Doña Francisquita

El Teatro de la Zarzuela vuelve a presentar en estos días la producción de ‘Doña Francisquita’ (zarzuela de zarzuelas) firmada por el director de escena Lluís Pasqual (que en este montaje también escribe los textos hablados) y coproducida con el Gran Teatre del Liceu y con la Opera de Lausanne, cuya intención primera es la de otorgar a cada detalle un inconfundible espíritu de alegría y de emociones felices, dejando también, como es habitual en sus trabajos, un espacio para la reflexión útil. A un lustro desde su estreno en el coso de Madrid, esta propuesta regresa a su casa natural tras haber sido recompensada con el Premio Max a la Mejor Producción Lírica (2020), y después de recibir los aplausos cálidos y encendidos del público de Barcelona, Valencia o de Lausanne en Suiza.

Se ofrecerán 10 funciones, del 19 al 30 de junio, de la obra compuesta por Amadeo Vives, considerada como una de las partituras más brillantes e inspiradas de nuestro patrimonio musical, con textos cantados de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw inspirado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega y, como queda dicho, con textos hablados de Lluís Pasqual.

Se da además el caso, en esta ocasión, de que las funciones coinciden con la celebración de los 100 años de la primera ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela, cuatro meses después de su apoteósico estreno en el Teatro de Apolo de la calle Alcalá. Por tanto, en 1924 la obra llegó por primera vez al escenario de La Zarzuela —se conserva el cartel publicitario—, y fue en este Teatro donde la Gran Compañía Cómico-Lírica Amadeo Vives posó para la posteridad con los autores; y desde donde salió rumbo a América para llegar al Teatro Colón de Buenos Aires.

En la Francisquita que podremos disfrutar en los próximos días, frente a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) ocupará el foso Guillermo García Calvo, quien considera las páginas musicales de ‘Doña Francisquita’ “una de las mejores obras de música en escena no solo de nuestro repertorio, sino de toda la música occidental. Y aunque no es necesario comparar una obra con otras para destacar su valor intrínseco, el maestro observa que la calidad de esta partitura está al nivel de las mejores partituras de ópera y opereta de sus coetáneos europeos como Puccini, Richard Strauss, Kálmán o Lehár».

Pasqual, por su parte, evoca la alegría al enfrentarse cara a cara con la obra de Vives, Romero y Fernández-Shaw, y al cabo de los muchos años transcurridos desde que se la escuchara a su madre en los días luminosos: “La alegría, algo tan difícil de conseguir en el mundo en el que vivimos si uno intenta ser mínimamente consciente de la realidad que nos rodea, ha vuelto a mí, sino la misma, con el mismo perfume y la misma intensidad”. Y la emoción que esto le causa le lleva a pensar que tal vez solo la música, “evocadora y real al mismo tiempo”, sea capaz de producir esos sentimientos. El director lo tiene claro: esa alegría, “ese espíritu de fiesta compartida es lo que no podía no estar en el espectáculo”.

El reparto, que compartirá la escena de esta historia de amor a cuatro y más bandas con el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, volverá a contar con esas dos colaboraciones especiales de altura que son la de la inmensa maestra de las castañuelas Lucero Tena y el actor Gonzalo de Castro. Los elencos están integrados, en su mayoría, por voces habituales en los más importantes recintos líricos, muchas de las cuales repiten participación en esta producción. Así, las sopranos Sabina Puértolas y Marina Monzó darán vida a esa joven hermosa llamada Francisquita, cuyo amor se disputan Don Matías y su hijo Fernando, quien se desvive por otra hasta que Francisquita le sale al paso; los tenores Ismael Jordi y Alejandro del Cerro interpretarán el papel del estudiante Fernando, que pretende a Aurora, la Beltrana, una popular actriz que por su parte nada quiere de él, cuyo apasionado rol lo encarnarán las mezzosopranos Ana Ibarra y María Rodríguez. Los tenores Enrique Ferrer y Manuel de Diego serán Cardona, también estudiante y amigo inseparable de Fernando que urde y desurde historias. La soprano Milagros Martín dará vida a una muy especial doña Francisca, madre de Francisquita; el barítono Santos Ariño a Don Matías, padre de Fernando y pretendiente igual que este de Francisquita, y el barítono Isaac Galán a Lorenzo, alias el “pollito”, amante de Aurora que ve cómo la suerte en el amor se le escapa cuando ella se siente atrapada de Fernando precisamente desde el momento en que este la ignora en favor de Francisquita. 12 bailarines y 12 actores, completan el elenco de esta comedia lírica en tres actos y amor a cinco bandas.

La escenografía y el vestuario de esta propuesta están firmados por Alejandro Andújar, la iluminación por Pascal Mérat, la coreografía por Nuria Castejón y el diseño audiovisual es de Celeste Carrasco. Asimismo, en las funciones participa la Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil».

Un gran Clásico

Que ‘Doña Francisquita’ es uno de nuestros grandes clásicos de la lírica no hay quien lo ponga en duda. Recién cumplidos cien años (lo ha hecho en 2023), hasta la fecha se han visto grandes producciones en el escenario del Teatro de la Zarzuela donde llegó por vez primera en 1924 (este año celebramos un siglo de aquello), con la misma producción del estreno de cuatro meses antes en el vecino Teatro de Apolo, firmada por Manuel Fontanals, y casi con idéntico reparto. Desde entonces, la obra de Amadeo Vives se ha representado en numerosas ocasiones en este recinto.

En 1934, ‘Doña Francisquita’ se había transformado ya en una comédie lyrique en trois actes en el escenario de la Ópera de Montecarlo, y poco después en una opérette à grand spectacle en el del Teatro Real de la Moneda de Bruselas, para en 1954 pasar a ser un Spiel aus Spanien en la Volksoper de Viena. ¡La internacional Francisquita!

Esa fue precisamente la razón por la que en 1956 fue el título seleccionado para la gala de reinauguración de la sala del Teatro de la Zarzuela con dirección de escena de José Tamayo. En 1972 volvería a subir a estas tablas nuevamente de la mano de Tamayo, aunque con una nueva propuesta escénica dirigida al público de Madrid. Pero 1985 fue realmente un año excepcional para ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela: la versión escénica de José Luis Alonso viajó a las ciudades belgas de Amberes y Gante —en el marco del Festival Cultural Europalia 85: España— y volvió a este mismo escenario de la plazuela de Jovellanos con el Ballet Nacional de España que la estrenó como un espectáculo de danza, con música de Vives, arreglos de Antón García Abril y coreografía de Alberto Lorca.

En 1998 ‘Doña Francisquita’ estuvo en Buenos Aires y Washington DC con una nueva y espectacular coproducción del Teatro de la Zarzuela dirigida por Emilio Sagi. Y por último, en 2019, volvió a Madrid con esta propuesta escénica dirigida por Lluís Pasqual, que ha viajado con éxito a Barcelona y Lausanne, coproductores del montaje, y que ahora regresa al Teatro de la Zarzuela..

Cine y Filmoteca Española

El Teatro de la Zarzuela y la Filmoteca Española firmaron hace unos años un convenio de colaboración para la restauración de la película ‘Doña Francisquita’ de Hans Behrendt (1934). Esa fue la primera vez que ambas instituciones se unían para abordar un proyecto conjunto de recuperación de patrimonio cultural español, en este caso cinematográfico y musical. Algunos de los fragmentos de dicho largometraje se ven en la producción que ahora regresa al Teatro de la Zarzuela.

En 1992 la Filmoteca Española encontró en el fondo de la Cinémathèque Française de París un negativo de imagen y sonido de una película hasta el momento desaparecida; se trataba de Doña Francisquita (1934), del director alemán Hans Behrendt, producida por la compañía Ibérica Films en los Estudios CEA de Madrid. En 1993 se logra, como intercambio entre ambos organismos, que se enviara la copia a Madrid para su restauración. Primero se restauró físicamente y luego, entre 1995 y 1996, se realizaron nuevos trabajos con el Laboratorio Polisitem de Barcelona: el duplicado del negativo de imagen, el negativo de sonido y una copia estándar. Y en 2018 el Teatro de la Zarzuela colabora con la Filmoteca Española en el tiraje de una nueva copia digital.

La película, rodada íntegramente en Madrid en el año 34 con Raquel Rodrigo (Francisquita), Fernando Cortés (Fernando), Matilde Vázquez (Aurora) y Antonio Palacios (Cardona) en el reparto, es un importante ejemplo del cine sonoro del periodo republicano en España. El promotor del proyecto original fue el hijo de Amadeo Vives, José Vives Giner, quien ejerció de supervisor artístico de esta adaptación de la popular zarzuela.

Para su segunda versión cinematográfica ‘Doña Francisquita’ se vestirá de colores y fantasía —con el nuevo Cinefotocolor— de la mano de otro director exiliado, el húngaro Ladislao Vajda, en 1952. El reparto está formado por Mirtha Legrand (Francisquita), Armando Calvo (Fernando), Emma Penella (Aurora) y Antonio Casal (Cardona). En esta ocasión la película llegará hasta las pantallas del Festival de Cannes como Mascarade d’Amour en 1953.

Sabina Puértolas

El Teatro de la Zarzuela contará de nuevo con la aclamada soprano Sabina Puértolas quien encabezará el elenco de esta producción de “Doña Francisquita”, la célebre comedia lírica en tres actos con música de Amadeo Vives y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Esta producción de El Teatro de la Zarzuela de 2019 regresa con renovada energía bajo la dirección escénica de Lluís Pasqual, escenografía y vestuario de Alejandro Adnújar y las coreografías de Nuria Castejón.

La Orquesta de la comunidad de Madrid, Titular del teatro de la Zarzuela y dirigidos por Antonio Fauró, acompañarán a este impresionante elenco en una producción dinámica y divertida.

Doña Francisquita es una comedia de enredo en la que Doña Francisquita, una joven vivaz y encantadora, está enamorada de Fernando, un apuesto y voluble estudiante. A lo largo de la trama Francisquita debe enfrentar diversas complicaciones para conseguir el corazón de Fernando. Con mucha astucia y determinación buscará la forma de conquistar a Fernando mientras compite con el personaje de Aurora, la Beltrana.

Las funciones tendrán lugar los días 19,21,23,26,28 y 30 de junio de 2024, a las 20:00h menos los domingos que será a las 18:00h Doña Francisquita es una de las obras maestras del repertorio zarzuelístico, caracterizado por la fuerza y encanto de su protagonista, que será interpretada con maestría por Sabina Puértolas, y un argumento lleno de humor y romance.

Sabina Puértolas

Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle.

Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

La soprano regresa de interpretar a dos de los grandes personajes de la ópera italiana: Musetta (La Bohème) y Violetta (La Traviata). Interpretará a Musetta en ‘La Bohème’ durante el mes de abril en el Teatro Verdi de Salerno y a Violetta en ‘La Traviata’ en el Teatro Villamarta de Jerez.

Cuarteto Iberia en el Teatro de la Zazzuela

El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela nuevamente acogerá, mañana martes 28 de mayo (20h00), un concierto dedicado a jóvenes compositores. El Cuarteto Iberia, integrado por los violinistas Marta Peño y Luis Rodríguez, la violista Aurora Rus y el violonchelista Arnold Rodríguez, asumirá, bajo el título ‘Música española contemporánea’, los estrenos absolutos de las cinco obras ganadoras del III Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela.

El jurado destacó el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas y acordó por unanimidad premiar las obras ‘Díptico para cuerdas’ de Juan Cubillas Bolado, ‘ADAŔA’ de Jon Esnaola Aguirre, ‘ZN’ de Francisco Sebastián Linares Garrido, ‘Paisaje de niebla’ de Joan Requena García y ‘Kairós’ de Miguel Álvarez Aniorte.

En esta edición del Premio participaron alumnos del Conservatorio Superior de Música “Eduardo Martínez Torner” de Oviedo, el Conservatorio Superior de Música “Joaquín Rodrigo” de Valencia, el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla, de “Musikene” Centro Superior de Música del País Vasco y del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Dicho jurado estuvo integrado por la compositora Teresa Catalán, Premio Nacional de Música 2017;  la violinista del Cuarteto Iberia Marta Peño; el director musical del Teatro de la Zarzuela, José Miguel Pérez-Sierra; y por el director adjunto del Teatro, Miguel Galdón.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2023/2024 o los que hubieran obtenido el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos en alguno de los conservatorios mencionados.

Ismael Jordi
  • Con obras de Turina, Montsalvatge, Sorozábal, Guridi, Fernández Caballero, Luna, Penella o incluso de Delibes y Massenet.
  • Estarán acompañados al piano por Rubén Fernández Aguirre.

El tenor Ismael Jordi y la soprano Sara Blanch, acompañados al piano por Rubén Fernández Aguirre, ofrecerán este próximo domingo 26 de mayo (20h00) en el Teatro de la Zarzuela un recital dedicado a este género que da pleno sentido y esplendor al coliseo de la plazuela de Teresa Berganza.

Junto a la música de Pablo Sorozábal, Jesús Guridi, Manuel Fernández Caballero, Pablo Luna o Manuel Penella, podrán escucharse también composiciones de Joaquín Turina, Xavier Montsalvatge e incluso de Léo Delibes y Jules Massenet.

Romanzas y dúos de nuestro género lírico, canciones que dan alma a nuestro origen y tradición, y obras maestras que desde Francia llegan con la luz y los aires del sur de España; todo ello hará que el Teatro de la Zarzuela se muestre una vez más como el templo que es de esas melodías y ese espíritu que de forma mágica definen buena parte de nuestro ADN.

Teatro de La Zarzuela 2024/25

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2024/2025, primera programada por su directora Isamay Benavente, con la intención manifiesta de continuar con la línea de trabajo que se ha realizado en los últimos años, pero también con el firme propósito de llevar a cabo iniciativas sólidas que amplíen de forma considerable el radio de acción artístico y social del histórico coliseo de la plazuela de Teresa Berganza.

De acuerdo con esto, la directora pone en valor sus intenciones, entre las que destaca “apostar por lo nuevo demostrando al mismo tiempo mi respeto al pasado, a la historia del género, a las gentes que lo hicieron crecer, a los directores que me han precedido, a las producciones maravillosas que se han convertido en símbolos de cómo debemos hacer las cosas”, y en esta labor considera crucial la colaboración; la coproducción con teatros nacionales, internacionales y con otras instituciones.

Y con estas terminantes señales como punto de partida, en la nueva temporada lírica destaca el viaje emocionante que propone por las formas diferentes del género, que incluye género chico (‘El bateo’, ‘La revoltosa’ o ‘La Gran Vía’), zarzuela grande (‘La del manojo de Rosas’ o ‘La tabernera del puerto’), ópera (‘Marina’, ‘Patagonia’ o ‘Domitila’), revista (‘La corte de Faraón’), o tonadilla (‘Cómicas’).

Precisamente este último espectáculo (dedicado a algunas de las artistas que en su momento –siglo XVIII– fueron únicas, transgresoras y valientes) definiría en sí mismo una de las líneas maestras que quiere trazar la gestora: la de dar la visibilidad merecida, necesaria y tantas veces y durante tanto tiempo obviada, a la mujer como artista y como creadora en busca de la igualdad de oportunidades y de la paridad artística.

Otro punto especialmente relevante en la propuesta de Isamay Benavente es el de crear lazos sólidos y estables con otros teatros y auditorios, no solo de España, sino también de América, con el fin de que un teatro público como es el de la Zarzuela cumpla con brío su función como tal, tendiendo la mano a todos los públicos y democratizando su oferta más allá de la zona geográfica que le corresponde. La directora apuesta de esta manera por un teatro plural en el sentido más amplio posible de este término equitativo y generoso.

Así, entre los platos fuertes de la temporada estará el ciclo Teatro Musical de Cámara, que llega en esta nueva temporada potenciado con más títulos y renovadas energías. A la habitual coproducción entre el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March, que este año precisamente tiende puentes con América a través de la ópera de cámara ‘Domitila’ de João Guilherme Ripper, en una nueva producción de estas dos instituciones y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá, sumará también, ya en La Zarzuela, la ópera ‘Patagonia’ de Sebastián Errázuriz, una producción del Teatro Biobío y el Teatro del Lago de Chile que se alzó con el Premio Ópera XXI a la mejor producción latinoamericana 2023. En este ciclo también se incluirá el ya tradicional Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– que en esta ocasión traerá uno de los títulos de género chico más populares, como es ‘La Gran Vía’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde, representado como es habitual por un grupo de jóvenes cantantes elegidos tras un proceso de audiciones y por primera vez en colaboración con la Joven Orquesta Nacional de España. Para cerrar este ciclo de Teatro Musical de Cámara, el público podrá disfrutar de un espectáculo muy necesario: ‘Cómicas’, nueva producción del Teatro.

Cuestión a tener muy en cuenta será también la enérgica apuesta por la danza, que incrementa su oferta hasta el doble de propuestas. Estarán presentes, cómo no, las dos compañías nacionales que tienen su sede en este teatro y que ofrecen a los aficionados un título por temporada. La Compañía Nacional de Danza repondrá la exitosa ‘La Sylphide’, y el Ballet Nacional de España, presentará ‘Afanador’, basado en las fotografías sobre Andalucía y el flamenco del colombiano Ruven Afanador, con idea y dirección del coreógrafo Marcos Morau, –Premio Nacional de Danza 2013 y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia 2023–. Y el mencionado envite de la nueva dirección del teatro por la danza, llevará asimismo a su escenario ‘Nocturna’, tercera virtuosa colaboración de la coreógrafa y bailaora Rafaela CarrascoPremio Nacional de Danza en 2023– y el dramaturgo Álvaro Tato, y ‘Comedia sin título’, sorprendente trabajo que ahonda en la obra en la que Federico García Lorca se afanaba cuando fue asesinado, que cuenta con la dirección artística de la bailaora cordobesa Úrsula López en un trabajo de investigación, creación y recuperación de bailes.

En los conciertos también varía el planteamiento, ya que están reunidos por diversas temáticas al margen del espacio del teatro donde se desarrollan. Habrá mucha zarzuela, canción popular y flamenco. Bajo esta idea, cuatro conciertos tienen el título de ‘Memoria y olvido’ como argumento de fondo, otros cuatro se ofrecen bajo el epígrafe ‘Tanto que celebrar’, cuatro más llevan como premisa el íntimo sello de ‘Voz y alma’, tres indagan en el valor de la conexión musical, cultural y social entre las dos orillas ligados por el lema ‘Cruzando el Atlántico’; y también habrá tiempo y lugar para la distensión y la picaresca con los dos espectáculos que acoge ‘Con nocturnidad y sin alevosía’ en esa hora canalla en la que la norma y los sentidos son diferentes a los diurnos.

Los proyectos pedagógicos ocuparán nuevamente un lugar privilegiado en la temporada 24/25 con la intención de llegar a todas las franjas de edad; desde la infancia más temprana hasta los últimos años de adolescencia. Para ello, a las ya mencionadas ‘La Gran Vía’ del Proyecto Zarza o ‘Domitila’, se sumarán la reposición de la elogiada producción de marionetas y máscaras ‘La increíble historia de Juan Latino’ de la compañía Claroscvro y el nuevo y sugestivo proyecto ‘Zarzuelita, zarzuela para bebés’, que trata de incluir las melodías de nuestra música en la educación y los juegos de los más pequeños. Una idea de abrazar a todas las edades, fomentando los derechos culturales de los niños.

Otra de las joyas indiscutibles volverá a ser el Ciclo de Lied que el Teatro de la Zarzuela lleva  a cabo junto con el Centro Nacional de Difusión Musical, que cumplirá su trigésimo primera temporada con artistas internacionales de primer nivel, especialistas en el género del lied y la canción europea.

Una temporada de grandes artistas

La temporada 24/25 del Teatro de la zarzuela se caracterizará también por la presencia en ella de grandes artistas. De esta manera, tendremos a directores musicales como José Miguel Pérez-Sierra –titular del Teatro–, Alondra de la Parra –nueva responsable de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro–, Óliver Díaz, Sebastián Errazuriz –que dirigirá su propia composición ‘Patagonia’–, Carlos Aragón, Aarón Zapico, Álvaro Albiach, Lara Diloy o Julio César Picos;  a directores de escena como Bárbara Lluch, Emilio Sagi, Mario Gas, Juan Echanove, Enrique Viana, Nicola Belle Carbone, Marcelo Lombardero o Pepa Gamboa; y a cantantes de la talla de Ismael Jordi, Sabina Puértolas, Juan Jesús Rodríguez, Celso Albelo, Marina Monzó, José Bros, Pietro Spagnoli, Rubén Amoretti, José Manuel Zapata, Vanessa Goikoetxea, Beatriz Díaz, Manel Esteve, David Menéndez, Gerardo López, Ángeles Blancas, Alejandro Roy, Milagros Martín, María Rey-Joly, Enrique Viana, Luis Cansino, Jorge Rodríguez Norton, Gerardo Bullón, Javier Franco, Berna Perles, Sofía Esparza, María Hinojosa, Leonor Bonilla, Serena Sáenz, Ángel Odena, César San Martín, Simón Orfila, Linda Mirabal, Joel Prieto, Mariola Cantarero, Sonia de Munck o Maribel Ortega.

ABONOS Y LOCALIDADES

Renovación de abonos

El periodo de renovación de los abonos es del 24 de mayo al 7 de junio de 2024, ambos inclusive. Renovación de abonos del Ciclo de Lied del 4 al 22 de junio de 2024

La renovación podrá hacerse en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, en venta telefónica (902 224 949 / 910 883 278) y a través de internet en entradasinaem.es.

Venta libre de abonos

La venta libre de abonos es del 11 al 28 de junio de 2024, ambos inclusive (excepto el abono del XXXI Ciclo de Lied). Se podrán adquirir en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, en venta telefónica (902 224 949 / 910 883 278) y a través de internet en entradasinaem.es.

Nuevos abonos del Ciclo de Lied del 26 de junio al 10 de septiembre de 2024

Atención al abonado del Teatro de la Zarzuela abonostaquillas.tz@inaem.cultura.gob.es

Teléfono: 913 605 165

Venta preferente de localidades

Los abonados del Teatro de la Zarzuela tendrán venta preferente de localidades los días 1, 2 y 3 de julio de 2024.

Venta libre de localidades

La venta libre de localidades comienza el 4 de julio de 2024.

La venta libre de localidades del XXXI Ciclo de Lied comienza el 12 de septiembre de 2024.

Se podrán adquirir en todas las taquillas de la Red de Teatros del INAEM (Teatro de la Zarzuela, Auditorio Nacional de Música, Teatro María Guerrero, Compañía Nacional de Teatro Clásico y Teatro Valle-Inclán), en venta telefónica (902 224 949 / 910 883 278 ) y a través de internet en entradasinaem.es.

Anna Lucia Richter

La destacada mezzosoprano Anna Lucia Richter, junto al virtuoso pianista Ammiel Bushakevitz, protagoniza la siguiente cita del XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En esta ocasión, los artistas presentarán un viaje fascinante a través de la historia del lied, desde sus humildes orígenes medievales hasta las innovaciones del siglo XX. Grandes autores como Oswald von Wolkenstein, Alban Berg, Hanns Eisler o Kurt Weill, entre otros, vertebran un amplio programa conformado por casi 30 canciones que ofrecerá una visión panorámica del género del lied. El concierto tendrá lugar el lunes 20 de mayo, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La aclamada y carismática voz de Anna Lucia Richter y la destreza instrumental de Ammiel Bushakevitz -quien en las piezas más antiguas también interpretará la zamfoña-, abrirán al público una ventana a un mundo de gran expresión lírica y musical en este penúltimo concierto del Ciclo de Lied. El programa, que abarca ocho siglos de evolución del género, sugiere un diálogo temático entre la luz y la oscuridad que caracterizan al ser humano. Desde una perspectiva religiosa hasta la exploración de la pérdida y el exilio, el recital nos invita a reflexionar sobre la importancia de la luz en nuestras vidas y en el arte.

El recital parte de Oswald von Wolkenstein y Walther von der Vogelweide, pasa por el Barroco y la escuela de Viena, en la que el lied todavía era melodía acompañada, y se detiene en la ampliación del canon en una segunda etapa ya posromántica. Canciones de Johann Sebastian Bach, Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert, Fanny Hensel-Mendelssohn, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms y Hugo Wolf estarán muy presentes en esta cita musical. A ellas se suman el simbolismo y el expresionismo del siglo XX, con canciones de Alban Berg, Hanns Eisler y Kurt Weill, y compositores del presente que, a su vez, son muy conscientes de sus tradiciones, Aribert Reimann y Wolfgang Rihm.

Este concierto forma parte del proyecto Licht! (La historia del desarrollo de la canción alemana), que la cantante ha elaborado junto con Ammiel Bushakevitz y ha presentado en ciudades como Heidelberg, Frankfurt, Núremberg, Colonia, Dortmund, Granada, Ámsterdam y, ahora, Madrid.

Sobre Anna Lucia Richter

Anna Lucia Richter es una de las cantantes más reclamadas internacionalmente como cantante de ópera y de concierto. Recientemente ha trabajado con la Orquesta Filarmónica de Viena bajo la dirección de Franz Welser-Möst (Pasión según San Mateo de Bach) y ha cantado frecuentemente bajo la dirección de Teodor Currentzis con MusicAeterna, incluyendo La Clemenza di Tito de Mozart, en gira con obras de Gustav Mahler y como Zerlina en Don Giovanni de Mozart en el Festival de Salzburgo 2021. También ha actuado regularmente con la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta de Cámara Mahler bajo la dirección de Bernard Haitink, Il Giardino Armonico y Giovanni Antonini, la Orquesta de París y Thomas Hengelbrock, la Orquesta de la Gewandhaus y Philippe Herreweghe, así como la Orquesta del Festival de Budapest bajo la dirección de Iván Fischer. Ha actuado repetidamente con estos conjuntos en importantes festivales como el Festival de Lucerna, los BBC Proms de Londres, el Festival de Música de Schleswig-Holstein y como «Artista en Residencia» en el Festival de Música de Rheingau 2018 y la Filarmónica de Colonia 2018/2019. La artista ha recibido numerosos premios, entre ellos el prestigioso Borletti-Buitoni Trust Award. Más recientemente, fue nominada para Opus Klassik como Cantante del Año por su álbum debut como mezzosoprano «Brahms-Lieder». En la primavera de 2020, la artista cambió a mezzosoprano bajo la dirección de la profesora Tamar Rachum, que ha sido su mentora y principal maestra desde entonces. Un paso importante que abrió nuevas oportunidades para la artista en todo el mundo. En marzo de 2021 interpretó los Wunderhorn Lieder de Mahler bajo la batuta de Ádám Fischer en Düsseldorf y en 2022 interpretó la parte de contralto de la Segunda Sinfonía de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Bamberg bajo la dirección de Jakub Hrůša en Bamberg, Viena y Baden-Baden, así como la Tercera Sinfonía de Mahler con la Konzerthausorchester de Berlín bajo la dirección de Iván Fischer. También hay grandes proyectos en la temporada 23/24: interpretará por primera vez la Missa Solemnis de Beethoven con la Filarmónica de Múnich bajo la dirección de Ph. Herreweghe, antes de regresar a la Ópera de Colonia para encarnar a Idamante en el Idomeneo de Mozart en una nueva producción. Le siguen actuaciones de música de cámara en Heidelberg, Boswil y Alicante, así como la Misa en fa menor de Bruckner con la Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín, la Misa en la bemol mayor de Schubert con la Filarmónica de Dresde y arias de Mozart y Haydn con la Orquesta Gürzenich de Colonia bajo la dirección de F.X. Roth. Roth. Anna Lucia Richter ha interpretado un amplio repertorio de lieder en los principales centros de canto, como la Schubertiade Schwarzenberg, la Schubertiada Vilabertran, el Festival de Música de Rheingau, el Heidelberger Frühling, el Park Avenue Armory de Nueva York, el Carnegie Hall y el Wigmore Hall de Londres.

Sobre Ammiel Bushakevitz

Nacido en Jerusalén, Ammiel Bushakevitz actúa regularmente en Europa, Norteamérica, África, Asia y Australia; en salas como el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de París, el Concert Hall de Shanghai, el Concertgebouw de Ámsterdam y el Konzerthaus de Berlín. También ha actuado en los festivales de Aix-en-Provence, Salzburgo, Bayreuth, Lucerna, Ciudad del Cabo, Heidelberg, Melbourne y Montreal; el Festival Pontino di Latina de Roma, el Festival Casals de España y las Schubertiades de Schwarzenberg, Hohenems, Vilabertran y Jerusalén. Ammiel, uno de los últimos alumnos privados del difunto Dietrich Fischer-Dieskau, es reconocido como uno de los principales pianistas de canto de su generación, y ha actuado con cantantes de la talla de Dame Felicity Lott, Christian Gerhaher y Thomas Hampson. También ha recibido notables lecciones de Brigitte Fassbaender, Barbara Bonney, Thomas Quasthoff y Matthias Goerne. Su discografía incluye galardonados álbumes como solista y pianista de canto para BIS (Suecia), Pentatone (Holanda), Hänssler Classics (Alemania), SOLFA (España) y Gramola (Austria). Próximos lanzamientos aparecerán en sellos como Berlin Classics, Hänssler y Harmonia Mundi. Apasionado de la educación, Ammiel ha impartido clases magistrales en destacadas universidades de Australia, Israel, España, China, Sudáfrica, Nueva Zelanda y Estados Unidos. También dedica tiempo a tutelar a jóvenes músicos en países en desarrollo como Etiopía, Zimbabue, México y Marruecos.

Eleomar Cuello

El concierto ‘Zarzuela en el Malecón’ a cargo del barítono Eleomar Cuello, previsto para el próximo 4 de junio a las 20h00 dentro del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela, queda suspendido de forma definitiva debido a motivos personales insalvables por los que el cantante se ha visto obligado cancelar.

El Teatro atenderá a los espectadores para la devolución del importe de las entradas entre el viernes 17 de mayo y el domingo 28 de julio.

La verbena de la Paloma

El Teatro de la Zarzuela ha presentado una nueva producción de una de las obras más importantes de Tomás Bretón y con el cartel de agotado en la taquilla. Una representación cargada de nostalgia, pues evoca directamente, a modo de homenaje, al Teatro Apolo, donde se estrenó la verbena de la Paloma el 17 de febrero de 1894. Para ello se ha incorporado un prólogo, con texto de Álvaro Tato, que nos cuenta como debió ser el último ensayo de esta obra en el Apolo, antes de su traslado al Teatro de la Zarzuela. Un añadido lleno de humor y alguna de las piezas más conocidas de otras obras del género lírico español.

La escenografía de Nicolás Boni, en la que son protagonistas los característicos balcones del Madrid más castizo, son perfectos para el desarrollo de la siempre extraordinaria dirección de escena de Nuria Castejón. Todo bajo la íntima y acertada iluminación de Albert Faura.

En el foso, el flamante nuevo director musical del Teatro, José Miguel Pérez-Sierra, que hizo una lectura de la partitura animada y llena de frescura. En un repertorio que conoce y domina. Su participación nos dará grandes tardes de zarzuela al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid.

El elenco de cantantes fue una perfecta combinación entre veteranía y juventud. Julián, el rol protagonista, estuvo interpretado por un sobrado de facultades vocales Borja Quiza, que está en un momento impresionante. Su voz voluminosa y extraordinaria proyección, se comió un poco al resto del elenco. Se agradece en estas obras del repertorio, una menor impostación vocal que resulte más natural y apropiada a los personajes populares.

Milagros Marín fue una estupenda Señá Rita. Divertida, castiza y llena de naturalidad.

Carmen Romeu, como Susana, dio buena réplica vocal al caudal de su Julián, con una voz sólidamente colocada y muy caudalosa caudalosa. Antonio Comas dio vida a un Don Hilarión en muy buena forma, rejuvenecido bajo el influjo de las dos hermanas. El Don Sebastián de Gerardo López ofreció un toque de sofisticación y gracejo muy simpático. Aunque la mejor interpretación fue para la Tia Antonia de Gurutze Beitia, que definió perfectamente su personaje, una mujer algo rústica y con carácter, pero con nobleza. Bien la Casta de Ana San Martín, que brilló más en la primera parte de la obra, donde demostró gran comicidad, que en la propia verbena.

Muy bien la escena flamenca, con la coreografía de Nuria Castejón y el cante de Sara Salado.

Una tarde de Zarzuela en la que el público disfrutó y que demuestra la buena salud de este género y, sobre todo, de La verbena de la Paloma.

Florian Boesch

El barítono austríaco Florian Boesch, uno de los lideristas más aclamados de la actualidad, regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela en su trigésimo aniversario, junto al pianista escocés Malcolm Martineau. En esta ocasión el cantante interpretará el célebre ciclo El canto del cisne de Franz Schubert, una obra póstuma cargada de profunda emotividad y exquisita melancolía. El recital tendrá lugar el lunes 13 de mayo, a las 20h00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

El canto del cisne es un conjunto de catorce canciones compuestas por Franz Schubert al final de su vida y publicadas a título póstumo, basadas en poemas de Ludwig Rellstab y Heinrich Heine. Mientras que las canciones de Rellstab sumergirán al público en la alegría del amor y el dolor de la separación, las composiciones inspiradas en los versos de Heine evocan sentimientos sobrecogedores. Así, El canto del cisne ofrece una amalgama de emociones y estados de ánimo que abarcan desde la felicidad del amor hasta el desgarrador lamento por la pérdida.

A través de la interpretación de Boesch, estas composiciones cobrarán vida transportando al público a un viaje emocional único que comenzará con Liebesbotschaft, canción en la que resuenan los ecos de una amada lejana, y concluirá con la emotiva Der Atlas, cargada de rabia y dolor. En el recorrido, el cantante también interpretará piezas como Frühlingssehnsucht, que invoca el ímpetu del deseo amoroso, o la famosa serenata Ständchen, entre otras.

Florian Boesch es uno de los cantantes más solicitados del panorama actual en el género liderístico y ha participado en numerosas ocasiones por el Ciclo de Lied del CNDM, donde ha sido aclamado por crítica y público. Además de actuar habitualmente en prestigiosos espacios como el Wigmore Hall de Londres, el Musikverein de Viena o la Philharmonie de Colonia, ha trabajado con las principales orquestas del mundo, como las Filarmónicas de Viena y Berlín, entre otras. Florian Boesch y Malcolm Martineau han interpretado lieder de Franz Schubert en varias giras internacionales. Por ello, el concierto del CNDM será también una gran oportunidad para ser testigos de la gran complicidad que existe entre ambos artistas y el profundo conocimiento que tienen de la obra del compositor austríaco.

Ramón Grau

Ciclo Notas del Ambigú
‘Danzas españolas’
Teatro de la Zarzuela. Lunes 6 de mayo, a las 20h00
Ramón Grau repasa al piano una colección de brillantes composiciones de danza, acompañado por la bailarina Estrella Alonso.

El pianista Ramón Grau , a quien el maestro José Miguel Pérez-Sierra , director de orquesta y musical titular del Teatro de la Zarzuela, calificó hace apenas unos días como uno de los mejores intérpretes al piano de nuestro país, ofrecerá en el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza el concierto ‘Danzas españolas’ . Acompañado por la bailarina del Ballet Nacional de España , Estela Alonso, ofrecerá una colección de joyas compuestas por grandes compositores de distintas épocas y lugares con el propósito de ser bailadas.

Será mañana lunes 6 de mayo (20h00) dentro del ciclo Notas del Ambigú. Como ya es habitual en este ciclo desde su nacimiento en 2016, las entradas están agotadas desde hace meses.
Ramón Grau rendirá homenaje a los aires de danza más populares, desde la escuela bolera al clásico español, con obras para piano que se han inspirado en ellos, compuestas por músicos como el Padre Soler , Sorozábal , Ocón , Usandizaga , Falla , Granados , Lecuona . , Chopin , Ortega , Isaac Albéniz o Mateo Albéniz .

LA VERBENA DE LA PALOMA

‘La verbena de la Paloma’, compuesta por Tomás Bretón y con libreto de Ricardo de la Vega, subió por primera vez al escenario del Teatro de la Zarzuela apenas cuatro años después de su estreno absoluto en el desaparecido Teatro de Apolo el 17 de febrero de 1894. Desde entonces hasta hoy, ha formado parte de nuestra tradición lírica, del repertorio más conocido y querido por el público. Es por eso, entre otras muchas cuestiones, que toda nueva producción de este título suscita una extraordinaria expectación como la que ha levantado el estreno del montaje que en estos próximos días presentará el Teatro de la Zarzuela con dirección de escena y coreografía de Nuria Castejón y dirección musical del maestro José Miguel Pérez-Sierra. Las 14 funciones programadas irán del 8 al 25 de mayo y las entradas están prácticamente agotadas.

La acción de ‘La verbena de la Paloma’ se desarrolla en la calurosa noche de fiesta del 15 de agosto, en la que propios y extraños celebran la festividad de la virgen de la Paloma, y en la que los devaneos y los celos afloran a la vuelta de cada esquina. En el brillo soberano de cada plaza. Todo está teatralizado, musicado de forma perfecta en una dramaturgia que hace de esta obra breve una de las más valiosas joyas de nuestro repertorio; que posee la virtud que ineludiblemente va unida a los grandes títulos: nunca dejan de sorprender y siempre emocionan.

Nuria Castejón explica que su propuesta cuenta con el prólogo cómico-lírico ‘Adiós, Apolo’, escrito por Álvaro Tato, “como homenaje a los muchos artistas que hicieron del Teatro de Apolo la catedral del género chico”; se trata, en dicho preludio, de escenificar lo que vivieron los intérpretes en su última función de 1929. Por eso, la directora dedica su espectáculo, con un elocuente y emocionado “¡Va por ellos!”, a los artistas y trabajadores de aquel histórico edificio tan lleno de vida, arte y raíces; lo ofrece al teatro de entonces, y, cómo no, a sus padres —los inolvidables héroes de la zarzuela Pepa Rosado y Rafael Castejón—, herederos de la tradición del Apolo.

Un regalo fresco y joven

Por su parte, el maestro José Miguel Pérez-Sierra, director musical del montaje y nuevo titular del Teatro de la Zarzuela, ocupará en cada una de las funciones el podio del foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid –titular del coliseo–. Y no es menor la devoción que el músico siente por el título en cuestión y por su autor, al afirmar que  ‘La verbena de la Paloma’ “es una obra maestra que conjuga lo folclórico, lo popular y lo culto de una manera que podemos encontrar en pocas partituras”; y explica asimismo que Bretón, como compositor, está interesado en la tradición musical europea “y por eso aquí afronta el desafío de hacer una obra profundamente popular con raíces del folclore madrileño, y enlazar todo de una manera magistral”. Ese es el secreto de la enorme acogida de esta obra desde su primera función; del encanto que hace que a sus 130 años mantenga la frescura y jovialidad de antaño, y que el público de toda condición la reciba siempre con renovado entusiasmo. Como el regalo que es.

El reparto que interpretará los diferentes roles puede calificarse de absolutamente redondo, equilibrado, atractivo, un elenco que cualquier director –musical o de escena– firmaría con los ojos cerrados para afrontar una Verbena. En él transitan Antonio Comas, Borja Quiza, Milagros Martín, Carmen Romeu, Ana San Martín, Gerardo López, Gurutze Beitia, Rafa Castejón, José Luis Martínez, Nuria Pérez, Alberto Frías, Adrián Quiñones, Ricardo Reguera, Mitxel Santamarina, Ana Goya, Andro Crespo,  Albert Díaz y Ramón Grau en el papel de pianista. También participará Jesús Castejón poniendo la voz a la emisión de radio, y junto a todos ellos, como es de ley, el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró.

Para ilustrar el prólogo y el archifamoso sainete, la nueva producción cuenta con la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Albert Faura. Un cóctel de grandes creadores que solo puede conducir a buen puerto. A tierra firme y fértil.

A todo ello se suman 12 actores-bailarines y la emocionante intervención en el tablao del Café de Melilla de la cantaora Sara Salado.

Y para que quede constancia de la magia y el espectáculo previstos, la función del viernes 24 de mayo será grabada por Radio Clásica de Radio Televisión Española para emitir en próximas fechas.

La genialidad de Bretón

Tomás Bretón fue con todas las de la ley uno de los grandes creadores de finales del XIX. En este sentido, el musicólogo Víctor Sánchez señala que “la genialidad de ‘La verbena de la Paloma’ nos recuerda una y otra vez la calidad de su creación, su sentido dramático y el atractivo de su música”. Y en este punto aprovecha también para recordar que el compositor salmantino luchó toda su vida por “la importancia que debía tener la actividad musical en la cultura española”. Sus obras fueron muchas —45 zarzuelas, 9 óperas, 19 piezas sinfónicas y 9 de cámara— y sus éxitos abundantes y continuados tanto en la península como en el continente americano.

Por tanto, volviendo a ‘La verbena de la Paloma’, a lo largo de los ciento treinta años transcurridos desde aquella presentación en el Apolo —donde entre otras obras del género también sonó en la fatídica noche de su cierre—, muchos intérpretes han vestido los ropajes de Hilarión, Sebastián, Julián, Rita, Susana, Casta, Antonia o la Cantadora en las calles de Madrid; personajes, todos ellos, que a través del lenguaje del teatro dan vida a nuestros más genuinos sentimientos en medio de la algarabía de una fiesta popular. Y es que la naturaleza humana se muestra en cada diálogo, en cada canto y en cada uno de los actos de estos paradigmas castizos que llenan la escena con sus dimes y diretes o sus amores y rencillas.

Cuarteto Ribera

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo 28 de abril (12h00) al Cuarteto Ribera en el Ambigú del coliseo con un concierto íntegramente de obras de compositoras españolas, entre las que se incluirá un estreno absoluto.

Una temporada más, el ciclo, que celebra ya su octava edición, está dedicado plenamente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El Cuarteto Ribera incluirá en su concierto música de María Teresa Prieto (1896-1982), María de Pablos (1904-1990) y Ángela B. Pérez Lendínez (2003), de quien interpretará el estreno absoluto de La muerte de Marguerite.

Compuesto por los violinistas Liz Moore e Iván Artaraz, el violinista Jokin Urtasun y el violonchelista Jordi Creus, el Cuarteto Ribera nació en 2012 en el seno de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, es fruto de la amistad y una manera semejante de entender la música. Sus miembros se han formado tanto en territorio nacional como internacional: en centros tan prestigiosos como la Guildhall School of Music and Drama de Londres, el Hogeschool van de Kunsten de Utrecht o el Paul Dukas de París.

En sus interpretaciones destaca el hecho de haber compartido escenario con solistas y agrupaciones especialistas en repertorios de distintas épocas y estilos, forjando así un sonido personal y lleno de vida, con una especial capacidad de conexión con el público.

Asimismo, el Cuarteto mantiene un intenso compromiso con las personas en riesgo de exclusión social, llevando su música a hospitales, colegios de educación especial y centros de personas con discapacidad intelectual.

JuanJosé
Vivica Genaux

La mezzosoprano norteamericana Vivica Genaux vuelve al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista cubano Marcos Madrigal, quien debuta en esta programación. Juntos, ofrecerán un repertorio que abre y cierra con grandes cantatas dedicadas a figuras heroicas femeninas, Arianna a Naxos de Franz Joseph Haydn y Giovanna d’Arco de Gioacchino Rossini. El programa también incluye el ciclo de canciones Frauenliebe de Carl Loewe, protagonizado de nuevo por una mujer, y otras piezas tanto de Gioacchino Rossini como de Robert Schumann, maestro indiscutible del lied. El recital tendrá lugar el lunes 8 de abril a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

La célebre cantata Arianna a Naxos de Franz Joseph Haydn abrirá el recital. La obra se centra en la traición de Teseo, que abandona a su amada Ariadna. Con una musicalidad deslumbrante, fue presentada en 1791 con enorme éxito en un concierto público en Londres con Gaspare Pacchierotti, uno de los cantantes más famosos de su época. Por su parte, la cantata Giovanna d’Arco de Gioacchino Rossini, que se estructura como una gran escena operística, cerrará el programa. La obra refleja el paso de Juana de Arco desde su etapa como pastora hasta convertirse en una auténtica heroína.

El programa también incluye el emocionante ciclo de canciones Frauenliebe de Carl Loewe, basado en poemas de Adelbert von Chamisso. Las piezas describen la historia de amor de una mujer de clase media por su esposo, desde el primer encuentro hasta su fatídica muerte. El ciclo está lleno de emociones y pasiones y será una gran oportunidad para apreciar el amplio abanico expresivo de Vivica Genaux. Además, se escucharán canciones de Robert Schumann y la famosa Canzonetta spagnuola de Gioacchino Rossini, que compuso cuando se fue a Londres con su musa y futura esposa, la mezzosoprano y compositora española Isabel Colbran.

Una voz prodigiosa

Con una carrera que abarca ya dos décadas, la mezzosoprano Vivica Genaux goza de gran éxito entre el público y la crítica internacional gracias a su carismática voz, su asombrosa técnica vocal y su coloratura. Aunque es conocida por sus grandes interpretaciones en el ámbito del Barroco y el bel canto, su repertorio va más allá. Una muestra de ello es el campo liederístico, en el cual está considerada una de las voces más brillantes del panorama actual. Junto al virtuoso pianista Marcos Madrigal, ofrecerá un concierto que promete ser toda una experiencia para los amantes del género.

Sobre Vivica Genaux

Desde su debut profesional como Isabella de L’italiana in Algeri de Rossini, la mezzosoprano Vivica Genaux cautiva a público y crítica de todo el mundo con su agilidad vocal e integridad artística. Su aclamada carrera lleva a Vivica desde su Alaska natal a los teatros y salas de conciertos más prestigiosos del mundo, incluidos el Metropolitan Opera House de Nueva York, el Barbican Centre de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y la Staatsoper de Viena, por citar algunos ejemplos. Otros aspectos a destacar de la carrera más reciente de Vivica son la recuperación del papel de Vagaus en Juditha triumphans; su Il Divino Sassone en el Festival Barroco de Bayreuth; las primeras funciones de su espectáculo en solitario “Vivica & Viardot”; la grabación de “Gender Stories”, junto al contratenor Lawrence Zazzo; y los debuts del papel principal de Irene de Hasse y Trasimede de Merope de Riccardo Broschi. Su repertorio, que abarca cinco siglos de música, se consolida con elogiadas interpretaciones de roles barrocos y belcantistas, incluidos muchos papeles de hombre. Su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York fue con el papel que ha cantado con más frecuencia en su carrera, Rosina de Il barbiere di Siviglia de Rossini. Como una vertiente adicional a su exitosa carrera, Vivica cumple un papel fundamental en la introducción de obras olvidadas al público moderno. Así, es una apasionada defensora de la recuperación del interés por la música del compositor Johann Adolf Hasse, y sus esfuerzos fueron reconocidos en 2019 con el Premio Hasse otorgado por la Fundación Johann-Adolf-Hasse. También recibe el Premio Haendel de la Ciudad de Halle en 2017, ampliando una galería de premios que incluye el Premio ARIA en 1997, el Premio Christopher Keene de la Ópera de la Ciudad de Nueva York en 2007 y el Premio Maecenas de la Ópera de Pittsburgh en 2008. El interés y dedicación de Vivica por compartir su experiencia y amor por la voz se manifiesta en la creación de la Academia V/vox y en fructíferos compromisos docentes. Vivica sigue ampliando su discografía con célebres grabaciones.

Sobre Marcos Madrigal

Marcos Madrigal nace en La Habana, Cuba. Se gradúa en el año 2007 con Diploma de Oro del Instituto Superior de Arte, bajo la orientación de la eminente profesora Teresita Junco. Cursa estudios de perfeccionamiento en la Universidad Musical del Conservatorio de Lugano y en la prestigiosa Academia Internacional de Piano “Lake Como”, donde recibe clases de los maestros Andreas Staier, Dimitri Bashkirov, Fou Ts’ong, John Perry, Malcolm Bilson y especialmente, William Grant Naboré. Ha ofrecido recitales y conciertos con orquestas en algunas de las más importantes salas del mundo, como el Teatro Colón de Buenos Aires, el Auditorio Parco della Musica de Roma, el Queen Elizabeth Hall de Londres, el Auditorio Manuel de Falla de Granada, la Ópera Nacional de Bucarest, el Volkstheater de Viena, el Teatro Rossini de Pésaro, el Teatro delle Muse de Ancona, el Teatro Romano de Verona, el National Concert Hall de Dublín y el Gran Teatro Qintai de China, colaborando con importantes directores como Claudio Abbado, Leo Brouwer, Paul Mann, Enrique Diemecke y Lorenzo Ramos. Además, ha colaborado en varios proyectos con Nicola Piovani, ganador de un Oscar por “La vida es bella”, así como con otros compositores vinculados al mundo del cine y del teatro. Desde 2017 es director artístico de Habana Clásica, un festival internacional de música clásica con sede en la capital cubana. Es ganador de numerosos concursos internacionale. En 2012, recibe el prestigioso Premio Internacional “Medaglia d’Oro Maison des Artistes”, otorgado por la Asociación de Cultura, Arte, Ciencia y Compromiso Social de la ciudad de Roma.

Juan José

Sorozábal denominó su ópera ‘Juan José’ con el subtítulo de «drama lírico popular», aclarando que lo de «popular» se refiere a lo proletario y no a lo folclórico. Estrenada en versión de concierto en 2009 en el Auditorio Kursaal de San Sebastián cuando se cumplían 41 años de su composición en 1968, el estreno absoluto de la versión escénica, dirigida por José Carlos Plaza, tuvo lugar varios años más tarde, en febrero de 2016, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En ambos casos, el éxito fue incontestable. Ahora, rebasado ya el medio siglo desde que el Maestro donostiarra la concibiera, se presenta, también en el recinto madrileño, la primera reposición de aquella sobrecogedora producción. Con libreto del propio Pablo Sorozábal basado en la obra homónima de Joaquín Dicenta, quien a su vez se había inspirado en un hecho real, y con dirección musical del Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, que cumple así de nuevo el deseo expreso del músico de que fuera él y no otro quien se encargara de hacer sonar la partitura, en esta ocasión el público podrá volver a estremecerse en las 8 funciones programadas entre los días 4 y 12 de abril.

La historia de ‘Juan José’ transcurre en los barrios bajos de ese Madrid de antaño, un mundo dominado por una injusticia social extrema que divide a la gente entre los que tienen y los carentes de lo imprescindible, y donde a causa del analfabetismo y la incultura afloraban las miserias humanas, los rencores, los miedos, las traiciones y desconfianzas, la violencia más extrema e irracional, repitiéndose todo de padres a hijos en una espiral sin fin.

Gran valor musical y dramático

Es el escenario de estas artes negras el Madrid de las recónditas tabernas de olor amargo y personajes marginales que ya afloraban tres décadas antes en la ópera ‘Adiós a la bohemia’ (1933) del propio Sorozábal y con libreto de Pío Baroja. Ambas obras resultan claras transmisoras de un profundo pesimismo vital, lejos de cualquier romanticismo popular y próximas las dos (mucho) a un naturalismo sencillo; como si de una auténtica crónica de bajos fondos se tratara.

La historia sombría y visceral de ‘Juan José’ va unida en este caso al lenguaje musical moderno con el que Sorozábal edificó la obra; una partitura personal, densa, evasora de lo fácil, fieramente contemporánea hasta concebir un discurso teatral continuo donde el compositor logra dar una vuelta de tuerca a su música y de paso al género.

Y para que esto surta el efecto que en su día deseó Sorozábal, vuelve a hacerse cargo de la dirección musical el Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, quien considera ‘Juan José’ una obra de “grandísimo valor musical y dramático”, a quien en su día, allá por los últimos años setenta del pasado siglo, fue el propio músico quien lo eligió personalmente para que asumiera la responsabilidad de ponerse al frente de la orquesta después de verle y escucharle dirigir ‘Un ballo in maschera” de Verdi en Berlín. Diferentes vicisitudes hicieron que la obra no pudiera estrenarse entonces, pero al cabo de los años (casi cincuenta) pudo sonar finalmente en el teatro tal y como el propio Sorozábal había querido: con Gómez-Martínez en el foso. Y volverá a hacerlo este mes de abril de nuevo en el Teatro de la Zarzuela con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular de este recinto.

En el núcleo de la miseria

En esta producción, el director de escena José Carlos Plaza, muy de acuerdo con la historia que concibió Dicenta y recogió Sorozábal muchas décadas después, nos sumerge en el núcleo mismo de la miseria y el analfabetismo. Asegura Plaza que al haberles impedido el acceso al conocimiento, estas personas “son incapaces de discernir o reflexionar sobre lo que les pasa y sus causas, y eso les ha convertido en bestias”. Y añade que “como los animales, sólo sienten sensaciones primarias: dolor, hambre, frío, enfermedades, agresividad, odio… Los conceptos «moral» o «ética» han dejado de tener sentido alguno”.

El montaje cuenta con dos repartos de voces que el público aficionado siempre quiere escuchar, algunas de las cuales triunfan en los teatros más reconocidos del mundo. Así, los papeles principales estarán interpretados por los barítonos  Juan Jesús Rodríguez y Luis Cansino, las sopranos Saioa Hernández y Carmen Solís, o Vanessa Goikoetxea y Alba Chantar, las mezzosopranos María Luisa Corbacho y Belem Rodríguez Mora, el tenor Alejandro del Cerro, el bajo Simón Orfila o el también tenor Francesco Pio Galasso, entre otros.

A través de los elementos siniestros que conforman el decorado de Paco Leal, iluminado por él mismo, se combinan la realidad y el sueño en un mismo espacio, de tal manera que a la postre todo resulta violento y grotesco. Y ahí, en lo más profundo de lo que somos, aparecen las bestias en las que (¡quién lo hubiera dicho!) llegamos a transformarnos. Esta oscuridad a la que todos estamos expuestos y que Plaza nos revela, es pues, y aunque nos pese, un retrato vivo de la realidad. Un entorno “desgraciadamente no muy lejano”.

Para conseguir este efecto sórdido y lúgubre necesario para la credibilidad de puesta en escena, es también crucial el asombroso trabajo que el maestro de maestros Pedro Moreno realiza con el vestuario —para cuya confección y acabado ha contado con la colaboración de varios talleres especializados—, las pinturas desasosegadoras de Enrique Marty que forman parte misma de la escena, y el muy estudiado movimiento escénico trazado por Denise Perdikidis, que llenan la escena de una realidad asfixiante. La dirección de la reposición corre a cargo de Jorge Torres, brillante colaborador habitual de Plaza. Al reparto principal se unirán asimismo un cuerpo de baile de ocho bailarines y ocho actores figurantes.

MATERIALES AUDIOVISUALES

Entre otros materiales, el Teatro de la Zarzuela, a través de su canal de YouTube, ha puesto ya a disposición de público y aficionados la conferencia de la catedrática Ana Freire.

Asimismo, en breve estará disponible una nueva entrega de ‘Viaje por la zarzuela’, el capítulo 37 de la serie, en el que Saioa Hernández y Juan Jesús Rodríguez nos hablarán de lo que supone enfrentarse a una obra como esta e interpretarán alguno de sus números musicales.

Jorge Torres

El director de escena sevillano se encargará de la reposición de Juan José de Sorozábal, que se podrá ver los días 4, 5, 6, 7, 9, 10, 11 y 12 de abril en el Teatro de la Zarzuela con dirección musical de Miguel Ángel Gómez-Martínez y un doble reparto en el que figuran los nombres de Juan Jesús Rodríguez, Luis Cansino, Saioa Hernández, Carmen Solís, Vanessa Goikoetxea y Simón Orfila, entre otros. José Carlos Plaza, responsable de esta producción de Juan José estrenada en 2016 en el conocido coliseo de la calle Jovellanos, ha cedido el testigo a su pupilo Jorge Torres para llevar a cabo el montaje escénico de este drama lírico popular en tres actos de Pablo Sorozábal con libreto de Joaquín Dicenta.

“Juan José es una obra tremendamente social y política, que trascurre en un Madrid paupérrimo, reino de la miseria y del analfabetismo, y dominado por la injusticia social que divide a las personas entre las que tienen y las que no”, señala Jorge Torres. “No es un melodrama sino un drama social, tal y como ya podemos apreciar en el texto de Joaquín Dicenta, y tratamos la obra como un retrato visto a través de un espejo deformante, que nos muestra una realidad terrible, la cual no nos es muy lejana. Para mostrar esta historia desgarradora, para la que Sorozábal ha compuesto una música maravillosa, partimos de un realismo que luego va a derivar en expresionismo”, concluye Torres, que desde 2010 forma parte del equipo de dirección de José Carlos Plaza, con el que ha trabajado en varias producciones líricas (Los Diamantes de la Corona, Los amores de la Inés/La verbena de la Paloma y El Gato Montés) estrenadas en el Teatro de la Zarzuela, y en obras de teatro como Electra, Hécuba o Medea, presentadas en el Festival de Mérida.

Jorge Torres debutó como director de escena en la famosa Ópera de Los Ángeles (LA Opera) con El Gato Montés de Manuel Penella, en una producción procedente del Teatro de la Zarzuela y un cast estelar encabezado por el tenor Plácido Domingo, la soprano Ana María Martínez, el tenor Arturo Chacón-Cruz, la mezzosprano Nancy Fabiola Herrera y el bajo Rubén Amoretti. Y, en el ámbito teatral, ha dirigido también ¿Cómo puedo no ser Montgomery Clift? de Alberto Conejero, La Isla del Aire de Alejandro Palomas, Flores Arranxadas a la Niebla de Arístedes Vargas y Los juegos de invierno, con dramaturgia de Adriá Raluy.
Como ayudante de dirección, Jorge Torres ha colaborado también con Juan Echanove (Pan y Toros, Teatro de la Zarzuela) y Lluís Homar (Adolfo Marsillach soy yo, Compañía Nacional de Teatro Clásico), con quienes volverá a trabajar en un futuro cercano. Además, es actor de teatro, cine y televisión, actividad que compagina con la docencia como profesor de Escena Lírica en la Escuela Superior de Canto Katarina Gurska.

Victoria de los Ángeles

El Teatro de la Zarzuela, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, rendirá el próximo martes 12 de marzo un emotivo homenaje a la soprano barcelonesa, considerada a día de hoy una de las mejores intérpretes líricas de la historia.

En el concierto participarán catorce de nuestras mejores voces, acompañadas por la Orquesta Victoria de los Ángeles bajo la dirección de Pedro Pardo. La propuesta escénica está firmada por Marc Busquets, comisario del Año Victoria de los Ángeles que conmemora el centenario del nacimiento de esta cantante única que, sin la menor duda, ha sido y es una de las voces legendarias del siglo XX.

El programa, que constará de dos partes, estará integrado por obras de más de una veintena de compositores que fueron especialmente representativos de las glorias de su carrera como son Frederic Mompou, Joaquín Turina, Eduard Toldrà, Manuel García Morante, Federico Chueca, Pablo Sorozábal, Ruperto Chapí, Manuel Penella, Jaime Ovalle, Enrique Granados, Fernando Obradors, Joaquín Rodrigo, Francisco Asenjo Barbieri, Manuel de Falla, Gerónimo Giménez, Rafael Calleja y Tomás Barrera, Xavier Montsalvatge, Ernesto Halffter, Léo Delibes, Wolgang Amadeus Mozart, Antonín Dvořák o George Bizet.

Y los cantantes que se enfrentarán a estas obras con el emocionante recuerdo de Victoria de los Ángeles en la garganta y en sus corazones serán, por orden alfabético, David Alegret, José Bros, Mariola Cantarero, Mercedes Gancedo, Airam Hernández, Nancy Fabiola Herrera, David Menéndez, María José Montiel, Josep-Ramon Olivé, Helena Ressurreição, Ofelia Sala, Montserrat Seró, Carmen Solís y Miren Urbieta-Vega.

Embajadora universal de nuestra cultura

Como muy acertadamente escribe en el programa de mano Marc Busquets, celebramos el centenario de una artista con mayúsculas “retomándolo allí donde ella lo dejó (…), homenajeándola con algunas de las romanzas de zarzuela que cantó, pero también reivindicando la presencia de canción catalana y española, que con tanto cariño prodigó por todo el mundo, siendo ella una de las grandes embajadoras de nuestra cultura a nivel universal”.

El concierto, asimismo, será doblemente conmovedor y poético, si se tiene en cuenta que después de reinar en el Metropolitan de Nueva York o de ser la única soprano española en cantar en el Festival de Bayreuth, en 1980 interpretó la que fue su última función de ópera en este mismo escenario del Teatro de la Zarzuela; la obra, ‘Pelléas et Mélisande’ de Debussy, uno de sus papeles predilectos a lo largo de los años.

Es también emotivo recordar que Victoria de los Ángeles inauguró el Ciclo de Lied de La Zarzuela que en esta temporada celebra su treinta aniversario y que sigue gozando de excelente salud de la mano del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

Isamay Benavente, directora del Teatro de la Zarzuela, pone en valor el homenaje afirmando que “con su nombre y su memoria vuelven a brillar estas tablas del Teatro de la Zarzuela a las que la soprano barcelonesa dio solera con ese espíritu solamente propio de las grandes estrellas, y que en cada una de sus interpretaciones Victoria de los Ángeles convertía sin excepción en un mágico resplandor de luz propia”.

Andrè Schuen

Regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela una de las voces líricas más aplaudidas del panorama actual, el barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984). Junto al destacado pianista Daniel Heide, con quien actúa frecuentemente en numerosos escenarios internacionales, ofrecerá al público un programa que incluye dos obras cumbre del género liederístico, Vier ernste Gesänge (Las Cuatro Canciones Serias), op. 121 de Johannes Brahms y Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico de la juventud) de Gustav Mahler. El repertorio se completa con otras canciones de ambos autores, considerados dos de los más grandes compositores de la historia. El recital tendrá lugar el lunes 11 de marzo, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

Este recital presenta obras de dos compositores que tuvieron una sólida trayectoria en el ámbito del lied. Pese a ser un prolífico autor de sinfonías, cuartetos de cuerda y música para piano, Johannes Brahms escribió más de 200 lieder. Por su parte, Gustav Mahler, además de ser uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento, también centró sus esfuerzos compositivos en el género liederístico. Así, este concierto se presenta como una experiencia única para degustar la música de dos autores clave de su tiempo en un ámbito tan envolvente como el lied. A través de la carismática voz de Andrè Schuen, el público podrá encontrar las semejanzas y diferencias que unían a Brahms y a Mahler.

El programa se abrirá con las cuatro canciones del ciclo Vier ernste Gesänge, op. 121 de Johannes Brahms, inspirado en textos bíblicos y que aborda temas como la muerte y la fugacidad de la vida. Después será el turno del ciclo Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler, basado en una recopilación de cantos populares alemanes. Los poemas, que habían seducido a un buen número de compositores, causaron un gran impacto en Mahler, quien llegó a componer más de treinta lieder basados en dicho textos. En este recital del Ciclo de Lied del CNDM, se escucharán varias de sus canciones, como las dramáticas y épicas Revelge o Der Schildwache Nachtlied, entre otras. De Mahler también se interpretará Zu Straßburg auf der Schanz’ del ciclo Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit; mientras que otros exquisitos lieder de Brahms, que abarcan desde 1964 hasta 1888,  cerrarán el recital.

Sobre Andrè Schuen

El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con

quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger. Andrè Schuen ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).

Sobre Daniel Heide

Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).

Ruth Lorenzo

La cantante Ruth Lorenzo se presenta ante su público en el Teatro de la Zarzuela de una forma diferente a la que conocemos: a voz, chelo y piano. El concierto, que ha bautizado como ‘Noche en blanco’ será este próximo sábado, 9 de marzo (20h00).

Este sábado los protagonistas, además de la voz única que posee la cantante, serán el piano de Ricardo Ruiz y el chelo de Rocío Pinar.

Entre los temas que desgranará sobre el escenario estarán algunos de los mayores éxitos de sus dos discos en el mercado –‘Planeta azul y ‘Loveaholic’–, el EP que lanzó en 2023 –‘La Reina’– que supone un abrazo de nuevo a sus raíces, además de las versiones que la han acompañado durante sus más de 10 años de carrera en la música.

Estilo muy personal

Ante esta cita tan especial, la artista comenta: “He escrito canciones desde que puedo recordar y he entonado melodías desde mucho antes de hablar. No hay un momento que pueda hacer memoria en el que la música no estuviera presente en mi vida”.

Sus orígenes sureños y mediterráneos y su desarrollo vital al otro lado del “charco”, en Estados Unidos, la han llevado, según sus propias palabras, “a tener un estilo musical muy personal. Gracias a mi segundo disco ‘Loveaholic’, libre de presiones discográficas y de mercado, pude jugar, disfrutar de la música y conseguir un gran sonido dentro de un estilo Pop-Rock”.

Junto a Red Triangle, sus actuales productores, pudo hacer realidad la que la artista considera la colaboración más especial de su vida junto a Jeff Beck, “uno de mis héroes”. El tema, ‘Another Day’ que ambos grabaron será uno de los muchos que interprete en el Teatro de la Zarzuela.

Gal·la Placídia

El Teatro de la Zarzuela, de acuerdo con los estatutos que lo rigen, debe, “sin ningún tipo de pretexto”, salvaguardar y difundir el género lírico español. Y es esta la razón por la que desde hace años, temporada a temporada, el coliseo viene recuperando valiosos títulos de nuestra lírica condenados por unas u otras razones al olvido.

En este año lírico 2023/24 será la ópera ‘Gal·la Placídia’ de Jaume Pahissa, estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con dirección musical del propio compositor y repuesta en el mismo teatro en 1933, la escogida para este nuevo renacer, sacudiéndose así el abandono a que ha estado relegada durante casi un siglo. Será el próximo viernes 8 de marzo y el domingo 10 (20h00 y 18h00 respectivamente) en versión de concierto.

Con libreto en lengua catalana del propio compositor basado en la obra de Àngel Guimerà, de quien en estos días se celebra con diversos actos el ‘Año Guimerà’ al cumplirse el centenario de su muerte, ‘Gal·la Placídia’ posee una partitura muy personal, con una orquestación magistral, y las cuitas de su argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, giran en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas.

Los conciertos contarán con la dirección musical de Christoph König, quien al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela, la ORCAM, y de su Coro Titular dirigido por Antonio Fauró, deberá hacer frente a una partitura de extraordinaria dificultad, que necesitará asimismo de la colaboración del Coro de la Comunidad de Madrid. Por su parte, dadas las especiales características de la obra de Pahissa, el reparto ha sido escogido para la ocasión con mucho tiento e intención, y estará integrado por Maribel Ortega, Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Daza y Marc Sala.

Entre los más relevantes compositores

El Teatro de la Zarzuela se adentra de nuevo en lo mejor de esa historia operística desconocida de nuestro país. El compositor, profesor, crítico y musicógrafo Jaume Pahissa es, como resalta el maestro de musicólogos Emilio Casares, una de las personalidades más destacadas de la creación musical española de la primera mitad del siglo XX, y “uno de los más relevantes compositores de ópera que han existido en España”.

Sus siete títulos de ópera –los dos últimos compuestos en su exilio argentino–, casi todos ellos estrenados con gran éxito, lo sitúan, de acuerdo con las palabras del investigador, “en la cumbre de nuestra historia lírica y piden a gritos su vuelta a la escena”.

Pahissa vivió en plenitud los treinta primeros años del siglo en una Barcelona donde se estaba produciendo una auténtica eclosión de la cultura. Pero la Guerra Civil cambió su vida y le obligó a unirse a la larga lista de quienes se vieron obligados a abandonar España. El músico partió rumbo a la Argentina, al igual que los también compositores Manuel de Falla y Julián Bautista (que murieron como él en el exilio), la soprano y pianista Conchita Badía, y tantos y tantos otros. Allí, en la otra orilla del océano, su presentación como autor fue con ‘Marianela’ (recuperada por el Teatro de la Zarzuela en noviembre de 2020) que reestrenó en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1946.

Volviendo a ‘Gal·la Placídia’, y al concepto creativo del compositor, Jaume Pahissa parte de Felipe Pedrell (de quien La Zarzuela acogió asimismo en septiembre de 2022 el estreno absoluto de ‘La Celestina’) y de la gran tradición wagneriana vivida en Cataluña, pero también de Strauss, a quien conoció y valoraba especialmente, y hasta del Expresionismo, a pesar de su opinión sobre Schoenberg. Y así las cosas, el propio Pahissa reconoce que “la influencia formidable de Wagner pesa sobre mí, y encaminó mis pasos por el drama lírico, como ha tiranizado y dirige aún hoy a cuantos después de él han compuesto”.

Como recuerda el profesor Casares, el estreno de ‘Gal·la Placídia’ fue un auténtico impacto en la cultura catalana. La prensa del momento recogía las numerosas noticias, discusiones y reflexiones provocadas por la obra. Unas palabras de un conocido crítico de la época, Adolfo Marsillach, en El Liberal, indican la transcendencia del estreno: “Gala Placidia es la ópera de un coloso de la música, la revelación de un genio musical destinado a escribir obras portentosas”.

De Al-Ándalus a la Andalucía Medieval

La nueva propuesta del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela viene plagada de exquisitez y exotismo. Eduardo Paniagua, gran especialista en el ámbito de la música medieval, nos transportará a través de las cántigas Alfonsíes y canciones andalusíes, a la Baja Edad Media ibérica en la que, más allá de los enfrentamientos bélicos, el castellano y el andalusí se dan la mano con la alianza de música y poesía. Será el próximo lunes, 4 de marzo (20h00) en el Ambigú del Teatro y, como ya es costumbre en este ciclo, con las entradas agotadas.

Con la participación de los músicos César Carazo (canto árabe, galaicoportugués y fídula), Wafir Sheik (canto y laud árabe) y Jaime Muñoz (gaitas, flautas y cornamusa), dirigidos por Eduardo Paniagua (qanún, flautas, pandero y canto), el público emprenderá un viaje por una época de fronteras y conquistas, en un tiempo en que en paralelo a los campos de batalla reales, existió una guerra cultural a través de un delicado refinamiento y especial cuidado de las Artes con mayúsculas. Se trata de un mágico recorrido por nuestra herencia, por nuestro patrimonio más exquisito y exótico, donde las diferencias y los conflictos de ambos bandos, el castellano y el andalusí, desaparecen en una apoteosis de música y poesía.

Por su trabajo y por la difusión de estas músicas inéditas, Eduardo Paniagua recibe desde hace años excelentes críticas y premios internacionales.

La Edad Media tuvo un papel definitivo en la formación de España. Una visión global de la música de la España medieval ha de tener en cuenta Al-Andalus, ya que en el aspecto cultural y musical tuvieron una extraordinaria interrelación.

La música hispanomusulmana nos proporciona un ejemplo de simbiosis cultural de ricos frutos mezclando los logros musulmanes y cristianos en el crisol andalusí a lo largo de más de siete siglos. Constata que la civilización medieval es un todo homogéneo. Su tesoro musical, con el avance de los reinos cristianos del norte, y especialmente al finalizar la permanencia musulmana en la península Ibérica tras la expulsión de los Moriscos en 1609, pasa al Magreb donde hoy pervive. La conservación de esta joya musical es casi un milagro y su estudio y recuperación es un regalo para el patrimonio musical de Occidente y de la humanidad.

Las Cantigas de Santa María, comprendidas en cuatro códices de pergamino del siglo XIII, constituye la obra lírica más importante de la España medieval, y está considerada como la obra más personal de Alfonso X. El repertorio es de extraordinaria riqueza ya que sus melodías son todas distintas y originales. El mundo andalusí también se refleja en ellas. Compuestas y compiladas en el Alcázar de Sevilla, los códices que las guardan contienen asimismo las más valiosas miniaturas del siglo XIII.

Ensemble María de Pablos

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo 25 de febrero (12h00) al Ensemble María de Pablos en el Ambigú del coliseo con un concierto íntegramente de obras de compositoras españolas, entre las que se incluirán tres estrenos absolutos. Las entradas para el concierto están agotadas.

Una temporada más, el ciclo, que celebra ya su octava edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El Ensemble incluirá en su concierto música de la propia María de Pablos (1904-1990), Pauline García-Viardot (1821-1910), Matilde Salvador (1918-2007), Marisa Manchado (1956), Carme Rodríguez (1996) y tres estrenos absolutos de María José Cordero (1953), Alicia Muñoz Torres (2002) y Lucía López de Vergara (2003).

Compuesto por la mezzosoprano Joana Thomé, la violinista a actualidad por el violista Noelia Gómez y la pianista Puerto González, el Ensemble María de Pablos nació en 2020 con la voluntad de rendir homenaje a la ilustre compositora segoviana de la que toman el nombre, primera mujer de la historia en ganar por oposición la beca para estudiar composición en la Real Academia de España en Roma y pionera como directora de orquesta en España.

El Ensemble pone en valor la música creada por compositoras, a la par que se implica en la creación de nuevas obras para la agrupación.

Con este ciclo el Teatro sigue con su objetivo de difindir la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Maribel Ortega

El Teatro de La Zarzuela acogerá en este mes de marzo la próxima presentación de ’Gal·la Placídia’, una ópera en tres actos, versión concierto, compuesta por el Maestro Jaume Pahissa, con un libreto escrito integramente en catalán basado en la obra de Ángel Guimerà.

La soprano jerezana Maribel Ortega encabeza un reparto de excepción asumiendo el papel principal de Gal·la Placídia. Su virtuosismo vocal y profundo compromiso artístico prometen una interpretación brillante y emotiva. Bajo la dirección musical de Christoph König, titular del Teatro de la Zarzuela, la ópera cuenta con un reparto minuciosamente seleccionado entre los que destacan los nombres de Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Danza y Marc Sala. La dirección coral estará a cargo de Antonio Fauró, director del Coro del Teatro de la Zarzuela.

La trágica obra en verso ’Gal·la Placídia’ de Angel Gimerà está ambientada en la Barcelona del año 416, la ópera explora la complejidad del amor, la traición y el conflicto entre godos y romanos. Se estrenó en 1913 en el Liceo marcando un hito histórico al fusionar la narrativa de Guimarà con la música innovadora de Pahissa. La obra resalta la grandeza de Verneuf, las dudas sentimentales de Gal·la Placídia y la sumisión de Ataulf.

Jaume Pahissa (1880-1969) era un músico ecléctico y vanguardista que dejó un legado musical diverso, desde sinfonías hasta operas como ”Marianela”. Su exilio a Argentina durante la Guerra Civil Española no detuvo su contribución a la música y en 1961 regresaba a Barcelona pero viendo que está completamente olvidado y que su música ha sido prohibida, después de una gira por Europa regresa a Argentina. Su obra, que fue prohibida por la dictadura, ha

permanecido desconocida por el gran público hasta ahora. La interpretación de ’Gal·la Placídia’ en marzo, con Maribel Ortega promete celebrar la rica tradición lírica catalana y el ingenio perdurable de Pahissa. Un encuentro único con la historia y la música.

Maribel Ortega

La soprano lírico-spinto Maribel Ortega es una rara avis en el paisaje lírico español de hoy. Su talento para el registro dramático no es habitual dentro de nuestras fronteras y la acerca a roles de la ópera alemana, nórdica y del este de Europa. Por eso ha interpretado la mayoría de los roles protagonistas del repertorio lírico dramático, tanto en España como en el extranjero.

Natural de Jerez de la Frontera (Cádiz), Ortega se tituló en Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu con Enriqueta Tarrés. Desde entonces se ha perfeccionado con Cynthia Sanner, profesora de la Juilliard School y Carlos Aransay. Además, la soprano tiene una pasión oculta, la enología, ya que es licenciada en Ciencias Químicas, con especialización en Enología y Fermentaciones Industriales.

Desde su debut en el papel principal de Norma en la Ópera de Cataluña (2006), destacan sus colaboraciones con el Gran Teatro del Liceo, la Ópera de Oviedo, el Teatro São Pedro de Brasil, el Palau de Les Arts o el Teatro alla Scala bajo la dirección musical de Valery Gergiev y Pier Giorgio Morandi, entre otros, en roles principales de obras como Turandot, Macbeth, Madama Butterfly o Die Walküre.

Ha ganado numerosos concursos líricos y becas como la “Rosa Maria Tarruel”, el Otoño Lírico Jerezano, “Mirabent i Magrans”, “Germans Pla”, “Ciudad de Zamora”, “Jaume Aragall”, ha recibido el premio Cantante Revelación de la crítica de los Amics del Liceu por su Lady Macbeth (2006, Sabadell) y Mejor voz femenina de los Amigos del Teatre Principal de Palma por Nabucco (2016, Palma).

El año pasado por agua

El premiado y tantas veces elogiado Proyecto Zarza  del Teatro de la Zarzuela, o lo que es lo mismo: zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, regresa un año más al escenario de la plazuela de Teresa Berganza, y en esta ocasión lo hace con ‘El año pasado por agua’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde. La versión del libreto de Ricardo de la Vega es de Enrique Viana. Esta es la octava temporada de esta iniciativa que tiene como propósito primordial divulgar el género entre las jóvenes generaciones, de tal forma que los nuevos espectadores se acerquen a la zarzuela sin prejuicios y con el objetivo ideal de afianzar el futuro del género.

En las 14 funciones que el Teatro ofrecerá entre el 23 de febrero y el 1 de marzo (11 escolares y 3 abiertas al público general) será la Maestra Lara Diloy quien se encargue de la dirección musical, y Marta Eguilior la responsable de la dirección de escena y la escenografía. Como ya es habitual, la obra estará interpretada por 18 cantantes-actores de entre 18 y 33 años elegidos a través de un proceso de audiciones en el que nuevamente concurrieron cientos de artistas.

En esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, el vestuario es de Betitxe Saitua, la iluminación de Alfonso Malanda y la coreografía de Cristina Arias. Por tercer año consecutivo se ha contado también con el director del Coro Titular del Teatro, Antonio Fauró, que ha trabajado en la preparación de las voces de los cantantes-actores que participan en la representación y que estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos.

Mensaje positivo, optimismo obligado

La versión que el dramaturgo, actor y cantante Enrique Viana ha escrito sobre el texto de Ricardo de la Vega habla de un mundo en peligro, el nuestro, amenazado por todas las terribles consecuencias derivadas del cambio climático. Y pese a las más que pesimistas alarmas, hay en la historia un mensaje positivo; como dice el propio autor: “Detrás de la zarzuela hay una crítica, una conciencia, un aviso, una llamada de atención para que el mundo de hoy sea mejor mañana”.

Por su parte, Marta Eguilior señala que no por casualidad la historia transcurre un 31 de diciembre. El apellido de Chueca, uno de los dos “ilustres” compositores de la obra, “rotula, hoy día, uno de los barrios más coloristas y libres de Madrid. ¿Por qué no abrazar tan mágica conjunción y llevar a escena un espectáculo lleno de lentejuelas y festividad? ¿Por qué no convertir esta representación en la celebración de la Nochevieja, en una revista con sus luces y sus sombras? De la vida que se va, la que cambia. La oportunidad de un año nuevo”. Así aborda la directora la función, para acercarse y abrazar los planteamientos de Viana: “¿Y si ahora se acercase ese «fin»? ¿Y si no hubiera manera de frenar el deshielo de los glaciares? ¿Los termómetros desorbitados?”, y también con el optimismo casi obligado de aquel: “¿Y si en la última noche del año hiciéramos el balance de lo bueno y malo y tuviéramos la oportunidad de tomar nuevas decisiones para evitar ese cataclismo, mejorar al planeta, a nosotros mismos?”.

Las funciones se presentarán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela, y, como de costumbre, se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) con funciones para el público general. Tal y como se ha venido haciendo en las siete ediciones precedentes, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

Una de las funciones escolares del viernes 1 de marzo será grabada y emitida días después a través de las cuentas de Facebook y YouTube del Teatro, en las que quedará disponible.

José Antonio López

El barítono José Antonio López (Murcia, 1973) debuta en el XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Juntos nos ofrecerán un programa en el que destaca el estreno absoluto del ciclo de canciones La voz a ti debida del gran compositor, pianista y productor mallorquín Antoni Parera Fons. También interpretarán en este variado recital lieder de Maurice Ravel, Gerald Finzi y Antón García Abril. El concierto tendrá lugar el lunes 12 de febrero, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.

José Antonio López es un destacado barítono que navega por repertorios muy variados, que abarcan desde el Barroco hasta la música contemporánea. Reconocido por su impecable interpretación en recitales de lied y óperas, ha brillado junto a renombradas orquestas y directores en prestigiosos escenarios internacionales, como en su presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel. Su pasión por el lied es notable, acompañado por destacados pianistas. En este caso, estará presente en el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un repertorio variado junto al virtuoso pianista Daniel Heide quien, a diferencia de López, es un músico que ha participado en varias ocasiones en este ciclo.

El programa se abrirá con las Histoires naturelles de Maurice Ravel, un divertido conjunto de canciones que contiene cinco obras dedicadas a animales. Las melodías, cargadas de humor, reflejan con ironía los comportamientos de aves como el pavo real o el cisne, acentuando sus características. Después será el turno de cinco piezas del ciclo shakesperaeano Let us garlands bring de Gerald Finzi, entre las que se encuentra la sobrecogedora Fear no more the heat o’ the sun. A diferencia de las partituras anteriores, José Antonio López tendrá que abordar ahora canciones que hablan del paso del tiempo, el envejecimiento o el desconsuelo.

La segunda parte del recital comenzará con tres de las nueve Canciones de Valldemosa de Antón García Abril, basadas en exquisitos versos de Luis Rosales, José Hierro y Gerardo Diego. Después será el turno de uno de los platos fuertes del concierto, el estreno absoluto de La voz a ti debida de Antoni Parera Fons, que viene precedido de un prólogo de Garcilaso de la Vega. En total, siete obras en las cuales José Antonio López, que ya protagonizó la última ópera de este compositor, L’arxiduc (2022), tendrá que adoptar un tono intimista para cantar sobre el amor.

Sobre José Antonio López

José Antonio López es un cantante versátil que navega entre estilos y épocas, desde el Barroco a la música contemporánea; reparte su quehacer artístico entre el concierto, la ópera y el recital, siempre de forma atenta a la estilística y la expresividad de cada periodo y al uso de la voz al servicio de la música. En el ámbito de los conciertos, cabe destacar su reciente presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel, así como sus compromisos con orquestas como la Cincinnati Symphony (Messiah de Haendel y la Sinfonía nº 8 de Mahler), la Rotterdam Philharmonic, la Mahler Chamber Orchestra, la Dresdner Festspielorchester, la Antwerp Symphony, la BBC Symphony y Philharmonic, la Filarmónica de Varsovia, La Cetra Barockorchester, la Orquesta del Festival de Budapest o la Orquesta Nacional de España, en salas como la Philharmonie de Berlín, la Laeiszhalle de Hamburgo, la Konzerthaus y la Musikverein de Viena, el Barbican Center de Londres o el Mozarteum de Salzburgo, o, próximamente, en el Concertgebouw de Ámsterdam, que acreditan su gran momento. El barítono ha sido dirigido por importantes directores de orquesta como David Afkham, Andrei Boreiko, Ivor Bolton, James Conlon, Gustavo Dudamel, Iván Fischer, Pablo Heras-Casado, Nicola Luisotti, Lorin Maazel, Andrea Marcon, Neville Marriner, Juanjo Mena, Gianandrea Noseda, Víctor Pablo Pérez, Daniele Pollini, Josep Pons, Christophe Rousset, Lahav Shani o Masaaki Suzuki. Asimismo, es un devoto intérprete de lied y ha sido acompañado por Maurizio Pollini en el Theater an der Wien, Daniel Heide, Iain Burnside o Rubén Fernández Aguirre. Los últimos años atestiguan un notable crecimiento de su actividad lírica, con una presencia relevante de las óperas de Haendel y la música contemporánea, con papeles protagonistas en los estrenos de El público de Mauricio Sotelo y El abrecartas de Luis de Pablo en el Teatro Real de Madrid o de L’enigma di Lea de Benet Casablancas en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, pero en el que también están presentes compositores como Mozart, Verdi, Puccini, Wagner (Der fliegende Holländer en Valencia y Die Meistersinger von Nürnberg en Madrid) y Strauss (Ariadne auf Naxos en Barcelona y Salome en Mérida), entre otros. Recientemente, ha cantado por primera vez en la Ópera de Lausana, el Händel Festspiele de Halle o el SWR Schwetzinger Festspiele y pronto lo hará en el Innsbrucker Festwochen. Este intérprete cuenta con distintas grabaciones para sellos como Deutsche Grammophon, Harmonia Mundi, Deutsche Harmonia Mundi, Naxos y Chandos. José Antonio López participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Sobre Daniel Heide

Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Cursó Piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Ha realizado numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Bélgica, Suiza, Francia, Escocia, Inglaterra, Países Bajos, Dinamarca, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Konstantin Krimmel, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens, Lothar Odinius, Julian Prégardien, Ian Bostridge, Mari Eriksmoen, Julia Kleiter, Katharina Konradi y Patrick Grahl. De manera más asidua ha colaborado con la mezzosoprano germano-griega Stella Doufexis. Su álbum Poèmes con canciones de Claude Debussy ha recibido el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. También ha abordado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoît Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg, que, en la primavera de 2024, celebrará su aniversario del recital número 100. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide participa, incluida la temporada presente, en cinco recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23), XXX (dos recitales, 23-24).

Christian Gerhaher

El dúo alemán compuesto por Christian Gerhaher y Gerold Huber son ya una pareja fija y mítica en el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela. El barítono demuestra en cada una de sus actuaciones su profundo conocimiento del género alemán. Donde el texto mantiene su hegemonía jerárquica. Y es ahí, en la palabra, donde Gerhaher demuestra su superioridad.

La gran novedad en este recital, con la que Gerhaher continúa demostrando su maestría en el género, fue la interpretación de las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas. El compositor checo, alumno predilecto de Janácek, compuso esta obra siendo prisionero en el campo de concentración de Terezin. Aquel lugar infame, disfrazado de refugio para artistas, donde fueron retenidos por el nazismo algunos de los mejores compositores e intérpretes de la época. Muchos de ellos murieron allí o fueron trasladados a otros campos de concentración.

Su proyección vocal en algunos momentos fue sorprendente. Aunque el repertorio no le permitió, como en otras ocasiones, desplegara esa gran variedad de matices de la que suele hacer gala. No es fácil pasar de las melodías francesas de Fauré, al estilo e idioma de Chaikosvski o de Haas. No se si fue por este salto de estilo e idioma, o por alguna otra razón, pero el barítono bávaro no pareció sentirse cómodo en al abordar estos tránsitos vocales.

Pero estos pequeños inconvenientes no nos privaron de disfrutar de sus interpretaciones de Fauré, Chopin, Chaikosvski o Berlioz. Siempre junto a un Gerold Huber que supo adaptarse a cada uno de los diferentes colores y texturas que presentaba el variado y excesivamente largo recital.

Y es que es difícil que esta pareja llegue a defraudar. Siempre es un lujo inspirador volver a escucharlos.

Jorge de León y Mónica Conesa

El tenor canario Jorge de León y la soprano cubano-estadounidense Mónica Conesa ofrecerán mañana martes 6 de febrero (20h00) en el Teatro de la Zarzuela un recital dedicado íntegramente a este género, en el que unirán composiciones de este lado del Océano con otras obras maestras creadas en la isla caribeña. La expectación suscitada por este concierto ha hecho que las entradas estén agotadas hace semanas.

Mónica Conesa debutará así en el Teatro de la Zarzuela, con algunas de las más bellas joyas de nuestro patrimonio lírico en ambas orillas, acompañada por uno de nuestros grandes y más internacionales intérpretes líricos como es Jorge de León, y ambos secundados por el pianista Juan Francisco Parra.

A lo largo del concierto sonarán páginas imprescindibles de nuestra lírica de de estas y aquellas tierras. La primera parte del recital incluirá romanzas de ‘La marchenera’ de Federico Moreno Torroba, ‘La Dolorosa’ de José Serrano, ‘Jugar con fuego’ o ‘El barberillo de Lavapiés’ de Francisco Asenjo Barbieri con transcripción de Anselmo González del Valle, o ‘Leyenda del beso’ de Severiano Soutullo y Juan Vert.

La segunda parte estará dedicada a la zarzuela cubana con números musicales de ‘Soledad’ y ‘Amalia Batista’ de Rodrigo Prats, ‘María la O’ de Ernesto Lecuona o ‘Cecilia Valdés’ de Gonzalo Roig.

Goerne y Schubert

El barítono alemán Matthias Goerne regresa junto al pianista Alexander Schmalcz al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un programa monográfico de canciones de Franz Schubert, figura clave del Romanticismo. En el recital, Goerne hará un recorrido por algunas de las canciones más famosas del compositor, entre las que se encuentran exquisitas obras maestras como Der Wanderer, Der Jüngling und der Tod, Grenzen der Menschheit, Der Winterabend o Der liebliche Stern. El concierto tendrá lugar el lunes 5 de febrero a las 20h00 en el Teatro de la Zarzuela.

Considerado uno de los cantantes más versátiles y demandados a nivel internacional, Matthias Goerne goza de una consolidada carrera tanto en el ámbito del lied como en la ópera, y ha actuado en prestigiosos teatros como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera Nacional de París o la Ópera Estatal de Viena. Con hasta cuatro nominaciones a los Grammy, el intérprete ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes del mundo. En esta ocasión, une fuerzas con Alexander Schmalcz, con quien ha orquestado obras de Schubert, para sumergirse en un programa que refleja todo el universo musical del que está considerado el maestro indiscutible del lied.

El recital se abrirá con Der Wanderer, D 489 (El caminante), una de las piezas de Schubert más conocidas. La obra revela su estilo más personal y despliega una gran complejidad de ideas musicales, tomando como tema central los sentimientos de un personaje que vaga de un lugar a otro porque no encuentra su lugar en el mundo. Por su parte, también destaca la reflexiva Der Jüngling und der Tod, D 545 (El joven y la muerte), en la cual el protagonista busca la liberación a través de un encuentro con la muerte; mientras que en Grenzen der Menschheit, D 716 (Límites de la humanidad) se nos ofrece un viaje por los cuatro elementos: fuego, aire, tierra y agua. Otra joya musical en la que Goerne se adentrará, entre otras, es la serena y misteriosa Der Winterabend, D 938 (La tarde de invierno). El broche de oro lo pondrá Der liebliche Stern, D 861 (La dulce estrella), bellísima canción que invita a reflexionar sobre los misterios del mundo y de la vida.

Sobre Matthias Goerne

Matthias Goerne es uno de los cantantes más versátiles y solicitados internacionalmente y un invitado frecuente en festivales y salas de conciertos de renombre. Ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes. Nacido en Weimar, estudió con Hans-Joachim Beyer en Leipzig y, más tarde, con Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. El barítono ha cantado en los más célebres teatros de ópera del mundo, como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de París y la Ópera Estatal de Viena. Sus papeles van desde Wolfram (Tannhäuser), Amfortas (Parsifal), Marke (Tristan und Isolde), Wotan (Der Ring des Nibelungen), Orestes (Elektra) y Jochanaan (Salome) hasta los principales protagonistas en El castillo de Barba Azul (A Kékszakállú Herceg Vára) de Béla Bartók y Wozzeck de Alban Berg. El arte de Goerne ha sido documentado en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido prestigiosos premios, entre ellos, cuatro nominaciones a los Grammy, el Premio ICMA, el Premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017 y un Diapason d’Or. Después de sus legendarios registros con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel para Universal Music, publicó una serie de canciones de Schubert seleccionadas en doce álbumes para Harmonia Mundi (The Goerne Schubert edition) con eminentes pianistas. Sus últimos títulos con Christoph Eschenbach (Brahms), Markus Hinterhäuser (Schumann), la BBC Symphony (Mahler) y la Swedish Radio Symphon (Wagner) han recibido críticas muy favorables. El intérprete ha sido uno de los artistas más activos del circuito internacional durante el periodo de la pandemia con conciertos en festivales y ciclos en los escenarios más destacados de Austria, Polonia, Rusia, Francia, Alemania, España, Suiza, Italia y Finlandia. Matthias Goerne ha participado, con el presente, en veintidós recitales del Ciclo de Lied: V (98-99), VI (99-00), VII (00-01), VIII (01-02), IX (02-03), X (dos recitales, 03-04), XII (05-06), XIII (06-07), XIV (07-08), XV (08-09), XVI (09-10), XVII (10-11), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXIV (tres recitales,17-18), XXVI (19-20), XXVIII (21-22), XXX (23-24).

Sobre Alexander Schmalcz

Desde el principio, el pianista Alexander Schmalcz ha trabajado con cantantes legendarios como Edita Gruberova, Grace Bumbry, Anna Tomowa-Sintow, Peter Schreier y Matthias Goerne. Asimismo, se presenta regularmente en prestigiosas salas de concierto, como el Teatro alla Scala de Milán, la Ópera Estatal de Viena, el Théâtre du Châtelet, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Gewandhaus de Leipzig, el Seoul Arts Center y el Tokyo Opera City Hall, y en festivales de todo el mundo como el Festival de Salzburgo, el Festival Tanglewood y el Festival Primavera de Praga. Por encargo del barítono Matthias Goerne, el pianista orquestó las obras de Schubert. Su repertorio completo está registrado en numerosos álbumes. Schmalcz recibió sus primeras lecciones de piano como corista en el Dresden Kreuzchor. Se formó en la Musikhochschule Dresden y en el Conservatorio de Utrecht antes de realizar sus estudios en la Escuela de Música y Drama Guildhall con Iain Burnside y Graham Johnson. Es, además, profesor titular de Interpretación en la Musikhochschule de Leipzig y ofrece clases magistrales a nivel internacional. Alexander Schmalcz ha participado, con el presente, en seis recitales del Ciclo de Lied: XVI (09-10), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXVI (19-20), XXX (23-24).

Juan Jesús Rodríguez

Coincidiendo con su participación en ‘La rosa del azafrán’, que en estos días vive el éxito de las grandes noches, el barítono Juan Jesús Rodríguez volverá mañana martes 30 de enero (20h00) como concertista al escenario del Teatro de la Zarzuela para mostrarnos una de sus facetas más desconocidas: la flamenca.

Aplaudido en los grandes teatros del mundo y considerado desde hace años como uno de los más completos barítonos verdianos, en este concierto que presenta bajo el título de ‘El pueblo tiene un cantar’ , y que sorprenderá a propios y extraños, hará gala de la versatilidad de su poderosa voz, cambiando de forma sorprendente la lírica por el cante popular que siempre le ha acompañado.

Arropado por tres grandes del género como son el guitarrista José Luis de la Paz, el pianista Manuel Burgueras y el percusionista José Ruiz Bandolero, entre fandangos, peteneras, colombianas, seguiriyas o tangos argentinos, compartirá con el público sus raíces más profundas transmitiendo desde el corazón el cantar universal del pueblo .

Christian Gerhaher y Gerold Huber © Nikolaj Lund

Una de las voces líricas más relevantes y aplaudidas del panorama actual, Christian Gerhaher, regresa al consolidado ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para hacer un recorrido por algunas de las canciones más bellas de grandes compositores europeos. Partituras de Gabriel Fauré, Piotr Ilich Chaikovski, Pavel Haas y Hector Berlioz estarán presentes en un programa que el barítono alemán interpretará junto al virtuoso pianista Gerold Huber, otra gran figura de la música alemana, y quien suele ser su acompañante habitual. El recital tendrá lugar el lunes 29 de enero, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La propuesta que Christian Gerhaher ha elegido para la ocasión abarca desde el Moscú de Chaikovski hasta el París de Fauré y Berlioz, pasando por la Polonia de Chopin o la  Moravia de Haas. En esencia, propone un viaje musical por la Europa del Romanticismo que cruza de este a oeste. Un itinerario lleno de contrastes, con canciones intimistas y que miran hacia el pasado, y otras joyas musicales vibrantes que se abren a la alegría y a las grandes pasiones. Gerhaher, que se ha dedicado al lied durante más de treinta años, con conciertos y grabaciones que han obtenido importantes premios internacionales, tendrá que moverse con habilidad en estos territorios emocionales tan diversos.

El programa se abrirá con Gabriel Fauré, uno de los compositores más influyentes en la creación sonora francesa del cambio de siglo. Las siete piezas elegidas reflejan el cambio estilístico de un compositor que pasó de la alegría de los primeros años, a unas composiciones mucho más introspectivas en su madurez, cuando comenzó a padecer sordera. El público podrá apreciar la amable y primaveral Le papillon et la fleur, o sumergirse en sentimientos de añoranza y la pasión por la naturaleza de À Clymène. En esta primera parte del recital, también estarán presentes canciones intercaladas de Piotr Ilich Chaikovski con interludios pianísticos del gran Frédéric Chopin. Este pequeño homenaje a Chaikovski  comenzará con De nuevo, como antes, su última canción, y culminará con Ni una palabra, oh, amigo mío, una obra de intenso dramatismo y claros aires operísticos.

La segunda parte del recital comenzará con las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas, compuestas en 1944 en el campo de concentración de Terezín, poco antes de que su autor muriese en Auschwitz, tras vivir los horrores de la guerra. Son canciones en las que se mezclan estados de ánimo que van del dolor y la tristeza a la ilusión y la esperanza. De hecho, el ciclo termina con Noche de insomnio, cuya música invita a la alegría y nada parecía prever el trágico final de su compositor. Tras la Balada nº 4 en fa menor de Chopin, este viaje musical concluirá con el famoso libro Les nuits d’été de Hector Berlioz, un conjunto de piezas sobre la eternidad del amor entre las que se incluye la bellísima Le spectre de la rose, el broche de oro a esta velada musical.

Christian Gerhaher y Gerold Huber © Nikolaj Lund

La rosa del azafrán

El Teatro de la Zarzuela está a punto de vivir uno de esos momentos objetiva y unánimemente emocionantes que en ocasiones regala el universo mágico del teatro y de la música. Hace más de 90 años se estrenó en Madrid la obra cumbre de Jacinto Guerrero, ‘La rosa del azafrán’, y justo ahora se cumplen 21 desde que se representó por última vez en este escenario de la plazuela de Teresa Berganza. Esa hermosa flor de otoño a la que hace referencia el título de la obra –cuyos textos están firmados por esa pareja de autores infalibles que eran Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw–, esa flor única «que nace al salir el sol y muere al caer la tarde», el azafrán guerreriano, ha perdurado casi un siglo sin perder ni una sola de sus propiedades. Así podrá comprobarlo y disfrutarlo el público que nuevamente abarrotará la sala en estas 14 funciones que irán desde el 25 de enero al 11 de febrero.

Benjamín G. Rosado, en las notas al programa de estas funciones, define acertadamente esta obra como «popular, castiza y universal». Y es que la obra de Guerrero es un catálogo de costumbres y testimonio de la estética de su época; el compositor no renuncia a sus frecuentes melodías populares y a su estilo “fácil” que le hizo siempre popular en los escenarios de España y en los de América.

El director musical de esta producción, José María Moreno, que estará al frente de un espléndido doble reparto, así como del Coro Titular del Teatro y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, comenta que para él la figura de Jacinto Guerrero y su música tienen un significado muy especial. Con los años, el maestro ha dirigido en distintas ocasiones obras de Guerrero (que conoce desde bien joven) como ‘Los gavilanes’ y ‘El huésped del Sevillano’, pero nunca la joya del género que es ‘La rosa del azafrán’; y asegura que le supone un gran placer personal regresar al Teatro de la Zarzuela «para enfrentarme en un teatro tan apreciado como este a esta obra maestra, a esta zarzuela inolvidable y repleta de números famosos y melodías encantadoras que la hacen ser una de las más queridas por los aficionados del género».

Por su parte, el director de escena, Ignacio García, reflexiona sobre las zarzuelas de la Edad Dorada que están ligadas a distintas regiones de nuestro país, «convirtiéndose en verdaderos himnos, símbolos y retratos emocionales de esos territorios», y asegura que «en esa variedad de caracteres y de manifestaciones populares de nuestra literatura, de nuestra música y de nuestra danza radica una de las mayores riquezas culturales de España». En ‘La rosa del azafrán’, tanto la partitura como el libreto «destilan la esencia de esa tierra, la nobleza de sus gentes y de su historia, y la vida de sus campos», donde hay «un hueco para la literatura clásica, con el Quijote y sus molinos, y con ‘El perro del hortelano’, sus celos irracionales y sus conflictos de clase». El montaje pretende recalcar «la dureza del trabajo en el campo —la humildad y la pobreza del mundo rural hispánico de finales del siglo XIX— y el paso de las estaciones como una forma de organizar las labores del campo, pero también como metáfora de todos los ciclos de la vida y de los complejos sentimientos que se van desarrollando en la obra».

Lope de Vega y zarzuela

Además, por segunda vez aparece el insuperable Lope de Vega, nuestro autor teatral más contemporáneo, en esta temporada lírica del Teatro de la Zarzuela: la primera fue el estreno absoluto de El caballero de Olmedo, y en el mes de junio llegará un tercer título que tiene al Fénix como coautor de su libreto, Doña Francisquita, que se suma a la lista de obras líricas basadas o inspiradas en distintos títulos del comediógrafo madrileño. Respecto a ‘La rosa del azafrán’, la obra del genio del Siglo de Oro de la que parte es ‘El perro del hortelano’, aquel que ni come ni deja comer, como le ocurre a Sagrario, interpretada por las sopranos Yolanda Auyanet y Carmen Romeu, con el bueno de Juan Pedro, ese joven forastero que llega a trabajar al pueblo, encarnado por los barítonos Juan Jesús Rodríguez y Rodrigo Esteves, y que en principio se interesa por Catalina, criada a la que da vida Carolina Moncada. Entre los diferentes personajes que van y vienen para enredar y desenmarañar la historia están el tenor-actor Ángel Ruiz, los actores-cantantes Juan Carlos Talavera y Pep Molina el actor-barítono Emilio Gavira o el actor Chema León. Mucho talento, pues, sobre las tablas.

Mención especial merecen dos grandes de la escena desde hace décadas como son la actriz y cantante Vicky Peña (recientemente galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes), en el papel de la casamentera Custodia, y el infatigable Mario Gas, maestro de maestros que en esta producción asume como actor el rol de Don Generoso, antiguo amo del pueblo que perdió las ganas y la razón desde la muerte de su hijo. Y también una alusión destacada a la cantante de música popular Elena Aranoa, garganta y corazón del pueblo con mayúsculas, que va introduciendo los diferentes cuadros de la escena con la propia y genuina raíz musical de la tierra.

En este sentido, la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Rosa García Andújar, la iluminación de Albert Faura y la coreografía de Sara Cano comparten la finalidad de mostrar esa esencia, aunque estilizándola de forma teatral, sin querer ser una égloga pastoril, mostrando de forma desnuda la cruda dureza de aquella vida, pero preservando de alguna manera su marcado carácter bucólico. Se trata de «una apuesta por un folclore profundo sin folclorismos impuestos, buscando más la esencia de la obra que la decoración impuesta a veces por las postales regionalistas de otro tiempo», explica García.

Según el estudioso Manuel Franco, ‘La rosa del azafrán’ es «una de las zarzuelas de mayor enjundia, para algunos la mejor, reúne una serie de características que le son afines también a otras obras del mejor repertorio de su autor».

Fotografía: Javier del Real

Inés Lorans

La soprano francoespañola Inés Lorans y el pianista Rubén Fernández Aguirre presentarán el próximo lunes 22 de enero (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela ‘De Madrid a París’, un concierto que muestra la mirada musical de «lo español» desde Francia. Como ya es habitual en este ciclo desde su nacimiento en 2016, las entradas están agotadas desde hace meses.

La propuesta de Lorans y Fernández Aguirre tiene todo el sentido, ya que la música y la cultura españolas han inspirado, especialmente en el siglo XIX, a artistas de más allá de nuestras fronteras por su exotismo y sensualidad, por sus ritmos y melodías. Compositores como Massenet, Gounod, Bizet, Ravel, Delibes, Viardot o Collet, de quienes se escucharán obras “españolas” en el recital, cayeron rendidos ante el embrujo de nuestras seguidillas, boleros, habaneras o fandangos, hasta el punto de incluirlas en sus propias creaciones.

Inés Lorans
Nacida de familia franco-española; inicia su formación musical en el coro profesional de la Maîtrise de Bretagne de Rennes (Francia). Obtiene su diploma de fin de estudios en Canto y Piano en el conservatorio de Rennes en 2011 antes de seguir su formación en la Guidhall School of Music and Drama de Londres, donde obteniene la Licenciatura y Máster en 2017. Desde entonces formó parte del Ópera Studio de Tenerife, donde al año siguiente interpretó el personaje de Elvira en L’italiana in Algeri de Rossini, que se representó también en el Teatro Comunale de Bolonia. Cabe destacar entre sus papeles protagonistas el de Juliette en Roméo et Juliette de Gounod, Olympia en Les contes d’Hoffmann de Offenbach, Condesa Folleville en Il viaggio a Reims de Rossini, Frasquita en Carmen de Bizet, Eurydice en Ophée aux Enfers de Offenbach, Gretel en Hänsel und Gretel de Humperdinck, Clorinda en La cenerentola de Rossini o Barbarina en Le nozze di Figaro de Mozart. También ha participado en conciertos en los que ha interpretado el Requiem de Fauré, el Messiah de Haendel, el Carmina burana de Orff, las Vespri della beata Vergine de Monteverdi, las Chichester Psalms de Bernstein, la Misa de Santa Cecilia de Gounod, así como la Gran Misa en Do, el Requiem y el Exsultate, jubilate de Mozart. En 2018 participó en el Workshop de interpretación de ópera francesa, dirigido por Paul-Emile Fourny, en el Operastudio de la Universidad de Alcalá, formándose también con Gianluigi Gelmetti. Asimismo, ha actuado en recitales en Londres (Barbican Hall, Wigmore Hall, Song in the City) y Madrid (Auditorio Nacional de Música).

También formó parte del Ensemble Pygmalion para la grabación de Mein Traum en 2020 y de Fidelio en la Opéra-Comique en 2021. Recientemente Inés Lorans ha participado en la Sinfonía nº 2 de Mendelssohn con Delyth Bressington y la Orchestra Collegium Musicum en Marbella; y ha interpretado Il birraio di Preston de Ricci en el Festival Belcanto Ritrovato y Manon de Massenet en el Festival de Tenerife. Próximamente cantará la Reina de la Noche en Die Zauberflöte de Mozart en Aviñón, Ruan y Rennes. Inés Lorans canta por primera vez en el Teatro de la Zarzuela.

Manuel Busto

Los próximos días 21 y 22 de diciembre, el director de orquesta y compositor andaluz Manuel Busto regresa al Teatro de la Zarzuela como responsable de la dirección musical de la Gala de celebración del 45 Aniversario del Ballet Nacional de España (BNE). El espectáculo, diseñado por Rubén Olmo, Director Artístico del BNE, contará con la participación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) bajo la batuta de Manuel Busto; se presentarán destacados números de la historia de la danza española y del propio repertorio del Ballet Nacional de España con música de Boccherini, Soler, Antón García Abril, Sarasate o Ruiz de Luna, entre otros.

En el marco de la gala, tendrá lugar también la presentación del documental Todo el pasado por delante de Emilio Belmonte y Luis Delgado sobre la historia de la institución, y cuya banda sonora ha sido compuesta por el propio Manuel Busto. Grabada el pasado mes de noviembre con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la dirigirá, de nuevo, en directo desde el foso del conocido teatro de la calle Jovellanos durante la proyección. Con este nuevo encargo, el director andaluz vuelve a colaborar con el Ballet Nacional de España en su doble faceta de compositor y director de orquesta, tras el gran éxito de público y crítica cosechado con sus anteriores proyectos La Bella OteroInvocación bolera y Jauleña, que siguen de gira nacional e internacional.

“La creación de la banda sonora para el documental Todo el pasado por delante me ha obligado a adentrarme en universos estéticos cinematográficos en pro de la imagen, componiendo tanto para orquesta sinfónica como para guitarra y percusión flamenca, con una importante presencia de música electrónica o pop-rock, sin dejar de lado mi propio sello personal”, explica Manuel Busto, que también ha firmado la banda sonora de la película Fernanda y Bernarda de Rocío Martín, y cuenta con un extenso catálogo de obras editadas por la prestigiosa editorial vienesa Universal Edition, con quien publica en exclusiva.

Tras haber dirigido recientemente El retablo de Maese Pedro de Falla en la gira española del Taipei Opera Theater, Manuel Busto debutará próximamente con la Orquesta de Córdoba, como responsable musical de La Traviata de Verdi, que se podrá ver en el Teatro Villamarta de Jerez, con un reparto encabezado por la soprano Sabina Puértolas, el tenor Antonio Gandía y el barítono José Antonio López. Activo también en el ámbito literario, Busto acaba de publicar su segundo poemario Sombras en la luz (editorial Pangea).

Erika Baikoff

El lied alemán y la canción rusa convergen en la nueva cita del XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, en un recital que estará protagonizado por la soprano Erika Baikoff y el pianista Soohong Park. Ambos artistas debutan en el ciclo con un programa que rinde homenaje a las raíces de Baikoff, estadounidense de origen ruso considerada como una de las voces más prometedoras del momento. El concierto tendrá lugar el lunes 11 de diciembre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La primera parte de este recital incluye una selección de canciones de grandes compositores como Franz Schubert, Robert y Clara Schumann, y Erich Wolfgang Korngold; este último un autor que rara vez suele aparecer en el ciclo y cuya música hará las delicias del público. Tras una sucesión de piezas que miran hacia Oriente para ahondar en las raíces del Romanticismo, le tocará el turno a compositores cuya presencia en el concierto recordará la ascendencia rusa de la soprano: Nikolái Rimski Kórsakov, Serguéi Prokófiev y Serguéi Rachmaninov.

Discípula de maestros como Rudolf Piernay, la joven cantante Erika Baikoff es una de las grandes promesas de la lírica. Elogiada por la crítica por su perfecto dominio del espacio escénico, su fluida voz y su gran capacidad para expresar emociones, Baikoff ha sido galardonada con premios internacionales y también ha interpretado grandes papeles operísticos, como Juliet en Romeo and Juliet de Boris Blacher y Anna en Nabucco de Verdi. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela en el 30º aniversario del Ciclo de Lied con otra estrella del género, Soohong Park, uno de los pianistas más demandados de la actualidad y que ha actuado en grandes escenarios como el Wigmore Hall, el Barbican Centre o el Carnegie Hall.

De la canción alemana a la canción rusa

El programa se abrirá con tres piezas de Franz Schubert, el maestro indiscutible del lied, con emotivas canciones que evocan el esperado encuentro y la tristeza de las despedidas. Entre ellas, Baikoff interpretará Suleika I, D 720, considerada por Johannes Brahms como “el lied más hermoso jamás escrito”. Seguidamente, se intercalarán varias canciones de Robert y Clara Schumann, cargadas de un gran lirismo y del amor que sentían el uno por el otro, como Sie liebten sich beide, compuesto por Clara como regalo de cumpleaños para Robert. El primer bloque lo finalizarán tres obras de Drei Lieder, ciclo del austríaco Erich Wolfgang Korngold, entre ellas el elegante y exquisito Was du mir bist?.

La segunda parte del programa estará protagonizada por tres grandes autores rusos. De Nikolái Rimski-Kórsakov, conocido por grandes composiciones orquestales como la exótica y famosísima Scheherezade, se escucharán la melancólica Sé por qué en estas costas y la imaginativa Anoche durante tanto tiempo no pude dormir. Por su parte, la obra El patito feo de Serguéi Prokófiev ofrecerá al público la oportunidad de sumergirse en la popular fábula universal. El broche de oro lo pondrán obras maestras de Serguéi Rachmaninov, con piezas como No cantes más, belleza, que presenta rasgos que recuerdan a las óperas de Borodin, o la inquietante Estas noches de verano.

La Sylphide

El director artístico de la Compañía Nacional de Danza, Joaquín De Luz, junto a la maestra de ballet Petrusjka Broholm y la directora del Teatro de la Zarzuela, Isamay Benavente, han presentado esta mañana el último montaje de la CND, el ballet La Sylphide, que podrá verse en este teatro del 7 al 17 de diciembre en 10 únicas funciones.

Tras el éxito estival de los programas América y Europa, la compañía dirigida por Joaquín De Luz vuelve al Teatro de la Zarzuela para estrenar el montaje de este ballet romántico en dos actos. Para su puesta en escena la CND ha contado con la reputada maestra de ballet danesa Petrusjka Broholm. Nombres tan conocidos como los de Elisa Sanz en la escenografía, Tania Bakunova en el diseño de vestuario y Nicolás Fischtel en el diseño de iluminación avalan igualmente esta producción.

La música de Herman Severin Løvenskiold será interpretada en directo por la ORCAM, orquesta titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de los maestros Daniel Capps y Tara Simoncic.

Seis elencos de bailarines llevarán al escenario del Teatro de la Zarzuela entre el 7 y el 17 de diciembre la historia de amor imposible de James y la Sylphide. Entre ellos se encuentra Joaquín De Luz, director de la CND que interpretará el papel de James el día 13 de diciembre.

Todas las funciones de La Sylphide en el Teatro de la Zarzuela están incluidas en el programa joven del INAEM y en el Bono Cultural del Ministerio de Cultura y han contado con el patrocinio y colaboración del Hotel Mandarín Oriental Ritz Madrid.

La producción viajará posteriormente a Sevilla, donde se representará del 11 al 13 de enero de 2024 en el Teatro de la Maestranza.

«La Sílfide», ballet en dos actos fue originalmente creada con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean Schneitzhoeffer, basada en el libreto de Adolphe Nourrit, y se estrenó en 1832 en la Ópera de París. En 1836 August Bournonville creó una nueva coreografía con nueva música de Herman Løvenskiold sobre el mismo libreto para el Teatro Real de Copenhague. Esta segunda versión es la que se encuentra en el repertorio de las mejores compañías del mundo. Con esta obra se alcanza la idealización del ballet romántico a través de la etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable.

Sinopsis: Cuando la sílfide conoce a James, el granjero escocés y se adentra con él en el mundo de la belleza, un amor eterno comienza. Desafortunadamente para ellos, la bruja y adivina Madge ha jurado venganza contra James después de que él la rechazara. Una maldad horrible que llevará a trágicas consecuencias a los jóvenes amantes.

Funciones y horarios:7, 8, 9, 10, 12, 13, 14, 15, 16 y 17 de diciembre de 2023 · 20:00 h
(Domingos 18:00 h)

Cuarteto vocal Cantoría

El recital, con las entradas agotadas, incluye música de Mateo Flecha «El viejo» y Juan del Encina, además de composiciones anónimas

El joven cuarteto vocal Cantoría se ha establecido en los últimos años como una de las agrupaciones de referencia de la polifonía del Renacimiento musical hispano. Una vuelta a la edad de oro de la música española del siglo XVI que este miércoles, 22 de noviembre (20h00), cinco siglos después, podremos disfrutar en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela  gracias a la vitalidad y juventud de estos cuatro artistas que se presentan con las entradas agotadas.

Cantoría debuta así en el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza con un programa dedicado a ensaladas de Mateo Flecha «El viejo» y Juan del Encina, género estrella del Renacimiento y germen del teatro musical español, así como a los villancicos renacentistas de nuestro rico patrimonio musical.

Cantoría lo integran Jorge Losana (dirección musical / tenor), Inés Alonso (Soprano), Oriol Guimerà (Alto) y Víctor Cruz (Bajo).

Gerald Finley

Continúa la celebración del 30º aniversario del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Teatro de la Zarzuela, con una nueva cita protagonizada por el bajo-barítono canadiense Gerald Finley (Montreal, 1960), quien se enfrentará a una selección del sobrecogedor Schwanengesang de Franz Schubert. Junto al experimentado pianista Julius Drake, abordará también algunas joyas del repertorio lideristico en un recorrido que incluye autores como Robert Schumann, Henri Duparc, Benjamin Britten, Franz Liszt, Ralph Vaughan Williams, Charles Ives y Cole Porter. El concierto tendrá lugar el lunes 20 de noviembre a las 20h00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Ensalzado por la crítica recientemente por su sobresaliente Wolfram en el Tannhäuser de  Richard Wagner del Covent Garden londinense y en Antony and Cleopatra en el Liceu de Barcelona, Gerald Finley es una de las figuras más influyentes en el mundo de la música gracias a su voz privilegiada. Con un Grammy a sus espaldas, este reconocido bajo-barítono posee una carrera repleta de interpretaciones aclamadas en los principales teatros de ópera y salas de conciertos a nivel mundial, así como por colaboraciones con destacados compositores, orquestas y directores. Junto al virtuoso pianista Julius Drake, quien posee una gran pasión por el lied, interpretará un programa que recorre algunas de las canciones más emotivas del género.

De la oscuridad a la luz

El recital se abrirá con ocho lieder de Robert Schumann que plasman algunas de las musicalizaciones más famosas de Buch der Lieder (Libro de Canciones), un conjunto de poemas del poeta alemán Heinrich Heine en cuyos versos se explora la euforia del amor romántico, la fugacidad del tiempo, la desesperanza ante el desamor o el miedo ante la muerte. Schumann compuso estas canciones en 1840, un año álgido en el que llegó a componer más de un centenar de lieder. Después se abrirá paso el momento más esperado del concierto con una selección de Schwanengesang, una colección póstuma de lieder compuesta por Franz Schubert al final de su vida. La música a la que se enfrentarán Finley y Drake evoca el carácter más sobrecogedor de seis poemas escritos de nuevo por Heine. Una muestra podrá apreciarse en canciones como Die Stadt (La ciudad), en la cual la misteriosa música llevará al público al Romanticismo oscuro y la novela gótica de principios del siglo.

La segunda parte del concierto será un contraste de emociones, al estar encabezada por las elegantes melodías de Henri Duparc. Tras la oscuridad del Doppelgänger schubertiano, Finley se abrirá paso hacia la luminosidad en algunas de las piezas compuestas por este autor francés, como Sérénade o Soupir, que invita a la búsqueda de un amor inalcanzable. El recorrido continuará esta senda en las canciones de compositores como Benjamin Britten, con Um Mitternacht, y Franz Liszt, Go not, happy day, que también sonarán en el Teatro de la Zarzuela. Piezas de Ralph Vaughan Williams, Charles Ives y Cole Porter completan una velada mágica que hará las delicias de los asistentes a un ciclo que sigue celebrando su trigésimo aniversario.

Ketevan Kemoklidze

Enamorada de la zarzuela, la mezzosoprano georgiana Ketevan Kemoklidze, regresa al escenario del teatro de la calle Jovellanos para debutar el rol de Cecilia, en Las Golondrinas, de José María Usandizaga. Con dirección musical de Juanjo Mena y la espectacular escenografía de Giancarlo del Monaco.

Ketevan Kemoklidze, que ya trabajó con Giancarlo del Monaco cantando el rol de la princesa de Éboli en su producción de Don Carlo en The Israeli Opera Tel Aviv, nos habla de esta producción que considera muy interesante y nos descubre las razones por las que el público, sobre todo el jóven, deben acudir a ver esta obra, que habla de problemas muy actuales.

Es su segunda zarzuela, después de haber interpretado en este mismo teatro La tempestad, de Ruperto Chapí, hace cinco años.

Ketevan Kemoklidze regresará, de nuevo, a nuestro país en el mes de febrero para interpretar, una vez más, a la conocida cigarrera sevillana en las dos funciones de Carmen de Bizet, que ofrecerá la Fundación Baluarte de Pamplona. Sus compromisos más inmediatos incluyen también el rol de Éboli (Don Carlo) en el Hessisches Staatstheater de Wiesbaden, y la Sinfonía nº 2 de Mahler en el citado teatro alemán.

Ketevan Kemoklidze - (c) Giorgi Tsaava

El próximo 9 de noviembre, la conocida mezzosoprano georgiana Ketevan Kemoklidze regresa al coliseo de la calle Jovellanos para interpretar el rol de Cecilia en la versión operística de Las Golondrinas con música de José María Usandizaga y libreto de Gregorio Martínez Sierra y María de la O Lejárraga. Una reposición de la producción del Teatro de la Zarzuela con firma escénica de Giancarlo del Monaco estrenada en 2016. Además, actuará también durante las funciones de los días 11, 15, 17 y 19, bajo la batuta de Juanjo Mena, y compartirá escenario con el barítono Gerardo Bullón (Puck), la soprano Raquel Lojendio (Lina), el tenor Jorge Rodríguez-Norton (Juanito) y el bajo-barítono Javier Castañeda (Roberto).

Ketevan Kemoklidze, que ya trabajó con Giancarlo del Monaco cantando el rol de la princesa de Éboli en su producción de Don Carlo en The Israeli Opera Tel Aviv, aplaude la propuesta escénica del director italiano porque “está muy en consonancia con la música”. “Creo que Las Golondrinas son mucho más que una zarzuela, y están más en la línea de la ópera porque es una obra que tiene de todo. La música es maravillosa y los temas se desarrollan de manera muy interesante. Además, nos habla de problemas muy actuales”, concluye la mezzosoprano nacida en Tbilisi, que se convirtió en la primera cantante georgiana en actuar en el Teatro de la Zarzuela, cuando hace cinco años cantó la zarzuela La Tempestad de Ruperto Chapí.

Considerada como una de las mezzosopranos más destacadas del circuito lírico actual, el nombre de Ketevan Kemoklidze es habitual en las temporadas de teatros y festivales de prestigio internacional como la Semperoper de Dresde, el Teatro Massimo de Palermo, el Teatro Regio di Torino, la Scala de Milán, el Teatro Real de Madrid, el Liceu de Barcelona, el Macerata Opera Festival, el Tsinandali Festival, la Quincena Musical de San Sebastián, la Arena de Verona, la Ópera de Los Ángeles, la Bergen
National Opera de Noruega, Termas de Caracalla-Teatro dell’Opera de Roma o la Opéra Royal de Wallonie, entre otros.  Además, ha actuado con destacados directores de orquesta, como Gianandrea Noseda, Daniel Oren, Nicola Luisotti, Roberto Abbado,

Marco Armiliato, Daniel Harding, Omer Meir Wellber, Gustavo Dudamel, John Axelrod, Maurizio Benini o James Conlon, entre otros, y grandes nombres de la escena como Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Claus Guth, Calixto Bieito, Davide Livermore,
Graham Vick o Francesca Zambello. Ketevan Kemoklidze, que también interpretó el rol de Adriana Ferrarese (Donna Elvira) en la película Io, Don Giovanni de Carlos Saura, regresará, de nuevo, a nuestro país en el mes de febrero para interpretar, una vez más, a la conocida cigarrera sevillana en las dos funciones de Carmen de Bizet, que ofrecerá la Fundación Baluarte de Pamplona.

Sus compromisos más inmediatos incluyen también el rol de Éboli (Don Carlo) en el Hessisches Staatstheater de Wiesbaden, y la Sinfonía nº 2 de Mahler en el citado teatro alemán.

Ketevan Kemoklidze  (c) Giorgi Tsaava

Las golondrinas

El Teatro de la Zarzuela presentará el próximo 9 de noviembre (20h00) el drama lírico ‘Las golondrinas’ de José María Usandizaga en su versión de ópera. Este montaje lúcido, apasionado y sorprendente firmado por Giancarlo del Monaco –uno de los directores más celebrados en el horizonte lírico internacional– que ya cosechó la alabanza unánime de crítica y público en su estreno de 2016, contará asimismo con la dirección musical de uno de nuestros pesos pesados de la música en el mundo como es Juanjo Mena, que estará al frente de un brillante doble reparto, así como del Coro Titular del Teatro y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. El público podrá disfrutar de nueve funciones hasta el 19 de noviembre.

Dos serán los repartos que den vida a este triángulo de amor, celos y circo. El papel de Celia, causante de amores y recelos, también víctima, estará interpretado por las mezzosopranos Ketevan Kemoklidze y María Antúnez; el de Lina, la joven que suspira en silencio por el amor de Puck, cobrará vida en las voces y gestos de las sopranos Raquel Lojendio y Sofía Esparza; el del payaso Puck, jefe de saltimbanquis perdidamente enamorado de Celia, de quien es amante, estará encarnado en los barítonos Gerardo Bullón y César San Martín; el tenor Jorge Rodríguez-Norton y el bajo Javier Castañeda completarán el cartel de cantantes en los papeles de Juanito y Roberto, hermano y padre de Lina respectivamente. Además del reparto de cantantes, en el escenario estará constantemente presente una troupe de artistas de circo que irán desarrollando sus correspondientes ejercicios a lo largo del drama.

Además, el espectáculo cuenta con la sugerente escenografía de William Orlandi, el atractivo vestuario de Jesús Ruiz, la poética iluminación de Vinicio Cheli y el hábil movimiento coreográfico de Barbara Staffolani.

Cine mudo

Esta producción de ‘Las golondrinas’ del Teatro de la Zarzuela recrea el lenguaje visual del cine mudo, que se acentúa con la utilización de los grises en todo el acto primero. El paisaje prácticamente desaparece, «para que la historia se haga universal o, lo que es lo mismo, puro teatro», como señala el propio Giancarlo del Monaco. Solo con la escena de la Pantomima surgirá el color en el escenario; este momento, explica el regista, «responde a la mejor tradición teatral; el juego del teatro dentro del teatro, y es la esencia de ‘Las golondrinas’».

Así, Del Monaco diferencia rotundamente el drama de la obra de Usandizaga del de aquellos otros, como ‘I pagliaccio ‘Ariadne auf Naxos’, en los que también habitan payasos o saltimbanquis: «Unos y otros no son otra cosa que personajes de teatro que vienen a representar la parte más humana de nosotros mismos (la realidad de la vida); lo que los asemeja no es su condición de payasos, sino el hecho de que son creaciones teatrales. Y lo que pueden tener en común es la trama de la locura, esa fantasía o solución teatral que se viste de música en el escenario».

La obra

En ‘Las golondrinas’, José María Usandizaga trabajó con la mejor pareja de libretistas de la época, Gregorio Martínez Sierra y la esposa de este, María de la O Lejárraga. La obra fue estrenada como zarzuela en 1914, y posteriormente, tras la muerte del compositor, su hermano Ramón compuso la música a los fragmentos hablados para presentarse como ópera en 1929. Este último trabajo es el que se podrá disfrutar en las nueve funciones programadas en La Zarzuela.

Los autores del texto escribieron una poética y triste historia de saltimbanquis, que más tarde adaptaron como texto lírico a petición del joven compositor vasco. La obra es hija de su tiempo, tremendamente compleja y con una orquestación muy refinada. Basta recordar que Sorozábal, entre otros compositores, fue un admirador declarado de Usandizaga.

La música posee un lenguaje muy nuestro, a la vez que recibe influencias francesas e italianas. Pero lo realmente importante es que la obra está muy bien hilvanada en todas sus partes y define psicológicamente los personajes con colores musicales recurriendo al leitmotiv. Se trata de música de altos vuelos sinfónicos, en la que destaca la riqueza instrumental y sonora con la que el autor busca nuevos caminos dentro de la renovación del género lírico.

Juanjo Mena alude además a la «plena conciencia» con la que en esta ocasión se aborda la partitura de Usandizaga a través de las experiencias vividas, «porque en este drama lírico de comienzos del siglo XX encontramos temas que son similares a los que vivimos en nuestros días más de un siglo después: el maltrato físico o psicológico entre los seres humanos que supuestamente amamos o queremos».

De esta sugestiva manera prosigue la Temporada 23/24 del Teatro de la Zarzuela.

MATERIALES AUDIOVISUALES

El Teatro de la Zarzuela pondrá a disposición de público y aficionados la conferencia que la doctora en musicología y profesora de la Universidad de La Rioja, Teresa Cascudo, imparte con ocasión de esta esperada reposición. Está disponible en el canal de YouTube del Teatro.

Asimismo, habrá una nueva entrega de ‘Viaje por la zarzuela’, capítulo 33 de la serie, en el que varios de los protagonistas de la obra hablarán de las complejidades y misterios de la misma. En unos días estará también disponible en YouTube.

Soinuaren Bidaia

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela inicia su quinta edición este próximo domingo, 29 de octubre, con el trío Soinuaren Bidaia (Viaje Sonoro). Esta formación fue creada por Alberto Urretxo –trombón solista de la Orquesta Sinfónica de Bilbao (BOS)– y Adriana Grigoras –viola de la BOS–, que suman su talento al de la pianista Amaia Zipitria con la inquietud de buscar nuevas creaciones en diversos formatos, con el trombón como nexo de unión entre instrumentos de cuerda, piano, voz e instrumentos de viento.

El concierto, que tendrá lugar en el Ambigú del coliseo a las 12h00, incluirá obras de compositoras españolas de diversas generaciones, entre las que se podrán escuchar dos estrenos absolutos. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

De esta manera, Soinuaren Bidaia  incluirá en su concierto música de Pauline García-Viardot (1821-1910), Ángela Gallego (1967), Carolina Valencia (1986) y dos estrenos absolutos: Pentsamenduen Lainoa (Bruma de pensamientos) de Nuria Mª Sánchez y Sakura Saku de Beatriz Arzamendi (1961).

Soinuaren Bidaia  ofrece un espacio donde el público pueda reflexionar y encontrarse con sus emociones por medio de la música, apostando por las nuevas creaciones. Asimismo, están comprometidos con la sociedad a través de diversas actividades formativas, fomentando la creatividad como base fundamental del proyecto. Desde lo local a lo universal, compositores y compositoras de diferentes épocas históricas forman parte de un variado repertorio diseñado para sorprender, emocionar, y, sobre todo, hacer que el público disfrute con la música.

Además de la excelencia de su contenido, el programa está repleto de significado, ya que el mencionado ciclo de La Zarzuela vuelve a estar dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

De esta manera, el Teatro de la plazuela de Teresa Berganza continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Las tres citas restantes del ciclo serán con la Ensemble María de Pablos (25 de febrero), el Cuarteto Ribera (28 de abril) y el grupo Sonido Extremo (30 de junio).

ABAO Bilbao Opera

La Asamblea de Ópera XXI reunida el 26 de octubre, ha designado por unanimidad los tres galardones honoríficos de la sexta edición de los Premios Ópera XXI, a la trayectoria profesional, a la institución cultural y a la entidad de mecenazgo, que se hayan destacado por su especial labor de fomento de la actividad lírica española.

ABAO Bilbao Opera ha recibido el Premio en el apartado Honorífico a la Institución Cultural, que distingue a la Asociación bilbaína como una organización privada formada por un amplio equipo de profesionales y amantes de la lírica, que a través de un modelo de gestión eficiente y sostenible, se ha convertido a lo largo de los años en un miembro indispensable del sector cultural vasco y español.

El Premio Honorífico a la Trayectoria Profesional ha recaído en el barítono Joan Pons, una de las principales voces del país, con una carrera de más de cuatro décadas en los principales escenarios de todo el mundo.

La empresa idealista, que desarrolla su trabajo en el mercado inmobiliario y cuenta entre sus fines de responsabilidad social corporativa el apoyo a iniciativas de divulgación y desarrollo de proyectos culturales, ha recibido el Premio Honorífico a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo. Idealista apoya el proyecto cultural, artístico y social de ABAO Bilbao Opera desde 2021.

Los premios nacionales de la lírica, Premios Ópera XXI, incluyen además quince categorías de premios para reconocer el talento de los artistas españoles, así como el valor técnico y creativo de los profesionales involucrados en la ópera durante la temporada 2022-2023.

El jurado, formado por reconocidos periodistas y críticos musicales, se reunirá el próximo mes de enero para designar los galardonados con estos premios, cuya ceremonia de entrega tendrá lugar en septiembre de 2024 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid

Los Premios Ópera XXI, que cuentan con el apoyo del INAEM, son una iniciativa de la Asociación Ópera XXI, integrada actualmente por 27 teatros, temporadas y festivales de todo el territorio nacional, para poner en valor la intensa actividad lírica en España y reconocer el talento artístico y creativo que se disfruta en los escenarios españoles temporada tras temporada.

ABAO Bilbao Opera agradece especialmente esta distinción, que destaca la contribución y el compromiso de la Asociación al servicio de la cultura y la ópera, y proyecta a Bilbao y su espacio lírico a toda la sociedad.

Olga Peretyatko

Llegaba por primera vez a este ciclo la soprano Olga Peretyatko, acompañada por el pianista, también ruso, Semjon Skigin. Lo hacía con un repertorio curioso, original y reivindicando dos figuras femeninas dentro del mundo de la composición y la interpretación: Clara Schumann (1819-1896) y Pauline García Viardot (1821-1910).

Con un carácter claramente romántico y casi personal, Pereryatko fue introduciendo, en un esforzado y muy meritorio castellano, cada una de las piezas que iba a interpretar. Se trataba de situaciones cotidianas, casi anécdotas personales de las propias compositoras con sus respectivas parejas, Robert Schuman y el escritor Ivan Turguénev. Todos los textos estaban perfectamente elegidos para acompañar cada una de las piezas y el resultado fue un delicioso recital en el que se respiró una atmósfera íntima que te transportaba a esos momentos.

La primera parte, más liederista, estuvo dedicada a Clara y Robert Schumann, con un par de obras de Brahms, que estuvo muy bien traído por la relación personal que tuvo con la pareja. Realizó un recorrido, casi cronológico, por la vida del compositor alemán y su esposa. Desde que se conocieron, con la interpretación de Liebst du um schönheit (Si amas la belleza), hasta el Requiem, op. 90, nº 7, evocando el triste final de Robert Schumann, con el que terminó esta última parte.

La segunda parte estuvo dedicada a composiciones de La Viardot, donde el cambio de estilo era evidente. Fue en la interpretación de estas obras donde se produjo un mayor lucimiento vocal de Pereryatko, que hizo alarde de sus cualidades de soprano ligera. Sobre todo, en la única pieza que no era de Viardot, Solovei [El ruiseñor], de Alexander Aliábiev, cargada de pirotecnia vocal y que acompañaba una anécdota que la compositora tuvo en Rusia durante una función de ópera.

Pereryatko posee unos potentes agudos, pero se mueve con facilidad por todo el registro. Tiene una línea vocal perfectamente delineada, un fraseo ágil y una dicción limpia. Demostró una gran técnica y control en la emisión, sin aparente esfuerzo. Sobre el escenario hizo gala de una gran elegancia y carisma.

Estuvo acompañada al piano por Semjon Skigin, que demostró su jerarquía y experiencia en el teclado, sobre todo en la segunda parte, donde tuvo algunos momentos brillantes.

Pero lo mejor, por si pensábamos que no era posible, nos esperaba en forma de propina. Y como no, el bis también tuvo su introducción. Nos habló de la admiración que Viardot tenía hacia uno de sus roles fetiches, Norma. Y nos regaló e iluminó con una Casta diva que evocaba  a María Callas o a Monserrat Caballé, que dio vida a Norma sobre este mismo escenario en 1978, junto a Pedro Lavirgen y Fiorenza Cossoto, dirigidos por el maestro Enrique García Asensio.

Sin duda, una noche especial.

Lise Davidsen

Este año en Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela cumple 30 temporadas. Y como venimos observando estos últimos ciclos, se está produciendo un cambio generacional.

En esta ocasión, y para celebrar el aniversario, el Ciclo se ha estrenado con una de las mejores liederistas de esa nueva generación, la noruega Lise Davidsen (1987). Lo ha hecho además con un repertorio poco habitual, algo que se agradece, y a la vez muy exigente. Comenzó con el también noruego Edvard Grieg, para que escuchásemos su idioma, como ella misma comentó al público. Fem Digte af Otto Benzon (Cinco poemas de Otto Benzon), op. 69. Intensidad en estos poemas que, como Davidsen, se estrenaban en este Teatro.

La segunda parte de esta primera entrega estuvo dedicada al austríaco Alban Berg, concretamente Sieben frühe Lieder (Siete canciones de juventud).

La segunda parte comenzó con Schubert. Un cambio de registro en el que sobresalió el conocidísimo Erlkönig (El rey de los alisos). Una canción que acostumbramos a escuchar en barítonos y que en la voz de Davidsen adquirió todo el dramatismo que destilan los personajes en el texto. Definió con su voz a cada uno de ellos con una intensidad apabullante.

Continuó después con cinco canciones de Jean Sibelius. Canciones llenas de sutilezas amorosas a las que Davidsen imprimió poesía e intimidad en un delicado parlato. Un mundo nórdico y frío, pero, como aclaró, no exento de pasión en la interpretación.

Terminó con Svarta rosor (Rosas negras), donde volvió a demostrar sus capacidades vocales para la expresión. Con un control absoluto en el recorrido por diferentes registros.

Lise Davidsen es una soprano Spinto de grandes cualidades vocales en la que, sin duda, sobresale el volumen. Pleno, elegante, sin esfuerzo aparente, que llena la sala de resonancias que envuelven y desbordan. Tiene gran capacidad y variedad de registros y un perfecto fraseo en la diversidad idiomática de la que hizo gala. Con gran capacidad dramática en las canciones de mayor acción y una delicadeza exquisita en las románticas. Siempre expresiva y con la cadencia adecuada para cada interpretación.

Estuvo acompañada por el también debutante en el ciclo James Baillieu, que tuvo una muy correcta intervención, con algunos momentos de inspiración.

Entre el entusiasmo del público, Davinsen ofreció dos propinas de Edvard Grieg, Ein Traum (Un sueño) y Zur Rosenzeit (A la hora de las rosas), que pusieron el punto final a una noche mágica. Una noche que esperamos sea la primera de muchas.

Olga Peretyatko

En el marco de la celebración del 30º aniversario del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Teatro de la Zarzuela, la famosa soprano Olga Peretyatko (San Petersburgo, 1980) protagonizará su esperado debut en este ciclo el lunes 16 de octubre a las 20:00 horas. La cita supone un hito significativo en la programación porque combina la maestría vocal de Peretyatko, considerada una gran estrella de la lírica actual, con la reivindicación de la obra de dos compositoras esenciales en la historia de la música, Clara Schumann y Pauline Viardot, las cuales estarán muy presentes en la velada. En este programa, la cantante estará acompañada por el pianista Semjon Skiging.

Con una carrera ampliamente consolidada a sus espaldas, Olga Peretyatko es aclamada por su voz versátil y su carisma arrollador. Su repertorio abarca compositores tan diversos como Wolfgang Amadeus Mozart, Gioachino Rossini o Giuseppe Verdi. Su inigualable voz y su habilidad para conectar emocionalmente con el público la ha llevado a los escenarios más prestigiosos del mundo, como la Ópera Estatal de Viena o el Metropolitan de Nueva York. La visita de esta gran diva de la ópera al Ciclo de Lied del CNDM supone una gran oportunidad para disfrutar de su maestría vocal en un formato íntimo. El público será testigo de la magia de Peretyatko en una interpretación que promete ser conmovedora.

La grandeza de dos compositoras

El programa que se interpretará en esta segunda cita del ciclo fusiona la intimidad del lied con la grandeza de Clara Schumann y Pauline Viardot, artistas eclipsadas durante años por la figura de su marido y su padre respectivamente.

Clara Schumann no solo fue la esposa de Robert Schumann, sino también una pianista y una compositora excepcional. Su talento se refleja en piezas como Liebst du um Schönheit o Er ist gekommen in Sturm und Regen, donde la profundidad emocional está fuertemente presente. Por su parte, Pauline García Viardot, hija del tenor Manuel García -una de las personas más influyentes de la ópera del siglo XIX- y hermana de la diva del Romanticismo María Malibrán, fue una mezzosoprano y compositora que dejó su impronta en el repertorio lírico con obras como Haï luli! y Berceuse cosaque.

Además de estas joyas musicales que abarcan desde el romanticismo pasional de C. Schumann hasta la vivacidad de P. Viardot, el programa se completa con piezas icónicas de Johannes Brahms, Robert Schumann y Alexander Alyabyev, ofreciendo al público una paleta musical diversa y emocionante.

El Caballero de Olmedo
El Caballero de Olmedo se estrena con gran éxito en el Teatro de la Zarzuela
Estrenar una ópera contemporánea no es tarea fácil. La palabra “contemporánea” produce cierto miedo en gran parte del público, acostumbrado a ver alguna obra interesante en medio de una batería de vanguardias, a veces cargadas de excentricidad.
Con espíritu aventurero y el ánimo alto, me presenté al estreno, que también lo es de la última temporada de Daniel Bianco al frente de La Zarzuela. Y me encontré con una obra de altísima factura y, ¡oh sorpresa!, dentro de los exquisitos parámetros de la tonalidad.
Todo empezó con el encargo que Daniel Bianco realizó al compositor y director malagueño Arturo Díez Boscovich, que ha puesto música a esta joya literaria del Siglo de Oro Español.
La historia es apasionante. La fabulosa adaptación que del libreto de Lope de Vega ha hecho Lluis Pascual, contiene lo fundamental de la obra. Se sirve argumentalmente de la envidia, que es el desencadenante de la tragedia, para trazar una trama escénica brillante que mantiene la tensión de la historia de principio a fin, gracias a un ritmo impecable que solo un maestro como Pascual sabe imprimir.
La obra se inicia con una obertura de ambiente cinematográfico y de inspiración wagneriana, que ya fue recibida con aplausos. La partitura es rica en géneros, cabe en ella incluso la coplilla popular en la que se inspiró Lope de Vega para escribir su obra. Cada personaje tiene su propio estilo instrumental, algo parecido a un leitmotiv, pero con mayor sensualidad descriptiva. Y para el final, la sorpresa de un Réquien, en el que intervienen conjuntamente tanto coro como solistas, creando una atmósfera envolvente muy efectista.
A pesar de tratarse de una obra contemporánea, contiene todos los convencionalismos de la ópera tradicional. Duetos, tercetos, números de baile, partes corales, incluso una maravillosa romanza a cargo de Don Rodrigo. No falta de nada en la partitura de Boscovich.
En el foso, Guillermo García Calvo en su última participación como Director Musical del Teatro. Su solvencia al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid durante estos tres años, le ha otorgado un plus de calidad que también se ha notado en esta obra. Una partitura que, aunque novedosa, le ha resultado familiar al maestro por el tipo de escritura y orquestación.
Los figurines de Franca Squarciapino constituyen algo más que un atrezzo dentro de esta producción. Cuesta imaginar estos personajes con un vestuario descontextualizado y Squarciapino hace del atuendo clásico un arte contemporáneo. Su gusto por el detalle, marca de la casa, convierten sus trabajos en elementos fundamentales para una obra.
La escenografía principal ha consistido en cuatro grandes muros sobre los que podían verse las proyecciones de Fran Aleu. Los campos de cereal de Castilla y los bandos de estorninos, que aportaban belleza y movimiento, han terminado de generar esa atmósfera austera y bellísima que forma el entorno de los dos pueblos protagonistas, Medina y Olmedo. Las grabaciones en estos parajes castellanos las ha realizado, con la supervisión de Lluis Pascual, el estudio romano TecnoScena SRI. El resultado es de una estética descriptiva de extraordinaria potencia y poesía.
La parte vocal ha estado protagonizada por el cuadro de cantantes para el que ha sido compuesta esta partitura, y eso se ha notado, tanto en la parte vocal como en la interpretativa.
Rocío Pérez ha sido una Doña Inés que sabido defender su doble rol ante los dos pretendientes, amorosa con Don Alonso, de quien está enamorada, y distante y fría con Don Rodrigo, que la pretende con insistencia. Posee un hermoso timbre y domina los agudos y las agilidades. Mostró algunas dudas en las zonas más graves, donde el personaje se consolida, pero supo llevarlo a las alturas de su terreno.
El barítono mexicano Germán Olvera resultó un Don Rodrigo con todas las peculiaridades del personaje, como la envidia y la soberbia, acompañado de una importante presencia escénica. Interpretó con gusto su romanza, sin duda la pieza mas hermosa de esta ópera, y supo mostrar siempre la ambición y la envidia, casi violenta, que sentía por su rival en todos los terrenos, el malogrado Don Alonso.
El Caballero de Olmedo, Don Alonso, interpretado por el tenor Joel Prieto, resultó muy convincente en su papel heroico y gallardo como protagonista. Con un hermoso timbre, supo dar buena réplica a Doña Inés y a Don Rodrigo, antes de caer asesinado a manos de éste.
Don Fernando, el escudero de Don Rodrigo, estuvo interpretado por el siempre fiable barítono Gerardo Bullón, que hace gala además de una muy buena y elegante presencia escénica.
La mezzosoprano alemana Nicola Beller Carbone da vida a la alcahueta Fabia. Encargada de ser la correveidile del triángulo amoroso, se desenvolvió con soltura. Su presencia en el escenario siempre atrae la atención y, en esta ocasión, y gracias al vestuario, mucho más.
Muy buen oficio demostró, como siempre, el barítono Rubén Amoretti, que interpretó a fiel Tello, inseparable de su señor Don Alonso. A muy buen nivel estuvo también la Doña Leonor de Berna Perles.
La temporada lírica del Teatro de la Zarzuela se ha iniciado con potencia. Lo que puede augurarnos una estupenda temporada. Pero no será fácil mantener el nivel.
Juan de Dios Mateos

El tenor almeriense Juan de Dios Mateos debutará el próximo 14 de octubre, sábado, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, como primer papel en el estreno absoluto de la nueva ópera de El Caballero de Olmedo. La obra está dirigida por Lluís Pasqual a partir del libreto de Lope de Vega, con una música compuesta por Arturo Díez Boscovich. La dirección musical corre a cargo de la batuta de Guillermo García Calvo y la escenografía es de Daniel Bianco.

Es un rol magnífico, tan difícil como apasionante en todos sus aspectos”, afirma Mateos. “En mi caso, se trata de una incorporación al reparto bastante tardía, en sustitución de mi amigo César Arrieta, lo que me ha obligado a estudiar en tiempo récord. Estoy deseando mostrarlo en las tablas”. El tenor añade que el tándem formado por Pascual, Bianco, García Calvo y Díez Boscovich “sin duda va a dejar a todo el público encantado”.

Aunque la función de Juan de Dios Mateos es el día 14, la obra estará en cartel desde el 6 hasta el 15 de octubre. En el resto de las funciones, el papel de Don Alonso será interpretado por el tenor Joel Prieto. “Ambos repartos están estupendamente compenetrados y equilibrados” asegura Mateos. “Yo espero a la gente en mi función del 14 de octubre”.

El resto de los artistas que actuarán ese día son Alba Chantar en el rol de Doña Inés; y Ramiro Maturana en el rol de Don Rodrigo; además de Nicola Beller Carbone, Berna Perles, Gerardo Bullón y Rubén Amoretti. La música será interpretada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro de la Zarzuela, con Antonio Fauró en la dirección.

Inmediatamente después de su trabajo en el Teatro de la Zarzuela, Juan de Dios Mateos viajará a Santiago de Chile, donde estrenará, el próximo 9 de noviembre en el Teatro Municipal, la ópera bufa El Viaje a Reims, de Gioacchino Rossini. Interpretará a el Conde de Libenskof, bajo la batuta de Paolo Bortolameolli y la dirección y puesta en escena de Emilio Sagi.

Juan de Dios Mateos
El tenor almeriense Juan de Dios Mateos es un nombre destacado dentro de las nuevas voces operísticas a nivel global. Desde su debut en 2009, cuenta con un exitoso recorrido por teatros de todo el mundo. Ha cantado en la Ópera de París, la Deutsche Oper Berlin, la Ópera de Sidney o el Teatro de Santiago de Chile, entre otros. En España, ha actuado en escenarios como el Gran Teatre del Liceu o el teatro Campoamor de Oviedo. Recientemente, ha debutado en el Teatro Cervantes de Málaga, con Carmina Burana.

Entre los papeles que ha interpretado, destacan Lindoro en La Italiana en Argel; el Conde de Almaviva en El barbero de Sevilla de Rossini; roles mozartianos como Ferrando en Così fan tutte y Don Ottavio en Don Giovanni; Nemorino en El elixir de amor de Donizetti; o Mercure en Les Fêtes d’Hébé de Rameau, entre otros.

Ha recibido varios premios, como el Plácido Domingo al mejor cantante español o el de la Fundación Ferrer-Salat en el 56º Concurso Internacional Tenor Viñas. En 2021 obtuvo galardones del Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, Teatro de la Maestranza y ABAO Bilbao, entre otros. En 2023, ganó el Premio del Público en el Concurso Internacional de Lousada. Su formación incluye canto con Coral Morales y Carlos Aransay, y masterclasses con artistas como Raina Kabaivanska, Roberto Scandiuzzi, Jaume Aragall, etc.

Fotografía: Nani Gutiérrez

Lise Davidsen

El prestigioso Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela celebra su 30º aniversario con el esperado debut en esta programación de la soprano noruega Lise Davidsen, aclamada internacionalmente como una de las voces líricas más destacadas de su generación, que se presentará por primera vez en el ciclo junto al refinado pianista James Baillieu. El recital tendrá lugar el próximo lunes 9 de octubre a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.

Reconocida por su gran capacidad vocal y su carismática presencia escénica, Davidsen (Stokke, 1987) ha actuado en los escenarios más importantes del mundo. Su recital en el marco del 30º aniversario de la programación será una oportunidad no solo para disfrutar de su arte, sino también para celebrar la calidad y la excelencia que este ciclo del CNDM y el Teatro de la Zarzuela ha mantenido a lo largo de tres décadas.

Desde Grieg hasta Sibelius

El programa que Davidsen ofrecerá hará un recorrido por canciones nórdicas (obras de Jean Sibelius y Edvard Grieg) y de dos autores representativos de Centroeuropa (obras de Franz Schubert y Alban Berg).

El programa se abrirá con el intimista Fem Digte af Otto Benzon, op. 69 de Edvard Grieg, el más célebre compositor noruego de la historia, una obra con la que el público será transportado a los paisajes nórdicos y a la esencia romántica de la música escandinava. Las composiciones seleccionadas para este recital de Alban Berg aportarán una dosis de modernidad y vanguardia con Sieben frühe Lieder, un ciclo de siete canciones que escribió mientras recibía lecciones del revolucionario compositor Arnold Schoenberg.

Davidsen también abordará icónicos lieder de Franz Schubert como son Gretchen am Spinnrade y Erlkönig, que mostrarán la riqueza melódica y emocional por la que es ampliamente reconocido este maestro austríaco. Cada una de sus obras es un microcosmos de sentimientos y pasiones. El recital finalizará con Jean Sibelius y sus emocionantes Fem sånger, op. 37 y Svarta rosor, op. 36.

Sandra Mihanovich

Cantante y actriz dueña de un talento único y una voz inconfundible, Sandra Mihanovich es, sin duda, uno de los más grandes referentes de la música en Argentina y estos días recala en el Teatro de la Zarzuela de Madrid donde el próximo sábado 7 de octubre (20h00) repasará sus casi cinco décadas de carrera con el concierto ‘Honrar la vida’. Ocasión única y excepcional que sin duda colmará de profundos sentimientos y hará brotar recónditas pasiones –delirios urgentes que no pocos creían ya olvidados– en el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza.

De vocación temprana, a los cuatro años Sandra ya interpretaba canciones en público. En 1976 comenzó a cantar profesionalmente y la canción, ‘Falta poco tiempo’ selló el inicio de una carrera artística memorable que a través de las décadas ha ido transitando con toda naturalidad de generación en generación hasta el día de hoy.

En 1982 grabó el tema que marcaría un antes y un después en su carrera: ‘Puerto Pollensa’. Un éxito indiscutible al que siguieron otros tantos como ‘Hagamos el amor’, ‘Soy lo que soy’, ‘Como la primera vez’, y un largo etcétera que completan su extensa discografía.

Reconocida como personalidad destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, fue nombrada Embajadora de la Paz por la Fundación 1000 Milenios.

En agosto de 2015, Sandra hace realidad un ansiado sueño: presenta su homenaje a dos de las grandes damas del jazz de todos los tiempos, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan, en el Teatro Colón de Buenos Aires. Concierto que ella misma define como «la noche más importante de mi vida».

Los 40 por todo lo alto

En 2016 cumplió 40 años con la música, celebrando un concierto en el Teatro Ópera de Buenos Aires, donde se presentó junto a una nutrida cantidad de talentosos amigos, intérpretes que de una forma u otra habían tenido protagonismo en su carrera. La relevancia de dicho concierto hizo que la discográfica multinacional Sony Music lo grabara para la posteridad en formatos de audio y vídeo.

Auténtica, solidaria, valiente y comprometida, Sandra Mihanovich ha participado en innumerables conciertos, giras, representaciones teatrales, películas, musicales, programas de televisión, monólogos, charlas audiovisuales (TED) como compositora, actriz, presentadora de radio, conferenciante

Asimismo concurre en gran cantidad de actividades benéficas, cantando o compartiendo su experiencia más vital, como cuando en 2012 llevó a cabo uno de los actos de amor más inmensos y altruistas que una persona puede realizar al donar un riñón a su ahijada.

Y ahora llega a Madrid, al histórico Teatro de la Zarzuela para recordar junto al público todos esos gloriosos años que la han traído hasta aquí y que la permiten seguir caminando.

El Caballero de Olmedo

Con el comienzo de la temporada 2023/2024 el Teatro de la Zarzuela se apunta un nuevo hito: ofrecerá en su escenario el tercer estreno absoluto de una obra lírica en menos de un año, encargos todos ellos del propio Teatro a compositores de muy distintas trayectorias; tras Policías y ladrones de Tomás Marco y Trato de favor de Lucas Vidal, ahora es el turno de la ópera El caballero de Olmedo de Arturo Díez Boscovich. Una composición que cuenta, además, con un libretista de excepción, ese dramaturgo de dramaturgos que fue, que es, el prodigioso Lope de Vega, cuya poesía, a lo largo de los tres últimos siglos, ha estado presente en zarzuelas tan diversas como Doña Francisquita (1923), La villana (1927) o La rosa del azafrán (1930), de las que la primera y la última se podrán ver también en la temporada que ahora comienza.

El coliseo madrileño no ha dudado en rodearse para la ocasión de algunos de los nombres más destacados de nuestro teatro, de nuestra música y más allá. Así, a la dirección musical del Maestro Guillermo García Calvo, que ocupará el foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), se une el magisterio de Lluís Pasqual, ese hombre que vive y sueña teatro, que siempre lo hizo, que siempre lo hará, y que en esta ocasión, además de idear la escena, se ha encargado de realizar la necesaria adaptación del texto. Entre el 6 y el 15 de octubre se ofrecerán seis funciones.

Para Lluís Pasqual, esta de Lope de Vega es una obra magistral, que considera «la cumbre de la literatura teatral y poética del Siglo de Oro; y es, por tanto, la metáfora sobre el amor y sobre algo tan terrible que es la envidia». Porque para Pasqual El caballero de Olmedo es en realidad la historia más bella de nuestra lírica «sobre el amor y el dolor de su ausencia», «sobre la intolerancia».

En esta propuesta escénica el director cuenta con la minimalista y efectiva escenografía de Daniel Bianco, el hermoso vestuario de Franca Squarciapino, la envolvente iluminación de Pascal Mérat, la eficaz coreografía de Nuria Castejón, la poética videoescena de Franc Aleu y el eficiente trabajo de esgrima de Jesús Esperanza.

Serán, además, dos repartos los que canten los tres roles principales de la ópera, integrados por los tenores Joel Prieto y Juan de Dios Mateos, las sopranos Rocío Pérez y Alba Chantar, los barítonos Germán Olvera y Ramiro Maturana, las sopranos Nicola Beller Carbone y Berna Perles, el barítono Gerardo Bullón y el bajo Rubén Amoretti.

Los acompañará el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, así como dieciséis bailarines-actores.

La imagen sonora cobra vida

Según Arturo Díez Boscovich, «para un creador es una inmensa alegría ver cómo se hace realidad todo lo que ha ido gestando durante mucho tiempo; la imagen sonora que ha ido componiendo a solas en su estudio cobra vida hoy y ocupa un espacio sonoro y escénico; esto es algo que resulta glorioso para mí». Además, oportunamente señala que «el espectador se encontrará con una historia absolutamente elegante, misteriosa, maravillosa, llena de amor, de celos, de todos los sentimientos que nos hacen humanos y que todos compartimos». Y destaca, cómo no, «el lujo de tener la oportunidad de ponerle música a la gran obra de Lope de Vega con una inteligente adaptación de Lluís Pasqual». Está convencido de que «en esta ocasión el amor y la música saldrán a raudales del Teatro de la Zarzuela».

Por su parte, Guillermo García Calvo, director musical de este estreno, se muestra «muy ilusionado en contribuir a lo que es la nueva creación musical mirando hacia el futuro con esta hermosa ópera». Comenta que la partitura de El caballero de Olmedo de Arturo Díez Boscovich «ha sido un precioso descubrimiento por su escritura orquestal tan apasionada, elaborada sintetizando lo mejor de la tradición de compositores de bandas sonoras que emigraron de Centroeuropa a Hollywood, como Erich Korngold y Miklós Rózsa, con un enorme conocimiento de la escritura vocal». El director de orquesta incide además en que «la música no es un mero acompañamiento a los versos de Lope de Vega sino que nos transmite las emociones de los personajes, completa todo lo que no dicen las palabras del texto de una manera envolvente, casi hipnótica, con el personalísimo sello de Díez Boscovich en el uso de las armonías, las modulaciones y la instrumentación, que hacen de la obra un inmenso poema sinfónico con canto».

Fertilidad inagotable

En esta ocasión, como en tantas otras, el Teatro de la Zarzuela asume voluntariamente la función de centro de creación desde el que se actualiza y difunde la inagotable fertilidad de nuestro patrimonio lírico. Sin este espacio teatral, difícilmente podemos comprender la lírica contemporánea española de los últimos siglos. Como señala la musicóloga Carmen Noheda en sus notas Una quimera de envidia, viento y sombra incluidas en el programa-libro de este El caballero de Olmedo, y cuya conferencia puede seguirse en el canal de YouTube del Teatro (https://youtu.be/g1FeUxN0f20), «ahora hemos querido unir una de las cumbres del Siglo de Oro español con nuestra manera de cantarlo y de contarlo, que es nuestro género, que es la ópera española». Porque convertir un clásico del Siglo de Oro español en una ópera exige una perspectiva y planteamiento a la altura de las circunstancias para fomentar y enriquecer un teatro patrimonial, sostiene la experta.

  • La función del viernes 13 de octubre será emitida en directo a partir de las 20h00 a través de streaming en el canal de YouTube y la cuenta de Facebook del Teatro.
  • Y en el nuevo capítulo de ‘Viaje por la zarzuela’, que hace el número 32 de la serie, conversan Arturo Díez Boscovich, Guillermo García Calvo, Lluís Pasqual, Rocío Pérez y Joel Prieto, y estará disponible en breve en YouTube.
Enrique Viana

El tenor, director de escena y dramaturgo Enrique Viana y el pianista Ramón Grau han preparado un espectáculo muy especial para inaugurar el ciclo Notas del Ambigú del presente curso. Ideado y escrito por el cantante madrileño, el recital ‘En la plazuela de Teresa Berganza, te espero’ es puro Enrique Viana: humor inteligente, referencias inesperadas, chascarrillos brillantes y, sobre todo, mucha música en ocasiones desconocida a fuerza de años y olvido. De esta manera, el próximo lunes 2 de octubre repasarán a su inimitable manera (en una suerte de cabaret lírico) la Temporada 23-24 del Teatro de la Zarzuela que ahora comienza. Eso sí, con las entradas agotadas.

Con música diversa –colomba, cuplé, romanza, fandango– y un sorprendente abanico de compositores como Fernando Moraleda, Federico Moreno Torroba, Bella Dorita, Modesto y Vicente Romero, Jacinto Guerrero, F. Wolter (seudónimo de José Padilla), Amadeo Vives o Jaine Uya y Daniel Montoro, Viana y Grau desgranan la nueva temporada de La Zarzuela con la historia de dos catedráticos en musicología expansiva, agrónoma, paleolítica, molecular que imparten una conferencia sobre la misma.

En su afán pedagógico introducen al público en los títulos más importantes de esta temporada “y los ilustran como pueden”, en palabras de Viana, que augura un posible cambio meteorológico para ese día: “En la Plazuela de Teresa Berganza les esperamos. Estaremos dentro, por si hace fresco; suban al primer piso…”

grilletta e porsugnacco

El 24 de septiembre, la Fundación Juan March y el Teatro de la Zarzuela llevarán a cabo la primera representación en tiempos modernos de Grilletta e Porsugnacco, un intermezzo cómico del afamado compositor Johann Adolph Hasse. De esta nueva coproducción, habrá cuatro funciones los días 24, 27 y 30 de septiembre, y 1 de octubre. Las entradas son gratuitas para todas las representaciones y podrán reservarse el 17 de septiembre en la web march.es.

La obra se estrenó en Nápoles, en 1727, y sería llevada a la corte de Madrid a instancias del cantante Farinelli, en torno a dos décadas después. El manuscrito conservado en la Real Biblioteca de Madrid ha servido de base para preparar la edición utilizada en esta producción. Grilletta e Porsugnacco es una muestra del género teatral que tuvo en la Nápoles y la Venecia del siglo XVIII, como la ópera bufa, sus epicentros: el intermezzo barroco.

Por primera vez, el formato Teatro Musical de Cámara de la Fundación Juan March incluye el intermezzo, en línea con su voluntad de desenterrar el mejor repertorio teatral en formato de cámara. Se trata de uno de los intermezzi cómicos que el compositor Johann Adolph Hasse estrenó en Nápoles y que contribuyó a su fama internacional. Esta recuperación cuenta con la dirección musical de Javier Ulises Illán, la participación de la orquesta barroca Nereydas y la dirección escénica de Rita Cosentino.

Basada en el libreto Monsieur de Pourceaugnac, de Molière, la obra relata los tejemanejes de una joven criada interesada en contraer matrimonio con un burgués adinerado. La soprano Natalia Labourdette encarna a Grilletta, la protagonista femenina. El papel de Porsugnacco recae sobre el barítono David Menéndez. Además, el actor Aarón Martín representará un personaje mudo, siguiendo la tradición de este tipo de personajes habituales en los intermezzi barrocos.

La función del día 27 de septiembre será retransmitida en directo a través de Canal March, YouTube y RTVEPlay. Las cuatro representaciones se completarán con tres funciones para público escolar, las mañanas de los días 26 y 28 de septiembre, y 2 de octubre.

Una eterna confrontación

La escenografía propuesta por Rita Cosentino se adentra en el núcleo del libreto de Grilleta e Porsugnacco: la confrontación entre el personaje femenino y el masculino, a través de estereotipos comunes en el repertorio operístico de la época (inspirados en la comedia del arte). En este intermezzo, la criada Grilletta trata de engañar a Porsugnacco para evitar su matrimonio con su ama, la joven hija de un noble. Así, urde un plan para convencer al protagonista de que su prometida le es infiel con el objetivo de ser ella la desposada.

“Estos arquetipos de mujer como la ‘criada astuta’, la ‘doncella enamorada’, la ‘joven extraviada’, la ‘gitana rebelde’ o ‘la manipuladora’ viven y mueren sobre nuestros escenarios desde hace siglos, dando cuenta de sus luchas, sus destinos trágicos y violentados, sus maltratos y humillaciones”, explica Cosentino. “El tratamiento de los personajes y las cuestiones que los enfrentan gozan de una rabiosa actualidad”.

La puesta en escena de Rita Cosentino se sitúa alrededor 1727, año del estreno de la obra, pero avanza hacia un tiempo moderno indeterminado sin que ninguno de sus elementos se resienta por ello.

“Este viaje del pasado al presente me hizo recordar la famosa novela Orlando, de Virginia Woolf, en la que su protagonista, primero hombre y luego mujer, vive cuatrocientos años a lo largo de los cuales es testigo del constante cambio que experimentan los sistemas, los reinados, las costumbres y las ideas sobre el comportamiento de los hombres y de las mujeres, de la moral, de cómo se desarrollan los roles de género y, sin embargo, comprende al final de su periplo que, por supuesto, nada ha cambiado”, concluye.

Alicia Lázaro

El grupo Capilla Jerónimo de Carrión cerrará este próximo lunes 10 de julio, el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela en el que sin duda será el concierto más sentido y emocionado de su larga carrera. Bajo el título ‘Fiesta Sacra y arte nuevo’, rendirán homenaje a su fundadora, directora, alma e indiscutible razón de ser, la laudista y musicóloga Alicia Lázaro, fallecida recientemente.

El exquisito programa que presentarán recoge los sonidos más populares de los templos y los teatros del Siglo de Oro. Grandes obras de compositores como Francisco Guerrero, Juan de Navas, Juan Hidalgo, Sebastián Durón o José de Torres, que discurrirán hilvanadas por el recitado del actor Pepe Viyuela de textos de grandes teóricos y prácticos como Lope de Vega, Erasmo de Róterdam o Martín Lutero, entre otros.

Creada en 1997, y dirigida desde su fundación por Alicia Lázaro (1952-2022), Capilla Jerónimo de Carrión reúne un elenco estable de cantantes e instrumentistas especializados en la interpretación de la música de los siglos XVII-XVIII. En el concierto del Teatro de la Zarzuela, además de Viyuela, participarán la soprano Delia Agúndez, el tenor Ariel Hernández, María Alejandra Saturno en la viola da gamba y Sara Águeda en el arpa de dos órdenes.

La propia Alicia Lázaro orientaba al espectador de esta ‘Fiesta sacra y arte nuevo’: “Es en los templos católicos, que con la cristianización sustituyeron en nuestra península a los teatros romanos como lugares de encuentro, donde aparecerán las primeras muestras de lo que hoy llamamos «teatro clásico»: los tropos y secuencias, primeros indicios dramáticos en el occidente cristiano”.

José Miguel Pérez-Sierra

En la rueda de prensa celebrada esta mañana en la que se presentó a Isamay Benavente, la nueva directora del Teatro de La Zarzuela de Madrid, se ha anunciado que el coliseo también contará en su equipo con José Miguel Pérez-Sierra como director musical. El músico madrileño, que acaba de dirigir en la Opéra de Marseille Les Huguenots, de Meyerbeer, ha declarado desde Polonia –donde estos días ensaya junto a la Filarmónica de Cracovia Il Signor Bruschino que en julio ofrecerán en el Festival Rossini de Wildbad (Alemania)– que asumir este cargo representa para él “un auténtico honor; considero que es una gran responsabilidad, ya que se trata de un escenario de gran proyección internacional. A título personal, por otra parte, me emociona especialmente la confianza que han depositado en mí desde un escenario que me ha visto crecer y que ha sido fundamental en mi trayectoria. Guardo recuerdos imborrables vividos en este teatro, porque aquí crecí como músico, pero también como melómano; cuando era un niño asistía con mis padres a óperas y zarzuelas; más tarde me sentía como en casa siendo un adolescente apasionado de la lírica; después, ya como director de orquesta, he tenido la suerte de dirigir más de 120 funciones… Con este nombramiento se inicia una etapa ilusionante –que combinaré con mis compromisos en teatros y orquestas nacionales e internacionales– que me permitirá trabajar para ayudar a dar forma a la línea artística planteada por el nuevo equipo que dirige Isamay Benavente. Entre nuestros objetivos destaca continuar consolidando el posicionamiento que el Teatro de La Zarzuela ha conseguido a nivel nacional e internacional. La danza, las diversas formas musicales del país y el inmenso repertorio lírico hispano son géneros cuya calidad ha sido reconocida en todo el mundo, un patrimonio que hay que cuidar y preservar. Desde el Teatro de La Zarzuela sabremos llevar a cabo esta labor con rigor y pasión”, afirmaba el maestro madrileño.  

Este nombramiento es un punto de inflexión de una carrera en plena madurez artística y creativa en la que Pérez-Sierra viene combinado su actividad tanto en ópera y zarzuela como en repertorio sinfónico, habiendo dirigido en escenarios como el Teatro Real de Madrid, el Palau de Les Arts de Valencia, el Liceu de Barcelona, la Fundación Baluarte de Pamplona, la Ópera de A Coruña –de la que es principal director invitado–, la temporada de ABAO Bilbao Opera, la Ópera de Oviedo, el Teatro de La Maestranza de Sevilla, la Ópera Nacional de Chile, la Opéra de Marseille, el Festival Rossini de Wildbad, el Rossini Opera Festival de Pésaro, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Teatro Massimo Bellini de Catania, el Théâtre des Champs Élysées de París o la Opéra de Montréal, entre muchos otros, así como orquestas como la Sinfónica de Madrid y la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la de Radio Televisión Española (ORTVE), Orquesta sinfónica de Galicia, Euskadiko Orkestra Sinfonikoa, Filarmónica de Gran Canaria, Oviedo Filarmonía, Sinfónica de Navarra Pablo Sarasate, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Tenerife, Orquesta de Córdoba, Simfònica de les Illes Balears, Philharmonique du Luxembourg, Sinfónica de Tiblisi (Georgia), Filarmónica de Montevideo, Filarmónica de Santiago (Chile), Robert Schumann Philharmonie, Orquesta del San Carlo de Nápoles, Virtuosi Brunensis o la portuguesa Orquesta do Norte.

En la temporada 2022-2023 en la agenda de José Miguel Pérez-Sierra han destacado Norma, la gala del 70º aniversario y un concierto junto al tenor Roberto Alagna para la temporada de los Amigos de la Ópera de A Coruña; la Cantata Juan Sebastián Elcano en el Auditorio Nacional de Madrid y el Requiem de Verdi en la Catedral de Burgos, ambos compromisos con la Orquesta y Coro del Teatro Real¬; la recuperación de la zarzuela San Franco de Sena de Emilio Arrieta en el Auditorio Baluarte de Pamplona; Aida de Verdi en la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria; su regreso a la Opéra de Marseille con Les Huguenots de Meyerbeer; e Il Signor Bruschino en el Royal Opera Festival de Cracovia, donde en junio acaba de dirigir una gala de música española con El Barberillo de Lavapiés y El amor brujo de Falla.

Este verano le espera de nuevo Il Signor Bruschino en el Festival Rossini de Wildbad –al que regresa cada año desde su debut en 2017–, además de dirigir un concierto junto a la soprano Lise Davidsen en su presentación en el Turku Music Festival de Finlandia. En la temporada 2023/2024 dirigirá dos títulos en la Ópera de A Coruña (por anunciar, uno de ellos con la O. Joven de la Sinfónica de Galicia), Il Tabarro y Gianni Schicchi en la Ópera de Oviedo, además de Dialogues des carmélites de Poulenc en la Opéra de Massy (Francia), Samson et Dalila en la Ópera de Tenerife, un concierto junto a la soprano Lise Davidsen en el Teatro Real de Madrid, Madama Butterfly en el Teatro Coccia de Novara, la Sexta Sinfonía de Mahler con la Filarmónica de Málaga, La Verbena de la Paloma en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, La Vida Breve en la Opéra de Metz, y un concierto sinfónico junto a la Filarmónica de Cracovia.

Temporada CNDM
  • La decimocuarta temporada del CNDM constará de 270 citas (204 conciertos y 66 actividades pedagógicas) en 29 ciudades españolas y 7 ciudades en el extranjero.
  • Se recuperan 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM; de los cuales 15 obras creadas por compositoras.
  • Se amplía la colaboración con los socios coproductores a más de 150 instituciones públicas y entidades privadas, que se han convertido a lo largo de estos años en columnas del CNDM.
  • Las residencias artísticas recaen en José Luis Turina, compositor residente, Accademia del Piacere y el Cuarteto Quiroga, grupos residentes.
  • En Madrid, se mantienen los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.
  • En los Circuitos Internacionales, se incorpora la coproducción con el Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia y el Festival Mozart de la Habana en Cuba. Los Circuitos Nacionales se amplían a Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).
  • El público disfrutará de una ambiciosa programación con la visita de grandes voces como las de los contratenores Franco Fagioli, Philippe Jaroussky, las esperadas sopranos Jeanine de Bique, la mezzo Ann Hallenberg o el sopranista Samuel Mariño. Vuelven los mejores cuartetos de cuerda del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Jerusalén, el Armida, el de la violinista Julia Fischer o el Cuarteto Quiroga, que estrenará varias obras en compañía de grandes intérpretes como Javier Perianes o Jörg Widmann. Celebraremos una doble cita con el piano minimalista con la presencia de Hauschka y Dustin O’Halloran, premiados autores de bandas sonoras. Disfrutaremos de veladas inolvidables con Zenet, la Premio Nacional de Danza Patricia Guerrero en una original propuesta con Accademia del Piacere, el consagrado pianista Kenny Barron o Chano Domínguez. Asistiremos a espectáculos de pura emoción flamenca con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar o los “Sordera”, la primera saga flamenca que pisará el CNDM. Las aclamadas sopranos Lise Davidsen y Olga Peretyatko se presentarán en el prestigioso Ciclo de Lied, al que regresarán las extraordinarias voces de especialistas como Gerald Finley, Christian Gerhaher o Matthias Goerne, entre otros.
  • Se abre el periodo de renovación de abonos hasta el 27 de junio. El periodo de venta de nuevos abonos comenzará el 30 de junio y se prolongará hasta el 9 de septiembre. Venta libre de localidades a partir del 12 de septiembre. Descuentos sociales de hasta el 50% en abonos y localidades.

El director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Joan Francesc Marco, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana la temporada 23/24 de esta unidad del INAEM, que tendrá lugar del 8 de septiembre de 2023 hasta el 25 de julio de 2024. Se celebrarán un total de 270 citas, con 204 conciertos y 66 actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM de los cuales 15 obras creadas por compositoras. El programa se desarrollará en 29 ciudades españolas y 7 en el extranjero en colaboración con más de 150 instituciones.

La ambiciosa programación del CNDM amplía el número de actividades, de ciudades y de socios coproductores respecto a la edición anterior. Entre las principales novedades de este año se encuentran la creación de un nuevo ciclo en el Auditorio Nacional de Música, Recordando a Alicia, en homenaje a la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento; así como la incorporación de nuevas ciudades internacionales y nacionales: coproducciones en los prestigiosos Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia, y el Festival Mozart de La Habana en Cuba; y las ciudades españolas de Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).

“La decimocuarta edición del CNDM pone el foco en la esencia de esta institución como centro que reivindica nuestro patrimonio musical y donde tienen cabida un universo de posibilidades para los amantes de la música en directo”, ha afirmado Francisco Lorenzo, director del CNDM, durante la presentación. También ha señalado que la nueva temporada se asentará en los tres pilares fundamentales del CNDM. En primer lugar, la dirección artística del Auditorio Nacional de Música, dotando a este espacio de una programación pública, diversa y de máxima calidad. En segundo lugar, la promoción, difusión y ampliación del patrimonio musical nacional, a través de la programación de conciertos y actividades pedagógicas, encargos de composición y recuperaciones históricas. Y en tercer lugar, el apoyo a los creadores e intérpretes españoles.

La nueva edición toma como imagen de temporada la obra de Juan Carlos Casado, un referente de la astrofotografía mundial cuyas creaciones han sido galardonadas por la NASA en más de cincuenta ocasiones. Su obra sirve para reflejar la solidez y magnitud del proyecto del CNDM que cumple ya 14 años.

Residencias artísticas

El CNDM mantiene nuevamente las residencias artísticas para seguir apoyando la trayectoria y el trabajo de grandes compositores e intérpretes. Este año habrá tres residencias ocupadas por agrupaciones y artistas españoles: una doble residencia en el apartado de grupo y una en el apartado de compositor.

El Cuarteto Quiroga, que este año celebra su vigésimo aniversario, será uno de los grupos residentes. Se trata de una de las formaciones de cámara más estables y consolidadas del panorama actual. Con esta agrupación, el público podrá asistir a varios estrenos, así como apreciar su talento en diálogo con grandes músicos de la talla del clarinetista y compositor Jörg Widmann, la violinista Veronika Hagen o el pianista Javier Perianes, estrechamente vinculados a su trayectoria musical.

El otro grupo residente será Accademia del Piacere, un grupo que destaca por su singularidad, la innovación de sus propuestas y una gran capacidad para explorar más allá de los límites de distintas manifestaciones artísticas. Fundado y liderado por Fahmi Alqhai, es una de las agrupaciones españolas más internacionales y versátiles. Sus músicos actuarán en distintos ciclos en Madrid y también viajarán al extrajero a través de los Circuitos Internacionales del CNDM.Por último, José Luis Turina ostentará la figura de compositor residente. Además de ser uno de los compositores españoles más importantes de la actualidad, José Luis Turina es un reconocido pedagogo y gestor cultural y una figura imprescindible en el desarrollo de la educación musical en nuestro país. A lo largo de la programación 23/24, se recrearán algunas de sus obras más emblemáticas y el público asistirá a estrenos de la mano de grandes agrupaciones.

La programación en Madrid

En Madrid, regresan los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.

El nuevo ciclo Recordando a Alicia constará de 3 recitales de piano en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. Este ciclo nace como una contribución a los numerosos homenajes de este año en torno a la figura de la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento. Los conciertos estarán protagonizados por las pianistas Rosa Torres-Pardo, Noelia Rodiles y Judith Jáuregui, que incluirán en sus programas algunas de las piezas más estrechamente vinculadas a la trayectoria de esta icónica y querida artista.

El ciclo Universo Barroco Sinfónico constará de 11 conciertos. De ellos, tres serán extraordinarios (fuera de abono) y abordarán tres de los títulos más relevantes de la historia de la música: el Magnificat de Johann Sebastian Bach en Navidad, de la mano de la Netherlands Bach Society; las fabulosas Vísperas de Claudio Monteverdi, con el Coro de Cámara de Namur y Cappella Mediterranea, bajo la dirección de Leonardo García Alarcón; y la Pasión según San Mateo de J. S. Bach, obra cumbre de la cultura occidental, que en esta ocasión será interpretada por extraordinarios músicos nacionales: el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y el Cor Infantil de l’Orfeó Català junto a Vespres d’Arnadí y bajo la dirección de Christoph Prégardien, quien como tenor interpretara el papel del Evangelista en numerosas ocasiones. En esta edición, asistiremos al estreno en tiempos modernos de una recuperación histórica, Las amazonas de España de Giacomo Facco, una ópera que se estrenó en el Real Coliseo del Buen Retiro en 1700 y que Concerto 1700, liderado por el violinista Daniel Pinteño, interpretará en la Sala Sinfónica con la presencia de algunas de las mejores voces especialistas en el Barroco, como María Espada, Giulia Semenzato o Natalie Pérez, entre otras. Visitarán el ciclo grandes voces como las del contratenor Franco Fagioli en el haendeliano Tolomeo, re d’Egitto con Il Giardino Armonico y la Kammerorchester Basel, dirigidos por Giovanni Antonini, o el contratenor Philippe Jaroussky con Le Concert de la Loge, bajo la batuta del violinista y director Julien Chauvin. También contaremos con las extraordinarias voces de la soprano Sandrine Piau y la mezzosoprano Ann Hallenberg en Berenice, regina d’Egitto, un título brillante pero menos conocido de George Frideric Haendel con Il Pomo d’Oro, bajo la dirección del clavecinista Francesco Corti; o con el contratenor Carlo Vistoli y la soprano Emőke Baráth en el también haendeliano Rinaldo con Les Accents, bajo la dirección del violinista Thibault Noally. Además, finaliza la trilogía monteverdiana con L’incoronazione di Poppea de la mano de The English Concert, bajo la dirección de Harry Bicket, en un concierto que contará con el Coro de la Comunidad de Madrid y con la esperada soprano Jeanine de Bique en el papel protagonista. El ciclo también recorrerá otros títulos líricos, como The fairy queen de Henry Purcell, de la mano de los prestigiosos Les Arts Florissants, dirigidos por William Christie; o Les Boréades de Jean-Philippe Rameau, con la orquesta barroca de Praga Collegium 1704 y su agrupación vocal del mismo nombre, bajo la dirección de Václav Luks.

En el ciclo Universo Barroco Cámara se celebrarán 12 conciertos. Se prestará una especial atención a Barbara Strozzi y a la labor de la mujer creadora en la composición barroca, con los conciertos de la soprano Núria Rial junto a Accademia del Piacere, agrupación residente de la temporada; y las sopranos Dorothee Mields y Hana Blažiková acompañadas por el Hathor Consort, dirigido por la también violagambista Romina Lischka. Se estrenará en tiempos modernos la ópera de Domenico Scarlatti La Silvia, de la mano de Aarón Zapico y su Forma Antiqva, y con la presencia de la soprano Jone Martínez, el contratenor Carlos Mena y el tenor Alberto Palacios. El ciclo seguirá velando por la visibilidad de los mejores grupos nacionales, que interpretarán tanto repertorio español como universal, entre ellos el Euskal Barrok Ensemble, dirigido por Enrike Solinís, con un programa inspirado en el famoso Concierto para laúd de Antonio Vivaldi; la Orquesta Barroca de Sevilla, que afrontará L’estro armonico -también de A. Vivaldi-, una de las colecciones de conciertos más influyentes y extraordinarias de todo el siglo XVIII, con la participación del violinista Enrico Onofri en su doble faceta de intérprete y director; L’Apothéose, que visita el ciclo en un formato que va más allá de su formación original como cuarteto, y actuará con solistas de la talla de la flautista Dorothee Oberlinger; La Ritirata de Josetxu Obregón, que abordará el oratorio Il giardino di rose de Alessandro Scarlatti; y la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, con el violinista Shunske Sato al frente. Asimismo, el renombrado sopranista venezolano Samuel Mariño se unirá al conjunto dirigido por el clavecinista Marcello di Lisa, Concerto de’ Cavalieri, para interpretar un repertorio centrado en las fuentes barrocas del bel canto. También visitarán este universo sonoro el conjunto inglés Arcangelo, fundado y dirigido por el clavecinista y violonchelista Jonathan Cohen, el ensemble Diderot y la aclamada agrupación vocal Vox Luminis, que regresará al CNDM para abordar una de las obras clave del repertorio sacro español: el Officium defunctorum de Tomás Luis de Victoria.

El ciclo Liceo de Cámara XXI continuará su andadura en la Sala de Cámara con 12 conciertos. Vuelven los mejores cuartetos del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Cuarteto Jerusalem, o el Cuarteto de la violinista Julia Fischer, que se presenta por primera vez en este ciclo. A dúo, el público disfrutará del virtuosismo de la violinista Leticia Moreno y el pianista Josu de Solaun, que estrenarán en España la Sonata para violín y piano de José Luis Turina, compositor residente de la temporada 23/24; o de la violonchelista Sol Gabetta con el pianista Bertrand Chamayou. Además, el Cuarteto Quiroga, uno de los grupos residentes, tendrá un papel protagonista en el ciclo con tres citas donde estrenará obras de nueva creación de Raquel García-Tomás y Konstantia Gourzi. También establecerá un exquisito diálogo con algunos grandes músicos de la escena nacional e internacional estrechamente vinculados a la trayectoria del cuarteto: el clarinetista y compositor Jörg Widmann, compositor residente en la Berliner Philharmoniker, con quien estrenará una de sus composiciones, la destacada violista Veronika Hagen, y el aclamado pianista Javier Perianes. Se celebrarán dos conciertos dedicados a octetos. Por un lado, el Cuarteto Cosmos se rodeará de músicos amigos para interpretar los octetos de Jörg Widmann y Franz Schubert y, por el otro, el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ébène unirán fuerzas para enfrentarse a los de George Enescu y Felix Mendelssohn. Asimismo, contaremos con la participación del trío formado por el violinista Fumiaki Miura, el violonchelista Jonathan Roozeman y la pianista Varvara, que abordarán piezas clave del género camerístico con tríos de Ludwig van Beethoven, Dmitri Shostakóvich y Lera Auerbach. Por su parte, el Cuarteto Armida ofrecerá un programa especial en colaboración con el violista del Cuarteto Casals, Jonathan Brown, y el violonchelista Eckart Runge.

Dentro del ciclo Jazz en el Auditorio, vuelven propuestas de altísima calidad protagonizadas por relevantes figuras del jazz nacional e internacional, con un total de 9 conciertos, uno de ellos extraordinario (fuera de abono) en la Sala Sinfónica, protagonizado por Avishai Cohen Trio, agrupación liderada por el genial contrabajista y compositor Avishai Cohen. Este artista también nos visitará en formato dúo junto al pianista Makoto Ozone, otro gigante del panorama jazzístico. Entre los nombres internacionales destaca el veterano pianista Kenny Barron, auténtica leyenda que nos traerá su nuevo monólogo discográfico The Source, así como el debut en este ciclo de Bobo Stenson Trio, que presentará el proyecto Sphere, que aborda la obra de compositores de los siglos XX y XXI, así como algunas de sus propias piezas. De la escena nacional, debuta en este ciclo el experimentado contrabajista gallego Baldo Martínez en formación de sexteto y vuelven grandes nombres como Andrea Motis, Chano Domínguez y Flavio Boltro 4et, Paolo Fresu Trio y Perico Sambeat en su versión más flamenca.

El ciclo Andalucía Flamenca, organizado en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco, albergará 7 conciertos esta temporada. El ciclo se abrirá con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar. Por primera vez, se reunirá sobre el escenario del CNDM a una saga del arte flamenco, la de los “Sordera”, ejemplo del linaje jerezano al que dan continuidad en la actualidad Vicente Soto “Sordera”, Enrique Soto y Lela Soto. Debutará en el ciclo Reyes Carrasco, una joven promesa del flamenco que ya ha compartido escenario con aclamadas figuras del cante y ha sido galardonada en numerosas ocasiones. También visitarán el ciclo grandes cantaores como la jerezana María Terremoto, con un concierto en el que abordará los estilos propios de su Jerez natal y de su saga, sin excluir guiños al rico legado musical de su padre Fernando; Arcángel, que ofrecerá un recital basado en una colección de estilos clásicos de cante junto al guitarrista Miguel Ángel Cortés; y Manuel Lombo, que reivindicará sus raíces flamencas junto con el guitarrista Pedro Sierra. Asimismo, el ciclo contará con una sesión doble protagonizada por dos cantaores que transportarán al público a herencias bien distintas: Pedro “El Granaíno” y Caracolillo de Cádiz.

En Fronteras, el ciclo más mestizo del CNDM, se celebrarán 8 conciertos, 2 de ellos extraordinarios (fuera de abono). En cuanto a estos últimos, vuelve Víkingur Ólafsson, excelente pianista islandés que interpretará su visión más personal de las legendarias Variaciones Goldberg de J. S. Bach; y el grupo residente Accademia del Piacere, con Gugurumbé. En esta original propuesta, presentará un programa particularmente especial que revisita el flamenco y lo pone en diálogo con otras artes. Para ello, la agrupación contará con la presencia de la soprano Núria Rial, la bailaora Patricia Guerrero (Premio Nacional de Danza 2021), la cantaora Alba Carmona, la bailarina de danza contemporánea Ellavled Alcano, el guitarrista flamenco Dani de Morón y el director de escena y coreógrafo Antonio Ruz. Siguiendo esta línea, otra de las colaboraciones será la de Accademia del Piacere con el guitarrista flamenco sevillano Dani de Morón, que presentarán su reciente proyecto Metamorfosis. Asimismo, celebraremos una doble cita con el piano minimalista, con la presencia de Dustin O’Halloran y Hauschka, galardonado recientemente con un Oscar por su última partitura. Acudirá al CNDM por primera vez Zenet, consagrado y versátil artista en cuya música abundan la fusión de estilos y melodías del jazz, el tango o la copla. Fruto de la colaboración con el Instituto Italiano de la Cultura, el pianista, compositor y jazzista romano Enrico Pieranunzi actuará junto con el violinista Gabriele Pieranunzi y el clarinetista de Perugia Gabriele Mirabassi para conmemorar el 100º aniversario de la composición de Rhapsody in Blue del compositor neoyorquino George Gershwin. El fado también estará nuevamente representado en este ciclo de la mano del cantante, guitarrista y compositor António Zambujo, acompañado por su banda.

El exitoso ciclo Bach Vermut celebra su décimo aniversario en la nueva edición 23/24 con 8 conciertos. En este tiempo, se ha convertido en uno de los ciclos más populares del CNDM con un formato novedoso que agota localidades, seduce a nuevos públicos y marida a los mejores organistas del mundo, con jazz y gastronomía. Entre las citas más destacadas de esta temporada, se contará con la presencia de Susanne Kujala y Katelyn Emerson, que actuarán por primera vez en el ciclo; Daniel Oyarzabal y la violinista Miriam Hontana, con una desenfadada propuesta en torno a Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi; o con el gran maestro de la improvisación Wayne Marshall. También se recupera el exitoso formato de concierto en el que la periodista Eva Sandoval descubrirá los secretos del órgano, grabando el interior del instrumento a tiempo real, con la participación de Thomas Ospital. Este ciclo también contará con Mar Vaqué y Joan Seguí, destacados exponentes de la nueva hornada de organistas nacionales. Y, un año más, visitará el CNDM el clavecinista francés Benjamin Alard, así como Peter Holder y Alaia Ensemble, dirigidos por Daniel de la Puente, que presentarán un programa con el estreno de una pieza de la compositora Eva Ugalde. Además, algunos de estos intérpretes y otros más actuarán en las catedrales de Ávila, Barcelona, Burgos, Getafe, León, Málaga, Murcia y Sevilla dentro del ciclo El órgano en las Catedrales.

El Ciclo de Lied celebra su trigésimo aniversario con 12 recitales en el Teatro de la Zarzuela. Por primera vez, se contará con la participación de la aclamada soprano Lise Davidsen junto con el pianista James Baillieu, responsables de inaugurar el ciclo. También la célebre soprano rusa Olga Peretyatko y el pianista Semjon Skigin visitarán por primera vez esta programación para presentar un recital que reivindica el papel de la mujer compositora en la historia de la música, con obras de Clara Schumann y Pauline Viardot, entre otras. La soprano norteamericana Erika Baikoff y el pianista Soohong Park debutarán en el ciclo. También debutará el barítono español José Antonio López, que junto a Daniel Heide estrenará una obra de Antoni Parera Fons, y la mezzosoprano Catriona Morison, en una especial velada junto a la soprano Katharina Konradi y el pianista Ammiel Bushakevitz. El barítono Andrè Schuen, una de las grandes revelaciones de las voz lírica de los últimos años, volverá a pisar las tablas del Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Visitarán el ciclo extraordinarias voces como las de los barítonos Gerald Finley con Julius Drake, Florian Boesch con el célebre Malcolm Martineau, Christian Gerhaher y Gerold Huber, así como Matthias Goerne con Alexander Schmalcz, y Anna Lucia Richter con Ammiel Bushakevitz. Asimismo, contaremos con la mezzosoprano Vivica Genaux, con Marcos Madrigal, pianista que debuta en el XXX Ciclo de Lied.

El Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía volverá a ser el punto de encuentro de algunos de los mejores intérpretes especializados en música contemporánea, en el Ciclo Series 20/21, que constará de 15 conciertos. Visitarán el ciclo grandes nombres de la música internacional como Peter Eötvös, en su faceta de compositor y de director con la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, los excelentes intérpretes de cuerda Ilya Gringolts, Lawrence Power y Nicolas Altstaedt, los pianistas Pierre-Laurent Aimard y Tamara Stefanovich que interpretarán las famosas Visiones del Amén de Olivier Messiaen. También disfrutaremos de algunos de los artistas nacionales más vanguardistas como el Grupo Enigma, dirigido por Asier Puga en un concierto protagonizado por el demandado contratenor Carlos Mena, donde habrá varios estrenos; el New European Ensemble, bajo la dirección de Tito Muñoz; o Sonido Extremo, dirigido por Jordi Francés y con la participación de la soprano Sarah Defrise, entre otros. Este ciclo también contará con una importante presencia de la obra de José Luis Turina, compositor residente en la temporada 23/24. Entre los estrenos imprescindibles de este maestro, destaca el Cuarteto Quiroga con la obra homenaje Bach in excelsis. Además, excelentes artistas y grupos nacionales como el Trío Arbós, Kebyart Ensemble, el pianista Josu de Solaun o el Trío Catch también incorporarán a sus programas algunos de los títulos más emblemáticos de este compositor. Viviremos dos importantes efemérides: la Sinfonietta Cracovia, bajo la dirección de Katarzyna Tomala-Jedynak, con un homenaje al compositor Krzysztof Penderecki en el 90º aniversario de su nacimiento; y el concierto del Divertimento Ensemble, dirigido por Sandro Gorli, enmarcado en la colaboración con el Instituto Italiano de Cultura por los 150 años de la Academia de España en Roma. Por su parte, el ensemble CrossingLines, dirigido por Lorenzo Ferrándiz, será el encargado de interpretar los cuatro estrenos absolutos del consagrado Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM. También vuelve el tradicional concierto que dará vida a las obras del taller de compositoras con 10 encargos del CNDM que serán estrenados por Neopercusión, agrupación dirigida por Juanjo Guillem.

Fotografía © Elvira Megías
Luisa Fernanda

El Teatro de la Zarzuela está a punto de cerrar su temporada lírica 22/23, que una vez más ha venido cargada de fuertes emociones, y lo hará con uno de los grandes clásicos del género: ‘Luisa Fernanda’. La obra maestra del compositor Federico Moreno Torroba y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw vuelve al escenario de la plazuela de Teresa Berganza con la reposición del montaje firmado por el italiano Davide Livermore, uno de los directores más reclamados y aclamados en los más importantes teatros de ópera del mundo, y el único que ha inaugurado cuatro temporadas consecutivas del Teatro alla Scala de Milán –de 2018 a 2021–.

Esta exitosa producción fue estrenada en enero de 2021 –después de haber sido aplazada meses antes por el confinamiento–, y tuvo que hacerlo irremediablemente con las funciones mermadas a consecuencia de la pandemia; con limitación de aforo y restricciones sanitarias tanto en la sala como en la escena y el foso. De ahí que ahora la ocasión de su reposición sea doblemente festiva.

El Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, gran conocedor y promovedor de la zarzuela en estos lares y más allá de los Pirineos, será quien asuma la dirección musical con dos repartos de referencia en estas representaciones con las entradas agotadas desde hace meses.

El Teatro de la Zarzuela ofrecerá 8 funciones, entre el 21 y el 30 de junio, de este espectáculo musical total en torno a una de las más grandes creaciones del repertorio, definida por el propio Livermore como “una obra de arte de la cultura española y de la cultura universal”. El regista turinés afirma que ‘Luisa Fernanda’ “tiene una partitura que llega siempre al corazón del público, y tanto antes como ahora y dentro de cincuenta o cien años, la belleza musical de esta obra ha tenido, tiene y tendrá una atracción especial para todos los que llegamos a ella”. En estas funciones ejerce de director de la reposición Emilio José López Pena.

Por su parte, el Maestro Gómez-Martínez, uno de nuestros directores de orquesta de mayor referencia internacional desde hace décadas, sostiene que ‘Luisa Fernanda’ es “una de las obras del teatro lírico español de más significado; una de las que más éxitos ha producido, y en la cada número constituye siempre un triunfo extraordinario”. Y como los ha dirigido en numerosas ocasiones, sabe por experiencia que “es esa clase de composición que además de tener una calidad musical indudable, posee el don de levantar al público del asiento cada vez que se interpreta casi cualquiera de sus números”.

Gómez Martínez estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela –Orquesta de la Comuni­dad de Madrid–, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela dirigido por Antonio Fauró y de dos repartos extraordinarios.

La importancia de los repartos

Los dos repartos que participan en esta esperada reposición de ‘Luisa Fernanda’ –que en principio iba a estrenarse el 30 de abril de 2020 y que tuvo que posponerse a causa de la pandemia y el consecuente confinamiento, y que finalmente se estrenó en enero de 2021 con las restricciones referidas– están integrados por cantantes especialmente lúcidos, vigorosos y sólidos.

Luisa Fernanda, la hija de un funcionario jubilado que guarda ausencia a Javier Moreno, ese joven militar, antiguo mozo de posada y ahora ascendido a coronel, será interpretada por la mezzosoprano Carmen Artaza y la soprano Amparo Navarro. Por otra parte, está Vidal Hernando, un rico hacendado extremeño que se disputa el amor de Luisa Fernanda con Javier, a quien darán vida el barítono Juan Jesús Rodríguez (Vidal por excelencia) y el bajo Rubén Amoretti. La duquesa Carolina, aquella joven hermosa y persuasiva, estará encarnada por las sopranos Sabina Puértolas y Rocío Ignacio. Y el papel de Javier Moreno, que desde que ascendió de rango tiene descuidada a su novia Luisa, lo asumirán los tenores Ismael Jordi y Alejandro del Cerro.

Completan el elenco María José Suárez y Nuria García-Arrés como Mariana y Rosita, Emilio Sánchez y Antonio Torres, como don Florito y Luis Nogales, Didier Otaola como Aníbal; los actores Rafael Delgado, César Diéguez y Julia Barbosa, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Pardo, Graciela Moncloa, Daniel Huerta, Rodrigo Álvarez, Ricardo Rubio, Alberto Camón y Ángel Rodríguez; además de 4 figurantes y 12 bailarines.

En cuanto al equipo artístico, lo completan el estudio Giò Forma, responsable de la escenografía, la diseñadora de vestuario Mariana Fracasso, el iluminador Antonio Castro, la coreógrafa Nuria Castejón y el diseñador audiovisual Pedro Chamizo.

El amor, el cine y la revolución

El escenario es un espacio arquitectónico reconocible de Madrid en el que se proyectan los sentimientos de amor, dolor y angustia, “un mundo figurativo o desfigurado que evoluciona en 360 grados ante nuestros propios ojos…”, como explica Davide Livermore, que para ello emplea técnicas y recursos del lenguaje cinematográfico inspirados en obras del séptimo arte.

Los hechos históricos en torno a la Gloriosa (o Revolución de 1868 que culminó con el exilio de Isabel II), que aparecen o se mencionan en esta zarzuela, son el trasfondo de lo que viven sus personajes. Entonces, como ahora, la historia de los jóvenes Luisa y Javier sorprende y emociona al público, porque este episodio se combina con la vida de los espectadores de una sala de cine –a modo de plaza, de lugar de encuentro y de vida– en la también joven República (la trama se desarrolla tal cual fue escrita, pero trasladada a la fecha de su feliz estreno en el Teatro Calderón de Madrid en 1932); y aquel salón modernista no es otro que el Cine Doré, entonces uno de los más conocidos de Madrid y en la actualidad el cine en activo más antiguo de España.

Y por encima de tramas políticas y revoluciones, de galanterías y devaneos, lo que al fin de verdad importa es querer y ser querido. El amor: esa rueda que mueve el mundo.

En torno a ‘Luisa Fernanda’

Como ya es habitual, en el canal de YouTube y la cuenta de Facebook se podrá disfrutar de la conferencia impartida por la musicóloga Celsa Alonso y de un nuevo capítulo ‘Viaje por la zarzuela’, el número 31 de la serie, en esta ocasión centrado en ‘Luisa Fernanda’ con Carmen Artaza, Juan Jesús Rodríguez, Sabina Puértolas e Ismael Jordi.

Fotografía: Javier del Real

María José Montiel

En una temporada en la que ha triunfado con el estreno absoluto de L’Arxiduc de Parera Fons en el Teatre Principal de Palma y con la Segunda Sinfonía de Mahler en el Teatro São Carlos de Lisboa, María José Montiel vuelve en junio al Teatro de La Zarzuela de Madrid, esta vez para encabezar el reparto de Luisa Fernanda, de Moreno Torroba, sin duda uno de los títulos más importantes del género lírico español. La mezzosoprano española, que ha paseado el rol titular de esta obra maestra del repertorio español por escenarios como el Teatro alla Scala de Milán, las óperas de Los Ángeles y Washington, el Theater an der Wien, el Teatro Real de Madrid o el Teatro Campoamor de Oviedo, asegura que vuelve a él “muy ilusionada porque se trata de un personaje emblemático del que guardo preciosos recuerdos y en el que acumulo una gran experiencia al haberlo hecho un diversos montajes. Además interpretarlo en este queridísimo teatro de mi ciudad, es doblemente grato. La zarzuela es un género adorado por el público de fuera de España, más cuando se trata de una obra de gran calidad musical como esta de Moreno Torroba, y cantarlo en el escenario más importante dedicado al género es un auténtico placer. Recuerdo con cariño las ovaciones después de representar Luisa Fernanda en ciudades como Milán, Viena, Los Ángeles o Washington. Este título representa una de las culminaciones artísticas del género, y prueba de ello son las más de 10.000 representaciones que a día de hoy se han llevado a cabo en todo el mundo. La obra está ambientada en Madrid y Extremadura durante el período isabelino, justo antes de la revolución de 1868, y relata una historia de amor enmarcada en un período de controversias políticas valiéndose de una música bellísima. La zarzuela, como género teatral y musical, pero también como expresión genuina de la cultura de un pueblo, es un patrimonio cultural de un valor inmenso que ha vuelto a poner en valor nuestro querido Teatro de La Zarzuela, que ha hecho y sigue haciendo una gran labor de divulgación de nuestra maravillosa zarzuela; desde el inicio de mi carrera he procurado promover la música española por todo el mundo, tanto en recitales y conciertos como fuera del escenario, en conferencias o en mi actual actividad docente que llevo a cabo en Berlín, enseñando a los jóvenes intérpretes las maravillas de nuestra música”, concluye la mezzo.

María José Montiel ofrecerá cinco funciones los días 21, 23, 25, 28 y 30 de junio, en una producción con dirección de escena de Davide Livermore, con el maestro Miguel Ángel Gómez Martínez al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela.

Tras este compromiso en Madrid, le espera a la cantante madrileña un verano pleno de actividades: ofrecerá clases magistrales en los Cursos Internacionales Universitarios Música en Compostela, cantará un recital homenaje a la soprano Ana María Sánchez junto al guitarrista José María Gallardo del Rey; regresará un año más a Mallorca con un concierto en el Festival de Santanyí junto al pianista Miquel Estelrich y al violinista Vasko Vassilev, concertino de la Royal Opera House de Londres; iniciará la temporada 2023-24 con una gira de conciertos en el País Vasco (San Sebastián y Bilbao), ofrecerá un recital en Múnich, cantará María Moliner, de Parera Fons, en la Ópera de Tenerife y participará en el estreno de una ópera en Grecia; todo ello alternado con su actividad como catedrática de canto en la Universität der Kunste de Berlín, en la que imparte clases desde 2019.

Trío Arbós

El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela nuevamente acogerá, el próximo lunes 12 de junio (20h00), un concierto dedicado a jóvenes compositores. El Trío Arbós asumirá, bajo el título ‘Música española contemporánea’, los estrenos absolutos de las cinco obras ganadoras del II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

El jurado designado por ambas instituciones destacó en su día el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, y acordó por unanimidad premiar cinco de las obras presentadas: ‘Shower meditatios’ de Jorge César Iglesias Ramiro, ‘Reminiscencias’ de Sebastián Izquierdo, ‘Minuit toujours arrive’ de Adrián Velasco, ‘Como el vidrio’ de Alejandro Chaves Lisbona y ‘Todo es posible en el agua’ de Ángel de la Hera Rodríguez.

Compuesto por el violinista Ferdinando Trematore, el violonchelista José Miguel Gómez y el pianista Juan Carlos Garvayo, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1996 marcando como uno de sus principales objetivos la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través, precisamente, del encargo de nuevas obras, siempre con un marcado interés por el trabajo de los nuevos creadores.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos. Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, fue una vez más esencial para el buen desarrollo del certamen.

Notas del Ambigú 22/23

En la presente temporada el Teatro ha ofrecido más del doble de recitales que al inicio del ciclo. 11 citas ineludibles que concluirán el próximo 10 de julio.

Tras el concierto del Trío Arbós, que como se ha dicho estrenará el próximo lunes las cinco obras ganadoras del II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid para Jóvenes Compositores (12 de junio), el broche final del ciclo  lo pondrá la Capilla Jerónimo de Carrión, quien en ‘Fiesta sacra y arte nuevo’ interpretará los sonidos más populares de los templos y los teatros del Siglo de Oro, en lo que será una cita especialmente emotiva tras el reciente fallecimiento de la directora y fundadora del proyecto, Alicia Lázaro (10 de julio).

Ian Bostridge

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) se despide del XXIX Ciclo de Lied esta temporada de la mano del tenor británico Ian Bostridge y del pianista Julius Drake. El dúo regresa una vez más al Teatro de la Zarzuela con un programa repleto de piezas emblemáticas del género liederístico, que incluyen lieder de Robert Schumann, Clara Schumann, Franz Schubert, Gustav Mahler y Hans Werner Henze. El recital tendrá lugar el lunes 5 de junio a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.

Ian Bostridge (Wandsworth, 1964) es uno de los más aclamados tenores contemporáneos, cuyas interpretaciones y recitales en Europa, Norteamérica y Japón le han brindado el aplauso unánime del público y de la crítica. Sus grabaciones han recibido numerosos galardones y también ha sido nominado al Grammy en quince ocasiones. En este concierto, junto al pianista Julius Drake, Bostridge presenta un recorrido desde los orígenes del Romanticismo hasta las últimas décadas del siglo XX, cuyo hilo conductor es la obra del poeta alemán Friedrich Rückert (1788 – 1866).

Un cautivador programa

El célebre Widmung, perteneciente al ciclo Myrthen, op. 25 de Robert Schumann, dará inicio al programa, donde también se abordarán canciones de Clara Schumann. Robert Schumann escribió esta obra en 1840, año en el que la pareja contrajo matrimonio. Un año más tarde, en 1841, compone a cuatro manos junto a Clara Schumann Gedichte aus Liebesfrühling, op. 37, que también se escuchará en el recital.

Asimismo, Bostridge y Drake interpretarán algunas canciones del compositor de lieder por excelencia, Franz Schubert, dando vida a seis de sus lieder compuestos entre 1822 y 1823, todos ellos fieles a los versos de Rückert.

Del compositor austríaco Gustav Mahler se escucharán los bellísimos Rückert-Lieder, en una oportunidad para descubrir la gran faceta liderística de uno de los compositores para orquesta más importantes de la historia. Por último, el broche de oro al XXIX Ciclo de Lied lo pondrá Das Paradies del ciclo Sechs Gesänge aus dem Arabischen de Hans Werner Henze, escrita expresamente para Bostridge y Drake.

30º aniversario del Ciclo de Lied

En la temporada 23/24, el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela celebrará su 30º aniversario con doce recitales protagonizados por algunas de las grandes voces líricas del panorama actual.

Se contará con las extraordinarias voces de los barítonos Gerald Finley, junto al pianista Julius Drake; Christian Gerhaher, junto a Gerold Huber; Mathias Goerne, junto a Alexander Schmalcz; Andrè Schuen, junto a Daniel Heide; Florian Boesch, junto a Malcolm Martineau; y las mezzosopranos Vivica Genaux, junto al pianista Marcos Madrigal, que debuta en el ciclo, y Anna Lucia Richter, junto a Ammiel Bushakevitz; y la soprano Katharina Konradi, en un recital con la mezzosoprano Catriona Morison, que se estrena en el ciclo, junto al pianista Ammiel Bushakevitz.

Además, contaremos por primera vez con las aclamadas voces de las sopranos Lise Davidsen, junto al pianista James Baillieu; y Olga Peretyatko, junto a Semjon Skigin; y el debut en el ciclo de la soprano Erika Baikoff, junto a Soohong Park; y el barítono José Antonio López, junto a Daniel Heide.

II Premio de Composición

El II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) ya tiene las cinco obras ganadoras que, como ya se anunciaba en las bases, integrarán el programa del concierto que bajo el título ‘Música española contemporánea’ ofrecerá el lunes 12 de junio el Trío Arbós dentro del ciclo Notas del Ambigú.

El jurado designado por ambas instituciones, que destaca el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, ha acordado por unanimidad premiar las obras ‘Shower meditatios’ de Jorge César Iglesias Ramiro, ‘Reminiscencias’ de Sebastián Izquierdo, ‘Minuit toujours arrive’ de Adrián Velasco, ‘Como el vidrio’ de Alejandro Chaves Lisbona y ‘Todo es posible en el agua’ de Ángel de la Hera Rodríguez.

Dicho jurado estaba integrado por la catedrática de composición del RCSMM Consuelo Díez Fernández, el director del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, Antonio Fauró, el director adjunto del Teatro de la Zarzuela, Miguel Galdón, y el catedrático de Composición del RCSMM Enrique Rueda Frías.

Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, ha sido una vez más esencial para el buen desarrollo del certamen.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Cuarteto Bretón

El Cuarteto Bretón se presentará este próximo domingo, 21 de mayo, en el ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela, con obras de compositoras españolas actuales de distintas generaciones en un concierto en el que el público podrá escuchar dos estrenos absolutos. La cita será en el Ambigú del Teatro a las 12h00, y las entradas están disponibles al precio único de 6€.

En cuarteto, integrado en esta ocasión por Anne-Marie North, Antonio Cárdenas, Rocío Gómez y Carlos Sánchez (que sustituye a John Stokes), interpretará obras de Teresa Catalán Sánchez, Inés Badalo, María José Arenas-Martín o Pilar Jurado, con estrenos absolutos de Ana Vázquez Silva y Laura de las Heras.

El Cuarteto Bretón celebra este año dos décadas de minucioso trabajo y éxitos, justamente el mismo año en que se conmemora el centenario de Tomás Bretón, compositor, violinista y director de orquesta a quien deben su nombre.

Lo que ha movido al cuarteto en todos estos años es, fundamentalmente, la necesidad de dar a conocer cuartetos de compositores españoles, desde los orígenes del género hasta la creación más actual, junto al gran repertorio de la formación. En ese empeño fueron inspirados por ilustres predecesores como los Cuartetos Francés, Vela o Rafael, que un siglo antes iniciaron esa importante labor en España.

Con esas premisas, el Cuarteto Bretón ha puesto un énfasis especial en la obra de compositores como Ernesto y Rodolfo Halffter, Jesús Guridi, Julián Bautista, Jesús García Leóz, Tomás Bretón, Julián Orbón, Joaquín Turina, Julio Gómez o Conrado del Campo, y por supuesto en los compositores actuales, sin descuidar el gran repertorio de todas las épocas, desde Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn a Dmitri Shostakóvich, Sofia Gubaidulina o Philip Glass.

Nueva temporada Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela acaba de presentar su Temporada 2023/2024, la 164 desde que abriera sus puertas en 1856, con la que Daniel Bianco culmina su etapa de ocho años como director de este coliseo. Un proyecto artístico, el suyo, que comenzó en noviembre de 2015 (su primera temporada programada fue la de 2016/17) con la intención de que el coliseo de la madrileña calle de Jovellanos –hoy felizmente nombrada también plazuela de Teresa Berganza– siguiera “desempeñando el cometido para el que nació hace casi 167 años: ser el escenario privilegiado del teatro musical español, de la música de este país”.

Así lo afirmaba y así lo asevera el director del Teatro, que el próximo 1 de noviembre cederá su puesto a Isamay Benavente –nueva directora por concurso del mismo– con la tranquilidad y la satisfacción del deber cumplido, y con la seguridad de que aún es mucho “e ilusionante” el trabajo que queda por delante en pro de la salvaguardia del patrimonio lírico español, de su teatro y de sus artistas.

Daniel Bianco tiende de esta manera la mano a todos los implicados en esta ardua tarea “para seguir caminando juntos en una única dirección; sentir, gozar y vivir la extensa variedad de nuestro género lírico español, porque su riqueza reside precisamente en su gran pluralidad”.

El Teatro de la Zarzuela tiene, en palabras de Bianco, “la vocación irrenunciable de teatro público para salvaguardar nuestro patrimonio musical, apoyado y protegido desde el Estado, y abierto, por tanto, a todo aquel que quiera conocer y disfrutar de nuestra más profunda esencia y herencia cultural y sentimental”.

Y para lograrlo, el gestor tiene claro que hay que idear fórmulas que, partiendo de esa identidad pública irrenunciable, faciliten el acceso a este Teatro y al incalculable tesoro que implica a todo tipo de espectadores.

En este sentido, Daniel Bianco pone de relieve “el esfuerzo que el INAEM –Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música– hace por seguir manteniendo los precios públicos y numerosos descuentos que permiten que el Teatro de la Zarzuela siga siendo accesible y asequible, cuidando especialmente a aquellos que puedan tener más dificultades para permitírselo”.

Con este primordial objetivo, para esta nueva temporada se han creado dos abonos jóvenes: uno de lírica (con tres producciones) desde 33 euros, y otro de conciertos (con cuatro conciertos) desde 32 euros. Además de estos abonos especiales, los aficionados de hasta 30 años podrán adquirir abonos completos al 50%.

Asimismo, tendrán un 50% de descuento en las entradas los espectadores de hasta 30 años, los mayores de 65, las familias numerosas o monoparentales, y las personas desempleadas o con discapacidad. Todos ellos, por tanto, podrán encontrar localidades desde 2 euros y medio hasta 25 euros. Además de todos estos descuentos habrá entradas de último minuto por solo 5 euros, sea cual sea la zona del Teatro, para el público de hasta 30 años.

Respecto a esta política y realidad de precios asequibles para todos, Daniel Bianco alude a la que es su inapelable función al frente del Teatro de la Zarzuela: “Esta es esencialmente nuestra vocación como teatro público, la de todos los que trabajamos en él, sabiendo que prestamos un servicio a la ciudadanía”. Una labor que, afirma, “nos llena de orgullo”, y es que “ver cada noche el teatro lleno con un público que descubre y disfruta su patrimonio cultural no es para menos”.

Temporada 2023/2024

LÍRICA

Comenzará la temporada con 6 funciones del estreno absoluto de ‘El caballero de Olmedo’ ópera compuesta por Arturo Díez Boscovich y libreto de Félix Lope de Vega en una adaptación de Lluís Pasqual. Uno de los pilares fundamentales del proyecto puesto en marcha por Daniel Bianco es el fomento de la nueva creación, y es por eso que la temporada abre con una ópera española de nueva composición. Se trata de un encargo del Teatro de la Zarzuela, la quinta obra de nueva composición que se estrena en el Teatro en este periodo, basada en esta ocasión en una de las obras cumbres del Siglo de Oro español. En ella se desarrollan los grandes temas universales del teatro en torno al amor imposible de los dos protagonistas: los celos, la envidia, la lealtad, la justicia y la muerte. Nueva producción del Teatro de la Zarzuela con dirección musical del Maestro Guillermo García Calvo y de escena de Lluís Pasqual, escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Franca Squarciapino y unos elencos encabezados por Joel Prieto, César Arrieta, Rocío Pérez, Alba Chantar, Germán Olvera, Ramiro Maturana, Nicola Beller Carbone, Berna Perles, Gerardo Bullón o Rubén Amoretti. Estará en cartel del 6 al 15 de octubre.

Tras este singular inicio, será el turno para la reposición de la obra con la que en la temporada 16/17 se inició este nuevo ciclo artístico para el Teatro: ‘Las Golondrinas’ de José María Usandizaga. Posiblemente uno de los mejores compositores españoles que, de no haber muerto tan joven, el camino de la música española habría sido muy diferente. Se trata de una de las obras más importantes y una de las músicas más bellas y refinadas de nuestro repertorio, cuyo libreto fue escrito por Gregorio Pérez Sierra y María de la O Lejárraga, una importantísima escritora para el mundo de la lírica cuyo nombre se reivindica en los últimos años por haber trabajado siempre a la sombra de su marido. Esta producción recrea el lenguaje visual del cine mudo con una pantomima muy colorida. La escena de esta producción del Teatro de la Zarzuela estará dirigida por Giancarlo del Monaco, y se han programado nueve funciones del 9 al 19 de noviembre; con Juanjo Mena como director musical, el reparto contará, entre otros, con Carlos Álvarez, Gerardo Bullón, Raquel Lojendio, Sofía Esparza, Ketevan Kemoklidze, María Antúnez, Jorge Rodríguez-Norton o Javier Castañeda. La escenografía es de William Orlandi y el vestuario de Jesús Ruiz.

El año 2024 comenzará con el estreno de una nueva producción de ‘La rosa del azafrán’, uno de los grandes títulos de zarzuela. Una magnífica comedia de enredos de carácter costumbrista ambientada en La Solana, compuesta por Jacinto Guerrero, escrita por ese tándem imprescindible de libretistas formado por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y basada en ‘El perro del Hortelano’ de Lope de Vega. Este estreno estaba previsto para el año 2021, pero las consecuencias de la pandemia obligaron a modificar la programación planeada para poder cumplir con la obligada responsabilidad que se marcó el Teatro de mantener los compromisos con los artistas. Con este estreno se cierra este plan de reprogramación y compromiso con los artistas que se vieron afectados por los cambios a causa de la pandemia. Dirigida musicalmente por José María Moreno, esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela contará con la dirección de escena de Ignacio García. La escenografía es de Nicolás Boni y el vestuario de Rosa García Andújar. Yolanda Auyanet, Carmen Romeu, Juan Jesús Rodríguez, Rodrigo Esteves, Gurutze Beitia, Ángel Ruiz, Vicky Peña, Jorge Merino, Mario Gas, Pep Molina o Emilio Gavira integrarán el reparto de este título cuyas 14 funciones irán del 25 de enero al 11 de febrero.

El 8 y el 10 de marzo el público podrá disfrutar de ‘Gal·la Placidia’, ópera en tres actos del Maestro Jaume Pahissa, con libreto en lengua catalana del propio compositor basado en la obra de Àngel Guimerà i Jorge. Estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, se trata de una partitura muy personal con una orquestación magistral, y cuyo argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, gira en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas. Como teatro público, durante estos últimos años uno de los grandes objetivos del Teatro de la Zarzuela ha sido rescatar del olvido grandes obras de nuestro patrimonio lírico. Esta ardua tarea se ha llevado adelante junto al empeño de acabar con la falsa idea de que la zarzuela es solo madrileña, reivindicando la producción lírica de las muchas Españas y en todas sus lenguas. Se presentará en versión de concierto y contará con Christoph König en la dirección musical, y el reparto estará integrado por Maribel Ortega,
Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Daza y Marc Sala
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Continuará la temporada lírica con la reposición de la ópera ‘Juan José’, obra maestra de Pablo Sorozábal con libreto del propio compositor basado en la obra de Joaquín Dicenta quien a su vez se inspira en un hecho real. Se trata de un drama lírico popular, en el sentido proletario, alejado de lo folclórico, con el que Sorozábal retrata los bajos fondos del Madrid de antes, donde a causa del analfabetismo y la incultura afloraban las miserias humanas, los rencores, los miedos, las traiciones y desconfianzas, repitiéndose de padres a hijos en una espiral sin fin. Esta obra encierra una fuerte crítica política, con la denuncia de la injusticia social y sus consecuencias para el desarrollo humano. Estará dirigida en lo musical por Miguel Ángel Gómez-Martínez, con dirección de escena de José Carlos Plaza, escenografía e iluminación de Paco Leal y vestuario de Pedro Moreno. El reparto estará integrado por Juan Jesús Rodríguez, Luis Cansino, Saioa Hernández, Carmen Solís, Vanessa Goikoetxea, Alba Chantar, María Luisa Corbacho, Belem Rodríguez Mora, Alejandro del Cerro, Francesco Pio Galasso, Simón Orfila, Manuel Fuentes, César Arrieta o Santiago Vidal. Se ofrecerán 8 funciones del 4 al 12 de abril.

La nueva temporada será también tiempo para la celebración, ya que en el mes de mayo se estrenará una nueva producción de uno de los títulos más icónicos del género chico y del repertorio de zarzuela, que, para más señas, es además uno de los más queridos por el público y cuyos números musicales han pasado a la historia del género y son reconocibles por propios y ajenos al mismo. Hablamos de ‘La verbena de la Paloma’ de Tomás Bretón con libreto de Ricardo de la Vega; un sainete que es fiel retrato del Madrid de finales del siglo XIX, de sus costumbres, de sus personajes más castizos y sus cantos populares, algo que Bretón consiguió incluir magistralmente en sus obras. Hemos podido comprobarlo sin ir más lejos en la presente temporada con ‘La Dolores’, donde el compositor inserta en la trama la jota aragonesa. En ‘La verbena de la Paloma’ hace lo propio con el flamenco para describir musicalmente la escena. Esta producción será muy especial porque la dirige y coreografía Nuria Castejón y en su elenco participan sus hermanos Jesús y Rafael Castejón, todos ellos pertenecientes a una familia de amplia tradición de zarzuela. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela con texto introductorio de Álvaro Tato, cuenta además con la dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra, escenografía de Nicolás Boni, vestuario de Gabriela Salaverri y conformarán el reparto, además de los dos artistas citados, Borja Quiza, Milagros Martín, Carmen Romeu, Ana Sanmartín, Gurutze Beitia, Gerardo López, Alberto Frías, Nuria Pérez, Raffaela Chacón (unida también a la estirpe Castejón) o Ana Goya. Serán 14 funciones del 8 al 25 de mayo.

Y una vez más cerrará la temporada de producciones líricas uno de los grandes títulos de la restauración de la Zarzuela de los años 20 del siglo pasado: ‘Doña Francisquita’ de Amadeo Vives con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw basado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega. Se recupera este título que desde su estreno en 1923 ha sido objeto de numerosas adaptaciones cinematográficas y escénicas, y será con la producción de Lluís Pasqual estrenada en 2019, reconocida con el Premio Max a la Mejor Producción de Espectáculo Musical o Lírico en 2020 y que ha cosechado grandes éxitos allá donde ha viajado, desde Barcelona a Lausanne u Oviedo. Ahora, vuelve de nuevo a Madrid, a su casa, para celebrar los 100 años de su estreno. La dirección musical será de Guillermo García Calvo, la escenografía y el vestuario de Alejandro Andújar y participarán en el reparto, entre otros, Sabina Puértolas, Marina Monzó, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro, Ana Ibarra, María Rodríguez, Enrique Ferrer, Manuel de Diego, María José Suárez o Isaac Galán, con la participación especial de Gonzalo de Castro y Lucero Tena. Las 10 funciones irán del 19 al 30 de junio.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus siete temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal contará con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. En esta ocasión serán 10 conciertos: 4 líricos con algunas de las voces más importantes de la actualidad, 3 citas con el flamenco, 1 concierto sinfónico de música española y 2 conciertos de música popular con dos grandes artistas. Sandra Mihanovich. ‘Honrar la vida’: Una de las voces más aclamadas en América, su concierto ‘Honrar la vida’ permitirá vivir una velada donde regalará los temas que la han acompañado a lo largo de su carrera para, juntos, honrar la vida con canciones de autores tan populares como Marilina Ross, Eladia Blázquez, María Elena Walsh, Silvio Rodríguez y muchos más (7 de octubre); Concierto de Navidad: El Concierto de Navidad del Teatro es sin lugar a dudas una cita ineludible para el público aficionado. En esta nueva edición la voz de Ruth Iniesta y la batuta del Maestro Lucas Macías, al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro Titular del Teatro de la Zarazuela, liderarán el emocionante encuentro que girará en torno a la comedia musical y las relaciones musicales del siglo XX entre América y España (30 de diciembre); Juan Jesús Rodríguez. ‘El pueblo tiene un cantar’: En enero seremos testigos de una gran y feliz novedad. El barítono Juan Jesús Rodríguez, a quien el público conoce por ser una de las mejores voces líricas del mundo, se abrirá a un nuevo horizonte y cantará sobre el escenario aquellos cantes de su tierra (Cartaya, Huelva) que lo han acompañado siempre. El intérprete ofrecerá un concierto de flamenco que sorprenderá a propios y extraños por su cambio de tornas, su gran versatilidad y su duende (30 de enero); Jorge de León y Mónica Conesa. ‘Recital de zarzuela’: Continuará el ciclo con un recital lírico, de zarzuela, a cargo de uno de los tenores más queridos por nuestro público, Jorge de León, junto a una las mejores voces actuales como es la de la soprano Mónica Conesa, nacida en Estados Unidos pero de ascendencia cubana, que tuvo un grandísimo éxito el año pasado en la Arena de Verona y que debuta en el Teatro de la Zarzuela con este recital. Cantarán dúos y romanzas de zarzuela y estarán acompañados por el pianista Juan Francisco Parra (6 de febrero); Ruth Lorenzo. ‘Noche en blanco’: Para conmemorar el Día Internacional de la Mujer contaremos con una de las más importantes artistas pop de nuestro país; dueña de una de las voces más potentes y con un futuro que se augura aún más brillante. Se trata de Ruth Lorenzo, que ofrecerá un concierto titulado ‘Noche en blanco’. Solo su voz, un piano y el público. Nadie quedará indiferente (9 de marzo); Homenaje a Victoria de los Ángeles: Con motivo del centenario del nacimiento de una de las sopranos más importantes en la historia de nuestro país, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, se rendirá homenaje a la gran cantante con un recital en el que varios artistas como Ainhoa Arteta, Ofelia Sala, David Alegret, Mariola Cantarero, Carmen Solís, Montse Seró, Airam Hernández, David Menéndez, Nancy Fabiola Herrera, María José Montiel, Helena Resurreisao, Josep Ramón Olivé o Mercedes Gancedo cantarán en su honor (12 de marzo); Música Sinfónica española: Un año más el Teatro apuesta por la riqueza de la música sinfónica española y volverá a dar la oportunidad a uno de nuestros talentos emergentes. Tras su debut como directora musical, la maestra Cecilia Bercovich, quien cuenta con una extensa y exitosa carrera como concertista, se pone al frente de la ORCAM para regalarnos joyas de nuestro patrimonio sinfónico con obras de autores como Gerónimo Giménez, Pablo Sorozábal o Jesús de Monasterio, entre otros. Sin duda, una cita que ningún amante de nuestra música querrá perderse. (13 de marzo); Mayte Martín: El flamenco siempre ha estado presente en el Teatro de la Zarzuela, -casa que los flamencos consideran como propia-, y en las obras del género que representa. Ha sido una constante fuente de inspiración para los compositores de zarzuela desde que Bretón incluyó la célebre Soleá en ‘La verbena de la Paloma’. Como en cada temporada, este arte que es Patrimonio Universal sigue teniendo un espacio destacado en este teatro. En la próxima temporada, el público podrá disfrutar de la voz de Mayte Martín, de su delicadeza, intimidad y finura, en un concierto en el que presentará su próximo trabajo discográfico dedicado al flamenco. Cantaora, cantante de boleros y también compositora, recibió la Medalla de Oro en las Bellas Artes en 2021. (14 de mayo);  Lisette Oropesa e Ismael Jordi. ‘Una noche de Zarzuela’: La soprano Lisette Oropesa vuelve al Teatro de la Zarzuela, donde debutó con enorme éxito hace un par de años, y esta vez lo hace junto al tenor Ismael Jordi, quien también ha visto siempre al público rendirse a sus pies en sus actuaciones en este escenario. Dos grandes voces que juntas regalarán, acompañados por el pianista Rubén Fernández Aguirre, una inolvidable ‘Noche de zarzuela’ (26 de mayo); José Mercé. ‘Flamenco’: Si Mayte Martín es la representación de la arraigada tradición flamenca que existe en Cataluña, finalizará el ciclo de conciertos con la representación de la otra punta de España, Jerez, cuna del flamenco, en la voz inconfundible de José Mercé, un artista que no necesita presentación y que desde hace muchos años es una de las mejores voces del flamenco (25 de junio).

Desde su creación en la temporada 2016/17, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’. En esta ocasión los protagonistas serán el tenor, actor, dramaturgo y director de escena Enrique Viana y el pianista Ramón Grau con ‘En la plazuela Teresa Berganza te espero’ (2 de octubre), la soprano Berna Perles y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Una tarde de copla’ (10 de octubre), el cuarteto vocal Cantoría establecido en un los últimos años como una de las agrupaciones de referencia de la polifonía del Renacimiento musical hispano (22 de noviembre), la soprano Inés Lorans y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘De Madrid a París’ (22 de enero), la mezzosoprano Carolina Moncada y el pianista Borja Mariño con ‘Recordando a Giménez’ en conmemoración del centenario de la muerte de Gerónimo Giménez (26 de febrero), el gran especialista en el ámbito de la música medieval Eduardo Paniagua  con quien nos transportaremos a la Baja Edad Media ibérica con ‘De Al-Ándalus a la Andalucía medieval’ (4 de marzo), la mezzosoprano Sandra Ferrández y la pianista Irene Alfageme con ‘En modo de habanera’ (1 de abril), el pianista Ramón Grau con ‘Danzas españolas’ (6 de mayo), el Cuarteto Iberia con ‘Música española contemporánea’, interpretando las obras ganadoras del III Premio de Composición para jóvenes compositores (28 de mayo), el barítono Eleomar Cuello y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Zarzuela en el malecón’ (4 de junio) y la mezzosoprano Anna Tonna junto al pianista Emilio González Sanz con ‘España alla Rossini’ (17 de junio).

Otra de las citas de éxito de cada temporada es el CICLO DOMINGOS DE CÁMARA que en la próxima abordará su quinta edición, y que por cuarto año consecutivo estará dedicado íntegramente al papel de la mujer en la música en su faceta como compositora. Las cuatro citas serán: el trío Soinuaren Bidaia (29 de octubre), Ensemble María de Pablos (25 de febrero), Cuarteto Ribera (28 de abril) y el ensemble Sonido Extremo (30 de junio).

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará nada menos que sus 30 años de vida. Esta XXX edición ofrecerá 12 recitales: La mezzosoprano Lise Davidsen (9 de octubre), la soprano Olga Peretyatko (16 de octubre), el barítono Gerald Finley (20 de noviembre), la soprano Erika Baikoff (11 de diciembre), el barítono Christian Gerhaher (29 de enero), el barítono Matthias Goerne (5 de febrero), el barítono José Antonio López (12 de febrero), el barítono Andrè Schuen (11 de marzo), la mezzosoprano Vivica Genaux (8 de abril), el barítono Florian Boesch (13 de mayo), la mezzosoprano Anna Lucia Richter (20 de mayo) y la soprano Katharina Konradi y la mezzosoprano Catriona Morison (24 de junio) completarán la propuesta de lied de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA.

La formación y la información del público joven sigue siendo una de las grandes prioridades en esta temporada que culmina la etapa de Daniel Bianco al frente del Teatro de la Zarzuela. Y es que uno de los pilares fundamentales del proyecto artístico del teatro es ese público joven, que no solo debe ser tratado como el público del futuro sino como público del presente que ya es. Por ello el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza le abre las puertas del teatro para que conozcan su patrimonio musical a través de espectáculos de calidad especialmente dedicados a ellos.

De esta manera, el Teatro dedica una cuarta parte (26%) de su actividad artística a este público, y los frutos de este trabajo son ya una realidad. Como explica Daniel Bianco, “esto se puede apreciar en la juventud que cada vez más se mezcla con otras generaciones en este patio de butacas porque se ha enamorado de la zarzuela gracias a estas propuestas, especialmente el Proyecto Zarza, emocionándose con un género que también les pertenece”.

El PROYECTO ZARZA promueve la zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes y ha logrado un éxito rotundo en las temporadas precedentes con más de 65.000  jóvenes llenando el patio de butacas en todas sus ediciones. Las colaboraciones con centros educativos aumentan cada año, “y quiero dar las gracias a todos los profesores que confían en nuestro trabajo –afirma Bianco–, ya que su función es básica para que proyecto sea una realidad”. Esta labor ha contribuido en gran medida a que las siete producciones disponibles en el canal de YouTube del Teatro hayan registrado hasta la fecha más de 115.000 visualizaciones.

A lo largo de estos años, desde su primera edición, el Proyecto Zarza ha crecido tanto como el éxito de sus montajes, hasta el punto de recibir el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica en 2021, y la nominación de ‘El sobre verde’ como finalista al Mejor Espectáculo Musical o Lírico en la última edición de los Premios Max.

El Proyecto Zarza ha contado con adaptaciones de obras emblemáticas de los géneros que forman parte del gran continente que es la zarzuela. De esta manera, desde su inicio se han estrenado  tres producciones de género chico, dos espectáculos nuevos a partir de músicas de zarzuela, una comedia musical y una revista.

En la nueva temporada regresa al escenario el género chico con ‘El año pasado por agua’, una de sus obras más representativas, cuyo texto ha sido renovado por Enrique Viana, uno de los artistas que mejor conoce la esencia del sainete y de la zarzuela. En esta ocasión, Viana ha adaptado el argumento a uno de los asuntos que de acuerdo con las encuestas más interesa a nuestros jóvenes: el cambio climático. En la dirección de escena debutará en el teatro una joven y muy reconocida directora, Marta Eguilior, y la dirección musical será de Lara Diloy. Esta nueva producción del Teatro estará representada, tal como ocurriera con los anteriores títulos del proyecto, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañados por un conjunto musical de cámara. Las 13 funciones, tres de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 26 de febrero al 1 de marzo de 2024.

Los proyectos didácticos también destacan este año porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro volverá a llenarse de público infantil. Tras las emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’,  ‘La increíble historia de Juan Latino’ y ‘El cielo de Sefarad’, volverá a este singular espacio multiusos el teatro de títeres con música en directo. Esta vez será con, ‘La niña que salvará nuestro mundo’, una nueva producción del Teatro de la Zarzuela en coproducción con la Compañía Claroscvro, con dirección de escena de Larisa Ramos, Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, dirección musical de Enrique Pastor y la participación de la intérprete musical María José Pire. Las músicas serán de Federico García Lorca o Debussy, de los códices de Las Huelgas, Calixtino o Libre Vermell, o las cantígas del Martín Códax y de Alfonso X “El Sabio”, entre otras. Serán 7 funciones (dos de ellas abiertas al público) del 15 al 21 de abril.

Daniel Bianco destaca que el Teatro dedica todos los años este espacio a los más pequeños, “donde so solo descubren el rico patrimonio musical en familia o con los compañeros del colegio, sino que, además, aprenden a través del teatro valores como la amistad, el respeto, el amor o la tolerancia»

DANZA

Continúa el compromiso del Teatro de la Zarzuela con la danza, dando la bienvenida a las dos compañías nacionales que tienen este teatro como sede. Por una parte, la Compañía Nacional de Danza, dirigida por Joaquín de Luz, presentará el ballet romántico en dos actos, ‘La Sylphide’, con coreografía de August Bournonville, una obra que se encuentra en el repertorio de las mejores compañías del mundo con la que se alcanza la idealización del ballet romántico a través de la etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable. Serán diez funciones del 7 al 17 de diciembre. Por otro lado, el Ballet Nacional de España, dirigido por Rubén Olmo, ofrecerá los días 21 y 22 de diciembre de este año una gala para celebrar su 45 aniversario que contará con coreografías de Mariemma y de Antonio Ruiz soler, y con la proyección de una película documental. Y en julio de 2024, el Ballet Nacional traerá un espectáculo en forma de tríptico llamado ‘Generaciones’, con tres números de danza cuya pieza central irá alternando cada día de función. Serán doce funciones del 17 al 28 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que permanece, y que lo hace cosechando éxitos, es el del Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 24 de septiembre al 2 de octubre se presentarán las siete funciones de Grilletta e Porsugnacco, intermedio de Johann Adolf Hasse basado en una comedia ballet de Molière y Lully con dirección musical de Javier Ulises Illán al frente de la Orquesta Barroca Nereydas, dirección de escena de Rita Cosentino y con Natalia Labourdette, David Menéndez y Aarón Martín en el reparto. Los intermedios de Hasse fueron muy populares en Madrid, en la corte de Fernando VI, y los más representados a mediados del siglo XVIII en la Corte en una época en la que los teatros estaban repletos de obras y artistas de procedencia italiana. Son los años de la presencia en España de Farinelli o Scarlatti. Como es habitual en este género, la trama de esta nueva producción es un enredo amoroso de carácter cómico entre una sirvienta y un burgués. Daniel Bianco agradece un año más la posibilidad de trabajar conjuntamente con la Fundación Juan March y con su director del departamento musical, Miguel Ángel Marín, en la coproducción de una obra de cámara que “demuestra que la suma de esfuerzos nos permite llegar más lejos“. Serán cuatro funciones abiertas y tres escolares.

A propósito de…

Tras la gran acogida de las dos primeras ediciones del ciclo ‘A propósito de…’, el Teatro de la Zarzuela volverá a contar con los conciertos del maestro Guillermo Garcia Calvo, un gran concertista de piano y director musical del coliseo, en los que el músico explica al piano el mapa musical internacional, y de qué manera los compositores de las obras que el maestro dirige en la temporada están situados y relacionados dentro de ese mapa sonoro internacional. Los conciertos de esta temporada son: ‘A propósito de El caballero de Olmedo. El piano y la música de cine’ con obras de Rajmáninov, Korngold o García Abril (8 de octubre) y ‘A propósito de Doña Francisquita. El piano y la influencia del folclore’ con obras de Scarlatti, Mozart, Chopin, Liszt, Granados, Debussy o Kapustin (23 de junio).

Conferencias

Volverá también el ya veterano ciclo de conferencias en colaboración con la Asociación Amigos de la Ópera de Madrid. Así, el Teatro contará con la presencia de cuatro musicólogas: Carmen Noheda, Teresa Cascudo, Ana Freire y María Nagore, y dos musicólogos y un comunicador especialista: Emilio Casares, Víctor Sánchez y Benjamín García Rosado. Todos ellos ayudarán a desentrañar los secretos de las obras y a descubrir las claves fundamentales de cada una de ellas. Hasta el día de hoy más de 32.000 espectadores han seguido las conferencias a través del canal de YouTube del Teatro de la Zarzuela.

Victoria de los Ángeles, Nuria Rial

La soprano Núria Rial y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán el próximo martes 9 de mayo (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela, un recital en el que con las entradas agotadas rendirán homenaje (merecido y obligado) a Victoria de los Ángeles en este año en que se cumplirá –el próximo 1 de noviembre–el centenario de su nacimiento.

Victoria de los Ángeles es unánimemente reconocida como una de las más importantes cantantes del siglo XX, que conquistó los escenarios y los corazones de todo el mundo con la belleza de su voz inmortal.

Junto a Rial y Fernández Aguirre el público tendrá ocasión de recordar a la artista, sin duda con gran emoción, a través de algunas de las obras que más cantó en sus numerosos recitales.

En el programa incluye obras de Frederic Mompou, André Campra, Antonio Cesti, Alessandro Scarlatti, Franz Schubert, Felix Mendelsshon, o Johannes Brahms.

Manuel Walser

El barítono suizo Manuel Walser, uno de los especialistas más aclamados por crítica y público en los escenarios europeos, debuta junto al pianista Alexander Fleischer en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En un programa que lleva por título Liebe und Traum (Amor y sueño), recorrerán algunas de las piezas más famosas del género liederístico, canciones inspiradas en textos de poetas del Romanticismo con música de tres grandes compositores seleccionados para la ocasión: Johannes Brahms, Serguéi Rachmaninov y Richard Strauss. El recital tendrá lugar el lunes 8 de mayo, a las 20:00h, en el Teatro de la Zarzuela.

Gracias a su generosa voz y su perfecta dicción, Manuel Walser es capaz de expresar los sentimientos más profundos del alma. A lo largo de su trayectoria, este cantante ha sido galardonado en numerosas ocasiones. Además de haber sido miembro permanente del conjunto de la Ópera Estatal de Viena durante cinco temporadas, está apasionadamente dedicado al arte del lied y ha ofrecido recitales en los principales escenarios europeos. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela junto a Alexander Fleischer, quien también destaca por una fuerte pasión por el repertorio vocal de cámara y haber cosechado numerosos reconocimientos internacionales.

En el concierto, se hará un recorrido por obras maestras del género liederístico. Se escucharán algunos de los más famosos y apreciados lieder del maestro Johannes Brahms, como la balada Von ewiger Liebe, op. 43 (Del amor eterno), la canción Dein blaues Auge hält so still, op. 59 (Tus ojos azules están tan callados), que nos acerca al universo de Robert Schumann, o la dramática Wie rafft ich mich auf, op. 32 (Cómo me armé de valor…). El segundo autor seleccionado en este viaje a través de las pasiones y los sueños será Serguéi Rachmaninov, uno de los grandes compositores posrománticos europeos. Considerado, a su vez, como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX, sus lieder están cargados de figuras oníricas donde la presencia del piano toma un protagonismo especial. Finalmente, el público podrá adentrarse en la magia de las canciones de Richard Strauss, quien mantuvo durante toda su vida una fuerte relación con el lied. En sus piezas vocales destaca el canto al amor, a la naturaleza y a la nostalgia de un tiempo pasado. El recital será una oportunidad para escuchar algunas de sus obras más conocidas, como Morgen! (¡Mañana!), op. 27, nº 4, una de las joyas del género.

Trato de favor
Trato de favor, la nueva zarzuela kitsch

Zarzuela contemporánea
Música de Lucas Vidal
Libreto de Boris Izaguirre
D. musical: Andrés Salado
D. escena: Emilio Sagi
Escenografía: Daniel Bianco
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Albert Faura
Coreografía: Nuria Castejón
D. coro: Antonio Fauró
Reparto: Ainhoa Arteta, Nancy Fabiola Herrera, Enrique Ferrer, Gurutze Beitia,
Amelia Font, María José Suárez, Amparo Navarro, Lara Chaves y Boris Izaguirre.

Continua la búsqueda para crear la zarzuela del siglo XXI. Esta vez el intento ha corrido a cargo del compositor Lucas Vidal y del libretista Boris Izaguirre, a los que el Teatro de la Zarzuela realizó el encargo en 2016.

EL libreto en un conjunto de situaciones imposibles y surrealistas, cuya localización puede ir entre los años 60 y la actualidad. La idea está inspirada en un hecho real, el ingreso en prisión, hace ya unos años, de la mismísima Sophia Loren. Boris Izaguirre saca petróleo de una situación así y crea una sucesión de escenas delirantes, desde la entrada en la cárcel de la protagonista Ana Mía, hasta su participación, también desde la cárcel, en el Festival de Eurovisión. Con numerosos guiños a la actualidad del concurso.

El surrealismo del que hace gala el libreto es, como no podía ser de otra manera, muy divertido e hizo las delicias de un público entregado que asistía al estreno con ganas de disfrutar.

La partitura de Lucas Vidal es un conjunto de músicas de diferentes géneros que no siempre forman un corpus musical homogéneo. Inicialmente presenta un estilo muy cinematográfico, un género que trabaja y conoce muy bien Vidal. Al mismo tiempo está salpicado de fragmentos de zarzuela tradicional, como la alusión directa a un chotis o un pasodoble. Todo ello mezclado con aspectos más modernos. La lírica no es precisamente el género más presente en esta obra que, al margen de la sucesión de elementos diferentes, se dejaba escuchar sin plantear conflictos y tenía un cierto factor sorpresa, que siempre es estimulante.

En el momento de la recreación del Festival de Eurovisión son varias las alusiones de música y libreto, tanto a musicales, como “Mamma mia”, como la participación de representantes españoles en pasadas ediciones del propio festival. Todo adornado con la presencia, desde el patio de butacas, del propio Izaguirre que interpreta un pequeño papel.

Todos estos elementos musicales se desarrollaban en una elegante escenografía de Daniel Bianco con dirección de Emilio Sagi. El maestro Sagi, que maneja como nadie las multitudes sobre el escenario, dispuso una cárcel muy ordenada, con sus galerías y patio, donde sucedía todo tipo de acontecimientos, desde la vida diaria de las reclusas, hasta el festival de Eurovisión.

La dirección musical estuvo a cargo de Andrés Salado, que fue muy acertada, si tenemos en cuenta la diversidad de géneros musicales. Supo dar a cada uno su carácter y diferenciarlos estilísticamente, con color y energía.

El coro, elemento esencial en esta obra, tuvo un papel muy destacado. Se podría decir que la mejor partitura era la escrita para ellos, que parecía un coro wagneriano entre el petardeo Kitsch.

El cuadro de voces contaba con la participación de nombres importantes. Empezando por la protagonista, interpretada por Ainhoa Arteta, que continúa en fase de recuperación vocal y que hizo un gran esfuerzo. Sobre todo, en algunos momentos en los que la partitura se disparaba hacia el agudo.

Nancy Fabiola Herrera, que daba vida a Mayka, directora de la cárcel, sacó toda su capacidad dramática, que no es poca, y pudo lucirse en sus arias.

Amparo Navarro, como Chelo, tuvo los momentos más inspirados, sobre todo en su aria final. Su rol se encontraba entre el drama y el surrealismo cómico, y en ambos casos estuvo muy bien.

María José Suárez, como Venenosa y Amelia Font, como La Colombiana, tenían unos roles con una carga mucho más teatral que resolvieron brillantemente, aunque todos los personajes estaban provistos de una potente comicidad. Genial el personaje de Cuca, interpretado por Lara Chaves.

El único hombre que habitaba la cárcel, Enrique Ferrer, como Juan Miguel, no aportó gran lucimiento a su personaje, no sé si por tesitura, pero se le vio apurado.

Destacar la brillante actuación de Gurtze Beitia, como Mercedes, una especie de gobernanta de la cárcel que empieza siendo un personaje sensato y con autoridad, para descubrirse como el elemento corrupto ante el éxito de la reclusa más famosa.

Se puede decir que hay cierto desequilibrio con algunos personajes que aparecen y desaparecen, como Chelo o Juan Miguel, pero todos forman parte de un divertido universo.

Una obra que da para pensar, ¿es una zarzuela? ¿es un musical? ¿qué es Trato de favor? En cualquier caso, es una obra divertida que está más cerca del planteamiento de la zarzuela tradicional, que otras que hemos visto recientemente. Y es posible que sea un punto de partida real para que la zarzuela continue su andadura hacia el futuro.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Pasión Vega

Noche especial la que se espera en el Teatro de la Zarzuela  este próximo sábado, 6 de mayo (20h00). Pasión Vega, esa artista siempre sorprendente y siempre cercana, esa voz de nervio y seda, recorrerá el mapa sonoro de Federico García Lorca por los caminos de la música y la palabra. Canciones y poemas que nos recordarán que aunque mataran al poeta y acallaran su voz, hay un ‘Lorca sonoro’ que repicará siempre en los ecos de la memoria. Prueba de la expectación que, como de costumbre, ha suscitado este nuevo encuentro de la artista con su público en Madrid, es el hecho de que las entradas se agotaran meses antes de la cita.

En la voz pura de Pasión Vega, resucita Lorca en este proyecto que vio la luz en forma de disco en 2022. Y así, lo hace revivir más allá de las voces de muerte y del amor oscuro; resucita en los sonidos negros que llevan de Manuel Torre a Camarón, o en la aurora de Nueva York, cuando Leonard Cohen y Enrique Morente bailan un vals en Viena; y al sur, siempre al sur, tomamos este bebedizo que vino de Granada para acabar perteneciendo a todos los continentes y todos los idiomas.

El concierto, como el trabajo discográfico, será un homenaje a Federico. A ese García Lorca que amaba “la melodía latente, estructurada con sus centros nerviosos y sus ramitos de sangre”.

Una noche de latidos hondos y suspiros. Noche de amor y sobre todo de celebración la que Pasión Vega nos tiene preparada.

Trato de favor

La zarzuela contemporánea Trato de favor, compuesta por Lucas Vidal y escrita por Boris Izaguirre, es, tras Policías y ladrones —estrenada esta misma temporada—, el más reciente encargo y estreno absoluto del Teatro de la Zarzuela. Esta nueva zarzuela, que cuenta con la dirección de escena de Emilio Sagi y en la que los maestros Andrés Salado y Salvador Vázquez alternan en la dirección musical, se suma a las más de 800 composiciones líricas de autores españoles estrenadas en este mismo escenario de la recién bautizada Plazuela de Teresa Berganza.

En esta ocasión, como decimos, son dos nuevos nombres los que se unen a la nutrida lista de creadores del género: el del compositor de proyección internacional Lucas Vidal y el del conocido y reconocido escritor y presentador de televisión Boris Izaguirre, que han creado una obra divertida –por momentos encantadoramente disparatada–, repleta de situaciones y personajes desternillantes, que nos muestra una Nueva Sociedad del país en la que todo el mundo querrá estar en la cárcel.

Y es que la historia de Trato de favor transcurre por completo en una cárcel de mujeres  en la que ingresa por motivos financieros colaterales una gran diva de la canción y el show business a la que dan vida las sopranos Ainhoa Arteta y María Rey-Joly, quien como Javier Tomé, Cristina Faus y el maestro Salvador Vázquez, interviene en dos de las funciones programadas. La pregunta está en boca de todos: ¿Cómo sobrevive una diva en prisión?

Lucas Vidal desvela su gusto por la zarzuela desde muy temprana edad, hasta el punto de llegar a convertirse en una obsesión: «Tan lejos llevé mi pasión –dice el compositor– que cuando estudiaba a los grandes de la música clásica empecé a realizar versiones “zarzueleras”, tratando de que Bach se acercara a Sorozábal, de que Beethoven acariciara a Bretón, de que Mozart se convirtiera en Chueca…».

Sueño cumplido: zarzuela para todos

Y llegó el día en que pudo cumplir uno de sus más recurrentes sueños con el encargo de este Trato de favor por parte del Teatro de la Zarzuela. Un proyecto que «sin ningún género de duda» se sitúa «entre los más especiales y emocionantes» en          que ha participado nunca: «Me ha permitido crecer como artista y ha hecho posible que aquel pequeño niño zarzuelero de siete años que giraba obsesivamente la manivela de un organillo antiguo, cumpla su sueño de demostrar al mundo que la Zarzuela, definitivamente, es para todos».

El director de escena de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, Emilio Sagi, veterano en el género y gran colaborador del coliseo que dirigió durante una década, explica que Trato de favor «está en la línea de las obras de la primera mitad del siglo XX». Y nos invita a descubrir cómo conecta perfectamente con la forma de hacer de Francisco Alonso o Pablo Sorozábal. Sagi está convencido de que «todos sentiremos algo porque la música combina, como en aquellas obras, lo popular con músicas y ritmos actuales». Y por experiencia bien sabemos que «por encima de todo, lo importante es que el público lo pase bien, que el espectáculo sirva de diversión y de emoción a todo tipo de espectador».

Por su parte, Andrés Salado, que colabora por primera vez con La Zarzuela —al igual que Salvador Vázquez—, revela que está «feliz por este debut en uno de los grandes teatros de este país, rodeado de un equipo artístico y técnico de ensueño». En este sentido afirma que «esta zarzuela no solamente será una hito histórico en nuestro país, sino que también demostrará que nuestro género lírico está más vivo que nunca. Trato de favor —explica— es un homenaje a la zarzuela a lo largo de su historia hasta nuestros días y también una fantasía que hará al público volar y sonreír en cada minuto de la representación». Y concluye que con esta divertida historia de Las Albricias –nombre ficticio de la prisión– todos se dejarán llevar «porque estamos ante una gran fiesta de nuestra cultura».

Cómica, absurda, humana

Esta nueva zarzuela, con un tono decididamente cómico, absurdo y humano, cuenta con un reparto doble y con un equipo artístico que tiene todas las cualidades para encandilar con creces al público. Junto a las ya citadas Ainhoa Arteta y María Rey-Joly, que interpretan al personaje protagonista de Ana Mía, están las mezzosopranos Nancy Fabiola Herrera y Cristina Faus en el papel de la directora del centro penitenciario, los tenores Enrique Ferrer y Javier Tomé como Juan Miguel, el único hombre que cumple condena en esa peculiar cárcel, compositor y productor musical, y antiguo novio canalla de Ana Mía; la cantante-actriz Gurutze Beitia como Supervisora General de Prisiones; en los roles locos y divertidos de las internas, la soprano cómica Amelia Font, la mezzosoprano María José Suárez y la actriz-cantante Lara Chaves; y la soprano Amparo Navarro, que encarna a la “doncella” de la diva encarcelada y que asume varios de los momentos claves de la trama. La función contará también con un “cameo” del propio Boris Izaguirre, y el elenco lo completan un cuerpo de seis bailarinas, dos figurantes y una música en escena, la pianista Celsa Tamayo.

En lo que concierne al equipo artístico, además del talento, la magia y el oficio de Sagi, Salado y Vázquez, el espectáculo cuenta con la asombrosa escenografía de Daniel Bianco, el siempre atractivo y por momentos deslumbrante vestuario de Jesús Ruiz, con la poesía lumínica de Albert Faura y con la ágil y eufórica coreografía de Nuria Castejón.

La función del 19 de mayo será grabada por Radio Clásica de RTVE para su emisión en fechas próximas.

Estamos ante una zarzuela Contemporánea: una farsa divertida, sin gravedad ni crítica demoledora, pero repleta de buena música con la que Vidal nos deleita y con un argumento peculiar y sorprendente con el que Izaguirre nos divierte. Todo listo para entrar en la prisión de Las Albricias de la mano de este loco vodevil, de esta nueva Zarzuela.

Andrè Schuen y Daniel Heide © GWerner

El barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984), una de las voces líricas más destacadas del panorama actual, regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide, para interpretar Die schöne Magelone, op. 33 (Quince romanzas sobre la ‘Magelone’) de Johannes Brahms. Se trata de uno de los ciclos más emocionantes y extensos de uno de los compositores más relevantes de todos los tiempos. El recital tendrá lugar el lunes 3 de abril a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.
 
Considerado por la crítica como el legítimo heredero de grandes liederistas como Matthias Goerne o Christian Gerhaher, Andrè Schuen firma una de las carreras más deslumbrantes del panorama actual.  Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo y con gran éxito de la crítica: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Nikolaus Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Junto al pianista Daniel Heide, quien destaca por una aplaudida trayectoria que le ha llevado a pisar los principales escenarios europeos, se adentrará en una de las partituras más fascinantes de la literatura musical del s. XIX, apreciada por su singular belleza y profunda intensidad.
 
En Die schöne Magelone, Brahms puso música a poemas de Johann Ludwig Tieck (1773-1853) quien, tras la muerte de Goethe, fue considerado el mayor poeta alemán vivo. Este gran ciclo de lied romántico presenta quince canciones que suponen una muestra sublime del arte compositivo de Brahms a partir de la tradición popular. Las piezas incluidas en este recital representan el punto culminante de su producción liederística y están consideradas como uno de sus ciclos más importantes. Escritas alrededor de 1860, evocan una fascinante historia de amor marcada por el paso de la ruptura a la reconciliación. El recital será una oportunidad fantástica para apreciar la belleza del lied y la capacidad del género para transmitir estados de ánimo.

Sobre Andrè Schuen
 
El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger.
 
 
Sobre Daniel Heide
 
Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar.

La violación de Lucrecia

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA
o Donde hay violencia, no hay culpa
Zarzuela barroca en dos jornadas
Música de josé de Nebra
Libreto de Nicolás González Martínez, adaptación de Rosa Montero
D. musical y clave: Alberto Miguélez Rouco
D. de escena y vestuario: Rafael R. Villalobos
Escenografía: Emanuele Sinisi
Iluminación: Felipe Ramos
Ensemble Los Elementos
Reparto: María Hinojosa Montenegro, Carol García,
Marina Monzó, Judit Subirana,
Borja Luna y Manuela Velasco.

El Teatro de la Zarzuela, en su vocación por recuperar la obra lírica española, ha estrenado La violación de Lucrecia, basada en la zarzuela original “Donde hay violencia, no hay culpa” del aragonés José de Nebra, basada en un poema narrativo de Shakespeare. Una historia fascinante para muchos autores a lo largo de la historia, por el brutal acontecimiento que narra. Un acontecimiento que ocurrió, como dice la Lucrecia contemporánea que interpreta Manuela Velasco, hace un millón de días, y continúa sucediendo…

En esta producción, como en otras anteriores, se ha encargado un texto alternativo que, a modo de actualización del original de Nicolás González Martínez, asista al espectador en la comprensión y conocimiento de la historia. En esta ocasión la encargada ha sido la escritora Rosa Montero. Pero el relato alternativo ha resultado demasiado extenso y protagonista, y sin ninguna necesidad. Montero ha creado un texto que insiste en explicar obviedades. Aún prescindiendo del libreto original, la obra musical, junto a la escenografía, son suficientemente clarificadoras, por lo que tantas explicaciones se vuelven repetitivas.

Esta obra es una extraordinaria muestra de ese barroco español del que disfrutamos escasamente, a pesar de la indudable calidad musical que atesoran. La partirura de Nebra es brillante, y se ha elegido para esta producción la última versión del compositor, de las tres que realizó. Es, como dice Alberto Miguélez Rouco, la más galante y probablemente la más aproximada al gusto del público en ese momento. En cualquier caso, una joya de nuestro repertorio a la altura, si no más, de las obras italianas que se representaban entonces en Madrid de la mano de los mejores compositores y libretistas.

Si un grupo de jóvenes músicos, la mayoría españoles, se reúnen para formar un ensemble barroco es, sin duda, una decisión arriesgada, casi milagroso. Pero han sido capaces de hacerlo. Con Alberto Miguélez Rouco a la cabeza y con instrumentos de época, que en la sequedad ambiental del Teatro de la Zarzuela requieren de un esfuerzo extra en la interpretación, consiguen un verdadero sonido de carácter barroco. Hacen que suene vivo, ligero, con esa naturalidad perfecta que tienen las cosas imperfectas. Miguélez Rouco estuvo todo el tiempo pendiente de los cantantes, facilitando un trabajo, en el que se notaba una perfecta comunicación.

Y si la música es potente, no se quedaron atrás sus intérpretes. La valenciana Marina Monzó dio vida a Tulia, hermana de Colatino y enamorada de Sexto. No se puede cantar con más delicadeza y gusto… Posee una voz clara y esmaltada que modula a capricho, con una línea de canto fluida en el fraseo. Qué bien aprovechadas esas clases con Isabel Rey, Mariella Devia o Renata Escotto. Supo dotar a Tulia de la fragilidad dramática de quien está enamorada sin perspectivas. Lo mejor de Marina Monzó es que esto apenas acaba de empezar.

Laureta, la sirvienta de Lucrecia, está interpretada magníficamente por Judit Subirana. Representa a la aparentemente única mujer de la obra que vive a su antojo, y lo hace con frescura y soltura en su recorrido por el escenario.

La mezzosoprano Carol García ha interpretado a Colatino, esposo de Lucrecia y hermano de Tulia. En esta ocasión la dramaturgia del personaje no ha hecho justicia con la calidad de su instrumento, que no es poca. Ha defendido su rol con la solvencia que acostumbra.

La protagonista de la obra, Lucrecia, ha estado interpretada por una María Hinojosa que hizo crecer a su personaje a medida que avanzaba la obra. Muy bien en lo vocal y también en esa parte más dramática del personaje.

Es esta una obra en la que las mujeres son las protagonistas, las únicas protagonistas, sobre el escenario solo aparece un hombre y además, no canta. Es el personaje de Sexto, el brutal protagonista, al que da vida el actor Borja Luna.

Magnífica recuperación por parte del Teatro de la Zarzuela de esta joya del barroco español, toda una sorpresa musical, a la que no le hacen falta adornos ni complementos. Una obra como esta se basta y se sobra.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Celso Albelo

El tenor Celso Albelo ofrecerá este próximo viernes 31 de marzo (20h00) en el Teatro de la Zarzuela un concierto especialmente singular, heterogéneo y, sobre todo, emotivo, en el que acompañado por la Orquesta de Pulso y Púa de la Universidad Complutense de Madrid dirigida por Enrique García Requena sumergirá al público en un mar de amores, alegrías y nostalgias llegados de las dos orillas y con el océano de nexo y de testigo.

Lo hará a base de pasodobles, habaneras, rancheras, jotas, canciones mexicanas, y, por supuesto, romanzas de zarzuela bajo el título homónimo de su recién editado álbum, ‘Una serenata española’, y como parte del ciclo de conciertos del Teatro.

El intérprete tinerfeño, cuyo arte del canto es mundialmente reconocido, repasará pues un amplio repertorio popular en el que las composiciones de autores como Falla, Padilla, Serrano, Esperón, Giménez, Francis López o Sorozábal, algunos de ellos tan distantes, se fundirán en una sola emoción compartida.

marianne-crebassa

En el mes de la poesía, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela celebran una nueva cita del prestigioso Ciclo de Lied en el que música y palabras se dan la mano. En esta ocasión, la mezzosoprano Marianne Crebassa y el pianista Joseph Middleton debutan en la programación con un repertorio en el que abordarán obras de los compositores franceses Claude Debussy, Jules Massenet, Maurice Ravel; y de los españoles Jesús Guridi, Isaac Albéniz, Manuel de Falla y Federico Mompou. El recital tendrá lugar el lunes 27 de marzo, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.

La mezzosoprano Marianne Crebassa, requerida en los principales teatros de ópera internacionales, se adentra en el lied, género en el que también goza de un amplio reconocimiento, para interpretar un programa fuertemente vinculado con España. Junto al pianista Joseph Middleton, que también ha cautivado al público en el acompañamiento de canciones y música de cámara, darán vida a un programa que incluye sugerentes piezas de grandes compositores franceses que se inspiraron en el repertorio folclórico ibérico, en diálogo con obras de reconocidos autores españoles que mantuvieron fuertes lazos con nuestro país vecino.

Crebassa interpretará canciones en francés, castellano, catalán y gallego en una velada única dedicada a explorar la riqueza y originalidad de la canción culta del sur de Europa, llena de guiños a la tradición popular y referencias al imaginario colectivo de lo exótico, lo bello y lo distinto.

Inspiración ibérica

El programa del concierto simboliza un cruce entre países, con obras de compositores franceses que se inspiraron en nuestro país y de autores españoles que viajaron a París para extender su formación. La velada comenzará del lado francés, con una de las composiciones más emblemáticas de Debussy, sus Trois chansons de Bilitis, canciones cargadas de gran sensualidad que escribió tras su periodo de formación, en el que había estado en contacto con los temas musicales españoles. De él también se escuchará La soirée dans Grenade. El segundo compositor francés presente será Jules Massenet con su original Nuit d’Espagne, en la que el piano imita a una guitarra española. Por su parte, de Ravel se han seleccionado sus Cinq mélodies populaires grecques y la Chanson espagnole, donde el público podrá apreciar, de nuevo, una muestra de tratamiento del piano a modo de guitarra y el gusto por lo exótico.

En cuanto a nuestros compositores, el repertorio incluye algunas de las piezas más icónicas de la música española, como la mágica Rumores de la Caleta de Isaac Albéniz y la brillante Séguidille de Falla, entre otras. El público también podrá adentrarse en el lenguaje intimista de Federico Mompou a través de su ciclo de canciones Combat del somni y en cuatro de las populares Seis canciones castellanas de Jesús Guridi, que nacieron como encargo para la película La malquerida, de José López Rubio.

Sobre Marianne Crebassa

El espectacular ascenso de la mezzosoprano Marianne Crebassa en el panorama internacional demuestra el disfrute y la seguridad con los que se desenvuelve en un escenario o en un estudio de grabación. Mientras estudiaba Musicología, canto y piano en Montpellier, su ciudad natal, fue elogiada por su interpretación en 2010 de Isabella Linton en Wuthering heights de Herrmann en el Festival de Radio France y, poco después, se incorporó al Programa de Jóvenes Artistas de la Ópera de París, donde actuó como Orphée en Orphée aux Enfers de Offenbach y como Ramiro en La finta giardiniera de Mozart. Unos meses más tarde, debutó en el Festival de Salzburgo como Irene en Tamerlano de Haendel. La temporada pasada se presentó por primera vez como Romeo en I Capuleti e i Montecchi en el Teatro alla Scala de Milán. También lo hizo en el Festival de Aix-en Provence en la Auferstehung de Mahler con una producción de Romeo Castellucci. En el mundo de la ópera, ha cantado los personajes de Cherubino en Le nozze di Figaro en la Metropolitan Opera House, Stéphano en Roméo et Juliette en el Chicago Opera Theater y Dorabella en Così fan tutte en la Staatsoper de Berlín y el Festival de Salzburgo, así como el papel principal de Fantasio de Offenbach en la Opéra-Comique de París, Angelina en La Cenerentola de Rossini en la Ópera de París y La Scala de Milán, Mélisande en Pelléas et Mélisande de Debussy en la Staatsoper de Berlín, Cecilio en Lucio Silla y Sesto en La clemenza di Tito de Mozart en Salzburgo. Marianne Crebassa ha ofrecido recitales con el Festival de Saint-Denis, el Mozartwoche de Salzburgo, la Fundación Gulbenkian, la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta de París, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Staatskapelle de Berlín, el Mostly Mozart Festival, los BBC Proms con la Philharmonia Orchestra, el Wigmore Hall, el Théâtre des Champs-Elysées y la Elbphilharmonie y el Waldbühne con la Filarmónica de Berlín. Fue invitada, asimismo, por Daniel Barenboim para celebrar el centenario de la muerte de Debussy con conciertos con la Staatskapelle en la Pierre Boulez Saal de Berlín. La mezzosoprano es artista exclusiva de Erato, donde ha publicado tres álbumes: Séguedilles, Oh, boy! y Secrets; por el segundo, fue nombrada artista lírica del año en los Victoires de la Musique y, por el tercero, recibió el premio solista vocal en los Gramophone. Marianne Crebassa participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Sobre Joseph Middleton

El pianista Joseph Middleton, aclamado internacionalmente, está especializado en el arte del acompañamiento de canciones y música de cámara. Colabora con cantantes como Thomas Allen, Louise Alder, Mary Bevan, Ian Bostridge, Allan Clayton, Sarah Connolly, Marianne Crebassa, Iestyn Davies, Fatma Said, Samuel Hasselhorn, Christiane Karg, Katarina Karnéus, Angelika Kirchschlager, Felicity Lott, Christopher Maltman, John Mark Ainsley, Ann Murray, James Newby, Mark Padmore, Mauro Peter, Miah Persson, Carolyn Sampson y Roderick Williams. También trabaja con estrellas emergentes de la generación más joven y programa con frecuencia sus propias series para BBC Radio 3. Las últimas temporadas lo han llevado al Wigmore Hall, la Royal Opera House y el Royal Festival Hall de Londres, la Konzerthaus de Viena, el Concertgebouw y el Muziekgebouw de Ámsterdam, la Filarmónica de Colonia, las óperas de Estrasburgo, Fráncfort, Lille y Gotemburgo, la Pierre Boulez Saal de Berlín, el Museo de Orsay de París, la Tonhalle de Zúrich, el DeSingel de Amberes, la Filarmónica de Luxemburgo, el Bozar de Bruselas, el Oji Hall de Tokio y el Alice Tully Hall de Nueva York. Actúa en los festivales de Aix-en-Provence, Aldeburgh, Edimburgo, Múnich, Schubertiade Schwarzenberg y Hohenems, Stuttgart, Heidelberger Frühling, Fráncfort, Ravinia, Japón, San Francisco, Toronto y Vancouver, así como en los BBC Proms. Su discografía, que aumenta de forma rápida en Harmonia Mundi, BIS, Chandos y Signum Records, le ha valido un Diapason d’Or, un Edison Award, un Prix Caecilia y numerosas nominaciones a los Premios Gramophone y BBC Music Magazine. En 2022-2023, Joseph Middleton es artista residente del Festival de Lied Victoria de los Ángeles de Barcelona, donde ofrece recitales con Sarah Connolly, Louise Alder y Benjamin Appl. Entre sus compromisos actuales, destacan la Schubertiade Hohenems y la de Schwarzenberg con Fatma Said, Louise Alder o Sophie Rennert. Además, forma parte de una gira con James Newby, que incluye apariciones en Baden-Baden, Barcelona, Viena, Hamburgo y Londres, donde estrenará una obra de Turnage, junto con Sarah Connolly. Con Carolyn Sampson, acudirá al Wigmore Hall, al Concertgebouw de Ámsterdam y al Oji Hall de Japón. El pianista es director de Leeds Lieder, músico residente y bye-fellow del Pembroke College de Cambridge y profesor y miembro de la Royal Academy of Music. En 2017, recibió el Premio al Artista Joven del Año de la Royal Philharmonic Society. Joseph Middleton participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

La violación de Lucrecia

A partir del 25 de marzo y hasta el 1 de abril, el Teatro de la Zarzuela cumplirá de nuevo con una de sus responsabilidades prioritarias. Recuperará 270 años después de su última representación en 1753, y en este caso para la escena, la zarzuela barroca Donde hay violencia, no hay culpa, con música de José de Nebra y libreto de Nicolás González Martínez, y lo hará bajo el título de La violación de Lucrecia, en un guiño al poema épico de Shakespeare The rape of Lucrece, y a la ópera homónima de Britten.

En esta nueva producción del Teatro de la recién inaugurada plazuela de Teresa Berganza, el punto de partida es la versión del libreto escrita por Rosa Montero –recientemente galardonada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes–, mientras que en las partes cantadas se mantienen los versos originales que González Martínez escribió para Nebra en 1744.

La dirección de escena y el vestuario de esta recuperación son de Rafael R. Villalobos, que se presenta por primera vez en este escenario; y la edición y la dirección musical —desde el clave— son de Alberto Miguélez Rouco, que también dirige su Ensemble Los Elementos y debuta asimismo en el foso de La Zarzuela como director. La producción, que cuenta con la escenografía de Emanuele Sinisi y la iluminación de Felipe Ramos, goza de un reparto especialmente escogido para abordar con absoluta solvencia y brío este tipo de partitura, y para afrontar la sobrecogedora puesta en escena de la leyenda de Lucrecia. Lo componen cuatro cantantes: María Hinojosa Montenegro (Lucrecia), Carol García (Colatino), Marina Monzó (Tulia) y Judit Subirana (Laureta); y dos actores: Manuela Velasco (Espíritu de la leyenda de Lucrecia) y Borja Luna (Sexto).

Estamos ante una curiosa obra con argumento latino, pero creada para el ámbito privado del duque de Medinaceli en Madrid, cuyo palacio, en la Carrera de San Gerónimo con el Paseo del Prado, estaba emplazado a 300 metros escasos del lugar que más tarde, desde 1856, ocuparía (y hoy sigue ocupando) el Teatro de la Zarzuela. A pesar de los casi tres siglos transcurridos, la música y la retórica de los afectos de esta zarzuela de Nebra aún nos deleitan e invitan a descubrir las percepciones de gusto barroco y preclásico. Y como nos dice la estudiosa Nieves Pascual en sus notas para el programa o en el cierre de su conferencia (disponible en YouTube): «En esta zarzuela, obra ejemplar del teatro lírico español, con música y texto que son patrimonio de ayer, descubrimos la expresión de deseos y pasiones de hoy».

Rafael R. Villalobos, por otra parte, nos recuerda que, además de proporcionarnos el placer de descubrir y redescubrir a Nebra, el proyecto tiene otros puntos interesantes y absolutamente actuales, como puede ser el «entender el espíritu revolucionario que los autores de entonces (siglo XVIII) tenían respecto a los derechos de las mujeres». El director de escena y figurinista afirma que La violación de Lucrecia nos permite asimismo «reflexionar acerca de muchos temas, que van desde la violencia machista a la violencia institucional».

El dolor de entonces, el dolor de hoy

Con esta propuesta volveremos a mirar al pasado para colocar el foco de atención en el dolor de una mujer, Lucrecia, «cuya historia desgranaremos a través del filtro de los dos mil quinientos años de historia transcurridos desde entonces». En este sentido, Villalobos dice que La violación de Lucrecia «es una obra maravillosa, tristemente muy actual, y que un teatro nacional que vela por el patrimonio lírico español decida subirla al escenario y abrace otros acercamientos al hecho lírico es motivo de alegría general».

Por su parte, el Maestro Miguélez Rouco, que el pasado mes de octubre presentó la grabación de Donde hay violencia, no hay culpa (Glossa) también al frente de su grupo historicista Los Elementos, recalca que esta zarzuela nos permite «sumergirnos en la fascinante obra de José de Nebra, cuyo hábil uso de la retórica barroca, su conocimiento de los recursos vocales e instrumentales y su intuición dramática convierten cualquiera de sus obras escénicas en las más brillantes joyas del siglo XVIII español».

Estrenada en 1744, la historia narra las circunstancias y consecuencias de la violación de la virtuosa mujer romana Lucrecia, el mito fundacional de la República Romana, tal como lo transmitió Livio. Estos días el público asistirá en el Teatro de la Zarzuela a una relectura de esta leyenda del siglo primero antes de la era cristiana. Ahora, al igual que hace tres siglos en Madrid o hace veinticinco siglos en Roma —dentro de una especie de espiral de la Historia—, los hechos nos obligan a oír y ver estos acontecimientos para reflexionar sobre la libertad, la conciencia de culpa, la degradación, el poder, la destrucción, el honor o la venganza; todo esto ante el hecho de una violación y de sus consecuencias trágicas para el ser humano.

La función de ‘La violación de Lucrecia’ del jueves 30 de marzo se emitirá en directo en streaming a través del canal de YouTube, Facebook y la página web del Teatro y quedará disponible en abierto.

Esa misma función será grabada por Radio Clásica de Radio Nacional de España para su emisión en próximas fechas.

Asimismo ella está disponible en YouTube la conferencia de la musicóloga Nieves Pascual y en estos días, también el nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la Zarzuela’ con la intervención de Alberto Miguélez Rouco, Rafael R. Villalobos y Rosa Montero.

El miércoles 29 de marzo a las 19h00 en el canal de YouTube del Teatro, se emitirá en directo el nuevo encuentro ‘Entre bambalinas’, en esta ocasión con la actriz Manuela Velasco.

Jóvenes directores

El Teatro de la Zarzuela celebra un concierto sinfónico de jóvenes directores en el que Lara Diloy, Lorena Escolar y Rubén Sánchez-Vieco dirigen obras monumentales de nuestro patrimonio.

Al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), abordarán composiciones de Arriaga, Rodrigo, Guridi, Turina y Falla.

Tres jóvenes directores de orquesta, grandes promesas de la dirección como son Lara Diloy, Lorena Escolar y Rubén Sánchez-Vieco, subirán el próximo martes 7 de marzo (20h00) al podio del Teatro de la Zarzuela para ofrecer un concierto sinfónico en el que al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (titular del Teatro), alternarán algunas de las obras más icónicas de nuestro patrimonio musical con composiciones monumentales de Arriaga, Rodrigo, Guridi, Turina y Falla.

Lorena Escolar y Lara Diloy dirigirán la Suite 1 y 2 de ‘El sombrero de tres picos’ de Manuel de Falla, además de ‘Los esclavos felices’ de Juan Crisóstomo de Arriaga, y los ‘Tres viejos aires de danza’ de Joaquín Rodrigo, respectivamente. Por su parte, Rubén Sánchez-Vieco asumirá la dirección de las ‘Diez melodías vascas’ de Jesús Guridi y ‘La procesión del Rocío’, op. 9 de Joaquín Turina.

Una velada, por tanto, en la que la música está escrita con mayúsculas.

Enrique Viana

El próximo 8 de abril se cumplirán 50 años de la muerte de Pablo Picasso, y el Teatro de la Zarzuela no ha querido dejar pasar la ocasión sin rendirle homenaje. Lo hará en dos funciones del ciclo Notas del Ambigú los días 27 y 28 de febrero (20h00) con un espectáculo escrito y dirigido por Enrique Viana y protagonizado por el barítono Fernando Bullón y el pianista Ramón Grau.

El espectáculo tiene el inconfundible sello de Viana, con hilarantes situaciones de humor del absurdo que se van sucediendo in crescendo entre composiciones de Fernando Díaz Giles, Juan Bautista Lambert, Manuel Fernández Caballero, José María Usandizaga, Gonzalo Roig o José Martín Domingo, con dos convenientes sorpresas pianísticas de Gioacchino Rossini y Erik Satie y un estreno absoluto del propio Ramón Grau.

El salón de peluquería de Vallauris se traslada en el tiempo al Ambigú del Teatro de la Zarzuela y aparece Eugenio Arias, el barbero de Pablo Picasso. Una llamada telefónica al más allá le ha dicho que don Pablo quiere cortarse el pelo y departir un rato con él como en los buenos tiempos. “¡Frivolicemos, Arias, que no he vuelto para sufrir! Un día sin reír es un día perdido”. Así se manifiesta nuestro Pablo Picasso en esa cita imaginada en la que intervienen  cuadros, recuerdos y músicas. El barbero canta y “afina”. Picasso, feliz en la barbería de la zarzuela, escucha, recuerda y pronostica.

Borrego y Dobarro

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela acoge este próximo domingo 12 de febrero (12h00) el virtuosismo, la maestría y la complicidad del dúo de violín y piano integrado por Miguel Borrego –concertino de la orquesta de RTVE desde hace más de 25 años y Premio Nacional de Música 2013–, e Isabel Dobarro –profesora visitante en la London Performing Academy of Music de Londres y considerada como una de las pianistas españolas con mayor proyección internacional–. En esta ocasión, el concierto, que como es costumbre en este ciclo tendrá lugar en el Ambigú del coliseo, incluirá obras de compositoras españolas de hoy, entre las que se podrán escuchar cuatro estrenos absolutos. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Además de la alta calidad de su contenido, el programa está cargado de significado ya que por tercer año consecutivo el mencionado ciclo de La Zarzuela, que celebra ya su cuarta edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

Borrego y Dobarro incluirán en su concierto música de Marisa Manchado, Consuelo Díez, Zulema de la Cruz, Julia María Dopico Vale o Reyes Oteo, con estrenos absolutos de María de Alvear, Ana Vázquez Silva, Iluminada Pérez Frutos y Adela Rodríguez Yus. El estreno de esta última y jovencísima compositora es posible gracias a la colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y tres de los estrenos están dedicados expresamente al dúo Borrego y Dobarro.

A través de este ciclo el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de las compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus obras.

Las dos citas restantes del ciclo serán con el Cuarteto Manuel de Falla (23 de abril) y el Cuarteto Bretón (21 de mayo).

Christiane Karg

El lirismo de la voz de la soprano alemana Christiane Karg y la delicadeza del arpa de Anneleen Lenaerts se darán cita en el próximo concierto del XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. La cantante alemana regresa al ciclo junto a la arpista principal de la Filarmónica de Viena, que debuta en la programación. Juntas invitarán al público a vivir una velada inolvidable a través de una selección de canciones de Claude Debussy, Ottorino Respighi  y lieder de Richard Strauss. El recital tendrá lugar el martes 7 de febrero a las 20H00 en el Teatro de la Zarzuela.

La voz dulce y luminosa de Christiane Karg ha brillado en los principales escenarios del mundo en su faceta operística, donde destacan sus interpretaciones en la Royal Opera House de Londres, la Ópera de París, el Metropolitan de Nueva York, o el Teatro alla Scala de Milán. La cantante también es una refinada liederista. En esta ocasión, se sumergirá en la poesía del lied acompañada por una invitada muy especial poco frecuente en este tipo de programaciones: el arpa de Anneleen Lenaerts, considerada como una de las solistas más importantes de este instrumento.

Las artistas ofrecerán un sugerente viaje musical por Francia, Italia y Austria de la mano de Debussy, de quien se podrán escuchar piezas emblemáticas como Clair de lune, Beau soir o Nuit de étoiles; Respighi, del que sonarán Storia breve, Nebbie, Serenata indiana o Piccola mano bianca; y R. Strauss, con piezas como Allerseelen, Zueignung, Befreit o la bella despedida de Vier Letzte Lieder, el fantástico ciclo de las Cuatro últimas canciones.

Sobre Christiane Karg

Nacida en Feuchtwangen (Baviera), Christiane Karg estudió en la Universidad Mozarteum de Salzburgo con Heiner Hopfner y lied con Wolfgang Holzmair y obtuvo la Medalla Lilli Lehmann por su máster en Ópera y Teatro Musical. Cuando aún era estudiante, hizo su debut en el Festival de Salzburgo. Se la puede escuchar en todo el mundo interpretando grandes papeles operísticos: en la Royal Opera House de Londres y en la Ópera de París, en la Lyric Opera de Chicago y en el Metropolitan de Nueva York, en el Teatro alla Scala de Milán y en la Ópera Estatal de Viena. Karg ha trabajado con orquestas y directores de renombre internacional. Christiane Karg destaca, igualmente, en el ámbito de los recitales y actúa en la Schubertiade en Hohenems y Schwarzenberg. Es, además, directora artística del Festival Kunst Klang, ha impulsado una serie de conciertos en su ciudad natal y está al frente del proyecto «Be part of it! Musik für Alle», que promueve la educación musical de niños y jóvenes. La artista ha sido galardonada con el Premio de la Cultura Bávara y el Premio Brahms de la Sociedad Brahms de Schleswig-Holstein. Su inconfundible voz se puede encontrar en numerosos registros. También sobresalen sus grabaciones de Le nozze di Figaro, con Yannick Nézet-Séguin; Scene!, con el conjunto Arcangelo y Jonathan Cohen; y Verwandlung. Lieder eines Jahres. En 2021, publicó su último trabajo en solitario, Licht der Welt. A Christmas promenade. Christiane Karg ha participado, con el presente, en dos recitales del Ciclo de Lied: XX (13-14), XXIX (22-23).

Sobre Anneleen Lenaerts

El talento de Anneleen Lenaerts ha sido reconocido y premiado internacionalmente desde muy temprana edad. La arpista recibió veintitrés galardones entre 1997 y 2009, entre los que destacan el Grand Prix International Lily Laskine en 2005 y el Concurso Internacional de Música ARD en Múnich, donde obtuvo el premio del público. Anneleen Lenaerts comenzó a tocar el arpa con Lieve Robbroeckx. Continuó sus estudios en los conservatorios de Bruselas y París en 2008 y finalizó su máster en Arpa con la máxima distinción. Lenaerts enseña en la Universidad de Maastricht y forma parte del profesorado del Festival y Escuela de Música de Aspen. La arpista belga es una de las solistas más importantes de este instrumento. En 2010, fue nombrada arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena. Como solista ha actuado con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta del Mozarteum, o la Orquesta Bruckner de Linz, entre otras. Anneleen Lenaerts ha debutado en solitario en escenarios como el Wigmore Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, la Philharmonie de Berlín, o la Salle Gaveau de París. En 2021, publicó Vienna stories, con miembros de la Filarmónica de Viena, un homenaje a su hogar musical, donde los mundos de la ópera y la sinfonía se fusionan con la vida cotidiana. Su álbum Nino Rota. Works for harp con la Filarmónica de Bruselas, dirigida por Adrien Perruchon, recibió el Opus Klassik en 2019. Anneleen Lenaerts participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Ainhoa Arteta y Ramón Vargas

La soprano Ainhoa Arteta y el tenor Ramón Vargas, que la pasada temporada protagonizaron el concierto de regreso a los escenarios de la cantante tras unos meses complicados que la mantuvieron forzosamente alejada del público, vuelven ahora un año después al mismo escenario del Teatro de la Zarzuela para ofrecer el próximo lunes 6 de febrero un recital íntegramente de música española.

Como era de esperar, la nueva cita con estas dos figuras mundiales de la lírica, que de nuevo contarán con Javier Carmena como pianista, ha desatado una extraordinaria expectación que les llevará a cantar, una vez más, ante un teatro abarrotado y a todas luces entregado al arte de ambos intérpretes.

Sonarán páginas indispensables de nuestra lírica: de ‘La Gran Vía’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde, a ‘La isla de las perlas’ de Pablo Sorozábal, de ‘Luisa Fernanda’ de Federico Moreno Torroba a ‘Mirentxu’ o ‘El caserío’ de Jesús Guridi, de ‘La Dolorosa’ de José Serrano o ‘La Tempranica’ de Gerónimo Giménez a la ópera ‘El gato montés’ de Manuel Penella, pasando incluso por el reciente estreno absoluto de ‘El orgullo de quererte’ del propio Javier Carmena.

Todo indica que volverá a ser una noche difícil de olvidar.

La Dolores

La Dolores
Drama lírico en tres actos
Tomás Bretón (1850-1923)
Libreto: Tomás Bretón, basado en el drama rural de José Feliú y Codina
Estrenado en el Teatro de la Zarzuela, el 16 de marzo de 1895
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela
D. musical: Guillermo García Calvo
D. escena: Amelia Ochandiano
Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Juan Gómez Cornejo (AAI)
Coreografía: Miguel Ángel Berna
Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro de la Zarzuela)
Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, Director: Antonio Fauró
Coro de Voces Blancas Sinan Kay, Dirección: Mónica Sánchez
Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil»
Reparto: Saioa Hernández, Jorge de León, José Antonio López,
María Luisa Corbacho, Rubén Amoretti, Javier Tomé, Gerardo Bullón

Se ha esperado 85 años para volver a ver en el Teatro de la Zarzuela La Dolores, del maestro Tomás Bretón, del que se cumple el centenario de su fallecimiento. Es esta una forma extraordinaria de rendir homenaje a quien, desde su puesto de director del Real Conservatorio de Música de Madrid, trabajó en pro de la modernización de los estudios de música en España.

Se estrenó en este teatro el 16 de marzo de 1895, con gran éxito, nada menos que 63 representaciones. El libreto y la música son del propio Bretón, y está basado en un drama rural de José Feliú y Codina. Inicialmente se iba a estrenar en el Teatro Real, pero el empresario quería que Bretón escribiese el libreto en italiano, cosa a la que el compositor se negó. Finalmente Bretón se decidió por el Teatro de la Zarzuela.

Bretón ha sido siempre más conocido por sus zarzuelas que por alguna de sus óperas, como es el caso de La Dolores. De hecho, el que La verbena de la Paloma, que se había estrenado un año antes, tuviera mucho más éxito que La Dolores, entristeció al compositor.

La Dolores es el enésimo intento de desarrollar el género operístico en España, y está influenciada por el momento verista que recorría Europa y que tenía en Carmen, de Bizet, uno de sus máximos exponentes. En ambas obras, la protagonista atrae el interés de numerosos hombres y terminan de manera trágica.

Una de las diferencias de la ópera de Bretón con las que se escribían de similar factura, es la dificultad de encajar en la partitura a cinco personajes principales, en lugar del tradicional triángulo amoroso.

Se trata de una obra muy española. Basada en una historia tradicional que se contaba en Aragón y de su protagonista, La Dolores. Está llena de elementos folclóricos, como pasacalles, una soleá o la más popular jota aragonesa. El resto de la partitura es de gran complejidad. Con evocaciones wagnerias, típicas también de la época, y con una métrica y un ritmo que no resultan fáciles ni para los cantantes ni para la orquesta.

Por esta razón se requieren voces de importancia, para responder a la dificultad de la partitura. Es necesario tener un buen registro central y gran capacidad dramática.

El rol principal ha estado a cargo de Saioa Hernández, que ha defendido perfectamente la difícil tarea de interpretar a la protagonista. Posee un potente y bien apoyado registro central, desde el que afrontaba con solvencia las bajadas constantes a la zona grave y algunos ascensos exigentes. La Hernández los hace todo muy fácil y canta con la seguridad que le proporciona su imponente instrumento. Llenó toda la sala con sus armónicos y una voz esmaltada y voluminosa. Tal vez la dicción fuera su talón de Aquiles, ya que en la interpretación estuvo también a gran altura, con un personaje dramático e intenso, que llegó al público de manera convincente.

A la réplica estuvo Jorge de León. Le hemos visto mejor que otras veces, con un muy apreciable volumen que reforzaba ese esmalte tan característico y que tanto nos agrada. Su fraseo es extraordinario y también su gusto en la interpretación. Su Lázaro tuvo la nobleza e ingenuidad que el personaje requiere. Junto a Saioa Hernández interpretaron sus dos dúos del segundo y tercer acto entusiasmando al público.

Rubén Amoretti dio vida al fanfarrón Sargento Rojas, otro pretendiente de Dolores. Fue el único personaje cómico en una obra con tantos tintes dramáticos. No estamos acostumbrados a ver a Rubén Amoretti interpretando un personaje tan divertido y no lo hace mal. Notamos su voz un tanto apagada, no tan rotunda, pero esto no le impidió un fraseo con un marcado y simpático acento andaluz, sobre todo en la interpretación de la soleá.

José Antonio López presentó un Melchor acertadamente agresivo, casi violento. Reforzado por unos graves incisivos y potentes. Se desenvolvió bien por el escenario y daba auténtico miedo.

El rol de Patricio estuvo a cargo de Gerardo Bullón, que bordó el papel de adinerado pusilánime, elegante y efectivo. Muy buena interpretación con un toque muy ajustado de humor.

La Gaspara, de María Luisa Corbacho estuvo a la altura del reparto, su voz profunda dotó de carácter y presencia a la dueña del mesón.

Una partitura como esta, con tres actos de gran densidad y 11 escenas, que García Calvo ha comparado en estructura con cualquiera de la tetralogía wagneriana, no resulta fácil de interpretar. Se requiere una gran capacidad de concentración. Aquí es donde entra el trabajo del director, que ha sacado petróleo de la Orquesta Titular del Teatro, con algunos momentos muy inspirados.

La escenografía de Amelia Ochandiano y Ricardo Sánchez Cuerda es sencilla, pero llena de detalles que le dan personalidad y la actualizan. Comienza con tres acróbatas que aparecen en escena sobre los gigantes con su silenciosa danza y que aparecen de nuevo al inicio del tercer acto. Durante toda la obra, los cabezudos aportan el aire local junto a la jota, magníficamente interpretada por Juan Noval Moro.

Junto a la jota, los bailarines, dirigidos y encabezados por el coreógrafo Miguel Ángel Berna, fueron uno de los grandes triunfadores de la noche y los más aplaudidos tras su actuación por un público entusiasmado.

Todo envuelto en la iluminación de Juan Gómez Cornejo, creando una atmósfera romántica y a veces inquietante, que señala y realza cada cuadro de la escenografía. Acentuado por los estupendo y adecuados figurines de Jesús Ruiz.

Un acierto y un acontecimiento esta Dolores en el año de Tomás Bretón.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Ángel Ruiz

Acompañado por un cuarteto dirigido por el pianista y compositor César Belda Interpretarán temas de Manuel Alejandro, Joan Manuel Serrat, Carlos Cano, Luis Alberto Spinetta, Armando Manzanero, Kurt Weill, Claude-Michel Schönberg o Liliana Felipe entre muchos otros.

Ángel Ruiz, cantante y actor de fama y éxito, ensalzado por los medios y con un público fiel y cada día más amplio a esta y la otra orilla del Atlántico, celebrará el próximo martes 31 de enero (20h00) en el ciclo de conciertos del Teatro de la Zarzuela, sus 30 años en la música. Con su estilo personal e intransferible.

Será una velada que bajo el título ‘Así que pasen 30 años’ promete emociones fuertes. El polifacético artista repasará una buena colección de composiciones y estilos; los que le han acompañado y encumbrado en su extensa y heterogénea carrera. Una emotiva y divertida noche que transcurrirá entre coplas, boleros, canción iberoamericana y teatro musical.

Acompañado como en tantas ocasiones por el pianista y compositor César Belda, que estará en esta ocasión al frente de un cuarteto (piano; flauta, saxo; bajo, contrabajo y batería), interpretarán temas de Manuel Alejandro, Joan Manuel Serrat, Carlos Cano, Luis Alberto Spinetta, Armando Manzanero, Kurt Weill, Claude-Michel Schönberg o Liliana Felipe entre muchos otros.

Konstantin Krimmel

El joven barítono alemán Konstantin Krimmel, una de las grandes voces de la nueva generación de cantantes líricos, debuta en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Ammiel Bushakevitz. Ambos artistas interpretarán un repertorio compuesto por algunas de las obras más emblemáticas de Robert Schumann, donde destacan el cuaderno Liederkreis, op. 39 y las canciones que integran Fünf Lieder, op. 40; y de Hugo Wolf, con una selección de los escritos sobre poemas de Joseph von Eichendorff y de Johann Wolfgang von Goethe. El concierto tendrá lugar el  lunes 30 de enero a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Konstantin Krimmel (1993), que tiene a sus espaldas una sólida carrera operística, ha desarrollado un interés especial en el repertorio de lied. Pese a su juventud, ha obtenido numerosos galardones como el primer premio en el Concurso Internacional de Lied Helmut Deutsch en 2019, entre otros. En su presentación en el ciclo de Lied, la frescura y timbre exquisito del barítono alemán formarán un equilibrio magistral con el pianista Bushakevitz. Una ocasión perfecta para disfrutar de un género donde el piano excede al mero acompañamiento y toma protagonismo, junto con la voz, para dotar de alma sonora a la poesía.

El programa presenta algunos lieder de dos compositores fundamentales del repertorio, Robert Schumann (1810-1856) y Hugo Wolf (1860-1903). Del primero podrá escucharse una representación de la plenitud del Romanticismo y del segundo, la faceta más tardía del movimiento y su deriva hacia el mundo del Expresionismo.

El recital comenzará con una colección de canciones sobre poemas de Christian Andersen y Chamisso que Schumann compuso en 1840, Fünf Lieder, op. 40, canciones donde la voz alcanzará toda su expresividad. El recorrido continuará con varios lieder de Wolf: Abendbilder, IHW 1 (Paisajes Nocturnos) y dos colecciones sobre poemas de Eichendorff y Goethe. En ellas, el público podrá descubrir la melancolía de personajes como el arpista, o la oscuridad de la noche. En la segunda parte, Schumann volverá a estar presente con de Drei Gesänge, op. 83 y el extraordinario ciclo de canciones Liederkreis, op. 39, con textos de los poemas de Eichendorff, piezas con un fuerte contenido emocional y que constituyen un pilar del repertorio de la canción de cámara germánica.

Este programa también podrá descubrirse en la “Schubertiada de Barcelona”, un ciclo del CNDM en coproducción con el Palau de la Música Catalana y la Associació Franz Schubert, el jueves 2 de febrero a las 20:00h en el Petit Palau.

Konstantin Krimmel, barítono

Konstantín Krimmel, de origen germano-romano, recibió la primera formación musical con el Coro de niños de St Georg en Ulm. Mientras todavía era estudiante, desarrolló un especial amor por el concierto y el repertorio de lied. Desde entonces ha ganado numerosos concursos, incluyendo lo Deutsch Liedwettbewerb en 2019, el primer premio en el Concurso Internacional de Lied Helmut Deutsch, el segundo premio en el Concurso Internacional de Canto ‘Das Lied’ en Heidelberg y el Concurso Internacional de Música Gian Battista Viotti en 2018. Ha hecho recitales en la Philharmonie de Colonia, la Deutsche Oper y la Konzerthaus de Berlín, la Ópera de Frankfurt, la Heidelberger Frühling, la Schubertíada y la Schubertiade de Schwarzenberg, Madrid (Fundación March) y Londres (Wigmore Hall) y en Festival de Lieder de Oxford. En otoño de 2021, se convirtió en miembro de la Ópera de Múnich.

Ammiel Bushakevitz, piano

Nacido en Jerusalén, empezó a tocar el piano a los cuatro años. Apasionado por la canción poética desde muy joven, es reconocido internacionalmente como uno de los mejores acompañantes de su generación y actúa regularmente en destacados auditorios de Europa, Norteamérica, África, Asia y Australia. Tras iniciar sus estudios en Suráfrica, donde se crió, estudió en la Hochschule für Musik und Theater “Felix Mendelssohn Bartholdy” de Leipzig y en el Conservatorio Nacional de Música de París. Ammiel es ganador de numerosos concursos, incluyendo el del Wigmore Hall en Londres o el de la Hugo-Wolf-Akademie de Stuttgart. Uno de los últimos estudiantes privados de Dietrich Fischer-Dieskau, colabora con Thomas Hampson en la Academia de Lied en Heidelberg. Además de sus actividades como pianista, Ammiel también se dedica a la musicología y está especializado en la investigación sobre Schubert y Wagner.

La Dolores

Hay ocasiones que por sí solas son auténticos acontecimientos. Regalos absolutos. Este es el caso de la obra que estos días se presenta en el Teatro de la Zarzuela: ‘La Dolores’. Estrenada en este mismo escenario en 1895, no ha vuelto a subir al mismo desde el mes de junio de 1937 –representaciones aquellas en plena Guerra Civil– hace ahora más de 85 años. Y no solo eso, sino que también ha llovido, y mucho, desde que sonó y se vio por última vez en público, hace casi dos décadas, un montaje de la obra maestra de Tomás Bretón de quien se cumple este año el centenario de su fallecimiento. Por todo ello, por el equipo artístico y el singular reparto, y por el hecho de que con esta obra Bretón consigue al fin cumplir uno de sus grandes sueños, si no el que más, que no era otro que el de componer una ópera puramente española, es necesario, casi una obligación, acercarse al coliseo de la plazuela de Jovellanos para asistir a una de las 13 funciones que del 27 de enero al 12 de febrero resucitarán este genuino monumento de nuestro patrimonio.

El intenso dramatismo de su libreto y la genialidad de la partitura redondean una ecuación casi perfecta en la que Guillermo García Calvo –director musical de la casa- se ocupa de la dirección musical, y Amelia Ochandiano de la escénica.

Como es habitual, el foso lo ocupará la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), y el montaje cuenta, asimismo, con otros grandes nombres en su equipo artístico. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario de Jesús Ruiz, la iluminación de Juan Gómez Cornejo y Miguel Ángel Berna, icono contemporáneo del baile de la jota, tan importante en esta obra, es el responsable de la coreografía que a lo largo de la obra va dibujando la esencia misma de los sentidos, que son muchos y poderosos.

Serán, además, dos repartos los que cantarán la obra de Bretón, tan genial como complicada. No es muy corriente que el público encuentre unos repartos de primer orden y equilibrio absoluto como los que presenta el Teatro de la Zarzuela en esta Dolores, y que están integrados por las sopranos Saioa HernándezCarmen Solís, los tenores Jorge de León y Javier Palacios, los barítonos José Antonio López y Ángel Ódena, la mezzosoprano María Luisa Corbacho, la soprano Milagros Martín, el bajo Rubén Amoretti, el bajo-barítono Ihor Voievodin, los tenores Javier Tomé y Santiago Vidal, el barítono Gerardo Bullón o el tenor  Juan Noval Moro.

Los acompañará en el escenario el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y el Coro de Voces Blancas Sinan Kay, así como 17 bailarines-actores y tres acróbatas.

La función del domingo 5 de febrero será grabada por Radio Clásica de RNE y emitida en fechas próximas.

El gran ejemplo de la lírica española

‘La Dolores’ es, sin duda, el gran ejemplo de la lírica española. Estrenada en el Teatro de la Zarzuela hace más de 125 años, el camino del éxito de una ópera española como esta fue lento, pero seguro. Primero conquistó al público y la crítica de la Zarzuela en Madrid y luego triunfó en el Tívoli, en Barcelona, ciudad donde quedó como obra de repertorio en diferentes escenarios. Eso sí, hay que tener presente que solo un año antes el compositor se había hecho famoso en todo el país como compositor de zarzuela con un sainete lírico: ‘La verbena de la Paloma’.

Sin embargo, en esta ocasión Tomás Bretón llevó al público a contemplar y a vivir una historia de tema rural que ya había conquistado la escena española de la época: ‘La Dolores’ de Feliú y Codina; obra realista con unas muy fuertes dosis de dramatismo, que proporcionó a Bretón –quien se encargó de dar también forma al libreto– la oportunidad de pisar firme, cantando en castellano, los escenarios de los templos líricos del país hasta entonces reductos de los modelos europeos.

Guillermo García Calvo señala que ‘La Dolores’ “es posiblemente la ópera romántica española más importante, sin duda alguna a la altura de las mejores óperas europeas de finales del siglo XIX”.

Además de la famosísima Jota, Bretón compone un impresionante mural de personajes y emociones, con nada menos que cinco cantantes masculinos, algo inaudito en el repertorio, que luchan por el amor de la soprano protagonista. Es en la música donde Bretón nos lleva de la mano por esta historia.

Amelia Ochandiano, destaca por su parte la grandeza, la luz y la pasión que encierra ‘La Dolores’: «Es una grandísima ópera española. Una partitura brillante y apasionada con un libreto lleno de matices y juegos dramáticos». Eso dice la directora de escena, que también recalca que la historia de esta muchacha, de La Dolores, se muestra como un aparente juego frívolo, festivo e intrascendente «que hemos querido resaltar en nuestra propuesta escénica, pero con un fondo siniestro y cruel que es casi imposible que no acabe en tragedia si no fuera porque Dolores no va a ser presa fácil, y sobre todo porque contra los deseos de amar, ser amado y entregarse al otro en cuerpo y alma, es casi imposible luchar».

Concierto de Navidad Teatro de la Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela cerrará 2022, un año especialmente dulce para el histórico coliseo, con cifras de récord e importantes reconocimientos y premios a su labor y su excelencia artística, con su ya tradicional Concierto de Navidad. El próximo viernes 30 de diciembre a las 20h00 celebrará por todo lo alto la música española, nuestra lírica, y en especial el género que le da nombre y que desde hace 166 años es su razón de ser. Las entradas, como ya es también una tradición en este esperado concierto, se agotaron hace muchos meses a pocos días de comenzada la venta.

El concierto estará dirigido por el maestro Guillermo García Calvo –director musical del Teatro– y contará con la participación de varias de las voces líricas más pronunciadas de los últimos años: las de la soprano Rocío Ignacio y el barítono Juan Jesús Rodríguez. A la fiesta se unirá también esa gran señora de la escena que es Lucero Tena, que sigue provocando las más elevadas pasiones en el público de todas las edades. Como también es habitual en esta feliz cita, a la celebración se sumará la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular de la Casa.

En un principio también estaba anunciado el barítono Carlos Álvarez que ha tenido que suspender su participación en el concierto por razones debidamente justificadas.

El programa incluirá obras de Chueca, Sorozábal, Moreno Torroba, Lecuona, Fernández Caballero, Giménez, Penella, Soutullo y Vert o Vives, en lo que será una auténtica antología de obras maestras con romanzas y números musicales deLa alegría de la huerta’, ‘Katiuska’, ‘Luisa Fernanda’, ‘María la O’, ‘Château Margaux’, ‘La boda de Luis Alonso’, ‘La marchenera’, ‘Don Gil de Alcalá’, ‘La del Soto del Parral’ o ‘Doña Francisquita’, además de alguna que otra emotiva sorpresa. La fiesta está servida y la alegría garantizada.

Teatro de la Zarzuela

Las de finales de diciembre son siempre fechas para hacer balance. Para recapitular. Para repasar lo bueno y lo malo, si es que lo hubo, de los últimos doce meses. Y echando la vista atrás, situándonos en ese ya lejano mes de enero, se puede afirmar de forma categórica que para el Teatro de la Zarzuela 2022 ha sido, se mire por donde se mire, un año redondo.

El hecho de que la sala haya estado llena, o prácticamente, cada noche, lo que ha supuesto una ocupación del 87 por ciento en 176 funciones, denota que el coliseo de la plazuela de Jovellanos goza de muy buena salud; de un público fiel e interesado que lo llena de vida.

Público este que abarca ya muchas horquillas de edades, hasta el punto de que más de 8.500 jóvenes de menos de 30 años hayan participado con entusiasmo y complicidad en la amplia y afianzada actividad pedagógica del Teatro.

La preservación, recuperación, revisión y difusión de nuestro patrimonio lírico, exigencias irrenunciables recogidas en sus estatutos, ha seguido marcando la acción diaria de un teatro que, únicamente por ello, tiene todo el sentido y la obligación de existir. Así, hemos vivido un estreno mundial con ‘Policías y Ladrones’ de Tomás Marco, y tres recuperaciones: ‘Tabaré’ de Tomás Bretón, ‘La Celestina’ de Felipe Pedrell y ‘The Magic Opal’ de Isaac Albéniz.

Asimismo, ha comenzado a lo grande la celebración del bicentenario de Barbieri, padre indiscutible y, dadas las circunstancias a las que hubo de enfrentarse, sin duda heroico, del Teatro de la Zarzuela. Ha sido con dos de sus obras más queridas y emblemáticas como son ‘El barberillo de Lavapiés’ y ‘Pan y Toros’.

Y como una guinda es el remate perfecto de todo pastel que se precie, el Teatro finaliza ahora el año con el premio honorífico de Ópera XXI a la mejor Institución Cultural de la temporada 21/22, por su labor en defensa, promoción, recuperación, actualización y divulgación del patrimonio lírico español y de sus artistas, y por su firme trabajo para promover la declaración de la zarzuela Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

El director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, ha mostrado su satisfacción por los excelentes resultados agradeciendo “al público que nos ha sido fiel, y a todos los colectivos que trabajan haciendo posible levantar el telón cada día”. Y ha hecho una llamada de esperanza y optimismo con el deseo de que 2023 sea un año “lleno de música y de zarzuela”.

Guiomar_Cantó

La soprano madrileña Guiomar Cantó, uno de los grandes talentos de su generación, pone el broche de oro a una extraordinaria temporada con dos conciertos en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. El primero de ellos será el próximo 30 de diciembre donde será la protagonista vocal del tradicional concierto de Navidad “Viena en Madrid” que un año más correrá a cargo de la Orquesta y el Coro Filarmonía junto al Ballet Filarmonía.

El concierto para despedir el año 2022 contará con un programa diseñado por el Maestro Pascual Osa con un repertorio que incluirá entre otras obras como Júbilo Vienés, los valses Los cuentos en los bosques de Viena o El Emperador, Annen-Polka y El Cascanueces. Además, en esta edición, a los valses y polcas de Johan Strauss (Hijo) y de Joseph Strauss se suman algunas de las obras más conocidas de Franz von Suppé, Ludwig van Beethoven y Piotr Ilich. Tchaikovski, entre otros.

Una oportunidad única para trasladarse al mítico Concierto de Navidad de Viena, que se celebra en la Sala Dorada de la Musikverein de la capital austríaca y que siempre es interpretado por la Orquesta Filarmónica de Viena, tradición que se inició en 1939 y fue dirigido por Clemens Krauss.

Además, Guiomar Cantó será una de las protagonistas de la XXII Gran Gala Solidaria de la Zarzuela de Año Nuevo que organiza la Fundación Sinfolírica y tendrá lugar el 7 de enero en el Auditorio Nacional.

El programa estará íntegramente dedicado a la zarzuela y recoge fragmentos de títulos populares como La Revoltosa, Doña Francisquita, Luisa Fernanda, Marina, La Dolorosa o La Rosa del Azafrán, entre otras. Mas de 200 artistas se darán cita en escena en un repertorio con las mejores paginas de la Zarzuela interpretadas por 12 grandes voces liricas, gran orquesta sinfónica, ballet, cuarteto y una extraordinaria coral de 140 voces.

En esta vigésimo segunda edición, la recaudación de este gran evento anual se destinará a impulsar la investigación de las enfermedades poco frecuentes a través de la Federación Española de Enfermedades Raras (FEDER) y la asociación “Princesa Rett”.

Este diciembre ya, la joven soprano Guiomar Cantó ha actuado en un recital en al Sala de Cámara del Auditorio Nacional, y también recientemente ha cantado en la Gala de Zarzuela en el Auditorio Lienzo Norte bajo la direccion de Jesús Oviedo y la Orquesta Príncipe Pío. Además, este año ha debutado en el Gran Teatre de Xàtiva interpretando el papel de La Contessa de Le Nozze di Figaro a las órdenes del director Vigil Popa, y en la ciudad austriaca de Salzburgo, en el festival de Opern im Berg, en el Aula Grosse, en el rol de Musetta en La Bohème con el director Stefano Seghedoni, además de participar en el Festival de Puccini de Torre del Lago en diferentes recitales con la orquesta del festival.

Sobre Guiomar Cantó

De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.

En esta temporada 2022 Guiomar Cantó ha sido seleccionada como parte del programa Crescendo del Teatro Real. Ha hecho su debut en el Teatro de la Zarzuela en Los Gavilanes de J. Guerrero y en el Teatro Cervantes con un concierto dentro del marco del festival Puccini Torre del Lago que también ha repetido en el Lienzo Norte. Ha estrenado en España la Misa en Do de Rheinberger con la O. Carlos III, cantado el rol de Musetta en Salzburgo, además de los roles ya debutados anteriormente de Violetta y Micaela. Tiene programados más proyectos dentro y fuera de España, por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.

FILARMONÍA DE MADRID.VIENA EN MADRID

Auditorio Nacional de Música de Madrid. Sala Sinfónica.

30 de diciembre de 2022. 19’30h

Más información y entradas: www.orquestafilarmonia.com

XXII GRAN GALA SOLIDARIA DE ZARZUELA DE AÑO NUEVO

Auditorio Nacional de Música de Madrid. Sala Sinfónica.

7 de enero de 2023. 19’30h

Christian Gerhaher

En vísperas de la Navidad, llega al XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela el esperado regreso de una de las voces líricas más aplaudidas de nuestro tiempo, la del barítono alemán Christian Gerhaher. Junto al experimentado pianista Gerold Huber, con quien ha obtenido numerosos galardones en las casi tres décadas que llevan actuando juntos, el cantante interpretará algunas de las piezas más deslumbrantes de Johannes Brahms, en un programa monográfico. El recital tendrá lugar el lunes 19 de diciembre a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Gerhaher, destacado por su característico timbre cálido y su excelente dicción, está considerado como uno de los lideristas más importantes de nuestro tiempo. A su dominio vocal se suma el talento del pianista Gerold Huber, fiel acompañante del barítono desde su más temprana juventud. El público que acuda a este recital será testigo de la perfecta sincronía entre ambos intérpretes, que se ha ido perfeccionando a lo largo de las más de tres décadas de proyectos en común en numerosos escenarios y festivales internacionales. Este dúo, uno de los más destacados del panorama liderístico actual, hará un recorrido por algunos de los lieder más brillantes de Brahms que abarcan desde su juventud hasta su época de mayor madurez.

La primera parte del concierto estará protagonizada por su colección Neun Lieder und Gesänge, op. 32 (Nueve canciones y cantos, de 1864). Algunas piezas que integran este ciclo evocan con maestría el espíritu heroico, mientras que otras presentan un carácter marcadamente intimista y donde Gerhaher tendrá que modular la voz para adentrarse en territorios emocionales como la pérdida del amor o la dolorosa soledad. El recorrido continuará con Vier ernste Gesänge, op. 121 (Cuatro cantos serios, de 1896), cuatro piezas que hunden sus raíces en la Biblia y entre las que se encuentra el famoso pasaje de san Pablo en su primera carta a los corintios, pieza muy popular que se sigue interpretando actualmente en ceremonias y que ensalza el amor.

La segunda parte del recital propone un amplio recorrido temporal de casi cuatro décadas por diversas colecciones de Brahms. Entre ellas, se encuentran Von ewiger Liebe (Del amor eterno) y Die Mainacht (La noche de mayo), dos joyas musicales muy populares e interpretadas de manera habitual por cantantes y pianistas en todo el mundo, o Mein wundes Herz verlangt nach milder Ruh (Mi corazón herido anhela una dulce paz), caracterizada por un gran despliegue del contrapunto. El público también podrá descubrir una de las sorpresas de la noche, Herbstgefühl (Sentimiento otoñal), una obra desgarradora que hacía llorar a Clara Schumann cada vez que la tocaba, en palabras de la propia pianista.

René Pape

Esta temporada el Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el Centro Nacional de Difusión de la Música y el Teatro de la Zarzuela, ha retrasado su inicio hasta finales de noviembre, pero lo ha hecho con el debut en este ciclo del alemán René Pape. Uno de las voces más importantes dentro de la tesitura, cada vez más escasa, de bajo profundo. En esta ocasión no pudo estar acompañado por su pianista habitual Camillo Radicke por indisposición, y le acompañó Michael Schütze, que resolvión su participación con gran profesionalidad.

Para la ocasión se eligió un repertorio poco convencional pero de una gran belleza. Comenzó con Die ihr des unermesslichen Weltalls Schöpfer ehrt (Los que adoráis al Creador del Universo inconmensurable), K 619, de Wolfgang Amadeus Mozart que se escuchaba por primera vez en este ciclo. Continuó esta primera parte con Canciones bíblicas, op. 99 (1894) de Antonín Dvořák (1841-1904).

La pieza mozartiana contenía la riqueza de estilos del compositor, a las que Pape respondió con su bello y oscuro timbre, su extraordinaria zona central y una voz homogénea, densa y sin artificios. Hizo derroche además de una buena dicción en checo, en las intimistas y recogidas Canciones de Dvořák, el ruso, el inglés y, claro está, de su alemán natal.

La segunda parte dió comienzo con Three Shakespeare songs, op. 6, tres obras de un compositor poco conocido, el británico Roger Quilter, con textos de Shakespeare pero tal vez de una tesitura menos adecuada para Pape, que no se encontró muy cómodo, sobre todo en los agudos.

Terminó esta segunda parte con los Cantos y danzas de la muerte, de Modest Mussorgski. En esta ocasión el bajo alemán encontró su nicho sonoro, tanto en la tesitura como en la teatralidad de la interpretación. Poniendo así un magnífico colofón a este variado recital.

Ofreció tres propinas ya más relajado y con un público entregado. Un buen debut de un cantante que estamos más acostumbrados a ver desenvolverse sobre un escenario operístico, pero que ha dejado muy buen sabor de boca en su primera y, esperamos que no última, intervención en el Ciclo de Lied.

Fotografía: Elvira Megías

Carlos Álvarez

El barítono Carlos Álvarez, que junto a la soprano Rocío Ignacio y al maestro Guillermo García Calvo estaba programado para participar el próximo 30 de diciembre en el tradicional Concierto de Navidad del Teatro de la Zarzuela, no podrá tomar parte en el mismo por causas debidamente justificadas. El también barítono de notoriedad internacional Juan Jesús Rodríguez será quien suba al escenario en esta esperada cita.

RENÉ PAPE

El cantante alemán René Pape, considerado uno de los mejores bajos de su generación, debuta en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, junto al pianista Camillo Radicke. Ambos interpretarán dos ciclos clave del repertorio eslavo, las Canciones bíblicas de Antonín Dvořák y los Cantos y danzas de la muerte de Modest Mussorgski, una cantata de Wolfgang Amadeus Mozart y las delicadas canciones de Roger Quilter con textos de William Shakespeare. El recital tendrá lugar el lunes 28 de noviembre a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.  

El primer concierto de la XXIX edición del Ciclo de Lied supone una oportunidad única para disfrutar de una de las figuras más destacadas del canto a nivel mundial, la del maestro alemán René Pape (Dresde, 1964). Desde que cantara el papel de Sarastro en La flauta mágica de Mozart en el Festival de Salzburgo de 1995, se ha convertido en un nombre imprescindible para los principales teatros y auditorios del mundo, además de ser miembro de la Staatsoper de Berlín.

Con una carrera que suma tres décadas de trayectoria y que acumula prestigiosos galardones -entre ellos, dos Premios Grammy-, René Pape dará vida sobre el escenario a algunas de las obras maestras del género, así como a joyas musicales menos habituales del repertorio. Pese a que la ópera alemana es su gran especialidad, su carrera como liederista ha sido especialmente aplaudida por su gran dominio técnico y sus exquisitas dotes interpretativas.

El ciclo, una de las citas vocales dedicadas a la canción alemana más aplaudidas del panorama internacional actual, se abrirá con Die ihr des unermeßlichen Weltalls, K 619 de Mozart, un lied con forma de aria que tiene un halo de misterio al no ser una obra muy frecuentada en los programas habituales, pese a la enorme belleza y riqueza musical que posee. Le seguirá uno de los platos fuertes de la noche: las diez Canciones bíblicas de Dvořák, una muestra del mejor lied con alma checa donde Pape adoptará un registro más intimista.

La segunda parte se iniciará con las tres sobrecogedoras canciones del op. 6 de Quilter, con poemas de uno los nombres más universales de todos los tiempos, Shakespeare. Se trata de Come away, death y O mistress mine, cantos que se encuentran en la célebre Noche de Reyes, y Blow, blow thou winter wind, que pertenece a la comedia moderna Como gustéis. El broche de oro lo pondrán los Cantos y danzas de la muerte de Mussorgski, que requieren de un timbre misterioso para evocar el fantasmagórico mundo de esta obra capital del género liederista.

Cita con los mejores liederistas del mundo

Además de contar con René Pape, uno de los máximos exponentes en su género, el XXIX Ciclo de Lied contará con otros siete recitales en la temporada 22/23 del CNDM. Se podrá disfrutar, por primera vez, de la extraordinaria voz de la mezzosoprano Marianne Crebassa, con Joseph Middleton (27 de marzo). El programa también contará con voces jóvenes: los barítonos Andrè Schuen, con Daniel Heide (3 de abril); Konstantin Krimmel, con Ammiel Bushakevitz (30 de enero); Manuel Walser, con Alexander Fleischer (8 de mayo); y la soprano Christiane Karg, con el original acompañamiento del arpa de Anneleen Lenaerts (7 de febrero). No faltarán tampoco en la cita la vuelta de especialistas como Christian Gerhaher, con Gerold Huber (19 de diciembre) o Ian Bostridge, con Julius Drake (5 de junio).

René Pape © Jiyang Chen

Niño de Elche

Niño de Elche, artista flamenco carismático y único, presentará el próximo martes 22 de noviembre (20h00), dentro del ciclo de conciertos 22/23 del Teatro de la Zarzuela, ‘Flamenco. Mausoleo de celebración, amor y muerte’, su decimotercer trabajo discográfico que, según el propio intérprete “no es un ir hacia atrás sino un empezar de nuevo”.

Este nuevo proyecto toma de base el flamenco entendido como una expresión artística radical donde lo minimalista, lo austero o lo rudimentario se abraza a su vez con la intimidad de un cuarto o lo íntimo de un susurro, lo cálido de una celebración, el lamento de una despedida o lo degenerado de la fiesta, todo ello como elementos paradójicos y complejos de una forma de entender la construcción y la práctica artístico-vital del flamenco, que han acompañado siempre a Niño de Elche desde sus experiencias más clásicas a las tildadas como más experimentales.

Artista indisciplinar, Niño de Elche escoge de nuevo el inframundo flamenco para hablarnos de temas tan trascendentales como la celebración, el amor y la muerte.

El álbum está estructurado en 14 cantes para los que el archivo poético popular del flamenco ha servido de gran base desde donde construir la arquitectura de sus composiciones, que en esta ocasión han contado con las guitarras y la producción musical de Raúl Fernández “Refree”, uno de los grandes productores musicales españoles de la actualidad y sin duda alguna, el productor que en los últimos años ha sido el encargado de fraguar la discografía más arriesgada y sugerente relacionada con el flamenco y sus posibilidades.

Precisamente ese intento continuo de querer ampliar el campo estético del flamenco ha llevado a Niño de Elche a colaborar con el artista malagueño Ernesto Artillo para la dirección de arte, ideando para la ocasión una impactante imagen limpia, repleta de simbolismo, de belleza y romanticismo.

En definitiva, un disco el que ahora presenta por vez primera en el Teatro de la Zarzuela, que promete ser referencia directa para la afición flamenca habida y por haber como ya ha sucedido con sus anteriores trabajos ‘Antología del cante flamenco heterodoxo’ (2018) o ‘Memorial de cante en mis bodas de plata con el flamenco’ (2021).

Iberian & Klavier

El dúo de pianistas Iberian & Klavier, integrado por Laura Sierra y Manuel Tévar, ofrecerán el próximo lunes 14 de noviembre (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela un recital en el que presentarán la colección de piezas inéditas para piano solo que el maestro Alonso escribió en su juventud, aún en su Granada natal, justo antes de viajar a Madrid dónde empezaría su idilio con la zarzuela. Los intérpretes completan de este modo el trabajo de recuperación de patrimonio musical español iniciado en 2017 y que ha cautivado de forma extraordinaria a crítica y público. No es de extrañar, pues, que las entradas para el concierto se agotaran hace semanas.

Ganadores del Primer Premio del Bradshaw & Buono International Piano Competition de Nueva York 2016, después de 12 años de intensa carrera musical Iberian & Klavier Piano Duo se ha convertido sin duda en uno de los fenómenos pianísticos más exclusivos y con mayor proyección internacional de la actualidad. Su presencia en salas y festivales de todo el mundo ha ido creciendo de manera espectacular desde su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York en junio de 2015, con motivo de la conmemoración del 60 aniversario de la inclusión de España en la ONU. La prensa internacional calificó aquella carta de presentación de “concierto extraordinario y explosión de contemporaneidad pianística”.

Especialmente comprometido con la difusión de la música española, latinoamericana y la creación actual –con más de 12 estrenos absolutos–, el amplio y versátil repertorio del dúo abarca desde Bach hasta la música de nuestros días.

Laura Sierra y Manuel Tévar son asimismo amantes de los retos, como el que les llevó a presentar la Integral de las 9 Sinfonías de Beethoven en tres días consecutivos (y en varias ocasiones) o un monográfico Schubert en tres conciertos.

Desde 2017, y en paralelo a su actividad concertística, I&K desarrolla su propio proyecto solidario cuyo máximo exponente es el sector más débil y desfavorecido de nuestro entramado social: los niños. Así, “Ikforchildren” se ocupa de cooperar en el tratamiento de enfermedades infantiles, o de ayudar a niños en riego de exclusión social o pobreza.

boost

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo, 13 de noviembre a BOOST grupo de percusión, formación de jóvenes músicos que a pocos meses de cumplir diez años de andadura, está considerada como uno de los grupos de esta especialidad más comprometidos en la búsqueda de nuevas propuestas y estímulos. La versatilidad fuera de lo común del grupo –traducida en la interpretación e investigación de diferentes músicas y estilos–, unida a la refinada calidad en cada una de sus actuaciones, los ha hecho merecedores de los elogios del público y la crítica. En esta ocasión, el concierto, que tendrá lugar en el Ambigú del coliseo a las 12h00, incluirá obras de compositoras españolas de hoy, entre las que se podrán escuchar dos estrenos absolutos. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Además de la excelencia de su contenido, el programa está repleto de significado ya que por tercer año consecutivo el mencionado ciclo de La Zarzuela, que celebra ya su cuarta edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El quinteto –que se presenta para la ocasión en formato de trío integrado por Gregorio Gómez, Roberto Fernández y Antonio Martín– incluirá en su concierto música de Helena Cánovas, Laura Vega, Inmaculada Pérez Frutos, Carme Fernández Vidal, con estrenos absolutos de Amanda Garrido y Nuria Mª Sánchez.

Boost Grupo de Percusión se creó en 2013 con el compromiso de dar visibilidad a la música de hoy en día, lo que, según sus propias palabras, “hace que nos enfrentemos a obras de jóvenes compositoras y compositores como parte importante de nuestro repertorio, junto con las piezas más significativas escritas para percusión (solista o en ensemble) o para percusión en combinación con otros instrumentos”.

A través de este ciclo, el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Cada concierto cuenta con uno o varios estrenos absolutos, buena parte de ellos de jóvenes compositoras en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En esta ocasión serán dos los estrenos: ‘There is no wall’ de Amanda Garrido, y ‘Utøya, para trío de percusión’ de Nuria Mª Sánchez.

Las tres citas restantes del ciclo serán con la pianista Isabel Dobarro y el violinista Miguel Borrego (12 de febrero), el Cuarteto Manuel de Falla (23 de abril) y el Cuarteto Bretón (21 de mayo).

El cielo de Sefarad

Después de las espléndidas ‘Perdida en el Bosco’ y ‘La increíble historia de Juan Latino’, y del formidable éxito de la pasada temporada, el Teatro de la Zarzuela recupera ‘El cielo de Sefarad’ continuando así su apuesta por el teatro infantil de calidad. El montaje, coproducido como los anteriores con la compañía Claroscvro, ofrece una historia de amor, humor, magia y ternura. Se trata de una brillante producción de música, títeres y máscaras que se presenta en el Ambigú del coliseo, y que narra con especial sensibilidad y llaneza la tragedia de la expulsión de España de Noa, una niña judía, y su gato. En esta ocasión se ofrecerán 10 funciones para público a partir de 6 años, y las representaciones del sábado 5 y del domingo 29 de mayo (ambas a las 12h00) serán abiertas al público con un precio único de 10 euros.

En ‘El cielo de Sefarad’, como en todas las producciones de Claroscvro, la música es un elemento indispensable para el desarrollo del espectáculo. Es un personaje más. En esta ocasión, la historia se teje con música tradicional sefardí, obras del Cancionero de Palacio y de compositores españoles del siglo XV. El espíritu de la obra es ese obligado viaje físico y emocional emprendido por quienes fueron guardianes y transmisores de un legado que atesoraron como un amor robado pero siempre vivo.

Por eso, en esta celebración de música y teatro, ejemplo de valentía por medio de la belleza, se quiere mostrar la capacidad de resiliencia del ser humano, su sorprendente aptitud para adaptarse al medio incluso en las circunstancias más nocivas. ‘El cielo de Sefarad’ es, ante todo, una historia de amor que perdura hasta hoy; la historia de amor incondicional de ese pueblo, el sefardí, por su paraíso perdido.

El montaje cuenta con la dirección de escena de Larisa Ramos, junto a quienes son el alma de Claroscvro, Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, que ejercen también de actores y titiriteros. La dirección musical es de Enrique Pastor, que toca la fídula, la cítola, el laúd y la vihuela, junto a María José Piré, voz, flauta y percusión.

La compañía hispano-canadiense Claroscvro Teatro, una de las referencias mundiales del teatro de títeres dirigida por Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, presenta así su tercera coproducción con el Teatro de la Zarzuela después de las aclamadas ‘Perdida en el Bosco’ (2017 y 2019) y ‘La increíble historia de Juan Latino’ (2020 y 2021). Claroscvro Teatro emplea la recreación en el esteticismo historicista con el fin de reforzar los valores educativos de sus obras, con la convicción de que la belleza es el vehículo perfecto para amar el Arte.

Premio de Composición

El Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid han convocado la segunda edición de su Premio de Composición, al que podrán optar las alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hayan obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Los candidatos deberán presentar una sola obra que se ajuste a la plantilla obligatoria de violín, violonchelo y piano, y que deberá tener una duración mínima de 5 minutos y máxima de 12. La obra presentada tendrá asimismo que ser inédita y no haber sido estrenada.

El plazo límite de presentación de las obras será el 12 de abril de 2023, y el lugar para hacerlo la  Vicedirección del RCSMM de forma anónima y en papel antes de las 14 horas de ese día.

El Jurado, designado por el Departamento de Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y por el Teatro de la Zarzuela, seleccionará cinco obras de entre las presentadas que el Trío Arbós (Premio Nacional de Música 2013) estrenará el lunes 12 de junio de 2023 dentro del ciclo Notas del Ambigú del Teatro bajo el título ‘Música española contemporánea’.

Canción catalana

La soprano Serena Sáenz y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán mañana martes 18 de octubre (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela un recital en el que rendirán homenaje a la canción catalana con composiciones de Enrique Granados, Frederic Mompou, Albert Guinovar y Ricard Lamote de Grignon.

En el espléndido programa podremos disfrutar de las ‘Canciones amatorias’ que compuso Granados en 1915 sobre textos de Góngola, Lope de Vega y anónimos; de tres de las ‘Siete cancioncillas en estilo popular’ (1958) con textos de autores anónimos del siglo XV, y de dos de las ‘Cinc cançons’ (1928) con letra de Josep Maria de Sagarra, ambos ciclos del compositor Lamote de Grignon; y también interpretarán de Frederic Mompou su ‘Cantar del Alma’ (1943), con versos de San Juan de la Cruz, y dos de las cinco canciones que integran ‘Combat del somni’ (1942-1951) con textos de Josep Janés.

El recital de Sáenz y Fernández Aguirre acogerá además tres estrenos absolutos de  Albert Guinovart. Dos de ellos parte de las ‘Cuatro canciones’ que el autor ha compuesto sobre poesía de Gloria Fuertes, y el tercero, ‘Epitafio a un niño’, con texto de Carolina Coronado. De Guinovart interpretarán, asimismo, ‘T’estim’ (2014), con versos de Manuel Forcano.

Concierto, por tanto, para no perderse, cuyas entradas pueden adquirirse un precio único de 10€.

Pan y toros
Pan y toros
Zarzuela en tres actos
Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894)
Libreto de José Picón
Estrenada en el Teatro de la Zarzuela en 1864
D. musical: Guillermo García Calvo
D. escena: Juan Echanove
Escenografía y vestuario: Ana Garay
Iluminador: Juan Gonzáles Cornejo (AAI)
Coreografía: Manuela Barrero
Videoescena: Álvaro Luna, con la colaboración de Elvira Ruiz Zurita
D. coro: Antonio Fauró
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Coro Titular del Teatro de la Zarzuela
Reparto: Yolanda Auyanet, Carol García, Borja Quiza, Milagros Martín,
Gerardo Bullón, María Rodríguez, Enrique Viana,
Pedro Mari Sánchez, Carlos Daza, Pablo Gálvez,
José Manuel Díaz, Pablo López, Alberto Frías, César Sánchez,
Lara Chaves, Sandro Cordero, Julen Alba, Juan Sousa y Javier Alonso

Se conmemora esta temporada el bicentenario del nacimiento del compositor madrileño Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894). El Teatro de la Zarzuela, del que Barbieri fue cofundador y empresario, ha querido comenzar la temporada con uno de sus más conocidos títulos, Pan y toros. A la vez que le dedica, como empieza a ser tradición, uno de los palcos del Teatro.
Ante el impulso que en la segunda mitad del siglo XVIII tenían la ópera francesa e italiana, Barbieri, junto a otros compositores como Emilio Arrieta o Joaquín Gaztambide, se convirtió en uno de los principales impulsores del teatro y la lírica española.

Para poder rivalizar con estas obras que inundaban los teatros de Madrid, comenzó a utilizar en sus composiciones elementos de la ópera seria. Introdujo los coros al inicio y al término de la obra, para crear un mayor efecto sonoro. Prescindió de números individuales, como arias y romanzas y los sustituyó por arias de conjunto, dúos y tercetos. Cambió la estructura para que tuviera tres actos, al modo europeo. Se aprecian también en Pan y toros numerosos concertantes y la utilización, por primera vez, de los melodramas, escenas habladas que no están acompañadas de música. Se trata de diálogos secos que exigen de los cantantes una gran capacidad dramática.

Pan y toros es una de las obras más complejas de Barbieri. Su partitura puede estar a la altura del mejor belcanto. Sabe crear con su música atmósferas y situaciones propias de la dramaturgia de las mejores óperas europeas. Se considera por tanto una obra de las llamadas grandes zarzuelas y una de las más representadas del compositor, junto a otras como Jugar con fuego, Los diamantes de la corona y El barberillo de Lavapiés.

Pan y toros es una de las composiciones que mejor define el carácter español. Nos traslada a un Madrid del final de siglo XVIII. El de aquella época y el de casi cualquier época, pues su texto es de plena actualidad. Entre conspiraciones y enfrentamientos de las dos Españas del momento, liberales y conservadores o, como dice Echanove, “Somos una España dividida en dos tendidos, el de sol y el de sombra. Al de sombra le suele ir bien, el de sol, sufre. Y mientras todo esto ocurre, un hombre su juega la vida en un ruedo. Eso es España”.

El autor del libreto, el arquitecto e historiador José Picón, no trató de crear una obra de género taurino propiamente dicha. Su vinculación con el tema lo es por el título y porque entre sus protagonistas aparecen los tres toreros más famosos de la época. Se trata más bien de una curiosa historia de intrigas palaciegas en la que aparecen, además de los toreros, otros personajes conocidos de Madrid, como La Tirana, la Duquesa de Alba o el mismo Francisco de Goya, que ha sido inteligentemente utilizado como hilo conductor en toda la estética de esta producción.

Se suceden los pintorescos enredos en los que se mezcla la nobleza y el pueblo en una obra coral donde la interpretación tiene una gran importancia. Y para potenciar esta interpretación, se ha contado con Juan Echanove para la dirección escénica. El resultado no ha podido ser mejor. Como dice el director, “para abordar esta escenografía he tenido que poner todo, todo, todo lo que yo sé sobre el arte escénico”.

Con Goya y su obra como elemento cohesionador, Echanove ha plantado un ruedo giratorio en mitad del escenario que, a modo de metáfora, nos recuerda que estamos condenados a repetir los mismos errores sin posibilidad de salir.

La maestría de Echanove y Ana Garay generan un enorme dinamismo sobre el escenario. Componen escenas de un valor estético que bien podría haber firmado Laurent Pelly o Claus Guth. La dirección de actores, como no, es magnífica y nada fácil por la permanente multitud. Como bien dice Borja Quiza, ”Dirigir un dúo o una romanza es fácil, dirigir a las masas todo el tiempo es difícil”.

Otro gran acierto es la utilización de la danza contemporánea. La coreografía de Manuela Barrero y el trabajo de sus bailarines es brillante. Es un elemento innovador, actualiza la obra y establece una comunicación visual con el público que dinamiza todo el argumento. Componen escenas de una plasticidad estética de altísima factura.

Otro elemento a resaltar son las proyecciones de Álvaro Luna, con la colaboración de Elvira Ruiz Zurita. Utilizan obras de Goya e imágenes de los actores y cantantes, que también evocan los grabados del pintor aragonés. Complementan y enriquecen las escenas subrayándolas, siempre en armonía con música y argumento.

En momentos de transición argumental, aparece un personaje, como si de un fantasma se tratara, las castañuelas. Llaman la atención de todos sobre el hilo argumental y generan una atmósfera de misterio y expectación. Otro detalle de gran belleza estética y teatralidad.

Para esta producción, el Teatro de la Zarzuela ha dispuesto dos elencos de gran nivel. El estreno del 6 de octubre ha estado encabezado por la soprano Yolanda Auyanet que, a pesar de que ella se dice no muy experimentada en el género de la zarzuela, se encuentra cómoda en su personaje de Doña Pepita y hace muy bien de mala. Su facilidad para las agilidades, sin perder volumen en la emisión, creó un personaje muy operístico. Destacó su coloratura y los dúos, primero con el Capitán Peñalara, en el que lució sobreagudo, y después con la princesa Luzán.

El barítono Borja Quiza dio vida al Capitán Peñalara, militar al frente de las tropas que defienden al monarca. La gran capacidad para la interpretación de Quiza dibujaron un Capitán Peñalara con las cualidades que se le presumen a un militar. Su gran experiencia y buena técnica vocal le procuraron abordar su partitura con seguridad y la garantía de siempre. Pero se echó de menos ese brillo metálico que siempre adorna su timbre y del que disfrutamos en el pasado Barberillo de Lavapiés.

La mezzosoprano Carol García, con su hermoso timbre, construyó una princesa de Luzán amable y delicada, a pesar de ser la militar al mando. Una cosa no quita la otra. De ella fue la única romanza de la obra, la bellísima “este santo escapulario”, que abordó con gusto y sentido bellcantista. Su dúo con Doña Pepita fue de gran belleza, demostrando también su dominio de las agilidades.

El barítono Gerardo Bullón ha sido el encargado de dar vida al personaje de Francisco de Goya. Su impresionante presencia escénica ha estado multiplicada por las proyecciones sobre el escenario del propio personaje. Una buena teatralización acompañada siempre de su bello y noble timbre.

No defraudó Enrique Viana en el papel de Abate Ciruela, con esa capacidad suya para la comicidad. Su voz se resiente ya, pero su capacidad interpretativa, siempre solvente, garantizan el éxito de los personajes que encarna.

Milagros Marín siempre es un valor seguro. Canta, declama e interpreta con la facilidad que otros respiran. Y lo hace todo con esa energía que contagia.

A buen nivel estuvieron los tres toreros, Carlos Daza, como Pepe Hillo, Pablo Gálvez, como Pedro Romero y José Manuel Díaz, como Costillares.

Algo desapercibida pasó María Rodríguez como La Duquesita. El resto de comprimarios tuvo una actuación de buen nivel, Pablo López, en su papel de El General; El Santero, al que dio vida Alberto Frías y César Sánchez, que fue un perfecto Jovellanos.

Mención aparte merece el Coro del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró que, además de cantar, interpretan con el mismo garbo y casticismo. La Orquesta del Teatro, de la mano de su director Guillermo García-Calvo, estuvo a buen nivel. Aunque quizá un poco escasa de matices. La tarea no era fácil, la de dirigir a tantos elementos como había sobre el escenario, pero su dirección fue eficaz.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real/Teatro de la Zarzuela

Enrique Viana

Enrique Viana presenta en el Teatro de la Zarzuela el «cabaret lírico» ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’, un delirante viaje musical cargado de ironía, crítica, reflexión y surrealismo.

El cantante, actor, director de escena y dramaturgo estará acompañado por el pianista Ramón Grau.

Tras el éxito arrollador durante tres noches en el ciclo Notas del Ambigú de la pasada Temporada, vuelve al Teatro de la Zarzuela, esta vez en la sala principal del coliseo, ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’, «cabaret lírico» del cantante, actor, director de escena y dramaturgo Enrique Viana, que volverá a estar acompañado por el pianista Ramón Grau. Se ofrecerán dos sesiones los días 11 y 17 de octubre a las 20h00.

Será casi hora y media de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada. Dos personajes se encuentran en el mismo sitio a horas distintas y en diferentes siglos. Enrique Viana ha concebido un espectáculo para después del espectáculo de la semana «laboral», después del «ay, por favor…no puedo más» y justo antes del «jejejeje» en el móvil y de la risa en directo.

Se trata de un «cabaret lírico», al más puro estilo Viana, adornado, salpicado, estampado, serigrafiado, pulverizado con «músicas varias» de nuestra zarzuela y despropósitos de nuestra historia diaria. Con músicas de Moreno Torroba, Serrano, Guridi, Bretón, Usandizaga, Rosillo… ¡y más!

Nadie, absolutamente nadie quedará indiferente.

Guillermo García Calvo

Guillermo García Calvo indaga en la figura de Barbieri a través de la música para piano de Schubert, Pedro Albéniz, Sánchez Allú, Power y Masarnau.

Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, tiene este próximo domingo 9 de octubre (12h00) en el Ambigú del coliseo una nueva cita con los aficionados a través del ciclo ‘A propósito de…’. Este segundo recital de los tres que lo componen esta temporada, estará dedicado al entorno creador de Francisco Asenjo Barbieri –de quien el año próximo se cumplirá el bicentenario del nacimiento– con motivo del estreno en estos días, tras 21 años de ausencia en el escenario de La Zarzuela donde nació en 1864, de una nueva producción de ‘Pan y toros’ dirigida por el propio maestro y con escena de Juan Echanove.

Como es habitual en estos encuentros musicales, cada título será previamente presentado por el director de orquesta y pianista, para luego pasar a interpretar al piano cada una de las obras. Hará alusión a los vínculos entre el compositor y sus coetáneos tanto en España como más allá de nuestras fronteras.

En este recital y bajo el título ‘El piano del siglo XX’, García Calvo relacionará de esta manera el universo Barbieri al de Franz Schubert, Pedro Albéniz, Martín Sánchez Allú. Teobaldo Power o Santiago Masarnau.

Próxima cita del ciclo:

 ‘A propósito de Bretón’ · El piano del último romanticismo · Domingo 5 de febrero de 2023

Juan Echanove, pan y toros

El comienzo de una nueva temporada lírica siempre es motivo de alegría y celebración. Y estos tienen aún más sentido si ese acontecimiento llega vestido de buenas noticias, como es el caso de ‘Pan y toros’ de Francisco Asenjo Barbieri –de quien el año próximo se celebra el bicentenario del nacimiento– y el libretista José Picón. Se trata sin lugar a dudas de una de las grandes obras maestras del músico madrileño. Una joya que tras 21 años de ausencia regresa al escenario del Teatro de la Zarzuela donde nació en 1864. Y la suerte de este añorado reencuentro llega acompañada de otra atractiva e importante novedad: el debut de Juan Echanove en el teatro lírico como director de escena. Durante 14 funciones, del 6 al 23 de octubre, el teatro de la madrileña plazuela de Jovellanos volverá a ser una fiesta.

Esta nueva producción de ‘Pan y toros’, el retorno después de varias décadas de la obra de Barbieri al Teatro de la Zarzuela, su casa natural, y que lo haga de la mano de Juan Echanove y la batuta de Guillermo García Calvo –director musical del coliseo–, es un acontecimiento más que memorable. Como es habitual, el foso lo ocupará la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro). El montaje cuenta, asimismo, con la sorprendente escenografía y el vestuario fidedigno y sutil de Ana Garay, la fascinante iluminación de Juan Gómez Cornejo, la omnipresente y esclarecedora coreografía de Manuela Barrero y la videoescena goyesca y ensoñadora de Álvaro Luna con la colaboración de Elvira Ruiz Zurita.

Serán, además, dos extensos repartos los que cantarán la obra genial de Barbieri. Pocas son las ocasiones en que el público se encuentra con un equilibrio vocal y una garantía como la de estos elencos integrados por las sopranos Yolanda Auyanet y Raquel Lojendio, las mezzosopranos Carol García y Cristina Faus, los barítonos Borja Quiza y César San Martín, la soprano Milagros Martín, el barítono Gerardo Bullón, la mezzosoprano María Rodríguez, el tenor Enrique Viana, el actor Pedro Mari Sánchez, los barítonos Carlos Daza, Pablo Gálvez, José Manuel Díaz y Pablo López, el tenor-actor Alberto Frías, el actor César Sánchez, la actriz-cantante Lara Chaves y los  actores-cantantes Sandro Cordero y Julen Alba.

Los acompañará en el escenario el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, así como quince bailarines-actores.

La función del 22 de octubre será grabada por Radio Clásica de RNE y emitida en fechas próximas.

Ruedo ibérico: la Gran Historia de España

Guillermo García Calvo destaca que «saber escribir con pocas notas melodías que conmueven, que iluminan, que nos hacen soñar y ser felices por unos instantes, es uno de los misterios de la creación artística y una virtud que no se encuentra en muchos compositores. Barbieri –concluye el maestro– era uno de ellos, y asegura que gracias a una sublime capacidad inventiva y a su inspiración arrolladora, es comparable a otros dos genios de su época: Rossini y Verdi.

En este sentido, y muestra de ello, es que la partitura de ‘Pan y toros’ «derrocha creatividad y fantasía musicales y es, además, un ejemplo extraordinario del instinto teatral de Barbieri».

Juan Echanove, por su parte, afirma que esta que ahora se presenta en La Zarzuela «es una producción espectacular» en la que él y su equipo habitual se han volcado para elaborar un discurso en el que la figura de Goya está en el centro.

El escenario se transformará en una suerte de «ruedo ibérico», así lo denomina Echanove, quien resume el espíritu de la obra con una reveladora reflexión: «España es una historia de espías y de intrigas palaciegas y populares. Pequeñas historias que conforman entre todas la Gran Historia de España». Y con estos ingredientes, Barbieri y Picón crearon «una joya musical que también destila humor y verdad».

Una zarzuela que habla de nosotros

Pan y toros, uno de los títulos más queridos y celebrados por los amantes del género, es una zarzuela grande e histórica, aleccionadora y entretenida, que habla de nosotros, de nuestra historia en los siglos XVIII y XIX. Nos traslada al Madrid goyesco entre conspiraciones y enfrentamientos de las dos Españas representadas en liberales y conservadores. Se trata, pues, de una curiosa historia de intrigas del variopinto grupo de liberales contra la conservadora y arrogante camarilla de Manuel Godoy, el Duque de la Alcunia, que gobernaba España en nombre de Carlos IV, y que sirvió al dramaturgo José Picón para trazar la trama como un brillante tapiz, rico de color y cargado de vida teatral.

Estrenada en el Teatro de la Zarzuela el 22 de diciembre de 1864, es de las más importantes aportaciones de Francisco Asenjo Barbieri al género y una de las obras cumbre de la zarzuela grande.

Dolce Rima

El dúo Dolce Rima recrea el ambiente musical de la corte de los Reyes Católicos inspirado por la figura culta y humanista de Beatriz Galindo.

El dúo Dolce Rima, formado por Julieta Viñas (voz) y Paula Brieba (vihuela), recreará el próximo lunes 3 de octubre (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela el ambiente musical de la corte de los Reyes Católicos. Será una conjunción de música y poesía en torno a la figura de Beatriz Galindo, conocida como ‘La Latina’ por ser una mujer de letras, culta y humanista, amiga íntima de la reina y maestra de sus hijos, destinados a reinar.

En el exquisito programa que han preparado, podremos disfrutar de piezas del renacimiento español para voz y vihuela de poetas y estudiosos de la época como Enríquez de Valderrábano, Alonso de Mudarra, Luys de Narváez, Diego Pisador, Luys de Milán o Josquin Desprez, entre otros, así como textos recitados de la propia Beatriz Galindo.

El caballero avaro

La Fundación Juan March y el Teatro de la Zarzuela han presentado hoy ‘El caballero avaro’, ópera en un acto de Sergei Rachmaninoff basada en la obra homónima de Alexandr Pushkin. Se ofrecerán cuatro funciones en la sede madrileña de la Fundación, los días 25 y 28 de septiembre y el 1 y 2 de octubre, para las que podrán solicitarse entradas de forma gratuita.

Esta coproducción consolida el ciclo Teatro Musical de Cámara, siguiendo la estela de otros títulos rusos y raramente representados, como ‘Mavra’, de Ígor Stravinski (2016), y ‘Mozart y Salieri’, de Rimsky-Korsakov (2017). ‘El caballero avaro’ constituye así una ocasión para acercarse a una gema desconocida y oscura en la obra de Sergei Rachmaninoff. Se trata de su segunda ópera, género en el que el compositor ruso se prodigó en tan solo cuatro ocasiones en su carrera. De atmósfera oscura y angustiosa, la trama refleja las consecuencias de la avaricia en una patológica relación paternofilial ambientada en la Europa medieval.

Con un libreto basado en una de las ‘Pequeñas tragedias’ de Alexandr Pushkin (1799-1837), ‘El caballero avaro’ sondea las profundidades de la psicología de los dos protagonistas: un padre rico y tacaño y un hijo despilfarrador y codicioso, que se endeuda para financiar su afición al juego. En el texto de Pushkin, de matiz moralista, el pecado capital de la avaricia y una espiral de conspiraciones terminan destruyendo a ambos.

Esta coproducción entre el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March cuenta con la dirección musical de Borja Mariño y la dirección escénica de Alfonso Romero. Si bien Rachmaninoff quiso musicalizar de forma rigurosa el texto de Pushkin, ambientado en la Edad Media, la representación en el auditorio de la Fundación Juan March busca crear puentes entre dos visiones: la de la avaricia como un pecado capital y su rostro moderno, la de una patología de la mente.

Los tintes psicológicos y oscuros que esta nueva entrega de Teatro Musical de Cámara destaca estuvieron presentes tanto en la confección del texto como en su musicalización, años después. Alexandr Pushkin ideó sus ‘Pequeñas tragedias’ en un contexto convulso: encerrado por una epidemia de cólera que obligó a retrasar su boda, en 1830. Tras retratar los conflictos entre la avaricia enfermiza del padre y las súplicas de su hijo, se vio obligado a inventar que el texto era una adaptación y no una obra original. Lo hizo por miedo a alimentar incómodas comparaciones con su propio padre, que había dilapidado la herencia familiar.

Sergei Rachmaninnoff también conoció la carga de vivir en la pobreza con un nombre aristocrático. Su padre había derrochado su dinero y, antes de alcanzar la fama, tuvo que mantenerse impartiendo clases de piano. Escribió esta ópera en 1906 bajo el hechizo de ‘El anillo del nibelungo’, que había visto en Bayreuth en su viaje de novios, y utiliza el novedoso método de orquestación wagneriano para evocar a personajes, ambientes y seres inanimados –como la oscuridad del sótano o el fulgor de las monedas de oro, quizá un homenaje al anillo que hila la tetralogía wagneriana–. Su personal lenguaje musical le permite recrear una atmósfera oscura y angustiosa, sorteada de oleadas emocionales, que aleja esta obra de los cauces de la ópera tradicional.

De la avaricia a la creptomanía

Aunque la ópera está ambientada en la Europa medieval, su director de escena, Alfonso Romero, ha creado una propuesta que tiende puentes entre pasado y presente, entre el concepto de avaricia como pecado capital y la creptomanía, esa obsesión patológica por el dinero que provoca que la persona descuide cualquier otro aspecto de su vida. “La idea de avaricia como pecado trasciende hacia un concepto más moderno de trastorno psicológico –explica Romero–. [El padre] ha construido otra armadura, tosca y primitiva, pero de oro puro. Este símbolo externo de poder es utilizado en su ritual casi erótico para su disfrute íntimo y secreto. Pero su trastorno mental hace que desee una unión más profunda con el pesado metal. Necesita literalmente que el oro penetre dentro de su cuerpo, que sea parte de su físico en una suerte de dismorfia enfermiza”.

El pasado, la tradición y la visión moralista y aleccionadora de la avaricia como pecado capital se representan sobre el escenario en un tríptico medieval que hace referencia al universo medieval ideado por Pushkin. La escenógrafa Carmen Castañón sitúa el tríptico en el centro de un cajón negro que ocupará el escenario del auditorio, a medio camino entre la solemnidad del museo y la sobriedad del expositor aterciopelado de una joyería. Ese espacio negro mate tendrá distintas alturas en las que lucirán –como joyas brillantes– los cantantes y estará enmarcado por 12 pantallas sin marco, en las que se proyectarán los dibujos a carboncillo del proyeccionista Philipp Contag-Lada.

El reparto está conformado por el barítono ucraniano Ihor Voievodin en el papel del Barón, el tenor Juan Antonio Sanabria como Albert, el hijo del aristócrata, el barítono Isaac Galán como El duque, el tenor Gerardo López como El prestamista y el bajo Javier Castañeda como Iván El sirviente.

El transcurso de un siglo nos permite ver ahora con una mirada nueva esta obra raramente representada y merecedora de ser reconocida. Como afirma Marina Frolova-Walker en las notas al programa, se trata de una obra que “nos traslada a la esencia de Rachmaninoff como compositor, y, también, como ser humano. La intensidad elemental de sus oleadas emocionales y su absoluta oscuridad ocultan no sólo sus cálculos minuciosos, sino también su compasión. A pesar de que sus personajes no despiertan empatía, esa compasión acaba impregnando nuestros corazones”.

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