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Temporada CNDM
  • La decimocuarta temporada del CNDM constará de 270 citas (204 conciertos y 66 actividades pedagógicas) en 29 ciudades españolas y 7 ciudades en el extranjero.
  • Se recuperan 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM; de los cuales 15 obras creadas por compositoras.
  • Se amplía la colaboración con los socios coproductores a más de 150 instituciones públicas y entidades privadas, que se han convertido a lo largo de estos años en columnas del CNDM.
  • Las residencias artísticas recaen en José Luis Turina, compositor residente, Accademia del Piacere y el Cuarteto Quiroga, grupos residentes.
  • En Madrid, se mantienen los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.
  • En los Circuitos Internacionales, se incorpora la coproducción con el Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia y el Festival Mozart de la Habana en Cuba. Los Circuitos Nacionales se amplían a Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).
  • El público disfrutará de una ambiciosa programación con la visita de grandes voces como las de los contratenores Franco Fagioli, Philippe Jaroussky, las esperadas sopranos Jeanine de Bique, la mezzo Ann Hallenberg o el sopranista Samuel Mariño. Vuelven los mejores cuartetos de cuerda del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Jerusalén, el Armida, el de la violinista Julia Fischer o el Cuarteto Quiroga, que estrenará varias obras en compañía de grandes intérpretes como Javier Perianes o Jörg Widmann. Celebraremos una doble cita con el piano minimalista con la presencia de Hauschka y Dustin O’Halloran, premiados autores de bandas sonoras. Disfrutaremos de veladas inolvidables con Zenet, la Premio Nacional de Danza Patricia Guerrero en una original propuesta con Accademia del Piacere, el consagrado pianista Kenny Barron o Chano Domínguez. Asistiremos a espectáculos de pura emoción flamenca con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar o los “Sordera”, la primera saga flamenca que pisará el CNDM. Las aclamadas sopranos Lise Davidsen y Olga Peretyatko se presentarán en el prestigioso Ciclo de Lied, al que regresarán las extraordinarias voces de especialistas como Gerald Finley, Christian Gerhaher o Matthias Goerne, entre otros.
  • Se abre el periodo de renovación de abonos hasta el 27 de junio. El periodo de venta de nuevos abonos comenzará el 30 de junio y se prolongará hasta el 9 de septiembre. Venta libre de localidades a partir del 12 de septiembre. Descuentos sociales de hasta el 50% en abonos y localidades.

El director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Joan Francesc Marco, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana la temporada 23/24 de esta unidad del INAEM, que tendrá lugar del 8 de septiembre de 2023 hasta el 25 de julio de 2024. Se celebrarán un total de 270 citas, con 204 conciertos y 66 actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM de los cuales 15 obras creadas por compositoras. El programa se desarrollará en 29 ciudades españolas y 7 en el extranjero en colaboración con más de 150 instituciones.

La ambiciosa programación del CNDM amplía el número de actividades, de ciudades y de socios coproductores respecto a la edición anterior. Entre las principales novedades de este año se encuentran la creación de un nuevo ciclo en el Auditorio Nacional de Música, Recordando a Alicia, en homenaje a la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento; así como la incorporación de nuevas ciudades internacionales y nacionales: coproducciones en los prestigiosos Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia, y el Festival Mozart de La Habana en Cuba; y las ciudades españolas de Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).

“La decimocuarta edición del CNDM pone el foco en la esencia de esta institución como centro que reivindica nuestro patrimonio musical y donde tienen cabida un universo de posibilidades para los amantes de la música en directo”, ha afirmado Francisco Lorenzo, director del CNDM, durante la presentación. También ha señalado que la nueva temporada se asentará en los tres pilares fundamentales del CNDM. En primer lugar, la dirección artística del Auditorio Nacional de Música, dotando a este espacio de una programación pública, diversa y de máxima calidad. En segundo lugar, la promoción, difusión y ampliación del patrimonio musical nacional, a través de la programación de conciertos y actividades pedagógicas, encargos de composición y recuperaciones históricas. Y en tercer lugar, el apoyo a los creadores e intérpretes españoles.

La nueva edición toma como imagen de temporada la obra de Juan Carlos Casado, un referente de la astrofotografía mundial cuyas creaciones han sido galardonadas por la NASA en más de cincuenta ocasiones. Su obra sirve para reflejar la solidez y magnitud del proyecto del CNDM que cumple ya 14 años.

Residencias artísticas

El CNDM mantiene nuevamente las residencias artísticas para seguir apoyando la trayectoria y el trabajo de grandes compositores e intérpretes. Este año habrá tres residencias ocupadas por agrupaciones y artistas españoles: una doble residencia en el apartado de grupo y una en el apartado de compositor.

El Cuarteto Quiroga, que este año celebra su vigésimo aniversario, será uno de los grupos residentes. Se trata de una de las formaciones de cámara más estables y consolidadas del panorama actual. Con esta agrupación, el público podrá asistir a varios estrenos, así como apreciar su talento en diálogo con grandes músicos de la talla del clarinetista y compositor Jörg Widmann, la violinista Veronika Hagen o el pianista Javier Perianes, estrechamente vinculados a su trayectoria musical.

El otro grupo residente será Accademia del Piacere, un grupo que destaca por su singularidad, la innovación de sus propuestas y una gran capacidad para explorar más allá de los límites de distintas manifestaciones artísticas. Fundado y liderado por Fahmi Alqhai, es una de las agrupaciones españolas más internacionales y versátiles. Sus músicos actuarán en distintos ciclos en Madrid y también viajarán al extrajero a través de los Circuitos Internacionales del CNDM.Por último, José Luis Turina ostentará la figura de compositor residente. Además de ser uno de los compositores españoles más importantes de la actualidad, José Luis Turina es un reconocido pedagogo y gestor cultural y una figura imprescindible en el desarrollo de la educación musical en nuestro país. A lo largo de la programación 23/24, se recrearán algunas de sus obras más emblemáticas y el público asistirá a estrenos de la mano de grandes agrupaciones.

La programación en Madrid

En Madrid, regresan los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.

El nuevo ciclo Recordando a Alicia constará de 3 recitales de piano en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. Este ciclo nace como una contribución a los numerosos homenajes de este año en torno a la figura de la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento. Los conciertos estarán protagonizados por las pianistas Rosa Torres-Pardo, Noelia Rodiles y Judith Jáuregui, que incluirán en sus programas algunas de las piezas más estrechamente vinculadas a la trayectoria de esta icónica y querida artista.

El ciclo Universo Barroco Sinfónico constará de 11 conciertos. De ellos, tres serán extraordinarios (fuera de abono) y abordarán tres de los títulos más relevantes de la historia de la música: el Magnificat de Johann Sebastian Bach en Navidad, de la mano de la Netherlands Bach Society; las fabulosas Vísperas de Claudio Monteverdi, con el Coro de Cámara de Namur y Cappella Mediterranea, bajo la dirección de Leonardo García Alarcón; y la Pasión según San Mateo de J. S. Bach, obra cumbre de la cultura occidental, que en esta ocasión será interpretada por extraordinarios músicos nacionales: el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y el Cor Infantil de l’Orfeó Català junto a Vespres d’Arnadí y bajo la dirección de Christoph Prégardien, quien como tenor interpretara el papel del Evangelista en numerosas ocasiones. En esta edición, asistiremos al estreno en tiempos modernos de una recuperación histórica, Las amazonas de España de Giacomo Facco, una ópera que se estrenó en el Real Coliseo del Buen Retiro en 1700 y que Concerto 1700, liderado por el violinista Daniel Pinteño, interpretará en la Sala Sinfónica con la presencia de algunas de las mejores voces especialistas en el Barroco, como María Espada, Giulia Semenzato o Natalie Pérez, entre otras. Visitarán el ciclo grandes voces como las del contratenor Franco Fagioli en el haendeliano Tolomeo, re d’Egitto con Il Giardino Armonico y la Kammerorchester Basel, dirigidos por Giovanni Antonini, o el contratenor Philippe Jaroussky con Le Concert de la Loge, bajo la batuta del violinista y director Julien Chauvin. También contaremos con las extraordinarias voces de la soprano Sandrine Piau y la mezzosoprano Ann Hallenberg en Berenice, regina d’Egitto, un título brillante pero menos conocido de George Frideric Haendel con Il Pomo d’Oro, bajo la dirección del clavecinista Francesco Corti; o con el contratenor Carlo Vistoli y la soprano Emőke Baráth en el también haendeliano Rinaldo con Les Accents, bajo la dirección del violinista Thibault Noally. Además, finaliza la trilogía monteverdiana con L’incoronazione di Poppea de la mano de The English Concert, bajo la dirección de Harry Bicket, en un concierto que contará con el Coro de la Comunidad de Madrid y con la esperada soprano Jeanine de Bique en el papel protagonista. El ciclo también recorrerá otros títulos líricos, como The fairy queen de Henry Purcell, de la mano de los prestigiosos Les Arts Florissants, dirigidos por William Christie; o Les Boréades de Jean-Philippe Rameau, con la orquesta barroca de Praga Collegium 1704 y su agrupación vocal del mismo nombre, bajo la dirección de Václav Luks.

En el ciclo Universo Barroco Cámara se celebrarán 12 conciertos. Se prestará una especial atención a Barbara Strozzi y a la labor de la mujer creadora en la composición barroca, con los conciertos de la soprano Núria Rial junto a Accademia del Piacere, agrupación residente de la temporada; y las sopranos Dorothee Mields y Hana Blažiková acompañadas por el Hathor Consort, dirigido por la también violagambista Romina Lischka. Se estrenará en tiempos modernos la ópera de Domenico Scarlatti La Silvia, de la mano de Aarón Zapico y su Forma Antiqva, y con la presencia de la soprano Jone Martínez, el contratenor Carlos Mena y el tenor Alberto Palacios. El ciclo seguirá velando por la visibilidad de los mejores grupos nacionales, que interpretarán tanto repertorio español como universal, entre ellos el Euskal Barrok Ensemble, dirigido por Enrike Solinís, con un programa inspirado en el famoso Concierto para laúd de Antonio Vivaldi; la Orquesta Barroca de Sevilla, que afrontará L’estro armonico -también de A. Vivaldi-, una de las colecciones de conciertos más influyentes y extraordinarias de todo el siglo XVIII, con la participación del violinista Enrico Onofri en su doble faceta de intérprete y director; L’Apothéose, que visita el ciclo en un formato que va más allá de su formación original como cuarteto, y actuará con solistas de la talla de la flautista Dorothee Oberlinger; La Ritirata de Josetxu Obregón, que abordará el oratorio Il giardino di rose de Alessandro Scarlatti; y la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, con el violinista Shunske Sato al frente. Asimismo, el renombrado sopranista venezolano Samuel Mariño se unirá al conjunto dirigido por el clavecinista Marcello di Lisa, Concerto de’ Cavalieri, para interpretar un repertorio centrado en las fuentes barrocas del bel canto. También visitarán este universo sonoro el conjunto inglés Arcangelo, fundado y dirigido por el clavecinista y violonchelista Jonathan Cohen, el ensemble Diderot y la aclamada agrupación vocal Vox Luminis, que regresará al CNDM para abordar una de las obras clave del repertorio sacro español: el Officium defunctorum de Tomás Luis de Victoria.

El ciclo Liceo de Cámara XXI continuará su andadura en la Sala de Cámara con 12 conciertos. Vuelven los mejores cuartetos del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Cuarteto Jerusalem, o el Cuarteto de la violinista Julia Fischer, que se presenta por primera vez en este ciclo. A dúo, el público disfrutará del virtuosismo de la violinista Leticia Moreno y el pianista Josu de Solaun, que estrenarán en España la Sonata para violín y piano de José Luis Turina, compositor residente de la temporada 23/24; o de la violonchelista Sol Gabetta con el pianista Bertrand Chamayou. Además, el Cuarteto Quiroga, uno de los grupos residentes, tendrá un papel protagonista en el ciclo con tres citas donde estrenará obras de nueva creación de Raquel García-Tomás y Konstantia Gourzi. También establecerá un exquisito diálogo con algunos grandes músicos de la escena nacional e internacional estrechamente vinculados a la trayectoria del cuarteto: el clarinetista y compositor Jörg Widmann, compositor residente en la Berliner Philharmoniker, con quien estrenará una de sus composiciones, la destacada violista Veronika Hagen, y el aclamado pianista Javier Perianes. Se celebrarán dos conciertos dedicados a octetos. Por un lado, el Cuarteto Cosmos se rodeará de músicos amigos para interpretar los octetos de Jörg Widmann y Franz Schubert y, por el otro, el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ébène unirán fuerzas para enfrentarse a los de George Enescu y Felix Mendelssohn. Asimismo, contaremos con la participación del trío formado por el violinista Fumiaki Miura, el violonchelista Jonathan Roozeman y la pianista Varvara, que abordarán piezas clave del género camerístico con tríos de Ludwig van Beethoven, Dmitri Shostakóvich y Lera Auerbach. Por su parte, el Cuarteto Armida ofrecerá un programa especial en colaboración con el violista del Cuarteto Casals, Jonathan Brown, y el violonchelista Eckart Runge.

Dentro del ciclo Jazz en el Auditorio, vuelven propuestas de altísima calidad protagonizadas por relevantes figuras del jazz nacional e internacional, con un total de 9 conciertos, uno de ellos extraordinario (fuera de abono) en la Sala Sinfónica, protagonizado por Avishai Cohen Trio, agrupación liderada por el genial contrabajista y compositor Avishai Cohen. Este artista también nos visitará en formato dúo junto al pianista Makoto Ozone, otro gigante del panorama jazzístico. Entre los nombres internacionales destaca el veterano pianista Kenny Barron, auténtica leyenda que nos traerá su nuevo monólogo discográfico The Source, así como el debut en este ciclo de Bobo Stenson Trio, que presentará el proyecto Sphere, que aborda la obra de compositores de los siglos XX y XXI, así como algunas de sus propias piezas. De la escena nacional, debuta en este ciclo el experimentado contrabajista gallego Baldo Martínez en formación de sexteto y vuelven grandes nombres como Andrea Motis, Chano Domínguez y Flavio Boltro 4et, Paolo Fresu Trio y Perico Sambeat en su versión más flamenca.

El ciclo Andalucía Flamenca, organizado en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco, albergará 7 conciertos esta temporada. El ciclo se abrirá con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar. Por primera vez, se reunirá sobre el escenario del CNDM a una saga del arte flamenco, la de los “Sordera”, ejemplo del linaje jerezano al que dan continuidad en la actualidad Vicente Soto “Sordera”, Enrique Soto y Lela Soto. Debutará en el ciclo Reyes Carrasco, una joven promesa del flamenco que ya ha compartido escenario con aclamadas figuras del cante y ha sido galardonada en numerosas ocasiones. También visitarán el ciclo grandes cantaores como la jerezana María Terremoto, con un concierto en el que abordará los estilos propios de su Jerez natal y de su saga, sin excluir guiños al rico legado musical de su padre Fernando; Arcángel, que ofrecerá un recital basado en una colección de estilos clásicos de cante junto al guitarrista Miguel Ángel Cortés; y Manuel Lombo, que reivindicará sus raíces flamencas junto con el guitarrista Pedro Sierra. Asimismo, el ciclo contará con una sesión doble protagonizada por dos cantaores que transportarán al público a herencias bien distintas: Pedro “El Granaíno” y Caracolillo de Cádiz.

En Fronteras, el ciclo más mestizo del CNDM, se celebrarán 8 conciertos, 2 de ellos extraordinarios (fuera de abono). En cuanto a estos últimos, vuelve Víkingur Ólafsson, excelente pianista islandés que interpretará su visión más personal de las legendarias Variaciones Goldberg de J. S. Bach; y el grupo residente Accademia del Piacere, con Gugurumbé. En esta original propuesta, presentará un programa particularmente especial que revisita el flamenco y lo pone en diálogo con otras artes. Para ello, la agrupación contará con la presencia de la soprano Núria Rial, la bailaora Patricia Guerrero (Premio Nacional de Danza 2021), la cantaora Alba Carmona, la bailarina de danza contemporánea Ellavled Alcano, el guitarrista flamenco Dani de Morón y el director de escena y coreógrafo Antonio Ruz. Siguiendo esta línea, otra de las colaboraciones será la de Accademia del Piacere con el guitarrista flamenco sevillano Dani de Morón, que presentarán su reciente proyecto Metamorfosis. Asimismo, celebraremos una doble cita con el piano minimalista, con la presencia de Dustin O’Halloran y Hauschka, galardonado recientemente con un Oscar por su última partitura. Acudirá al CNDM por primera vez Zenet, consagrado y versátil artista en cuya música abundan la fusión de estilos y melodías del jazz, el tango o la copla. Fruto de la colaboración con el Instituto Italiano de la Cultura, el pianista, compositor y jazzista romano Enrico Pieranunzi actuará junto con el violinista Gabriele Pieranunzi y el clarinetista de Perugia Gabriele Mirabassi para conmemorar el 100º aniversario de la composición de Rhapsody in Blue del compositor neoyorquino George Gershwin. El fado también estará nuevamente representado en este ciclo de la mano del cantante, guitarrista y compositor António Zambujo, acompañado por su banda.

El exitoso ciclo Bach Vermut celebra su décimo aniversario en la nueva edición 23/24 con 8 conciertos. En este tiempo, se ha convertido en uno de los ciclos más populares del CNDM con un formato novedoso que agota localidades, seduce a nuevos públicos y marida a los mejores organistas del mundo, con jazz y gastronomía. Entre las citas más destacadas de esta temporada, se contará con la presencia de Susanne Kujala y Katelyn Emerson, que actuarán por primera vez en el ciclo; Daniel Oyarzabal y la violinista Miriam Hontana, con una desenfadada propuesta en torno a Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi; o con el gran maestro de la improvisación Wayne Marshall. También se recupera el exitoso formato de concierto en el que la periodista Eva Sandoval descubrirá los secretos del órgano, grabando el interior del instrumento a tiempo real, con la participación de Thomas Ospital. Este ciclo también contará con Mar Vaqué y Joan Seguí, destacados exponentes de la nueva hornada de organistas nacionales. Y, un año más, visitará el CNDM el clavecinista francés Benjamin Alard, así como Peter Holder y Alaia Ensemble, dirigidos por Daniel de la Puente, que presentarán un programa con el estreno de una pieza de la compositora Eva Ugalde. Además, algunos de estos intérpretes y otros más actuarán en las catedrales de Ávila, Barcelona, Burgos, Getafe, León, Málaga, Murcia y Sevilla dentro del ciclo El órgano en las Catedrales.

El Ciclo de Lied celebra su trigésimo aniversario con 12 recitales en el Teatro de la Zarzuela. Por primera vez, se contará con la participación de la aclamada soprano Lise Davidsen junto con el pianista James Baillieu, responsables de inaugurar el ciclo. También la célebre soprano rusa Olga Peretyatko y el pianista Semjon Skigin visitarán por primera vez esta programación para presentar un recital que reivindica el papel de la mujer compositora en la historia de la música, con obras de Clara Schumann y Pauline Viardot, entre otras. La soprano norteamericana Erika Baikoff y el pianista Soohong Park debutarán en el ciclo. También debutará el barítono español José Antonio López, que junto a Daniel Heide estrenará una obra de Antoni Parera Fons, y la mezzosoprano Catriona Morison, en una especial velada junto a la soprano Katharina Konradi y el pianista Ammiel Bushakevitz. El barítono Andrè Schuen, una de las grandes revelaciones de las voz lírica de los últimos años, volverá a pisar las tablas del Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Visitarán el ciclo extraordinarias voces como las de los barítonos Gerald Finley con Julius Drake, Florian Boesch con el célebre Malcolm Martineau, Christian Gerhaher y Gerold Huber, así como Matthias Goerne con Alexander Schmalcz, y Anna Lucia Richter con Ammiel Bushakevitz. Asimismo, contaremos con la mezzosoprano Vivica Genaux, con Marcos Madrigal, pianista que debuta en el XXX Ciclo de Lied.

El Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía volverá a ser el punto de encuentro de algunos de los mejores intérpretes especializados en música contemporánea, en el Ciclo Series 20/21, que constará de 15 conciertos. Visitarán el ciclo grandes nombres de la música internacional como Peter Eötvös, en su faceta de compositor y de director con la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, los excelentes intérpretes de cuerda Ilya Gringolts, Lawrence Power y Nicolas Altstaedt, los pianistas Pierre-Laurent Aimard y Tamara Stefanovich que interpretarán las famosas Visiones del Amén de Olivier Messiaen. También disfrutaremos de algunos de los artistas nacionales más vanguardistas como el Grupo Enigma, dirigido por Asier Puga en un concierto protagonizado por el demandado contratenor Carlos Mena, donde habrá varios estrenos; el New European Ensemble, bajo la dirección de Tito Muñoz; o Sonido Extremo, dirigido por Jordi Francés y con la participación de la soprano Sarah Defrise, entre otros. Este ciclo también contará con una importante presencia de la obra de José Luis Turina, compositor residente en la temporada 23/24. Entre los estrenos imprescindibles de este maestro, destaca el Cuarteto Quiroga con la obra homenaje Bach in excelsis. Además, excelentes artistas y grupos nacionales como el Trío Arbós, Kebyart Ensemble, el pianista Josu de Solaun o el Trío Catch también incorporarán a sus programas algunos de los títulos más emblemáticos de este compositor. Viviremos dos importantes efemérides: la Sinfonietta Cracovia, bajo la dirección de Katarzyna Tomala-Jedynak, con un homenaje al compositor Krzysztof Penderecki en el 90º aniversario de su nacimiento; y el concierto del Divertimento Ensemble, dirigido por Sandro Gorli, enmarcado en la colaboración con el Instituto Italiano de Cultura por los 150 años de la Academia de España en Roma. Por su parte, el ensemble CrossingLines, dirigido por Lorenzo Ferrándiz, será el encargado de interpretar los cuatro estrenos absolutos del consagrado Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM. También vuelve el tradicional concierto que dará vida a las obras del taller de compositoras con 10 encargos del CNDM que serán estrenados por Neopercusión, agrupación dirigida por Juanjo Guillem.

Fotografía © Elvira Megías
Luisa Fernanda

El Teatro de la Zarzuela está a punto de cerrar su temporada lírica 22/23, que una vez más ha venido cargada de fuertes emociones, y lo hará con uno de los grandes clásicos del género: ‘Luisa Fernanda’. La obra maestra del compositor Federico Moreno Torroba y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw vuelve al escenario de la plazuela de Teresa Berganza con la reposición del montaje firmado por el italiano Davide Livermore, uno de los directores más reclamados y aclamados en los más importantes teatros de ópera del mundo, y el único que ha inaugurado cuatro temporadas consecutivas del Teatro alla Scala de Milán –de 2018 a 2021–.

Esta exitosa producción fue estrenada en enero de 2021 –después de haber sido aplazada meses antes por el confinamiento–, y tuvo que hacerlo irremediablemente con las funciones mermadas a consecuencia de la pandemia; con limitación de aforo y restricciones sanitarias tanto en la sala como en la escena y el foso. De ahí que ahora la ocasión de su reposición sea doblemente festiva.

El Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, gran conocedor y promovedor de la zarzuela en estos lares y más allá de los Pirineos, será quien asuma la dirección musical con dos repartos de referencia en estas representaciones con las entradas agotadas desde hace meses.

El Teatro de la Zarzuela ofrecerá 8 funciones, entre el 21 y el 30 de junio, de este espectáculo musical total en torno a una de las más grandes creaciones del repertorio, definida por el propio Livermore como “una obra de arte de la cultura española y de la cultura universal”. El regista turinés afirma que ‘Luisa Fernanda’ “tiene una partitura que llega siempre al corazón del público, y tanto antes como ahora y dentro de cincuenta o cien años, la belleza musical de esta obra ha tenido, tiene y tendrá una atracción especial para todos los que llegamos a ella”. En estas funciones ejerce de director de la reposición Emilio José López Pena.

Por su parte, el Maestro Gómez-Martínez, uno de nuestros directores de orquesta de mayor referencia internacional desde hace décadas, sostiene que ‘Luisa Fernanda’ es “una de las obras del teatro lírico español de más significado; una de las que más éxitos ha producido, y en la cada número constituye siempre un triunfo extraordinario”. Y como los ha dirigido en numerosas ocasiones, sabe por experiencia que “es esa clase de composición que además de tener una calidad musical indudable, posee el don de levantar al público del asiento cada vez que se interpreta casi cualquiera de sus números”.

Gómez Martínez estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela –Orquesta de la Comuni­dad de Madrid–, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela dirigido por Antonio Fauró y de dos repartos extraordinarios.

La importancia de los repartos

Los dos repartos que participan en esta esperada reposición de ‘Luisa Fernanda’ –que en principio iba a estrenarse el 30 de abril de 2020 y que tuvo que posponerse a causa de la pandemia y el consecuente confinamiento, y que finalmente se estrenó en enero de 2021 con las restricciones referidas– están integrados por cantantes especialmente lúcidos, vigorosos y sólidos.

Luisa Fernanda, la hija de un funcionario jubilado que guarda ausencia a Javier Moreno, ese joven militar, antiguo mozo de posada y ahora ascendido a coronel, será interpretada por la mezzosoprano Carmen Artaza y la soprano Amparo Navarro. Por otra parte, está Vidal Hernando, un rico hacendado extremeño que se disputa el amor de Luisa Fernanda con Javier, a quien darán vida el barítono Juan Jesús Rodríguez (Vidal por excelencia) y el bajo Rubén Amoretti. La duquesa Carolina, aquella joven hermosa y persuasiva, estará encarnada por las sopranos Sabina Puértolas y Rocío Ignacio. Y el papel de Javier Moreno, que desde que ascendió de rango tiene descuidada a su novia Luisa, lo asumirán los tenores Ismael Jordi y Alejandro del Cerro.

Completan el elenco María José Suárez y Nuria García-Arrés como Mariana y Rosita, Emilio Sánchez y Antonio Torres, como don Florito y Luis Nogales, Didier Otaola como Aníbal; los actores Rafael Delgado, César Diéguez y Julia Barbosa, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Pardo, Graciela Moncloa, Daniel Huerta, Rodrigo Álvarez, Ricardo Rubio, Alberto Camón y Ángel Rodríguez; además de 4 figurantes y 12 bailarines.

En cuanto al equipo artístico, lo completan el estudio Giò Forma, responsable de la escenografía, la diseñadora de vestuario Mariana Fracasso, el iluminador Antonio Castro, la coreógrafa Nuria Castejón y el diseñador audiovisual Pedro Chamizo.

El amor, el cine y la revolución

El escenario es un espacio arquitectónico reconocible de Madrid en el que se proyectan los sentimientos de amor, dolor y angustia, “un mundo figurativo o desfigurado que evoluciona en 360 grados ante nuestros propios ojos…”, como explica Davide Livermore, que para ello emplea técnicas y recursos del lenguaje cinematográfico inspirados en obras del séptimo arte.

Los hechos históricos en torno a la Gloriosa (o Revolución de 1868 que culminó con el exilio de Isabel II), que aparecen o se mencionan en esta zarzuela, son el trasfondo de lo que viven sus personajes. Entonces, como ahora, la historia de los jóvenes Luisa y Javier sorprende y emociona al público, porque este episodio se combina con la vida de los espectadores de una sala de cine –a modo de plaza, de lugar de encuentro y de vida– en la también joven República (la trama se desarrolla tal cual fue escrita, pero trasladada a la fecha de su feliz estreno en el Teatro Calderón de Madrid en 1932); y aquel salón modernista no es otro que el Cine Doré, entonces uno de los más conocidos de Madrid y en la actualidad el cine en activo más antiguo de España.

Y por encima de tramas políticas y revoluciones, de galanterías y devaneos, lo que al fin de verdad importa es querer y ser querido. El amor: esa rueda que mueve el mundo.

En torno a ‘Luisa Fernanda’

Como ya es habitual, en el canal de YouTube y la cuenta de Facebook se podrá disfrutar de la conferencia impartida por la musicóloga Celsa Alonso y de un nuevo capítulo ‘Viaje por la zarzuela’, el número 31 de la serie, en esta ocasión centrado en ‘Luisa Fernanda’ con Carmen Artaza, Juan Jesús Rodríguez, Sabina Puértolas e Ismael Jordi.

Fotografía: Javier del Real

María José Montiel

En una temporada en la que ha triunfado con el estreno absoluto de L’Arxiduc de Parera Fons en el Teatre Principal de Palma y con la Segunda Sinfonía de Mahler en el Teatro São Carlos de Lisboa, María José Montiel vuelve en junio al Teatro de La Zarzuela de Madrid, esta vez para encabezar el reparto de Luisa Fernanda, de Moreno Torroba, sin duda uno de los títulos más importantes del género lírico español. La mezzosoprano española, que ha paseado el rol titular de esta obra maestra del repertorio español por escenarios como el Teatro alla Scala de Milán, las óperas de Los Ángeles y Washington, el Theater an der Wien, el Teatro Real de Madrid o el Teatro Campoamor de Oviedo, asegura que vuelve a él “muy ilusionada porque se trata de un personaje emblemático del que guardo preciosos recuerdos y en el que acumulo una gran experiencia al haberlo hecho un diversos montajes. Además interpretarlo en este queridísimo teatro de mi ciudad, es doblemente grato. La zarzuela es un género adorado por el público de fuera de España, más cuando se trata de una obra de gran calidad musical como esta de Moreno Torroba, y cantarlo en el escenario más importante dedicado al género es un auténtico placer. Recuerdo con cariño las ovaciones después de representar Luisa Fernanda en ciudades como Milán, Viena, Los Ángeles o Washington. Este título representa una de las culminaciones artísticas del género, y prueba de ello son las más de 10.000 representaciones que a día de hoy se han llevado a cabo en todo el mundo. La obra está ambientada en Madrid y Extremadura durante el período isabelino, justo antes de la revolución de 1868, y relata una historia de amor enmarcada en un período de controversias políticas valiéndose de una música bellísima. La zarzuela, como género teatral y musical, pero también como expresión genuina de la cultura de un pueblo, es un patrimonio cultural de un valor inmenso que ha vuelto a poner en valor nuestro querido Teatro de La Zarzuela, que ha hecho y sigue haciendo una gran labor de divulgación de nuestra maravillosa zarzuela; desde el inicio de mi carrera he procurado promover la música española por todo el mundo, tanto en recitales y conciertos como fuera del escenario, en conferencias o en mi actual actividad docente que llevo a cabo en Berlín, enseñando a los jóvenes intérpretes las maravillas de nuestra música”, concluye la mezzo.

María José Montiel ofrecerá cinco funciones los días 21, 23, 25, 28 y 30 de junio, en una producción con dirección de escena de Davide Livermore, con el maestro Miguel Ángel Gómez Martínez al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela.

Tras este compromiso en Madrid, le espera a la cantante madrileña un verano pleno de actividades: ofrecerá clases magistrales en los Cursos Internacionales Universitarios Música en Compostela, cantará un recital homenaje a la soprano Ana María Sánchez junto al guitarrista José María Gallardo del Rey; regresará un año más a Mallorca con un concierto en el Festival de Santanyí junto al pianista Miquel Estelrich y al violinista Vasko Vassilev, concertino de la Royal Opera House de Londres; iniciará la temporada 2023-24 con una gira de conciertos en el País Vasco (San Sebastián y Bilbao), ofrecerá un recital en Múnich, cantará María Moliner, de Parera Fons, en la Ópera de Tenerife y participará en el estreno de una ópera en Grecia; todo ello alternado con su actividad como catedrática de canto en la Universität der Kunste de Berlín, en la que imparte clases desde 2019.

Trío Arbós

El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela nuevamente acogerá, el próximo lunes 12 de junio (20h00), un concierto dedicado a jóvenes compositores. El Trío Arbós asumirá, bajo el título ‘Música española contemporánea’, los estrenos absolutos de las cinco obras ganadoras del II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

El jurado designado por ambas instituciones destacó en su día el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, y acordó por unanimidad premiar cinco de las obras presentadas: ‘Shower meditatios’ de Jorge César Iglesias Ramiro, ‘Reminiscencias’ de Sebastián Izquierdo, ‘Minuit toujours arrive’ de Adrián Velasco, ‘Como el vidrio’ de Alejandro Chaves Lisbona y ‘Todo es posible en el agua’ de Ángel de la Hera Rodríguez.

Compuesto por el violinista Ferdinando Trematore, el violonchelista José Miguel Gómez y el pianista Juan Carlos Garvayo, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1996 marcando como uno de sus principales objetivos la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través, precisamente, del encargo de nuevas obras, siempre con un marcado interés por el trabajo de los nuevos creadores.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos. Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, fue una vez más esencial para el buen desarrollo del certamen.

Notas del Ambigú 22/23

En la presente temporada el Teatro ha ofrecido más del doble de recitales que al inicio del ciclo. 11 citas ineludibles que concluirán el próximo 10 de julio.

Tras el concierto del Trío Arbós, que como se ha dicho estrenará el próximo lunes las cinco obras ganadoras del II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid para Jóvenes Compositores (12 de junio), el broche final del ciclo  lo pondrá la Capilla Jerónimo de Carrión, quien en ‘Fiesta sacra y arte nuevo’ interpretará los sonidos más populares de los templos y los teatros del Siglo de Oro, en lo que será una cita especialmente emotiva tras el reciente fallecimiento de la directora y fundadora del proyecto, Alicia Lázaro (10 de julio).

Ian Bostridge

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) se despide del XXIX Ciclo de Lied esta temporada de la mano del tenor británico Ian Bostridge y del pianista Julius Drake. El dúo regresa una vez más al Teatro de la Zarzuela con un programa repleto de piezas emblemáticas del género liederístico, que incluyen lieder de Robert Schumann, Clara Schumann, Franz Schubert, Gustav Mahler y Hans Werner Henze. El recital tendrá lugar el lunes 5 de junio a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.

Ian Bostridge (Wandsworth, 1964) es uno de los más aclamados tenores contemporáneos, cuyas interpretaciones y recitales en Europa, Norteamérica y Japón le han brindado el aplauso unánime del público y de la crítica. Sus grabaciones han recibido numerosos galardones y también ha sido nominado al Grammy en quince ocasiones. En este concierto, junto al pianista Julius Drake, Bostridge presenta un recorrido desde los orígenes del Romanticismo hasta las últimas décadas del siglo XX, cuyo hilo conductor es la obra del poeta alemán Friedrich Rückert (1788 – 1866).

Un cautivador programa

El célebre Widmung, perteneciente al ciclo Myrthen, op. 25 de Robert Schumann, dará inicio al programa, donde también se abordarán canciones de Clara Schumann. Robert Schumann escribió esta obra en 1840, año en el que la pareja contrajo matrimonio. Un año más tarde, en 1841, compone a cuatro manos junto a Clara Schumann Gedichte aus Liebesfrühling, op. 37, que también se escuchará en el recital.

Asimismo, Bostridge y Drake interpretarán algunas canciones del compositor de lieder por excelencia, Franz Schubert, dando vida a seis de sus lieder compuestos entre 1822 y 1823, todos ellos fieles a los versos de Rückert.

Del compositor austríaco Gustav Mahler se escucharán los bellísimos Rückert-Lieder, en una oportunidad para descubrir la gran faceta liderística de uno de los compositores para orquesta más importantes de la historia. Por último, el broche de oro al XXIX Ciclo de Lied lo pondrá Das Paradies del ciclo Sechs Gesänge aus dem Arabischen de Hans Werner Henze, escrita expresamente para Bostridge y Drake.

30º aniversario del Ciclo de Lied

En la temporada 23/24, el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela celebrará su 30º aniversario con doce recitales protagonizados por algunas de las grandes voces líricas del panorama actual.

Se contará con las extraordinarias voces de los barítonos Gerald Finley, junto al pianista Julius Drake; Christian Gerhaher, junto a Gerold Huber; Mathias Goerne, junto a Alexander Schmalcz; Andrè Schuen, junto a Daniel Heide; Florian Boesch, junto a Malcolm Martineau; y las mezzosopranos Vivica Genaux, junto al pianista Marcos Madrigal, que debuta en el ciclo, y Anna Lucia Richter, junto a Ammiel Bushakevitz; y la soprano Katharina Konradi, en un recital con la mezzosoprano Catriona Morison, que se estrena en el ciclo, junto al pianista Ammiel Bushakevitz.

Además, contaremos por primera vez con las aclamadas voces de las sopranos Lise Davidsen, junto al pianista James Baillieu; y Olga Peretyatko, junto a Semjon Skigin; y el debut en el ciclo de la soprano Erika Baikoff, junto a Soohong Park; y el barítono José Antonio López, junto a Daniel Heide.

II Premio de Composición

El II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) ya tiene las cinco obras ganadoras que, como ya se anunciaba en las bases, integrarán el programa del concierto que bajo el título ‘Música española contemporánea’ ofrecerá el lunes 12 de junio el Trío Arbós dentro del ciclo Notas del Ambigú.

El jurado designado por ambas instituciones, que destaca el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, ha acordado por unanimidad premiar las obras ‘Shower meditatios’ de Jorge César Iglesias Ramiro, ‘Reminiscencias’ de Sebastián Izquierdo, ‘Minuit toujours arrive’ de Adrián Velasco, ‘Como el vidrio’ de Alejandro Chaves Lisbona y ‘Todo es posible en el agua’ de Ángel de la Hera Rodríguez.

Dicho jurado estaba integrado por la catedrática de composición del RCSMM Consuelo Díez Fernández, el director del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, Antonio Fauró, el director adjunto del Teatro de la Zarzuela, Miguel Galdón, y el catedrático de Composición del RCSMM Enrique Rueda Frías.

Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, ha sido una vez más esencial para el buen desarrollo del certamen.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Cuarteto Bretón

El Cuarteto Bretón se presentará este próximo domingo, 21 de mayo, en el ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela, con obras de compositoras españolas actuales de distintas generaciones en un concierto en el que el público podrá escuchar dos estrenos absolutos. La cita será en el Ambigú del Teatro a las 12h00, y las entradas están disponibles al precio único de 6€.

En cuarteto, integrado en esta ocasión por Anne-Marie North, Antonio Cárdenas, Rocío Gómez y Carlos Sánchez (que sustituye a John Stokes), interpretará obras de Teresa Catalán Sánchez, Inés Badalo, María José Arenas-Martín o Pilar Jurado, con estrenos absolutos de Ana Vázquez Silva y Laura de las Heras.

El Cuarteto Bretón celebra este año dos décadas de minucioso trabajo y éxitos, justamente el mismo año en que se conmemora el centenario de Tomás Bretón, compositor, violinista y director de orquesta a quien deben su nombre.

Lo que ha movido al cuarteto en todos estos años es, fundamentalmente, la necesidad de dar a conocer cuartetos de compositores españoles, desde los orígenes del género hasta la creación más actual, junto al gran repertorio de la formación. En ese empeño fueron inspirados por ilustres predecesores como los Cuartetos Francés, Vela o Rafael, que un siglo antes iniciaron esa importante labor en España.

Con esas premisas, el Cuarteto Bretón ha puesto un énfasis especial en la obra de compositores como Ernesto y Rodolfo Halffter, Jesús Guridi, Julián Bautista, Jesús García Leóz, Tomás Bretón, Julián Orbón, Joaquín Turina, Julio Gómez o Conrado del Campo, y por supuesto en los compositores actuales, sin descuidar el gran repertorio de todas las épocas, desde Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn a Dmitri Shostakóvich, Sofia Gubaidulina o Philip Glass.

Nueva temporada Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela acaba de presentar su Temporada 2023/2024, la 164 desde que abriera sus puertas en 1856, con la que Daniel Bianco culmina su etapa de ocho años como director de este coliseo. Un proyecto artístico, el suyo, que comenzó en noviembre de 2015 (su primera temporada programada fue la de 2016/17) con la intención de que el coliseo de la madrileña calle de Jovellanos –hoy felizmente nombrada también plazuela de Teresa Berganza– siguiera “desempeñando el cometido para el que nació hace casi 167 años: ser el escenario privilegiado del teatro musical español, de la música de este país”.

Así lo afirmaba y así lo asevera el director del Teatro, que el próximo 1 de noviembre cederá su puesto a Isamay Benavente –nueva directora por concurso del mismo– con la tranquilidad y la satisfacción del deber cumplido, y con la seguridad de que aún es mucho “e ilusionante” el trabajo que queda por delante en pro de la salvaguardia del patrimonio lírico español, de su teatro y de sus artistas.

Daniel Bianco tiende de esta manera la mano a todos los implicados en esta ardua tarea “para seguir caminando juntos en una única dirección; sentir, gozar y vivir la extensa variedad de nuestro género lírico español, porque su riqueza reside precisamente en su gran pluralidad”.

El Teatro de la Zarzuela tiene, en palabras de Bianco, “la vocación irrenunciable de teatro público para salvaguardar nuestro patrimonio musical, apoyado y protegido desde el Estado, y abierto, por tanto, a todo aquel que quiera conocer y disfrutar de nuestra más profunda esencia y herencia cultural y sentimental”.

Y para lograrlo, el gestor tiene claro que hay que idear fórmulas que, partiendo de esa identidad pública irrenunciable, faciliten el acceso a este Teatro y al incalculable tesoro que implica a todo tipo de espectadores.

En este sentido, Daniel Bianco pone de relieve “el esfuerzo que el INAEM –Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música– hace por seguir manteniendo los precios públicos y numerosos descuentos que permiten que el Teatro de la Zarzuela siga siendo accesible y asequible, cuidando especialmente a aquellos que puedan tener más dificultades para permitírselo”.

Con este primordial objetivo, para esta nueva temporada se han creado dos abonos jóvenes: uno de lírica (con tres producciones) desde 33 euros, y otro de conciertos (con cuatro conciertos) desde 32 euros. Además de estos abonos especiales, los aficionados de hasta 30 años podrán adquirir abonos completos al 50%.

Asimismo, tendrán un 50% de descuento en las entradas los espectadores de hasta 30 años, los mayores de 65, las familias numerosas o monoparentales, y las personas desempleadas o con discapacidad. Todos ellos, por tanto, podrán encontrar localidades desde 2 euros y medio hasta 25 euros. Además de todos estos descuentos habrá entradas de último minuto por solo 5 euros, sea cual sea la zona del Teatro, para el público de hasta 30 años.

Respecto a esta política y realidad de precios asequibles para todos, Daniel Bianco alude a la que es su inapelable función al frente del Teatro de la Zarzuela: “Esta es esencialmente nuestra vocación como teatro público, la de todos los que trabajamos en él, sabiendo que prestamos un servicio a la ciudadanía”. Una labor que, afirma, “nos llena de orgullo”, y es que “ver cada noche el teatro lleno con un público que descubre y disfruta su patrimonio cultural no es para menos”.

Temporada 2023/2024

LÍRICA

Comenzará la temporada con 6 funciones del estreno absoluto de ‘El caballero de Olmedo’ ópera compuesta por Arturo Díez Boscovich y libreto de Félix Lope de Vega en una adaptación de Lluís Pasqual. Uno de los pilares fundamentales del proyecto puesto en marcha por Daniel Bianco es el fomento de la nueva creación, y es por eso que la temporada abre con una ópera española de nueva composición. Se trata de un encargo del Teatro de la Zarzuela, la quinta obra de nueva composición que se estrena en el Teatro en este periodo, basada en esta ocasión en una de las obras cumbres del Siglo de Oro español. En ella se desarrollan los grandes temas universales del teatro en torno al amor imposible de los dos protagonistas: los celos, la envidia, la lealtad, la justicia y la muerte. Nueva producción del Teatro de la Zarzuela con dirección musical del Maestro Guillermo García Calvo y de escena de Lluís Pasqual, escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Franca Squarciapino y unos elencos encabezados por Joel Prieto, César Arrieta, Rocío Pérez, Alba Chantar, Germán Olvera, Ramiro Maturana, Nicola Beller Carbone, Berna Perles, Gerardo Bullón o Rubén Amoretti. Estará en cartel del 6 al 15 de octubre.

Tras este singular inicio, será el turno para la reposición de la obra con la que en la temporada 16/17 se inició este nuevo ciclo artístico para el Teatro: ‘Las Golondrinas’ de José María Usandizaga. Posiblemente uno de los mejores compositores españoles que, de no haber muerto tan joven, el camino de la música española habría sido muy diferente. Se trata de una de las obras más importantes y una de las músicas más bellas y refinadas de nuestro repertorio, cuyo libreto fue escrito por Gregorio Pérez Sierra y María de la O Lejárraga, una importantísima escritora para el mundo de la lírica cuyo nombre se reivindica en los últimos años por haber trabajado siempre a la sombra de su marido. Esta producción recrea el lenguaje visual del cine mudo con una pantomima muy colorida. La escena de esta producción del Teatro de la Zarzuela estará dirigida por Giancarlo del Monaco, y se han programado nueve funciones del 9 al 19 de noviembre; con Juanjo Mena como director musical, el reparto contará, entre otros, con Carlos Álvarez, Gerardo Bullón, Raquel Lojendio, Sofía Esparza, Ketevan Kemoklidze, María Antúnez, Jorge Rodríguez-Norton o Javier Castañeda. La escenografía es de William Orlandi y el vestuario de Jesús Ruiz.

El año 2024 comenzará con el estreno de una nueva producción de ‘La rosa del azafrán’, uno de los grandes títulos de zarzuela. Una magnífica comedia de enredos de carácter costumbrista ambientada en La Solana, compuesta por Jacinto Guerrero, escrita por ese tándem imprescindible de libretistas formado por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y basada en ‘El perro del Hortelano’ de Lope de Vega. Este estreno estaba previsto para el año 2021, pero las consecuencias de la pandemia obligaron a modificar la programación planeada para poder cumplir con la obligada responsabilidad que se marcó el Teatro de mantener los compromisos con los artistas. Con este estreno se cierra este plan de reprogramación y compromiso con los artistas que se vieron afectados por los cambios a causa de la pandemia. Dirigida musicalmente por José María Moreno, esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela contará con la dirección de escena de Ignacio García. La escenografía es de Nicolás Boni y el vestuario de Rosa García Andújar. Yolanda Auyanet, Carmen Romeu, Juan Jesús Rodríguez, Rodrigo Esteves, Gurutze Beitia, Ángel Ruiz, Vicky Peña, Jorge Merino, Mario Gas, Pep Molina o Emilio Gavira integrarán el reparto de este título cuyas 14 funciones irán del 25 de enero al 11 de febrero.

El 8 y el 10 de marzo el público podrá disfrutar de ‘Gal·la Placidia’, ópera en tres actos del Maestro Jaume Pahissa, con libreto en lengua catalana del propio compositor basado en la obra de Àngel Guimerà i Jorge. Estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, se trata de una partitura muy personal con una orquestación magistral, y cuyo argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, gira en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas. Como teatro público, durante estos últimos años uno de los grandes objetivos del Teatro de la Zarzuela ha sido rescatar del olvido grandes obras de nuestro patrimonio lírico. Esta ardua tarea se ha llevado adelante junto al empeño de acabar con la falsa idea de que la zarzuela es solo madrileña, reivindicando la producción lírica de las muchas Españas y en todas sus lenguas. Se presentará en versión de concierto y contará con Christoph König en la dirección musical, y el reparto estará integrado por Maribel Ortega,
Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Daza y Marc Sala.

Continuará la temporada lírica con la reposición de la ópera ‘Juan José’, obra maestra de Pablo Sorozábal con libreto del propio compositor basado en la obra de Joaquín Dicenta quien a su vez se inspira en un hecho real. Se trata de un drama lírico popular, en el sentido proletario, alejado de lo folclórico, con el que Sorozábal retrata los bajos fondos del Madrid de antes, donde a causa del analfabetismo y la incultura afloraban las miserias humanas, los rencores, los miedos, las traiciones y desconfianzas, repitiéndose de padres a hijos en una espiral sin fin. Esta obra encierra una fuerte crítica política, con la denuncia de la injusticia social y sus consecuencias para el desarrollo humano. Estará dirigida en lo musical por Miguel Ángel Gómez-Martínez, con dirección de escena de José Carlos Plaza, escenografía e iluminación de Paco Leal y vestuario de Pedro Moreno. El reparto estará integrado por Juan Jesús Rodríguez, Luis Cansino, Saioa Hernández, Carmen Solís, Vanessa Goikoetxea, Alba Chantar, María Luisa Corbacho, Belem Rodríguez Mora, Alejandro del Cerro, Francesco Pio Galasso, Simón Orfila, Manuel Fuentes, César Arrieta o Santiago Vidal. Se ofrecerán 8 funciones del 4 al 12 de abril.

La nueva temporada será también tiempo para la celebración, ya que en el mes de mayo se estrenará una nueva producción de uno de los títulos más icónicos del género chico y del repertorio de zarzuela, que, para más señas, es además uno de los más queridos por el público y cuyos números musicales han pasado a la historia del género y son reconocibles por propios y ajenos al mismo. Hablamos de ‘La verbena de la Paloma’ de Tomás Bretón con libreto de Ricardo de la Vega; un sainete que es fiel retrato del Madrid de finales del siglo XIX, de sus costumbres, de sus personajes más castizos y sus cantos populares, algo que Bretón consiguió incluir magistralmente en sus obras. Hemos podido comprobarlo sin ir más lejos en la presente temporada con ‘La Dolores’, donde el compositor inserta en la trama la jota aragonesa. En ‘La verbena de la Paloma’ hace lo propio con el flamenco para describir musicalmente la escena. Esta producción será muy especial porque la dirige y coreografía Nuria Castejón y en su elenco participan sus hermanos Jesús y Rafael Castejón, todos ellos pertenecientes a una familia de amplia tradición de zarzuela. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela con texto introductorio de Álvaro Tato, cuenta además con la dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra, escenografía de Nicolás Boni, vestuario de Gabriela Salaverri y conformarán el reparto, además de los dos artistas citados, Borja Quiza, Milagros Martín, Carmen Romeu, Ana Sanmartín, Gurutze Beitia, Gerardo López, Alberto Frías, Nuria Pérez, Raffaela Chacón (unida también a la estirpe Castejón) o Ana Goya. Serán 14 funciones del 8 al 25 de mayo.

Y una vez más cerrará la temporada de producciones líricas uno de los grandes títulos de la restauración de la Zarzuela de los años 20 del siglo pasado: ‘Doña Francisquita’ de Amadeo Vives con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw basado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega. Se recupera este título que desde su estreno en 1923 ha sido objeto de numerosas adaptaciones cinematográficas y escénicas, y será con la producción de Lluís Pasqual estrenada en 2019, reconocida con el Premio Max a la Mejor Producción de Espectáculo Musical o Lírico en 2020 y que ha cosechado grandes éxitos allá donde ha viajado, desde Barcelona a Lausanne u Oviedo. Ahora, vuelve de nuevo a Madrid, a su casa, para celebrar los 100 años de su estreno. La dirección musical será de Guillermo García Calvo, la escenografía y el vestuario de Alejandro Andújar y participarán en el reparto, entre otros, Sabina Puértolas, Marina Monzó, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro, Ana Ibarra, María Rodríguez, Enrique Ferrer, Manuel de Diego, María José Suárez o Isaac Galán, con la participación especial de Gonzalo de Castro y Lucero Tena. Las 10 funciones irán del 19 al 30 de junio.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus siete temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal contará con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. En esta ocasión serán 10 conciertos: 4 líricos con algunas de las voces más importantes de la actualidad, 3 citas con el flamenco, 1 concierto sinfónico de música española y 2 conciertos de música popular con dos grandes artistas. Sandra Mihanovich. ‘Honrar la vida’: Una de las voces más aclamadas en América, su concierto ‘Honrar la vida’ permitirá vivir una velada donde regalará los temas que la han acompañado a lo largo de su carrera para, juntos, honrar la vida con canciones de autores tan populares como Marilina Ross, Eladia Blázquez, María Elena Walsh, Silvio Rodríguez y muchos más (7 de octubre); Concierto de Navidad: El Concierto de Navidad del Teatro es sin lugar a dudas una cita ineludible para el público aficionado. En esta nueva edición la voz de Ruth Iniesta y la batuta del Maestro Lucas Macías, al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro Titular del Teatro de la Zarazuela, liderarán el emocionante encuentro que girará en torno a la comedia musical y las relaciones musicales del siglo XX entre América y España (30 de diciembre); Juan Jesús Rodríguez. ‘El pueblo tiene un cantar’: En enero seremos testigos de una gran y feliz novedad. El barítono Juan Jesús Rodríguez, a quien el público conoce por ser una de las mejores voces líricas del mundo, se abrirá a un nuevo horizonte y cantará sobre el escenario aquellos cantes de su tierra (Cartaya, Huelva) que lo han acompañado siempre. El intérprete ofrecerá un concierto de flamenco que sorprenderá a propios y extraños por su cambio de tornas, su gran versatilidad y su duende (30 de enero); Jorge de León y Mónica Conesa. ‘Recital de zarzuela’: Continuará el ciclo con un recital lírico, de zarzuela, a cargo de uno de los tenores más queridos por nuestro público, Jorge de León, junto a una las mejores voces actuales como es la de la soprano Mónica Conesa, nacida en Estados Unidos pero de ascendencia cubana, que tuvo un grandísimo éxito el año pasado en la Arena de Verona y que debuta en el Teatro de la Zarzuela con este recital. Cantarán dúos y romanzas de zarzuela y estarán acompañados por el pianista Juan Francisco Parra (6 de febrero); Ruth Lorenzo. ‘Noche en blanco’: Para conmemorar el Día Internacional de la Mujer contaremos con una de las más importantes artistas pop de nuestro país; dueña de una de las voces más potentes y con un futuro que se augura aún más brillante. Se trata de Ruth Lorenzo, que ofrecerá un concierto titulado ‘Noche en blanco’. Solo su voz, un piano y el público. Nadie quedará indiferente (9 de marzo); Homenaje a Victoria de los Ángeles: Con motivo del centenario del nacimiento de una de las sopranos más importantes en la historia de nuestro país, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, se rendirá homenaje a la gran cantante con un recital en el que varios artistas como Ainhoa Arteta, Ofelia Sala, David Alegret, Mariola Cantarero, Carmen Solís, Montse Seró, Airam Hernández, David Menéndez, Nancy Fabiola Herrera, María José Montiel, Helena Resurreisao, Josep Ramón Olivé o Mercedes Gancedo cantarán en su honor (12 de marzo); Música Sinfónica española: Un año más el Teatro apuesta por la riqueza de la música sinfónica española y volverá a dar la oportunidad a uno de nuestros talentos emergentes. Tras su debut como directora musical, la maestra Cecilia Bercovich, quien cuenta con una extensa y exitosa carrera como concertista, se pone al frente de la ORCAM para regalarnos joyas de nuestro patrimonio sinfónico con obras de autores como Gerónimo Giménez, Pablo Sorozábal o Jesús de Monasterio, entre otros. Sin duda, una cita que ningún amante de nuestra música querrá perderse. (13 de marzo); Mayte Martín: El flamenco siempre ha estado presente en el Teatro de la Zarzuela, -casa que los flamencos consideran como propia-, y en las obras del género que representa. Ha sido una constante fuente de inspiración para los compositores de zarzuela desde que Bretón incluyó la célebre Soleá en ‘La verbena de la Paloma’. Como en cada temporada, este arte que es Patrimonio Universal sigue teniendo un espacio destacado en este teatro. En la próxima temporada, el público podrá disfrutar de la voz de Mayte Martín, de su delicadeza, intimidad y finura, en un concierto en el que presentará su próximo trabajo discográfico dedicado al flamenco. Cantaora, cantante de boleros y también compositora, recibió la Medalla de Oro en las Bellas Artes en 2021. (14 de mayo);  Lisette Oropesa e Ismael Jordi. ‘Una noche de Zarzuela’: La soprano Lisette Oropesa vuelve al Teatro de la Zarzuela, donde debutó con enorme éxito hace un par de años, y esta vez lo hace junto al tenor Ismael Jordi, quien también ha visto siempre al público rendirse a sus pies en sus actuaciones en este escenario. Dos grandes voces que juntas regalarán, acompañados por el pianista Rubén Fernández Aguirre, una inolvidable ‘Noche de zarzuela’ (26 de mayo); José Mercé. ‘Flamenco’: Si Mayte Martín es la representación de la arraigada tradición flamenca que existe en Cataluña, finalizará el ciclo de conciertos con la representación de la otra punta de España, Jerez, cuna del flamenco, en la voz inconfundible de José Mercé, un artista que no necesita presentación y que desde hace muchos años es una de las mejores voces del flamenco (25 de junio).

Desde su creación en la temporada 2016/17, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’. En esta ocasión los protagonistas serán el tenor, actor, dramaturgo y director de escena Enrique Viana y el pianista Ramón Grau con ‘En la plazuela Teresa Berganza te espero’ (2 de octubre), la soprano Berna Perles y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Una tarde de copla’ (10 de octubre), el cuarteto vocal Cantoría establecido en un los últimos años como una de las agrupaciones de referencia de la polifonía del Renacimiento musical hispano (22 de noviembre), la soprano Inés Lorans y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘De Madrid a París’ (22 de enero), la mezzosoprano Carolina Moncada y el pianista Borja Mariño con ‘Recordando a Giménez’ en conmemoración del centenario de la muerte de Gerónimo Giménez (26 de febrero), el gran especialista en el ámbito de la música medieval Eduardo Paniagua  con quien nos transportaremos a la Baja Edad Media ibérica con ‘De Al-Ándalus a la Andalucía medieval’ (4 de marzo), la mezzosoprano Sandra Ferrández y la pianista Irene Alfageme con ‘En modo de habanera’ (1 de abril), el pianista Ramón Grau con ‘Danzas españolas’ (6 de mayo), el Cuarteto Iberia con ‘Música española contemporánea’, interpretando las obras ganadoras del III Premio de Composición para jóvenes compositores (28 de mayo), el barítono Eleomar Cuello y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Zarzuela en el malecón’ (4 de junio) y la mezzosoprano Anna Tonna junto al pianista Emilio González Sanz con ‘España alla Rossini’ (17 de junio).

Otra de las citas de éxito de cada temporada es el CICLO DOMINGOS DE CÁMARA que en la próxima abordará su quinta edición, y que por cuarto año consecutivo estará dedicado íntegramente al papel de la mujer en la música en su faceta como compositora. Las cuatro citas serán: el trío Soinuaren Bidaia (29 de octubre), Ensemble María de Pablos (25 de febrero), Cuarteto Ribera (28 de abril) y el ensemble Sonido Extremo (30 de junio).

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará nada menos que sus 30 años de vida. Esta XXX edición ofrecerá 12 recitales: La mezzosoprano Lise Davidsen (9 de octubre), la soprano Olga Peretyatko (16 de octubre), el barítono Gerald Finley (20 de noviembre), la soprano Erika Baikoff (11 de diciembre), el barítono Christian Gerhaher (29 de enero), el barítono Matthias Goerne (5 de febrero), el barítono José Antonio López (12 de febrero), el barítono Andrè Schuen (11 de marzo), la mezzosoprano Vivica Genaux (8 de abril), el barítono Florian Boesch (13 de mayo), la mezzosoprano Anna Lucia Richter (20 de mayo) y la soprano Katharina Konradi y la mezzosoprano Catriona Morison (24 de junio) completarán la propuesta de lied de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA.

La formación y la información del público joven sigue siendo una de las grandes prioridades en esta temporada que culmina la etapa de Daniel Bianco al frente del Teatro de la Zarzuela. Y es que uno de los pilares fundamentales del proyecto artístico del teatro es ese público joven, que no solo debe ser tratado como el público del futuro sino como público del presente que ya es. Por ello el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza le abre las puertas del teatro para que conozcan su patrimonio musical a través de espectáculos de calidad especialmente dedicados a ellos.

De esta manera, el Teatro dedica una cuarta parte (26%) de su actividad artística a este público, y los frutos de este trabajo son ya una realidad. Como explica Daniel Bianco, “esto se puede apreciar en la juventud que cada vez más se mezcla con otras generaciones en este patio de butacas porque se ha enamorado de la zarzuela gracias a estas propuestas, especialmente el Proyecto Zarza, emocionándose con un género que también les pertenece”.

El PROYECTO ZARZA promueve la zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes y ha logrado un éxito rotundo en las temporadas precedentes con más de 65.000  jóvenes llenando el patio de butacas en todas sus ediciones. Las colaboraciones con centros educativos aumentan cada año, “y quiero dar las gracias a todos los profesores que confían en nuestro trabajo –afirma Bianco–, ya que su función es básica para que proyecto sea una realidad”. Esta labor ha contribuido en gran medida a que las siete producciones disponibles en el canal de YouTube del Teatro hayan registrado hasta la fecha más de 115.000 visualizaciones.

A lo largo de estos años, desde su primera edición, el Proyecto Zarza ha crecido tanto como el éxito de sus montajes, hasta el punto de recibir el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica en 2021, y la nominación de ‘El sobre verde’ como finalista al Mejor Espectáculo Musical o Lírico en la última edición de los Premios Max.

El Proyecto Zarza ha contado con adaptaciones de obras emblemáticas de los géneros que forman parte del gran continente que es la zarzuela. De esta manera, desde su inicio se han estrenado  tres producciones de género chico, dos espectáculos nuevos a partir de músicas de zarzuela, una comedia musical y una revista.

En la nueva temporada regresa al escenario el género chico con ‘El año pasado por agua’, una de sus obras más representativas, cuyo texto ha sido renovado por Enrique Viana, uno de los artistas que mejor conoce la esencia del sainete y de la zarzuela. En esta ocasión, Viana ha adaptado el argumento a uno de los asuntos que de acuerdo con las encuestas más interesa a nuestros jóvenes: el cambio climático. En la dirección de escena debutará en el teatro una joven y muy reconocida directora, Marta Eguilior, y la dirección musical será de Lara Diloy. Esta nueva producción del Teatro estará representada, tal como ocurriera con los anteriores títulos del proyecto, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañados por un conjunto musical de cámara. Las 13 funciones, tres de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 26 de febrero al 1 de marzo de 2024.

Los proyectos didácticos también destacan este año porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro volverá a llenarse de público infantil. Tras las emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’,  ‘La increíble historia de Juan Latino’ y ‘El cielo de Sefarad’, volverá a este singular espacio multiusos el teatro de títeres con música en directo. Esta vez será con, ‘La niña que salvará nuestro mundo’, una nueva producción del Teatro de la Zarzuela en coproducción con la Compañía Claroscvro, con dirección de escena de Larisa Ramos, Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, dirección musical de Enrique Pastor y la participación de la intérprete musical María José Pire. Las músicas serán de Federico García Lorca o Debussy, de los códices de Las Huelgas, Calixtino o Libre Vermell, o las cantígas del Martín Códax y de Alfonso X “El Sabio”, entre otras. Serán 7 funciones (dos de ellas abiertas al público) del 15 al 21 de abril.

Daniel Bianco destaca que el Teatro dedica todos los años este espacio a los más pequeños, “donde so solo descubren el rico patrimonio musical en familia o con los compañeros del colegio, sino que, además, aprenden a través del teatro valores como la amistad, el respeto, el amor o la tolerancia»

DANZA

Continúa el compromiso del Teatro de la Zarzuela con la danza, dando la bienvenida a las dos compañías nacionales que tienen este teatro como sede. Por una parte, la Compañía Nacional de Danza, dirigida por Joaquín de Luz, presentará el ballet romántico en dos actos, ‘La Sylphide’, con coreografía de August Bournonville, una obra que se encuentra en el repertorio de las mejores compañías del mundo con la que se alcanza la idealización del ballet romántico a través de la etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable. Serán diez funciones del 7 al 17 de diciembre. Por otro lado, el Ballet Nacional de España, dirigido por Rubén Olmo, ofrecerá los días 21 y 22 de diciembre de este año una gala para celebrar su 45 aniversario que contará con coreografías de Mariemma y de Antonio Ruiz soler, y con la proyección de una película documental. Y en julio de 2024, el Ballet Nacional traerá un espectáculo en forma de tríptico llamado ‘Generaciones’, con tres números de danza cuya pieza central irá alternando cada día de función. Serán doce funciones del 17 al 28 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que permanece, y que lo hace cosechando éxitos, es el del Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 24 de septiembre al 2 de octubre se presentarán las siete funciones de ‘Grilletta e Porsugnacco’, intermedio de Johann Adolf Hasse basado en una comedia ballet de Molière y Lully con dirección musical de Javier Ulises Illán al frente de la Orquesta Barroca Nereydas, dirección de escena de Rita Cosentino y con Natalia Labourdette, David Menéndez y Aarón Martín en el reparto. Los intermedios de Hasse fueron muy populares en Madrid, en la corte de Fernando VI, y los más representados a mediados del siglo XVIII en la Corte en una época en la que los teatros estaban repletos de obras y artistas de procedencia italiana. Son los años de la presencia en España de Farinelli o Scarlatti. Como es habitual en este género, la trama de esta nueva producción es un enredo amoroso de carácter cómico entre una sirvienta y un burgués. Daniel Bianco agradece un año más la posibilidad de trabajar conjuntamente con la Fundación Juan March y con su director del departamento musical, Miguel Ángel Marín, en la coproducción de una obra de cámara que “demuestra que la suma de esfuerzos nos permite llegar más lejos“. Serán cuatro funciones abiertas y tres escolares.

A propósito de…

Tras la gran acogida de las dos primeras ediciones del ciclo ‘A propósito de…’, el Teatro de la Zarzuela volverá a contar con los conciertos del maestro Guillermo Garcia Calvo, un gran concertista de piano y director musical del coliseo, en los que el músico explica al piano el mapa musical internacional, y de qué manera los compositores de las obras que el maestro dirige en la temporada están situados y relacionados dentro de ese mapa sonoro internacional. Los conciertos de esta temporada son: ‘A propósito de El caballero de Olmedo. El piano y la música de cine’ con obras de Rajmáninov, Korngold o García Abril (8 de octubre) y ‘A propósito de Doña Francisquita. El piano y la influencia del folclore’ con obras de Scarlatti, Mozart, Chopin, Liszt, Granados, Debussy o Kapustin (23 de junio).

Conferencias

Volverá también el ya veterano ciclo de conferencias en colaboración con la Asociación Amigos de la Ópera de Madrid. Así, el Teatro contará con la presencia de cuatro musicólogas: Carmen Noheda, Teresa Cascudo, Ana Freire y María Nagore, y dos musicólogos y un comunicador especialista: Emilio Casares, Víctor Sánchez y Benjamín García Rosado. Todos ellos ayudarán a desentrañar los secretos de las obras y a descubrir las claves fundamentales de cada una de ellas. Hasta el día de hoy más de 32.000 espectadores han seguido las conferencias a través del canal de YouTube del Teatro de la Zarzuela.

Victoria de los Ángeles, Nuria Rial

La soprano Núria Rial y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán el próximo martes 9 de mayo (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela, un recital en el que con las entradas agotadas rendirán homenaje (merecido y obligado) a Victoria de los Ángeles en este año en que se cumplirá –el próximo 1 de noviembre–el centenario de su nacimiento.

Victoria de los Ángeles es unánimemente reconocida como una de las más importantes cantantes del siglo XX, que conquistó los escenarios y los corazones de todo el mundo con la belleza de su voz inmortal.

Junto a Rial y Fernández Aguirre el público tendrá ocasión de recordar a la artista, sin duda con gran emoción, a través de algunas de las obras que más cantó en sus numerosos recitales.

En el programa incluye obras de Frederic Mompou, André Campra, Antonio Cesti, Alessandro Scarlatti, Franz Schubert, Felix Mendelsshon, o Johannes Brahms.

Manuel Walser

El barítono suizo Manuel Walser, uno de los especialistas más aclamados por crítica y público en los escenarios europeos, debuta junto al pianista Alexander Fleischer en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En un programa que lleva por título Liebe und Traum (Amor y sueño), recorrerán algunas de las piezas más famosas del género liederístico, canciones inspiradas en textos de poetas del Romanticismo con música de tres grandes compositores seleccionados para la ocasión: Johannes Brahms, Serguéi Rachmaninov y Richard Strauss. El recital tendrá lugar el lunes 8 de mayo, a las 20:00h, en el Teatro de la Zarzuela.

Gracias a su generosa voz y su perfecta dicción, Manuel Walser es capaz de expresar los sentimientos más profundos del alma. A lo largo de su trayectoria, este cantante ha sido galardonado en numerosas ocasiones. Además de haber sido miembro permanente del conjunto de la Ópera Estatal de Viena durante cinco temporadas, está apasionadamente dedicado al arte del lied y ha ofrecido recitales en los principales escenarios europeos. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela junto a Alexander Fleischer, quien también destaca por una fuerte pasión por el repertorio vocal de cámara y haber cosechado numerosos reconocimientos internacionales.

En el concierto, se hará un recorrido por obras maestras del género liederístico. Se escucharán algunos de los más famosos y apreciados lieder del maestro Johannes Brahms, como la balada Von ewiger Liebe, op. 43 (Del amor eterno), la canción Dein blaues Auge hält so still, op. 59 (Tus ojos azules están tan callados), que nos acerca al universo de Robert Schumann, o la dramática Wie rafft ich mich auf, op. 32 (Cómo me armé de valor…). El segundo autor seleccionado en este viaje a través de las pasiones y los sueños será Serguéi Rachmaninov, uno de los grandes compositores posrománticos europeos. Considerado, a su vez, como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX, sus lieder están cargados de figuras oníricas donde la presencia del piano toma un protagonismo especial. Finalmente, el público podrá adentrarse en la magia de las canciones de Richard Strauss, quien mantuvo durante toda su vida una fuerte relación con el lied. En sus piezas vocales destaca el canto al amor, a la naturaleza y a la nostalgia de un tiempo pasado. El recital será una oportunidad para escuchar algunas de sus obras más conocidas, como Morgen! (¡Mañana!), op. 27, nº 4, una de las joyas del género.

Trato de favor
Trato de favor, la nueva zarzuela kitsch

Zarzuela contemporánea
Música de Lucas Vidal
Libreto de Boris Izaguirre
D. musical: Andrés Salado
D. escena: Emilio Sagi
Escenografía: Daniel Bianco
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Albert Faura
Coreografía: Nuria Castejón
D. coro: Antonio Fauró
Reparto: Ainhoa Arteta, Nancy Fabiola Herrera, Enrique Ferrer, Gurutze Beitia,
Amelia Font, María José Suárez, Amparo Navarro, Lara Chaves y Boris Izaguirre.

Continua la búsqueda para crear la zarzuela del siglo XXI. Esta vez el intento ha corrido a cargo del compositor Lucas Vidal y del libretista Boris Izaguirre, a los que el Teatro de la Zarzuela realizó el encargo en 2016.

EL libreto en un conjunto de situaciones imposibles y surrealistas, cuya localización puede ir entre los años 60 y la actualidad. La idea está inspirada en un hecho real, el ingreso en prisión, hace ya unos años, de la mismísima Sophia Loren. Boris Izaguirre saca petróleo de una situación así y crea una sucesión de escenas delirantes, desde la entrada en la cárcel de la protagonista Ana Mía, hasta su participación, también desde la cárcel, en el Festival de Eurovisión. Con numerosos guiños a la actualidad del concurso.

El surrealismo del que hace gala el libreto es, como no podía ser de otra manera, muy divertido e hizo las delicias de un público entregado que asistía al estreno con ganas de disfrutar.

La partitura de Lucas Vidal es un conjunto de músicas de diferentes géneros que no siempre forman un corpus musical homogéneo. Inicialmente presenta un estilo muy cinematográfico, un género que trabaja y conoce muy bien Vidal. Al mismo tiempo está salpicado de fragmentos de zarzuela tradicional, como la alusión directa a un chotis o un pasodoble. Todo ello mezclado con aspectos más modernos. La lírica no es precisamente el género más presente en esta obra que, al margen de la sucesión de elementos diferentes, se dejaba escuchar sin plantear conflictos y tenía un cierto factor sorpresa, que siempre es estimulante.

En el momento de la recreación del Festival de Eurovisión son varias las alusiones de música y libreto, tanto a musicales, como “Mamma mia”, como la participación de representantes españoles en pasadas ediciones del propio festival. Todo adornado con la presencia, desde el patio de butacas, del propio Izaguirre que interpreta un pequeño papel.

Todos estos elementos musicales se desarrollaban en una elegante escenografía de Daniel Bianco con dirección de Emilio Sagi. El maestro Sagi, que maneja como nadie las multitudes sobre el escenario, dispuso una cárcel muy ordenada, con sus galerías y patio, donde sucedía todo tipo de acontecimientos, desde la vida diaria de las reclusas, hasta el festival de Eurovisión.

La dirección musical estuvo a cargo de Andrés Salado, que fue muy acertada, si tenemos en cuenta la diversidad de géneros musicales. Supo dar a cada uno su carácter y diferenciarlos estilísticamente, con color y energía.

El coro, elemento esencial en esta obra, tuvo un papel muy destacado. Se podría decir que la mejor partitura era la escrita para ellos, que parecía un coro wagneriano entre el petardeo Kitsch.

El cuadro de voces contaba con la participación de nombres importantes. Empezando por la protagonista, interpretada por Ainhoa Arteta, que continúa en fase de recuperación vocal y que hizo un gran esfuerzo. Sobre todo, en algunos momentos en los que la partitura se disparaba hacia el agudo.

Nancy Fabiola Herrera, que daba vida a Mayka, directora de la cárcel, sacó toda su capacidad dramática, que no es poca, y pudo lucirse en sus arias.

Amparo Navarro, como Chelo, tuvo los momentos más inspirados, sobre todo en su aria final. Su rol se encontraba entre el drama y el surrealismo cómico, y en ambos casos estuvo muy bien.

María José Suárez, como Venenosa y Amelia Font, como La Colombiana, tenían unos roles con una carga mucho más teatral que resolvieron brillantemente, aunque todos los personajes estaban provistos de una potente comicidad. Genial el personaje de Cuca, interpretado por Lara Chaves.

El único hombre que habitaba la cárcel, Enrique Ferrer, como Juan Miguel, no aportó gran lucimiento a su personaje, no sé si por tesitura, pero se le vio apurado.

Destacar la brillante actuación de Gurtze Beitia, como Mercedes, una especie de gobernanta de la cárcel que empieza siendo un personaje sensato y con autoridad, para descubrirse como el elemento corrupto ante el éxito de la reclusa más famosa.

Se puede decir que hay cierto desequilibrio con algunos personajes que aparecen y desaparecen, como Chelo o Juan Miguel, pero todos forman parte de un divertido universo.

Una obra que da para pensar, ¿es una zarzuela? ¿es un musical? ¿qué es Trato de favor? En cualquier caso, es una obra divertida que está más cerca del planteamiento de la zarzuela tradicional, que otras que hemos visto recientemente. Y es posible que sea un punto de partida real para que la zarzuela continue su andadura hacia el futuro.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Pasión Vega

Noche especial la que se espera en el Teatro de la Zarzuela  este próximo sábado, 6 de mayo (20h00). Pasión Vega, esa artista siempre sorprendente y siempre cercana, esa voz de nervio y seda, recorrerá el mapa sonoro de Federico García Lorca por los caminos de la música y la palabra. Canciones y poemas que nos recordarán que aunque mataran al poeta y acallaran su voz, hay un ‘Lorca sonoro’ que repicará siempre en los ecos de la memoria. Prueba de la expectación que, como de costumbre, ha suscitado este nuevo encuentro de la artista con su público en Madrid, es el hecho de que las entradas se agotaran meses antes de la cita.

En la voz pura de Pasión Vega, resucita Lorca en este proyecto que vio la luz en forma de disco en 2022. Y así, lo hace revivir más allá de las voces de muerte y del amor oscuro; resucita en los sonidos negros que llevan de Manuel Torre a Camarón, o en la aurora de Nueva York, cuando Leonard Cohen y Enrique Morente bailan un vals en Viena; y al sur, siempre al sur, tomamos este bebedizo que vino de Granada para acabar perteneciendo a todos los continentes y todos los idiomas.

El concierto, como el trabajo discográfico, será un homenaje a Federico. A ese García Lorca que amaba “la melodía latente, estructurada con sus centros nerviosos y sus ramitos de sangre”.

Una noche de latidos hondos y suspiros. Noche de amor y sobre todo de celebración la que Pasión Vega nos tiene preparada.

Trato de favor

La zarzuela contemporánea Trato de favor, compuesta por Lucas Vidal y escrita por Boris Izaguirre, es, tras Policías y ladrones —estrenada esta misma temporada—, el más reciente encargo y estreno absoluto del Teatro de la Zarzuela. Esta nueva zarzuela, que cuenta con la dirección de escena de Emilio Sagi y en la que los maestros Andrés Salado y Salvador Vázquez alternan en la dirección musical, se suma a las más de 800 composiciones líricas de autores españoles estrenadas en este mismo escenario de la recién bautizada Plazuela de Teresa Berganza.

En esta ocasión, como decimos, son dos nuevos nombres los que se unen a la nutrida lista de creadores del género: el del compositor de proyección internacional Lucas Vidal y el del conocido y reconocido escritor y presentador de televisión Boris Izaguirre, que han creado una obra divertida –por momentos encantadoramente disparatada–, repleta de situaciones y personajes desternillantes, que nos muestra una Nueva Sociedad del país en la que todo el mundo querrá estar en la cárcel.

Y es que la historia de Trato de favor transcurre por completo en una cárcel de mujeres  en la que ingresa por motivos financieros colaterales una gran diva de la canción y el show business a la que dan vida las sopranos Ainhoa Arteta y María Rey-Joly, quien como Javier Tomé, Cristina Faus y el maestro Salvador Vázquez, interviene en dos de las funciones programadas. La pregunta está en boca de todos: ¿Cómo sobrevive una diva en prisión?

Lucas Vidal desvela su gusto por la zarzuela desde muy temprana edad, hasta el punto de llegar a convertirse en una obsesión: «Tan lejos llevé mi pasión –dice el compositor– que cuando estudiaba a los grandes de la música clásica empecé a realizar versiones “zarzueleras”, tratando de que Bach se acercara a Sorozábal, de que Beethoven acariciara a Bretón, de que Mozart se convirtiera en Chueca…».

Sueño cumplido: zarzuela para todos

Y llegó el día en que pudo cumplir uno de sus más recurrentes sueños con el encargo de este Trato de favor por parte del Teatro de la Zarzuela. Un proyecto que «sin ningún género de duda» se sitúa «entre los más especiales y emocionantes» en          que ha participado nunca: «Me ha permitido crecer como artista y ha hecho posible que aquel pequeño niño zarzuelero de siete años que giraba obsesivamente la manivela de un organillo antiguo, cumpla su sueño de demostrar al mundo que la Zarzuela, definitivamente, es para todos».

El director de escena de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, Emilio Sagi, veterano en el género y gran colaborador del coliseo que dirigió durante una década, explica que Trato de favor «está en la línea de las obras de la primera mitad del siglo XX». Y nos invita a descubrir cómo conecta perfectamente con la forma de hacer de Francisco Alonso o Pablo Sorozábal. Sagi está convencido de que «todos sentiremos algo porque la música combina, como en aquellas obras, lo popular con músicas y ritmos actuales». Y por experiencia bien sabemos que «por encima de todo, lo importante es que el público lo pase bien, que el espectáculo sirva de diversión y de emoción a todo tipo de espectador».

Por su parte, Andrés Salado, que colabora por primera vez con La Zarzuela —al igual que Salvador Vázquez—, revela que está «feliz por este debut en uno de los grandes teatros de este país, rodeado de un equipo artístico y técnico de ensueño». En este sentido afirma que «esta zarzuela no solamente será una hito histórico en nuestro país, sino que también demostrará que nuestro género lírico está más vivo que nunca. Trato de favor —explica— es un homenaje a la zarzuela a lo largo de su historia hasta nuestros días y también una fantasía que hará al público volar y sonreír en cada minuto de la representación». Y concluye que con esta divertida historia de Las Albricias –nombre ficticio de la prisión– todos se dejarán llevar «porque estamos ante una gran fiesta de nuestra cultura».

Cómica, absurda, humana

Esta nueva zarzuela, con un tono decididamente cómico, absurdo y humano, cuenta con un reparto doble y con un equipo artístico que tiene todas las cualidades para encandilar con creces al público. Junto a las ya citadas Ainhoa Arteta y María Rey-Joly, que interpretan al personaje protagonista de Ana Mía, están las mezzosopranos Nancy Fabiola Herrera y Cristina Faus en el papel de la directora del centro penitenciario, los tenores Enrique Ferrer y Javier Tomé como Juan Miguel, el único hombre que cumple condena en esa peculiar cárcel, compositor y productor musical, y antiguo novio canalla de Ana Mía; la cantante-actriz Gurutze Beitia como Supervisora General de Prisiones; en los roles locos y divertidos de las internas, la soprano cómica Amelia Font, la mezzosoprano María José Suárez y la actriz-cantante Lara Chaves; y la soprano Amparo Navarro, que encarna a la “doncella” de la diva encarcelada y que asume varios de los momentos claves de la trama. La función contará también con un “cameo” del propio Boris Izaguirre, y el elenco lo completan un cuerpo de seis bailarinas, dos figurantes y una música en escena, la pianista Celsa Tamayo.

En lo que concierne al equipo artístico, además del talento, la magia y el oficio de Sagi, Salado y Vázquez, el espectáculo cuenta con la asombrosa escenografía de Daniel Bianco, el siempre atractivo y por momentos deslumbrante vestuario de Jesús Ruiz, con la poesía lumínica de Albert Faura y con la ágil y eufórica coreografía de Nuria Castejón.

La función del 19 de mayo será grabada por Radio Clásica de RTVE para su emisión en fechas próximas.

Estamos ante una zarzuela Contemporánea: una farsa divertida, sin gravedad ni crítica demoledora, pero repleta de buena música con la que Vidal nos deleita y con un argumento peculiar y sorprendente con el que Izaguirre nos divierte. Todo listo para entrar en la prisión de Las Albricias de la mano de este loco vodevil, de esta nueva Zarzuela.

Andrè Schuen y Daniel Heide © GWerner

El barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984), una de las voces líricas más destacadas del panorama actual, regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide, para interpretar Die schöne Magelone, op. 33 (Quince romanzas sobre la ‘Magelone’) de Johannes Brahms. Se trata de uno de los ciclos más emocionantes y extensos de uno de los compositores más relevantes de todos los tiempos. El recital tendrá lugar el lunes 3 de abril a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.
 
Considerado por la crítica como el legítimo heredero de grandes liederistas como Matthias Goerne o Christian Gerhaher, Andrè Schuen firma una de las carreras más deslumbrantes del panorama actual.  Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo y con gran éxito de la crítica: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Nikolaus Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Junto al pianista Daniel Heide, quien destaca por una aplaudida trayectoria que le ha llevado a pisar los principales escenarios europeos, se adentrará en una de las partituras más fascinantes de la literatura musical del s. XIX, apreciada por su singular belleza y profunda intensidad.
 
En Die schöne Magelone, Brahms puso música a poemas de Johann Ludwig Tieck (1773-1853) quien, tras la muerte de Goethe, fue considerado el mayor poeta alemán vivo. Este gran ciclo de lied romántico presenta quince canciones que suponen una muestra sublime del arte compositivo de Brahms a partir de la tradición popular. Las piezas incluidas en este recital representan el punto culminante de su producción liederística y están consideradas como uno de sus ciclos más importantes. Escritas alrededor de 1860, evocan una fascinante historia de amor marcada por el paso de la ruptura a la reconciliación. El recital será una oportunidad fantástica para apreciar la belleza del lied y la capacidad del género para transmitir estados de ánimo.

Sobre Andrè Schuen
 
El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger.
 
 
Sobre Daniel Heide
 
Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar.

La violación de Lucrecia

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA
o Donde hay violencia, no hay culpa
Zarzuela barroca en dos jornadas
Música de josé de Nebra
Libreto de Nicolás González Martínez, adaptación de Rosa Montero
D. musical y clave: Alberto Miguélez Rouco
D. de escena y vestuario: Rafael R. Villalobos
Escenografía: Emanuele Sinisi
Iluminación: Felipe Ramos
Ensemble Los Elementos
Reparto: María Hinojosa Montenegro, Carol García,
Marina Monzó, Judit Subirana,
Borja Luna y Manuela Velasco.

El Teatro de la Zarzuela, en su vocación por recuperar la obra lírica española, ha estrenado La violación de Lucrecia, basada en la zarzuela original “Donde hay violencia, no hay culpa” del aragonés José de Nebra, basada en un poema narrativo de Shakespeare. Una historia fascinante para muchos autores a lo largo de la historia, por el brutal acontecimiento que narra. Un acontecimiento que ocurrió, como dice la Lucrecia contemporánea que interpreta Manuela Velasco, hace un millón de días, y continúa sucediendo…

En esta producción, como en otras anteriores, se ha encargado un texto alternativo que, a modo de actualización del original de Nicolás González Martínez, asista al espectador en la comprensión y conocimiento de la historia. En esta ocasión la encargada ha sido la escritora Rosa Montero. Pero el relato alternativo ha resultado demasiado extenso y protagonista, y sin ninguna necesidad. Montero ha creado un texto que insiste en explicar obviedades. Aún prescindiendo del libreto original, la obra musical, junto a la escenografía, son suficientemente clarificadoras, por lo que tantas explicaciones se vuelven repetitivas.

Esta obra es una extraordinaria muestra de ese barroco español del que disfrutamos escasamente, a pesar de la indudable calidad musical que atesoran. La partirura de Nebra es brillante, y se ha elegido para esta producción la última versión del compositor, de las tres que realizó. Es, como dice Alberto Miguélez Rouco, la más galante y probablemente la más aproximada al gusto del público en ese momento. En cualquier caso, una joya de nuestro repertorio a la altura, si no más, de las obras italianas que se representaban entonces en Madrid de la mano de los mejores compositores y libretistas.

Si un grupo de jóvenes músicos, la mayoría españoles, se reúnen para formar un ensemble barroco es, sin duda, una decisión arriesgada, casi milagroso. Pero han sido capaces de hacerlo. Con Alberto Miguélez Rouco a la cabeza y con instrumentos de época, que en la sequedad ambiental del Teatro de la Zarzuela requieren de un esfuerzo extra en la interpretación, consiguen un verdadero sonido de carácter barroco. Hacen que suene vivo, ligero, con esa naturalidad perfecta que tienen las cosas imperfectas. Miguélez Rouco estuvo todo el tiempo pendiente de los cantantes, facilitando un trabajo, en el que se notaba una perfecta comunicación.

Y si la música es potente, no se quedaron atrás sus intérpretes. La valenciana Marina Monzó dio vida a Tulia, hermana de Colatino y enamorada de Sexto. No se puede cantar con más delicadeza y gusto… Posee una voz clara y esmaltada que modula a capricho, con una línea de canto fluida en el fraseo. Qué bien aprovechadas esas clases con Isabel Rey, Mariella Devia o Renata Escotto. Supo dotar a Tulia de la fragilidad dramática de quien está enamorada sin perspectivas. Lo mejor de Marina Monzó es que esto apenas acaba de empezar.

Laureta, la sirvienta de Lucrecia, está interpretada magníficamente por Judit Subirana. Representa a la aparentemente única mujer de la obra que vive a su antojo, y lo hace con frescura y soltura en su recorrido por el escenario.

La mezzosoprano Carol García ha interpretado a Colatino, esposo de Lucrecia y hermano de Tulia. En esta ocasión la dramaturgia del personaje no ha hecho justicia con la calidad de su instrumento, que no es poca. Ha defendido su rol con la solvencia que acostumbra.

La protagonista de la obra, Lucrecia, ha estado interpretada por una María Hinojosa que hizo crecer a su personaje a medida que avanzaba la obra. Muy bien en lo vocal y también en esa parte más dramática del personaje.

Es esta una obra en la que las mujeres son las protagonistas, las únicas protagonistas, sobre el escenario solo aparece un hombre y además, no canta. Es el personaje de Sexto, el brutal protagonista, al que da vida el actor Borja Luna.

Magnífica recuperación por parte del Teatro de la Zarzuela de esta joya del barroco español, toda una sorpresa musical, a la que no le hacen falta adornos ni complementos. Una obra como esta se basta y se sobra.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Celso Albelo

El tenor Celso Albelo ofrecerá este próximo viernes 31 de marzo (20h00) en el Teatro de la Zarzuela un concierto especialmente singular, heterogéneo y, sobre todo, emotivo, en el que acompañado por la Orquesta de Pulso y Púa de la Universidad Complutense de Madrid dirigida por Enrique García Requena sumergirá al público en un mar de amores, alegrías y nostalgias llegados de las dos orillas y con el océano de nexo y de testigo.

Lo hará a base de pasodobles, habaneras, rancheras, jotas, canciones mexicanas, y, por supuesto, romanzas de zarzuela bajo el título homónimo de su recién editado álbum, ‘Una serenata española’, y como parte del ciclo de conciertos del Teatro.

El intérprete tinerfeño, cuyo arte del canto es mundialmente reconocido, repasará pues un amplio repertorio popular en el que las composiciones de autores como Falla, Padilla, Serrano, Esperón, Giménez, Francis López o Sorozábal, algunos de ellos tan distantes, se fundirán en una sola emoción compartida.

marianne-crebassa

En el mes de la poesía, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela celebran una nueva cita del prestigioso Ciclo de Lied en el que música y palabras se dan la mano. En esta ocasión, la mezzosoprano Marianne Crebassa y el pianista Joseph Middleton debutan en la programación con un repertorio en el que abordarán obras de los compositores franceses Claude Debussy, Jules Massenet, Maurice Ravel; y de los españoles Jesús Guridi, Isaac Albéniz, Manuel de Falla y Federico Mompou. El recital tendrá lugar el lunes 27 de marzo, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.

La mezzosoprano Marianne Crebassa, requerida en los principales teatros de ópera internacionales, se adentra en el lied, género en el que también goza de un amplio reconocimiento, para interpretar un programa fuertemente vinculado con España. Junto al pianista Joseph Middleton, que también ha cautivado al público en el acompañamiento de canciones y música de cámara, darán vida a un programa que incluye sugerentes piezas de grandes compositores franceses que se inspiraron en el repertorio folclórico ibérico, en diálogo con obras de reconocidos autores españoles que mantuvieron fuertes lazos con nuestro país vecino.

Crebassa interpretará canciones en francés, castellano, catalán y gallego en una velada única dedicada a explorar la riqueza y originalidad de la canción culta del sur de Europa, llena de guiños a la tradición popular y referencias al imaginario colectivo de lo exótico, lo bello y lo distinto.

Inspiración ibérica

El programa del concierto simboliza un cruce entre países, con obras de compositores franceses que se inspiraron en nuestro país y de autores españoles que viajaron a París para extender su formación. La velada comenzará del lado francés, con una de las composiciones más emblemáticas de Debussy, sus Trois chansons de Bilitis, canciones cargadas de gran sensualidad que escribió tras su periodo de formación, en el que había estado en contacto con los temas musicales españoles. De él también se escuchará La soirée dans Grenade. El segundo compositor francés presente será Jules Massenet con su original Nuit d’Espagne, en la que el piano imita a una guitarra española. Por su parte, de Ravel se han seleccionado sus Cinq mélodies populaires grecques y la Chanson espagnole, donde el público podrá apreciar, de nuevo, una muestra de tratamiento del piano a modo de guitarra y el gusto por lo exótico.

En cuanto a nuestros compositores, el repertorio incluye algunas de las piezas más icónicas de la música española, como la mágica Rumores de la Caleta de Isaac Albéniz y la brillante Séguidille de Falla, entre otras. El público también podrá adentrarse en el lenguaje intimista de Federico Mompou a través de su ciclo de canciones Combat del somni y en cuatro de las populares Seis canciones castellanas de Jesús Guridi, que nacieron como encargo para la película La malquerida, de José López Rubio.

Sobre Marianne Crebassa

El espectacular ascenso de la mezzosoprano Marianne Crebassa en el panorama internacional demuestra el disfrute y la seguridad con los que se desenvuelve en un escenario o en un estudio de grabación. Mientras estudiaba Musicología, canto y piano en Montpellier, su ciudad natal, fue elogiada por su interpretación en 2010 de Isabella Linton en Wuthering heights de Herrmann en el Festival de Radio France y, poco después, se incorporó al Programa de Jóvenes Artistas de la Ópera de París, donde actuó como Orphée en Orphée aux Enfers de Offenbach y como Ramiro en La finta giardiniera de Mozart. Unos meses más tarde, debutó en el Festival de Salzburgo como Irene en Tamerlano de Haendel. La temporada pasada se presentó por primera vez como Romeo en I Capuleti e i Montecchi en el Teatro alla Scala de Milán. También lo hizo en el Festival de Aix-en Provence en la Auferstehung de Mahler con una producción de Romeo Castellucci. En el mundo de la ópera, ha cantado los personajes de Cherubino en Le nozze di Figaro en la Metropolitan Opera House, Stéphano en Roméo et Juliette en el Chicago Opera Theater y Dorabella en Così fan tutte en la Staatsoper de Berlín y el Festival de Salzburgo, así como el papel principal de Fantasio de Offenbach en la Opéra-Comique de París, Angelina en La Cenerentola de Rossini en la Ópera de París y La Scala de Milán, Mélisande en Pelléas et Mélisande de Debussy en la Staatsoper de Berlín, Cecilio en Lucio Silla y Sesto en La clemenza di Tito de Mozart en Salzburgo. Marianne Crebassa ha ofrecido recitales con el Festival de Saint-Denis, el Mozartwoche de Salzburgo, la Fundación Gulbenkian, la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta de París, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Staatskapelle de Berlín, el Mostly Mozart Festival, los BBC Proms con la Philharmonia Orchestra, el Wigmore Hall, el Théâtre des Champs-Elysées y la Elbphilharmonie y el Waldbühne con la Filarmónica de Berlín. Fue invitada, asimismo, por Daniel Barenboim para celebrar el centenario de la muerte de Debussy con conciertos con la Staatskapelle en la Pierre Boulez Saal de Berlín. La mezzosoprano es artista exclusiva de Erato, donde ha publicado tres álbumes: Séguedilles, Oh, boy! y Secrets; por el segundo, fue nombrada artista lírica del año en los Victoires de la Musique y, por el tercero, recibió el premio solista vocal en los Gramophone. Marianne Crebassa participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Sobre Joseph Middleton

El pianista Joseph Middleton, aclamado internacionalmente, está especializado en el arte del acompañamiento de canciones y música de cámara. Colabora con cantantes como Thomas Allen, Louise Alder, Mary Bevan, Ian Bostridge, Allan Clayton, Sarah Connolly, Marianne Crebassa, Iestyn Davies, Fatma Said, Samuel Hasselhorn, Christiane Karg, Katarina Karnéus, Angelika Kirchschlager, Felicity Lott, Christopher Maltman, John Mark Ainsley, Ann Murray, James Newby, Mark Padmore, Mauro Peter, Miah Persson, Carolyn Sampson y Roderick Williams. También trabaja con estrellas emergentes de la generación más joven y programa con frecuencia sus propias series para BBC Radio 3. Las últimas temporadas lo han llevado al Wigmore Hall, la Royal Opera House y el Royal Festival Hall de Londres, la Konzerthaus de Viena, el Concertgebouw y el Muziekgebouw de Ámsterdam, la Filarmónica de Colonia, las óperas de Estrasburgo, Fráncfort, Lille y Gotemburgo, la Pierre Boulez Saal de Berlín, el Museo de Orsay de París, la Tonhalle de Zúrich, el DeSingel de Amberes, la Filarmónica de Luxemburgo, el Bozar de Bruselas, el Oji Hall de Tokio y el Alice Tully Hall de Nueva York. Actúa en los festivales de Aix-en-Provence, Aldeburgh, Edimburgo, Múnich, Schubertiade Schwarzenberg y Hohenems, Stuttgart, Heidelberger Frühling, Fráncfort, Ravinia, Japón, San Francisco, Toronto y Vancouver, así como en los BBC Proms. Su discografía, que aumenta de forma rápida en Harmonia Mundi, BIS, Chandos y Signum Records, le ha valido un Diapason d’Or, un Edison Award, un Prix Caecilia y numerosas nominaciones a los Premios Gramophone y BBC Music Magazine. En 2022-2023, Joseph Middleton es artista residente del Festival de Lied Victoria de los Ángeles de Barcelona, donde ofrece recitales con Sarah Connolly, Louise Alder y Benjamin Appl. Entre sus compromisos actuales, destacan la Schubertiade Hohenems y la de Schwarzenberg con Fatma Said, Louise Alder o Sophie Rennert. Además, forma parte de una gira con James Newby, que incluye apariciones en Baden-Baden, Barcelona, Viena, Hamburgo y Londres, donde estrenará una obra de Turnage, junto con Sarah Connolly. Con Carolyn Sampson, acudirá al Wigmore Hall, al Concertgebouw de Ámsterdam y al Oji Hall de Japón. El pianista es director de Leeds Lieder, músico residente y bye-fellow del Pembroke College de Cambridge y profesor y miembro de la Royal Academy of Music. En 2017, recibió el Premio al Artista Joven del Año de la Royal Philharmonic Society. Joseph Middleton participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

La violación de Lucrecia

A partir del 25 de marzo y hasta el 1 de abril, el Teatro de la Zarzuela cumplirá de nuevo con una de sus responsabilidades prioritarias. Recuperará 270 años después de su última representación en 1753, y en este caso para la escena, la zarzuela barroca Donde hay violencia, no hay culpa, con música de José de Nebra y libreto de Nicolás González Martínez, y lo hará bajo el título de La violación de Lucrecia, en un guiño al poema épico de Shakespeare The rape of Lucrece, y a la ópera homónima de Britten.

En esta nueva producción del Teatro de la recién inaugurada plazuela de Teresa Berganza, el punto de partida es la versión del libreto escrita por Rosa Montero –recientemente galardonada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes–, mientras que en las partes cantadas se mantienen los versos originales que González Martínez escribió para Nebra en 1744.

La dirección de escena y el vestuario de esta recuperación son de Rafael R. Villalobos, que se presenta por primera vez en este escenario; y la edición y la dirección musical —desde el clave— son de Alberto Miguélez Rouco, que también dirige su Ensemble Los Elementos y debuta asimismo en el foso de La Zarzuela como director. La producción, que cuenta con la escenografía de Emanuele Sinisi y la iluminación de Felipe Ramos, goza de un reparto especialmente escogido para abordar con absoluta solvencia y brío este tipo de partitura, y para afrontar la sobrecogedora puesta en escena de la leyenda de Lucrecia. Lo componen cuatro cantantes: María Hinojosa Montenegro (Lucrecia), Carol García (Colatino), Marina Monzó (Tulia) y Judit Subirana (Laureta); y dos actores: Manuela Velasco (Espíritu de la leyenda de Lucrecia) y Borja Luna (Sexto).

Estamos ante una curiosa obra con argumento latino, pero creada para el ámbito privado del duque de Medinaceli en Madrid, cuyo palacio, en la Carrera de San Gerónimo con el Paseo del Prado, estaba emplazado a 300 metros escasos del lugar que más tarde, desde 1856, ocuparía (y hoy sigue ocupando) el Teatro de la Zarzuela. A pesar de los casi tres siglos transcurridos, la música y la retórica de los afectos de esta zarzuela de Nebra aún nos deleitan e invitan a descubrir las percepciones de gusto barroco y preclásico. Y como nos dice la estudiosa Nieves Pascual en sus notas para el programa o en el cierre de su conferencia (disponible en YouTube): «En esta zarzuela, obra ejemplar del teatro lírico español, con música y texto que son patrimonio de ayer, descubrimos la expresión de deseos y pasiones de hoy».

Rafael R. Villalobos, por otra parte, nos recuerda que, además de proporcionarnos el placer de descubrir y redescubrir a Nebra, el proyecto tiene otros puntos interesantes y absolutamente actuales, como puede ser el «entender el espíritu revolucionario que los autores de entonces (siglo XVIII) tenían respecto a los derechos de las mujeres». El director de escena y figurinista afirma que La violación de Lucrecia nos permite asimismo «reflexionar acerca de muchos temas, que van desde la violencia machista a la violencia institucional».

El dolor de entonces, el dolor de hoy

Con esta propuesta volveremos a mirar al pasado para colocar el foco de atención en el dolor de una mujer, Lucrecia, «cuya historia desgranaremos a través del filtro de los dos mil quinientos años de historia transcurridos desde entonces». En este sentido, Villalobos dice que La violación de Lucrecia «es una obra maravillosa, tristemente muy actual, y que un teatro nacional que vela por el patrimonio lírico español decida subirla al escenario y abrace otros acercamientos al hecho lírico es motivo de alegría general».

Por su parte, el Maestro Miguélez Rouco, que el pasado mes de octubre presentó la grabación de Donde hay violencia, no hay culpa (Glossa) también al frente de su grupo historicista Los Elementos, recalca que esta zarzuela nos permite «sumergirnos en la fascinante obra de José de Nebra, cuyo hábil uso de la retórica barroca, su conocimiento de los recursos vocales e instrumentales y su intuición dramática convierten cualquiera de sus obras escénicas en las más brillantes joyas del siglo XVIII español».

Estrenada en 1744, la historia narra las circunstancias y consecuencias de la violación de la virtuosa mujer romana Lucrecia, el mito fundacional de la República Romana, tal como lo transmitió Livio. Estos días el público asistirá en el Teatro de la Zarzuela a una relectura de esta leyenda del siglo primero antes de la era cristiana. Ahora, al igual que hace tres siglos en Madrid o hace veinticinco siglos en Roma —dentro de una especie de espiral de la Historia—, los hechos nos obligan a oír y ver estos acontecimientos para reflexionar sobre la libertad, la conciencia de culpa, la degradación, el poder, la destrucción, el honor o la venganza; todo esto ante el hecho de una violación y de sus consecuencias trágicas para el ser humano.

La función de ‘La violación de Lucrecia’ del jueves 30 de marzo se emitirá en directo en streaming a través del canal de YouTube, Facebook y la página web del Teatro y quedará disponible en abierto.

Esa misma función será grabada por Radio Clásica de Radio Nacional de España para su emisión en próximas fechas.

Asimismo ella está disponible en YouTube la conferencia de la musicóloga Nieves Pascual y en estos días, también el nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la Zarzuela’ con la intervención de Alberto Miguélez Rouco, Rafael R. Villalobos y Rosa Montero.

El miércoles 29 de marzo a las 19h00 en el canal de YouTube del Teatro, se emitirá en directo el nuevo encuentro ‘Entre bambalinas’, en esta ocasión con la actriz Manuela Velasco.

Jóvenes directores

El Teatro de la Zarzuela celebra un concierto sinfónico de jóvenes directores en el que Lara Diloy, Lorena Escolar y Rubén Sánchez-Vieco dirigen obras monumentales de nuestro patrimonio.

Al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), abordarán composiciones de Arriaga, Rodrigo, Guridi, Turina y Falla.

Tres jóvenes directores de orquesta, grandes promesas de la dirección como son Lara Diloy, Lorena Escolar y Rubén Sánchez-Vieco, subirán el próximo martes 7 de marzo (20h00) al podio del Teatro de la Zarzuela para ofrecer un concierto sinfónico en el que al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (titular del Teatro), alternarán algunas de las obras más icónicas de nuestro patrimonio musical con composiciones monumentales de Arriaga, Rodrigo, Guridi, Turina y Falla.

Lorena Escolar y Lara Diloy dirigirán la Suite 1 y 2 de ‘El sombrero de tres picos’ de Manuel de Falla, además de ‘Los esclavos felices’ de Juan Crisóstomo de Arriaga, y los ‘Tres viejos aires de danza’ de Joaquín Rodrigo, respectivamente. Por su parte, Rubén Sánchez-Vieco asumirá la dirección de las ‘Diez melodías vascas’ de Jesús Guridi y ‘La procesión del Rocío’, op. 9 de Joaquín Turina.

Una velada, por tanto, en la que la música está escrita con mayúsculas.

Enrique Viana

El próximo 8 de abril se cumplirán 50 años de la muerte de Pablo Picasso, y el Teatro de la Zarzuela no ha querido dejar pasar la ocasión sin rendirle homenaje. Lo hará en dos funciones del ciclo Notas del Ambigú los días 27 y 28 de febrero (20h00) con un espectáculo escrito y dirigido por Enrique Viana y protagonizado por el barítono Fernando Bullón y el pianista Ramón Grau.

El espectáculo tiene el inconfundible sello de Viana, con hilarantes situaciones de humor del absurdo que se van sucediendo in crescendo entre composiciones de Fernando Díaz Giles, Juan Bautista Lambert, Manuel Fernández Caballero, José María Usandizaga, Gonzalo Roig o José Martín Domingo, con dos convenientes sorpresas pianísticas de Gioacchino Rossini y Erik Satie y un estreno absoluto del propio Ramón Grau.

El salón de peluquería de Vallauris se traslada en el tiempo al Ambigú del Teatro de la Zarzuela y aparece Eugenio Arias, el barbero de Pablo Picasso. Una llamada telefónica al más allá le ha dicho que don Pablo quiere cortarse el pelo y departir un rato con él como en los buenos tiempos. “¡Frivolicemos, Arias, que no he vuelto para sufrir! Un día sin reír es un día perdido”. Así se manifiesta nuestro Pablo Picasso en esa cita imaginada en la que intervienen  cuadros, recuerdos y músicas. El barbero canta y “afina”. Picasso, feliz en la barbería de la zarzuela, escucha, recuerda y pronostica.

Borrego y Dobarro

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela acoge este próximo domingo 12 de febrero (12h00) el virtuosismo, la maestría y la complicidad del dúo de violín y piano integrado por Miguel Borrego –concertino de la orquesta de RTVE desde hace más de 25 años y Premio Nacional de Música 2013–, e Isabel Dobarro –profesora visitante en la London Performing Academy of Music de Londres y considerada como una de las pianistas españolas con mayor proyección internacional–. En esta ocasión, el concierto, que como es costumbre en este ciclo tendrá lugar en el Ambigú del coliseo, incluirá obras de compositoras españolas de hoy, entre las que se podrán escuchar cuatro estrenos absolutos. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Además de la alta calidad de su contenido, el programa está cargado de significado ya que por tercer año consecutivo el mencionado ciclo de La Zarzuela, que celebra ya su cuarta edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

Borrego y Dobarro incluirán en su concierto música de Marisa Manchado, Consuelo Díez, Zulema de la Cruz, Julia María Dopico Vale o Reyes Oteo, con estrenos absolutos de María de Alvear, Ana Vázquez Silva, Iluminada Pérez Frutos y Adela Rodríguez Yus. El estreno de esta última y jovencísima compositora es posible gracias a la colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y tres de los estrenos están dedicados expresamente al dúo Borrego y Dobarro.

A través de este ciclo el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de las compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus obras.

Las dos citas restantes del ciclo serán con el Cuarteto Manuel de Falla (23 de abril) y el Cuarteto Bretón (21 de mayo).

Christiane Karg

El lirismo de la voz de la soprano alemana Christiane Karg y la delicadeza del arpa de Anneleen Lenaerts se darán cita en el próximo concierto del XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. La cantante alemana regresa al ciclo junto a la arpista principal de la Filarmónica de Viena, que debuta en la programación. Juntas invitarán al público a vivir una velada inolvidable a través de una selección de canciones de Claude Debussy, Ottorino Respighi  y lieder de Richard Strauss. El recital tendrá lugar el martes 7 de febrero a las 20H00 en el Teatro de la Zarzuela.

La voz dulce y luminosa de Christiane Karg ha brillado en los principales escenarios del mundo en su faceta operística, donde destacan sus interpretaciones en la Royal Opera House de Londres, la Ópera de París, el Metropolitan de Nueva York, o el Teatro alla Scala de Milán. La cantante también es una refinada liederista. En esta ocasión, se sumergirá en la poesía del lied acompañada por una invitada muy especial poco frecuente en este tipo de programaciones: el arpa de Anneleen Lenaerts, considerada como una de las solistas más importantes de este instrumento.

Las artistas ofrecerán un sugerente viaje musical por Francia, Italia y Austria de la mano de Debussy, de quien se podrán escuchar piezas emblemáticas como Clair de lune, Beau soir o Nuit de étoiles; Respighi, del que sonarán Storia breve, Nebbie, Serenata indiana o Piccola mano bianca; y R. Strauss, con piezas como Allerseelen, Zueignung, Befreit o la bella despedida de Vier Letzte Lieder, el fantástico ciclo de las Cuatro últimas canciones.

Sobre Christiane Karg

Nacida en Feuchtwangen (Baviera), Christiane Karg estudió en la Universidad Mozarteum de Salzburgo con Heiner Hopfner y lied con Wolfgang Holzmair y obtuvo la Medalla Lilli Lehmann por su máster en Ópera y Teatro Musical. Cuando aún era estudiante, hizo su debut en el Festival de Salzburgo. Se la puede escuchar en todo el mundo interpretando grandes papeles operísticos: en la Royal Opera House de Londres y en la Ópera de París, en la Lyric Opera de Chicago y en el Metropolitan de Nueva York, en el Teatro alla Scala de Milán y en la Ópera Estatal de Viena. Karg ha trabajado con orquestas y directores de renombre internacional. Christiane Karg destaca, igualmente, en el ámbito de los recitales y actúa en la Schubertiade en Hohenems y Schwarzenberg. Es, además, directora artística del Festival Kunst Klang, ha impulsado una serie de conciertos en su ciudad natal y está al frente del proyecto «Be part of it! Musik für Alle», que promueve la educación musical de niños y jóvenes. La artista ha sido galardonada con el Premio de la Cultura Bávara y el Premio Brahms de la Sociedad Brahms de Schleswig-Holstein. Su inconfundible voz se puede encontrar en numerosos registros. También sobresalen sus grabaciones de Le nozze di Figaro, con Yannick Nézet-Séguin; Scene!, con el conjunto Arcangelo y Jonathan Cohen; y Verwandlung. Lieder eines Jahres. En 2021, publicó su último trabajo en solitario, Licht der Welt. A Christmas promenade. Christiane Karg ha participado, con el presente, en dos recitales del Ciclo de Lied: XX (13-14), XXIX (22-23).

Sobre Anneleen Lenaerts

El talento de Anneleen Lenaerts ha sido reconocido y premiado internacionalmente desde muy temprana edad. La arpista recibió veintitrés galardones entre 1997 y 2009, entre los que destacan el Grand Prix International Lily Laskine en 2005 y el Concurso Internacional de Música ARD en Múnich, donde obtuvo el premio del público. Anneleen Lenaerts comenzó a tocar el arpa con Lieve Robbroeckx. Continuó sus estudios en los conservatorios de Bruselas y París en 2008 y finalizó su máster en Arpa con la máxima distinción. Lenaerts enseña en la Universidad de Maastricht y forma parte del profesorado del Festival y Escuela de Música de Aspen. La arpista belga es una de las solistas más importantes de este instrumento. En 2010, fue nombrada arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena. Como solista ha actuado con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta del Mozarteum, o la Orquesta Bruckner de Linz, entre otras. Anneleen Lenaerts ha debutado en solitario en escenarios como el Wigmore Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, la Philharmonie de Berlín, o la Salle Gaveau de París. En 2021, publicó Vienna stories, con miembros de la Filarmónica de Viena, un homenaje a su hogar musical, donde los mundos de la ópera y la sinfonía se fusionan con la vida cotidiana. Su álbum Nino Rota. Works for harp con la Filarmónica de Bruselas, dirigida por Adrien Perruchon, recibió el Opus Klassik en 2019. Anneleen Lenaerts participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Ainhoa Arteta y Ramón Vargas

La soprano Ainhoa Arteta y el tenor Ramón Vargas, que la pasada temporada protagonizaron el concierto de regreso a los escenarios de la cantante tras unos meses complicados que la mantuvieron forzosamente alejada del público, vuelven ahora un año después al mismo escenario del Teatro de la Zarzuela para ofrecer el próximo lunes 6 de febrero un recital íntegramente de música española.

Como era de esperar, la nueva cita con estas dos figuras mundiales de la lírica, que de nuevo contarán con Javier Carmena como pianista, ha desatado una extraordinaria expectación que les llevará a cantar, una vez más, ante un teatro abarrotado y a todas luces entregado al arte de ambos intérpretes.

Sonarán páginas indispensables de nuestra lírica: de ‘La Gran Vía’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde, a ‘La isla de las perlas’ de Pablo Sorozábal, de ‘Luisa Fernanda’ de Federico Moreno Torroba a ‘Mirentxu’ o ‘El caserío’ de Jesús Guridi, de ‘La Dolorosa’ de José Serrano o ‘La Tempranica’ de Gerónimo Giménez a la ópera ‘El gato montés’ de Manuel Penella, pasando incluso por el reciente estreno absoluto de ‘El orgullo de quererte’ del propio Javier Carmena.

Todo indica que volverá a ser una noche difícil de olvidar.

La Dolores

La Dolores
Drama lírico en tres actos
Tomás Bretón (1850-1923)
Libreto: Tomás Bretón, basado en el drama rural de José Feliú y Codina
Estrenado en el Teatro de la Zarzuela, el 16 de marzo de 1895
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela
D. musical: Guillermo García Calvo
D. escena: Amelia Ochandiano
Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Juan Gómez Cornejo (AAI)
Coreografía: Miguel Ángel Berna
Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro de la Zarzuela)
Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, Director: Antonio Fauró
Coro de Voces Blancas Sinan Kay, Dirección: Mónica Sánchez
Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil»
Reparto: Saioa Hernández, Jorge de León, José Antonio López,
María Luisa Corbacho, Rubén Amoretti, Javier Tomé, Gerardo Bullón

Se ha esperado 85 años para volver a ver en el Teatro de la Zarzuela La Dolores, del maestro Tomás Bretón, del que se cumple el centenario de su fallecimiento. Es esta una forma extraordinaria de rendir homenaje a quien, desde su puesto de director del Real Conservatorio de Música de Madrid, trabajó en pro de la modernización de los estudios de música en España.

Se estrenó en este teatro el 16 de marzo de 1895, con gran éxito, nada menos que 63 representaciones. El libreto y la música son del propio Bretón, y está basado en un drama rural de José Feliú y Codina. Inicialmente se iba a estrenar en el Teatro Real, pero el empresario quería que Bretón escribiese el libreto en italiano, cosa a la que el compositor se negó. Finalmente Bretón se decidió por el Teatro de la Zarzuela.

Bretón ha sido siempre más conocido por sus zarzuelas que por alguna de sus óperas, como es el caso de La Dolores. De hecho, el que La verbena de la Paloma, que se había estrenado un año antes, tuviera mucho más éxito que La Dolores, entristeció al compositor.

La Dolores es el enésimo intento de desarrollar el género operístico en España, y está influenciada por el momento verista que recorría Europa y que tenía en Carmen, de Bizet, uno de sus máximos exponentes. En ambas obras, la protagonista atrae el interés de numerosos hombres y terminan de manera trágica.

Una de las diferencias de la ópera de Bretón con las que se escribían de similar factura, es la dificultad de encajar en la partitura a cinco personajes principales, en lugar del tradicional triángulo amoroso.

Se trata de una obra muy española. Basada en una historia tradicional que se contaba en Aragón y de su protagonista, La Dolores. Está llena de elementos folclóricos, como pasacalles, una soleá o la más popular jota aragonesa. El resto de la partitura es de gran complejidad. Con evocaciones wagnerias, típicas también de la época, y con una métrica y un ritmo que no resultan fáciles ni para los cantantes ni para la orquesta.

Por esta razón se requieren voces de importancia, para responder a la dificultad de la partitura. Es necesario tener un buen registro central y gran capacidad dramática.

El rol principal ha estado a cargo de Saioa Hernández, que ha defendido perfectamente la difícil tarea de interpretar a la protagonista. Posee un potente y bien apoyado registro central, desde el que afrontaba con solvencia las bajadas constantes a la zona grave y algunos ascensos exigentes. La Hernández los hace todo muy fácil y canta con la seguridad que le proporciona su imponente instrumento. Llenó toda la sala con sus armónicos y una voz esmaltada y voluminosa. Tal vez la dicción fuera su talón de Aquiles, ya que en la interpretación estuvo también a gran altura, con un personaje dramático e intenso, que llegó al público de manera convincente.

A la réplica estuvo Jorge de León. Le hemos visto mejor que otras veces, con un muy apreciable volumen que reforzaba ese esmalte tan característico y que tanto nos agrada. Su fraseo es extraordinario y también su gusto en la interpretación. Su Lázaro tuvo la nobleza e ingenuidad que el personaje requiere. Junto a Saioa Hernández interpretaron sus dos dúos del segundo y tercer acto entusiasmando al público.

Rubén Amoretti dio vida al fanfarrón Sargento Rojas, otro pretendiente de Dolores. Fue el único personaje cómico en una obra con tantos tintes dramáticos. No estamos acostumbrados a ver a Rubén Amoretti interpretando un personaje tan divertido y no lo hace mal. Notamos su voz un tanto apagada, no tan rotunda, pero esto no le impidió un fraseo con un marcado y simpático acento andaluz, sobre todo en la interpretación de la soleá.

José Antonio López presentó un Melchor acertadamente agresivo, casi violento. Reforzado por unos graves incisivos y potentes. Se desenvolvió bien por el escenario y daba auténtico miedo.

El rol de Patricio estuvo a cargo de Gerardo Bullón, que bordó el papel de adinerado pusilánime, elegante y efectivo. Muy buena interpretación con un toque muy ajustado de humor.

La Gaspara, de María Luisa Corbacho estuvo a la altura del reparto, su voz profunda dotó de carácter y presencia a la dueña del mesón.

Una partitura como esta, con tres actos de gran densidad y 11 escenas, que García Calvo ha comparado en estructura con cualquiera de la tetralogía wagneriana, no resulta fácil de interpretar. Se requiere una gran capacidad de concentración. Aquí es donde entra el trabajo del director, que ha sacado petróleo de la Orquesta Titular del Teatro, con algunos momentos muy inspirados.

La escenografía de Amelia Ochandiano y Ricardo Sánchez Cuerda es sencilla, pero llena de detalles que le dan personalidad y la actualizan. Comienza con tres acróbatas que aparecen en escena sobre los gigantes con su silenciosa danza y que aparecen de nuevo al inicio del tercer acto. Durante toda la obra, los cabezudos aportan el aire local junto a la jota, magníficamente interpretada por Juan Noval Moro.

Junto a la jota, los bailarines, dirigidos y encabezados por el coreógrafo Miguel Ángel Berna, fueron uno de los grandes triunfadores de la noche y los más aplaudidos tras su actuación por un público entusiasmado.

Todo envuelto en la iluminación de Juan Gómez Cornejo, creando una atmósfera romántica y a veces inquietante, que señala y realza cada cuadro de la escenografía. Acentuado por los estupendo y adecuados figurines de Jesús Ruiz.

Un acierto y un acontecimiento esta Dolores en el año de Tomás Bretón.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Ángel Ruiz

Acompañado por un cuarteto dirigido por el pianista y compositor César Belda Interpretarán temas de Manuel Alejandro, Joan Manuel Serrat, Carlos Cano, Luis Alberto Spinetta, Armando Manzanero, Kurt Weill, Claude-Michel Schönberg o Liliana Felipe entre muchos otros.

Ángel Ruiz, cantante y actor de fama y éxito, ensalzado por los medios y con un público fiel y cada día más amplio a esta y la otra orilla del Atlántico, celebrará el próximo martes 31 de enero (20h00) en el ciclo de conciertos del Teatro de la Zarzuela, sus 30 años en la música. Con su estilo personal e intransferible.

Será una velada que bajo el título ‘Así que pasen 30 años’ promete emociones fuertes. El polifacético artista repasará una buena colección de composiciones y estilos; los que le han acompañado y encumbrado en su extensa y heterogénea carrera. Una emotiva y divertida noche que transcurrirá entre coplas, boleros, canción iberoamericana y teatro musical.

Acompañado como en tantas ocasiones por el pianista y compositor César Belda, que estará en esta ocasión al frente de un cuarteto (piano; flauta, saxo; bajo, contrabajo y batería), interpretarán temas de Manuel Alejandro, Joan Manuel Serrat, Carlos Cano, Luis Alberto Spinetta, Armando Manzanero, Kurt Weill, Claude-Michel Schönberg o Liliana Felipe entre muchos otros.

Konstantin Krimmel

El joven barítono alemán Konstantin Krimmel, una de las grandes voces de la nueva generación de cantantes líricos, debuta en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Ammiel Bushakevitz. Ambos artistas interpretarán un repertorio compuesto por algunas de las obras más emblemáticas de Robert Schumann, donde destacan el cuaderno Liederkreis, op. 39 y las canciones que integran Fünf Lieder, op. 40; y de Hugo Wolf, con una selección de los escritos sobre poemas de Joseph von Eichendorff y de Johann Wolfgang von Goethe. El concierto tendrá lugar el  lunes 30 de enero a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Konstantin Krimmel (1993), que tiene a sus espaldas una sólida carrera operística, ha desarrollado un interés especial en el repertorio de lied. Pese a su juventud, ha obtenido numerosos galardones como el primer premio en el Concurso Internacional de Lied Helmut Deutsch en 2019, entre otros. En su presentación en el ciclo de Lied, la frescura y timbre exquisito del barítono alemán formarán un equilibrio magistral con el pianista Bushakevitz. Una ocasión perfecta para disfrutar de un género donde el piano excede al mero acompañamiento y toma protagonismo, junto con la voz, para dotar de alma sonora a la poesía.

El programa presenta algunos lieder de dos compositores fundamentales del repertorio, Robert Schumann (1810-1856) y Hugo Wolf (1860-1903). Del primero podrá escucharse una representación de la plenitud del Romanticismo y del segundo, la faceta más tardía del movimiento y su deriva hacia el mundo del Expresionismo.

El recital comenzará con una colección de canciones sobre poemas de Christian Andersen y Chamisso que Schumann compuso en 1840, Fünf Lieder, op. 40, canciones donde la voz alcanzará toda su expresividad. El recorrido continuará con varios lieder de Wolf: Abendbilder, IHW 1 (Paisajes Nocturnos) y dos colecciones sobre poemas de Eichendorff y Goethe. En ellas, el público podrá descubrir la melancolía de personajes como el arpista, o la oscuridad de la noche. En la segunda parte, Schumann volverá a estar presente con de Drei Gesänge, op. 83 y el extraordinario ciclo de canciones Liederkreis, op. 39, con textos de los poemas de Eichendorff, piezas con un fuerte contenido emocional y que constituyen un pilar del repertorio de la canción de cámara germánica.

Este programa también podrá descubrirse en la “Schubertiada de Barcelona”, un ciclo del CNDM en coproducción con el Palau de la Música Catalana y la Associació Franz Schubert, el jueves 2 de febrero a las 20:00h en el Petit Palau.

Konstantin Krimmel, barítono

Konstantín Krimmel, de origen germano-romano, recibió la primera formación musical con el Coro de niños de St Georg en Ulm. Mientras todavía era estudiante, desarrolló un especial amor por el concierto y el repertorio de lied. Desde entonces ha ganado numerosos concursos, incluyendo lo Deutsch Liedwettbewerb en 2019, el primer premio en el Concurso Internacional de Lied Helmut Deutsch, el segundo premio en el Concurso Internacional de Canto ‘Das Lied’ en Heidelberg y el Concurso Internacional de Música Gian Battista Viotti en 2018. Ha hecho recitales en la Philharmonie de Colonia, la Deutsche Oper y la Konzerthaus de Berlín, la Ópera de Frankfurt, la Heidelberger Frühling, la Schubertíada y la Schubertiade de Schwarzenberg, Madrid (Fundación March) y Londres (Wigmore Hall) y en Festival de Lieder de Oxford. En otoño de 2021, se convirtió en miembro de la Ópera de Múnich.

Ammiel Bushakevitz, piano

Nacido en Jerusalén, empezó a tocar el piano a los cuatro años. Apasionado por la canción poética desde muy joven, es reconocido internacionalmente como uno de los mejores acompañantes de su generación y actúa regularmente en destacados auditorios de Europa, Norteamérica, África, Asia y Australia. Tras iniciar sus estudios en Suráfrica, donde se crió, estudió en la Hochschule für Musik und Theater “Felix Mendelssohn Bartholdy” de Leipzig y en el Conservatorio Nacional de Música de París. Ammiel es ganador de numerosos concursos, incluyendo el del Wigmore Hall en Londres o el de la Hugo-Wolf-Akademie de Stuttgart. Uno de los últimos estudiantes privados de Dietrich Fischer-Dieskau, colabora con Thomas Hampson en la Academia de Lied en Heidelberg. Además de sus actividades como pianista, Ammiel también se dedica a la musicología y está especializado en la investigación sobre Schubert y Wagner.

La Dolores

Hay ocasiones que por sí solas son auténticos acontecimientos. Regalos absolutos. Este es el caso de la obra que estos días se presenta en el Teatro de la Zarzuela: ‘La Dolores’. Estrenada en este mismo escenario en 1895, no ha vuelto a subir al mismo desde el mes de junio de 1937 –representaciones aquellas en plena Guerra Civil– hace ahora más de 85 años. Y no solo eso, sino que también ha llovido, y mucho, desde que sonó y se vio por última vez en público, hace casi dos décadas, un montaje de la obra maestra de Tomás Bretón de quien se cumple este año el centenario de su fallecimiento. Por todo ello, por el equipo artístico y el singular reparto, y por el hecho de que con esta obra Bretón consigue al fin cumplir uno de sus grandes sueños, si no el que más, que no era otro que el de componer una ópera puramente española, es necesario, casi una obligación, acercarse al coliseo de la plazuela de Jovellanos para asistir a una de las 13 funciones que del 27 de enero al 12 de febrero resucitarán este genuino monumento de nuestro patrimonio.

El intenso dramatismo de su libreto y la genialidad de la partitura redondean una ecuación casi perfecta en la que Guillermo García Calvo –director musical de la casa- se ocupa de la dirección musical, y Amelia Ochandiano de la escénica.

Como es habitual, el foso lo ocupará la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), y el montaje cuenta, asimismo, con otros grandes nombres en su equipo artístico. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario de Jesús Ruiz, la iluminación de Juan Gómez Cornejo y Miguel Ángel Berna, icono contemporáneo del baile de la jota, tan importante en esta obra, es el responsable de la coreografía que a lo largo de la obra va dibujando la esencia misma de los sentidos, que son muchos y poderosos.

Serán, además, dos repartos los que cantarán la obra de Bretón, tan genial como complicada. No es muy corriente que el público encuentre unos repartos de primer orden y equilibrio absoluto como los que presenta el Teatro de la Zarzuela en esta Dolores, y que están integrados por las sopranos Saioa Hernández y Carmen Solís, los tenores Jorge de León y Javier Palacios, los barítonos José Antonio López y Ángel Ódena, la mezzosoprano María Luisa Corbacho, la soprano Milagros Martín, el bajo Rubén Amoretti, el bajo-barítono Ihor Voievodin, los tenores Javier Tomé y Santiago Vidal, el barítono Gerardo Bullón o el tenor  Juan Noval Moro.

Los acompañará en el escenario el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y el Coro de Voces Blancas Sinan Kay, así como 17 bailarines-actores y tres acróbatas.

La función del domingo 5 de febrero será grabada por Radio Clásica de RNE y emitida en fechas próximas.

El gran ejemplo de la lírica española

‘La Dolores’ es, sin duda, el gran ejemplo de la lírica española. Estrenada en el Teatro de la Zarzuela hace más de 125 años, el camino del éxito de una ópera española como esta fue lento, pero seguro. Primero conquistó al público y la crítica de la Zarzuela en Madrid y luego triunfó en el Tívoli, en Barcelona, ciudad donde quedó como obra de repertorio en diferentes escenarios. Eso sí, hay que tener presente que solo un año antes el compositor se había hecho famoso en todo el país como compositor de zarzuela con un sainete lírico: ‘La verbena de la Paloma’.

Sin embargo, en esta ocasión Tomás Bretón llevó al público a contemplar y a vivir una historia de tema rural que ya había conquistado la escena española de la época: ‘La Dolores’ de Feliú y Codina; obra realista con unas muy fuertes dosis de dramatismo, que proporcionó a Bretón –quien se encargó de dar también forma al libreto– la oportunidad de pisar firme, cantando en castellano, los escenarios de los templos líricos del país hasta entonces reductos de los modelos europeos.

Guillermo García Calvo señala que ‘La Dolores’ “es posiblemente la ópera romántica española más importante, sin duda alguna a la altura de las mejores óperas europeas de finales del siglo XIX”.

Además de la famosísima Jota, Bretón compone un impresionante mural de personajes y emociones, con nada menos que cinco cantantes masculinos, algo inaudito en el repertorio, que luchan por el amor de la soprano protagonista. Es en la música donde Bretón nos lleva de la mano por esta historia.

Amelia Ochandiano, destaca por su parte la grandeza, la luz y la pasión que encierra ‘La Dolores’: «Es una grandísima ópera española. Una partitura brillante y apasionada con un libreto lleno de matices y juegos dramáticos». Eso dice la directora de escena, que también recalca que la historia de esta muchacha, de La Dolores, se muestra como un aparente juego frívolo, festivo e intrascendente «que hemos querido resaltar en nuestra propuesta escénica, pero con un fondo siniestro y cruel que es casi imposible que no acabe en tragedia si no fuera porque Dolores no va a ser presa fácil, y sobre todo porque contra los deseos de amar, ser amado y entregarse al otro en cuerpo y alma, es casi imposible luchar».

Concierto de Navidad Teatro de la Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela cerrará 2022, un año especialmente dulce para el histórico coliseo, con cifras de récord e importantes reconocimientos y premios a su labor y su excelencia artística, con su ya tradicional Concierto de Navidad. El próximo viernes 30 de diciembre a las 20h00 celebrará por todo lo alto la música española, nuestra lírica, y en especial el género que le da nombre y que desde hace 166 años es su razón de ser. Las entradas, como ya es también una tradición en este esperado concierto, se agotaron hace muchos meses a pocos días de comenzada la venta.

El concierto estará dirigido por el maestro Guillermo García Calvo –director musical del Teatro– y contará con la participación de varias de las voces líricas más pronunciadas de los últimos años: las de la soprano Rocío Ignacio y el barítono Juan Jesús Rodríguez. A la fiesta se unirá también esa gran señora de la escena que es Lucero Tena, que sigue provocando las más elevadas pasiones en el público de todas las edades. Como también es habitual en esta feliz cita, a la celebración se sumará la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular de la Casa.

En un principio también estaba anunciado el barítono Carlos Álvarez que ha tenido que suspender su participación en el concierto por razones debidamente justificadas.

El programa incluirá obras de Chueca, Sorozábal, Moreno Torroba, Lecuona, Fernández Caballero, Giménez, Penella, Soutullo y Vert o Vives, en lo que será una auténtica antología de obras maestras con romanzas y números musicales de ‘La alegría de la huerta’, ‘Katiuska’, ‘Luisa Fernanda’, ‘María la O’, ‘Château Margaux’, ‘La boda de Luis Alonso’, ‘La marchenera’, ‘Don Gil de Alcalá’, ‘La del Soto del Parral’ o ‘Doña Francisquita’, además de alguna que otra emotiva sorpresa. La fiesta está servida y la alegría garantizada.

Teatro de la Zarzuela

Las de finales de diciembre son siempre fechas para hacer balance. Para recapitular. Para repasar lo bueno y lo malo, si es que lo hubo, de los últimos doce meses. Y echando la vista atrás, situándonos en ese ya lejano mes de enero, se puede afirmar de forma categórica que para el Teatro de la Zarzuela 2022 ha sido, se mire por donde se mire, un año redondo.

El hecho de que la sala haya estado llena, o prácticamente, cada noche, lo que ha supuesto una ocupación del 87 por ciento en 176 funciones, denota que el coliseo de la plazuela de Jovellanos goza de muy buena salud; de un público fiel e interesado que lo llena de vida.

Público este que abarca ya muchas horquillas de edades, hasta el punto de que más de 8.500 jóvenes de menos de 30 años hayan participado con entusiasmo y complicidad en la amplia y afianzada actividad pedagógica del Teatro.

La preservación, recuperación, revisión y difusión de nuestro patrimonio lírico, exigencias irrenunciables recogidas en sus estatutos, ha seguido marcando la acción diaria de un teatro que, únicamente por ello, tiene todo el sentido y la obligación de existir. Así, hemos vivido un estreno mundial con ‘Policías y Ladrones’ de Tomás Marco, y tres recuperaciones: ‘Tabaré’ de Tomás Bretón, ‘La Celestina’ de Felipe Pedrell y ‘The Magic Opal’ de Isaac Albéniz.

Asimismo, ha comenzado a lo grande la celebración del bicentenario de Barbieri, padre indiscutible y, dadas las circunstancias a las que hubo de enfrentarse, sin duda heroico, del Teatro de la Zarzuela. Ha sido con dos de sus obras más queridas y emblemáticas como son ‘El barberillo de Lavapiés’ y ‘Pan y Toros’.

Y como una guinda es el remate perfecto de todo pastel que se precie, el Teatro finaliza ahora el año con el premio honorífico de Ópera XXI a la mejor Institución Cultural de la temporada 21/22, por su labor en defensa, promoción, recuperación, actualización y divulgación del patrimonio lírico español y de sus artistas, y por su firme trabajo para promover la declaración de la zarzuela Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

El director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, ha mostrado su satisfacción por los excelentes resultados agradeciendo “al público que nos ha sido fiel, y a todos los colectivos que trabajan haciendo posible levantar el telón cada día”. Y ha hecho una llamada de esperanza y optimismo con el deseo de que 2023 sea un año “lleno de música y de zarzuela”.

Guiomar_Cantó

La soprano madrileña Guiomar Cantó, uno de los grandes talentos de su generación, pone el broche de oro a una extraordinaria temporada con dos conciertos en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. El primero de ellos será el próximo 30 de diciembre donde será la protagonista vocal del tradicional concierto de Navidad “Viena en Madrid” que un año más correrá a cargo de la Orquesta y el Coro Filarmonía junto al Ballet Filarmonía.

El concierto para despedir el año 2022 contará con un programa diseñado por el Maestro Pascual Osa con un repertorio que incluirá entre otras obras como Júbilo Vienés, los valses Los cuentos en los bosques de Viena o El Emperador, Annen-Polka y El Cascanueces. Además, en esta edición, a los valses y polcas de Johan Strauss (Hijo) y de Joseph Strauss se suman algunas de las obras más conocidas de Franz von Suppé, Ludwig van Beethoven y Piotr Ilich. Tchaikovski, entre otros.

Una oportunidad única para trasladarse al mítico Concierto de Navidad de Viena, que se celebra en la Sala Dorada de la Musikverein de la capital austríaca y que siempre es interpretado por la Orquesta Filarmónica de Viena, tradición que se inició en 1939 y fue dirigido por Clemens Krauss.

Además, Guiomar Cantó será una de las protagonistas de la XXII Gran Gala Solidaria de la Zarzuela de Año Nuevo que organiza la Fundación Sinfolírica y tendrá lugar el 7 de enero en el Auditorio Nacional.

El programa estará íntegramente dedicado a la zarzuela y recoge fragmentos de títulos populares como La Revoltosa, Doña Francisquita, Luisa Fernanda, Marina, La Dolorosa o La Rosa del Azafrán, entre otras. Mas de 200 artistas se darán cita en escena en un repertorio con las mejores paginas de la Zarzuela interpretadas por 12 grandes voces liricas, gran orquesta sinfónica, ballet, cuarteto y una extraordinaria coral de 140 voces.

En esta vigésimo segunda edición, la recaudación de este gran evento anual se destinará a impulsar la investigación de las enfermedades poco frecuentes a través de la Federación Española de Enfermedades Raras (FEDER) y la asociación “Princesa Rett”.

Este diciembre ya, la joven soprano Guiomar Cantó ha actuado en un recital en al Sala de Cámara del Auditorio Nacional, y también recientemente ha cantado en la Gala de Zarzuela en el Auditorio Lienzo Norte bajo la direccion de Jesús Oviedo y la Orquesta Príncipe Pío. Además, este año ha debutado en el Gran Teatre de Xàtiva interpretando el papel de La Contessa de Le Nozze di Figaro a las órdenes del director Vigil Popa, y en la ciudad austriaca de Salzburgo, en el festival de Opern im Berg, en el Aula Grosse, en el rol de Musetta en La Bohème con el director Stefano Seghedoni, además de participar en el Festival de Puccini de Torre del Lago en diferentes recitales con la orquesta del festival.

Sobre Guiomar Cantó

De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.

En esta temporada 2022 Guiomar Cantó ha sido seleccionada como parte del programa Crescendo del Teatro Real. Ha hecho su debut en el Teatro de la Zarzuela en Los Gavilanes de J. Guerrero y en el Teatro Cervantes con un concierto dentro del marco del festival Puccini Torre del Lago que también ha repetido en el Lienzo Norte. Ha estrenado en España la Misa en Do de Rheinberger con la O. Carlos III, cantado el rol de Musetta en Salzburgo, además de los roles ya debutados anteriormente de Violetta y Micaela. Tiene programados más proyectos dentro y fuera de España, por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.

FILARMONÍA DE MADRID.VIENA EN MADRID

Auditorio Nacional de Música de Madrid. Sala Sinfónica.

30 de diciembre de 2022. 19’30h

Más información y entradas: www.orquestafilarmonia.com

XXII GRAN GALA SOLIDARIA DE ZARZUELA DE AÑO NUEVO

Auditorio Nacional de Música de Madrid. Sala Sinfónica.

7 de enero de 2023. 19’30h

Christian Gerhaher

En vísperas de la Navidad, llega al XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela el esperado regreso de una de las voces líricas más aplaudidas de nuestro tiempo, la del barítono alemán Christian Gerhaher. Junto al experimentado pianista Gerold Huber, con quien ha obtenido numerosos galardones en las casi tres décadas que llevan actuando juntos, el cantante interpretará algunas de las piezas más deslumbrantes de Johannes Brahms, en un programa monográfico. El recital tendrá lugar el lunes 19 de diciembre a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Gerhaher, destacado por su característico timbre cálido y su excelente dicción, está considerado como uno de los lideristas más importantes de nuestro tiempo. A su dominio vocal se suma el talento del pianista Gerold Huber, fiel acompañante del barítono desde su más temprana juventud. El público que acuda a este recital será testigo de la perfecta sincronía entre ambos intérpretes, que se ha ido perfeccionando a lo largo de las más de tres décadas de proyectos en común en numerosos escenarios y festivales internacionales. Este dúo, uno de los más destacados del panorama liderístico actual, hará un recorrido por algunos de los lieder más brillantes de Brahms que abarcan desde su juventud hasta su época de mayor madurez.

La primera parte del concierto estará protagonizada por su colección Neun Lieder und Gesänge, op. 32 (Nueve canciones y cantos, de 1864). Algunas piezas que integran este ciclo evocan con maestría el espíritu heroico, mientras que otras presentan un carácter marcadamente intimista y donde Gerhaher tendrá que modular la voz para adentrarse en territorios emocionales como la pérdida del amor o la dolorosa soledad. El recorrido continuará con Vier ernste Gesänge, op. 121 (Cuatro cantos serios, de 1896), cuatro piezas que hunden sus raíces en la Biblia y entre las que se encuentra el famoso pasaje de san Pablo en su primera carta a los corintios, pieza muy popular que se sigue interpretando actualmente en ceremonias y que ensalza el amor.

La segunda parte del recital propone un amplio recorrido temporal de casi cuatro décadas por diversas colecciones de Brahms. Entre ellas, se encuentran Von ewiger Liebe (Del amor eterno) y Die Mainacht (La noche de mayo), dos joyas musicales muy populares e interpretadas de manera habitual por cantantes y pianistas en todo el mundo, o Mein wundes Herz verlangt nach milder Ruh (Mi corazón herido anhela una dulce paz), caracterizada por un gran despliegue del contrapunto. El público también podrá descubrir una de las sorpresas de la noche, Herbstgefühl (Sentimiento otoñal), una obra desgarradora que hacía llorar a Clara Schumann cada vez que la tocaba, en palabras de la propia pianista.

René Pape

Esta temporada el Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el Centro Nacional de Difusión de la Música y el Teatro de la Zarzuela, ha retrasado su inicio hasta finales de noviembre, pero lo ha hecho con el debut en este ciclo del alemán René Pape. Uno de las voces más importantes dentro de la tesitura, cada vez más escasa, de bajo profundo. En esta ocasión no pudo estar acompañado por su pianista habitual Camillo Radicke por indisposición, y le acompañó Michael Schütze, que resolvión su participación con gran profesionalidad.

Para la ocasión se eligió un repertorio poco convencional pero de una gran belleza. Comenzó con Die ihr des unermesslichen Weltalls Schöpfer ehrt (Los que adoráis al Creador del Universo inconmensurable), K 619, de Wolfgang Amadeus Mozart que se escuchaba por primera vez en este ciclo. Continuó esta primera parte con Canciones bíblicas, op. 99 (1894) de Antonín Dvořák (1841-1904).

La pieza mozartiana contenía la riqueza de estilos del compositor, a las que Pape respondió con su bello y oscuro timbre, su extraordinaria zona central y una voz homogénea, densa y sin artificios. Hizo derroche además de una buena dicción en checo, en las intimistas y recogidas Canciones de Dvořák, el ruso, el inglés y, claro está, de su alemán natal.

La segunda parte dió comienzo con Three Shakespeare songs, op. 6, tres obras de un compositor poco conocido, el británico Roger Quilter, con textos de Shakespeare pero tal vez de una tesitura menos adecuada para Pape, que no se encontró muy cómodo, sobre todo en los agudos.

Terminó esta segunda parte con los Cantos y danzas de la muerte, de Modest Mussorgski. En esta ocasión el bajo alemán encontró su nicho sonoro, tanto en la tesitura como en la teatralidad de la interpretación. Poniendo así un magnífico colofón a este variado recital.

Ofreció tres propinas ya más relajado y con un público entregado. Un buen debut de un cantante que estamos más acostumbrados a ver desenvolverse sobre un escenario operístico, pero que ha dejado muy buen sabor de boca en su primera y, esperamos que no última, intervención en el Ciclo de Lied.

Fotografía: Elvira Megías

Carlos Álvarez

El barítono Carlos Álvarez, que junto a la soprano Rocío Ignacio y al maestro Guillermo García Calvo estaba programado para participar el próximo 30 de diciembre en el tradicional Concierto de Navidad del Teatro de la Zarzuela, no podrá tomar parte en el mismo por causas debidamente justificadas. El también barítono de notoriedad internacional Juan Jesús Rodríguez será quien suba al escenario en esta esperada cita.

RENÉ PAPE

El cantante alemán René Pape, considerado uno de los mejores bajos de su generación, debuta en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, junto al pianista Camillo Radicke. Ambos interpretarán dos ciclos clave del repertorio eslavo, las Canciones bíblicas de Antonín Dvořák y los Cantos y danzas de la muerte de Modest Mussorgski, una cantata de Wolfgang Amadeus Mozart y las delicadas canciones de Roger Quilter con textos de William Shakespeare. El recital tendrá lugar el lunes 28 de noviembre a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.  

El primer concierto de la XXIX edición del Ciclo de Lied supone una oportunidad única para disfrutar de una de las figuras más destacadas del canto a nivel mundial, la del maestro alemán René Pape (Dresde, 1964). Desde que cantara el papel de Sarastro en La flauta mágica de Mozart en el Festival de Salzburgo de 1995, se ha convertido en un nombre imprescindible para los principales teatros y auditorios del mundo, además de ser miembro de la Staatsoper de Berlín.

Con una carrera que suma tres décadas de trayectoria y que acumula prestigiosos galardones -entre ellos, dos Premios Grammy-, René Pape dará vida sobre el escenario a algunas de las obras maestras del género, así como a joyas musicales menos habituales del repertorio. Pese a que la ópera alemana es su gran especialidad, su carrera como liederista ha sido especialmente aplaudida por su gran dominio técnico y sus exquisitas dotes interpretativas.

El ciclo, una de las citas vocales dedicadas a la canción alemana más aplaudidas del panorama internacional actual, se abrirá con Die ihr des unermeßlichen Weltalls, K 619 de Mozart, un lied con forma de aria que tiene un halo de misterio al no ser una obra muy frecuentada en los programas habituales, pese a la enorme belleza y riqueza musical que posee. Le seguirá uno de los platos fuertes de la noche: las diez Canciones bíblicas de Dvořák, una muestra del mejor lied con alma checa donde Pape adoptará un registro más intimista.

La segunda parte se iniciará con las tres sobrecogedoras canciones del op. 6 de Quilter, con poemas de uno los nombres más universales de todos los tiempos, Shakespeare. Se trata de Come away, death y O mistress mine, cantos que se encuentran en la célebre Noche de Reyes, y Blow, blow thou winter wind, que pertenece a la comedia moderna Como gustéis. El broche de oro lo pondrán los Cantos y danzas de la muerte de Mussorgski, que requieren de un timbre misterioso para evocar el fantasmagórico mundo de esta obra capital del género liederista.

Cita con los mejores liederistas del mundo

Además de contar con René Pape, uno de los máximos exponentes en su género, el XXIX Ciclo de Lied contará con otros siete recitales en la temporada 22/23 del CNDM. Se podrá disfrutar, por primera vez, de la extraordinaria voz de la mezzosoprano Marianne Crebassa, con Joseph Middleton (27 de marzo). El programa también contará con voces jóvenes: los barítonos Andrè Schuen, con Daniel Heide (3 de abril); Konstantin Krimmel, con Ammiel Bushakevitz (30 de enero); Manuel Walser, con Alexander Fleischer (8 de mayo); y la soprano Christiane Karg, con el original acompañamiento del arpa de Anneleen Lenaerts (7 de febrero). No faltarán tampoco en la cita la vuelta de especialistas como Christian Gerhaher, con Gerold Huber (19 de diciembre) o Ian Bostridge, con Julius Drake (5 de junio).

René Pape © Jiyang Chen

Niño de Elche

Niño de Elche, artista flamenco carismático y único, presentará el próximo martes 22 de noviembre (20h00), dentro del ciclo de conciertos 22/23 del Teatro de la Zarzuela, ‘Flamenco. Mausoleo de celebración, amor y muerte’, su decimotercer trabajo discográfico que, según el propio intérprete “no es un ir hacia atrás sino un empezar de nuevo”.

Este nuevo proyecto toma de base el flamenco entendido como una expresión artística radical donde lo minimalista, lo austero o lo rudimentario se abraza a su vez con la intimidad de un cuarto o lo íntimo de un susurro, lo cálido de una celebración, el lamento de una despedida o lo degenerado de la fiesta, todo ello como elementos paradójicos y complejos de una forma de entender la construcción y la práctica artístico-vital del flamenco, que han acompañado siempre a Niño de Elche desde sus experiencias más clásicas a las tildadas como más experimentales.

Artista indisciplinar, Niño de Elche escoge de nuevo el inframundo flamenco para hablarnos de temas tan trascendentales como la celebración, el amor y la muerte.

El álbum está estructurado en 14 cantes para los que el archivo poético popular del flamenco ha servido de gran base desde donde construir la arquitectura de sus composiciones, que en esta ocasión han contado con las guitarras y la producción musical de Raúl Fernández “Refree”, uno de los grandes productores musicales españoles de la actualidad y sin duda alguna, el productor que en los últimos años ha sido el encargado de fraguar la discografía más arriesgada y sugerente relacionada con el flamenco y sus posibilidades.

Precisamente ese intento continuo de querer ampliar el campo estético del flamenco ha llevado a Niño de Elche a colaborar con el artista malagueño Ernesto Artillo para la dirección de arte, ideando para la ocasión una impactante imagen limpia, repleta de simbolismo, de belleza y romanticismo.

En definitiva, un disco el que ahora presenta por vez primera en el Teatro de la Zarzuela, que promete ser referencia directa para la afición flamenca habida y por haber como ya ha sucedido con sus anteriores trabajos ‘Antología del cante flamenco heterodoxo’ (2018) o ‘Memorial de cante en mis bodas de plata con el flamenco’ (2021).

Iberian & Klavier

El dúo de pianistas Iberian & Klavier, integrado por Laura Sierra y Manuel Tévar, ofrecerán el próximo lunes 14 de noviembre (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela un recital en el que presentarán la colección de piezas inéditas para piano solo que el maestro Alonso escribió en su juventud, aún en su Granada natal, justo antes de viajar a Madrid dónde empezaría su idilio con la zarzuela. Los intérpretes completan de este modo el trabajo de recuperación de patrimonio musical español iniciado en 2017 y que ha cautivado de forma extraordinaria a crítica y público. No es de extrañar, pues, que las entradas para el concierto se agotaran hace semanas.

Ganadores del Primer Premio del Bradshaw & Buono International Piano Competition de Nueva York 2016, después de 12 años de intensa carrera musical Iberian & Klavier Piano Duo se ha convertido sin duda en uno de los fenómenos pianísticos más exclusivos y con mayor proyección internacional de la actualidad. Su presencia en salas y festivales de todo el mundo ha ido creciendo de manera espectacular desde su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York en junio de 2015, con motivo de la conmemoración del 60 aniversario de la inclusión de España en la ONU. La prensa internacional calificó aquella carta de presentación de “concierto extraordinario y explosión de contemporaneidad pianística”.

Especialmente comprometido con la difusión de la música española, latinoamericana y la creación actual –con más de 12 estrenos absolutos–, el amplio y versátil repertorio del dúo abarca desde Bach hasta la música de nuestros días.

Laura Sierra y Manuel Tévar son asimismo amantes de los retos, como el que les llevó a presentar la Integral de las 9 Sinfonías de Beethoven en tres días consecutivos (y en varias ocasiones) o un monográfico Schubert en tres conciertos.

Desde 2017, y en paralelo a su actividad concertística, I&K desarrolla su propio proyecto solidario cuyo máximo exponente es el sector más débil y desfavorecido de nuestro entramado social: los niños. Así, “Ikforchildren” se ocupa de cooperar en el tratamiento de enfermedades infantiles, o de ayudar a niños en riego de exclusión social o pobreza.

boost

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo, 13 de noviembre a BOOST grupo de percusión, formación de jóvenes músicos que a pocos meses de cumplir diez años de andadura, está considerada como uno de los grupos de esta especialidad más comprometidos en la búsqueda de nuevas propuestas y estímulos. La versatilidad fuera de lo común del grupo –traducida en la interpretación e investigación de diferentes músicas y estilos–, unida a la refinada calidad en cada una de sus actuaciones, los ha hecho merecedores de los elogios del público y la crítica. En esta ocasión, el concierto, que tendrá lugar en el Ambigú del coliseo a las 12h00, incluirá obras de compositoras españolas de hoy, entre las que se podrán escuchar dos estrenos absolutos. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Además de la excelencia de su contenido, el programa está repleto de significado ya que por tercer año consecutivo el mencionado ciclo de La Zarzuela, que celebra ya su cuarta edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El quinteto –que se presenta para la ocasión en formato de trío integrado por Gregorio Gómez, Roberto Fernández y Antonio Martín– incluirá en su concierto música de Helena Cánovas, Laura Vega, Inmaculada Pérez Frutos, Carme Fernández Vidal, con estrenos absolutos de Amanda Garrido y Nuria Mª Sánchez.

Boost Grupo de Percusión se creó en 2013 con el compromiso de dar visibilidad a la música de hoy en día, lo que, según sus propias palabras, “hace que nos enfrentemos a obras de jóvenes compositoras y compositores como parte importante de nuestro repertorio, junto con las piezas más significativas escritas para percusión (solista o en ensemble) o para percusión en combinación con otros instrumentos”.

A través de este ciclo, el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Cada concierto cuenta con uno o varios estrenos absolutos, buena parte de ellos de jóvenes compositoras en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En esta ocasión serán dos los estrenos: ‘There is no wall’ de Amanda Garrido, y ‘Utøya, para trío de percusión’ de Nuria Mª Sánchez.

Las tres citas restantes del ciclo serán con la pianista Isabel Dobarro y el violinista Miguel Borrego (12 de febrero), el Cuarteto Manuel de Falla (23 de abril) y el Cuarteto Bretón (21 de mayo).

El cielo de Sefarad

Después de las espléndidas ‘Perdida en el Bosco’ y ‘La increíble historia de Juan Latino’, y del formidable éxito de la pasada temporada, el Teatro de la Zarzuela recupera ‘El cielo de Sefarad’ continuando así su apuesta por el teatro infantil de calidad. El montaje, coproducido como los anteriores con la compañía Claroscvro, ofrece una historia de amor, humor, magia y ternura. Se trata de una brillante producción de música, títeres y máscaras que se presenta en el Ambigú del coliseo, y que narra con especial sensibilidad y llaneza la tragedia de la expulsión de España de Noa, una niña judía, y su gato. En esta ocasión se ofrecerán 10 funciones para público a partir de 6 años, y las representaciones del sábado 5 y del domingo 29 de mayo (ambas a las 12h00) serán abiertas al público con un precio único de 10 euros.

En ‘El cielo de Sefarad’, como en todas las producciones de Claroscvro, la música es un elemento indispensable para el desarrollo del espectáculo. Es un personaje más. En esta ocasión, la historia se teje con música tradicional sefardí, obras del Cancionero de Palacio y de compositores españoles del siglo XV. El espíritu de la obra es ese obligado viaje físico y emocional emprendido por quienes fueron guardianes y transmisores de un legado que atesoraron como un amor robado pero siempre vivo.

Por eso, en esta celebración de música y teatro, ejemplo de valentía por medio de la belleza, se quiere mostrar la capacidad de resiliencia del ser humano, su sorprendente aptitud para adaptarse al medio incluso en las circunstancias más nocivas. ‘El cielo de Sefarad’ es, ante todo, una historia de amor que perdura hasta hoy; la historia de amor incondicional de ese pueblo, el sefardí, por su paraíso perdido.

El montaje cuenta con la dirección de escena de Larisa Ramos, junto a quienes son el alma de Claroscvro, Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, que ejercen también de actores y titiriteros. La dirección musical es de Enrique Pastor, que toca la fídula, la cítola, el laúd y la vihuela, junto a María José Piré, voz, flauta y percusión.

La compañía hispano-canadiense Claroscvro Teatro, una de las referencias mundiales del teatro de títeres dirigida por Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, presenta así su tercera coproducción con el Teatro de la Zarzuela después de las aclamadas ‘Perdida en el Bosco’ (2017 y 2019) y ‘La increíble historia de Juan Latino’ (2020 y 2021). Claroscvro Teatro emplea la recreación en el esteticismo historicista con el fin de reforzar los valores educativos de sus obras, con la convicción de que la belleza es el vehículo perfecto para amar el Arte.

Premio de Composición

El Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid han convocado la segunda edición de su Premio de Composición, al que podrán optar las alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hayan obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Los candidatos deberán presentar una sola obra que se ajuste a la plantilla obligatoria de violín, violonchelo y piano, y que deberá tener una duración mínima de 5 minutos y máxima de 12. La obra presentada tendrá asimismo que ser inédita y no haber sido estrenada.

El plazo límite de presentación de las obras será el 12 de abril de 2023, y el lugar para hacerlo la  Vicedirección del RCSMM de forma anónima y en papel antes de las 14 horas de ese día.

El Jurado, designado por el Departamento de Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y por el Teatro de la Zarzuela, seleccionará cinco obras de entre las presentadas que el Trío Arbós (Premio Nacional de Música 2013) estrenará el lunes 12 de junio de 2023 dentro del ciclo Notas del Ambigú del Teatro bajo el título ‘Música española contemporánea’.

Canción catalana

La soprano Serena Sáenz y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán mañana martes 18 de octubre (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela un recital en el que rendirán homenaje a la canción catalana con composiciones de Enrique Granados, Frederic Mompou, Albert Guinovar y Ricard Lamote de Grignon.

En el espléndido programa podremos disfrutar de las ‘Canciones amatorias’ que compuso Granados en 1915 sobre textos de Góngola, Lope de Vega y anónimos; de tres de las ‘Siete cancioncillas en estilo popular’ (1958) con textos de autores anónimos del siglo XV, y de dos de las ‘Cinc cançons’ (1928) con letra de Josep Maria de Sagarra, ambos ciclos del compositor Lamote de Grignon; y también interpretarán de Frederic Mompou su ‘Cantar del Alma’ (1943), con versos de San Juan de la Cruz, y dos de las cinco canciones que integran ‘Combat del somni’ (1942-1951) con textos de Josep Janés.

El recital de Sáenz y Fernández Aguirre acogerá además tres estrenos absolutos de  Albert Guinovart. Dos de ellos parte de las ‘Cuatro canciones’ que el autor ha compuesto sobre poesía de Gloria Fuertes, y el tercero, ‘Epitafio a un niño’, con texto de Carolina Coronado. De Guinovart interpretarán, asimismo, ‘T’estim’ (2014), con versos de Manuel Forcano.

Concierto, por tanto, para no perderse, cuyas entradas pueden adquirirse un precio único de 10€.

Pan y toros
Pan y toros
Zarzuela en tres actos
Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894)
Libreto de José Picón
Estrenada en el Teatro de la Zarzuela en 1864
D. musical: Guillermo García Calvo
D. escena: Juan Echanove
Escenografía y vestuario: Ana Garay
Iluminador: Juan Gonzáles Cornejo (AAI)
Coreografía: Manuela Barrero
Videoescena: Álvaro Luna, con la colaboración de Elvira Ruiz Zurita
D. coro: Antonio Fauró
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Coro Titular del Teatro de la Zarzuela
Reparto: Yolanda Auyanet, Carol García, Borja Quiza, Milagros Martín,
Gerardo Bullón, María Rodríguez, Enrique Viana,
Pedro Mari Sánchez, Carlos Daza, Pablo Gálvez,
José Manuel Díaz, Pablo López, Alberto Frías, César Sánchez,
Lara Chaves, Sandro Cordero, Julen Alba, Juan Sousa y Javier Alonso

Se conmemora esta temporada el bicentenario del nacimiento del compositor madrileño Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894). El Teatro de la Zarzuela, del que Barbieri fue cofundador y empresario, ha querido comenzar la temporada con uno de sus más conocidos títulos, Pan y toros. A la vez que le dedica, como empieza a ser tradición, uno de los palcos del Teatro.
Ante el impulso que en la segunda mitad del siglo XVIII tenían la ópera francesa e italiana, Barbieri, junto a otros compositores como Emilio Arrieta o Joaquín Gaztambide, se convirtió en uno de los principales impulsores del teatro y la lírica española.

Para poder rivalizar con estas obras que inundaban los teatros de Madrid, comenzó a utilizar en sus composiciones elementos de la ópera seria. Introdujo los coros al inicio y al término de la obra, para crear un mayor efecto sonoro. Prescindió de números individuales, como arias y romanzas y los sustituyó por arias de conjunto, dúos y tercetos. Cambió la estructura para que tuviera tres actos, al modo europeo. Se aprecian también en Pan y toros numerosos concertantes y la utilización, por primera vez, de los melodramas, escenas habladas que no están acompañadas de música. Se trata de diálogos secos que exigen de los cantantes una gran capacidad dramática.

Pan y toros es una de las obras más complejas de Barbieri. Su partitura puede estar a la altura del mejor belcanto. Sabe crear con su música atmósferas y situaciones propias de la dramaturgia de las mejores óperas europeas. Se considera por tanto una obra de las llamadas grandes zarzuelas y una de las más representadas del compositor, junto a otras como Jugar con fuego, Los diamantes de la corona y El barberillo de Lavapiés.

Pan y toros es una de las composiciones que mejor define el carácter español. Nos traslada a un Madrid del final de siglo XVIII. El de aquella época y el de casi cualquier época, pues su texto es de plena actualidad. Entre conspiraciones y enfrentamientos de las dos Españas del momento, liberales y conservadores o, como dice Echanove, “Somos una España dividida en dos tendidos, el de sol y el de sombra. Al de sombra le suele ir bien, el de sol, sufre. Y mientras todo esto ocurre, un hombre su juega la vida en un ruedo. Eso es España”.

El autor del libreto, el arquitecto e historiador José Picón, no trató de crear una obra de género taurino propiamente dicha. Su vinculación con el tema lo es por el título y porque entre sus protagonistas aparecen los tres toreros más famosos de la época. Se trata más bien de una curiosa historia de intrigas palaciegas en la que aparecen, además de los toreros, otros personajes conocidos de Madrid, como La Tirana, la Duquesa de Alba o el mismo Francisco de Goya, que ha sido inteligentemente utilizado como hilo conductor en toda la estética de esta producción.

Se suceden los pintorescos enredos en los que se mezcla la nobleza y el pueblo en una obra coral donde la interpretación tiene una gran importancia. Y para potenciar esta interpretación, se ha contado con Juan Echanove para la dirección escénica. El resultado no ha podido ser mejor. Como dice el director, “para abordar esta escenografía he tenido que poner todo, todo, todo lo que yo sé sobre el arte escénico”.

Con Goya y su obra como elemento cohesionador, Echanove ha plantado un ruedo giratorio en mitad del escenario que, a modo de metáfora, nos recuerda que estamos condenados a repetir los mismos errores sin posibilidad de salir.

La maestría de Echanove y Ana Garay generan un enorme dinamismo sobre el escenario. Componen escenas de un valor estético que bien podría haber firmado Laurent Pelly o Claus Guth. La dirección de actores, como no, es magnífica y nada fácil por la permanente multitud. Como bien dice Borja Quiza, ”Dirigir un dúo o una romanza es fácil, dirigir a las masas todo el tiempo es difícil”.

Otro gran acierto es la utilización de la danza contemporánea. La coreografía de Manuela Barrero y el trabajo de sus bailarines es brillante. Es un elemento innovador, actualiza la obra y establece una comunicación visual con el público que dinamiza todo el argumento. Componen escenas de una plasticidad estética de altísima factura.

Otro elemento a resaltar son las proyecciones de Álvaro Luna, con la colaboración de Elvira Ruiz Zurita. Utilizan obras de Goya e imágenes de los actores y cantantes, que también evocan los grabados del pintor aragonés. Complementan y enriquecen las escenas subrayándolas, siempre en armonía con música y argumento.

En momentos de transición argumental, aparece un personaje, como si de un fantasma se tratara, las castañuelas. Llaman la atención de todos sobre el hilo argumental y generan una atmósfera de misterio y expectación. Otro detalle de gran belleza estética y teatralidad.

Para esta producción, el Teatro de la Zarzuela ha dispuesto dos elencos de gran nivel. El estreno del 6 de octubre ha estado encabezado por la soprano Yolanda Auyanet que, a pesar de que ella se dice no muy experimentada en el género de la zarzuela, se encuentra cómoda en su personaje de Doña Pepita y hace muy bien de mala. Su facilidad para las agilidades, sin perder volumen en la emisión, creó un personaje muy operístico. Destacó su coloratura y los dúos, primero con el Capitán Peñalara, en el que lució sobreagudo, y después con la princesa Luzán.

El barítono Borja Quiza dio vida al Capitán Peñalara, militar al frente de las tropas que defienden al monarca. La gran capacidad para la interpretación de Quiza dibujaron un Capitán Peñalara con las cualidades que se le presumen a un militar. Su gran experiencia y buena técnica vocal le procuraron abordar su partitura con seguridad y la garantía de siempre. Pero se echó de menos ese brillo metálico que siempre adorna su timbre y del que disfrutamos en el pasado Barberillo de Lavapiés.

La mezzosoprano Carol García, con su hermoso timbre, construyó una princesa de Luzán amable y delicada, a pesar de ser la militar al mando. Una cosa no quita la otra. De ella fue la única romanza de la obra, la bellísima “este santo escapulario”, que abordó con gusto y sentido bellcantista. Su dúo con Doña Pepita fue de gran belleza, demostrando también su dominio de las agilidades.

El barítono Gerardo Bullón ha sido el encargado de dar vida al personaje de Francisco de Goya. Su impresionante presencia escénica ha estado multiplicada por las proyecciones sobre el escenario del propio personaje. Una buena teatralización acompañada siempre de su bello y noble timbre.

No defraudó Enrique Viana en el papel de Abate Ciruela, con esa capacidad suya para la comicidad. Su voz se resiente ya, pero su capacidad interpretativa, siempre solvente, garantizan el éxito de los personajes que encarna.

Milagros Marín siempre es un valor seguro. Canta, declama e interpreta con la facilidad que otros respiran. Y lo hace todo con esa energía que contagia.

A buen nivel estuvieron los tres toreros, Carlos Daza, como Pepe Hillo, Pablo Gálvez, como Pedro Romero y José Manuel Díaz, como Costillares.

Algo desapercibida pasó María Rodríguez como La Duquesita. El resto de comprimarios tuvo una actuación de buen nivel, Pablo López, en su papel de El General; El Santero, al que dio vida Alberto Frías y César Sánchez, que fue un perfecto Jovellanos.

Mención aparte merece el Coro del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró que, además de cantar, interpretan con el mismo garbo y casticismo. La Orquesta del Teatro, de la mano de su director Guillermo García-Calvo, estuvo a buen nivel. Aunque quizá un poco escasa de matices. La tarea no era fácil, la de dirigir a tantos elementos como había sobre el escenario, pero su dirección fue eficaz.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real/Teatro de la Zarzuela

Enrique Viana

Enrique Viana presenta en el Teatro de la Zarzuela el «cabaret lírico» ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’, un delirante viaje musical cargado de ironía, crítica, reflexión y surrealismo.

El cantante, actor, director de escena y dramaturgo estará acompañado por el pianista Ramón Grau.

Tras el éxito arrollador durante tres noches en el ciclo Notas del Ambigú de la pasada Temporada, vuelve al Teatro de la Zarzuela, esta vez en la sala principal del coliseo, ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’, «cabaret lírico» del cantante, actor, director de escena y dramaturgo Enrique Viana, que volverá a estar acompañado por el pianista Ramón Grau. Se ofrecerán dos sesiones los días 11 y 17 de octubre a las 20h00.

Será casi hora y media de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada. Dos personajes se encuentran en el mismo sitio a horas distintas y en diferentes siglos. Enrique Viana ha concebido un espectáculo para después del espectáculo de la semana «laboral», después del «ay, por favor…no puedo más» y justo antes del «jejejeje» en el móvil y de la risa en directo.

Se trata de un «cabaret lírico», al más puro estilo Viana, adornado, salpicado, estampado, serigrafiado, pulverizado con «músicas varias» de nuestra zarzuela y despropósitos de nuestra historia diaria. Con músicas de Moreno Torroba, Serrano, Guridi, Bretón, Usandizaga, Rosillo… ¡y más!

Nadie, absolutamente nadie quedará indiferente.

Guillermo García Calvo

Guillermo García Calvo indaga en la figura de Barbieri a través de la música para piano de Schubert, Pedro Albéniz, Sánchez Allú, Power y Masarnau.

Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, tiene este próximo domingo 9 de octubre (12h00) en el Ambigú del coliseo una nueva cita con los aficionados a través del ciclo ‘A propósito de…’. Este segundo recital de los tres que lo componen esta temporada, estará dedicado al entorno creador de Francisco Asenjo Barbieri –de quien el año próximo se cumplirá el bicentenario del nacimiento– con motivo del estreno en estos días, tras 21 años de ausencia en el escenario de La Zarzuela donde nació en 1864, de una nueva producción de ‘Pan y toros’ dirigida por el propio maestro y con escena de Juan Echanove.

Como es habitual en estos encuentros musicales, cada título será previamente presentado por el director de orquesta y pianista, para luego pasar a interpretar al piano cada una de las obras. Hará alusión a los vínculos entre el compositor y sus coetáneos tanto en España como más allá de nuestras fronteras.

En este recital y bajo el título ‘El piano del siglo XX’, García Calvo relacionará de esta manera el universo Barbieri al de Franz Schubert, Pedro Albéniz, Martín Sánchez Allú. Teobaldo Power o Santiago Masarnau.

Próxima cita del ciclo:

 ‘A propósito de Bretón’ · El piano del último romanticismo · Domingo 5 de febrero de 2023

Juan Echanove, pan y toros

El comienzo de una nueva temporada lírica siempre es motivo de alegría y celebración. Y estos tienen aún más sentido si ese acontecimiento llega vestido de buenas noticias, como es el caso de ‘Pan y toros’ de Francisco Asenjo Barbieri –de quien el año próximo se celebra el bicentenario del nacimiento– y el libretista José Picón. Se trata sin lugar a dudas de una de las grandes obras maestras del músico madrileño. Una joya que tras 21 años de ausencia regresa al escenario del Teatro de la Zarzuela donde nació en 1864. Y la suerte de este añorado reencuentro llega acompañada de otra atractiva e importante novedad: el debut de Juan Echanove en el teatro lírico como director de escena. Durante 14 funciones, del 6 al 23 de octubre, el teatro de la madrileña plazuela de Jovellanos volverá a ser una fiesta.

Esta nueva producción de ‘Pan y toros’, el retorno después de varias décadas de la obra de Barbieri al Teatro de la Zarzuela, su casa natural, y que lo haga de la mano de Juan Echanove y la batuta de Guillermo García Calvo –director musical del coliseo–, es un acontecimiento más que memorable. Como es habitual, el foso lo ocupará la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro). El montaje cuenta, asimismo, con la sorprendente escenografía y el vestuario fidedigno y sutil de Ana Garay, la fascinante iluminación de Juan Gómez Cornejo, la omnipresente y esclarecedora coreografía de Manuela Barrero y la videoescena goyesca y ensoñadora de Álvaro Luna con la colaboración de Elvira Ruiz Zurita.

Serán, además, dos extensos repartos los que cantarán la obra genial de Barbieri. Pocas son las ocasiones en que el público se encuentra con un equilibrio vocal y una garantía como la de estos elencos integrados por las sopranos Yolanda Auyanet y Raquel Lojendio, las mezzosopranos Carol García y Cristina Faus, los barítonos Borja Quiza y César San Martín, la soprano Milagros Martín, el barítono Gerardo Bullón, la mezzosoprano María Rodríguez, el tenor Enrique Viana, el actor Pedro Mari Sánchez, los barítonos Carlos Daza, Pablo Gálvez, José Manuel Díaz y Pablo López, el tenor-actor Alberto Frías, el actor César Sánchez, la actriz-cantante Lara Chaves y los  actores-cantantes Sandro Cordero y Julen Alba.

Los acompañará en el escenario el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, así como quince bailarines-actores.

La función del 22 de octubre será grabada por Radio Clásica de RNE y emitida en fechas próximas.

Ruedo ibérico: la Gran Historia de España

Guillermo García Calvo destaca que «saber escribir con pocas notas melodías que conmueven, que iluminan, que nos hacen soñar y ser felices por unos instantes, es uno de los misterios de la creación artística y una virtud que no se encuentra en muchos compositores. Barbieri –concluye el maestro– era uno de ellos, y asegura que gracias a una sublime capacidad inventiva y a su inspiración arrolladora, es comparable a otros dos genios de su época: Rossini y Verdi.

En este sentido, y muestra de ello, es que la partitura de ‘Pan y toros’ «derrocha creatividad y fantasía musicales y es, además, un ejemplo extraordinario del instinto teatral de Barbieri».

Juan Echanove, por su parte, afirma que esta que ahora se presenta en La Zarzuela «es una producción espectacular» en la que él y su equipo habitual se han volcado para elaborar un discurso en el que la figura de Goya está en el centro.

El escenario se transformará en una suerte de «ruedo ibérico», así lo denomina Echanove, quien resume el espíritu de la obra con una reveladora reflexión: «España es una historia de espías y de intrigas palaciegas y populares. Pequeñas historias que conforman entre todas la Gran Historia de España». Y con estos ingredientes, Barbieri y Picón crearon «una joya musical que también destila humor y verdad».

Una zarzuela que habla de nosotros

Pan y toros, uno de los títulos más queridos y celebrados por los amantes del género, es una zarzuela grande e histórica, aleccionadora y entretenida, que habla de nosotros, de nuestra historia en los siglos XVIII y XIX. Nos traslada al Madrid goyesco entre conspiraciones y enfrentamientos de las dos Españas representadas en liberales y conservadores. Se trata, pues, de una curiosa historia de intrigas del variopinto grupo de liberales contra la conservadora y arrogante camarilla de Manuel Godoy, el Duque de la Alcunia, que gobernaba España en nombre de Carlos IV, y que sirvió al dramaturgo José Picón para trazar la trama como un brillante tapiz, rico de color y cargado de vida teatral.

Estrenada en el Teatro de la Zarzuela el 22 de diciembre de 1864, es de las más importantes aportaciones de Francisco Asenjo Barbieri al género y una de las obras cumbre de la zarzuela grande.

Dolce Rima

El dúo Dolce Rima recrea el ambiente musical de la corte de los Reyes Católicos inspirado por la figura culta y humanista de Beatriz Galindo.

El dúo Dolce Rima, formado por Julieta Viñas (voz) y Paula Brieba (vihuela), recreará el próximo lunes 3 de octubre (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela el ambiente musical de la corte de los Reyes Católicos. Será una conjunción de música y poesía en torno a la figura de Beatriz Galindo, conocida como ‘La Latina’ por ser una mujer de letras, culta y humanista, amiga íntima de la reina y maestra de sus hijos, destinados a reinar.

En el exquisito programa que han preparado, podremos disfrutar de piezas del renacimiento español para voz y vihuela de poetas y estudiosos de la época como Enríquez de Valderrábano, Alonso de Mudarra, Luys de Narváez, Diego Pisador, Luys de Milán o Josquin Desprez, entre otros, así como textos recitados de la propia Beatriz Galindo.

El caballero avaro

La Fundación Juan March y el Teatro de la Zarzuela han presentado hoy ‘El caballero avaro’, ópera en un acto de Sergei Rachmaninoff basada en la obra homónima de Alexandr Pushkin. Se ofrecerán cuatro funciones en la sede madrileña de la Fundación, los días 25 y 28 de septiembre y el 1 y 2 de octubre, para las que podrán solicitarse entradas de forma gratuita.

Esta coproducción consolida el ciclo Teatro Musical de Cámara, siguiendo la estela de otros títulos rusos y raramente representados, como ‘Mavra’, de Ígor Stravinski (2016), y ‘Mozart y Salieri’, de Rimsky-Korsakov (2017). ‘El caballero avaro’ constituye así una ocasión para acercarse a una gema desconocida y oscura en la obra de Sergei Rachmaninoff. Se trata de su segunda ópera, género en el que el compositor ruso se prodigó en tan solo cuatro ocasiones en su carrera. De atmósfera oscura y angustiosa, la trama refleja las consecuencias de la avaricia en una patológica relación paternofilial ambientada en la Europa medieval.

Con un libreto basado en una de las ‘Pequeñas tragedias’ de Alexandr Pushkin (1799-1837), ‘El caballero avaro’ sondea las profundidades de la psicología de los dos protagonistas: un padre rico y tacaño y un hijo despilfarrador y codicioso, que se endeuda para financiar su afición al juego. En el texto de Pushkin, de matiz moralista, el pecado capital de la avaricia y una espiral de conspiraciones terminan destruyendo a ambos.

Esta coproducción entre el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March cuenta con la dirección musical de Borja Mariño y la dirección escénica de Alfonso Romero. Si bien Rachmaninoff quiso musicalizar de forma rigurosa el texto de Pushkin, ambientado en la Edad Media, la representación en el auditorio de la Fundación Juan March busca crear puentes entre dos visiones: la de la avaricia como un pecado capital y su rostro moderno, la de una patología de la mente.

Los tintes psicológicos y oscuros que esta nueva entrega de Teatro Musical de Cámara destaca estuvieron presentes tanto en la confección del texto como en su musicalización, años después. Alexandr Pushkin ideó sus ‘Pequeñas tragedias’ en un contexto convulso: encerrado por una epidemia de cólera que obligó a retrasar su boda, en 1830. Tras retratar los conflictos entre la avaricia enfermiza del padre y las súplicas de su hijo, se vio obligado a inventar que el texto era una adaptación y no una obra original. Lo hizo por miedo a alimentar incómodas comparaciones con su propio padre, que había dilapidado la herencia familiar.

Sergei Rachmaninnoff también conoció la carga de vivir en la pobreza con un nombre aristocrático. Su padre había derrochado su dinero y, antes de alcanzar la fama, tuvo que mantenerse impartiendo clases de piano. Escribió esta ópera en 1906 bajo el hechizo de ‘El anillo del nibelungo’, que había visto en Bayreuth en su viaje de novios, y utiliza el novedoso método de orquestación wagneriano para evocar a personajes, ambientes y seres inanimados –como la oscuridad del sótano o el fulgor de las monedas de oro, quizá un homenaje al anillo que hila la tetralogía wagneriana–. Su personal lenguaje musical le permite recrear una atmósfera oscura y angustiosa, sorteada de oleadas emocionales, que aleja esta obra de los cauces de la ópera tradicional.

De la avaricia a la creptomanía

Aunque la ópera está ambientada en la Europa medieval, su director de escena, Alfonso Romero, ha creado una propuesta que tiende puentes entre pasado y presente, entre el concepto de avaricia como pecado capital y la creptomanía, esa obsesión patológica por el dinero que provoca que la persona descuide cualquier otro aspecto de su vida. “La idea de avaricia como pecado trasciende hacia un concepto más moderno de trastorno psicológico –explica Romero–. [El padre] ha construido otra armadura, tosca y primitiva, pero de oro puro. Este símbolo externo de poder es utilizado en su ritual casi erótico para su disfrute íntimo y secreto. Pero su trastorno mental hace que desee una unión más profunda con el pesado metal. Necesita literalmente que el oro penetre dentro de su cuerpo, que sea parte de su físico en una suerte de dismorfia enfermiza”.

El pasado, la tradición y la visión moralista y aleccionadora de la avaricia como pecado capital se representan sobre el escenario en un tríptico medieval que hace referencia al universo medieval ideado por Pushkin. La escenógrafa Carmen Castañón sitúa el tríptico en el centro de un cajón negro que ocupará el escenario del auditorio, a medio camino entre la solemnidad del museo y la sobriedad del expositor aterciopelado de una joyería. Ese espacio negro mate tendrá distintas alturas en las que lucirán –como joyas brillantes– los cantantes y estará enmarcado por 12 pantallas sin marco, en las que se proyectarán los dibujos a carboncillo del proyeccionista Philipp Contag-Lada.

El reparto está conformado por el barítono ucraniano Ihor Voievodin en el papel del Barón, el tenor Juan Antonio Sanabria como Albert, el hijo del aristócrata, el barítono Isaac Galán como El duque, el tenor Gerardo López como El prestamista y el bajo Javier Castañeda como Iván El sirviente.

El transcurso de un siglo nos permite ver ahora con una mirada nueva esta obra raramente representada y merecedora de ser reconocida. Como afirma Marina Frolova-Walker en las notas al programa, se trata de una obra que “nos traslada a la esencia de Rachmaninoff como compositor, y, también, como ser humano. La intensidad elemental de sus oleadas emocionales y su absoluta oscuridad ocultan no sólo sus cálculos minuciosos, sino también su compasión. A pesar de que sus personajes no despiertan empatía, esa compasión acaba impregnando nuestros corazones”.

La Celestina

El Teatro de la Zarzuela tiene entre sus funciones principales la de divulgar el patrimonio lirico español. Principalmente aquel que por distintas razones permanece en el olvido. Este es el caso de Felipe Pedrell (1841-1922), cuya obra y figura necesitaban con urgencia de atención y divulgación. Pedrell es uno de esos compositores de ópera españoles que no tuvieron suerte ni reconocimiento en sus composiciones. La ópera no era precisamente un género entendido ni apreciado en la España de esa época. Él mismo se lamentó muchas veces de la escasa repercusión de sus obras. Su importancia para la música española fue sin embargo indudable. Musicólogo y reconocido docente, tuvo entre sus discípulos a Isaac Albéniz, Enrique Granados, Cristófor Taltabull, Pedro Blanco, José María Peris Polo, Joaquín Turina o Manuel de Falla.

En sus intentos de componer una ópera europea, al más puro estilo wagneriano, eligió como referencia para el libreto la obra de Fernando de Rojas La Celestina y compuso una ópera del mismo nombre. En ella aparecían, además de wagnerianas, influencias francesas y españolas, concretamente del repertorio antiguo y el oratorio.

En la música de La Celestina se nota la mano del erudito musicólogo, dejando en segundo plano la musicalidad y coherencia de una partitura más pensada para gustar al gran público.

Tal ves sea esta una de las razones por las que esta obra nunca llegó a estrenarse. Es ahora cuando la dedicación y empeño del Teatro de la Zarzuela, permiten el estreno absoluto de esta obra en versión de concierto.

La partitura de La Celestina es por momentos endiablada, sobre todo la escrita para alguno de sus personajes principales. En el elenco que ha participado en este estreno en el Teatro de la Zarzuela destaca la Melibea de Miren Urbieta-Vega, con un timbre homogéneo y de gran belleza. Tuvo momentos de gran musicalidad y bien dramatizados, como el final de Melibea previo a su muerte.

La Celestina corrió a cargo de Maite Beaumont, que sustituía Ketevan Kemoklidze que canceló su participación. Tiene mérito que en apenas unas semanas preparase un rol desconocido y exigente. En algunos momentos del primer acto su voz quedaba en un segundo plano ante el volumen de sonido de la orquesta y resto del elenco.

El que pasó por más dificultades fue el tenor vasco Andeka Gorrotxategui con su personaje de Calixto. No es la primera vez que tiene problemas sobre este escenario. Su técnica vocal, un tanto esforzada y tirante, junto a una partitura muy exigente y con continuos saltos al agudo, le llevaron a tener que guardar silencio en algunos momentos y que no pudiera terminar su partitura. Esperemos que soluciones pronto estas dificultades y podamos disfrutar de uno de los timbres más bellos de su cuerda.

El barítono Juan Jesús Rodríguez, siempre solvente y seguro, en esta ocasión ofreció una sólida interpretación de Sempronio, el criado de Calixto. Tiene un volumen amplio, un timbre baritonal cálido y un fraseo matizado y con acentos.

Simón Orfila dotó de gran presencia vocal a su personaje de Parmeno. Muy acertado en el carácter del rol que interpretó, menos refinado que el resto, y haciendo gala de la rotundidad de su voz.

Lucía Tavira y Gemma Coma-Alabert tuvieron un papel destacado en su intervención para asesinar a La Celestina, de un dramatismo muy convincente. Muy buen nivel también demostraros Isaac Galán, Mar Esteve y Javier Castañeda, en sus breves pero importantes intervenciones.

Sofía Esparza, como criada de Melibea, tuvo un destacado papel, sobre todo en el dúo con su señora, donde demostró el buen gusto de su canto y su fraseo.

El coro, cuyo papel es principal, estuvo especialmente inspirado. Con la participación de algunos de sus miembros en pequeñas intervenciones.

La labor de Guillermo García Calvo al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela cada vez es más notable. Puso en valor la musicalidad y, en algunos momentos, extraordinaria orquestación de una partitura que por fin hemos descubierto.

Fotografía: Elena del Real

A propósito de

Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, abrirá este próximo domingo, 11 de septiembre (12h00) en el Ambigú del coliseo una nueva temporada del ciclo ‘A propósito de…’. Este primer recital estará dedicado al círculo musical e intelectual de Felipe Pedrell –de quien acaba de cumplirse el centenario de su fallecimiento– con motivo del estreno absoluto en estos días, tras 120 años de su composición, de la ópera ‘La Celestina’ en una versión de concierto dirigida por el propio maestro.

Para situar al público, y siguiendo un hilo conductor semejante a un viaje, cada pieza será previamente introducida de palabra por el director de orquesta y pianista, para luego pasar a ilustrar al piano sus explicaciones. Las conexiones entre el compositor de Tortosa, sus trabajos y los de sus contemporáneos, entroncando la labor de nuestros más ilustres compositores y la de las escuelas nacionales e internacionales de cada etapa.

En este concierto y bajo el título ‘Piano y música folclórica’, García Calvo ligará el personalísimo cosmos de Pedrell al de Enrique Granados, Edvard Grieg, Aleksandr Cherepnín, Béla Bartók y Alberto Ginastera, argumentando con la palabra y con la música.

Próximas citas del ciclo:

‘A propósito de Barbieri’ · El piano en el siglo XIX · Domingo 9 de octubre de 2022

‘A propósito de Bretón’ · El piano del último romanticismo · Domingo 5 de febrero de 2023

La Macanita

Tras el éxito obtenido en sus seis primeras temporadas, el Ciclo de Conciertos del Teatro de la Zarzuela presenta 11 nuevas propuestas con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Esta circunstancia contribuye también a que el coliseo de la plazuela de Jovellanos sea considerado un espacio esencial de nuestra cultura, en el que tiene cabida la pluralidad de la música española, sin prejuicios y con un espíritu abierto a todo tipo de públicos.

Este próximo sábado, 10 de septiembre (20h00), abrirá el ciclo la cantaora jerezana Tomasa ‘La Macanita’, una de las artistas de mayor renombre y reconocimiento en el mundo del flamenco, que se presenta en el Teatro de la Zarzuela con ‘Querer y amar’, un personal recuerdo a la obra del compositor Manuel Alejandro –también jerezano–, autor de canciones que resuenan en la memoria de todos y que siempre supo expresar el sentir de los artistas para quienes compuso.

‘La Macanita’ ofrecerá desde este histórico escenario un acercamiento sincero a los eternos temas de este compositor cuyos trabajos han retratado el ser y el sentir de grandes intérpretes que las hicieron propias y al mismo tiempo de todos: desde Rocío Jurado a Raphael o Julio Iglesias, por citar solo algunos.

Las composiciones ya inmortales de Manuel Alejandro adquieren una vida nueva, sorprendente, en la voz de una de las más grandes y admiradas artistas del flamenco. ‘La Macanita’ debuta así en el Teatro de la Zarzuela tras una extensa y reconocida trayectoria llevando su “flamencura” y su “gitanidad” por los escenarios del mundo.

La Celestina

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dejan claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Y así actúa temporada a temporada, de modo que son ya 16 los títulos rescatados del olvido.

Precisamente la 2022/23, la que ahora nos ocupa, abrirá con el estreno absoluto de una ópera española –tragicomedia lírica en cuatro actos, si nos ceñimos al dictado del propio autor– cuya premier debería haber tenido lugar hace 120 años, nada menos. Hablamos de ‘La Celestina’ de Felipe Pedrell, obra de madurez del compositor catalán que efectivamente sonará en pocos días por primera vez porque a pesar de que estaba previsto estrenarla en el Liceo en el año 1902 (y más tarde en otros teatros, incluido el de la Zarzuela), nunca llegó a ver la luz.

Lo único que hasta la fecha se ha podido escuchar (y desde entonces ya ha llovido) han sido un par de escenas que Pau Casals incluyó en un concierto en 1921 para homenajear al compositor. Aun así, se trata de una obra de gran importancia, que influyó a compositores coetáneos y sobre todo posteriores, en la que Pedrell plasma su idea de la ópera nacional.

En ‘La Celestina’, que cuenta con libreto del propio músico basado en la tragicomedia de ‘Calisto y Melibea’ de Fernando de Rojas, queda patente el enorme respeto de aquel por la obra original del siglo XV.

Por todo lo dicho, el viernes 9 (20h00) y el domingo 11 de septiembre (18h00) serán días históricos y emocionantes para nuestra lírica, ya que las notas de ‘La Celestina’ llegarán al fin, con doce décadas de retraso, al oído y el corazón del público. El valor de este estreno en versión de concierto es aún si cabe mayor, ya que además de reparar un agravio histórico, servirá para conmemorar el centenario del fallecimiento de Felipe Pedrell que se cumplió el pasado 19 de agosto. Y como la ocasión lo merece con creces, Radio Clásica de Radio Nacional de España la emitirá el mismo domingo 11 a las 20h00 (hora peninsular española).

Los dos conciertos que ahora hacen justicia a la obra, estarán dirigidos por Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, quien al frente de la Orquesta Titular de este, la ORCAM, y de su Coro Titular dirigido por Antonio Fauró, deberá afrontar una partitura de asombrosa exigencia.

Será igualmente una buena ocasión para regocijarse con las voces solistas de un reparto que cubre generosamente esos requisitos tan especiales que reclama la obra de Pedrell, compuesto por Maite Beaumont (Celestina), Miren Urbieta-Vega (Melibea), Andeka Gorrotxategi (Calisto), Juan Jesús Rodríguez (Sempronio), Simón Orfila (Parmeno), Sofía Esparza (Lucrecia), Lucía Tavira (Elicia), Gemma Coma-Alabert (Areusa), Javier Castañeda (Pleberio), Mar Esteve (Tristán) e Isaac Galán (Sosia).

Una ópera de culto

El Teatro de la Zarzuela se adentra de nuevo en lo mejor de la historia operística de nuestro país. ‘La Celestina’, como señala el maestro de musicólogos Emilio Casares, fue una ópera de culto. “Constituyó –de acuerdo con las palabras del investigador– una especie de mito para esa generación dorada de nombres tan significados, todos alumnos de Pedrell, como Enrique Granados, Isaac Albéniz, Amadeo Vives, Enrique Morera, Manuel de Falla, Juan Manén, Adolfo Salazar o Roberto Gerhard”. Ahí es nada.

Esta obra emblemática, nunca estrenada, fue no obstante conocida a través de su edición para piano de 1903 y admirada desde entonces. Únicamente Pablo Casals dio a conocer en 1921 esos dos números de los que hemos hablado, y que sirvieron para homenajear en un concierto al gran amigo.

Casares sostiene que “este acto de inteligencia cultural del Teatro de la Zarzuela” (la programación de la obra de Pedrell) está cargado por todo lo anterior de significado, “y una vez más nos recuerda el drama de ser compositor de ópera en España”. Asistiremos, 120 años después de su creación, al estreno mundial de una ópera “cargada de historia, de culto, diríamos hoy, y sin duda, la más madura de toda la producción pedrelliana, que, por cierto, Manuel de Falla –enorme admirador del músico tortosino– intentó estrenar en 1914 en el mismo Teatro de la Zarzuela, ante la negativa del Teatro Real”, explica el catedrático.

Más allá del valor objetivo de ‘La Celestina’, “con este acto se repara un auténtico delito cultural”, dice el estudioso, quien sustenta su argumento en el peso que tuvo la obra a comienzos del siglo XX. Y en este punto, es de justicia asimismo destacar la trabajosa edición moderna de las 750 páginas del manuscrito original, realizada por el joven musicólogo David Ferreiro, sin la que esta aventura no habría sido en ningún modo posible.

Felipe Pedrell (1841-1922) es una de las figuras clave de nuestra historia musical. Compositor, historiador, musicólogo, crítico y folclorista, Casares revela que “fue uno de los más grandes ideólogos de nuestra historia musical”.

Ahora, después de 120 años condenada a un injusto e injustificable silencio, tenemos la oportunidad de disfrutar ‘La Celestina’ por primera vez. Representamos pues a todas esas generaciones que se han visto privadas de ello. Un regalo y una responsabilidad. Sin duda estamos de enhorabuena; también y sobre todo el Maestro Pedrell.

Maite Beaumont

Lo hará en sustitución de Ketevan Kemoklidze a quien motivos personales le imposibilitan participar en los conciertos del 9 y 11 de septiembre en el Teatro de la Zarzuela.

La mezzosoprano navarra Maite Beaumont cantará el papel de Celestina en el estreno absoluto de la ópera ‘La Celestina’ de Felipe Pedrell. Lo hará en sustitución de Ketevan Kemoklidze a quien motivos personales le imposibilitan participar en los conciertos del 9 y 11 de septiembre en el Teatro de la Zarzuela.

Con su singular timbre y gran expresividad, Maite Beaumont es una de las cantantes más importantes en su campo y una exitosa intérprete de concierto, con un repertorio que abarca desde el barroco hasta obras contemporáneas. En el Teatro de la Zarzuela Beaumont ha participado en el Homenaje a Montserrat Caballé y en la recuperación de ‘Farinelli’ de Tomás Bretón en versión de concierto.

‘La Celestina’, obra de madurez de Pedrell, sonará ahora por primera vez ya que, a pesar de que en el año 1902 estaba previsto su estreno en el Liceo de Barcelona (y más tarde en otros escenarios, incluido el del Teatro de la Zarzuela), nunca vio la luz.

Anna Lucía Richter, Gerhaher y Bushakevitz

Termina esta temporada la XXVIII edición Ciclo de Lied del Teatro de la zarzuela y el CNDM, y lo hace por todo lo alto con la oportunidad de escuchar el proyecto de Christian Gerhaher, Das Wolf-Projekt, que se ofrece en formato de dos recitales, el 11 de julio Spanisches Liederbuch, con la soprano Julia Kleiter y el 18 de julio con la mezzosoprano Anna Lucia Richter. En ambas citas acompañados al piano por Ammiel Bushakevitz.

Gerhaher siempre consigue llevarnos a un nivel superior. Y que lo haga con un repertorio menos convencional y acompañado por figuras jóvenes, aunque ya consagradas, del mundo del lied, es una vuelta de tuerca más a esta forma de interpretación.

Hugo Wolf no había viajado nunca a España, pero los nórdicos siempre han sentido una especie de atracción por todo lo que tuviera que ver con el sur de Europa, sobre todo les atraía la luz, tan escasa en sus países de origen. Si conocía Wolf la música renacentista, sobre todo la de Tomás Luis de Victoria. También conocía grandes obras de la literatura española. Aunque el resultado final de estas Spanisches Liederbuch no tenga ningún elemento que parezca estar inspirado en la música o la cultura española.

Los textos utilizados por Wolf pertenecen a distintos siglos. No así las traducciones del siglo XVIII, obra de Geibel y Heyse y, por tanto, entendidos e interpretados de la misma manera. Los textos para la elaboración de estas canciones están tomados del Florestán de rimas antiguas castellanas (1821, 1825 y 1843), el Cancionero general (1511) de Hernando del Castillo, el Cancionero llamado Flor de enamorados (1562) o el Romancero general (1604). Las 10 primeras, las Geistliche Lieder, son canciones religiosas. Las 34 restantes, las  Weltliche Lieder, son canciones profanas. Estas últimas fueron divididas en dos partes para el recital.

Christian Gerhaher es un intérprete que transmite mucho con la voz y apenas nada con la expresión o el gesto. Todo lo apuesta a su manera de “decir” los textos, casi siempre impecable, gracias también a un perfecto fraseo. Su timbre tiene una particularidad últimamente, parece cada vez menos baritonal, en cuanto a registros oscuros. Lo que no afecta en absoluto a su expresividad e intensidad.

En este primer recital estuvo acompañado por la debutante Julia Kleiter. Todo un prodigio vocal, de depurada técnica y musicalidad. Con un volumen sorprendente y un control absoluto del juego vocal que le permite repartir emociones que llegan al público de manera arrebatadora. Tuvo algunas intervenciones especialmente felices y emotivas, en este formato en el que se turanabn ante el atril y que dio fluidez y equilibrio al recital.

El piano de Ammiel Bushakevitz fue también una gratísima sorpresa. Acompañó desde un segundo plano, siendo esto una gran virtud. No restó protagonismo a las voces pero su presencia era evidente y extraordinaria. Pendiente de todos los detalles y de todos los cambios de dinámica, que no fueron pocos, teniendo en cuenta que cada una de las obras que se alternaban no tenían relación entre sí. Su intervención estuvo llena de frescura y aportó su matiz a cada una de las obras.

La segunda parte de este peculiar proyecto estuvo protagonizada por la mezzosoprano Anna Lucia Richter, junto a Gerhaher. La temporada pasada tuvimos la oportunidad de asistir a su flamante debut en este Teatro.

En esta ocasión Wolf utiliza textos de una recopilación de Paul Heyse en 1860. Unas traducciones al alemán de textos como canti popolari toscani, corsi, illirici, greci, de Nicoló Tommaseo. Canti popolari toscani de Giuseppe Trigi. Canti popolari inediti umbri, liguri, piceni, piemontesi, latini, de Oreste Mrcoaldi. Y canti del popolo veneziano, de Angelo Dalmedico.

En esta ocasión los textos no trataban, como en los Spanisches Liederbuch, de cantos populares y religiosos, se trata de pequeños textos cotidianos, pequeñas anécdotas y detalles de la vida diaria.

Anna Lucia Richter se transforma ante este repertorio y echa mano de la teatralidad. Su canto es homogéneo y la expresividad de su rostro, a veces cargado de comicidad, ayuda a narrar las breves historias que cuenta.

Christian Gerhaher, a diferencia del primer recital, más íntimo, utiliza sus volúmenes en la emisión para dar carácter al personaje que interpreta. El forte se convierte en uno de los principales protagonistas.

En esta ocasión el piano requiere de un mayor protagonismo, y sin duda Ammiel Bushakevitz sabe dotar a su instrumento de esa cualidad. Sabe cómo generar cada atmósfera, por pequeña que parezca, y llenar de matices y acentos cada palabra que pronuncian de los intérpretes.

Todo un broche de oro para este XXVIII  Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y el CNDM que ha estado lleno de momentos inolvidables. Contamos ya los días para el inicio de la próxima temporada que comienza, nada menos, que con René Pape.

Fotografía: Elvira Megías/CNDM

Rafael Aguirre

La música de Isaac Albéniz y de Francisco Tárrega, compositores coetáneos a caballo entre el siglo XIX y el pasado siglo, pondrá el broche al ciclo Notas del Ambigú 21/22 del Teatro de la Zarzuela, el próximo lunes 4 de julio (20h00). Será el virtuoso guitarrista Rafael Aguirre quien se encargue de presentar el perfil más romántico de ambos músicos.

De Albéniz sonarán ‘Asturias. Leyenda’ y ‘Sevilla’ de la ‘Suite española’, op. 47, con arreglos de Andrés Segovia y Manuel Barrueco respectivamente; ‘Córdoba’ de ‘Cantos de España’, op. 232, con arreglo de John Williams; y ‘Torre Bermeja. Serenata’ de ‘Piezas características’, op. 92, con arreglo del propio Rafael Aguirre.

Por su parte, la música de Tárrega, uno de los grandes maestros de la guitarra, dicho sea de paso, estará presente a través de ‘Carnaval de Venecia’ –variaciones sobre un tema de Niccolò Paganini–, ‘Capricho árabe’, ‘Lágrima. Preludio’ y la ‘Gran jota sobre motivos populares’.

Y estando en el coliseo de la plazuela de Jovellanos, no podían faltar dos de los nombres ilustres del género de la zarzuela: Federico Chueca y Joaquín Valverde con el ‘Vals-jota de los Ratas’ de ‘La Gran Vía’ con arreglo precisamente de Francisco Tárrega.

Una noche especial para culminar otra edición de un ciclo plagado de éxitos.

Ensemble Opus 22

El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela acogerá el próximo martes 28 de junio (20h00) un concierto dedicado a jóvenes compositores. El Ensemble Opus 22 asumirá, bajo el título ‘Música española contemporánea’, los estrenos absolutos de las cuatro obras ganadoras del I Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

El jurado designado por ambas instituciones destacó en su día el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, y acordó por unanimidad premiar cuatro de las obras presentadas: “La eternidad de un instante” de Adela Rodríguez Yus, “La tumba de las luciérnagas y aneurisma digital” de Pablo González González, “Tras un abismo de cristal” de Víctor Pantoja Figueroa y “Lágrimas de Luz” de Nuria María Sánchez Sánchez.

El Ensemble Opus 22 nació precisamente como respuesta a la inquietud musical de cuatro jóvenes intérpretes españoles por investigar y difundir la música actual. Compuesto por Ana Carmen Sánchez Bruno, violín; Iñaki Marcos Bueno, clarinetes; Alejandro Fenollosa Beltrán, saxofones; y Javier Peña Tamayo, piano, el compromiso con el panorama compositivo nacional está entre sus prioridades.

Al premio optaban alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2021/2022 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro ha ofrecido de nuevo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles que concluirán el próximo 4 de julio.

Tras el concierto del  Ensemble Opus 22 que estrenará las cuatro obras ganadoras del I concurso del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid para jóvenes compositores (28 de junio). Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

Xavier Anduaga

En apenas un año Xavier Anduaga ha debutado en el Teatro Real, la Opera de París y el Covent Garden de Londres. Y se anuncia su presentación la próxima temporada en el MET neoyorkino. Si tenemos en cuenta que estamos hablando de un tenor de apenas 27 años, seremos conscientes de que estamos ante una de las voces líricas más importantes de las últimas décadas.

Siguiendo con las presentaciones, esta semana ha ofrecido su primer recital en el Teatro de la Zarzuela. Con el título de “Nuestra música”, Anduaga ha recorrido las más importantes romanzas de nuestro panorama musical. La primera parte comenzó con “Bella enamorada”, de El último romántico, de los maestros Soutuolo y Vert. Siguió con el inevitable “De este apacible rincón de Madrid”, de Moreno Torroba. En ambas piezas demostró el generoso volumen de su voz de lírico ligero.

Del maestro Usandizaga interpretó “¡Alare, zorioneko lekua!”, de Mendi-Mendiya, con exquisito gusto. En “Flor roja”, de Los gavilanes, de Jacinto Guerrero, demostró el dominio que tiene del legato, alargando unas frases bien sostenidas. Terminó esta primera parte con “por el humo se sabe”, de Doña Francisquita de Vives, que abordó con intención y voz soleada y plena.

La segunda parte se inició con “Adiós Granada”, de Los emigrantes y una espectacular “Tamar, razón de mi existencia”, de La llama de Usandizaga. Aquí demostró Anduaga su gusto exquisito y musicalidad. En “no puede ser, esta mujer no es buena”, de La tabernera del puerto de Pablo Sorozabal, en la que exhibió una gran intensidad y dramatismo, igual que en el ¡Maitechu mía!, de Francisco Alonso.

El programa terminó con una emocionante interpretación de Júrame, de María Gréver y Granada, de Agustín Lara. Para entonces el público ya había enloquecido. El silencio durante todo el recital fue sepulcral, un silencio de asombro ante las cualidades vocales del joven tenor. Volumen generoso, un timbre esmaltado y luminoso que llenaba la sala sin apenas esfuerzo. Metal incluso en las medias voces. Frasea con intención y emoción y regula con eficacia.

Como primera propina ofreció la nana tradicional vasca Aurtxo polita, interpretada a media voz, con la ternura que evocan los recuerdos. Como segunda repitió “Por el humo se sabe”, de Doña Francisquita.

Estuvo acompañado al piano por Giulio Zappa, que cumplió con su labor, pero que no tuvo su noche. Se erigió casi en protagonista durante la primera parte por utilizar a la vez un soporte electrónico para las partituras, y un ayudante que le pasara las páginas. Ambas cosas resultaron incompatibles y nos tuvo distraídos y en suspense, incluso tuvo que volver a empezar una de las piezas.

Con estos mimbres y pensando en el recorrido que tiene por delante para limar y perfeccionar todas esas cualidades canoras que atesora, el futuro a corto, medio y largo, se antoja espectacular. Esto no ha hecho más que empezar…

Fotografía: Elena del Real

Mark Padmore

El tenor británico Mark Padmore, dueño de una voz sinuosa y flexible capaz de las más exquisitas matizaciones, nos brindará el próximo lunes 20 de junio (20h00) en el ciclo de Lied coproducido por el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), un intenso monográfico schumanniano acompañado al piano por el virtuoso Kristian Bezuidenhout.

En este esperado recital el público tendrá la ocasión de escuchar el sugestivo grupo de doce lieder sobre poemas de Justinus Kerner, op.35, así como una interpretación del ‘Liederkreis’, op.39 en una versión históricamente más correcta que incorpora otras canciones..

Mark Padmore nació en Londres y creció en Canterbury. Tras comenzar sus estudios de clarinete, obtuvo una beca para estudiar en el King’s College de Cambridge, donde se graduó en Música. Padmore se ha forjado una brillante carrera en el mundo de la ópera, así como en el de los conciertos o los recitales, con interpretaciones de las Pasiones de Bach que le han otorgado verdadero reconocimiento internacional. En la ópera, ha trabajado con directores de escena como Peter Brook, Katie Mitchell, Mark Morris y Deborah Warner y ha aparecido recientemente en una nueva producción de Death in Venice, de Britten, en la Royal Opera House de Londres. Ha cantado los personajes protagonistas de las óperas de Harrison Birtwistle The corridor y The cure en el Festival de Aldeburgh y el Teatro de Linbury; Jephtha, de Haendel, para la Welsh National Opera y la English National Opera; Captain Vere en Billy Budd, de Britten, y el papel de Evangelista en un concierto escenificado de la MatthäusPassion, de Bach, en el Festival de Glyndebourne. También interpretó a Peter Quint en The turn of the screw, de Britten, en una producción televisiva para la BBC y
grabó como protagonista La clemenza di Tito, de Mozart, con René Jacobs para Harmonia Mundi. Esta temporada, cabe destacar su residencia artística en el Wigmore Hall, donde celebra su relación profesional con pianistas de la talla de Till Fellner, Imogen Cooper, Paul Lewis y Mitsuko Uchida; con este último recientemente ha realizado una importante gira por Norteamérica. Su extensa discografía incluye la Missa solemnis, de Beethoven, y Die Schöpfung, de Haydn, con Bernard Haitink y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera para BR Klassik, o un álbum de lieder de Beethoven, Haydn y Mozart con Kristian Bezuidenhout
para Harmonia Mundi. Mark Padmore ha participado en tres ediciones del Ciclo de Lied: XIV (07-08), XVIII (11-12) y XXVIII (21-22).

Fotografía: Marco Borggreve

Xabier Anduaga

El martes 21 de junio (20h00) presenta en el coliseo madrileño ‘Nuestra música’

Xabier Anduaga, una de las grandes voces jóvenes de la lírica mundial, ofrece en el Teatro de la Zarzuela un concierto dedicado a ensalzar el género. Estará acompañado al piano por Giulio Zappa.

Madrid, 16 de JUNIO de 2022.- Bajo el título ‘Nuestra música’, el tenor Xabier Anduaga repasará el próximo martes 21 de junio (20h00) en el Teatro de la Zarzuela una buena colección de las más significativas romanzas del género. El tenor donostiarra, hoy por hoy una de las más importantes voces de la lírica mundial, ofrecerá el recital dentro del ciclo de Conciertos del coliseo madrileño acompañada por el pianista Giulio Zappa.

El concierto será por tanto un emocionante viaje por obras compuestas por algunos de los más destacados músicos de zarzuela como Moreno Torroba, Sorozábal, Guridi, Usandizaga, Vives, Guerrero, Serrano, Soutullo y Vert o Barrera y Calleja, además de transitar por la belleza y el sentimiento de canciones de Francisco Alonso, Agustín Lara, María Gréver o Manuel María Ponce, que a estas alturas trascienden ya cualquier época.

Giulio Zappa interpretará a piano solo una nostalgia de Guridi y un bolero de Casella.

El Barberillo de Lavapiés

Este año se cumplen 148 desde que ‘El barberillo de Lavapiés’ se estrenara en el Teatro de la Zarzuela allá por 1874. En todo este tiempo la obra de Francisco Asenjo Barbieri –de quien el año próximo se celebra el bicentenario del nacimiento–, con magnífico libreto de Luis Mariano de Larra –hijo del perspicaz intelectual romántico ‘Fígaro’–, ha cabalgado tres siglos distintos con idéntica suerte: el placer del público, de los amantes de la música, de los entusiastas del Teatro de altura. Toda una fiesta de teatro musical que del 15 al 26 de junio volverá a alegrar el coliseo de la plazuela de Jovellanos con 10 funciones de la aplaudida producción propia firmada por Alfredo Sanzol y estrenada en este escenario en 2019.

El interés y la expectación de este Barberillo no se deben únicamente al excepcional material musical y literario que lo convierten en una incontestable obra maestra; una de las obras más divertidas y alegres del repertorio lírico que se ha mantenido en escena hasta nuestros días como un emblema de la lírica española. También alcanza la calidad de acontecimiento, aun en su reposición (y la venta de entradas no engaña), por quienes son responsables de ponerla en pie.  El director de escena y adaptador del texto, Alfredo Sanzol, Premio Nacional de Literatura Dramática de 2017 y uno de los nombres indispensables en la escena de hoy, o el maestro internacional José Miguel Pérez-Sierra, que, como en él es habitual, dará brío al foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro). La producción cuenta con la singular escenografía y el colorido vestuario de Alejandro Andújar, la iluminación siempre reveladora de Pedro Yagüe y la coreografía (tan importante en este título) de Antonio Ruz, Premio Nacional de Danza 2018, quien con la poesía del movimiento contribuye a que la obra vuelva a ser actual y moderna.

Serán, además, dos los repartos (y tres Barberillos) los que canten la obra genial de Barbieri: Lamparilla, el Barberillo que pretende a Paloma la costurera, con quien se ve inmerso en una intriga política sin saber cómo ni por qué, será interpretado por los barítonos Borja Quiza y David Oller; Paloma estará encarnada por las mezzosopranos Cristina Faus y Carol García; la marquesita del Bierzo, intrigante política que mete a todos en el lío, y enamorada a su vez del sufridor Don Luis de Haro, será cantada por las sopranos María Miró y Cristina Toledo; los tenores Javier Tomé y Francisco Corujo darán vida a Don Luis, quien sufre el desdén político y amoroso de su querida Marquesita; el barítono Gerardo Bullón será el conspirador Don Juan de Peralta, y el bajo Abel García, Don Pedro de Monforte, defensor de la ley y la justicia.

Acompañará en el escenario a este doble elenco el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, así como diez bailarines y ocho actores que también danzan en todos y cada uno de los números de baile.

Música y escena. Vigencia, comedia, belleza

José Miguel Pérez-Sierra, quien califica la obra como «una de las cimas del género», sostiene que la colaboración entre Barbieri y Larra es más que interesante, ya que «juntos crean una obra en la que se vive, se respira Madrid. Un Madrid dieciochesco en el argumento y decimonónico en lo musical, pero con un perfume atemporal que hace que aún hoy esta zarzuela tenga plena vigencia».

Alfredo Sanzol, por su parte, recalca que «el tono cómico y de aventuras de la función es lo que hemos potenciado sin olvidar nunca que ambas cosas van unidas a la búsqueda de la belleza». El director de escena apunta en cada uno de sus trabajos a la idea de que «la profundidad de la vida y sus difíciles conflictos necesitan de la visión de la comedia para encontrar soluciones liberadoras».

Barbieri y Larra mezclan una trama popular, la de los amores de Lamparilla y Paloma, con los devaneos sentimentales de dos aristócratas, la Marquesita Estrella y don Luis, y todo ello con un trasfondo político: la transición forzada de un gobierno de Grimaldi a Floridablanca. Es un modelo temático que ya había utilizado Barbieri en Jugar con fuego, Los diamantes de la corona o Pan y toros, pero que con el texto de Larra —escrito en verso— se llena de aventuras, intrigas, política, amor y humor, funcionando como si hubiera sido escrito en estos días que corren.

Fotografía: Javier de Real

Mario Prisuelos

Con el recital ‘Compositoras de hoy en el piano’ que Mario Prisuelos dedica a las creadoras españolas contemporáneas, el Teatro de la Zarzuela pondrá el broche final de esta temporada al ciclo Domingos de Cámara. Será el próximo domingo 5 de junio a las 12h00 en el Ambigú del coliseo, y las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Mario Prisuelos incluirá en su concierto música de Nuria Núñez, Marisa Manchado, Mercedes Zavala y Teresa Catalán, con estrenos absolutos de Nuria Mª Sánchez, Inés Badalo y Sonia Megías.

Considerado uno de los más relevantes pianistas de su generación, en la amplia carrera de Mario Prisuelos es fundamental su firme compromiso con la música de su tiempo, por lo que ha estrenado, grabado e interpretado obras —a menudo dedicadas a él— de compositores como Tomás Marco, Jesús Rueda, David del Puerto, José Mª Sánchez-Verdú, Jesús Torres, Mercedes Zavala, Nuria Núñez o Mauricio Sotelo.

Cada concierto del ciclo ha contado con uno o varios estrenos absolutos, buena parte de ellos de jóvenes compositoras en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En esta ocasión serán tres las obras que se interpretan por vez primera: ‘Eneatipos’ de Nuria Mª Sánchez, ‘Libro de arena’ de Inés Badalo y ‘Cubanías nº 1’ de Sonia Megías.

A través del ciclo Domingos de Cámara, que tendrá una nueva edición en la próxima temporada, el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento.

Lara Diloy
Lara Diloy, la naturalidad al frente de una orquesta

Lara Diloy encontró en la dirección de orquesta la mejor manera de vincularse a su mayor pasión, la música. Como directora asistente es toda una garantía para teatros y directores titulares. Y hemos podido comprobarlo recientemente, dirigiendo algunas funciones de la opera Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela. Su seguridad y actitud al frente de una orquesta nos demuestra que estamos ante uno de los nuevos talentos de la dirección en nuestro país. El futuro ya está aquí.

¿Cómo y cuándo decide que quiere ser directora de orquesta?

En mi caso ha sido una consecuencia natural de mi dedicación y pasión por la música. Desde pequeña descubrí que hacer música junto a otras personas me hacía muy feliz. La orquesta era mi hogar, por eso cuando terminé los estudios superiores de trompa y sentí que necesitaba ampliar mi formación para convertirme en un músico más completo, la opción fue estudiar dirección de orquesta, ya que esta disciplina me permitía profundizar mis conocimientos manteniéndome ligada a la orquesta.

Si tengo que elegir un momento clave en el que decidí dedicarme profesionalmente a ello, fue participando en un encuentro de la JONDE como joven directora. Me llenó tanto la experiencia que el curso siguiente dejé mi trabajo como docente y las colaboraciones como trompista en orquestas, y desde entonces me he volcado en cuerpo y alma a la dirección.

El director de orquesta es el único músico que no emite ningún sonido, pero consigue que lo hagan todos los demás. ¿Qué cualidades considera que debe tener un director de orquesta?

Cierto es que nosotros no emitimos ningún sonido de forma directa, pero apuntaré que la batuta suena (y mucho). La orquesta percibe nuestra energía y nuestro conocimiento de la música, y como tal lo traslada a la interpretación. Esa es la magia de la dirección de orquesta.

Las cualidades necesarias son múltiples ya que nuestra disciplina requiere del dominio de muchas facetas. Pero algo que considero fundamental es tener un profundo conocimiento de la música que tienes entre manos, decidir tu idea interpretativa y, por supuesto, tener la capacidad de comunicación para transmitirla al grupo que tienes delante en cada momento.

Ha sido en varias ocasiones directora asistente en el Teatro de la Zarzuela, pero esta es la primera vez en la que le ha tocado sustituir al maestro titular en varias funciones. Aunque, tarde o temprano puede llegar ese momento, ¿cómo es?, ¿qué pasó por su cabeza?

Realmente ha sido una experiencia inolvidable. Aunque como asistente eres consciente de que en cualquier momento puede pasar algo y hay que sustituir al maestro, habitualmente no suele suceder. Por ello es difícil saber cómo vas a reaccionar en una situación así.

En Don Gil de Alcalá me ha tocado tomar el mando en pocas horas (me avisaron a las 15h y la función era a las 20h), y puedo decir que solamente pensé en hacer lo que tenía que hacer: estar tranquila y dirigir. Conocía perfectamente la música y la producción, y además estaba arropada por el maestro desde la distancia y por todo el teatro. Se generó una energía fantástica con los cantantes, el coro y la orquesta, y esa energía llegó al público. Solo puedo estar agradecida por esta oportunidad.

Aunque ha tenido la oportunidad de dirigir en teatros importantes como Auditorio Nacional de Música y Teatro Monumental (Madrid), Auditorio Alfredo Kraus (Las Palmas de Gran Canaria) o el Teatro Arriaga (Bilbao), ¿cómo ha sido esta primera experiencia al frente de la Orquesta, el Coro y el cuadro de cantantes en una producción tan importante como la de Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela?

Es un debut muy especial para mí por muchas razones. En primer lugar, porque debutar en el Teatro de la Zarzuela es un sueño cumplido. Llevo años asistiendo como público, participando en diversas producciones y trabajando con ilusión para llegar a dirigir desde el foso.

Me siento muy afortunada de que haya sido con un título como Don Gil de Alcalá, una ópera de Penella con una música maravillosa, en esta producción de Emilio Sagi que hace las delicias de los espectadores (es un “caramelo”). Si a eso le sumas haber trabajado mano a mano con el maestro Macías y un elenco enorme en lo profesional y en lo humano, y hacer música con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro, agrupaciones a las que tengo gran cariño, es emoción pura haber vivido esta experiencia, por lo que siempre ocupará un lugar importante en mi memoria.

La figura de director asistente no es muy conocida. Explíquenos un poco en qué consiste y la importancia que tiene en una producción.

La labor que realiza el asistente musical es fundamental dentro de una producción y, como afirmas, poco conocida y reconocida. Es la extensión del maestro musical en el Teatro, y por ello adquiere importancia esta figura para todos los elementos que lo forman: producción, regiduría, equipo técnico, orquesta (archivo, inspección, músicos), coro… El director asistente se encarga de cuestiones como preparar los materiales en coordinación con el archivo de la orquesta, dar notas a los cantantes, al coro y la orquesta, de escuchar los balances en los ensayos, sustituir al maestro en ensayos de escena (lecturas, conjuntos y funciones si fuera necesario)… Junto con los maestros repetidores forman el equipo musical y facilitan el trabajo del director.

Cuando hay bandas internas, se hace cargo de dirigirlas, algo que en mi caso he tenido que hacer en teatros como el de la Maestranza o el Palau de Les Arts. La carga de trabajo se amplía cuando eres asistente musical de una Temporada. Desde 2021 he asumido este rol en la Ópera de Oviedo, donde además realizo labores de coordinación musical que tienen que ver con el largo plazo (previsión de plantillas, cortes, disposición de la orquesta y un largo etc.)

El trabajo del director asistente no solamente es importante en producciones, también en conciertos sinfónicos o galas líricas. Recientemente he sido asistente en el Teatro Real junto al maestro Rovaris, en una gala con Lisette Oropesa, y la coordinación con el archivo del teatro y el maestro para preparar los materiales fue fundamental para optimizar al máximo el tiempo de ensayo.

Además de la dirección de orquesta, es directora y fundadora del coro de voces blancas Sinan Kay, que hemos podido escuchar estos días participando en Carmen, de Bizet, en el Teatro Monumental con la Orquesta y Coro de RTVE. ¿Cómo surgió este proyecto y qué supone para usted?

Sinan Kay es un proyecto muy personal. Surge de mi etapa como docente, donde me hice cargo del coro infantil del centro en que trabajaba. La agrupación desapareció de la programación y los padres y alumnos quisieron continuar con la actividad. Se constituyó como asociación en el curso 2015/2016 y desde entonces hemos buscado siempre un equilibrio entre la excelencia artística y pedagógica.

Además de contar con un equipo docente multidisciplinar, hemos participado en numerosos concursos y festivales, siendo premiados en varias ocasiones. En cuanto a colaboraciones, hemos cantado en producciones del Teatro de la Zarzuela junto a la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro destacando títulos como Pinocchio, El Gato Montés o Mirentxu, y junto a la Orquesta y Coro de Radio Televisión Española en el Concierto de Reyes de 2020 y en esta Carmen. La próxima temporada volvemos a tener compromisos con ambas instituciones.

Su conocimiento del repertorio sinfónico y operístico es muy amplio. Si tuviera que decantarse por alguno de los dos, ¿prefiere dirigir “sólo” orquestas sinfónicas o prefiere la ópera?

He tocado en orquesta desde los 12 años. El repertorio sinfónico me ha acompañado siempre y me ha hecho crecer como músico. No podría concebir dedicarme a la dirección de orquesta dejando de lado ese repertorio. Aún así, creo que en el mundo lírico estoy encontrando mi espacio. Me siento cómoda y mi alta dedicación a ello en los últimos años está dando sus frutos. En una producción se trabaja durante varias semanas, hay más tiempo para profundizar en la música y para conocer a las personas con las que trabajas, y esa parte me hace inclinar la balanza hacia la ópera y zarzuela, aunque me gustaría combinar ambas.

Usted ha dicho que las mujeres llegan a la dirección de orquesta para darle otro punto de vista, enriquecer… ¿cuál es el suyo?, ¿qué propone Lara Diloy batuta en mano?

Por supuesto, considero que la inclusión de nuevos perfiles en cualquier campo es enriquecedora. Aunque quizá mi aportación no es nueva, sí creo que es poco frecuente: tratar la profesión con naturalidad (somos personas preparadas para hacer un trabajo complejo, pero no “divos” ni nada parecido), con un liderazgo basado en el trabajo en equipo y en hacer que los demás brillen, y buscando la excelencia desde el amor por la música y el respeto y cariño por las personas que me acompañan en cada proyecto.

¿Hay algún director en el que se fije especialmente o le inspire?

En el último año he tenido la fortuna de trabajar con maestros maravillosos: Yves Abel, Corrado Rovaris, Ramón Tebar, Gianluca Marcianó, Lucas Macías, Iván López-Reynoso, Daniele Callegari… De ellos he aprendido mucho y son mi mayor fuente de inspiración en el día a día.

También tengo mucho que agradecer a Óliver Díaz, con quien trabajo desde hace tiempo, que destaca por su profesionalidad y talla humana. Además, sigo a directores españoles o que están haciendo carrera en España como Pablo González o Dima Slobodeniouk, ya que son músicos de gran talento.

En cuanto a grandes nombres de la historia, Carlos Kleiber es un referente que siempre tengo en mente. Y también mujeres como Marin Alsop o Susanna Mälkki que han sido pioneras y nos han abierto camino.

¿Hay algún compositor u obra que le guste especialmente dirigir y por qué?

Me siento muy cómoda dirigiendo repertorio español, tanto lírico como sinfónico, y también con música de compositores como Mozart y Beethoven. Quizá porque han sido los pilares de mi formación como músico y se adhieren en el ADN. Aún así, cada vez estoy incorporando más repertorio y, aunque suene a tópico, intento que la obra que estoy interpretando o estudiando en cada momento sea la más maravillosa del mundo.

Seguro que ya está cumpliendo alguno de sus sueños. ¿Dónde le gustaría verse dentro de no mucho tiempo?, ¿con qué sueña?

El más importante se está realizando, que es poder vivir de la dirección de orquesta. A partir de ahí me gustaría siempre seguir superándome y mejorando, afianzar mi carrera en los teatros y orquestas españolas, y despegar con una carrera internacional.

El cielo de Sefarad

Después de las espléndidas ‘Perdida en el Bosco’ y ‘La increíble historia de Juan Latino’, el Teatro de la Zarzuela sigue apostando por el teatro infantil de calidad con ‘El cielo de Sefarad’, el nuevo montaje coproducido con la compañía Claroscvro que ofrece una historia de amor, humor, magia y ternura. Se trata de una brillante producción de música, títeres y máscaras que se presentará en el Ambigú del coliseo, y que narra con especial sensibilidad y llaneza la tragedia de la expulsión de España de Noa, una niña judía, y su gato. Se ofrecen 18 funciones para público a partir de 6 años, y las representaciones del sábado 28 (13h00 y 19h00) y del domingo 29 de mayo (11h30 y 13h00) serán abiertas al público con un precio único de 10 euros.

En ‘El cielo de Sefarad’, como en todas las producciones de Claroscvro, la música es un elemento indispensable para el desarrollo del espectáculo. Es un personaje más. En esta ocasión, la historia se teje con música tradicional sefardí, obras del Cancionero de Palacio y de compositores españoles del siglo XV. El espíritu de la obra es ese obligado viaje físico y emocional emprendido por quienes fueron guardianes y transmisores de un legado que atesoraron como un amor robado pero siempre vivo.

Por eso, en esta celebración de música y teatro, ejemplo de valentía por medio de la belleza, se quiere mostrar la capacidad de resiliencia del ser humano, su sorprendente aptitud para adaptarse al medio incluso en las circunstancias más nocivas. ‘El cielo de Sefarad’ es, ante todo, una historia de amor que perdura hasta hoy; la historia de amor incondicional de ese pueblo, el sefardí, por su paraíso perdido.

El montaje cuenta con la dirección de escena de Larisa Ramos, junto a quienes son el alma de Claroscvro, Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, que ejercen también de actores y titiriteros. La dirección musical es de Enrique Pastor, que toca la fídula, la cítola, el laúd y la vihuela, junto a María José Piré, voz, flauta y percusión.

La compañía hispano-canadiense Claroscvro Teatro, una de las referencias mundiales del teatro de títeres dirigida por Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, presenta así su tercera coproducción con el Teatro de la Zarzuela después de las aclamadas ‘Perdida en el Bosco’ (2017 y 2019) y ‘La increíble historia de Juan Latino’ (2020 y 2021). Claroscvro Teatro emplea la recreación en el esteticismo historicista con el fin de reforzar los valores educativos de sus obras, con la convicción de que la belleza es el vehículo perfecto para amar el Arte.

Temporada Teatro de la Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela ha presentado hoy la Temporada 2022/2023, en la que ofrecerá un total de 161 funciones manteniendo la media de los últimos años, y que incluirá 4 estrenos absolutos y 7 nuevas producciones propias.

Se trata de la temporada 163 desde que en 1856 el teatro levantara por vez primera el telón con el fin único de convertirse en el escenario privilegiado del teatro musical español y que, en palabras de Daniel Bianco, su director, “ahora tiene la vocación irrenunciable de ser un teatro público, apoyado y protegido desde el Estado para que siga siendo accesible y asequible, abierto a todo aquel que quiera descubrir y disfrutar el patrimonio lírico español”. Estas son las razones, asegura el gestor, “por las que –como dicen nuestros estatutos– este es y seguirá siendo el teatro lírico nacional por excelencia”.

Por su parte, el director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Joan Francesc Marco, señaló durante la presentación que «debemos estar muy orgullosos de la significativa labor que, una temporada más, el Teatro de la Zarzuela está realizando para recuperar, proteger y difundir entre los ciudadanos la riqueza de nuestro patrimonio» y destacó que en la programación «la protección del patrimonio convive con el apoyo y la promoción de la nueva creación musical española, a través de estrenos a creadores y creadoras de nuestro país».

Bianco adelanta que la temporada recién presentada “abre la puerta a las emociones; promete un futuro en tiempos tan difíciles en los que parece que el conflicto puede al entendimiento”. Y argumenta siempre en positivo, al decir que “el teatro y la música alimentan el alma, ablandan los corazones e infunden fuerza al espíritu, por ello la cultura es un bien necesario que nos hace mejores personas”. Y como hombre de teatro que es, cree firmemente en que “la música y la escena son capaces de mejorar el mundo, y ese milagro surge cuando público y artistas respiran y vibran juntos”.

Así lo señala el director, quien reivindica una vez más y con toda convicción el Teatro de la Zarzuela: “es mucho más que un edificio o una institución, es una casa, un rito, una tradición, un lugar de encuentro, de placer, de diálogo, de creación, para oír, ver y pensar”. Y vuelve por enésima vez a agradecer al público que cada noche forma parte de la vida de este teatro, “que nos ha acompañado en cada función y sin el cual no existiríamos”.

 

La Temporada

Esta que se presenta es la séptima temporada desde que Daniel Bianco llegó al Teatro (aunque, como decíamos, también se podría presentar como la temporada 163 desde su fundación en 1856).

En el nuevo curso se presentarán 10 títulos de teatro musical con 4 estrenos absolutos, de los cuales 2 son recuperaciones del patrimonio lírico español: una en concierto y otra en escena. Y tres títulos líricos del gran repertorio de zarzuela.

El ciclo de Conciertos con llegará con 11 propuestas para todo tipo de público y el ciclo Notas del Ambigú con otros tantos recitales.

Además, el Teatro seguirá apostando por su proyecto educativo con un nuevo título del ya tradicional, exitoso y laureado Proyecto Zarza, con un espectáculo para los más pequeños y con las clases magistrales para jóvenes artistas.

Continuarán asimismo el ciclo ‘Domingos de Cámara. Mujeres con Ñ’ dedicado a las creadoras españolas, y el ciclo ‘A propósito de…’, a cargo del director musical e la casa, Guillermo García Calvo.

De igual manera, continúan las colaboraciones ya veteranas con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el ciclo de Lied, y con la Fundación Juan March en el ciclo de Teatro Musical de Cámara.

En cuanto a las entradas, Daniel Bianco pone de relieve el esfuerzo del INAEM por mantener los numerosos descuentos “que permiten que el Teatro de la Zarzuela siga siendo accesible y asequible para todo el mundo, cuidando especialmente a aquellos que puedan tener más dificultades para permitírselo”.

De este modo, tendrán un 50% de descuento los mayores de 65 años, familias numerosas o monoparentales, personas desempleadas, personas con discapacidad y menores de 30 años, todos ellos pueden encontrar entradas desde 2€ y medio hasta 25€. Además, los menores de 30 años pueden beneficiarse de las entradas de último minuto por solo 5€.

VUELVEN LOS ABONOS. Después de dos años interrumpidos a causa de la pandemia, en la Temporada 2022/2023 regresan los abonos al Teatro de la Zarzuela con todas las ventajas y los descuentos. Los espectadores que ya eran abonados mantendrán sus abonos, que podrán renovar del 26 de mayo al 7 de junio. La venta libre de abonos será del 13 al 26 de junio. Por otra parte, la venta libre de localidades para todos los espectáculos de la temporada comenzará el 1 de julio, excepto para las funciones del Ciclo de Lied que se podrán adquirir a partir del 13 de septiembre de 2022.

LÍRICA

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dicen bien claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Por ello, abrirá la temporada con un el estreno absoluto de una ópera española. Hablamos de ‘La Celestina’ de Felipe Pedrell, obra de madurez del compositor catalán que sonará por primera vez porque a pesar de que estaba previsto estrenarla en el Liceo en el año 1902, nunca vio la luz. Lo único que se oyó fueron un par de escenas que Pau Casal incluyó en un concierto en 1921 para homenajear al compositor. Se trata de una obra de gran importancia que influyó a compositores posteriores, en la que Pedrell plasma su idea de la ópera nacional. En ‘La Celestina’ queda patente el enorme respeto del compositor por la obra original de Rojas del siglo XV y se une a las recuperaciones que con esta temporada ya suman 16 títulos rescatados del olvido. Estará dirigida por Guillermo García Calvo y contará con las voces de Ketevan Kemoklidze, Miren Urbieta-Vega, Andeka Gorrotxategi, Juan Jesús Rodríguez, Simón Orfila, Sofía Esparza, Lucía Tavira, Gemma Coma-Alabert, Javier Castañeda, Mar Esteve e Isaac Galán. Serán 2 funciones en versión de concierto los días 9 y 11 de septiembre.

Después de 21 años sin representarse en el Teatro de la Zarzuela (desde 2001), vuelve uno de los títulos más queridos y celebrados por los amantes de la Zarzuela:
‘Pan y toros’. Estrenada en este mismo escenario el 22 de diciembre de 1864, es quizá de las más importantes aportaciones de Francisco Asenjo Barbieri al género y una de las obras cumbre de la zarzuela grande. La obra nos traslada al Madrid goyesco de finales del XVIII, entre conspiraciones y enfrentamientos de las dos Españas representadas en liberales y reformistas.

Con este monumento de nuestro patrimonio queremos celebrar con el público los 200 años del nacimiento del maestro Barbieri, a quien esta casa debe tanto por ser el principal impulsor de este teatro y del género. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela tendrá como director musical a Guillermo García Calvo y como director de escena a Juan Echanove, gran amante de la zarzuela que debuta como director en el género. Se han programado 14 funciones del 6 al 23 de octubre, y contará con la participación de Yolanda Auyanet, Raquel Lojendio, Carol García, Cristina Faus, Borja Quiza, César San Martín, Milagros Martín, Gerardo Bullón, María Rodríguez, Enrique Viana, Pedro Mari Sánchez, Carlos Daza, Pablo Gálvez, José Manuel Díaz, Pablo López, Lara Chaves, Sandro Cordero, Alberto Frías, César Sánchez y Julen Alba. La escenografía y el vestuario será de Ana Garay, la iluminación de Juan Gómez Cornejo y la escenografía de Manuela Barrero.

En noviembre está programado, al fin, el estreno absoluto de ‘Policías y ladrones’, una zarzuela de nueva composición, escrita por Tomás Marco y Álvaro del Amo, que no sólo se vio afectada por el confinamiento de 2020, sino también por las huelgas de 2018. En ambas circunstancias no fue posible estrenarla. Y si, como reza el dicho popular, a la tercera va la vencida, el público podrá disfrutar de cinco funciones de esta zarzuela que trata la actualidad de la corrupción política con un tono tragicómico y desde un sarcástico escepticismo. Serán 5 funciones del 18 al 27 de noviembre, con dirección musical de José Ramón Encinar, escénica de Carme Portaceli, escenografía de Montse Amenós, vestuario de Antonio Belart e iluminación de Pedro Yagüe. En los repartos participarán Manuel Lanza, Miguel Ángel Arias, Alba Chantar, César Arrieta y María Hinojosa.

Y vuelve al Teatro de la Zarzuela un título emblemático de la lírica española que se estrenó en este mismo teatro en 1895, y desde 1937 no se representa en este escenario. ‘La dolores’ de Tomás Bretón, de quien se cumplen los 100 años de su muerte. Otro monumento de nuestro patrimonio en esta temporada, cuya importancia reside no solo en el dramatismo de su argumento o en su genial partitura, que también, sino en que con esta obra Bretón consigue por fin componer una ópera puramente española, en la que nos muestra la constante lucha y supervivencia de una mujer de gran fortaleza en un entorno hostil y muy masculino que la rechaza por carecer de la honra que ellos mismos le arrebataron. El director musical de esta nueva producción del Teatro será Guillermo García Calvo, director musical de la casa, y la de escena Amelia Ochandiano. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario de Jesús Ruiz, la iluminación de Juan Gómez Cornejoy la coreografía de Miguel Ángel Berna. Los dos elencos contarán con Saioa Hernández, Carmen Solís, Jorge de León, Andeka Gorrotxategi, José Antonio López, Ángel Ódena, María Luisa Corbacho, Marina Pinchuk, Rubén Amoretti, Ihor Voievodin, Javier Tomé, Santiago Vidal, Gerardo Bullón y Juan Noval Moro.

Siguiendo con la política de recuperación del patrimonio lírico español, se recupera una obra del siglo XVIII firmada por uno de los compositores más importantes de su época, José de Nebra. ‘La violación de Lucrecia’ ‘Donde hay violencia no hay culpa’,  que fue estrenada en el ámbito privado del Duque de Medinaceli en 1744. Si bien en 2012 se estrenó en versión concierto, ahora tenemos la oportunidad de disfrutarla también en escena. El libreto se aleja de la rigidez de las zarzuelas mitológicas, y el valor de esta obra reside especialmente en su música que por su estilo avanzado para la época se acerca más al clasicismo. Un título este que nos habla de género y violencia con esta temática recogida de las fuentes de Tito Livio y que posteriormente popularizaría Shakespeare. Con un libreto que es una versión escrita por Rosa Montero de los hablados originales de Nicolás González Martínez, este estreno escénico en tiempos contemporáneos contará con la dirección musical de Alberto Miguélez Rouco que estará al frente del ensemble Los Elementos, dirección de escena de Rafael Villalobos, escenografía de Emanuele Sinisi e iluminación Felipe Ramos. El reparto lo compondrán María Hinojosa, Carol García, Marina Monzó, Anna Gomà y la actriz Emma Suárez. Serán 5 funciones entre el 25 de marzo y el 1 de abril.

En el mes de abril llegará otro momento importante que demuestra que la zarzuela sigue muy viva: La segunda nueva composición en esta temporada junto a ‘Policías y ladrones’. Su título: ‘Trato de favor’, y cuenta con música de Lucas Vidal, libreto de Boris Izaguirre, dirección  Musical Andres Salado y dirección de escena de Emilio Sagi. La escenografía está firmada por Daniel Bianco, el vestuario es de Jesús Ruiz y la coreografía de Nuria Castejón. Se trata de una zarzuela contemporánea, de mujeres, que por circunstancias de la historia se mira en el espejo de ‘La rosa del Azafrán’, y que cuenta con un reparto compuesto por Ainhoa Arteta, Nancy Fabiola Herrera, Enrique Ferrer, Amparo Navarro, Amelia Font, María José Suárez, Boris Izaguirre, Gurutze Beitia y Rafaela Chacón. Serán 10 funciones del 29 de abril al 21 de mayo.

Y llegaremos al mes de Junio con otro título imprescindible de nuestro repertorio. Tras el éxito en 2021 sobre este escenario y después de haber recalado en el Palacio de festivales de Santander, se cerrará la temporada lírica con la reposición de ‘Luisa Fernanda’ de Federico Moreno Torroba, una partitura muy querida por el público, repleta de las más célebres romanzas de nuestra zarzuela. El escenario revivirá el Madrid de mediados del siglo XIX (también aquella Extremadura que cierra la historia) para acoger las idas y venidas de una de las obras maestras indiscutibles de nuestra lírica, con libreto de una de las parejas más prolíficas, exitosas e ilustradas del género, como son Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. El Teatro de la Zarzuela y esta obra han estado estrechamente unidos desde 1934, dos años después de su estreno en el Teatro Calderón de Madrid. Dirigida musicalmente por Miguel Ángel Gómez-Martínez, otro de los muchos atractivos de este proyecto es la visión que de esta obra tan popular como amada regala el director de escena turinés Davide Livermore. La escenografía es de Giò Forma, el vestuario de Mariana Fracasso, la iluminación de Antonio Castro, los audiovisuales de Pedro Chamizo y la coreografía de Nuria Castejón. María José Montiel, Carmen Artaza, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro, Juan Jesús  Rodríguez, Rubén Amoretti, Sabina Puértolas, Rocío Ignacio, María José Suárez, Nuria García Arrés, Emilio Sánchez, Antonio Torres y Didier Otaola son los intérpretes que conforman un doble reparto de absolutas campanillas. Las 8 funciones programadas irán del 21 al 30 de junio.

Con la presentación de estos 7 títulos el teatro seguirá siendo un año más ejemplo único en la conservación, difusión y exhibición de nuestra lírica, tan fecunda como heterogénea.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus seis primeras temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal presenta 11 nuevas propuestas con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Esto convierte al Teatro en un espacio fundamental en nuestro teatro porque en él tiene cabida la pluralidad de la música española, sin prejuicios y con un espíritu abierto a todos los públicos. Abrirá el ciclo la cantaora jerezana Tomasa La Macanita una de las artistas de mayor renombre y reconocimiento en el mundo del flamenco, que debuta en el Teatro de la Zarzuela con un personal recuerdo a la obra del compositor Manuel Alejandro, autor de canciones que resuenan en la memoria de todos y que siempre supo expresar el sentir de los artistas para los que compuso sus canciones (10 de septiembre); tras el éxito obtenido en el ciclo Notas del Ambigú de la presente temporada, Enrique Viana, acompañado por el maestro Ramón Grau, retoma el espectáculo ‘Luisa Fernanda, ya tengo instagram’, esta vez en la sala principal y con muchas  actualizaciones, para que más personas puedan disfrutar de este artista único que encarnará a dos personajes que nos contarán y cantarán los secretos de la temporada del teatro con un gran sentido del humor. Las risas, el buen ambiente y la música están asegurados (11 y 17 de octubre); Niño de Elche, uno de los cantaores más revolucionarios y vanguardistas del flamenco actual, presenta su nuevo trabajo. El concierto estará formado por un elenco de artistas que interpretará un repertorio de cantes festivos flamencos (22 de noviembre); una de las voces más relevantes del pop español y latino Marta Sánchez, vuelve al Teatro de la Zarzuela con un espectáculo lleno de sentimiento donde repasa su trayectoria acompañada de un piano. Sorprenderá a su público con otras joyas y guiños a su carrera y a la música (24 de noviembre); ‘Homenje a Luis Mariano’ es un recital muy especial dedicado a la memoria de Luis Mariano, una de las voces más reconocidas en España y Francia entre los años 40 y 60 del pasado siglo. En este concierto podremos disfrutar de uno de nuestros artistas más internacionales, Ismael Jordi, acompañado al piano por el maestro Rubén Fernandez Aguirre, interpretando los grandes éxitos del tenor irunés, como ‘Violetas imperiales’, ‘C’est magnifique’, ‘Amapola’ o la romanza de la única zarzuela que el tenor cantó en el Teatro de la Zarzuela en 1958, ‘La canción del amor mío’, entre otros (26 de noviembre); el tradicional Concierto de Navidad, una cita que es ya un clásico de las temporadas del Teatro de la Zarzuela, una tradición para el público. Estará dirigido por el maestro Guillermo García Calvo, a quien acompañarán Carlos Álvarez y Rocío Ignacio, que nos ofrecerán un concierto de grandes romanzas del repertorio con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (30 de diciembre); ‘Así que pasen 30 años’: el tenor y actor Ángel Ruiz dará un concierto muy especial junto a una banda de clarinete, saxo, flauta, contrabajo y batería, dirigida desde el piano por César Belda. Una emotiva y divertida velada entre coplas, boleros, canción iberoamericana y teatro musical (31 de enero); dos voces emblemáticas de la lírica internacional regresan a la plazuela de Jovellanos:  Ainhoa Arteta y Ramon Vargas. Los aficionados volverán a disfrutar de la complicidad que estos dos grandes artistas y amigos irradian sobre las tablas, regalándoles romanzas y dúos de zarzuelas, preciosas joyas de nuestro patrimonio musical (6 de febrero); ‘Música sinfónica española. Concierto de jóvenes directores’. Tres jóvenes directores y grandes promesas de la dirección, Lara Diloy, Lorena Escolar y Rubén Sánchez-Vieco, se ponen al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid para interpretar obras de compositores como Arriaga, Rodrigo, Guridi, Turina o Falla (7 de marzo); ‘Una serenata española’: Un singular concierto del tenor Celso Albelo –después de su gran éxito en ‘Don Gil de Alcalá’– junto a la Orquesta de Pulso y Púa de la UCM dirigida por Enrique García Requena, con pasodobles, habaneras, rancheras, jotas, canciones mexicanas, y, por supuesto, romanzas de zarzuela (31 de marzo); y para cerrar el ciclo, Pasión Vega volverá al Teatro de la Zarzuela para presentar su nuevo disco. Una de las artistas más respetadas y una de las voces más bellas de este país que ha transitado los géneros con mayor capacidad para emocionar, como la copla o el tango (6 de mayo).

Desde su creación, hace ya seis temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’ y han dejado un gusto dulce y diferente a cualquier experiencia musical por la proximidad del artista con el público que crea una atmósfera emocionante y feliz. El Ambigú es sin duda el salón de música del Teatro de la Zarzuela. Esta séptima edición del ciclo, contará con varias conmemoraciones: el bicentenario del nacimiento de Joaquín Gaztambide se celebrará con el recital ‘Gaztambide, una vida para la zarzuela’ de la mano de Sofía Esparza y Rinaldo Zhok (14 de septiembre); se recordará también a una de las sopranos más importantes que ha dado este país, Victoria de los Ángeles, con Nuria Rial y Rubén Fernández Aguirre, en el centenario de su nacimiento (9 de mayo); con el Cuarteto Bretón, recordaremos la figura del maestro Tomás Bretón cuando se cumplen los 100 años de su muerte (23 de enero); y otro recuerdo, con Gerardo Bullón y Ramón Grau, esta vez a uno de los artistas más importantes de la historia de este país, Pablo Picasso, en los 50 años de su muerte, con un espectáculo escrito y dirigido por Enrique Viana bajo el título ‘Don Pablo, ¿con brocha?’ (27 y 28 de febrero); como cada año, un concierto festejará el Día Internacional de la Mujer, la maestra Cecilia Bercovich, acompañada de un conjunto de alumnas del conservatorio, nos traerá un especial concierto de violín, viola y viola d’amore con obras de compositoras y dos estrenos absolutos encargados para este concierto (8 de marzo). Otros conciertos de este ciclo nos darán una visión del arco histórico de la música española, que va desde la polifonía medieval por el conjunto vocal femenino Egeria (10 de abril), a la música renacentista de la mano del dúo de voz y vihuela Dolce Rima en torno a la figura de la humanista y maestra de reinas Beatriz Galindo “La Latina”, amiga de Isabel la Católica (3 de octubre); la Capilla Jerónimo de Carrión ofrecerá asimismo un exquisito programa de la música de templos y teatros del Siglo de Oro con recitados del actor Pepe Viyuela (10 de julio); además, Serena Sáenz y Rubén Fernández Aguirre dedicarán un recital a la Canción catalana de compositores como Granados, Mompou, Oltra o Guinovart (18 de octubre); con el concierto ‘El piano solo del maestro Alonso’, Laura Sierra y Manuel Tevar, Iberian & Klavier Piano Dúo,  nos mostrarán “a cuatro manos” su trabajo de recuperación de la obra pianística de Francisco Alonso en sus años de juventud (14 de noviembre); también contaremos con la segunda edición del Premio de Composición, cuyas obras ganadoras serán estrenadas por el Trío Arbós. Es importante destacar en este punto al compositor José María Sánchez-Verdú por su implicación en el fomento de la nueva creación que lleva a cabo el Teatro de la Zarzuela en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (12 de junio).

El CICLO DOMINGOS DE CÁMARA: MUJERES CON Ñ. Cuarta edición del ciclo de música española de cámara que por tercer año consecutivo estará dedicado íntegramente al papel de la mujer en la música en su faceta como compositora. Con este ciclo el Teatro quiere continuar con la difusión de estas obras, muchas inéditas, y descubrir al público la excelente calidad de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron o tienen el debido reconocimiento por sus creaciones. De esta manera, se pondrá en valor a algunas de nuestras compositoras del siglo XX y XXI como Maria Teresa Prieto, Claudia Montero, Diana Perez Custodio, Marisa Manchado, Zulema de la Cruz, Iluminada Perez Frutos, Carme Fernández Vidal, Raquel García Tomás, Laura Vega, Helena Cánovas, Amanda Garrido, Consuelo Díez, Julia María Dopico Vale, María de Alvear, Ana Vázquez Silva, Beatriz Aramendi o Teresa Catalán, entre otras. Y el compromiso del Teatro de la Zarzuela es también con el futuro de las autoras, con el fomento de las nuevas creaciones, y por ello cada concierto contará con un estreno absoluto de jóvenes compositoras, alumnas del real Conservatorio de Música Superior de Madrid; en esta ocasión las autoras serán: Amanda Garrido, Nuria Sánchez, Adela Rodriguez Yus, Laura de las Heras y Beatriz López Nogales. Las cinco citas son las siguientes: BOOST,  grupo de percusión (13 de noviembre), Isabel Dobarro y Miguel Borrego, dúo de violín y piano (12 de febrero), Cuarteto Manuel de Falla, clarinetes (23 de abril) y el Cuarteto Bretón (21 de mayo).

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará su XXIX edición con 8 recitales: El bajo René Pape (28 de noviembre), el barítono Christian Gerhaher (19 de diciembre), el barítono Konstantin Krimmel (30 de enero), la soprano Christiane Karg (7 de febrero), la mezzosoprano Marianne Crebassa (27 de marzo), el barítono Andrè Schuen (3 de abril), el barítono Manuel Walser (8 de mayo) y el tenor Ian Bostridge (5 de junio).

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

Uno de los pilares fundamentales del proyecto artístico del teatro es el público joven, que no solo debe ser tratado como el público del futuro sino como también como ese público del presente que ya es.

Por ello, el Teatro de la Zarzuela les abre las puertas para que conozcan su patrimonio musical a través de espectáculos de calidad especialmente creados para ellos.

Es precisamente por esta atención especial que merecen los jóvenes, la razón por la que el Teatro les dedica gran parte de su programación, el 22% de la misma. Los frutos de este trabajo son ya una realidad y se puede apreciar en la juventud que cada vez con más frecuencia y en mayor cantidad se mezcla con otras generaciones en el patio de butacas; porque que se ha “enamorado” de la zarzuela –como en su mayoría reconocen– gracias a estas propuestas, especialmente el Proyecto Zarza, emocionándose con un género que también les pertenece.

A día de hoy, más de 48.000  jóvenes han llenado este patio de butacas en las ediciones del proyecto Zarza. Las colaboraciones con centros educativos aumenta cada año, y ya son casi 70.000 los usuarios que han visto a día de hoy las 6 producciones disponibles en nuestro canal de Youtube.

En la nueva Temporada se ofrecerá un total de 30 funciones entre los espectáculos que conforman el proyecto didáctico.

El PROYECTO ZARZA, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone la garantía de éxito rotundo cada temporada. A lo largo de estos años, desde su primera edición, el laureado Proyecto ha crecido tanto como la aclamación y el reconocimiento de las producciones que en él se han presentado.

Hasta la fecha, se han montado adaptaciones de obras emblemáticas del género chico, un espectáculo nuevo con músicas de varios compositores y una revista.

Este año el Teatro apuesta una vez más por otra creación nueva de la mano de Lola Blasco, autora del texto, y el director de escena José Luis Arellano, esta vez en torno a la figura y a la herencia del maestro Alonso, con dirección musical de Lucía Marín.

“Todos aquellos que conozcan la obra de Alonso sabrán lo mucho que los jóvenes van a apreciar las joyas musicales que el maestro nos legó y que podrán disfrutar en este espectáculo”, afirma Daniel Bianco.

La nueva producción llevará el nombre del dúo de ‘¡24 horas mintiendo!’ ‘Yo te querré’, y además de los ya mencionados, participan en el montaje Pablo Menor Palomo como autor de la escenografía, Ikerne Giménez que firma el vestuario y Nuria Castejón, responsable de la coreografía. El reparto, como de costumbre, estará integrado por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones (que está en curso) y acompañado por un conjunto musical de cámara. Las 14 funciones se ofrecerán del 24 de febrero al 4 de marzo de 2023.

Y los proyectos didácticos destacan un año más porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por sexto año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’ y las del éxito arrollador de ‘La increíble historia de Juan Latino’, volverá al Ambigú el teatro de títeres con música en directo. La propuesta será en esta ocasión la reposición (ya que se estrena estos próximos días en la presente temporada) de la obra ‘El cielo de Sefarad’, coproducida por el Teatro de la Zarzuela y la Compañía Claroscvro. Serán otras 10 funciones entre el 4 y el 9 de noviembre de 2022. Se trata de un relato repleto de música y poesía; una historia también llena de humor, de amor, magia y valentía, que descubrirá a los más pequeños que nuestras raíces van más allá de lo que a primera vista alcanzan a ver nuestros ojos.

Si bien aún no se ha podido ver porque, como decimos, se estrena precisamente mañana miércoles, el interés de los centros escolares y del público ha sido tan alto que el Teatro ha decidido volverlo a programar.

Un año más, también enmarcado en los proyectos didácticos y pensando en la formación de los que están llamados a ser los artistas del presente y del futuro, contaremos con las Clases Magistrales, en este caso a cargo de Lluís Pasqual, en las que los jóvenes artistas podrán perfeccionar sus cualidades interpretativas y aprender de la experiencia y conocimientos que este grandísimo hombre de teatro ha adquirido a lo largo de su extensa y variada trayectoria. Del 10 al 15 de octubre.

Hasta aquí la parte visible del proyecto didáctico del Teatro de la Zarzuela. Aunque el alcance de este es mucho mayor. El Teatro está presente en centros e instituciones educativas a las que se ofrecen visitas virtuales y charlas gratuitas para conocer mejor la zarzuela y su teatro. Esta temporada se han realizado 80 de estas sesiones que han disfrutado más de 2.000 escolares de España, Andorra, Canadá, Estados Unidos o Suiza. 43 Entrevistas entre bambalinas a nuestros artistas con más de 100 mil visualizaciones. 21 episodios de ‘Viaje por la zarzuela’, disponibles en el canal de Youtube del Teatro, que han visto más de 65 mil personas. Se abren los ensayos a alumnos de estudios relacionados con las artes escénicas, la música y el canto. Se acogen estudiantes de prácticas en diversos departamentos del teatro donde aprenden y viven el día a día de un teatro lírico. Porque, como dice Bianco, “la continuidad del teatro y de la zarzuela también es importante la formación de quienes algún día tomarán el testigo”.

DANZA

Por una parte, el Ballet Nacional de España, dirigido por Rubén Olmo, ofrecerá del 9 al 22 de diciembre 10 funciones de ‘El loco’, un ballet inspirado en la peripecia artística y existencial del bailaor Félix Fernández “El Loco”, con coreografía de Javier Latorre y Manuel Coves al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, junto a los músicos flamencos del Ballet Nacional.

Por otra parte, la Compañía Nacional de Danza dirigida por Joaquín de Luz ofrecerá 11 funciones de dos programas diferenciados entre el 12 y el 23 de julio de 2023. Con coreografías de Jerome Robbins, Peter Martins, Joaquín de Luz o George Balanchine y músicas de Leonard Bernstein, Samuel Barber, Piotr Ilich Chaikovski, Frank Sinatra o Philipp Glass.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que prevalece cada año renovado de energía e intenciones es el dedicado al Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Sobre esta valiosa alianza, Daniel Bianco muestra un año más su agradecimiento “por la posibilidad de trabajar conjuntamente con la Fundación Juan March y Miguel Ángel Marín, su director del departamento de música, en la coproducción de una ópera de cámara que demuestra que la suma de esfuerzos nos permite llegar más lejos”. Del 25 de septiembre al 3 de octubre se presentarán las siete funciones (cuatro abiertas y 3 escolares) de ‘El caballero avaro’ de Serguéi Rajmáninov, una ópera de cámara moralizante que narra la historia de un padre rico y tacaño y un hijo despilfarrador y codicioso, cuya relación acaba destruida por la avaricia de ambos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Borja Mariño, que también interpretará la música al piano. La dirección de escena es de Alfonso Romero, la escenografía de Carmen Castañón, el vestuario de Gabriela Salaverri, la iluminación de Félix Garma, la videoescena de Philipp Contag-Lada y el reparto lo componen Ihor Voievodin, Isaac Galán, Gerardo López y Luis López Navarro. Como es habitual, las representaciones serán en la Fundación Juan March.

A propósito de…

Tras la gran acogida del ciclo ‘A propósito de…’, el Teatro de la Zarzuela volverá a contar con los conciertos del maestro Guillermo Garcia Calvo, un gran concertista de piano y director musical del coliseo, en los que este explica al piano el mapa musical internacional, y de qué manera los compositores de las obras que el maestro dirige en la temporada están situados y relacionados dentro de ese mapa sonoro internacional.

Los conciertos de esta temporada son: ‘A propósito de Pedrell’ con obras de Enrique Granados, Alexander Cherepnín y Bela Bartok (11 de septiembre).

‘A propósito de Barbieri’ con obras de Martín Sánchez Allú, Santiago Masarnau, Pedro Albéniz, Franz Schubert y Teobaldo Power (9 de octubre).

‘A propósito de Bretón’ con obras de Johannes Brahms, Gabriel Fauré, Claude Debussy, Alban Berg e Isaac Albéniz (5 de febrero).

Conferencias

Vuelve también el ya veterano ciclo de conferencias en colaboración con la Asociación Amigos de la Ópera de Madrid. Así, el Teatro contará con la presencia de cuatro musicólogas: Elena Torres, Nieves Pascual, Ana Vega Toscano y Celsa Alonso, y tres musicólogos: Emilio Casares, Ramón Sobrino y German Gan Quesada. Todos ellos ayudarán a desentrañar los secretos de las obras y descubrir las claves fundamentales de cada una de ellas. Hasta el día de hoy más de 21.000 espectadores han seguido nuestras conferencias por YouTube.

Don Gil de Alcalá
Don Gil de Alcalá triunfa en el Teatro de la Zarzuela
Manuel Penella compone Don Gil de Alcalá en 1932. Escribió la música y el libreto, inspirado por las novelas de enredo de Valle-Inclán y Jacinto Benavente. Pero su mayor estímulo lo encontró en la pieza teatral “El sí de las niñas”, de Leandro Fernández de Moratín.

Hasta ese momento el panorama musical español se caracterizaba por la variedad de tipologías musicales: sainetes, zarzuelas o revistas, entre otros. Pero a partir de 1910 se inicia un cierto declive del género chico y empiezan a triunfar zarzuelas en dos actos, al estilo de la opereta vienesa, y con una estructura más importante, similar a la ópera cómica.

El resultado es una ópera en tres actos, cuya escena situó Penella en el México del siglo XVIII, cuando aún pertenecía a la Nueva España. El autor conocía bien los países sudamericanos, y quiso con esta obra rendir un sentido homenaje a los lugares que había recorrido, gracias a su espíritu aventurero.

En la obra subyace una crítica a los matrimonios acordados que se realizaban en la época y, a través de un divertido enredo, plantea la celebración de un matrimonio desigual, entre una dama y un rufián de la corte, que no era bien visto por las clases altas a la que pertenecía la joven. Todo con un desarrollo argumental muy próximo a la ópera buffa, realizado con gran ingenio y con una escritura musical bien delineada y refinada.

En este regreso de Son Gil de Alcalá al Teatro de la Zarzuela, la dirección de orquesta corrió a cargo de la Asistente de dirección Lara Diloy, por indisposición del titular Lucas Macías.
La joven Lara Diloy es una de las pocas directoras de orquesta españolas del circuito actual y posee un amplio conocimiento del repertorio sinfónico y operístico, como quedó bien demostrado en esta representación. Siempre pendiente de los cantantes, supo imprimir a la orquesta el brío y la chispa que caracteriza esta obra. Se pudieron apreciar los delicados matices en la orquestación de una partitura de inspiración clásica, como lo es esta. Diloy demostró al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, esa seguridad que solo es fruto del trabajo y el talento. Habrá que seguirla de cerca.

La escenografía proviene del Teatro Campoamor de Oviedo, donde se representó en 2017. Se trata de una única estancia a la que se van sumando elementos que crean los distintos ambientes, siempre coloniales y siempre elegantes, como es habitual en sus directores, Emilio Sagi y Daniel Bianco, y que son ya marca de la casa, como las lámparas o la perfecta disposición sobre el escenario de todos los participantes. Exquisito también el vestuario de la recordada Pepa Ojanguren. Todo realzado por la impecable y romántica iluminación de Eduardo Bravo.

El cuadro de cantantes está formado por dos repartos de gran calidad. En este primero el tenor canario Celso Albelo se encarga de dar vida al protagonista, Don Gil de Alcalá. Lo hace con la musicalidad de su hermosa línea de canto, imprimiendo al personaje una modesta comicidad, Albelo es capaz de mucho más en la faceta interpretativa. Donde no ahorró esfuerzos fu en la parte vocal. Ese timbre que acaricia y la riqueza de matices vocales.

A su lado, como Niña Estrella, la soprano Sabina Puértolas, que representa a una chispeante, a la par que inocente, prometida de Don Diego, aunque enamorada de Don Gil. Bien en la habanera a dúo con Maya, pero le faltó expresividad en otros momentos importantes de su actuación.

Carol García dio vida a Maya, la criada de Niña Estrella, que compuso un personaje divertido y desenfadado. Destacó brillantemente en su habanera a dúo con Sabina Puértolas y fue la pareja ideal, en lo vocal y en lo interpretativo, del Chamaco de Carlos Cosías, que redondeó una magnífica actuación, llena de gracias y viveza.

El Don Diego del barítono Manuel Esteve estuvo muy bien definido, tanto en su línea de canto, como en el carácter del personaje, arrogante y formal.

El sargento Carrasquilla ha sido interpretado por Simón Orfila. Fue el personaje más simpático del reparto y el más celebrado por el público en sus agudas intervenciones de pícaro sevillano.

Como Madre Abadesa, María José Suárez, una habitual en este escenario que siempre aporta valor.
A buen nivel estuvieron el resto de comprimarios, con Miguel Sola a la cabeza, como gobernador; Pablo López, como virrey de Nueva España; David Sánchez, en el rol de Padre Magistral; Ricardo Muñiz, como maestro de ceremonias; y los miembros del cono, Paula Alonso y Rosa María Gutiérrez, como Lucía y Rosita, respectivamente.

Un Don Gil de Alcalá, que ha vuelto al Teatro de la Zarzuela 23 años después y que siempre está de moda. Con esa picaresca española de otras épocas. O no…

Andrè Schuen

Andrè Schuen, uno de los liederistas más celebrados del panorama actual, interpretará el programa Lieder der Nacht und des Abschieds (Canciones de Noche y Despedida) en el Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, junto al pianista Daniel Heide. El recital tendrá lugar el martes 17 de mayo a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Tras su exitoso paso por el Teatro Real encarnando al Conde de Almaviva en Las Bodas de Fígaro, el barítono tirolés cambiará hacia un registro más nostálgico, salpicado de sueños, despedidas y noche. Schuen abordará un programa temático centroeuropeo compuesto por obras de Franz Schubert, con algunos de sus lieder más famosos, Gustav Mahler, uno de los máximos exponentes del posromanticismo, y el oscarizado compositor -y no tan programado- Erich Wolfgang Korngold.

Andrè Schuen vuelve a Madrid tras haber sido aplaudido en sus últimas actuaciones en la capital, con Die schöne Müllerin de Schubert. Desde que dejara la Universidad del Mozarteum de Salzburgo, donde se formó con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair, su presencia en Centroeuropa ha sido continua. Como liederista, ha ofrecido recitales con pianistas de la talla de Gerold Huber, en salas como el Wigmore Hall de Londres o el Konzerthaus de Viena, entre otras.

Viaje hacia la oscuridad y los sueños

En la primera parte del recital, el público viajará a través de la naturaleza lírica de la música de Schubert, partiendo de un enérgico Über Wildemann, D 884, un lied que describe una travesía a golpe de corchea. El viaje continúa con Der liebliche Stern, D 861, que nos lleva a tonalidades más alegres, para después tomar recorridos más sombríos, con obras como Der Jüngling und der Tod, D 545, que describe cómo un joven acepta la llegada de la muerte. Schuen cerrará las composiciones del músico vienés de este bloque con Erlkönig, D 328, un lied rápido y angustioso que requiere de una maestría vocal perfecta y adaptada a la dificultad del acompañamiento.

Tras Schubert, el cantante interpretará Kindertotenlieder, de Mahler y con letra del poeta Friedrich Rückert, quien escribió estas piezas atravesado por el dolor tras la pérdida de dos de sus hijos. La tristeza y el consuelo son las principales temáticas que atraviesan este ciclo de cinco canciones que debe ser interpretado y escuchado como una única estructura global.

En la segunda parte, Andrè Schuen se adentrará en el universo de Korngold, declarado un genio por el propio Mahler y cuyo repertorio en este programa recrea una atmósfera intimista de melodías sencillas. La voz de Schuen nos desvelará las aventuras de un viajero nocturno (Nachtwanderer, op. 9), el misterio de la luna (Mond, so gehst du wieder auf, op. 14) o el amor (Was du mir bist, op. 22).

El recital se cerrará con un retorno a Schubert, con piezas como Nacht und Träume, D 827, que llevará al público a lo más profundo de los sueños.

ÚLTIMAS ENTRADAS 

Las últimas entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, están disponibles en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

Fotografía: Guido_Werner

Don Gil de Alcalá

El director de escena Emilio Sagi vive uno de los momentos más dulces de su carrera. Recién celebrados sus 40 años sobre los escenarios, acaba de recibir la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y su extraordinaria trayectoria ha sido reconocida con el Premio Ópera XXI. Y es que el Teatro de Sagi, inconfundible, es pura magia. Inteligente y siempre luminoso. Elegante. Sublime. Ahora, su ciencia teatral recala por enésima vez en el Teatro de la Zarzuela donde del 5 al 22 de mayo se rendirá homenaje al maestro Manuel Penella con 14 funciones de su ópera cómica ‘Don Gil de Alcalá’ en una versión escénica elegante y enormemente divertida del director asturiano, que servirá para conmemorar los 90 años de la obra.

Desde el foso, el maestro Lucas Macías –debutante de lujo en el teatro de la plazuela de Jovellanos– conducirá con su intenso sello poético a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, titular del Teatro, que pese a que ya está liberada de las restricciones que durante meses la han mermado a causa de la pandemia, en esta ocasión se presenta como una orquesta de cuerda y arpa, como exige la partitura original de Penella.

El ‘Don Gil de Alcalá’ que el público podrá disfrutar estos días, es la hermosa producción del Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo y el Teatro de la Zarzuela que Sagi estrenó en 2017 en el Teatro Campoamor. La de Penella es una obra muy cercana a la luminosidad y la viveza de la ópera italiana, pero con un tratamiento hispano. De ella el director de escena resalta sobre todas las cosas su “extrema belleza”, la ternura y las altas dosis de nostalgia. En esta ocasión, cuenta con los espléndidos trabajos de algunos de sus colaboradores más cercanos como Daniel Bianco en la escenografía, la tan recordada figurinista Pepa Ojanguren en el vestuario, Eduardo Bravo en la iluminación y Nuria Castejón en la coreografía.

Y como también es habitual en el Teatro, serán dos espléndidos y equilibrados repartos los que junto al Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, dirigido por el maestro Antonio Fauró, desplieguen sobre las tablas esta trama en la que, en palabras de Emilio Sagi, se mezcla una historia de amor romántico, “cursilona y casi de telenovela”, con el “divertidísimo embrollo humorístico en que acaba convirtiéndose al estilo de las óperas bufas de Rossini”.

El argumento se libera de ataduras históricas para narrar de forma clara las simpáticas aventuras, en tierras de Nueva España, de Don Gil, un capitán español, y Niña Estrella, una huérfana mestiza.

El papel principal, el de Don Gil de Alcalá, lo interpretan los tenores Celso Albelo –que varios lustros después regresa felizmente a una producción del Teatro de la Zarzuela–  y José Luis Sola; su enamorada, Niña Estrella, estará encarnada por las sopranos Sabina Puértolas e Irene Palazón. Y son números los papeles que destacan por su comicidad, como los del sargento Carrasquilla, a quien dará vida el bajo Simón Orfila; el sirviente indio Chamaco, cuyo rol será asumido por los tenores Carlos Cosías y Facundo Muñoz; la sirvienta india Maya, que interpretarán las mezzosopranos Carol García y Lidia Vinyes-Curtis; el papel del Gobernador del Estado de Veracruz, cuya peculiar personalidad será desentrañada por el bajo-barítono Miguel Sola; o el del Virrey de Nueva España del barítono Pablo López. Los también barítonos Manel Esteve y Eleomar Cuello se pondrán en la piel de quien es el tercer vértice del triángulo amoroso: el aristócrata español Don Diego.

También tienen importante presencia y voz en el relato la mezzosoprano María José Suárez como madre abadesa, el barítono David Sánchez como padre magistral o el tenor Ricardo Muñiz como maestro de ceremonias, acompañados todos ellos por 8 figurantes-bailarines.

Luis Sagi-Vela y “el dorado”

Emilio Sagi reconoce que siempre había querido hacer el “Don Gil”, y “no solo porque es una obra maravillosa, con una música inspiradísima y una historia fresca y muy divertida –como si fuera un pequeño Mozart–“; le apetecía también meterse en ese fantástico mundo porque pocos años después de su estreno en Barcelona llegó a Buenos Aires y a México con su tío, Luis Sagi-Vela (quien la hizo y la grabó muchas veces), en el reparto. Aquellas funciones contribuyeron al éxito decisivo de la obra.

Y en esta producción que ahora se presenta, todo sucede, cómo no, con “el dorado” mexicano omnipresente. Casi toda la escenografía es del color del oro y los personajes van con las botas manchadas de barro, pero muy bien vestidos, aderezados con bordados y adornos dorados.

Una obra distinta

‘Don Gil de Alcalá’ es una obra “distinta” de Manuel Penella. Ciertamente hermosa, como el resto de su producción, y en la que el compositor valenciano apuesta una vez más por la lírica española, aunque esta vez desde una perspectiva más acorde con las tendencias europeas. Con este trabajo, Penella no solamente reconoce y homenajea la larga tradición lírica que él y otros creadores habían heredado y llevado al mundo americano, sino que también vuelve a demostrar que sabe crear una obra clásica que resistiría el paso del tiempo, incluso en un país donde nunca acabó de convencer la fórmula de la ópera en lengua española. Cuando Penella quiso acometer valientemente un homenaje a América con una obra tan inusual como clásica, tan preciosista como moderna, escribió ‘Don Gil de Alcalá’, que estrenó en el Teatro Novedades de Barcelona, y dos años después en el de La Zarzuela.

Una vez más volvió a salir con su compañía para representarla por el Nuevo Mundo, en la que sería su última gran empresa, aunque antes llegaría a los  escenarios de varios países y la llevaría pronto al cine en una producción mexicana: ‘El capitán aventurero’. Como buena parte de los proyectos que emprendió a lo largo de su vida, sus obras líricas son irrepetibles.

En muy diversas ocasiones ‘Don Gil de Alcalá’ ha vuelto a verse en el Teatro de la Zarzuela. Y ahora regresa, ya en pleno siglo XXI, como la gran creación del teatro musical que es.

KATHARINA KONRADI MALCOM MARTINEAU

Sexto recital de esta temporada del Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM) y otro debut. En esta ocasión se trata de la soprano Katharina Konradi, nacida en Kirguistán, un hermoso país de Asia Central, perteneciente a la Unión Soviética hasta su desintegración en 1991.

Formada en Alemania, Katharina Konradi dio este lunes un recital, pero no solo de canciones, también de cómo deben interpretarse esas canciones. Con una facilidad idiomática extraordinaria, fue pasando de Fauré a Schumann y de Debussy a Ginastera y Montsalvatge con una precisión estilística que en pocas ocasiones se observa.

Todo empezó con cinco canciones de Fauré, con textos de Victor Hugo, Paul Verlaine y Armand Silvestre. Y fue desde el inicio que Konradi presentó sus credenciales y su capacidad de describir el atractivo encanto de Le papillon et la fleur o Notre amour. Después llegaron los Liederkreis, Opus 39 de Schumann, con textos de Joseph von Eichendorff. Aquí ambos intérpretes mostraron una sensibilidad especial. La obra de Schumann encaja a la perfección con las características de Konradi, voz llena de frescura y una línea de canto delicada y cristalina.

La segunda parte la inició con una de las obras más intimistas de Dbussy, Ariettes oublièes, compuesta de una serie de seis canciones donde la capacidad de matización, tanto de Konradi como de Martineau, quedó claramente demostrada.

Dejó para el final Ginastera y Montsalvatge. Otro cambio idiomático sorprendente, su fraseo y dicción en español era mejor que el de algún cantante nacional, al igual que su expresividad en el canto. La elasticidad de su voz y, de nuevo, su capacidad estilística, dibujaron a la perfección el carácter de estos dos compositores. De Ginastera interpretó Cinco canciones populares argentinas, llenas de color, ternura y elocuencia. De Montsalvatge eligió tres de sus Cinco canciones negras, Punto de habanera, Canto negro y Canción de cuna para dormir a un negrito.

Sabemos de la maestría sobre el teclado de Malcolm Martineau. De su capacidad de generar atmósferas y colores que describen a la perfección al compositor y su obra. En esta ocasión tuvo algunos momentos de verdadero virtuosismo. La conexión Konradi – Martineau ha sido de los más fructífera. Parecía que llevaran interpretando juntos toda una vida. Ella estaba segura y él feliz, ¿qué podía salir mal?

Sin duda una demostración de capacidades y fuerzas que nos dejó a todos con ganas de más. Esperamos contar con su participación en sucesivos ciclos. Ofreció dos propinas, Fischerweise, de Schubert y Nana, de Manuel de Falla. Últimamente se escuchan muchas nanas en este Ciclo de Lied. Parece que además de cantar, estos jóvenes intérpretes también son muy fértiles. Enhorabuena a todos.

Fotografía © Rafa Martín

Premio Composición

El I Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid ya tiene las cuatro obras ganadoras que, como ya se anunciaba en las bases, integrarán el programa del concierto que bajo el título ‘Música española contemporánea’ ofrecerá el martes 28 de junio el Ensemble Opus 22 dentro del ciclo Notas del Ambigú.

El jurado designado por ambas instituciones, que destaca el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, ha acordado por unanimidad premiar las obras “La eternidad de un instante” de Adela Rodríguez Yus, “La tumba de las luciérnagas y aneurisma digital” de Pablo González González, “Tras un abismo de cristal” de Víctor Pantoja Figueroa y “Lágrimas de Luz” de Nuria María Sánchez Sánchez.

Dicho jurado estaba integrado por Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, Miguel Galdón Pérez, director adjunto del Teatro de la Zarzuela, Enrique Rueda Frías, catedrático de Composición del RCSMM y Bruno Dozza, profesor de Composición del RCSMM.

Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, ha sido esencial para el buen desarrollo del certamen. 

Al premio optaban alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2021/2022 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Katharina_Konradi

El lunes, 4 de abril a las 20:00 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta, en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, a la soprano Katharina Konradi, una de las voces con mayor proyección en el panorama internacional en el que será su debut dentro del XXVIII Ciclo de Lied. Malcolm Martineau, uno de los pianistas más reputados del circuito, acompañará a la soprano en un viaje iniciático desde las raíces del género —Schumann con uno de sus ciclos más representativos, los Liederkreis, op. 39— hasta los espacios sonoros más cercanos a lo popular que tanto conectan con la emoción, como son los sones de Ginastera y Montsalvatge. Entre medias habrá lugar para dejarse seducir por el refinamiento sonoro de Debussy o el neoclasicismo lúcido de Fauré.

El exigente programa que proponen Konradi y Martineau explora, desde la belleza de las obras seleccionadas, la difusa frontera del género con otros espacios musicales más inmediatos. Las Cinco canciones populares argentinas de Ginastera o las Cinco canciones negras de Montsalvatge sirven de ejemplo sobre cómo la modernidad y la tradición se dan la mano en esa búsqueda de las esencias del ser humano que es el lied. Las magnéticas Ariettes oubliées de Debussy o el refinamiento de las piezas seleccionadas de Fauré completarán el recorrido.

Las últimas entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, están disponibles en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

UNA DE LAS VOCES DEL FUTURO

Elogiada por la crítica, Katharina Konradi hace su debut en el Ciclo Lied con este programa poco convencional.  Nacida en Biskek (Kirguistán, Asia), es la primera soprano de este país con una carrera internacional como cantante de lied, conciertos y ópera. Actuó durante tres años en la Ópera Estatal de Hesse en la ciudad de Wiesbaden. En 2018, hizo su presentación como Ännchen en Der Freischütz, de Carl Maria von Weber, en la Ópera Estatal de Hamburgo.
A partir de entonces, ha cantado los principales papeles de soprano en los mejores teatros del mundo, como Zdenka en Arabella, de Richard Strauss, en la Semperoper en Dresde; la Pastora en Tannhäuser, de Richard Wagner, en el Festival de Bayreuth; Sophie en Der Rosenkavalier, de Richard Strauss, dirigida por Vladimir Jurowski; o Sophie en Werther, de Jules Massenet, y Susanna en Le nozze di Figaro, de Wolfgang Amadeus Mozart en la Ópera Estatal de Baviera.

Su voz posee la mezcla justa entre pericia técnica e inteligencia musical, aprovechando la brillantez de su registro agudo y la homogeneidad de color de su canto para sacar la máxima emoción al repertorio que aborda, como demostró en su última presencia en Madrid hace unos meses en el Ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), con una fantástica acogida. Además, interpretará en el recital una obra nunca antes escuchada en el Ciclo, la hermosa Chanson d’amour, op. 27, nº 1 de Fauré.

LA ELEGANCIA HECHA SONIDO

Pocas presentaciones necesita uno de los mitos del piano acompañante. Malcolm Martineau pertenece a esa generación privilegiada de intérpretes que han sabido trasladar a su depurada técnica la sensibilidad y la elegancia en el fraseo que lo identifican y hacen reconocible para muchos melómanos. El pianista escocés lleva toda la vida situado en la élite musical, siendo requerido para acompañar a las voces más destacadas de varias generaciones, como Janet Baker, Florian Boesch, Barbara Bonney, Thomas Hampson, Elīna Garanča,  Simon Keenlyside, Angela Gheorghiu, Thomas Quasthoff, Anne Sofie von Otter, Christoph Prégardien, Felicity Lott, Bryn Terfel, Magdalena Kožená, Christopher Maltman o Sonya Yoncheva, entre muchos otros.

Ha participado en recitales en las principales salas de concierto, como la Berlin State Opera, Carnegie Hall, Concertgebouw, Gran Teatro del Liceu, Mariinsky Theatre, Metropolitan Opera, Royal Opera House, La Scala, Sydney Opera House, Teatro Real o Musikverein; y a festivales como Aix-en-Provence, Baden Baden o Tanglewood. Multipremiado en su larga y prolífica carrera discográfica (más de cien grabaciones), compatibiliza sus giras con su labor como docente en la Royal Academy of Music

Martineau ha participado en noches memorables dentro del Ciclo Lied del Teatro de la Zarzuela, acompañando a Dorothea Röschmann o Florian Boesch recientemente. En esta su vigésima aparición, de la mano de Katharina Konradi, pianista y cantante volverán a lucir esa asombrosa «capacidad de conmovernos, pero también de hacernos reflexionar sobre la importancia de la música y del arte en tiempos como los que estamos viviendo», tal y como comenta Isabel Díaz Adánez en sus notas al programa. Toda una reivindicación musical.

Fotografía (c) Simon Pauly

Guillermo García Calvo

El Teatro de la Zarzuela cierra el ciclo ‘A propósito de…’ con un homenaje de Guillermo García Calvo a algunos de los pianistas virtuosos que “convivieron” con Isaac Albéniz.

Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, cerrará este próximo domingo 3 de abril (12h00) en el ambigú del coliseo, el ciclo ‘A propósito de…’ con el que el director de orquesta y pianista ha tendido puentes entre algunos de nuestros autores más importantes y las corrientes nacionales e internacionales de cada periodo. En esta ocasión, el concierto estará dedicado a varios de los más destacados virtuosos del piano que fueron coetáneos de Isaac Albéniz, coincidiendo con el estreno en estos días de la opereta ‘The Magic Opal’ dirigida por el propio maestro.

En esta tercera cita del ciclo, titulada ‘Virtuosos y poetas del piano romántico’, el maestro ligará el singular mundo creativo e interpretativo de Albéniz con el de algunos de los más brillantes pianistas de su época como Enrique Granados, Ferenc Liszt y Frederic Mompou.

El objeto del ciclo es introducir de palabra y exponer al piano las relaciones entre los títulos de la temporada en los que García Calvo está a cargo de la dirección musical –‘Circe’, ‘Entre Sevilla y Triana’ y ‘The Magic Opal’–, los compositores de las mismas –Ruperto Chapí, Pablo Sorozábal e Isaac Abéniz–, sus obras y las de sus coetáneos.

Nueve suertes de mujer

En ‘Nueve suertes de mujer’ se reúnen todo tipo de emociones, como en un festín. La voz siempre cálida y conmovedora de la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera, el geométrico y prodigioso fraseo del piano de Rosa Torres-Pardo y la palabra llameante de belleza y sentido de la actriz Silvia Abascal, emprenden en este concierto un viaje interior que indaga en las luces y las sombras de esas mujeres que sufren, aman, ríen y lloran en la zarzuela.

Una travesía en la que los textos de Juan Marchán van hilando la música hasta llegar al alma desprevenida de los espectadores. Porque nadie podrá dejar de sentirse aludido. Será el martes 5 de abril (20h00) dentro del ciclo de Conciertos del Teatro de la Zarzuela.

En el concierto-recital sonarán obras de algunos de nuestros mejores compositores del género como Luna, Chapí, Serrano, Chueca, Valverde e incluso Lleó; pasajes, en esta ocasión, que escribieron con la mujer como protagonista, como primer y último fin de penas y alegrías, certezas e incertidumbres, de deseos y aversiones. Pero como ‘Nueve suertes de mujer’ es una fiesta, y extraordinario el viaje en que procura envolvernos, junto a las nueve romanzas escogidas también fluirá, a piano solo, la belleza y la hondura de Falla y Granados.

Daniel Bianco, director del Teatro, es muy gráfico al concretar la esencia y la salvaje emotividad del espectáculo: “El balanceo suave de la ternura de pronto es un incendio arrollador y a la vez hermoso. Son los vaivenes del amor, el dolor, la felicidad, la añoranza que nos lleva a la nostalgia e incluso a la melancolía. Es la identidad, la tierra. Lo que hemos sido, lo que somos y lo que seremos. Todo ello con mirada, piel y corazón de mujer”.

Jóvenes en la zarzuela

Desde hace algunas temporadas el número de espectadores, también jóvenes, que asisten a las representaciones del Teatro de la Zarzuela ha ido en aumento, y como consecuencia, en los últimos años se ha registrado un considerable descenso de la edad media de quienes ocupan las butacas. Por su parte, el público habitual, cuya lealtad ha permitido mantener vivo el género y su teatro, sigue fiel a la cita. Son por tanto varias generaciones las que hoy se reúnen en el coliseo de la plazuela de Jovellanos, que en octubre de este año cumplirá 166 años, para disfrutar con idéntico entusiasmo de nuestro patrimonio.

En estos días, dos nuevos lances seguirán llenando de argumento esta realidad. Por un lado, el ensayo general de la opereta de Isaac Albéniz ‘The Magic Opal’ se llenará mañana miércoles de chicos y chicas de entre 16 y 30 años, que serán testigos de esta recuperación escénica –la obra no se representa en escena desde su estreno español de 1894 en este mismo escenario– con un espectacular montaje audiovisual de Paco Azorín y dirección musical de Guillermo García Calvo.

Por otra parte, se ha abierto ya la convocatoria de presentación de candidaturas para participar en las audiciones del Proyecto Zarza –zarzuela hecha por y para jóvenes– de la Temporada 2022/2023. De esta manera, los intérpretes de 18 a 30 años con probada formación teatral y musical que estén interesados en concurrir a las mismas tendrán hasta el próximo 22 de abril a las 23h59 horas para presentarse. En el siguiente enlace se puede encontrar toda la información al respecto.

Para formar parte del reparto de ‘El sobre verde’ –título de la presente temporada– en su día se presentaron a las audiciones más de 800 candidatos.

The Magic Opal

Muchas emociones fuertes nos esperan en el mes de abril. Entre ellas la recuperación escénica de ‘The Magic Opal’ de Isaac Albéniz, que vuelve al Teatro de la Zarzuela 128 años después de su estreno en España en este mismo escenario. Desde aquella premier madrileña hasta nuestros días, nunca más ha vuelto a subir a escena. La obra se había presentado en lengua inglesa un año antes, en 1893, en el Lyric Theatre de Londres durante la etapa en que Albéniz centró su trabajo creador en esta ciudad. De música inteligente y divertida, esta opereta demuestra la enorme variedad y versatilidad del músico catalán, situándolo entre los grandes compositores internacionales. Ahora, un siglo y casi tres décadas después, el público tendrá ocasión de disfrutarla del 1 al 10 de abril con un montaje innovador de Paco Azorín dirigido al espectador del siglo XXI a través de un lenguaje audiovisual y contemporáneo.

La historia, desarrollada en clave de comedia de enredos y adaptada por Paco Azorín y Carlos Martos de la Vega, gira en torno a la búsqueda del amor y a la irresistible cualidad de un ópalo mágico cuyo poder estriba en que todo aquel que lo toca cae perdidamente enamorado de quien lo posee.

Y para que este efectivo planteamiento llegue al puerto deseado, a la puesta en escena y la escenografía de Azorín se une como un tándem invulnerable la dirección musical del maestro Guillermo García Calvo –director musical del Teatro de la Zarzuela, Generalmusikdirektor de la Ópera de Chemnitz en Alemania, director titular de la Robert-Schumann-Philharmonie y sin duda uno de nuestros más ilustres directores de orquesta–. Por si esto fuera poco, a ellos se suma un equipo artístico escénicamente arrollador y dos equilibrados repartos de grandes voces y especial talento para la escena. García Calvo volverá asimismo a compartir el foso del coliseo con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro, y estará también al frente del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela.

Los papeles protagonistas, inmersos en un inagotable devenir de disparatados enredos, en muchos casos especialmente divertidos, estarán interpretados por Ruth Iniesta y Carmen Romeu, que se turnarán en el papel de la joven soñadora Lolika; los tenores Santiago Ballerini y Leonardo Sánchez, que harán las veces de Alzaga, su intrépido aliado en la búsqueda del amor verdadero; los barítonos Luis Cansino y Rodrigo Esteves, que encarnarán al banquero Carambollas, símbolo del dinero y el poder como una de las más dañinas y perversas cargas en el día a día de los Ciudadanos. «Rey es el amor, pero el dinero es el emperador», se dice en la aparición en escena de este personaje y de su complementario, Aristippus el tesorero, interpretado por el bajo Jeroboám Tejera. Los barítonos Damián del Castillo y César San Martín asumirán el rol de Trabucos, quien a toda costa tratará de alcanzar sus fines siempre ayudado por los Bandidos o por el ópalo mágico que le hará invencible mientras esté en su poder. Y también entrarán en el juego y los enredos las mezzosopranos Carmen Artaza y Mar campo como Martina, la también mezzo Helena Ressurreição, que será Olympia, la soprano Alba Chantar (Zoe), el tenor Gerardo López (Pekito) o el barítono Tomeu Bibiloni (Curro). Y como maestro de ceremonias de todo el embrollo, Eros XXI interpretado por el actor Fernando Albizu.

Público del siglo XXI

Todos ellos bullirán, se alterarán, se divertirán y soportarán lo indecible imbuidos por la innovadora escenografía del propio Paco Azorín en la que las proyecciones, el vídeo, la tecnología y la iluminación crearán un nuevo universo: el del juego del ópalo mágico. Un entretenimiento voraz en el que también será indispensable el alegórico vestuario de Juan Sebastián Domínguez, la siempre cómplice y sutil iluminación de Pedro Yagüe, el mágico diseño de audiovisuales de Pedro Chamizo o los laboriosos y fluidos movimientos escénicos trazados por Carlos Martos de la Vega, que desarrollarán los protagonistas junto a 8 figurantes bailarines y 4 acróbatas.

Paco Azorín afronta esta recuperación con un “respeto total hacia la música”, y trae la historia a la actualidad encauzándola hacia el tema de la banalización del amor y de su instrumentalización, por ejemplo, con las numerosas app que hoy son para mucha gente el asistente perfecto para buscar y encontrar pareja. De esta manera, el director trata de “crear una escenificación que se dirija al público del siglo XXI a través de un lenguaje audiovisual y contemporáneo”.

Se da el caso de que para el estreno de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, se ha encargado una nueva traducción del libreto de Arthur Law, de la que son autores Javier L. Ibarz y Pachi Turmo.

Es obligado también destacar el encomiable trabajo de Borja Mariño, autor de la nueva edición crítica de ‘The Magic Opal’, una obra que a pesar de su gran éxito con más de 300 representaciones por toda Inglaterra, no había sido interpretada desde finales del siglo XIX debido a la dispersión de sus materiales y las diferentes modificaciones que sufrió con el tiempo. La obra se estrenó con tres títulos deferentes y se tradujo al español para ser interpretada en su estreno del Teatro de la Zarzuela. En palabras del crítico G. Bernard Shaw: «La ópera pone a Albéniz muy por delante del mejor de sus rivales».

Influencias y conquistas de Albéniz

Guillermo García Calvo llama la atención sobre la circunstancia de que “aunque a veces creemos conocer a nuestros compositores, en realidad en muchas ocasiones solo sabemos de una parte muy pequeña de su creación; y este es el caso de Albéniz”. Así lo desvela el director de orquesta, quien en referencia directa a la partitura de ‘The Magic Opal’ nos habla de otra faceta completamente nueva del compositor de Camprodón: “La música recoge sabiamente diversas influencias de las corrientes europeas de finales del siglo XIX, dejándose inspirar pero nunca copiando”. Así, escuchamos melodías que anticipan el impresionismo francés —se puede pensar en Lalo, Chausson y Fauré—, ritmos y colores orquestales cercanos a la ópera italiana del momento —tanto al verismo de Puccini como al neoclasicismo del ‘Falstaff’ de Verdi— y también a la opereta francesa —como en ‘La fille du régiment’ de Donizzeti o las opereta de Offenbach—. “Y por supuesto, también escuchamos atmósferas de opereta y sinfonismo ingleses, y muy de vez en cuando, como un sello de identidad, giros melódicos españoles, la cadencia andaluza o melodías en modo frigio”. A García Calvo no le cabe duda de que “en conjunto se trata de una bellísima obra, exquisitamente instrumentada, que sirve de soporte perfecto al ambiente mágico de una historia de ingenio y humor shakesperianos”.

Desde la perspectiva actual, nos encontramos con una música para saborear en la que podemos apreciar la habilidad de Albéniz al margen de todos los condicionantes de la época en la que se estrenó. Esta nueva producción de ‘The Magic Opal’, pensada para los espectadores del siglo XXI, nos brinda el privilegio no solo de escuchar la obra, sino también de verla en escena casi 130 años después de aquella última versión teatral y en este mismo escenario del Teatro de la Zarzuela donde sucedió. Somos pues afortunados de que el ópalo vuelva  enamorarnos.

CNDM 21-22. LIED. JOSEP-RAMON OLIVE. VICTORIA GUERRERO

Desde hace unas temporadas el Teatro de la Zarzuela, en colaboración con el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM), está dando cabida en su popular Ciclo de Lied a nuevos intérpretes de este género. Aunque jóvenes, algunos ya están consagrados, como puede ser el caso de Sabine Devieilhe o Anna Lucia Richter, de las que hemos disfrutado recientemente en este mismo Ciclo. Otros son verdaderamente debutantes, como es el caso que nos ocupa. Teniendo además en cuenta que el género liederístico no tiene en España una larga tradición, el hecho de que nuestros protagonistas sean nacionales, aporta a este debut un plus de interés.

El programa ha sido tan atractivo como variado y un tanto arriesgado, precisamente por la variedad de estilos. Y quizá haya sido este punto el más delicado. Beethoven para empezar, concretamente An die ferne Geliebte (A la amada lejana), formado por seis obras de gran belleza. Después Schubert, con seis canciones sobre poemas de Rückert. La segunda parte se inició con Fauré, cambio de idioma y de registro, La bonne chanson, sobre nueve poemas de Verlaine. Para terminar, seis obras de Strauss de los opus 27 (dos), opus 10 (una) y opus 19 (tres). 

Josep-Ramón Olivé comenzó sus estudios de violonchelo, piano y canto en La Escolanía de Monserrat. Posteriormente estudió dirección coral y canto clásico en la Escuela Superior de Música de Cataluña y continuó su formación vocal en la Guildhall School de Londres con Rudolf Piernay, participando después en clases magistrales de Graham Johnson, Gerald Finley, Kurt Widmer, Josep Bros, Luigi Alva y Teresa Berganza. Fue nominado como joven artista Oxford Lieder en 2015 y formó parte del aclamado proyecto Le Jardin des Voix de William Christie y Les Arts Florissants en 2017. El lied no es nuevo para él, habiendo abordado ya varios importantes ciclos de Brahms, Mahler, etc.

Aparecen en él cualidades casi fundamentales para este género, como un buen e intencionado fraseo, una técnica sólida, volumen de voz más que apreciable y una muy buena dicción en francés y sobre todo en alemán, algo fundamental para abordar con rigor un lied.

Ser joven, además, tiene la ventaja del camino que por delante se tiene para mejorar. Sobre todo, en la presencia sobre el escenario, una mejor y mayor matización, para dar a cada obra el carácter que precisa. Pero hay material suficiente para anotar estos nombres y esperar asistir a su evolución en próximas temporadas en este mismo ciclo.

Junto a Olivé ha debutado al piano Victoria Guerrero, todo un hallazgo en este recital. Siempre perfectamente atenta a la voz, ha descrito con frescura y precisión el carácter de cada obra. Especialmente Beethoven y Strauss. Ha demostrado una gran delicadeza y generosidad en el acompañamiento.

Nacida en Jerez de la Frontera, ha recibido clases de pianistas de la talla de Joaquín Achúcarro, Nino Kereselidze, Claudio Martínez Mehner, Edward Wolanin, Tibor Szász y Ángel Sanzo, entre otros. Ha actuado en conciertos como solista en distintas ciudades de la geografía Andaluza. Terminó sus estudios de piano con Óscar Martín en el Conservatorio Superior de Sevilla. También ha sido pianista repetidora con el coro del Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera. Ha sido galardonada con el premio a la mejor pianista en los prestigiosos concursos Das Lied-International Song Competition en Heidelberg en 2017 y Paula Salomon-Lindberg-Liedwettbewerbs en la Universität der Künste Berlin en 2015.

El recital terminó con dos propinas, la primera una obra en catalán del barcelonés Ricard Lamote de Grignon (1872-1949), interpretada con exquisito gusto por Josep Ramon Olivé. La segunda una nana da Manuel de Falla, dada la inminente paternidad del barítono catalán.

Una muy buena iniciativa de los organizadores del ciclo, la de incorporar jóvenes promesas, que esperamos ver en sucesivas temporadas.

Fotogrsfía © Rafa Martín

Nicola Beller Carbone

El Teatro de la Zarzuela emitirá en directo a través de su canal de Youtube la última sesión de las clases magistrales que desde el pasado lunes imparte la soprano internacional Nicola Beller Carbone dentro del programa pedagógico del coliseo. La emisión será a partir las 18h00 del próximo domingo 27 de marzo, Día Mundial del Teatro, tendrá una duración aproximada de 60 minutos y durante la misma se podrán enviar preguntas que serán respondidas por la propia intérprete o por los alumnos al finalizar el trabajo.

La soprano Nicola Beller Carbone se distingue por un perfil artístico peculiar, en el que cuida tanto los aspectos teatrales como los musicales. Artista de gran versatilidad gracias a una completa formación en canto, piano, arte dramático o danza clásica, así como a su experiencia en espectáculos de toda clase –ópera, concierto, musical, teatro callejero, cabaret o bandas de rock y jazz–, siempre ha cantado en teatros y festivales ilustres como la Ópera Estatal de Baviera, La Fenice de Venecia, el Festival de Bregenz, la Ópera Nacional de París, la Ópera de Zúrich, el Teatro Real de Madrid o La Monnaie de Bruselas, en los que ha interpretado muy numerosos roles entre los que siente predilección por Salomé, Tosca, la Marie de ‘Wozzeck’ o Katerina Izmáilova de ‘Lady Macbeth de Mtsensk’.

Ha sido invitada en varias ocasiones al Teatro de la Zarzuela para cantar títulos como ‘La Gran Duquesa de Gerolstein’, ‘La Villana’ o ‘El Gato Montés’.

Cantante y docente

En los últimos años Beller Carbone ha compaginado su actividad como cantante con la docencia, impartiendo clases magistrales en prestigiosas instituciones de Múnich, Madrid, Las Palmas de Gran Canaria o Florencia, entre otros lugares.

En 2019 puso en marcha LIBERAinCANTO, desde donde imparte clases magistrales para cantantes líricos en las que trabaja la actuación y el canto desde la imaginación y la creatividad, combinando la técnica, el cuerpo, la voz y la intuición.

Josep-Ramon Olivé

Con obras de Beethoven, Fauré, Schubert y  Strauss

Estará acompañado por la pianista Victoria Guerrero

Debutan el barítono Josep-Ramon Olivé y la pianista Victoria Guerrero en el ciclo de Lied que desde hace 28 años programa el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, con un programa en el que las obras que lo integran tienen como elemento común la belleza. Será el próximo lunes 21 de marzo a las 20h00, y para la ocasión el cantante ha preparado dos series de especial relevancia: el opus 98 de Beethoven, ‘An die ferne Geliebte’ (‘A la amada lejana’) y la perteneciente al opus 61 de Fauré, esa delicada colección titulada ‘La bonne chanson’ sobre poemas de Verlaine. Y entre ambas, seis lieder de Schubert, cinco de ellos sobre poemas de Rückert, entre los que destacan las imponentes y apasionadas ‘Sei mir gegrüsst’, D 741 y ‘Du bist die Ruh’, D 776. Como colofón, otras seis páginas de Strauss, ‘Morgen!’ y ‘Die Nacht’, entre ellas.

Olivé, intérprete versátil y con una carrera internacional más que interesante pese a su juventud, es una de las más destacadas promesas de la lírica española.

Josep-Ramon Olivé nació en Barcelona. Comenzó sus estudios de violonchelo, piano y canto en la Escolanía de Montserrat y, posteriormente, siguió en la Escuela de Música de Barcelona. Estudió dirección coral y canto clásico en la Escuela Superior de Música de Cataluña y continuó su formación vocal en la Guildhall School de Londres con Rudolf Piernay. Ha participado en clases magistrales de Graham Johnson, Gerald Finley, Kurt Widmer, Josep Bros, Luigi Alva y Teresa Berganza, entre otros.

Josep-Ramon Olivé ha colaborado con orquestas como Le Concert des Nations, Les Arts Florissants, Hespèrion XXI, la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, la Orquesta de la Comunidad
de Madrid, la London Handel Orchestra y la Orchestra of the Age of Enlightenment en salas de concierto
y teatros como el Palau de la Música Catalana, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Auditorio Nacional de Madrid, la Elbphilharmonie de Hamburgo, el Gran Teatro del Liceo, la Philharmonie de París, la Konzerthaus de Viena, el Wigmore Hall y el Barbican Hall de Londres y la Sala Chaikovski de Moscú, bajo la dirección de Jordi Savall, William Christie, Kazushi Ono, Sigiswald Kuijken, Laurence Cummings, Josep Pons o Víctor Pablo Pérez. Recibió la Medalla de Oro de la Guildhall School de Londres en 2017, así como el primer premio y el premio del público del Handel Singing Competition en 2015 y el segundo premio del Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales en 2011. También fue nominado como joven artista Oxford Lieder en 2015, formó parte del proyecto Le Jardin des Voix de William Christie y Les Arts Florissants en 2017 y fue seleccionado ECHO Rising Star en 2018. Ha interpretado en el campo del oratorio Ein Deutsches Requiem de Brahms, el Requiem de Fauré, el Requiem de Duruflé, el Carmina Burana de Orff, el Requiem y las Vesperae solennes de confessore de Mozart, Messiah, Esther y Alexander Balus de Haendel y el Magnificat, la Misa en si menor y el Weihnachts Oratorium de Bach. Finalmente, en la vertiente del lied, ha cantado los ciclos Die schöne Magelone de Brahms, Lieder eines fahrenden Gesellen y Rückert Lieder de Mahler, Die schöne Müllerin
de Schubert, Dichterliebe de Schumann, Histoires naturelles de Ravel, La bonne chanson de Fauré y An die ferne Geliebte de Beethoven, entre otros. Entre sus actividades recientes, destacan el estreno de obras de los compositores Salvador Brotons, Josep Vila i Casañas, Albert Guinovart, Johan Duijck, Raquel García-Tomás, Joan Magrané, Laurence Osborn y Alberto García Demestres, su presentación en el Gran Teatro del Liceo y en el Festival de Peralada y la inauguración del Life Victoria 2018 en un recital con el pianista Malcolm Martineau. Josep-Ramon Olivé participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Victoria Guerrero nació en Jerez de la Frontera (Cádiz). Comenzó sus estudios con María Jesús Durán en la Escuela de Música y Danza Belén Fernández. Al mismo tiempo, continuó sus estudios de piano en el Conservatorio Profesional de Música Joaquín Villatoro. Ha recibido clases de pianistas de la talla de Joaquín Achúcarro, Nino Kereselidze, Claudio Martínez Mehner, Edward Wolanin, Tibor Szász y Ángel Sanzo, entre otros. Ha actuado en conciertos como solista en distintas ciudades de la geografía Andaluza. Terminó sus estudios de piano con Óscar Martín en el Conservatorio Superior de Sevilla. También ha sido pianista repetidora con el coro del Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera. Ha sido galardonada con el premio a la mejor pianista en los prestigiosos concursos Das Lied-International Song Competition en Heidelberg en 2017 y Paula Salomon-Lindberg-Liedwettbewerbs en la Universität der Künste Berlin en 2015.

Victoria Guerrero cuenta con una extensa formación como solista, consolidada en Alemania. En la actualidad, se dedica en exclusiva al repertorio de lied y trabaja como pianista correpetidora dentro del Departamento de Canto de la Universidad Mozarteum en Salzburgo. Además, ha realizado un máster en Liedgestaltung de la mano de los profesores Pauliina Tukiainen y Matthias Alteheld en la Hochschule für Musik de Friburgo. Posteriormente, cursó el posgrado Solistenexamen con el prestigioso pianista Hartmut Höll en la Musikhochschule de Karlsruhe. Ha asistido a multitud de cursos de perfeccionamiento con liederistas de renombre internacional, como Helmut Deutsch o Wolfram Rieger, Anne Le Bozec, Jan Philip Schulze, David Selig o Burkhard Kehring y cantantes como Andreas Schmidt, Christoph Prégardien, Wolfgang Holzmair o Christiane Iven, entre otros. Ha sido premiada con las becas Frauen Förder Stipendium y las de la Asociación de Juventudes Musicales de Madrid. Asimismo, ha sido invitada a distintos ciclos de lied, como el Bonner Schumannfests im Schumann-Haus en Bonn, dentro del Festival im Frühling en Heidelberg o en el ciclo Liederabend en Friburgo; en el verano de 2018, actuó en la Schubertíada en Vilabertran con Wolfram Rieger y, en el verano de 2019, en la Schubertíada en Valdegovía con la soprano Natalia Labourdette. Victoria Guerrero participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

sax-ensemble

El ciclo Domingos de Cámara. Mujeres con Ñ del Teatro de la Zarzuela presentará este próximo domingo, 20 de marzo al cuarteto Sax-Ensemble, uno de los conjuntos más comprometidos con los músicos contemporáneos y con la labor de facilitar el acceso a la música a través de la pedagogía. En esta ocasión, el concierto, que tendrá lugar en el Ambigú del coliseo a las 12h00, incluirá obras de compositoras españolas de hoy, entre las que se podrán escuchar dos estrenos absolutos. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Además de ser sobresaliente, el programa está cargado de significado ya que por segundo año consecutivo el mencionado ciclo, que celebra ya su tercera edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española; de ahí el título ‘Mujeres con Ñ’ que lo define.

El cuarteto incluirá en su concierto música de Sonia Megías, María Rosa Ribas, Zulema de la Cruz o Raquel García Tomás, con estrenos absolutos de Cruz López de Rego y Laura de las Heras.

El cuarteto Sax-Ensemble se creó en 1987 con el objetivo de potenciar la creación y difusión de música contemporánea. Se trata de un grupo de cámara flexible integrado como base por flauta, clarinete, violín, viola, violonchelo, cuarteto de saxofones, piano, percusión y música electroacústica, y que cuenta en los casos necesarios, con la participación de otros instrumentos de viento, cuerda y con la voz, en muchas de sus actuaciones. En el concierto del domingo los intérpretes serán Francisco Martínez (saxo soprano), Francisco Herrero (saxo alto), Pilar Montejano (saxo tenor) y Miriam Castellanos (saxo barítono).

A través de este ciclo el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Cada concierto contará con uno o varios estrenos absolutos, buena parte de ellos de jóvenes compositoras en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En esta ocasión serán dos los estrenos: ‘Azul’ de Cruz López de Rego, y ‘Pria’ de Laura de las Heras.

Las dos citas restantes del ciclo serán con el Trío Arbós (24 de abril) y el pianista Mario Prisuelos (5 de junio).

Premios Max

Cuatro Producciones del Teatro de la Zarzuela han sido elegidas entre los 13 montajes que competirán para ser nominados al Mejor Espectáculo Musical o Lírico en la XXV edición de los Premios Max  de las Artes Escénicas.

Los títulos que optarán a los premios son ‘Benamor’, dirigida por Enrique Viana, ‘El rey que rabió’ con escena de Bárbara Lluch, y ‘Los gavilanes’ y ‘La tabernera del puerto’ ambas con dirección de Mario Gas.

También serán candidatos a las nominaciones Mario Gas, Ezio Frigerio y Ángel Ruiz por la dirección de escena, la escenografía y el trabajo actoral de ‘La tabernera del puerto’, y Franca Squarciapino, Gabriela Salverri y Clara Peluffo Valentini por el diseño de vestuario de ‘Los gavilanes’, ‘Benamor’ y ‘El rey que rabió’ respectivamente.

El Comité Organizador de los Premios Max ha anunciado los candidatos a las 20 categorías a concurso de estos galardones organizados por la Fundación de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), cuyo propósito es estimular y reconocer el talento de los profesionales del teatro y la danza de España.

Los jurados territoriales designados por el Comité han seleccionado en esta primera fase los espectáculos entre los que se escogerán los finalistas de esas 20 categorías.

Fotografía: Elena del Real

Candidaturas del Teatro de la Zarzuela a las nominaciones de los XXV Premios Max de las Artes Escénicas:

La tabernera del puerto

  • – Mejor producción
  • – Mejor dirección de escena (Mario Gas)
  • – Mejor diseño de espacio escénico (Ezio Frigerio)
  • – Mejor actor (Ángel Ruiz)

El Rey que rabió

  • – Mejor producción
  • – Mejor diseño de vestuario (Clara Peluffo Valentini)

Benamor

  • – Mejor producción
  • – Mejor diseño de vestuario (Gabriela Salverri)

Los gavilanes

  • – Mejor producción
  • – Mejor diseño de vestuario (Franca Squarciapino)
Tabaré

En 1913 se estrenó en Madrid, en el Teatro Real, la ópera Tabaré, compuesta por Tomás Bretón a partir del poema de Juan Zorrilla de San Martín. La obra se sitúa en los inicios de la conquista de Uruguay, y narra las luchas que se produjeron entre los pueblos de Mar del Plata y los conquistadores españoles. Nos cuenta las aventuras de un indio mestizo que luchaba por la pacificación entre los dos bandos.

El protagonista de la historia corrió a cargo en su estreno de uno de los más importantes tenores del momento, Francesc Viñas, en medio de una gran éxito. Pero como en tantas ocasiones, esta obra desapareció tras su primera temporada. Hasta ahora, cuando ha sido rescatada por el Teatro de la Zarzuela. Cumpliendo así una de sus principales misiones de dar a conocer nuestro patrimonio lírico.

Tomás Bretón consideraba Tabaré como su mejor ópera. Sin duda es una de las más complejas, en cuanto a escritura musical. Con indudables influencias wagnerianas, llena de contrastes y gran expresividad. Las partes vocales tampoco se quedan atrás en cuanto a dificultad. Los papeles protagonistas son de gran exigencia y se necesita un cuadro de cantantes de alto nivel.

Bretón no llegó nunca a superar el hecho de que fuera una zarzuela, La verbena de la Paloma, por la que sería reconocido internacionalmente, y no una de sus composiciones operísticas, como le hubiera gustado. Pero fue una obra “menor”, de apenas cincuenta minutos de duración, la que le convirtió en un compositor universal.

Siempre tuvo el empeño el compositor de situar la ópera española a un nivel reconocido internacionalmente. Pero nunca pudo estar a la altura de la ópera italiana, francesa o alemana, tampoco en España tuvo reconocimiento. Ahora, y tras un intenso trabajo realizado con la partitura manuscrita de Bretón, tenemos la oportunidad de descubrirla en versión de concierto.

La obra, de casi dos horas y media de duración, se ofreció del tirón y sin avisar, lo que debió causar algún estrago. La dirección de Ramón Tebar no cuidó demasiado a los cantantes, que se desgañitaban para ser escuchados. El volumen de la orquesta se le fue un poco de las manos al director, sobre todo en el primer acto. Los mejores momentos fueron los de mayor lirismo, no sé si por mérito de la partitura o porque el oído descansara un poco.

 

Una de las protagonistas debutaba en este Teatro, Maribel Ortega, como Blanca. A ella se deben los momentos de mayor lirismo y delicadeza. Algo nada fácil en algunos momentos, pues tenía que rivalizar con el volumen de la orquesta. El resultado no fue siempre limpio.

El otro protagonista fue el tenor Andeka Gorrochategui en el rol del valiente Tabaré. Posee un hermoso timbre, pero su manera de cantar, siempre esforzada, le llevó a pasar más de un momento de apuro al final de la obra. Cruzado de brazos y con un vaivén algo nervioso, no podía soltar la botella de agua. Daba un poco de angustia verle.

El barítono Juan Jesús Rodríguez, como Yamandú, tuvo una brillante actuación. Su partitura era endiablada, pero le hizo frente con autoridad y definiendo vocalmente muy bien al personajes.

Otra labor nada fácil tenía por delante el bajo malagueño Luis López Navarro, como Padre Esteban y Siripo. Con un notable volumen y buena línea de canto, domesticó a la fiera de su partitura y salió más que airoso. Solo le faltó matizar en algunos momentos.

Airoso salió también Alejandro del Cerro, en su rol de Gonzalo. Aunque en ocasiones un poco destemplado, consiguió dejarse escuchar, que no era poco.

Marina Pinchuk, como Luz, puso el punto de elegancia y templanza en su canto, algo que, a la vista del resultado final, no era tarea fácil.

Muy bien estuvieron los comprimarios David Oller, como Ramiro, Ihor Voievodin, Garcés, César Arrieta, Damián y Javier Povedano, Rodrigo, siempre atentos y sincronizados.

Al inicio se escuchó una locución de Daniel Bianco, director de Teatro, en favor de la paz y la concordia que proporciona la música, algo tan necesario en estos momentos inciertos. Todos los protagonistas portaban un pañuelo con los colores de la bandera de Ucrania.

Día de la mujer

El recital que el próximo martes 8 de marzo (20h00) ofrecerán en el Teatro de la Zarzuela la actriz y cantante Gurutze Beitia y el pianista y compositor César Belda dentro del ciclo Notas del Ambigú promete ser especialmente emotivo, por supuesto reivindicativo, y sin duda festivo y feliz. Se presenta con ocasión del Día Internacional de la Mujer bajo el título ‘Una mujer en la música’, y celebrará obras de compositoras de música popular, salpicadas con canciones de autores tan prodigiosos como ellas.

En el transcurso del concierto Gurutze Beitia irá ligando unas composiciones con otras a través de ingeniosos soliloquios especialmente oportunos con el motivo de la celebración. Y así, se oirán muchas músicas que hoy son banda sonora de tantas vidas; obras de autoras como Consuelo Velázquez (‘Cachito mío’), María Gréver (‘Alma mía’ o ‘Júrame’), Gloria y Emilio Estefan (‘Con los años que me quedan’), Cecilia (‘Desde que tú te has ido’), Verónica Bellini (‘Solterona’) o Marguérite Monnot (‘Himno al amor’ con letra de Édith Piaf), que conjugará con músicas de Alberto Cortez (‘Alma mía’), Enrique Pedro Delfino (‘Qué querés con ese loro’), Jaume Mestres (‘Régimen severo’) o el propio César Belda (‘¡Al Caribe!’).

Sin duda será una noche de esas que permanecen vivas en la memoria, y que una vez más servirá para reivindicar y hacer visible el papel fundamental, imprescindible y valioso de la mujer en todos los órdenes de la vida. Así estamos aún en el año 22 del siglo XXI.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles del 28 de octubre al 4 de julio.

Tras el recital de Gurutze Beitia y César Belda seguirá el ciclo con el concierto ‘Catalanes por el mundo’ en el que el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán obras de autores catalanes que compusieron también en otros idiomas como Eduard Toldrà, Joan Manén, Pau Casals, Jaume Pahissa o Isaac Albéniz (se pospone del 18 de abril al 11 de junio). Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, y en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Teatro de la Zarzuela convocará un concurso para jóvenes compositores cuyas tres obras ganadoras serán estrenadas por el Ensemble Opus 22 (28 de junio).Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

Tabaré

El Teatro de la Zarzuela cumple una labor fundamental en la preservación, estudio, recuperación y difusión de nuestro patrimonio lírico. Por esta razón, la programación de la ópera ‘Tabaré’ (bautizada por su autor como “drama lírico en tres actos”) se convierte en uno de los acontecimientos destacables de la presente temporada. La obra de Tomás Bretón, con libreto del propio compositor sobre la epopeya homónima del escritor uruguayo Juan Zorrilla de San Martín que le regaló en persona su poema, se estrenó en el Teatro Real el 26 de febrero de 1913 con un reparto de relumbrón encabezado por el idolatrado tenor Francisco Viñas en el papel principal. Fue un éxito rotundo, absolutamente unánime de acuerdo con lo que recoge toda la prensa de la época, pero la historia volvería a sorprender a propios y extraños con otra incomprensible y triste paradoja: después de las tres funciones de aquel esperado estreno, no exento de trabas y problemas, ‘Tabaré’ quedó sumida en un profundo silencio que la condenó al olvido aun siendo una de las obras predilectas del compositor. 109 años exactos han pasado de aquella premier, y eso hace que el viernes 4 (20h00), y el domingo 6 de marzo (18h00) sean días felices para nuestra lírica. La obra volverá a sonar más de un siglo después, esta vez en versión de concierto.

Dirigida por el maestro Ramón Tebar, sin lugar a dudas uno de los directores españoles más sobresalientes e internacionales –director principal de la Florida Grand Opera en Miami, de la cual ha sido director artístico y musical desde 2010; también en Estados Unidos director artístico y musical de la Ópera de Naples desde 2014; director principal asociado de la Orquesta de Valencia, de la que ha sido su director artístico y titular; y con una agenda repleta de compromisos de todo tipo por todo el mundo–, que se enfrenta a esta partitura de una exigencia extrema, tanto para él como conductor como para los cantantes. Por ello, para la adecuada interpretación de la obra, para llevarla a cabo con todas las garantías, es también imprescindible contar con un reparto de singular relevancia.

Así, el tenor Andeka Gorrotxategi interpretará el papel de Tabaré, indio mestizo, «superguerrero» invencible fruto y víctima de la violencia de rapto que implica una mejora de la raza al mezclar la sangre indígena con la europea tras la unión forzada, en su caso, de su madre Magdalena con su captor araucano. Tabaré es un héroe romántico, solitario, melancólico, soñador de causas imposibles, que se mueve entre dos mundos que al fin y al cabo le convierten en un inadaptado carente de hogar físico y cultural. Como Edipo, Tabaré es un héroe pasivo que huye de sí mismo y a quien solo le moverá a la acción el peligro que corre Blanca, joven blanca que despierta sus más recónditos instintos interpretada por la soprano Maribel Ortega, al ser raptada por el guerrero Yamandú, a quien pone voz el barítono Juan Jesús Rodríguez. Don Gonzalo, cruz y verdugo de Tabaré, será encarnado por el tenor Alejandro del Cerro, que completa el cuarteto de protagonistas a quienes acompañarán los barítonos Luis López Navarro y David Oller, el bajo-barítono Ihor Voievodin, el tenor César Arrieta, el también barítono Javier Povedano y la mezzosoprano Marina Pinchuk.

La Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro, y el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, dirigido por Antonio Fauró, completan el cuadro artístico de esta histórica recuperación.

La importancia de ‘Tabaré’

‘Tabaré’, obra escrita en tan solo un año, es una composición de madurez que sintetiza el lirismo melódico de la tradición italiana, el tratamiento armónico de la ópera wagneriana y sonoridades propias del impresionismo. El propio Bretón la consideraba su obra más personal e independiente.

Como señala la musicóloga María Encina Cortizo, la ópera Tabaré, último triunfo lírico de Tomás Bretón,  y su penúltima ópera, “es una obra maestra de un músico maduro de sesenta y tres años, considerado ya uno de los grandes compositores de su generación, la de la Restauración, que tanto contribuyó a regenerar el tejido cultural de la España finisecular.” Tarea esta a la que Bretón se empleó a fondo y no solo a través de la creación, sino también de la gestión y la interpretación.

Para Tomás Bretón (1850-1923) el desarrollo de la ópera española era, en palabras de Cortizo, “además de una aspiración personal, un ideal patriótico necesitado de apoyo institucional, factor imprescindible para educar a un público dedicado entonces ‘exclusivamente a la política y a los toros’”, como escribiría el propio músico.

El tema sobre el que se desarrolla el argumento de ‘Tabaré’ no puede ser más particular: la lucha entre los indios charrúas (que poblaban en el siglo XVI lo que hoy es Uruguay) y los españoles. Una temática nada convencional –sobre todo para un compositor español– con libreto del propio Tomás Bretón basado en el poema épico homónimo de Juan Zorrilla de San Martín.

Bretón, pues, es el adaptador literario de un poema que, en opinión de Zorrilla, poseía ya carácter musical, con dúos de amor, cantos guerreros o crepusculares, coros de soldados y de salvajes. Aun así, Bretón reescribió casi por completo el texto poético, manteniendo solo nueve versos del original en el libreto operístico. El primer acto de la ópera, por ejemplo, es pura creación del compositor.

Ahora, después de 109 años de silencio, los espectadores de hoy tenemos la oportunidad de disfrutarla por primera vez.

El sobre verde

A estas alturas a nadie le cabe duda de que el Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela, o lo que es lo mismo: zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, es uno de los valores indiscutibles y reconocidos de este recinto lírico único en el mundo. Con ‘El sobre verde’ de Jacinto Guerrero se cumple la sexta temporada de esta iniciativa creada por el director del Teatro, Daniel Bianco, con el propósito de popularizar el género entre las generaciones del siglo XXI. Año tras año crece el alcance de un proyecto que en las audiciones celebradas antes del verano llegó a reunir a más de 800 artistas de entre 18 y 30 años que aspiraban a convertirse en uno de los 18 miembros del reparto. El público joven tiene una relevancia decisiva en el actual proyecto del coliseo, que de esta forma pretende que aquel se aproxime sin prejuicios a la zarzuela, dando así continuidad al género y afianzando su futuro.

Es por ello que el Proyecto Zarza es una de las iniciativas estrella del Teatro, y sirva como ejemplo el premio a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica otorgado en la última edición de los Premios Ópera XXI. Dirigido a un público de entre 12 y 18 años, el título escogido en esta sexta edición es ‘El sobre verde’ de Jacinto Guerrero, que el propio compositor subtituló “Sainete con gotas de revista en dos actos”. Con un texto del dramaturgo Álvaro Tato que revisa el libreto original de Enrique Paradas y Joaquín Jiménez, se trata de un espectáculo musical ambientado en el Madrid popular de hace un siglo, pero también en aquel Nueva York que ya rascaba los cielos con los tejados y las azoteas, con los pararrayos y las antenas de sus edificios infinitos. La obra, que en su época tuvo un éxito formidable (se estrenó en Barcelona en enero de 1927 y en Madrid dos meses después), y que está a un simple lustro de cumplir cien años, es apreciada por Tato como una “comedia cabaretera, divertida y canalla con un tema que no ha perdido actualidad: el dinero”. Eso es, el dinero y lo que podríamos llamar sus inesperados “efectos secundarios”, o como la fortuna puede devenir en la peor de las pesadillas.

Puede decirse que los cantantes-actores de las distintas ediciones forman la joven compañía del Proyecto Zarza, y que cumplen también la misión de servir como cantera para las grandes producciones del Teatro. Y es que, a partir de su participación en el Proyecto, un buen número de ellos ha intervenido ya en algún título de las temporadas líricas.

En esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, la dirección musical y la escénica correrán a cargo, respectivamente, de Cecilia Bercovich (que tocará también el violín) y de Nuria Castejón, la escenografía está firmada por Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario es de Grabriela Salaverri y la iluminación de Juanjo Llorens. En esta ocasión se ha contado también con el inestimable trabajo del director del Coro Titular del Teatro, Antonio Fauró, que ha trabajado en la preparación de las voces de los dieciocho actores-cantantes que participan en la obra y que estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por siete jóvenes músicos.

Las funciones programadas se presentarán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela del 21 al 26 de febrero, y se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) y funciones para el público general (23, 25 y 26 de febrero) con un total de 12 sesiones. Tal y como se ha venido haciendo en las cinco ediciones precedentes, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

La función escolar del miércoles 23 de febrero (11h00) será emitida en directo a través de Facebook, YouTube y la página web del Teatro y quedará disponible en estos canales.

“¡Fiesta!”, así, con una sola palabra define Nuria Castejón ‘El sobre verde’ y el trabajo realizado. La directora de escena y coreógrafa de la producción tuvo un claro desafío desde el comienzo del proceso creativo. Este consistía en responder a una simple pregunta: ¿Cómo lograr que la gente de hoy, los jóvenes nacidos en este siglo XXI, conecten con las inquietudes y con el arte de aquella modernidad de los años 20 del siglo XX? Ella tiene claro lo que hacer y lo que no hacer para alcanzar este complejo objetivo: “En este caso no resulta necesario ni adecuado realizar un ‘salto’ y ubicar la historia de ‘El sobre verde’ en las calles del Madrid actual; no por vestir a nuestros cantantes con chándal y vaqueros lograremos esa conexión con los conflictos y situaciones que plantea una función ya de por sí plenamente moderna, divertida, clara, efectiva y poderosa en la sencillez de su planteamiento”.

Por eso decidieron que la mejor opción era invitar a los espectadores actuales a zambullirse en el ambiente callejero y cosmopolita de aquel entonces, “en una revisión colorista y sensual de aquella estética, y plantear una comedia musical de tono cabaretero y ritmo intenso, con un lenguaje escénico directo para revivir la modernidad de hace un siglo y redescubrir los ritmos que han dado origen a nuestra forma de entender la música de hoy en día”.

Así, con sumo entusiasmo, habla Castejón del espíritu del trabajo teatral que, “sobre una orquesta reducida que sintetiza las esencias del original, con un equipo artístico de primera fila en todos los aspectos y con un elenco joven cuajado de talento y entregado a la fiesta escénica, nuestro «El sobre verde» quiere revivir un pedazo de nuestra historia cultural y devolver al escenario a uno de los grandes clásicos de los orígenes de la modernidad musical y escénica española”.

En la música y la danza se imponen, entre otros, los ritmos de aquellos “felices veinte”: rápidos, frescos y atrevidos (charleston, fox, one-step…) que, como recuerda Nuria Castejón, sentaron las bases de la actual cultura del rock y el pop. Por tanto, estamos ante otra sugestiva, dinámica, fresca y vigorosa apuesta que una vez más celebra el compromiso del Teatro con los jóvenes artistas y los jóvenes espectadores.

Funciones escolares:

21, 22 y 24 de febrero (10h00 y 12h00)

23 y 25 de febrero (11h00)

Funciones abiertas al público:

23 y 25 de febrero, a las 20h00

26 de febrero, a las 12h00 y a las 20h00

Cristina Montes

El Teatro de la Zarzuela acogerá el próximo domingo, 20 de febrero en su Ambigú (12h00), el esperado concierto de la arpista Cristina Montes. Ganadora entre otros prestigiosos certámenes del Primer Premio del Torneo Internazionale di Musica en Roma y del Primer Premio en el 32º Concorso Internazionale di Arpa Premio Valentino Bucchi, está consagrada como una de las arpistas internacionales más importantes de su generación. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

La tercera edición del ciclo ‘Domingos de cámara’ del Teatro está dedicada íntegramente a la mujer por segundo año consecutivo, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española; de ahí el título ‘Mujeres con Ñ’ que lo define.

Cristina Montes incluirá en su concierto música de compositoras españolas para arpa con obras de Rosa María Rodríguez Hernández, Laura Vega, Iluminada Pérez Frutos, Marisa Manchado, Carme Fernández Vidal, Consuelo Díez, Claudia Montero, con estrenos absolutos de Mercedes Zavala y Adela Rodríguez Yus.

A través de este ciclo el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Cada concierto contará con uno o varios estrenos absolutos, buena parte de ellos de jóvenes compositoras en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En esta ocasión serán dos los estrenos: ‘La senda del pincel’ como parte de ”Los haikus de la nieve” de Mercedes Zavala, y ‘Llum i sombra’ de Adela Rodríguez Yus.

Las tres citas restantes del ciclo serán con el Cuarteto Sax-Ensemble (20 de marzo), el Trío Arbós (24 de abril) y el pianista Mario Prisuelos (5 de junio).

CNDM 21-22. LIED. MATTHIAS GORNE. MARKUS HINTERHÄUSER

Llegaba el recital 4 del Ciclo de Lied que organizan conjuntamente el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música, y lo hacía con un valor seguro, el barítono Matthias Goerne, acompañado esta vez al piano por Markus Hinteräuser.

En Esta ocasión Goerne se ha enfrentado a un repertorio de uno de los compositores más profundamente románticos, Robert Schumann. El programa ha sido variado y selecto, Seis poemas y un Requiem, op. 90 (poemas de Nikolaus Lenau (1802-1850)),

doce Liederkreis, op. 39 (poemas de Joseph von Eichendorff (1788-1857) y las cinco canciones contenidas en el op. 135, sobre poemas de la reina María Estuardo (1542-1587). Una sucesión de canciones que el barítono alemán ofreció seguido y sin interrupción. Una hora veinte minutos del tirón.

Matthias Goerne nos tiene acostumbrados a diseccionar, con gran acierto, los aspectos más profundos y psicológicos de las obras y autores que interpreta, y Schumann es, sin duda, el autor psicológicamente más complejo. Y esta selección de canciones reflejan al Schumann más sensible y turbador.

Goerne desplegó todo aquello que se espera de un liederista. Poniendo el acento en cada sílaba, dotando de contenido cada frase. Hasta los silencios estaban cargados de intensidad interpretativa.

La mayor profundidad la depositó en los personajes con mayor protagonismo, El ermitaño, La novia del león o A la reina Isabel. Goerne ofreció una descripción precisa y poliédrica de cada situación, lugar o protagonista. En esa especie de trance en el que entra el intérprete como si ejerciera de médium entre el público y la esencia de la composición.

Estuvo acompañado al piano por Markus Hinteräuser, que acompañó al alemán con el gusto y la precisión más exquisita, formando un tándem extraordinario.

Otra magnífica noche de lied en el Teatro de la Zarzuela, una más…

Fotografía: Rafa Martín

Carmen Romeu

Carmen Romero, Junto al pianista Borja Mariño interpretará composiciones de Óscar Esplà, Manuel Palau Boix, Miquel Asins Arbó, Matilde Salvador y Ángeles López Artiaga

Lunes, 7 de febrero de 2022.- Prosigue el ciclo Notas del Ambigú en el Teatro de la Zarzuela. En la sexta entrega de esta sexta temporada será la soprano Carmen Romeu quien acompañada del pianista Borja Mariño logre trasladar al público desde ese entrañable espacio del Teatro hasta la llar: el hogar de su Valencia natal con olores, sabores, palabras y música que son la propia tierra; la esencia de la vida. Será el viernes 11 de febrero a las 20h00.

Con composiciones de Óscar Esplà, Manuel Palau Boix, Miquel Asins Arbó, Matilde Salvador y Ángeles López Artiaga, entre las que se incluye un homenaje a Fernández-Cid, Romeu y Mariño evocarán ese lugar íntimo de reunión familiar, de calma, de seguridad, ese lugar donde uno siempre retorna a la infancia, con sus pros y contras, sus tradiciones, sus enseñanzas, su música, su lenguaje, su aroma a puchero, naranjas y azahar. La tierra. Valencia. Es momento pues, de dar un sentido profundo a las cosas, de arrullarnos con la vida, de celebrarla por ser lo que somos. Y compartirlo.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles del 28 de octubre al 4 de julio.

Tras el concierto de Carmen Romeu y Borja Mariño y con ocasión del Día Internacional de la Mujer, la actriz y cantante Gurutze Beitia y el pianista César Belda presentarán ‘Una mujer en la música’, recital integrado por obras de compositoras de música popular de España y allende los mares (8 de marzo). Seguirá el ciclo con el concierto ‘Catalanes por el mundo’ en el que el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán obras de autores catalanes que compusieron también en otros idiomas como Eduard Toldrà, Joan Manén, Pau Casals, Jaume Pahissa o Isaac Albéniz (18 de abril). Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, y en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Teatro de la Zarzuela convocará un concurso para jóvenes compositores cuyas tres obras ganadoras serán estrenadas por el Ensemble Opus 22 (28 de junio). Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

Matthias Goerne

Matthias Goerne estará acompañado por el pianista Markus Hinterhäuser.

Las últimas entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, están disponibles en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presentará el próximo lunes 7 de febrero a las 20h00 al barítono alemán Matthias Goerne que regresa al Ciclo de Lied –que en esta temporada celebra su XXVIII edición-, de nuevo con un programa de exigencia y belleza extraordinarias. En esta ocasión formará dúo con el pianista Markus Hinterhäuser para ofrecer una completa antología de más de veinte lieder de Robert Schumann.

El hecho de poseer unas resonancias cada vez más oscuras le permite desembarcar con aplomo y naturalidad en el intenso, proceloso e hiperromántico universo schumanniano para ofrecernos el hermoso y variado grupo de lieder que se encierran en el op. 39 del compositor de Zwickau, ese soberano y caudaloso Liederkreis que será acompañado de otras nueve piezas de la misma autoría, algunas verdaderamente maestras como Kennst du das Land, Die Löwenbraut o las cinco contenidas en el op. 135, las famosas escritas sobre poemas de María Estuardo.

Versátil y global

Matthias Goerne es uno de los cantantes más versátiles y globales, invitado frecuente en festivales y salas de conciertos de renombre. Ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes del mundo. Nacido en Weimar, estudió con Hans-Joachim Beyer en Leipzig y, más tarde, con Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich FischerDieskau. Matthias Goerne ha cantado en los principales teatros de ópera, como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de París y la Ópera Estatal de Viena. Sus papeles incluyen Wolfram (Tannhäuser), Amfortas (Parsifal), Marke (Tristan und Isolde), Wotan (Der Ring des Nibelungen), Orest (Elektra) y Jochanaan (Salome) o los principales protagonistas en El castillo de Barba Azul (A kékszakállú herceg vára) de Béla Bartók y Wozzeck de Alban Berg. El arte de Goerne ha sido documentado en numerosas grabaciones, con las que ha obtenido prestigiosos premios, entre ellos, cuatro nominaciones a los Grammy, un Premio ICMA, un Premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017 y un Diapason d’Or. Después de sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel para Universal Music, registró una serie de canciones de Schubert seleccionadas en doce álbumes para Harmonia Mundi (The Goerne Schubert edition) con eminentes pianistas. Sus últimas grabaciones con Christoph Eschenbach (Brahms), Markus Hinterhäuser (Schumann), la BBC Symphony (Mahler) y la Swedish Radio Symphony (Wagner) han recibido críticas muy favorables. Matthias Goerne ha sido uno de los artistas más activos del circuito internacional durante el periodo de la pandemia con conciertos en festivales y ciclos en los principales escenarios de Austria, Polonia, Rusia, Francia, Alemania, España, Suiza, Italia y Finlandia. Matthias Goerne ha participado en dieciocho ediciones del Ciclo de Lied: V (98-99), VI (99-00), VII (00-01), VIII (01-02), IX (02-03), X (dos recitales, 03-04), XII (05-06), XIII (06-07), XIV (07-08), XV (08-09), XVI (09-10), XVII (10-11), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXIV (tres recitales, 17-18), XXVI (19-20) y XXVIII (21-22).

Entre Aevilla y Triana
Ángel Ruiz, como Angelillo, junto a Alejandro del Cerro,
como José María

En su labor de recuperación de nuestro patrimonio lírico, el Teatro de la Zarzuela lleva estos días a escena Entre Sevilla y Triana. Un sainete andaluz con música de Pablo Sorozábal y libreto de Luis Fernández de Sevilla y Luis Tejedor. Esta obra en dos actos, estrenada en el Teatro Circo Price de Madrid, el 8 de abril de 1950, no había vuelto a representarse hasta 2012 en una coproducción del Teatro Arriaga, Teatro de la Maestranza, Teatros del Canal y Teatro Campoamor, con la dirección de escena de Curro Carreres y que ahora llega al Teatro de la calle Jovellanos.

Es este un sainete muy popular, escrito por el maestro Sorozábal para toda clase de público, en un momento social muy necesitado de divertimento, sin más complicaciones ni elaboraciones. Una obra costumbrista y divertida que pone sobre la mesa un tema delicado para la época, la de las madres solteras. Y Sorozábal presenta a Reyes, la protagonista, como una mujer con carácter y poco dispuesta  a seguir las costumbres de la moral de la época. Un personaje creado por el compositor para su mujer, Enriqueta Serrano, que regresaba en aquellos momentos a los escenarios.

El resto de los personajes  son también los habituales en las obras de Sorozábal. Muy bien retratados en sus perfiles, tanto los dramáticos como los cómicos. En esta ocasión se han adaptado con el mayor respeto al libreto original, resaltando la personalidad de cada uno.

Berna perles, en el papel de Reyes y Javier Franco,
como Fernando

El cuadro de cantantes ha estado compuesto en esta ocasión por dos excelentes repartos. Ángel Ódena y Javier Franco en el rol de Fernando; Carmen Solís y Berna Perles, como Reyes;  Andeka Gorrotxategi y Alejandro del Cerro, como José María, el pretendiente de Reyes; el aspirante a torero Anjelillo, interpretado por el siempre solvente Ángel Ruiz; Micaela, la pizpireta prima de Reyes, a cargo de Ana Gomá; Gurutze Beitia como Señá Patro; Lara Chaves como Esperanza Moreno, la cantante que pretende a Fernando; Manuel de Andrés y Rocío Galán, que interpretan al matrimonio vecino de Glosopeda e Isidora y el Mister Older de José Luis Martínez, el dueño del barco, de origen sueco

La música es la que consigue el mayor protagonismo. La localización andaluza de la historia permite una variada representación de géneros musicales, desde las sevillanas y coplas, hasta el más puro flamenco, pasando por las habaneras.

La dirección musical del maestro Guillermo García Calvo estuvo a un muy nivel. Hay que tener en cuenta que el foso sigue estando ocupado por apenas veintiséis maestros, debido alas restricciones por covid, lo que merma muchísimo los resultados finales. Esperemos que esta circunstancia pase pronto y tengamos ocasión de escuchar en plenitud la Orquesta de la Comunidad de Madrid.

Un acierto más programar estas obras casi desconocidas y presentarlas al público con la solvencia de esta producción.

Texto: Paloma Sanz
Imágenes: Elena del Real

Sorozábal

El Teatro de la Zarzuela prosigue el ciclo ‘A propósito de…’: El maestro Guillermo García Calvo indaga en esta ocasión en el entorno musical e intelectual de Sorozábal.

Con obras de Mateo Albéniz, Falla, Usandizaga, Guridi, Ravel, Margarita Blancafort y Kapustin

Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, proseguirá este próximo domingo, 30 de enero (12h00) en el ambigú del coliseo, con el ciclo ‘A propósito de…’. En esta ocasión estará dedicado al entorno musical e intelectual de Pablo Sorozábal, con motivo del estreno en estos días de la zarzuela ‘Entre Sevilla y Triana’ dirigida por el propio maestro.

García Calvo introducirá y explicará al piano las relaciones que existen entre el músico de San Senastián, sus obras y las de sus coetáneos, tendiendo puentes entre nuestros autores más importantes y las corrientes nacionales e internacionales de cada periodo.

En este segundo concierto casi iniciático, al que se le ha añadido el explicativo título de ‘Música vasca, música «ligera» y jazz’, el director de orquesta y pianista conectará el universo Sorozábal con el de Mateo Albéniz, Manuel de Falla, José María Usandizaga, Jesús Guridi, Maurice Ravel, Margarita Blancafort y Nikolái Kapustin, argumentando con la palabra y con la música.

Próxima cita del ciclo:

‘A propósito de Albéniz’ · Virtuosos y poetas del piano romántico, domingo 3 de abril de 2022

foto by © david bohmann photography

Estrella Morente

Estrella Morente celebrará sus 20 años como artista única en el ciclo de Conciertos del coliseo madrileño el 31 de enero.

Estrella Morente (Sacromonte, Granada, 1980), referente indiscutible del flamenco y de la música española, vuelve a Madrid,  su “casa chica”, donde el próximo lunes 31 de enero ofrecerá dentro del ciclo de Conciertos del Teatro de la Zarzuela lo mejor de su arte. Lo hará abrazada al calor siempre apasionado, sabio y leal de su público, para celebrar 20 años como artista única.

Rodeada de artistas desde la cuna, Estrella Mornte había nacido para cantar. Reúne todas las condiciones de las artistas memorables: una voz privilegiada, sentido del ritmo, pasión, la herencia de sus mayores y la curiosidad para explorar e incorporar nuevos matices a su estilo, siguiendo la estela del imprescindible Enrique Morente, su padre, de quien ha heredado el don natural para la música.

Debora Garber nos adelanta que en esta noche especial nos invitará a un viaje en el que iremos desde la sutil sencillez de los cantes festeros de su infancia, hasta las profundidades del amor añorado. “El panorama completo de los sentimientos, la gama entera de sensaciones y colores — todas las vivencias de la mujer de hoy, además de la de antaño, se recogen en la voz de Estrella”, concluye Garber.

Entre Sevilla y Triana

Pablo Sorozábal es, siempre lo fue, un músico todo terreno  que aborda con inusitado éxito y aparente facilidad cualquier estilo que se le ponga por delante y, lo que es más difícil, siempre logrando o rozando la excelencia. Un canto ilustrado y sabio contra la monotonía musical y teatral es su obra, y buena prueba de ello es ‘Entre Sevilla y Triana’, la «zarzuela sevillana» del maestro donostiarra que en los casi 72 años transcurridos desde su estreno, sube por primera vez al escenario del Teatro de la Zarzuela, templo del género por antonomasia. Mucha culpa ha tenido en esta sorprendente ausencia el hecho de que este sainete lírico en dos actos (como lo denomina la propia partitura) haya estado perdido durante más de 50 años. Y llegado ahora el momento de enmendar, el público podrá disfrutar de este título en toda su esencia con las diez funciones programadas entre el 26 de enero y el 6 de febrero.

Y el remedio no puede tener mejores protagonistas: la siempre esperada dirección musical del maestro Guillermo García Calvo –director musical del Teatro de la Zarzuela, Generalmusikdirektor de la Ópera de Chemnitz en Alemania, director titular de la Robert-Schumann-Philharmonie y sin duda uno de nuestros pesos pesados de la dirección de orquesta–, la escena de Curro Carreres, rociada de conocimiento, significado, coherencia y poesía, así como dos repartos que incluyen muchas de las voces españolas más aclamadas del momento.

Se mire por donde se mire, tiene todo el sentido la expectación que ha levantado la presentación de ‘Entre Sevilla y Triana’ en el Teatro de la Zarzuela. La obra fue estrenada el 8 de abril de 1950 en el Teatro Circo Price de Madrid (en el antiguo, el de la Plaza del Rey que ocupaba justamente el emplazamiento en que hoy se levanta el Ministerio de Cultura y Deporte). Antes de su recuperación, sus últimas funciones databan del año 1955. Más de medio siglo en el olvido. Su partitura original, que se creía perdida desde aquellas últimas funciones, fue recuperada en 2007 por el director musical Manuel Coves y el propio Curro Carreres en los archivos de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) con anotaciones manuscritas del propio compositor como valor añadido. Es a partir de ese momento cuando se recobra esa joya escondida de Sorozábal que culminaría con el montaje de la producción que ahora se presenta en La Zarzuela. Fue en 2012 en el Teatro Arriaga, coproducida con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, los Teatros del Canal de Madrid y el Teatro Campoamor de Oviedo.

Todo un acontecimiento
Su llegada al Teatro de la Zarzuela es por tanto todo un acontecimiento, y como tal sin duda se vivirá en las tablas del escenario y en las butacas de la sala. García Calvo volverá a ocupar el podio del foso del coliseo que compartirá con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro, y estará también al frente del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y de un memorable doble reparto; si no, al tiempo:

El papel de Fernando, ese Marino que dejó Sevilla y con el que un año atrás Reyes vivió una historia de amor de la que sigue prendada, lo interpretan los barítonos Ángel Ódena y Javier Franco; las sopranos Carmen Solís y Berna Perles encarnan a la joven Reyes, que sin que Fernando llegara a saberlo, dio a luz a un niño fruto de aquella relación; los tenores Andeka Gorrotxategi y Alejandro del Cerro hacen las veces de José María, enamorado de Reyes y rechazado una y otra vez por esta, que despechado desvela públicamente la existencia del hijo de aquella; el tenor-actor Ángel Ruiz y la mezzosoprano Anna Gomà dan vida a Angelillo –aspirante a torero–, y Micaela –prima de Reyes–, que mantienen una relación amorosa alegre, fresca y hasta saludable; la emoción llega como un torbellino con el cantaor Jesús Méndez, quien precisamente interpreta a un cantaor vecino del barrio donde la acción se desarrolla; la cantante y actriz Gurutze Beitia asume el rol de la madre de Micaela y tía de Reyes, viuda para más señas; el actor José Luis Martínez es Míster Olden, dueño del barco en el que un año después regresa Fernando a Sevilla sin saber lo que allí le espera; el actor Manuel de Andrés será el glosopeda, vecino casado con Isadora; los actores Antonio MM y Resu Morales, el Señor Mariano y Doña Benita que han criado como suyo al hijo de Reyes, ocultando la verdad al vecindario; también tendrán presencia y voz en el relato los actores Rocío Galán, como Isadora, David Sigüenza, como ese mozo jovenzuelo que es Escardillo; Lara Chaves, que se meterá en la piel de la cantaora Esperanza Moreno, la nueva amante de Fernando; o el actor Alberto Caballero, que será el laborioso alfarero.

Y todos ellos se moverán, se emocionarán, se divertirán y sufrirán a lo largo y ancho de la espectacular escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda, con el no menos extraordinario vestuario de Jesús Ruiz, la iluminación siempre ensoñadora de Eduardo Bravo y la mágica coreografía de Antonio Perea que desarrollarán los propios protagonistas junto con 13 figurantes bailarines.

Respecto a la recuperación
Respecto a la recuperación, Curro Carreres señala que “el trabajo dramatúrgico con las versiones originales ha sido escrupuloso […] y se ha hecho con el mayor respeto y amor […]. El resultado es un melodrama o comedia dramática de grandísimo interés”. Para Carreres, esta historia de una madre soltera estrenada en plena dictadura franquista nos ofrece la oportunidad de reflexionar sobre los avances vividos en nuestra sociedad hacia la igualdad entre hombres y mujeres, “de ahí que el machismo imperante, las masculinidades tóxicas del pasado, sean presentados desde la perspectiva actual de las necesarias lecturas de género”.

En cuanto a la música, Guillermo García Calvo sostiene que “desde la primera nota del preludio –un si natural en trémolo–, Sorozábal nos trasporta a una Andalucía de ensueño. Cuerdas y vientos entonan justo después al unísono la melodía que más tarde Reyes cantará con las palabras: «¡Que sepa todo el mundo / la verdad bien clara! / ¡Ese niño es mío; / es de mis entrañas!»”. El maestro argumenta el hecho de que Sorozábal impone su genio artístico y musical siempre mimetizado con el ambiente que le propone cada libreto: de esta manera, el director de orquesta explica que “si en ‘Katiuska’ enseguida nos seducían los giros melódicos de la música rusa interrumpidos por los números de cabaret parisino, en ‘La del manojo de rosas’ el carácter castizo de Madrid se hace música y en ‘La tabernera del puerto’ escuchamos las olas del mar, en este nuevo título encuentra para sí mismo un lenguaje andaluz con ritmos y armonías flamencas. Las sevillanas, el zorongo, la farruca y el pasodoble nos cuentan la historia bailando, con una poesía y una autenticidad increíbles, como si las hubiera escrito un García Lorca”.

Entre las grandes de Sorozábal
El título está, sin lugar a dudas, entre las grandes creaciones de Sorozábal. Con un texto de Luis Fernández de Sevilla y Luis Tejedor, de una poética y un lirismo muy avanzado, y un extraordinario valor que entre otras muchas cosas radica en la innegable originalidad de su argumento o la fidedigna ambientación de Sevilla y Triana. Es extraño y significativo que una obra con tantos valores y de un autor tan popular y exitoso cayera como cayó en un olvido casi completo. Posiblemente esta circunstancia tan difícil de comprender esté íntimamente relacionada con la época en la que se estrenó y con un argumento extremadamente moderno para entonces: una madre soltera que se reivindica a pesar de las leyes y la sociedad del momento.

La musicóloga Consuelo Pérez Colodrero recoge algunas de las crónicas de los estrenos de ‘Entre Sevilla y Triana’ en ciudades tan concluyentes como Madrid o Barcelona, donde el sainete de Sorozábal fue saludado con palabras muy semejantes, considerando la obra, por ejemplo, como «una nueva muestra del valer» del compositor por «su inspiración cautivadora y su fuerte temperamento musical», que «brillan de nuevo en unos fragmentos llenos de empaque y donaire».

Premio Ruperto Chapí: ascenso y caída
La experta también extrae de aquellos escritos que tanto en Madrid como en Barcelona «la mayoría de los números se repitieron entre grandes aplausos, de los que también participaron, en estricta justicia, los artistas». Parecía que la obra marchaba de manera triunfal por los escenarios nacionales. “El éxito obtenido por el sainete, su magnífica factura, así como la paulatina rehabilitación del compositor en la vida musical del país —había sido depurado en 1939— llevaron, además, a que ‘Entre Sevilla y Triana’ recibiera el Premio Ruperto Chapí, que convocaba la Delegación de Cinematografía y Teatro, a la mejor producción lírica de la temporada 1949-1950, “lo que suponía el definitivo reconocimiento oficial al trabajo del músico vasco como compositor lírico y como empresario teatral”, indica Pérez Colodrero.

Sin embargo, recuerda la estudiosa, a partir de su presentación catalana (1953), ‘Entre Sevilla y Triana’ apenas fue mencionada por la crítica a su paso por ciudades como Granada, Sevilla, Salamanca o Zamora, en las que la obra se presentó entre 1953 y 1954, de tal suerte que, tras el fugaz éxito de su reestreno en Madrid, en enero de 1955, se retiró del circuito, “acaso porque su trama no terminaba de encajar en la estricta moral de la época”. Consuelo Pérez Colodrero también señala que el escaso rédito económico —que no artístico— de sus producciones escénicas llevó a Sorozábal a abandonar paulatinamente la composición de zarzuelas y sainetes y a retomar su trabajo como compositor de obras corales de temática vasquista, como director de orquesta e incluso haciendo una próspera incursión en el cine con ‘Marcelino, pan y vino’ (Ladislao Vajda, 1955), en compañía de su hijo.

Y rubrica que tras el inmerecido silencio de más de medio siglo, el regreso de ‘Entre Sevilla y Triana’ a la escena no solo restituye esta página, último sainete del compositor, al lugar que le corresponde por méritos propios, sino que constituye un nuevo argumento para mostrar el corpus sorozabaliano como un neto ejemplo de cómo llegar a la entraña y al espíritu de lo popular por una honda comprensión, manteniéndose siempre en el estrecho y difícil equilibrio entre la renovación estética, la transgresión y la inteligibilidad para el público general.

Notas del Ambigú

El Teatro de la Zarzuela celebra el inicio del año con dos intensas propuestas del ciclo Notas del Ambigú. A las Cantadas de José de Torres interpretadas por Alberto Miguélez Rouco, Pablo Fitzgerald y Teodoro Baù el martes 4 de enero (20h00), se une bajo el sugerente título de ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’ el nuevo espectáculo del cantante, actor, director de escena y dramaturgo Enrique Viana, que estará acompañado por el pianista Ramón Grau. Se ofrecerán tres sesiones los días 7, 8 y 9 de enero a las 20h00 excepto la del domingo que comenzará a las 18h00.

Será una hora y cuarto de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada. Dos personajes se encuentran en el mismo sitio a horas distintas y en diferentes siglos. Enrique Viana ha concebido un espectáculo para después del espectáculo de la semana «laboral», después del «ay, por favor…no puedo más» y justo antes del «jejejeje» en el móvil y de la risa en directo.

Se trata de un «cabaret lírico», al más puro estilo Viana, adornado, salpicado, estampado, serigrafiado, pulverizado con «músicas varias» de nuestra zarzuela y despropósitos de nuestra historia diaria. Con músicas de Guridi, Moreno Torroba, Penella, Serrano y Valverde, Sorozábal, Ocón, Pérez Rosillo y Martínez Faixá o Guarido.

Nadie, absolutamente nadie quedará indiferente.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles del 28 de octubre al 4 de julio.

Tras el espectáculo de Enrique Viana y Ramón Grau, la soprano Carmen Romeu y el pianista Borja Mariño presentarán el recital ‘La meua llar’ con la intención de llevarnos en alas de la música a ese lugar íntimo, de reunión familiar, de calma y seguridad, de tradiciones, enseñanza, música y aromas de niñez –a puchero, naranjas y azahar–, el pálpito de la tierra en cada nota: Valencia (11 de febrero). Con ocasión del Día Internacional de la Mujer, la actriz y cantante Gurutze Beitia y el pianista César Belda presentrán ‘Una mujer en la música’, recital integrado por obras de compositoras de música popular de España y allende los mares (8 de marzo). Seguirá el ciclo con el concierto ‘Catalanes por el mundo’ en el que el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán obras de autores catalanes que compusieron también en otros idiomas como Eduard Toldrà, Joan Manén, Pau Casals, Jaume Pahissa o Isaac Albéniz (18 de abril). Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, y en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Teatro de la Zarzuela convocará un concurso para jóvenes compositores cuyas tres obras ganadoras serán estrenadas por el Ensemble Opus 22 (28 de junio). Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

Concierto de Navidad

La Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) y el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela se unirán a la fiesta.

Interpretarán obras de Barbieri, Giménez y Nieto, Soutullo y Vert, Chueca y Valverde, Sorozábal, Vives, Moreno Torroba, Luna o Penella.

El Teatro de la Zarzuela pondrá el punto final artístico a 2021 el próximo jueves 30 de diciembre a las 20h00 con su tradicional Concierto de Navidad. Será una celebración por todo lo alto del género que le da nombre, nuestra lírica, y que desde hace 165 años es la razón de ser del histórico coliseo de la plazuela de Jovellanos. En un año de nuevo especialmente difícil para todos debido a la obstinada pandemia, es aún mayor el deseo de disfrutar de nuestros compositores, de la vida y de la cultura; y buena prueba de ello es que, como de costumbre, las entradas “volaron” en pocos días.

El concierto estará dirigido por el maestro Guillermo García Calvo –director musical del Teatro– y contará con la participación de varias de las voces líricas más deslumbrantes de los últimos años: las de la soprano Sabina Puértolas y el tenor José Bros. Como también es habitual en esta esperada cita, a la celebración se sumarán el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y la Orquesta de la Comunidad de Madrid, titular asimismo del coliseo.

El programa incluirá obras de Barbieri, Giménez y Nieto o Soutullo y Vert, composiciones de Chueca y Valverde, Sorozábal o Vives, o creaciones de Moreno Torroba, Luna o Penella. Una memoria completa de obras maestras reconocibles por todos, ya que, no en vano y se quiera o no, llevamos esta música implícita en el ADN.

Lisette Oropesa, Zarzuela

Durante más de una hora estuvo Lisette Oropesa saludando y fotografiándose con los fans, que la esperaban a la salida del Teatro de la Zarzuela el lunes 23, tras  su recital de “Zarzuela de ida y vuelta”. Y es que Oropesa se ha convertido casi en un fenómeno de masas allá por donde actúa. Aún se recuerda en Madrid, entre otras actuaciones, su Lucia di Lammermoor en el Teatro Real, hace ya tres temporadas, junto a Javier Camarena.

Era la primera vez que la soprano norteamericana actuaba en el Teatro de la calle Jovellanos, estrenando además repertorio. Nada menos que un programa íntegramente de zarzuela, y destacar sin duda el esfuerzo y el interés de Oropesa por cantar estas emblemáticas piezas del género, convenientemente mezcladas con obras de marcado carácter hispano-cubano.

Demostró una vez más la gran versatilidad de su voz, capaz de abordar nuevos géneros e interpretarlos de manera brillante. O habría que decir, apabullante. Sus cualidades vocales son evidentes. No existe nada en la partitura, ni fuera de ella, que se le resista. Mantiene unos agudos y sobreagudos excepcionales, un centro homogéneo y unos graves muy consistentes. Y una de sus mayores cualidades, teniendo en cuenta su ligereza, un volumen de voz más que apreciable. Aunque en algunos momentos sonó un poco engolada, utiliza a la perfección el legato y la media voz. Mantiene impecable su buena dicción y gestiona con brillantez y generosidad el fiato.

Estuvo acompañada al piano por un enérgico Rubén Fernández Aguirre. Y es que no resulta fácil acompañar al piano a una fuerza tan arrolladora como Lisette Oropesa. Interpretaron obras de Barbieri, Falla, Joaquín Nin, Jorge Ankermann, Sorozabal, Lecuona, Rodrigo, Carlos Imaz, Manuel Penella, Gonzalo Roig y Piazzolla al piano de Fernández Aguirre.

Su cercanía con el público la llevó a tener momentos muy simpáticos, llegando a contar algún chiste. También tuvo el detalle de pedir que la Zarzuela sea declarada Patrimonio de la Humanidad. Todo cuenta en este empeño común.

El éxito de Lisette Oropesa fue absoluto. Tras salir varias veces a saludar a un público en pie, ofrecieron tres propinas. La primera fue una habanera cubana. Después interpretó “Las carceleras”, de la zarzuela Las hijas del Zebedeo, de Ruperto Chapí. Y por último una obra poco conocida, una pieza del El húsar de la guardia, de Amadeo Vives, llena de dificultades, coloraturas y sobreagudos que fueron muy apreciados y premiados por el público que no dejaba de aplaudir.

Sin duda uno de los grandes éxitos que se han visto en este Teatro en muchos años. Esperemos que no sea el último y que Lisette Oropesa incluya al Teatro de la Zarzuela entre sus habituales.

Fotografía: Elena del Real

Cada vez son más las grandes voces internacionales atraídas por el magnetismo irresistible de la zarzuela. Y qué mejor lugar para ensalzar el género que el Teatro de la Zarzuela, único en el mundo con una temporada regular dedicada a esta música, creado hace 165 años precisamente para salvaguardarla y promoverla hasta el punto de hacerla imprescindible. Y así, la próxima semana se vivirá en este coliseo uno de los momentos supremos de la temporada con la soprano norteamericana Lisette Oropesa, una de las grandes voces líricas de hoy, aclamada en todos y cada uno de los más importantes teatros del mundo. Dentro del ciclo de Conciertos del coliseo madrileño, la intérprete de Nueva Orleans presentará el próximo lunes 13 de diciembre (20h00) un concierto dedicado a ensalzar el género y la importancia que para este tuvo la mutua influencia de las dos orillas del Océano; no en vano lo ha bautizado como ‘Zarzuela de ida y vuelta’, y en él estará acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre.

Lisette Oropesa se enfrenta así por vez primera a un recital armado con romanzas de zarzuela española y cubana, en una velada musical que promete ser de esos momentos para no olvidar y que servirá como homenaje a Cuba, la tierra de sus padres; sus raíces.

En concierto será pues un emocionante viaje que transitará indistintamente por romanzas de zarzuela de aquí –Barbieri, Sorozábal o Penella– y de zarzuela cubana –Ankermann, Lecuona o Roig–, además de por la belleza y sentimiento de canciones de uno y otro lado –Falla, Nin o Rodrigo–.

Rubén Fernández Aguirre rendirá también sendos homenajes en sus intervenciones de piano solo: uno a Emilio Arrieta, y otro a Astor Piazzolla en el bicentenario y el centenario de sus respectivos nacimientos.

MANUEL BUSTO

Tras su éxito con el ballet operístico La Bella Otero, el compositor y director de orquesta Manuel Busto regresa al foso del Teatro de la Zarzuela para ponerse al frente  de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) en Invocación, la propuesta del Ballet Nacional de España que estará en cartel del 10 al 22 de diciembre; además de ejercer como director musical, Manuel Busto firma la partitura de Invocación bolera, y Jauleña, dos de las obras que integran este espectáculo diseñado por Rubén Olmo, director artístico del BNE, en el que se ofrece una visión global de la Danza Española (escuela bolera, danza estilizada y flamenco). El programa se completa con Eterna Iberia de Manuel Moreno-Buendía, y De lo flamenco, que rinde homenaje a Mario Maya.

Invocación bolera es una visión contemporánea de la escuela bolera tradicional, que surge en el siglo XVIII en España fruto de la combinación de bailes populares andaluces con danzas académicas. “Se trata de una composición pensada para el cuerpo de baile, que no para solistas, por lo que la dimensión sonora es diferente y ofrece una oportunidad única de ver toda la esencia del Ballet Nacional de España. Además, al talento artístico de los bailarines, se suma la energía de cantar con la música en vivo de los músicos flamencos del BNE y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid”, señala Manuel Busto. “Y el encargo de Jauleña por parte del BNE, me hizo especial ilusión, porque creo que es muy novedoso mezclar la granaína, con un solo de violonchelo, y el zapateado”, concluye.

Considerado como uno de los directores de orquesta con mayor proyección internacional de su generación, Manuel Busto debutará este mismo mes en el Teatro Comunale di Bologna, donde dirigirá Don Juan, producción de la Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, con la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna en atriles. Sus próximos compromisos también incluyen el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Teatro de la Zarzuela

Manuel Busto

Marlis Peterson

El martes 23, que no el lunes, tenía lugar el segundo recital del Ciclo de Lied que organizan conjuntamente el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM). En esta ocasión regresaban al ciclo la soprano Marlis Peterson, acompañada al piano por Stephan Matthias Lademann.

El repertorio, variado en obras y autores, tenía un hilo conductor muy definido y extraordinariamente elaborado, la profundidad del alma y la cascada de sentimientos que la envuelven. Desde los más oscuros y taciturnos, pasando por la intensidad de los enamorados, hasta llegar a los sentimientos más trascendentales y esperanzadores.

La primera parte, dedicada a la noche y los sueños, estuvo compuesta por obras de Karl Weilg, Richard Strauss, Johannes Brahms, Hugo Wolf y Hans Sommer. Le siguió un conjunto de obras con una mirada interior sobre la muerte y el dolor de la pérdida. En esta ocasión las obras pertenecían a Max Reger, Richard Strauss y tres piezas de Johannes Brahms. Tras la muerte llegaba la explosión del amor y el romanticismo, de la mano de Reynaldo Hahn, Henri Duparc y Gabriel Fauré. Terminaba el recital con el conjunto de canciones dedicadas a la liberación y el regreso a casa, con obras de Max Reger, Hugo Wolf, Richard Rössler y Gustav Mahler.

Entre cada grupo de canciones, Petersen, micrófono en mano, ofreció al público una explicación de cada una de las ambientaciones emocionales que venían a continuación.

Marlis Peterson es una cantante notable y una muy buena actriz. Muy expresiva y comunicativa con el público, con el que llegó a bromear en el momento de los bises. Pero el repertorio del lied no parece ser lo más apropiado para sus características vocales. Sus graves escasean y el tránsito de la zona media a los agudos resulta algo desabrido. Lo que no resta a una muy meritoria interpretación con la que supo generar las atmósferas adecuadas a cada obra.

Stephan Matthias Lademann estuvo siempre atento y solícito, facilitando el trabajo de Peterson en un perfecto y armonioso entendimiento.

Se despidieron con dos propinas, tras la insistente ovación del público, “Träume” (sueños), de Wagner y “Nacht und Träume” (noche y sueños), de Schubert, para continuar con el hilo conductor de la noche y los sueños.

Un variado y enriquecedor recital muy disfrutado y que deja un muy buen sabor de boca. Esperemos que Marlis Peterson regrese pronto a este ciclo.

Marlis Petersen

Marlis Petersen estará acompañada por el pianista Stephan Matthias Lademann con quien interpretará canciones de Weigl, Richard Strauss, Brahms, Wolf, Sommer, Reger, Hahn, Duparc, Fauré, Rössler y Mahler.

El ciclo es una coproducción entre el Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela y se extenderá hasta julio de 2022.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de la Zarzuela presentará el próximo martes 23 de noviembre a las 20h00 en el XXVIII ciclo de Lied el recital de la soprano alemana Marlis Petersen, una de las voces más queridas, requeridas y aclamadas en el mundo, que interviene por primera vez en este reconocido ciclo.

Petersen estará acompañada por el pianista Stephan Matthias Lademann para ofrecer un programa que indagará en los universos de Karl Weigl, Richard Strauss, Johannes Brahms, Hugo Wolf, Hans Sommer, Max Reger, Reynaldo Hahn, Henri Duparc, Gabriel Fauré, Richard Rössler y Gustav Mahler. Un compendio del arte del lied y de la mélodie.

Un amplio repertorio que domina con ese sedoso timbre de soprano lírica que la convierte en una artífice en la creación de claroscuros. La intérprete germana controla perfectamente cada nota en un discurso rico en sugerencias y en todo momento coherente y emotivo. Estas son precisamente las condiciones idóneas para adentrarse con todas las garantías en los universos liederísticos, en ocasiones tan recónditos.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

Fotografía: Yiorgos Mavropoulos

La Tabernera del puerto

Que ‘La tabernera del puerto’ de Pablo Sorozábal es una obra maestra hay pocos que lo cuestionen. Algunos la consideran, sin duda con razón, algo así como la Traviata de la zarzuela, mientras otros la estiman como la última gran zarzuela de la historia. Fue estrenada en el Teatro Tívoli de Barcelona en mayo de 1936 –pese al éxito indiscutible, con no pocos problemas para el compositor debido a los tiempos convulsos que dos meses después derivarían en la Guerra Civil–, y en Madrid en marzo de 1940 –una vez terminada la contienda– en el Teatro de la Zarzuela. Ahora, 81 años después de aquella premier madrileña, regresa a este mismo escenario con un montaje emotivo, en ocasiones poético y, ante todo, profundamente teatral y documentado del director de escena Mario Gas.

Están programadas 8 funciones entre el 19 y el 28 de noviembre, de este ‘romance marinero en tres actos’ cuyo libreto original lo firman los dramaturgos Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw.

Mario Gas tiene profundas razones para que su trabajo venga repleto de una muy especial carga de emotividad y de conocimiento. Sus vínculos familiares le convierten en agudo conocedor de la obra de Sorozábal. No en vano, en el reparto que participó en el estreno de ‘La tabernera del puerto’ en el Teatro de la Zarzuela el 23 de marzo de 1940, su padre, el bajo Manuel Gas, que a lo largo de los años llegó a tener una estrecha relación con el compositor, cantaba el papel de Simpson con el que a partir de aquella presentación alcanzaría grandes y continuados éxitos.

Otro de los platos fuertes de la propuesta del Teatro de la Zarzuela es la escenografía y el vestuario, que firman respectivamente el genial Ezio Frigerio y la oscarizada (‘Cyrano de Bergerac’, 1991) Franca Squarciapino, cuyo trabajo acabamos de disfrutar en su montaje de ‘Los gavilanes’ en este mismo Teatro de la Zarzuela, y ambos historia viva de una de las más brillantes generaciones teatrales de todos los tiempos, con el actor y director de escena Giorgio Strehler y el actor, dramaturgo y director Eduardo De Filippo como sus cabezas y referencias más visibles.

El conjunto de ambas artes, la escenográfica y la del vestuario, llega a ser por momentos ensoñadora, a lo que contribuye la videoescena de Álvaro Luna.

La programación de ‘La tabernera del puerto’ es siempre un acontecimiento, pero el interés sube enteros si el equipo artístico que la pone en pie tiene la altura que la obra exige, como es el caso. A Mario Gas, Ezio Frigerio y Franca Squarciapino, se suma en esta propuesta la dirección musical de Óliver Díaz que estará al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) y del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, así como de un doble reparto que supera con creces los muy especiales atributos vocales que reclama la composición del maestro Sorozábal.

La de ‘La tabernera del puerto’ es una partitura evocadora, de atmósfera impresionista y repleta de aires portuarios, de ultramar, de mestizaje y de fusiones modernas. Óliver Díaz reflexiona al respecto asegurando que la música de ‘La tabernera del puerto’ “es hija de su época, pues responde a lo que ya se hacía en el resto de Europa: por una parte está el Verismo y por otra el Impresionismo. El compositor emplea magistralmente acordes, sonoridades y colores orquestales para describir el ambiente marinero del pueblo, recrear un acordeón en una de las canciones o dar vida a una galerna en escena”. El director alude también a la variada instrumentación a la que recurre Sorozábal para describir los exóticos paisajes de ultramar; “todo resuelto con una gran capacidad de síntesis y de genialidad que caracteriza la obra del compositor”.

A la altura de las circunstancias

Eso es lo que deben transmitir músicos y cantantes. Y para ello, para que el espíritu legítimo de la obra llegue a la sala, y desde allí vuelen hasta el escenario como genuina respuesta las muestras de satisfacción y el regocijo del público, es necesario contar sobre las tablas con un reparto a la altura de las circunstancias, que en este caso es mucha.

No hay peligro. En esta ocasión la garantía de solvencia está servida por cualquiera de los flancos desde el que se mire: formarán los elencos las sopranos María José Moreno y Sofía Esparza en el papel de Marola (la joven tabernera que provoca amores y envidias), los barítonos Damián del Castillo y Rodrigo Esteves en el de Juan de Eguía (el dueño de la taberna que mantiene una extraña relación con Marola, que todos creen su esposa), los tenores Antonio Gandía y Antoni Lliteres, que encarnan a Leandro (el joven marinero que se desvive de amor por Marola), los bajos Rubén Amoretti e Ihor Voievodin  como Simpson (curtido lobo de mar inglés, borracho y único depositario del oscuro pasado de Juan de Eguía con quien comparte un turbio interés), la soprano Ruth González haciendo las veces de Abel (joven músico callejero que bebe los vientos por Marola, cantando a los siete mares su belleza y sus gracias), la actriz-cantante Vicky Peña dando vida a Antigua (sardinera desposada con el marino Chinchorro, como este muy dada a consolarse con la botella y celosa de sus continuas visitas a la taberna), el actor-cantante Pep Molina como Chinchorro (marinero, muy dado a la bebida, patrón del barco en el que tripula el joven Leandro), el tenor-actor Ángel Ruiz, cuyo personaje es Ripalda (dueño del Café del Vapor, competencia de la taberna de Juan Eguía y lugar que acoge alguno de los momentos reveladores de la trama), el bajo Abel García, que interpreta a Verdier (extraño marinero marsellés, antiguo conocido de Juan de Eguía, con quien tiene un oscuro negocio entre manos), el actor Agus Ruiz, el actor-cantante Didier Otaola y el también actor Ángel Burgos, que representan respectivamente a los marineros Fulgen y Senén y al sargento de carabineros Valeriano. Junto a ellos alternarán la escena 7 actores.

Es necesario destacar también la siempre pulcra e inteligente iluminación de Vinicio Cheli y la naturalidad del movimiento escénico creado por Aixa Guerra.

“Este Romance marinero no es una obra realista ni lo pretende; se trata de un relato teatral teñido de un vapor de leyenda, o elemento poético, en el que se explica una historia de contrabando y de amor en un pueblo marinero”. Mario Gas quiere ser fiel a la obra y que los intérpretes ayuden a “contar la historia con todo el sentimiento y toda la verdad que permite el teatro”, porque aquí se combina la pasión teatral con la cultura popular.

Enzarzados

El Teatro de la Zarzuela presenta Enzarzados, dentro del ciclo Notas del Ambigú, un peculiarísimo concierto: la historia de dos jóvenes procedentes del teatro musical, Nuria Pérez y David Pérez Bayona, que iniciaron su andadura en la zarzuela a través del exitoso y premiado Proyecto Zarza del Teatro (zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes) y descubrieron en este género un tesoro que, sin saberlo, les pertenecía.

El próximo lunes, 15 de noviembre (20h00), acompañados por el pianista Álvaro Ortega Luna, derribarán barreras trazando las similitudes entre el teatro musical americano anterior a la década de los 60 y la zarzuela. Ambos géneros se darán la mano con canciones de Cole Porter, Irving Berlin, Rodgers y Hart, Gershwin, Bernstein, Sondheim, que se irán alternando de forma sorprendentemente natural con composiciones de Francisco Alonso, Pablo Sorozábal, Federico Chueca, Manuel Fernández Caballero o Tomás Bretón.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles del 28 de octubre al 4 de julio.

Al concierto de Nuria Pérez y David Pérez Bayona, seguirá el del dúo formado por el bandoneonista Claudio Constantini y la pianista Louiza Hamadi que ofrecerán un programa para festejar el centenario del nacimiento de Astor Piazzolla (2 de diciembre); a continuación será el contratenor Alberto Miguélez Rouco, flanqueado por el laúd de Pablo Fitzgerald y la viola da gamba de Teodoro Baù quien abordará las Cantadas de José Torres, uno de los compositores cruciales del Barroco (4 de enero). El ecuador del ciclo lo marcará el espectáculo de Enrique Viana ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’ quien en compañía del pianista Ramón Grau ofrecerá, con el genuino estilo a que nos tiene acostumbrados, hora y cuarto de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada (7, 8 y 9 de enero). La soprano Carmen Romeu y el pianista Borja Mariño presentarán, a su vez, ‘La meua llar’ con la intención de llevarnos en alas de la música a ese lugar íntimo, de reunión familiar, de calma y seguridad, de tradiciones, enseñanza, música y aromas de niñez –a puchero, naranjas y azahar–, el pálpito de la tierra en cada nota: Valencia (11 de febrero). Con ocasión del Día Internacional de la Mujer, la actriz y cantante Gurutze Beitia y el pianista César Belda presentrán ‘Una mujer en la música’, recital integrado por obras de compositoras de música popular de España y allende los mares (8 de marzo). Seguirá el ciclo con el concierto ‘Catalanes por el mundo’ en el que el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán obras de autores catalanes que compusieron también en otros idiomas como Eduard Toldrà, Joan Manén, Pau Casals, Jaume Pahissa o Isaac Albéniz (18 de abril). Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, y en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Teatro de la Zarzuela convocará un concurso para jóvenes compositores cuyas tres obras ganadoras serán estrenadas por el Ensemble Opus 22 (28 de junio). Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

I Premio de Composición TZ

En el I Premio de Composición podrán optar los alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología en el curso académico 2021/2022 del RCSMM o los que hayan obtenido dicho Título Superior en los últimos dos años académicos

El plazo límite de presentación de las obras será el 15 de marzo de 2022

Las obras serán estrenadas en junio por el Ensemble Opus 22 en el ciclo Notas del Ambigú

El Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid han convocado hoy la primera edición de su Premio de Composición, al que podrán optar los alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2021/2022 del RCSMM o los que hayan obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Los candidatos deberán presentar una sola obra que se ajuste a la siguiente plantilla obligatoria: clarinete (en si b, en la, requinto / bajo en si b), saxo (soprano, alto, tenor, barítono), violín y piano, y la duración mínima será de 7 minutos y máxima de 15 minutos. La obra presentada deberá ser inédita y no haber sido estrenada.  

El plazo límite de presentación de las obras será el 15 de marzo de 2022, y el lugar de hacerlo la  Vicedirección del RCSMM de forma anónima y en papel.

El Jurado, designado por el Departamento de Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y por el Teatro de la Zarzuela, seleccionará cuatro obras de entre las presentadas, que el Ensemble Opus 22 estrenará el martes 28 de junio de 2022 dentro del ciclo Notas del Ambigú y bajo el título ‘Música española contemporánea’.

FOTOGRAFÍA: RRSS OPUS 22

Sabina Puértolas

El Teatro de la Zarzuela inaugurará el próximo jueves, 28 de octubre (20h00) una nueva edición de Notas del Ambigú, uno de sus ciclos más populares y exitosos. La soprano Sabina Puértolas y el pianista Rubén Fernández Aguirre rendirán un emotivo homenaje a Emilio Arrieta (Puente de la Reina, Navarra 1821 – Madrid 1894), uno de los compositores españoles más destacados en el ámbito teatral, cuya aportación para la consolidación de la zarzuela como género fue decisiva, de quien este mismo mes de octubre se cumplen 200 años de su nacimiento.

El recital comenzará con su bella colección de ‘Canciones italinas’, con letras de Pablo Milanés, Felice Romani,  Adela Curti y autores anónimos, para continuar con una ‘Suite para piano sobre temas de «Marina»’ con arreglo de Carlos Imaz y una selección de ‘Canciones españolas’ con textos de José Estremera, Antonio Arnao, Antonio Fernández Grilo y de autores anónimos.

Un estreno absoluto del polifacético compositor (pianista, cantante, director de orquesta, escritor, poeta, actor, pintor…) Alberto García Demestres, cuya poliédrica alma renacentista ha creado para la ocasión una “escena lírica para soprano y piano” bajo el título ‘Los cisnes en palacio’ con texto de Antonio Carvajal.

Se da el caso de que este es el segundo homenaje que Sabina Puértolas (nacida en Zaragoza, aunque criada y educada en Navarra) y Rubén Fernández Aguirre (natural de Barakaldo, Vizcaya), rinden en el Teatro de la Zarzuela a Emilion Arrieta por su bicentenario. El primero fue el pasado mes de marzo junto con otros dos navarros ilustres como son la mezzosoprano Maite Beaumont y el tenor José Luis Sola.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro sigue ofreciendo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles del 28 de octubre al 4 de julio.

Al de Sabina Puértolas y Rubén Fernández Aguirre sobre Emilio Arrieta seguirá el de los jóvenes cantantes provenientes del teatro musical Nuria Pérez y David Pérez Bayona, salidos del premiado Proyecto Zarza (zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes), quienes acompañados por el pianista Álvaro Ortega Luna trazarán las similitudes entre el teatro musical americano anterior a los 60 y la zarzuela en el espectáculo ‘Enzarzados’  (15 de noviembre); luego será el turno del dúo formado por el bandoneonista Claudio Constantini y la pianista Louiza Hamadi que ofrecerán un programa para festejar el centenario del nacimiento de Astor Piazzolla (2 de diciembre); a continuación será el contratenor Alberto Miguélez Rouco, flanqueado por el laúd de Pablo Fitzgerald y la viola da gamba de Teodoro Baù quien abordará las Cantadas de José Torres, uno de los compositores cruciales del Barroco (4 de enero). El ecuador del ciclo lo marcará el espectáculo de Enrique Viana ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’ quien en compañía del pianista Ramón Grau ofrecerá, con el genuino estilo a que nos tiene acostumbrados, hora y cuarto de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada (7, 8 y 9 de enero). La soprano Carmen Romeu y el pianista Borja Mariño presentarán, a su vez, ‘La meua llar’ con la intención de llevarnos en alas de la música a ese lugar íntimo, de reunión familiar, de calma y seguridad, de tradiciones, enseñanza, música y aromas de niñez –a puchero, naranjas y azahar–, el pálpito de la tierra en cada nota: Valencia (11 de febrero). Con ocasión del Día Internacional de la Mujer, la actriz y cantante Gurutze Beitia y el pianista César Belda presentrán ‘Una mujer en la música’, recital integrado por obras de compositoras de música popular de España y allende los mares (8 de marzo). Seguirá el ciclo con el concierto ‘Catalanes por el mundo’ en el que el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán obras de autores catalanes que compusieron también en otros idiomas como Eduard Toldrà, Joan Manén, Pau Casals, Jaume Pahissa o Isaac Albéniz (18 de abril). Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, y en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Teatro de la Zarzuela convocará un concurso para jóvenes compositores cuyas tres obras ganadoras serán estrenadas por el Ensemble Opus 22 (28 de junio). Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

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