII edición con 10 recitales: La mezzosoprano Ekaterina Semenchuck (4 de octubre), la soprano Marlis Petersen (23 de noviembre), la soprano Eva-Maria Westbroek (20 de diciembre), el barítono Matthias Goerne (7 de febrero), el barítono Josep-Ramon Olivé (21 de marzo), la soprano Katharina Konradi (4 de abril), el barítono Andrè Schuen (17 de mayo), el tenor Mark Padmore (20 de junio), la soprano Julia Kleiter con el barítono Christian Gerhaher (11 de julio) y la mezzosoprano Anna Lucia Richter también junto al barítono Christian Gerhaher (18 de julio) y de nuevo el barítono Florian Boesch (14 de junio), completan la propuesta de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a la formación y la información para ese amplio público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que, a su vez, deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que más del 20% de la programación del Teatro esté dedicada al público joven, y hasta tal punto la respuesta es positiva que la edad media de los espectadores del Teatro se ha reducido en las cinco últimas temporadas en una década.

En la nueva Temporada se ofrecerá un total de 30 funciones entre los espectáculos que conforman el proyecto didáctico.

El PROYECTO ZARZA, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, un proyecto que acaba de recibir el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica, supone un éxito rotundo cada temporada. En las cinco que lleva funcionando, han pasado por las butacas del Teatro más de 35.000 espectadores –de los que más de 21.000 han sido escolares de entre 12 y 18 años– que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’, ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’ y ‘Amores en Zarza’, y cerca de 100.000 que han podido disfrutarlo online. Como no podía ser de otra forma, en la Temporada 2021/2022 el proyecto vuelve con fuerza y con una cifra récord de presentación de candidaturas a las audiciones: más de 800 jóvenes artistas se han presentado a las mismas. Este año el proyecto presentará una nueva producción del musical del maestro Jacinto Guerrero ‘El sobre verde’ el libreto original de Enrique Paradas y Joaquín Jiménez estará revisado por el dramaturgo Álvaro Tato. Con dirección de escena de Nuria Castejón, musical de Cecilia Bercovich, escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda y vestuario de Gabriela Salaverri, el reparto como de costumbre estará formado, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañado por un conjunto musical de cámara. Las 12 funciones se ofrecerán del 21 al 26 de febrero de 2022.

Y los proyectos didácticos destacan un año más porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por quinto año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’ y las del éxito arrollador de ‘La increíble historia de Juan Latino’, volverá al Ambigú el teatro de títeres con música en directo. La propuesta será en esta ocasión el estreno de la obra ‘El cielo de Sefarad’, coproducido por el Teatro y la Compañía Claroscvro. Serán otras 18 funciones entre el 25 de mayo y el 3 de junio de 2022.

También enmarcado en los proyectos didácticos, la soprano Nicola Beller Carbone, que se distingue por un perfil artístico peculiar, en el que cuida los aspectos interpretativos tanto como los musicales, y que en 2019 fundó LIBERAinCANTO para impartir clases magistrales para cantantes liricos en las que trabaja la actuación y el canto desde la imaginación y la creatividad, ofrecerá del 21 al 27 de marzo clases magistrales a jóvenes artistas.

DANZA

En la temporada próxima también la danza será protagonista a través de las dos compañías nacionales, residentes del Teatro: El Ballet Nacional de España llega con el programa ‘Invocación’, diseñado expresamente para la compañía por su director, Ruben Olmo, ofrece una visión global de la danza española, abarcando la mayor parte de sus estilos, desde la escuela bolera a la danza estilizada y el flamenco estilizado. Incluye además un especial homenaje al bailarín y coreógrafo Mario Maya (1937-2008), uno de los grandes maestros de nuestra danza. Serán once funciones del 10 al 22 de diciembre. Por su parte, la Compañía Nacional de Danza dirigido por Joaquín de Luz presentará un programa triple integrado por las coreografías ‘Polyphonia’ de Christopher Wheeldon con música de György Ligeti, ‘Grosse Fuge’ de Hans van Manen con música de Ludwig van Beethoven y ‘Concerto DSCH’ de Alexei Ratmansky con música de Dmitri Shostakovich. Serán diez funciones del 7 al 17 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que prevalece cada año renovado de energía e intenciones es el dedicado al Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 26 de septiembre al 4 de octubre se presentarán las siete funciones de ‘I Tre Gobbi’ (‘Los tres jorobados’) de Manuel García, que no pudo estrenarse en su día por culpa de la pandemia. Con libreto del propio músico sevillano del siglo XVIII, basado en el intermedio de Carlo Goldoni, se trata de una nueva coproducción entre ambas instituciones, que vuelve a demostrar que la suma de esfuerzos permite llegar más lejos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Rubén Fernández Aguirre, uno de los más destacados expertos en la obra de Manuel García, que también interpretará la música al piano. La dirección de escena es de José Luis Arellano, la escenografía de este y Pablo Menor Palomo, el vestuario de Ikerne Giménez, la iluminación de David Picazo, la coreografía de Andoni Larrabeiti y el reparto lo componen Cristina Toledo, David Alegret, David Oller, Javier Povedano y Andoni Larrabeiti. Como es habitual, las representaciones serán en la Fundación Juan March.

GRANDES VOCES PARA LA ZARZUELA

Uno de los logros que distingue al Teatro de la Zarzuela es el de reunir en cada temporada a las grandes voces líricas que cantan en español. Así, en la próxima tendremos la oportunidad de disfrutar del arte de cantantes como CARLOS ÁLVAREZ, AINHOA ARTETA, SAIOA HERNÁNDEZ, LISETTE OROPESA, NANCY FABIOLA HERRERA, ISMAEL JORDI, MARÍA JOSÉ MONTIEL, JUAN JESÚS RODRÍGUEZ, SABINA PUÉRTOLAS, XABIER ANDUAGA, ANDEKA GORROTXATEGI, CELSO ALBELO, RUTH INIESTA, SIMÓN ORFILA, CARMEN ROMEU, JOSÉ LUIS SOLA, CAROL GARCÍA, MARINA MONZÓ, BORJA QUIZA, CRISTINA FAUS…, y tantos y tantos otros que solo sus nombres hacen de la temporada una experiencia ciertamente única.

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El Rey que rabió
Zarzuela en tres actos
Música de Ruperto Chapí
Libreto de Miguel Ramos Carrión y Vital Aza
D. musical: Iván López Reinoso
D. escena: Bárbara Lluch
Escenografía: Juan Guillermo Nova
Vestuario: Clara Peluffo Valentini
Iluminación: Vinivio Cheli
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
Reparto: Enrique Ferrer, Rocío Ignacio, María José Suerez, Rubén Amoretti, José Manuel Zapata, Carlos Cosías, Ígor Peral, José Julian Frontal, Alberto Frías, Sandro Cordero, Pep Molina, Ruht González y Antonio BuendíaEl Teatro de la Zarzuela ha querido terminar esta temporada tan especial, con un título imprescindible de la lírica española, “El Rey que rabió”, del maestro Ruperto Chapí, 130 años después de su estreno el 20 de abril de 1891 en este mismo Teatro.

En aquel momento era regente la Reina María Cristina, a la espera de la mayoría d edad de Alfonso XIII. Pero no es este rey al que alude la obra, sino a Alfonso XII y otros políticos y militares de la época.

El libreto es de dos de los mejores dramaturgos y humoristas del momento, Miguel Ramos Carrión y Vital Aza, que crearon un libreto lleno de situaciones y personajes atemporales, de enredos y cómicas situaciones en la España de la Restauración. Un libreto crítico con todos los estamentos de poder, resaltando con mucho humor la parte más teatral de la política desarrollada en una corte que bien podrían pertenecer al momento de su estreno o, como nunca antes, al presente más actual, con el engaño de los gobernantes como protagonista principal.

Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela del “Rey que rabió” ha estado a cargo, escénicamente, de la ya aclamada en este Teatro por “La Casa de Bernarda Alba” en 2018, Bárbara Lluch. En esta ocasión, la escenografía, potenciada por el vestuario de Clara Peluffo Valentini, dan a la obra aspecto de función escolar, esa que se hace a final de curso. El vestuario es muy vistoso y alegre, pero junto al resto de elementos escénicos, crean un conjunto exageradamente infantil. Al igual que la teatralización de los personajes, casi todos demasiado histriónicos, sobre todo el Capitán de Alberto Frías, que pecó de sobreactuación buffa. María José Suárez y Sandro Cordero, como María y Juan, estuvieron un poco más equilibrados en su parte cómica, aunque igualmente exagerados.

Los más destacados fueron Ruth González Mesa, como el Paje Criado del Rey, Rubén Amoretti, como El General, que dejó entrever su calidad vocal cuando las humoradas se lo permitían y un Manuel Zapata como Jeremías, algo pasado también, pero que supo mantener el equilibrio teatral y no arrastrar al personaje.

Los protagonistas principales no supieron estar a la altura. La soprano Rocío Ignacio, como Rosa, no pareció en ningún momento una campesina. Más bien seguía interpretando su papel de Luisa Fernanda esta misma temporada. Le costó algún que otro abucheo por parte del público.

EL otro protagonista era Enrique Ferrer, el Rey, que no sabemos si rabió o no, pero que tampoco tuvo su noche. Poca gracia en la interpretación y poca consistencia vocal. No resultó acertada la elección de un tenor para este papel, cuando la partitura de Chapí indica que es para soprano.

Tan solo el conocido Coro de doctores nos trasladó a la maravillosa música del compositor, con una actuación del coro brillante, como de costumbre. La iluminación de Vinicio Cheli contribuyó a que esta escena fuera lo mejor de la representación.

No fue tampoco la noche del director musical Iván López Reinoso. Lento hasta la extenuación, con un sonido a ráfagas y sin sacar provecho a una orquesta que demuestra, en cuanto tiene ocasión, la calidad que atesora.

Una pena terminar así una temporada tan especial y que ha estado a tan alto nivel. Pero, el mejor escribano echa un borrón y esperamos con ilusión la próxima temporada.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier de Real

Domingos de Cámara

Dedicado por completo esta temporada a la música compuesta por mujeres, el ciclo ‘Domingos de cámara’ del Teatro de la Zarzuela pondrá el cierre de oro este próximo domingo 6 de junio a las 12h00 con el recital ‘Hacer las américas’.

La razón del título ‘Hacer las Américas’ es geográfica, cultural, histórica y hasta sentimental. Resultado de ese importante y mágico flujo de ida y vuelta que lo impregna todo a uno y otro lado del Atlántico y que lo hace crecer en cada orilla antes de emprender el regreso. El concierto de este domingo será retrato de esta marea sin fin que aúna valores y tradición. Dos de las compositoras son iberoamericanas: Macarena Rosmanich, de Chile, y Ana Lara, de México, y otra, Diana Pérez Custodio, gaditana (Cádiz, puerto crucial en la ruta de las Américas). Por último, al igual que en el resto de conciertos del ciclo, el recital incluye un estreno absoluto de una alumna del conservatorio Superior de Música de Madrid, y en este caso será de Sofía Sainz con su obra ´Yugen, para arpa, violonchelo y contrabajo.

Los solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular del Teatro, que participarán en el concierto del domingo serán Amaya Barrachina (violín), Eva Martín (viola), Ángel García Jermann (violonchelo), Luis Navidad (contrabajo) y Ana María Reyes (arpa).

Esta segunda edición del ciclo ‘Domingos de Cámara‘, que con este concierto llega a su fin, ha significado un emocionante viaje a través de un patrimonio musical español desconocido. De la mano de solistas de la ORCAM, cada concierto ha destacado el extraordinario valor de las compositoras españolas de los siglos XX y XXI como María Rodrigo, María Teresa Prieto, Pilar Jurado, Teresa Catalán, Mercedes Zavala, Zulema de la Cruz, Marisa Manchado, Rosa Alarcó o Diana Pérez Custodio entre muchas otras.

El ciclo ha acogido cuatro estrenos absolutos de alumnas del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid: Amanda Garrido, Miriam Sanz Ortega, Laura de las Heras y Sofía Sainz.

Proyecto Zarza

El Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela ha sido galardonado con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica en la tercera edición de estos galardones, considerados los Premios Nacionales de la Lírica, cuyo fallo se ha hecho público hoy.

Zarza es una de las iniciativas estrella del Teatro de la Zarzuela. Se trata de un proyecto artístico y divulgativo creado por el director coliseo, Daniel Bianco, que bajo el lema “zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes” tiene el objetivo de que las jóvenes generaciones conozcan el patrimonio lírico español, de acercarse a nuevos públicos y de abrir la puerta a nuevas generaciones de artistas.

En palabras de Oriol Aguilà, presidente de ÓPERA XXI y del jurado de sus Premios, además de director del Festival de Peralada, el premio le ha si otorgado porque el Proyecto Zarza “es un referente del que todos debemos aprender mucho, por su inteligencia, coraje, capacidad de comunicación y por saber reinventar y explicar la Zarzuela, la Ópera y la música a nuevos públicos y en especial a los jóvenes”.

Hasta la fecha, en sus cinco ediciones, ha adaptado cuatro clásicos de nuestro género chico: ‘La revoltosa’, ‘El dúo de la africana’, ‘La verbena de la Paloma’, y ‘Agua, azucarillos y aguardiente’, y ha presentado un título original, la reciente ‘Amores en zarza’, cuya historia se desarrolla al hilo de una selección de números musicales de diferentes zarzuelas. Protagonizadas por artistas de entre 18 y 30 años, las obras de ‘Zarza’ adaptan los textos y la escena a la contemporaneidad del nuevo público. A la última convocatoria de audiciones (la que nutrirá de artistas la propuesta de 2021/2022) se han presentado más de 800 candidatos.

Palmarés, III PREMIOS ÓPERA XXI

CARLOS ÁLVAREZ. Premio Mejor Cantante por su interpretación del papel de Rodrigo de la ópera ‘Don Carlo’, Verdi, en el Teatro Colón, septiembre de 2019, dentro de la programación lírica organizada por los Amigos de la Ópera de A Coruña.

CARLOS CHAUSSON. Mención Especial por su interpretación del papel protagonista en la ópera ‘Don Pasquale’ en el Teatro de la Maestranza de Sevilla en octubre de 2019.

XABIER ANDUAGA. Premio Mejor Joven Cantante por su fulgurante camino de éxitos, que, a sus 26 años, ya le ha consagrado como uno de los mejores intérpretes de la actualidad con una destacada trayectoria nacional e internacional.

RICCARDO FRIZZA. Premio al Mejor Director Musical por su labor al frente de las funciones de ‘Lucia di Lammermoor’, Donizetti, en ABAO Bilbao Ópera (Palacio Euskalduna) en octubre de 2019.

ROBERT CARSEN. Premio a la Mejor Dirección de Escena por sus propuestas para la ópera ‘Elektra’, Richard Strauss, en el Palau de les Arts de Valencia en enero de 2020, y por su trabajo en el Teatro Real para las funciones de ‘La Valquiria’, Wagner, en febrero de 2020.

TURANDOT, GRAN TEATRE DEL LICEU. Premio a la Mejor Nueva Producción es para la Turandot, Puccini, programada por el Gran Teatre del Liceu en octubre de 2019. El videoartista Franc Aleu se estrenó como director de escena, con Susana Gómez en la codirección, llenando el escenario de metáforas visuales, colores y texturas, haciendo uso de las últimas tecnologías.

PROYECTO ZARZA, TEATRO DE LA ZARZUELA. Premio a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica.

MY OPERA PLAYER (Teatro Real) / FESTIVAL PERALADA LIVESTREAM. Ex aequo, Premio Mejor Iniciativa Digital durante el confinamiento.

PREMIO OLA, en colaboración con Ópera Latinoamérica. Premio a la Mejor Nueva Producción Latinoamericana recayó en la producción de ‘La italiana en Argel’, de Rossini, que se pudo ver en el Teatro Municipal de Santiago de Chile en octubre de 2019, con dirección de escena de Rodrigo Navarrete y musical de José Miguel Pérez-Sierra.

PREMIOS HONORÍFICOS

EMILIO SAGI. Premio a toda una trayectoria, Premio Honorífico a la Persona, tras celebrar cuarenta años de carrera como gestor cultural y director de escena.

COMPAÑÍA TELEFÓNICA. Premio a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo, por su compromiso de apoyo a las temporadas de diferentes teatros, festivales, programas educativos y de difusión y acercamiento a la ópera, destacando especialmente su sensibilidad en la labor de proyectos audiovisuales y de digitalización.

AMICS DE S’ÓPERA DE MAÓ. El Premio Honorífico distingue en esta ocasión a la Temporada de Ópera de Maó, que organiza la asociación menorquina de Amics de s´Ópera de Maó, por su importante tarea de promoción, impulso y difusión de la ópera durante 50 temporadas ininterrumpidas.

Ópera XXI reúne a los 25 teatros, temporadas y festivales de ópera estables de nuestro país y cuenta con dos teatros miembros honoríficos de enorme relevancia. Está formada por:

ABAO BILBAO ÓPERA

AMIGOS CANARIOS DE LA ÓPERA

AMIGOS DE LA ÓPERA DE LA CORUÑA

AMIGOS DE LA ÓPERA DE MAHÓN

ASOCIACIÓN GAYARRE DE AMIGOS DE LA ÓPERA

ASOCIACIÓN AMIGOS ÓPERA VIGO

AUDITORIO DE TENERIFE

FESTIVAL CASTELL DE PERALADA

FUNDACIÓN BALUARTE DE PAMPLONA

FUNDACIÓ ÒPERA DE CATALUNYA

FUNDACIÓN ÓPERA DE OVIEDO

GRAN TEATRE DEL LICEU

GRAN TEATRO DE CÓRDOBA

PALAU DE LES ARTS DE VALENCIA

TEATRO ARRIAGA DE BILBAO

TEATRO CALDERÓN DE VALLADOLID

TEATRO CAMPOAMOR DE OVIEDO

TEATRO CERVANTES DE MÁLAGA

TEATRO CIRCO DE ALBACETE

TEATRO DE LA MAESTRANZA DE SEVILLA

TEATRE PRINCIPAL DE MAO MENORCA

TEATRE PRINCIPAL DE PALMA DE MALLORCA

TEATRO REAL DE MADRID

TEATRO VILLAMARTA DE JEREZ

TEATRO DE LA ZARZUELA DE MADRID

 

Miembros honoríficos:

TEATRO COLÓN DE BUENOS AIRES

TEATRO SAN CARLOS DE LISBOA

El Rey que rabió

En ocasiones la frescura y la actualidad no están reñidas con el paso del tiempo. 130 años, un siglo y tres décadas exactas hace que se estrenó ‘El rey que rabió’ en el Teatro de la Zarzuela -a cuyo escenario no sube desde hace 12-, y el público sigue esperándola con entusiasmo y disfrutando de ella con idéntica implicación que si de una nueva creación se tratara. Ese es uno de los más memorables secretos que hacen del teatro una experiencia mágica, una manifestación única y universal. Afortunadamente podremos volver a comprobarlo, a saborear ese valioso distintivo, durante las 14 funciones que de la nueva producción de la obra de Ruperto Chapí, Ramos Carrión y Vital Aza se ofrecerán del 3 al 20 de junio en el mismo Teatro que entre unánimes aplausos y fabulosas críticas la vio nacer a finales del convulso siglo XIX.

‘El Rey que rabió’, verdadera zarzuela grande, fue creada por Carrión, Aza y Chapí en 1891, y hoy por hoy es un hito del teatro lírico y, por supuesto, de la historia única y particular del Teatro donde nació con el propio maestro alicantino en el podio. Porque pocos reyes, ni los más populares de la Historia, ni los más queridos de sus pueblos, habrán sido más aclamados, aplaudidos y vitoreados que nuestro Rey en este reino exclusivo que es el Teatro de la Zarzuela.

Y si este título es ya de por sí una obra maestra, comprobar el equipo artístico y los repartos responsables de armarla de nuevo hace que sea mayúsculo el interés de este estreno de junio que cerrará la temporada lírica 2020/2021 del coliseo.

Música y escena. Excelencia y luminosidad

La dirección musical correrá a cargo del maestro Iván López Reynoso, una de las más importantes batutas jóvenes de México, recién nombrado director artístico de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y partenaire musical del tenor Javier Camarena en tantos conciertos –incluido el ofrecido en el Teatro de la Zarzuela hace varias temporadas–. También violinista, pianista y contratenor de éxito, como director de orquesta es especialista en muy diversas disciplinas –ópera, ballet, danza moderna, música antigua y música contemporánea–, ocupará el foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, ORCAM –Titular del Teatro–, del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela –que en esta ocasión tiene como desafío la interpretación de algunos de los números corales más emblemáticos del género– y de dos espléndidos y más que equilibrados repartos.

La propuesta escénica de esta nueva producción de ‘El rey que rabió’ es en verdad sorprendente. La dinámica e inteligente directora Bárbara Lluch –responsable de rotundos éxitos como el de la premiada ópera de la Zarzuela ‘La casa de Bernarda Alba’ de Miquel Ortega– ha puesto en marcha un luminoso planteamiento muy acorde con el espíritu original de la obra: “Se trata de dar la máxima libertad posible al público”, explica la regista, cuya intención es “que cada espectador sienta, empatice e interprete los personajes, el lugar y las relaciones entre ellos desde su propio punto de vista. Desde su propia y única perspectiva.” Y advierte al respecto que es por esa razón por la que los libretistas no dieron nombre ni al Rey, ni al General, ni al Gobernador, ni al Almirante, ni al Intendente… “Porque podría haber tantos reyes, generales, almirantes, gobernadores e intendentes diferentes como espectadores haya en la sala”, reflexiona Lluch.

Repartos a medida

Y en este punto llegamos a quienes tendrán que llenar de intenciones y buena voz a esos disparatados prototipos surgidos del talento intelectual, irónico y divertido del dramaturgo, periodista y humorista Miguel Ramos Carrión –creador también de los libretos de ‘Los sobrinos del capitán Grant’, ‘La tempestad’, ‘La bruja’ o ‘Agua, azucarillos y aguardiente’–, y del poeta, comediógrafo y también humorista Vital Aza, que, como dato interesante, fue junto al propio Chapí uno de los fundadores de la Sociedad de Autores y su primer presidente.

Esta hilarante historia de un rey a quien el profundo aburrimiento en el que está sumido le lleva a emprender un viaje de incógnito por el país; la de sus poderosos y más próximos consejeros que sin éxito tratan de impedirlo para que el soberano no descubra la triste realidad en la que sus súbditos habitan, y poder así seguir mangoneándole a su gusto y manera; la de todos los estrambóticos personajes que el monarca va encontrando en el camino; este cuento divertido (mucho) en el que también el amor, cómo no, juega su crucial papel, será defendido por dos elencos que sin duda harán levantar al público literalmente de sus butacas. Llenarán la sala de la mejor música, risas (cuando no carcajadas) y alegría.

Los tenores Enrique Ferrer y Jorge Rodríguez- Norton darán vida al Rey –un papel que en sus orígenes era femenino, interpretado por una mezzosoprano o una soprano central; y es que al ser el monarca joven se presentaba en forma de papel travestido, algo que, como recordaría Luis Gracia Iberni, uno de los más reconocidos expertos en la obra de Ruperto Chapí, más allá de la histórica tradición de este recurso en el teatro musical, en aquella época se hacía obligatorio por la falta de tenores líricos dedicados a la zarzuela. El papel de Rosa, la joven de la que el Rey por sorpresa se enamora con la suerte de ser correspondido, lo interpretarán las sopranos Rocío Ignacio y Sofía Esparza; el de María, la mujer del Labrador, lo hará María José Suárez, y el General será el bajo Rubén Amoretti y el bajo-barítono Miguel Sola; Jeremías, ese sobrino del alcalde enamorado sin premio de su prima Rosa y a quien suceden todas las peripecias imaginables, lo encarnará José Manuel Zapata; Carlos Cosías, Igor Peral y José Julián Frontal se meterán a su vez en la piel del Almirante, el Intendente y el Gobernador, respectivamente; Alberto Frías –surgido de esa fructífera cantera de cantantes-actores que es el Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela– recreará las chispeantes idas y venidas del Capitán; y Sandro Cordero, Pep Molina, Ruth González y Antonio Buendía, harán las veces del Labrador, el Alcalde, el Paje y el Corneta. Y a todos ellos habrá que sumar tres actores y tres figurantes.

En cuanto al equipo artístico, lo componen Juan Guillermo Nova, responsable de la onírica y especialmente bella escenografía, la diseñadora del fantástico y genial vestuario Clara Peluffo Valentini y el maestro de la iluminación Vinicio Cheli.

Obra maestra del repertorio. Música teatral

El maestro López Reynoso considera que la partitura de ‘El rey que rabió’ “es indudablemente una de las obras maestras del repertorio lírico español. Ágil, expresiva, refinada y llena de colores”, a lo que hay que sumar “el atinado uso de la teatralidad en la escritura musical que hace que la acción dramática corresponda de una manera notable con el discurso musical”. Por eso, el director opina que se trata de “una obra redonda, completa, contrastante y divertida que, gracias a todas las características anteriores, logra siempre convertirse en un éxito muy querido por el público.”

Y es precisamente en esa conciliación entre la música y la palabra en la que incide la musicóloga mediática Eva Sandoval, quien recuerda que Chapí y sus libretistas fueron figuras clave en el desarrollo del estilo musical y dramático de la zarzuela desde la década de 1880. Sandoval rescata asimismo una afirmación contenida en la crónica que con motivo del estreno escribió el crítico de la época Joaquín Arimón quien viene a subrayar esta crucial característica: “La música se adapta perfectamente a las condiciones del poema y toda ella es hermosa e inspirada”.

Eva Sandoval sostiene al respecto que esa adecuación e interrelación de ambos códigos, el lingüístico y el musical, se puede apreciar a lo largo de los diecinueve números de los que consta la obra. “La brevedad de todos ellos también ayuda a procurar dinamismo y agilidad y favorece la dramatúrgica, de tal forma que la música acompaña la acción: ni la fuerza, ni la obliga, ni la condiciona”. El autor, de acuerdo con las palabras de la experta, “consigue impregnar cada pasaje del color musical y la atmósfera que la trama requiere, como, por ejemplo, en el sencillo pero efectivo preludio. Escrito en forma de marcha de corte militar, podría ejercer perfectamente como himno nacional del país imaginario en el que se sitúa la acción.”

También es especialmente reseñable para la musicóloga el hecho de que ‘El rey que rabió’ utilice “la misma táctica teatral y pedagógica que la opereta: la del «mundo al revés”, incorporando a nuestra lírica recursos y lenguajes de la opereta centroeuropea.

Rey imperecedero y online

Como ya es habitual, una de las funciones de ‘El rey que rabió’ se emitirá en directo en streaming a través del canal de YouTube, el perfil de Facebook y la página web del Teatro. La fecha elegida en esta ocasión es el jueves 17 de junio a las 20h00 (hora peninsular española).

Asimismo, se pueden ya disfrutar en YouTube y Facebook la conferencia impartida por Eva Sandoval y un nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la zarzuela’, con el maestro López Reynoso y Bárbara Lluch como protagonistas.

‘El Rey que rabió’ se mantuvo ininterrumpidamente en escena desde el 20 de abril de 1891, cuando se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con el propio Chapí a la batuta, hasta el 15 de junio de ese mismo año. Además, se repuso en este mismo escenario en diciembre de ese año y enero de 1892, y poco después se presentaría en otros teatros capitalinos y de provincias. Mención especial merece su estreno en México con la Compañía de Zarzuela Española a mediados de julio del mismo 1891, solo unos meses después de su estreno en España. El eco que la obra de Chapí obtuvo en los medios de comunicación de la época fue extraordinario, hasta el punto de que el compositor de Villena se afianzó como autor de zarzuela grande.

Y es que nuestro Rey llegó para quedarse con nosotros, de generación en generación, y así desde hace 130 años. Ya lo advirtió el cronista tras asistir al estreno –en un artículo que tras la enigmática firma de K. es muy posible que estuviera el notorio periodista José Gutiérrez Abascal–: “’El Rey que rabió’ está asegurado por mucho tiempo en su trono de La Zarzuela”. Y se añadía con cierto retintín: “No hay peligro de que sea destronado.” (El Heraldo de Madrid, 21 de abril de 1891).

Concurso Alfredo Kraus

El VIII Concurso Internacional de Canto Alfredo Kraus, contará en esta ocasión entre sus numerosos atractivos con al histórico barítono italiano Leo Nucci que ejercerá como presidente del jurado. Convocado por el Cabildo de Gran Canaria y la Fundación Internacional Alfredo Kraus, esta octava edición del certamen –tercera de la segunda etapa– coincide con el 65 aniversario del debut profesional de Alfredo Kraus y tendrá lugar en Las Palmas de Gran Canaria del 20 al 25 de septiembre.

Fiel a la concepción que el gran tenor imaginara en 1989, el objetivo del certamen es apoyar a los jóvenes cantantes líricos y permitir su acceso al circuito laboral internacional. Tales fueron los propósitos de Alfredo Kraus al inaugurar su primer concurso en 1990, organizándolo hasta la edición 1999, año de su desaparición. Manteniendo estos principios, Rosa Kraus Ley –hija del tenor y presidenta de la Fundación que custodia su legado artístico– y Antonio Morales Méndez –presidente del Cabildo de Gran Canaria– deciden retomar el certamen a partir de la edición de 2017, a dieciocho años del cierre de aquella primera etapa.

Los postulados del certamen permanecieron inalterables: la participación de jóvenes cantantes nacionales y extranjeros, un jurado artísticamente competente y sede en la ciudad natal del tenor.

Para posibilitar este ambicioso proyecto, ha sido fundamental el patrocinio del Cabildo de Gran Canaria. A esto, se ha sumado la colaboración del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, de la Fundación Canaria Auditorio y Teatro de Las Palmas de Gran Canaria, de la Fundación Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y la de los teatros nacionales y europeos que han colaborado con este concurso hasta la fecha.

Por supuesto, esta nueva edición del CICAK se ve condicionada por la pandemia sanitaria que afecta al mundo entero. Eso ha requerido un esfuerzo excepcional para coordinar las actuaciones que se llevan a cabo en los distintos teatros internacionales. Por ello, se ha requerido tanto a organizadores como participantes el cumplimiento de unas pautas sanitarias de acuerdo a los requerimientos institucionales de cada país. El cualquier caso, fieles a los protocolos COVID oportunos, la organización del VIII CICAK sigue trabajando para hacer realidad este encuentro, convencida de que hay posibilidades para celebrar con total seguridad este evento cultural.

El jurado

Estará presidido por el barítono italiano Leo Nucci, figura señera de la lírica internacional. En calidad de colega de profesión, amigo y admirador de Kraus –de quien él mismo destaca el arte, la inteligencia técnico-musical y la ética del tenor grancanario–, Leo Nucci ha aceptado presidir este jurado, un cargo que no asume con frecuencia. Alfredo Kraus y Leo Nucci compartieron escenario en teatros como la Staatsoper de Viena, el Regio de Parma, el Liceo de Barcelona o la Scala de Milán.

En calidad de vocales, intervendrán los representantes de los teatros colaboradores: Daniel Bianco, director del Teatro de la Zarzuela de Madrid; Anton Gradsack, director de casting del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia y Elisabete Matos, directora artística del Teatro de São Carlos de Lisboa. A ellos se suman Alessandro Galoppini, director de casting del Teatro alla Scala de Milán; Celestino Varela, director general y artístico de la Ópera de Oviedo; Ulises Jaén, director general y artístico de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria / ACO y dos vocales de honor, Guillermo García-Alcalde y Jerónimo Saavedra Acevedo.

Como en las dos últimas ediciones, la presidencia del concurso será asumida por Rosa Kraus Ley –presidenta de la FIAK y el CICAK– y la dirección artística y secretaría estarán a cargo de Mario Pontiggia –director artístico de la FIAK y el CICAK–.

Inscripción y pruebas

El VIII CICAK 2021 está abierto a cantantes sin distinción de nacionalidad, con edades comprendidas entre los 18 y 32 años –para las voces de soprano, contratenor y tenor–, y entre los 18 y 35 años –para las voces de mezzosoprano, contralto, barítono, bajo–barítono y bajo–. Los interesados deberán formalizar su inscripción mediante un formulario digital a descargar en la página web del concurso (www.fiak.es).

El pasado 15 de mayo ha cerrado la inscripción de Madrid –donde han llegado 25 candidaturas– y el día 19, la de Florencia –que ha recibido 30 candidaturas–. Quedan aún los cierres de Lisboa (5 de junio) y de Las Palmas de Gran Canaria (28 de junio), si bien para estas dos últimas pruebas ya se han recibido más de 20 solicitudes de inscripción.

Las pruebas preliminares del VIII CICAK se llevarán a cabo en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (26 y 27 de mayo), en el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia (30 y 31 de mayo), en el Teatro de São Carlos de Lisboa (16 y 17 de junio) y en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria (17 y 18 de septiembre). Los candidatos a las mismas serán evaluados por un tribunal integrado por la presidenta y el director artístico de la FIAK y el CICAK, y representantes de las instituciones colaboradoras que alojan cada prueba.

Las pruebas semifinales (20 y 21 de septiembre) y Final (25 de septiembre) tendrán lugar en el Auditorio Alfredo Kraus, icónico edificio inaugurado por el propio tenor en 1997. En estos dos casos, los concursantes serán evaluados por el jurado. La prueba Final que precede a la premiación, se desarrollará en el marco de una gala pública, que contará con la actuación de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria –formación oficial desde el primer concurso de 1990– dirigida en esta ocasión por el maestro Óliver Díaz.

Premios

Los concursantes del VIII CICAK podrán optar a atractivos premios. Los tres Premios Oficiales –de 14.000, 12.000 y 10.000 euros respectivamente, más medalla y diploma-, así como el Premio del Público –de 2.500 euros más diploma- son parte de la importante dotación económica que prevé el patronazgo del Cabildo de Gran Canaria.

A estos galardones, se suman dos premios especiales: el del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria –con 3.000 euros más diploma, destinado al mejor cantante de nacionalidad española-, y el de la Fundación Martín Chirino de Las Palmas de Gran Canaria –con 2.500 euros más medalla y diploma- destinado al mejor intérprete canario. Los finalistas tendrán también la posibilidad de ser invitados a audiciones y/o producciones, conciertos o recitales por parte de los miembros del jurado y los teatros que representan.

VI y VII CICAK

La recuperación del Concurso, en esta “segunda etapa” constituyó todo un éxito, y las candidaturas superaron con creces el historial de inscripciones de las cinco ediciones precedentes.

El VI CICAK contó con 105 inscritos de 22 nacionalidades. El proyecto de retomar este certamen grancanario tuvo gran repercusión en los medios locales, nacionales e internacionales, incrementándose su difusión por las redes sociales.

Tras las pruebas preliminares -efectuadas en la Escuela Superior de Canto de Madrid, el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia y el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria-, la Final tuvo lugar el 29 de septiembre de 2017 en la Sala Sinfónica del Auditorio Alfredo Kraus. Los 10 finalistas del VI CICAK se presentaron con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, dirigida por el maestro José Miguel Pérez-Sierra. El jurado, presidido por el tenor español Jaume Aragall, otorgó sus galardones al barítono Carles Pachón (España / 1º Premio y Premio al mejor cantante de nacionalidad española), al tenor Galeano Salas (México – EEUU / 2º premio) y a la soprano Leonor Bonilla (España / 3º Premio y Premio del público). El evento fue retransmitido en dos ocasiones por la RTVC. El VII CICAK tuvo lugar en 2019, y efectuó sus pruebas preliminares en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia, el Teatro di San Carlo de Nápoles y el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria.

En esta ocasión, el jurado fue presidido por la soprano italiana Mariella Devia, habiéndose inscrito 110 candidatos de 31 nacionalidades. En la Gala Final con público, llevada a cabo en la Sala Sinfónica del Auditorio Alfredo Kraus, participaron 9 finalistas y la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria bajo la dirección del maestro Oliver Díaz. Tras la deliberación, el jurado concedió los premios al bajo-barítono Manuel Fuentes Figueira (España / 1º Premio, Premio al mejor cantante de nacionalidad española y Premio del público), al contratenor Rodrigo Sosa dal Pozo (Venezuela – Italia / 2º Premio) y a la soprano María Caballero (México / 3º Premio).

Preservación y promoción del legado de Alfredo Kraus

El CICAK es uno de los proyectos más ambiciosos de la Fundación Internacional Alfredo Kraus y el Cabildo de Gran Canaria para preservar y promocionar el legado artístico de Alfredo Kraus.

Además, el Cabildo de Gran Canaria trabaja en otro auspicioso proyecto que pondrá en valor y adecuará parte del antiguo internado insular de San Antonio, situado en el barrio de Vegueta, barrio natal del tenor. Allí se establecerá la sede de su Fundación para albergar un museo, archivos y un centro de formación, investigación y difusión de su legado artístico y didáctico.

Durante 2021, la FIAK continua, tal como lo hace desde 2017, con los ciclos de conferencias que difunden la figura artística de Alfredo Kraus y la cultura musical de Gran Canaria y con las actividades didácticas para jóvenes intérpretes, propósitos estos volcados por el propio Alfredo Kraus en el acta original de su Fundación.

Lucero Tena

Si hay alguien que se merezca todo, en lo artístico y lo personal, esa es Lucero Tena. Así lo saben sus compañeros artistas, como el inmenso arpista Xavier de Maistre que la acompañará en el concierto del próximo domingo 23 de mayo (18h00), y también el público, que la adora sin condiciones. Las entradas para este esperado recital del ciclo de Conciertos del Teatro de la Zarzuela están agotadas desde hace días.

Servirá la cita, como desde hace años son todas sus apariciones públicas, de emocionante homenaje a una vida y una carrera únicas, difíciles de emular siquiera de lejos.

Lucero Tena y Xavier de Maistre ofrecerán algunas de las más hermosas páginas de la música española. El tañido apasionado y bizarro de las castañuelas de ella, acompañado por el dulce y evocador sonido del arpa de él, harán revivir en el coliseo del plazuela de Jovellanos obras imprescindibles del Padre Soler, Mateo Pérez de Albéniz, Francisco Tárrega, Isaac Albéniz, Enrique Granados, Manuel de Falla o Jesús Guridi.

Nuria Rial

La soprano catalana Núria Rial y al prestigioso pianista alemán Andreas Staier se presentarán el próximo lunes 17 de mayo a las 20h00 en el Ciclo de Lied coproducido por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de La Zarzuela.

Núria Rial, una de nuestras cantantes más solicitadas en el ámbito internacional, pondrá su voz cristalina al servicio de ocho canciones de Mozart además de las cinco composiciones que integran el ciclo The Mermaid’s Song y la hermosa cantata Arianna a Naxos, obras ambas de Joseph Haydn.

Con Andreas Staier al fortepiano, la velada adquiere una relevancia especial al ponerse el criterio musical historicista al servicio de algunas de las páginas más bellas del clasicismo.

La cantante debuta en el ciclo de lied tras cosechar grandes éxitos mundiales en el campo de la música barroca, en sus participaciones operísticas y en sus grabaciones discográficas. En este último aspecto es relevante mencionar su reciente galardón como Mejor Solista de Álbum Vocal en los Premios Opus Klassics por su trabajo junto a la Accademia del Piacere de Fahmi Alqhai en el disco ‘Muera Cupido’.

Las entradas del recital tienen un precio general de 8 a 35 euros y están a la venta en entradasinaem.es, en el teléfono 91 193 93 21, así como en las taquillas del Teatro de la Zarzuela y red de teatros del INAEM.

Biografías

Nuria Rial, pureza y luminosidad vocal

Frecuentemente reseñada por su pureza y luminosidad vocal, la naturalidad y emotividad de su canto, y la elegancia de su fraseo, Núria Rial es una de las voces paradigmáticas del repertorio barroco y clásico de los últimos años. Con una actividad que tiene su epicentro en el ámbito concertístico y discográfico, con más de treinta álbumes publicados, los amplios intereses artísticos de Núria incluyen también la música del Romanticismo y los siglos XX y XXI, la fusión con estilos como el jazz o el flamenco, el diálogo con otras disciplinas, o expresiones musicales como el Lied y la ópera, habiendo actuado de la mano de directores como René Jacobs o Iván Fischer y directores de escena como Peter Sellars, en teatros como la Monnaie, Staatsoper unter den Linden, Théâtre des Champs Elysées, Grand Théâtre de Genève, Teatro Carlo Felice de Genova o Teatro Real de Madrid, interpretando roles de tan amplio espectro como la Euridice de Monteverdi, Pamina de Mozart, o Nuria en Ainadamar de Osvaldo Golijov.

Formada en Basilea con Kurt Widmar, actúa habitualmente en las principales salas de concierto y festivales europeos, como el Salzburger Festspiele, el Lucerne Festival o el Bachfest Leipzig, con directores como Antonini, Bonizzoni, Capuano, Cummings, Currentzis, Fischer, Goodwin, Hengelbrock, Jacobs, Leonhardt, Marriner, Minkowski o Pinnock, y es solicitada con regularidad por grupos como Akademie für Alte Musik Berlin, Bach Stiftung St. Gallen, Balthassar Neumann Ensemble, Bayersiche Rundfunk München, Budapest Festival Orchestra, Café Zimmermann, Camerata Köln, Concerto Köln, Il Giardino Armonico, Il Pomo d’Oro, Kammerorchester Basel, L’Arpeggiata, Les Musiciens du Louvre, Orchestra of the Eighteenth Century, Stuttgart Kammerorchester o The English Concert.

Su vasta discografía ha sido premiada con galardones como el Orphée d’Or en 2010, por su trabajo sobre las arias alemanas de Händel con Michael Oman y la Austrian Baroque Company, así como con diversos premios en los Echo Classical Music Awards (actualmente Opus Klassik Awards) en diferentes categorías, como la de “artista femenina del año” en 2009 o el premio al mejor disco de ópera por su CD sobre Telemann junto a la Kammerorchester Basel en 2012.

Andreas Staier, indiscutible maestría musical

Uno de los intérpretes más destacados del mundo, Andreas Staier ha dejado su huella en la interpretación del repertorio barroco, clásico y romántico para instrumentos de época.

Nacido en Göttingen, estudió piano y clavicémbalo en Hannover y Amsterdam. Durante tres años fue clavecinista de Musica Antiqua Köln, con quien realizó numerosas giras y grabaciones. Como solista, Andreas Staier actúa en toda Europa, Estados Unidos y Asia con orquestas como Concerto Köln, Freiburger Barockorchester, Akademie für alte Musik Berlin y Orchestre des Champs – Elysées Paris.

Ha grabado extensamente para BMG, Teldec Classics, con quien tuvo un contrato de exclusividad durante siete años, y harmonia mundi France. Su catálogo cuenta con numerosos premios, entre ellos un Diapason d’or, el Preis der Deutschen Schallplattenkritik de 2002 y el Baroque Instrumental Gramophone Award de 2011. Entre sus últimos lanzamientos se encuentra un muy esperado CD de conciertos para clavicémbalo de J.S. Bach con la Freiburger Barockorchester, la música para cuatro manos de Schubert junto con Alexander Melnikov, y una colección de música inspirada en la Península Ibérica con la Orquestra Barroca Casa da Música.

Es Artista Asociado de la Opera de Dijon desde septiembre de 2011 y fue residente del Wissenschaftskolleg zu Berlin hace dos temporadas.

joaquÍn-achÚcarro

Por obviedades de nuestra propia naturaleza, pocas son las ocasiones en que un artista tiene la oportunidad de celebrar 75 años de carrera, y menos aún de hacerlo en activo y pleno de luz. Este es el caso, sin embargo, de uno de los más flamantes intérpretes que ha dado nuestra música y más allá: la música universal. El pianista Joaquín Achúcarro, que cumple sus bodas de brillantes con el escenario, lo conmemorará por todo lo alto el próximo sábado 8 de mayo (20h00) con un recital en el ciclo de Conciertos del Teatro de la Zarzuela.

Desde su debut como concertista siendo tan solo un niño de 13 años, la andadura de Achúcarro se ha caracterizado siempre por grandes y continuos éxitos, así como por los altos reconocimientos recibidos junto a las primeras figuras de cada momento, pero sobre todo por su especial e íntima manera de entender la música y el instrumento. El artista, con la curiosidad de aquel niño de precocidad extraordinaria, plantea numerosas preguntas al propio piano, conversa con él y traslada también a las obras todas las cuestiones que estas le suscitan a través de las teclas y de la inteligencia; y lo hace, lo sigue haciendo, resuelto a conocer los misterios que entrañan uno y otra, instrumento y composición, ambos reunidos en un solo y apasionante enigma. Lo hace para compartir su respuesta con todo aquel dispuesto a escucharla.

El viaje planteado para tan especial ocasión se presume profundamente placentero: Debussy, Mompou, Albéniz, Ravel, Godowski…, todos ellos compañeros de vida a través de sus fastuosas creaciones.

Vuelve por tanto Joaquín Achúcarro al Teatro de la Zarzuela, donde tantos éxitos ha vivido, y lo hace para escribir este nuevo y necesario punto y seguido de alegría. A compartir con el público la celebración de una intensa vida moldeada de música.

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Cuando uno se adentra a un terreno que no es el suyo y no conoce a la perfección, puede ser por dos razones, o es un imprudente o es muy valiente. Y para ser valiente hay que tener, además, otras cualidades.

El recital de Sonya Yoncheva en el Teatro de la Zarzuela este pasado 29 de abril, es un ejemplo claro de valentía, entre otras cosas. Hay que ser valiente para presentarse en el Teatro del género con un recital de zarzuela y hay que serlo aún más, para hacerlo sin conocer mucho este género.

A pesar de tener que echar mano de las partituras y de tener un inicio algo inseguro, Sonya Yoncheva ha demostrado, no solo tener un instrumento de una calidad indiscutible, una voz brillante, soleada, que llenó la sala de armónicos, con un registro central poderosísimo y un notable fraseo en español, sino que también hizo gala de un tremendo arrojo a la hora de interpretar con un éxito extraordinario un repertorio de romanzas que hizo vibrar al público. Un público que siempre sabe agradecer y premiar a quienes se acercan a este género con respeto y dedicación.

Yoncheva inició el recital con la romanza “Noche hermosa”, de Katiuska de Sorozábal, como digo, algo fría. Pero fue entrando en calor a medida que avanzaba el recital. Continuó con “Tres horas antes del día”, de la Machenera del maestro Moreno Torroba, su pieza favorita, como ella misma indicó, y que ofreció también como primera propina. Continuó con otras tres romanzas, “Lágrimas mías en dónde estáis”, del Anillo de hierro de Miquel Marqués, “La luz de la tarde se va”, del Pájaro azul de Rafael Millán y terminó esta primera parte con “Yo me vi en el mundo desamparada”, de El juramento, de Joaquín Gaztambide.

La segunda parte se inició con el dúo “¡Vaya una noche bonita!” del Gato montés, de Manuel Penella. Aquí estuvo acompañada en la réplica por un enérgico Alejandro del Cerro. Con una voz arrebatadora y de hermoso y metálico timbre, puso su granito de arena, junto a la vibrante dirección de Miquel Ortega, para que el público se entregara definitivamente al disfrute.

Siguió con “No corté más que una rosa”, de La del manojo de rosas de P. Sorozábal y “De España vengo” del Niño judío de Pablo Luna, ya entregada desde el escenario y plena de voz. Terminó con “Al pensar en el duelo de mis amores”, de La hija del cebedeo, de Ruperto Chapí y “¡Yo soy Cecilia!”, de Cecilia Valdés de Gonzalo Roig, donde derrochó gran simpatía y capacidad para disfrutar sobre el escenario. El segundo bis que ofreció, tras la repetición de la Machenera, fue la habanera de Carmen. Recorriendo todo el escenario, incluido el podio del director, que la acompañaba al piano. En ese momento el teatro estaba rendido a sus pies desnudos.

Muy destacada fue la labor del maestro Miquel Ortega al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. No solo siempre atento a las necesidades de Yoncheva, aportándole seguridad, su dirección en todo momento fue especialmente destacada y las intervenciones de las obras orquestales levantaron al público que en ese momento se había abandonado al buen hacer de la orquesta. Se iniciaron con el preludio de La alegría de la huerta, de Chueca, para después ofrecer el Intermedio de Los Burladores, de P. Sorozábal, El Preludio de Los Borrachos, de Gregorio Giménez y terminar con una magistral y electrizante interpretación del Intermedio de La Leyenda del beso de Reveriano Soutullo y Juan Vert.

Una noche para recordar, junto al recital en esta misma sala de Elyna Garanca, de quienes se acercan a nuestro género lírico para conocerlo, divulgarlo y hacerlo aún más grande.

Argentina

Argentina, una de las figuras del cante más respetadas y admiradas por el público, la crítica y los compañeros de profesión –no solo del flamenco, sino de cualquier género musical–, presentará el próximo martes 20 de abril (20h00) su quinto trabajo discográfico en el que, bajo el título ‘La vida del artista’, reivindica el arte y al artista de verdad en los tiempos especialmente duros que nos toca vivir.

Y lo hace desde su personalísima concepción del flamenco y las posibilidades que permite este arte Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO desde 2010; lo hace desde la más pura alegría hasta la melancolía dolorosa y profunda, transitando entre una y otra muy diversos estados de hondura infinita.

Para ello, en ‘La vida del artista’ Argentina hermana el flamenco con la canción, el fado, el tango, el teatro, la pintura, la literatura o la música clásica.

En su concierto de La Zarzuela, la cantaora onubense estará arropada por un grupo de músicos portentosos. Comenzando por los guitarristas José Quevedo ‘Bolita’ y Jesús Guerrero, pasando por los coros y palmas de los ya habituales hermanos Antonio y Manuel Montes, más conocidos como Los Mellis, o el violonchelo irresistible de José Carlos Roca, y terminando por el poliédrico y siempre sorprendente pianista Mario Prisuelos.

Argentina vive por y para el flamenco, para el arte, para el artista en toda la dimensión de la palabra. El martes, en el Teatro de la Zarzuela, así lo sentirán quienes tengan la fortuna de asistir al concierto.

María Antúnez, Rubén Fernández

Todos los lugares tienen su propia cultura. Ese valor intrínseco, las raíces profundas que los hace diferentes al resto. Pero la naturaleza de una tierra es la suma de las riquezas que a lo largo de la historia ha ido guardando como suyas. El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela presentará el próximo lunes, 19 de abril, a las 20h00, un recital de la soprano María Antúnez dedicado a la canción uruguaya -la de sus orígenes-, que nos hará comprender que a pesar del océano que nos limita, aquellas y estas orillas están mucho más cerca de lo que pensábamos. Estará acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre.

Durante la hora que durará el concierto, interpretará obras de Luis Cluzeau Mortet, Alfonso Broqua, Eduardo Fabini, Jauré Lamarque Pons, Héctor Tosar, Eduardo Gilardoni y Beatriz Lockhart, clásicos imprescindibles, todos y cada uno de ellos, de la música de aquellos lares.

También aprovecharán Antúnez y Fernández Aguirre, porque el corazón y la memoria así se lo piden, para rendir homenaje al maestro Antón García Abril, fallecido el pasado 17 de marzo. Ofrecerán algunas de sus composiciones como las ‘Tres canciones españolas’ con textos de Federico García Lorca.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de María Antúnez y Rubén Fernández Aguirre seguirá el de la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau con la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, cerrará el ciclo con ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Prégardien & Vignoles (c) Rafa Martín

XXVII Ciclo de Lied del CNDM y del Teatro de la Zarzuela 12 de abril de 2021

Christoph Prégardien, tenor

Roger Vignoles, piano

Die schöne Müllerin, de Franz Schubert (1797-1828)

Se había estrenado con gran éxito en Alemania la ópera bufa La Molinera, ossia lámor contrastato, de Giovanni Paisiello. Este acontecimiento fue un estímulo para algunos poetas del momento, que comenzaron a escribir sobre este bucólico tema. El mismo Goethe escribió cuatro romanzas y cuatro baladas de la molinera.

Inspirado por la admiración que siente por la obra de Goethe, un joven Müller se propone crear, junto a un grupo de amigos, un desarrollo dramático encadenando Lieder en los que, a través de sus personajes, se narre una historia. Al resultado final, fruto de un juego de sociedad, le puso música Ludwig Berger.

Años después, Schubert descubrió los poemas de Müller e iniciaron una colaboración de la que surgieron los textos definitivos. Schubert encontró en estos poemas la perfecta descripción narrativa que necesitaba en ese momento, adaptando los poemas a sus propósitos y música.

El ciclo se dio a conocer a principios de 1824. En 1830, el editor Anton Diabelli adquirió los derechos y publicó una segunda edición revisada. Su primera interpretación conocida fue en mayo de 1856, a cargo del barítono Julius Stockhausen en Viena.

Die schöne Müllerin, inicialmente escrito para tenor, suele ser abordado por barítonos. En esta ocasión, el encargado de poner voz a los poemas de Müller en el Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y del Centro Nacional de Difusión de la Música ha sido el tenor lírico ligero Christoph Prégardien, demostrando, una vez más, su maestría en el género liederístico al servicio de la obra de Schubert.

Prégardien ha hecho gala de su virtuosismo en la interpretación. No necesita ornamentos, la forma contenida de su expresión muestra la elegancia de su dominio del género. La claridad en la dicción, dando más importancia al texto, y a su manera matizada de “decir”, está por encima de cualquier exceso en la expresión.

Acompañado al piano por Roger Vignoles, formaron un perfecto equipo que caminaba al unísono, de manera fluida y cristalina, como el agua protagonista de alguna de las obras que interpretaron.

Una noche perfecta, intensa y culminada con dos propinas también de Schubert, igualmente bien delineadas por ambos intérpretes y que remataron el buen sabor de boca que dejó su actuación en el público.

Prégardien & Vignoles (c) Rafa Martín

Christoph Prégardien

El veterano tenor alemán Christoph Prégardien pondrá sus recursos vocales y expresivos al servicio de uno de los ciclos más conocidos y emblemáticos de Franz Schubert: Die schöne Müllerin, compuesto sobre poemas de Wilhelm Müller. La cita será el lunes 12 de abril (20h00) en el Teatro de la Zarzuela como parte del XXVII Ciclo de Lied coproducido por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el coliseo de la calle Jovellanos.

Este “viaje emocional” será el vehículo ideal para que Christoph Prégardien despliegue las cualidades de su voz, un instrumento que con los años no ha hecho sino ganar en matices, sutileza y musicalidad. Al tenor, que ocupa un lugar destacado entre los más importantes cantantes líricos de la escena internacional, le acompañará el pianista británico Roger Vignoles, un músico de amplia trayectoria y acompañante de algunas de las mayores figuras de la lírica.

Las entradas para este concierto tienen un precio general de 4 a 35 euros, y están a la venta en www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21, así como en las taquillas del Teatro de la Zarzuela y red de teatros del INAEM.

Christoph Prégardien: preciosismo vocal

Perfecto control vocal, dicción clara, musicalidad inteligente y la habilidad de llegar al corazón con todo lo que canta aseguran a Christoph Prégardien un lugar entre los más importantes tenores líricos del mundo. Actúa regularmente con orquestas de todo el mundo, como las Filarmónicas de Viena y Berlín, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam, la Staatskapelle Dresden o la Gewandhausorchester de Leipzig. Su amplio repertorio orquestal incluye los grandes oratorios barrocos, clásicos y románticos, así como obras del siglo XVII (Claudio Monteverdi, Henry Purcell, Heinrich Schütz) y del XX (Benjamin Britten, Wilhelm Killmayer, Wolfgang Rihm, Ígor Stravinski). Sus compromisos en la temporada pasada incluyeron una gira por Estados Unidos y recitales en el Temple Church, el Wigmore Hall, el Concertgebouw, la Schubertiade Schwarzenberg y la Schubertíada de Vilabertran. Cuenta con una amplia discografía de más de 150 discos, con algunos de los premios más prestigiosos, entre éstos el Orphée d’Or, el Cannes Classical Award y el Diapason d’Or. Tras muchos años en la Hochschule für Musik und Theatre de Zúrich, imparte clases magistrales para jóvenes cantantes de todo el mundo y desde 2004 es profesor en la Academia de Música de Colonia. Christoph Prégardien ha actuado en anteriores ediciones del Ciclo de Lied, la última de ellas en la anterior temporada 19/20, acompañado al piano por Julius Drake.

Roger Vignoles: el perfecto contexto musical

Reconocido internacionalmente como uno de los acompañantes pianísticos más destacados del mundo, en el transcurso de su carrera ha colaborado con cantantes tan importantes como Sir Thomas Allen, Barbara Bonney, Kathleen Battle, Christine Brewer, Brigitte Fassbaender, Bernarda Fink, Susan Graham, Thomas Hampson, Kiri Te Kanawa, Felicity Lott y Sarah Walker. Actúa habitualmente en importantes salas de todo el mundo como el Wigmore Hall, Philharmonie Cologne, Konzerthaus de Viena, Musikverein de Viena, Royal Concertgebouw, Musee d’Orsay, Carnegie Hall, Frick Collection en Nueva York, La Scala, Oper Frankfurt, Théatre des Champs-Élysées, Schubertiade Schwarzenberg, Bonn Beethovenfest, Festival de Baden-Baden y Teatro de la Zarzuela en Madrid. En la temporada 2017-2018 tocó en recitales con Nicky Spence, Mary Bevan, Johannes Kammler, Marie-Nicole Lemieux, Joanne Lunn, Thomas Oliemans, Roderick Williams, Louise Alder, Anne Schwanewilms, Florian Boesch y Christoph Pregardien. Sus múltiples grabaciones han sido aclamadas, caso de la reconocida Strauss: The Complete Songs (Hyperion), Der Wanderer (Schubert) y Songs & Ballads (Loewe) con Florian Boesch o Before Life and After (Britten) con Mark Padmore (Harmonia Mundi) que recibió los premios Diapason d’Or y Prix Caecilia 2009. Roger Vignoles acompañó a Ainhoa Arteta en el Ciclo de Lied del CNDM en diciembre de 2018.

Benamor

‘Benamor’ de Pablo Luna se estrenó en el Teatro de la Zarzuela el sábado 12 de mayo de 1923. El mes próximo, por tanto, se cumplirán 98 años desde aquel acontecimiento (que realmente lo fue, y grande) con la alegría de haberla visto restituida, casi un siglo después, y en el mismo escenario que la vio nacer y al que nunca más hasta ahora había regresado. Si nos atenemos a las crónicas de la época, en aquel estreno de Madrid el éxito fue tal que ninguno de los presentes en esas memorables funciones podría presagiar el aciago futuro que aguardaba a esta composición con la que el maestro de Alhama de Aragón completaba la ‘Trilogía de Oriente’ después de ‘El asombro de Damasco’ y ‘El niño judío’; un conjunto de títulos este, que ahora, con las 10 representaciones que entre el 14 y el 25 de abril rehabilitarán ‘Benamor’ en el Teatro de la Zarzuela, se pone al día para el público de hoy.

Enrique Viana, que además de asumir la dirección de escena y la adaptación del delirante libreto de Antonio Paso y Ricardo González del Toro, ha guardado para sí tres papeles llenos de sorpresa y sorna –muy a la manera de su inteligente e inteligible manera de elaborar el humor–, recuerda que los diarios de la época califican ‘Benamor’ –“título desconocido con el precedente de gran triunfo”– como el mayor éxito del maestro Luna. Por tanto, sugiere, hay que escucharlo y sentirlo “como en un sueño feliz”, asemejándolo de esta manera a la más valiosa de las terapias al afirmar que “un sueño venturoso es la mejor medicina para los tiempos de pesadilla que estamos viviendo y que esta, «nuestra música», cura como el mejor de los remedios.”

Y no es menos expresivo el maestro José Miguel Pérez-Sierra, director curtido, emocionante, personal y de sólida carrera internacional, al referirse a una obra que sitúa “entre las más complejas e inspiradas de la prolífica producción de Pablo Luna”. Su incomprensible desaparición del repertorio le lleva a considerar “casi como un reestreno mundial” estas nuevas funciones del Teatro de la Zarzuela.

Disparatados equívocos

Pérez-Sierra estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela –Orquesta de la Comuni­dad de Madrid–, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela y de dos magníficos repartos que pondrán en escena una obra con un sorprendente punto de partida que irá provocando disparatados e hilarantes equívocos: La historia se enmarca en el siglo XVI en Isfahan, antigua capital de Persia –hoy Irán–, en una suerte de “Mil y una noches”. La ley determina que el primer hijo de los desposados ha de ser varón y el segundo mujer. De no ocurrir de esta manera, los recién nacidos deberán morir en sacrificio. Pues bien, esto es exactamente lo que le sucede a la mujer del sultán, quien para no tener que sacrificar a sus dos pequeños hace pasar por niño a su hija –dándole el nombre de Darío–, y por niña a su hijo –llamándola Benamor–. El engaño persiste a lo largo de los años, pero llega el día en que la supuesta “princesa” (el niño aquel) debe contraer matrimonio. Y es entonces cuando vuelan por doquier las cartas del fingido castillo de naipes.

Los dos elencos combinan una musicalidad y precisión irresistibles con ese difícil talento que irremisiblemente demanda la tragicomedia. Los cantantes que los integran son las sopranos Vanessa Goikoetxea y Miren Urbieta-Vega (Benamor), las mezzosopranos Carol García y Cristina Faus (Darío), la soprano Irene Palazón (la odalisca Nitetis), la soprano cómica Amelia Font (Pantea, madre de la princesa y del sultán), los barítonos Damián del Castillo y César San Martín (el caballero español Juan de León), el también barítono Gerardo Bullón (Rajah-Tabla, príncipe de Kabul), el tenor Gerardo López (príncipe de Florelia/Servidor/Sacerdote), el tenor-actor Francisco J. Sánchez (guardia), el tenor Emilio Sánchez (el traficante Babilón) y la actriz-bailarina Esther Ruiz (Cachemira la odalisca), además de Enrique Viana que interpreta los papeles del gran visir Abedul, del confitero y de su mujer la pastelera. Completan el reparto 4 actores-figurantes y 9 bailarines.

En cuanto al equipo artístico, lo componen Daniel Bianco, responsable de la escenografía, la diseñadora de vestuario Gabriela Salaverri, el iluminador Albert Faura y la coreógrafa Nuria Castejón.

Un deseo: nuestros locos años 20

El maestro Pérez-Sierra define la música de ‘Benamor’ como “extraordinariamente teatral”, en cuya partitura reina “esa vena melódica tan característica del autor”, quien, para ambientarnos en la trama, mezcla con refinado acierto elementos exóticos orientalizantes con fox-trots y otros ritmos típicos de los años 20. “Todo ello tiene su culmen en la ‘Danza del fuego’, el número más conocido de la obra, con marcado sabor español pero con reminiscencias de algunos compositores europeos que Pablo Luna admiraba, como Edvard Grieg”. Así habla el director, que no duda en lanzar al aire un deseo: “Después de todo lo malo que estamos viviendo, ojalá este ‘Benamor’ fuera el pistoletazo de salida a nuestros locos años 20. Es un soplo de aire fresco.”

Recuperando a Pablo Luna

En un solo mes (cabalgado entre marzo y abril) el Teatro de la Zarzuela ha hecho justicia con Pablo Luna, uno de nuestros más grandes y prolíficos compositores a quien la historia no ha tratado precisamente de la forma que su talento y genialidad merecen.

A este esperado ‘Benamor’ precedieron los conciertos que los días 12 y 14 de marzo sirvieron para rehabilitar ‘Las Calatravas’, última zarzuela del compositor que tras un rotundo éxito de público y crítica, obtenido en sus estrenos de Madrid y Barcelona, cayó casi de forma inmediata en un intolerable y de todo punto incomprensible olvido. No quedó ni rastro del prodigio. Ni volvió a representarse, ni se llegó a grabar. El próximo mes de septiembre se cumplirán ya 80 años desde aquel estreno de ‘Las Calatravas’ en el Teatro Alcázar de Madrid, y es ahora cuando se ha enmendado parte de este inaudito, imperdonable y, lamentablemente, abandono.

‘Benamor’ online

Como ya es habitual, una de las funciones de ‘Benamor’ se emitirá en directo por streaming a través del canal de YouTube, el perfil de Facebook y la página web del Teatro. La fecha elegida en esta ocasión es el jueves 22 de abril a las 20h00 (hora peninsular española).

También en los próximos días se podrá disfrutar en YouTube y Facebook de la conferencia impartida por el musicólogo Ignacio Jassa Haro y ya está disponible un nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la zarzuela’, con el maestro Pérez-Sierra y Enrique Viana como protagonistas abstraídos en una conversación y unas interpretaciones que no tienen desperdicio.

Saioa Hernández y Francesco Pio Galasso

El ciclo de Conciertos del Teatro de la Zarzuela vivirá este próximo domingo, 28 de marzo (18h00) uno de sus momentos álgidos con el esperado recital de la soprano Saioa Hernández y el tenor Francesco Pio Galasso. Con un programa repleto de sorpresas y de romanzas que auguran momentos de especial arrebato y también profundamente conmovedores –de esos que convierten una velada musical en un acontecimiento sublime– los dos intérpretes ensalzarán la grandeza única de nuestro patrimonio lírico acompañados al piano por Vincenzo Scalera, uno de los más aclamados pianistas repertoristas que a su vez fue maestro de ambos.

 

Con obras de Barbieri, Serrano, Soutullo y Vert, Vives, Moreno Torroba, Chapí, Sorozábal, Penella, Bretón, Marqués o Calleja y Barrera, el recital repasará algunas sorprendentes rarezas junto a composiciones de zarzuela ineludibles, y quedará registrado por Radio Clásica de RTVE que lo emitirá en próximas fechas.

 

Alumna nada menos que de Renata Scotto y Montserrat Caballé, quien la bautizó como “la diva del siglo XXI”, y con una carrera infalible, Saioa Hernández se ha distinguido en el circuito internacional como una nueva y deseada estrella –encarnando a las primeras figuras de la ópera en los teatros más relevantes del mundo y más aún desde su debut, hace varias temporadas, en la apertura de curso del Teatro alla Scala de Milán, uno de los acontecimientos más grandes e históricos, si no el que más, de la lírica mundial. Fue con una ‘Attila’ dirigida por Riccardo Chailly y Davide Livermore.

 

Por su parte, Francesco Pio Galasso, también alumno de Caballé, tiene un repertorio amplio, admirablemente heterogéneo y exigente que va de Bellini, Bizet, Cilea, Giordano, Gounod o Mozart, a Puccini, Spontini, Verdi o Zandonai, y que pasa, cómo no, por la música española, en especial la zarzuela, que es desde siempre una de las grandes debilidades del cantante.

 

Saioa Hernández debutó en el escenario del Teatro de la Zarzuela con ‘El Gato Montés’ en 2012, y posteriormente interpretó ‘Curro Vargas’ en 2014. Por su parte, a Francesco Pio Galasso hemos podido disfrutarlo en esa intensa ‘La vida breve’ que junto con ‘La Tempranica’ formaba parte del espectáculo ‘Granada’ que abrió la temporada del coliseo.

Guillermo García Calvo

El Teatro de la Zarzuela cuenta entre sus actividades y logros la recuperación del patrimonio musical nacional. Y este año ha cumplido con esa labor a través de “Las Calatravas”, comedia lírica en tres actos y última composición del maestro Pablo Luna que, además de prolífico compositor, tenía una gran visión empresarial. Siempre supo recoger con acierto los gustos del público y las tendencias teatrales del momento. El libreto, que hacía las delicias de la burguesía de la época, fue encargado por Luna a los prestigiosos Federico Romero y José Tellaeche, todo un acierto en un momento en el que la censura trabajaba a toda máquina.

El estreno en el Teatro Alcázar de Madrid el 12 de septiembre de 1941 supuso un éxito total. Dicen las crónicas que se repitieron todos los números de la obra, los 15, algo insólito. A pesar del momento dulce por el que atravesaba la zarzuela, estaba próxima a iniciar su declive, al entrar en competencia con el cine. Por otro lado, Pablo Luna se quejaba de las exigencias de un público que pedía un estreno cada semana. Lo que obligaba a componer sin descanso. Puede que esto fuera una de las razones por las que Las Calatravas, entre otras, no volvieran a representarse.

Para esta versión escenificada se ha recurrido a la ya tradicional adaptación del texto, en esta ocasión a cargo de Paco Gámez, que ha realizado un trabajo extraordinario para narrar al público perfectamente la trama utilizando muy pocas intervenciones. Para ello se ha servido de uno de los personajes de la obra, Doña Aldonza, la tía pobre de las dos protagonista y único personaje que no canta.

Doña Aldonza ha sido interpretado por una magistral Emma Suárez. Nos ha presentado a todos los personajes y escenas con humor y la naturalidad e ingenio de las grandes damas de la interpretación.

A través de Doña Aldonza se ha querido también poner en valor a todas esas actrices cómicas y secundarias que siempre quedaban en un segundo plano respecto a las divas y protagonistas.

La música del maestro Luna es de extraordinaria calidad. Utiliza en Las Calatravas músicas de distintos géneros y las hace corresponder con los personajes. Las músicas europeas, que tanto admiraba, acompañan a la generación de personajes más jóvenes, como Cristina o Carlos Alberto. Y los fandangos acompañan al banquero José Mariani.

Las voces están a la altura de la partitura, más cerca del verismo que de la zarzuela. Miren Urbieta, con su potente voz de soprano lírica, interpretó a Cristina Calatrava sin grandes rasgos teatrales, pero con una gran sonoridad y bello timbre.

El tenor Andeka Gorrochategui dio vida al libertino Carlos Alberto. Acompañó perfectamente a Cristina Calatrava en potencia tímbrica y parecía menos esforzado en la emisión que en otras ocasiones, cosa que se agradece.

Lola Casariego interpretó a la viuda Calatrava, con su habitual elegancia, pero tapada en numerosas ocasiones por la orquesta y el resto de las voces. Javier Franco, como José Mariani, lidió con el papel más complejo y lo hizo con solvencia y elegancia. Solo le faltó volumen.

El resto el reparto estuvo a gran altura. La Isabel de la cordobesa Lucía Tavira, el Pepe Aleluya de Emmanuel Faraldo y el Rodrigo del tenor Houari R. López Aldama.

El maestro García Calvo ha realizado una muy buena labor al frente de la orquesta. Se nota su rigor y amor por el género, del que es buen conocedor. Sonoridad y exquisitez en la dirección de una partitura importante. El coro, aunque lejos y con mascarilla, sonó con el brío de siempre.

mÚsica-trobada

La nueva propuesta del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela presentará el próximo lunes 22 de marzo (20h00) un concierto de la formación Música Trobada en el que podremos escuchar obras desconocidas del barroco español, y más concretamente de la escuela valenciana de música sacra. Bajo el nombre de ‘Lamentatio’, el recital versará sobre las lamentaciones del profeta Jeremías compuestas por el prolífico maestro de capilla de la Catedral de Valencia, Pasqual Fuentes i Alcàsser (1721-1768) de quien se celebran los 300 años de su nacimiento.

Música Trobada, que desde su fundación en 2009 se ha posicionado como una plataforma de investigación, recuperación y difusión de música antigua y barroca –principalmente del patrimonio musical hispánico y valenciano–, cuenta con la dirección desde el clave de Francesc Valldecabres.

Asimismo, en ‘Lamentatio’ completarán el conjunto, que cuenta con una plantilla flexible según los programas abordados, las sopranos Pilar Moral y Aurora Peña, la mezzosoprano Marina Rodríguez-Cusí, así como los violinistas Enric Llorens y Víctor Yusà y la violonchelista Regina fuentes.

Al justificado interés que ha suscitado la presentación de este ‘Lamentatio’ de Música Trobada en el Teatro de la Zarzuela, se suma el que ha originado la presentación en estos días de la versión discográfica del proyecto.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de Música trobada, seguirán los de la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril); la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Bejun Mehta

El lunes 15 de marzo a las 20 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presenta en el XXVII Ciclo de Lied a Bejun Mehta, uno de los contratenores más reconocidos, aclamados y solicitados a nivel mundial. El cantante norteamericano mostrará su impresionante dominio de la coloratura y sentido de la musicalidad al servicio de un programa ambicioso, que abarca obras firmadas por cuatro gigantes a lo largo de tres siglos. Así, Bejun Mehta hará gala de su versatilidad acometiendo un repertorio muy diverso -desde el clasicismo hasta el siglo XX, pasando por el romanticismo-, que incluye piezas de W.A. Mozart (Ombra felice! Io ti lascio), Joseph Haydn (Arianna a Naxos, Hob XXVIb:2), L.van Beethoven (An die ferne Geliebte) y Benjamin Britten (Canticle – ‘My beloved is mine’). Estará acompañado al piano por Jonathan Ware, por primera vez en este ciclo. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, red de teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en los teléfonos 91 193 93 21 y 902 22 49 49.

Bejun Mehta, un intérprete fascinante

Según Opera News “quizás el más sofisticado y musicalmente satisfactorio de los contratenores actuales”, Bejun Mehta fascina con una expresión vocal increíble, una gran musicalidad y una fuerza apasionante como intérprete. Es un invitado habitual en los principales teatros de ópera del mundo, como la Royal Opera House, La Scala de Milán, Theatre an der Wien, la Ópera Estatal de Berlín, la Ópera Estatal de Baviera en Múnich, el Théâtre Royal de La Monnaie, la Nederlandse Opera, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Zúrich, la Ópera Nacional de París, la Ópera Metropolitana, la Ópera Lírica de Chicago, la Ópera de Los Angeles, así como los Festivales de Salzburgo, Glyndebourne, Aix-en-Provence y el Wiener Festwochen. Conciertos con importantes orquestas y recitales en solitario han llevado a Bejun Mehta a las principales salas de conciertos, donde recorre sus premiados trabajos discográficos e interpreta repertorios que van desde el barroco hasta la música contemporánea. Es invitado frecuente en el Concertgebouw de Ámsterdam, el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus y el Wiener Musikverein en Viena, Carnegie y Zankel Hall en Nueva York, Palais des Beaux-Arts de Bruselas, Palau de Les Arts en Valencia, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Cité de la Musique en París, Prinzregententheater de Múnich, Konzerthaus de Berlín, Rudolfinum en Praga y los festivales de Edimburgo, San Sebastián, Verbier, Schleswig-Holstein y BBC Proms en Londres. En los últimos años, Bejun Mehta se ha forjado un nombre como director de orquesta, trabajando con la hr-Sinfonieorchester, la Philharmonie de Dresden, la Orquesta Sinfónica de Bochum, así como la Kammerakademie Potsdam y la Württembergisches Kammerorchester Heilbronn. Además de su interés en trabajar el repertorio del barroco y los períodos clásicos con orquestas modernas, su énfasis particular está en la combinación entre orquesta y voz, ya sea con solistas invitados o en programas especialmente desarrollados que lo presentan como cantante y director. Así, podemos destacar la reposición de Rodelinda de Claus Guth (una producción realizada originalmente para Bejun Mehta en el Teatro Real de Madrid) en la Ópera Nacional de Holanda, Arias de Mozart con la Filarmónica de Viena en el Musikverein, El sueño de la canción de George Benjamin, una cantata compuesta específicamente para él –con la Concertgebouw Orchestra Amsterdam, y representaciones de Escrito en la piel de Benjamin en el papel de Ángel I/Niño, también compuesto específicamente para él– con la Mahler Chamber Orchestra. Como cantante y director, Bejun Mehta ha realizado giras por Alemania y Austria con la Württembergisches Kammerorchester y su programa Mozart-The Dramatist en lugares como el Musikverein de Viena y el Herkulessaal Munich. A este, le han seguido otros programas de canto y dirección con Hessischer Rundfunk, Bochumer Symphoniker y Kammerakademie Potsdam. En el otoño de 2019, Bejun Mehta interpretó el papel principal en una nueva producción de Giulio Cesare de Robert Carsen en La Scala de Milán, el primer contratenor en interpretar ese papel en La Scala.

Jonathan Ware, sólida carrera al alza

Nacido en Texas, el pianista Jonathan Ware se formó en la Eastman School of Music en Rochester, en la Juilliard School de Nueva York y en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” de Berlín. Ware ha ganado importantes premios, incluido el primer premio del concurso de lied 2014 de la Internationale Hugo-Wolf-Akademie en Stuttgart con el barítono Ludwig Mittelhammer, así como el premio en la categoría de pianista acompañante en el Concurso Internacional de la Canción del Wigmore Hall y el Concurso “Das Lied”. Su carrera le ha llevado a escenarios como el Alice Tully Hall y el Weill Recital Hall dentro del icónico Carnegie Hall en Nueva York, al Wigmore Hall de Londres, al Festival de Ravinia y al Berliner Festspiele, entre otros. Durante varios años ha sido pianista acompañante del Festival Akademie Lied de Heidelberger Frühling, así como coordinador de la Academia de Piano en el Festival de Verbier. En 2020 Jonathan Ware hizo su debut en la Scala de Milan junto a Bejun Mehta. Ware ha actuado en otros escenarios europeos como la Filarmónica de Múnich, la Filarmónica de Colonia, la Konzerthaus de Berlín, el Festival “Diálogos” en el Mozarteum de Salzburgo. Entre sus colaboradores musicales se encuentran artistas como Dame Felicity Lott, Christiane Oelze, Golda Schultz, Robin Tritschler, Elsa Dreisig, Ludwig Mittelhammer el Vogler Quartett y Bejun Mehta. Jonathan es profesor de la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” de Berlín y es miembro de la facultad de la Barenboim-Said Akademie.

Bejun Mehta © Marco Borggreve

Homenaje a Arrieta

La soprano Sabina Puértolas, la mezzosoprano Maite Beaumont, el tenor José Luis Sola y el pianista Rubén Fernández Aguirre serán los protagonistas del concierto ‘Navarra es música’ que se celebrará en el Teatro de la Zarzuela el próximo sábado 13 de marzo a las 20h00. Se trata de una reunión musical única que aprovecha un emotivo homenaje al célebre compositor navarro Emilio Arrieta –con estrenos absolutos incluidos y cuando se cumplen 200 años de su nacimiento– para repasar más de un siglo de música de la mano de otros grandes compositores de esa tierra que tanta genialidad ha aportado a la música española y universal.

En la primera parte, un hermoso muestrario de canciones de tres destacados músicos navarros de los siglos XIX y XX: Felipe Gorriti, Jesús García Leoz y Félix Lavilla, que cuentan con poemas de Lope de Vega, Miguel de Fuenllana, Bilintx, Felipe Gorriti (atrib.), Juan Paredes, Federico García Lorca, así como textos surgidos de la tradición popular.

El segundo tramo del concierto se centrará por completo en la obra de Arrieta, con una minuciosa selección de fragmentos de óperas, una plegaria y el estreno de dos canciones —una en italiano y otra en castellano—. Cuatro importantes títulos líricos componen el programa: ‘San Franco de Sena’ con libreto de José Estremera, ‘Marina’ de Francisco Camprodón y Miguel Ramos Carrión, así como ‘El Capitán Negrero’ o ‘Dos Coronas’, ambas con libro de Antonio García Gutiérrez. El bloque se completa con una romántica ‘Meditación religiosa’ con texto de Adelardo López de Ayala, que interpretó por primera vez el navarro universal Julián Gayarre.

Incluida en el presente Ciclo de Conciertos del Teatro de la Zarzuela, intérpretes y pianista han sabido trazar una ambiciosa pero inteligente propuesta musical que resulta sencillamente única.

Teatro de la Zarzuela

La soprano Cristina Toledo, acompañada al piano por Aurelio Viribay, darán visibilidad a mujeres que se dedicaron a la composición de zarzuelas y música española a pesar de las dificultades.

Especialmente emotivo será el recital que el próximo lunes 8 de marzo (20h00) ofrecerán la soprano Cristina Toledo y el pianista Aurelio Viribay en el Teatro de la Zarzuela dentro del ciclo Notas del Ambigú. Bajo el título explícito de ‘Zarzuela en femenino’, se dará visibilidad a las mujeres que, a pesar de las dificultades para hacerlo y la ingratitud del olvido, se dedicaron a la composición de zarzuelas y música española.

En el concierto se oirán obras de autoras como María Rodrigo, a cuyas composiciones estará dedicada buena parte del programa. Desde una copla para piano solo (‘La copla intrusa’), a una selección de su zarzuela cómica ‘Diana cazadora o Pena de muerte al amor’, con libreto de los Álvarez Quintero, pasando por el trío de coplas ‘Ayes’ con texto de María Lejárraga, o ‘Viendo esta tierra de mis amores’ de ‘Su última canción’ con libreto de Carmen de Cantó, entre otras composiciones.

Esta será la segunda parte del recital. Antes, oiremos romanzas de zarzuelas compuestas por Remedios Selva y Torres o Carmen de Cantó (Carmen Climent) –autoras asimismo de los libretos de sus obras–, de Blanca Lozano, María de Pablos, María Teresa Prieto –responsable también de sus textos–, Elena Romero o Adela Anaya Ruiz.

Sin duda será una noche de mágicas revelaciones y de esperanza. La de que el olvido no vuelva a ser destino inevitable de estas y tantas otras sacrificadas luchadoras de la música.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de Cristina Toledo y Aurelio Virivay, seguirá el de Lamentatio. Música trobada con obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), el de la mezzosoprano María Antúnez con Rubén Fernández Aguirre al piano dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), el de la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau con la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el del artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, que presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Amores en Zarza

Con ‘Amores en zarza’ se cumple la quinta temporada del Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela, zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes, que nació de la mano de su director, Daniel Bianco, con el propósito de popularizar el género entre las nuevas generaciones, las del siglo XXI. El público joven tiene una relevancia decisiva en el actual proyecto del coliseo, que de esta forma pretende que aquel se aproxime sin miedo y exento de prejuicios a la zarzuela, dando así continuidad al género y afianzando su futuro.

Es por ello que el Proyecto Zarza es una de las iniciativas estrella del Teatro. Dirigido a un público de entre 12 y 18 años, el título escogido en esta quinta edición es ‘Amores en Zarza’, con texto original del dramaturgo y novelista Nando López, especialista en literatura juvenil, entre cuyo público es una auténtica estrella. Se trata de una historia coral que describe diferentes formas de vivir el amor sin prejuicios, escrita en torno a composiciones de diversas zarzuelas de Federico Chueca, Joaquín Valverde, José Serrano, Pablo Sorozábal, Ruperto Chapí y Gerónimo Giménez. Y como ya es habitual, estará interpretada por jóvenes cantantes de entre 18 y 30 años elegidos a través de un riguroso proceso de audiciones en las que han participado más de 250 artistas. Puede decirse que estos cantantes-actores forman hoy por hoy la joven compañía del Proyecto Zarza, y que cumplen también la misión de servir como cantera para las grandes producciones del Teatro. Y es que, a partir de su participación en el Proyecto, un buen número de ellos ha intervenido ya en algún título de las temporadas líricas.

En Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, la dirección musical y la escénica correrán a cargo, respectivamente, del Maestro Miquel Ortega (desde el piano) y de Rita Cosentino, y los diecisiete actores-cantantes estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos. Las funciones programadas se presentarán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela del 26 de febrero al 5 de marzo, y se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) y funciones para el público general (26, 27 y 28 de febrero y 4 y 5 de marzo) con un total de 9 sesiones. Tal y como se ha venido haciendo en las cuatro ediciones precedentes, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

La función escolar del martes 2 de marzo (11h00) será emitida en directo a través de Facebook, YouTube y la página web del Teatro.

El Proyecto Zarza, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone un éxito rotundo cada temporada. Desde que se iniciara hace ya cuatro, han ocupado las butacas del Teatro 26.000 espectadores que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’ y ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’, y otras decenas de miles que han podido disfrutar de ellas online.

El amor y la magia

Estos ‘Amores en zarza’ están concebidos de acuerdo con el espíritu, la filosofía y la intención que desde el principio mueven este admirable Proyecto Zarza: acercar el género de la zarzuela a las nuevas generaciones, “y qué mejor manera de hacerlo que a través de sus propias inquietudes”, señala Nando López. Para ello, esta historia que comienza en el anochecer de un 15 de agosto cualquiera del siglo XXI, con un grupo de jóvenes que se reúne en un parque de las afueras de la ciudad dispuestos a subirse a un Cercanías rumbo a la Latina para celebrar las fiestas de La Paloma. A partir de ahí suceden muchas cosas, se tejen esperanzas inesperadas con sueños pendientes y, como dice el propio autor, “quizá no sea el azar el verdadero culpable de cuanto ocurre en esta particular —y algo shakespeariana— noche de verano en la que se acabarán enzarzando las vidas de todos…”. La magia es crucial en este particular cuento. Real como la vida misma.

Esta nueva dramaturgia juega y se recrea con composiciones de zarzuelas como el Pasacalle de ‘El año pasado por agua’ de Chueca y Valverde, “A una gitana presiosa” de ‘La alegría del batallón’ de Serrano, ¡Qué partío has perdido, chiquillo!” y “La petenera” de ‘Don Manolito’ de Sorozábal, “Hágame usté el favor de oírme dos palabras” de ‘El año pasado por agua’ de Chueca y Valverde, “Yo soy español” de ‘La patria chica’ de Chapí, “Chinochilla de mi charniqué” y “¿Quién es usté?” de ‘La del manojo de rosas’ de Sorozábal, “Tambié yo me sofoco” de La boda de Luis Alonso” de Giménez, el Fandango de ‘Los burladores’, “Yo soy español” de ‘La patria chica’ de Chapí, ‘Bailar al fin podemos ya’ de ‘El baile de Luis Alonso’ de Giménez o el Pasacalle de ‘La alegría de la huerta’ de Chueca.

Sugestiva, dinámica, fresca y poderosa apuesta que una vez más celebra el compromiso del Teatro con los jóvenes artistas y los jóvenes espectadores.

Viernes 26 de febrero 19h00 (función abierta)

Sábado 27 de febrero 19h00 (función abierta)

Domingo 28 de febrero 12h00 (función abierta)

Lunes 1 de marzo 12h00 (función escolar)

Martes 2 de marzo 11h00 (función escolar) en directo en STREAMING

Miércoles 3 de marzo 11h00 (función escolar)

Jueves 4 de marzo 12h30 (función escolar) y 19h00 (función abierta)

Viernes 5 de marzo 11h00 (función escolar) y 19h00 (función abierta)

Capilla Gerónimo

El ciclo Notas del Ambigú 20/21 del Teatro de la Zarzuela propone en su nueva apuesta un sorprendente viaje del Renacimiento al Barroco español a través de las influencias que la música profana y sacra ejercieron entre sí en tiempos en que las representaciones teatrales, que antes quedaban adscritas al ámbito litúrgico, comenzaban a tomar un carácter más profano para, poco a poco, salir del templo al teatro. De ahí el título de este recital de la Capilla Jerónimo de Carrión, liderada por Alicia Lázaro. ‘Del templo al teatro. Dos siglos de música sacra y profana’, se presentará el jueves 15 de febrero a las 19h00.

Acompañarán en esta ocasión a Alicia Lázaro –dirección, laúd y guitarra barroca–, la soprano Delia Agúndez, el tenor Ariel Hernández, la arpista Sara Águeda y María Alejandra Saturno a la viola da gamba.

Con un programa integrado con músicas de Juan de Urrede, Francisco Guerrero, Juan Hidalgo o Sebastián Durón, entre otros compositores, los intérpretes recorrerán en su hipnótico viaje dos siglos de música sacra y profana.

Y es que, como recuerda Alicia Lázaro, en nuestra península y con la cristianización, los templos sustituyeron a los teatros romanos como lugares de encuentro. “La liturgia es la nueva forma de representación: un conjunto de ritos por medio de los cuales la Iglesia manifiesta su devoción”, explica, y recuerda que “es en los templos católicos donde aparecerán las primeras muestras de teatro, los tropos y secuencias, los primeros indicios dramáticos en el occidente cristiano”.

Con estos antecedentes, no es de extrañar que templos y teatros pronto hayan compartido sus músicas.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de la Capilla Jerónimo de Carrión de Alicia Lázaro, seguirá el que la soprano Cristina Toledo, acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo); Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo); la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril); la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

CHRISTIAN GERHAHER. GEROLD HUBER

Regresaba al Teatro de la Zarzuela, al Ciclo de Lied coproducido con el CNDM, uno de nuestros barítonos favorito, Christian Gerhaher, acompañado al piano por su inseparable Gerold Huber, en la que será una breve gira nacional. Tras este recital llegan al Palau Les Arts de Valencia el 10 de febrero y al Teatro Arriaga de Bilbao el 12 de febrero. Los tres con este mismo programa.

En esta ocasión Gerhaher aborda un repertorio típicamente romántico con la presencia de dos autores, Robert Schumann y Claude Debussy. Dos autores de diferentes caracteres y texturas que se han intercalado en la programación. Esto requiere de una gran solvencia interpretativa para mantener la personalidad de ambos compositores y que nuestro barítono y su acompañante realizan con extraordinaria soltura. Otra cosa es pensar en el acierto y coherencia de esta combinación estilística.

Las 20 canciones de Schumann pertenecientes a Sechs Gesänge, Lieder und Gesänge y Drei Gesänge, pueden considerarse como de su etapa más tardía. Un Schubet más reposado, menos interesado por la política, a diferencia de Wagner, que nunca la abandonó, y más preocupado por llegar a un público más amplio. Esto se notó en su música que, aunque conservó la calidad, dejó de tener la originalidad inicial y se centró en descripciones románticas tópicas. Para ello utilizó textos de poetas algo menores, con los que pudo dar protagonismo a temas más sencilla.

La naturaleza de estas canciones se notó, como no, en la interpretación. Gerhaher las delinea de manera magistral y con la uniformidad que expresan. Por lo que echamos de menos la intensidad de obras con más carga de profundidad. Su emisión en estos repertorios requiere de gran agilidad vocal, algo que Gerhaher posee, y un timbre menos baritonal, que también sabe manejar. El resultado es un recital más plano que otros a los que el barítono alemán nos tiene acostumbrados.

La variedad de matices y colores llegó con las canciones de Debussy. Seis en total, Trois chansons de France y Trais poemes de Stéphane Mallamé. Pequeñas delicadezas musicales con las que Gerhaher demostró su versatilidad vocal y que Huber acompañó magistralmente. Aquí el piano superó a la voz. Gerhaher sabe hacerse acompañar por un Huber que le conoce a la perfección y realza siempre la labor de la voz.

Los aplausos de un público siempre entusiasta les llevó a ofrecer dos propinas. La primera un lied del protagonista de la noche, Schumann, y otra de Mendelssohn, para concluir este recital de una de las parejas más notables en el Ciclo de Lied.

Fotografía (c) Rafa Martín

Christian Gerhaher

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presentará el próximo lunes 8 de febrero a las 19:00h, Christian Gerhaher en el XXVII Ciclo de Lied. El barítono alemán estará acompañado al piano por su colaborador habitual Gerold Huber.

Tras su exitoso paso por este mismo ciclo en numerosas ediciones anteriores, la última de ellas en la pasada temporada, Gerhaher volverá a demostrar al público madrileño por qué su voz es una de las más solicitadas en los recitales de lied de todo el mundo. Según la crítica, Gerhaher es dueño de “una voz de barítono lírico, aterciopelada, y una encomiable capacidad de concentración en la interpretación para exprimir al máximo la belleza que encierran poesía y música”.

En esta velada, y en perfecta simbiosis con su pianista de cabecera, afrontará un programa en el que se alternan lieder de Robert Schumann (Sechs Gesänge op. 107, Lieder und Gesänge op. 96 y Lieder und Gesänge op. 83) junto a chansons de Claude Debussy (Trois chansons de France y Trois poèmes de Stéphane Mallarmé).

Las entradas para este concierto, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49 | 91 193 93 21.

Una carrera vocal ascendente

Christian Gerhaher estudió con Paul Kuen y Raimund Grumbach en la Academia de Ópera de la Musikhochsule de Múnich, y junto con su acompañante habitual Gerold Huber estudió lied con Friedemann Berger. Mientras completaba sus estudios de medicina perfeccionó su técnica vocal en clases magistrales con Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf e Inge Borkh. Actualmente es profesor honorario en la Musikhochsule de Múnich. Ha recibido la Orden Maximiliana de las Ciencias y las Artes, y el título de Bayerischer Kammersänger. En 2016 le fue concedido el Premio de la Primavera de Heidelberger. Actúa frecuentemente en escenarios internacionales, como en Nueva York, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Philharmonie de Colonia y de Berlín, el Konzerthaus y el Musikverein de Viena y el Wigmore Hall de Londres. Es también invitado habitual en festivales como el Rheingau Music, los Proms de Londres, los festivales de Edimburgo y Lucerna y el Festival de Salzburgo. Desde hace dos temporadas se centra particularmente en recitales de lied, con cinco programas diferentes con Gerold Huber en Salzburgo, Milán, Múnich, Berlín, Leipzig, Viena, Baden-Baden, Ginebra, París, Londres, Madrid y Schwarzenberg, así como una gira por los Estados Unidos. La temporada finalizó con actuaciones de Die schöne Magelone de Brahms en Heidelberg, Londres y Múnich, de las cuales se grabó un disco en la primavera de 2019. Además de su actividad en concierto y recital, ha recibido varios premios operísticos como el Laurence Olivier y el Der Faust. Un hito en su carrera fue su debut en el papel principal de Wozzeck de Berg en 2015 en la Ópera de Zúrich, con escenografía de Andreas Homoki y dirección de Fabio Luisi. En 2016/17 cantó en dos producciones en la Ópera de Baviera, como Posa en Don Carlo y como Wolfram von Eschenbach en Tannhäuser con Kirill Petrenko. En 2017/18 actuó en el Festival de Múnich como Amfortas en Parsifal y en Zúrich como Nikolaus Lenau en el estreno de Lunea, de Heinz Holliger. Ha actuado junto a directores como Harnoncourt, Rattle, Blomstedt, Nagano, Jansons, Harding, Haitink y Thielemann en las principales salas del mundo. Como artista en exclusiva de Sony Music ha grabado con Gerold Huber varios ciclos de Schumann y todos los ciclos de Schubert, entre otros. También ha grabado con orquestas como la Filarmónica de Berlín, la de Cleveland, la Sinfónica de la Radio de Baviera y el Concentus Musicus Wien.

Gerold Huber, rigor pianístico

Gerold Huber estudió piano con Friedemann Berger en la Musikhochschule de Múnich y asistió a clases magistrales de lied con Dietrich Fischer-Dieskau en Berlín. En 1998 fue galardonado con el Prix International Pro Musicis con Christian Gerhaher. Gerold Huber imparte clases magistrales y, desde 2013, es profesor de acompañamiento de lied en la Hochschule für Musik en Würzburg. Gerold Huber ha tocado en festivales de renombre y salas de conciertos importantes como: Konzertverein Viena, Wigmore Hall London y Ópera Estatal de Baviera en Múnich, acompañando a Christian Gerhaher, Christina Landshamer, Franz-Josef Selig, Mojca Erdmann, Diana Damrau, Ruth Ziesak, Maximillian Schmitt, Christiane Karg y Rolando Villazon, entre otros. Gerold Huber es el director artístico de Pollinger Tage Alter und Neuer Musik. Todas las grabaciones de Gerold Huber con Christian Gerhaher han sido lanzadas por el sello Sony Classical y galardonadas con varios premios. El CD “Schubert – Nachtviolen” ganó el Gramophone Award en 2015.

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Luisa Fernanda, o el deseo indómmito de luchar por la belleza
Luisa Fernanda
Federico Moreno Torroba
Libreto: Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw
Yeatro de la Zarzuela, Madrid, 28 de enero de 2021
D. musical: Karel Mark Chichon
D. escena: Davide Livermore
Escenografía: Giò Forma
Vestuario: Mariana Fracasso
Iluminación: Antonio Castro
Coreografía: Nuria Castejón
Diseño audiovisual: Pedro Chamizo
D. coro: Antonio Fauró
Orquesta y Coro Titulares del Teatro de la Zarzuela
Intérpretes: Yolanda Auyanet, Juan Jesús Rodríguez, Rocío Ignacio, Jorge de León, María José Suárez, Nuria García-Arrés, Emilio Sánchez, Antonio Torres, Didier Otaola, Rafael Delgado, César Diéguez, Julia Barbosa y Román Fernández-Cañadas.
El 30 de abril de 2020 estaba previsto el estreno en el Teatro de la Zarzuela de Luisa Fernanda. Pero como tantas cosas en aquellos días, Luisa Fernanda quedó aplazada, que no suspendida. Ahora llega de nuevo a un Madrid azotado, pero valiente, en ese “deseo indómito de luchar por la belleza”.Estrenada en Madrid en 1932, es una de las zarzuelas más populares y de mayor aceptación. Una de esas obras que podrían representarse en cualquier teatro del mundo y que está a la altura de cualquier obra del repertorio italiano.

En esta ocasión, el Teatro de la Zarzuela, siguiendo su afán de internacionalizar el género, ha querido contar como directores músical y escénico con el británico Karel Mark Chichon y el italiano Davide Livermore, respectivamente. Se trata de una manera más de acercarse a la zarzuela sin prejuicios y de mostrar otras visiones de ver y sentir nuestra lírica.
Es la primera zarzuela completa a la que se enfrenta Chichon, un profundo conocedor de nuestro repertorio lírico que, junto a su esposa, la mezzosoprano Elina Garança, demuestran su afecto al este género interpretándolo por todo el mundo.

El conocimiento que de la zarzuela tiene Davide Livermore es más reciente, se remonta a su etapa de intendente en el Palau de Les Arts. Se acerca al género con un profundo respeto a sus principios, pero con poco acierto al escoger los elementos que protagonizan la escena. No se por qué se empeñan muchos escenógrafos en hacer que todo gire, incluso, demasiado. Aparte de casi proyectar en uno de los giros escénicos a la pobre Luisa Fernanda, resulta mareante y distrae de la escena.
A Livermore, al que le gusta los elementos escénicos de buen tamaño, se le fue un poco la mano con la buena reproducción que ha hecho de la fachada del Cine Doré. Suerte que el cuerpo de baile el coro y los cantantes, tenían una buena dirección de actores y bien aprendida la puesta en escena. No era nada fácil, sobre todo en algunos momentos, moverse por un escenario lleno de trampas y en constante movimiento.
Resultó muy romántica la idea del cinematógrafo y la proyección, a modo de película, de distintas escenas de los protagonistas y otras de la época. Si, además, las proyecciones hubieran tenido coherencia entre ellas, el resultado habría sido brillante. Más acertada fue la escena de los vareadores, con una dehesa de Extremadura bien dibujada.
En definitiva, una escenografía exagerada que parecía la recopilación de elementos de distintas obras, todas ellas de épocas diferentes. Lo que viene a ser una escenografía de aprovechamiento.

La Orquesta titular del Teatro, a las órdenes de Chichon, sonó con gran dignidad, algo lenta en algunos momentos, pero con casticismo y color. Muy meritorio para un foso formado por apenas 23 maestros por cuestiones pandémicas.
Lo mismo ocurre con un coro reducido a cinco voces masculinas y cinco femeninas. La mascarilla no impidió una magnífica actuación, con algún pequeño desajuste inicial, y el reconocimiento del esfuerzo de todos estos profesionales que forman parte del Teatro de la Zarzuela.

La labor del director musical y de escena estuvo siempre apoyada en la capacidad teatral de un buen elenco de actores/cantantes sobre el escenario.

El personaje de Vidal estuvo interpretado por Juan Jesús Rodríguez. Antes del inicio de la obra se informó de su merma vocal causada por una laringitis. Fue muy meritoria su actuación, pero se notaban sus dificultades, sobre todo en la renuncia a los registros más agudos.

Luisa Fernanda corrió a cargo de Yolanda Auyanet, que se marcó de entrada un buen recitativo, previo a sus números musicales. Como bien dice Livermore, “los recitativos no son un descanso a la espera del número musical, tienen que estar bien sujetos por una buena actriz”. Este es el caso de Auyanet, que brilló en la interpretación apoyada en una buena declamación. Su voz ha perdido algo de agilidad, pero conserva un centro poderoso y un gusto exquisito en el fraseo.

A Jorge de León vamos a terminar cogiéndole manía por la villanía de muchos de sus personajes. Debe ser por clavarlos en la interpretación. Empezar con la romanza “De este apacible rincón de Madrid”, sin haber apenas entrado en materia, puede ser un hamdicap. De León comenzó algo destemplado para entonarse con el avance de la obra. Su emisión es limpia y potente, pero su canto resulta poco natural y con sonidos engolados.

La Condesa Carolina estuvo bien interpretada por Rocío Ignacio. Supo darle el punto de frivolidad y sofisticación que requiere este personaje. Posee una voz potente y buenos agudos, pero su excesivo vibrato impide una buena dicción.

María José Suarez, en el papel de Marisa, siempre es una garantía sobre el escenario. Su presencia escénica y capacidad actoral ponen siempre ese necesario punto histriónico en cada representación.
El resto de comprimarios estuvieron a muy buen nivel. Resaltar sobre todo el revolucionario Luis Nogales, de Antonio Torres y del veterano Emilio Sánchez, como Don Florito.

Una noche de zarzuela que nos rescata de la realidad. Siempre con el miedo de una suspensión en el último momento, pero manteniendo siempre este ejercicio de resistencia frente a la realidad. Pero ¡ojo!, que esto del teatro es tan real como todo lo demás.

Siempre es un buen momento para escuchar el viaje de invierno que compuso Schubert en su última etapa como compositor. Y es ahora, cuando la sensibilidad supera los niveles normales, cuando quedamos más expuestos a la intensidad musical y dramática de una composición como esta.

Schubert había decidido no relacionarse con la aristocracia que habría reconocido y valorado sus obras. Tenía 31 años, estaba enfermo de sífilis, sin familia y sin éxito. Vivía de la caridad y hospitalidad de los pocos amigos que le quedaban. Es en ese momento de absoluto desamparo, cuando se ve obligado a escribir Winterreise. 24 canciones lúgubres y desesperadas, como debía ser el Schubert de aquellos momentos.

Winterreise es un conjunto extraordinario y homogéneo de canciones que cuenta una historia continuada con un único personaje como protagonista. No por ello debe pensarse que no pueden ser interpretadas de manera independiente, como ocurre con Gute Nacht o Der Lindenbaum. Los poemas de Wilhelm Müler, el hijo del zapatero, fueron los elegidos por el compositor para poner la música que con mayor precisión ha descrito la soledad y la desesperanza. Esa que él mismo sentía. Unos poemas que suponían siempre el mayor estímulo y fuente de inspiración para Schubert.

Este ha sido el segundo de los tres recitales del Ciclo que Florian Boesch va a ofrecer este año como artista residente. En sus interpretaciones, el barítono alemán siempre pone toda la carga de profundidad en el discurso, en la palabra. Dejando en los textos toda la fuerza interpretativa. Declama de manera natural, sin adornos ni exageraciones. El resultado es solo producto de las emociones de un Boesch contenido unas veces, y agitado hasta la ira en otros momentos.

No fue sin embargo un recital en el que la magia y el trance se adueñaran del teatro, como en otras ocasiones. Hubo momentos de rutina, tal vez la conexión entre cantante y acompañante no fueron siempre plenas. Justus Zeyen nos tiene acostumbrados a momentos extraordinarios en sus ya numerosas intervenciones en este teatro. Pero en esta ocasión falto equilibrio en ese binomio en algunos momentos. En el próximo recital del 14 de junio, volveremos a escuchar a Boesch, esta vez acompañado al piano por Malcolm Martineau, quien analiza y acompaña como nadie la sensibilidad interpretativa de alemán y que debiera haberle acompañado también en esta ocasión.

De momento, y aunque haya que realizar cambios horarios o nuevas adaptaciones por la pandemia, seguiremos asistiendo y celebrando estos placeres que nos proyectan a la realidad que queremos y que llegará.

Fotografía: (c) Rafa Martín

Teatro de la Zarzuela

De acuerdo con las directrices de la Orden de la Comunidad de Madrid que a la vista de la situación de la pandemia establece el toque de queda en las 22h00, entre el 25 de enero y el 6 de febrero el comienzo de las funciones programadas en el Teatro de la Zarzuela se adelantará a las 19h00.

Las funciones de los domingos no sufren alteración alguna y su inicio se mantiene en las 18h00.

LOS ESPECTÁCULOS QUE SE VEN AFECTADOS SON LOS SIGUIENTES:

Lunes 25 de enero

CICLO DE LIED, FLORIAN BOESCH

Jueves 28, viernes 29, sábado 30 de enero y miércoles 3, jueves 4, viernes 5 y sábado 6 de febrero

LUISA FERNANDA

Martes 2 de febrero

CICLO DE CONCIERTOS, AMANCIO PRADA

Luisa Fernanda

Con ‘Luisa Fernanda’ vuelve al Teatro de la Zarzuela un clásico de los escenarios líricos españoles y americanos. Y en esta ocasión lo hace de forma única y especial. El género de la zarzuela no debe aspirar a quedar encerrado en la jaula de oro de “lo español”, como un exótico señuelo para el público y los artistas foráneos, sino que por calidad, por relevancia y por mero sentido común, debe aspirar a “lo universal”. Por esta razón es una ocasión única el que al timón de este nuevo barco impulsado por el Teatro de la Zarzuela, estén nada menos que el italiano Davide Livermore –en la actualidad uno de los directores más reclamados y aclamados en los más importantes Teatros de ópera del mundo y responsable de la apertura del Teatro alla Scala de Milán en las dos últimas temporadas–, y el Maestro británico Karel Mark Chichon, gran conocedor, amante e infatigable difusor de la música española. Ambos convierten la obra maestra del compositor Federico Moreno Torroba y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw en un espectáculo teatral sorprendente y emocionante a través de su intrínseco lenguaje teatral y musical, que se presenta al público como un todo compacto.

El Teatro de la Zarzuela ofrecerá 14 funciones, entre el 28 de enero y el 14 de febrero, de este espectáculo musical total en torno a una de las más grandes creaciones del repertorio, definida por Livermore como “una obra de arte de la cultura española y de la cultura universal”. El regista turinés afirma que ‘Luisa Fernanda’ “tiene una partitura que llega siempre al corazón del público, y tanto antes como ahora y dentro de cincuenta o cien años, la belleza musical de esta obra ha tenido, tiene y tendrá una atracción especial para todos los que llegamos a ella.”

Por su parte, el Maestro Karel Mark Chichon, que por primera vez dirige una producción de zarzuela en este escenario, sostiene que ‘Luisa Fernanda’ es “la última gran zarzuela romántica, y debe mucho a las obras maestras de la zarzuela grande y del género chico que la precedieron.” A esto añade que musicalmente se trata de uno de los mejores ejemplos del casticismo con el que tanto se identificaba Moreno Torroba, “combinando la gracia y colorido de la música española con la elegante comedia vienesa y el verismo de la ópera italiana.” Lo que convierte a la obra en una zarzuela “de melodías memorables con un instinto teatral infalible.”

Chichon, que estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela -Orquesta de la Comuni­dad de Madrid-, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela y de dos repartos extraordinarios, se alternará en el podio del foso con el Maestro David Gómez Ramírez que dirigirá las funciones de los días 3, 4 y 5 de febrero.

El valor de los repartos

Los dos repartos que participan en esta nueva y esperada presentación de ‘Luisa Fernanda’ –que iba a estrenarse el 30 de abril de 2020 y que tuvo que posponerse a causa de la pandemia y el consecuente confinamiento– están integrados por cantantes especialmente diestros, enérgicos, eficaces, exigentes, intensos y equilibrados. Calificativos que solo son una mínima parte de sus virtudes.

Luisa Fernanda, la hija de un funcionario jubilado que guarda ausencia a Javier Moreno, ese joven militar, antiguo mozo de posada y ahora ascendido a coronel, será interpretada por las sopranos Yolanda Auyanet (Luisa Fernanda por antonomasia) y Maite Alberola. Por otra parte, está Vidal Hernando, un rico hacendado extremeño que se disputa el amor de Luisa Fernanda con Javier, a quien darán vida los barítonos Juan Jesús Rodríguez (Vidal por excelencia) y Javier Franco. La duquesa Carolina, aquella joven hermosa y persuasiva, estará encarnada por las sopranos Rocío Ignacio y Leonor Bonilla. Y el papel de Javier Moreno, que desde que ascendió de rango tiene descuidada a su novia Luisa, lo asumirán los tenores Jorge de León y Alejandro del Cerro.

Completan el elenco María José Suárez y Nuria García-Arrés como Mariana y Rosita, Emilio Sánchez y Antonio Torres, como don Florito y Luis Nogales, Didier Otaola como Aníbal; los actores Rafael Delgado, César Diéguez y Julia Barbosa, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Pardo, Graciela Moncloa, Daniel Huerta, Rodrigo Álvarez, Ricardo Rubio, Antonio González y Quique Bustos; además de 4 figurantes y 12 bailarines.

En cuanto al equipo artístico, lo completan el estudio Giò Forma, responsable de la escenografía, la diseñadora de vestuario Mariana Fracasso, el iluminador Antonio Castro, la coreógrafa Nuria Castejón y el diseñador audiovisual Pedro CHamizo.

Amor, cine y revolución

El escenario es un espacio arquitectónico reconocible de Madrid en el que se proyectan los sentimientos de amor, dolor y angustia, “un mundo figurativo o desfigurado que evoluciona en 360 grados ante nuestros propios ojos…”, como explica el propio Davide Livermore, que para ello emplea técnicas y recursos del lenguaje cinematográfico inspirados en obras del séptimo arte.

Los hechos históricos en torno a la Gloriosa (o Revolución de 1868 que culminó con el exilio de Isabel II), que aparecen o se mencionan en esta zarzuela, son el trasfondo de lo que viven sus personajes. Entonces, como ahora, la historia de los jóvenes Luisa y Javier sorprenderá y emocionará al público, porque este episodio se combina con la vida de los espectadores de una sala de cine –a modo de plaza, de lugar de encuentro y de vida– en la también joven República (la trama se desarrolla tal cual fue escrita, pero trasladada a la fecha de su feliz estreno en el Teatro Calderón de Madrid en 1932); y aquel salón modernista no es otro que el Cine Doré, entonces uno de los más conocidos de Madrid y en la actualidad el cine en activo más antiguo de España.

Y por encima de tramas políticas y revoluciones, de galanterías y devaneos, lo que al fin de verdad importa es querer y ser querido. El amor: esa rueda que mueve el mundo.

Online y en las ondas

Como ya es habitual, una de las funciones se emitirá en directo por streaming a través del canal de YouTube, el perfil de Facebook y la página web del Teatro. La fecha elegida en esta ocasión es el miércoles 10 de febrero a las 20h00 (hora peninsular española).

Asimismo, una de las funciones será grabada por Radio Clásica de Radio Televisión Española para emitir en próximas fechas.

También en estos días se podrá disfrutar en YouTube y Facebook de la conferencia impartida por la musicóloga Mª Luz González Peña y de un nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la zarzuela’, en esta ocasión centrado en ‘Luisa Fernanda’ con Yolanda Auyanet, Juan Jesús Rodríguez y Davide Livermore como protagonistas, y, como siempre, con sorpresa incluida.

La increíble historia de Juan Latino

Fue uno de los grandes éxitos de la pasada temporada, y no solo para los espectadores más pequeños -que viven con entusiasmo cada lance de la función-, sino que se convirtió desde el primer día en un feliz descubrimiento para todos los públicos.

‘La increíble historia de Juan Latino’, que regresa en estos días al Ambigú del coliseo, es una brillante producción de música, títeres y máscaras de la compañía Claroscvro y el Teatro de la Zarzuela ante la que nadie puede quedar indiferente. Se trata de una historia real, poco conocida, de esa amistad fraternal que todos debemos conocer y recordar para comprender cómo son (cómo somos) los seres humanos. Recomendada a partir de los 6 años, reel 8 al 17 de enero se ofrecen 9 funciones abiertas al público general, además de numerosos pases para colegios a lo largo de la próxima semana.

Se trata de una pequeña zarzuela, con repertorio musical renacentista y barroco, sobre un escritor y humanista español del siglo XVI. Juan Latino, que ese era su nombre, fue la primera persona de raza negra que obtuvo un título académico y dictó una cátedra en la Universidad de Granada. Descubrir de esta forma una historia verdadera de superación racial y social de un esclavo negro en la España del siglo XVI es toda una sorpresa para el espectador.

Por eso, en esta fiesta de música y teatro, que es una sincera invitación a la tolerancia y el respeto, se quiere mostrar cómo el mestizaje ha sido desde hace siglos un elemento constante y crucial en la convivencia de nuestra sociedad. Las músicas y las artes, como las personas y las ideas, se han ido combinando de distintas formas en las obras de compositores anónimos o de los bien conocidos y admirados Durón, Flecha, Gutiérrez de Padilla, Hidalgo, Romero o Sanz.

Después de la también aclamada ‘Perdida en el Bosco’ (2017 y 2019), esta es la segunda coproducción con el Teatro de la Zarzuela que presenta la compañía hispano-canadiense Claroscvro teatro, una de las referencias mundiales del teatro de títeres dirigida por Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez. Claroscvro Teatro emplea la recreación en el esteticismo historicista con el fin de reforzar los valores educativos de sus obras, y con la convicción de que la belleza es el vehículo perfecto para amar el Arte.

Matthew Polenzani

Esta temporada es la de estrenos en el Ciclo de Lied que organizan el CNDM y el Teatro de la Zarzuela. En esta ocasión el debutante ha sido el tenor estadounidense Matthew Polenzani, que ha estado acompañado al piano por Julius Drake, considerado uno de los mejores instrumentistas en su campo del mundo. Extremo este que volvió a demostrar en esta ocasión acompañando a Polenzani. Un valor siempre seguro, Drake.

Polenzani no llegó al Teatro de la Zarzuela con un repertorio fácil, ni para él ni para el público, sobre todo en su segunda parte. Comenzó interpretando cinco de las más conocidas canciones de Schubert, Im Frühling, Frühlingsglaube, Der Einsame, Ständchen y Im Abendrot. Tal vez no sea este compositor el más adecuado para las características vocales de Polenzani, pero su depuradísima técnica facilitó su acomodo en cada momento. Mucho mejor estuvo en la selección de los Liederkreis de Schumann (en este caso, los nueve Lieder del Op. 24 de 1840), donde demostró sus mayores capacidades interpretativas, su delicadeza estilística, un excelente fraseo y un extraordinario fiato del que dejó constancia en varias ocasiones. Aún así, su voz nos suena mucho más belcantista que liederística.

En el tercer conjunto de canciones sorprendió a todos con obras de Francis Poulenc, concretamente las “mélodies” de “Fiançailles pour rire” (“Esponsales de risa”). En este punto, Polenzani, que iba de menos a más, fue donde estuvo más inspirado. Sobre todo en la parte mas teatral y dramática, que en este repertorio francés, es una cuestión importante.

Terminó con tres obras del compositor estadounidense y poco conocido Charles Ives. Hay que destacar la hermosa y delicada Feldeinsamkeit, para cuya interpretación había reservado Polenzani su mayor refinamiento y sensibilidad. O la más divertida The World’s Highway.

Tras dos propinas y los agradecimientos al Teatro por poder estar esa noche con el público, concluyó este cuarto recital de lied que, como siempre, y mucho más en este año, es uno de los grandes acontecimientos musicales de Madrid.

Fotografía: Rafa Martín

Matthew Polenzani

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presentará el lunes 14 de diciembre (20h00) en el XXVII Ciclo de Lied, al tenor norteamericano Matthew Polenzani. Estará acompañado al piano por el reputado Julius Drake, colaborador de algunos de los intérpretes más importantes del mundo, tanto en recital como en trabajos discográficos.

Se trata de una oportunidad excepcional para escuchar por primera vez en este ciclo a uno de los más importantes tenores de la actualidad, dotado, según la crítica, de una voz de excepcional musicalidad y un gran dominio técnico.

Polenzani es y ha sido figura imprescindible en los repartos del Metropolitan de Nueva York en los últimos 15 años y un habitual tanto en los principales teatros de ópera, como en conciertos y recitales de todo el mundo.

El cantante abordará el lunes un programa alejado del habitual repertorio operístico, compuesto por cinco lieder de Franz Schubert, el célebre Liederkreis de Robert Schumann, Fiançailles pour rire de Francis Poulenc, y las obras de Charles Ives Feldeinsamkeit, The world’s highway y When stars are in the quiet skies.

Las entradas para este concierto, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, red de teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en los teléfonos 985 67 96 68 y 902 22 49 49.

Matthew Polenzani, estilo y control

El dominio musical y sentido estilístico de Matthew Polenzani ha permitido su continuada presencia en los principales teatros de ópera, conciertos y recitales de todo el mundo. Los aspectos más destacados de la carrera reciente de Matthew Polenzani en el Metropolitan Opera incluyen los estrenos de la producción de Bartlett Sher de L’Elisir d’Amore, que abrió la temporada de 2012, la producción de Sir David McVicar de Maria Stuarda, así como la nueva producción de McVicar de Roberto Devereux de Donizetti. Otros aspectos destacados incluyen su debut en el papel como Vaudémont en Iolanta de Chaikovski, la producción de Penny Woolcock de Les Pêcheurs de Perles, la producción de Willy Decker de La Traviata, la producción de Robert Carsen de Der Rosenkavalier, Die Zauberflöte, Les Contes d’Hoffmann, Rigoletto, Don Pasquale, entre muchas otras. Hasta la fecha, ha protagonizado más de 300 actuaciones en el Met. Tras su debut como Gérald en Lakmé de Delibes en la Opéra National de Bordeaux en Francia en 1998, ha actuado en los principales teatros europeos en producciones de Don Pasquale y La Traviata en el Teatro Comunale de Florencia, en Aix-en-Provence y en una gira por Japón; La Traviata en el Opernhaus Zurich; Don Giovanni e I Capuleti e i Montecchi en la Ópera de París; La Favorite, Werther, L’Elisir d’Amore, La Bohème y Die Zauberflöte en la Bayerische Staatsoper, así como en la Wiener Staatsoper, el Teatro San Carlo, el Teatro dell ‘Opera di Roma o Covent Garden, entre muchos otros. Polenzani es un cantante muy solicitado en conciertos con los directores más influyentes del mundo, como James Conlon, Sir Colin Davis, Riccardo Frizza, Rafael Frühbeck de Burgos, Louis Langrée, Jesús López-Cobos, Riccardo Muti, Sir Antonio Pappano, Sir Simon Rattle, Wolfgang Sawallisch, Leonard Slatkin, Sir Jeffrey Tate, Michael Tilson Thomas, Franz Welser-Möst, David Zinman, Riccardo Chailly y Daniel Harding. Ha cantado junto a orquestas como la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de San Francisco, la Sinfónica de Cincinnati, la Orquesta de Minnesota, St. Louis Sinfónica, Orquesta del Santa Cecilia, Orquesta Nacional de Francia y Filarmónica de Münchner. En la temporada 2019/20, Polenzani protagonizó tres producciones en el Metropolitan Opera, cantando además para la gala de Nochevieja del Met el primer acto de La Bohème junto a Anna Netrebko. También volvió a la Bayerische Staatsoper para cantar Don José en Carmen. En julio de 2020, Polenzani protagonizó una versión semiescenificada de La Traviata de Verdi en el Teatro Real de Madrid.

Julius Drake, una sólida trayectoria

Julius Drake goza de una reputación internacional como uno de los mejores instrumentistas en su campo, colaborando con muchos de los artistas más importantes del mundo, tanto en recital como en trabajos discográficos. Aparece regularmente en las principales salas y festivales de música: Aldeburgh, Edinburgh International Festival, Múnich, Schubertiade, Salzburgo, el Carnegie Hall y el Lincoln Center (Nueva York), el Royal Concertgebouw (Ámsterdam), el Wigmore Hall y los BBC Proms (Londres). Entre las numerosas grabaciones de Julius Drake, destacan las realizadas con el aclamado Gerald Finley para el sello Hyperion, de la cuales Barber Songs, Schumann Heine Lieder y Britten Songs and Proverbs ganaron los Premios Gramophone 2007, 2009 y 2011. También ha realizado grabaciones premiadas con Ian Bostridge para EMI, varios recitales para el sello Wigmore Live, entre ellos, con Alice Coote, Joyce DiDonato, Lorraine Hunt Lieberson, Christopher Maltman y Matthew Polenzani; así como grabaciones de las Sonatas de Kodály y Schoeck con los violonchelistas Natalie Clein y Christian Poltéra para Hyperion y Bis; ha grabado, asimismo, obras de Chaikovski y Mahler con Christianne Stotijn para Onyx; English Songs con Bejun Mehta para Harmonia Mundi y Poetisches Tagebuch de Schubert con Christoph Prégardien, que ganó el Jahrpreis der Deutschen Schallplattenkritik 2016. Los conciertos de las próximas temporadas incluyen una serie para celebrar el aniversario de Beethoven en el 92nd Y de Nueva York y una serie de Mahler en el Concertgebouw de Amsterdam; recitales en La Scala, Milán con Aleksandra Kurzak, en Wigmore Hall con Alice Coote, en Barcelona con Sarah Connolly, en Berlín con Angelika Kirchschlager, en Schubertiade, Austria con Christoph Prégardien, Ian Bostridge y Gerald Finley, y giras por Europa con Anna Prohaska y Eva-Maria Westbroek.

Teatro de la Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela es, hoy por hoy, uno de los pocos teatros líricos en Europa que no ha suspendido funciones a causa de la pandemia en la temporada 2020/2021. Desde que esta comenzara a finales del mes de septiembre, son ya 329 los artistas que entre las producciones escénicas y los conciertos han pasado por el coliseo de la plazuela de Jovellanos.

Y no solo se han mantenido las funciones programadas –muchas de ellas con localidades agotadas–, sino que entre estas también figura buena parte de las que en la pasada temporada tuvieron que ser aplazadas (no canceladas) a causa del confinamiento general de la última primavera.

Uno de los objetivos prioritarios de esta medida es proteger a nuestros artistas con la intención de que nadie se quede atrás, cumpliendo de esta manera con uno de los principios básicos que debe atender un teatro público.

Entre los motivos principales de esta feliz circunstancia, destaca sin duda el hecho de que el Teatro de la Zarzuela, unidad de producción del INAEM –Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música–, cumple de forma estricta con las normas de seguridad exigidas por las autoridades sanitarias y realiza test periódicos a todo el personal, en connivencia con la campaña #CulturaSegura promovida por el Ministerio de Cultura y Deporte. Lo que se pretende, y se está logrando, es garantizar la seguridad del público, los artistas y los trabajadores del Teatro.

Rodrigo Cuevas

Punta de lanza del “electrocuplé”, sex symbol de la copla, artista total y erudito de la música popular: un fenómeno de las artes escénicas.

Con música de Chapí, Alonso, Guerrero, Soutullo y Vert, Sorozábal, Chueca, Giménez, Vives o Penella.

Punta de lanza del “electrocuplé”, sex symbol de la copla y artista total, así es Rodrigo Cuevas: un fenómeno de las artes escénicas y erudito de la música popular que el lunes 30 de noviembre (20h00) presentará su espectáculo ‘Barbián’ en el Teatro de la Zarzuela. Con dramaturgia y dirección artística de Fernando Carmena y arreglos y música en directo de Frank Merfort y Richard Veenstrav, la función está edificada en torno a composiciones de Chapí, Alonso, Guerrero, Soutullo y Vert, Sorozábal, Chueca, Giménez, Vives o Penella.

Como explica Fernando Carmena, la palabra barbián viene del caló “barbán”, que significa “aire”, y en castellano se dice de alguien desenvuelto, gallardo, atrevido. “Cuando escuché por primera vez a Rodrigo Cuevas –afirma– supe de inmediato que sería un perfecto barbián de zarzuela. Es moreno y arriscado como la Mari Pepa de Chapí o el Don Homobono de Parada, pero es ante todo un artista completo y un erudito de la música popular”.

Cantante, compositor, multi instrumentista y agitador folclórico, su voz transita con facilidad entre la tradición y el underground. Como dice Carmena: “Descubre vínculos donde otros se empeñan en crear divisiones”.

Merfort y Veenstrav –compositores y diseñadores sonoros afincados en Berlín– se relacionan con la música de Chapí, Chueca, Giménez, Vives, Sorozábal…, con “liberadora sensibilidad contemporánea, aunque sin perder de vista las células madres de las composiciones de partida”. De esta manera describe Carmena el envite musical de ‘Barbián’, y asegura que “el sincretismo de la zarzuela abrazó la jota, el chotis, el cuplé… y permea tanto nuestra apuesta musical como el fabuloso vestuario diseñado por Constantino Menéndez (Made by Kös)”.

Entre Madrid y Berlín, la huerta y cabaré, entre lo castizo y lo cosmopolita, ‘Barbián’ propone “un viaje heterodoxo por un género no menos heterodoxo”, concluye el dramaturgo y director artístico del espectáculo.

Ismael Jordi

Estará dedicado a la memoria de Alfredo Kraus –que fue maestro del tenor jerezano y que esta misma semana hubiera cumplido 93 años– a quien el coliseo dedicará el palco número 6 de la platea.

Acompañado al piano por Rubén Fernández Arribas, interpretará obras de Manuel García, Joaquín Turina, Francis Poulenc, Francis Lopez, Jacinto Guerrero, Federico Moreno Torroba, Amadeo Vives y Soutullo y Vert, entre otros autores.

El tenor Ismael Jordi cumple 20 años de carrera, y lo celebrará el próximo sábado 28 de noviembre (20h00) con un concierto “muy personal” en el Teatro de la Zarzuela. El recital, en el que le acompañará al piano Rubén Fernández Aguirre, será ofrecido en memoria de Alfredo Kraus, quien este pasado martes hubiera cumplido 93 años, y que junto con Teresa Berganza fue su maestro de canto en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. El Teatro de la plazuela de Jovellanos aprovechará tan especial circunstancia para dedicar a Kraus desde ese momento el palco número 6 de la platea con una placa nominativa.

Con un repertorio compuesto en su mayoría de música española, Jordi irá de la música de Manuel García o Joaquín Turina, a la de Francis Poulenc y Francis Lopez, para volver a cruzar los Pirineos musicales con Jacinto Guerrero, Federico Moreno Torroba, Amadeo Vives o Soutullo y Vert, entre otros autores. Composiciones y compositores de altos vuelos, por tanto, los que en este día de celebración trae en su equipaje viajero este jerezano que apunta maneras universales.

Ismael Jordi es un cantante completo. Un artista total. No solo posee una de las voces líricas internacionalmente más aplaudidas, sino que su presencia escénica y su intrínseco carisma lo convierten en una de las más deseadas estrellas de la lírica que hoy pisan los escenarios.

 

Marianela

La preservación, la recuperación, la revisión y la difusión de nuestro patrimonio lírico, son cometidos esenciales y obligados del Teatro de la Zarzuela. Así lo exigen sus estatutos y el coliseo lo cumple minuciosamente cada temporada. Es por ello que la programación de ‘Marianela’, ópera en tres actos de Jaime Pahissa, sea una de las apuestas musicalmente más seductoras de la temporada 2020/2021, y más si se tiene en cuenta que no existe grabación alguna de la composición. Con libreto de dos pesos pesados, los hermanos Álvarez Quintero –Serafín y Joaquín–, que a lo largo de su vida llegaron a escribir más de 200 obras de diferentes géneros, y que en esta ocasión adaptan su propia obra teatral sobre la novela homónima de Benito Pérez Galdós, el Teatro celebra también, de esta manera, el Año Galdós que conmemora el centenario del fallecimiento del literato canario en 1920.

‘Marianela’ se estrenó el 31 de marzo de 1923 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con el propio Pahissa como director. Él, no en vano, y como indica el ilustre musicólogo Emilio Casares, “es una de las personalidades más destacadas de la creación musical española de la primera mitad del siglo XX, y uno de los más relevantes compositores de ópera”. Sus siete títulos, casi todos de éxito, lo sitúan “en la cumbre de nuestra historia lírica”, y con ‘Marianela’ Pahissa logra una obra donde “no hay altibajos, y en cada acto mejora al anterior.” Profesor de estética y composición en el Conservatorio del Liceu y director de la Escuela Municipal de Música de Barcelona, con la llegada de la Guerra Civil tuvo que exiliarse. Marchó a Argentina, que terminó por convertirse en su patria definitiva. También, lo más probable, es esta una de las claves de su olvido.

Por esta razón, y las más arriba mencionadas, el viernes 27 (20h00) y el domingo 29 de noviembre (18h00) serán días de fiesta para nuestra lírica. Volverá a escucharse ‘Marianela’, a la que tras su estreno argentino de 1946 promovido por el colosal Teatro Colón de Buenos Aires se le perdió la pista. Música totalmente nueva, pues, como todas las restituciones del coliseo, para nuestros oídos del siglo XXI.

Los dos conciertos que ahora hacen justicia al compositor y a la obra, estarán dirigidos por Óliver Díaz, quien al frente de la Orquesta Titular del Teatro, la ORCAM, deberá afrontar una partitura compleja en la que la melodía y el canto son protagonistas. La orquesta, como señala Casares, ha de ser brillante y luminosa, vigorosa y expresiva. Y el canto, exigente para los intérpretes, “sobre todo por la importancia que se da a los agudos”, aspecto este “muy valorado por la crítica y el público.”

Será, por tanto, una buena ocasión para el lucimiento del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de Antonio Fauró, y para el alarde de talento de los cantantes del reparto encabezado por la soprano guatemalteca Adriana González, que interpretará el papel de Marianela, lazarillo de Pablo, ciego de nacimiento de quien está profundamente enamorada, que interpreta el tenor Alejandro Roy; la mezzosoprano colombiana Paola Leguizamón será Florentina, prima de Pablo, de cuya belleza este, al recuperar la vista, queda prendido. Ambos se enamoran y Marianela queda a expensas de un destino doloroso y cruel; el papel del médico Teodoro Golfín, que logra la curación de Pablo, estará encarnado por el barítono Luis Cansino. El bajo Simón Orfila dará vida al Patriarca de Aldeacorba, padre de Pablo; el barítono puertorriqueño César Méndez Silvagnoli al padre de Florentina, y la mezzosoprano María José Suárez a Mariuca, una de las hijas de la familia que acoge a la desdichada Marianela.

El barítono Mario Villoria, los tenores Javier Alonso y Enrique Bustos, y el también barítono José Ricardo Sánchez, miembros todos ellos del Coro Titular del Teatro, interpretan a los personajes de Gasparuco, Pedrillo, Ramón y Pachín respectivamente.

Emilio Casares define con dos pinceladas la trascendencia musical de ‘Marianela’: “Está compuesta por un sinfonista que nunca se desprende de esta condición; que ha estudiado a Debussy, a los veristas y a Strauss, que trabaja con una orquesta del postromanticismo y que cree que la música pura, la instrumental, es superior al resto de las músicas. Lo dejó escrito varias veces. ‘Marianela’ pivota entre lo que sucede en la escena y lo que acontece en el foso, y hay muchos momentos en los que el interés dramático se traslada desde los cantantes a la orquesta.”

Pahissa y Galdós

En un manuscrito fechado en Buenos Aires en 1946, el propio Pahissa nos relata su encuentro con Galdós: “Conocí a Pérez Galdós cuando ya este gran novelista tenía más de 80 años. Fue en el escenario del Teatro Novedades, durante la temporada en que la admirada Margarita Xirgu estrenó en Barcelona ‘Marianela’, en la adaptación escénica que de esta novela, una de las más hermosas de Galdós, hicieron los hermanos Álvarez Quintero. Tenía yo un deseo de hacer una ópera de Marianela”. Los Álvarez Quintero añaden: “Él sentía hondamente la novela galdosiana mucho antes de que nosotros la teatralizásemos. Al ver la comedia surgió en él la idea de que la convirtiéramos en ópera, y ya casi está hecha».

Homenaje a Padilla

 

 

 

 

 

 

 

La música de José Padilla (1889-1960), uno de nuestros compositores que más admiración despierta en el mundo, volverá a escucharse en el Teatro de la Zarzuela, y lo hará como homenaje en el 60 aniversario de su fallecimiento. Será mañana martes 24 de noviembre (20h00) dentro del ciclo Notas del Ambigú, en un concierto en el que Cecilia Bercovich (violín), Sergio Menem (violonchelo y guitarra) y Claudio Constantini (piano y bandoneón) ofrecerán un repertorio sorprendente del maestro almeriense.

Desde el Folies Bergère y el Teatro Olympia de París, hasta los monasterios del Tíbet, Padilla fue conquistando imparable e irresistiblemente todos los rincones hasta donde iban llegando sus discos, cuyos ecos siguen resonando todavía hoy gracias, entre otros prodigios, al cine de Federico Fellini, Yasujiro Ozu, Woody Allen o Ridley Scott.

Sin embargo, la obra del maestro va mucho más allá de las famosas ‘El relicario’ o ‘La violetera’, o de su archiconocido pasodoble ‘Valencia’, o de aquella ‘Estudiantina portuguesa’ que puso música a la Revolución de los Claveles de 1974. Gran parte de su producción, tan inagotable como los episodios de su frenética vida, sigue siendo desconocida en nuestro país.

El trío formado por Bercovich, Menem y Constantini viajarán por alguna de estas joyas entre las que sonarán las canciones ‘Mírame’ (1920), ‘La luna meciéndose en el arcoíris’ (1931), ‘Danse sur le jardin’ (1927) o la imprescindible ‘La violetera’ (1918); romanzas como ‘Princesita’ de la zarzuela ‘La corte del amor’ (1916) o ‘Canción de “La guitarra española”’ de la zarzuela ‘Sol de Sevilla’ (1924); música de cine como ‘Prière d’un soir’ del filme ‘La dernière chevauchée’ (1947); piezas de musical como ‘Serenata’ del musical ‘Rome’, y hasta una prodigiosa colección de tangos.

Los Ambigús que vienen

Al concierto en homenaje del maestro José Padilla, seguirán el de la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajearán a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias de la música profana y sacra en ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Sabine Devieilhe

Se presentaba en el Ciclo de Lied del CNDM y del Teatro de la zarzuela, la francesa Sabine Devieilhe. Lo hacía con un repertorio variado de Debussy, Poulenc, Fauré y Ravel. Con una inteligente distribución intercalando a cada uno de los autores, lo que requiere de una mayor exigencia por parte de ambos intérpretes. El continuo cambio de atmósferas y registros requiere de mucha atención y añade un dinamismo al conjunto extraordinario.

Sabine Devieilhe es una soprano de coloratura que en este recital ha demostrado que esa tesitura puede llegar a explorar, de manera notable, un repertorio camerístico como el que nos ocupa. Con una gran expresividad en la interpretación, elegancia en la dicción y la línea melódica, Devieilhe fue desgranando con acierto y sensibilidad cada una de las cualidades de los compositores, desde los tintes más románticos de Fauré a la contemporaneidad de Poulenc.

La facilidad que demuestra Devieilhe en su sofisticada forma de interpretar, estuvo perfectamente acompañada por uno de los mejores intérpretes al piano de estos momentos, Alexandre Tharaud, que se convirtió en protagonista en algunos momentos, gracias a su capacidad para crear atmósferas y la absoluta elegancia con la que recorre el teclado.

Generosos en las propinas, tras salir a saludar en varias ocasiones, ofrecieron el “Aria del fuego”, de El niño y los sortilegios, de Ravel, donde Devieilhe demostró su dominio de la coloratura. Una obra barroca de Rameau, donde demostró la versatilidad de su voz y la hermosa Youkali, de Kurt Weill, interpretada magistralmente y que dejó al público plenamente satisfecho.

Una noche extraordinaria que Devieilhe agradeció poder ofrecer, dadas las circunstancias y la especial afectación de la pandemia al mundo de la cultura. No hay que olvidar que es Madrid la única ciudad europea donde se están ofreciendo espectáculos artísticos. Quedó demostrado en este recital, donde la frescura de sus dos intérpretes proporcionó al público asistente una bocanada de aire fresco, tan de agradecer en estos momentos.

Fotografía: Rafa Martín

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La del manojo de rosas
Pablo Sorozabal
Libreto de Francisco Ramos de Castro y Anselmo Cuadrado Carreño
Estrenado en el Teatro Fuencarral de Madrid, el 13 de noviembre de 1934
Producción del Teatro de la Zarzuela
D. musical: Guillermo García Calvo
D. escena: Emilo Sagi
Escenografía: Gerardo Trotti
Vestuario: Pepa Ojanguren
Iluminación: Eduardo Bravo
Coreografía: Goyo Montero
Reposición coreográfica: Nuria Castejón
Orquesta de la Comunidad de Madrid Titular del Teatro de la Zarzuela
Coro Titular del Teatro de la Zarzuela
Director Antonio Fauró
Reparto: Ruth Iniesta, Carlos Álvarez, Vicenç Esteve, David Pérez Bayona, Sylvia Parejo, Ángel Ruiz, Milagros Martín, Enrique Baquerizo, César Sánchez, Eduardo Carranza, Joseba Pinela, Daniel Huerta, Alberto Ríos, Francisco José Pardo, Rodrigo Álvarez, Alberto Camón, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Rivero.
Bailarines-figurantes: Begoña Álvarez, Cristina Arias, Ariel Carmona, Lara Chaves, Emmanuel Chita, Sarah Croft, María Ángeles Fernández, Alberto Ferrero, Antonio Gómiz, Rafael Lobeto, María López, Helena Martín, Xavi Montesinos, Daniel Morillo, Luis Romero, Esther Ruiz, Lara Sagastizabal, Natán Segado, Rosa Zaragoza.Estrenada en el Teatro Fuencarral hace 86 años, La de manojo de rosas refleja el Madrid moderno de los años treinta, con los modos y modas más característicos y novedosos de la época. La presencia e importancia del papel de la mujer, representadas por los personajes de Asunción y Clarita, y una hilarante crítica social que no ha perdido actualidad desde entonces. Esta producción de Emilio Sagi, que se estrenó en este teatro hace ya tres décadas, es además, la más viajada y representada en España. Ha llegado incluso, y con gran éxito, a los escenarios de París y Roma. Pero siempre ha tenido un especial vínculo con el Teatro de la Zarzuela.El director del Teatro, Daniel Bianco, opina que esta producción de Sagi marcó un antes y un después en las escenografías del género. Ciertamente está llena de actualidad, es elegante y funcional y representa ese Madrid castizo y atemporal que refleja cualquier momento y lugar de la ciudad. Una calle cualquiera y real de Madrid, como encargó Sagi a su escenógrafo Gerardo Trotti, representa y acoge a todos sus personajes, perfectamente reflejados y descritos por un ingenioso y brillante Pablo Sorozabal, gran conocedor de la realidad social y de como representarla a través del carácter de sus personajes.

Sobre el escenario todo fluye con gran naturalidad y acierto. Es una obra entretenida y dinámica. Se intercalan los números como en un musical. Bailes, diálogos, dúos y romanzas se suceden con una frescura que hacen que las dos horas sin descanso se hagan cortas.

El director musical Guillermo García Calvo hace milagros con los 23 maestros que pueden estar en el foso. Una lástima no poder disfrutar de toda la orquestación, pero el rigor de García Calvo al frente de la Orquesta sabe generar las atmósferas que contiene la obra, que no son pocas, y llenar de lirismo los momentos más intensos vividos por los protagonistas.

El barítono Carlos Álvarez, que debutó con esta producción en 1990 con este mismo personaje de Joaquín, fue el auténtico dominador de la escena durante toda la noche. Se notaba que para él estaba siendo un momento especial, profundo y evocador, que logró transmitir al público. La nobleza de su canto, su perfecta dicción y fraseo, su hermoso timbre y su dominio del drama le hicieron protagonista de los momentos más brillantes. Su interpretación de la romanza “Madrileña bonita”, llevó al público a pedir insistentemente un bis que se negó, pero que habría sido de justicia. Obtuvo los mayores aplausos de la noche, de manera merecida.

La soprano aragonesa Ruth Iniesta debutaba el rol de Ascensión, después de haber sido Clarita en este mismo teatro. La evolución de su voz es indudable. Ha ganado en volumen y musicalidad y, aunque le falta un poco de naturalidad en la interpretación, su Ascensión estuvo a la altura de las circunstancias.

La Clarita de Sylvia Parejo estuvo llena de frescura y desparpajo. Se nota su paso por el teatro musical por sus buenas dotes interpretativas. Hizo buena pareja con David Pérez Bayona, un correcto Capó, algo menos suelto sobre escena. Ambos vienen del Proyecto Zarza, que tan buenos resultados está dando.

El personaje más entrañable y que, aunque a veces lo parezca, no está sobreactuado, sino ajustado, es el Espasa de Ángel Ruíz. Su extraordinaria dicción, necesaria para entender su retaila de palabros absurdos, y sus tablas en escena, hacen que este personaje sea uno de los más originales queridos.

El resto de comprimarios estuvo a gran altura. Los experimentados y bien conocedores de la obra Enrique Baquerizo, como Don Daniel y Milagros Martín, como Doña Mariana, poseen una profesionalidad y buen hacer que son una garantía para este teatro y para el género. Muy bien también el Ricardo de Vicenç Esteve, el otro pretendiente de Ascensión, que prefirió dedicarse a la aviación.

Una noche especial en el Teatro de la Zarzuela, otra más. Con unos cantantes y un público con los sentimientos a flor de piel, por el momento tan especial que estamos viviendo y por que es Madrid la única ciudad europea donde se pueden tener este tipo de emociones. Afortunados somos.
Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Sabine Devieilhe

El Teatro de la Zarzuela en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presentará el próximo lunes 16 de noviembre (20h00) el esperado debut en el XXVII Ciclo de Lied de la soprano francesa Sabine Devieilhe, una de las voces femeninas más solicitadas en las salas de conciertos y teatros de ópera internacionales. No en vano está considerada como sucesora de la indispensable Natalie Dessay. El público disfrutará de una velada netamente francesa, en la que la cantante normanda pondrá voz a un repertorio compuesto por las mejores páginas musicales del siglo XX del país galo. Estará acompañada al piano por Alexandre Tharaud, toda una figura en el mundo de la música clásica y un exponente clave del piano francés actual.

Estimada por la crítica como la máxima representante actual en la larga tradición de sopranos coloratura francesas, Sabine Devieilhe abordará un programa que reúne ciclos y canciones firmadas por algunos de los compositores franceses más celebrados: Claude Debussy (Nuit d’étoiles, Ariettes oubliées…), Francis Poulenc (Deux poèmes de Louis Aragon), Maurice Ravel (Cinq melodies populaires grecques) y Gabriel Fauré (Après un rêve, Les berceaux) conformando una exquisita selección musical, que alcanzará las máximas cotas de expresividad en la voz de la cantante francesa.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, red de teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en los teléfonos 985 67 96 68 y 902 22 49 49.

Sabine Devieilhe, intensa carrera hacia la excelencia lírica

Originaria de Normandía, Sabine Devieilhe estudió violonchelo y musicología antes de dedicarse por completo a sus estudios vocales en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París. Incluso en su época de estudiante Devieilhe ya colaboraba con conjuntos como el Ensemble Pygmalion & Raphaël Pichon y con Les Cris de Paris & Geoffroy Jourdain, presentándose también en concierto con la Orchestre de Paris, Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre con Marc Minkowski y Le Concert Spirituel con Hervé Niquet. La temporada 2011-12 vio a Devieilhe debutar en el bel canto como Amina en La Sonnambula con Jean-Claude Malgoire, quien también la eligió para el papel de La Folie en Platée de Rameau. Poco después de su graduación fue invitada al Festival de Aix-en-Provence para cantar Serpetta en La Finta Giardiniera de Mozart, a Montpellier para interpretar el rol principal en Lakmé de Léo Delibes y a Lyon para su debut como Reina de la Noche en La Flauta Mágica de Mozart. Fue nombrada “Révélation Artiste Lyrique” en la vigésima edición de Victoires de la Musique en 2013. Ha interpretado el rol de Soeur Constance en Les Dialogues des Carmélites de Poulenc en Lyon, París y Amsterdam. En la Ópera Nacional de París, interpretó a la Reina de la Noche y al Héroe en Béatrice et Bénédict de Berlioz. Le siguieron Euridice en Orfeo ed Euridice de Gluck en La Monnaie en Bruselas, Adele en Die Fledermaus de Johann Strauss en la Opéra Comique, Mélisande en Pelleas et Mélisande de Debussy y Nannetta en Falstaff de Verdi en la Ópera de Marsella. Su debut en el Festival de Glyndebourne como Fire/Princess/Nightingale en L’enfant et les sortilèges de Ravel fue aclamado con éxito. Ha cosechado gran éxito con la interpretación del rol de Ismene en una nueva producción de Mitridate de Mozart en el Théâtre des Champs Elysées, así como Amina en La Sonnambula de Bellini en versión concierto. En 2016 cantó en nueva producción de Il trionfo del tempo e del disinganno de Haendel en el Festival de Aix-en-Provence, donde asumió el papel de Belezza. Fue aclamada tanto por el público como por los críticos por su debut como Blonde en Die Entführung aus dem Serail de Mozart en La Scala de Milán, como Reina de la Noche en Die Zauberflöte de Mozart en la Royal Opera House Covent Garden y como Marie en La fille du régiment de Donizetti en la Ópera de Zúrich y en la Ópera Estatal de Viena. Otros aspectos destacados incluyen su debut en el papel como Zerbinetta en una nueva producción de Ariadne auf Naxos en el Festival de Aix-en-Provence, así como su aclamado debut en el Festival de Salzburgo con un programa de arias de Mozart. Consumada intérprete de lieder y mélodies francesas, Devieilhe actúa con la pianista Anne Le Bozec en la Ópera Nacional de Lyon y en el Festival Auvers-Sur-Oise, entre otros recitales. Su primer álbum en solitario Rameau: le Grand Théâtre de l’Amour con Les Ambassadeurs (noviembre de 2013) le valió un Diapason d’Or y el Grand Prix de l’Académie Charles Cros. En noviembre de 2020 tiene lugar su debut en el XXVII Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que se celebra en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Alexandre Tharaud, un pianista imprescindible

En una carrera que abarca 25 años, este músico se ha convertido en una figura única en el mundo de la música clásica y un exponente clave del piano francés. Su extraordinaria discografía con más de 25 discos en solitario, la mayoría de los cuales han recibido importantes premios de la prensa musical, presentan un repertorio que abarca desde Couperin, Bach y Scarlatti, pasando por Mozart, Beethoven, Schubert, Chopin, Brahms y Rachmaninov hasta los principales compositores franceses del siglo XX. La amplitud de sus esfuerzos artísticos también se refleja en colaboraciones con creadores de teatro, bailarines, coreógrafos, escritores y cineastas, así como con cantautores y músicos fuera del ámbito de la música clásica. Alexandre es un solista muy solicitado, actúa con algunas de las principales orquestas del mundo. Los próximos momentos destacados incluyen actuaciones con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, Orquesta de París, Orquesta Nacional de Francia, Orquesta Filarmónica de los Países Bajos, Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, Sinfonía Metropolitana de Tokio, la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo y la Sinfónica de Cincinnati. Entre sus conciertos recientes se encuentran colaboraciones con la Orquesta Real del Concertgebouw, las Orquestas de Cleveland y Filadelfia, la Filarmónica de Londres y la hr-Sinfonieorchester de Frankfurt. En cuanto a recitales, Alexandre Tharaud es un invitado habitual en los escenarios más prestigiosos del mundo. Los aspectos más destacados de esta y la próxima temporada incluyen recitales en la Philharmonie de París, Wigmore Hall, Muziekgebouw de Ámsterdam, Alte Oper de Frankfurt, Teatro Colón Buenos Aires, Sala Sao Paulo, así como extensas giras por Japón, China y Corea. En noviembre de 2019, lanzó su último álbum en solitario, Versailles, que rinde homenaje a los compositores vinculados a las cortes de los reyes franceses Luis XIV, XV y XVI.

La del manojo de rosas

Se adivinaba desde los primeros compases que esta volvería a ser una noche gloriosa en el Teatro de la Zarzuela. Y así fue. Ya en las dos funciones precedentes un duende había visitado el coliseo de la plaza de Jovellanos. Y en esta tercera, el público, extasiado por el prodigio que acababa de suceder en el escenario, premió al barítono Carlos Álvarez con largos aplausos y vítores. La razón: su imponente interpretación de ‘Madrileña bonita’ en la zarzuela ‘La del manojo de rosas’ de Pablo Sorozábal. Y el intérprete, que celebra estos días sus 30 años de carrera como solista, iniciada precisamente con esta histórica producción de Emilio Sagi, cedió finalmente a las peticiones de bis para abordar otra magistral versión de la popular romanza. Y a partir de ese momento, el delirio.

Miles de espectadores pudieron seguir el mágico instante en directo a través del canal de YouTube y la cuenta de Facebook del Teatro, donde ha quedado disponible para todo aquel que quiera volver a emocionarse.

Acompañaban al cantante en el reparto Ruth Iniesta, Vicenç Esteve, Ángel Ruiz, Milagros Martín, David Pérez Bayona, Sylvia Parejo, Enrique Baquerizo y César Sánchez entre otros cantantes y actores entre los que se encuentran siete integrantes del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela.

Esta producción, la más emblemática, viajada y aplaudida del Teatro de la Zarzuela cuenta en su equipo artístico con el escenógrafo Gerardo Trotti, la añorada diseñadora de vestuario Pepa Ojanguren, el iluminador Eduardo Bravo y la coreografía, de cuya reposición se encarga Nuria Castejón, es del también desaparecido y admirado Goyo Montero.

El Maestro Guillermo García Calvo, director musical de la casa, ocupa el podio del foso en estas funciones al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela -Orquesta de la Comuni­dad de Madrid-.

‘La del manojo de rosas’ estará en cartel hasta el domingo 22 de noviembre. ¡Y cuántas noches especiales por delante!

Domingos de Cámara

El ciclo ‘Domingos de cámara’ del Teatro de la Zarzuela, dedicado íntegramente a la mujer, presenta su segundo concierto este próximo domingo, 15 de noviembre (12h00). Con el título ‘Imágenes contemporáneas’, incluirá música de las compositoras Ángeles López Artiga, Helga Arias, Nuria Núñez Hierro, María de Alvear y Miriam Sanz Ortega, alumna del Conservatorio Superior de Música de Madrid de quien se ofrecerá un estreno absoluto. El precio único de todos los conciertos del ciclo es de 6 euros.

Los solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular del Teatro, que participarán en el concierto del domingo serán Víctor Arriola (violín), Rafael Domínguez (violonchelo), María Teresa Raga (flauta), Ana María Ruiz (oboe), Salvador Salvador (clarinete) y Duncan Gifford (piano).

Esta segunda edición de ‘Domingos de Cámara‘ se trata de un viaje a través de un patrimonio musical español desconocido, de la mano de solistas de la ORCAM que pone en valor a algunas de nuestras compositoras de los siglos XX y XXI como María Rodrigo, María Teresa Prieto, Pilar Jurado, Teresa Catalán, Zulema de la Cruz, Marisa Manchado, Rosa Alarcó o Diana Pérez Custodio entre muchas otras.

El ciclo acogerá cuatro estrenos absolutos de alumnas del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid: la mencionada Miriam Sanz Ortega, Laura de las Heras, Amanda Garrido y Sofía Sainz.

Las próximas citas del ciclo serán: ‘Navidad con Ñ’ (20 de diciembre), ‘Modernas y clásicas’ (14 de marzo) y ‘Hacer las Américas’ (6 de junio).

La del manojo de rosas

El Teatro de la Zarzuela emitirá en directo y en abierto a través de “streaming” la función de ‘La del manojo de rosas’ del jueves 12 de noviembre. La transmisión podrá seguirse a partir de las 20h00 (hora peninsular española) en el canal de YouTube, la cuenta de Facebook y la página web del Teatro.

Esta reposición de la conocida zarzuela de Pablo Sorozábal, obra maestra del género, no solo es la producción más emblemática y aplaudida del coliseo de la madrileña plazuela de Jovellanos, sino que además estos días conmemora los 30 años del montaje de Emilio Sagi, quien a su vez cumple 40 como director de escena.

En el podio del foso estará Guillermo García Calvo, director musical del Teatro, que tendrá a su cargo a la Orquesta de la Comunidad de Madrid -Titular de la casa-, a cantantes del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y a un reparto de campanillas encabezado por la soprano Ruth Iniesta en el papel de Asunción, el barítono Carlos Álvarez, que también celebra su debut como solista hace tres décadas en el estreno de esta misma producción en el papel de Joaquín que ahora vuelve a asumir, el tenor Vicenç Esteve como Ricardo, o los jóvenes intérpretes Sylvia Parejo y David Pérez Bayona en los roles de Clarita y Capó respectivamente.

Teatro de la Zarzuela:

YOUTUBE

https://www.youtube.com/c/TZARZUELA

FACEBOOK

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WEB

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Emilio Sagi

‘La del manojo de rosas’, la producción más emblemática y popular del Teatro de la Zarzuela, cumple 30 años. En su estreno fue muy bien recibida por el público y la crítica, y así ha seguido siendo durante las tres décadas transcurridas desde entonces. No es fácil adivinar la suerte que en el futuro le espera a un montaje teatral. Se puede intuir si funcionará. Si gozará de la aprobación del público. Pero no saber a ciencia cierta si con el paso de los años (de muchos años) seguirá levantando telones y pasiones. Esto último es precisamente lo que le ocurre a la producción que el director de escena Emilio Sagi presentó en septiembre de 1990. La composición de Pablo Sorozábal con libreto de Francisco Ramos de Castro y Anselmo Cuadrado Carreño es en sí misma irresistible, y la propuesta escénica de Sagi llegó para marcar la diferencia: un antes y un después en los planteamientos teatrales del género. Un regalo para el público que sigue conservando la frescura y la alegría.

El Teatro de la Zarzuela revivirá estos éxitos con doce funciones entre el 10 y el 22 de noviembre, que servirán para celebrar los 30 años de su montaje más aplaudido, de la producción que más ha viajado. Varias generaciones de cantantes, artistas, técnicos y público han participado o disfrutado del que es ahora el título más conocido de Pablo Sorozábal y el que él mismo ha vinculado de forma especial con el recinto de la calle Jovellanos.

El acontecimiento de esta nueva reposición servirá también para evocar los 40 años de carrera que el director de escena cumple también este año.

Y como no hay dos sin tres, con estas presentaciones viviremos otra extraordinaria conmemoración: la de los 30 años de carrera como solista del barítono Carlos Álvarez, uno de nuestros grandes intérpretes líricos de las últimas décadas, que comenzó precisamente con el estreno de esta producción. Y para celebrarlo, qué mejor que volver a meterse en la piel del personaje con el que comenzó todo: Joaquín, ese falso mecánico.

Los ingredientes son muchos para que esta nueva presentación de ‘La del manojo de rosas’ sea una fiesta de las que difícilmente se olvidan. Pero aún hay más: el Maestro Guillermo García Calvo, director musical de la casa, ocupará el podio del foso al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela -Orquesta de la Comuni­dad de Madrid-, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela y de dos repartos extraordinarios.

La más emotiva y emocionante

Emilio Sagi no es ajeno a la emoción. La siente profundamente y sabe que estos días tienen algo nuevo, distinto: “Para mí cada reposición ha sido como la primera vez. Es tremendamente emocionante ver cómo los personajes van adquiriendo vida. Y ahora —a pesar de los malos tiempos que nos toca vivir— verlos renacer me hace pensar, me lleva a sentir que en esta ocasión no se trata de una reposición más, sino de la más emotiva y emocionante de las reposiciones al cumplirse 30 años de aquella primera vez…”

No en vano, ‘La del manojo de rosas’ tiene, por muchas razones, un significado muy especial para él. Fue su primer trabajo de zarzuela en España —ya había montado ‘La Revoltosa’ y ‘La verbena de La Paloma’, pero curiosamente había sido en La Habana y Buenos Aires—. Aunque fue un encargo del entonces sobreintendente de este teatro, José Antonio Campos, con este montaje se acercaba más, si cabe, a la figura de su tío Luis Sagi Vela, para quien Sorozábal, Ramos de Castro y Cuadrado Carreño, crearon expresamente el personaje de Joaquín.

Y como todo en estas jornadas son emociones a flor de piel, Guillermo García Calvo no le anda a la zaga a Sagi. Para el director de orquesta ‘La del manojo de rosas’ es una obra “llena de poesía. De melodías y armonías sencillas capaces de expresar las más variopintas emociones”. El maestro sostiene que Sorozábal “tiene el raro talento de que cualquier nota que escribe le suena ‘carismática’. La inspiración musical, la chispa del libreto y lo perfectamente retratados que están los personajes… Todo eso se transmite al público desde el primer compás –añade– y hace que la obra sea entrañable y cercana. Después de venir a verla vamos a estar más enamorados de la vida”.

Repartos de fuste

Los dos repartos que intervienen en esta sexta presentación del montaje en el Teatro de la Zarzuela (donde se ha podido disfrutar en 1990, 1991, 1999, 2004, 2013 y ahora en 2020) están cargados de artistas de fuste.

En la piel de Ascensión, florista soñadora y moderna, orgullosa de su origen obrero que no quiere oír hablar de amores más que con un hombre de su clase, se meterán en esta ocasión las sopranos Ruth Iniesta (que en la reposición de 2013 en La Zarzuela asumió el papel de Clarita) y Raquel Lojendio. El personaje de Joaquín, ese joven señorito que simula ser mecánico y que pretende a aquella, será interpretado por Carlos Álvarez (que como se ha visto regresa así al rol que le vio nacer como primer cantante y que le regaló sus primeros éxitos) y por el también barítono Gabriel Bermúdez. Vicenç Esteve encarnará a Ricardo, aviador que también bebe los vientos por la chica de ‘El manojo de rosas’, y que por ello está en constante disputa con Joaquín. En contraste con este conflicto amoroso a tres bandas, surge otro entre Clarita –una coqueta y «superculta» manicura–, Capó –aprendiz de mecánico– y Espasa –camarero del bar de la plaza–. Aunque novia del primero, ella se deja querer por el segundo para así poner a prueba el cariño de Capó. David Pérez Bayona y Joselu López y Sylvia Parejo y Nuria Pérez, darán vida a Capó y a Clarita; se da el caso de que los cuatro intérpretes son asiduos participantes en esa valiosa iniciativa del Teatro que es Proyecto Zarza, y alguno de ellos ya ha hecho sus radiantes pinitos en grandes producciones de pasadas temporadas. Por su parte, del pomposo y divertido Espasa se encargará el polifacético cantante y actor Ángel Ruiz.

Y llegados a este punto, hay que hacer un merecido inciso, ya que la madre de Joaquín, Doña Mariana, estará interpretada por Milagros Martín, una de las artistas que en las últimas tres décadas más ha pisado las tablas del Teatro de la Zarzuela. En la primera reposición del montaje de Sagi, en 1991, ella era Asunción (papel que representó durante años) y Carlos Álvarez su pretendiente. Ahora, en la presentación de 2020, son madre e hijo.

Completan el reparto Enrique Baquerizo y César Sánchez como Don Daniel y Don Pedro, padres de Ascensión y Joaquín respectivamente; los actores Eduardo Carranza y Joseba Pinela, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Daniel Huerta, Alberto Ríos, Francisco José Pardo, Rodrigo Álvarez, Alberto Camón, Román Fernández-Cañadas y Francisco José Rivero; además de 19 bailarines-figurantes.

En cuanto al equipo artístico, lo rematan el escenógrafo Gerardo Trotti, la añorada diseñadora de vestuario Pepa Ojanguren, el iluminador Eduardo Bravo y la coreografía, de cuya reposición se encarga Nuria Castejón, es del también desaparecido y admirado Goyo Montero.

Larga vida viajera

A nadie se le escapa que con ‘La del manojo de rosas’ Emilio Sagi, realizó uno de los mejores trabajos de su larga y muy productiva carrera. En todos estos años ha llevado la producción a otros doce escenarios del país —Valencia, Málaga, Oviedo, Bilbao, Santander, Barcelona, Sevilla, Jerez de la Frontera, San Sebastián, Valladolid, Santiago de Compostela, Pamplona—, así como a otras dos capitales europeas —Roma y París—, y siempre ha cosechado éxitos de público y crítica por igual. Porque, como los autores explicaron en su estreno en 1934, “el sainete debe ser como un reflejo sentimental y gracioso de la vida popular”, aclarando que cambia lo externo: atuendo, diálogo, lugar de acción, “aunque los sentimientos del pueblo no varían”.

‘La del Manojo de Rosas’, que ya cuenta con más de 85 años (se estrenó en el Teatro Fuencarral de Madrid el 13 de noviembre de 1934), es el título que mejor refleja el Madrid moderno de aquellos años. Después de todo, esa fue la intención de Sorozábal, «hacer una música, sencilla, espontánea, garbosa, que tuviera salero y sentimiento, con sabor popular». Es el momento en el que las mujeres tuvieron la libertad de aprender y de decidir, así lo muestran en escena Ascensión y Clarita, dos chicas sacadas de uno de esos ateneos femeninos del momento, ya sea el Lyceum Club o La Cívica, porque hablan de sus sueños y deseos sin sentimentalismos, y dicen con claridad lo que saben y lo que piensan.

La Zarzuela es, en definitiva, como todas las artes, algo vivo que evoluciona con los autores que viven en la Sociedad; eso se refleja en la adaptación de sus obras a cada época y lugar. En ese sentido, ‘La del Manojo de Rosas’ sirve de modelo de una época, la República, en la que se fusionan géneros musicales e ideologías en un Madrid cambiante y moderno. Y esta producción de hace “solo 30 años” ya se ha convertido en el mejor legado del escenario del Teatro de la Zarzuela al Madrid de entonces y de ahora.

Y todo con las más extremas medidas de seguridad.

Trío Arbós

El pianista Juan Carlos Garvayo, la violinista Cecilia Bercovich y el violonchelista José Miguel Gómez fundaron en 1966 en Madrid el Trío Arbós, formación con la que entre una colección de galardones, fueron reconocidos con el Premio Nacional de Música de 2013. Con ese atractivo nombre, que el conjunto tomó del célebre director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós, regresa al ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela para continuar la travesía que iniciaron hace ya varias temporadas con una propuesta que transita por las genialidades de la Música de Cámara con sello español –que en este caso se extiende a lo ibérico de la mano del fado– y que el próximo lunes 9 de noviembre (20h00) hará una nueva parada con un programa que vuela de la zarzuela al fado.

En el concierto se podrán escuchar composiciones tan reconocibles como el preludio de ‘La Revoltosa’ de Ruperto Chapí, ‘La Gran Vía’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde o ‘La verbena de La Paloma’ de Tomás Bretón, en los tres casos versión libre de Ricard Miralles. También habrá espacio y ganas para el fado elegante y personal de Alexandre Rey Colaço, en transcripción de Juan Carlos Garvayo, y para la música de cámara de Joaquín Turina con su ‘Trío nº 1 en re mayor’, op. 35

Desde hace años el Trío Arbós es uno de los grupos de cámara más prestigiosos del horizonte internacional, y su trabajo abarca desde las obras maestras del clasicismo y el romanticismo (integrales de Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, etc.) hasta la música de nuestro tiempo. Uno de sus principales objetivos ha sido, precisamente, la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras.

El Trío Arbós actúa con regularidad en las principales salas y festivales internacionales a lo largo de más de 30 países, supera la veintena de grabaciones discográficas y durante cuatro temporadas, se estableció como conjunto en residencia del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Los Ambigús que vienen

Al concierto del Trío Arbós seguirá el de su violinista Cecilia Bercovich, que junto al bandoneonista Claudio Constantini y al violonchelista y guitarrista Sergio Menem, ofrecerán un concierto dedicado a la música palpitante e imperecedera del maestro José Padilla (24 de noviembre); la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajean a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias de la música profana y sacra en ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

josetxu-obregÓn

La Ritirata, agrupación creada y dirigida por el violonchelista Josetxu Obregón, presentará el próximo domingo 1 de noviembre (18h00) en el Ambigú del Teatro de la Zarzuela ‘Il Spiritillo Brando’, una colección de danzas compuestas para el entretenimiento de la nobleza española e italiana del siglo XVII. De esta sugestiva manera prosigue el ciclo Notas del Ambigú del coliseo.

La Ritirata grabó esta música en 2013 y desde entonces ha viajado con ella por numerosos países de Latinoamérica, además de por China, Japón o Israel, y prestigiosos festivales de España y Europa.

En el concierto de este domingo acompañarán a Obregón Josep María Martí a la guitarra barroca y la tiorba y Tamar Lalo con la flauta de pico.

Esta aproximación a la música de corte española e italiana de aquella época –transición entre Renacimiento y Barroco–, tiene como punto de partida la obra de Andrea Falconieri, a una de cuyas composiciones pertenece el título del recital, ‘Il Spiritillo Brando’, que hace referencia a los duendes retozones que supuestamente recorrían las calles en el Nápoles del virreinato español para justificar las flaquezas humanas.

Junto a la de Falconieri, La Ritirata repasará una colección de obras enérgicas y acogedoras a un tiempo, firmadas por Giovanni Antonio Pandolfi Mealli, Domenico Gabrielli, Giuseppe Maria Jacchini, Santiago de Murcia, Diego Ortiz, Bartolomé de Selma y Salaverde y Gaspar Sanz.

La razón de ser de La Ritirata es su intensa dedicación a la interpretación histórica con la intención de redescubrir repertorios del Barroco, Clasicismo y primer Romanticismo, desde la aparición del violonchelo hasta que la línea entre la interpretación histórica y moderna del mismo se estrecha al terminar el Romanticismo.

Notas del Ambigú 20/21

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo más del doble de recitales que al inicio del ciclo. 11 citas ineludibles del 20 de octubre al 15 de junio.

Comenzó el ciclo con un sentido homenaje a Lorenzo Palomo de Raquel Lojendio y Rubén Fernández Aguirre, y al concierto de La Ritirata seguirán el del Trío Arbós con la tercera entrega de ‘Música de cámara’ (9 de noviembre), la violinista y violista Cecilia Bercovich, el pianista y bandoneonista Claudio Constantini y el violonchelista y guitarrista Sergio Menem, que ofrecen un concierto dedicado a la música palpitante e imperecedera del maestro José Padilla (24 de noviembre), la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajean a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias de la música profana y sacra en ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Ópera XXI

El próximo domingo, 25 de octubre, a las 19h., y coincidiendo con la celebración del Día Mundial de la Ópera, Ópera XXI, la asociación que reúne a los principales teatros, festivales y temporadas líricas de nuestro país, hará entrega, a través de una ceremonia que se emitirá por streaming, de los II Premios Ópera XXI, los galardones españoles de la lírica, que premian lo mejor de los escenarios en nuestro país durante la temporada 18/19.

La ceremonia, que estaba prevista para marzo de 2020 en el Gran Teatre del Liceu, fue pospuesta por las restricciones de la actual situación sanitaria y Ópera XXI la ha reformulado en formato virtual para garantizar la participación y la seguridad de todos los premiados y artistas involucrados. Será emitida a través de la web www.operaxxi.com, de https://operavision.eu/en la plataforma de la asociación que reúne a los principales teatros y temporadas europeas, Opera Europa, y de la plataforma cultural Arte.tv, en su canal dedicado a las temporadas de ópera en Europa. El Teatro de la Zarzuela también se unirá a esta retransmisión, emitiendo la ceremonia a través de YouTube, Facebook y de su página web.

El principal objetivo de estos galardones es dar visibilidad a la imprescindible aportación de la ópera a la sociedad española y reivindicar el papel de la cultura en nuestras vidas. Y en esta ocasión quiere ser más que nunca un gran homenaje a todos los artistas, a la infinidad de profesionales que trabajan y hacen posible que los telones de los teatros y temporadas se estén levantando en estas complejísimas circunstancias, y un especial agradecimiento a todos los que apoyan a la lírica en nuestro país, muy especialmente al público.

La ceremonia virtual, conducida por Daniel Bianco, director del Teatro de La Zarzuela, y por la directora de escena Bárbara Lluch, contará, entre otros grandes momentos, con la actuación de dos de las artistas premiadas, Sondra Radvanovsky y Leonor Bonilla, y del pianista Rubén Fernández Aguirre. Todos los galardonados conectarán y participarán en la entrega virtualmente, y a ellos se sumarán las intervenciones de algunos de los grandes cantantes españoles en el panorama lírico internacional, como Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez, Ruth Iniesta, Saioa Hernández, Ismael Jordi, Xavier Sabata, Jorge de León, Nancy Fabiola Herrera y Sabina Puértolas. A ellos se unirán las palabras del Ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, y del presidente de la asociación, Oriol Aguilà, director del Festival Internacional Castell de Peralada.

Premios Ópera XXI, galardonados

Los premios reconocen las labores de interpretación (mejor cantante y mejor joven cantante), dirección musical (mejor director), la producción operística (mejor director de escena, mejor nueva producción, mejor producción latinoamericana) y la iniciativa de fomento de la lírica. Asimismo, comprenden la concesión de tres galardones honoríficos: a la trayectoria personal, a la institución cultural y al impulso de mecenazgo.

El Premio a la Mejor Cantante lo recibirá Sondra Radvanovsky, por su interpretación protagonista en la Luisa Miller de Verdi, en el Gran Teatre del Liceu en julio de 2019, así como por el recital-homenaje a Montserrat Caballé en el Festival Castell de Peralada. Con casi tres décadas de trayectoria profesional a sus espaldas, Sondra Radvanovsky (Chicago, 1969), es una de las grandes sopranos internacionales de nuestros días. Formada en ópera en Nueva York, en el Lindemann Young Artists Development Program, no tardó en abrir las puertas de los principales teatros de ópera del mundo, como la Royal Opera House de Londres, Teatro alla Scala de Milán, Opernhaus de Zúrich y Metropolitan Opera de Nueva York, entre otros. Especialmente admirada interpretando papeles para soprano verdiana, también es reconocida por su interpretación de títulos del bel canto italiano.

Leonor Bonilla ha sido galardonada con el premio a la Mejor Joven Cantante, por sus sobresalientes actuaciones en una intensa temporada 2018/2019 para la soprano sevillana: Lucia di Lamermoor en Maestranza, Il viaggio a Reims en Tenerife, Orfeo y Euridice en Villamarta y Capriccio en el Teatro Real la han hecho ganadora de este galardón. Una destacadísima Lucia di Lammermoor, Donizetti, título que abría la temporada del Teatro de la Maestranza en 2018, con Renato Balsadonna en la dirección musical y Filippo Sanjust en la escénica. En diciembre de ese año abordó en la Temporada de Ópera de Tenerife el papel de Contessa di Folleville de Il viaggio a Reims, Rossini, al mando de las directoras Yi-Chen Lin, en el apartado musical, y Stefania Bonfadelli en la escena. En enero de 2019 fue una sobresaliente Euridice en la obra de Gluck que abordó el Villamarta de Jerez, con escena firmada por Rafael Rodríguez Villalobos y Carlos Aragón en el apartado musical. Y durante los meses de mayo y junio de 2019 participó en Capriccio (R. Strauss) en su debut en el Teatro Real interpretando el rol de cantante italiana.

Leonor Bonilla empezó formándose como bailaora y una lesión cambió su rumbo profesional hacia el canto. Su primer papel importante llegó en 2014 en el Teatro Calderón de Valladolid, en el papel de Servilia de La clemenza di Tito. En su corta carrera como cantante ya posee un nutrido palmarés de premios y reconocimientos internacionales.

El Premio al Mejor Director Musical es para Nicola Luisotti (Viareggio, Italia, 1961), por la dirección de Turandot en el Teatro Real en noviembre y diciembre de 2018 con gran éxito de crítica y público. Es director musical desde 2009 de la Ópera de San Francisco y ocupó la dirección musical del teatro San Carlo de Nápoles entre 2012 y 2014. Dirige con asiduidad en los podios de los mejores teatros del mundo desde su debut en 2005. Próximos compromisos le esperan, entre otros, en la Ópera Nacional de París, La forza del destino, en el Teatro Real, Don Carlo y La traviata, o en El Teatro alla Scala de Milán, Il Trovatore.

El Premio al Mejor Director de Escena será entregado a Cristof Loy (Essen, Alemania, 1962), por su dirección de Capriccio en el Teatro Real de Madrid en mayo y junio de 2019. Loy es uno de los directores más demandados y premiados de su generación. Ha trabajado en los principales coliseos operísticos europeos, entre ellos la Bayerische Staatsoper de Múnich, la Opernhaus de Zúrich, el Festival de Salzburgo, la Ópera Real de Estocolmo o la Royal Opera House de Londres. Elegido director del año en diversas ocasiones por la revista Opernwelt y en los International Opera Awards de 2017, recibió el Premio Lawrence Olivier por Tristan und Isolde en la Royal Opera House de Londres en 2010 y el premio a la mejor producción de los International Opera Awards de 2016 por Peter Grimes en el Theater an der Wien.

El premio a la Mejor Nueva Producción es para el Teatro de la Zarzuela por la ópera española La casa de Bernarda Alba de Miquel Ortega, que se pudo ver en coliseo madrileño en ocho funciones en noviembre de 2018. Con libreto de Julio Ramos basado en la obra original de Federico García Lorca, la dirección de escena de esta nueva producción corrió a cargo de Bárbara Lluch, con el propio Miquel Ortega al mando de la dirección musical. En el reparto figuraban nombres como el de Nancy Fabiola Herrera, Carmen Romeu, Luis Cansino, Carol García o Marifé Nogales, además de la veterana actriz Julieta Serrano. La escenografía está firmada por Ezio Frigerio y el vestuario es de Franca Squarciapino.

El Premio Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica es para Òpera de Butxaca i Nova Creació (OBNC), que acaba de celebrar sus 25 años en la escena cultural. El jurado de los premios ha reconocido su labor en el estreno absoluto, en marzo de 2019, de la ópera Je suis narcissiste, con música de Raquel García-Tomás (que recibió la pasada semana el Premio Nacional de la Música) y libreto de Helena Tornero, en un montaje de Marta Pazos con dirección musical de Vinicius Kattah, en coproducción con el Teatro Real de Madrid, el Teatro Español y el Teatre Lliure. Además de su trabajo para la promoción de la nueva creación, con el estreno de la ópera de cámara del joven compositor Joan Magrané, Diàlegs de Tirant e Carmesina, que se estrenó en julio de 2019 en el Festival de Peralada, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu, en una propuesta firmada por Frances Prat en lo musical y por Marc Rosich en la dirección escénica, con Jaume Plensa como encargado del espacio escénico. El objetivo central de OBNC es promover la nueva creación operística, potenciar la emergencia de nuevos compositores, libretistas y dramaturgos, así como músicos y cantantes que enmarquen sus trabajos en la creación contemporánea. También presenta en Cataluña obras de pequeño formato de autores internacionales.

La Mejor Nueva Producción Latinoamericana es para el Gran Teatro de Lima por Alzira, de Verdi, una coproducción del Ministerio de Cultura de Perú con ABAO (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) y la Opéra Royal de Wallonie (Liège, Bélgica). El título verdiano, con libreto de Salvatore Cammarano e inspirada en la novela Alzira y los americanos de Voltaire, se estrenó en Lima en noviembre de 2018, bajo la dirección escénica del peruano Jean Pierre Gamarra y la dirección musical del asturiano Óliver Díaz. Los roles principales fueron interpretados por la soprano argentina Jaquelina Livieri (Alzira), el tenor Juan Antonio de Dompablo (Zamoro) y el barítono limeño Jorge Tello (Gusmano). Se trata de la primera coproducción del Gran Teatro de Lima con instituciones europeas.

El jurado de la segunda edición de los Premios Ópera XXI estaba integrado por los periodistas y críticos especializados: Eva Sandoval, Jesús Ruiz Mantilla, Maricel Chavarría, Gonzalo Alonso, José Luis Jiménez, Alejandro Martínez, Fernando Sans Rivière, Richard Martet y Victoria Stapells, además de por Andrés Rodríguez (vicepresidente de OLA, Ópera Latinoamérica). Todos ellos son expertos de reconocido prestigio nacional e internacional y con un profundo conocimiento de la actividad lírica nacional actual. Estuvieron también presentes en las deliberaciones Oriol Aguilà, presidente de Ópera XXI y director del Festival Castell de Peralada; José Monforte, secretario de la Asociación y director general del Palau de les Arts Reina Sofía (Valencia), y Nieves Pascual, coordinadora de los premios.

Premios honoríficos

La Asamblea de Ópera XXI, en su encuentro semestral celebrado en noviembre de 2019, eligió los galardones honoríficos para esta segunda edición de la ceremonia.

El galardón a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo recayó en la Fundación ”la Caixa”, que mantiene un compromiso de apoyo a las temporadas de diferentes teatros y festivales españoles, así como iniciativas educativas y programas de difusión y acercamiento a la ópera.

El Premio Honorífico a la Trayectoria es un reconocimiento a la trayectoria de José Antonio Campos Borrego, una de las personalidades dedicadas a la gestión cultural más destacadas de nuestro país. Entre otros cargos, fue director del INAEM y director del Teatro de la Zarzuela de Madrid.

El galardón honorífico a la Institución Cultural recayó en los Amigos Canarios de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, por su importante tarea de promoción, impulso y difusión de la ópera durante sus 53 temporadas ininterrumpidas de trayectoria.

Teatros, festivales y temporadas que forman parte de Ópera XXI

Amics de l’Òpera de Sabadell, Amigos Canarios de la Ópera /Temporada Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Amigos de la Ópera de A Coruña, Amigos de la Ópera de Mahón, ABAO Bilbao Ópera, Amigos de la Ópera de Navarra, Ópera de Cámara de Navarra, Festival Internacional de Música Castell de Peralada, Fundación Baluarte, Fundación Ópera de Oviedo, Gran Teatre del Liceu, Gran Teatro de Córdoba, Ópera de Tenerife, Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, Teatre Principal de Maò, Teatre Principal de Palma, Teatro Arriaga de Bilbao, Teatro Calderón de Valladolid, Teatro Campoamor de Oviedo, Teatro Cervantes de Málaga, Teatro Circo Albacete, Teatro de la Maestranza, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Teatro Real de Madrid, Teatro Villamarta de Jerez, Teatro Colón de Buenos Aires (miembro honorífico).

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Granada
La vida breve y La TempranicaLa Tempranica
Música: Gerónimo Giménez
Diálogos: ALberto Cronejo
Cantados: Julián Romea
Adaptación musical: Miguel Ortega
D. musical: Miguel Ángel Gómez Martínez
D. escena: Giancarlo del Monaco
Escenografía: William Orlandi
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Vinivio Cheli
Iluminación: Vinivio Cheli
D. coro: Antonio Faur
Ana Ibarra, Javier Franco, Ruth González, Gustavo Peña, Gerardo Bullón, Miguel Sola, Ricardo Muñiz, Andrés Merino, María Luisa Corbacho, Jesús Méndez, Alicia MArtínez, Felipe Nieto, Thais Martín de la Guerra, Jesús Castejón, Carlos Hipólito y Juan Matute
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid

La vida breve
Música: Manuel de Falla
Libreto: Carlos Fernández Shaw
D. musical: Miguel Ángel Gómez Martínez
D. escena y escenografía: Giancarlo del Monaco
Iluminación: Vinivio Cheli
Iluminación: Vinivio Cheli
Versión del texto: Alberto Cornejo
Ainhoa Arteta, Jorge de León, María Luisa Corbacho, Rubén Amoretti, Anna Gomá, Gerardo Bullón, Jesús Méndez, Gustavo Peña, Rafael Aguirre, Milagros Poblador, PAula Alonso, PAtricia Illera, Francisco Díaz

Granada es un espectáculo que surge de la unión de dos obras, la vida breve, de Manuel de Falla y La Tempranica, de Gerónimo Giménez. Dos obras que comparten como escenario la ciudad de Granada y los dramas amorosos de sus protagonistas. Dos maestros que se admiraban y que no se conocieron. Pero la magia del teatro y de Alberto Cornejo han reunido a los dos compositores en el escenario, representados por Jesús Castejón y Carlos Hipólito.

El covid, que todo lo ocupa, ha sido el responsable de que el Teatro de la Zarzuela haya tenido que separar las dos obras que componen Granada, La vida breve y La Tempranica, y ofrecerlas en días alternos para evitar los intermedios y acortar los tiempos de permanencia en el teatro.

Esto ha supuesto además un escfuerzo de adaptación. La vida breve requiere una orquesta de 96 profesores. Algo imposible en el pequeño foso del Teatro de la Zarzuela en estos momentos, pues no se podrían mantener las distancias entre músicos. En el mes de junio empezó a buscarse solución a la situación que se planteaba. Se habló para ello con la presidenta de la Fundación Falla, Elena García de Paredes, que mostró sus dudas ante la posibilidad de representar la obra con apenas 24 profesores. Accedió con tres condiciones, que se hiciera como estaba originalmente escrita, que la adaptación la hiciera el maestro Gómez Martínez y que solo se podía estrenar en este teatro y bajo estas circunstancias.

El maestro Gómez Martínez se puso manos a la obra. Reescribió toda la partitura, a mano, en tiempo record. Se han respetado las plantillas que el propio Falla utilizaba para sus representaciones en lugares reducidos. Y el resultado final es magnífico, teniendo en cuenta la drástica reducción de efectivos, la música de Falla apenas pierde espectacularidad y la orquesta, aunque reducida, sabe extraer, de la mano de Gómez Martínez, toda la musicalidad de la partitura original.

Cuando Daniel Bianco se puso en contacto con Giancarlo Del Monaco, éste no conocía La Tempranica. Se encontró, además, con que no existían grabaciones de esta obra. Lo que explica una cierta desconexión de La Tempranica con su escenografía. No ocurre así con La vida breve, a la que el color granada le sienta muy bien. Tanto como la iluminación de Vinicio Cheli. Ambas escenografías comparten sencillez de elementos, apenas unos paneles que se mueven, pero son, como casi todo en Del Monaco, elegantes y sugerentes. Unas escenografías centradas en los aspectos psicológicos de las dos protagonistas, en su sufrimiento y desengaños amorosos. Pero es La vida breve la que sale mejor parada en el reparto estilístico de Del Monaco.

El espectacular elenco de voces de La vida breve no defrauda. Ainhoa Arteta está en un buen momento de forma, tanto en lo vocal como en la parte interpretativa. Resolvió con oficio y soltura la tesitura alta en la que se desarrolla el personaje de Salud. Mantiene su hermoso timbre y una presencia escénica que cautivó a un público que la ovacionó largamente.

A Jorge de León le tocó el ingrato, por breve, papel de Paco. Apenas interviene en la obra, pero compuso un personaje perfectamente despreciable, como debe ser, y dejó algunos apuntes de la calidad de su voz.

María Luisa Corbacho lució un volumen de voz que permitía escucharla desde el fondo del escenario como si estuviera en la corbata. Con una zona central poderosa y una dramatización en el fraseo que salvó su quietud en escena.

Más expresivo sobre el escenario estuvo Rubén Amoretti. Siempre es una garantia en cualquier papel y circunstancia y se lució en ambos papeles, tanto en el Don Luis de La Teampranica como en el más dramático de el tío Salvador, de La vida breve.

La primera consecuencia de tener que separar las dos representaciones es la falta de continuidad del espectáculo. Eso, unido al hecho de haber eliminado muchos de los textos y pasajes más costumbristas de La Tempranica, han conseguido que esta pieza en soledad haya quedado un poco desamparada. Supongo que esta reducción también se debe a su adaptación al momento, pero me temo que la han mutilado demasiado. Se notaba incluso en los intérpretes. Aunque hay que alabar el buen oficio, no solo de los cantantes Ana Ibarra, Javier Franco, Ruth González, Gustavo Peña, Gerardo Bullón o Miguel Solá, entre otros, sino de los actores Jesús Castejón, Carlos Hipólito y Juan Matute, que sirvieron de hilo conductor a través de los diálogos de Alberto Cornejo.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Raquel Lojendio

El Teatro de la Zarzuela inaugurará el próximo martes, 20 de octubre (20h00) una nueva edición del que es uno de sus ciclos más populares y exitosos: Notas del Ambigú. La soprano Raquel Lojendio y el pianista Rubén Fernández Aguirre rendirán un conmovedor homenaje a Lorenzo Palomo (Ciudad Real, 1938), uno de los compositores españoles de mayor proyección internacional, cuyas obras han sido estrenadas e interpretadas por artistas y orquestas de primer nivel, en las salas de conciertos más prestigiosas del mundo.

El recital, de una belleza y atractivo indudables, comenzará con Una primavera andaluza (1992) compuesta sobre poemas de Juan Ramón Jiménez, y le seguirán Canto de Dulcinea (2006), una selección de las piezas que componen Sendero mágico (2018), las 5 composiciones que integran Del atardecer al alba o Recuerdos de juventud (1987) o Tientos, con versos de Antonio Gala.

Notas del Ambigú 20/21

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo más del doble de recitales que al inicio del ciclo. 11 citas ineludibles del 20 de octubre al 15 de junio.

Al de Lojendio y Fernández Aguirre seguirá el del conjunto barroco La Ritirata dirigido por el violonchelista Josetxu Obregón con ‘Il Spiritillo Brando’ (1 de noviembre), el Trío Arbós con la tercera entrega de ‘Música de cámara’ (9 de noviembre), la violinista y violista Cecilia Bercovich, el pianista y bandoneonista Claudio Constantini y el violonchelista y guitarrista Sergio Menem, que ofrecen un concierto dedicado a la música palpitante e imperecedera del maestro José Padilla (24 de noviembre), la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajean a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias de la música profana y sacra en ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Domingos de Cámara

La segunda edición del ciclo ‘Domingos de cámara’ del Teatro de la Zarzuela estará dedicada íntegramente a la mujer, y se iniciará este próximo domingo, 18 de octubre (12h00), en el Ambigú del coliseo con un concierto que bajo el título ‘Miradas cruzadas’ incluirá música de las compositoras Marisa Manchado, Zulema de la Cruz, Pilar Jurado y Laura de las Heras, alumna del Conservatorio Superior de Música de Madrid de quien se ofrecerá un estreno absoluto. El precio único de todos los conciertos es de 6 euros.

Para el Teatro de la Zarzuela es importante dar visibilidad a las mujeres compositoras que rara vez obtuvieron el merecido reconocimiento por su labor musical y cuyas obras han permanecido en la ingratitud del olvido. Se trata, pues, de un viaje a través de un patrimonio musical español desconocido, de la mano de solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular del Teatro.

Las solistas de la ORCAM que participarán en el concierto del domingo serán Ema Alexeeva (violín), Nuria Majuelo (violonchelo) y Karina Azizova (piano).

Esta segunda edición de ‘Domingos de Cámara‘ pondrá en valor a algunas de nuestras compositoras de los siglos XX y XXI como María Rodrigo, María Teresa Prieto, Pilar Jurado, Teresa Catalán, Zulema de la Cruz, Marisa Manchado, Rosa Alarcó o Diana Pérez Custodio entre muchas otras.

Esta reparación no solo debe centrarse en la historia, sino también en el hoy e incluso en el mañana, y es por eso que el ciclo acogerá cuatro estrenos absolutos de alumnas del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid: la mencionada Laura de las Heras, Miriam Sanz Ortega, Amanda Garrido y Sofía Sainz.

Las otras cuatro citas del ciclo serán: ‘Imágenes contemporáneas’ (15 de noviembre), ‘Navidad con Ñ’ (20 de diciembre), ‘Modernas y clásicas’ (14 de marzo) y ‘Hacer las Américas’ (6 de junio).

Anna Lucia Richter

Era la primera vez que la mezzosoprano Anna Lucia Richter llegaba a Madrid para participar en el Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión de la Música y el Teatro de la Zarzuela. Es una de las abanderadas de la nueva generación de liederistas y ha demostrado en Madrid, que viene para quedarse.

Nos presentaba Richter un programa no exento de dificultad. Aunque su técnica y la facilidad con la que abordó todo su repertorio, pudiera aparentar lo contrario. Comenzó con Gustav Mahler (1860-1911), una selección de Des knaben wunderhorn, “El cuento mágico de la juventud” que Mahler realizó de cantos populares alemanes.

Continuó con Hugo Wolf (860-1903), con Abendbilder y obras de De Möroke-Lieder y De Goethe-Lieder.

Terminó con obras de Schubert (1797-1828), donde la delicadeza de Richter alcanzó su máxima expresión. Demostró tener un potente y vigoroso centro. También supo llenar de matices estilísticos las piezas más sutiles. De timbre atractivo, Richter hizo gala de una gran expresividad y mucha intención a la hora de “decir” los textos. Algo fundamental en el estilo de un liederista.

Acompañada muy bien al piano por el israelí Ammiel Bushakevitz, que estuvo siempre atento a Richter, demostrando entre ambos una gran complicidad y entendimiento.

Un estreno muy prometedor en este Ciclo de Lied en el que seguro volveremos a escuchar a una de las nuevas voces más consolidadas en este repertorio.

Anna Lucia Richter

El martes 13 de octubre a las 20 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presenta en el XXVII Ciclo de Lied a la mezzosoprano alemana Anna Lucia Richter, una de las voces más solicitadas de la nueva generación de intérpretes del mundo del lied. En su presentación en el ciclo, esta joven cantante pondrá su timbre soleado y expresivo al servicio de obras de Gustav Mahler, Hugo Wolf y Franz Schubert, acompañada por el reconocido pianista Ammiel Bushakevitz.

La actuación de Anna Lucia Richter se inscribe en el XXVII Ciclo de Lied que, a lo largo de 10 recitales hasta junio de 2021, presentará en el Teatro de la Zarzuela a algunas de las voces líricas más importantes de la actualidad, como Florian Boesch –artista residente del ciclo, con tres conciertos en su agenda-, Sabine Devieilhe, Matthew Polenzani, Christian Gerhaher, Bejun Mehta, Christoph Prégardien y la española Núria Rial. Un ciclo que ofrece al espectador una oportunidad única para escuchar a algunas de las mejores voces del panorama mundial aventurándose en las páginas más intensas del lied y disfrutar también de canciones de otros signos. Las entradas para todos los recitales, con un precio general de 4 a 35 euros, ya están a la venta en www.entradasinaem.es y 902 22 49 49, así como en las taquillas del Teatro de la Zarzuela y teatros del INAEM.

Anna Lucia Richter

Nacida en una gran familia de músicos, Anna Lucia Richter recibió lecciones de canto desde los nueve años de su madre Regina Dohmen. Fue parte del coro de niñas en la Catedral de Colonia. Luego estudió con Kurt Widmer en Basilea y completó sus estudios vocales con Klesie Kelly-Moog en la Academia de Música de Colonia. Ha recibido clases de Margreet Honig, Edda Moser, Christoph Prégardien y Edith Wiens. También ha ganado numerosos premios internacionales, el más reciente es el Borletti-Buitoni Trust (2016). Richter ha actuado con la Orquesta del Festival de Lucerna y Riccardo Chailly, con la Orquesta de París y Thomas Hengelbrock, la Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia y Daniel Harding, la Orquesta Sinfónica de Londres y Bernard Haitink, la Orquesta HR Sinfónica y Paavo Järvi, la Orquesta del Festival de Budapest e Iván Fischer, la Orquesta Barroca de Friburgo y Jérémie Rhorer, o Arcangelo y Jonathan Cohen. Su repertorio operístico incluye papeles como Ilia (Idomeneo), Zerlina (Don Giovanni) y los papeles de Eurydice/La Música en L’Orfeo de Monteverdi en la aclamada producción de Sasha Waltz. En 2017 tuvo un gran éxito en el Theater an der Wien en la nueva producción de Keith Warner en el papel principal de Elegie für junge Liebenden de Henze. En el ámbito del lied, Richter interpreta un gran repertorio en los principales escenarios como el Schubertiade Schwarzenberg, el Rheingau Music Festival, el Heidelberger Frühling o el Wigmore Hall de Londres. Hizo su debut en Estados Unidos con tres recitales en el Park Avenue Armory de Nueva York, acompañada por Gerold Huber, y dio otro recital en el Carnegie Hall acompañada por Michael Gees. El repertorio de su último álbum Heimweh se presentó por primera vez en enero de 2019 con Gerold Huber en la Philharmonie Luxembourg y en el Konzerthaus Dortmund.

Celso Albelo

La limitación de aforo en los teatros, en este caso, en el Teatro de la Zarzuela, ha resultado ser un aliado para el tenor canario Celso Albelo, que ha conseguido crear una atmósfera de intimidad y familiaridad desde el escenario que eliminó cualquier rastro de frialdad causada por la poca afluencia de público.

Ofreció Albelo un recital especial, con obras tradicionales canarias recuperadas y adaptadas por Francisco Corujo y Fernando Briones. Obras que, como explicó el propio Albelo, han sido elevadas a categoría de lied.

Celso Albelo se sumergió desde el principio en su tierra, en su cultura, sus rincones, con ese acento y color vocal canario tan característico y reconocible. El tenor hizo una demostración de delicadeza y sutileza apianando, fraseando con elegancia y filando con un sentimiento profundo.

Comenzó con “Siete rosas”, obra de Antonio González Santamaría que fue su exposición de motivos y marcó el camino de un recital muy personal, en el que se fue encontrado cada vez más cómodo y cómplice con un público que le adora. Su voz ha ganado en solidez y seguridad, sobre todo cuando transita por las notas más agudas. Fue desgranando cada una de las canciones a la vez que conversaba animadamente con el público.

La segunda parte del recital estuvo dedicada a las romanzas, como “La isla de las perlas”, del maestro Sorozabal, “El caserío”, de Guridi o “Por el humo se sabe donde está el fuego” de la “Francisquita” de Amadeo Vives. Para finalizar con “Fiel espada triunadora” de “El huésped del Sevillano” de Guerrero.

Terminó ofreciendo unos originales bises, también de canción canaria, acompañado de una guitarra. Albelo llegó a emocionarse en algunos momentos.

Juan Francisco Parra acompañó al piano. Hubo gran complicidad entre los dos. Ofreció además dos obras, con sus correspondientes explicaciones, unos tanguillos, de Teobaldo Power y una transcripción del ovetense Anselmo González del Valle, de 1905 del dúo de “Los diamantes de la corona” de Barbieri.

Una gran noche lírica, una más, en un Teatro de la Zarzuela que ha comenzado la temporada con fuerza y con determinación y con una absoluta sensación de seguridad, con un cumplimiento exhaustivo de todos los protocolos de sanidad. ¿Dónde más seguros que en el teatro?.

Primer recital del XXVII Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y el CNDM, a cargo del barítono Florian Boesch, que este año es el artista residente del Teatro, acompañado al piano por Justus Zeyen, con obras de Schubert, Wolf y Martin.

Cinco lieder de Schubert han sido las elegidas para iniciar este primer recital. Esta ha sido sin duda la parte más romántica y delicada que ha ofrecido el barítono austríaco, que ha ido ganando en expresividad con los años, convirtiéndose en un perfecto “intérprete”. Utiliza recursos insólitos para matizar una ligera línea vocal, que es más una declamación, una forma casi susurrante de decir que añade teatralidad. Todo con una sensibilidad extrema.

La segunda parte del recital estuvo dedicado a una selección de los Italienisches Liederbuch de Hugo Wolf (1860-1903). Wolf alternaba momentos de gran creatividad con otros de absoluta sequía. Esta obra es producto de la creatividad. Son breves canciones que hablan de escenas cotidianas de amor, y lo hace con minuciosidad. Boesch desgrana estas escenas con delicadeza y haciendo ya gala de colores más baritonales, con poderosos graves y, nuevamente, sus declamados susurros.

Para finalizar el recita, obras de Frank Martin (1890-1974), un compositor que buscó durante tiempo un lenguaje musical propio, y poder alejarse así de las potentes influencias contrapuntísticas de Bach. El dodecafonismo ideado por Schoenberg le proporcionó un universo a explorar. Sechs Monologe aus “Jedermann” (1943), escrito en octosílabos y sobre la que Martin proyectó una ópera, es una especie de auto de fe que expresa, con extraordinario dramatismo, la aceptación de la muerte. Es en esta parte del recital en el que Florian Boesch despliega, en aparente trance, toda su capacidad dramatúrgica y expresiva. La intensidad con la que Boesch aborda la obra de Martin es sobrecogedora.

El acompañamiento al piano de Justus Zeyen fue impecable. Siempre atento y al servicio del propósito de Boesch, añadiendo delicadeza y sensibilidad y sin ceder un ápice de protagonismo.

Un comienzo de alto nivel para una temporada llena de peculiaridades. Flotaba en el ambiente cierta sensación melancólica. Faltaba la algarabía de otras ocasiones y, lo que es un hito en este Teatro, no hubo toses en ningún momento. Perfecta salud en tiempos de pandemia.

Fotografía: Rafa Martín

Granada

El Teatro de la Zarzuela vivirá el próximo jueves 1 de octubre una noche que no es exagerado considerar histórica. Después de ocho meses sin subir el telón, obligado por los desastrosos estragos de una pandemia infinita, este escenario único volverá a ser el centro mundial del género que le da nombre y que contiene muchas de las más brillantes páginas de nuestro patrimonio lírico. Y para un momento tan sumamente especial, el espectáculo programado y quienes lo levantarán cada día, no podía ser menos.

‘Granada’ es el título genérico escogido para reunir dos composiciones cruciales en la obra de sus autores. Granada es ‘La Tempranica’ de Gerónimo Giménez, y Granada es asimismo ‘La vida breve de Manuel de Falla de la que aquella es referente musical y escénico directo. Históricas serán las 14 funciones (7 por título), también por la prolongada ausencia de estas tablas: El tren de ‘La Tempranica’ no para en esta estación desde hace la friolera de 36 años. ‘La vida breve’, ocho.

Y aunque, debido una vez más a las restricciones de la crisis el montaje se verá de forma diferente a como en un principio fue concebido (ambas obras escenificadas en una misma función), la apuesta preserva la fuerza escénica y musical de la idea originaria. No en vano, son pesos pesados de la música y el teatro quienes se enfrentan a la genialidad de estos dos compositores andaluces: Por un lado será el Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez quien asuma la dirección musical desde el podio del foso (un granadino dirigiendo ‘Granada’), que estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela -Orquesta de la Comuni­dad de Madrid-, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela y de unos extraordinarios repartos.

Y por otro lado, el director de escena veneciano Giancarlo del Mónaco se hará cargo, como en él es norma, de sacar los sentimientos recónditos, las emociones escondidas, las pasiones inesperadas; exprimirá el alma herida de los personajes, de los intérpretes, del público en busca de verdades en ocasiones desconocidas y no felices, que a ninguno nos son ajenas.

Una trilogía española

Con esta producción de ‘Granada’ Del Monaco concluye en el Teatro de la Zarzuela lo que él mismo considera como una trilogía española que incluye ‘Las golondrinas’ -con las que se abrió la temporada 2016/2017 de este coliseo-, y ‘La Tempranica’ y ‘La vida breve’ (esta última la estrenó en 2010 en el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, a quien pertenece la producción). Centrándonos en estas dos últimas, la primera reflexión del director italiano gira en torno a cuál es el nexo que une las obras de Giménez y de Falla, y llega “irremediablemente” a la conclusión de que “ambas están ligadas por una atmósfera, una dramaturgia, una composición teatral de la psicología de la mujer abandonada”.

Gómez-Martínez, por su parte, se sumerge en las emociones de los dos compositores y las ejecuta con suma fidelidad para que sean ellos a través de dos mujeres gitanas y granadinas -María y Salud- quienes conmuevan al público.

En el escenario se sufre, y mucho. Y también se goza. Eso sin duda. Y hay artistas a los que estas ocasiones dicotómicas los hace crecer, elevarse, transformarse en lo que la emoción exija en cada momento. Por extrema que esta sea. De esa naturaleza son los intérpretes que estos días, en estas funciones, recalan en la plazuela de Jovellanos. De una integridad escénica conmovedora, de un dramatismo contagioso y un talento musical diferente. Nancy Fabiola Herrera y Ainhoa Arteta serán respectivamente María en ‘La Tempranica’ y Salud en ‘La vida breve’, igual que Ana Ibarra y Virginia Tola. Jorge de León será ese Paco contradictorio de la obra de Falla, y le acompañará en el papel Francesco Pio Galasso. Rubén Amoretti hará de Don Luis en una, que alternará con Javier Franco, y de Tío Sarvaó en la otra. Y Ruth González será Grabrié en la de Giménez, y Maria Luisa Corbacho también hará doblete encarnando a Salú en una y a la abuela en la otra. Y no paramos de contar. También harán de estos montajes una experiencia por momentos épica y siempre conmovedora, voces y actitudes como las de Gustavo Peña, Gerardo Bullón, Ricardo Muñiz, Miguel Sola, Anna Gomà, Andrés Merino y Jesús Méndez.

Y en ‘La Tempranica’, el guiño viene a ser pefecto. El Premio Nacional de Literatura Dramática de 2019, Alberto Conejero, ha ideado un sueño. Una fantasía que se hace realidad en el prodigioso encuentro sobre el escenario de los propios Gerónimo Giménez, que interpretará Jesús Castejón, y Manuel de Falla, a quien dará vida Carlos Hipólito. Y los compositores tendrán una réplica en Julián Romea, autor del librero original de ‘La Tempranica’, a que encarnará el también actor Juan Matute.

La musicóloga Dácil González Mesa señala en sus notas al programa que “ciertamente las dos obras que aquí nos ocupan constituyen géneros distintos dentro de la música escénica, pero la deuda de Falla con ‘La Tempranica’ de Giménez es evidente. Buena muestra de ello es que una y otra tienen en común, además de su temática -ambientada en la Granada gitana-, tipos de personajes, formas y recursos musicales”.

Streaming en directo

Como viene siendo habitual en el Teatro de la Zarzuela desde hace varias temporadas, ambas producciones se emitirán en directo a través de YouTube, Facebook y la página web del coliseo: ‘La Tempranica’ el viernes 16 de octubre a las 20h00, y ‘La vida breve’ un día después, el sábado 17 a la misma hora.

Y todo con las más extremas medidas de seguridad.

Florian Boesch

El lunes 28 de septiembre, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura su XXVII Ciclo de Lied en el Teatro de la Zarzuela con la actuación del barítono austriaco Florian Boesch en un concierto que es, además, el primero en Madrid de la nueva temporada del CNDM. El cantante, como Artista Residente del Ciclo de Lied en esta nueva temporada, ofrecerá tres recitales a lo largo de la misma poniendo de manifiesto las cotas de madurez y expresividad que ha alcanzado su voz. En este primer concierto, acompañado por Justus Zeyen al piano, Boesch interpretará una amplia selección de lieder de Franz Schubert y Hugo Wolf junto a los Sechs Monologe aus “Jedermann” de Frank Martin. En sucesivos recitales, Florian Boesch nos sumergirá en el eterno Winterreise de Schubert y en el importante grupo de lieder que conforma el Reisebuch aus den österreichischen Alpen de Ernst Krenek.

Con diez conciertos programados entre septiembre de 2020 y junio de 2021, a lo largo del XXVII Ciclo de Lied nos visitarán algunas de las voces líricas más importantes de la actualidad, como Anna Lucia Richter, Sabine Devieilhe, Matthew Polenzani, Christian Gerhaher, Bejun Mehta, Christoph Prégardien y la española Núria Rial. Diferentes caracteres, estilos, timbres y colores que abordarán programas vocales de excelencia, siempre cargados de interés, ya sea con lieder o canciones de otros signos. Las entradas para todos los conciertos, con un precio general de 4 a 35 euros, ya están a la venta en www.entradasinaem.es y 902 22 49 49, así como en las taquillas del Teatro de la Zarzuela y teatros del INAEM.
Florian Boesch: expresividad y madurez
Florian Boesch (Saarbrücken, 1971), es uno de los más destacados intérpretes de lied de nuestros tiempos. Ha cantado en salas como el Wigmore Hall de Londres, Musikverein y Konzerthaus de Viena, Het Concertgebouw de Ámsterdam, Laeiszhalle de Hamburgo, Philharmonie de Colonia, así como en los Festivales de Edimburgo y Schwetzingen, Maifestspiele Wiesbaden, Festival de Salzburgo, así como en el Carnegie Hall de Nueva York. Fue artista residente en el Wigmore Hall de Londres en la temporada 2014-2015 y en la Konzerthaus de Viena en la 2016-2017. Trabaja habitualmente con las orquestas y directores más prestigiosos del panorama actual: Wiener y Berliner Philharmoniker, Royal Concertgebouw Orkest de Ámsterdam, Gewandhausorchester de Leipzig, Staatskapielle de Dresden, London Symphony Orchestra, entre otras, y directores de la talla de Ivor Bolton, Riccardo Chailly, Gustavo Dudamel, Adam Fischer, Iván Fischer, Valery Gergiev, Stefan Gottfried, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, Pablo Heras-Casado, Mariss Jansons, Sir Roger Norrington, Sir Simon Rattle, Robin Ticciati y Franz Welser-Möst. En la temporada 2019/2020 ofreció una variedad de conciertos que incluyeron War Requiem (Britten) con la Orchestre de Paris y Daniel Harding, Monologues de Jedermann (Martin) con la Konzerthausorchester Berlin y Juraj Valčuha, Requiem (Mozart) con la Orquesta Nacional de España y David Afkham. Durante la temporada 2019/2020, Florian Boesch ha cantado en la Ópera de Frankfurt, el Festival Liszt en Raiding, el Musikverein de Viena, el Concertgebouw en Ámsterdam, el May Festival en Wiesbaden y el Konzerthaus Berlin con Vikingur Ólafsson. Sus grabaciones han sido aclamadas por la prensa internacional y ha recibido numerosos premios, incluido el Edison Klassiek Award. Die schöne Müllerin fue nominado para un Grammy 2015 en la categoría Mejor Solista Vocal Clásico. A principios de septiembre de 2017, Hyperion lanzó una nueva grabación de Winterreise de Schubert con Roger Vignoles al piano. En el otoño de 2018 realizó una grabación con obras de Schubert con Concentus Musicus Vienna bajo la batuta de Stefan Gottfried. Las grabaciones de Boesch con obras de Schumann y Mahler fueron galardonadas en los Premios de la BBC Music Magazine.

María Bayo

El Teatro de la Zarzuela de Madrid vuelve a abrir sus puertas con una fiesta barroca por todo lo alto. La ocasión lo merece, y este próximo domingo, 27 de septiembre (18h00) el telón subirá al fin con alegría para que la soprano María Bayo, acompañada por el clavecinista Daniel Espasa al frente de su agrupación Vespres d’Arnadì, emprenda con el concierto ‘Ecos barrocos’ un viaje por las geniales e irresistibles recreaciones musicales de algunos de los compositores más talentosos y prolíficos del barroco italiano, español, inglés y alemán.

Con esta presentación el céntrico teatro de la plazuela de Jovellanos inicia su ciclo de conciertos de la Temporada 2020/2021. Además, se da la circunstancia de que este de María Bayo es el primero de los espectáculos malogrados la pasada temporada por culpa de la crisis sanitaria, y recuperados por el Teatro de la Zarzuela con la finalidad de que nadie (ni artistas, ni público) quede atrás en este difícil tiempo de pandemia.

La intérprete navarra ofrecerá una colección de composiciones que van de Giacomo Antonio Perti, Antonio Lotti, Giovanni Battista Pergolesi, Francesco Durante, Giacomo Facco, Antonio Vivaldi o Alessandro Scarlatti, a Emanuele Rincón de Astorga, Sebastián Durón y José de Nebra, pasando por la maestría de Georg Friderich Händel y Johann Adolph Hasse.

Teatro de la Zarzueal

María Bayo

María Bayo

La gran soprano española María Bayo​, presenta su próximo álbum Reflejos dedicado a canciones latinoamericanas y francesas, además de música inédita del artista belga ​Max Moreau​. El nuevo disco reúne a compositores como Bizet, Guastavino, Lecuona, y Moreau​, que confluyen en un dominio de la melodía y en su capacidad para transportar a paisajes de una gran diversidad.

Reflejos estará disponible en todas plataformas digitales a mediados de octubre. La cantante de Navarra es una de las intérpretes más admiradas y respetadas en el mundo lírico y para este proyecto estuvo acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre​. Ambos artistas trabajaron estrechamente para la selección final de las obras y la recuperación histórica de la música de Moreau.

Sin embargo, también es el álbum más íntimo de la carrera de Bayo, quien actualmente se encuentra en un período de madurez, con una vasta experiencia interpretativa y un excepcional dominio de la técnica. En este nuevo disco se incluyen siete canciones del compositor Georges Bizet​, interpretadas por la soprano, experta en el repertorio francés. Además de la música inédita de Max Moreau​, pintor belga que vivió durante tres décadas en la ciudad de Granada, fue ahí donde creó una gran cantidad de obras, incluida una colección de poemas líricos. Se aprecian seis canciones por primera vez grabadas.

De Ernesto Lecuona​, uno de los compositores cubanos más reconocido alrededor del mundo, se incluyen las canciones de Balada, Canción del amor triste, Señor Jardinero, La señora luna ​y ​Si yo fuera hombre. También se interpretan las obras de Carlos Guastavino -uno de los exponentes del nacionalismo musical argentino-, como la canción Se equivocó la paloma inspirada en el poema de Rafael Alberti.

María Bayo inaugura la temporada 2020/21 del Teatro de la Zarzuela, el próximo domingo 27 de septiembre, a las 18.00 horas​, con un programa titulado Ecos Barrocos con el conjunto Vespres d’Arnadì, bajo la dirección musical de Daniel Espasa y la puesta en escena de Pedro Chamizo.

TRACKLIST
Georges Bizet (1838-1835)
1 Chanson d’Avril.
2 Vieille chanson.
3 Coccinelle.
4 Ma vie a son secret.
5 Adieu.
6 Ouvre ton coeur.
7 Guitare.
Max Moreau (1902-1992)
8 Sérénade.
9 Les hirondelles.
10 Tristesse.
11 Chansons orientales.
12 Palais andalou.
13 Bateau.
Ernesto Lecuona (1895-1930)
14 Balada.
15 Canción del amor triste.
16 Señor Jardinero.
17 La señora luna.
18 Si yo fuera hombre
Carlos Guastavino (1912-2000)
19 La siesta.
20 Violetas.
21 Piececitos.
22 Se equivocó la paloma.

http://mariabayo.com/

Fotografía: David Ruano

Doña Francisquita

La producción del Teatro de la Zarzuela ‘Doña Francisquita’ dirigida y adaptada por Lluís Pasqual, ha sido galardonada hoy con el Premio Max de las Artes Escénicas al mejor espectáculo Musical o Lírico, en la XXIII edición del certamen promovido por la Fundación SGAE que se ha celebrado en el Teatro Cervantes de Málaga.

Este montaje de la obra de Amadeo Vives, considerada como una de las partituras más brillantes de nuestro patrimonio musical, fue estrenado en el coliseo de la plazuela de Jovellanos en mayo de 2019 y coproducido con el Gran Teatre del Liceu y la Opera de Lausanne. El libreto, de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, está inspirado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega y ha sido adaptado para esta versión por el propio Pasqual.

El director de escena afirma que la zarzuela es en sí un episodio alegre: el público acude al teatro con buen humor, y por lo general abandona la sala con una generosa sonrisa. De ahí que su propuesta tenga como principio y finalidad ungir cada detalle de ese espíritu de alegría y emociones felices, dejando también, como es habitual en sus trabajos, un espacio para la reflexión útil.

En su estreno de Madrid, el Maestro Óliver Díaz se encargó de la dirección Musical al frente a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro). El reparto, que compartió la escena con el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, contó con dos colaboraciones especiales de altura: la de la inmensa maestra de las castañuelas Lucero Tena y la del actor Gonzalo de Castro. Los elencos estuvieron integrados, en su mayoría, por voces habituales en los más importantes recintos líricos como las sopranos Sabina Puértolas y Sonia de Munck, los tenores Ismael Jordi y José Luis Sola, las mezzosopranos Ana Ibarra y María Rodríguez, los tenores Vicenç Esteve y Jorge Rodríguez-Norton, la mezzosoprano María José Suárez o los barítonos Santos Ariño y Antonio Torres. También participaban 12 bailarines y 12 actores, completando el elenco de esta comedia lírica en tres actos y amor a cinco bandas.

La escenografía y el vestuario están firmados por Alejandro Andújar, la iluminación por Pascal Mérat, la coreografía es de Nuria Castejón y el diseño audiovisual de Celeste Carrasco. Asimismo, en las funciones intervino la Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil».

Quienes aún no hayan podido disfrutar de esta ‘Doña Francisquita’, tienen la ocasión de hacerlo en las cuentas de YouTube y Facebook del Teatro.

Un gran Clásico

Que ‘Doña Francisquita’ es uno de nuestros grandes clásicos de la lírica no hay quien lo ponga en duda. A punto de cumplir cien años (lo hará en 2023), hasta la fecha se han visto grandes producciones en el escenario del Teatro de la Zarzuela donde llegó por vez primera en 1924, con la misma producción del estreno de cuatro meses antes en el vecino Teatro Apolo, firmada por Manuel Fontanals, y casi con idéntico reparto. Desde entonces, la obra de Amadeo Vives se ha representado en numerosas ocasiones en este recinto.

En 1934, ‘Doña Francisquita’ se había transformado ya en una comédie lyrique en trois actes en el escenario de la Ópera de Montecarlo, y poco después en una opérette à grand spectacle en el del Teatro Real de la Moneda de Bruselas, para en 1954 pasar a ser un Spiel aus Spanien en la Volksoper de Viena. ¡La internacional Francisquita!

Esa fue precisamente la razón por la que en 1956 fue el título seleccionado para la gala de reinauguración de la sala del Teatro de la Zarzuela con dirección de escena de José Tamayo. En 1972 volvería a subir a estas tablas nuevamente de la mano de Tamayo, aunque con una nueva propuesta escénica dirigida al público de Madrid. Pero 1985 fue realmente un año excepcional para ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela: la versión escénica de José Luis Alonso viajó a las ciudades belgas de Amberes y Gante —en el marco del Festival Cultural Europalia 85: España— y volvió a este mismo escenario de la plazuela de Jovellanos con el Ballet Nacional de España que la estrenó como un espectáculo de danza, con música de Vives, arreglos de Antón García Abril y coreografía de Alberto Lorca.

En 1998 ‘Doña Francisquita’ estuvo en Buenos Aires y Washington DC con una nueva y espectacular coproducción del Teatro de la Zarzuela dirigida por Emilio Sagi. Y en 2019 volvió a Madrid con esta nueva propuesta escénica dirigida por Lluís Pasqual, que luego viajó con éxito a Barcelona y Lausanne, coproductores del montaje.

Cine y Filmoteca Española

El Teatro de la Zarzuela y la Filmoteca Española firmaron con ocasión de esta producción un convenio de colaboración para la restauración de la película ‘Doña Francisquita’ de Hans Behrendt (1934). Es la primera vez que ambas instituciones se unen para abordar un proyecto conjunto de recuperación de patrimonio cultural español, en este caso cinematográfico y musical. Algunos de los fragmentos de dicho largometraje forman parte de la producción premiada hoy.

En 1992 la Filmoteca Española encontró en el fondo de la Cinémathèque Française de París un negativo de imagen y sonido de una película hasta el momento desaparecida; se trataba de Doña Francisquita (1934), del director alemán Hans Behrendt, producida por la compañía Ibérica Films en los Estudios CEA de Madrid. En 1993 se logra, como intercambio entre ambos organismos, que se enviara la copia a Madrid para su restauración. Primero se restauró físicamente y luego, entre 1995 y 1996, se realizaron nuevos trabajos con el Laboratorio Polisitem de Barcelona: el duplicado del negativo de imagen, el negativo de sonido y una copia estándar. Y en 2018 el Teatro de la Zarzuela colabora con la Filmoteca Española en el tiraje de una nueva copia digital.

La película, rodada íntegramente en Madrid en el año 34 con Raquel Rodrigo (Francisquita), Fernando Cortés (Fernando), Matilde Vázquez (Aurora) y Antonio Palacios (Cardona) en el reparto, es un importante ejemplo del cine sonoro del periodo republicano en España. El promotor del proyecto original fue el hijo de Amadeo Vives, José Vives Giner, quien ejerció de supervisor artístico de esta adaptación de la popular zarzuela.

Para su segunda versión cinematográfica ‘Doña Francisquita’ se vestirá de colores y fantasía —con el nuevo Cinefotocolor— de la mano de otro director exiliado, el húngaro Ladislao Vajda, en 1952. El reparto está formado por Mirtha Legrand (Francisquita), Armando Calvo (Fernando), Emma Penella (Aurora) y Antonio Casal (Cardona). En esta ocasión la película llegará hasta las pantallas del Festival de Cannes como Mascarade d’Amour en 1953.

https://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Fotografía: Javier del Real

Teatro de la Zarzuela

De espectáculos comprendidos entre el 27 de septiembre y el 30 de diciembre

En este periodo no se podrán renovar los abonos, ya que el aforo se verá reducido al 75%

La venta de entradas para la Temporada 2020/2021 del Teatro de la Zarzuela comenzará a las 12h00 de mañana martes, 21 de julio, a través de los canales habituales de venta: Internet (entradasinaem.es), taquilla y venta telefónica (902 224 949).

Por la prudencia que se ha de tener ante los posibles cambios que la crisis sanitaria pueda ocasionar, en principio solo saldrán a la venta los espectáculos comprendidos entre el 27 de septiembre y el 30 de diciembre.

En este primer periodo de venta no será posible la renovación de abonos, debido a que el aforo se verá reducido al 75% en cumplimiento de la normativa de la Comunidad de Madrid.

La prioridad del Teatro es garantizar la seguridad del público y de los artistas. Por ello, además de la reducción del aforo será obligatorio el uso de mascarilla dentro del edificio y durante las representaciones.

Teatro de la Zarzuela

El deseo del Teatro es que esta nueva temporada sea un ansiado reencuentro: un gran abrazo colectivo del público con los artistas.

Se presentarán 9 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico, 5 producciones de gran repertorio y 6 nuevas producciones

Se ofrecerán 173 funciones, un 50% más desde la llegada de Daniel Bianco a la dirección

Se han reprogramado todos los espectáculos cancelados por la pandemia

  • Una de las líneas maestras de la programación es la figura de la mujer en la música española, dedicando íntegramente a las compositoras españolas el ciclo Domingos de Cámara Mujeres con Ñ, el recital de “Notas del Ambigú” Zarzuela en femenino y el concierto de Mujeres de Música, de Sole Giménez
  • El afianzado Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– volverá a ser una de las joyas de la temporada, y los proyectos didácticos suponen ya más del 20% de la programación
  • El ciclo de Conciertos incrementa su oferta con 13 propuestas de algunas de las más destacadas voces e instrumentistas de la lírica, el flamenco, el pop o la música popular
  • Los recitales del ciclo ‘Notas del ambigú’, que continúa vendiendo todas las entradas, ofrece 12 recitales, uno más que en la pasada temporada y más del doble que en su primera edición
  • Volverán, asimismo, el Teatro Musical de Cámara en coproducción con la Fundación Juan March y el ciclo de Lied, coproducido con el CNDM
  • Se mantienen los precios populares (4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto.

 

 

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2020/2021 cuyas 173 funciones suponen un aumento del 50% desde que Daniel Bianco recalara en el coliseo de la madrileña calle Jovellanos en 2015. Respecto a la nueva realidad que irremediablemente se deriva de la crisis sanitaria, el director del Teatro es optimista, confía en el futuro y asegura que “sí, son tiempos muy difíciles, pero aquí estamos para presentar una temporada que los haga más luminosos”. Una temporada que, según sus palabras, “pretende ser un gran abrazo que nos ofrezca ese calor en el corazón que enciende siempre la música española”.

Y pese al optimismo, el gestor no deja de ser cauto, porque así lo imponen las complejas circunstancias que debemos afrontar: “Más allá de nuestra ilusión y nuestro deseo, hemos escogido el camino de la prudencia, que es mejor consejera que la prisa”. En este sentido, recalca que sinceramente cree que “afrontar un futuro con optimismo, ilusión y prudencia allana el camino y disipa de alguna manera sus dificultades por grandes que sean.”

Bianco, que se ha mostrado siempre defensor a ultranza del teatro público, sostiene que, como tal, “esta es nuestra primera responsabilidad y nuestro compromiso prioritario: que la prudencia sea la que abra el Teatro el día 1 de octubre con el inicio de esta nueva temporada, garantizando así el estricto cumplimiento de todas las recomendaciones y normas que nos protegen del coronavirus.” Y es categórico al insistir que “debemos tener todas las garantías no solo de poder ofrecer espectáculos de la mayor excelencia, sino también la protección a nuestros artistas, a nuestros trabajadores y a nuestro público ante cualquier riesgo”.

Espectáculos reprogramados

Otra de las grandes preocupaciones del director de La Zarzuela es recuperar todos aquellos espectáculos que no han podido celebrarse por culpa de la pandemia. Por ello, desde el teatro de la zarzuela, “con el fin de paliar el enorme impacto de este parón obligatorio”, y siguiendo las directrices del INAEM y de su directora general, Amaya de Miguel, se han reprogramado todos los espectáculos cancelados. Algunos se podrán disfrutar en la temporada presentada hoy, y otros se retomarán en futuras temporadas ya comprometidas.

“El objetivo es proteger a nuestros artistas y ofrecerles un horizonte de esperanza porque nadie puede quedarse atrás”, explica Daniel Bianco, quien añade que “estamos muy felices de haberlo conseguido, y todo gracias a que somos un teatro público.”

Teatro online

En referencia a la intensa actividad online del mundo de la cultura en general y de los teatros en particular, dice que “este terrible virus ha atacado en su esencia misma el hecho teatral. Ha herido su raíz, su razón de ser”, y en consecuencia, opina, “el teatro ha buscado un recurso, una grieta para abrirse paso mediante las retransmisiones online”. Según su opinión, “es de agradecer esta posibilidad que nos brinda la tecnología, pero el teatro es mucho más, es un acto irrepetible, es ese momento fugaz en el que la vida del artista se conjuga con la del público. La música y la escena –prosigue– sólo florecen con el contacto humano y su milagro se hace presente cuando público y artistas comparten un mismo ritmo, un mismo canto, un mismo sueño y una misma respiración.”

Y eso que los números registrados en las redes sociales del Teatro de la Zarzuela en el periodo de confinamiento no son nada desdeñables: en Facebook se ha producido un crecimiento del 17,85% en el número de seguidores con un total de 1.800.000 impresiones y 485.883 reproducciones de vídeo. En Twitter la subida ha sido del 8,87% y el alcance de 784.500 impresiones; en YouTube las impresiones han sido 965.440 y la subida de suscriptores del 110% (el consumo principal del canal fueron las zarzuelas completas disponibles, así como conciertos retransmitidos en directo con anterioridad). Por último, a través de Instagram el Teatro ha alcanzado a 422.870 usuarios.

La Temporada

La Temporada 2020/2021, cuyo primer título lírico se presentará el 1 de octubre y se extenderá hasta el 18 de julio, presenta 9 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico –‘Marianela’, ‘Las calatravas’, ‘Benamor’ e ‘I Tre Gobbi’–, 5 producciones de gran repertorio –‘La tempranica’, ‘La vida breve’, ‘La del manojo de rosas’, ‘Luisa Fernanda’ y ‘El rey que rabió’y 6 nuevas producciones –‘La tempranica’, ‘Luisa Fernanda’, ‘Amores en Zarza’, ‘Benamor’, ‘El rey que rabió’ e ‘I Tre Gobbi’–.

Asimismo, crecen tanto el ciclo de conciertos (con 13 propuestas) como el de Notas del Ambigú (con 12 recitales) y se consolida el ciclo Domingos de Cámara protagonizado por músicos de la orquesta Titular del Teatro, ORCAM. De igual manera, continúan las colaboraciones ya veteranas con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el ciclo de Lied, y con la Fundación Juan March en el ciclo de Teatro Musical de Cámara.

En cuanto a las entradas, se mantienen los precios populares (de 4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto. Daniel Bianco manifiesta al respecto que esta es una de las funciones esenciales de un teatro público: ser “verdaderamente” el teatro de todos. Mantener esta escala de precios ”supone un enorme esfuerzo, un sacrificio que es absolutamente necesario”, indica.

LÍRICA

Comenzará la temporada con 14 funciones del espectáculo ‘Granada’, que reúne y aúna dos títulos especialmente representativos de nuestra lírica: Por un lado ‘La tempranica’, zarzuela en un acto de Gerónimo Giménez en una nueva producción del Teatro de la Zarzuela, y por otro, ese drama lírico que es ‘La Vida Breve’ de Manuel de Falla en una producción del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia. Los dos títulos tienen mucho en común: Una historia de amor, Granada como paisaje y que ‘La vida breve’ se miró en el espejo de ‘La tempranica’ por la admiración que Falla profesaba a Giménez. El texto del dramaturgo Alberto Conejero cuenta la historia de La Tempranica a través de tres encuentros imaginarios de los dos compositores a lo largo de sus vidas. Ambas propuestas escénicas están firmadas por Giancarlo del Monaco, y contarán con Miguel Ángel Gómez-Martínez en la dirección musical, escenografía de William Orlandi, vestuario de Jesús Ruiz y unos elencos encabezados por Nancy Fabiola Herrera, Ainhoa Arteta, Ana Ibarra, Virginia Tola, Rubén Amoretti, Javier Franco, Jorge de León o Francesco Pio Galasso; ‘Granada’ estará en cartel del 1 al 18 de octubre.

Tras este singular inicio, será el turno para la reposición de uno de los montajes más exitosos de la historia contemporánea del Teatro de la plazuela de Jovellanos: la producción de ‘La del manojo de Rosas’ ideada por Emilio Sagi en 1990, que supuso (entre otras muchas alegrías) el debut estelar y el descubrimiento de ese cantante único que es Carlos Álvarez. Para conmemorar los 30 años transcurridos desde entonces, el propio barítono malagueño encarnará al personaje de Joaquín en 6 de las 12 funciones del incontestable sainete lírico de Pablo Sorozábal, programadas del 10 al 22 de noviembre; con el director musical del Teatro, Guillermo García Calvo en el podio del foso, el reparto, además de con arlos Álvarez, contará entre otros con Ruth Iniesta, Raquel Lojendio, Gabriel Bermúdez, Vicenç Esteve, Enrique Baquerizo o Ángel Ruiz. La escenografía es de Gerardo Trotti y el vestuario de Pepa Ojanguren.

Los días 27 y 29 de noviembre el público podrá disfrutar de ‘Marianela’, la ópera en tres actos de Jaime Pahissa estrenada en el Gran Teatre del Liceu en 1923, cuyo libreto es una adaptación de la obra teatral escrita por Serafín y Joaquín Álvarez Quintero basada en la célebre novela del mismo nombre de Benito Pérez Galdós, precisamente en este año en que se celebra el centenario de la muerte del literato canario y universal acaecida en Madrid cuando contaba 76 años. El aficionado de hoy se enfrentará por vez primera a este más que interesante título que, como tantos otros, cayó en el más injusto de los olvidos y que se presenta en versión de concierto. Jaime Pahissa, pertenece a esa generación de músicos que, a pesar de su calidad, han quedado prácticamente olvidados. Como tantos otros, tuvo que abandonar España durante la Guerra Civil, y en su caso el destino fue Argentina. Óliver Díaz asumirá la dirección musical, y el reparto estará integrado por Adriana González, Paola Leguizamón, Alejandro Roy, Luis Cansino, Simón Orfila, Luis Méndez Silvagnoli y María José Suárez.

A continuación, el escenario revivirá el Madrid de mediados del siglo XIX (también aquella Extremadura que cierra la historia) para acoger las idas y venidas de una de las obras maestras indiscutibles de nuestra lírica: ‘Luisa Fernanda’ de Federico Moreno Torroba, con libreto de una de las parejas más prolíficas, exitosas e ilustradas del género, como son Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Programada en un principio para la Temporada 2019/2020, finalmente tuvo que ser pospuesta debido a la crisis sanitaria. El estreno de esta nueva producción promete ser todo un acontecimiento, y más si se tiene en cuenta que el Teatro de la Zarzuela y esta obra han estado estrechamente unidos desde 1934, dos años después de su estreno en el Teatro Calderón de Madrid. Dirigida musicalmente por Karel Mark Chichon y David Gómez-Ramírez, otro de los muchos atractivos de este proyecto es la visión que de esta obra tan popular como amada regalará el director de escena turinés Davide Livermore. La escenografía es de Giò Forma y el vestuario de Mariana Fracasso. Yolanda Auyanet, Maite Alberola, Jorge de León, Alejandro del Cerro, Juan Jesús Rodríguez, Javier Franco, Rocío Ignacio o Leonor Bonilla son algunas de las voces que conforman un doble reparto de absolutas campanillas. Las 14 funciones programadas irán del 28 de enero al 14 de febrero.

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dicen bien claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Por ello, como ya ocurriera en la anterior temporada, se recuperará un segundo título en versión de concierto. En esta nueva ocasión será ‘Las calatravas’, comedia lírica en tres actos de Pablo Luna. Estará dirigida en lo musical por Guillermo García Calvo, con un reparto integrado por Miren Urbieta-Vega, Lola Casariego, Lucía Tavira, David Menéndez, Andeka Gorrotxategi o Carlos Cosías y con el joven dramaturgo y actor Paco Gámez adaptando el libreto de Federico Romero y José Tellaeche en forma de narración. Se ofrecerán dos pases, el 12 y el 14 de marzo.

Será motivo de celebración la oportunidad de ver y escuchar ‘Benamor’. La recuperación de esta opereta en tres actos de Pablo Luna (cuya música magistral es una de las protagonistas indiscutibles de la temporada), completa la que se conoce como “trilogía oriental” junto a ‘El asombro de Damasco’ y ‘El niño judío’. Con libreto de Antonio Paso y Ricardo González del Toro, en esta ocasión en versión de Enrique Viana que también asume la dirección de escena, la obra que se estrenó en el mismo Teatro de la Zarzuela hace ahora 97 años tendrá entre los muchos valores de esta nueva producción la batuta de José Miguel Pérez-Sierra, la escenografía de Daniel Bianco, el vestuario de Gabriela Salaverri o la coreografía de Nuria Castejón, además de un luminoso doble reparto con Vanessa Goikoetxea, Susana Cordón, Carol García, Cristina Faus, Damián del Castillo, César San Marín, Gerardo Bullón, Irene Palazón, Amelia Font, Gerardo López, Francisco Javier Sánchez, Emilio Sánchez y el propio Enrique Viana. Serán diez funciones del 14 al 25 de abril.

Si hay que destacar a los mejores y más influyentes compositores del género de la zarzuela, en todas las listas sin excepción aparecerá entre neones el nombre de Ruperto Chapí. El escenario del Teatro de la Zarzuela volverá a acoger una nueva producción de ‘El rey que rabió’ 130 años después de su estreno en estas mismas tablas. La emoción está servida, puro Chapí (ese monstruo dominador a partes iguales de lo teatral y lo musical hasta el punto de convertir sus creaciones en un explosivo todo escénico) y un satírico libreto de Miguel Ramos Carrión y Vital Aza con alusiones veladas y no tanto a la España del momento, que expone las razones de por qué el público de zarzuela tan a menudo abandona la sala con una luminosa sonrisa. Será duro esperar todo un año para tener la oportunidad de disfrutar de los sobrados encantos de este título, y más si el equipo artístico lo integran nombres como el del maestro Iván López Reynoso –quien hace varias temporadas dirigió en este Teatro el concierto de Zarzuela de Javier Camarena–, Bárbara Lluch, la directora de escena que hizo posible el milagro operístico de ‘La casa de Bernarda Alba’ –con música y dirección de Miquel Ortega y ganadora del Premio Ópera XXI a la mejor producción de ópera de la temporada 2018/2019–, el del escenógrafo Juan Guillermo Nova, el de la figurinista Clara Peluffo o el del maestro de maestros iluminadores Vinicio Cheli. El doble reparto tampoco tiene desperdicio: Enrique Ferrer, Jorge Rodríguez-Norton, Rocío Ignacio, Sofía Esparza, María José Suárez, Carlos Chausson, Miguel Sola, José Manuel Zapara, Carlos Cosías, Igor Peral o José Julián Frontal. Serán 14 funciones del 3 al 20 de junio.

Con la presentación de estos 8 títulos el teatro seguirá siendo ejemplo único en la conservación, difusión y exhibición de nuestra lírica, tan fecunda como heterogénea.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus cuatro primeras temporadas (esta última irremediablemente mermada por la pandemia), el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal incrementa su oferta, y propone 13 conciertos con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Entre las propuestas, se incluyen los conciertos que en el presente curso no han podido celebrarse debido a la crisis sanitaria: este es precisamente el caso del de María Bayo. ‘Ecos barrocos’, en el que la siempre sorprendente y carismática soprano navarra presentará un programa que va desde José de Nebra, Sebastián Durón o Emanuele Ricón de Astorga, hasta Alessandro Scarlatti, Antonio Lotti, Händel o Vivaldi, acompañada por la orquesta barroca Vespres D’Arnadì (27 de septiembre); Celso Albelo, tenor de agudos conmovedores y admirable proyección, en este concierto el público podrá descubrir, además, una de sus facetas más desconocidas. Y es que este tinerfeño de nacimiento y convencimiento, alternará un programa de inmortales romanzas de zarzuela con canciones tradicionales de su venerada tierra (5 de octubre); la cantante Sole Giménez presenta ‘Mujeres de Música’, proyecto que reúne grandes canciones compuestas y escritas por mujeres con la intención de visibilizar el trabajo de la mujer en el mundo de la música (6 de octubre); el tenor Ismael Jordi, uno de nuestros cantantes más internacionales, invitado en las casas de ópera más importantes de Europa, celebrará con este concierto sus 20 años de carrera haciendo un repaso por alguno de los grandes títulos de nuestro patrimonio lírico y estará acompañado al piano por Rubén Fernández Aguirre (28 de noviembre); Rodrigo Cuevas es uno de los artistas de mayor impacto en los últimos años en el ámbito de la música popular que, con su rompedor y vanguardista concepto del folclore, combina lo popular de ayer y de hoy, lo rural y lo urbano. En esta ocasión, su espectáculo ‘Barbián’ cambiará el folclore por la zarzuela (30 de noviembre); el tradicional Concierto de Navidad, con el Maestro Víctor Pablo Pérez como director musical, a quien acompañarán la soprano Yolanda Auyanet y la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera (30 de diciembre); Amancio Prada. ‘Voces y huellas’, un recital antológico que muestra el amplio y variado horizonte de la poesía española de todos los tiempos. Encuentro y revelación de las huellas y voces que laten en su propio canto y que según el intérprete han trenzado el hilo de su vida de artista (2 de febrero); En ‘Navarra es música’, la soprano Sabina Puértolas, la mezzosoprano Maite Beaumont y el tenor José Luis Sola, acompañados por el pianista Rubén Fernández Aguirre, conducirán al público por un intenso y profundo viaje a través de la música de esa prolífica tierra (13 de marzo); Saioa Hernández y Francesco Pio Galasso, acompañados por el pianista Vincenzo Scalera: la soprano bautizada por su maestra Montserra Caballé como “la diva del siglo XXI”, vuelve junto con el tenor italiano al Teatro de la Zarzuela después de su debut en este escenario con ‘El Gato Montés’ en 2012 y del éxito rotundo de ‘Curro Vargas’ en 2014, y lo hace después de haberse labrado una trayectoria internacional de gran altura encarnando a las primeras figuras de la ópera en los teatros más relevantes del mundo (28 de marzo); Argentina. ‘La vida del artista’: desde su concepción del flamenco y las posibilidades que este arte permite, desde la alegría hasta la melancolía, pasando por otros estados de infinita profundidad, Argentina reivindica el arte y al artista de verdad en una época dura. En este proyecto hermana el flamenco, la canción, el fado, el tango, el teatro, la pintura, la literatura, la música clásica y en este concierto, además, también la zarzuela (20 de abril); Sonya Yoncheva, con dirección musical de Miquel Ortega: la soprano búlgara, una de las voces más aclamadas actualmente por la crítica internacional y el público de los más célebres escenarios de ópera del mundo, ha desarrollado un intrépido y exitoso itinerario artístico encarnando los principales y más arriesgados personajes de ópera, del Barroco al Verismo. Con este concierto, Yoncheva debuta en este teatro, único en el mundo, y suma la Zarzuela Grande a su exquisito repertorio poniendo así de relieve la creciente atracción y reconocimiento que nuestro género lírico suscita fuera de nuestras fronteras (29 de abril); Joaquín Achúcarro: el pianista universal celebra en el Teatro de la Zarzuela los 75 años de carrera transcurridos desde su debut como concertista siendo tan solo un niño de 13 años (8 de mayo); Lucero Tena y Xavier de Maistre: dos maestros se unen en este concierto para deleitarnos con algunas de las más hermosas perlas de la música española. Con el tañido apasionado y bizarro de las castañuelas, en irresistible conversación con el dulce y evocador sonido del arpa (23 de mayo).

Desde su creación, hace ya cuatro temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’. Esa es una de las razones por las que en la próxima temporada siga ofreciendo más del doble de recitales que al inicio del ciclo: en esta ocasión los protagonistas serán el guitarrista Ricardo Gallén con ‘Guitarra romántica’ (12 de octubre), la soprano Raquel Lojendio y el pianista Rubén Fernández Aguirre que rinden homenaje a Lorenzo Palomo, uno de nuestros más internacionales compositores (20 de octubre), el conjunto barroco La Ritirata dirigido por el violonchelista Josetxu Obregón con ‘Il Spiritillo Brando’ (1 de noviembre), el Trío Arbós con la tercera entrega de ‘Música de cámara’ (9 de noviembre), la violinista y violista Cecilia Bercovich, el pianista y bandoneonista Claudio Constantini y el violonchelista y guitarrista Sergio Menem, que ofrecen un concierto dedicado a la música palpitante e imperecedera del maestro José Padilla (24 de noviembre), la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajean a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias que la música profana y sacra ejercieron entre sí en tiempos en que las representaciones teatrales, que antes quedaban adscritas al ámbito litúrgico, comenzaban a tomar un carácter más profano para, poco a poco, salir ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer. El Teatro de la Zarzuela quiere dar así visibilidad a las mujeres que, a pesar de las dificultades para hacerlo y la ingratitud del olvido, se dedicaron a la composición de

zarzuelas y música española (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas representativas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra. Se trata de las lamentaciones del Profeta Jeremías compuestas por el prolífico maestro de capilla de la Catedral de Valencia, Pasqual Fuentes i Alcàsser (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, homenajeará a aquellos artistas, músicos y letristas que, desde el otro lado del Atlántico, lo sedujeron e inspiraron formando parte de su vida y de su bagaje artístico en ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

El CICLO DOMINGOS DE CÁMARA: MUJERES CON Ñ con solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, orquesta Titular del Teatro, y dedicado exclusivamente a la música española, irrumpe con fuerza y personalidad en su segunda temporada. El ciclo está dedicado en esta ocasión a música compuesta por mujeres. Para el Teatro de la Zarzuela es importante dar visibilidad a las mujeres compositoras que rara vez obtuvieron el merecido reconocimiento por su labor musical y cuyas obras han permanecido en la ingratitud del olvido. Con ello el Teatro quiere poner en valor a algunas de nuestras compositoras de los siglos XX y XXI como María Rodrigo, María Teresa Prieto, Pilar Jurado, Teresa Catalán, Zulema de la Cruz, Marisa Manchado, Rosa Alarcó o Diana Pérez Custodio entre muchas otras. Las cinco citas de esta edición serán: ‘Miradas cruzadas’ (18 de octubre), ‘Imágenes contemporáneas’ (15 de noviembre), ‘Navidad con Ñ’ (20 de diciembre), ‘Modernas y clásicas’ (14 de marzo) y ‘Hacer las Américas’ (6 de junio). Como el Teatro entiende que esta reparación no solo debe centrarse en la historia, sino también en el hoy, el ciclo acogerá cuatro estrenos absolutos de alumnas del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid: Laura de las Heras, Miriam Sanz Ortega, Amanda Garrido y Sofía Sainz.

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará su XXVII edición con 10 recitales: El barítono Florian Boesch (28 de septiembre), la soprano Juliane Banse (13 de octubre), la soprano Sabine Devieilhe (16 de noviembre), el tenor Matthew Polenzani (14 de diciembre), el barítono Florian Boesch (25 de enero) el barítono Christian Gerhaher (8 de febrero), el contratenor Bejun Mehta (15 de marzo), el tenor Christoph Prégardien (12 de abril), la soprano Núria Rial (17 de mayo) y de nuevo el barírono Florian Boesch (14 de junio), completan la propuesta de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a la formación y la información para ese amplio público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que, a su vez, deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que más del 20% de la programación del Teatro esté dedicada al público joven, y hasta tal punto la respuesta es positiva que la edad media de los espectadores del Teatro se ha reducido en las cuatro últimas temporadas en diez años: de 69 a 59 años.

En la nueva Temporada se ofrecerá un total de 36 funciones entre los tres espectáculos que conforman el proyecto didáctico.

El PROYECTO ZARZA, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone un éxito rotundo cada temporada. Desde que se iniciara hace ya cuatro, han ocupado las butacas del Teatro 26.000 espectadores de entre 12 y 18 años, que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’ y ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’, y otros 90.000 que pudieron verlos por ‘streaming’. Como no podía ser de otra forma, en la Temporada 2020/2021 el proyecto vuelve con fuerza y renovado: En él se presentará la nueva producción del Teatro ‘Amores en Zarza’, con música de Pablo Sorozábal, Gerónimo Giménez, Federico Chueca, Ruperto Chapí o José Serrano, entre otros grandes compositores de nuestro género. El texto será del novelista y dramaturgo Nando López, que en la presente temporada firmaba la versión de ‘Agua, Azucarillos y aguardiente’. Con dirección de escena de Rita Cosentino, musical de Miquel Ortega, escenografía y vestuario de Elisa Sanz, iluminación de Juanjo Llorens y coreografía de Nuria Castejón, el reparto estará formado, tal como ocurriera con los anteriores títulos, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañado por un conjunto musical de cámara. Las 13 funciones, cuatro de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 26 de febrero al 5 de marzo de 2021.

En la Temporada 2020/2021 se presentará, asimismo, un espectáculo didáctico participativo “intergeneracional e interactivo” que bajo el título ‘De la Z a la A’ se ha ideado para acercar la Zarzuela a un público poco habituado al género, desde la conexión entre la memoria musical de los abuelos y los lenguajes y estéticas audiovisuales de los nietos. Esta producción de Diabolus in Música es un espectáculo en el que cada función será única, diferente a cualquier otra por su carácter participativo, en el que la implicación e interacción del público determinará su desarrollo.

Y los proyectos didácticos vuelven a destacar un año más porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por cuarto año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’ y el éxito arrollador de ‘La increíble historia de Juan Latino’, volverá a nuestro Ambigú el teatro de títeres con música en directo. La propuesta será la reposición de este último título, coproducido por el Teatro y la Compañía Claroscvro, después de los 1.800 niños de entre 6 y 10 años que el pasado mes de enero llenaron día tras día sus 18 funciones. En esta ocasión serán otras 18 funciones (cuatro de ellas abiertas al público) del 9 al 19 de enero de 2021.

También enmarcado en los proyectos didácticos, el director de escena José Carlos Plaza, cuyo nombre, sinónimo de teatro con mayúsculas, es tan importante para este Teatro de la Zarzuela, ofrecerá clases magistrales a esa generación de cantantes españoles que necesita un Maestro de la escena para completar su formación. Del 6 al 13 de octubre de 2020. La última sesión se realizará abierta al público en la sala principal del Teatro.

DANZA

En la temporada próxima la danza será protagonista a través de las dos compañías nacionales: La Compañía Nacional de Danza presentará una nueva producción de ‘Giselle’ coreografiada y dirigida por su director artístico Joaquín de Luz a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli sobre la música de Adolphe-Charles Adam. Contará con la dirección musical de Oliver Díaz, dramaturgia de Borja Ortiz de Gondra, escenografía de Ana Garay, vestuario de Rosa García Andújar e iluminación y audiovisuales de Pedro Chamizo. Serán doce funciones del 9 al 22 de diciembre. Por su parte, el Ballet Nacional de España llega con el ESTRENO ABSOLUTO de ‘La bella Otero’, con música de Manuel Busto, Alejandro Cruz, Rubén Díaz y Agustín Diassera, coreografía y dirección de escena del director de la Compañía, Rubén Olmo, dirección musical del propio Manuel Busto, dramaturgia de Gregor Acuña-Pohl, escenografía de Eduardo Moreno, vestuario de Yaiza Pinillos e iluminación de Juan Gómez-Cornejo. Serán diez funciones del 7 al 18 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que prevalece cada año renovado de energía e intenciones es el dedicado al Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 10 al 18 de enero de 2021 se presentarán las siete funciones (tres de ellas escolares) de ‘I Tre Gobbi’ (‘Los tres jorobados’) de Manuel García, con libreto del propio músico sevillano del siglo XVIII basado en el intermedio de Carlo Goldoni. Se trata de una nueva coproducción entre ambas instituciones, que vuelve a demostrar que la suma de esfuerzos permite llegar más lejos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Rubén Fernández Aguirre, uno de los más destacados expertos en la obra de Manuel García, que también interpretará la música al piano. La dirección de escena es de José Luis Arellano, la escenografía de este y Pablo Menor, el vestuario de Ikerne Giménez y el reparto lo componen Serena Sáenz, David Alegret, David Oller y Javier Povedano. Como es habitual, las representaciones serán en la Fundación Juan March.

INAEM

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) prepara “Volvemos a los escenarios”, una programación extraordinaria y sin público, que se emitirá en streaming desde los recintos del organismo para celebrar la vuelta de los colectivos artísticos a estos espacios y despedir así la temporada de abono 2019/2020. La iniciativa, que arrancará el próximo 20 de junio con la celebración del Día Europeo de la Música –efeméride que cada año se festeja coincidiendo con la llegada del solsticio de verano-, se compone de una serie de nuevas propuestas artísticas, formativas y pedagógicas en las que se utilizarán fórmulas escénicas siguiendo las medidas establecidas por las autoridades sanitarias.

Esta programación alternativa, que se detallará en los próximos días, se transmitirá a través de sus canales digitales, siguiendo con la campaña de fomento y difusión de recursos culturales en línea promovida por el Ministerio de Cultura y Deporte durante estos meses de confinamiento bajo el hashtag #laculturaentucasa.

“Volvemos a los escenarios” pretende mantener abierto un canal de creación para los profesionales de las artes escénicas y de la música que permita a su vez seguir en conexión con los espectadores, ofreciéndoles nuevos contenidos hasta que en septiembre se reabran al público los recintos escénicos del INAEM coincidiendo con el inicio de la temporada 20/21 y se produzca el reencuentro de artistas y aficionados.

Esta iniciativa nace asimismo como alternativa programática ante la imposibilidad de cumplir con las exigencias sanitarias en los formatos artísticos originalmente previstos. Por este motivo, el INAEM anuncia también la cancelación de las funciones y conciertos programados en todos sus recintos escénicos que quedaban pendientes de la temporada 19/20. Esta medida afecta a los espectáculos programados hasta el próximo mes de julio en el Auditorio Nacional de Música (OCNE, CNDM, JONDE), el Teatro de la Zarzuela (incluidas las actuaciones del Ballet Nacional de España), los teatros María Guerrero y Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional y el Teatro de la Comedia de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Las unidades de creación artística del INAEM reprogramarán de modo preferente en la próxima temporada aquellas propuestas que no se hayan podido realizar este año como consecuencia de la Covid-19 y del cierre de los espacios escénicos.

Por otra parte, el Museo Nacional del Teatro abrirá al público en la segunda quincena de junio.

Las unidades del INAEM en los festivales de verano
El reencuentro físico con el público de algunas de las unidades artísticas del INAEM se producirá durante los próximos meses con su participación en festivales de verano y en sus circuitos de colaboración habituales. Tal es el caso de la Orquesta Nacional de España, presente en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada; la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro; la Compañía Nacional de Danza, en los Veranos de la Villa de Madrid y el Centro Nacional de Difusión Musical en el Círculo de Bellas Artes. Asimismo, la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) tiene previsto un encuentro en pequeño formato para el mes de julio.

Política de devolución de entradas
La devolución de las entradas de aquí al final de temporada ya ha comenzado y se realizará de forma paulatina. Los importes de las localidades adquiridas a través de nuestro portal entradasinaem.es o de los teléfonos de venta 902 22 49 49 y 985 67 96 68 se devolverán en la tarjeta de compra de forma automática y progresiva a lo largo del mes de junio, sin esperar al día siguiente de la fecha del espectáculo como se venía haciendo hasta ahora para las compras realizadas por internet.

Por otra parte, para evitar los desplazamientos a nuestros recintos escénicos, el organismo ha diseñado un dispositivo de devolución telemática para las entradas adquiridas en nuestras taquillas. Las localidades abonadas con tarjeta y transferencia se reembolsarán progresivamente a partir de los meses de junio y julio. Las compradas en taquillas con efectivo podrán reclamarse por vía digital a través de un formulario que estará disponible en la web entradasinaem.es a partir del 15 de junio. Asimismo, se habilitará un apartado postal al que se podrá enviar una copia de las entradas junto al número de cuenta (IBAN bancario) y el nombre del titular de la misma. No obstante, a partir del 15 de julio se abrirán también las taquillas de nuestros espacios escénicos para quienes prefieran hacer estas devoluciones de forma presencial.

El plazo máximo para solicitar el reintegro de las entradas será el próximo 30 de noviembre de 2020.

FotografIa: Hugh Turvery oara CNDM

Entre bambalinas

Ante la prolongada situación de confinamiento, el Teatro de la Zarzuela ha potenciado su oferta y la actividad en sus redes sociales para mantener un contacto continuo con aficionados y artistas, y para contribuir a la difusión de cultura en estos tiempos en que se hace aún más necesaria. Bajo el nombre ‘Entre bambalinas en el Teatro de la Zarzuela’, a partir de mañana martes, 5 de mayo (19h00), el coliseo de la plazuela de Jovellanos iniciará una serie de encuentros entre su director, Daniel Bianco, y diferentes profesionales de la música y el teatro. El primer invitado a las bambalinas del histórico Teatro: el director de escena Emilio Sagi.

En esta primera semana también conversarán con Bianco la coreógrafa Nuria Castejón (miércoles 6), el barítono Luis Cansino (jueves 7) -reciente creador del Sindicato de Artistas Líricos ALE para la defensa del sector- y el director de orquesta Guillermo García Calvo (viernes 8), director musical del Teatro desde el pasado 1 de enero.

Entre los atractivos de la propuesta en redes del Teatro de la Zarzuela está la posibilidad de disfrutar en sus canales de YouTube y Facebook, en abierto y en alta definición, de las producciones estrenadas en el teatro desde junio de 2018. A esto se suman las decenas de títulos del Teatro incluidos en la Teatroteca del Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música (CDAEM).

Ambas instituciones pertenecen al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM, del Ministerio de Cultura, que bajo el hashtag #LaCulturaEnTuCasa promueve estos días la difusión de numerosas y muy diversas propuestas para su disfrute en los hogares.

Instagram @teatrodelazarzuela

YouTube https://www.youtube.com/playlist?list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-

Facebook https://m.facebook.com/TeatroZarzuela/?locale2=es_ES

Teatroteca http://teatroteca.teatro.es/opac/#indice

El Día Mundial del Teatro, tan esperado siempre por aficionados y profesionales de las artes escénicas, tiene este año que buscar nuevas fórmulas de celebración. Debemos permanecer ineludiblemente en casa, pero aun así, no deja de ser viernes. Este puede ser, por tanto, el día más apropiado para ponerse cómodos y darse el gusto de disfrutar de las producciones que el Teatro de la Zarzuela de Madrid ofrece en abierto a través de su canal de YouTube y de su cuenta de Facebook.

De la ‘Katiuska’ de Pablo Sorozábal con Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez o Jorge de León, a ‘La Casa de Bernarda Alba’ de Miquel Ortega, galardonada con el Premio Ópera XXI a la mejor producción de ópera de la temporada 2018/2019; de la exitosa ‘Cecilia Valdés’ de Gonzalo Roig, primera zarzuela cubana que se presenta en el coliseo de la plazuela de Jovellanos en sus 163 años de historia, a la unánimemente elogiada ‘El barberillo de Lavapiés’ de Barbieri con la deslumbrante puesta en escena del Premio Nacional Alfredo Sanzol, o al homenaje que un nutrido grupo de nuestros más celebrados cantantes rindieron a Montserrat Caballé para abrir la presente temporada. El día, sin duda, se hará mucho más llevadero.

Esta es la lista completa de títulos (que van de junio de 2018 a la actualidad) y sus enlaces:

– 24 HORAS MINTIENDO de Francisco Alonso (julio de 2018)

https://www.youtube.com/watch?v=QwL50X68YkQ&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=11&t=703s

– KATIUSKA de Pablo Sorozábal (octubre de 2018)

https://www.youtube.com/watch?v=uOybl5IJLa8&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=10&t=0s

– LA CASA DE BERNARDA ALBA de Miquel Ortega (noviembre de 2018)

https://www.youtube.com/watch?v=z0MWgv-CNcc&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=9&t=5249s

– EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO de Joaquín Gaztambide (febrero de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=FsjBueP1uyE&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=7&t=2509s

– LA VERBENA DE LA PALOMA de Tomás Bretón (marzo de 2019). Proyecto Zarza – Zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes

https://www.youtube.com/watch?v=VhwDGRh6NBQ&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=8&t=0s

– EL BARBERILLO DE LAVAPIÉS de Francisco Asenjo Barbieri (abril de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=9K-Jfx0HNfE&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=6&t=1272s

– DOÑA FRANCISQUITA de Amadeo Vives (mayo de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=MZ9hgW6mIL4&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=5&t=6712s

– HOMENAJE A MONTSERRAT CABALLE, Gala Lírica (septiembre de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=iDVjcKhJmMU&list=PLGLWpLsLZlD0DY_me_u3zPxXi5DD3eeZB&index=2&t=2741s

– EL CASERÍO de Jesús Guridi (octubre de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=Go_5nLTSLyY&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=3

– TRES SOMBREROS DE COPA de Ricardo Llorca (noviembre de 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=KJL2dERkd3M&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=2

– CECILIA VALDÉS de Gonzalo Roig (febrero de 2020)

https://www.youtube.com/watch?v=QYRARfeHTH0&list=PLGLWpLsLZlD3yQMXSUlr1j-8vWrBzctc-&index=1

– AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE de Federico Chueca (marzo de 2020). Proyecto Zarza – Zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes

https://www.youtube.com/watch?v=OqArGDPoswE&t=2564s

El Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela nació hace ahora cuatro temporadas con una clara y necesaria intención: popularizar en el siglo XXI el género que le da nombre. Dentro de este firme objetivo, el público joven tiene una relevancia decisiva. Conseguir que este se aproxime sin miedo y exento de prejuicios a la zarzuela, dando así continuidad al género y afianzando su futuro, es el afanoso y feliz propósito de la iniciativa.

Por esta razón el Teatro de la plazuela de Jovellanos puso en marcha el Proyecto Zarza, una de sus iniciativas estrella, dirigido a un público juvenil de entre 12 y 18 años. El título escogido en esta cuarta edición es ‘Agua, azucarillos y aguardiente’ de Federico Chueca, y estará interpretado por jóvenes cantantes de entre 18 y 30 años elegidos a través de un riguroso proceso de audiciones en las que participaron más de 300 chicos y chicas. Puede decirse que estos cantantes y actores forman hoy por hoy la joven compañía del Proyecto Zarza.

‘Agua, azucarillos y aguardiente’, en esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, es una versión libre de la obra de Chueca firmada por el dramaturgo y novelista Nando López a partir del libreto que Miguel Ramos Carrión escribiera a finales del XIX. La dirección musical y la escénica correrán a cargo, respectivamente, de Óliver Díaz (desde el piano) y de Amelia Ochandiano, y los diecisiete actores-cantantes estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos. Todas las funciones serán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela del 2 al 7 de marzo, y se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) y funciones para el público general (6 y 7 de marzo) con un total de 11 sesiones. En las citas escolares, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

La función escolar del viernes 6 de marzo (11h00) será emitida en directo a través de Facebook, YouTube y la página web del Teatro.

Un viaje poético a través del tiempo

Este “pasillo veraniego en un acto” está hecho, por tanto, por jóvenes y para jóvenes, siguiendo la filosofía prioritaria del proyecto: acercar el género a las nuevas generaciones; y qué mejor manera de hacerlo que utilizando su propio lenguaje. Ochandiano sostiene al respecto que “es ahora, en pleno siglo XXI, cuando tenemos ante nosotros el reto de ofrecer este pequeño pedazo de la historia más brillante de nuestro teatro musical a las nuevas generaciones.” Y afirma que “la verdadera afición por el teatro o en este caso la afición por el teatro musical o la zarzuela, nace de asistir a espectáculos, de vivir experiencias teatrales realizadas desde el rigor, la excelencia y el lenguaje contemporáneo que requiere el hacer teatro; porque hacer teatro –señala– lleva implícito el presente, es un compromiso con nuestro momento y con nuestra visión de hombres y mujeres de hoy en día.”

Esta nueva versión mantiene todos los números musicales, pero cambia los textos no cantados, adaptando los personajes originales al siglo XXI y haciendo que Federico Chueca sea un personaje más. La propuesta escénica convierte la obra en un viaje poético a través del tiempo, donde presente y pasado se mezclan en el relato de una noche mágica en un Madrid que, como apunta Nando López, «se vuelve pasillo». Un homenaje a Madrid como referencia de lugar de encuentro, de cruce de caminos y destinos, de espacio de búsqueda y depósito de esperanzas, “un lugar para soñar”, como señala la propia directora de escena, que nos acerca a una obra clave de nuestra lírica a través de esta sugestiva, dinámica y fresca apuesta que una vez más celebra el compromiso del Teatro con los jóvenes artistas y los jóvenes espectadores.

Lunes 2 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Martes 3 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Miércoles 4 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Jueves 5 de marzo 10h00 y 12h30 (funciones escolares)

Viernes 6 de marzo 11h00 (función escolar)

Viernes 6 de marzo 19h00 (función abierta)

Sábado 7 de marzo 19h00 (función abierta)

Carmen Linares

Con Luz Casal como artista invitada, repasará buena parte de ese repertorio que la ha encumbrado como una leyenda indiscutible del flamenco

El ciclo de conciertos del Teatro de la Zarzuela de Madrid tiene una emocionante cita el próximo domingo, 16 de febrero, a las 18h00. Carmen Linares, dama indiscutible del flamenco, celebrará sus 40 años de carrera en el coliseo de la plazuela de Jovellanos. Será sin duda una tarde de momentos especialmente intensos, como ese en el que la cantaora compartirá escenario con otra mujer, Luz Casal, voz que es también compañera entrañable de nuestras vidas.

Carmen Linares comenzó su carrera en solitario en 1980 acompañada por Juan y Pepe Habichuela. En los festivales andaluces aprendió y compartió cartel cantando con figuras del cante flamenco como Camarón de la Isla, Enrique Morente y José Mercé. Desde entonces hasta hoy, ha conquistado por méritos propios un lugar privilegiado en la cultura española contemporánea. No en vano, pertenece a la mejor generación del flamenco junto a Camarón, Paco de Lucía, Morente, Manolo Sanlúcar, Mercé o Tomatito.

“Carmen Linares: 40 años de flamenco” es un concierto con buena parte de ese repertorio imprescindible que ha encumbrado a la artista jaenera hasta ser reconocida como una leyenda indiscutible del flamenco. Un programa que destaca su antología de cantes de mujer, el cancionero de Federico García Lorca y homenajes a Paco de Lucía, Mercedes Sosa y Enrique Morente.

Una noche muy especial en la que cantará, como una reivindicación, la identidad musical de Andalucía y la esencia dramática de los versos de nuestros poetas universales. Memorables como “La leyenda del tiempo”, “Andaluces de Jaén” o “Anda Jaleo”.

Guillermo García Calvo

El Teatro de la Zarzuela cumple una labor esencial en la preservación, recuperación, revisión y difusión de nuestro patrimonio lírico, así lo exigen sus estatutos y el coliseo lo cumple escrupulosamente temporada a temporada. De ahí que la programación de ‘Farinelli’, ópera de Tomás Bretón en un prólogo y tres actos, sea uno de los títulos de 2019/2020 esperados con singular y nerviosa expectación. Con libreto del precoz escritor sevillano, académico de la Lengua (también político y gran orador) Juan Antonio Cavestany, la partitura de quien en palabras del ilustre profesor Emilio Casares, “es probablemente el mejor compositor de ópera de nuestra historia” es una “especie de fusión” en la que conviven wagnerismo, “verismo”, ópera francesa e historicismo. Se estrenó el 14 de mayo de 1902 en el nuevo y gigantesco Teatro Lírico de Madrid (el más grande que nunca ha tenido la ciudad), con capacidad para 2.900 espectadores y visibilidad “casi perfecta”, erigido en la calle Marqués de la Ensenada y dirigido por Ruperto Chapí, en lo que pretendía ser un proyecto de gran envergadura en defensa e impulso de la ópera española en clara disputa con otros teatros que mostraban su abierto rechazo a la lírica compuesta de puertas adentro. Por esta razón, el sábado 15 y el lunes 17 de febrero (ambos a las 20h00) serán dos fechas necesariamente trascendentes para nuestra lírica. La obra, de la que no existe grabación alguna, de ahí la relevancia del registro que llevará a cabo Radio Clásica para su emisión en fechas próximas, volverá a escucharse más de un siglo después de su última audición. Será en versión de concierto y con adaptación libre de la reconocida dramaturga María Velasco. Música totalmente nueva, pues, para nuestros oídos del siglo XXI.

‘Farinelli’ fue víctima de la misma apatía que otras cerca de 700 óperas compuestas en España y condenadas al más profundo de los olvidos. Y es curioso, como recuerda Casares, que decenas de ellas fueron “aplaudidas por el exigente público del ochocientos”. La efervescencia de la ópera como uno de los géneros predilectos en España, culmina en las dos primeras décadas del nuevo siglo (el XX) con el estreno, en ese periodo, de más de 100 óperas españolas. Nada menos.

Los dos conciertos que ahora hacen justicia a ‘Farinelli’ (una de las ocho grandes óperas compuestas por Bretón entre las más de 140 obras que componen su catálogo, algunas tan universales como ‘La verbena de La Paloma’ o ‘La Dolores’) estarán dirigidos por Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela desde el pasado 1 de enero, así como director general musical de la centenaria Ópera alemana de Chemnitz y de su orquesta –la Robert-Schumann-Philharmonie– desde 2017 y uno de los maestros españoles más destacados y solicitados en Europa. García Calvo, al frente de la Orquesta Titular del Teatro, la ORCAM, deberá acometer la inspiración melódica, la exigente escritura vocal y el solvente discurso orquestal y coral que edifican la majestuosa estructura de ‘Farinelli, y no es para menos si se tiene en cuenta que, además de un portentoso violinista, Bretón fue un magnífico director de orquesta.

Los numerosos e intensos pasajes corales constituyen otra de las peculiaridades de esta ópera. “No es excesivo señalar que nos encontramos ante una obra coral”, advierte Emilio Casares, que lo argumenta con un dato incontestable: “De las veintiséis escenas de que consta, solo en seis falta el coro.” Será esta, por tanto, una buena ocasión para el lucimiento del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de Antonio Fauró.

Asimismo, para atenuar todas estas dificultades, esa orquesta y ese coro deben necesariamente envolver voces de primera fila. Y eso es lo que el Teatro de la Zarzuela ha reunido para esta nueva e histórica puesta de largo de ‘Farinelli’.

La mezzosoprano Maite Beaumont interpretará el papel de Farinelli (Carlo Broschi) que se enamora hasta la desesperación de Beatriz (alter ego en la obra de la cantante de mediados del XVIII Elena Pieri), cantada por la también mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera, quien le corresponde en este enamoramiento. Ambos tienen que separarse. Farinelli viaja a España mientras Beatriz permanece en Italia. Ambos sufren, primero la separación y luego el difícil reencuentro, en cuyo desenlace cobra especial protagonismo Jorge, padre de Farinelli, en cuya piel se mete el barítono hispano-brasileño Rodrigo Esteves. Este desvela a Beatriz la verdadera razón del rechazo que desde que llegó a España sufre por parte del atormentado Farinelli: Ella también es hija suya, y por tanto, hermana de Farinelli. Y entre tanto abatimiento y enredo, varios de los momentos más amables de la trama los protagoniza el personaje del doctor, a quien da vida el barítono David Menéndez.

Apoyo a los jóvenes cantantes

Llegados a este punto, debemos referirnos a dos de las sorpresas reservadas para el público, y que pone de manifiesto el firme empeño del Teatro de la Zarzuela en descubrir y apoyar a los jóvenes intérpretes: De una parte, el tenor mexicano Leonardo Sánchez, el artista más joven del International Opernstudio de la Ópera de Zúrich y ganador de tres premios diferentes (‘Primer lugar’, ‘Revelación juvenil’ y ‘Especial’) en la 34ª edición del Concurso de Canto Carlo Morelli, el certamen de canto lírico más importante en México; Sánchez encarna a Alberto, amigo de Farinelli que trae a Beatriz a España y que termina desposándose con ella para angustia del cantante. De otro lado, la sorpresa llegará cabalgando la honda voz de Manuel Fuentes, que recientemente fue tricampeón del VII Concurso Internacional de Canto Alfredo Kraus (primer premio, premio del público y premio al mejor cantante de nacionalidad española), además de ser ganador de dos importantes galardones en la primera edición del Concurso Internacional Lírico de Alicante. Fuentes asumirá el papel de director de orquesta.

La historia fluye como un río en la literatura de María Velasco, y será el veterano actor Emilio Gutiérrez Caba quien entre los números musicales ejerza de narrador de los acontecimientos; sin duda un aliciente más de esta feliz recuperación.

foto by © david bohmann photography

CNDM 19-20. LIED. SIMON KEENLYSIDE

Hoy vamos a empezar esta crónica por el final. El final del recital del Ciclo de Lied que conjuntamente organiza el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM). Simon Keenlyside, el barítono británico que acababa de interpretar un meritorio repertorio de obras románticas, alemanas y francesas, pidió modestamente al público que esperase diez minutos más, después, podrían volver a casa.

Keenlyside nos recordó entonces, que esos días se conmemoraba el 75º aniversario de la liberación del campo de concentración de Auschwitz-Birkenau. Quería por ello rendir homenaje y recordar el sufrimiento del pueblo judío interpretando la canción que su abuelo, el gran violinista Leonard Hirsch, tocaba al violín cuando él era pequeño, el Kadish de las Deux mélodies hébraïques de Maurice Ravel. La profunda intención en la interpretación de esta obra, la sensibilidad y sentimiento con que Keenlyside evocó sus orígenes, dejó a todo el público emocionado y sobrecogido, sin poder apenas reaccionar con aplausos. Este instante de comunicación trascendental, que nos golpea y agita por dentro, no debe pasar inadvertido, ni ser desaprovechado. Auschwitz no surgió de la nada de repente. Hasta llegar a él, millones de, aparentemente, pequeños acontecimiento se fueron sucediendo por toda Europa. Auschwitz puede volver a empezar cada día ante nuestro desinterés o disimulo.

Pero como digo, este fue el final de un recital, aunque fuera el principio de otro. Antes Keenlyside ya nos había emocionado con una primera parte interpretando la Schwanengesang D 657 (1828) de Franz Schubert. Un repertorio que domina el experimentado barítono británico pero ante el que, en esta ocasión, pareció no encontrarse demasiado cómodo al principio. Fue con el avance de las obras con el que fue ganando en la intensidad dramática de obras como Der Atlas (El Atlas) o Der Doppelganger (El doble), para abandonarse después en el romanticismo de Am Meer (Junto al mar).

La segunda parte resultó mucho más fluida. El repertorio romántico francés con obras de Maurice Ravel, Francis Poulenc, Claude Debussy y Gabriel Fauré, le viene como anillo al dedo a un Keenlyside atlético, también en lo vocal, que le permite una gran expresividad en la interpretación. Su depurada técnica y flexibilidad le facilitan una buena proyección y un fraseo extraordinario.

El acompañamiento al piano de la sudafricana Caroline Dowdle fue correcto. Mejor en la segunda parte, donde el peso y protagonismo absoluto era de la voz de un Simon Keenlyside que a esas alturas del recital ya había desplegado toda su magia, que no es poca.

Un éxito más de este Ciclo de Lied ante un público agradecido a un Simon Keenlyside que no se guardó nada en su interpretación y que generó una hermosa consternación y una profunda emoción.

Fotografía: (c) CNDM_Rafa Martín

Andrea Jiménez, canción vasca

En la presente temporada del Teatro de la Zarzuela la música vasca es protagonista indiscutible. Ya desde su apertura en octubre, se adivinaba la feliz intención con ‘El caserío’ de Jesús Guridi. Después llegaron los ‘Cuartetos vascos’ en uno de los conciertos del ciclo ‘Domingos de Cámara con Ñ’ que protagonizan agrupaciones compuestas por profesores de la Orquesta Titular del Teatro, ORCAM, y tras ellos ‘Mirentxu’, también de Guridi, en la primera ocasión que en el coliseo de la plazuela de Jovellanos se cantaba en euskera. Ahora es el turno de la joven soprano navarra Andrea Jiménez, quien nos sumerja mañana martes 4 de febrero (20h00) y dentro del Ciclo Notas del Ambigú, en el bello y electrizante universo del cancionero vasco. La intérprete estará acompañada al piano por Ramón Grau.

En el recital serán protagonistas cinco compositores indispensables de nuestra música: Jesús Guridi (¡cómo no!), de quien Jiménez cantará las ‘Seis canciones infantiles’ con textos de Jesús María de Arozamena; Pablo Sorozábal, quien, dicho sea de paso, y al hilo de lo ya expuesto, tomará el relevo en esta constelación de música vasca cerrando la temporada lírica con ‘La tabernera del puerto’; José María Usandizaga, de quien se interpretará ‘Rapsodia Vascongada’ y las páginas para piano solo ‘Jota’; Emiliana de Zubeldía, con las ‘Seis canciones populares españolas’; y Emilio Arrieta, de quien podrán escucharse ‘La niña abandonada’, ‘La sombra’ o ‘De las aves el trino amoroso’, romanza esta última de la zarzuela ‘El planeta Venus’ con textos de Ventura de la Vega.

El Teatro de la Zarzuela volverá a ser así ese lugar diferente donde también los conciertos se viven como una experiencia única. Público y artistas compartiendo la música en comunión. Próximos en un mismo plano, arropados por la intimidad de ese cálido salón que es el Ambigú.

Al concierto de Andrea Jiménez, quinto del ciclo, seguirán los del tenor y actor Ángel Ruiz dedicado al Cuplé, la soprano Ruth González ‘Tres pasiones de mujer’, la formación barroca La ritirata liderada por el violonchelista Josetxu Obregón ‘Il Spiritillo Brando’, el guitarrista Ricardo Gallén ‘Guitarra romántica’, el Trío Arbós con su nueva entrega de ‘Música de cámara’ y el de la soprano Berna Perles sobre Joaquín Turina.

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

 

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, nunca es tarde…
Cecilia Valdés
Gonzalo Roig (1890-1970)
Libreto de Agustín Rodríguez y José Sánches-Arcilla,
basado en la novela Cecilia Valdés o la Loma del Ángel
D. musical: Óliver Díaz
D. escena: Carlos Wagner
Escenografía: Rifail Ajdarpasic
Vestuario: Christophe Ouvrard
Iluminación: Fabrice Kebour
Coreografía: Nuria Castejón
Reparto: Elizabeth Caballero, Martín Nusspaumer,
Homero Pérez-Miranda, Linda Mirabal, Cristina Faus, Yusniel Estrada
En esta afortunada línea del Teatro de la Zarzuela de recuperar nuestro patrimonio lírico, se ha estrenado estos días la zarzuela cubana, “Cecilia Valdés”. Su compositor, Gonzalo Roig (La Habana, 1890 – 1970) redefinió la zarzuela cubana e hizo de ella una referencia lírica en América.La zarzuela nació con espíritu viajero y Cecilia Valdés es uno de sus más claros ejemplos. Los españoles que al final del siglo XIX y primera mitad del XX llegaron a América, lo hicieron, como no, llevando su cultura y sus músicas. También fueron determinantes las orquestas y compañías de zarzuela que se trasladaron a actuar allí para dar cobertura musical a los muchos emigrantes.Cecilia Valdés tiene las peculiaridades de los sones caribeños y africanos y, como buena zarzuela, los episodios costumbristas y populares más reconocibles en el momento de su composición. La partitura es de una riqueza ritmica extraordinaria. Bembé, guaracha, contradanza o bolero, se combinan con sonidos africanizantes y afrocubanos, como los números de Linda Mariscal, totalmente cubanos. Pero también aparecen en la partitura momentos líricos y llenos de romanticismo, como los dúos entre Cecilia y Leonardo. El resultado es la perfecta combinación entre músicas populares y lirismo, en una mezcla de géneros que se complementan y que hacen de “Cecilia Valdés” la obra más importante de la música cubana.

La escenografía de Carlos Wagner, buen conocedor de la cultura caribeña, tuvo como gran reto dónde ambientar la obra, y lo ha hecho en la Cuba prerevolucionaria.

El escenario principal permanece fijo mientras fluyen dentro de él los elementos que sitúan cada una de las escenas. Consigue transformar, con toda naturalidad, una plantación de azúcar en un salón de baile donde celebran sus fiestas los protagonistas. La celeridad y fluidez de los cambios no interrumpe en absoluto el ritmo de la obra. Los colores, iluminación y texturas, te trasladan a Cuba y a ese ambiente caribeño de altas temperaturas.
El libreto de Agustín Rodríguez y José Sánchez Arcilla, basado en la novela Cecilia Valdés o la Loma del Ángel, de Cirilo Villaverde, nos presenta los problemas de convivencia entre esclavos y mestizos, las críticas a la esclavitud y las consecuencias del machismo y el racismo. También muestra esa mezcla de religión y paganismo que aparece en un final de la obra algo extraño que sorprendió al público.

La parte teatral de la obra tiene una gran importancia y queda brillantemente cubierta por Paloma Córdoba, Alberto Vázquez, Eduardo Carranza, Ileana Wilson, Giraldo Moisés de Cárdenas, Isabel Cámara y Juan Matute. El cuerpo de baile cubano fue en su conjunto un protagonista más de esta zarzuela y de los más aplaudidos de la noche.
Cubanos son también algunos de los protagonistas, como la soprano Elizabeth Caballero, que defendió su rol protagonista de Cecilia Valdés de manera más que solvente. No estuvo muy bien acompañada en lo vocal por Martín Nusspaumer que, sin embargo, si construyó un buen Leonardo en la parte interpretativa.

El barítono Homero Pérez-Miranda, como José Dolores, y la mezzosoprano Cristina Faus, en el papel de Isabel Ilincheta, estuvieron a gran altura en sus respectivas interpretaciones. Se puede decir lo mismo del resto del reparto. Hay que resaltar la extraordinaria participación de Linda Mariscal, que interpretaba a la esclava liberada Dolores Santa Cruz.

Representación histórica, aunque tardía, de la primera y más importante zarzuela cubana que sube al escenario del Teatro de la Zarzuela. Esperemos que tras Cecilia Valdés vengan algunas más.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Simon Keenlyside

El lunes 3 de febrero a las 20h, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presentan en el XXVI Ciclo de Lied al barítono británico Simon Keenlyside junto a la pianista Caroline Dowdle. Ambos artistas abordarán un programa con lo mejor de la tradición musical romántica alemana y francesa a través de las páginas de Schubert, Ravel, Fauré, Poulenc y Debussy. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Simon Keenlyside nació en Londres. Hizo su debut operístico en la Ópera Estatal de Hamburgo como el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro. Keenlyside ha cantado en los grandes teatros de ópera del mundo y tiene una asociación particularmente estrecha con la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House de Londres, la Ópera de Baviera y la Ópera de Viena, donde ha interpretado a Prospero (The Tempest), Rodrigo (Don Carlo), Giorgio Germont (La traviata), Papageno (Die Zauberflöte), el conde de Almaviva y los papeles principales en Don Giovanni, Eugenio Oneguin, Pelléas et Mélisande, Wozzeck, Billy Budd, Hamlet, Macbeth y Rigoletto. Recientemente, ha interpretado Rigoletto en Luxemburgo, París, Bratislava y Múnich, Giorgio Germont y Ford en la Ópera Estatal de Viena, el conde de Almaviva en la Royal Opera House, Wolfram en la Ópera Alemana de Berlín, así como su don Giovanni en la Ópera de Baviera. En concierto, Simon Keenlyside ha cantado canciones de Sibelius con la Orquesta de Cleveland, bajo la dirección de Franz Welser-Möst, y con la Orquesta Sinfónica de la Radio ORF en la Vienna Konzerthaus con Ryan Wigglesworth. Es un reconocido recitalista que canta en los principales escenarios del mundo. La pasada temporada ofreció algunos recitales en Vancouver, Quebec, Washington D. C., Atlanta, Schenectady, Filadelfia, Cleveland, Estrasburgo, Ámsterdam, Viena y Londres, acompañado al piano por Malcolm Martineau, Emanuel Ax, Natalia Katyukova o Julius Drake. Ha grabado un álbum de lieder de Schumann con Graham Johnson y cuatro con Malcolm Martineau con obras de Schubert, Strauss y Brahms, y más recientemente, uno de canciones, Songs of War, que obtuvo el Premio Gramophone 2012. Ha cantado bajo la dirección de los principales directores del mundo con la Orquesta de Cámara de Europa, la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica Checa, así como las de Cleveland, Viena y Berlín. También ha grabado el War Requiem de Britten con la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Noseda, Elijah de Mendelssohn con McCreesh, Des Knaben Wunderhorn con Simon Rattle, así como Don Giovanni con Abbado, Carmina Burana con Thielemann, La bohème con Chailly, Billy Budd, Die Zaruberflöte con Mackerras, Le nozze di Figaro con Jacobs y The Tempest con Adès, que ganó en la categoría de mejor grabación de ópera (Grammy 2014) y de grabación musical de dvd del año (Echo Klassik 2014). En 2006, le concedieron el Premio Olivier; en 2007, el Echo Klassik en la categoría de cantante masculino del año y, en 2011, el Musical America’s Vocalist of the Year. Y, en 2017, fue nombrado Kammersänger por la Ópera Estatal de Viena. Simon Keenlyside ha participado en tres ediciones del Ciclo de Lied: XIII (06-07), XV (08-09), XXI (14-15).

Fotografía: © Robert Workman

Borja Quiza en el Teatro de la Zarzuela

Boja Quiza hace un recorrido por la canción gallega acompañado al piano por el maestro Rubén Fernández Aguirre, interpretarán obras de José Castro “Chané”, Xoán Montes, José Fernandez Vide, Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig, Isolina Carrillo, Horacio Pettorossi, Andrés Gaos, Carlos Gardel, Consuelo Velázquez y Chucho Monge.

El barítono Borja Quiza presentará el próximo lunes 20 de enero (20h00) en el Ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela, un hermoso, revelador y sentido recorrido por algunas de las canciones de ida y vuelta más significativas surgidas de la emigración gallega a América. El intérprete, nacido en la parroquia de Ladrido, municipio de Ortigueira, A Coruña, estará acompañado al piano por el maestro Rubén Fernández Aguirre.

La necesidad no pocas veces se transforma en virtud, y en este caso que nos ocupa esa virtud sirvió (y aún sirve) para hermanar dos culturas separadas por un océano que en ocasiones resulta infinito. El programa puede entenderse a modo de viaje; es un mapa con puntos de partida y de llegada cuyo trayecto lo marca la música. El itinerario comienza lógicamente en Galicia, con composiciones de José Castro “Chané”, Xoán Montes y José Fernandez Vide, con textos de Manuel Curros Enríquez, Rosalía de Castro y Eduardo Blanco Amor, para recalar luego en la cuba de Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig y Isolina Carrillo, o de los propios Castro “Chané” (‘Violeta’) y Fernandez Vide (‘Semejanza’) cautivados de aire isleño. Ahí se mezclan, como en cada lugar alcanzado, compartiendo en tantos casos mutuas influencias.

La siguiente parada será en Argentina con la música de Horacio Pettorossi (‘Galleguita’), Andrés Gaos (‘Vidalita’) y Carlos Gardel (‘Volver’), para terminar en México con la compañía de ese omnipresente bolero ‘Bésame mucho’ de Consuelo Velázquez, con la afortunadamente inevitable ranchera ‘México lindo y querido’, y alguna sorpresa más.

Canciones que cruzaron el Atlántico en ambos sentidos, que sembraron y recogieron tesoros en las dos orillas.

El Teatro de la Zarzuela volverá a ser así ese lugar diferente donde también los conciertos se viven como una experiencia única. Público y artistas compartiendo la música en comunión. Próximos en un mismo plano, arropados por la intimidad de ese cálido salón que es el Ambigú.

Al concierto de Borja Quiza, cuarto del ciclo, seguirán los de la soprano Andrea Jiménez ‘Canción vasca’, el tenor y actor Ángel Ruiz dedicado al Cuplé, la soprano Ruth González ‘Tres pasiones de mujer’, la formación barroca La ritirata liderada por el violonchelista Josetxu Obregón ‘Il Spiritillo Brando’, el guitarrista Ricardo Gallén ‘Guitarra romántica’, el Trío Arbós con su nueva entrega de ‘Música de cámara’ y el de la soprano Berna Perles sobre Joaquín Turina.

La increíble historia de Juan Latino

‘La increíble historia de Juan Latino’, nueva producción de la compañía Claroscvro y el Teatro de la Zarzuela, es una brillante producción de música, títeres y máscaras ante la que no es posible que alguien quede indiferente. Se trata de una historia real, poco conocida, de esa amistad fraternal que todos debemos conocer y recordar para comprender como son (cómo somos) los seres humanos. Se ofrecen 20 funcioneS para público a partir de 6 años, y las representaciones del sábado 18 y del domingo 19 de enero (ambos a las 13h00) serán abiertas al público.

‘La increíble historia de Juan Latino’ es una pequeña zarzuela, con repertorio musical renacentista y barroco, sobre un escritor y auténtico humanista español del siglo XVI; se trata de Juan Latino, la primera persona de raza negra que obtuvo un título académico y dictó una cátedra en la Universidad de Granada. Fue famoso y todos alabaron sus conocimientos. Descubrir de esta forma una historia verdadera de superación racial y social de un esclavo negro en la España del siglo XVI es toda una sorpresa para el espectador.

Por eso, en esta fiesta de música y teatro, que es una sincera invitación a la tolerancia y el respeto, se quiere mostrar cómo el mestizaje ha sido un elemento constante en la convivencia desde hace siglos en nuestra sociedad. Las músicas y las artes, como las personas y las ideas, se han ido combinando de distintas formas en las obras de compositores anónimos o de los bien conocidos y admirados Durón, Flecha, Gutiérrez de Padilla, Hidalgo, Romero o Sanz.

La compañía hispano-canadiense Claroscvro teatro, una de las referencias mundiales del teatro de títeres dirigida por Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, presenta su segunda coproducción con el Teatro de la Zarzuela después de la aclamada ‘Perdida en el Bosco’ (2017 y 2019). Claroscvro Teatro emplea la recreación en el esteticismo historicista, con el fin de reforzar los valores educativos de sus obras, con la convicción de que la belleza es el vehículo perfecto para amar el Arte. La obra contará con 18 funciones escolares (en programa doble los días 13, 14, 15, 16, 17, 20, 21, 22 y 23 de enero) a las que asistirán un total de 1570 niños de entre 6 y 10 años, y de 2 funciones familiares (18 y 19 de enero, a las 13:00 marido).

Concierto de Navidad Teatro de la Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela cierra el año con su tradicional Concierto de Navidad. Dirigido por Óliver Díaz, y con la participación de la soprano Rocío Ignacio y el tenor Jorge de León, las entradas llevan agotadas desde el pasado verano

Interpretarán obras de Luna, Vives, Fernández Caballero, Guerrero o Penella, junto a composiciones de Gershwin, Lloyd Webber, Lehár, Bernstein o Schönberg

La Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) y el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela se unirán a la celebración.

El Teatro de la Zarzuela cerrará el próximo sábado 28 de diciembre a las 20h00 un fructífero 2019, y lo hará con su ya tradicional y esperado Concierto de Navidad cuyas entradas se agotaron a pocas horas de salir a la venta el pasado verano. Como es costumbre, la cita servirá para celebrar por todo lo alto la música española, nuestra lírica, que en esta ocasión podrá disfrutarse junto con obras de algunos de los grandes maestros internacionales del teatro musical.

El concierto estará dirigido por el maestro Óliver Díaz y contará con la participación de dos de las voces españolas más valoradas en la actualidad: las de la soprano Rocío Ignacio y el tenor Jorge de León. A lo largo de la gala intervendrá también el Coro del Teatro de la Zarzuela, que junto con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del coliseo), se sumará como cada año a la fiesta.

El programa visitará obras de Pablo Luna, Amadeo Vives, Jacinto Guerrero, Manuel Fernández Caballero o Manuel Penella, pasando asimismo por creaciones históricas de algunos de los más grandes maestros internacionales del teatro musical como George Gershwin (Girl Crazy), Andrew Lloyd Webber (The Phantom of the Opera), Franz Lehár (La viuda alegre), Leonard Bernstein (West Side Story) o Claude-Michel Schönberg (Les Misérables). Toda una colección de obras maestras para brindar por un 2020 lleno de luz y de zarzuela.

Teatro de la Zarzuela

Villancicos ne el Teatro de la Zarzuela

A una semana de la llegada oficial del invierno y a diez días de la Navidad, el Teatro de la Zarzuela inicia la cuenta atrás con un concierto interpretado por quienes son protagonistas indiscutibles de estas fechas: los niños. Será este próximo domingo, 15 de diciembre (12h00), en la sala principal del Teatro y dentro del ciclo ‘Domingos de Cámara con Ñ’, cuando los Pequeños y Jóvenes Cantores de la ORCAM dirigidos por Ana González presenten ‘Villancicos y canciones para el invierno’; una colección de temas escogidos minuciosamente para la ocasión, que en las voces blancas expresa el espíritu genuino de esta época del año. El precio único del concierto es de 6 euros.

El programa propuesto es muy amplio, y abarca desde composiciones de Julio Domínguez, Javier Busto, David Azurza y algún que otro anónimo, hasta Benjamin Britten, Rosa Alarcó, Bob Chilcott, Marcos Leite y Manuel Vélez, pasando por Michael McGlynn, Kurt Bikkembergs, Eva Ugalte, Pablo Casals, Pedro Aizpurúa, John Rutter o John Reading.

La norma ineludible del ciclo ‘Domingos de Cámara con Ñ’ es que todos y cada uno de los conciertos que lo integran están interpretados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, o por alguna de sus agrupaciones, como es el caso de este concierto en el que también participarán el pianista Pablo Eisele y el percusionista Alberto Román.

El viaje a través del patrimonio musical español de cámara que plantea el ciclo, trata de descubrir al público la excelente calidad de la obra en este formato de compositores que alcanzaron la fama por su dedicación al género lírico español, así como de dar visibilidad a los nuevos compositores españoles y a contemporáneos ya consagrados.

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Prégardien en el Ciclo de Lied

No estamos ya acostumbrados a asistir a una interpretación en la que su protagonista se muestre humilde en la perfección y lleve a cabo su virtuosismo sin aspavientos. La elegancia y la sutileza son dos cualidades a sumar a las que ya posee Christoph Prégardien, un tenor lírico ligero que, aunque acusando ya el paso de los años, es más que un placer escucharle en un género, el liederístico, que conoce y domina con maestría.

Prégardien ofreció en el cuarto recital del Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música, un repertorio dividido en dos partes. En una correcta primera parte interpretó los Lied que, sobre poemas de Ernst Schulze, compuso Schubert. La segunda parte estuvo dedicada a Schumann y a su Liederkreis, op. 39, compuestas en 1840. En esta segunda parte Prégardien sacó lo mejor del liederista que lleva dentro. Llenó este ciclo de canciones de matices y musicalidad. Los textos de Joseph von Eichendorff y la intensidad de la música de Schumann, inspiraron a un Prégardien mucho más profundo y expresivo. Sin duda estas obras se acomodan mejor a las cualidades de su voz y a su perfecto fraseo.

Estuvo acompañado al piano por Julius Drake, que puso el espíritu y el brío que le faltó en algunos momentos a Prégardien. Drake brilló con luz propia y equilibró desde el piano a su acompañante, ofreciendo profundidad emocional en las canciones de mayor calado dramático, y más arrebatado en las de mayor brío.

La noche terminó con tres propinas que el público agradeció entusiasmado, la “Serenata”, del Canto del Cisne, “Nacht und Träume” y “Der Musensohn”.

Fotografía: CNDM / Rafa Martín

Christoph Prégardien

Paola Leguizamón en la Zarzuela

La mezzosoprano colombiana Paola Leguizamón hará su presentación en el Teatro de la Zarzuela el próximo lunes, 9 de diciembre (20h00), para emprender una conmovedora travesía de la mano de algunos de los más importantes referentes de la música de su tierra. Será dentro del ciclo Notas del Ambigú, y estará acompañada al piano por el maestro Rubén Fernández Aguirre.

A pesar de la incontestable grandeza de los compositores y de las obras que desde hace muchas décadas vienen alimentando el alma de quienes, con nuestra misma lengua, habitan al otro lado del Atlántico, no son pocas las ocasiones en que esas músicas que por razones obvias tantas veces nos son tan cercanas, quedan ancladas en la costa del Océano que les corresponde.

Este es uno de los muchos puntos de interés que trae consigo el recital que el próximo lunes la joven y virtuosa Leguizamón ofrecerá en el Ambigú de La Zarzuela. El programa es emocionante de principio a fin, con obras de Jaime de León, de quien interpretará cerca de una decena de canciones; Antonio María Valencia, de cuya obra la soprano y el maestro repertorista abordarán su ciclo de canciones sobre poemas del musicólogo y poeta colombiano Otto de Greiff; Luis Antonio Calvo, a quien Fernández Aguirre evocará con su bellísimo ‘Intermezzo nº 2 para piano’, «Lejano azul»; Luis Carlos Figueroa, con una importante muestra de su espléndido cancionero; y para rematar, José María Tena, con la popular ‘Romance de la niña negra’.

El Teatro de la Zarzuela volverá a ser así ese lugar diferente donde también los conciertos se viven como una experiencia única. Público y artistas compartiendo la música en comunión. Próximos en un mismo plano, arropados por la intimidad de ese cálido salón que es el Ambigú.

Al concierto de Paola Leguizamón, tercero del ciclo, seguirá el del barítono Borja Quiza ‘La emigración gallega, canciones de ida y vuelta’, el de la soprano Andrea Jiménez ‘Canción vasca’, el del tenor y actor Ángel Ruiz dedicado al Cuplé, el de la soprano Ruth González ‘Tres pasiones de mujer’, el de la formación barroca La ritirata liderada por el violonchelista Josetxu Obregón ‘Il Spiritillo Brando’, el del guitarrista Ricardo Gallén ‘Guitarra romántica’, el del Trío Arbós con su nueva entrega de ‘Música de cámara’ y el de la soprano Berna Perles sobre Joaquín Turina.

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Fotografía: © 2016 Cartagena Festival Internacional de Música

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presentarán el próximo lunes 2 de diciembre (20h00), en el XXVI Ciclo de Lied, al tenor lírico alemán Christoph Prégardien junto al pianista inglés Julius Drake. El programa elegido para esta cita estará formado por las páginas liederísticas del compositor vienés Franz Schubert dando vida a la poesía de Ernst Schulze, junto a una de las series básicas de la obra schumanniana, ‘Liederkreis’, op. 39, en la que el autor se centra en la poética de Joseph von Eichendorff.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Preciso control vocal, dicción clara, musicalidad inteligente y la habilidad de llegar al corazón con todo lo que canta aseguran a Christoph Prégardien un lugar entre los más importantes tenores líricos del mundo. Actúa regularmente con orquestas de todo el mundo, como las Filarmónicas de Viena y Berlín, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam, la Staatskapelle Dresden o la Gewandhausorchester de Leipzig.

Su amplio repertorio orquestal incluye los grandes oratorios barrocos, clásicos y románticos, así como obras del siglo XVII (Claudio Monteverdi, Henry Purcell, Heinrich Schütz) y del XX (Benjamin Britten, Wilhelm Killmayer, Wolfgang Rihm, Ígor Stravinski). Especialmente apreciado como cantante de lied, sus compromisos esta temporada incluyen una gira por Estados Unidos y recitales en el Temple Church, el Wigmore Hall, el Concertgebouw o la Schubertiade Schwarzenberg y la Schubertíada de Vilabertran. Christoph Prégardien ha actuado en dos ediciones del Ciclo de Lied: VI (99–00), acompañado al piano por Michael Gees, y IX (02–03), junto a Juliane Banse, Ingeborg Danz y Olaf Baer; acompañados al piano por Wolfram Rieger.

Fotografía: Jean-Baptiste Millot

Curioso y original se presentaba en el Teatro de la Zarzuela el tercer recital del Ciclo de Lied. Bajo el título, Noches de cabaret, la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera, comenzó a desgranar, con su voz densa y envolvente, toda la musicalidad de unas obras, tal vez menos conocidas, para demostrar que no solo el lied alemán requiere de gran dominio y maestría. Demostró que composiciones que se prestan menos al encorsetamiento y la técnica requieren de la misma disciplina y gestión del conocimiento musical y canoro.

Un repertorio lleno de posibilidades artísticas y con identidad propia, que la personalidad ecléctica de Herrera, unida a sus recursos estilísticos, llevaron a un nivel superior las obras más populares de compositores como Oscar Straus, Erik Satie o Francis Poulenc. Esta primera parte, más formal, si se puede decir así, se completó con obras de Kurt Weill y Louis Guglielmi (Louiguy). Siempre muy bien acompañada al piano por Mac McClure.

Para demostrar la singularidad de la velada, ocurrió algo que, al menos yo, no había visto antes en un teatro. Tras el descanso, un público despistado, no sé si por la originalidad de la noche, no terminaba de entrar en la sala, lo que provocó que cantante y pianista estuvieran en el escenario esperando bastantes minutos a que el público terminara de acomodarse. Este fue el inicio de una segunda parte en la que Herrera demostró poseer una capacidad de registros artísticos e idiomáticos casi camaleónica.

No es fácil colocar la voz tras una primera parte más académica, pero, una vez resueltos los ajustes, Herrera nos descubrió nuevas formas de profundizar en la libertad de interpretación, en el conocimiento de las obras y sus compositores y en la capacidad de transmitir la nostalgia y el exotismo que plantean compositores como Ernesto Lecuona, Joaquín Zamacois o Astor Piazzolla. O dibujar la perfecta melancolía de los boleros de Pedro Junco, María Grever, Álvaro Carrillo, Gabriel Ruiz Galindo o Bobby Capó.

O como describe de manera excepcional María del Ser en el programa de mano, “Trasladarse al siglo XIX es viajar a través del subjetivismo y la introspección; es la época de la rebeldía, de la voluntad de explorar todas las vías artísticas con un fin de plenitud expresiva que intenta reconquistar un preciado pasado o alcanzar un futuro maravilloso. Es la búsqueda de los sentimientos, envueltos en sueños, en el misterio y en la fantasía de lo exótico perseguido por un espíritu de nostalgia, de melancolía y de anhelo tras una realización imposible”.

52 años han tenido que pasar para que Mirentxu, obra de juventud de Jesús Guridi, haya vuelto a escucharse en el Teatro de la Zarzuela. Una obra que tiene una larga historia de transformaciones. Durante 30 años, un inconformista Guridi no dejó de modificarla y adaptarla hasta llegar a esta última versión.

Se estrenó como zarzuela en 1910 en el Teatro de Los Campos Elíseos de Bilbao, con libreto de Jesús María de Arozamena y Alfredo Echave y con gran éxito de crítica y público. Esta primera versión tenía una orquestación enorme, algo muy poco habitual en los compositores españoles de la época. En 1913 se lleva a Barcelona, en esta ocasión como ópera, prescindiendo para ello de todos los diálogos. Y el 1915 se estrena en el Teatro de la Zarzuela como se concibió inicialmente, como zarzuela. Tras consultar a sus colaboradores Arozamena y Fernández-Sahw, Guridi realizó una nueva adaptación para su estrenos en el Teatro Arriaga de Bilbao en 1934. Y es en este mismo teatro, el Arriaga, donde se estrena en euskera en 1947.

La versión que ha ofrecido el Teatro de la Zarzuela es esta última, con una adaptación de Borja Ortiz de Gondra al castellano que, a modo de narrador, declama Carlos Hipólito relatando con gran musicalidad la sucesión de acontecimientos. Algo que de manera acertada viene haciendo el Teatro de la Zarzuela con las obras en versión de concierto.

Desde el foso, un Oliver Díaz magistral realiza una lectura de la partitura llena de refinamiento y lleva a la Orquesta de la Comunidad de Madrid a una de sus interpretaciones más lúcidas. Se trata de una partitura de gran sonoridad y muy evocadora de los paisajes vascos en los que transcurre la acción, sencilla y cotidiana, de esta obra. La partitura tampoco es compleja. Tiene una estructura casi cíclica, la música vuelve a la misma nota del inicio, en una monótona normalidad de lo cotidiano, todo vuelve a empezar. Recuerda los acordes wagnerianos.

Al frente del reparto una emocionada Ainhoa Arteta como Mirentxu, que se encuentra en un momento vocal espléndido. Transmitió al público la emoción y el entusiasmo de su tierra a través de una música que conoce desde su infancia. Lo cantó todo, acompañando incluso al coro en algunos momentos. Su aria final, que es la de mayor lucimiento, hizo las delicias de un público que se emocionó con ella.

El rol de Raimundo, más extenso y complejo que el de Mirentxu, estuvo a cargo de Mikeldi Atxalandabaso. Con una hermosa línea de canto, fue desgranado con su voz ligera cada momento intenso del personaje y la trama. Tras un inicio algo forzado, lo dio todo en la segunda parte.

La Presen de Marifé Nogales, personaje a la sombra de los protagonistas, fue sin embargo su perfecta acompañante. Siempre solvente, creó una Prensen con el nivel de dramatismo preciso.

Christopher Robertson ha sido un Txanton impecable. Sobrio en su expresión, como el carácter de su personaje. Un escalón por debajo estuvo la actuación de un voluntarioso José Manuel Díaz, como Manu. Mario Villoria, componente del coro, fue un pastor con solvencia y eficacia.

Muy bien el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela. Fue de menos a más y se valoró su labor con el euskera. Mención especial tuvo la intervención del Coro de Voces Blancas Sinan Kay, dirigido por Lara Diloy. Un coro formado en 2015 con vocación didáctica cuya sede se encuentra en el colegio Santísima Trinidad de Alcorcón. Una iniciativa valiente y de gran eficacia en multitud de aspectos, no solo el académico o didáctico. Especial mención merecen sus dos solitas Patricia Valverde y Azahara Bedman. Parece que el futuro de la lírica está garantizado.

Un nuevo acierto del Teatro de la Zarzuela en su impagable labor de búsqueda y recuperación de grandes obras de la lírica española. Esperamos ya con inquietud la próxima.

Fotografía: Javier del Real

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presentarán el lunes 25 de noviembre a las 20h00 en el XXVI Ciclo de Lied a la mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera junto al pianista estadounidense Mac McClure. El programa elegido para esta velada, que se celebrará en el coliseo de la plazuela de Jovellanos, nos sumerge en un variado y colorista reducto que nos lleva del salero vienés de Oscar Straus a los sones cadenciosos de Astor Piazzolla, pasando por el iconoclasta mundo de Erik Satie, el cabaret de Kurt Weill, la evocación de la gran Édith Piaf y el humor de Poulenc, junto a los sones cubanos de Ernesto Lecuona, dos piezas del hoy olvidado Joaquín Zamacois y, volviendo al cabaret, cuatro boleros mexicanos y antillanos. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

La constante presencia de Nancy Fabiola Herrera en los escenarios internacionales la convierte en una de las grandes mezzosopranos de la actualidad, la prensa especializada la ha denominado «la Carmen del siglo XXI». En 2018 realizó dos grabaciones interpretando Rosario en Goyescas, de Granados, con la BBC de Londres y Salud en La vida breve, de Falla, con la BBC de Mánchester. Destacan sus interpretaciones de Isabella en L’italiana in Algeri en el Teatro Colón de Buenos Aires y como Bernarda en La casa de Bernarda Alba en el Teatro de la Zarzuela. Ha cantado el Stabat Mater (Rossini), el Requiem (Verdi) en San Sebastián y Guadalajara (México), dirigidos por Plácido Domingo, y ha ofrecido conciertos en la Sala Chaikovski de Moscú y recitales en el Palau de la Música de Valencia y en el Festival de Benicàssim, junto a Ainhoa Arteta. Su interpretación de Salud en La vida breve la ha llevado a San Petersburgo, Tanglewood, Toronto, Los Ángeles —con el maestro Frühbeck de Burgos—, Madrid, Cincinnati y la Orquesta de Capitole. Su Carmen se ha visto en la Metropolitan Opera, el Covent Garden, el Teatro Bolshói, la Ópera de Tokio, la Deutsche Oper, la Bayerische Staatsoper, las termas de Caracalla, el Dresden Semperoper, el Masada Festival, la Ópera de Tel Aviv, la Ópera de Los Ángeles y teatros españoles como la Ópera de Sabadell, el Teatro Villamarta de Jerez, el Kursaal de San Sebastián y el Teatro Pérez Galdós de Gran Canaria, entre otros. En 2009, abrió la temporada de la Arena de Verona como Carmen, bajo la dirección de Domingo. Entre sus grabaciones destacan La bruja de Chapí para Deutsche Grammophon, Dante de Granados para ASV, Tonades de los siglos XVII y XVIII de Gerhard para Columna Música, la Sinfonía nº 3 de Mahler para Arte Nova, El amor brujo de Falla para Naxos y Concierto italiano de Llorca, además de Il postino de Catán y Luisa Fernanda, ambas también con Domingo. Y entre sus distinciones cabe mencionar el Premio Ópera Actual 2018 a toda una carrera y el Plácido Domingo Award. En 2019, ha actuado en la Houston Grand Opera, en Florencia, en el Amazonas de Catán, El Gato Montés en la Ópera de Los Ángeles, Les contes d’Hoffmann en el Teatro Nacional de Pekín y Samson et Dalila en La Maestranza de Sevilla. Nancy Fabiola Herrera ha participado en una edición del Ciclo de Lied: XVII (10-11).

Fotografía: ©Shirin Tinati

Los días 22 y 24 de noviembre pueden considerarse históricos para el Teatro de la Zarzuela. En esas fechas el público podrá escuchar (en versión de concierto), y por primera vez en euskera en este Teatro, una de las obras más desconocidas de Jesús Guridi: el idilio lírico en dos actos ‘Mirentxu’. Y será después de 52 años de silencio en este escenario, donde únicamente ha podido escucharse completa en dos ocasiones a lo largo de sus 163 años de historia, la última de ellas en 1967. Una vez más el Teatro de la plazuela de Jovellanos cumple con una de sus labores esenciales como es la preservación, estudio, recuperación y divulgación de nuestro patrimonio lírico. El coliseo, después de iniciar la temporada con ‘El caserío’, culmina así su particular homenaje a uno de nuestros más brillantes músicos.

Con libreto de Jesús María de Arozamena y Alfredo Echave, en ‘Mirentxu’, según palabras de la experta musicóloga María Nagore Ferrer, “es indiscutible la belleza, que explica la popularidad de algunos números como el Preludio del primer acto o la preciosa y lírica aria final”. Así, Nagore Ferrer destaca que “la maestría compositiva de Guridi está puesta al servicio de un texto poético que es tratado con flexibilidad, sencillez y una paleta orquestal rica y elaborada pero envuelta en tonalidades suaves”.

Las distintas ‘Mirentxus’

‘Mirentxu’ se estrenó en el Teatro de los Campos Elíseos de Bilbao en 1910, y desde esa primera ocasión sufrió constantes modificaciones. Nagore Ferrer habla incluso de “seis o siete ‘Mirentxus’ distintas”, llegando incluso a convertirse en ópera, añadiendo para ello música a las partes dialogadas. En este formato fue presentada en su estreno de Barcelona en 1913, pero Guridi no quedó en absoluto satisfecho, convencido, a pesar de las críticas favorables, de que el público no comprendió la obra precisamente por tener ese formato de ópera. Por tanto, dos años después, en 1915, la presenta en Madrid, en el Teatro de la Zarzuela, pero en su versión original.

Una nueva adaptación de ‘Mirentxu’ se estrenó en el Teatro Arriaga de Bilbao en 1934, encargando Guridi la refundición del libreto a sus colaboradores habituales Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Para esta nueva versión, el compositor reinstrumentó toda la partitura; modificó algunos números y añadió otros nuevos, intentando no desvirtuar la obra.

En 1947, el compositor pidió al escritor Jesús María de Arozamena una nueva revisión de la obra. Arozamena partió de la versión de 1934, utilizando también elementos del libreto original de Echave, y escribió dos versiones, en castellano y en vasco. Esta última y definitiva ‘Mirentxu’ fue estrenada por la Compañía Lírica Donostiarra en el Teatro del Gran Kursaal de San Sebastián precisamente el 24 de noviembre de 1947, recibiendo el Premio Nacional de Teatro Ruperto Chapí. Y es esta versión “definitiva” la que se podrá escuchar estos días en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

A pesar de que no se han podido hallar datos documentados de que la obra se presentara como ópera más allá de su estreno de Barcelona, persiste desde siempre la misma pregunta: ¿Es ‘Mirentxu’ una ópera o una zarzuela? Nagore Ferrer responde: “Como afirma acertadamente Ramón Lazkano en su introducción a la edición crítica publicada por el Instituto Complutense de Ciencias Musicales en 2009, la indefinición de la obra no dejó de plantear problemas a Guridi durante los más de treinta años de gestación de la obra definitiva: se trata de una obra «a medio camino entre un singspiel y una zarzuela éuscara, o de un drama verista y una escena pastoral».”

La doble cita en La Zarzuela

En la doble cita con ‘Mirentxu’ en el Teatro de la Zarzuela, el podio será asumido por Óliver Díaz, quien deberá enfrentarse a la maestría orquestadora de Guridi; a su inspiración en la creación de melodías o a la minuciosa arquitectura vocal de la obra. Para encarar todas estas demandas, contará con un equilibrado reparto de voces extraordinariamente adecuadas a las exigencias del compositor.

La soprano Ainhoa Arteta interpretará el papel de Mirentxu, hija de Manu el molinero, y prima de Raimundo, que vive con ellos y de quien está enamorada sin éxito. El papel de Raimundo, enamorado a su vez de Presen, amiga de Mirentxu, lo asumirá el tenor Mikeldi Atxalandabaso. El bajo-barítono Christopher Robertson hará las veces de Txanton, el anciano que cuida de los niños –cuya hermana mayor es Presen– en la casa vecina al molino donde habitan Manu, Mirentxu y Raimundo. El rol de Presen será encarnado por la mezzosoprano Marifé Nogales. Por su parte, el barítono José Manuel Díaz dará vida a Manu. A todos ellos se unirán también como solistas el barítono Mario Villoria, componente del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, y los niños Patricia Valverde y Azahara Bedmar, miembros del Coro de Voces Blancas Sinan Kay.

La historia de ‘Mirentxu’ en esta ocasión está recreada por el reconocido dramaturgo Borja Ortiz de Gondra y será el actor Carlos Hipólito quien entre los números musicales vaya desdoblando la sucesión de acontecimientos que desembocarán en la tragedia final.

La Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro, y el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, completan el cuadro artístico de esta histórica recuperación que contará con un hito más: la grabación y posterior emisión de la obra por parte de Radio Clásica de RTVE. La decisiva importancia de este registro consiste en que hasta la fecha no existen grabaciones válidas de ‘Mirentxu’.

Ricardo Llorca tardó tres años en componer ‘Tres sombreros de copa’, sorprendente zarzuela basada en la comedia de Miguel Mihura cuyo estreno en Europa acoge del 12 al 19 de noviembre el Teatro de la Zarzuela en una nueva producción. Maestro en la mundialmente acreditada Juilliard School de Nueva York, ciudad en la que reside desde hace más de 30 años, Llorca es un compositor meticuloso, exigente, muy riguroso con su propio trabajo y nada convencional. La música de la zarzuela que ahora nos propone está repleta de melodías pegadizas con una armonía que enganchará al público de principio a fin, desde donde el compositor “realiza sus incursiones en lenguajes y técnicas más contemporáneas, eso sí, la mayoría de las veces con fines dramáticos”, como indica el estudioso Antonio Gómez Schneekloth. Y será también una suerte, por desgracia no demasiado habitual, volver a complacerse con uno de los mejores textos de Mihura, aquel memorable dramaturgo adelantado a su tiempo, precursor en España del teatro del absurdo y nunca lo suficientemente valorado.

El podio del foso lo ocupará por primera vez en este Teatro el maestro Diego Martin-Etxebarria, director principal en la Ópera alemana de Chemnitz, cuya sobresaliente carrera se ha centrado fundamentalmente en escenarios in­ternacionales. En estas funciones estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela, Orquesta de la Comuni­dad de Madrid, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela y de un extraordinario reparto. Para Martin-Etxebarria, la partitura de Ricardo Llorca tiene todos los alicientes: “Se trata de una partitura muy original –inspirada en el folklore napolitano y del sur de Italia–, muy exigente para la orques­ta, con mucho metal, percusión y una estructura rítmica riquísima, con reminiscencias de la mú­sica de circo y algunas curiosidades como un ins­trumento que no suele escucharse en teatros de ópera como es el acordeón”.

La nueva producción del Teatro de la zarzuela ‘Tres sombreros de copa’, encargada y editada por la New York Opera Society y estrenada en el Teatro Sérgio Cardoso de São Paulo en 2017, contará con la siempre inesperada y lúcida puesta en escena de José Luis Arellano, para quien el teatro de Mihura fue desde el primer momento un motivo mágico de fascinación: “Aquellas mujeres sin madre, aquellos hombres locos detrás de aquellas bailarinas, aquel humor que sentía tan cercano y por encima de todo, la poesía sencilla escondida bajo toda esa rutina vulgar y tremenda”. Y eso se traslada al escenario, ahora, de una forma muy especial: “Volvemos a levantar el telón para contar una vez más esta historia, quizá de una manera diferente. Le acompaña el susurro velado de la música de Ricardo con la misma afición y el mismo vértigo de esos malabaristas que lanzan sus objetos con la esperanza y el rigor de que caigan de nuevo en sus manos”.

Palabras las de Arellano que definen al milímetro lo que no se ve pero existe. Pero entusiasma. Y en ello tendrán también mucho que ver las voces extraordinarias de cada cantante, las artes convincentes de los actores.

El elenco artístico de Tres sombreros de copa está formado por el tenor Jorge Rodríguez-Norton, que este pasado verano se ha convertido en el tercer español que en 143 años debuta en el Festival de Bayreuth (lo hizo con ‘Tannhäuser’, y los dos anteriores fueron Plácido Domingo y Victoria de los Ángeles), interpretará el entrañable papel de Dionisio, que encuentra en Paula –una divertida bailarina interpretada por la joven y virtuosa soprano Rocío Pérez–, una forma distinta y más feliz de ver el mundo. El tenor Emilio Sánchez y el barítono Gerardo Bullón harán las veces de Don Rosario y Don Sacramento, dos personajes episódicos que permiten apuntalar la historia de Dionisio tanto al principio como al final. El tenor Enrique Viana, como es habitual, no dejará a nadie indiferente con su hilarante interpretación de Madame Olga, la mujer barbuda del circo. La soprano Irene Palazón y la mezzosoprano Anna Gomà, darán vida a las también bailarinas Catalina y Valentina, amigas de Paula y siempre dispuestas a divertirse.

Junto a los cantantes y al coro, ocuparán el escenario 12 actores entre los que estarán Boré Buika (Buby Barton), Marco Covela (El Forzudo Alemán), Felipe de Andrés (Monsieur Garibaldi), Mon Ceballos (El Astuto Cazador) o Chumo Mata (El Anciano Militar). Asimismo, participan en el montaje cuatro músicos solistas (violín, trompeta, piano y acordeón), tres de ellos en escena y uno en el foso.

La escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda cambia a cada momento la realidad como en un truco de magia, a lo que contribuyen con inspirada genialidad el vestuario de Jesús Ruiz, la iluminación del premio Nacional de Teatro Juan Gómez-Cornejo y la coreografía de Andoni Larrabeiti.

Como viene siendo sana costumbre en las producciones que presenta el Teatro de la Zarzuela, la función del miércoles 27 de noviembre será emitida en directo en ‘streaming’ a través de los sitios de Facebook y YouTube del Teatro, y de su página web. Igualmente, la función del sábado 16 de noviembre será grabada por Radio Clásica de RTVE para emitir en próximas fechas.

Metáfora del taburete de tres patas

Uno de los motivos que harán de Tres sombreros de copa un todo compacto, es la empatía musical entre Ricardo Llorca y Diego Martin-Etxebarria. Este último indica que para explicar su concepción de la música le gusta utilizar la metáfora del taburete de tres patas, “que en este caso serían melodía, ritmo y armonía. En el periodo clásico estas eran relativamente sencillas pero muy robustas. De ahí la música ha evolucionado de forma maravillosa estilizando, difuminando o potenciando algunas de ellas. El problema con el lenguaje más vanguardista –afirma el maestro– es que algunos compositores han hecho desaparecer estas patas hasta dejarnos sin taburete”. Así, considera que Ricardo Llorca sigue la estela de los grandes compositores: “Da formas innovadoras a los pilares que sostienen la estructura en función de las necesidades dramáticas, pero los mantiene reconocibles para que no ‘caigamos del taburete’”. Para Martin-Etxebarria esto significa que el público “tendrá melodías que podrá silbar; ritmos riquísimos, algunos incluso pegadizos; así como una armonía que sustenta el discurso musical a través de una orquestación brillante”.

En torno a ‘Tres sombreros de copa’

Además de las 7 representaciones, el Teatro de la Zarzuela ha organizado una serie de actividades en torno a la obra de Llorca:

  • Jueves 14 de noviembre: Encuentro de Ricardo Llorca en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, moderado por el también compositor José María Sánchez-Verdú.
  • Miércoles 27 de noviembre: Emisión en directo en ‘streaming’ de la función a través de los sitios de Facebook y YouTube del Teatro, y de su página web.
  • Sábado 16 de noviembre: Radio Clásica de RTVE graba la función.
  • Domingo 24 de noviembre: Ciclo ‘Domingos de cámara con Ñ’, dedicado exclusivamente a la música de cámara española de la mano de los solistas de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela (ORCAM), que en esta ocasión, y coincidiendo con las funciones de ‘Tres sombreros de copa’, estará dedicado a ‘Música española contemporánea’.

Fotografía: Javier del Real

La mezzosoprano Cristina Faus iluminará el Ambigú del Teatro de la Zarzuela el próximo lunes, 11 de noviembre (20h00), con obras de compositores para quienes María Malibran fue mucho más que una artista; una fuente de inspiración; una musa de piel luminosa. En este esperado recital, que forma parte del ciclo Notas del Ambigú, la intérprete estará acompañada por el arpista José Antonio Domené.

Aquellos compositores, comenzando por su padre, el genial músico, cantante, productor o director de escena sevillano Manuel García, o el íntimo amigo de este Gioacchino Rossini (admiradores mutuos cada uno de la obra del otro), Nicolas-Charles Bochsa o Vincenzo Bellini, cayeron de tal forma cautivados por lo insólito de su voz, por su innato talento para la música y para la escena, por esa irresistible dulzura que bailaba un continuo ‘pas de deux’ con el arrojo indomable de sus actos –una mezcla, esta, profundamente explosiva–, tan embrujados estaban aquellos, que no pudieron resistirse a tejer música para ella.

María Malibran vivió poco, tan solo 28 años. Las heridas que le causaron la caída de un caballo y su irresponsable convalecencia, terminaron por matarla. Vivió poco, su carrera no llegó a cumplir una década y aun así revolucionó profundamente el mundo de la música. Fue una estrella completa, con mucha luz. Y ahora Cristina Faus y José Antonio Domené nos abren la puerta para que entremos en su asombroso universo.

El Teatro de la Zarzuela volverá a ser así ese lugar de conciertos diferente, donde lo importante es la proximidad entre artistas y público; la inspiradora e imprevisible intimidad que solo es posible en un espacio recogido y flamante como el Ambigú.

Al concierto de Cristina Faus, segundo del ciclo, seguirá el de la también mezzo Paola Leguizamón ‘Canción colombiana’, el del barítono Borja Quiza ‘La emigración gallega, canciones de ida y vuelta’, el de la soprano Andrea Jiménez ‘Canción vasca’, el del tenor y actor Ángel Ruiz dedicado al Cuplé, el de la soprano Ruth González ‘Tres pasiones de mujer’, el de la formación barroca La ritirata liderada por el violonchelista Josetxu Obregón ‘Il Spiritillo Brando’, el del guitarrista Ricardo Gallén ‘Guitarra romántica’, el del Trío Arbós con su nueva entrega de ‘Música de cámara’ y el de la soprano Berna Perles sobre Joaquín Turina.

El Caserío
Jesús Gurido (1886-1961)
Comedia lírica en tres actos
Libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw
Madrid, 3 de octubre, Teatro de la Zarzuela
D. musical: Juanjo Mena
D. escena: Pablo Viar
Escenógrafía: Daniel Bianco
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo
Coreógrafía: Edyardo Muruamendiaraz
Reparto: Ángel Ódena, Raquel Lojendio,Andeka Gorrotxategi, Marifé Nogales, Pablo García-López, Itxaro Mentxaka, Eduardo Carranza
y José Luis Martínez
Orquesta de la Comunidad de Madrid y Coro Titular del
Teatro de la Zarzuela
Aukeran Dantza KonpainiaAl homenaje de Monserrat Caballé, que inició simbólicamente la temporada en el Teatro de la Zarzuela, le sigue el estreno de El Caserío, de Jesús Guridi y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. La escenografía está a cargo de Pablo Viar y Daniel Bianco.Tiene ya ocho años de recorrido en coproducción con ABAO de Bilbao y el Teatro Campoamor de Oviedo, pero a esta acertada escenografía no le afecta el paso del tiempo. Sus dos escenarios, la entrada de un caserío y el tradicional frontón, nos trasladan a un País Vasco atemporal e inequívoco.

La producción que nos presenta el Teatro de la Zarzuela, y que ya se pudo ver en Madrid en Los Teatros del Canal, ha prescindido, acertadamente, de algunos de los diálogos y pasajes más costumbristas y que resultan muy desactualizados.

Los críticos de la zarzuela apuntan siempre como uno de sus problemas para ser representada y entendida hoy en día, a unos textos antiguos, por desfasados. Pero todo tiene arreglo, como lleva demostrando el Teatro de la Zarzuela en las últimas temporadas. Lo que no cambia ni envejece es la música, siempre fresca y elaborada de Jesús Guridi. Nos va narrando la historia con precisión y delineando los estados de ánimo de sus personajes, gracias a una perfecta orquestación.

Al frente de la Orquesta y el Coro del Teatro Juanjo Mena. Otro vasco que hace la lectura más adecuada de una partitura rica en colores y musicalidad. Con muy buen pulso extrae las mejores prestaciones de la ORCAM y del Coro, que en esta ocasión tiene un papel actoral importante y cubre, con su actuación, la falta de otros elementos narrativos y escénicos.

Otra de las sorpresas de este Caserío son las danzas populares a cargo de Aukeran Dantza Konpainia, bajo la dirección de Eduardo Muruamendiaraz. De una profesionalidad y perfección en la ejecución absolutas. Muy bien integrados en las escenas, fueron un elemento inspirador y contextualizador de toda la obra. Aportaron dinamismo y fluidez en las transiciones escénicas.

Una producción como ésta solo puede contar con voces de primer nivel, como así ha sido. Ángel Ódena convierte en oro todo lo que canta, y su personaje del Tío Santi no iba a ser menos. Acompañado de Andeka Gorrotxategi, con un hermoso y peculiar timbre de tenore di forza, que da vida a un José Miguel frívolon y atolondrado, hasta que encuentra el amor de Ana Mari, a la que da forma Raquel Rojendio, otro lujo para el reparto.

El personaje de Inosensia está a cargo de otro valor seguro en éste Teatro, Marifé Nogales canta, baila y actúa, no se puede pedir más. Pablo García López se encarga de dar vida a un vibrante Txomin, que está muy bien acompañado en escena por la divertida Eustasia, de Itxaro Mentxaca, el marido holgazán de Inosensia, que interpreta Eduardo Carranza y un atribulado Don Leoncio, de la mano de José Luis Martínez.

Un más que atractivo inicio de temporada que tendrá su continuidad, con la música de Guridi, en su primera ópera, Mirentxu, que en versión concierto podremos ver el 22 y 24 de noviembre, con Ainhoa Arteta y Mikeldi Atxalandabaso como protagonistas.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

La soprano argentina Virginia Tola abrirá mañana martes, 8 de octubre (20h00), la nueva temporada del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela. Acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre, la cita será un emocionante viaje sentimental a través de la canción argentina, que surcará un mar deslumbrante de alegrías y penas; amores, desamores, nostalgia y olvido. La cuarta temporada del ciclo ofrece 11 recitales, lo que supone más del doble que en su primera edición.

Desde composiciones de Carlos Guastavino con ‘Pampamapa’, ‘En los surcos del amor’ o ‘Se equivocó la paloma’, hasta el eterno Carlos Gardel con ‘Vol­er’, ‘Melodía del Arrabal’ o ‘El día que me quieras’, el recital irá desgranando, de emoción en emoción, obras inolvidables y revisitadas de Alberto Williams –‘Vidalita’, ‘Milonga calabacera’–, Carlos López Buchardo –‘Si lo hallas’ o ‘Prendiditos de la mano’–, Astor Piazzola –‘Verano porteño’ (piano solo)– y Alberto Ginastera –‘Canción del árbol del olvido’, ‘Cinco canciones populares argentinas’, op. 10–.

El Teatro de la Zarzuela volverá a ser así ese lugar de conciertos diferente, donde lo importante es la proximidad entre artistas y público; la inspiradora e imprevisible intimidad que solo es posible en un espacio recogido y flamante como el Ambigú.

Al concierto de Virginia Tola seguirá el de la mezzosoprano Cristina Faus ‘María, de García a Malibrán’, el de la también mezzo Paola Leguizamón ‘Canción colombiana’, El del barítono Borja Quiza ‘La emigración gallega, canciones de ida y vuelta’, el de la soprano Andrea Jiménez ‘Canción vasca’, el del tenor y actor Ángel Ruiz dedicado al Cuplé, el de la soprano Ruth González ‘Tres pasiones de mujer’, el de la formación barroca La ritirata liderada por el violonchelista Josetxu Obregón ‘Il Spiritillo Brando’, el del guitarrista Ricardo Gallén ‘Guitarra romántica’, el del Trío Arbós con su nueva entrega de ‘Música de cámara’ y el de la soprano Berna Perles sobre Joaquín Turina.

El lunes 7 de octubre a las 20h, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presentan en el XXVI Ciclo de Lied al barítono alemán Matthias Goerne, que este año cumple dos décadas desde su debut en el ciclo. Goerne ha sido el artista que más veces ha participado, con un total de veinte recitales a lo largo de diecisiete ediciones. Siempre con programas especialmente exigentes, las sorprendentes propuestas de Goerne para voz masculina revelan su permanente inquietud en este género. El barítono interpretará junto al pianista Alexander Schmalcz, un programa heterogéneo protagonizado por la música de Frank Martin, Dmitri Shostakóvich, Hans Pfitzner y Richard Strauss. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Goerne: 20 aniversario

Según palabras de Miguel Ángel González Barrio en las notas al programa: “Matthias Goerne y Alexander Schmalcz nos proponen un recital denso y variado. En cada parte, dos compositores coetáneos dialogan sobre los mismos temas. Ellos y sus poetas, sus voces, estilos respectivos y puntos de vista son confrontados. En el proceso contemplamos el asunto desde distintos ángulos, con diferente luz, adquiriendo una imagen más rica y completa.”

Matthias Goerne es uno de los cantantes más versátiles y solicitados internacionalmente y un invitado frecuente en festivales y salas de conciertos de renombre. Ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes del mundo. Nacido en Weimar, estudió con Hans-Joachim Beyer en Leipzig y más tarde con Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Matthias Goerne ha cantado en los principales teatros de ópera del mundo, como el Metropolitan Opera de Nueva York, el Royal Opera House Covent Garden, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de París y la Ópera Estatal de Viena. Sus roles van desde Wolfram, Amfortas, Wotan, Orest y Jochanaan hasta los papeles principales en Duke Bluebeard’s Castle de Béla Bartók y Wozzeck de Alban Berg. El arte de Goerne ha sido documentado en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido prestigiosos premios, entre ellos, cuatro nominaciones a los Grammy, el Premio ICMA, el Premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017 y el Diapason d’Or. Después de sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel para Universal Music, registró una serie de canciones de Schubert seleccionadas en doce álbumes para Harmonia Mundi (The Goerne/Schubert Edition) con eminentes pianistas. Sus últimas grabaciones han recibido críticas muy favorables. Además de su residencia en la Filarmónica de Nueva York, otros aspectos destacados de la temporada 2018-2019 incluyeron conciertos con otras orquestas importantes en Estados Unidos, Europa y Japón. Matthias Goerne ha cantado acompañado por Daniil Trifonov, Leif Ove Andsnes y Antonio Pappano, en la Philharmonie en Berlín, la Philharmonie de París, el Wigmore Hall en Londres, el Palau de la Música en Barcelona y otros lugares importantes de Europa. Por último, Goerne ha estado presente en los festivales de verano de 2019 en Ravinia, Salzburgo y Verbier. Matthias Goerne ha participado en diecisiete ediciones del Ciclo de Lied: V (98-99), VI (99-00), VII (00-01), VIII (01-02), IX (02-03), X (dos recitales, 03-04), XII (05-06), XIII (06-07), XIV (07-08), XV (08-09), XVI (09-10), XVII (10-11), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXIV (tres recitales, 17-18), XXVI (19-20).

Fotografía: Caroline de Bon

Mahler había dicho “soy apátrida por triplicado: nativo de Bohemia en Austria, austríaco entre los alemanes y judío en todo el mundo. Siempre un intruso, nunca bienvenido”, era prisionero de la época que le tocó vivir. El imperialismo vienés entraba en decadencia y se abrían paso las nuevas corrientes artísticas, intelectuales y filosóficas, encabezas por Klimt, Olbrich, von Hoffmannstahl o Freud, su amigo personal.

Tardó en llegarle el reconocimiento. La originalidad de sus composiciones, por un lado, y el auge del nazismo en Alemania y Austria por otro, hicieron que su obra fuera catalogada como “degenerada”. A esto se unía el ambiente antisemita de la sociedad vienesa de la época que, tras una campaña en la prensa destinada a su expulsión de la Ópera de Viena, logró que en 1907 Marler se trasladara a Nueva York, donde dirigió la Ópera Metropolitana entre 1908 y 1910. Al año siguiente regresaría a Viena donde falleció el 18 de mayo, aquejado de una grave enfermedad.

Tras la Segunda Guerra Mundial, dos de sus alumnos más brillantes, Bruno Waltter y Otto Klemperer, comenzaron la difusión de su obra, tras más de 50 años de indiferencia.

Gran admirador de Wagner, había intentado sin éxito componer ópera, pero si desarrolló una brillante carrera como compositor de sinfonías y lieder orquestales. Aunque se trata de dos géneros diferentes, en Mahler no se entiende el uno sin el otro. A lo largo de su carrera compositiva, ambos géneros se retroalimentaban. A partir de 1890, Mahler orquestó todas sus canciones, dotándolas de una entidad sinfónica que enriqueció notablemente su música vocal.

El Teatro de la Zarzuela dedica en su XXVI Ciclo de Lied dos series completas de las obras de lied de Gustav Mahler. En esta primera entrega se interpretan las Llieder eines fahrenden gesellen (1884-1885), canciones del camarada errante. Este fue el primer ciclo de canciones como tal, que compuso al término de su tormentosa relación amorosa con la soprano Johanna Richter, mientras era director de la Casa de Ópera en Kassel, Alemania.

Las Lieder acompañadas de piano no deben considerarse como obra menor. Mahler era un pianista extraordinario y es el conocimiento absoluto del instrumento, junto a la claridad y perfección que buscaba en sus composiciones, las que hacen que estas versiones de voz y piano estén tratadas como una versión orquestada, llena de matices y texturas sinfónicas.

Christian Gerhaher y Gerold Huber elevan a su máxima expresión el término compenetración. Ambos fueron alumnos del gran Dietrich Fischer-Dieskau, lo que se nota, entre otras cosas, en la fiel interpretación que realizan. Dieskau pensaba que a Mahler no hay que leerlo entre líneas, “solo observando exactamente sus instrucciones puede ponerse de manifiesto plenamente el arte de Mahler”.

Gerhaher moduló su voz para ofrecer un registro más claro, más cercano al tenor que a su natural voz de barítono. Demostró una vez más su capacidad de articular, de decir el verso delineado y exacto con una voz depurada y fluida. Como siempre, sin necesidad de adornos estilísticos. Realiza con precisión el viaje hacia lo más profundo en la interpretación del lied. Nadie como él transita por los diferentes caracteres y exigencias que contienen estos ciclos de canciones. Dota de una profunda intimidad expresiva las Canciones del camarada errante, donde nada es accesorio. Desemboca entonces en Des knaben wunderhorn (El cuerno maravilloso del muchacho) y su voz se eleva con una rotundidad concluyente.

El broche final llegó con una honda interpretación de Kindertotenlieder (canciones sobre la muerte de los niños). No abandona la elegancia nunca, ni se deja llevar por el dramatismo, pero otorga a cada una de estas canciones una intensidad abisal y siempre sobria.

Una magnífica forma de comenzar este tradicional Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela. Sin duda, la calidad de este Ciclo supone ya un patrimonio cultural muy importante para Madrid. Que cunda el ejemplo.

Fotografía: Elvira Megías

Comienza la Temporada 2019/2020 del Teatro de la Zarzuela, y con ella la fiesta de la música y del teatro, del arte en su más amplio sentido. La celebración de nuestro patrimonio. Para ello no vale cualquier propuesta; el título elegido debe ser especial, una excelente carta de presentación de todo lo que resta por venir. Y este papel le corresponde a ‘El caserío’ de Jesús Guridi, un tesoro musical que a punto de cumplir 93 años de su estreno en este mismo escenario de la plazuela de Jovellanos –en noviembre de 1926–, llega para resarcir al público de una ausencia de 42 años. Y el remedio no puede tener mejores protagonistas: la esperada dirección musical del maestro Juanjo Mena –sin duda uno de nuestros pesos pesados de la dirección de orquesta–, la escena de Pablo Viar, colmada de sentido y poesía, y dos repartos que incluyen muchas de voces españolas más deseadas del momento. Se ofrecerán 14 funciones del 3 al 20 de octubre.

No es para menos la expectación que ha levantado esta apertura de temporada con ‘El caserío’, y no solo por ese casi medio siglo transcurrido desde que subiera por última vez a escena en el mismo teatro que lo vio nacer; o porque al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) ocupe el podio del foso nada menos que Juanjo Mena. Y es el maestro quien precisamente nos brinda alguna de las claves de la importancia que en el tiempo y el espacio tiene la obra de Guridi: “Como compositor, como orquestador, es exquisito; la belleza está al principio de todo. Guridi es uno de los centros indiscutibles de la música entre guerras –las mundiales y la Guerra Civil española–. De aquellos músicos que se vieron obligados a trabajar sin materiales y casi sin referencias”, afirma el director, que ante el peso de la música popular en la partitura del compositor, vitoriano como él, añade que este “es un señor del folclore, que aborda con todo respeto, elegancia y discreción”.

Y todo eso que Guridi plasma en la partitura, lo recoge de la forma más respetuosa el bilbaíno Pablo Viar para armar una puesta en escena llena de conocimiento y poesía que se desarrolla en Arrigorri, ese lugar imaginado, soñado por Jesús Guridi y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, “donde, como no podía ser de otra manera, todos los problemas, por complejos que sean, tendrán un final feliz”.

Y sobre las tablas, acompañados por el Coro del Teatro de la Zarzuela, dos elencos con muchas de las voces españolas que hoy triunfan en los Teatros líricos. Las sopranos Raquel Lojendio y Carmen Solís darán vida a la joven Ana Mari –sobrina del tío Santi, propietario del caserío Sasibil–, de quien está enamorado Txomin sin ser correspondido. Los barítonos Ángel Ódena y José Antonio López encarnarán al tío Santi, quien adoptó a Ana Mari cuando quedó huérfana en América y urde un plan con Don Leoncio –el cura del pueblo– para que Ana Mari y su sobrino José Miguel se enamoren. Los tenores Andeka Gorrotxategi y José Luis Sola interpretarán el papel de José Miguel, enamorado también de Ana Mari (y Ana Mari de él), pero quien abandona la aldea al saber que esta va a desposarse con su tío, con lo que perderá de un plumazo la herencia y el amor. Las mezzosopranos Marifé Nogales y Ana Cristina Marco interpretarán a Inosensia, hija de Eutasia –dueña de la sidrería–, que se declara con éxito a Txomin, criado del caserío representado por los tenores Pablo García-López y Jorge Rodríguez-Norton. El rol de Eutasia lo asumirá la mezzosoprano Itxaro Mentxaka, el de su marido Manu el actor Eduardo Carranza, y el de Don Leoncio el también actor José Luis Martínez.

La escenografía de Daniel Bianco, inspirada y hermosa, representa un frontón como centro de los aconteceres de Arrigorri, como una suerte de plaza del pueblo tras el que se intuye la hegemonía de la tierra; la supremacía de la naturaleza. El vestuario de Jesús Ruiz, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo y la coreografía de Eduardo Muruamendiaraz completan la singular propuesta artística de esta producción del Teatro Arriaga de Bilbao y del Teatro Campoamor de Oviedo.

En el escenario concurrirán asimismo tres figurantes, cuatro niños y ocho bailarines de la Aukeran Dantza Konpainia dirigida por el propio Muruamendiaraz.

Y como la ocasión lo reclama, la función del jueves 17 de octubre será emitida en directo a través de los sitios de Facebook y YouTube del Teatro, y de su página web. Igualmente, la función del sábado 19 de octubre será retransmitida en directo a través de Radio Clásica de RTVE.

‘El caserío’: alma y tierra vascas

‘El caserío’ de Jesús Guridi expresa de forma indudable y precisa el alma, la raza y la tierra vasca. Tras ‘Mirentxu’ (1910) y ‘Amaya’ (1920), Guridi se trasladó a vivir a Madrid para impulsar su carrera y pronto empezó a trabajar en un nuevo proyecto de ambientación vasca. Para ello contactó con los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. De aquellos propósitos y estas alianzas nació ‘El caserío’, una zarzuela –comedia lírica en tres actos, según reza en la partitura– que apoyada en un buen libreto destaca por una extraordinaria partitura, rica y variada, resuelta con un dominio absoluto del lenguaje musical.

Su éxito fue formidable y pasó a convertirse una de las grandes piezas del repertorio zarzuelístico. No en vano, Arrigorri, “aldea imaginaria de Vizcaya”, tiene algo de aldea soñada, de lugar idílico y feliz, que contemplamos a través de la mirada poética de la música.

Por eso, el maestro Juanjo Mena habla de la familia, la tierra y la casa al referirse a ‘El caserío’: “Soy vasco y vivo en un caserío…, estoy inmerso en el mundo de Guridi. Contar con esta producción es una forma importante —tras más de cuarenta años de ausencia— de volver a escuchar esta música aquí, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid donde se escuchó por vez primera”.

El propio director de escena, Pablo Viar —también vasco, de Bilbao—, comenta que “ese Arrigorri soñado surge mágicamente entre la niebla durante apenas unos días cada mucho tiempo y sus entrañables habitantes, como los personajes del teatro, solo despiertan, aman, ríen y lloran, durante un breve instante cada muchos años”. Volvamos pues a disfrutar de la poesía del teatro lírico a través de una de las grandes obras de ese talento insólito que fue (y sigue siendo) Guridi.

En torno a ‘El caserío’

Además de las 14 representaciones, el Teatro de la Zarzuela ha organizado una serie de actividades en torno a la obra de Guridi:

  • Viernes 11 de octubre: Encuentro del Maestro Juanjo Mena con alumnos de la Escuela Superior de Canto de Madrid.
  • Miércoles 16 de octubre: Encuentro de Pablo Viar con alumnos de la Escuela Municipal de Arte Dramático.
  • Jueves 17 de octubre: Emisión de la función en ‘streaming’ a través de los sitios de Facebook y YouTube del Teatro, y de su página web.
  • Sábado 19 de octubre: Emisión en directo a través de Radio Clásica de
  • Domingo 20 de octubre: Inicio del nuevo ciclo ‘Domingos de cámara con Ñ’, dedicado exclusivamente a la música de cámara española de la mano de los solistas de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela (ORCAM), que en esta ocasión, y coincidiendo con la última función de ‘El caserío’, estará dedicado a ‘Cuartetos vascos’ con música de José María Usandizaga y del propio Jesús Guridi. Fotografía: Enrique Moreno Esquibel

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela inauguran el próximo lunes 30 de septiembre el XXVI Ciclo de Lied. Los elegidos para abrir esta edición son el barítono alemán Christian Gerhaher y el pianista Gerold Huber, uno de los dúos más exitosos y destacados del panorama liderístico actual, que presentarán la primera parte de un monográfico dedicado a Gustav Mahler. La segunda cita de este programa se celebrará el 13 de enero de 2020.

Con diez conciertos programados de septiembre de 2019 a junio de 2020, esta temporada visitarán el ciclo de Lied las voces líricas más importantes de la actualidad, con variados y sugerentes programas de gran interés musical. Matthias Goerne, Nancy Fabiola Herrera, Christoph Prégardien, Simon Keenlyside, Manuel Walser, Ian Bostridge, Anna Lucia Richter y Marlis Petersen, interpretarán a Schubert, Schumann, Shostakóvich, Strauss, Wolf, Brahms y Wagner, entre otros. Les acompañarán en escena pianistas de la talla de Julius Drake, Gerold Huber, Alexander Schmalcz, Mac McClure, Caroline Dowdle, Igor Levit o Stephan Matthias Lademann.

Las entradas para todos los conciertos, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, red de teatros del INAEM, 902 22 49 49 y entradasinaem.es.

Dos citas para Mahler

Según apunta Luis Suñén en el programa de mano: “Alguna vez ha dicho Christian Gerhaher que su máxima aspiración como cantante es llegar a lo más hondo en la interpretación de la canción de arte alemana”. Como parte de esta aspiración, el barítono bávaro desgranará el lenguaje liederístico de Gustav Mahler en dos sesiones: durante la cita inaugural del ciclo (30 de septiembre) y a principios del próximo año (13 de enero 2020). En este primer recital, Gerhaher y Huber nos introducirán en el mundo mahleriano más cercano a la tradición popular a través de los legendarios ciclos Lieder eines fahrenden Gesellen (Lieder del caminante) y Des Knaben Wunderhorn (El muchacho de la trompa mágica) (selección), así como en el alucinado lirismo de los Kindertotenlieder (Canciones de los niños muertos).

Durante sus estudios de Medicina, el barítono Christian Gerhaher (Straubing, Alemania, 1969) perfeccionó su formación vocal en las clases de Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf e Inge Borkh. Gerhaher asistió a la Escuela de Música y Teatro de Múnich y, junto con su pianista habitual, Gerold Huber, estudió Interpretación con Friedemann Berger y recibió clases de canto de Paul Küen y Raimund Grumbach.

Sus ejemplares interpretaciones de lied junto a Huber han creado escuela. Ambos actúan frecuentemente en escenarios internacionales, como en el Lincoln Center de Nueva York, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Philharmonie de Colonia y de Berlín, el Konzerthaus y el Musikverein de Viena o el Wigmore Hall de Londres, entre otros. Gerhaher es también invitado habitual en festivales como el Rheingau Music, los Proms de Londres, los festivales de Edimburgo y Lucerna y el Festival de Salzburgo. En la pasada temporada, centrada particularmente en recitales de lied, presentó cinco programas diferentes con Gerold Huber en Salzburgo, Milán, Múnich, Berlín, Leipzig, Viena, Baden-Baden, Ginebra, París, Londres, Madrid y Schwarzenberg, así como en una gira por Estados Unidos. Es artista exclusivo de Sony Classical. Intérprete asiduo del CNDM, Gerhaher ha participado en doce ediciones del Ciclo de Lied en el Teatro de la Zarzuela.

Fotografía: Christian Gerhaher © Sony_Gregor Hohenberg

El Teatro de la Zarzuela ha iniciado la nueva temporada con un sentido homenaje a Montserrat Caballé. Una gala lírica española en la que es “su casa en Madrid”, como no se cansa de repetir Daniel Bianco, director de este Teatro, que se mostró emocionado en las palabras que dedicó a la soprano al inicio de la gala.

La gala ha estado protagonizada exclusivamente por la música. No se han proyectado imágenes, tan solo una al inicio y al final. Algo muy adecuado para homenajear a quien vivía para la música. “Buscaba la música detrás de la música”, ha señalado Bianco en un discurso que ha emocionado a los hijos y hermanos de Caballé, presentes en el acto desde el palco nº 8, que llevará desde hoy el nombre de Montserrat Caballé.

Caballé debutó en La Zarzuela en 1964 con “Antología de la tonadilla y la vida breve”, bajo la dirección del Maestro Odón Alonso. Desde entonces han sido muy numerosas sus participaciones, tanto en óperas como en zarzuelas.

En la gala han participado Celso Albelo, Rubén Amoretti, Ainhoa Arteta, Yolanda Auyanet, María Bayo, Maite Beaumont, Gabriel Bermúdez, José Bros, Mariola Cantarero, Carlos Chausson, Andeka Gorrotxategi, Airan Hernández, Nancy Fabiola Herrera, Ismael Jordi, Pilar Jurado, David Menéndez, Marina Monzó, Sabina Puértolas, Jose Luis Sola y Virginia Tola. Todos bajo la dirección del maestro Oliver Díaz, al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela, Orquesta de la Comunidad de Madrid. Hay que resaltar que todas las interpretaciones han estado a un nivel altísimo, como la ocasión merecía. Al final de la gala, su gran amiga Nuria Espert, ha emocionado a todos recordando a la gran soprano en su aspecto más humano.

Un merecido y muy sentido homenaje del Teatro de la Zarzuela y del público de Madrid a una cantante única.

El guitarrista flamenco José Fernández Torres, ‘Tomatito’ (Almería, 1958), cerrará por todo lo alto la temporada 2018/2019 del Teatro de la Zarzuela. Será con un concierto especialmente emotivo, ya que servirá para rendir homenaje a Joaquín Rodrigo, de cuyo fallecimiento en Madrid se cumplieron 20 años el pasado 6 de julio. El ‘Concierto de Aranjuez’, una de las obras cumbres del compositor de Sagunto y uno de los pilares indiscutibles y universales de la música orquestal española, servirá de excusa para este conmovedor y necesario recuerdo que tendrá lugar en el coliseo de la calle Jovellanos este próximo viernes, 12 de julio, a las 20h00.

El músico almeriense, una de las ‘piedras preciosas’ que nos ha regalado el flamenco, la música en general en las últimas décadas, estará arropado por la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular del Teatro de la Zarzuela, bajo la siempre sabia conducción de Víctor Pablo Pérez, director titular de la formación.

Esto será en la segunda parte del cuidado programa dedicado a la gloria de la música española. En la primera, la ORCAM interpretará la bella suite orquestal ‘Canciones y danzas de Dulcinea’ de Antón García Abril y ese viaje sensorial absoluto que es ‘El amor brujo’ de Manuel de Falla.

Tomatito carga en sus espaldas parte de la historia más lustrosa, enraizada y libre de nuestra música. Casi 20 años acompañando a Camarón de la Isla, una comunión perfecta que solo pudo romper la muerte prematura del cantaor gaditano de San Fernando. Y mientras, y después, navegando en los mismos barcos, sobre los mismos mares que Paco de Lucía, su más clara referencia artística, musical, vital; o que el no suficientemente llorado Enrique Morente. O que ese grande llamado José Mercé con quien ahora comparte proyecto (‘De verdad’). O que el luminoso pianista de jazz Michel Camilo, con quien hace ya muchos lustros comparte escenario. Porque, como le sucedía también a Paco de Lucía, José Fernández Torres ama la música total, sin fronteras, sin etiquetas. Así son y así se manifiestan los genios. Quienes de verdad lo son.

Foto: A.P.

El pasado 3 de junio terminaba la XXV edición del Ciclo de Lied que conjuntamente celebran el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música. Y lo hacía de una forma original. En torno a un excelente programa, en el que tuvo mucho que ve el pianista acompañante, Justus Zeyen, se celebró, al modo vienés, una reunión de extraordinarios intérpretes que no hicieron sino potenciar el arte del que cada uno es capaz.

Thomas Quasthoff, que hasta 2012 ha desarrollado una exitosa carrera como barítono, se encargó de narrar, de manera brillantemente dramática, los textos que introducían las obras que a continuación interpretaban el tenor Michael Schade y el barítono Florian Boesch.

Ofrecieron obras de Eichendorff, Mendelssohn, Nietzsche, Brahms, Schubert, Schumann, Heine, Liszt y Wolf. Interpretaron las lied en solitario o formando dúo en una noche inolvidable, no solo por la originalidad del formato, sino por la calidad de los cuatro intérpretes.

Sin duda el Ciclo de Lied, que la próxima temporada llega a su edición XVI, es uno de los más interesante y de mayor calidad que se programan en España y a un precio tan asequible, que resulta ridículo. Si tienen ocasión, no se pierdan la próxima temporada.

Esta XXVI edición ofrecerá 10 recitales: El barítono Christian Gerhaher (30 de septiembre), el barítono Matthias Goerne (7 de octubre), la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera (25 de noviembre), el tenor Christophe Prégardien (2 de diciembre), el barítono Christian Gerhaher (13 de enero), el barítono Simon Keenlyside (3 de febrero), el barítono Manuel Walser (30 de marzo), el tenor Ian Bostridge (20 de abril), la soprano Anna Lucia Richter (4 de mayo) y la soprano Marlis Petersen (29 de junio), completarán la propuesta de la nueva temporada.

Fotografía: Ben Vine – CNDM

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela clausuran el próximo lunes 3 de junio a partir de las 20h00 el XXV Ciclo de Lied con un programa especial protagonizado por los barítonos Thomas Quasthoff (como narrador) y Florian Boesch junto al tenor Michael Schade, acompañados por el pianista Justus Zeyen. El programa elegido para esta velada se sumerge en la esencia del Romanticismo, con lieder, dúos y melodramas compuestos por los grandes nombres de este género: Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Johannes Brahms, Franz Liszt o Hugo Wolf, sobre textos de Joseph von Eichendorf y Heinrich Heine. A todo ello se unirá el lied ‘Das zerbrochene Ringlein’, rareza escrita por Friedrich Nietzsche con texto de Von Eichendorf.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es> y 902 22 49 49.

Heine y Von Eichendorf: la poesía en el corazón del lied

Según el estudioso Luis Gago, “’Heine in der Musik’, el catálogo compilado por Günter Metzner, abarca doce gruesos volúmenes dedicados a explorar la fortuna musical de los poemas de Heinrich Heine, a pesar de lo cual no puede tenerse siquiera por exhaustivo: las cifras son abrumadoras, ya que se trata de más de dos mil quinientos compositores y una cifra que supera las ocho mil canciones inspiradas por el poeta alemán. Y resulta especialmente sintomático que hayan sido muchísimos los músicos que decidieron elegir poemas de Heine como la inspiración textual de su op. 1, como si ese hermanamiento les granjeara simbólicamente acceso al panteón de los liederistas más ilustres. El propio Brahms llegó a afirmar al final de su vida que había puesto música «a casi todo Heine» en su juventud, sin duda, una exageración, pero reveladora de que el poeta alemán había pasado a formar parte del ritual de bautismo de todo aquel que quisiera adentrarse por ese camino que había empezado a desbrozar Franz Schubert al filo de su muerte. Y la entrada no quedaba circunscrita a los alemanes: los franceses —en cuyo país vivió exiliado el poeta los últimos veinticinco años de su vida— hicieron suyo a «Henri Heine» (como reza la placa colocada en la casa en que murió, en el número 3 de la Avenue Matignon parisiense) casi como un compatriota, y no ha faltado incluso quien lo ha considerado el antecesor directo de un Jean-Paul Sartre o, más en general, de los intelectuales franceses engagés de la segunda posguerra mundial; en Italia, circularon profusamente los poemas de «Enrico Heine»; Gustavo Adolfo Bécquer adaptó entre nosotros sus versos; y, sin gran esfuerzo, encontraremos canciones con sus poemas traducidos al ruso firmadas por Chaikovski, Glazunov o Borodin. Poemas como «Du bist wie eine Blume» o «Leise zieht durch mein Gemüt» acumulan bajo su modestísimo puñado de versos centenares de versiones musicales.

El amor por la naturaleza y el deslumbramiento que sintió Joseph von Eichendorf al conocer la colección ‘Des Knaben Wunderhorn’ (lo que lo llevó a entablar amistad con sus compiladores, Achim von Arnim y Clemens Brentano) dejaron una honda huella en sus propios poemas, pródigos en referencias musicales y en descripciones de sonidos de la naturaleza, algo a lo que un oído tan sensible como el de Felix Mendelssohn no podía dejar de mostrarse receptivo. La música tiene también un papel determinante en su obra en prosa más difundida, ‘Aus dem Leben eines Taugenichts’ (De la vida de un inútil), un ejemplo de prosa poética de alta escuela protagonizada por un violinista errabundo y que acoge, asimismo, numerosos poemas y canciones. Sin alcanzar las prodigiosas cifras de Goethe o Heine, Eichendorff fue el tercer gran poeta predilecto de los compositores románticos: Dietrich Fischer-Dieskau cifró en más de cinco mil las canciones compuestas a partir de sus poemas desde que empezaron a publicarse, esto es, en los últimos sesenta y cinco años del siglo XIX.“.

Durante casi cuatro décadas, Thomas Quasthoff ha movido los corazones de innumerables oyentes con su arte. Terminó su destacada carrera como cantante en 2012 aunque ha conservado sus estrechos vínculos con la música y el canto como profesor en la Hanns Eisler Music Academy en Berlín e impartiendo clases magistrales. Quasthoff fue uno de los cantantes más notables en su campo, invitado frecuentemente a cantar con la Berliner y Wiener Philharmoniker, entre otras con directores como Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Christoph Eschenbach, James Levine, Bernard Haitink, Mariss Jansons, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Seiji Ozawa, Sir Simon Rattle, Helmuth Rilling, Christian Thielemann y Franz Welser-Möst. Además de sus compromisos como docente ha desarrollado otras virtudes como narrador, comediante, moderador e incluso como actor. Tras su gran éxito en el otoño de 2012, donde apareció por primera vez como actor en el papel de Feste en ‘Twelfth Night’ de Shakespeare, continuó desempeñando este rol en el Berliner Ensemble durante 5 años hasta mayo de 2017.

Durante los últimos años Quasthoff ha demostrado que le gusta enfrentarse a nuevos desafíos. En 2010 lanzó su programa de soul/blues/jazz titulado ‘Tell It Like It Is’ que giró por toda Europa. Desde entonces, vuelve una y otra vez a los conciertos de jazz junto a algunos instrumentistas de renombre internacional: Frank Chastenier (piano), Dieter Ilg (contrabajo) y Wolfgang Haffner (batería). El año pasado su concierto ‘My favourite things’ cerró el ciclo Jazz en el Auditorio del CNDM.

Fotografía: Bernd Brundert

Casa Limón, uno de los proyectos artísticos más trascendentes y de mayor alcance de las últimas décadas, cumple 20 años. La ocasión, sin duda, requiere una celebración por todo lo alto, y esa es la festiva intención de los dos conciertos que bajo el lema Casa Limón & Friends ofrecerá el Teatro de la Zarzuela el 7 y 8 de junio a las 20h00. Dos conciertos de esos que suceden pocas veces, que se recuerdan toda una vida. Javier Limón es el alma de todo. Quien tiene la clave, la varita mágica, las ideas, los genios, los ingenios y las seguridades que han convertido un sueño que pudiera parecer loco e inalcanzable, en una de las más asombrosas realidades de nuestra música, la música en español, la música con Ñ. La música de aquí, de profundas y ancestrales raíces, bailando libre, de forma natural con los ritmos y culturas de otros confines; abierta a cualquier género hasta convertirse en uno solo y universal. Sin fronteras.

Son, pues, dos décadas liderando un movimiento musical de máxima calidad que ha contado con la colaboración de artistas de muy diversos estilos, procedencias y culturas. Desde el flamenco cubano de ‘Lágrimas negras’ o Paco de Lucia hasta el jazz de Wynton Marsalis, el fado de Mariza, el rock de Andrés Calamaro o la música india de Anoushka Shankar, el sonido de Casa Limón ha nutrido grabaciones y conciertos en directo por todo el mundo.

En los dos conciertos del Teatro de la Zarzuela este espíritu indispensable estará en todo momento a flor de piel. En ellos, Javier Limón presentará una banda de all stars donde los grandes músicos que han formado parte de esta aventura sin fin acompañarán a algunas de las estrellas que son ya para siempre parte de la familia Limón. Y lo harán repasando un repertorio que en la memoria colectiva de todos vive hoy en absoluta vanguardia. Entre las dos noches serán 22 artistas, además del propio Javier Limón, quieres acompañarán a este grupo de intérpretes destinados a cambiar una y otra vez las reglas de la música.

Clásicos para todos los corazones

Los artistas que brindarán su talento en los conciertos de La Zarzuela son de una heterogeneidad mágica y sorprendentemente armónica. Son ya clásicos y para todo tipo de corazones. El viernes 7 de junio irán iluminando el escenario cantantes como Mariza –una de las más importantes, geniales e irrepetibles artistas portuguesas–, Pitingo –flamenco de arte y corazón, con un talento especial para el mestizaje–, Arcángel –indiscutible primera figura del arte jondo mundial–, Ainhoa Arteta –una de las voces esenciales en los teatros líricos del mundo–, Mala Rodríguez –artista única y poderosa; rompedora y extraordinaria donde las haya–, Matthew Nicholl –el pianista y compositor que es toda una leyenda en el prestigioso Berklee College of Music–, Tali Rubinstein –esa jazzista de Israel, maga absoluta de la flauta e instrumentos de viento que formará parte del batallón sonoro–, Genara Cortés –la voz gitana que arrolla sin remedio las almas que se pongan por delante–, Mar Fayos –la gran voz catalana del momento, un tesoro inclasificable–, y Javier Limón.

El sábado 8 de junio no decaerá la fiesta. El público que acuda al Teatro de la Zarzuela será testigo de una genialidad colectiva única. Los protagonistas: Kiki Morente –que vuela ya en el porvenir del cante flamenco, con las alas del pasado y el futuro del mejor arte jondo–, Clara Montes –sin duda una de nuestras voces más bellas y elegantes, cotidiana poesía–, Juan Carmona –guitarra flamenca en estado puro, las raíces que ahora son vanguardia–, Larry Monroe –el magistral saxofonista de jazz, referencia mundial del instrumento por su ingeniosa inspiración y su impar virtuosismo–, Diego del Morao –resplandeciente presente y futuro de la guitarra flamenca–, Israel Suárez Piraña –rey de la percusión flamenca, de la percusión universal, puro pálpito, puro ritmo–, Damien Sneed –pianista, organista, director de orquesta, compositor…, estrella mundial del jazz, el góspel, pop, R&B y música clásica–, Tamara Jokic –la inimitable vocalista serbia que llenará de aires balcánicos la noche–, Layth Sidiq –desde Iraq y Jordania, una de las voces y de los violinistas más grandes y emocionantes de su generación–, Argentina –diamante atemporal del cante, estrella luminosa del flamenco de hoy–, Limón Jr. –multi-instrumentista que llega de Boston en un excepcional viaje artístico y musical de ida y vuelta–, Nella –la voz venida de la isla venezolana de Margarita para iluminar el mundo– y Saúl Quirós –cantaor de talento innato y compositor de gemas de brillo inaudito–.

Y el nombre propio que en 20 años ha sido capaz de convertir la discográfica Casa Limón en una factoría de estrellas, en un proyecto de talento e inspiración insuperables, y que lo ha hecho fundamentalmente gracias al amor, es el de Javier Limón. Músico, productor, educador, especializado en flamenco, jazz, y músicas del mundo, con 10 Grammys en su haber, el artista es referencia internacional de las músicas de raíz. Destacan su versatilidad en las diferentes tareas que ha asumido como compositor, guitarrista, productor, columnista, profesor o comunicador, y la diversidad de culturas y estilos en los que ha desarrollado su carrera. Ha compuesto y producido en más de 100 discos música para más de 1000 artistas como Paco de Lucía, Wynton Marsallis, Joe Lovano, Caetano Veloso, Tom Harrel, Alicia Keys, Enrique y Estrella Morente, José Mercé, Bebo Valdés, Buika, Diego El Cigala, Mariza, o Anoushka Shankar por citar algunos nombres de una lista interminable.

Se presentarán 11 títulos líricos, 7 nuevas producciones, 2 estrenos contemporáneos, 1 reposición de producción propia y 2 recuperaciones de nuestro patrimonio lírico.

El consolidado Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– volverá a ser una de las joyas de la temporada, y los Proyectos didácticos suponen el 20% de la programación

El ciclo de Conciertos incrementa su oferta con 11 propuestas de algunas de las más destacadas voces de la lírica, el flamenco o el pop

Los recitales del ciclo ‘Notas del ambigú’, que continúa vendiendo todas las entradas, ofrece 11 recitales, más del doble que en su primera edición

Volverá el Teatro Musical de Cámara en coproducción con la Fundación Juan March y el ciclo Lied, coproducido con el CNDM

Plácido Domingo celebrará los 50 años de su debut en Madrid en el Teatro de la Zarzuela cantando ese día (14 de mayo de 2020) una función de ‘Luisa Fernanda’

Los NÚMEROS

  • La media de ocupación del teatro es del 92%
  • En la actualidad se programa un 42% más de funciones que hace cuatro años
  • El 20% de la temporada está dedicada al público joven
  • La edad media de los espectadores del Teatro se ha reducido en las tres últimas temporadas en más de 9 años
  • En la temporada actual más de 19.500 jóvenes han acudido a las funciones del teatro, tanto en el proyecto Zarza como en otros títulos de la temporada. Muy especialmente en ‘La casa de Bernarda Alba’
  • La Tarjeta Joven del Teatro de la Zarzuela supera ya los 1.000 usuarios, que disfrutan de los espectáculos y participan en los encuentros con artistas y otras actividades
  • El público abonado sigue creciendo: Hoy son 068 espectadores los que se han convertido en el público más fiel
  • En la presente temporada se han retransmitido cinco títulos a través de Facebook Live, Youtube y la web del Teatro con un alcance de 554.230 espectadores
  • Se mantienen los precios populares (4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos, último minuto y compra de abonos

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2019/2020, como la “continuación ineludible” del proyecto emprendido en 2015 por Daniel Bianco, encaminado a que el coliseo de la madrileña calle de Jovellanos “siga cumpliendo, tras cuatro temporadas, la misión para la que nació: ser el escenario privilegiado del teatro musical español, de la música con Ñ”, afirma el director del Teatro, consciente de la importancia que para ello tiene la “próspera pluralidad de España” y la “fructífera conexión con Hispanoamérica”.

Bianco, aludiendo a las cifras arriba expuestas, señala que “son solo algunos datos que demuestran que la zarzuela, su teatro y el servicio de cultura pública que cumple, están muy vivos y gozan de una salud envidiable”.

Al director del coliseo le gusta destacar que la zarzuela, nuestro extenso patrimonio lírico en general, “pone en relieve todas las españas que conviven en España”, y añade al respecto que “a la zarzuela se la suele vincular con la historia de Madrid y con la vida de sus muchos habitantes, y eso es verdad, pero sólo en parte”. En esta temporada que ahora se presenta, tenemos unas cuantas muestras que hablan en ese sentido de pluralidad al que se refería antes, y que va incluso más allá de nuestras fronteras: “Cuando hablo de nuestro patrimonio lírico eludo las fronteras y abogo por la más extensa amplitud de miras posible. Me refiero al mundo, al universo hispano y la propia España, que gracias a su diversidad ha hecho de la zarzuela un género rico, brillante y diferenciado. Porque la zarzuela es madrileña, pero también gallega, catalana, andaluza y es vasca, y asimismo es cubana, y chilena, y argentina…”

Y esa riqueza casi infinita hace que sean muchas, muchísimas las obras de formidable valor musical que por unas u otras razones cayeron en el olvido y esperan hoy a ser rescatadas, recuperadas para las nuevas generaciones de aficionados. “Siendo fieles a los estatutos del Teatro de la Zarzuela, que dicen que este teatro debe salvaguardar y difundir el género lírico español y a sus artistas, emprendimos un viaje de reparación de nuestro Patrimonio que nos ha traído grandes éxitos, como ‘La Tempestad’, ‘María del Pilar’ o ‘El sueño de una noche de verano’, y que estamos obligados a continuar”, considera Bianco.

Pero, como alegaba antes, no es una labor que se centre solamente en España: “La zarzuela creció con ímpetu viajero”, explica Daniel Bianco; “cruzó el océano como testigo de su travesía. Las obras que se estrenaban con éxito en el Teatro de la Zarzuela, en el Apolo o en cualquier otro teatro madrileño, tardaban en llegar a América tan sólo unos pocos meses”. Pero la zarzuela no sólo llegó con las compañías de cantantes que recorrían ese continente, “también bajó de los barcos con aquellos que traían desde España el recuerdo de la patria abandonada. El éxodo masivo de españoles hacia tierras fértiles ayudó a la expansión de esta forma de arte y la novedad, con el paso de los años, arraigó fuertemente”.

Por ello, expone el director del Teatro de la Zarzuela, “todos los espectadores en cada rincón de España y en cada teatro de la América Hispana somos herederos a partes iguales de esta misma tradición”. En la nueva temporada tendremos un ejemplo claro de cómo en América nacen zarzuelas propias de esas tierras. “Un fenómeno que se desarrolla muy especialmente en Cuba, con compositores tan exitosos, prolíficos y brillantes como Ernesto Lecuona o Gonzalo Roig”, concluye.

La Temporada 2019/2020, cuyo primer título lírico se presentará el 3 de octubre y se extenderá hasta el 12 de julio, presenta 11 títulos líricos, 7 nuevas producciones –‘Tres Sombreros de Copa’, ‘Cecilia Valdés’, ‘Policía y ladrones’, ‘Luisa Fernanda’, ‘Agua Azucarillos y Aguardiente’, ‘El Pájaro de dos colores’ y ‘La increíble historia de Juan Latino’– , 2 estrenos contemporáneos –‘Tres sombreros de copa’ y ‘Policías y ladrones’–, 1 reposición de producción propia –‘La tabernera del puerto’–, 2 recuperaciones de nuestro patrimonio lírico –‘Farinelli’ y ‘El pájaro de dos colores’– y 1 ópera española en versión de concierto y en euskera –‘Mirentxu’–.

Asimismo, se inicia un nuevo ciclo de conciertos de cámara, se amplía el ciclo de Conciertos y se afianza el de Notas del Ambigú.

LÍRICA

Comenzará la temporada con 14 funciones de la comedia lírica en tres actos ‘El caserío’ de Jesús Guridi en una producción del Teatro Arriaga de Bilbao y el Campoamor de Oviedo. Firmada por Pablo Viar, con Juanjo Mena en la dirección musical, escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Jesús Ruiz y unos elencos encabezados por Raquel Lojendio, Carmen Solís, Ángel Ódena, José Antonio López, Andeka Gorrotxategi o José Luis Sola; en las funciones participa el Ballet Aukeran con coreografía de Eduardo Muruamediaraz, estará en cartel del 3 al 20 de octubre.

Tras este inicio, será el turno para la ópera española y de autor vivo con ‘Tres sombreros de copa’ de Ricardo Llorca. Esta ópera basada en la obra original de Miguel Mihura, con los diálogos del propio escritor y cantables del compositor, se estrenó en Brasil y este será el estreno de la obra en Europa. La escena de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela estará dirigida por José Luis Arllano, y se han programado siete funciones del 12 al 29 de noviembre; con Dirego Martín-Etxebarría como director musical, el reparto contará, entre otros, con Jorge Rodríguez-Norton, Rocío Pérez, Emilio Sánchez, Gerardo Bullón, Enrique Viana, Irene Palazón y Anna Gomá. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda y el vestuario de Jesús Ruiz.

El 22 y 24 de noviembre el público podrá disfrutar de ‘Mirentxu’, “idilio lírico en dos actos” de Jesús Guridi, después de 52 años de ausencia de este Teatro y por primera vez en euskera. Se presentará como ópera (se estrenó como zarzuela) y en versión de concierto. Óliver Díaz, director musical del Teatro, asumirá la dirección musical, y el reparto estará integrado por Ainhoa Arteta, Mitxeldi Atxalandabaso, el británico Christopher Robertson, Marifé Nogales, y José Manuel Díaz, con Asier Etxeandia como narrador y la participación de la Escolanía Sinan Kay. Se ofrecerá en una adaptación del libreto original de Jesús María de Arozamena y Alfredo Echave, realizada por el dramaturgo Borja Ortiz de Gondra, ganador del premio Lope de Vega, quien para la ocasión ha escrito un texto que será narrado.

A continuación se vivirá un acontecimiento único: por primera vez en la historia del Teatro de la Zarzuela en su escenario se presenta una zarzuela cubana. ‘Cecilia Valdés’ de Gonzalo Roig, dirigida musicalmente por Óliver Díaz. Carlos Wagner será quien lleve a cabo la dirección de escena de esta excelente muestra de lo que ha sido y es, con un origen común, este arte lírico teatral en los países del otro lado del Océano. La escenografía es de Rifail Ajdarpasic y el vestuario de Christoph Ouvrard. Elisabeth Caballero, Eliane Álvarez, Martín Nusspaumer, Enrique Ferrer, Homero Pérez, Eleomar Cuello, Linda Mirabal y Cristina Faus integrarán el reparto de este título estrenado en 1932 en el Teatro Martí de La Habana y cuyas 13 funciones irán del 24 de enero al 9 de febrero.

Siguiendo los mandamientos estatutarios que exigen al Teatro de la Zarzuela salvaguardar y difundir el género lírico español, en la Temporada 2019/2020 se recuperará un segundo título. En esta nueva ocasión será ‘Farinelli’ una ópera de gran envergadura de Tomás Bretón, que asimismo llegará al escenario del teatro en versión de concierto. Estará dirigida en lo musical por Guillermo García Calvo, con un reparto integrado por Maite Beaumont, Rodrigo Esteves, Nancy Fabiola Herrera, Rubén Amoretti y Leonardo Sánchez y con la joven dramaturga María Velasco, que ya ha firmado la exitosa adaptación de ‘María Pilar’, adaptando el libreto de Juan Antonio Cavestany en forma de narración. Se ofrecerán dos pases, el 15 y el 17 de febrero.

La nueva temporada será también tiempo para la celebración, ya que finalmente será una realidad el estreno mundial de la zarzuela contemporánea ‘Policías y ladrones’ de Tomás Marco con libreto de Álvaro del Amo. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela cuenta con la dirección de escena de Carme Portaceli y la dirección musical de José Ramón Encinar, y conformarán el reparto Manuel Lanza, Ernesto Morillo, Sara Blanch, Pablo García López y María Hinojosa. Serán cinco funciones del 26 de marzo al 5 de abril.

Si hay un título indispensable en la historia del Teatro de la Zarzuela ese es ‘Luisa Fernanda’, de Federico Moreno Torroba con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. El Teatro de la Zarzuela y esta obra han estado estrechamente unidos desde 1934, dos años después de su estreno en el Teatro Calderón de Madrid, y esta nueva producción del teatro de la calle Jovellanos sumará a los innumerables atractivos que ya de por sí tiene la obra, uno más, histórico absolutamente emotivo: el 14 de mayo se cumplirán 50 años del debut de Plácido Domingo en Madrid, en este Teatro de la Zarzuela, y en la función de ese día será él quien interprete el papel de Vidal para celebrarlo. La dirección musical correrá a cargo de Ramón Tebar y de David Gómez-Ramírez, la escena y la escenografía estarán firmadas por Davide Livermore, y los diferentes roles estarán interpretados, además de por Domingo, por Yolanda Auyanet, Maite Alberola, Jorge de León, Alejandro del Cerro, Juan Jesús Rodríguez, Javier Franco, Rocío Ignacio y Leonor Bonilla. Se ofrecerán 14 funciones del 30 de abril al 17 de mayo.

Y para cerrar la temporada de producciones líricas, el público podrá disfrutar de las ocho funciones de ese maravilloso romance marinero en tres actos que es ‘La tabernera del puerto’ que no fueron posibles la pasada temporada. La obra de Pablo Sorozábal con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw es esa misma producción del Teatro de la Zarzuela que en 2018 firmó Mario Gas, con escenografía de Ezio Frigerio y vestuario de Franca Squarciapino. Óliver Díaz será el director musical y participarán en el reparto, entre otros, Sabina Puértolas, María José Moreno, Damián del Castillo, Rodrigo Esteves, Antonio Gandía o Antoni Lliteres. Las funciones irán del 6 al 14 de junio.

Con la presentación de estos 11 títulos el teatro seguirá siendo escaparate único de nuestra lírica, tan prolífera como diversa.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara con ñ, LIED

Tras el éxito obtenido en sus tres primeras temporadas (esta última aún por concluir), el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal incrementa su oferta, y propone 11 conciertos con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop: Gala de Lírica Española en Homenaje a Monserrat Caballé, dirigida por Óliver Díaz, en ella participarán un buen número de las voces líricas más importantes de nuestro país (7 de septiembre); Silvia Pérez Cruz & Marco Mezquida, vuelve Silvia Pérez Cruz de nuevo al Teatro de la Zarzuela, tras su exitoso paso por este escenario en 2017. Esta vez de la mano de Marco Mezquida con un concierto íntimo donde la música, la amistad y la complicidad se entremezclan (1 de diciembre); Belén López. Desconcierto, con dirección de escena de Miguel del Arco y música de la propia actriz y cantante y de Añil Fernández (14 de noviembre); Martirio & Chano Domínguez. A Bola de Nieve, Bola de Nieve era vanguardista sin fronteras para su arte expresadio a través de la voz y el piano. Tierno y expresivo, apasionado hasta el límite, esto es lo que quieren recrear Chano y Martirio del admirado artista cubano (23 de noviembre); el tradicional Concierto de Navidad, con el Maestro Óliver Díaz como director musical, a quien acompañarán la soprano Rocío Ignacio y el tenor Jorge de León (28 de diciembre); Carmen Linares. 40 años de flamenco, la cantaora de cantaoras celebra sus cuatro décadas de carrera con un espectáculo único armado con las canciones más importantes de su vida (16 de febrero); la cantante Sole Giménez. Mujeres D’Música, proyecto que reúne grandes canciones compuestas y escrita por mujeres con la única intención de visibilizar el trabajo de la mujer en el mundo de la música (29 de marzo); el tenor Ismael Jordi, uno de nuestros tenores más internacionales, invitado en las casas más importantes de Europa, hará un repaso por alguno de los grandes títulos de nuestro patrimonio lírico acompañado al piano por Rubén Fernández Aguirre (27 de marzo); el bajo-barítono Erwin Schrott, habitual de teatros como La Scala, Covent Garden o Viena, conocido por su Figaro o su Don Giovanni entre muchos otros roles, hace su debut en este Teatro en un recital íntegro de Zarzuela acompañado al piano por Giulio Zappa (3 de abril); María Bayo. Ecos barrocos, la soprano navarra presentará un programa que va desde José de Nebra, Sebastián Durón o Emanuele Ricón de Astorga, hasta Alessandro Scarlatti, Antonio Lotti, Händel o Vivaldi, acompañada por la orquesta barroca Vespres D’Arnadì y con puesta de escena de Miguel Chamizo (5 de mayo); Miquel Fernández, el actor catalán multidisciplinar que se curtió sobre las tablas del teatro hasta que el musical llegó a su vida, gracias a la mezcla portentosa de su carisma en escena y una voz privilegiada, vuelve a la música con otra mirada que nos sorprenderá a todos (19 de junio)

Desde su creación, hace ya tres temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’. Esa es una de las razones por las que en la próxima temporada siga ofreciéndose más del doble de conciertos que al inicio del ciclo: en esta ocasión los protagonistas serán la soprano Virginia Tola y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Canción argentina’ (8 de octubre), la mezzosoprano de Cristina Faus y el arpista Juan Antonio Domené con ‘María. De García a Malibrán’ (11 de noviembre), la mezzosoprano Paola Leguizamón y Rubén Fernández Aguirre al piano con ‘Canción colombiana’ (9 de diciembre), el barítono Borja Quiza y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘La emigración gallega. Canciones de ida y vuelta’ (20 de enero), la soprano Sofía Esparza y el pianista Ramón Grau con ‘Canción vasta’ (4 de febrero), el cantante Ángel Ruiz y César Belda al piano con ‘Copla’ (18 de febrero), la soprano Ruth González y Albert Nieto al piano con ‘Tres pasiones de mujer’, con ocasión del Día Internacional de la Mujer (5 de marzo), el conjunto barroco La Ritirata dirigido por el violonchelista Josetxu Obregón con ‘Il Spiritillo Brando’ (23 de marzo), el guitarrista Ricardo Gallén con ‘Guitarra romántica’ (13 de abril), el Trío Arbós con la tercera entrega de ‘Música de cámara’ (27 de abril), y la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre con ‘Joaquín Turina’ (19 de mayo).

Una de las novedades de la próxima temporada será el CICLO DOMINGOS DE CÁMARA CON Ñ que pone en marcha el Teatro de la Zarzuela con solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, su orquesta titular, dedicado exclusivamente a la música española, descubriendo la música más desconocida de algunos de nuestros compositores de Zarzuelas más relevantes, y que da cabida a compositores contemporáneos ya consagrados o emergentes. Las cinco citas serán: ‘Cuartetos vascos’ (20 de octubre), ‘Música española contemporánea’ (24 de noviembre), ‘Concierto de villancicos’ (15 de diciembre), ‘Compositoras españolas’ (5 de abril) y ‘Obra de cámara de Pablo Sorozábal’ (7 de junio).

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), cumplirá su cuarto de siglo de vida. Esta XXVI edición ofrecerá 10 recitales: El barítono Christian Gerhaher (30 de septiembre), el barítono Matthias Goerne (7 de octubre), la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera (25 de noviembre), el tenor Christophe Prégardien (2 de diciembre), el barítono Christian Gerhaher (13 de enero), el barítono Simon Keenlyside (3 de febrero), el barítono Manuel Walser (30 de marzo), el tenor Ian Bostridge (20 de abril), la soprano Anna Lucia Richter (4 de mayo) y la soprano Marlis Petersen (29 de junio), completarán la propuesta de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a la formación y la información para ese amplio público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que a su vez deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que el 20% de la programación del Teatro esté dedicada al público joven, y hasta tal punto la respuesta es positiva que la edad media de los espectadores del Teatro se ha reducido en las tres últimas temporadas en más de nueve años.

El PROYECTO ZARZA, que promueve la zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes y que tan importante éxito ha logrado en las tres temporadas predecesoras registrando un total de 26.469 espectadores de espectadores entre ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’ y ‘La verbena de La Paloma’, vuelve con fuerza en la nueva temporada con ‘Agua zucarillos y aguardiente’ de Federico Chueca. Con dirección de escena de Amelia Ochandiano y musical de Óliver Díaz, esta nueva producción del Teatro estará representada, tal como ocurriera con los anteriores títulos del proyecto, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañados por un conjunto musical de cámara. Las 11 funciones, dos de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 2 al 7 de marzo de 2020.

Además, ‘La verbena de La Paloma’ y ‘Agua, azucarillos y aguardiente’ se presentarán en Palma de Mallorca y Avilés respectivamente.

Los proyectos didácticos también destacan este año porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por tercer año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’, volverá a nuestro Ambigú el teatro de títeres con música en directo. Esta vez será con ‘La increíble historia de Juan Latino’, una nueva producción del Teatro de la Zarzuela en coproducción con la Compañía Claroscvro. Serán 12 funciones (dos de ellas abiertas al público) del 13 al 19 de enero.

También enmarcado en los proyectos didácticos, el director de escena José Carlo Plaza, cuyo nombre, sinónimo de teatro con mayúsculas, es tan importante para este Teatro de la Zarzuela ofrecerá clases magistrales a esa generación de cantantes españoles que necesita un Maestro de la escena para completar su formación. Del 23 al 31 de marzo de 2020. La última sesión se realizará abierta al público en la sala principal del Teatro.

DANZA

En la temporada próxima la danza será protagonista a través de las dos compañías nacionales: La Compañía Nacional de Danza con su nuevo director Joaquín de Luz presentará ‘El cascanueces’ con coreografía y dirección escénica del director saliente, José Carlos Martínez sobre la música de Tchaikovsky, y dirección musical de Manuel Coves. Serán once funciones del 10 al 22 de diciembre. Por su parte el Ballet Nacional de España, con 40 años de vida regalándonos luz, color y alegría, presentará en el Teatro de la Zarzuela un nuevo espectáculo con el que iniciará una nueva etapa con Rubén Olmo, recientemente nombrado director artístico. Serán doce funciones del 27 de junio al 12 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que continúan y permanecen plenos de salud es el de Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 6 al 13 de enero de 2020 se presentarán las siete funciones de ‘El pájaro de dos colores’ estreno absoluto de Conrado del Campo, figura clave para la historia de nuestra música, al ser heredero del arte de Ruperto Chapi y Emilio Serrano, a la vez que fue maestro de Jacinto Guerrero, Cristobal Halfter o Bacarisse. Se trata de una nueva coproducción entre ambas instituciones, que vuelve a demostrar que la suma de esfuerzos permite llegar más lejos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Miquel Ortega, la escénica de Rita Cosentino y el privilegiado reparto estará formado por Sonia de Munck, Borja Quiza y Miguel Sola. Como es habitual las representaciones serán en la Fundación Juan March.

El director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, y la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Avilés, Yolanda Alonso, han llegado a un acuerdo para que los títulos del Proyecto Zarza, una de las propuestas estrella del coliseo madrileño, se presenten durante las dos próximas temporadas en el Teatro Palacio Valdés de esa ciudad justamente después de concluidas las funciones en Madrid. La colaboración comenzará en marzo del próximo año con ‘Agua, azucarillos y aguardiente’ de Federico Chueca. El objetivo de esta nueva alianza es colaborar y sumar fuerzas en la educación de niños y jóvenes a través de nuestro propio patrimonio musical, artístico y cultural.

El Proyecto Zarza, incluido en los proyectos didácticos del Teatro de la Zarzuela, pone en marcha nuevas producciones de zarzuela cuya seña de identidad es que están hechas por jóvenes y para jóvenes a partir de 12 años. Los artistas, de entre 18 y 30 años, son elegidos a través de audiciones a las que se presentan cientos de aspirantes de toda España, e incluso de fuera de nuestras fronteras. Las funciones están dirigidas y adaptadas por primeras figuras de la escena.

Hasta la fecha han sido tres los títulos de Zarza que se han presentado en el escenario de la plazuela de Jovellanos de Madrid: ‘La Revoltosa’, de Ruperto Chapí, adaptada por el dramaturgo Gillem Clua y llevada a la escena por José Luis Arellano, de la que se ofrecieron cinco funciones escolares –a las que asistieron 3.828 jóvenes de cincuenta y siete centros de Educación Secundaria, Bachillerato, Formación Profesional, Artes Escénicas y Grado universitario–, y otras tres funciones para el público general, a las que asistieron 2.845 espectadores más. En total, 6.673 espectadores.

El segundo título, estrenado en febrero de 2018, fue ‘El dúo de La Africana’, de Manuel Fernández Caballero, adaptado y dirigido por Susana Gómez. Se elevó el número de funciones escolares de cinco a nueve, a las que asistieron 6.139 jóvenes de ochenta y tres centros. Las tres funciones abiertas al público las vieron 2.177 personas. En total, 8.316 espectadores. Para ‘La verbena de La Paloma’ de esta temporada, adaptada y dirigida nada menos que por Pablo Messiez, y dirigida musicalmente por el propio director musical del Teatro, el asturiano Óliver Díaz, se han programado siete funciones escolares, a las que asistieron 5.730 jóvenes de 67 centros educativos, y otras tantas funciones en abierto. En total, 11.480 espectadores. Hasta el momento un total de 26.469 espectadores ha disfrutado ya del Proyecto Zarza en Madrid.

Fotografía: Domingo Fernández Camacho