El Teatro Real presentará, entre el 22 de enero y el 18 de febrero, 10 funciones de Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski, en una nueva coproducción estrenada en 2020 en la Ópera de Oslo y presentada posteriormente en el Liceu de Barcelona, cosechando un gran éxito en ambos teatros.
Eugenio Oneguin es una novela introspectiva, reflexiva y confesional escrita íntegramente en verso por Alexandr Pushkin (1799-1837), con un narrador omnisciente, amigo del protagonista, que describe su corta y atribulada vida con una distancia crítica, analítica e irónica inspirada, en gran medida, en las peripecias vitales del propio escritor que, como el poeta Lenski en las páginas de su libro, moriría prematuramente en un duelo.
Cuando Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) decidió componer una ópera sobre Eugenio Oneguin, la obra de Pushkin era ya venerada como un monumento de la literatura rusa, precursora de las grandes novelas de Gógol, Turguénev, Dostoievski o Tolstói. Con enorme respeto y admiración, el compositor utiliza en el libreto fragmentos literales de la obra, omite y cambia algunas escenas y transforma en música la complejidad de los personajes, a los que trata con compasión, comprensión y ternura, distanciándose del sarcasmo crítico de la obra literaria.
El origen y composición de la ópera están ampliamente documentadas a través de la ingente correspondencia de Chaikovski, que da cuenta de cómo se entrelazan las vicisitudes de los personajes con los episodios de su propia vida.
La trama, muy sencilla, esconde los conflictos internos de los protagonistas, víctimas, todos ellos, de un contexto social implacable y hostil del que no logran liberarse. Tatiana, joven culta y melancólica de una familia hacendada, se refugia en la literatura para trascender la abulia de la vida rural. Un día conoce a Oneguin, estereotipo del héroe romántico -dandi, intelectual, seductor, ególatra, sarcástico y rebelde-, al que confiesa su amor en una carta apasionada a la que Chaikovski da voz con la poesía de Pushkin, creando una de las más bellas -y más largas- arias del repertorio lírico romántico.
Oneguin desprecia los sentimientos de Tatiana y coquetea con su hermana Olga, una ingenua pizpireta provinciana, provocando los celos de su prometido Lenski, poeta y gran amigo suyo al que acaba matando en un duelo. A partir de entonces, Oneguin deambula sin rumbo, cargando con su hastío y su culpa hasta a cruzarse de nuevo, años más tarde, con Tatiana. Ahora la ingenua joven que conoció se ha convertido en una mujer glamurosa, refinada y atractiva, esposa del príncipe Gremin, a la que expresa su tardío amor, siendo finalmente repudiado por ella, que decide ser fiel al marido.
Desde su génesis Chaikovski pensó en componer una obra sincera e intimista para cantantes jóvenes, capaces de mimetizarse con los personajes, alejados de los divos, fastos y oropeles de los teatros de ópera. Denominada como “escenas líricas en tres actos y siete cuadros”, la ópera se estructura sobre dos mundos diferenciados por la música: el campo, evocado desde el inicio por canciones tradicionales, antífonas ortodoxas y danzas folclóricas con una textura instrumental fluida, nostálgica y sugerente, y la ciudad de los salones burgueses, con el vals, la polonesa o la mazurca, y una orquestación más densa, rica y contrastante.
Entre estos dos mundos se desarrollan los encuentros y desencuentros de los cuatro protagonistas, emparejados con tesituras discordantes -Oneguin, barítono, y Tatiana, soprano; y Lenski, tenor, y Olga, mezzosoprano- que sugieren la imposibilidad de un amor recíproco y verdadero.
Para el director de escena Christof Loy -que en el Real ha dirigido Ariadne auf Naxos (2006), Lulu (2009), Capriccio (2019), Rusalka (2020), Arabella (2023), La voz humana y La espera (2024)-, los tres actos de la ópera rompen su estructura de simetrías -dos hermanas, dos parejas, dos ancianas, dos paisajes, dos cartas, dos bailes…- que su dramaturgia recupera dividiendo la ópera en dos partes con distintas escenografías, protagonistas y temáticas: la primera, con un decorado casi cinematográfico, representa la soledad buscada (estar solo); en la segunda, con una estancia cerrada por un muro blanco, los protagonistas sufren con la soledad que los enfrenta a sí mismos (sentirse solo).
La música emocional de Chaikovski, con algunas de las páginas más inspiradas de la ópera romántica, nos llegará bajo la batuta de Gustavo Gimeno, que vuelve a dirigir una obra maestra del repertorio lírico ruso en el Teatro Real, después del gran éxito obtenido con El ángel de fuego, de Serguei Prokófiev, en 2022. Estará al frente de un fantástico reparto con la soprano Kristina Mkhitaryan (Tatiana), el barítono Iurii Samoilov (Eugenio Oneguin), el tenor Bogdan Volkov (Lenski), la mezzosoprano VictoriaKarkacheva (Olga) y el bajo Maxim Kuzmin-Karavaev (El príncipe Gremin / Zaretski) en los papeles protagonistas, que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
Eugenio Oneguin siempre se ha programado en Madrid con compañías invitadas, con sus propios solistas, coro y orquesta: en el Teatro de la Zarzuela, en 1972 (con el Teatro Nacional de Sofia) y en 1981 (con el Teatro Kirov de Leningrado) y en el Teatro Real, en 2010, con el Teatro del Bolshói, en la producción de Dmitri Tcherniakov. Será la primera vez que la ópera se presenta con una producción propia, en coproducción con la Ópera de Oslo y el Liceu de Barcelona, volviendo al escenario del Teatro Real 15 años después, ahora con la participación de sus cuerpos estables.
También volverá Alexandr Pushkin entre el 30 de abril y el 11 de mayo, con siete funciones de la ópera El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov, creada a partir del poema homónimo de este grandísimo escritor, que inspiró a los más importantes compositores rusos, de Chaikovski, Glinka y Musorgski a Rachmáninov y Stravinski.
AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES
16 de enero a las 20.15 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta
ENFOQUES: Eugenio Oneguin
Participan: Gustavo Gimeno (director musical), Christof Loy (director de escena), Juan Lucas (director de la revista SCHERZO) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
11 y 18 enero a las 11.00 y 12.30 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO-CSIC
12 y 26 de enero, y 1, 15 y 22 de febrero a las 12.30 horas
VISITA GUIADA: El jardín de invierno también enamora
Seguro que un paseo guiado a través del Real Jardín Botánico de Madrid transportará de inmediato los visitantes a los fríos escenarios de Eugenio Oneguin.
Los participantes visitarán los invernaderos y las colecciones de plantas y conocerán sus usos y su importancia en nuestra vida cotidiana. También verán los ejemplares más singulares del Jardín y podrán descubrir algunas curiosidades del centro.
Más información y compra de entradas en este enlace
Fechas por determinar en febrero | MUSEO DEL ROMANTICISMO
VISITA GUIADA: Los duelos por honor en el Romanticismo
Este singular museo propone un recorrido por algunas de sus salas para conocer, de la mano de su equipo de mediación cultural, la literatura romántica y los duelos por honor a los que los hombres de las clases privilegiadas del siglo XIX se retaban.
8 de febrero a las 10.00 horas | SALA DE ARMAS DE MADRID
CURSO DE INICIACIÓN DE ESGRIMA: Esgrima para todos
Aunque en el texto de Pushkin, Oneguin y Lenski se retan a duelo con pistola, en el siglo XIX los hombres también se batían con espadas, floretes o sables.
El club de esgrima Sala de Armas de Madrid, uno de los más antiguos de España, nos acerca al mundo de las espadas con una clase de iniciación a este apasionante deporte, en el que nuestro país tiene excelentes competidores.
14 de febrero a las 19.30 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta
RETRANSMISIÓN: Eugenio Oneguin se emitirá en directo en MEZZO y en MyOperaPlayer.
El Teatro Real y Patrimonio Nacional se unen para recaudar fondos para la recuperación de la vida cultural y artística de los territorios devastados por la DANA del pasado 29 de octubre, organizando un concierto filantrópico protagonizado por el Cuarteto Casals, con el Cuarteto Palatino de Patrimonio Nacional, que solamente sale de sus dependencias en ocasiones excepcionales (no lo hacía desde hace 29 años).
El prestigioso ensemble de música de cámara, que conforman actualmente Vera Martínez y Abel Tomàs (violines), Cristina Cordero (viola) y Arnau Tomàs (violonchelo), nació en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en 1997 -año de la reapertura del Teatro Real-, y en sus 27 años de actividad tuvo el privilegio de tocar varias veces con los instrumentos palaciegos.
En esta ocasión lo harán interpretando piezas de la genial partitura El arte de la fuga, obra postrera, misteriosa e inconclusa de Johann Sebastian Bach (1685-1750), sin asignación específica de instrumentos, cuyas cuatro voces son adaptadas para cuarteto de cuerdas, logrando la claridad, cohesión e intimismo necesarios para afrontar el contrapunto de las catorce fugas y cuatro cánones como un laberinto etéreo, un trascendente perpetum mobile (ver texto de Luis Gago abajo).
La interpretación de esta música sublime, con la que el Cuarteto Casals cosecha siempre excelentes críticas -incluyendo las de la grabación discográfica de 2023-, llegará a al público a través de los cuatro instrumentos realizados por Antonio Stradivari (1644-1737) que atesora el Palacio Real, cuya calidad y singularidad harán del concierto una velada única. (ver texto abajo sobre el cuarteto palatino).
PROGRAMA
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
El arte de la fuga, BWV 1080
Cuarteto Casals
Vera Martínez, violín Abel Tomàs, violín, Cristina Cordero, viola Arnau Tomàs, violonchelo
Teatro Real, 20 de enero a las 19.30 horas
ANATOMÍA DE LA MELANCOLÍA
LUIS GAGO
¿Por qué Bach compuso tan poco –comparativamente al menos, si tomamos como referencia la feraz producción de su juventud y primera madurez– en su última década de vida? ¿Y por qué ese énfasis en la música abiertamente especulativa, desligada en apariencia de la vida y la interpretación a ras de suelo? Nunca podremos responder a estas preguntas, pero nadie ha aventurado una hipótesis mejor ni más plausible que un colega suyo que lo admiró sobremanera, el también alemán Paul Hindemith, cuando, en una conferencia leída en Hamburgo en 1950, planteó la hipótesis de que el viejo Bach debió de ser presa de un acceso de melancolía. Pero no de la “melancolía de la impotencia” que Nietzsche adjudicó malignamente a Brahms, sino justo de lo contrario, de una “melancolía de la capacidad”, la que queda reservada para quienes, como Bach, han conseguido llegar a lo más alto. Constatar en la cima su condición de seres humanos, que les impide seguir ascendiendo, es lo que hizo que Bach –conjetura el autor de Mathis der Maler– se refugiara a un tiempo en el silencio y en una música para sí mismo, desgajada del mundo real.
Como la Ofrenda musical, cuya única base es un tema provisto por el rey Federico II el Grande, El arte de la fuga levanta todo su edificio a partir de su minúscula célula inicial de once notas. Este monotematismo a ultranza, radical, acentuado por la naturaleza esencialmente imitativa de fugas y cánones, convierte a estas postreras creaciones de Bach en propuestas sonoras casi obsesivas, que trazan infinitos círculos concéntricos en torno a un mismo motivo y sin apartarse de una tonalidad –aquí, Re menor– que sería luego también la del Réquiem de Mozart o la Novena Sinfonía de Bruckner, obras tan terminales como El arte de la fuga. Bach murió mientras preparaba las planchas para su edición, lo que nos dejó una serie de cruciales interrogantes añadidos, de nuevo sin respuesta posible, empezando por el propio título de la obra, muy probablemente espurio, ya que en su manuscrito autógrafo, depositado en la actualidad en la Staatsbibliothek zu Berlin con la signatura P 200, la caligrafía no es la de Bach, sino la de su alumno y yerno Johann Christoph Altnikol. En cuanto a su presunto carácter incompleto, en el famoso Obituario redactado en 1750 por Carl Philipp Emanuel Bach y Johann Friedrich Agricola, y publicado por Lorenz Mizler en 1754, puede leerse: “Esta es la última composición del autor, que contiene todo tipo de contrapuntos y cánones sobre un solo sujeto principal. Su última enfermedad le impidió completar el proyecto de concluir la penúltima fuga y de elaborar la última, que había de contener cuatro temas e invertirse más tarde nota por nota en las cuatro voces. Esta obra no vio la luz del día hasta después de la muerte del difunto autor”. Efectivamente, la última fuga se interrumpe abruptamente en el compás 239 del manuscrito, poco después de la aparición del tercer tema de fuga, correspondiente al nombre de B-A-C-H (Si bemol, La, Do, Si natural). Justo debajo, una mano otra vez diferente, la de Carl Philipp Emanuel, añadió la siguiente nota: “N.B. Mientras trabajaba en esta fuga, en la que el nombre de BACH aparece en el contrasujeto, el autor murió”. Aunque cuesta interpretar la frase al pie de la letra, este es uno más de los misterios que rodea a uno de los dos cantos del cisne del gran compositor alemán (el otro es la no menos misteriosa Misa en Si menor).
Ni en este manuscrito ni en la primera edición aparece mención alguna de instrumentos, una suerte de cheque en blanco que ha propiciado todo tipo de propuestas, aunque el ideal debe ser que esta música vaya impregnándose en sus oyentes, gota tras gota, sin necesidad de colorear o variar su tamaño: cuanto más idénticas sean esas gotas, mejor. La contenida en El arte de la fuga es, tomando prestado el título de la novela de Vikram Seth, “an equal music”, lo que convierte a un cuarteto de cuerda en un traductor ideal de sus pentagramas, por más que sea necesario introducir leves modificaciones en algunos de los contrapuntos para acomodarlos a las tesituras de los cuatro instrumentos. Su escucha será para algunos una experiencia ardua, porque, en sus últimos años de su vida, Bach intentó convertir la música –y la expresión es, de nuevo, de Paul Hindemith– en “pensamiento puro”. Pero opera en nuestro espíritu como un tratamiento de limpieza integral. Con un leve dejo de melancolía.
EL CUARTETO PALATINO DE PATRIMONIO NACIONAL
En 1702 Antonio Stradivari (1644-1737), quizás el más importante luthier de la historia, ofreció a Felipe V, en su paso por Cremona, cinco instrumentos de su taller, realizados y decorados por él: un cuarteto de cuerdas y un violonchelo, entonces con distintas designaciones, ya que no existía la denominación de “cuarteto de cuerdas” tal como la conocemos hoy. Sin embargo, la transacción no llegó a producirse y 70 años más tarde los hijos y herederos del afamado luthier vendieron el conjunto a Carlos III, que lo destinó a su hijo, el futuro Carlos IV, gran melómano e intérprete de violín.
Con la invasión napoleónica (1808-1813) desaparecieron dos de los cinco instrumentos, de los que se recuperó la viola en 1951 en Londres, quedando nuevamente el Palacio Real con la posesión del cuarteto de cuerdas completo, construido y decorado por Antonio Stradivari en su período de madurez -última década de seiscientos- y concebido para ser utilizado como un conjunto camerístico con un mismo color sonoro y una combinación tímbrica excepcional, que lo hace único en el mundo.
También es única la decoración geométrica, zoomorfa y antropomorfa realizada por Stradivari en las tapas, aros y clavijeros de cada instrumento, que están firmados por su autor con el anagrama y el año de construcción: violines, 1709; viola, 1696; y violonchelo (antiguo violón bajo), 1694.
Además de la maestría del luthier de Cremona en la construcción de los instrumentos, la plasticidad y riqueza tímbrica de su sonido procedía, en gran parte, de la elección y tratamiento de las maderas utilizadas, que Stradivari elegía de acuerdo con las características acústicas, tímbricas y armónicas que buscaba, privilegiando las de abeto y de arce cuidadosamente secadas (algunas durante décadas), tratadas y barnizadas. Su trabajo ha inspirado a los luthiers que le han sucedido y sus instrumentos siguen brillando 350 años después…
El Teatro Real ha celebrado esta noche su sexta Gala anual que, bajo el título Ecos Del Alma, ha reunido en su escenario a la soprano Sabina Puértolas, acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre, y al guitarrista Pablo Sainz-Villegas, para interpretar obras de Enrique Granados, Isaac Albéniz, Francisco Tárrega, Emilio Arrieta, Jesús Guridi y Amadeo Vives.
Este especial encuentro, preludio a las fiestas navideñas, ha tenido un marcado acento español, tanto por sus intérpretes como por los compositores elegidos para el programa, de los que se han seleccionado algunas de las páginas más profundamente ligadas a nuestra cultura, evocadoras de paisajes y costumbres, alojadas desde siempre en la memoria del alma.
El virtuoso guitarrista Pablo Sainz-Villegas abrió el concierto con la más conocida de las Danzas españolas, “Andaluza”, de Enrique Granados. Le seguirían después “Torre Bermeja”, de Doce piezas características, y “Asturias”, de la Suite española, ambas de Isaac Albéniz, para finalizar con Recuerdos de la Alhambra y la Gran jota de concierto, de Francisco Tárrega, que darían paso a la segunda parte del concierto, protagonizada por la soprano Sabina Puértolas, acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre (ver programa adjunto).
La Gala del Teatro Real es un encuentro musical, con fines filantrópicos, en la que la generosa participación de las empresas y la sociedad civil, permite sacar adelante iniciativas especiales del Teatro Real como el proyecto Crescendo y los programas de divulgación de la lírica gracias a las retransmisiones y los espectáculos de la Carroza del Real.
Pablo Sainz-Villegas, reconocido por algunos como el sucesor de Andrés Segovia, es uno de los grandes solistas de referencia en el mundo de la guitarra. Su deslumbrante currículum, con más de treinta importantes premios en diferentes países, nos recuerda también que ha sido el primer guitarrista en actuar en el Carnegie Hall de Nueva York desde Andrés Segovia en 1983, el primero en tocar en el Concierto de Año Nuevo de la Berliner Philharmoniker desde 1983, el primero en tocar con la Orquesta Sinfónica de Chicago desde 2001 y ha participado en conocidos estrenos mundiales, como la primera obra escrita para guitarra de John Williams. Quizás sólo hitos para un artista que vive, interpreta y disfruta la música desde una gran humanidad.
Sabina Puértolas, una de nuestras sopranos más internacionales, es también artista de referencia en el Teatro Real, no sólo por los éxitos en su escenario –donde ha interpretado con gran reconocimiento de la crítica, en Rodelinda (2017), Idomeneo, L’elisir d’amore (2019) y Viva la mamma!, Partenope (2021), Achille in Sciro e Il turco in Italia (2023)-, sino por estar vinculada a los proyectos de internacionalización de la institución -fue la voz protagonista del primer concierto del Real en el Carnegie Hall de Nueva York- y a los de formación -imparte clases magistrales para los jóvenes cantantes del programa Crescendo-, dejando siempre huella con su enorme simpatía y su versatilidad para la interpretación.
El piano de Rubén Fernández Aguirre ha acompañado a las grandes voces de la lírica actual, desde Lisette Oropesa a Ermonela Jaho, con Javier Camarena o Andreas Schager. No es la primera vez que comparte escenario con Sabina Puértolas; entre ellos, la complicidad, el carácter, la profesionalidad y el amor por la música española han sido más que evidentes en el concierto de hoy.
La gala ha tenido como embajadores, entre otros, a Idealista, El Corte Inglés, Deloitte, EY y Prodware y como patrocinadores a Telefónica, BMW, Mastercard, Grupo Oesía y Exterior Plus.
Sabina Puértolas ha sustituido en esta Gala a la soprano Marina Monzó, cuya participación ha tenido que ser cancelada por razones médicas.
La singularidad de su timbre y la versatilidad de su voz, le permiten abordar un repertorio que amplia estos días debutando el rol de Conde de Leicester en la nueva producción de Maria Stuarda de Donizetti que se estrena en el Teatro Real. Con dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y escenografía de David McVicar, Hernández dará la réplica a dos reinas, María Stuarda, en la voz de Yolanda Auyanet, y Elisabetta, interpretada por Silvia Tró Santafé. Nos habla en esta entrevista de este nuevo desafío y de su pasión por el lied.
“Me siento feliz y entusiasmado”, confiesa José Miguel Pérez-Sierra, uno de los directores españoles de mayor proyección internacional, que vuelve al podio del Teatro Real de Madrid para ponerse al mando de la ópera de Donizetti Maria Stuarda. Esta obra maestra imprescindible del bel canto romántico que, junto a Roberto Devereux y Anna Bolena completa la trilogía Tudor del compositor bergamasco, se estrena en el coliseo madrileño en una nueva producción dirigida musicalmente por Pérez-Sierra y por David McVicar en el apartado escénico. Subirá a escena los días 14, 16, 17, 19, 20, 23, 26, 27, 29 y 30 de diciembre con un doble reparto de estrellas internacionales de la lírica entre las que destacan Lisette Oropesa y Yolanda Auyanet (Maria Stuarda), Aigul Akhmetshina y Silvia Tro Santafé (Elisabetta), Ismael Jordi y Airam Hernández (Roberto, Conde de Leicester), además de Roberto Tagliavini y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot), entre otros, todos junto al Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.
Para José Miguel Pérez-Sierra, “uno de los puntos fuertes de esta puesta en escena es la inclusión de la obertura original que escribió Donizetti para su estreno en Milán con temas musicales que se eliminaron posteriormente. El compositor italiano es sin duda un pilar fundamental en la historia de la ópera, ya que sin él, Verdi hubiera sido algo así como Meyerbeer. El compositor belcantista reinterpreta la ópera seria de Rossini –su ‘hermano mayor’ musical– huyendo de la grand-opéra francesa de gran formato. Con toda esa herencia configura el ‘melodramma’ italiano del sigo XIX, mucho más humano, más directo y menos abstracto que la ópera seria rossiniana, y de ahí nace el Verdi serio. Por ello es realmente un privilegio estar al frente de la dirección musical de esta nueva producción que es un auténtico lujo, contando además con un doble elenco magnífico que estoy seguro que hará soñar al público; además, dirigir en el Real es doblemente satisfactorio para mí, ya que es el teatro de ópera de mi ciudad, y en estos momentos uno de los más importantes del mundo”, asegura el maestro madrileño.
Tras este compromiso, la carrera de José Miguel Pérez-Sierra seguirá este año conquistando escenarios españoles e internacionales. Si en las dos últimas temporadas ha asumido importantes cargos como son su nombramiento como director musical del Teatro de la Zarzuela y del Royal Opera Festival de Cracovia (Polonia) –además de ser el principal director invitado de la Ópera de A Coruña–, en 2025 le esperan su debut en la Ópera de Basilea con Turandot, la Novena Sinfonía de Mahler con la Filarmónica de Cracovia y La Tabernera del Puerto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, además de regresar, como cada año, al podio del Festival Rossini de Wildbad y del Royal Opera Festival de Cracovia.
El próximo 15 de diciembre, la hechicera Alcina desplegará sus encantamientos, seducción, venganza y desesperanza en el escenario del Teatro Real donde, de la mano de la prestigiosa formación barroca Il Pomo d’Oro, bajo la dirección musical de Francesco Corti, representará, en versión de concierto, el que es, posiblemente, uno de los títulos más populares de Georg Friedrich Händel (1685-1759).
Un reparto de voces especialista en este repertorio dará vida a los personajes encabezados por Elsa Dreisig (Alcina), Sandrine Piau (Morgana), Juliette Mey (Ruggiero), Jasmin White (Bradamante), Alex Rosen (Melisso), Stefan Sbonnik (Oronte) y Bruno de Sá (Oberto).
Entre las 42 óperas que compuso Händel, Alcina —estrenada en 1735 en el Covent Garden de Londres en su última etapa como compositor operístico— está considerada como una de las más logradas en la caracterización de los personajes y en la expresión de sus emociones. Su dramaturgia moderna, sus inspiradas melodías y su brillante orquestación justifican la creciente presencia de esta obra en la programación de teatros y festivales de todo el mundo desde su ‘redescubrimiento’ en los años 60 del pasado siglo, después de más de doscientos años de olvido.
En Alcina, Händel recurre por tercera vez al poema épico Orlando furioso, de Ludovico Ariosto (1474-1533) —después de hacerlo en Orlando y Ariodante—, para retratar las emociones y las pasiones humanas con la libertad que le otorga el mundo alegórico, fantástico y sobrenatural del poeta italiano. La partitura, inscrita en los cánones de la llamada opera seria barroca, alterna los recitativos que avanzan la acción y las arias que expresan las emociones de los personajes y que dan alas a la exhibición virtuosística de los cantantes.
El próximo14 de diciembre el Teatro Real estrenará una nueva producción de Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti, que se presentará posteriormente en los teatros coproductores: el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival-Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia.
En la ingente producción operística de Gaetano Donizetti (1797-1848) -70 óperas escritas con increíble premura a lo largo de su corta y azarosa vida-, destaca la llamada “Trilogía Tudor” –Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1835) y Roberto Devereux (1837)-, cuya trama gravita, directa o indirectamente, en torno a la figura centrípeta, implacable y extraordinaria de Isabel I de Inglaterra. Las luchas de poder sanguinarias en su corte, con maquinaciones cortesanas, traiciones, asesinatos, amoríos y sentimientos desenfrenados encajaban perfectamente con el ímpetu creador de Donizetti, que unió con increíble habilidad y simplicidad el melodismo belcantista de las emociones exacerbadas con el paroxismo de las situaciones dramáticas.
Maria Stuarda es un duelo de reinas que luchan por el mismo cetro y el mismo amor, víctimas ambas de fuerzas políticas y religiosas que manipulan sus destinos desde la infancia en los bajos fondos de las encarnizadas guerras de poder que las involucran y trascienden.
Partiendo de la obra homónima de Friedrich von Schiller (1759-1805), alejada de la verdadera historia de la reina católica escocesa, por la que toma partido en relación con su rival anglicana, Donizetti creó una partitura de grandes vuelos melódicos y contrastes abruptos que privilegia el perfil psicológico de las protagonistas, atrapadas por una red asfixiante de relaciones disfuncionales y tóxicas. Es precisamente esta caracterización musical y dramatúrgica la que seduce actualmente a importantes directores de escena, más allá de la belleza de su belcantismo.
David McVicar, que dirigirá su sexto título en el Teatro Real -después de Otra vuelta de tuerca(2010), La traviata (2015), Rigoletto (2015),Gloriana (2028) y Adriana Lecouvreur (2024)- ofrece una visión intimista de la ópera, que explora la complejidad de los sentimientos y pasiones de los personajes, caracterizados con un espectacular vestuario renacentista diseñado por Brigitte Reiffenstuel.
La escenografía parte del dibujo de una escena de la ejecución de la reina María I de Escocia realizado por Robert Beale, diplomático de la reina Isabel I presente en el acto. Sobre las líneas de ese esbozo se irguió un decorado conceptual, transformando la ópera en el trágico camino de la protagonista hacía el patíbulo como destino inexorable que subyace bajo toda la trama.
En ese decorado simbólico, concebido por la escenógrafa Hannah Postlethwaite, bajos relieves de orejas y ojos evocan el permanente estado de vigilancia, tensión y alerta; ráfagas de sombras insinúan la sangre derramada, o una contundente orbe irrumpe con el implacable peso del poder político y religioso, indisociable en esos tiempos en los que Inglaterra luchaba por su desvinculación de la curia romana.
Este espacio diáfano está concebido para que brillen las voces de los dos repartos que se alternarán en el escenario del Teatro Real -las sopranos Lisette Oropesa y Yolanda Auyanet (Maria Stuarda), las mezzosopranos Aigul Akhmetshina y Silvia Tro Santafé (Elisabetta), los tenores Ismael Jordi y Airam Hernández (Roberto, conde de Leicester), los bajos Roberto Tagliavini y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot), los barítonos Andrzej Filonczyk y Simon Mechlinski (Lord Guglielmo Cecil) y Elissa Pfaender y Mercedes Gancedo (Anna Kennedy)- que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de José Miguel Pérez-Sierra.
Libreto de Giuseppe Bardari, basado en la obra Maria Stuart, de Friedrich von Schiller
Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 30 de diciembre de 1835
Estreno en el Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, en coproduccion con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival de Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia
Dirección musical: José Miguel Pérez-Sierra
Dirección de escena: David McVicar
Escenografía: Hannah Postlethwaite
Vestuario: Brigitte Reiffenstuel y David McVicar
Iluminación: Lizzie Powell
Dirección de movimiento: Gareth Mole
Dirección del coro: José Luis Basso
Asistente de la dirección musical: Jon Malaxetxebarria
Asistentes de la dirección de escena: Greg Eldridge y Isabelle Kettle
Desde el inicio de su trayectoria internacional, el tenor tinerfeño Airam Hernández ha conseguido prodigarse en un repertorio diverso en estilos, épocas y géneros: óperas de Mozart o Cherubini, pasando por el bel canto romántico de Donizetti o Bellini, por obras de Verdi, Mussorgsky o títulos de autores de los siglos XX y XXI, así como piezas fundamentales del ámbito sinfónico, del oratorio, del Lied o de la canción española. Han sido sus herramientas para forjar una hoy consolidada carrera en teatros y auditorios de Europa, Asia y Estados Unidos, un repertorio que sigue creciendo al asumir, esta temporada, su primera ópera de Wagner. Pero si el verano pasado obtuvo un triunfo de público y crítica en el Festival della Valle d’Itria en Martina Franca (Italia) con su aclamado Pollione de Norma de Bellini, en diciembre volverá a meterse en otro rol belcantista como es el de Roberto, Conde de Leicester, de Maria Stuarda de Gaetano Donizetti: será su debut en el personaje coincidiendo con su regreso al Teatro Real de Madrid, donde ya ha actuado en Don Giovanni y dando vida a Federico García Lorca en el estreno absoluto de la ópera El abrecartas, de Luis de Pablo.
“Volver al bel canto es siempre un buen método para reafirmar la técnica con personajes increíbles”, afirma el tenor tinerfeño. “Aunque me motiva moverme en todo tipo de repertorios, algo que he querido hacer desde siempre, y pese a la dificultad, me entusiasma regresar a la melodía pura y genuina de Donizetti, autor –junto a Bellini– que fue clave para definir los principios estéticos del bel canto romántico; interpretar su música te lleva inexorablemente a cuidar con mimo el fraseo, el canto legato y a teñir la voz de infinidad de colores para conseguir la máxima expresividad en el canto. Maria Stuarda junto a las otras dos óperas que conforman la Trilogía Tudor, Anna Bolena y Lucrezia Borgia, reúne algunos de los mejores momentos de Donizetti, y para interpretar a Leicester tradicionalmente hay que controlar la línea de canto manteniendo la elegancia en el fraseo, base del estilo. Así lo preparé con mi maestra, Mariella Devia, aunque el punto de vista del personaje del director de escena del montaje que estamos preparando en el Teatro Real, David McVicar, es diferente, ya que concibe a Leicester lejos de la idea romántica: no lo reduce al típico enamorado que da su vida por la mujer que ama, dejándolo en un sólo tono dramático, sino que propone mayor dimensión del personaje, ofreciendo una nueva lectura en la que Leicester se muestra como un tipo ambicioso que se mueve en un registro mucho más rico en emociones, capaz de usar todos los recursos que están a su alcance para lograr sus objetivos”.
La ópera de Donizetti sube al coliseo madrileño es una nueva coproducción con el Liceu, el Donizetti Festival de Bérgamo, el Teatro La Monnaie/De Munt de Bruselas y la Ópera de Finlandia, con José Miguel Pérez-Sierra en el podio. Airam Hernández interpretará cuatro funciones los días 16, 19, 27, 30 de diciembre compartiendo escenario con Silvia Tro Santafé (Elisabetta), Yolanda Auyanet (Maria Stuarda) y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot).
Tras esta producción le esperan Das Lied von der Erde (Mahler) en la Opernhaus Stuttgart; Giovanna d’Arco (Verdi) en la Ópera de Tenerife; el Requiem de Mozart junto a la Filarmónica de Gran Canaria; L’enfant prodigue (Debussy) con la Sifónica de Tenerife; y su debut en Der fliegende Holländer (Wagner) en el Théâtre du Capitole de Toulouse.
Coincidiendo con el Día Internacional de la Música, el Teatro Real presenta un proyecto para acercar la ópera a las nuevas generaciones, “Ópera en Corto”.
Se han seleccionado las óperas más populares disponibles en el catálogo de My Opera Player para la realización de programas monográficos de 45 minutos, en los que se articulan los fragmentos más importantes de cada título con explicaciones multidisciplinares ofrecidas, de manera dinámica, atractiva, divertida e informativa por una recreación virtual de Francesca Caccini (1587-1641), autora de La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, que se presentó el pasado junio en los Teatros del Canal, en una coproducción con el Teatro Real con dirección musical de Aarón Zapico y dirección de escena y coreografía de Blanca Li.
Partiendo de documentos que retratan a la compositora florentina, el Teatro Real y NTT DATA han creado, a través de inteligencia artificial, un boceto tridimensional al que se ha dado una voz propia.
Para generar el personaje digital, NTT DATA, apoyada por su agencia creativa Tangity, ha utilizado distintas tecnologías de vanguardia: Unreal Engine 5, que aporta gráficos y efectos avanzados; Metahuman, que ofrece avatares detallados con expresiones faciales auténticas; y Rokoko, que captura cada movimiento y gesto en tiempo real, logrando así que Francesca Caccini se vea natural y cercana al momento actual.
A lo largo de cada programa de “Ópera en Corto”, Caccini desvelará a los usuarios-espectadores los secretos de una producción operística con explicaciones sobre el libreto, la música, contexto histórico y social o anécdotas relativas a cada título, articulando sus comentarios con las grabaciones realizadas en el Teatro Real, en las que participan los más importantes directores y cantantes del mundo lírico.
Estos programas de síntesis de una ópera estarán abiertos a todos los usuarios, gratuitamente, en My Opera Player y disponibles para su emisión en los centros escolares adscritos a la comunidad de El Real en tu clase con el apoyo de Telefónica.
El primer título del proyecto es La bohème, en la producción que triunfó en el Teatro Real en 2017, con dirección musical de Paolo Carignani, dirección de escena Richard Jones y un fantástico reparto encabezado por la soprano Anita Hartig (Mimì), el tenor Stephen Costello (Rodolfo) y la soprano Joyce El-Khoury (Musetta), que actúan junto al resto de elenco con el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la ORCAM.
La iniciativa ha sido presentada hoy, tras la firma de un convenio de patrocinio entre el Teatro Real y la multinacional tecnológica NTT DATA, responsable de la creación de Francesca Caccini.
Sobre “Ópera en Corto”, Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, destacó que “la unión de ópera y tecnología es un vehículo excepcional para acercar el arte más completo que existe al público del futuro, es decir a los niños y jóvenes en los centros escolares, gracias al ambicioso programa audiovisual de formación y difusión del Teatro, El Real en tu clase, y a instituciones como ayuntamientos o centros hospitalarios. Este proyecto que presentamos hoy con NTT Data permite de una forma didáctica a la vez que entretenida hacer nuevos aficionados a la ópera”.
EL REAL EN TU CLASE
El Real en tu clase es el programa del Real que permite a los centros educativos emitir en sus aulas y auditorios producciones del Teatro Real -ópera, danza, conciertos, espectáculos infantiles, etc.- adaptadas a su alumnado.
Los centros de enseñanza primaria, secundaria o de bachillerato deberán estar adscritos al proyecto a través de las consejerías de educación de sus comunidades, previa firma de un convenio de colaboración con el Teatro Real.
Con este proyecto el Teatro Real pretende acercar la ópera, la música clásica y las artes escénicas a niños, adolescentes y jóvenes a través de producciones de gran calidad artística que han triunfado en su escenario.
FRANCESCA CACCINI
Huesos de ballena, monstruos marinos, caballos con alas… Todo eso y una música deliciosamente sugestiva componen La liberazione di Ruggiero Dall’Isola D’Alcina, la primera ópera de la historia compuesta por una mujer, Francesca Caccini, que interpretó además el papel de Alcina.
El Teatro Real recuperó ese título, compuesto hace casi 400 años y nunca estrenado en España, en la temporada 23/24 con un gran éxito. La italiana, a la que llamaban la Cecchina, fue tan precoz que con solo 13 años -en 1600- participó en el estreno de Euridice, de Jacopo Peri, la ópera más antigua cuya partitura se conserva.
Caccini, que fue la música “de cabecera” de la familia de los Medici, decidió retirarse de la vida social italiana para dedicarse solo a componer, cantar y enseñar hasta su muerte, en 1641.
La frescura, sabiduría y pasión de la bailaora Patricia Donn protagonizarán la próxima cita de Flamenco Real, los días 27, 28 y 29 de noviembre, ciclo en el que la artista se presenta por primera vez, con un espectáculo creado y coreografiado por ella donde celebra la riqueza del flamenco, en todo su abanico de expresiones y sentimientos, bajo el título de Patricia Donn en concierto.
Patricia Donn y su compañía proponen un recorrido por los diversos palos flamencos, desde los más ancestrales, como el martinete y la soleá, a los que fusionan expresiones de otras culturas como los tangos de ida y vuelta o el recién creado por la artista el repique del colibrí, pura exhibición de gracia y ligereza con un taconeo de puntillas que requiere extraordinaria rapidez y precisión. Con el icónico mantón en guajiras y la intensidad de la soleá y bulería, el espectáculo es un despliegue de pasión y virtuosismo que se fijará en la memoria de los espectadores.
La bailaora estará acompañada por la guitarra de Israel Cerreduela, la percusión de Iván Losada, el violonchelo de Barnabas Hangonyi “Batio”, el cante de Saúl Quirós y la réplica en el baile de Dani Caballero.
Nacida en Granollers, y formada en la escuela de flamenco de Paca García, en Barcelona, ha estudiado danza clásica, contemporánea y clásico español, lo que la convierte en una de las mejor preparadas de su generación, conocimientos que, unidos a su duende y su talento natural, hacen de ella una bailaora única. Ha tenido como maestros a Eva Yerbabuena, Antonio Canales, Lola Greco, Farruquito y Gala Vivancos, entre otros, y ha obtenido el Primer Premio en el Concurso Flamenco Tablao Las Carboneras de Madrid (2018).
En 2022 Patricia Donn se estrena como coreógrafa y directora, además de intérprete, con su primer espectáculo en solitario denominado Mujeres, y en 2023 crea su propio Ballet Flamenco Teatro/Danza que se estrena con el espectáculo Ángeles y Demonios. En junio de este año participa en la gira internacional del Teatro Real y Fever, Authentic Flamenco, en coproducción artística con SO-LA-NA, con la que visita Los Ángeles, San Diego, San Francisco, San José, Sacramento, Portland y Vancouver, con un extraordinario reconocimiento de la crítica.
Sólo decir su nombre nos evoca la magnífica interpretación de Rusalka en el escenario del Teatro Real en 2020. Ahora, cuando se cumplen justo cuatro años de su presentación en el coliseo madrileño, Asmik Grigorian regresa para ofrecer un concierto en el que demostrará, junto a la Orquesta Titular del Teatro del Real, bajo la batuta de Henrik Nánási, su maestría musical, la versatilidad de su voz y la capacidad para dotar de intensa emoción cada uno de los papeles que aborda.
El próximo 24 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, la cantante lituana de origen armenio interpretará un programa cargado de romanticismo que palpitará en la primera parte a través de la enérgica musicalidad de compositores eslavos -como los rusos Chaikovski, Rimski-Kórsakov y Glinka; el armenio Tigranian, el lituano Dvarionas o el checo Dvořák- y reservará para la segunda parte el protagonismo sobre tres personajes de la ópera italiana que Grigorian acaba de debutar con gran éxito: Manon Lescaut y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, y Elisabetta di Valois, del Don Carlo verdiano.
Con excepción de La dama de picas (Pikovaya Dama), representada en el Teatro Real en 2004, y la inolvidable Rusalka, protagonizada por la propia Grigorian en 2020, las obras ofrecidas en la primera parte serán un descubrimiento para el espectador del Real. Comenzará la velada con la enérgica, exuberante y colorida obertura de Ruslan y Ludmilla, de Glinka, cuyo alegre torrente abrirá las puertas a la historia de cuatro mujeres cuyos destinos están marcados por un mismo triste y dramático final: Anoush, que da su nombre a la ópera del compositor Armen Tigranian, considerada un tesoro nacional armenio, país de origen del padre de la soprano (el tenor Gegam Grigorian); Dalia, de Balys Dvarionas; Marfa, protagonista de La novia del Zar, de Rimski-Kórsakov, y Kuma, personaje femenino de La hechicera, de Chaikovski.
Las tres protagonistas femeninas de la segunda parte hablan italiano y Grigorian ha convertido su interpretación en un referente para los grandes teatros líricos. Tanto en Manon Lescaut como en Madama Butterfly, la soprano construye personajes creíbles, alejados de los excesos del melodrama, cargados de sinceridad, conmovedores, fuertes y frágiles al mismo tiempo, gracias a su extraordinaria teatralidad y a un canto cristalino, de hermoso fraseo y depurada técnica. De su recién estrenada Elisabetta di Valois (debutó el rol el pasado septiembre en la Ópera de Viena) la crítica ha destacado su construcción de una reina digna, pero torturada por sus sentimientos, cuya voz limpia y contenida en el comienzo se transforma en poderosa hasta desatar el torrente que hace crecer el personaje.
Se configura así un interesante y apasionado concierto con el que disfrutar de una de las mejores sopranos del momento.
Asmik Grigorian recibió el pasado 1 de septiembre el Premio Especial del Jurado de los prestigiosos galardones Österreichischer Musiktheaterpreis, que reconocen las contribuciones excepcionales a la escena operística y teatral de Austria, en una ceremonia que tuvo lugar en la Ópera Popular de Viena.
Entre el 11 el 23 de noviembre el Teatro Real ofrecerá una versión escenificada del oratorio Theodora, de Georg Friedrich Händel (1685-1759) -que ya se presentó en versión de concierto en 2009- en una nueva coproducción con la Royal Opera House estrenada con gran éxito en 2022.
Händel escribió la partitura de Theodora en poco más de un mes, a los 65 años, aunque se encontraba exhausto, envejecido y enfermo. La obra, estrenada sin el aprecio del público en la cuaresma de 1750 en el Covent Garden de Londres, es el único oratorio de su catálogo sobre un tema cristiano y dotado de una estructura dramatúrgica casi operística que lo diferencia de todos los demás.
El libreto de Thomas Morell, basado en la obra Love and Religion Demonstrated in the Martyrdom of Theodora and Didymus del célebre físico, filósofo y alquimista Robert Boyle, narra el final de la vida de Theodora, fervorosa cristiana condenada a ejercer la prostitución por negarse a participar en los sacrificios en honor a Júpiter, como exigía el edicto del gobernador romano.
La pugna entre los paganos -déspotas y dominantes- y los cristianos -oprimidos pero valerosos- determina la estructura, orquestación y melodías de la partitura, ya que Händel trata de manera diferenciada los coros y personajes adscritos a uno u otro bando, y también a aquellos que están entre ambos, con una música de grandísima inspiración y eficacia dramatúrgica.
La directora de escena Katie Mitchell, que desde hace años imprime una lectura feminista, irreverente e iconoclasta a las obras que dirige, rehúye la visión de las mujeres cristianas como mártires pasivas y sumisas, y las convierte en secretas guerrilleras que luchan contra el sistema, representado por sus jefes tiranos que someten a las mujeres y a las minorías religiosas.
En su propuesta dramatúrgica, Mitchell traslada la acción original del siglo IV a nuestro tiempo, situando la trama en distintos espacios de una embajada -escenografía de Chloe Lamford-, en la que los empleados cristianos -una radical minoría religiosa encabezada por Theodora- se rebelan activamente contra sus opresores.
La protagonista de Theodora, Julia Bullock -que protagonizó The Indian Queen en 2013 bajo la dirección de escena de Peter Sellars- ha participado activamente en la dramaturgia de la producción, junto a Katie Mitchell, quien ha recurrido a la ayuda de la coordinadora de intimidad, Ita O’Brien, para la realización de las escenas de violencia y contenido sexual.
Junto a Bullock, darán vida a los personajes la mezzosoprano Joyce DiDonato (Irene) -asidua en los elencos del Teatro Real-, el contratenor Iestyn Davies (Didymus) -que ya interpretó el mismo papel en el Real hace 15 años, actuando posteriormente en Parténope-, el tenor Ed Lyon (Septimus) -que cantó en Il ritorno di Ulisse in Patria, Fidelio y La Calisto-, el bajo Callum Thorpe (Valens) y el tenor Thando Mjandana (Mensajero), que debutan en el Real.
La dirección musical será de Ivor Bolton, gran especialista en el repertorio barroco, que dirigirá su cuarto título de Händel al frente de la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real después del éxito de Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023).
Theodora es singular dentro del catálogo de Händel, quien tenía una especial predilección por esta obra, despreciada por el público de su época. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad y alcance de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la descarnada dramaturgia de Katie Mitchell, la musicalidad y hondura de Ivor Bolton, la interpretación de un excelente reparto y la maestría del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
El próximo 3 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, el Teatro Real reunirá en su escenario, dentro del ciclo Voces del Real, a la soprano Sondra Radvanovsky y al tenor Piotr Beczala en un concierto único en el que estas dos grandes voces de la lírica rendirán homenaje al compositor Giacomo Puccini, cuando se cumplen cien años de su fallecimiento.
Radvanovsky y Beczala, protagonistas de tantas funciones inolvidables en el Teatro Real –Aida, Tosca, Un ballo in maschera y el concierto Las tres reinas de Donizetti, en el caso de la soprano, y La damnation de Faust, Faust, Aida, Halka y dos conciertos, en 2014 y 2021, por parte del tenor- interpretarán emblemáticas arias de las óperas del compositor italiano como Tosca, Manon Lescaut y Le villi, en un concierto cuyo programa se completará con fragmentos de Rusalka, de Antonín Dvořák, y Andrea Chénier, de Umberto Giordano. (Ver programa adjunto)
La extraordinaria combinación de sus voces y la complicidad de sus personalidades -ambos han actuado juntos en numerosas ocasiones- son el instrumento perfecto para abordar una propuesta que une a tres compositores fundamentales en la historia de la música. A través de sus obras caminaremos hacia el verismo, viviremos pasiones extremas y se liberarán sentimientos básicos, ocultos y descarnados, con arias tantas veces escuchadas, que siempre consiguen despertar la emoción en una unión perfecta de teatralidad y música.
La cita acogerá el debut en el Real de la directora de orquesta canadiense Keri-Lynn Wilson, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. La maestra, que ha dirigido las óperas puccinianas en los grandes escenarios líricos del mundo, es también gran conocedora de la obra de Dvořák. Destacada por la crítica por su enorme sensibilidad, sabiduría al mando de la interpretación lírica y capacidad para extraer de las orquestas toda su musicalidad, llega a Madrid con la mejor compañía.
Fotografía: Julia Wesely
El próximo 9 de noviembre se estrenará en el Real Teatro de Retiro una nueva producción de El niño y los sortilegios (L’Enfant et les Sortilèges) de Maurice Ravel (1875-1937), con libreto de la escritora francesa Sidonie-Gabrielle Colette (1873-1954), que esbozó, en apenas una semana, un cuento sencillo, en el cual un niño enrabietado, en la soledad de su habitación, va ordenando sus ideas a través de la imaginación y la fantasía, llenando de sentido su pequeño mundo.
Ravel tomó muy en serio la recreación de este universo infantil, con una orquestación brillante y llena de color y una partitura que mezcla elementos de la música clásica, melodías tradicionales y ritmos de jazz, escrita como un refugio de fantasía después de la primera guerra mundial. La ópera se estrenó en Montecarlo en 1926 y desde entonces se ha incorporado al repertorio lírico infantil y juvenil.
La producción que se presentará en el Real Teatro de Retiro, cantada en castellano, fue concebida como una ópera-estudio en la que todo el equipo artístico, incluyendo los ocho cantantes y los dos pianistas, han creado juntos la dramaturgia, bajo la tutela del director de escena Alfonso Romero.
La soprano Aida Turganbayeva interpreta al niño protagonista; Andrea Rey Gil, mezzosoprano, dará vida a los personajes de Mamá, Taza china y Libélula; Ivana Andrea Ledesma, soprano, será en escena Poltrona, Lechuza y Murciélago; Dragana Paunovic, soprano, interpreta los personajes de Gata y Ardilla. Estíbaliz Martyn, también soprano, será Fuego, Ruiseñor y La princesa de un cuento de hadas. Entre las voces masculinas se encuentran el barítono Gonzalo Ruiz, que dará vida a Sillón y Árbol; Enrique Torres, también barítono, interpretará Gato y Reloj de pie. Por último, el tenor Pablo Puértolas será Tetera, Ranita y Aritmética con momentos realmente exuberantes. Junto a todos los solistas, Samuel Martín y Sergio Berlinches harán sonar el piano como si fuera una encantadora orquesta.
De acuerdo con Alfonso Romero, la producción evoca “la visión cosmológica de un niño de corta edad y su proceso de evolución psicológica desde el egocentrismo propio de su edad hasta el nacimiento de la empatía”.
La dramaturgia, y también la escenografía, “están inspiradas en el teatro de marionetas, de títeres, el teatro negro, el teatro Kabuki y especialmente el Bunraku, en el que cada títere es manipulado al menos por tres artistas en una perfecta coordinación y fluidez de movimientos.” Así, el público y el niño protagonista verán solamente a los objetos, como si su alma, la música y voz de los cantantes, emanara de los mismos.
EL NIÑO Y LOS SORTILEGIOS:
DEL EGOCENTRISMO A LA EMPATÍA
ALFONSO ROMERO MORA
¨El hombre sin los demás no es nada, no se podría expresar.
Lo que cuenta es lo que nos une: la solidaridad.¨
Max Aub
En la fantasía lírica El niño y los sortilegios se muestra en escena la visión cosmológica de un niño de corta edad y su proceso de evolución psicológica desde el egocentrismo propio de su edad hasta el nacimiento de la empatía. Si en el principio todo el universo gira de forma natural en torno a él mismo, a medida que escucha el lamento de los objetos y animales que ha maltratado va comprendiendo poco a poco que existen otras realidades, otras sensibilidades que le rodean merecedoras de su consideración, en definitiva, el descubrimiento de la empatía.
El niño entiende el mundo como algo absolutamente externo a su persona y organizado por “los otros”, los adultos, que dictan normas e imponen tareas sin pedir su opinión. Este mundo exterior, el de los adultos que él no entiende, será representado en escena por unas figuras anónimas, idénticas unas a otras. Estas presencias (todo el elenco de solistas excepto el niño) serán visibles para el espectador y funcionarán como la estructura que sostiene la realidad en torno al niño que no será consciente de su existencia. Lo único que el protagonista verá serán los objetos y elementos que sostengan en sus manos o que sumen a su indumentaria dependiendo del momento y el personaje que interpreten. Estas figuras omnipresentes servirán como fondo neutro en el que resalten los objetos de utilería visibles para el niño y necesarios para identificar cada uno de los personajes de la ópera, casi a la manera de los “Kurogo” (“vestidos de negro”) o asistentes invisibles propios del teatro Kabuki.
La escenografía estará formada fundamentalmente por estas figuras misteriosas, por estos andamios animados que darán a la escena agilidad y todo tipo de efectos como travelling o cambios a vista de escena coreografiados.
Esta implicación de toda la compañía en el espectáculo es la base de mi concepto escénico y enlaza con la filosofía de la ópera estudio, en el sentido de crear una conciencia de comunidad de trabajo donde todos sean partícipes indispensables para el desarrollo de la escena.
Tanto en mi labor educativa como en mis puestas en escena he considerado siempre primordial el concepto de solidaridad, crítica constructiva colectiva y trabajo en equipo, sin desdeñar por supuesto la importancia de las individualidades y talentos únicos de cada artista.
En el caso de ¨El niño y los sortilegios¨ se puede recurrir fácilmente a una puesta en escena basada en una sucesión de ¨mini-arias¨ o breves números de lucimiento vocal del cantante, creando una sensación en el elenco de ¨hago mi parte y me despreocupo del resto¨.
Precisamente esta dinámica es la que quisiera evitar con mi concepto escénico y dinámica de trabajo, haciendo imposible que ningún personaje, a excepción del niño, pueda ser interpretado solamente por un cantante.
En el proceso de ensayos quiero que la creación de cada personaje (tanto sus rasgos psicológicos como la cualidad y diseño de sus movimientos) sea un ejercicio de fantasía e investigación grupal, ya que será un equipo de personas el que le dé vida durante la representación. Los solistas serán de forma práctica ¨co-creadores¨ de todas las escenas, y no solamente de sus números individuales.
La carrera profesional de estos jóvenes cantantes tenderá de forma irremediable hacia el individualismo, por lo que con esta experiencia de trabajo colectivo deseo que experimenten el placer de sentirse partícipes de un todo más grande. Para el rol de la Princesa o el Fuego serán necesarios cuatro cantantes, para el de la Rana o la Ardilla tres, y así con el resto de personajes.
Referentes artísticos en la puesta en escena son el teatro Kabuki y especialmente el Bunraku, en el que cada títere es manipulado al menos por tres artistas en una perfecta coordinación y fluidez de movimientos. De hecho, en esta manifestación teatral tradicional japonesa (declarada en 2005 como Obra Maestra del Patrimonio Intangible de la Humanidad) la voz del títere no es la de uno de sus manipuladores, sino la de un recitador externo, con lo que sumado al intérprete de ¨Shamisen¨, hace necesaria la intervención de cinco artistas para dar vida y voz a cada personaje principal. Este delicioso trabajo en equipo y perfecta coordinación son los ejes principales sobre los que quiero trabajar, tomando como ejemplo la mano humana, en la que cada dedo es fundamental para su funcionalidad, aun siendo cada uno de ellos totalmente diferente e independiente del resto.
Tras pasar por 23 municipios de 17 provincias, la Carroza del Teatro Real ofrecerá su último concierto de 2024 el próximo sábado, 26 de octubre, a las 20.00 horas, en la Plaza Juan XXIII de Cartagena (Murcia), con la participación de jóvenes artistas del programa Crescendo y la imprescindible colaboración del Ayuntamiento de la ciudad.
Este año ha sido el primero en que la Carroza ha visitado la comunidad autónoma de Murcia –además de Cartagena también estuvo en San Javier, en agosto-, las Islas Baleares y La Rioja.
El escenario itinerante del Teatro Real ha logrado consolidarse como un gran agente de descentralización y difusión de la ópera a todo el territorio español, con espectáculos, este año, en 17 provincias: Badajoz, Burgos, Cáceres, Cádiz, Cantabria, Ciudad Real, Cuenca, Huelva, Islas Baleares, Jaén, La Rioja, Madrid, Málaga, Murcia, Teruel, Toledo y Zaragoza.
Desde su creación, 2022, cerca de 60.000 asistentes han podido disfrutar de las atractivas y muy diversas actuaciones ofrecidas en La Carroza del Teatro Real, que ha recorrido 40.000 km en 24 provincias: Badajoz, Burgos, Cáceres, Cádiz, Cantabria, Castellón, Ceuta, Ciudad Real, Córdoba, Cuenca, Huelva, Islas Baleares, Jaén, La Rioja, Madrid, Málaga, Murcia, Sevilla, Soria, Teruel, Toledo, Valladolid y Zaragoza.
Todos los espectáculos han contado con la colaboración de jóvenes artistas del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real, cuyo objetivo es apoyar el desarrollo artístico y profesional de promesas de la creación operística.
El programa del concierto de Cartagena incluye algunas de las arias y dúos más hermosos y populares del repertorio lírico, que serán interpretados por la soprano Sonia Suárez, la mezzosoprano Alejandra Acuña y el barítono Alejandro von Büren. Estarán acompañados por la pianista Cristina Sanz, que iniciará el recital con el Nocturno op.15 nº2, de Frédéric Chopin. Le seguirán obras de Giacomo Puccini (Gianni Schicchi), Camille Saint-Saëns (Samson et Dalila), Giuseppe Verdi (Don Carlo),Wolfgang Amadeus Mozart (Don Giovanni) y Léo Delibes (Lakmé), en la primera parte; y piezas de Vincenzo Bellini (Norma), Georges Bizet (Carmen), Jacques Offenbach (Les contes d’Hoffmann), Ruperto Chapí(La Revoltosa) y Franz Lehár “Lippen schweigen” (La viuda alegre), en la segunda.
Promovido por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo cuenta con el impulso de Porosus Fonds de Dotation, Sabadell Fundación y Mitsubishi Electric y el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.
Su objetivo es complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y crear oportunidades reales para que inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes actividades del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza para toda España. Ochenta jóvenes artistas de catorce nacionalidades han participado en las cuatro ediciones que se han celebrado ya de este programa.
Galardonada con el Premio Europeo “Art Explora” Academia de Bellas Artes 2022, la Carroza del Teatro Real mide 16 metros de largo por 5,80 metros de alto y pesa cerca de cinco toneladas y media. Simula el escenario de un teatro –con su embocadura, telones y bastidores – y se ha construido transformando un camión tráiler como los que habitualmente se utilizan para el transporte y almacenaje de escenografía, atrezzo y vestuario de las óperas. Su interior puede adaptarse para distintas escenografías, exposiciones, recitales y conciertos según las necesidades de cada evento o actuación.
Entre la medianoche del 24 de octubre y la medianoche del 27 de octubre, el Teatro Real ofrecerá un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre, en una impresionante nueva producción, con dirección musical de Ivor Bolton y puesta en escena de Katie Mitchell.
También hasta el domingo 27 de octubre, tendrán un 30% de descuento las suscripciones a My Opera Player, plataforma audiovisual del Teatro Real, que cuenta actualmente con un catálogo de más de 300 títulos, incluyendo ópera, conciertos, danza y espectáculos de flamenco.
El mismo teatro ha preparado, a partir de las 14:00 horas del Día Mundial de la Ópera, una «entrevista performativa» en directo, en Instagram, con Cristina Cubells -la creadora del cuento musical Pinocchio, dónde estás, actualmente en escena-, su mediador, Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez, en que dialogarán sobre el icónico muñeco de madera.
El Teatro Real anima a todos a escuchar al menos un aria de ópera italiana en el Día Mundial de la Ópera, entrando en My Opera Player, donde podrán encontrar una excelente colección de títulos procedentes del país donde nació este arte, que no deja de crecer, transformarse y actualizarse.
Durante los tres días del fin de semana -de la medianoche del jueves, a la medianoche del domingo- se ofrecerá un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre.
Este maravilloso “oratorio dramático” compuesto por Händel al final de su vida, se presentará en una nueva, impresionante y audaz coproducción del Teatro Real y la Royal Opera House, donde se estrenó, con gran éxito, hace dos años.
En la obra de Händel, Theodora, fervorosa cristiana, es condenada porque rehúsa participar en los sacrificios en honor a Júpiter. Como castigo es obligada a prostituirse, “sirviendo” a los romanos que honran a los dioses paganos. Pero en la osada producción que se verá en el Real, la irreverente directora de escena Katie Mitchell rehúye la visión de las mujeres cristianas como mártires pasivas y las convierte en exaltadas guerrilleras que luchan contra el sistema, representado por sus jefes, tiranos que someten a las minorías religiosas.
Un fantástico reparto de grandes cantantes y también admirables actores (Joyce DiDonato, Julia Bullock, IestynDavies, Ed Lyon y Callum Thorpe) defenderá esta producción, cuyas escenas de mayor contenido sexual están concebidas, por primera vez en el Real, con la mediación de una “coordinadora de intimidad”.
También en el marco del Día Mundial de la Ópera, en el Real Teatro de Retiro se sortearán entradas, a través de Instagram, para El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, que estará en escena entre el 9 y el 24 de noviembre.
Esta nueva producción, concebida para el público familiar (niños y niñas a partir de los 8 años), cuenta con dirección musical de Miguel Huertas, puesta en escena de Alfonso Romero, y un reparto joven y divertido que interpretará a los más increíbles personajes de esta ópera, en la que el niño protagonista convive con la Aritmética, el Fuego, la Princesa, la Mamá, un montón de animales -Libélula, Lechuza, Murciélago, Ranita, Ruiseñor, Ardilla y Gato- y hasta cosas -Taza china, Tetera, Poltrona, Reloj, Árbol y Fuego-, en un asombroso mundo de fantasía, en el que Ravel combina la rica tradición de la música clásica con melodías populares y ritmos de jazz. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).
El mismo teatro, el Día Mundial de la Ópera, a partir de las 14:00 horas, se emitirá en directo, en Instagram una «entrevista performativa» con Cristina Cubells, la creadora de Pinocchio, dónde estás (con música de Miquel Ortega), su mediador Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez.
Con este diálogo se pretende profundizar en el universo recreado en el cuento musical, en escena en el Real Teatro de Retiro hasta el 3 de noviembre, en el que dos cantantes, un pianista y un percusionista presentan un nuevo enfoque del mundo de Pinocho que, acompañado por Arlecchino, Pulcinella y Lucignolo, quiere vender su abecedario a Mangiafuoco, desencadenando un insólito drama. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).
Este año el Día Mundial de la Ópera está dedicado a homenajear la práctica del canto de ópera en Italia, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, por lo que el Teatro Real invita a todos a escuchar, ese día, por lo menos una de las maravillosas arias del país donde nació, en el siglo XVII, un arte que entonces como ahora nos emociona, deleita, divierte, inquieta, hechiza y transforma.
Entre el 15 y el 22 de octubre el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de El lago de los cisnes interpretadas por el San Francisco Ballet, que hace su presentación en Madrid, con la versión coreográfica de Helgi Tomasson sobre este título, clásico entre los clásicos, del ballet.
Será también la primera vez de Tamara Rojo en el Teatro Real como directora artística de la compañía, cargo que asumió en junio de 2022, cuando Helgi Tomasson, después de 37 años al frente del San Francisco Ballet, dejaba el cargo cerrando su última temporada con la producción de El lago de los cisnes que veremos en el Real.
Estrenada en 2009, la coreografía de Tomasson, sobre el original de Marius Petipa y Lev Ivanov, trata de abordar la historia desde otra perspectiva, aportando frescura y acercando el argumento a las nuevas audiencias para hacer más comprensible la narrativa –por ejemplo, con el explícito prólogo sobre la figura de Odette y su destino- pero manteniendo al mismo tiempo la herencia clásica del ballet y el respeto por la coreografía original.
La producción cuenta con un diseño escénico minimalista y un sofisticado vestuario de Jonathan Fenson que, apoyado en la inteligente y delicada iluminación de Jennifer Tripton y las proyecciones de Sven Ortel, consigue un gran efectismo escénico, lleno de momentos sutiles, amplía los límites visuales y ensambla el conjunto de forma que la historia resulta clara y convincente, elegante y contemporánea sin dejar de reflejar los temas y emociones centenarios de la obra. Razones, todas ellas, que han convertido este trabajo en uno de los emblemas del repertorio de la compañía.
Las funciones tendrán en el foso a la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Martin West, director musical del San Francisco Ballet, con excepción de los días 17 (17.30 h) y 21 de octubre, en los que la parte musical estará a cargo del maestro Ming Luke.
Las bailarinas Sasha de Sola, Wona Park, Nikisha Fogo y Jasmine Jimison, se alternaránen la interpretación del rol principal Odette/Odile. Junto a ellas, Aaron Robison, Wei Wang,Max Cauthorn y Harrison James, darán vida al príncipe Siegfried, y Nathaniel Remez, Jakub Groot y Rubén Cítores encarnarán al malvado Von Rothbart.
La producción contará con la participación de jóvenes alumnos del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, seleccionados en Madrid por la compañía norteamericana.
Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Ahora Eduardo Guerrero es el encargado de estrenar la séptima temporada de Flamenco Real con su nuevo espectáculo Códigos, en el que explora las reglas tradicionales del flamenco mostrando la esencia de su estilo, que fusiona una técnica impecable y elegante con la emoción del flamenco puro.
Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de octubre a las 20:00 horas y el 19 de octubre, a las 19.30 y a las 21.30 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por Benito Berbal, a la guitarra, y Antonio Carmona, a la percusión, junto a las voces de Pilar Sierra, habitual colaboradora del bailaor, y Anabel Rivera, cantaora destacada por su estilo apasionado y profundo.
Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en un momento cúspide de su creación artística tras recibir el pasado lunes 30 de septiembre el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de Danza por su gran trayectoria coreográfica y su contribución al desarrollo sociocultural de la región. El bailaor, que acaba de presentar un montaje innovador junto al Ballet Nacional de Canadá en el Museo Aga Khan de Toronto, tiene en el Teatro Real el escenario donde mostrar al público madrileño su inconfundible estilo. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.
Códigos es un espectáculo que reflexiona sobre cómo, en su origen, leyes y códigos nos defendieron de la barbarie, pero también contribuyeron a amordazarnos, o, quizá, nos salvaron. Llevando al extremo la rítmica, el trabajo físico y la descomposición de la escena, Eduardo Guerrero muestra su código flamenco, del valor del cuerpo, de sus luces y sombras, de su delicadeza y desarrollo. Con este espectáculo quiere mostrar la intangibilidad de la danza, la delicadeza de los acordes en la guitarra, el cante puro y la percusión como símbolo primitivo, la irrealidad del arte que conecta con el misticismo… Un mundo cargado de significados ambiguos y de comprensión irracional. Los códigos hechos realidad.
El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas, su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.
Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo” y, poco después, se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).
Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.
Homenaje de Flamenco Real
Flamenco Real rinde homenaje, en su séptima temporada, a dos grandes leyendas del flamenco: el guitarrista Víctor Monje “Serranito” y la bailaora Francisca Sadornil “La Tati”.
Víctor Monge, Serranito, Madrid, 1942. Guitarrista y compositor madrileño, es considerado uno de los grandes virtuosos del flamenco y la guitarra española, con una carrera que comenzó a los 8 años. Autodidacta y pionero, ha sido fundamental en la evolución del flamenco y ha logrado reconocimiento incluso en el ámbito de la música clásica. Con más de 60 años de trayectoria y 20 trabajos discográficos, se le ha otorgado la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2019) y está realizando su gira de despedida, «Como un Sueño», celebrando 65 años en los escenarios.
Francisca Sadornil, La Tati, Madrid, 1945. Bailaora de flamenco, a lo largo de su carrera, ha sabido conjugar la tradición flamenca con una sensibilidad artística única, cautivando al público con su presencia escénica y dominio técnico. Su trayectoria incluye actuaciones en prestigiosos teatros y colaboraciones con grandes artistas del flamenco. Sadornil se ha consolidado como una embajadora de la cultura flamenca, llevando su arte por el mundo. Es miembro del Consejo Internacional de la Danza de la Unesco.
El recital que Ludovic Tézier nos brindó el pasado 3 de octubre en el Teatro Real, tenía como primer atractivo la original selección de obras, ya que no suelen ser las más habituales en este tipo de recitales, con una primera parte dedicada al repertorio francés y una segunda parte dedicada íntegramente a Wagner.
Domina, como no puede ser de otra manera, el repertorio francés. Empezó con una extraordinaria versión de “Scintille, diamant”, de Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con una delicada y luminosa interpretación.
Continuó con Sois “immobile”, de Guillaume Tell de Rossini, interpretada con el nervio y la contundencia de su voz baritonal, terminando esta primera parte con “Qui donc commande quand il aime?”, de Henry VIII de Saint-Saëns y “Voici donc la terrible cité”, de la Thaïs de Massenet. Fue en estas dos versiones en las que Tézier demostró su capacidad dramática. A su riqueza timbrica y voz voluminosa, se unen unos bajos profundos y potentes y un centro y agudos baritonales ricos en colores y densidades. Posee un registro amplio que le permite abordar ciertos roles wagnerianos, como demostró en la segunda parte del recital.
Comenzó esta segunda parte con “O du mein holder Adendstern”, del Wolfram de Tannhäuser, para llegar a los dos monólogos más importantes de Wotan, “Abendlich strahlt der Sonne Auge”, de Das Rheingold y “Wotans Abschied und Feuerzauber”, de Die Walküre, donde tuvo sus momentos de mayor lucimiento, tanto en lo vocal como en la interpretación. Su ascenso al Wallhala fue conmovedor, con variedad de matices, amplia tesitura y una gran carga de profundidad.
La sorpresa de la noche vino de la mano del joven director berlinés Marcus Merkel (1991), al frente de la Orquesta Titular del Teatro, ya que una parte importante del recital tuvo como protagonista obras orquestales de los mismos compositores. Empezaron con una obra animada, la Obertura de La perle du Brésil, de Félicien David. Seguido de la “Bacanal” de Samson et Dalila, para terminar esta primera parte con la “Meditación” de Thais.
La segunda parte de la orquesta también estuvo protagonizada por Wagner. Empezaron con el preludio de Los maestros cantores, que tienen muy reciente, para terminar con la Cabalgata de las Walquirias. La orquesta sonó homogénea y elegante, con un sonido limpio y mostrando la personalidad de cada obra. Muy bien los solistas, sobre todo el primer violín en la pieza de Massenet.
Las propinas no se quedaron atrás en este despliegue vocal y orquestal. Después del intenso y emocional repertorio francés y de la exigencia de Wagner, Tézier se marcó el aria final del Macbeth verdiano y una conocida canción Del hombre de La Mancha.
Un recital que terminó con el público en pie ante el alarde vocal y la presencia escénica que siempre nos ofrece un grande como Lusovic Tézier.
El próximo jueves, 3 de octubre, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el tercer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, esta vez con el barítono Ludovic Tézier y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Markus Merkel, que debutará en el Real.
El programa, que alterna arias y obras orquestales, tiene dos partes muy distintas: en la primera Ludovic Tézier interpretará arias de ópera francesa, repertorio que domina y cuyos papeles protagonistas para barítono se ajustan a su voz poderosa y a su timbre cálido y oscuro, que, unido a una técnica impecable, le permiten afrontar roles muy diversos. La segunda parte será íntegramente dedicada a Wagner, con escenas de Tannhäuser, El oro del Rin y La valquiria.
El concierto comienza con el perfume tropical de la obertura de La perle du Brésil, de Félicien David (1810 – 1876), con el exotismo del gusto francés de fin de siécle y la clara influencia de Berlioz o Meyerbeer. Le sigue la primera aria, «Scintille, diamant» de Les contes d’Hoffmann, de Jacques Offenbach (1819 – 1880), en la que Tézier da vida a Nicklausse, cantando el amor y al arte, “deslumbrantes como un diamante”, para animar a Hoffmann en medio de sus desventuras. La orquesta continúa con el intermezzo del acto IV de la misma ópera, en unas páginas teñidas de melancolía y delicada orquestación que expresan la lucha interna de Hoffmann, entre la emoción y la razón.
Cambiando completamente de registro, en el aria «Sois immobile», Guillermo Tell, en la ópera homónima de Giacomo Rossini (1792 – 1868), le pide a su hijo que permanezca inmóvil mientras él se prepara para disparar una flecha a una manzana colocada sobre su cabeza, como parte de un cruel castigo impuesto por el gobernador. Es un momento lleno de tensión dramática, con el eterno conflicto entre el amor paterno y el deber político.
Después de la «Bacchanale» de Samson et Dalila, de Camille Saint-Saëns (1835 – 1921), pieza orquestal llena de contrastes, quizás el punto culminante de la ópera, anticipando la inevitable caída de Sansón, Tézier vuelve a enfundarse el traje de un rey, ahora como Enrique VIII en la ópera homónima de Saint-Saëns, reflexionando sobre el poder y el amor.
La primera parte concluye con Thaïs, de Jules Massenet (1842 – 1912). Después de la célebre «Méditation» pieza orquestal, in
La Orquesta Titular del Teatro Real inicia la segunda parte con el Preludio de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813 – 1883), que evoca, a través de una riquísima orquestación, la vida cotidiana de Núremberg, con su herencia cultural y sus tradiciones.
Le sigue «Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern», aria de Tannhäuser en la que Wolfram von Eschenbach expresa su amor idealizado por Elisabeth, a través de un ambiente etéreo que evoca la comunión espiritual entre ambos.
Sonará entonces la popular «Cabalgata de las valquirias», que antecederá al crucial monólogo de Wotan «Abendlich strahlt der Sonne Auge» de El oro del Rin.
El concierto concluirá con otra conocida escena de la Tetralogía: la emocionante y trascendente «Wotans Abschied und Feuerzauber», en el final del tercer acto de La valquiria, en la que Wotan, profundamente dolido, se despide y castiga a su amada hija Brünnhilde, quien le ha desobedecido, en una profunda reflexión sobre el sacrificio y el destino.
PROGRAMA
Ludovic Tézier, barítono
Orquesta Titular del Teatro Real
Marcus Merkel, director de orquesta
PARTE I
FÉLICIEN DAVID (1810 – 1876)
La perle du Brésil
Obertura
JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880) Les contes d’Hoffmann
«Scintille, diamant»
Intermezzo del acto IV
GIOACHINO ROSSINI (1792 – 1868) Guillaume Tell
«Sois immobile»
CAMILLE SAINT-SAËNS (1835 – 1921) Samson et Dalila
«Bacchanale»
Henry VIII
«Qui donc commande quand il aime?»
JULES MASSENET (1842 – 1912) Thaïs
«Méditation»
«Voici donc la terrible cité»
PARTE II
RICHARD WAGNER (1813 – 1883) Die Meistersinger von Nürnberg
Preludio
Tannhäuser
«Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern»
Die Walküre
«Cabalgata de las valquirias»
Das Rheingold
«Abendlich strahlt der Sonne Auge
Die Walküre
«Wotans Abschied und Feuerzauber» Wotan
BIOGRAFÍAS
LUDOVIC TÉZIER, barítono
Este barítono francés formado en Marsella y París actúa regularmente en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Staatsoper de Viena, la Opéra national de París, el Teatro alla Scala de Milán, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Grand Téâtre de Ginebra, la Royal Opera House de Londres, la Bayerische Staatsoper de Múnich, la Deutsche Oper y la Staatsoper de Berlín, así como en los festivales de Salzburgo Aix-en-Provence y Savonlinna. Ha destacado en los grandes roles verdianos, como los titulares de Macbeth, Rigoletto y Simon Boccanegra, Renato de Un ballo in maschera, Ford de Falstaff, Germont de La traviata, Posa de Don Carlo y Don Carlo de La forza del destino, así como los titulares de Hamlet, Werther y Eugenio Oneguin, el conde de Le nozze di Figaro, Yeletsky de La dama de picas, Wolfram de Tannhäuser, Scarpia de Tosca, Amfortas de Parsifal, Athanaël de Thaïs y Barnaba de La Gioconda. En el Teatro Real ha participado en Un ballo in maschera (2008), Le nozze di Figaro (2009), I puritani (2016), Il trovatore (2019) y Rigoletto (2023).
MARCUS MERKEL, director de orquesta
Este director de orquesta berlinés estudió dirección, composición, piano y canto en su ciudad natal, además de formarse como pianista de jazz y aprender contrabajo y saxofón. Ganador de varios concursos de composición en Alemania y Austria, fundó, aún como estudiante, La Joven Filarmonía de Berlín, de la cual sigue siendo director artístico. Kapellmeister de la Ópera de Graz desde la temporada 2015/16, dirigió en esta sede alrededor de 40 representaciones por temporada, con un repertorio sumamente variado. Desde la temporada 2022/23 es director musical del Theater Koblenz en Alemania, donde debutó con Parsifal y ha dirigido sendas producciones de Der Freischütz, La traviata, Nixon in China, Ariadne auf Naxos y La clemenza di Tito. En los últimos veranos ha
dirigido representaciones televisadas de Tosca, Carmen y Der Ring des Nibelungen en Graz, junto a artistas como Elīna Garanča, Erwin Schrott, Bryn Terfel, Ludovic Tézier, Ramón Vargas, Klaus Florian Vogt y Michael Volle. Como invitado, ha dirigido numerosos conciertos sinfónicos por toda Europa.
No son muchas las ocasiones en las que podemos disfrutar del barroco francés. Después de escuchar la temporada pasada Medea, el Teatro Real ha estrenado el pasado 27 de septiembre, una de las joyas de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), la tragedia bíblica en cinco actos con prólogo, “David et Jonathas”, que cuenta una de las relaciones más emblemáticas del Tanaj, también conocido como Mikrá, que es el conjunto de los veinticuatro Libros Sagrados canónicos en el judaísmo y que se basa en el amor, la fe y la lealtad.
El libreto es obra del religioso jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), y narra la amistad entre los adolescentes David, el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.
David y Jonathas se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.
Fue precisamente gracias a los jesuitas y a su aprecio por las artes, por lo que Charpentier desarrolló el gusto por las composiciones de Historias Sagradas. Supo utilizarlas para ofrecer otro tipo de representaciones teatrales, ya que en aquel momento era Lully quien tenía el monopolio de la teatralización.
Se ha estrenado en versión de concierto con el Ensemble Correspondances, dirigido por un dinámico Sébastien Daucé. Con un control y conocimiento absoluto de la partitura, supo extraer de la orquesta todos los matices y riqueza armónica que atesora la obra.
El joven tenor checo Petr Nekoranec ha ofrecido una extraordinaria versión de David, con una gran amplitud de registro, brillando especialmente en los agudos de cabeza, sin descuidar los graves.
Lucile Richardot estuvo muy convincente en el rol de pitonisa, gracias a su original timbre y capacidad teatral.
La soprano francesa Gwendoline Blondeel, con un timbre cristalino y una emisión delicada, supo también demostrar el dramatismo y desgarro del personaje en su canto final.
El bajo Lysandre Châlon abordó con gran solvencia y aplomo sus dos personajes, dotando a cada uno de personalidad, con una voz oscura y compacta.
El resto del reparto, incluido el coro, demostró su maestría en el desarrollo de una obra compleja, que no resulta fácil abordar sin elementos escénicos. Demostraron un total dominio de la obra, ofreciendo una variedad tímbrica de voces e instrumentos de época. Los violines, el laúd y la viola de gamba ofrecieron momentos de gran inspiración e intimidad junto a las voces. Al igual que la paleta de colores ofrecida por las distintas flautas. Fue una noche inolvidable para los, cada vez más, amantes del barroco.
David et Jonathas, música de Marc-Antoine Charpentier
libreto de François Bretonneau
Estreno en el Teatro Real. En versión de concierto, 27 de septiembre de 2024
Ensemble Correspondances, bajo la dirección de Sébastien Daucé
Cientos de pueblos e instituciones se sumarán a la celebración de la IX edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que entre mañana y el próximo domingo, 29 de septiembre, ofrecerá gratuitamente cinco espectáculos –dos de ellos con pases dobles- y abrirá su edificio al público con el propósito de compartir y acercar las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco con la ópera como gran protagonista.
Desde mañana hasta el 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.
Un año más, se sumarán a la experiencia más de 250 municipios de toda España para compartir la retransmisión de la ópera que inaugura su temporada, Adriana Lecouvreur, el sábado 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en riguroso directo desde su escenario, y que será proyectada en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de las distintas localidades.
Adriana Lecouvreur, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, considerada la mejor intérprete de su tiempo. Murió con tan solo 38 años de edad, supuestamente envenenada por la princesa de Bouillon, examante del conde de Sajonia, con quien Adriana mantenía una relación. Su misteriosa muerte y el mito inagotable se sus interpretaciones son el origen de esta ópera, cuyo argumento tremendista, lleno de amores imposibles, muertes grandilocuentes y situaciones complejas, busca reflejar la vida real, con el mundo del teatro y sus entresijos como telón de fondo.
La propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas
La soprano Anna Netrebko y el tenor Yusif Eyvazov son los protagonistas de este concierto en el interpretan emblemáticas arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier. El programa ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, que el pasado 5 de septiembre, hizo vibrar de emoción y entusiasmo al público en la sala del Teatro Real y recogió unanimidad de elogiosas críticas.
La cita contó con la participación del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch, todos ellos bajo la batuta de Denis Vlasenko
Cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal. La trágica historia de amor entre Rodolfo, aspirante a poeta, y la modista Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende poniendo fin a los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.
La bohème, una de las óperas de Puccini más queridas por el público, podrá verse con la propuesta dramatúrgica, del prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemiapresentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario.
Destacan en los papeles principales, la soprano Anita Hartig (Mimí), el tenor Stephen Costello (Rodolfo), la soprano Joyce El-Khoury (Musetta) y el barítono Joan Martín-Royo (Marcello). La dirección musical corre a cargo de Paolo Carignani, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.
Los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio en el que late la pasión por la cultura de la ciudad.
Inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, la propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.
La trama de la ópera se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.
Interpretada por jóvenes solistas del programa Crescendo del Teatro Real -de programa formativo de la Fundación Amigos del Real-, cuenta con dirección musical de Francisco Soriano y escénica de Guillermo Amaya.
A las 18.00 y a las 20.0 horas
ORIGEN, con Eduardo Guerrero
Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.
El espectáculo, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, contó con la participación del guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra Villar, Ana Polanco y Eva Ruiz y la colaboración de Palomo Spain, en el diseño del vestuario.
SORTEOS Y PROMOCIONES
A lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de su página web, se podrá participar en sorteos de premios como entradas para la ópera Adriana Lecouvreur, el ballet El lago de los cisnes (interpretado por el San francisco Ballet), el espectáculo del bailaor Eduardo Guerrero en Flamenco Real, visitas especiales al Teatro Real o una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real.
Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.
El 27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas, el Teatro Real estrenará la ópera David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), que se ofrecerá en una función única, con el Ensemble Correspondances y su director musical, Sébastien Daucé, que presentaron, con gran éxito, hace dos años, El nacimiento del Rey Sol.
David et Jonathas es una grandiosa tragédie biblique en cinco actos, estrenada en París en 1688, con la estructura de una ópera y la temática de un oratorio. El libreto, del padre jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), está inspirado en el conmovedor pasaje del Antiguo Testamento que narra la amistad entre los adolescentes David -el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl-, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.
Jonathas y David, que se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.
La música de Charpentier, de gran expresividad, refleja la grandiosidad de los conflictos políticos y también el intimismo, complejidad y profundidad psicológica de los personajes, sobre todo del dúo protagonista, cuya relación emocional es el núcleo de la partitura. A través de arias, coros y escenas dramáticas, Charpentier crea un paisaje
sonoro con una música ricamente ornamentada, incluyendo distintas danzas, ritornelos y motivos melódicos de gran belleza, que enriquecen la narrativa musical.
El reparto de esta función estará formado por el contratenor Petr Nekoranec (David), la soprano Gwendoline Blondeel (Jonathas, hijo de Saúl), el barítono Jean-Christophe Lanièce (Saül, rey de los israelitas), la mezzosoprano Lucile Richardot (La Pythonisse), el tenor Etienne Bazola (Joabel) y el bajo Lysandre Châlon (Achis / L’ombre de Samuel).
El contratenor Petr Nekoranec, que dará voz al joven David, hizo su debut en el Teatro Real en 2017, en el concierto de los galardonados en el Concurso Tenor Viñas, y la mezzosoprano Lucile Richardot subió por primera vez al escenario del Real junto al contratenor Philippe Jarousky, en un concierto celebrado en octubre de 2020, y regresó en 2022 para interpretar el doble papel de La noche/Venus en El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royale de la nuit, bajo la dirección de Sébastien Daucé.
SOBRE DAVID ET JONATHAS
SÉBASTIEN DAUCÉ
Las primeras notas que interpretó Correspondances fueron las de Charpentier. A lo largo de los años hemos construido la identidad del grupo bajo la protección de este genio de la música. Llegamos con este David & Jonathas a un punto importante para nosotros, abordar por primera vez una de las dos únicas grandes obras líricas que nos dejó.
¿Por qué David et Jonathas antes que Médée? No solo por la cronología, aunque el desarrollo de Charpentier sigue un proceso lineal muy diferente al de sus contemporáneos; siempre estuvo en una búsqueda constante, ninguna obra se parece a la anterior, nunca un descubrimiento se convierte en un sistema, nunca de un hallazgo resulta un tic repetitivo… David la compuso después de una serie de experiencias anteriores (principalmente sus Histoires sacrées, que presentamos en Caen en 2016) que renueva por completo. Así, el tema de Saúl y David, que había tratado en forma de oratorio, reaparece aquí bajo una luz totalmente nueva.
¿Una ópera? ¿Una ópera bíblica? El género de esta obra no encaja en nuestras categorías. Compuesta para el espectáculo de fin de año del Gran Colegio Jesuita Louis-le-Grand en 1688, Charpentier moviliza tanto a profesionales de la Academia Real como a los propios estudiantes en el marco de una producción importante digna de la ópera. Los actos que la componen se alternaban con los actos de una tragedia teatral sobre el mismo tema, representada en latín. Esta obra se aleja de los cánones de la tragedia inventada por Lully en su forma, pero también en su estilo musical: se dan en ella una intensidad y una interioridad singulares, un cuidado especial en la escritura vocal y en la riqueza de su acompañamiento, así como evocaciones descriptivas muy notables.
Lo que da todo su sabor a David et Jonathas hoy en día es su punto de vista. Vemos el mundo, la guerra, las tensiones familiares, la locura, el ejercicio del poder, la paranoia, el valor de la palabra, todo con la mirada de la juventud. Así, las guías de lectura del mundo de los adultos se vuelven obsoletas.
Al final de este primer cuarto del siglo XXI me parece que esta obra del siglo XVII, a pesar de la tragedia que nos presenta, respira una forma de idealismo saludable que nutre la esperanza (David quiere la paz y se esfuerza, contra viento y marea, por reconciliar a las partes) y nos dice algo sobre la fuerza de los juramentos (poco importa si se trata de amistad o amor, lo que cuenta es la palabra dada, más fuerte que todo). Alimenta, en fin, una visión del mundo, seguramente caballeresca e idealista, que solo la adolescencia se atreve a tener. Quizás esta mirada de adolescente, reforzada por la cultura y experiencias de siglos pasados, sea la clave de nuestro futuro.Sébastien Daucé es el director musical de la ópera
SINOPSIS
PRÓLOGO
Saúl acude a consultar a una pitonisa, que invoca al fantasma del profeta Samuel y le comunica las desgracias que le esperan.
ACTO I
Cuando comienza la acción, David ha sido expulsado del campamento de los israelitas a causa de los celos de Saúl. Refugiado entre los filisteos, David disfruta de la amistad de su rey Achis y de la admiración de todo el pueblo. Tras la escena inicial, en la que los escuchamos cantarle alabanzas, lo vemos en conversación con Achis, quien le anuncia que acaba de firmar una tregua con los israelitas, que debe reunirse con Saúl y que este encuentro tendrá como resultado la paz o la guerra.
ACTO II
Aparece el personaje de Joabel, general filisteo que mantiene una relación con Saúl y está celoso de la gloria de David. En una conversación con David intenta persuadirlo para que vaya a la guerra con la esperanza de que esto le acarree la muerte. David se niega, por lo que la única opción de Joabel es denunciarlo a Saúl. Jonathas y David se han reencontrado gracias a la tregua y cantan las alegrías de la amistad.
ACTO III
El tercer acto presenta el encuentro entre Saúl y Achis. El rey de los israelitas ha escuchado las calumnias de Joabel, lo que ha reforzado el odio que siente por David. También exige que se le entregue al joven como condición para la paz. Achis se niega, ya que tiene fe en la inocencia de David. Jonathas y David hacen aparición en el lugar de negociación, lo que despierta la ira de Saúl, que persigue a David. Éste, al ver que no es bienvenido, se retira. Joabel se felicita por el éxito de su complot.
ACTO IV
La batalla es ahora inevitable. Saúl está convencido de que el apoyo de Achis a David anuncia su posible traición. Achis se siente espoleado por los sentimientos de sus soldados, a quienes Joabel ha enardecido con sus planes. David y Jonathas se encuentran, lamentando la amenaza de la separación a la que se enfrentan. El héroe promete que, lejos de luchar contra Saúl, hará todo lo posible por salvarlo.
ACTO V
Nos muestra la batalla, que Saúl está perdiendo. Jonathas está herido de muerte. Ante esta visión, Saúl casi pierde la razón y, tras intentar matar a uno de sus guardias, a quien considera responsable de la muerte de Jonathas, sale en persecución de David para vengar la suerte de su hijo. Jonathas muere en los brazos de David. Solo falta que el propio Saúl ejecute a este con su espada. Entonces llega Achis para anunciar que los israelitas han elegido a David como su rey, pero el coro alegre y triunfante del final no ahoga por completo los gritos de desolación del héroe.
FICHA ARTÍSTICA
David et Jonathas
Tragédie biblique en cinco actos con prólogo
Estrenada en el Collège des Jésuites Louis-le-Grand de Paris, el 25 de febrero de 1688
Libreto de François de Paule Bretonneau
Música de Marc-Antoine Charpentier
Orquesta y Coro por el Ensemble Correspondances
Dirección musical de Sébastien Daucé
Producción escénica estrenada en el Théâtre de Caen el 9/11/2023
Reparto
David, Petr Nekoranec
Jonathas, hijo de Saúl, Gwendoline Blondeel
Saül, rey de los israelitas, Jean-Christophe Lanièce
La Pythonisse, Lucile Richardot
Joabel, Etienne Bazola
Achis / L’ombre de Samuel, Lysandre Châlon
El Teatro Real y los artistas participantes en sus producciones el pasado año, han conseguido siete nominaciones a los International Opera Awards 2024, entre ellas Mejor Nueva Producción y Mejor Estreno Mundial, cuyos ganadores se darán a conocer el próximo 2 de octubre en una ceremonia que tendrá lugar en la Bayerische Staatsoper de Munich.
El Teatro Real, que fue reconocido como Mejor Compañía del mundo en la edición de 2021 de los Iternational Opera Awards, ha logrado las siguientes candidaturas en la presente edición: Mejor Estreno Mundial (La Regenta, de Marisa Manchado); Mejor Nueva Producción (Los maestros cantores de Nüremberg); Mejor Director de Escena (Christof Loy por La voix humaine/Erwartung); Mejor Cantante Femenina (Adela Zaharia, por Rigoletto, entre otras óperas); Mejor Cantante Masculino (Gerald Finley, por Los maestros cantores de Nüremberg, entre otros títulos): Premio de los Lectores (Xabier Anduaga y Ludovic Tezier, por Rigoletto) y Mejor Grabación Solista (Saioa Hernández, Il verismo d’oro (EuroArts).
Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde sus comienzos fueron considerados los oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.
La Regenta, estrenada en Naves del Español en Matadero el 24 de octubre de 2023, se basa en la novela homónima de Leopoldo Alas Clarín, con música de Marisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch. Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de la literatura se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera, estrenado gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español. La ópera contó con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).
Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner, fue una nueva coproducción, estrenada el 24 de abril en el Teatro Real, que unió a dos directores muy queridos por el público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado de la Orquesta Titular del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)–. El monumental montaje de Pelly, con 135 artistas sobre el escenario, potencia el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Nüremberg.
El próximo jueves, 26 de septiembre, dará comienzo la novena edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real para ofrecer, a todos los públicos, la posibilidad de disfrutar y compartir las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco, con espectáculos para el público juvenil y familiar con, una vez más, la ópera como gran protagonista.
Entre los días 26 y 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.
Un año más, se sumarán a la experiencia más de 250 municipios de toda España para compartir la retransmisión de la ópera que inaugura su temporada, Adriana Lecouvreur, el sábado 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en riguroso directo desde su escenario, y que será proyectada en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de las distintas localidades.
Adriana Lecouvreur, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, considerada la mejor intérprete de su tiempo. Murió con tan solo 38 años de edad, supuestamente envenenada por la princesa de Bouillon, examante del conde de Sajonia, con quien Adriana mantenía una relación. Su misteriosa muerte y el mito inagotable se sus interpretaciones son el origen de esta ópera, cuyo argumento tremendista, lleno de amores imposibles, muertes grandilocuentes y situaciones complejas, busca reflejar la vida real, con el mundo del teatro y sus entresijos como telón de fondo.
La propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.
La soprano Anna Netrebko y el tenor Yusif Eyvazov son los protagonistas de este concierto en el interpretan emblemáticas arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier. El programa ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, que el pasado 5 de septiembre, hizo vibrar de emoción y entusiasmo al público en la sala del Teatro Real y recogió unanimidad de elogiosas críticas.
La cita contó con la participación del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch, todos ellos bajo la batuta de Denis Vlasenko
Cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal. La trágica historia de amor entre Rodolfo, aspirante a poeta, y la modista Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende poniendo fin a los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.
La bohème, una de las óperas de Puccini más queridas por el público, podrá verse con la propuesta dramatúrgica, del prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemiapresentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario.
Destacan en los papeles principales, la soprano Anita Hartig (Mimí), el tenor Stephen Costello (Rodolfo), la soprano Joyce El-Khoury (Musetta) y el barítono Joan Martín-Royo (Marcello). La dirección musical corre a cargo de Paolo Carignani, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.
Los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio en el que late la pasión por la cultura de la ciudad.
Inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, la propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.
La trama de la ópera se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.
Interpretada por jóvenes solistas del programa Crescendo del Teatro Real -de programa formativo de la Fundación Amigos del Real-, cuenta con dirección musical de Francisco Soriano y escénica de Guillermo Amaya.
A las 18.00 y a las 20.0 horas
ORIGEN, con Eduardo Guerrero
Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.
El espectáculo, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, contó con la participación del guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra Villar, Ana Polanco y Eva Ruiz y la colaboración de Palomo Spain, en el diseño del vestuario.
SORTEOS Y PROMOCIONES
A lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de su página web, se podrá participar en sorteos de premios como entradas para la ópera Adriana Lecouvreur, el ballet El lago de los cisnes (interpretado por el San francisco Ballet), el espectáculo del bailaor Eduardo Guerrero en Flamenco Real, visitas especiales al Teatro Real o una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real.
Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.
La dirección musical correrá a cargo de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está comenzando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente en la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas.
El programa está compuesto por arias de Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Matteo Salvi, Giuiseppe Verdi, Charles Gounod y Jacques Offenbach; y piezas de zarzuela de Ruperto Chapí, José Serrano, Pablo Luna, Gerónimo Giménez, Reveriano Soutullo y Juan Vert.
La Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, estará conformada, en esta gira, por 75 instrumentistas procedentes de los más de 20 centros donde 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.
Será la presentación en el Teatro Real de la Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, que desde 2011, ha permitido beneficiar a más de 30.000 niños y jóvenes de Perú.
En su segunda gira internacional, la orquesta estará conformada por 75 instrumentistas procedentes de los centros con los que la organización cuenta en diversas regiones de Perú, en los que actualmente 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.
La dirección musical será de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está iniciando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas, donde fue la primera asistente femenina de la agrupación.
El ambicioso programa del concierto permitirá al público disfrutar del arte de Juan Diego Flórez en diferentes registros, estilos y lenguajes, desde la pureza del repertorio belcantista a la ductilidad de su voz en las páginas más trágicas; del refinamiento de sus interpretaciones en la ópera francesa, al canto desinhibido, con gracia y gallardía de las piezas de zarzuela o de la música popular latinoamericana.
El concierto comienza con Vincenzo Bellini y tres arias de su ópera I Capuleti e i Montecchi, donde las pasiones exacerbadas se expresan con maravillosas melodías delicadamente ornamentadas, que exigen un gran control del legato y de la expresión emocional.
Le sigue la gran escena para tenor de Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti, de gran dramatismo, que reflejan el dolor, la desesperación, el remordimiento o el desamor, expresados con el ímpetu emocional tan característico del estilo donizettiano, que Flórez domina como nadie.
Con Matteo Salvi, menos conocido que sus contemporáneos, Flórez volverá a cantar al amor y al honor con un fraseo amplio, bello e intimista en «Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…» de Il duca d’Alba, cerrando la primera parte con la heroicidad de «L’émir auprès de lui m’appelle…», de la ópera Jérusalem, de Giuseppe Verdi, que exige líneas de canto más poderosas y dramáticas, acompañadas con brío por una orquesta que acompaña a la perfección la dramaturgia del texto.
La segunda parte comienza con una de las arias más románticas y delicadas del repertorio francés, «L’amour!… Ah, lève-toi, soleil», de Roméo et Juliette, de Charles Gounod, impregnada del ingenuo fulgor juvenil, seguida de «Au mont Ida», de La belle Hélène, de Jacques Offenbach, una pieza llena de humor y donaire.
El Preludio de La revoltosa da inicio a la sesión de zarzuela, que prosigue con la vitalidad y el orgullo patriótico de «Al mismo rey del moro…», de La alegría del batallón de José Serrano.
De La pícara molinera, de Pablo Luna, Flórez interpretará «Mi locura non tien cura… Paxarín, tú que vuelas», una pieza delicada, melancólica y emotiva, que resalta la poesía del paisaje rural español.
Siempre en crescendo, llega una de las piezas más icónicas del dúo Reveriano Soutullo y Juan Vert: la romanza «Bella enamorada», de El último romántico, himno al amor y a la belleza escrito con una melodía expansiva que exige al tenor una voz más enérgica y expresiva, muy característica de la zarzuela.
La velada concluye con la popularísima Granada, de Agustín Lara, con la que, seguramente, se dará paso a los bises, que Juan Diego Flórez suele regalar con generosidad, complicidad y simpatía.
1 hora y 50 minutos, con un intermedio de 25 minutos
PARTE I
VINCENZO BELLINI (1801 – 1835)
Norma
Sinfonía
I Capuletti e i Montecchi
«O, di Capellio generosi amici…»
«È serbato a questo acciaro…»
«L’ amo tanto, e m’è sì cara…»
GAETANO DONIZETTI (1797 – 1848)
Roberto Devereux
«Ed ancor la tremenda….»
«Come uno spirito angelico…»
«Bagnato il sen di lagrime…»
MATTEO SALVI (1816 – 1887)
Il duca d’Alba
«Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…»
GIUSEPPE VERDI (1813 – 1901)
La forza del destino
Obertura
Jérusalem
«L’ émir auprès de lui m’appelle….
Je veux encore entendre…»
PARTE II
CHARLES GOUNOD (1818 – 1893)
Roméo et Juliette
Entreacto del acto II
«L’amour!… Ah, lève-toi, soleil»
JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880)
Orphée aux enfers
«Galop infernal» (can-can)
La belle Hélène
«Au mont Ida»
RUPERTO CHAPÍ (1851 – 1909)
La revoltosa
Preludio
JOSÉ SERRANO (1873 – 1941)
La alegría del batallón
«Al mismo rey del moro…»
PABLOLUNA (1879 – 1942)
La pícara molinera
«Mi locura non tien cura…. Paxarín, tú que vuelas»
REVERIANO SOUTULLO (1880 – 1932) y JUAN VERT (1890 – 1931)
El último romántico
«Bella enamorada»
GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854 – 1923)
La boda de Luis Alonso
Intermezzo
AGUSTÍN LARA (1897 – 1970)
Granada
BIOGRAFÍAS
JUAN DIEGO FLÓREZ, tenor
Formado en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y el Curtis Institute of Music de Filadelfia, este tenor peruanoalcanzó fama internacional tras su debut en el Festival Rossini de Pésaro en Matilde di Shabran y su presentación en el Teatro alla Scala de Milán, dirigido por Riccardo Muti en 1996, con solo 23 años. Excelso cultivador del bel canto y de la ópera francesa, recientemente ha incorporado a su repertorio títulos como La traviata, en la Metropolitan Opera House de Nueva York, Werther, en la Royal Opera House de Londres, La bohème, en la Opernhaus de Zúrich, y Manon y Faust en la Staatsoper de Viena. Ha sido galardonado con la Gran Cruz de la Orden del Sol y es, desde 2022, director artístico del Festival Rossini de Pésaro. En 2011, fundó Sinfonía por el Perú, un proyecto musical de inclusión social. En reconocimiento por su labor, fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO y fue premiado por el World Economic Forum con el Crystal Award. En el Teatro Real ha cantado en Il barbiere di Siviglia (2005), Orphée et Eurydice (2008), I puritani (2010) y Les pêcheurs de perles (2013), y ofrecido diferentes conciertos y recitales en los años 2006, 2009, 2015, 2017 y 2021.
ANA MARÍA PATIÑO-OSORIO, directora de orquesta
Esta directora de orquesta colombiana es la ganadora del Segundo Premio, el Premio del Público y el Premio del Jurado Juvenil en el Concurso Malko para Jóvenes directores de 2024 en Copenhague. En las temporadas 22-23 y 23-24, ha ocupado el cargo de directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande, trabajando estrechamente con Jonathan Nott. Comenzó su formación musical como saxofonista antes de pasar a la dirección orquestal. Completó su licenciatura en Dirección de Orquesta en la Universidad EAFIT en Medellín antes de ser aceptada en el prestigioso programa de Dirección Orquestal en la Escuela Superior de Artes de Zúrich bajo la tutela de Johannes Schlae‑ i, donde se graduó con honores en 2021. Durante la temporada 2023/24 ha dirigido, entre otras, la Orquesta Iberacademy en Mozartwoche en Salzburgo, la Orchestre de Chambre de Lausanne, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Filarmónica de Bogotá, entre otras.
SINFONÍA POR EL PERÚ
Sinfonía por el Perú es una organización social, fundada y presidida por el tenor peruano Juan Diego Flórez. Desde su creación hace trece años, ha transformado las vidas de más de 30.000 niños, niñas, adolescentes y jóvenes mediante la formación musical colectiva y gratuita. Actualmente, más de 6.400 jóvenes participan en esta iniciativa en una treintena de sedes a lo largo de diez regiones del Perú. Sinfonía por el Perú no solo enseña música, sino que también fomenta habilidades y valores esenciales como la disciplina, el respeto, la cooperación y el liderazgo. La organización se ha convertido en un referente cultural y social en el país, con numerosos testimonios de beneficiarios que demuestran mejoras en autoestima, habilidades sociales y rendimiento académico. Alineada con los Derechos Humanos y los Derechos del Niño de la ONU, y guiada por los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la Agenda 2030, Sinfonía por el Perú muestra cómo la música puede cambiar el mundo.
El Teatro Real inaugurará el próximo 23 de septiembre su Temporada de ópera 2024-2025, con Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea (1866-1950), que nunca se ha presentado en su escenario, pese a la gran popularidad de este título.
Aunque el nombre de Francesco Cilea aparezca normalmente asociado a los de Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano o Giacomo Puccini como uno de los representantes del verismo -movimiento operístico de cuño realista y naturalista en boga en Italia en los albores del siglo XX- su ópera más conocida, Adriana Lecouvreur, podría considerarse, de cierta manera, la despedida del gran melodrama romántico italiano, sobre todo verdiano, con tintes veristas y la elegancia y refinamiento de la ópera francesa finisecular, sobre todo de Massenet.
La ópera, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de la legendaria actriz Adrienne Lecouvreur, idolatrada y defendida por Voltaire, que destacó por sus brillantes, sinceras y originales interpretaciones en la Comédie Française. Su enorme fama, amoríos, su relación con el mariscal Mauricio de Sajonia -pareja de la celosa Madame de Bouillon-, y su muerte en extrañas circunstancias, con apenas 38 años, han inspirado, ya en el siglo XIX, la obra teatral de Eugène Scribe y Gabriel Legouvé que sirvió de base al libreto de Arturo Colautti.
Pese a que la ópera confronta las emociones exacerbadas de la pasión de Adriana Lecouvreur y los celos de la princesa de Bouillon, que aman al mismo hombre, Cilea crea una partitura de gran elegancia y contención, que combina la intensidad dramática, la belleza melódica, la exquisita orquestación y una refinada sensibilidad lírica, capaz de expresar las complejas emociones de los personajes, desde el lirismo más íntimo a los estallidos de pasión.
David McVicar respeta estrictamente la época y los espacios del libreto, con una puesta en escena espectacular, en la que la tensión emocional de la trama y de la música fluye sin obstáculos, transformando el Teatro en un personaje vivo que, con su presencia omnipresente, influye y moldea el destino de los protagonistas.
La impactante escenografía de Charles Edwards, con su mezcla de cortinajes, maquinaria teatral y juego de espejos, y el opulento vestuario dieciochesco de Brigitte Reiffenstuel, crean una atmósfera melancólica anticipando el trágico final de la ópera, con una paleta cromática dominada por tonos dorados, ocres y púrpuras, que evocan el lujo decadente de la aristocracia y la libertad, siempre marginal, de la vida sobre un escenario.
En la interpretación del arrebatador papel de Adriana Lecouvreur se alternarán las sopranos Ermonela Jaho y Maria Agresta. Estarán secundadas por Elīna Garanča (princesa de Bouillon) -que debuta en el Teatro Real en una producción operística- Brian Jagde (Maurizio) y Nicola Alaimo (Michonnet), en el primer reparto; y Ksenia Dudnikova, Matthew Polenzani y Manel Esteve, en el segundo. Junto a ellos, actuarán el Coro Titular del Teatro Real, con dirección de José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la experta e exquisita dirección musical de Nicola Luisotti, principal director invitado del coliseo de la Plaza de Oriente.
AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES
19 de agosto a 21 de septiembre | TEATRO REAL, Sala de ensayo de puesta en escena y Sala principal
CURSO: Una aproximación a la dirección de escena
Coordinado por Justin Way, responsable de la reposición de Adriana Lecouvreur
El curso tiene como objetivo mostrar a los participantes el trabajo del director de escena, encargado de coordinar los elementos escenográficos y dramatúrgicos de una producción. Para ello, se hace un seguimiento del proceso de ensayos de Adriana Lecouvreur, en el que los participantes pueden conocer lo que ocurre durante el mes de ensayos y trabajos que preceden el estreno de la ópera.
20 de septiembre a 13 de octubre | MUSEO DELROMANTICISMO, Sala XVIII
EXPOSICIÓN: Una obra, una ópera
El museo muestra en su sala XVIII, dedicada a la literatura y el teatro, el retrato de la actriz aragonesa Teodora Lamadrid, caracterizada de Adriana Lecouvreur, el papel con el que consiguió el reconocimiento del público español del siglo XIX y con el que consolidó su prestigio en los escenarios madrileños.
Acceso gratuito con la entrada del museo en su horario de apertura.
18 de septiembre, a las 20.15 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta
ENFOQUES: Adriana Lecouvreur
Participan: Nicola Luisotti (director musical), Justin Way (responsable de la reposición), Ricardo de Cala (director del programa Los maestros cantores, en Radio Clásica) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
La soprano Dragana Paunovic, acompañada al piano por Edoardo Barsotti, interpretarán dos arias de Adriana Lecouvreur: «lo son l’umile ancella» y «Poveri fiori».
22 y 29 de septiembre, y 5 y 12 de octubre, a las 11.00 y 12.30 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO
ITINERARIO POR EL JARDÍN: Plantas tóxicas y venenosas
El Real Jardín Botánico de Madrid ha elegido Adriana Lecouvreur para iniciar su colaboración con el Teatro Real. La misteriosa muerte de la actriz francesa con unas flores envenenadas es la excusa perfecta para realizar una visita guiada por su jardín, donde el público descubrirá las plantas tóxicas que se esconden en la naturaleza, qué partes son venenosas y cuáles no, cómo funcionan los venenos y, algo muy importante, para qué sirven además de para matar.
Más información y compra de entradas en este enlace.
24 de septiembre, a las 19.00 horas | CASA ASIA
CONFERENCIA: Artes escénicas en extremo oriente
Poniente: Horacio Curti, etnomusicólogo y maestro shakuhachi.
Una temporada más, la institución destinada a acercar el conocimiento de Asia Pacífico a España propone una actividad que permitirá al público descubrir la riqueza de la cultura asiática. En este caso utiliza el gran melodrama romántico que es Adriana Lecouvrer para demostrar la estrecha relación que existe entre la ópera oriental y la occidental. Y es que las formas y principios estéticos de las artes escénicas de Asia Oriental, en general y de Japón en particular, se dan la mano con la esencia de esta ópera de Cilea.
Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.
25 de septiembre, a las 12.00 horas y 26 de septiembre, a las 17.00 horas | MUSEO DEL TRAJE
VISITAS GUIADAS: Adriana, una mujer a la moda del siglo XVIII
La producción de David McVicar que se verá en el Real es el marco perfecto para un itinerario por el Museo que girará en torno al denominado “traje a la francesa” o “a la moda”. En él se podrán ver siluetas, formas y tejidos, además de analizar brevemente su contexto histórico, cultural y social, desde su origen a finales del XVII, en la corte de Luis XIV, a su evolución durante el primer tercio del XVIII.
Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.
28 de septiembre, a las 19.30 horas | PLAZA DE ISABEL II y distintos espacios en toda España
RETRANSMISIÓN EN DIRECTO:Adriana Lecouvreur será retransmitida en directo en la Plaza de Isabel II, en Madrid y en plazas, teatros, auditorios, museos y centros culturales de toda España en el marco de la Semana de la Ópera del Teatro Real.
Siguen abiertas las inscripciones, en este link, para todos los ayuntamientos que se quieran unir.
6 de octubre, a las 11.00 y a las 13.00 horas | REAL TEATRO DE RETIRO, Sala Pacífico
TALLER MUSICAL EN FAMILIA: ¡Todos al Real Teatro!
El caso de las violetas envenenadas explora el universo sonoro de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea. Nos convertiremos en detectives para descubrir quién asesinó a una importante actriz…
Participan la soprano Aida Turganbayeva y el pianista Sergio Berlinches.
8 de octubre, a las 20.00 horas | INSTITUT FRANÇAIS
DOCUMENTAL: Sarah Bernhardt, à corps perdu
Considerada una de las mejores actrices del siglo XIX y XX, Sarah Bernhardt supo dar una dimensión especial al personaje de Adriana Lecouvreur, actriz también –como Bernhardt– de la Comédie Française y sobre la que grabó una película en 1913. Para ahondar en la vida de esta musa de escritores como Oscar Wilde, Víctor Hugo o Jean Cocteau, el Institut Français de Madrid junto al canal audiovisual francés TV5MONDE presentan un documental que la directora Sophie Jaubert realizó con motivo del centenario de la muerte de la bretona.
Entrada libre hasta completar aforo.
21 y 22 de octubre, a las 18.30 horas | CÍRCUO DE BELLAS ARTES, Sala Ramón Gómez de la Serna
CONFERENCIA: Voltaire 2024
21 de octubre. Ponentes: Juan Manuel Forte y Alicia H. Puleo. Moderador: Rodrigo Castro Orellana
22 de octubre: Ponentes: José L. Villacañas y Nuria Sánchez Madrid. Moderador: Rodrigo Castro Orellana
Voltaire, amigo cercano de Adriana Lecouvreur, y autor del Tratado sobre la tolerancia, fue enemigo del dogmatismo y de la ignorancia de su tiempo. Su figura sigue inspirando hoy en día y nos puede ayudar a reflexionar y debatir sobre los nuevos fanatismos, a combatir la disolución de la razón y la verdad, y a denunciar las nuevas manifestaciones reaccionarias.
Para ello el CBA propone dos charlas en las que cuatro filósofos pondrán de manifiesto cómo los problemas que acuciaban a Voltaire aún siguen removiendo conciencias en el siglo XXI.
Entrada libre hasta completar aforo.22 de octubre a las 20.00 horas | CÍRCULO DE BELLAS ARTES, Teatro Fernando Rojas
LECTURA DRAMATIZADA: Sarah Bernhardt Fan Club
En colaboración con el Círculo de Bellas Artes, el Institut français de España y la embajada francesa proponen una lectura dramatizada en francés con sobretítulos en español, escrita y dirigida por Juliette Deschamps, con los actores Judith Chemla y Bruno Blairet. Con este acto, a la vez divertido y conmovedor, en forma de biopic en 18 episodios, se homenajeará la figura de la inmensa y escandalosa actriz francesa Sarah Bernhardt, quien creó los más grandes papeles del repertorio de la época.
Contemporáneo de Francesco Cilea (1866-1866), Giacomo Puccini (1858-1924) –cuyo centenario de fallecimiento se está celebrando con varias iniciativas en el Teatro Real– ejerció gran influencia en el compositor de Adriana Lecouvreur, encontrándose paralelismos entre el drama Tosca y de Adriana, dos heroínas trágicas que contraponen la libertad y trascendencia del arte, frente al drama que experimentan en sus vidas.
En la exposición Puccini-Fotógrafo, organizada en colaboración con PHotoEspaña, se pueden ver fotografías de gran formato en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta del Teatro Real.
Hasta final de temporada| TEATRO REAL, Salón de baile y 7ª planta
EXPOSICIÓN: Centenario Victoria de los Ángeles
Victoria de los Ángeles (1923-2005) –de quien se está conmemorando el centenario de nacimiento– fue una gran intérprete de las heroínas trágicas puccinianas por su delicadísima sensibilidad, y encarnó también el rol titular de Adriana Lecouvreur, dando al personaje fragilidad y hondura.
El Teatro Real expone en el salón de baile y en el espacio expositivo que se encuentra en la séptima planta una colección de vestidos de la soprano, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles.
El 5 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el primer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, cuya inauguración oficial será el 23 de septiembre, con el estreno de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea.
La velada, íntegramente dedicada a Giacomo Puccini (Lucca, 1859 – Bruselas, 1924), estará protagonizada por Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, que ya actuaron juntos en el Teatro Real en dos conciertos (el 1 de noviembre de 2019 y el 25 de julio de 2022) y en las óperas Tosca, en 2021, y Aida, en 2022.
Netrebko y Eyvazov interpretarán arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier, que debutarán en el Real y a los que escucharemos también en solitario con arias de Turandot y Edgar.
Junto a ellos tendrá un importante papel el coro, donde se unirán las voces del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch.
Denis Vlasenko, director artístico del Teatro Estatal Académico Bolshoi de Taskent (Uzbekistán), y con un largo vínculo artístico con Anna Netrebko, será el encargado de la dirección musical del concierto, como ya hizo, con éxito, en 2019, cuando la soprano hizo su debut en el Real junto a Yusif Eyvazov.
Anna Netrebko ha encontrado en las grandes heroínas puccinianas un terreno fértil para explorar la ductilidad de su voz y la intensidad dramática de sus interpretaciones. La combinación de su lirismo cálido, virtuosismo técnico y una profunda comprensión emocional de los personajes que encarnará en el concierto – Turandot, Manon Lescaut, Tosca, Mimi y Cio-Cio-San logra captar su complejidad, vulnerabilidad, contradicciones y la evolución dramática de los mismos, logrando versiones únicas de estos papeles, marcados por la pasión y la tragedia.
El programa del concierto ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, con una selección de sus más emblemáticas arias, dúos y números de conjunto. La primera parte comenzará con Turandot, con el vibrante coro «Popolo di Pekino» y la impresionante interpretación de «In questa reggia» por Anna Netrebko, arropada por el coro. Le siguen los dramáticos diálogos entre Calaf, Liù y Turandot, que culminan en el conmovedor lamento «Tu che di gel sei cinta», que dará a conocer a Daria Rybak al público del Real. El contraste emocional se realza con el «Intermezzo» orquestal de Manon Lescaut, antes de que Netrebko vuelva al universo trágico de «Sola, perduta, abbandonata». Yusif Eyvazov aportará la pasión de «Donna non vidi mai», y el dúo de amor «Tu, tu, amore? Tu?» cerrará la primera parte con gran intensidad.
La segunda parte abrirá con la frescura y el encanto de La Bohème, seguida por el aria «Questo amor, vergogna mia» de Edgar, la menos conocida de la velada, interpretada por el barítono Jérôme Boutillier, pianista repetidor que está haciendo una interesante carrera como cantante, y que debuta en el Real. El lirismo melódico de Tosca cobra vida en las populares «Vissi d’arte» con Anna Netrebko y «Recondita armonia» con Yusif Eyvazov. Madama Butterfly cerrará el programa con el delicado «Coro a boca cerrada» y el dúo «Vogliatemi bene», brindando un final emotivo a una velada que evoca el gran genio creativo de Puccini.
José Luis Basso, director del Coro Titular del Teatro Real
Marc Korovitch, director del Coro RTVE
PARTE I
Turandot
«Popolo di Pekino… Dal deserto al mar…»
Jérôme Boutillier y Coro
«In questa reggia»
Anna Netrebko y Coro
«Non piangere, Liù!»
Yusif Eyvazov, Daria Rybak, Jérôme Boutillier y Coro
«Sei pallido, straniero…!»
Anna Netrebko, Daria Rybak,Yusif Eyvazov y Coro
«Tu che di gel sei cinta»
Daria Rybak
«Diecimila anni al nostro imperatore!»
Coro y Anna Netrebko
Manon Lescaut
Intermezzo
Orquesta Titular del Teatro Real
«Sola, perduta, abbandonata»
Anna Netrebko
«Donna non vidi mai»
Yusif Eyvazov
«Tu, tu, amore? Tu?»
Anna Netrebko y Yusif Eyvaz
PARTE II
La bohème
«Sa dirmi, scusi, qual’è l’osteria.. Mimi!»
Anna Netrebko, Yusif Eyvazov, Daria Rybak y Jérôme Boutillier
Edgar
«Questo amor, vergogna mia»
Jérôme Boutillier
Tosca
«Vissi d’arte»
Anna Netrebko
«Recondita armonia»
Yusif Eyvazov
Madama Butterfly
Coro a boca cerrada
«Vogliatemi bene…»
Anna Netrebko y Yusif Eyvazov
Este sábado, 20 de julio, se cumplirán 20 años de la muerte de Antonio Gades, uno de los más grandes artistas españoles del mundo de la danza, en el que exploró todas sus vertientes: bailarín (también bailaor), coreógrafo, investigador, productor, además de polifacético creador, ya que todas sus creaciones fueron concebidas, desde su génesis, como una obra de arte total, en la que Gades, junto a los demás artistas, ideó la estructura, dramaturgia, música, iluminación, etc.
Desde su reapertura, el Teatro Real ha ofrecido en su escenario toda la obra coreográfica de Antonio Gades, que supervisó el estreno de Fuenteovejuna, en 2002, cuando la obra fue interpretada por Ballet Nacional de España (BNE), participando en la que fue su última rueda de prensa en España.
Después de su fallecimiento el Teatro Real presentó nuevamente esta obra, ya bajo la dirección artística de Stella Arauzo con la Compañía Antonio Gades, creada por la Fundación que lleva su nombre, presidida por su hija María Esteve y con dirección de su viuda, Eugenia Eiriz.
En octubre de 2020, en plena pandemia y con estrictas medidas sanitarias, la Compañía Antonio Gades estrenó en el Teatro Real Fuego, en sustitución del Ballet de Múnich, que no pudo viajar a España debido a las restricciones impuestas entonces por el Gobierno alemán. Con estas actuaciones, el Real completó la presentación de la obra completa de este gran creador en su escenario.
Las grabaciones, realizadas en los años 2011 y 2014, se llevaron a cabo en coproducción con la Fundación Antonio Gades con el fin de proteger y divulgar el legado de Gades, que sigue suscitando, 20 años después de su fallecimiento, un gran interés y reconocimiento. La Compañía acaba de recibir la Medalla de Honor del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, 2024, después de haber cosechado varios premios nacionales e internacionales a lo largo de las dos últimas décadas, en las que la influencia de su genio y de su maestría no han dejado de crecer.
El próximo 13 de julio, sábado, a las 19.30 horas, los jóvenes talentos del Teatro Real, participantes de la cuarta edición del programa Crescendo, serán los protagonistas de un recital en la Sala Principal, en la que interpretarán algunas de las arias y dúos más conocidos de óperas como La bohème, La traviata, I Puritani, Don Pasquale, Un ballo in maschera, Faust y Carmen.
A lo largo de esta temporada, el programa Crescendo, Creamos Ópera, desarrollado por la Fundación Amigos del Teatro Real,ha contado con 18 prometedores artistas, todos menores de 35 años -12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena-procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán, que han podido completar formación y acceder a las primeras oportunidades profesionales en dos títulos de la actual temporada del Teatro Real, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina y el estreno escénico de Tenorio, en espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro, en actuaciones en la Carroza del Real por toda España, formando parte del concierto EmocionArte -de la Fundación Princesa de Girona- o del homenaje del Día Europeo de la Música –en el Metro de Madrid-, por mencionar algunos.
Importantes artistas del mundo lírico -las sopranos Sabina Puértolas y Ermonela Jaho, el bajo Leight Melrose, el director del Coro Titular del Teatro Real, José Luis Basso y el director de escena Rafael Villalobos– han ofrecido sus conocimientos en clases magistrales únicas que han contribuido a completar la formación, compartir experiencias, desarrollar actitudes personales, transmitir emociones y ampliar horizontes en un trabajo que es también la expresión artística más completa sobre un escenario.
La recaudación de las entradas del concierto, con un coste único de 10 euros en cualquier zona del teatro, estará destinada íntegramente a programas de impulso del talento joven del Teatro Real y de la Fundación Amigos. Asimismo se ha habilitado un canal de donación, con el mismo fin, mediante una fila cero con aportaciones desde 10 euros.
El recital contará con la participación de los profesores del programa Víctor Manuel Dogar, como responsable de la dramaturgia y dirección de escena, y Patricia Barton, como asesora musical. Sobre las tablas, las voces de las sopranos Aida Turganbayeva, Carmen Larios, Dragana Paunovic e Ivana Ledesma; la mezzosoprano Andrea Rey; los tenores Manuel de Filera y Pablo Puértolas, y los barítonos Alejandro von Büren, Enrique Torres y Johann Sebastian Salvatori, que estarán acompañados al piano por los pianistas Gonzalo Villarruel, Sergio Berlinches y Samuel Martín, y dirigidos en la escena por Íñigo Santacana, Marlene Michaelis y Sofía Merchán.
Crescendo, Creamos Ópera es un programa de la Fundación Amigos del Teatro Real que nace con el objetivo de ofrecer formación y oportunidades profesionales a jóvenes promesas dentro del ámbito de la creación operística, bajo un compromiso de fomentación de un ecosistema artístico diverso e inclusivo. Más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en las cuatro ediciones de este programa formativo, que ofrece una formación artística de primer nivel —a cargo de destacados profesionales y artistas vinculados al Teatro Real— y un acompañamiento al inicio de su trayectoria a través de oportunidades laborales.
Crescendo está impulsado por Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco Sabadell, Mitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.
El Teatro Real se suma por primera vez como sede de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, que este año cumple su vigesimoséptima edición, con la exposición Puccini fotógrafo, en la que se descubre una de las grandes pasiones -hasta ahora inédita- del genial compositor italiano: la fotografía.
Comisariada por Gabriella Biagi Ravenni, Paolo Bolpagni y Patrizia Mavilla, la exposición nos desvela el resultado de esta actividad que el compositor inicia alrededor de 1894, a través de una veintena de fotografías realizadas en su Toscana natal y en los países que visitó en sus múltiples viajes.
La muestra es, además, especial, señala Bolpagni, porque nunca se había hecho fuera de Italia y la elección de Madrid y de este lugar “no es casual, ya que en este Teatro, Puccini en persona estrenó, en 1892, bajo la batuta de Luigi Mancinelli, su ópera Edgar. Fue la primera vez que una de sus óperas se interpretaba fuera de las fronteras italianas, y fue aquí, en el Teatro Real”.
Las fotografías de Puccini tienen a la naturaleza como principal protagonista, en encuadres que al mismo tiempo reducen la figura humana a una pequeña silueta en la inmensidad del paisaje, dominadas por un profundo sentimiento poético. Se trata de composiciones visuales bien calibradas, que, si bien están inspiradas en las obras de alguno de sus amigos pintores, cuentan siempre con un carácter personal.
Junto con estas instantáneas, se pueden descubrir imágenes de Nueva York, en las que dominan el imponente urbanismo y los grandes puentes de la ciudad, o Egipto, con una mirada más centrada en sus habitantes y en el paisaje.
La exposición Puccini fotógrafo está organizada por el Teatro Real, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid y PHotoESPAÑA, bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid, y cuenta con el patrocinio de Tradichem. Han colaborado en la exposición la Fondazione Ragghianti de Lucca, la Fondazione Simonetta Puccini per Giacomo Puccini de Torre del Lago y el Centro studi Giacomo Puccini de Lucca (Italia).
Exposición homenaje a Victoria de los Ángeles
Puccini fotógrafo comparte espacio con la exposición homenaje que el Teatro Real dedica a la soprano Victoria de los Ángeles, organizada en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, en la que se muestra una selección de trajes y objetos personales que utilizó la soprano a lo largo de su carrera.
Victoria de los Ángeles (1923-2005), una de las sopranos más importantes del siglo XX, fue también una apasionada de la moda, con un gusto innato para la combinación de colores, volúmenes y tejidos, que la llevaron a confeccionar algunos de los vestidos que lució en conciertos y actos sociales, presentes en la muestra.
A través del vestuario que utilizó en las funciones, recordaremos sus inmortales interpretaciones de Rosina -ataviada con tafetán de seda y pedrería- en El barbero de Sevilla; Elisabeth -de la que se muestran vestido, capa, y corona- en Tannhäuser, y sin duda, Cio-Cio-San, papel emblemático en su carrera y del que ahora, coincidiendo con el estreno de Madama Butterfly en el Teatro Real -que ha dedicado estas funciones a su memoria- se exhiben sus vistosos kimonos.
La exposición podrá disfrutarse con las entradas para las funciones y en la visitas al edificio.
El 2 de julio a las 18.00 horas, en el marco de las actividades paralelas organizadas en colaboración con el Teatro Real de Madrid y el ciclo de encuentros ITALIA ALL’OPERA, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid acogerá un encuentro dedicado a Puccini, Madama Butterfly y el japonismo entre los siglos XIX y XX, con Paolo Bolpagni, Director de la Fundación Ragghianti, y el Maestro Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real y director musical de la recién estrenada Madama Butterfly.
El Teatro Real y la Comunidad de Madrid han conmemorado esta mañana el Día Europeo de la Música, con la celebración de un recital que ha tenido lugar en el vestíbulo de la estación de Nuevos Ministerios y en el que jóvenes artistas del programa Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, han interpretado conocidas áreas de ópera y zarzuela con el fin de acercar la lírica y la música clásica a los usuarios del Metro.
El pianista Sergio Berlinches ha acompañado las voces de la soprano Ivana Ledesma, la mezzosoprano Andrea Rey y el barítono Enrique Torres, que han emocionado al público con las partituras de Puccini, Bizet, Delibes, Penella y Chapí, en un programa que ha incluido la interpretación al piano de la “Oda a la Alegría”, del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven, convertido en el himno de Europa, en el 200 aniversario de su estreno.
El día Europeo de la Música es una conmemoración que invita a los músicos a compartir su arte en espacios públicos, de forma gratuita, para promocionar y reivindicarla como lenguaje universal de la humanidad.
Impulsado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes eventos del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real por toda España.
Desde su creación, más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en esta iniciativa del Teatro Real que les ha acompañado en sus primeros pasos de la vida profesional y que cuenta con el patrocinio der Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco Sabadell, Mitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero
Esta es la segunda ocasión en la que el Teatro Real y el suburbano madrileño participan juntos en una actividad encaminada a la promoción de la música. En noviembre de 2023, la estación de Paco de Lucía fue el escenario elegido para una actuación con la que se conmemoraba el Día Internacional del Flamenco.
El Teatro Real también quiere celebrar este día con entradas entre al 45% de descuento para la ópera Madama Butterfly, cuyo estreno tendrá lugar en su escenario el próximo 30 de junio, que podrán adquirirse desde hoy y las 23.59 horas del sábado 22 de junio, para las funciones de los días 9, 15, 18 y 19 de julio.
Estas localidades, 1.500 distribuidas en todas las zonas de la sala, podrán adquirirse en los canales habituales de venta del Teatro Real: www.teatroreal.es, venta telefónica en el 900 24 48 48 y en las taquillas ubicadas en la puerta principal del Teatro, en la Plaza de Oriente.
El Teatro Real se prepara para una nueva producción de la conmovedora obra maestra de Giacomo Puccini,Madama Butterfly, en la que el barítono Gerardo Bullón encarnará el rol de Sharpless.
Bajo la dirección del aclamado director Damiano Michieletto, Madame Butterfly cobra vida de una manera completamente nueva y provocativa. La historia se traslada a un barrio marginal de una ciudad oriental, explorando temas universales como el imperialismo o la xenofobia arropados por la música atemporal de Giacomo Puccini.
La dirección musical está a cargo de los maestros Nicola Luisotti y Luis Miguel Méndez, quienes guían a la orquesta del Teatro Real a través de la exquisita partitura de Puccini. La escenografía diseñada por Paolo Fantin y el diseño de vestuario de Carla Teti generan una atmosfera deslumbrante.
La ópera narra el trágico romance entre una joven geisha, Cio-Cio-San (Butterfly) y un oficial de la marina estadounidense, el teniente Pinkerton con quien contrae matrimonio (aunque para el soldado esto no es más que una aventura amorosa durante su estancia en Japón). Con su vuelta a América, la muchacha espera el regreso de su marido mientras cuida del hijo que han tenido en común. Cuando finalmente el marine retorna a Nagasaki comienza la tragedia para Cio-Cio-San. La obra explora así temas como el amor, la traición, las diferencias culturales y el sacrificio.
Gerardo Bullón se une así a un gran elenco que cuenta con las voces de Saioa Hernández, Ailyn Pérez o Lianna Haroutounian interpretando a Cio-Cio San, Silvia Beltrami o Gemma Coma como Suzuki o Matthew Polenzani y Michael Fabiano como F.B. Pinkerton.
Gerardo Bullón
Gerardo Bullón, nacido en Madrid, es un barítono en ascenso en el mundo de la música clásica. Destaca no solo por su voz potente sino también por su gran presencia escénica. Comenzó sus estudios de canto con distinguidos maestros como Virginia Prieto, Julián Molina, Daniel Muñoz o Ricardo Muñiz.
A pesar de licenciarse en Derecho se decantó por el mundo de la música clásica estudiando canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid y Arte Dramático. Desde su debut en Teatro Real en 2017 con dos producciones: Billy Budd de Britten y El gato con botas de Montsalvatge ha interpretado roles de gran relevancia como los de Don Giovanni, Gianni Schicchi, Rigoletto, Madama Butterfly, Così fan tutte, L’elisir d’amore, Il barbiere di Siviglia, La finta giardiniera, Carmen , La Bohème) así como otros destacados personajes de zarzuela en el Teatro Real de Madrid y el Teatro de la Zarzuela (La Revoltosa, Marina, El dúo de la Africana, Los diamantes de la corona, La gallina ciega, Luisa Fernanda, El Barquillero, La Chulapona, El bateo, Agua, azucarillos y aguardiente…)
Este pasado mes de abril encarnó el papel del infame Barón Scarpia en la nueva producción de la ópera ‘Tosca’ en la Staatsoper Stuttgart bajo la dirección musical de Markus Poschner y dirección de escena de Willy Decker.
Entre los días 30 de junio y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 19 funciones de Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, con puesta en escena de Damiano Michieletto y dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de 4 repartos y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
El exotismo inspirador de los países lejanos, tan en boga en el arte y la literatura europeas del final del siglo XIX, dio a la ópera algunos antecedentes directos de Madama Butterfly: mujeres fascinadas con el hombre occidental, seductor y poderoso, que traicionan, por amor, los dogmas sagrados de su tradición y de su cultura, pagando con su vida esa transgresión, como sucede con las protagonistas de La africana (1865) de Giacomo Meyerbeer, o Lakmé (1883) de Léo Delibes.
Madama Butterfly es la sexta de las 10 grandes óperas de Giacomo Puccini (1858-1924) y su tercera colaboración con los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, con los que ya había trabajado en La bohème y Tosca, siempre con gran tensión, disputas y desavenencias provocadas por el carácter difícil, obsesivo y perfeccionista de Puccini.
Las fuentes literarias de la ópera están fuertemente ancladas a una inquietante realidad: la impunidad con la que los hombres occidentales utilizaban sexualmente a las mujeres asiáticas, fascinados por su erotismo, misterio, delicadeza y servidumbre. Ese es el tema de la novela Madame Chrysanthème (1887), en la que el marino francés Pierre Loti describe como la ley japonesa permitía a los oficiales de las armadas realizar matrimonios temporales con geishas, generalmente a través de una transición económica, que quedarían disueltos tras un mes de abandono por cualquiera de las partes.
Pocos años después, al otro lado del Atlántico, John Luther Long publica Madame Butterfly (1898), basado supuestamente en un caso real que conoció su hermana durante una estancia en Nagasaki. Este breve relato fue transformado en pieza teatral, con gran éxito, por el dramaturgo y productor David Belasco -que volvería a colaborar con Puccini en La fanciulla del West– que la presentó en Estados Unidos y en Londres. Fue ahí que Puccini vio la obra, con tal conmoción que al final de la misma propuso directamente a su autor la compra de los derechos para la creación de su ópera homónima.
El libreto, estructurado por Luigi Illica y versificado el poeta Giuseppe Giacosa, tiene una dureza inaudita, contraponiendo la naturalidad con la que se negocia la compra y venta de una joven pobre e inocente para complacer los deseos sexuales de un marino foráneo, con la tragedia que vive la protagonista, enamorada de su seductor “marido” extranjero que la va a liberar de la miseria en la que vive.
Para conceder a la partitura la atmósfera oriental Puccini estudió el folclore japonés, los timbres de sus instrumentos, la sonoridad de las voces, los temas, ritmos y escalas más utilizados, articulando todas estas influencias con la música europea, en una relación finísima y sutil con la dramaturgia del libreto y la caracterización de los personajes.
Este “exotismo” musical potencia la riqueza tímbrica y armónica de su escritura orquestal, siempre refinada, fluida y epigramática, con hallazgos expresivos únicos, de grandísima belleza y plasticidad.
Para el director de escena Damiano Michieletto este mundo sonoro orientalizante que atraviesa toda la obra no necesita de ser reforzado con kimonos, biombos y abanicos japoneses que alejan, enmascaran y embellecen el terrible sufrimiento de la inocente Cio-Cio-San en su abnegado camino hacía madurez y el consciente suicidio.
En la producción concebida para el Teatro Regio de Torino, Michieletto despoja la ópera del esteticismo orientalista y sitúa la trama en la actualidad, en los suburbios de una bulliciosa ciudad asiática con carteles publicitarios y letreros de neón concebida por el escenógrafo Paolo Fantin, donde habita Cio-Cio-San, refugiada con sus sueños juveniles en una habitación de plexiglás.
Cuatro cantantes encarnan a esta joven enamorada, que se hace mujer a lo largo de la ópera: Saioa Hernández, Ailyn Pérez, Lianna Haroutounian y Aleksandra Kurzak. El ingrato papel de Pinkerton será asumido por los tenores Matthew Polenzani, Charles Castronovo, Michael Fabiano y Leonardo Capalbo. Completan el cuarteto protagonista las mezzosopranos Silvia Beltrami, Nino Surguladze y Gemma Coma-Alabert, como Suzuki, y Lucas Meachem, Gerardo Bullón y Luis Cansino, como Sharpless.
Madama Butterfly volverá al Real después de las 42 funciones con puesta en escena de Mario Gas, en la producción con más reposiciones desde la reinauguración del Teatro. La ópera llega ahora con el enfoque diferente y complementario de Damiano Michieletto, que nos interroga sobre la crueldad, el dolor, la humillación y el desengaño que viven las víctimas del turismo sexual de antaño y de hoy, en Japón o en los rincones de nuestras ciudades.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
A partir del 1 de julio|Teatro Real: foyer, escaleras imperiales y óvalo de la tercera planta
Puccini fotógrafo
El Teatro Real se suma por primera vez a PHotoEspaña con una exposición que aborda la desconocida faceta como fotógrafo del compositor Giacomo Puccini.
A partir del 1 de julio se podrán ver expuestas fotografías de gran formato del autor de Madama Butterfly en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta.
Se puede acceder a la exposición con entradas para visitas o para una función.
A partir del 30 de junio|Teatro Real de Madrid
Centenario Victoria de los Ángeles
En conmemoración del centenario del nacimiento de Victoria de los Ángeles (1923-2005), el Teatro Real expondrá una colección de vestidos de la soprano catalana que tan brillantemente interpretó a Cio-Cio San en las principales óperas de todo el mundo.
En colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, se podrán ver vestidos de sus principales roles como Mimì en La Bohème, Elisabeth en Tannhäuser o la mismísima Cio-Cio San en Madama Butterfly.
23 de junio a las 11.00 y a las 13.00 horas| Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico
Un viaje a los cerezos en flor y el rito del té de Japón.
Un taller de introducción a la música para familias, con Fernando Palacios y los Pequeños Cantores de la ORCAM, dirigidos por Ana González
2 de julio a las 18.30 |Istituto Italiano di Cultura di Madrid
Inspiraciones orientales en la Italia de la Belle Époque – Conferencia
Acceso gratuito
Durante el mes de julio |Museo de Historia de Madrid
Piezas de chinería: objetos orientales de moda en occidente en el siglo XIX
Acceso gratuito para los visitantes del museo durante el mes de julio
Dice lo que tiene que decir con su baile, sincero, apasionado y, sobre todo, libre. Yolanda Osuna regresa a Flamenco Real con un espectáculo que muestra lo más puro de ella, como un grito interno que al vuelo de sus tacones y de sus manos dibuja su esencia y se declara Y.O. Misma.
Predomina en la propuesta de la bailaora cordobesa la naturalidad, la expresión artística, la complicidad con el espectador, el gesto que llena el escenario antes de desbordar con su técnica prodigiosa. Osuna lleva a gala la pureza del baile flamenco tradicional y, desde él, lo baila en su tiempo.
Yolanda Osuna estará acompañada por la voz de Bernardo Miranda, la guitarra de Jesús Rodríguez y las palmas y el baile de Lorena Osuna.
Nacida en Córdoba, realizó su debut a los cinco años y se graduó con matrícula de honor en danza española, a los 18 años, en el Conservatorio de Danza de Córdoba. Es ganadora de los premios ‘Antonio Hidalgo’ en el Concurso Nacional de Fandangos de Lucena y ‘Jóvenes flamencos’ de la Diputación de Córdoba. También fue finalista en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba y en el del Cante de las Minas de La Unión.
Yolanda Osuna ha actuado en los más prestigiosos teatros y festivales de flamenco tanto de España como del extranjero. Su perfil artístico se ha caracterizado por combinar el flamenco tradicional con otras disciplinas, como la danza contemporánea, las artes plásticas y las performances, ampliando el abanico de posibilidades para expresar su arte. Ha sido una de las estrellas de las giras de Authentic Flamenco y forma parte de los elencos protagonistas de Flamenco Real desde su debut en 2016.
Esta es sin duda la temporada ideal para un aficionado a la ópera barroca. Y una de las razones principales es el estreno en el Teatro Real de la Medea de Charpentier. Dirigida por William Christie, al frente del Coro y Orquesta de Les Arts Florissants y un reparto coral con Véronique Gens (Médée), Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas), Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.
Esta Medea se estrena después de haber iniciado la temporada con la de Cherubini. Ambas basadas en el personaje mítico que aparece en la genealogía de los dioses de Hesíodo, del siglo VIII a.C., que fue renovada por Eurípides, donde narra la epopeya de Apolonio de Rodas y el viaje de Jasón y los argonautas. La de Charpentier, escrita casi un siglo después, cuenta con el libreto de un gran autor teatral, miembro de la Academia Francesa, Thomas Corneille, hermano menor del escritor Pierre Corneille.
La música de esta Medea de Charpentier proyecta un extraordinario dramatismo. En algunos momentos puede resultar monótona, pero su escritura responde a la sobriedad y desenlace trágico del texto.
William Christie, perfecto conocedor de la obra, ha estado al frente de la Orquesta y Coro de Les Arts Florissants, convirtiéndose en personajes principales con el carácter que son capaces de dotar a esta partitura. Con una orquestación colmada de sonoridades, colores y matices, que llenan de intimidad los momentos más delicados y de exaltación y volumen los conjuntos de coro y orquesta. Todo ello acompañado de la sobriedad y elegancia de la propuesta escénica de Marie Lambert-Le Bihan y la iluminación de Fiammetta Baldiserri. El resultado es un movimiento escénico sutil, acompasando la música con la historia y dejando todo el protagonismo a la partitura y las voces.
A la cabeza del reparto vocal, Véronique Gens, que ha construido una Medea elegantemente dramática, con una voz sólida, sobre todo en los graves, y un impecable fraseo.
Muy bien el Jasón de Reinoud van Mechelent, en un rol nada fácil, con agudos falseados, casi sopraniles.
El barítono Cyril Costanzo desplegó un potente instrumento para dar vida a Creón.
El resto de reparto estuvo a un gran nivel. Incluido el coro, que tuvo momentos espectaculares junto a la orquesta. Todos echamos de menso la participación de un ballet, que tal vez hubiera dado a la escenografía otro dinamismo.
Bravo por el Teatro Real al estrenar esta obra y completar con ella una de sus temporadas más barrocas, creando un hilo conductor con dos de los mitos más importantes de la literatura y el arte, Medea y Orlando.
El Teatro Real ofrecerá cuatro funciones de Medea, de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), los días 6, 8, 9 y 10 de junio, que se unen a las de la ópera homónima de Luigi Cherubini (1760-1842) que inauguraron la presente temporada. Dos versiones del mito griego creadas con casi un siglo de diferencia, de muy distintos lenguajes y enfoques, que nos traen el terrible tema que actualmente conocemos como violencia vicaria.
Medea, estrenada en 1693 en la Ópera de París, es la única tragedia lírica de Marc-Antoine Charpentier. El libreto, de Thomas Corneille (1625-1709) -hermano del célebre escritor Pierre Corneille, también dramaturgo y poeta-, parte del mito griego centrándose en el alma atormentada de la protagonista, en la complejidad de su personalidad y en las tremendas vicisitudes de su vida hasta el descorazonador desenlace, en un impresionante tercer acto, cuando las heridas, las humillaciones y el dolor de Medea la llevan a la venganza cegadora y al infanticidio.
La música utiliza todos los efectos expresivos de la época para sobreponerse a los cánones formales de la tragédie lyrique con la que Jean-Baptiste Lully triunfaba entonces en la Francia de Luis IV y Molière. Los matices y sutilezas de su escritura, de gran eficacia dramatúrgica, conceden profundidad a los personajes, logrando mantener una continuada tensión en la evolución de la protagonista, pese a la fragmentación de la estructura operística del barroco.
La versión de Medea que se verá en el Real nos llegará a través de los mejores artistas para representarla, ya que fue el gran director, musicólogo y clavecinista William Christie quien redescubrió, interpretó y grabó la partitura en 1984, junto a sus fantásticos ensambles instrumental y vocal Les Arts Florissants. Desde entonces la obra es parte del acervo musical de este grupo, que volvió a grabarla en 1995 y que acaba de presentarla, con mucho éxito, en la Ópera de París, con gran parte de los solistas que interpretarán la ópera en Madrid.
En el Real, Medea se ofrecerá en una versión semiescenificada concebida por Marie Lambert le Bihan, responsable de la dirección de escena de Eden, el espectáculo protagonizado por Joyce DiDonato, junto a Il Pomo d’Oro, presentado en la pasada temporada.
Con recursos teatrales y lumínicos muy certeros, Marie Lambert deja que las acciones dramáticas vayan manchando el escenario como huellas indelebles, en una propuesta visual que explora la intensidad de los planos, las perspectivas y los volúmenes que crean los cuerpos, en un muy sugerente juego de luces y sombras.
Véronique Gens, que el año pasado protagonizó Medea en el Teatro de los Campos Elíseos y en la grabación producida por Alpha Classics y Le Concert Spirituel, vuelve al Teatro Real con uno de sus grandes personajes del repertorio barroco francés. Estará secundada por Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas) y Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.
ElTeatro Real y Fever, en su firme compromiso para divulgar y promocionar el arte flamenco dentro y fuera de nuestras fronteras, emprenderá en los próximos días su tercera gira de Authentic Flamenco,una propuesta que cuenta con los artistas más representativos de este arte universal, con la que visitará más de cincuenta ciudades de todo el mundo, en coproducción artística con SO-LA-NA.
Tras el éxito de las dos ediciones anteriores, y bajo la dirección artística de Amador Rojas, se han programado varios espectáculos en los que tendrán cabida todas las expresiones del arte flamenco. Encabezados por el propio Rojas, la gira contará con nombres como El Yiyo, Patricia Donn, Ángeles Gabaldón, Daniel Casareso Ricardo Fernández del Moral, entre otros.
Para Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, «Llevar un arte tan genuino y singular a lugares tan diferentes es un reto para el Teatro Real por su compromiso con el patrimonio cultural. Promover y desarrollar un proyecto tan ambicioso es un deber no sólo con las artes escénicas, sino también con el público de todo el mundo».
«Estamos muy contentos de continuar nuestra asociación con el Teatro Real, la Ópera Real de Madrid, y compartir la tradición del flamenco con el público de todo el mundo», asegura Santiago Santamaría, de Fever. «Como empresa con ADN español, estamos orgullosos de defender a estos artistas de increíble talento al tiempo que reforzamos nuestro compromiso de hacer que la cultura sea accesible para todos.»
Aurelio Solana, presidente de SO-LA-NA, describe Authentic Flamenco como “un emocionante avance en nuestro compromiso de difundir la auténtica esencia del flamenco a nivel mundial. Estoy encantado de seguir adelante con nuestra misión de cruzar fronteras culturales y explorar nuevos horizontes creativos para el arte flamenco».
El recorrido de Authentic Flamenco contará con siete tramos diferentes, protagonizados cada uno por un cabeza de cartel y un elenco de artistas distintos, cuyos espectáculos en vivo tendrán una duración aproximada de una hora.
La primera parte del recorrido estará centrada en el norte del continente americano.
1 de junio al 3 de agosto
La primera parte del verano estará liderada por el bailaor y coreógrafo Amador Rojas, que ofrecerá el espectáculoTu Flamenco, en ciudades como Nueva York, Philadelphia, Washington DC, Boston o Miami, acompañado por la también bailaora Nazaret Reyes; Rubén Campos, en la Guitarra; José Aser y Juan Carrasco ‘Juañarito’, en el cante, y Felipe Maya en la percusión y los coros.
A partir del mes de agosto, El Yiyo visitará Montreal, Ottawa, Toronto, Chicago, Dallas, Houston y Austin, con una propuesta muy personal, A mi aire, de la que es coreógrafo y que contará con la dirección musical de Miguel Fernández ‘Falete’. El elenco de artistas estará formado por Ainhoa Garrido Rodríguez, en el baile; Falete Perona, a la guitarra; Aaron Molina, en el cante, y Juan Amaya Amador, en la percusión y los coros.
Patricia Donn en concierto, estará presente en Los Ángeles, San Francisco Bay Area, Seattle, San Diego, Vancouver, San José y Sacramento durante los meses de junio y julio. Su espectáculo, dirigido y coreografiado por ella misma, tendrá en la dirección musical a José Giménez ‘El Viejín’ con Francisco Jiménez ‘Curro Jiménez’ y Jorge Castellanos, en la guitarra, y Gabriela Giménez y María López en el cante.
Authentic Flamenco en Asia y Oceanía.
17 de junio a 15 de julio
Doña Sevillaserá la propuesta que llevará la bailaora Ángeles Gabaldón, encargada de la coreografía y la música, junto al bailaor Alejandro Rodríguez, Inma la Carbonera y María Antonio Granández, en el cante, y Rosa Escobar López, en la viola.
A finales de octubre, el arte flamenco se desplegará en Abu Dhabi y Dubai con una propuesta encabezada por Daniel Casares, que contará, entre otros, con la presencia de Manu Montes, en el baile; Julián Bedmar, en la guitarra; Manuel Peralta, en el cante; José Manuel Posada ‘Popo’, en el bajo, y Miguel Ortiz ‘Nene’, en la percusión.
Europa también es flamenca.
2 de septiembre al 3 de noviembre.
Entre los meses de septiembre y octubre, diferentes ciudades de Europa acogerán el espectáculo de Amador Rojas, Tu Flamenco, que volverá a contar sobre las tablas de escenarios de París, Bruselas, Londres, Amsterdam, Milán o Berlín, entre otras ciudad, con el elenco que le acompañó durante los primeros meses de Authentic Flamenco por diferentes estados americanos.
Authentic Flamenco pondrá fin a la gira en América del norte.
16 de septiembre al 24 de noviembre
Con la creación denominadaLive Flamenco,Ricardo Fernández del Moral se encargará de encabezar el cartel con su guitarra y su cante; Juan Fernández será director de Coreografía y bailaor, y Manu Soto les acompañará en el cante y en el baile.
Acerca del Teatro Real
El Teatro Real, principal institución de las artes escénicas y musicales de España, ha desarrollado una incansable labor de difusión nacional e internacional del patrimonio operístico y cultural. Fundado en 1818 y reinaugurado en 1997 tras una rehabilitación y remodelación técnica y arquitectónica que dotó al Teatro de tecnología de vanguardia, el Real representa también el éxito de la participación de personas y entidades reconocidas cultural y socialmente. Su programación de excelencia y la calidad de su Coro y Orquesta titulares, le han aupado a los primeros puestos entre los teatros europeos. El Teatro Real tiene un papel muy activo en la difusión del flamenco, con una temporada regular de espectáculos en su Salón de Baile de Isabel II, denominado Flamenco Real, y las giras internacionales comoAuthentic Flamenco. En mayo de 2021, La Ópera Real de Madrid fue galardonada como Mejor Compañía de Ópera del Mundo en los International Opera Awards. www.teatroreal.es
Sobre Fever
Fever es la plataforma líder mundial en descubrimiento de entretenimiento que ayuda a millones de personas a disfrutar las mejores experiencias en sus ciudades desde 2014. Su misión es democratizar el acceso a la cultura y el entretenimiento en vivo. A través de su plataforma, Fever inspira a su comunidad a disfrutar de experiencias y eventos locales únicos, desde exhibiciones inmersivas, experiencias teatrales interactivas y festivales, hasta pop-up bars, a la vez que ayuda con datos y tecnología a productores y creadores de experiencias para que puedan mejorar y expandir sus experiencias alrededor del mundo.
SO-LA-NA Entertainment, con más de 12 años de trayectoria, es el referente en la creación y producción de espectáculos exclusivos de gran calidad y autenticidad vinculados al arte flamenco. En 2011, inicia su andadura con el proyecto de internacionalización del Festival del Cante de Las Minas, y desde entonces, viene creando y produciendo espectáculos con la ambición de desarrollar oportunidades que trasciendan en las artes escénicas y para el arte flamenco en particular. Desde 2018 coproducimos con el Teatro Real la prestigiosa temporada de FLAMENCO REAL, y desde 2022, también su extensión internacional: AUTHENTIC FLAMENCO. En su compromiso esta la búsqueda de autenticidad e innovación, junto a la elegancia y la singularidad en la puesta en escena. Más información en: so-la-na.com
El Teatro Real ofrecerá, entre los días 30 de mayo y 2 de junio, cinco funciones de uno de los grandes ballets del repertorio clásico, La bayadera, interpretado por el Ballet de la Ópera de Múnich / Bayerisches Staatsballett, actualmente bajo la dirección de Laurent Hilaire, con una de sus producciones más míticas, estrenada en 1998 y que no ha dejado de representarse desde entonces, con coreografía de Patrice Bart sobre el original de Marius Petipa.
El Ballet de la Ópera de Múnich / Bayerisches Staatsballett regresa al Real, 23 años después –inauguró la temporada 1999/2000 con un programa que incluía Giselle, en las primeras representaciones, y Onegin, en las últimas- y tras haberse visto obligado a cancelar su viaje a Madrid en 2020, debido a la pandemia, con La bayadere.
Para sacar adelante este proyecto, Bart realizó una meticulosa investigación, cargada de dificultades para acceder a las fuentes originales, que le permitió reconstruir el acto final y completar las partes que faltaban en la música y la coreografía. El resultado es una narración en la que predomina el carácter de cuento de hadas de la trama original y la fascinación por las narraciones exóticas del siglo XIX, estructurada en dos actos y seis escenas.
La creación de la escenografía y del vestuario son obra del diseñador japonés Tomio Mohri, que despliega su talento con elementos muy visuales y muestra su predilección por los gráficos del arte japonés en varias escenas, como en el famoso “Acto de sombras” o en el desfile de la fiesta de compromiso, resaltado por la delicada iluminación de Maurizio Montobbio.
La historia, inspirada en los dramas Sakúntalâ y La carretilla de arcilla, del poeta hindú Kalidasa, se desarrolla en una India imaginaria, cuya identidad geográfica no está definida con precisión, y presenta un drama que gira en torno a la bailarina del templo, Nikiya; su rival, Gamzati, hija del Rajá, y Solor, noble guerrero que es amado por ambas mujeres.
Con frecuencia, sobre todo en la actualidad, ha sido acusada de ser una representación tópica de la India con sus idealizadas prácticas religiosas y culturales, sustentada en esquemas colonialistas y en el esteriotipo de las bailarinas orientales. Por ejemplo, en la antigua India no había bailarinas de templo como danza decorativa o de entretenimiento, sino que eran mujeres que practicaban el arte de devadasi: realizaban prácticas rituales y sus danzas se ofrecían para venerar a la deidad. De la misma forma, su vínculo con el dios era matrimonial, lo que las impedía casarse con un mortal, como hacían el resto de las mujeres.
A pesar de todo, La bayadera, coreografía estrenada en San Petesburgo por el Ballet Imperial en 1877, es un hito en la historia del ballet, con una elevada dificultad técnica para los intérpretes – especialmente para la solista que encarna a Nikiya, cuyo personaje ofrece una marcada evolución a lo largo de la historia- y con la necesidad de un cuerpo de baile bien conformado y numeroso, que resuelva con solvencia las escenas corales.
Se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas Madison Young (30 de mayo y 1 de junio a las 17.00h), Lauretta Summerscales (31 de mayo y 2 de junio) y Ksenia Shevtsova (1 de junio a las 21.30h) como Nikiya; Osiel Gouneo (30 de mayo y 1 de junio a las 17:00h), Jinhao Zhang (31 de mayo y 2 de junio) y Julian MacKay (1 de junio a las 21.30 horas) en el papel del guerrero Solor, y Maria Baranova (30 de mayo y 1 junio a las 17:00 horas), Bianca Teixeira (31 de mayo y 2 de junio) y Carollina Bastos (1 de junio a las 21:30 horas) encarnando a Gamzatti. El rol de Ídolo dorado recaerá en António Casalinho (30 de mayo y 1 de junio a las 21:30 horas), Shale Wagman (31 de mayo y 2 de junio) y Ariel Merkuri (1 de junio a las 17.00 horas).
Las funciones en el Teatro Real contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Kevin Rhodes, para interpretar la partitura de Ludwig Minkus compositor de conocidos ballets como Paquita o Don Quijote, entre otros.
El 26 de mayo ha tenido lugar un nuevo concierto enmarcado en el ciclo Voces del Real, en esta ocasión protagonizado por Nina Stemme, que volvía al Teatro 14 años después de su inolvidable interpretación del papel titular de Salomé, de Richard Strauss, en 2010, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Robert Carsen.
En esta ocasión, Nina Stemme, Isolda de referencia de los últimos 20 años -debutó el papel en el Festival de Glyndebourne en 2003-, ha interpretado su escena más trascendente, Liebestod (Muerte de amor), coincidiendo con su despedida de este personaje en escena, que interpretará por última vez en el Teatro Massimo de Palermo el próximo miércoles, 29 de mayo.
En la segunda parte del concierto, la gran soprano ha dado voz y alma a Brünnhilde -personaje totémico que ya no interpreta en escena- en la intensa, desgarradora y exigentísima escena final de El ocaso de los dioses, que culmina también la monumental tetralogía wagneriana El anillo del Nibelungo: Starke Scheite schichtet mir dort (Escena de la inmolación de Brünnhilde).
La Orquesta Titular del Teatro Real ha afrontado en solitario el Preludio de Tristán e Isolda y tres escenas de El ocaso de los dioses –Amanecer, El viaje de Sigfried por el Rin y Marcha fúnebre de Siegfried-, ópera que interpretó hace dos años, en enero de 2022, culminando con gran éxito la Tetralogía dirigida por Pablo Heras-Casado y Robert Carsen.
El Coro Titular del Teatro Real ha ofrecido una obra muy singular en el catálogo wagneriano, la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), para coro masculino y gran orquesta, que su director, José Luis Basso ya dirigió en el Maggio Musicale Fiorentino en 1997.
Cuando, en 1843, Wagner asumió la dirección musical de la corte real de Sajonia aceptó dirigir también el principal Festival de Canto de Dresde, que le encargó una obra para celebrar la festividad del Pentecostés por encargo de la Asociación Cultural de esa ciudad, a cuyo comité pertenecía, y que reunió a todos los coros masculinos del Estado, cerca de 1200 cantantes, para el estreno de la partitura, ese mismo año, en la iglesia de Nuestra Señora.
Wagner interrumpió brevemente la composición de Tannhäuser y escribió una partitura para 3 coros (cada uno con cuatro voces), un grupo de 12 apóstoles, un coro celestial y gran orquesta, sobre un pasaje de los Acontecimientos de Pentecostés en torno a la aparición del Espíritu Santo, que es resaltada por la irrupción de la orquesta después de los 16 minutos iniciales de la obra, en los que el coro canta únicamente a cappella.
El estreno de La cena de los Apóstoles tuvo un gran éxito y la obra permaneció en el repertorio de los coros masculinos alemanes, pero nunca logró imponerse en el resto del mundo, por el gran número de músicos y cantantes que requiere y también porque el propio Wagner nunca valoró la partitura, escrita para circunstancias muy específicas, al margen de gran corpus creativo de su producción.
El concierto ha contado con la dirección de Gustavo Gimeno, que será director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025, y que ha estado al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después de las aclamadas funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, hace dos años.
PROGRAMA
PARTE I
Tristan und Isolde, WWV 90
Preludio
«Liebestod» (Muerte de amor)
Das Liebesmahl der Apostel, WWV 69 (La cena de los apóstoles)
PARTE II
Götterdämmerung, WWV 86D
«Morgendämmerung» (Amanecer)
«Siegfrieds Rheinfahrt» (El viaje de Sigfrido por el Rin)
«Siegfrieds Trauermarsch» (Marcha fúnebre de Siegfried)
«Starke Scheite schichtet mir dort» (Escena de la inmolación de Brünnhilde)
NINA STEMME, soprano
GUSTAVO GIMENO, director musical
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
CORO Y ORQUESTA TITULARES DEL TEATRO REAL
BIOGRAFÍAS
NINA STEMME, soprano
Premiada en el concurso internacional Operalia 1993, esta soprano sueca inició su carrera internacional con roles líricos como Pamina de Die Zauberflöte o la condesa de Le nozze di Figaro, antes de dar paso a Madama Butterfly, Tosca, la mariscala de Der Rosenkavalier o Senta de Der fliegende Holländer. Tras abordar su primera Isolde en el Festival de Glyndebourne de 2003, ha interpretado Brünnhilde, Kundry, Salome, Elektra y Turandot, en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, el Teatro alla Scala de Milán, el Festival de Bayreuth, la Staatsoper de Viena o la Royal Opera House de Londres. Nombrada Cantante de la Corte Sueca, Kammersängerin en Baviera y Austria y Cantante del Año por la revista alemana Opernwelt en 2005 y 2012, ha sido galardonada con el Premio Abbiati en 2010 y el Premio Birgit Nilsson 2018, entre muchos otros. Recientemente ha incorporado los roles de la tintorera de Die Frau ohne Schatten en la Staatsoper de Viena y Kostelnička de Jenůfa en el Theater an der Wien. En el Teatro Real ha participado en Salome (2010).
GUSTAVO GIMENO, director musical
Este director de orquesta valenciano es director musical de la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo desde 2015 y de la Orquesta Sinfónica de Toronto desde 2020, y asumirá el cargo de director musical del Teatro Real en la temporada 2025/26. Ha dirigido la Filarmónica de Berlín, la orquesta de la Radiodifusión Bávara, la Filarmónica de Múnich, la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Chicago y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y colaborado con artistas de la talla de Krystian Zimerman, Daniel Barenboim, Gautier Capuçon, Anja Harteros, Leonidas Kavakos, Bryn Terfel, Yuja Wang, Daniil Trifonov, Jean-Yves Thibaudet y Martin Grubinger, entre otros. Como director operístico, ha actuado en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opernhaus de Zúrich. Recientemente ha dirigido la Sinfonía nº3 de Mahler en el Auditorio Nacional de Madrid y Jenůfa en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. En el Teatro Real ha dirigido El ángel de fuego (2022).
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
Este director de coro nacido en Buenos Aires y de nacionalidad italoargentina estudió piano, dirección coral y orquestal en su ciudad natal antes de dar sus primeros pasos profesionales en el Teatro Argentino de La Plata. En 1989 trabajó en el Teatro Colón de Buenos Aires y el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que en 1990 Romano Gandolfi lo eligió como asistente para el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, inaugurando con ello su carrera internacional. Ha sido director del coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, del Maggio Musicale de Florencia (donde hizo Parsifal con Semyon Bychkov y Turandot con Zubin Mehta) y del Liceu de Barcelona. En 2014 fue nombrado director del coro de la Opéra National de París (participando en títulos como Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila y Die Meistersinger von Nürnberg) y en 2021 regresó al frente del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles. Ha recibido el Premio Ina Assitalia Galileo 2000 y colaborado con Renée Fleming en un disco galardonado en los Grammy Awards 2003. Desde 2023 es director del Coro Titular del Teatro Real.
El próximo domingo, 26 de mayo, a las 19.30 horas, tendrá lugar el último concierto del ciclo Voces del Real, con la soprano Nina Stemme y el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, dedicado íntegramente a Richard Wagner.
Nina Stemme interpretará escenas de Tristán e Isolda y de El ocaso de los dioses, y el Coro Titular del Teatro Real, preparado por su director, José Luis Basso, ofrecerá la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), obra singular en el catálogo wagneriano, muy raramente interpretada.
La dirección musical será de Gustavo Gimeno, que volverá a dirigir al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después de su gran éxito en las funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, en 2022.
El próximo domingo, 26 de mayo, tendrá lugar un nuevo concierto enmarcado en el ciclo Voces del Real, en esta ocasión protagonizado por Nina Stemme, que vuelve al Teatro 14 años después de su inolvidable interpretación del papel titular de Salomé, de Richard Strauss, en 2010, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Robert Carsen.
En esta ocasión, Nina Stemme, Isolda de referencia de los últimos 20 años -debutó el papel en el Festival de Glyndebourne en 2003-, interpretará en Madrid su escena más trascendente, Liebestod (Muerte de amor), coincidiendo con su despedida de este personaje en escena, que interpretará por última vez en el Teatro Massimo de Palermo el próximo miércoles, 29 de mayo.
En la segunda parte del concierto, la gran soprano sueca dará voz y alma a Brünnhilde -personaje totémico que ya no interpreta en escena- en la intensa, desgarradora y exigentísima escena final de El ocaso de los dioses, que culmina también la monumental tetralogía wagneriana El anillo del Nibelungo: Starke Scheite schichtet mir dort (Escena de la inmolación de Brünnhilde).
La Orquesta Titular del Teatro Real afrontará en solitario el Preludio de Tristán e Isolda y tres escenas de El ocaso de los dioses –Amanecer, El viaje de Sigfried por el Rin y Marcha fúnebre de Siegfried-, ópera que interpretó hace dos años, en enero de 2022, culminando con gran éxito la Tetralogía dirigida por Pablo Heras-Casado y Robert Carsen.
El Coro Titular del Teatro Real ofrecerá una obra muy singular en el catálogo wagneriano, la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), para coro masculino y gran orquesta, que su director, José Luis Basso ya dirigió en el Maggio Musicale Fiorentino en 1997.
Cuando, en 1843, Wagner asumió la dirección musical de la corte real de Sajonia aceptó dirigir también el principal Festival de Canto de Dresde, que le encargó una obra para celebrar la festividad del Pentecostés por encargo de la Asociación Cultural de esa ciudad, a cuyo comité pertenecía, y que reunió a todos los coros masculinos del Estado, cerca de 1200 cantantes, para el estreno de la partitura, ese mismo año, en la iglesia de Nuestra Señora.
Wagner interrumpió brevemente la composición de Tannhäuser y escribió una partitura para 3 coros (cada uno con cuatro voces), un grupo de 12 apóstoles, un coro celestial y gran orquesta, sobre un pasaje de los Acontecimientos de Pentecostés en torno a la aparición del Espíritu Santo, que es resaltada por la irrupción de la orquesta después de los 16 minutos iniciales de la obra, en los que el coro canta únicamente a cappella.
El estreno de La cena de los Apóstoles tuvo un gran éxito y la obra permaneció en el repertorio de los coros masculinos alemanes, pero nunca logró imponerse en el resto del mundo, por el gran número de músicos y cantantes que requiere y también porque el propio Wagner nunca valoró la partitura, escrita para circunstancias muy específicas, al margen de gran corpus creativo de su producción.
El concierto contará con la dirección de Gustavo Gimeno, que será director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025, y que estará de nuevo al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después de las aclamadas funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, hace dos años.
Esta completa jornada wagneriana tendrá lugar un día después de la novena y última función de Los maestros cantores de Núremberg, cerrando así el ciclo dedicado a este compositor, en el que el Coro Titular del Teatro Real tiene un especial protagonismo.
Das Liebesmahl der Apostel, WWV 69 (La cena de los apóstoles)
PARTE II
Götterdämmerung, WWV 86D
«Morgendämmerung» (Amanecer)
«Siegfrieds Rheinfahrt» (El viaje de Sigfrido por el Rin)
«Siegfrieds Trauermarsch» (Marcha fúnebre de Siegfried)
«Starke Scheite schichtet mir dort» (Escena de la inmolación de Brünnhilde)
NINA STEMME, soprano
GUSTAVO GIMENO, director musical
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
CORO Y ORQUESTA TITULARES DEL TEATRO REAL
BIOGRAFÍAS
NINA STEMME, soprano
Premiada en el concurso internacional Operalia 1993, esta soprano sueca inició su carrera internacional con roles líricos como Pamina de Die Zauberflöte o la condesa de Le nozze di Figaro, antes de dar paso a Madama Butterfly, Tosca, la mariscala de Der Rosenkavalier o Senta de Der fliegende Holländer. Tras abordar su primera Isolde en el Festival de Glyndebourne de 2003, ha interpretado Brünnhilde, Kundry, Salome, Elektra y Turandot, en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, el Teatro alla Scala de Milán, el Festival de Bayreuth, la Staatsoper de Viena o la Royal Opera House de Londres. Nombrada Cantante de la Corte Sueca, Kammersängerin en Baviera y Austria y Cantante del Año por la revista alemana Opernwelt en 2005 y 2012, ha sido galardonada con el Premio Abbiati en 2010 y el Premio Birgit Nilsson 2018, entre muchos otros. Recientemente ha incorporado los roles de la tintorera de Die Frau ohne Schatten en la Staatsoper de Viena y Kostelnička de Jenůfa en el Theater an der Wien. En el Teatro Real ha participado en Salome (2010).
GUSTAVO GIMENO, director musical
Este director de orquesta valenciano es director musical de la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo desde 2015 y de la Orquesta Sinfónica de Toronto desde 2020, y asumirá el cargo de director musical del Teatro Real en la temporada 2025/26. Ha dirigido la Filarmónica de Berlín, la orquesta de la Radiodifusión Bávara, la Filarmónica de Múnich, la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Chicago y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y colaborado con artistas de la talla de Krystian Zimerman, Daniel Barenboim, Gautier Capuçon, Anja Harteros, Leonidas Kavakos, Bryn Terfel, Yuja Wang, Daniil Trifonov, Jean-Yves Thibaudet y Martin Grubinger, entre otros. Como director operístico, ha actuado en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opernhaus de Zúrich. Recientemente ha dirigido la Sinfonía nº3 de Mahler en el Auditorio Nacional de Madrid y Jenůfa en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. En el Teatro Real ha dirigido El ángel de fuego (2022).
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
Este director de coro nacido en Buenos Aires y de nacionalidad italoargentina estudió piano, dirección coral y orquestal en su ciudad natal antes de dar sus primeros pasos profesionales en el Teatro Argentino de La Plata. En 1989 trabajó en el Teatro Colón de Buenos Aires y el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que en 1990 Romano Gandolfi lo eligió como asistente para el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, inaugurando con ello su carrera internacional. Ha sido director del coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, del Maggio Musicale de Florencia (donde hizo Parsifal con Semyon Bychkov y Turandot con Zubin Mehta) y del Liceu de Barcelona. En 2014 fue nombrado director del coro de la Opéra National de París (participando en títulos como Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila y Die Meistersinger von Nürnberg) y en 2021 regresó al frente del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles. Ha recibido el Premio Ina Assitalia Galileo 2000 y colaborado con Renée Fleming en un disco galardonado en los Grammy Awards 2003. Desde 2023 es director del Coro Titular del Teatro Real.
Ha tenido lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real,unos galardones que, en palabras del presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, “representan el necesario reconocimiento que una sociedad desarrollada debe darle a la cultura y al arte, y a quienes, con su talento y esfuerzo, hacen que el arte y la cultura sean realidad”.
Helena Revoredo, presidenta del Consejo Internacional del Teatro Real, y en representación del mismo, ha sido la primera en recibir la escultura de Cristina Iglesias de manos de Gregorio Marañón. Revoredo ha señalado que “este reconocimiento es el resultado de diez años de apoyo leal e inquebrantable” de todos los miembros del Consejo “a un proyecto emocionante y de gran impacto para la sociedad y la cultura”.
Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.
El secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí Grau, ha sido el encargado de entregar el segundo premio institucional al polifacético artista Jaume Plensa,creador de la videoinstalaciónCielo para el Teatro Real, que ha podido verse en su techo durante toda la ceremonia. Con la mirada en las nubes que cruzaban el tondo de la sala, Plensa ha dicho: “finalmente Cielo es una ventana abierta al cielo de Madrid… repleto de silenciosas nubes que celebraban la diversidad de la vida. Cielo es un sueño de música visual, poesía urbana de una ciudad abrazándose a la ópera”.
Natalia Chueca, alcaldesa de Zaragoza, ha destacado, tras recoger el premio que le ha entregado el director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, “El poder de la cultura para unirnos y enriquecer nuestras vidas”, “este premio ha resaltado nuestro firme compromiso para poder democratizar el acceso a la cultura y simboliza la fuerza de la colaboración y la importancia de llevar el arte a todos los rincones de nuestra ciudad”.
Todavía con los calurosos aplausos recibidos la noche anterior en la memoria, por su magistral dirección de Los maestros cantores de Núrenberg en ese mismo escenario, Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha recibido el primer premio artístico de la noche entregado por el consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco.
Heras-Casado ha recordado su primera vez en el Teatro Real, hace 18 años, y como aquí “ha tenido la oportunidad de asumir alguno de los mayores retos artísticos de su carrera. Aquí he crecido personal y profesionalmente”. El maestro ha destacado la enorme labor de equipo que se realiza en este teatro y que lo ha convertido en uno de los más importantes del mundo.
El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, ha reconocido el personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson al entregarle el quinto galardón de la noche. Wilson, que forma parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura ha contado, con gran sentido del humor, cómo al ser preguntado por su profesor de escuela, cuando tenía siete años, en un pequeño pueblo de Texas, “Bob ¿qué quieres ser de mayor?” y él respondió “el Rey de España, y esta noche me siento como un Rey” en un teatro “que se ha convertido en mi casa en Europa y en el resto del mundo”.
Las sopranos españolas Sara Blanch y Saioa Hernández recogían el cariño de los asistentes y sus premios de manos del director adjunto del Teatro, Borja Ezcurra, y del secretario de Estado de Asuntos Exteriores y Globales, Diego Martínez Maillo, respectivamente.
También Blanch ha recordado su primera vez en el Teatro Real, donde comenzó cantando en el foso para la producción El gallo de oro “sintiéndome muy pequeña” y ahora “estoy aquí, en un lugar en el que he ido creciendo, donde me siento como en casa y donde siento a todos como una gran familia”.
Una emocionada Saioa Hernández reconocía cuantas veces “había paseado por las calles de esta ciudad, mi ciudad, junto al Teatro Real soñando con cantar aquí, y eso hace este premio mucho más especial y me siento muy feliz”. Ha dedicado el galardón a todos los trabajadores del Teatro que hacen posible la magia de la ópera, al director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, por su confianza y a todos los artistas que pasan por este escenario y del que ella es “una pequeña representación”.
El barítono Leigh Melrose –inolvidable su interpretación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams- ha declarado “que este es uno de los escenarios más especiales del mundo, en uno de los lugares más especiales del mundo”, tras recibir el premio que le ha entregado la secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Gualda. Ha destacado la labor de todos los trabajadores, dentro y fuera del escenario, para sacar adelante el reto de poner en pie una ópera”.
El último galardón de la noche ha sido para el bajo-barítono Martin Winkler, Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich. Se lo entregaba la delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz. “Este es el mejor lugar en el que puede trabajar un cantante, es el mejor lugar del mundo para cantar ópera” y ha añadido que “aquí ha creado una familia, tanto artística como profesional y, cuando llego a Madrid, se me pone una sonrisa de.. Guau”.
Una vez finalizada la entrega de premios, el pianista Javier Perianes ha interpretado la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.
El próximo 22 de mayo, a las 19.30 horas, tendrá lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real, unos galardones que quieren reconocer el apoyo, el trabajo, el talento y las iniciativas de aquellas personas o entidades que contribuyen a convertir en realidad el proyecto artístico y cultural de la institución.
Creador excepcional y polifacético, símbolo de una generación, con obra expuesta en ciudades de todo el mundo, Jaume Plensa está unido para siempre al Teatro Real con Cielo, videoinstalación inaugurada por SSMM los Reyes el pasado mes de septiembre, que consiste en abrir visualmente el tondo central del Teatro para convertir este elemento arquitectónico en una cúpula virtual que conecta directamente con el maravilloso cielo de Madrid.
El Consejo Internacional es un órgano integrado en la estructura del Teatro Real cuya finalidad es apoyar, promover y difundir su proyecto artístico, cultural, pedagógico y social a través de la participación de la sociedad civil de ámbito internacional. Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo, que preside Helena Revoredo, cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.
Con el firme propósito de ofrecer a sus ciudadanos nuevas experiencias culturales y artísticas, la Ciudad de Zaragoza se ha sumado con entusiasmo a las propuestas del Teatro Real que, de forma abierta y accesible, han buscado llegar al mayor número de espectadores posible, fuera de sus muros y de su localidad. Así, iniciativas como la retransmisión de ópera al aire libre o los conciertos de la Carroza del Teatro forman parte de la programación cultural de su ayuntamiento.
Recientemente, la alcaldesa de Zaragoza, Natalia Chueca, ha apoyado la creación del Círculo de Amigos del Teatro Real de Aragón, liderado por empresarios aragoneses en apoyo al proyecto cultural del coliseo madrileño.
Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha dejado en la memoria magistrales direcciones musicales de óperas como Mahagonny (2010), Die Soldaten (2018), el Anillo wagneriano (2019-2022) o Los maestros cantores, a punto de representar su última función.
El personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson, ha formado parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura. Su primer trabajo en el escenario madrileño fue en 1998 con O corvo branco, junto a Philip Glass, y su impronta ha quedado en inolvidables producciones como Turandot, representada la pasada Temporada, en la que su concepción escénica, decorados e iluminación conceden a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales.
Dos grandes voces femeninas han brillado con luz propia en las dos últimas temporadas, las sopranos españolas Saioa Hernández y Sara Blanch. La primera, dando vida a personajes emblemáticos como Turandot, Medea y, próximamente, Madama Butterfly, ha demostrado con sus interpretaciones porqué es una de las cantantes más demandadas en los principales escenarios del mundo lírico. Vocacional y entregada, despliega los matices necesarios para emocionar a través de mujeres que viven el drama de maneras muy diferentes. La segunda, afianza una carrera que comienza y en la que su voz brillante, ligera y llena de color ha regalado a este escenario personajes como la soñadora Fiorilla de Il turco in Italia o Dircé, en Medea.
La Temporada 22/23 del Teatro Real ha dejado también las memorables actuaciones del bajo-barítono Martin Winkler -con su irrepetible encarnación de Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich- y del barítono Leigh Melrose – por la encarnación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams-, ambos reconocidos como grandes cantantes, pero también como extraordinarios actores.
La Gala contará con la actuación del pianista Javier Perianes, para interpretar la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.
Perianes es Premio Nacional de Música 2012, Artista del Año 2019 de los International Classical Music Awards (ICMA) y Medalla de Honor del Festival de Granada, entre otros reconocimientos.
Flamenco Real se transforma en una vereda de emociones por la que el bailaor Marco Flores camina, se detiene, disfruta o encoje el alma al ritmo de los palos del flamenco que descubre la guitarra y, entre la verdad de su herencia cultural, nos invita a Un paseo por el Real.
Recién cumplidos sus veinticinco años sobre las tablas, reconocido como uno de los valores más sólidos de su generación y en plenitud creativa, Marco Flores ofrece en este espectáculo una muestra de baile a través del flamenco puro, jondo, pero también del más alegre, de los cantes de trilla e incluso del cuplé. Un paseo por las emociones que relatan los cantes y que su cuerpo transforma.
La cita tendrá lugar los días 22, 23 y 24 de mayo, a las 20.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, acompañado por la guitarra de José Tomás (Premio de Guitarra Solista en el X Certamen de Jóvenes Flamencos de Córdoba en 2012 y Premio Bordón Minero del Festival Internacional del Cante de las Minas en 2014) y el cante de Manuel de la Nina.
Marco Flores nace en 1981 en Arcos de la Frontera, Cádiz. Allí surge su pasión por el baile flamenco y comienza a formarse, primero de forma autodidacta y luego en cursos intensivos con Antonio Canales y Javier Latorre. Con 18 años empieza a trabajar en tablaos, lo que le permitió consolidar su aprendizaje antes de pasar a formar parte de las compañías de Sara Baras, primero, y de Rafaela Carrasco, después.
A partir de 2003, inicia su andadura como codirector y coproductor de sus propios espectáculos junto a Manuel Liñán (Dos en Compañía), Manuel y Olga Pericet (En sus 13, En clave) o Olga y Daniel Doña (Chanta la muí, Complot, Recital).
En 2010 crea su propia compañía y estrena su primer espectáculo, DeFlamencas, en el Gran Teatro de Córdoba, logrando el Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. Después vendrían Tránsito, Laberíntica, Paso a Dos, Entrar al Juego y Fase Alterna. En 2018 estrena su primera pieza para espacios no convencionales, Extracto Abierto, y, poco después, su primer solo, al que denomina Extrema, que se exhibirá en distintos teatros y festivales de Asia y Europa.
En 2007 consigue el Premio Absoluto del Baile del Concurso Nacional de Arte Flamenco, al hacerse con las categorías Premio Carmen Amaya, Premio Antonio Gades y Premio Mario Maya. Entre otros galardones posee también el Premio al Mejor Bailaor de la Revista Deflamenco, Premio al Mejor Bailaor de Flamenco de la Crítica Especializada, Premio de la Crítica del Festival de Jerez al Mejor Espectáculo por DeFlamencas, Medalla de Oro del Festival Flamenco de la Virgen de las Nieves (Arcos de la Frontera), el Premio Ojo Crítico de Danza y el Premio Max al mejor Intérprete de Danza.
Entre los días 13 y 19 de mayo el Teatro Real ofrecerá 4 funciones de una nueva producción de Tenorio, ópera de cámara de Tomás Marco (1942) estrenada en versión de concierto en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial en 2017 y que tendrá finalmente su estreno escénico absoluto.
Tenorio, compuesta entre 2008 y 2009, es la séptima ópera de Tomás Marco dentro de su prolífico catálogo creativo, que incluye 10 sinfonías, 1 ballet, 1 zarzuela, un gran número de partituras de música de cámara para distintas formaciones, música vocal e incidental.
Encargada por el Estío Musical Burgalés en 2010, la partitura fue víctima de la crisis económica que hizo desaparecer el Festival dirigido por Rafael Frühbeck de Burgos, impidiendo entonces su estreno, que solo tendría lugar 7 años más tarde, en versión de concierto, en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial.
La ópera, compuesta por siete escenas y cinco intermedios instrumentales, enmarcados por un preludio, un prólogo y un epílogo, es un viaje por el mito de Don Juan guiado por el drama romántico de José Zorrilla (1817-1893), con libreto del compositor, que incluye también textos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo Da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo, siempre en verso y con una música que evoca tiempos pasados, recogiendo formas, armonías, o estructuras del teatro musical renacentista y barroco, que impregnan la partitura sin alejarla del lenguaje musical del siglo XXI.
En relación con el elenco, el número de cantantes puede variar, ya que un cantante puede interpretar uno o más personajes dependiendo de las propuestas dramatúrgicas. Los papeles de Doña Inés, Doña Ana y Lucía pueden ser interpretados por una, dos o tres sopranos; igualmente, los personajes de La Narración y Don Luis Mejía pueden ser encarnados por uno o dos tenores. Solo el rol de Tenorio, para barítono, está concebido para un solista único.
Paradójicamente, hay personajes individuales que son cantados por un pequeño grupo de cantantes, denominado en la partitura como Madrigal, emulando a los conjuntos vocales del Renacimiento y del Barroco. Este pequeño coro muy compacto -que en la producción está conformado por jóvenes formados en el proyecto Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real- comenta la acción, pero también da voz a personajes como Ciutti, el Comendador o Brígida.
Tomás Marco evoca la poderosa fuerza centrípeta -sexual y sensual- de Don Juan, en un entrelazado de personajes mayores y menores que gravitan a su alrededor, como un gran fresco que propicia el uso de distintas texturas sonoras en un continuum vocal e instrumental circular.
La puesta en escena de la Agrupación Señor Serrano indaga precisamente sobre el arquetipo de este depredador sexual en la actualidad, en una propuesta dramatúrgica de Clara Serra, filósofa e investigadora en el ámbito de cuestiones de género, sexualidad y feminismo.
Àlex Serrano y Pau Palacios trasladan la ópera a un set de rodaje, en el que los protagonistas de la “película Tenorio” tienen su propia vida fuera de ella, creando un juego de personajes dobles con dos mundos que se van fundiendo y confundiendo a lo largo de la obra.
La escenografía e iluminación diseñada por CUBE.BZ, transforman el escenario en el plató y backstage del rodaje -camerinos, zona de cáterin, rincón de maquillaje, sala de vestuario, etc.-, con distintos espacios concebidos como instalaciones o pequeños bodegones conceptuales que reflejan el perfil psicológico y el desdoblamiento de los personajes.
La dirección musical es de Santiago Serrate, gran conocedor de la partitura, que ya dirigió el estreno y la grabación discográfica de la obra. Estará al frente de los seis solistas de la ópera –Joan Martín-Royo (Tenorio), Juan Francisco Gatell (Don Luis), Adriana González (Doña Inés), Juan Antonio Sanabria (La Narración), Lucía Caihuela (Doña Ana), Sandra Ferrández (Lucía)-, de la Orquesta Titular del Teatro Real y de un grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo.
Tenorio, como todas las óperas, nació como una obra musical y dramatúrgica que sólo adquiere su verdadera dimensión presentada en versión escénica y teatral. Después de las vicisitudes de su partitura, cuyo estreno fue afectado por la crisis económica de 2010 y, posteriormente, por las consecuencias de la pandemia, la obra de Tomás Marco podrá finalmente renacer en el Teatro Real en toda su plenitud, con nuevas miradas, reflexiones y preguntas sobre el inagotable mito de Don Juan.
FICHA ARTÍSTICA
TENORIO
Ópera de cámara
Música y libreto de Tomás Marco (1942), basado en Don Juan Tenorio de José Zorrilla, con añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo.
Estrenada en versión concierto en el Festival de Verano del Teatro-Auditorio de San Lorenzo de El Escorial en 2017.
Estreno absoluto en versión escénica
Nueva producción del Teatro Real
Dirección musical: Santiago Serrate
Dirección de escena: Àlex Serrano, Pau Palacios (Agrupación Señor Serrano)
Diseño de videoescena y realización: Xavier Gibert
Asistente de la dirección musical: Rubén Sánchez-Vieco
Asistentes de la dirección de escena: Cristina Cubells, Anna Llopart
Operadores de cámara: Bibiana Gispert, Marc Costa
Creación de vídeos digitales: Boris Ramírez
Solistas
La Narración: Juan Antonio Sanabria
Tenorio: Joan Martín-Royo
Doña Inés: Adriana González
Don Luis: Juan Francisco Gatell
Doña Ana: Lucía Caihuela
Lucía: Sandra Ferrández
Madrigal
Comendador: Alejandro von Büren, Gonzalo Ruiz Domínguez, Enrique Torres
Brígida: Inés Lorans, Miriam Silva, Aida Gimeno
Ciutti: Pablo Puértolas, Eduardo Pomares, Manuel de Filera
Hostelera: Ana Molina García, Paola Leguizamon, Yeraldin León
Actores
Asistentes de rodaje: Raquel Villarejo, Joseba Priego
Actores: Victoria Lucena, Roberto Lua
Orquesta Titular del Teatro Real
Grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo
de la Fundación Amigos del Teatro Real preparado por Santiago Serrate y Rubén Sánchez-Vieco.
Duración aproximada 1 hora y 40 minutos
Fechas 13, 15, 17, 19 de mayo a las 19:30 horas
El Real Teatro de Retiro acoge por primera vez en sus tablas la danza española y el flamenco con Flamenco emergente. Del 9 al 19 de mayo, a las 19h y a las 20h, el público podrá ver los mejores artistas de la edición 2023 del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid.
Dirigido por Margaret Jova, el Certamen es una plataforma de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas que representan los diferentes estilos que felizmente coexisten dentro de la Danza Española y que se celebra anualmente desde 1992. Con más de treinta años de trayectoria se ha convertido en uno de los certámenes flamencos más relevantes en el panorama internacional y es cuna de varias generaciones de artistas de primer nivel.
En Flamenco emergente se ofrecerán las piezas ganadoras de la edición número 32 gracias a dos programas dobles. El primero de ellos está programado para los días 9 y 10 de mayo, a las 20 horas, y el 11 y 12 de mayo, a las 19 horas y estará compuesto por las obras: Número oculto, creación de Marta Gálvez, bailarina sobresaliente en danza española, acompañada por la guitarra de Claudio Villanueva, el cante de David Vázquez y las palmas de Juan Carlos Avecilla, y Lo que pasa mientras nos encontramos, un bellísimo dúo de David Acero Delgado, ganador del Primer Premio del Certamen, interpretado por la bailarina Elisabet Romagosa Xufré y el bailarín Sergio R. Suárez.
El segundo programa tendrá lugar los días 16 y 17 de mayo, a las 20 horas y el 18 y 19 de mayo, a las 19 horas, e incluirá las piezas Duelo, de Sara Pérez, Primer premio en la categoría Coreografía de Solo, interpretada por ella misma en una actuación en la que estará acompañada por el cantaor David Vázquez, y Entre nosotras, creación Christian Rubio para cuatro bailarinas, merecedor del Segundo Premio de Coreografía, al que darán vida en escena las bailarinas Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas.
La cita con la danza española y el flamenco tendrá continuidad en la próxima temporada del Real Teatro de Retiro, trayendo en junio de 2025 lo mejor del Certamen en su edición 33.
Danza Española y Flamenco
FLAMENCO EMERGENTE
PROGRAMA DOBLE días 9, 10 de mayo a las 20h y 11 y 12 de mayo a las 19h.
Número oculto, de Marta Gálvez Bailarina sobresaliente en danza española
Compositor: Claudio Villanueva
Bailarina: Marta Gálvez
Guitarra: Claudio Villanueva
Cante: David Vázquez
Palmas: Juan Carlos Avecilla
Lo que pasa mientras nos encontramos, de David Acero Delgado 1º Premio de Coreografía
Compositores: Andrea Falconieri, Giovanni Sollima y Víctor Guadiana
Bailarina: Elisabet Romagosa Xufré
Bailarín: Sergio R. Suárez
PROGRAMA DOBLE días 16, 17 a las 20h y 18 y 19 de mayo a las 19h.
Duelo, de Sara Pérez 1º Premio a una Coreografía de Solo
Bailarina: Sara Pérez
Dirección: Mariana Collado
Composición: Jaime González
Cantaor: David Vázquez
Entre nosotras, de Christian Rubio 2º Premio de Coreografía
Compositores: Wim Mertens y José Almarcha
Bailarinas: Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas
La Fundación Princesa de Girona, Art House Academy y el Teatro Real se han unido para promover el bienestar emocional y una mejor salud mental entre los jóvenes con el concierto EmociónArte, un evento único dirigido a centros educativos de secundaria que ha congregado a más de 1.200 jóvenes en el teatro lírico de Madrid bajo la presidencia de S.M. la Reina Letizia.
Al acto han asistido también Ángel Víctor Torres Pérez, ministro de Política Territorial y Memoria Democrática; Carmen Calvo, presidenta del Consejo de Estado; Ignacio García-Belenguer, director General del Teatro Real; Francisco Belil, presidente de la Fundación Princesa de Girona; Salvador Tasqué; director general de la Fundación Princesa de Girona; y Pablo Fernández, CEO de TRIVU, entre otras autoridades y patronos de la entidad.
El concierto, conducido por Andrés Salado, Premio Princesa de Girona Arte 2016 y director de orquesta, ha contado con la actuación del músico y compositor Alfred García como artista invitado, junto a jóvenes artistas procedentes de los programas AmplificARTE y Generación Arte, de la Fundación Princesa de Girona, y Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, uniendo sobre su escenario lírica y pop en un encuentro único en el que, con diferentes estilos, a través de la música, han reafirmado su compromiso para difundir los mensajes y valores con los que quieren transformar el mundo.
Durante el evento, que ha contado también con la presencia de cantantes como Blas Cantó, María Carrasco, Luis Cepeda, y Cris B se ha estrenado en exclusiva el nuevo himno de Generación arte, La vida es hoy, interpretado por todos los artistas que forman parte de este programa. (ver videoclip himno)
Tras el concierto, S.M la Reina se ha reunido con los estudiantes, de entre 12 y 18 años, procedentes de distintos colegios de Madrid, Aragón, Castilla y León y Andalucía, con quienes ha conversado sobre sus intereses musicales y la experiencia educativa vivida en el Teatro Real.
En la edición de este año, antes de llegar a Madrid, el Tour del Talento ha estado presente en Lleida, Salamanca, Cádiz y Santander, ciudades en las que ha ofrecido diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real ha estado presente con la actuación de cantantes del programa Crescendo en los conciertos ofrecidos en su Carroza.
Entre el 6 y el 9 de mayo tendrán lugar en Madrid los encuentros y actividades que pondrán fin al Tour de este año. La agenda de actividades, que ha comenzado con este concierto en el Teatro Real, incluye el anuncio de los ganadores del Premio Internacional «CreaEmpresa e Investigación», que se entrega este año por primera vez y está dirigido a jóvenes latinoamericanos que hayan destacado por su trabajo y sus méritos en el ámbito del emprendimiento y la empresa, y de la investigación de manera extraordinaria y ejemplar.
AmplificARTE es un proyecto educativo que utiliza la música como disciplina transversal y herramienta para trabajar el desarrollo personal y el bienestar emocional de los jóvenes, a la par que promueve la cultura musical en los centros educativos, entidades sociales y otros espacios. Impulsado por la Fundación Princesa de Girona y Art House Academy, creada por el productor, pianista y compositor Julio Reyes Copello.
Generación Arte está dirigido a artistas emergentes con el propósito y compromiso de fomentar la educación emocional a través de la música. Este formato ofrece a los seleccionados más de 30 horas de formación en habilidades clave para impulsar su desarrollo profesional, encuentros con reconocidos artistas y expertos de la industria de la música, la oportunidad de participar en conciertos educativos y convertirse en la cantera de talento musical de AmplificARTE.
Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.
El Real Teatro de Retirose adentra en el mundo mágico de Peter Pan, donde los sueños pueden hacerse realidad, con una nueva versión del cuento clásico de J. M. Barrie a través de la ensoñadora producción de La Joven compañía, Peter y Wendy, rumbo a Nunca Jamás, de la que se ofrecerán dieciséis funciones entre el 2 y el 19 de mayo, a las 17:00 y a las 20:00 horas.
La historia de Wendy, Peter Pan, Garfio y los niños perdidos ha formado parte del imaginario popular desde hace más de un siglo. Nació en teatro, para después ser libro e inspirar incontables películas, series, novelas, ficciones sonoras… En el Real Teatro de Retiro, diez artistas en escena dan vida a una historia que ha emocionado a generaciones enteras con estas aventuras.
El autor, Nando López, escribe esta nueva adaptación y afirma que “pocos títulos me han obsesionado tanto como Peter Pan a lo largo de mi vida. Desde que siendo niño descubrí su historia no ha habido una sola etapa en la que no me haya sentido tentado a seguir sus huellas en busca de ese Nunca Jamás al que nunca acabamos de llegar y donde, sin embargo, hemos estado siempre”.
Porque ese Nunca Jamás es el lugar en el que habitan nuestros sueños, nuestros anhelos y, entre relojes y cocodrilos, también nuestros temores, una isla de ubicación atemporal—«la segunda a la derecha y luego todo recto hasta la mañana»—que cada cual construye de acuerdo con sus propios miedos y deseos, convirtiéndose así en un necesario refugio cuando la vida adulta amenaza con dejarnos sin fuerzas o, peor aún, con obligarnos a confundir el hecho de sumar años con la resignación.»
El espectáculo es fruto de una coproducción de LaJoven/Fundación Teatro Joven y el Circo Price, teatro en el que se estrenó la temporada pasada con una estupenda acogida del público y en el que la crítica destacó: «Una renovada versión de un clásico que ha cautivado a generaciones enteras, y que promete transportarnos a un mundo de fantasía y magia», «Una oportunidad única de disfrutar del teatro en su máxima expresión» o “Peter y Wendy rumbo a nunca jamás aúna talento a raudales y remueve emociones.»
LaJoven celebra su décimo aniversario en esta temporada y acaba de ser galardonada con el Premio Talía 2024 a Mejor Labor de Compañía por su trayectoria comprometida con la juventud y la educación a través del teatro. Un reconocimiento que se suma a otros galardones como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014.
PETER Y WENDY RUMBO A NUNCA JAMÁS
Texto de Nando López, basado en Peter and Wendy, de J. M. Barrie
Coproducción de LaJoven / Fundación Teatro Joven y Teatro Circo Price
EQUIPO ARTÍSTICO
Dramaturgia Nando López
Dirección José Luis Arellano García
Música Alberto Granados Reguilón
Escenografía Silvia de Marta
Iluminación Juan Gómez-Cornejo
Vestuario Guadalupe Valero
Asesoría de circo Isa Belui
REPARTO
Peter Pan Víctor de la Fuente
Wendy Lucía Nin Ott
Mrs. Darling / Hook /Wendy adulta Mabel del Pozo (2, 9, 10, 16 y 17 de mayo)
Antonia Paso (3, 4, 5, 11, 12, 18 y 19 de mayo)
Nana / Smee / Slightly Jesús Irimia
Campanilla / Nibs / Sirena / Pirata Isa Belui
John Eneko Larrazabal
Michael Clara Bernet
Sombra de Peter / Tootles /Sirena / Pirata Daniel Esteban
Curly / Sirena / Pirata Gustavo Vidal
Tiger Lily Laura Forero
FECHAS
2, 3, 4, 5, 11, 12, 18, 19 de mayo de 2024
17:00 y 20:00 h
Edad recomendada a partir de 10 añ
El próximo jueves 25 de abril el ciclo Voces de Real reunirá en el escenario del Teatro Real a dos estrellas de la lírica del momento, dos cantantes cuya expresión, delicadeza y virtuosismo deslumbran en los escenarios más importantes del mundo con sus actuaciones individuales y que ahora entrelazan sus voces en un concierto único, ellas son las sopranos Nadine Sierra y Pretty Yende.
La velada, que contará con dirección musical de Pablo Mielgo al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, ofrecerá un programa dividido en dos partes; la primera, protagonizada por personajes dramáticos del Romanticismo italiano y francés- Amina, en La sonnambula; Norma y Adalgisa, en Norma; Violeta, en La traviata; Olympia, de Los cuentos de Hoffmann, o Juliette, de Roméo et Juliette, – pura exhibición belcantista, que exige al intérprete voz y técnica extraordinarias, además de una gran sensibilidad para dotar de sentimiento un canto casi pirotécnico.
En un claro guiño al público de Madrid, y a la audiencia española, la segunda parte del programa transitará por la zarzuela –El barbero de Sevilla, La tempranica-, el bolero, la opereta y el musical, igualmente exigentes para las cantantes, pero menos introspectivas, más ligeras, alegres y encaminadas a finalizar este encuentro con buen humor.
Galardonada con el Premio Richard Tucker 2017 y el Premio Beverly Sills de The Metropolitan Opera de Nueva York en 2018, la soprano estadounidense Nadine Sierra, nacida en Florida, ha sido también la ganadora más joven hasta la fecha tanto del Concurso Vocal de la Fundación Marilyn Horne como de las Audiciones del Consejo Nacional de Met. Su belleza vocal, su impecable técnica y su gran musicalidad la han convertido en una de las artistas más reclamadas en los principales escenarios de ópera de Europa y los Estados Unidos. La pasada temporada hizo su primera aparición en el Teatro Real, donde debutó el rol de Amina en La sonnambula, en una producción dirigida en la escena por Bárbara Lluch y en la parte musical por Maurizio Benini.
Desde su debut profesional en la ópera en el Teatro Nacional de Letonia en Riga, como Micaela en Carmen, la sudafricana Pretty Yende ha actuado en casi todos los grandes teatros del mundo, como la Royal Opera House londinense, la Ópera Nacional de París, la Metropolitan Opera de Nueva York o el Teatro alla Scala de Milán. Su carrera se ha desarrollado con una rapidez sin precedentes. Graduada en la Young Artists Accademia del Teatro alla Scala, Yende ha sido la primera artista en la historia del Concurso Belvedere en ganar el primer premio en todas las categorías en 2010 y, al año siguiente, se hizo con el Primer Premio en el Concurso Operalia en 2011. Entre otros galardones, el Gobierno sudafricano le concedió la Orden de Ikhamanga de Plata por sus excelentes logros y su reconocimiento internacional en el mundo de la ópera y por servir de modelo a jóvenes músicos aspirantes. Así mismo, ha recibido la Orden Stella de Italia y posee la Orden de las Artes y las Letras de Francia.
En la próxima Temporada del Teatro Real 2024/2025, Pretty Yende interpretará el rol de Ismene en Mitridate, re di Ponto (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791), los meses de marzo y abril, y Nadine Sierra encarnará el papel protagonista de La Traviata (Giuseppe Verdi, 1813-1883) en los meses de junio y julio.
Entre el 24 de abril y el 25 de mayo el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de una nueva coproducción de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813–1883), que unirá a dos directores muy queridos del público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)– que se enfrenta ahora a su “primer Wagner” en una monumental producción con 135 artistas sobre el escenario.
Los maestros cantores de Núremberg, estrenada en el Teatro de la Corte de Múnich el 21 de junio de 1868, es una obra singular en la producción de Wagner y el décimo título de su catálogo operístico. La trama transcurre en un espacio y un tiempo muy concretos: la ciudad de Núremberg, durante una sola jornada –la noche y el día de San Juan– en el siglo XVI, coincidiendo con la vida real del poeta, músico y zapatero Hans Sachs (1494-1576), convertido en protagonista de la partitura y cuya estatua preside hoy la plaza que lleva su nombre en la ciudad.
Los protagonistas de la ópera son miembros de un gremio de artesanos burgueses que compaginan sus oficios con el arte de crear canciones bajo reglas muy estrictas y minuciosas. La llegada de un forastero que, por amor, intenta participar en uno de sus severos concursos de canto con una arrebatadora e inspirada canción fuera de todos los cánones establecidos, genera entre los Maestros cantores un encendido debate estético y filosófico entre lo transgresor y lo normativo en la creación artística, que va creciendo en complejidad a lo largo de toda la ópera, evocando las grandes corrientes de pensamiento del Romanticismo centroeuropeo.
Wagner, autor también del libreto concebido a través de un sesudo trabajo de documentación sobre el universo gremial de los maestros cantores en Núremberg, da alas a sus reflexiones filosóficas enfrentando a los partidarios de la tradición reglada e inamovible representados por Sixtus Beckmesser –caricaturizado sin piedad– y los defensores de la libertad creativa del artista, encarnada por el joven Walther von Stolzing. Entre ambos, la figura conciliadora y abnegada de Hans Sachs, que aboga por un arte libre y sincero, inspirado en la tradición y la cultura del pueblo alemán. Su monólogo final, apropiado y distorsionado por el régimen nazi, propició un enfoque siniestro de la ópera, lejos de su defensa del arte como fundamento de la convivencia y la armonía de un pueblo.
La portentosa música de Wagner recrea el ambiente de Núremberg con un riquísimo lenguaje formal y armónico que potencia el perfil de los personajes, situaciones dramatúrgicas y discursos de los protagonistas, articulando con pericia y fluidez los corales religiosos luteranos, marchas, canciones de trabajo, melodías populares, bailes y evocaciones del mundo sonoro de la ciudad. La brillante orquestación, muy articulada a la trama y sin los vuelos armónicos de sus óperas anteriores, critica, parodia, se mofa y se divierte con los personajes.
El director de escena Laurent Pelly potencia, precisamente, el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Núremberg, que emerge en un universo quimérico y poético que refleja el pensamiento, los anhelos y los conflictos de los protagonistas.
La ópera se desarrolla en un mundo devastado e inestable –con escenografía de Caroline Ginet e iluminación de Urs Schönebaum– en el cual los hombres sobreviven gracias a su herencia cultural y artística y a la memoria de su ciudad protectora. Los personajes se mueven en un espacio simbólico de casas de cartón apiñadas como los retazos de una vida estructurada que se tambalea y se derrumba, abriéndose a un nuevo mundo más libre y verdadero a través de la sublimación del arte.
La ópera será dirigida por Pablo Heras–Casado, cada vez más vinculado al repertorio wagneriano. Después de haber inaugurado, con gran éxito, la pasada edición del Festival de Bayreuth, con Parsifal (que volverá a interpretar este año), va a dirigir una nueva producción de El anillo del nibelungo, junto a Calixto Bieito, en la Ópera de París. En el Teatro Real interpretará su sexto título de Wagner después de El holandés errante (2017) y la Tetralogía –El oro del Rin (2019), La valquiria (2020), Siegfried (2021) y El ocaso de los dioses (2022)–.
Un impresionante reparto de excelentes cantantes-actores dará voz a los peculiares personajes de Los maestros cantores, encabezados por Gerald Finley (Hans Sachs), Leigh Melrose (Sixtus Beckmesser), TomislavMužek (Walther von Stolzing), Jongmin Park (Veit Pogner), Nicole Chevalier (Eva), Sebastian Kohlhepp (David) y Anna Lapkovskaja (Magdalene).
Junto a ellos, el Coro Titular del Teatro Real, con 112 cantantes preparados por José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con una plantilla de 95 músicos, interpretarán esta nueva gran producción, en la que Laurent Pelly, junto a Jean-Jacques Delmotte, se ocupa también de los más de 300 trajes que utilizarán los intérpretes en escena.
Los maestros cantores volverán al Teatro Real después 23 años, ya que desde su reapertura se han ofrecido solamente tres funciones de esta ópera, en junio de 2001, con el Coro y Orquesta de la Staatsoper de Berlín, bajo la dirección de Daniel Barenboim. Será, seguramente, una nueva mirada sobre esta ópera tan singular, con una dialéctica filosófica retórica y profunda, pero también paródica y grotesca.
El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 13 de abril, el estreno absoluto de Va de Bach, nueva creación de la compañía Aracaladanza en la que, a través de la música de Johann Sebastian Bach, exploran y deconstruyen los límites del escenario con nuevas coreografías que buscan acercar la danza contemporánea a nuevos espectadores.
Así, la compañía quiere liberar la imaginación de un público de todas las edades –recomendado a partir de cuatro años- para disfrutar sin prejuicios ni normas de la música de un compositor cuya obra definen como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación”.
Basado en la idea original de Enrique Cabrera, director, coreógrafo y fundador de Aracaladanza, Va de Bachtoma forma a través de un gorila triste, una mano gigante y cinco bailarines de la compañía: Carolina Arija, Jonatan de Luis, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Lydia Martínez, intérpretes y creadores coreográficos, y la participación de la actriz Carla Maró. Juntos construyen un espectáculo sin estructura argumental o narrativa convencional en el que no buscan coreografiar su música (con variaciones y versiones), si no bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos.
El compositor español Luis Miguel Cobo ha sido el encargado de la “reconstrucción” y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función para dotarlas del carácter necesario para cada momento y movimiento. Se escucharán son fragmentos de Badinerie, Suite orquestal Nº2, BWV 1067; el Preludio Nº2 en Do menor de El clave bien temperado, BWV 847; el Aria “Ja, tausendmal tausend begleiten den Wagen” de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43y el Concierto de Brandenburgo Nº3 BWV 1048.
Completan el equipo la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, el diseñador de iluminación Pedro Yagüe, el video creador Álvaro Luna, los responsables de vestuario Gabriel Besa y Pilar López Jurado, yel realizador de atrezzo y marionetista Ricardo Vergne.
Con mucha curiosidad e imaginación, Aracalandaza se pregunta: ¿y si el telón de fondo es rojo terciopelo? ¿Y el suelo, dorado?
¿Y si armamos una mano gigante como la que podría tocar un órgano gigante?
¿Y si hay pianos diminutos? ¿Y si unos globos acaban cantando? ¿Y qué pasaría si llegaran a pincharse?
¿Y si bailamos un malambo colectivo a ritmo de Bach?
¿Y si unas presuntas pelucas barrocas regalan metros de papel?
¿Y si nos volvemos locos, nos emocionamos y reímos con Bach, su música y su
universo?
Todas estas preguntas y muchas más, en Va de Bach. Y para todo lo demás, ¡Bach!
La compañía madrileña Aracaladanza, reconocida mundialmente como pionera y abanderada de un riguroso lenguaje escénico de alta calidad para público familiar e infantil, tiene experiencia en la re-construcción de universos de grandes artistas que han dejado huella en el imaginario universal. Aracaladanza ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, reiteradamente premiada en FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas) y ganadora de varios MAX. Sus espectáculos El Bosco (“Pequeños paraísos”), Magritte (“Nubes”), Miró (“Constelaciones”) y Leonardo (“Vuelos”) han inspirado espectáculos de gran formato que han sido disfrutados en los cinco continentes por miles de jóvenes espectadores.
En la próxima temporada se ofrecerán 19 títulos de ópera con 1 estreno absoluto, 6 nuevas coproducciones (3 de las cuales se estrenan en el Teatro Real), 10 títulos que nunca se presentaron en el Teatro Real, 2 producciones invitadas de otros teatros, 2 óperas en versión semiescenificada y 8 en versión de concierto.
La programación de danza tendrá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas y una producción de ópera coreografiada y se ofrecerán 15 conciertos.
Después de la actual temporada de ópera, con importantes estrenos del siglo XX, en la próxima se privilegiarán los dos siglos anteriores. Habrá 8 obras barrocas, 2 óperas de Mozart adscritas al clasicismo, 6 óperas del siglo XIX, 2 óperas del siglo XX y 1 del siglo XXI (más las 2 que se anunciarán en el futuro, en el Teatro Español y en Teatros del Canal).
El compositor más presente será Georg Friedrich Händel, con 4 títulos –Tamerlano, Alcina, Theodora y Jephtha-, uno de los cuales, la nueva coproducción de Theodora, traerá al Teatro Real por primera vez a la aclamada directora de escena británica Katie Mitchell. La dirección musical será de Ivor Bolton, profundo conocedor de Händel, que ya dirigió 3 óperas suyas en el Real –Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023)-. Conforman el reparto Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon y Callum Thorpe.
Dentro del repertorio barroco se presentarán 2 óperas francesas: el estreno en España de David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier -con el Ensemble Correspondances y Sébastien Daucé- yLas indias galantes, de Jean-Philippe Rameau, en una versión coreografiada por Bintou Dembélé, con dirección musical de Leonardo García Alarcón -que triunfó hace dos años con el L’Orfeo, de Claudio Monteverdi, en otra “versión operística bailada” dirigida por Sasha Waltz-.
También se estrena en EspañaL’uomo femmina, de Baldassare Galuppi -con Le Poème Harmonique y Vincent Dumestre- y se recupera una ópera española injustamente olvidada, La Merope, de Domènec Terradellas, que se escuchará por primera vez en el Teatro Real con una nueva edición de la partitura, que será interpretada por la Akademie für Alte Musik de Berlín, bajo la dirección de Francesco Corti.
Aún en el siglo XVIII, ya en el clasicismo, se ofrecerán 2 óperas de Wolfgang Amadeus Mozart protagonizadas por reyes y separadas entre sí por 11 años: Mitridate, re di Ponto, eIdomeneo, re di Cresta. La primera es una nueva producción que volverá a unir a Ivor Bolton y Claus Guth en una ópera de juventud de Mozart, después del éxito de ambos en Lucio Silla, en 2017; la segunda, una versión historicista semiescenificada dirigida por René Jacobs, con puesta en escena de Benoît de Leersnyder.
Del XIX se estrenará en el Real una nueva producción de MariaStuarda, de Gaetano Donizetti (que nunca se ha hecho en su escenario) con dos repartos estelares -Lisette Oropesa, Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi; y Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé, Airam Hernández…-, dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y puesta en escena de David McVicar.
De Giuseppe Verdi se presentarán tres títulos. Attila e I lombardi alla prima crociata, anclados todavía a los modelos de gran ópera decimonónica, y ambos con libretos de Temistocle Solera -empresario del Teatro Real a mediados del siglo XIX- serán interpretadas en versión de concierto por repartos verdianos de gran solvencia. Nicola Luisotti dirigirá Attila -con Christian Van Horn, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano y Artur Ruciński-, y Daniel Oren estará al frente de I lombardi allá prima crociata, encabezada por Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito e Iván Ayón Rivas.
La traviata llegará en la icónica producción de Willy Decker que estaba prevista para 2020 y que tuvo que posponerse por la pandemia. Un doble reparto de grandes solistas -Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Juan Diego Flórez, Iván Ayón Rivas, Luca Salsi, Artur Ruciński, Albert Casals…- actuará bajo la dirección de Henrik Nánási, que debutará en el Real.
Despidiendo el siglo XIX, dos óperas rusas basadas en obras de Aleksandr Pushkin, de quien se conmemora el 225º aniversario de su nacimiento. La nueva producción de Eugenio Oneguin de Piotr Ilich Chaikovski, con dirección de escena de Christof Loy, traerá de nuevo al Teatro a Gustavo Gimeno, después de su enorme éxito en El ángel de fuego, de Sergei Prokofiev, en 2022. El cuento del Zar Saltán, de Rimski-Kórsakov, se estrenará en el Real con una nueva producción concebida por Dmitri Tcherniakov -que retorna al Teatro después de 11 años- y dirección musical de Karel Marc Chichon.
Ya en los albores del siglo XX, la ópera verista Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea, será la que inaugure la temporada con la aplaudida producción de David McVicar y la infalible dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de dos repartos en que se alternan, en los papeles principales, Ermonela Jaho y Maria Agresta; Brian Jagde y Matthew Polenzani; Elina Garanča, Nicola Alaimo y Manel Esteve.
Un doble programa unirá La vida breve, de Manuel de Falla -título que reinauguró el Teatro Real en 1997- y el estreno absoluto de Tejas verdes, de Jesús Torres, a partir de la obra homónima del chileno Fermín Cabal y del Cancionero y romancero de ausencias, de Miguel Hernández. Jordi Francés, que dirigió el estreno de Tránsito, con gran éxito, en 2021, volverá a alumbrar una nueva partitura de este compositor.
Para dar vida a estos títulos, el Teatro Real ha invitado a directores, coros y orquestas de gran prestigio y los intérpretes más idóneos para cada obra, contando la excelencia de sus cuerpos estables, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. El primero, bajo la escrupulosa dirección de José Luis Basso; y la Orquesta, con el trabajo y dedicación de su director musical, IvorBolton, la maestría de su sucesor en el cargo (a partir de la próxima temporada) GustavoGimeno, y la asidua y entusiasta participación de NicolaLuisotti, director invitado del Teatro Real.
TEMPORADA DE ÓPERA
Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea | Producción invitada | Patrocina Fundación BBVA
Producción de la Royal Opera House, el Gran Teatre del Liceu, la Wiener Staatsoper, la Opèra national de Paris y la San Francisco Opera
DM: Nicola Luisotti DE: David McVicar. Reparto: Ermonela Jaho, Maria Agresta, Nicola Alaimo, Brian Jagde, Mathew Polenzani, Manel Esteve…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
23 septiembre – 11 octubre | 13 funciones | 2 repartos
David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier | Versión de concierto
DM: Sébastien Daucé. Reparto: Petr Nekoranec, Gwendoline Blondeel, Jean-Christophe Lanièce…
Ensemble Correspondances
27 septiembre | función única
Theodora, de Georg Friedrich Händel | Nueva producción del Teatro Real | Estreno en España de la versión escénica
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Opera House
DM: Ivor Bolton. DE: Katie Mitchell. Reparto: Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon, Callum Thorpe…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
11 – 23 noviembre| 7 funciones | 1 reparto
Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti | Nueva producción del Teatro Real | Estreno de la producción | Patrocina Fundación BBVA
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival – Bergamo y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas
DM: José Miguel Pérez-Sierra. DE: David McVicar. Reparto: Lisette Oropesa,Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi, Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé,Krzysztof Bączyk, Airam Hernández…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
14 – 30 diciembre| 10 funciones | 2 repartos
Alcina, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: Elsa Dreisig, Sandrine Piau, Emily d’Angelo, Nadezhda Karyazina, Alex Rosen, Stefan Sbonnik y Bruno de Sá.
Il Pomo d’Oro
15 diciembre | función única
Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski | Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Santander
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Den Norske Opera & Ballett y el Gran Teatre del Liceu
DM: Gustavo Gimeno, Kornilios Michailidis. DE: Christof Loy. Reparto: Iurii Samoilov, Kristina Mkhitaryan, Bogdan Volkov, Victoria Karkacheva, Maxim Kuzmin-Karavaev,Katarina Dalayman, Elena Zilio, Juan Sancho…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
22 enero – 18 febrero| 10 funciones | 1 reparto
Idomeneo, re di Cresta, de Wolfgang Amadeus Mozart | Versión de concierto semiescenificada
La vida breve, de Manuel de Falla / Tejas verdes, de Jesús Torres | Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, estreno absoluto de Tejas Verdes
DM: Jordi Francés. DE: Rafael R. Villalobos. Reparto La vida breve: Adriana González, Eduardo Aladrén, Ana Ibarra, Rubén Amoretti… Reparto de Tejas verdes: Natalia Labourdette, Maria Miró, Sandra Ferrández…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
13 – 22 febrero| 6 funciones | 1 reparto
La Merope, de Domènec Terradellas | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: EmőkeBaráth, Pia Francesca Vitale, Paul-Antoine Bénos-Djian, Valerio Contaldo, Sunhae Im, Margherita Maria Sala
Akademie für Alte Musik de Berlín
21 febrero | función única
Mitridate, re di Ponto, de Wolfgang Amadeus Mozart | Nueva producción del Teatro Real. Estreno de la producción | Patrocina Endesa
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Oper Frankfurt
DM: Ivor Bolton. DE: Claus Guth. Reparto: Juan Francisco Gatell, Siyabonga Maqungo, Sara Blanch, Ruth Iniesta, Elsa Dreisig, Vanessa Goikoetxea, Franco Fagioli, Tim Mead, Pretty Yende, Sabina Puértolas…
Orquesta Titular del Teatro Real
23 marzo – 9 abril| 10 funciones | 2 repartos
L’uomo femmina, de Baldassare Galuppi | Versión de concierto
DO: Vincent Dumestre. Reparto: Eva Zaïcik, Lucile Richardot, Victoire Bunel, Anas Séguin, Victor Sicard y Paco García
Le Poème Harmonique
3 abril | función única
El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov | Nueva producción del Teatro Real | Patrocinan Consejo de Amigos y Fundación Amigos del Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Théatre Royal de La Monnaie / de Munt
DM: Karel Mark Chichon. DE: Dmitri Tcherniakov. Reparto: Bogdan Volkov, Ante Jerkunica, Svetlana Aksenova, Stine Marie Fischer, Bernarda Bobro, Carole Wilson, Nina Minasyan…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
30 abril – 11 mayo| 7 funciones | 1 reparto
Jephtha, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: Michael Spyres y Joyce DiDonato.
Il Pomo d’Oro
1 mayo | función única
Attila, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto
DM: Nicola Luisotti. Reparto: Christian Van Horn, Artur Ruciński, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano, Moisés Marín e In Sung Sim.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
14 y 17 mayo | 2 funciones
Tamerlano, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: René Jacobs. Reparto: Paul-Antoine Bénos-Dijan, Thomas Walker, Polina Pastirchak, Alex Chance, Helena Rasker y Matthias Winckhler.
Freiburger Barockorchester
16 mayo | función única
Las indias galantes, de Jean-Philippe Rameau | Versión semiescénica y coreográfica | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real
DM: Leonardo García Alarcón. DE: Bintou Dembélé. Reparto: Julie Roset, Ana Quintans, Mathias Vidal, Andreas Wolf
Cappella Mediterranea, Choeur de Chambre de Namur, CIE RUALITÉ
28 mayo – 1 junio | 4 funciones
La traviata, de Giuseppe Verdi | Producción invitada | Patrocina Telefónica
Producción de la Dutch National Opera & Ballet
DM: Henrik Nánási, Francesc Prat. DE: Willy Decker. Reparto: Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Iván Ayón Rivas, Juan Diego Flórez, Luca Salsi, Artur Ruciński, Karina Demurova, Gemma Coma-Alabert, Albert Casals…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
24 junio – 23 julio| 18 funciones | 2 repartos
I lombardi alla prima crociata, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto
DM: Daniel Oren. Reparto: Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito,Iván Ayón Rivas, Miren Urbieta-Vega, David Lagares, Josep Fadó, Manuel Fuentes, y Mercedes Gancedo.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
6 y 9 julio | 2 funciones
PROGRAMACIÓN DE DANZA
El BALLET DE SAN FRANCISCO debutará en el Teatro Real con El lago de los cisnes de Piotr Illich Chaikovski, coreografía de Helgi Tomasson creada en 2009, cuando era director artístico de la compañía, y que pone el foco en el personaje de Odette y su pasado. El viaje del Ballet de San Francisco a Madrid es el primer tour internacional de la compañía desde que Tamara Rojo asumió su dirección.
La COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA, dirigida por Joaquín de Luz, presentará Don Quijote en el Teatro Real con coreografía de José Carlos Martínez -director del Ballet de l’Opéra de Paris- inspirada en las famosas versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski, a las que Martínez añade un matiz más poético al personaje de don Quijote en su búsqueda del amor ideal.
El BALLET ESTATAL DE VIENA traerá al Teatro Real dos coreografías: Concertante -música de Frank Martin y coreografía de Hans van Manen– explora la idea de que aunque se esté cerca de alguien, no se sabe jamás lo que el otro está pensando; y 4 creada por el director de la compañía, Martin Schläpfer, con música de Gustav Mahler y casi 70 bailarines en escena, muestra una humanidad llena de deseos, expuesta y desamparada.
PROGRAMACIÓN DE CONCIERTOS
El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por 6 conciertos líricos con orquesta protagonizados por algunas de las voces más representativas de la actualidad: Juan Diego Flórez, Ludovic Tézier, Sondra Radvanovsky, Piotr Beczała, Asmik Grigorian, Michael Volle, Gabriela Scherer,Sabine Devieilhe y Stéphane Degout.
Completan la oferta la Gala Puccini con Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, la Gala del Teatro Real, el Concierto delConcurso Tenor Viñas y los 6 conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA.
EL REAL JOVEN
El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas al público joven, tanto a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer, como a todos los jóvenes que descubren el Teatro Real por primera vez. (El Real Joven es un proyecto que incluye acciones con Amigos Jóvenes y Jóvenes no Amigos)
Los Jóvenes menores de 26 y los que tienen entre 26 y 35 años podrán beneficiarse de ventajas y descuentos en la compra de localidades: a través de la Butaca Joven, en venta preferente por 20 y 30 euros respectivamente, o de las localidades de Último Minuto, disponibles el mismo día de funciones seleccionadas de ópera, danza y Voces del Real, por 20 euros y 35 euros, según el tramo de edad.
Para los jóvenes prosiguen, dentro del Programa de Formación, los proyectos La universidad a escena, cursos y talleres diseñados para acercar la ópera a estudiantes universitarios a través del seguimiento activo de una producción operística en los diversos pasos y ámbitos del montaje; y ESÓpera, el concurso-taller organizado junto a la Comunidad de Madrid para estudiantes de 3º y 4º de ESO. Los ganadores del concurso reciben como premio la posibilidad de conocer el Teatro Real desde dentro, a través de una visita técnica, asistencia a ensayos y encuentros con profesionales de las artes escénicas.
PROGRAMA DE FORMACIÓN
El programa de formación consolida sus cursos y talleres presenciales con formatos y temas muy diversos destinados a estudiantes y al público general.
Merece una mención especial REALÍZAT-e, la plataforma audiovisual educativa del Teatro Real, que ofrece cursos online diseñados exclusivamente para ese soporte con profesores, profesionales de las artes escénicas y expertos de gran prestigio.
Para el programa La ópera al descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 5 talleres centrados en Theodora, Maria Stuarda, Mitridate, re di Ponto, El cuento del zar Saltán y La traviata.
En esta temporada se impartirán 4cursos de aproximación a la ópera: Las protagonistas de la ópera (por Rosa Fernández), Comprender a Donizetti:Maria Stuarda (por Mario Muñoz), Aprender a escuchar ópera (por Sofía Martínez) -exclusivo para Amigos del Teatro Real- y Ópera y literatura (por Irene de Juan).
Se ofrecerán 4 cursos de Historia de la ópera y de la danza –Historia de la ópera I (siglos XVII y XVIII), Historia de la ópera II (siglo XIX) e Historia de la ópera III (siglos XX y XXI)-, los tres impartidos por Gabriel Menéndez- y el curso Los ballets rusos de Diághilev, por Ana Abad.
Finalmente, habrá dos cursos sobre las profesiones de la ópera: Introducción a la dirección de escena (por Justin Way) y Regiduría de ópera (por Pepa Hernández).
REAL TEATRO DE RETIRO
La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se ofrecen desde hace más de un año en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades: 258 funciones en total, siendo 132 funciones familiares para todo público y 126 funciones escolares, incluyendo 18 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro!
Se ofrecerán dos óperas muy atractivas: la primera, una nueva producción de El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, con dirección musical de Miguel Huertas y dirección de escena de Alfonso Romero, enmarcada en el programa Opera Estudio del Teatro Real; y la segunda, una reposición de La cenicienta, de Pauline Viardot, que se presentó con gran éxito en la pasada temporada, con dirección musical de Francisco Soriano y dirección de escena de Guillermo Amaya. En ambas producciones participarán los cantantes y pianistas del proyecto Crescendo.
Los cuentos, tan sugerentes para el público infantil, serán presentados en distintos f
El próximo miércoles 27 de marzo podrá escucharse en el Teatro Real la versión original de la ópera Carmen, de Georges Bizet, tal y como la concibió el compositor en 1874, antes de que los responsables de la Ópera Cómica de París le exigieran los importantes cambios que configuraron la obra tal y como la conocemos hoy en día, y que él nunca llegó a escuchar.
Esta extraordinaria recuperación musical, que llega a nosotros en la edición crítica del musicólogo francés Paul Prevost, será interpretada, bajo la batuta de René Jacobs, por la B’Rock Orchestra y un elenco de lujo en el que destacan, en los papeles principales, la mezzosoprano Gaëlle Arquez (Carmen), el tenor François Rougier (Don José), la soprano Sabine Devieilhe (Micaela) y el barítono Thomas Dolié (Escamillo), entre otros. Junto a ellos, el Choeur de Chambre de Namur y los Pequeños Cantores de la ORCAM.
De las tres ediciones realizadas por Prevost – la del 1874, antes de que las exigencias externas modificaran su obra y su pensamiento; la de 1874-1875, tras los reajustes iniciales y las primeras representaciones, y la de 1875, publicada por Choudens poco antes de la muerte del compositor-, tras concienzudas investigaciones y análisis de los materiales existentes, René Jacobs se ha decantado por la primera de ellas, porque recoge el trabajo compositivo original de Bizet en su estado más puro, sin ninguna intervención externa, con una dramaturgia musical coherente y en la que se muestra como un maestro absoluto de las confrontaciones estilísticas entre personajes vulnerables, inofensivos, frívolos o violentos logrando un impresionante efecto teatral.
Georges Bizet había terminado completamente su partitura en el verano de 1874, sobre el libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, basado en la obra homónima de Prosper Mérimée. Al comenzar los ensayos sobre el escenario de la Opéra-Comique, empezaron también los problemas; con el coro, considerado demasiado numeroso y cuyos miembros protestaban sus partes tachándolas de ilegibles, por las exigencias de algunos de los solistas (especialmente de la protagonista), por los diálogos hablados sobre música, por la ausencia de escenas de baile y por las continuas injerencias de los directores del teatro. Bajo presión, el compositor accedió a todo.
Uno de los aspectos que más llaman la atención de esta recuperación es poder escuchar la famosa aria «L’Amour est enfant de bohème» antes de que los arreglos de Sebastien de Yradier, introducidos por exigencia de la mezzosoprano Célestine Galli-Marié –primera intérprete del mítico personaje- la transformasen en la famosa habanera que todos conocemos.
La idea original de la ópera es mucho menos hispanizante y la protagonista todavía no se presenta como una gitana. Es una mujer fuerte, frívola, con múltiples facetas y su carácter casi desafía al texto de Merimée. La obra es más una tragicomedia, con numerosas escenas ligeras, que un drama, y contiene parodias y alusiones que debieron encajarse mal en la época.
La versión de concierto que se escuchará en el Real es, en palabras de Jacobs “la reconstrucción de la ópera que Bizet nunca llegó a escuchar, pero con la que soñó”. Instrumentos de época con músicos especializados, un gran coro (adulto e infantil) y unas voces de primer nivel, todo lo necesario para extraer la enorme riqueza de colores que contiene la obra.
Fotografía (c) Philippe Matsas
José Luis Basso es director del Coro Titular del Teatro Real(Coro Intermezzo) desde el inicio de la presente temporada, habiendo sucedido a Andrés Máspero, que ostentó el mismo cargo desde 2010.
Desde el inicio de la temporada ha preparado el Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo) en todas las producciones y conciertos en los que ha intervenido: Medea de Luigi Cherubini, Luisa Fernanda de FedericoMoreno Torroba, Halka de Stanislaw Moniuszko, Rigoletto de Giuseppe Verdi, Lear de Aribert Reimann, La pasajera de Mieczyslaw Weinberg y el concierto Las tres reinas, protagonizado por Sondra Radvanovsky. En todas estas obras la crítica ha elogiado, unánimemente, las actuaciones del Coro y el público las ha premiado con sonoros aplausos.
Actualmente está preparando las intervenciones del Coro en Los maestros cantores de Núremberg (estreno el 24 de abril) y en la obra La fiesta de amor de los apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), que se presentará el 25 de mayo en un concierto protagonizado por Nina Stemme, íntegramente dedicado a Richard Wagner. Ambas obras necesitan de un gran número de cantantes, por lo que a la plantilla fija del coro se unirán los refuerzos necesarios.
En Los maestros cantores de Núremberg el coro contará con 112 voces: 27 sopranos, 21 mezzosopranos, 24 tenores, 28 barítonos-bajos y 12 aprendices.
JOSÉ LUIS BASSO
En su carrera, José Luis Basso ha abordado un repertorio muy amplio, alternando regularmente el concierto, el oratorio y la ópera. Ha sido director de los coros del Liceu y de la Ópera Nacional de París, y del Teatro di San Carlo de Nápoles, entre otros, y ha participado en los principales festivales líricos.
El director argentino, que se formó musicalmente en Buenos Aires, donde estudió piano, dirección coral y orquestal, inició su actividad como director de coro en el Teatro Argentino de La Plata, donde preparó producciones de ópera y conciertos sinfónico-corales.
En 1989 comenzó su labor en el Teatro Colón de Buenos Aires, dirigiendo también el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que, en 1990, Romano Gandolfi, el que fuera legendario director de la Scala de Milán, lo contrató como su asistente en el Liceu de Barcelona.
En 1994 fue nombrado director del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, dando un nuevo dinamismo a la formación, muy alabada en Lohengrin y en la Novena Sinfonía de Beethoven.
A partir de 1996 es convocado por el Maestro Zubin Mehta al Maggio Musicale Fiorentino, donde destaca especialmente en Parsifal, dirigido por Semyon Bychkov, y Turandot, bajo la batuta de Zubin Mehta. En 2000 fue galardonado por su trabajo en ese coliseo con el Premio Ina Assitalia Galileo.
Ha sido director del Coro y consultor artístico en el Gran Teatre del Liceu de 2004 a 2014, año en el que fue nombrado director del Coro de la Ópera National de París. En las siete temporadas siguientes, Basso obtuvo un gran éxito de público y crítica, especialmente con Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila, y Die Meistersinger von Nürnberg.
En 2021 comenzó a dirigir el Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, una labor reconocida el pasado mes de julio con el premio Caruso, que otorga la Asociación Maria Malibrán.
José Luis Basso participa regularmente en festivales españoles como el Internacional Castell de Peralada, el Internacional de Santander y el Internacional de Música y Danza de Granada. Ha grabado varias óperas y álbumes para Decca y Philips, entre ellas Turandot, La bohème, Aroldo y Tosca, y ha trabajado con los directores de orquesta más importantes de las últimas décadas. En 2003 recibió un Grammy Award junto al Coro del Maggio Musicale Fiorentino por el álbum Bel Canto de Renée Flemming.
CORO TITULAR DEL TEATRO REAL (CORO INTERMEZZO)
El Coro Intermezzo es el Coro Titular del Teatro Real desde septiembre de 2010, actualmente bajo la dirección de José Luis Basso. Ha cantado bajo la batuta de directores como Ivor Bolton (Jenůfa), Riccardo Muti (Requiem de Verdi), Simon Rattle (Sinfonía n.º 9 de Beethoven), Jesús López Cobos (Simon Boccanegra), Pedro Halffter (Cyrano de Bergerac), Titus Engel (Brokeback Mountain), Pablo Heras-Casado (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny), James Conlon (I vespri siciliani), Hartmut Haenchen (Lady Macbeth de Mtsensk), Sylvain Cambreling (Saint François d ’Assise), Teodor Currentzis (Macbeth), Lothar Koenigs (Moses und Aron), Semyon Bychkov (Parsifal), Michel Plasson (Roméo et Juliette), Plácido Domingo (Goyescas), Roberto Abbado (Norma), Evelino Pidó (I puritani), David Afkham (Bomarzo), Christophe Rousset (La clemenza di Tito) y Marco Armiliato (Madama Butterfly). Entre los directores de escena con los que ha actuado destacan Alex Ollé, Robert Carsen, Emilio Sagi, Alain Platel, Peter Sellars, Lluís Pasqual, Dmitri Tcherniakov, Pierre Audi, Krystof Warlikowski, David McVicar, Romeo Castelluci, Willy Decker, Barrie Kosky, Davide Livermore, Deborah Warner, Christof Loy, Michael Haneke y Bob Wilson. Ha participado en los estrenos mundiales de La página en blanco (Pilar Jurado), The Perfect American (Philip Glass), Brokeback Mountain (Charles Wuorinen) o El público (Mauricio Sotelo), y en espectáculos de danza como C(h)oeurs. Desde 2011 acredita la certificación de calidad ISO 9001. En 2018 fue nominado en la categoría de mejor coro en los International Opera Awards, donde fue premiada como mejor producción Billy Budd, con la participación del Coro Intermezzo, y cuyo DVD ha obtenido el Diapason d’Or.
El Real Teatro de Retiro ofrecerá, entre el 22 y el 31 de marzo, una propuesta que mira al pasado para descubrir a los más jóvenes de la casa los orígenes del cine y sus peculiares aventuras, la gestualidad de los actores, las escenas de malabarismos y persecuciones, el vestuario y la música como vehículo potenciador de las emociones en las mudas escenas del celuloide.
Con esta idea, Café Kino y Caspervek Ensemble recuperan dos divertidas cintas emblemáticas del cine mudo –El moderno Sherlock Holmes (1924), dirigida y protagonizada por Buster Keaton y Las aventuras del Príncipe Achmed, de la directora alemana Lotte Reiniger- acompañadas por una nueva banda sonora original, nacida de la composición de Brais González Pérez, interpretada en directo.
Los niños y jóvenes de hoy, acostumbrados al ritmo frenético del audiovisual, tendrán la oportunidad de formar parte de una experiencia única en la que su imaginación recreará diálogos, pensamientos, aportará detalles y dejará que su corazón brinque al ritmo rápido de la música cuando se sucedan las persecuciones y los equilibrios imposibles, se suspenda sobre los acordes de misterio o se acomode mecido por melodías románticas para escenas de amor.
Así, ambas proyecciones podrán verse en la Sala Principal del Real Teatro de Retiro los días:
Una de las más conocidas comedias de la época, que dirigió y protagonizó un portentoso Buster Keaton, y donde los gags visuales se repiten constantemente. En ella, Keaton, un proyeccionista que estudia para ser detective, se queda tan dormido en el trabajo que sueña estar dentro de la película que proyecta. Allí tendrá que salvar a su novia del malo.
Esta película del genio de la comedia slapstick –una forma de humor básico que utiliza la torpeza de sus actores, las caídas, los golpes, las bromas exageradas- muestra un Buster Keaton en plenitud de facultades acrobáticas, que traspasa la pantalla y arrastra al espectador.
23 y 30 de marzo a las 19.00 h; 24 y 31 de marzo a las 18.00h
Considerado el primer largometraje de animación de la historia, en él la directora de cine alemana Lotte Reiniger recrea una aventura mágica, basada en el rico tesoro de Las mil y una noches, a través de sombras chinescas y láminas de plomo. Reiniger fue una absoluta pionera del género y en esta cinta trabajó con más de 300.000 imágenes en movimiento, cuyo resultado es un film fantástico y encantador que obtuvo un éxito universal.
Ambas proyecciones contarán con la actuación en vivo de la Agrupación Caspervek con Blas Castañer Ibáñez, en la percusión; la flauta de Laura Lorenzo Rodríguez; Andrea González Pérez con el saxofón; el trombón de Óscar Presa Pellón y la trompa de Ainara González Gómez, todos ellos bajo la dirección musical del pianista y compositor Brais González Pérez.
Entre el 17 y el 28 de marzo el Teatro Real ofrecerá seis funciones de una nueva producción, con dirección de escena de Christof Loy, que enlaza dos óperas para soprano y orquesta –La voz humana (con libreto de Jean Cocteau y música de Francis Poulenc) y La espera (con libreto de Marie Pappenheim y música de Arnold Schönberg)– y un monólogo teatral, Silencio, creado expresamente para la ocasión por Rossy de Palma y Christof Loy.
Casi cincuenta años median entre la composición de La espera (1909), de Arnold Schönberg (1874-1951), y La voz humana (1958), de Francis Poulenc (1899-1963), dos obras protagonizadas por mujeres desquiciadas por el dolor punzante de una separación, el desamor, los celos y el miedo a la soledad… y al silencio.
En la nueva producción del Teatro Real las dos óperas se sucederán en orden inverso al de su creación: primero la tragédie lyrique de Poulenc y después el monodrame de Schönberg, ya que el director de escena Christof Loy propone un viaje del realismo de la primera al expresionismo de la segunda, situando ambos dramas en el mismo inmenso espacio doméstico hogareño, lo que refuerza la percepción de sus distintos lenguajes musicales y dramatúrgicos, articulados por el dolor corrosivo e inconsolable de una ruptura amorosa.
Desde su estreno en la Comédie Française en 1930,La voz humana, de Jean Cocteau (1889-1963), ha sido interpretada por grandes actrices, tanto en el teatro como en el cine, donde fue dirigida por Roberto Rossellini (con Ana Magnani), Ted Kotcheff (con Ingrid Bergman), Carlo Ponti (con Sofia Loren) o Pedro Almodóvar (con Tilda Swinton), entre otros. Pero fue sin duda la ópera de Poulenc la que mejor logró expresar el vertiginoso caleidoscopio de emociones que experimenta la protagonista en la última conversación telefónica que mantiene con su expareja, que se casará al día siguiente con otra mujer.
La música de Francis Poulenc logra acompañar, con una orquestación refinada y casi camerística, a la protagonista –y también a su silente interlocutor– en su intento desesperado de atar a su amante con el hilo que les unió –ahora débil como la línea telefónica llena de interferencias, interrupciones y silencios que los conecta– fingiendo, confesándose, recordando, divagando, chantajeando, seduciendo, gritando, llorando, con las frases entrecortadas con las que se va desnudando en su deriva hacia la muerte.
Si en La voz humana la protagonista mantiene la conexión con la realidad, pese al efecto turbador de las pastillas y a su angustia extrema, en La espera, la mujer abandonada pierde la razón en la tormentosa búsqueda del amor que la traicionó, hasta encontrar su cuerpo muerto. Su discurso confuso, entrecortado y delirante evoca ya un estado patológico, con ráfagas de locura y la emergencia de estados del consciente y del subconsciente en sintonía con las tendencias científicas, intelectuales y artísticas de la Viena de Sigmund Freud y Josef Breuer, tan cercanos a Arnold Schönberg.
De hecho, el libreto de Marie Pappenheim (1882-1966), entonces una joven poeta y brillante estudiante de medicina -más tarde feminista y autora de una de las primeras publicaciones en defensa del aborto-, parece inspirarse en los casos clínicos de enfermedades mentales, que transformó en materia literaria. Su libreto, escrito en tres semanas, fue transformado en música por ArnoldSchönberg, judío como ella, en apenas 17 días. Esta brevedad y emergencia en la creación de la obra puede haber beneficiado la intención del compositor, que buscaba una música fluida, atemática, atonal, libre de corsés formales y con un único y débil apoyo polifónico orquestal, que parece marcar el tiempo de acuerdo con su intención de “representar a cámara lenta todo lo que sucede durante un único segundo, estirándolo hasta media hora”.
La voz humana será protagonizada por Ermonela Jaho y La espera, por Malin Byström, ambas grandísimas cantantes que debutarán en sus exigentes papeles.
Como nexo entre ambas óperas, Rossy de Palma -que participa también en La voz humana– estrenará e interpretará el monólogo Silencio, con textos de Oscar Wilde, Bertolt Brecht y también suyos.
La dirección musical será de Jérémie Rhorer, que vuelve a dirigir a la Orquesta Titular del Teatro Real en dos partituras en las que la orquesta viaja a lo más profundo del alma y a nuestras emociones más extremas.
La producción, concebida por Christof Loy -que también firma la escenografía, junto a Guadalupe Holguera-cuenta con el vestuario de Barbara Drosihn, la iluminación de Fabrice Kebour y la entrega absoluta de tres grandes intérpretes sobre las que cae la fuerza avasalladora de estas obras que expresan, desde estéticas muy dispares, el terrible miedo al abandono, al vacío y al silencio.
TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL
Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro.
En 2024 Telefónica celebra su centenario. 100 años de anticipación y compromiso con la sociedad, facilitando herramientas para que podamos imaginar un futuro mejor.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
12 de marzo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Jérémie Rhorer (director musical de La voz humana / La espera), Christof Loy (director de escena), Luis Gago (traductor y crítico musical) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.
13 de marzo, a las 21.00 horas / 14 de marzo, a las 19.30 horas|Museo Nacional Thyssen-Bornemisza / Biblioteca Nacional de España
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Biblioteca Nacional de España ofrecerán, los próximos días 13 (21.00 h) y 14 (19.30 horas) de marzo, respectivamente, el tercer concierto del Ciclo. Los dos recitales estarán protagonizados por el reconocido cuarteto finlandés Meta4, con la participación de la soprano Tuuli Lindeberg. En el programa, común en ambas citas, se interpretará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schönberg, y la Suite lírica de Alban Berg.
17 de marzo a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico
¡Todos al Real Teatro!
Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.
Problemas de cobertura: una señora tiene dificultades para hablar por teléfono con su pareja.
Con la mezzosoprano Begoña Gómez y la pianista Belén Castillo.
24 de marzo, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Los Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement **
Costa: Hacia la luz
Poulenc: Sexteto para piano, flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa
Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
Weinberg: Trío con piano, op.24
**Estreno mundial
27 de marzo, a las 19.30 horas | Círculo de Bellas Artes
Cine – El amor
El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes proyectará El amor (L’amore), la gran película que Roberto Rossellini rodó con Ana Magnani en 1948, basada en su primera mitad en el mismo monólogo de Cocteau en el que está basada la ópera de Poulenc, y que para su segunda mitad contó con la colaboración de Federico Fellini en el guión y en la interpretación.
Entradas en la taquilla del cine y en este enlace.
Esta semana ha dado la comienzo la IV Edición de Crescendo, programa de desarrollo artístico y profesional para jóvenes promesas de la ópera, que se desarrollará hasta el próximo mes de mayo, promovido y organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real.
El jurado, compuesto por miembros del equipo artístico del Teatro Real, el Real Teatro de Retiro y Crescendo, ha seleccionado 18 jóvenes, entre los más de 100 que presentaron su solicitud, de los cuales hay 12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena, todos menores de 35 años, procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán.
A lo largo de estos tres meses participarán en talleres, en el Teatro Real y en el Real Teatro de Retiro, de interpretación, vocal coach, canto, encuentros con profesionales del Teatro Real de orientación sobre la creación de marca personal (redes sociales, relación con los medios de comunicación, atención a la audiencia, etc..), un taller de salud mental, asistencia a ensayos generales de las producciones del Teatro Real y, este año, disfrutarán de una sesión especial con la soprano Ermonela Jaho, que se encuentra estos días en el Teatro Real interpretando La voz humana, de Poulanc.
La información sobre estos jóvenes artistas, y los vídeos de sus audiciones, están disponibles en la página web de Crescendo para que el público pueda acceder a ellas y votar a su favorito. El elegido recibirá una masterclass extra a lo largo de estos tres meses.
Desde su creación en 2021, el programa Crescendo ha facilitado la participación de sus alumnos en proyectos profesionales del Teatro Real como las sesiones de Enfoques, la Carroza del Teatro Real y los espectáculos del Real Junior. Así, tras protagonizar la ópera La cenicienta que inauguraba el nuevo espacio del Real Teatro de Retiro en 2023, los participantes en la edición del pasado año han sido los protagonistas de los espectáculos El Barbero de Sevilla y Amahl y los visitantes nocturnos, de la actual temporada.
El salto al gran escenario del Teatro Real tendrá lugar el próximo mes de mayo, con el estreno de la ópera Tenorio (con música y libreto de Tomás Marco) en el que se podrá escuchar a un coro madrigal integrado, casi en su totalidad, por artistas procedentes de todas las ediciones de Crescendo.
La novedad de este año será la participación de un grupo de alumnos de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, cuyo proyecto consistirá en grabar y realizar un documental sobre la experiencia y el trabajo de los participantes en el programa, ofreciendo así una mirada joven sobre el desarrollo profesional de otros jóvenes. Esta actividad cuenta con la colaboración especial de Telefónica.
El arte por el arte, el baile por el baile, dejar que el sentimiento aflore en el vuelo de las manos o en el rugir de los pies sobre la madera del TABLAO, ese lugar natural del flamenco al que Farru rinde homenaje en su nuevo espectáculo para Flamenco Real mostrándose puro, racial, visceral, derramando el arte de generaciones que le caracteriza y que se podrá disfrutar los días 13, 14 y 15 de marzo a las 20.00 horas en el Salón de Baile del Teatro Real.
El tablao tiene su origen en el “café cantante”, locales de ocio muy populares en la España del siglo XIX donde se representaban espectáculos musicales, generalmente de noche, en los que el público bebía y disfrutaba de los artistas en un ambiente liberado de encorsetamientos. En estos lugares, especialmente en Andalucía, surgen las primeras figuras del flamenco y lo dotan de una identidad particular, hasta convertirlo en un punto de encuentro para intérpretes y aficionados. Ahí se crea, se mira al pasado, se recupera, se intercambian conocimientos, se disfruta y se comparten sentimientos y momentos.
Con este punto de partida,Farru se sube a las tablas de Flamenco Real y baila lo que siente y comparte con el público, recuperando la esencia de una vivencia única. Y no lo hace solo, porque tendrá la complicidad de la guitarra de Joni Jiménez, del cante de Eleazar Cerreduela y Juan Motos, y la percusión de El Lolo.
Hace dos años, Farru debutaba en el tablao del Teatro Real con un sentido homenaje a Paco de Lucía al que denominó “Por un sueño”. Este sevillano, miembro de una dinastía en la que prácticamente todos bailan, también canta, toca la guitarra y crea sus propios espectáculos con los que triunfa por todo el mundo. Su personalidad ha seducido a artistas tan dispares como Tomatito, Beyoncé, Björk o Marc Anthony o el fotógrafo Richard Avedon.
Desde 2018, como parte de su estrategia de promoción del flamenco, el Teatro Real coproduce con SOLANA Entertainment el ciclo Flamenco Real, organiza giras internacionales que, bajo el nombre Authentic Flamenco, ha realizado en el último año más de 400 actuaciones en 39 ciudades de 15 países, y lo ha incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer.
El Teatro Realprosigue su Ciclo de música de cámara en colaboración con instituciones culturales, con dos conciertos que tendrán lugar el día 13 de marzo, a las 21.00 horas, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el día 14, a las 19.30 horas, en la Biblioteca Nacional de España, con la participación del prestigioso cuarteto finlandés Meta4 y la colaboración de la soprano Tuuli Lindeberg.
En el programa, común a ambos conciertos, se escuchará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schoenberg, y la Suite lírica, de Alban Berg. La primera de las obras de este díptico, que incluye a dos de los tres compositores que conforman la Segunda Escuela de Viena, se une a las programadas en la actual temporada del Teatro Real, Pierrot Lunaire y Erwartung, con las que el coliseo madrileño quiere conmemorar el 150 aniversario del nacimiento del compositor austriaco.
ElCuarteto nº 2, Op. 10, es una obra de transición en la vida compositiva de Schoenberg, en la que el autor comienza a experimentar con la atonalidad, en busca de un planteamiento más radical y complejo. Así, mientras los dos primeros movimientos se muestran con una tonalidad clara, el tercero va dando muestras, de forma gradual, de lo que se mostrará plenamente en el último: la clara suspensión tonal ya en el campo innovador del cromatismo libre. En estos dos últimos movimientos, basados en poemas de Stefan George, se une al cuarteto la voz de una soprano, que en estos conciertos programados por el Teatro Real será la de la intérprete finlandesa Tuuli Lindeberg.
En 1928, Alban Berg, discípulo de Schoenberg, componía la Suite Lírica para cuarteto de cuerda, considerada una de las obras maestras del siglo XX. Al igual que en la obra que le precede en el programa, el compositor se inspira en un poema, en este caso de Baudelaire, sobre el amor condenado, aunque sin recurrir a la voz. Dedicada a Alexander Zemlinsky es, sin duda, una de las creaciones más conocidas del compositor.
El cuartetoMeta4, en activo desde 2001, es uno de los cuartetos finlandeses con más éxito del panorama actual. Su palmarés recoge importantes galardones como el primer premio en el Concurso Internacional Shostakovich Quartet Competition de Moscú en 2004, del International Joseph Haydn Chamber Music Competition de Viena, en 2007, y el premio anual Finland Prize del Ministerio de Cultura de Finlandia. Entre 2008 y 2010 fueron seleccionados como artistas del BBC New Generation Artist.
Actúan regularmente en las principales salas de conciertos del mundo como la Konzerthaus de Viena, el Wigmore Hall y King’s Place de Londres, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique de París o el Konserthus de Estocolmo, entre otras, se han hecho cargo también de la dirección artística de Oulunsalo Music Festival y de Cuarteto Residente en el Kumho Chamber Music Festival, ambos en Finlandia, desde 2008 hasta 2017.
Los miembros de Meta4 tocan ilustres instrumentos, que incluyen un Stradivarius, cedido por la Finnish Cultural Foundation; un violín de Carlo Bergonzi, de la Fundación Signe and Ane Gyllenberg, y un violonchelo de Lorenzo Storioni de 1780.
El cuarteto se formó en la European Chamber Music Academy (ECMA), de la mano de Hatto Beyerle y Johannes Meissl. Han publicado tres grabaciones con Hänssler Classics: Los Cuartetos de Cuerda op. 55, núm. 1-3 de J. Haydn (2009) -premio Echo Klassik Award-, los Cuartetos de Cuerda núm. 3, 4 y 7 de D. Shostákovich (2012) -premio Record of the Year del Finnish Broadcasting Company YLE y Emma Prize en la categoría de Classical Album of the Year- y los Cuartetos de Cuerda núm. 1 y 5 de B. Bartók (2014). Han grabado un álbum con la integral de cámara de Kaija Saariaho (Ondine, 2013); un LP del Cuarteto de Cuerda Voces Intimae de J. Sibelius; el Quinteto con Clarinete de J. Brahms y Nebenstück, de G. Pesson junto al clarinetista Reto Bieri, y los Octetos de Cuerda de F. Mendelssohn y G. Enescu, junto al Gringolts Quartet.
Tuuli Lindeberg es una de las principales intérpretes de música vocal barroca y contemporánea de Finlandia. Colabora regularmente con las mejores orquestas y conjuntos de música de cámara de su país, con un amplio repertorio que abarca todas las épocas, desde la medieval hasta la contemporánea. Paralelamente a su carrera artística, Tuuli Lindeberg imparte clases de música vocal barroca y contemporánea en la Academia Sibelius de Helsinki y actúa ocasionalmente como “coach” de estilo en producciones profesionales. Fue miembro del jurado del concurso internacional de canto Aria Borealis (Bodø, Noruega) en 2022 y directora artística de Musica nova Helsinki, el mayor festival internacional de música contemporánea de Finlandia.
Durante dos fines de semana, el Real Teatro de Retiro abrirá las puertas de su Sala Principal para presentar el estreno absoluto de Rebelión en la granja, en la versión que LaJoven ha realizado sobre la novela homónima del autor británico George Orwell, con texto de la dramaturga Marta Aran y música original de Alberto Granados Reguilón.
Se ofrecerán seis funciones de este nuevo título, recomendado para un público a partir de doce años, los próximos sábados 2 y 9 de marzo de 2024, con representaciones a las 17:00 y 20:00 horas, y los domingos 3 y 10 de marzo a las 19:00 horas.
Marta Aran, Premio Max a la Mejor Autoría Revelación 2020 por Els dies mentits (Todos los días que mentí), explora, en esta ocasión, temas tan actuales como el derecho a la privacidad, la sobreexposición en las redes sociales o los límites en el uso de la inteligencia artificial.
Alberto Granados Reguilón, compositor y director musical de la obra, se ha inspirado tanto en el mundo de los musicales de Broadway como en el universo de la zarzuela o el cabaret para crear la música original del espectáculo, y las cuatro canciones troncales: I have a dream, Ciberbestias, La democrac-ia y Aves del mundo de dos patitas.
Rebelión en la granja es una reflexión sobre la sociedad contemporánea inmersa en la digitalización, que sumerge al público en un mundo futuro en el que los jóvenes han hackeado todos los antiguos servidores, creando un software ético llamado Animal Farm. En este nuevo mundo digital, hay una red social donde los avatares son animales, con sus propios mandamientos, lenguajes y trends. Se creará una comunidad llena de ética digital y transversalidad en la que los jóvenes jugaran un papel fundamental.
LaJoven, comprometida con la juventud y la educación a través del teatro, celebra su décimo aniversario en la temporada 2023-24. La Fundación Teatro Joven, promotora del proyecto, ha sido reconocida con diversos premios como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014, y ha impactado a cientos de miles de espectadores con sus producciones educativas y de alta calidad artística.
Entre el 1 y el 24 de marzo, el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de La pasajera, de Mieczysław Weinberg, en una coproducción del Teatro Real con el Festival de Bregenz, el Teatro Wielki de Varsovia y la English National Opera.
El estreno en España de esta ópera ─con tres años de retraso debido a la pandemia─ se puede enmarcar en el sorprendente descubrimiento, en las últimas décadas, de la prolífica y valiosa producción musical de Weinberg, silenciada durante años por la presión de la censura soviética y por las terribles vicisitudes de su biografía.
Mieczysław Weinberg nació en Varsovia en 1919, en el seno de una familia de artistas judíos vinculados al teatro yidis. Sus padres y hermana murieron en el campo de concentración de Trawniki, de donde el joven músico se escapó, encontrando refugio en la Unión Soviética. Allí vivió de la música, prosiguió con ahínco su formación y mantuvo una incansable actividad creativa, componiendo en situaciones precarias. Marginado, perseguido, encarcelado y constantemente vigilado por las autoridades soviéticas, nuevamente por su condición de judío ─reforzada por el matrimonio con la hija de un actor yidis asesinado por el régimen─, su supervivencia y su carrera se deben, en gran parte, al apoyo y protección de Dmitri Shostakóvich (1906-1975), gran amigo, admirador y divulgador de su obra.
La prolífica producción de Weinberg, con más de 150 obras catalogadas –incluyendo 22 sinfonías, 17 cuartetos de cuerda, 4 óperas, 3 operetas, un réquiem (que incluye textos de Lorca), cantatas, ballets, sonatas, ciclos de canciones y más de 40 partituras para cine y teatro–, se puede inscribir en la fantástica cantera de compositores rusos del siglo XX, encabezada por Dmitri Shostakóvich y Serguéi Prokófiev. Toda su música, heredera del sinfonismo centroeuropeo, del neoclasicismo y de la influencia de sus maestros rusos, está impregnada de temas del folclore judío, polaco, moldavo, armenio, etc., germen de muchas de sus creaciones.
La pasajera narra el encuentro, en un transatlántico rumbo a Brasil, de dos mujeres que intentan escapar de su pasado común en Auschwitz diez años antes. La primera, acompañada de su marido y flamante diplomático, fue carcelera en el campo de concentración, teniendo a su cargo a la segunda, prisionera judía con la que entabló entonces una perversa relación.
La ópera, cantada en 7 idiomas ─incluyendo el castellano, por el coro-, está estructurada con constantes flashbacks de inspiración cinematográfica─ Weinberg tocó y compuso mucho para películas-, que articulan el viaje marítimo en la cubierta del barco, con otro, oscuro y siniestro, a los angustiosos traumas de la vida en el campo de exterminio.
Tanto la escritora Zofia Posmysz (1923-2022) ─autora de la novela homónima en la que se basa la ópera─ como el compositor vivieron el terror del holocausto y sintieron la necesidad de contarlo, lo que imprime a la ópera una emoción espeluznante.
Pese a la dureza inexpresable del tema de la ópera, su música, en muchos fragmentos dura, rabiosa y expresionista, articula momentos sinfónicos altisonantes con otros camerísticos e intimistas, en una sucesión de temas de grandísima eficacia dramatúrgica, enlazados con fluidez y maestría: pasajes atonales y disonantes que evocan la barbarie, melodías folclóricas nostálgicas que acompañan a las reclusas, pasajes jazzísticos de la vida mundana del transatlántico, el vals diabólico del comandante de las SS o la Chacona de la Segunda Partita de Bach, en el descorazonador clímax de la ópera.
La pasajera se estrenará en España con la maestría de dos grandes especialistas en la obra de Weinberg: Mirga Gražinytè-Tyla, directora musical lituana de enorme prestigio internacional, que lleva años interpretando y grabando sus partituras sinfónicas, y David Pountney, que estudió hondamente la vida y obra del compositor polaco para la primera puesta en escena de la ópera, en 2010 en Bregenz, y que ahora llega al Teatro Real.
El equipo artístico y los intérpretes de la producción, con 16 distintas nacionalidades, darán vida a este drama descorazonador, con un reparto coral encabezado por la soprano Amanda Majeski (Marta) y la mezzosoprano Daveda Karanas (Lisa), que nos llevarán a uno de los períodos más terroríficos de la historia de la humanidad y al interior de nosotros mismos, con la esperanza de que la ópera de Weinberg nos recuerde las vidas truncadas de tantos inocentes que han conservado la dignidad, la esperanza y la capacidad de amar en las condiciones más extremas.
INSTITUTO ADAM MICKIEWICZ (AMI)
El Instituto Adam Mickiewicz (AMI) es una institución nacional de cultura, cuyo objetivo es generar un interés duradero por la cultura polaca en todo el mundo. El instituto trabaja con colaboradores extranjeros e inicia un diálogo cultural internacional en consonancia con las metas y objetivos de la política exterior polaca. El instituto ha llevado a cabo proyectos culturales en setenta países de los seis continentes, incluidos Gran Bretaña, Francia, Israel, Alemania, Turquía, Estados Unidos, Canadá, Australia, Marruecos, Ucrania, Lituania, Letonia, así como China, Japón y Corea. La alta calidad de los proyectos del instituto la confirman los premios recibidos a nivel internacional por exposiciones y festivales. En 2023, el Pabellón Polaco «Poética de la necesidad», organizado por el AMI, recibió una medalla en la Bienal de Diseño de Londres.
La marca insignia del instituto, CULTURE.PL, es un servicio de noticias culturales actualizadas que trata de discutir los eventos y fenómenos más interesantes relacionados con la cultura polaca y que ofrece artículos y noticias en tres idiomas: polaco, inglés y ucraniano.
El AMI está financiado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
28 de febrero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Mirga Gražinytè-Tyla (directora musical de La Pasajera), David Pountney (director de escena de La Pasajera), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Martín Llade (periodista especializado en música).
13 de marzo al 17 de marzo|Fundación Juan March
Ciclo Mieczysław Weinberg: integral de los cuartetos de cuerda por el Cuarteto Danel.
A través de 5 conciertos se presenta, por primera vez en España, la monumental integral de los 17 cuartetos de cuerda de Weinberg interpretados en orden cronológico por el Cuarteto Danel.
Además, también se incluye un encuentro con Marc Danel (fundador del Cuarteto Danel) y Mirga Gražinytė-Tyla (directora musical de La Pasajera) en diálogo con Luis Gago (crítico musical y musicólogo).
13/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 1, 2, 3 y 4
14/03, 18:00 Weinberg a debate
15/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 5, 6 y 7
16/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 8, 9 y 10
18:30 Concierto cuartetos nº 11, 12, 13 y 14
17/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 15, 16 y 17
24 de marzo, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Los Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
Costa: Hacia la luz
Weinberg: Trío con piano, op.24
González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement
El Teatro Real y el Teatro de La Abadía vuelven a unirse en una nueva coproducción de pequeño formato que une la música de cámara y el teatro. Será la tercera colaboración después de los éxitos de las propuestas anteriores: el estreno absoluto de Marie, de Germán Alonso, en 2021, y el espectáculo Extinción, a partir de misas de Joan Cererols, en 2022.
En esta ocasión se ofrecerán cuatro funciones de una coproducción de Pierrot Lunaire, de Arnold Schoenberg (1874-1951), procedente del Teatro del Liceu, que tendrán lugar en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía, los días 22, 23 y 24 de febrero a las 19 horas, y 25 de febrero, a las 18.30 horas.
Pierrot Lunaire es un ciclo de canciones -21 pequeños melodramas- con un acompañamiento instrumental que varía entre ellas, inspirado en el mundo sonoro del cabaret alemán.
La obra nació por deseo de la versátil actriz austríaca AlbertineZehme, quien le pidió a Schoenberg que pusiera música a un ciclo de poemas simbolistas de Albert Giraud (1860-1929) traducidos al alemán.
La partitura está estructurada en tres partes, cada una con siete poemas. En la primera, Pierrot –alter ego de un artista irreverente, apasionado, alienado y despechado- está enamorado de Colombina y fascinado por su propia imagen, que se transforma, en la segunda parte -más grotesca e iconoclasta-, en una obsesión enajenante que alcanza el clímax cuando es decapitado por la luna. En la tercera parte Pierrot se va serenando con sus recuerdos, viajando al pasado mientras vuelve a casa, a su Italia natal.
La genial partitura de Schoenberg, que esconde una fascinante arquitectura matemática con hilarantes juegos numéricos, es un derroche de hallazgos a todos los niveles: estructural (en el ciclo, en cada poema y en sus interrelaciones); tímbrico (con distintas combinaciones instrumentales utilizando 8 instrumentos); armónico (con la exploración de la atonalidad y la superposición y articulación de distintas formas y motivos) y dramatúrgico. Cada canción es tratada como una miniatura, con un lenguaje y un universo propios, en el que desfilan un vals, una passacaglia, un minueto, una barcarola, una minúscula ‘opera buffa’, fugas, cánones, etc.
Este ciclo de canciones epigramático, unido por una escritura atonal y la utilización del Sprechgesang –canto hablado que explora la expresividad y la prosodia de la entonación oral-, será interpretado por el gran contratenor Xavier Sabata, creador del espectáculo, quien articula la música de Schoenberg con pasajes de La metamorfosis, de Ovidio.
Con el apoyo de la escenografía e iluminación de Cube.bz y el diseño de movimiento de María Cabeza de Vaca, Sabata se divide entre Narciso y Pierrot, a través de un diálogo en el que uno se consume para conocerse y aceptarse, y el otro se esconde detrás de un avatar ocultando el sufrimiento de no sentirse nunca en casa.
La dirección musical del espectáculo es de Jordi Francés, que actuará con una pianista y cuatro solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real: Pilar Constancio (flauta y piccolo), Ildefonso Moreno (clarinete y clarinete bajo), Sonia Klikiewicz (violín y viola), Natalia Margulis (violonchelo) y Karina Azizova (piano).
Los cinco músicos -que en total tocan 8 instrumentos- solamente actúan juntos al final de la obra, ya que los diferentes poemas son acompañados por distintos instrumentos.
Con Pierrot Lunaire, el Teatro Real y el Teatro de La Abadía homenajean a Arnold Schoenberg, en el 150 aniversario de su nacimiento, con una de sus obras más icónicas, originales y geniales. Con ella el compositor abría la música al expresionismo en un lenguaje que no dejaría de evolucionar, como se podrá ver en Erwartung (La espera), que se presentará, junto a La voz humana, de Francis Poulenc, el próximo mes de marzo, en una nueva producción del Teatro Real.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
19 de febrero a las 19.00 horas | El Argonauta, librería de música
Tertulia sobre Pierrot Lunaire
El acto contará con la participación de Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, de Jordi Francés, director musical, de Pierrot Lunaire, y de Xavier Sabata, director y protagonista del espectáculo.
Conferencia:El teatro Noh japonés, por el arquitecto y escritor Javier Vives.
En Pierrot Lunaire, Arnold Schoenberg utiliza la máscara como escudo y refugio del personaje que lo representa, como en el teatro Noh, del que emana, además, una espiritualidad llena de belleza y lirismo.
El Real Teatro de Retiro ofrecerá, en su Sala Pacífico, 8 funciones del espectáculo de títeres Donde van los cuentos los fines de semana de 17 y 18 de febrero, y del 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.
Esta producción de la prestigiosa y premiada compañía Claroscvro, estrenada en 2019 en la Feria de Teatro del Sur (Palma del Río), se presentó posteriormente en la Feria Europea de artes escénicas para niños y niñas FETEN de Gijón y en la Mostra de Igualada, siempre con un gran éxito.
La trama nos transporta a un futuro imaginado en el que los libros han desaparecido. Pero los protagonistas de Donde van los cuentos encuentran una biblioteca escondida y llena de apasionantes historias. Allí conocerán a Claudius, el creador de todos los cuentos, y a Mateo, un niño valiente que tendrá que encontrar un cuento perdido.
Los personajes cobran vida con la magia de los títeres, las máscaras y los libros desplegables (pop up) creando un espectáculo que apuesta por el amor a la lectura y la importancia de la imaginación.
Julie Vachon, guionista y autora de la propuesta, dirige el espectáculo junto a Concha Medina y Francisco dePaula Sánchez, con la participación de Iván Sierra Caballero en la creación de libros desplegables, títeres y policromía y la música electrónica original de Sileno Sonoro, cuya atmósfera envolvente completa magistralmente la narrativa.
La compañía Claroscvro fue fundada en el año 2010 por la canadiense Julie Vachon y el español Francisco de Paula Sánchez. En sus producciones utilizan títeres, máscaras y música para crear el universo mágico de los cuentos, en los que se esconden la defensa de valores como la amistad, la solidaridad, la creatividad, el conocimiento, la inclusión, el amor por la naturaleza, los lazos afectivos, etc.
DONDE VAN LOS CUENTOS
Títeres, máscaras y música electrónica
Claroscvro Teatro
EQUIPO ARTÍSTICO
Guión: Julie Vachon
Dirección: Julie Vachon,Francisco de PaulaSánchez y Concha Medina
Música: Sileno Sonoro
Diseño sonoro, iluminación y escenografía: Francisco de Paula Sánchez
Libros desplegables, títeres y policromía: Iván Sierra Caballero, con la ayuda de Francisco de Paula Sánchez
EDAD RECOMENDADA
A partir de los 8 años
DURACIÓN APROXIMADA
45 minutos
FUNCIONES
Días 17, 18, 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.
Elegante, sutil, apasionada y llena de fuerza, llega a las sesiones de Flamenco Real, los próximos 22, 23 y 24 de febrero, la bailaora Ángeles Gabaldón, para contar la historia del flamenco en la ciudad que la vio nacer, Doña Sevilla.
La propuesta de Gabaldón invita a transitar un camino que empieza a trazarse a mediados del siglo XIX, cuando el flamenco comienza a salir de las fiestas privadas en cortijos, salones y palacios para acercarse a la gente sencilla, mostrándose primero en los cafés cantantes -que tanto auge tuvieron en la época en ciudades como Sevilla, Madrid y Barcelona- y conquistar, poco a poco, los escenarios de los teatros hasta convertirse en el arte popular deseado por todos.
La expresión pura y racial de aquel flamenco más primitivo empieza a enriquecerse con elementos más estéticos y complementos como el mantón, la bata de cola, las castañuelas o el sombrero se hacen imprescindibles. Unos palos toman protagonismo, otros acentúan su carácter, algunos se ciñen a la tradición y todos conforman un arte que trasciende y se hace universal, pero que tiene en Sevilla un aroma único que cimbrea el cuerpo de Gabaldón y lo convierte en baile.
Junto a ella, en estas nuevas veladas en el Teatro Real, la guitarra de Paco Iglesias y el cante de Miguel El Picuo y Manuel Ginés, hacen el resto.
Ángeles Gabaldón comienza sus estudios de danza a los 10 años, obteniendo el título de Licenciada en Danza Española por el Conservatorio Superior de Danza de Sevilla y el título de Diplomada en Ballet Clásico por la misma escuela. Complementa su formación junto a maestros de la talla de Matilde Coral, Manolo Marín, Merche Esmeralda, Yerbabuena y Belén Maya, por citar sólo algunos.
Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan el Primer Premio Nacional a la Mejor Coreografía por Alegrías de la Perla de Cádiz, el Primer Premio Nacional “El Desplante 2002” del Festival Internacional del Cante de las Minas y ha sido la única mujer dos veces finalista de la Bienal de Sevilla. Su primer espectáculo, “Inmigración”, obtuvo el Primer Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo y Mejor Compañía de los premios Flamenco Hoy.
El Teatro Real ofrecerá, entre el 9 y el 11 de febrero, cuatro funciones de Afanador, nuevo espectáculo del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, con idea y dirección artística de Marcos Morau inspirada en el trabajo del fotógrafo colombiano Ruven Afanador y en su manera de mirar y retratar el flamenco.
Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por España, los toros y el flamenco… Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones.
Con este punto de partida, Morau regresa a aquellas sesiones fotográficas y desde ellas construye un mundo de ensoñación, reflexiona sobre “el parentesco vital entre composición fotográfica y coreográfica”, como él mismo explica, y reinterpreta la propuesta original sometiendo a los bailarines del Ballet Nacional de España a expresarse con un lenguaje diferente, modelando el futuro desde la tradición, asumiendo el riesgo.
Marcos Morau ha contado en esta propuesta con la colaboración del dramaturgo Roberto Fratini, de los coreógrafos Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López -todos ellos miembros de la compañía La Veronal, de la que es fundador y director- y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del BNE, además de su equipo habitual en el diseño de escenografía (Max Glaenzel), vestuario (Silvia Delagneu) e iluminación (Bernat Jansà). El resultado es un espectáculo de una plástica asombrosa, que transporta al espectador al flamenco más ancestral desde un prisma casi surrealista, sostenido por un cuerpo de baile sólido, riguroso en la ejecución y con una energía desbordante.
Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro.
Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela. Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”.
El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de noviembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta.
Fotografía: Merche Burgos
El próximo sábado, 27 de enero, se estrenará en España Rappresentatione di Anima et di Corpo, de Emilio de’ Cavalieri (1550-1602), compositor, organista, diplomático de los papas Inocencio IX y Clemente VIII, coreógrafo, bailarín y ‘superintendente’ de arte, vestuario, teatro y música de Fernando I de Médici, a quien organizaba los espectáculos y veladas lúdicas y artísticas.
Aunque Rappresentatione di Anima et di Corpo, por su temática religiosa y estructura dramática, figure como el primer oratorio de la historia de la música, no es fácil enmarcarla en la revolución del Barroco musical que alumbró la ópera, con la célebre Camerata Fiorentina y nombres como Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Claudio Monteverdi, Vincenzo Galilei o Jacopo Peri.
A caballo entre el oratorio y la ópera, Rappresentazione di Anima et di Corpo, con libreto del padre Agostino Manni -discípulo de san Felipe Neri-, es un diálogo alegórico entre el alma y el cuerpo, que proclama la renuncia a los placeres materiales y la salvación espiritual. En la trama participan también otros personajes como la Prudencia, la Conciencia, el Tiempo, el Intelecto, el Mundo, la Vida Mundana o el Ángel de la Guarda, además de un coro que refuerza el diálogo de los solistas.
Un selecto reparto del universo barroco (ver biografías en el programa adjunto) y el grupo vocal e instrumental Vox Luminis, bajo la dirección de Lionel Meunier, ofrecerán una atractiva versión semiescenificada de Rappresentazione di Anima et di Corpo, estrenada con gran éxito en el Flagey Choir Days de Bruselas, con escenografía y concepto de vídeo, de Emilie Lauwers, dirección de escena de Benoit De Leersnijder, diseño de luces de Luc Schaltin y realización de vídeo de Mario Melo Costa, acercándonos la belleza de una alegoría musical que buscaba ya su emancipación como un nuevo género lírico: la ópera.
La Fundación Amigos del Teatro Real participará, un año más, en la edición Tour del talento de la Fundación Princesa de Girona, una iniciativa que tiene como objetivo impulsar el desarrollo de los jóvenes a través de la formación y la creación de actividades y canales que faciliten su incorporación al mercado laboral.
El Tour del talento 2024 estará presente en cinco ciudades –Lleida, Salamanca, Cádiz, Santander y Madrid- en las que desarrollará diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real estará presente con participación de los jóvenes artistas de su programa Crescendo; el concierto inaugural tendrá lugar el martes 23 de enero en Lleida, en el Auditori Enric Granados, donde se ofrecerá un Recital Lírico gratuito en el que podrán escucharse arias de algunas de las óperas más conocidas.
Una de las principales novedades de esta edición será el Congreso Princesa de Girona – Siempre con los jóvenes, que inaugurará todas las paradas del Tour para ofrecer conferencias, actividades formativas, debates y actuaciones musicales. En cada ciudad se dará a conocer el ganador de una de las categorías de los Premios Princesa de Girona; así, en Lleida se anunciará el ganador del premio CreaEmpresa; en Salaman, el Arte; en Cádiz, el Social, y en Santander, el de Investigación. La doble categoría del Premio Internacional – CreaEmpresa e Investigación – se anunciará en Madrid, donde el evento hace parada por primera vez.
La actuación de los jóvenes artistas de Crescendo tendrá lugar en las siguientes fechas y lugares:
– Lleida: 23 de enero. Auditorio Enric Granados. Acceso gratuito.
– Salamanca: 19 de febrero. En el Palacio de Congresos y Exposiciones de Castilla y León, en colaboración con Caja Rural de Salamanca. Acceso gratuito.
– Cádiz, 18 de marzo. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).
– Santander, 22 de abril. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).
– Madrid, 6 de mayo, en la Sala Gayarre del Teatro Real. Acceso gratuito.
Más de 20.000 jóvenes asistieron a las actividades formativas del Tour del talento en su pasada edición, que ofreció más de 250 actividades en sus diferentes paradas.
Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en carroza para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.
El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 27 de enero, el estreno en España de La idea, de Gustav Holst (1874-1934), opereta cómica para niños, con un ingenioso libreto de Fritz Hart, en el que se plantea un tema de rabiosa actualidad: ¿qué pasaría si cambiamos la forma de hacer las cosas y las labores que hacen las mujeres las hicieran los hombres y viceversa? Una nueva “idea” que podría convencer a todos o generar un caos…
Programada en conmemoración del 150 aniversario del nacimiento del compositor británico, se ofrecerán ocho funciones, en la sala principal, los días 27 y 28 de enero, 3 y 4 de febrero, en sesión doble, a las 11:00 h y a las 13:00 h, para un público familiar con edad recomendada a partir de 7 años.
La historia nos cuenta la gran idea que ha tenido el Presidente de un país imaginario. Él cree que es fantástica y maravillosa y que, a través de ella, la gente de su país llegará a la felicidad pero, cuando es aplicada, su resultado, en verdad, genera un gran descontento y confusión en la gente. La idea proclamada no es otra que la propuesta del cambio de atribuciones entre hombres y mujeres, lo que provoca un agitadísimo debate sobre las políticas de género. En este caso no habrá disputas ideológicas, sino que será el caos reinante el que vuelva a poner las cosas en su sitio… O no.
El barítono Juan Laborería dará vida al presidente de este ocurrente Gobierno, en el que estará acompañado por el también barítono John Heath, en el papel del Rey; por la actriz y cantante Lara Chaves, como Reina; la mezzosoprano Patricia Illera, será Carol; el tenor Francisco J. Sánchez interpretará a Max (centinela) y la soprano Julia Rey, a Mona. Junto a ellos, el coro de los Pequeños Cantores de la ORCAM (dirigido magistralmente por Ana González), dará vida a los personajes de este imaginario pueblo británico, acompañados al piano por Francisco Soriano, responsable también de la dirección musical.
La versión en castellano que se verá estos días en Real Teatro de Retiro ha sido traducida y adaptada por Susana Gómez, directora de escena de esta nueva producción, quien ha respetado el texto original, con algunas modificaciones en las partes habladas y un pequeño añadido al final. El vestuario y la escenografía han sido diseñados por Alejandra Glez Requeijo, quien se inspira en la iconografía inglesa para contextualizar la acción y derrocha fantasía y color en el extraordinario vestuario de cada personaje. Envueltos en la iluminación de Manuel Fuster y con la entusiasta participación de todo el elenco, se construye un espectáculo ingenioso y divertido, capaz de atrapar a los pequeños y a los que no lo son tanto.
Gustav Holst, uno de los grandes compositores ingleses, muy conocido por su obra maestra Los planetas, compuso La idea en 1896, cuando aún era estudiante. La obra se desarrolla sobre ideas musicales sencillas, sustentada sobre recursos melódicos y rítmicos de la música popular británica, lo que la hace muy accesible al público y consigue que el espectador retenga en su memoria fragmentos pegadizos y fáciles de reproducir.
Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Por eso ahora, cuando se cumplen diez años de la creación de su compañía, Eduardo Guerrero vuelve la vista atrás e invita al público a viajar con él a través del tiempo, para entender y disfrutar los momentos que le han construido como bailarín y coreógrafo, jugando con el espacio y la palabra, en Compañía.
Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 23, 24 y 25 de enero, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por la guitarra de Pino Losada y las voces de Teresa Hernández y Francisco Blanco Al-blanco, en el cante.
Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en plenitud creativa y física. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.
El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas, su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.
Su arte y su estética son demandados por las grandes figuras, por los festivales, por los escenarios de medio mundo, por los diseñadores de moda, por los fotógrafos… pero él sigue poniendo el foco en un arte tan puro como reivindicativo, con la honestidad por bandera. Así, con pinceladas de cada cuadro se dibuja Eduardo Guerrero en compañía, compendio de una vida que no deja de mirar al futuro.
Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo”, que supone el punto de partida para una carrera en solitario, y a partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).
Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.
El Teatro Real consolida su posición como primera institución de las artes escénicas y musicales de España, según el Observatorio de la Cultura de 2023 de la Fundación Contemporánea, dependiente de La Fábrica, que ha hecho público su ranking anual, en el que además aparece como primer teatro y auditorio “imprescindible” del país.
El Teatro Real encabeza esta clasificación nacional, desde el año 2016, en la que figuran en los primeros puestos el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza, Zinemaldia San Sebastián y el Museo Guggenheim de Bilbao.
La propuesta cultural del Teatro Real en artes escénicas y musicales es la opción de referencia en la Comunidad de Madrid, la región más valorada por su programación, innovación y oferta cultural, y es también la elegida como proyecto ejemplar por su compromiso social y con el desarrollo sostenible entre todos los nacionales.
El Observatorio incorpora este año una nueva clasificación, denominada “Los imprescindibles”, en la que se relacionan las propuestas culturales más destacadas a nivel nacional agrupadas por tipología de proyecto. El Teatro Real es la primera entre los teatros y auditorios de toda España.
En el informe se ha añadido este año la categoría “Las novedades culturales más destacadas” y entre ellas aparece el Real Teatro de Retiro, única de las madrileñas junto a la Galería de las Colecciones Reales.
My Opera Player, la plataforma audiovisual del Teatro Real, ocupa también la primera posición entre las propuestas de contenido digital. En esa clasificación aparecen Filmin, Museo del Prado, Caixa Forum+, Fundación Telefónica, RTVE y Fundación Juan March.
El Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea se elabora anualmente desde 2009 y refleja las consideraciones de un nutrido panel de expertos formado por profesionales pertenecientes a diversos ámbitos de la cultura como la literatura, las artes plásticas, el cine, la música, la arquitectura y todos los campos de la creación en general.
El Teatro Real presentará por primera vez en España, el próximo 26 de enero, Lear, obra maestra de Aribert Reimann (Berlín, 1936) estrenada en 1978 en la Ópera de Múnich y considerada hoy una de las más importantes partituras operísticas de la segunda mitad del siglo XX.
En la larga vida de Reimann, que actualmente tiene 87 años, el canto ha ocupado un lugar primordial, tanto como primoroso pianista de lieder al lado de sus más ilustres intérpretes, como autor de una ingente y muy variada producción vocal, en la que destacan sus nueve óperas (Lear es la tercera de su catálogo).
Su amplia cultura y finísimo olfato literario han unido su música a textos de grandes escritores, que van desde los clásicos griegos, Shakespeare, Strindberg, Kafka, Lorca, o Maeterlinck, en la ópera, a una larga pléyade de poetas a cuyas palabras dio voz: Goethe, Byron, Baudelaire, Rilke, James Joyce, Sylvia Plath, Emily Dickinson, Juan Ramón Jiménez, Octavio Paz o su querido Paul Celan.
Fue Dietrich Fischer-Dieskau (1925-2012), extraordinario barítono de brillante cultura humanista con el que Reimann trabajó estrechamente, quien le propuso realizar una ópera a partir de El rey Lear, de William Shakespeare, sobre la que han trabajado varios compositores -incluyendo Berlioz, Verdi o Debussy-, sin finalmente atreverse con la magnitud y profundidad de la tragedia, que Calixto Bieito compara con la Capilla Sixtina en un intento de verbalizar su dimensión colosal.
El excelente libreto de Claus Hannberg, casi epigramático, logra captar la esencia del texto de Shakespeare, con sus múltiples conflictos y capas interpretativas, manteniendo los personajes principales y dando un amplio espacio a la orquesta para ahondar en la infinitud de temas que aborda la trama: la ceguera del poder, la ambición desmedida, las relaciones familiares tóxicas, la ingratitud, la vejez, la locura y un largo etcétera.
La bestialidad, violencia y desazón de la obra shakespeariana se traslada al mundo sonoro de Reimann, que sangra, gime, grita, llora, explota y se va con los atormentados personajes, tipificados con riquísimas sutilezas vocales, armónicas e instrumentales y una orquesta rabiosa y con voz propia, que mantiene la tensión a lo largo de toda la ópera, entrelazando los conflictos sin descanso, hasta el abismo final.
Bieito construye una tragedia centrada en la familia como germen de los sentimientos y pasiones más primitivos, salvajes, exacerbados y destructivos, en un proceso de aniquilamiento cósmico, que nos une a la tierra quemada, a la explosión de los astros y a la mutación y muerte de las células.
La tragedia se desarrolla en un espacio conceptual delimitado por estacas de madera chamuscada diseñado por la escenógrafa Rebecca Ringst, con iluminación de Franck Evin y una potente iconografía simbólica, que va del Barroco español al Expresionismo centroeuropeo, destacando la poderosa evocación de la Pietà de Miguel Ángel o de la Lamentación sobre Cristo muerto, de Andrea Mantegna.
La dirección musical es de Asher Fisch, que vuelve al Real después del gran éxito que obtuvo con Capriccio, de Richard Strauss, en 2019, para afrontar una partitura de enorme complejidad y precisión, que presentará al público español al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
Esta ópera coral cuenta con trece solistas, ocho de los cuales han interpretado a sus respectivos personajes en el estreno de la producción de Calixto Bieito en París: Bo Skovhus (El rey Lear), Susanne Elmark (Cordelia), Ángeles Blancas (Goneril), Erika Sunnegårdh (Regan), Andrew Watts (Edgar), Andreas Conrad (Edmund), Lauri Vasar (El conde de Gloucester), Torben Jürgens (El rey de Francia), Derek Welton (El duque de Albany), Michael Colvin (El duque de Cornualles), Kor-Jan Dusseljee (El conde de Kent) y Ernst Alisch (Bufón).
Con el estreno en España de Lear, 46 años después de su creación, el Teatro Real prosigue con su compromiso de ofrecer al público las óperas más importantes del siglo XX todavía desconocidas en España y que forman parte del acervo artístico europeo por su capacidad para suscitar emociones, reflexiones y deslumbramiento.
25 de enero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Asher Fisch (director musical de Lear), Yves Lenoir (responsable de la reposición de la producción), Jorge Fernández Guerra (compositor) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
4 de febrero, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
Luis Fonseca: Light & amp; Sand (2020), para trompeta, corno inglés, fagot, piano y vídeo
George Crumb: An Idyll for the Misbegotten (1985), para flauta amplificada y 3 percusionistas
Arnold Schönberg: Ode to Napoleon Buonaparte, op. 41, para cuarteto de cuerda, piano y recitador
Ludwig van Beethoven: Cuarteto de cuerda nº 1, en fa mayor, op.18
Giovanni Bottesini: Concierto para dos contrabajos La pasión amorosa
18 y 25 de enero, y 1 y 8 de febrero, a las 19.00 horas | Teatro Real, Sala de actividades culturales
Ópera y censura
En este curso, impartido por el musicólogo Mario Muñoz, se analizará de forma accesible la trascendencia de la censura en el mundo de la ópera, no solo desde una perspectiva histórica sino también desde la de los elementos censurables —el libreto, la música, la trama o el montaje— así como las estrategias desarrolladas por los creadores para eludirla. Una larga lista de compositores y obras visitarán estas cuatro sesiones que conforman un recorrido necesario por más de cuatro siglos de prohibiciones donde la genialidad, la tragedia y el sentido del humor se dan la mano.
Inscripciones abiertas en este enlace.
21 de enero a las 12.00 y a las 17.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico
¡Todos al Real Teatro!
Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.
Las tres hijas del rey | ¿Cuál es la aduladora, cuál la sincera y cuál la mentirosa?
Con Whatever Jazz Band: Anxo Martínez, Giorgio Gallina, Marcos Prieto, Ornella Marconi, Benjamín Groisman, Andrés Alberto Freites y Daniel Cabrera
30 de enero, a las 19.00 horas | Residencia de estudiantes
Diálogo con el compositor Jorge Fernández Guerra y el crítico y traductor Luis Gago en torno a Lear, de Aribert de Reimann.
El Teatro Realcelebrará el próximo miércoles, 17 de enero, un homenaje al artista español Ángel Orensanz, en el que se entregará el Premio Extraordinario del Teatro Real en reconocimiento a su dilatada y fructífera trayectoria artística y a su compromiso con el fomento y la divulgación de la cultura española fuera de nuestras fronteras.
Desde la sede de su Fundación en Nueva York, ubicada en un espectacular edificio histórico de 1849 y convertida ya en un emblemático centro de creación, encuentro y escenario, Orensanz abre sus puertas a las más diversas expresiones culturales, siendo anfitrión y altavoz de las mismas. Ese espacio singular ha acogido los espectáculos de Flamenco Real–Authentic Flamenco, con el que hace dos años se expandió el Plan Estratégico Internacional del Teatro Real, y con el que Orensanz ha demostrado en todo momento su apoyo generoso y altruista.
Ángel Orensanz (Laurés, Huesca, 1951) es uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional. Inquieto, creativo, emprendedor y vital, ha visto su obra expuesta en los principales museos del mundo y ha recibido el reconocimiento del público y la crítica a través de numerosos premios y homenajes como el que le dedicó la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia (2001), la medalla de oro Lorenzo il Magnifico de Florencia, medalla de oro de la Academia de Bellas Artes de Rusia, (2018), Medalla de Oro de la Academia de Bellas Artes y Orden del Mérito Civil, entre otros.
A mediados de los años 80 se establece en Nueva York y adquiere, en el corazón del Lower East Side, el edificio que albergaba una de las sinagogas más antiguas de la ciudad. Rehabilita el espacio, lo transforma y ahí establece la fundación que lleva su nombre. Pronto se transforma en un activo centro cultural en el que se dan cita artistas, escritores, pensadores y creadores. El encanto, prestigio y magnetismo del lugar atraen a miles de personas de todas las partes del mundo y el Ayuntamiento de la ciudad, en agradecimiento a su labor, crea en 2002 el Orensanz Day, que se celebra cada 10 de abril.
La soprano noruega Lise Davidsen y el director madrileño José Miguel Pérez-Sierra volverán a unir sus talentos el próximo 7 de enero en el Teatro Real de Madrid, tras haber trabajado juntos en la Ópera de A Coruña, el Turku Music Festival de Finlandia y la Ópera Nacional de Bucarest. En esta ocasión la consagrada intérprete, de destacada carrera en el repertorio wagneriano y verdiano, cantará por primera vez la gran escena final de la ópera Salome, de Richard Strauss, un título que incorporará a su repertorio en mayo en la Opéra National de Paris.
El maestro Pérez-Sierra se muestra “encantado y entusiasmado” ante este nuevo concierto junto a la que, asegura, “sin duda está llamada a ser una de las grandes intérpretes del emblemático rol de Salome en los próximos años. Estoy seguro de que el público se va a impresionar con su versión”, para la cual la Orquesta Titular del Teatro Real “estará ampliada hasta los 106 músicos. Esto con Strauss, que requiere de un gran conjunto instrumental, pero a esta maravilla de música hay que sumar escenas de diversas óperas de Verdi”, autor con el que Davidsen se ha prodigado con gran éxito en las últimas temporadas. “Hemos actuado juntos en varias ocasiones”, continúa el director español, “y lo cierto es que es un verdadero placer hacer música junto a esta gran intérprete del siglo XXI”. En el programa –previo al recital que Davidsen ofrecerá en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona el próximo 11 de enero, y en el Met de Nueva York, el 1 de febrero–, se incluyen además selecciones de las óperas verdianas La forza del destino, Un ballo in maschera y Otello.
La agenda del maestro Pérez-Sierra continuará más tarde mirando al Año Puccini que se conmemora en 2024 dirigiendo Madama Butterfly (Teatro Coccia de Novara, Italia) y La Bohème (en su regreso a la Ópera de Las Palmas de GC), para después revisar el poema sinfónico Así habló Zaratustra y las Cuatro últimas canciones de Strauss junto a la soprano Miren Urbieta-Vega y la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia, la Sinfonía Nº 6 de Gustav Mahler (Sinfónica de Málaga), la zarzuela La verbena de la Paloma (Teatro de La Zarzuela, teatro del que acaba de ser designado director musical), la ópera de Manuel de Falla La vida breve (Opéra Theatre de Metz) y L’Italiana in Algeri en el Royal Opera Festival de Cracovia y en el Festival Rossini de Wildbad.
A punto de cumplirse 150 años de su estreno en Viena, podrá escucharse por primera vez en el Teatro RealEl murciélago (Die Fledermaus) opereta de Johann Strauss hijo (1825-1899), llena de humor refinado, ironía, trama desenfadada y una elegancia musical que consagraron el título desde el momento de su estreno.
Su libreto, lleno de enredos amorosos y cambios de identidades que suceden en una fiesta de disfraces, con un baile inolvidable y un optimismo desbordante, han hecho de El murciélago un clásico en la programación navideñas de los teatros líricos, especialmente en Austria y Alemania. Ahora, por fortuna, se une a esta tradición centroeuropea dando a conocer la obra de Johan Strauss.
La alegría y la frivolidad de esta opereta vienesa están sustentadas en una partitura de enorme musicalidad y una exigencia vocal compleja, que la elevan por encima de su género. El reto, y el disfrute, de interpretarla estarán en manos del director de orquesta Marc Minkowski, al frente de su formación Les Musiciens du Louvre y de un reparto coral que contará, en los papeles principales con Huw Montague Rendall (Gabriel von Eisenstein), Jacquelyn Stucker (Rosalinde), Marina Viotti (Príncipe Orlofsky), Magnus Dietrich (Alfred), Leon Košavić (Dr. Falke), Krešimir Špicer (Dr. Blind), Alina Wunderlin (Adele), Sandrine Buendía (Ida) y Sunnyi Melles (Frosch).
Completa el elenco artístico el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, dirigido por Xavier Puig.
El próximo lunes, 4 de diciembre, el Teatro Real acogerá una única representación de Il ritorno d’Ulisse en patria, obra clave de Claudio Monteverdi que estará interpretada por la formación barroca I Gemelli, con su fundador y director, Emiliano González Toro, al frente de la dirección musical y dando vida al papel protagonista, Ulises.
Un reparto de voces especializadas en repertorio barroco –David Hansen, Fleur Barron, Matilde Etienne, Emoke Barát, Álvaro Zambrano y Christian Immler, entre otros- afrontará la delicada lectura de una partitura a la que I Gemelli y González Toro han dedicado años de estudio, ensayos, trabajo, análisis y pasión, para sacar adelante un proyecto cuya grabación ha recibido importantes reconocimientos internacionales.
Estrenada en Venecia en 1640, en el Teatro San Casiano, Il ritorno.. se convierte en una obra importantísima en la producción de Monteverdi, ya que tanto el planteamiento orquestal como la estructura dramática de la obra suponen una evolución respecto a L’Orfeo, compuesta 33 años antes. En el aspecto musical hay una reducción ornamental en la orquesta y un mayor protagonismo de la palabra; texto y música alcanzan en esta obra una situación de igualdad que la hace moderna y anticipa el futuro de la ópera.
El sentido dramatúrgico y teatral tienen en Il ritono .. una importancia primordial. Aquí los personajes miran hacia dentro y reflexionan sobre las preguntas eternas (vida, amor, muerte, tiempo..). Con libreto de Giacomo Badoaro, basado en la Odisea de Homero y el mito de Ulises, hombres y dioses dialogan bajo el espíritu del Renacimiento sobre el hombre como medida del Universo.
ACTIVIDADES PARALELAS
MUSEO DEL ROMANTICISMO
VISITA-TALLER INFANTIL
Cuenta la leyenda
Las leyendas y los mitos son historias que muestran costumbres y tradiciones, y cuyos protagonistas, héroes y heroínas, dioses y diosas, realizan hazañas asombrosas. En esta visita-taller para niños entre 6 y 12 años, y con una duración de dos horas, nos centramos en algunos personajes sobrenaturales y mitológicos que pueblan el museo.
15 de diciembre. 17.00 h
16 de diciembre. 11.00 h Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en su web
MUSEO DE HISTORIA DE MADRID
EXPOSICIÓN
El mayor encanto, amor
En el estanque del Retiro hubo una isleta con árboles, caminos y pequeñas construcciones, donde se estrenó en 1635 el auto sacramental de Calderón de la Barca titulado El mayor encanto, amor. El público que acuda al Museo podrá ver en la exposición permanente una maqueta del escenario de aquella representación que narraba un episodio de la Odisea, en el que los marineros del barco de Ulises son convertidos en cerdos por la maga Circe.
Gratuito para los visitantes del museo
MUSEO NAVAL
TEATRO DE SOMBRAS
El regreso de Ulises
Las pérfidas sirenas, el cíclope Polifemo o la maga Circe que se encontró Ulises en su vuelta a Ítaca por el Mediterráneo son algunos de los personajes de la Odisea de Homero y que ahora el museo presenta a través de una única función de teatro de sombras chinas para niños entre 5 y 12 años.
3 de diciembre. 17.00 h
Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en este enlace
MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID
VISITA GUIADA
La distancia entre A y B es la misma que entre B y A
A través de las creaciones de diferentes generaciones de artistas, se hará un recorrido por las obras de la exposición, hilando las conexiones entre las piezas mostradas y la ópera de Monteverdi. Pintura, escultura, fotografía y textil se unen para dar vida a la propuesta.
20 de diciembre. 18.00 h
Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción
El Teatro Real ha dedicado su sexta temporada de Flamenco Real a la extraordinaria cantaora Carmen Linares, en homenaje a una larga y fructífera carrera que la ha convertido en referente internacional del flamenco y de la cultura española, como avalan el Premio Princesa de Asturias de la Artes 2022 o el reciente Latin Grammy a la Excelencia Musical, por citar sólo algunos.
Versátil, profunda, generosa y luchadora incansable –su condición de mujer y paya en un mundo predominantemente masculino y gitano, pone aún más en valor el lugar conseguido y las barreras derribadas para las nuevas generaciones- Carmen Linares es ya una leyenda del flamenco.
El Teatro Real estrenará el próximo 2 de diciembre una nueva producción de Rigoletto, de Giuseppe Verdi -en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla- de la que se ofrecerán 22 funciones, hasta el 2 de enero de 2024.
El estreno de Rigoletto, en el Teatro de La Fenice, en 1851, fue precedido de varios encontronazos con la censura veneciana, que se opuso a la descarnada visión de la vida cortesana patente en el libreto de Francesco Maria Piave -a partir de Le Roi s’amuse, de Victor Hugo-, con un protagonista contrahecho y perverso, que desenmascara, con su risa diabólica, la podredumbre de una sociedad corrupta, cruel y degenerada, que él mismo encarna con su deformidad física y moral.
La trama de la ópera, terrible, se centra en la maldición que lanza el Conde de Monterone a Rigoletto por burlarse de la deshonra de su hija. Esta premonición -cuyo tema, la maledizione, late del principio al final de la ópera- será el tormento del bufón y el preludio de su desgracia: su hija, la inocente Gilda, que él aísla y protege, será seducida por las artes amatorias de su amo, el libertino Duque de Mantua, y raptada por los cortesanos, muriendo por amor, en una maquinación fatídica que él mismo engendró.
El potente drama de Victor Hugo, de tintes shakespearianos, inspiró una partitura de grandísima intensidad dramática, unidad estructural y una genial escritura musical, capaz de describir con impresionante concisión y belleza, la complejidad y ambivalencia de los personajes y el devenir de la trama, que transcurre con tensión y fluidez del primer al último compás.
Miguel del Arco, responsable de la puesta en escena, ha creado una producción que indaga en la angulosa personalidad del personaje titular, víctima y verdugo, maltratado y maltratador, convirtiendo la obra en un descorazonador retrato de nuestra sociedad actual, complaciente con las actitudes más espurias y crueles.
La sed de poder -voraz, cegadora e insaciable- crea monstruos que aglutinan a su alrededor, con avasalladora fuerza centrípeta, una sociedad servil y gregaria que normaliza las situaciones más atroces, aceptando, enmascarando y hasta aplaudiendo la crueldad, la humillación, el estupro, la calumnia, la violencia o la venganza. Solamente el amor puede sobreponerse a la deshumanización del alma, abriendo una brecha de luz y esperanza en el mundo oscuro del Rigoletto verdiano, que Miguel del Arco nos acerca.
La espectacular escenografía de Sven Jonke y el sugerente diseño de luces de Juan Gómez-Cornejo acompañan las tensiones del drama y las contradicciones, pasiones y sentimientos de los personajes, retratados con los potentes figurines de Ana Garay.
Nicola Luisotti, que ya dirigió este título en el Teatro Real en 2015, volverá a hacerlo al frente de tres repartos estelares y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. Christoph Koncz dirigirá cuatro funciones.
Darán vida al quinteto protagonista los barítonos Ludovic Tézier, Étienne Dupuis y Quinn Kelsey (Rigoletto), los tenores Javier Camarena, Xabier Anduaga y JohnOsborn (Duque de Mantua), las sopranos Adela Zaharia, Julie Fuchs y Ruth Iniesta (Gilda), los bajos Simon Lim, Peixin Chen y Gianluca Buratto (Sparafucile) y las mezzosopranos Marina Viotti, Ramona Zaharia y Martina Belli (Maddalena).
Rigoletto, una de las óperas más queridas y representadas a lo largo de toda la historia del Real, volverá en su cuarta producción desde la reapertura del Teatro, después de las de Daniel Lipton y Graham Vick (2001), Roberto Abbado y Monique Wagemakers (2009) y Nicola Luisotti y David McVicar (2015).
La producción del Teatro Real que ahora se estrena será una nueva lectura dramatúrgica y escénica de la genial partitura de Verdi, cuya visión desalentadora e inquietante de nuestra sociedad sigue cuestionándonos, incomodándonos y confrontándonos con lo más oscuro de nuestras almas.
28 de noviembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti (director musical de Rigoletto), Miguel del Arco (director de escena de Rigoletto), Ricardo de Cala (director del programa Maestros cantores, de Radio Clásica) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.
3 de diciembre, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Los Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
Joseph Haydn: Trío para barítono, viola y violonchelo
Darius Milhaud: Sonata para dos violines y piano, op.15
Max Bruch: Piezas para viola, clarinete y piano (selección)
Astor Piazzolla: La calle 92, para viola y violonchelo (arreglo de N. J. Hillmann)
Arnold Schönberg: Noche transfigurada, op. 4, para sexteto de cuerda
16 de noviembre al 12 de diciembre | Teatro Real, talleres, salas de ensayo y sala principal
La universidad a escena: Rigoletto
A lo largo de 4 sesiones los estudiantes –que perciben créditos universitarios en sus respectivos estudios–, descubren las interioridades de la nueva producción a través de una visita técnica, asistencia a ensayos, presentaciones y encuentros con trabajadores y artistas involucrados en esta producción.
8 al 30 de noviembre | Teatro Real, talleres, salas de ensayo y sala principal
La ópera al descubierto: Rigoletto
A través de 8 sesiones los integrantes del curso asisten a todo el proceso de montaje de Rigoletto, asistiendo a distintos tipos de ensayos y participando en encuentros con trabajadores y artistas involucrados en esta producción.
3 de diciembre a las 12.00 y a las 17.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico
¡Todos al Real Teatro!
Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.
La chica del móvilprotege tanto a su hija que la mantiene oculta en casa para que no la vean. Un taller de introducción a la música para familias, con Fernando Palacios, en ocasión de Rigoletto, de Verdi, programado en el Teatro Real. Con el barítono Gabriel Más y la pianista Alicia Hernández.
22 de enero, a las 19.00 horas | Círculo de Bellas Artes, Sala Ramón Gómez de la Serna
Conferencia: Un personaje ridículo, pero apasionado y lleno de amor: Rigoletto
Por: Massimo Giuseppe Bonelli director de la Escuela Italiana de Madrid, historiador de Arte y director de escena de ópera italiana. Entrada libre hasta completar aforo.
El primero de los conciertos, coincidiendo con el Día de Santa Cecilia, tendrá lugar el 22 de noviembre, a las 21 horas, en la evocadora Sala de Musas del Museo del Prado; y el segundo, el 23 de noviembre, a las 20 horas, será en la Sala de Orquesta del Teatro Real.
El protagonista será el Cuarteto Meccore, que ha elaborado su programa en torno a Halka, de Stanisław Moniuszko, estrenada la semana pasada en el Teatro Real.
La música de los dos primeros recitales estará compuesta por el Cuarteto de cuerda núm. 2, op. 56, de K. Szymanowski; el Cuarteto de cuerda núm. 3, Hojas de un diario no escrito, de K. Penderecki, y el Cuarteto de cuerda de W. Lutosławski (ver notas abajo).
Creado en 2007, el Meccore es uno de los cuartetos de cuerda más importantes de la actualidad, con actuaciones en prestigiosas salas de todo el mundo e importantes premios y reconocimientos en el ámbito de la música de cámara.
El cuarteto fue tutelado, en sus comienzos, por los miembros del Cuarteto Camerata. Posteriormente estudiaron con el Cuarteto Artemis en la Universität der Künste de Berlín y en la Queen Elisabeth Music Chapel de Bruselas, perfeccionándose con Günter Pichler (Cuarteto Alban Berg) en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid.
Con el apoyo de la fundación Irene Steels-Wilsing Stiftung, el cuarteto publicó su primer CD, así como su segundo disco, que recibió el Supersonic Award de la revista de música clásica Pizzicato y obtuvo dos nominaciones al premio de música Fryderyk 2016 de la Sociedad Polaca de la Industria Fonográfica. Su tercer álbum, con cuartetos de cuerda de Edvard Grieg, recibió numerosas distinciones junto con nominaciones al premio Fryderyk 2018 y al Preis der Deutschen Schallplattenkritik. El último CD, con Cuartetos de cuerda y el Sexteto Souvenir de Florence, de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, en el que participan Isabel Charisius y Valentin Erben del Cuarteto Alban Berg, ha sido elogiado por la crítica y ha recibido el Pizzicato Supersonic Award.
Paralelamente a su actividad concertista, el Cuarteto de Cuerda Meccore fue anfitrión de siete ediciones del Festival Internacional de Música de Cámara Quarto Mondi de Polonia, programando a los mejores músicos y conjuntos instrumentales de la escena internacional.
Los miembros del Cuarteto tienen una intensa actividad pedagógica, impartiendo clases de música de cámara e instrumental en la Universidad de Música Fryderyk Chopin de Varsovia, en la Academia de Música Ignacy Jan Paderewski de Poznan y en la Academia de Música Krzysztof Penderecki de Cracovia.
Fotografía: Anita WÑsik-Pêociõska
Detrás de numerosos galardones y reconocimientos encontramos a Daniel Casares, un virtuoso de la guitarra flamenca, inquieto y creativo, que regresa a Flamenco Real para compartir con su público, los días 22, 23 y 24 de noviembre, su última creación artística, El poder de lo sutil.
El guitarrista malagueño encuentra de nuevo la inspiración en su hija Alejandra y a través de sus ojos, de su alma, de sus gestos, busca y encuentra lo importante más allá de lo evidente. Con este punto de partida crea un universo musical con el que quiere mostrar “esas grandes cosas que, para nuestros sentidos son muy pequeñas pero para nuestros corazones, inmensas”.
En este nuevo trabajo, Casares vuelve a mostrar una guitarra que suena flamenca sin pretenderlo, una armonía que vuela ligera con la naturalidad de aquello que no requiere de artificios, a través de notas que fluyen sin buscar el virtuosismo, y de los silencios, pues los matices de los silencios hablan más y mejor que ningún acorde.
Para las sesiones de Flamenco Real contará con la colaboración de nombres tan flamencos como Manuel Montes, en el baile; Manuel Peralta, voz y palmas; José Manuel Posada “Popo”, en el contrabajo y el bajo, y Miguel Ortiz “Nene”, en la percusión.
Nacido en Casares (Málaga) en 1980, Daniel Casares llegó a la guitarra por casualidad y, de forma autodidacta, arrancó sus primeras notas inspirado en la música que escuchaba y en los discos de Paco de Lucía. Pronto su virtuosismo y rigor alcanzaron importantes reconocimientos. En 1996 obtiene el Premio Nacional de Guitarra y, al año siguiente, el Premio Nacional de Guitarra ‘Bordón Minero’. Tenía sólo 16 años. Después llegarían el Premio Revelación Musical de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York o el Premio Miguel Acal al mejor artista flamenco, por citar sólo algunos.
Ahora, con una carrera consolidada y una actitud serena y libre, su guitarra suena más auténtica que nunca, dejándola contar lo nuevo con mimbres tradicionales. Sus composiciones se mueven por los márgenes, los saltan, los transforman y suenan flamencos sin serlo, pero, sobre todo, transmiten lo que late en el fondo de Casares.
El ciclo Flamenco Real se enmarca en la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, está organizando giras internacionales bajo el nombre de Authentic Flamenco, actualmente con más de 400 actuaciones programadas en 40 ciudades de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia, y Oceanía, y con cien mil entradas vendidas en lo corrido del año.
Los próximos 16, 17 y 18 de noviembre, la Fundación Amigos del Teatro Realofrecerá tres funciones a cargo de una de las voces más queridas y aclamadas de Broadway, Liz Callaway, quien llega por primera vez a Madrid para rendir homenaje a Stephen Sondheim (1930-2021) bajo el título To Steve with Love.
Acompañada al piano por Alex Rybeck, la cantante y actriz estadounidense ofrecerá un programa que incluye números de algunos de los musicales más populares del gran compositor neoyorquino, como Company, Follies, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street o A Little Night Music (ver programa al final), una selección de obras grabadas recientemente por la artista cuyo álbum, To Steve with Love, acaba de ser nominado a los premios Grammy 2024 en la categoría Mejor álbum de pop tradicional (Best Traditional Pop Vocal Album).
Callaway se pondrá en la piel de inolvidables personajes para compartir con el público, en un concierto íntimo, emociones, confidencias, historias, experiencias, ironía, sueños y, sobre todo, música. De su mano reviviremos el Nueva York de los años cincuenta, la adrenalina y el entusiasmo del artista que comienza, la melancolía del desamor y el amor como redención de la vida convencional.
Nacida en Chicago en 1961, Liz Callaway debutó en Broadway a sus 20 años en la producción de Merrily We Roll Along, de Stephen Sondheim. Desde entonces, inició una larga carrera de colaboración con el compositor. Además de sus grandes papeles de teatro musical y cabaret, que incluyen títulos como Sunday in the Park with George, Baby, The Three Musketeers o Cats, la voz de Callaway ha inmortalizado los personajes de icónicas películas animadas, como Anastasia, Aladino, La Bella y la Bestia, Pocahontas, El Rey León II, entre otros. Su discografía suma nueve trabajos solistas y su carrera musical ha sido galardonada en los Bistro Awards, uno de los premios más prestigiosos de teatro musical, cabaret y jazz, concedido anualmente en Nueva York.
Stephen Sondheim es, sin duda, el gran referente del musical americano. Sus comienzos como letrista de West Side Story, junto al músico Leonard Bernstein, o Gypsy, con Harold Prince, eran sólo el presagio de una forma de concebir el teatro musical que lo cambiaría todo. Pronto vería cumplido su sueño de hacer las canciones completas para el espectáculo y pronto llegaría su primer y rotundo éxito con Company, una obra con un concepto y estructura dramática alejada de lo formal –reconocida en su momento con seis premios Tony- que no ha dejado de influir a las generaciones posteriores. Después vendrían títulos memorables como Follies, A Little Night Music, Sweeny Tood, Into the Woods… y una fructífera carrera por la que fue galardonado con prestigiosos premios, entre los que destacan ocho Grammy Awards, ocho Tony Awards, el Lawrence Olivier y el Premio Pulitzer, por citar sólo algunos.
TO STEVE WITH LOVE
LIZ CALLAWAY
PROGRAMA
Opening Medley: Company/ Rich and Happy / I Know Things Now / Someone in the Tree – «Company», «Merrily We Roll Along», «Into the Woods», «Pacific Overtures»
Broadway Baby -«Follies»
Old Friends / Like it Was – «Merrily We Roll Along»
What More Do I Need? -«Saturday Night»
The Miller’s Son – «A Little Night Music»
What Do We Do? We Fly? – «Pacific Overtures»
I Remember / Take Me to the World – «Evening Primrose»
Not While I’m Around / Now You Know – «Merrily We Roll Along», «Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street»
Children Will Listen – «Into the Woods»
In Buddy’s Eyes – «Follies»
The Road You Didn’t Take – «Follies»
Loving You – «Passion»
Move On – «Sunday in the Park with George»
Another Hundred Lyrics – «Company»
Send in the Clowns – «A Little Night Music»
Being Alive – «Company»
Los próximos 9 y 11 de noviembre, coincidiendo con el Día de la Independencia de Polonia, el Teatro Real presentará en su escenario, en versión de concierto, la ópera Halka, de Stanisław Moniuszko (1819-1872) considerado el creador de la ópera nacional polaca, que desplegó en este título una de las músicas más conmovedoras y románticas de la historia del país.
Halka posee una orquestación sublime, con bellas melodías arraigadas en la música tradicional, arias líricas y emotivas y un hábil uso del coro, presente como un protagonista más, con logradas escenas que ponen de relieve la esencia del espíritu polaco. Su ágil pulso dramático, con clara influencia italiana, consigue una narración fluida y emotiva en el más puro estilo romántico.
Su puesta de largo en el Real contará con la participación del tenor polaco Piotr Beczała, una de las grandes voces de la actualidad, y emblemático representante de su país, que ha dejado en este escenario inolvidables interpretaciones en La damnation de Faust (2009), Faust (2018) y en Aida (2022) además de su participación en el Homenaje a Alfredo Kraus (2014) y en la Messa da Requiem, de Verdi, en la Catedral de Burgos (2022). En esta ocasión encarnará el papel de Jontek, protagonista masculino de la ópera.
Le acompañarán la soprano estadounidense Corinne Winters (Halka), los intérpretes polacos Tomasz Konieczny, bajo barítono (Janusz) y Tomasz Kumiega, barítono (Dziembra), el bajo ruso Maxi Mkuzmin-Karavaev (Stolnik), la mezzosoprano ucrania Olga Syniakova (Sofia) y el barítono español Javier Povedano (El gaitero).
Junto a ellos, la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real asumen el reto de extraer los colores de esta bella partitura bajo la dirección musical de Łukasz Borowicz, otro gran representante de su Polonia natal, con José Luis Basso al frente del coro.
Coincidiendo con este estreno, y con los actos conmemorativos de Día Nacional de la Independencia de Polonia, el Teatro Real ha programado dos conciertos que tendrán lugar los días 22 de noviembre, en la Sala de las Musas del Museo del Prado (21.00 h), y el 23, en la Sala de Orquesta del Teatro Real (20.00 h), cuyas obras seleccionadas corresponden a tres grandes compositores polacos, de distintos periodos, con los que quiere poner de relevancia la música polaca en la historia europea: Karol Szymanowski (1882 – 1937), Krzysztof Penderecki (1933 – 2020) y Witold Lutosławski (1913 – 1994).
El programa de los conciertos, el mismo para ambas citas, estará protagonizado por el Cuarteto Meccore, donde estos premiados músicos polacos interpretarán las obras: Cuarteto de cuerda núm. 2, op. 56, de K. Szymanowski; el Cuarteto de cuerda núm. 3, «Hojas de un diario no escrito», de K. Penderecki, y el Cuarteto de cuerda de W. Lutosławski.
El Teatro Real ha sido galardonado con el X Premio de la Fundación Consejo España Japón en reconocimiento a su labor en la promoción de música y las artes escénicas españolas en el país nipón y a su decidido esfuerzo por acercar las sociedades de ambos países.
El vínculo entre el Teatro Real y Japón comenzó en 2018 con la firma de un convenio de colaboración con el Nuevo Teatro Nacional de Tokio con el objetivo de intercambiar óperas y ballets para su retransmisión en ambos teatros y reforzar su proyecto de expansión y difusión de sus actividades en el panorama internacional.
En la actualidad, la institución española está embarcada en una gira por Asia con su programa Authentic Flamenco, con el que recorrerá 12 ciudades de Oriente Medio, Asia y Oceanía, entre ellas Tokio, donde tiene previstas 10 actuaciones.
La gala de entrega de premios, en los que también se reconocerá el trabajo de la empresa japonesa Toyota, se celebrará entre los días 28 y 30 de noviembre en Salamanca.
El jurado, reunido el pasado 18 de octubre en la sede del Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación, estuvo integrado por: Ángeles Delgado, CEO de Fujitsu en España y presidenta de la Fundación Consejo España Japón; Lucía Los Arcos, directora de Asuntos Institucionales y Comunicación de Bergé & Cía y vicepresidenta de la Fundación Consejo España Japón; Ramón Mª Moreno, secretario general de la Fundación Consejo España Japón; Álvaro de la Cueva, abogado socio de Garrigues; Eduardo Serra, presidente de NTT Data EMEAL; Marcos Caviró, director de gabinete en la Dirección General de la Cámara de Comercio de España, y Juan Tanarro, general manager de Mitsui.
Fotografía: Javier del Real
Tras su paso por Chile en el papel de Norina en la versión en concierto de ‘Don Pasquale’, la soprano navarroaragonesa Sabina Puértolas formará parte del homenaje a la gran soprano Victoria de Los Ángeles con motivo del centenario de su nacimiento (siendo la única española de entre las cantantes). Bajo una propuesta escénica firmada por Vicent Hugues y con la dirección de Lucas Macias, la gala contará con vestuario de la propia cantante para una noche mágica en honor a la gran diva.
Sabina Puértolas cantará un repertorio de lujo con el ‘Damunt de tu només les flors’ de Federic Mompou en la primera parte junto al pianista británico Julius Drake y siguiendo con ‘Je marche sur tous les chemins… Obéissons quand leur voix appelle’ parte de la ópera Manon de Jules Massenet, un repertorio que la cantante conoce muy bien, y que interpretará acompañada por la orquesta sinfónica del Gran Teatro del Liceo. “Es un homenaje”, explica. “Victoria de los Ángeles forma parte de mi carrera como cantante, ya que pude conocerla con 16 años, como la más joven alumna en un curso que impartió en Santander”.
Próxima cita de Puértolas, Manon en Tenerife Precisamente la próxima parada en la temporada musical de Sabina Puértolas será en el Auditorio de Tenerife. Tras su exitoso paso por Santiago de Chile y Oviedo, la nueva producción de Manon que protagoniza visitará la isla los días 21, 23 y 25 de noviembre, completando así la gira de las tres instituciones que han participado en su producción.
En esta nueva versión de la ópera de Massenet, Puértolas está acompañada en el reparto del Arturo Chacón-Cruz y Luis Cansino, entre otros, bajo la dirección escénica de Emilio Sagi, la escenografía de Daniel Bianco y la batuta de Christopher Franklin, al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Completa la producción el Coro Titular Ópera de Tenerife-Intermezzo.
Sabina Puértolas Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir a la perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.
Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle. Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.
Desde su debut en 2001 en el Teatro alla Scala de Milán, bajo la dirección del maestro Riccardo Muti, ha desarrollado una intensa carrera, dirigida por maestros como Christophe Rousset, David Curtis, Alain Guingal, Gianluca Capuano, Jesús López-Cobos, Paolo Arrivabeni, Antonino Fogliani o Ivor Bolton, entre muchos otros. París, Viena, Roma, Washington, Verona, Bruselas o Amsterdam han sido otros de los destinos en los que ha demostrado su dominio de las tablas, en roles como Morgana (Alcina), Angelica (Orlando), Princesa Eudoxie (La Juive) o Despina (Così fan tutte).
Fotografía: Nano Cañas
GALA CENTENARIO VICTORIA DE LOS ÁNGELES 7 de noviembre en el Gran del Teatro del Liceo de Barcelona.
Participantes: Maria Agresta Louise Alder Dame Sarah Connolly Joyce DiDonato Juliana Grigoryan Sabina Puértolas Helena Ressureiçao Fatma Said Anne Schwanewilms Iréne Theorin Marina Viotti
Piano: Julius Drake
Dirección de escena y concepto: Vincent Huguet
Mañana, miércoles, 1 de noviembre, darán comienzo los actos conmemorativos del centenario del nacimiento de la soprano Victoria de los Ángeles, una de las voces más destacadas en la historia de la lírica en la segunda mitad del siglo XX, a los que el Teatro Real se une a través de MyOperaPlayer emitiendo en abierto una selección de conciertos del Life Festival Victoria de los Ángeles y una selección de vídeos con interpretaciones históricas de la soprano.
Esta iniciativa se lleva a cabo en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles y el Life Festival Victoria de los Ángeles, festival de lied que ha elegido la plataforma del Teatro Real para ofrecer un valioso material audiovisual y artístico, desconocido hasta ahora, que servirá para poner en pie este merecido homenaje.
El punto de partida será la retransmisión en directo del concierto que la soprano Elena Copons, junto a la Orquesta Sinfónica Victoria de los Ángeles, bajo la dirección de Pedro Pardo, ofrecerá el 1 de noviembre, a las 19.00 horas, desde la Universidad de Barcelona, lugar en el que nació la soprano en 1923 –su padre trabajaba ahí como bedel y la familia residía en el recinto- y donde fue reconocida con el doctorado honoris causa en 1987, siendo el primero que el centro otorgaba a una mujer. “Para mí la Universidad era una ciudad, y la ciudad que había fuera era otra ciudad”, declaró en una entrevista recogida en la Fundación, que remarca el simbolismo de este concierto.
A partir de este momento,MyOperaPlayeremitirá una selección de los conciertos de Lied programados por el Life Festival Victoria de los Ángeles y pondrá a disposición de los usuarios una selección de grabaciones en las que la histórica soprano interpreta conocidas arias y dedicará especial atención a este género, cuya interpretación amaba profundamente y con el que obtuvo un rotundo reconocimiento.
El aniversario del nacimiento de Victoria de los Ángeles ha sido declarado Evento de Excepcional Interés Público por el Gobierno de España. La programación delLife Victoria ha sido diseñada basándose en una entrevista ofrecida por la soprano en 1978 en el programa Desert Island Discs de la BBC con el periodista Roy Plomley, en el que la cantante elige los discos que se llevaría a una isla desierta, aportando su pasión por la música que interpretó y por la que, sin haber formado parte de su repertorio, enriqueció su personalidad artística.
La Fundación Victoria de los Ángeles, presidida por Helena Mora y con Marc Busquets en la dirección artística, tiene como finalidad, este año más que nunca, conservar y difundir su legado, con el objetivo de que el testimonio vital y artístico de la persona y la cantante sigan vivos, así como formar a futuras generaciones de músicos, siguiendo el ejemplo de la artista. Ahora, el Teatro Real se suma a esta misión construyendo un lugar vivo para nuestra memoria.
El Teatro Real ofrecerá, por primera vez en Madrid, una versión escenificada de Orlando, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), en una nueva producción estrenada en el Theater an der Wien en abril de 2019.
Cuando Händel compuso Orlando, en 1733, la ópera italiana comenzaba un lento declive en Londres, donde su compañía, la célebre Royal Academy of Music, reflotaba con dificultad gracias a la contratación de los más reputados músicos y cantantes para la interpretación de sus obras, como fue el caso del extraordinario castrato Sinesino, primer intérprete del diabólico papel titular de la ópera.
La partitura de Orlando, con apenas cinco cantantes y sin coro, se concentra en la progresiva enajenación mental del héroe del ejército de Carlomagno y las endiabladas y sutiles relaciones amorosas que entrelazan los personajes, con excepción de Zoroastro. Este hechicero y demiurgo casi omnipresente, confiere a la ópera un marco irreal de fantasía que permitía la utilización de maquinaria escénica, cambios de decorado, aparición de tormentas y todo tipo de sorpresas dramatúrgicas que nutrían el espectáculo teatral que demandaba el público en el siglo XVIII.
Sin embargo, la libertad en la interpretación musical, encorsetada por la estructura de la ópera seria barroca, fue propiciada para reflejar la demencia del protagonista, cuyo temperamento desequilibrado, violento y cambiante permitió a Händel dar alas a una expresividad trascendente, que tiene su paroxismo en el aria de la locura en el final del segundo acto.
En su concepción de la ópera, el director de escena Claus Guth, con la complicidad de su fiel escenógrafo Christian Schmidt, refuerza el drama existencial de este militar perturbado, que vuelve a su patria después de luchar en Vietnam, enfrentándose a una sociedad deshumanizada que ya no reconoce, con excepción del recuerdo de su antigua enamorada Angelica, transformada en una obsesión de su mente trastornada, capaz de vivir las situaciones más extremas.
Encarnarán a los cinco personajes de la ópera los contratenores Christophe Dumaux (Orlando) y Anthony Roth Costanzo (Medoro), las sopranos Anna Prohaska (Angelica), Giulia Semenzato (Dorinda) y el barítono Florian Boesch (Zoroastro), que actuarán junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección musical de Ivor Bolton, que será responsable, también, de los acompañamientos al clave.
La función del día 10 de noviembre será dirigida por Francesc Prat y contará con Gabriel Díaz (Orlando) y Francesca Lombardi Mazzulli (Angelica) en los papeles protagonistas.
A la ópera de Händel, que rescata episodios del poema de Ariosto -como Ariodante y Alcina, estrenadas dos años después- le seguirán, el próximo 1 de noviembre, la versión en concierto de Orlando Paladino, de JosephHaydn -con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini– y, entre el 4 y el 9 de junio, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini, primera ópera conocida firmada por una compositora, que dirigirá escénicamente Blanca Li, junto a Aarón Zapico, en la parte musical.
El estreno de Orlando en el Teatro Real se sumará a los diez títulos de Georg Friedrich Händel que se han ofrecido desde su reapertura: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007 y 2018), Tamerlano (2008), Il trionfo del tempo e del disinganno (2008), Tolomeo, Re d’Egitto (2009 y 2023), Theodora (2009), Agrippina (2009 y 2019), Alcina (2015), Rodelinda (2017) y Parténope (2021).
Orlando es singular dentro del corpus operístico de Händel. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad y alcance de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la descarnada dramaturgia de Claus Guth, la maestría, musicalidad y hondura de Ivor Bolton y la interpretación de cinco grandes cantantes de repertorio barroco.
30 de octubre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: con Ivor Bolton (director musical de Orlando y director musical del Teatro Real), Claus Guth (director de escena de Orlando) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
4 de noviembre, a las 19.30 horas | Emisiones en directo
Orlando será retransmitida en directo para todo el mundo en MyOperaPlayer, pasando a integrar su catálogo en el futuro.
La misma función se emitirá, también en directo, en Radio Clásica, de Radio Nacional de España, que la ofrecerá para los países de la UER (Unión Europea de Radiodifusión).
5 de noviembre, a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro
¡Todos al Real Teatro!El cantar de Roldán
Taller familiar de introducción a la música, con ocasión de Orlando.
Por: Fernando Palacios.
6 de noviembre, a las 18.00 horas | Museo Cerralbo, Sala Vistas al Jardín
Conferencia: Ciencia bruja: magos, sacerdotes y filósofos en los orígenes de la alquimia
Por: Miriam Blanco Cesteros, doctora en filología griega.
Entrada libre hasta completar aforo previa inscripción en su web.
7 de noviembre, a las 19.00 horas | Biblioteca Musical Víctor Espinós, Sala de coros del Torreón del Conde Duque
Charla ilustrada con música: Los Orlandos
Por: Alejandro Martínez García, musicólogo.
Entrada libre hasta completar aforo previa inscripción en su web.
En este apacible rincón de Madrid volverá a escucharse, 17 años después de su última representación en este escenario, uno de los títulos más grandes de la zarzuela, Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba (1891-1982), en una única función que tendrá lugar mañana, miércoles 25 de octubre, protagonizada por la mezzosoprano letona Elīna Garanča, en el que será su debut en el Teatro Real.
Estrenada en el Teatro Calderón de Madrid en 1932, y ambientada en Madrid durante los años previos y posteriores a la Revolución Gloriosa que destronó a Isabel II -en el trasfondo de la narración algunos de los acontecimientos más desgraciados del siglo XIX en España- su libreto construye una trama sencilla de lances amorosos dibujados sobre un fondo histórico que relata las escaramuzas entre monárquicos y liberales, la inquietud de la población ante la proliferación de acontecimientos políticos e, incluso, el enfrentamiento entre gentes del propio pueblo por la controvertida figura de la reina.
Su partitura contiene agradables melodías, hermosas romanzas y dúos hábilmente perfilados entre la comedia costumbrista y la tragedia burguesa, trenzando el sentido popular y la belleza aristocrática.
La zarzuela, en versión de concierto, que se escuchará en el Real, contará con la participación de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, bajo la dirección de Karel Mark Chichon, y el Coro Titular del Teatro Real, dirigido Jesús Basso. Junto a Elīna Garanča, completan el cuarteto protagonista el tenor Alejandro del Cerro (Javier Moreno), el barítono Luis Cansino (Vidal Hernando) y la soprano María José Moreno (La duquesa Carolina).
ARGUMENTO
Acto I
Madrid, durante los momentos finales del reinado de Isabel II. El hacendado extremeño Vidal Hernando y el coronel de húsares Javier Moreno pretenden a Luisa Fernanda. El enfrentamiento entre ambos no es sólo amoroso: el primero es liberal; el segundo, monárquico. Luisa ama a Javier, pero tiene a la duquesa Carolina, igualmente enamorada de él, como poderosa rival.
Acto II
Viendo que Javier prefiere la compañía de la duquesa en la verbena de San Antonio, Luisa acepta por despecho la proposición de matrimonio de Vidal. La enemistad entre éste y Javier es mayor que nunca.
Ha tenido lugar un levantamiento contra Isabel II. Javier, derribado de su caballo por Vidal, es apresado por las milicias liberales y cuando Aníbal y Nogales, dos revolucionarios, intentan agredirle Luisa se interpone y salva su vida. Poco después las tropas monárquicas consiguen rescatar a Javier.
Acto III
La hacienda de Vidal, en la frontera extremeña con Portugal. La monarquía ha caído. En espera de su próxima boda, Vidal ofrece una fiesta para su prometida. En plena celebración aparece Javier y, ante la sorpresa de todos, se arrodilla ante Luisa y pide que le perdone. Aunque ésta lo rechaza y le ruega que se vaya, Vidal entiende cuál es el verdadero amor de su prometida y, en un gesto de generosidad, anula su compromiso y permite a Luisa que se vaya con Javier.
El Teatro Real se une, una vez más, a la celebración del Día Mundial de la Ópera, que se conmemora mañana, miércoles 25 de octubre. Para ello, ha preparado una serie de iniciativas que buscan acercar la ópera a nuevas audiencias y visibilizar la actividad cotidiana de un teatro lírico.
El 25 y el 26 de octubre se realizarán los Opera Days, dos días en los que el Teatro Real dispondrá de más de dos mil entradas a precio reducido para algunas funciones de Orlando, de Händel, -31 de octubre, 2, 6 y 8 de noviembre-.
En colaboración con la Presidencia Europea, el día 25 de octubre, a partir de las 10.00 horas, se ofrecerán cien entradas gratuitas para la ópera Orlando a los cien primeros jóvenes (menores de 30 años) que se inscriban en la web del Teatro con su carné joven.
Asimismo, a lo largo de este Día Mundial de la Ópera se realizarán transmisiones en directo en las redes sociales del Teatro Real y del Real Teatro de Retiro, que mostrarán cómo es un día de actividad en el interior del teatro y desvelarán lo que pasa detrás de bambalinas durante la interpretación de la zarzuela Luisa Fernanda (única función el 25 de octubre) y los ensayos de la producción infantil de El barbero de Sevilla (11 al 26 de noviembre en el Real Teatro de Retiro). Además, el Real Teatro de Retiro realizará un sorteo a través de Instagram para el estreno de El barbero de Sevilla, la primera producción propia del nuevo teatro.
Finalmente, entre el 25 y el 29 de octubre, MyOperaPlayer ofrecerá un 40% de descuento en la suscripción anual y semestral a la plataforma audiovisual del Teatro Real, en cuyo catálogo hay títulos procedentes de 50 teatros y auditorios de Europa, América y Asia, con novedades semanales y retransmisiones en directo de las producciones más importantes del Teatro Real. El descuento se puede obtener utilizando el código OPERAMOP40.
El Día Mundial de la Ópera es una iniciativa creada en 2018 por Opera Europa, OPERA América y Ópera Latinoamérica que se celebra cada año el 25 de octubre, coincidiendo con el aniversario de Georges Bizet y Johann Strauss. Su propósito es promover la ópera y poner en valor la contribución del género lírico al desarrollo artístico, cultural y social, así como visibilizar a los profesionales que hacen posible su actividad.
Las tres instituciones que lideran esta iniciativa, así como los teatros de ópera de distintos continentes, artistas y profesionales del mundo lírico, se unirán a la celebración de este día por medio de sus redes sociales e invitarán a los amantes de la música y las artes escénicas a participar con los hashtags #WorldOperaDay #DíaMundialDeLaÓpera y #LoveOpera.
El director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, y la directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, han presentado esta mañana el estreno absoluto de la ópera La Regenta, basada en la novela homónima de Leopoldo Alas “Clarín”, con música de Marisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch. La ópera, que podrá verse del 24 al 29 de octubre en cinco únicas funciones en la Sala Fernando Arrabal de Naves del Español en Matadero, cuenta con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).
Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de Leopoldo Alas “Clarín” se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera y se estrena por primera vez gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español, que vuelven a unir fuerzas tras el éxito de Tránsito, ópera que pudo verse también en Naves del Español en 2021 y que contaba con dirección musical del propio Jordi Francés.
La Regenta es una historia sobre pasiones, odios, celos y obsesiones que retrata la sociedad española de la época. Ana Ozores, casada con Víctor Quintanar en un matrimonio de conveniencia, tiene una vida solitaria y aburrida, lo que la hace refugiarse en el misticismo. Su confesor, Fermín de Pas, se enamora de ella, pero no es el único, ya que Álvaro Mesía también se convertirá en su amante. Un conflicto amoroso que lleva a la joven a ser rechazada por Vetusta, una ciudad atrapada en las tradiciones del pasado.
“La primera inspiración viene de una obra magistral, una novela de ambientes, una novela sobre el poder, la maldad, las miserias y las ruindades humanas que no paran hasta destruir a quien no es como ellos”, explica María Luisa Manchado sobre la música de La Regenta, su tercera ópera como compositora. “La Regenta es ópera en el sentido más puro o clásico, si se prefiere, del concepto: un drama escénico, cantado y acompañado, arropado, abrigado por los sonidos de una orquesta de cámara de 17 músicos”.
Tras la Amina de La sonnambula de Bellini, que dirigió en diciembre de 2022 en el Teatro Real, Bárbara Lluch vuelve a escenificar otro complejo personaje femenino como es el de Ana Ozores. “A nivel sociológico y psicológico, La Regenta es increíblemente moderna, se podría haber escrito hoy”, cuenta la directora de escena. “Habla de matrimonios forzados, cosificación de la mujer, de la mezquindad y la maldad por destruir la vida de alguien simplemente por aburrimiento. Por eso nuestra propuesta es atemporal. Porque la historia de Ana Ozores es la historia de muchas mujeres”.
La Regenta es una coproducción del Teatro Real y Teatro Español con música de Marisa Manchado (1956), libreto de Amelia Valcárcel basado en la novela homónima (1884-1885) de Leopoldo Alas, “Clarín”, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch, interpretada por María Miro, David Oller, Vicenç Esteve, Cristian Díaz, Pablo García-López, María Rey-Joly, Anna Gomá, Laura Vila y Gabriel Díaz, con Andrés Bernal y Magdalena Aizpurua como figurantes, con diseño de espacio escénico e iluminación de Urs Schönebaum, diseño de vestuario de Clara Peluffo, edición musical de Guillermo Buendía, dirección del coro de Josep Vila i Casanas, con el Coro de la Comunidad de Madrid y la Orquesta Titular del Teatro Real.
Fotografía: Javier del Real
La soprano madrileña Guiomar Cantó protagoniza el próximo 5 de noviembre, domingo, el estreno absoluto de Carmen, el primer musical flamenco basado en la célebre ópera de Georges Bizet de 1875. Se trata de una única función que podrá disfrutarse en el Teatro Real (Madrid).
La producción, creada por Óscar de Manuel (Premio al Mejor Instrumentista Flamenco en el Festival del Cante de las Minas de la Unión), se basa en una reducción del libreto operístico original, que a su vez adaptaba la novela homónima de Prosper Mérimée de 1845. Según explican desde la producción, la obra pretende ser un reflejo de la sociedad actual, a través del amor y la tragedia, así como acercar la ópera de Bizet a todos los públicos “con una puesta en escena innovadora y una reducción orquestal lírica y escénica única, en la que flamenco, ópera y danza contemporánea se dan la mano”.
Para Guiomar Cantó, debutar este rol “es un sueño, no solo por el papel, si no por los templos líricos que me va a llevar a recorrer”. “Espero que el Teatro Real traiga muchos más sueños por cumplir”, añade. Sobre el personaje de Carmen, asegura que es “icónico”, ya que “traspasa el escenario y representa una combinación perfecta de pasión, sensualidad y rebeldía”.
La realización de la obra corre a cargo del codirector de escena Juan Conchillo y está reinterpretada dramatúrgica y escénicamente por Ignacio García. La coreografía es de Jesús Carmona, Premio Benois de la Danse, con la danza flamenca más actual y contemporánea. “Es un musical flamenco que encuentra en la espontaneidad y la indiferencia entre los personajes la clave que hace florecer el instinto que provoca los prejuicios entre el amor, la posesión y esa libertad absoluta de la mujer, a poder decidir sobre sí misma, sobre su vida”, detallan desde la producción.
Sobre Guiomar Cantó En esta temporada Guiomar Cantó ha hecho su debut en el Auditorio Nacional donde este año va a cantar en 4 ocasiones con diferentes orquestas y repertorios. Además este 2023 cantará los roles de Musetta, Violetta, Micaela y la Contessa en diferentes teatros de la geografía española. En cuanto a lo sinfónico cantará próximamente Réquiem de Mozart y Carmina Burana. Como buena amante de la música de su país ha cantado con la orquesta filarmónica de Oviedo en un programa de zarzuela y debutó este invierno en el rol de Ascensión de la zarzuela de "La del Manojo de Rosas". Ha vuelto en mayo al Auditorio Nacional con un programa de música madrileña junto a grandes figuras de la lírica española y tiene programados conciertos en festivales fuera de España por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.
De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.
La bailaora Olga Llorente (Barcelona, 1990) llega por primera vez al Salón de Baile del Teatro Real con su espectáculo Renacer, que se presentará los días 18, 19 y 20 de octubre, a las 19.00 horas, para dar inicio a la sexta temporada de Flamenco Real.
Inspirada en sus propias experiencias, Olga Llorente ha creado Renacer, un espectáculo que evoca el pasado y que aviva las emociones, entre la pena y la alegría, la rabia y la tristeza, desde el dolor hasta la fuerza y la determinación, a través de la música y el baile.
La joven bailaora, galardonada con el Premio Desplante en el Festival Internacional del Cante de las Minas (2019) y por su trayectoria artística en el Concurso Internacional de Cante Yunque Flamenco (2020), es aclamada por su virtuoso taconeo y su baile expresivo y apasionado, arte que también ha sido reconocido con el Premio “Vicente Escudero” en el VIII Certamen de Jóvenes Valores de la ciudad d’Hospitalet (2006), el primer premio en Danza Española en el Certamen de danza de la ciudad de Castellón (2009) o el Premio al baile libre en el Concurso de la Perla de Cádiz (2013).
Comenzó su formación a los cinco años y se licenció en Danza Española del Conservatorio Profesional de Barcelona, aunque su debut profesional fue a los 14 años en el Teatro Apolo de Barcelona. Ha compartido escenario y aprendizaje con grandes representantes del flamenco como Antonio Canales, Rafael Amargo, Lola Greco, Farruquito, Eva Yerbabuena, Belén Maya, La Chana, Belén Fernández, Rafaela Carrasco y Carmen Ledesma, entre otros.
Su extensa trayectoria como bailaora y coreógrafa incluye actuaciones en países de Europa, Asia y Latinoamérica, así como en los principales tablaos de España y los más prestigiosos festivales. Destaca, además, su participación en la película Flamenco, de Carlos Saura, y su participación en el espectáculo de Nacho Cano, Malinche.
En su debut en el Teatro Real, Olga Llorente estará acompañada por el cante de Luis El Granaino y Juanjo de Nayeli, y las guitarras de Jesús Núñez (los días 18 y 20) y Víctor ‘El tomate’ (el día 19).
En la sexta temporada de Flamenco Real, en coproducción con SO-LA-NA, pisarán las tablas del Salón de Baile artistas como El Yiyo, Eduardo Guerrero, Yolanda Osuna, Marco Flores, Ángeles Gabaldón, El Farru y Paula Rodríguez, así como el guitarrista Daniel Casares, músico de gran proyección internacional, de cuyo virtuosismo técnico y dominio fuimos testigos la pasada temporada con su Magiterráneo.
El ciclo Flamenco Real se enmarca en la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, está organizando giras internacionales bajo el nombre de Authentic Flamenco, actualmente con más de 400 actuaciones programadas en 40 ciudades de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia, y Oceanía, y con cien mil entradas vendidas en lo corrido del año.
El Teatro Real ha presentado esta noche en la Fundación Ángel Orensanz de Nueva York, un espectáculo protagonizado por la bailaora Yolanda Osuna, que ofrecerá ocho actuaciones en el mismo escenario a partir del día 17 de noviembre, en los que actuará junto a Juan Fernández (baile), Bernardo Miranda y Manu Soto (cantaores), Miguel Pérez y Juan Marín (guitarras) y Juan Diego Sáez (saxofón).
La cita ha contado con la presencia de Isabel Díaz Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid; Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, y Pedro Calvo Sotelo, Cónsul para Asuntos Culturales en el Consulado General de España en Nueva York, entre otros.
El público asistente a la antigua sinagoga, reconvertida en centro cultural y artístico por el escultor aragonés Ángel Orensanz, ha recibido con gran entusiasmo el baile expresivo, libre y sincero de Yolanda Osuna.
Estas actuaciones forman parte del programa diseñado para el segundo viaje de coliseo madrileño a la Gran Manzana y están integradas en la gira Authentic Flamenco que, desde mayo y hasta diciembre está actuando en una monumental gira de Authentic Flamenco, por quince ciudades de Bélgica, Francia, Reino Unido, Estados Unidos y Canadá.
Esta gran bailaora y coreógrafa cordobesa ya sedujo con su expresividad, embrujo y autenticidad al público de Nueva York cuando actuó, junto a Amador Rojas, en septiembre del pasado año, en el primer viaje del Teatro Real a Estados Unidos.
Tras el éxito de su primera visita a Nueva York en septiembre del año pasado, la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Juanjo Mena, ofrecerá un concierto en el David Geffen Hall del Lincoln Center, el próximo 16 de octubre a las 20.00 horas.
El programa estará compuesto por El amor brujo, de Manuel de Falla, el Concierto para violonchelo, de Antonín Dvořák, y dos obras que reflejan la influencia de Falla en la creación musical del siglo XX: las suites de Daphnis et Chloé, de Maurice Ravel, y la Suite Panambí, del compositor argentino Alberto Ginastera.
Participarán en el concierto dos grandes artistas españoles: la cantaora Esperanza Fernández -nominada a los Grammy Latinos en 2008 por su disco Recuerdos– se enfrentará a una de las más importantes partituras de Falla, que requiere intensidad dramática, desgarro y autenticidad para reflejar el embrujo y la raíz gitana de la obra; y el violonchelista Pablo Ferrández -con una impresionante carrera artística y gran prestigio internacional-, será solista en el bellísimo concierto de Dvořák estrenado en Nueva York en 1893, pero con melodías que rezuman la nostalgia de las canciones, paisajes y perfumes bohemios.
Completan el programa tres suites creadas por sus compositores a partir de partituras de ballet: la Suite Panambí, de Alberto Ginastera, evoca el mundo de los indios guaraníes a través de atmósferas contrastantes que articulan el impresionismo musical europeo y la herencia musical indígena; y las dos populares suites del ballet Daphnis et Chloé, de Maurice Ravel, con su rica paleta tímbrica y armónica, permitirán a la Orquesta Titular del Teatro Real lucir la belleza de su sonido y también su ductilidad, bajo la dirección de Juanjo Mena, que goza de gran prestigio en Estados Unidos, país donde dirige habitualmente desde 2004.
El 17 de octubre, a las 19.00 horas, el Cuarteto de Solistas de la Orquesta del Teatro Real -con Gergana Gergova (violín I), Sonia Klikiewicz (Violín II), Wenting Kang (viola) y Dragos Balan (violonchelo)- ofrecerá un concierto con obras españolas de los siglos XIX y XX: el Cuarteto de cuerda nº 1 en re menor, de Juan Crisóstomo de Arriaga (1806-1826); La oración del torero, de Joaquín Turina (1882-1949); y Vistas al mar, de Eduard Toldrá (1895-1962). Los compositores, de distintos períodos y procedencias -Arriaga, del País Vasco; Joaquín Turina, de Andalucía; y Eduard Toldrá, de Cataluña- tienen en común la articulación de la tradición musical europea de su tiempo con la riqueza y diversidad del patrimonio artístico español.
El acceso al Concierto del Cuarteto de Solistas del Teatro Real, que hace su debut en Nueva York, es gratuito, mediante inscripción previa en este link. También podrá ser seguido en directo a través de la cuenta de Facebook de la Americas Society.
Coincidiendo con los conciertos en el Lincoln Center y en la Americas Society, prosiguen en Estados Unidos las giras de Authentic Flamenco, con actuaciones en diferentes ciudades a lo largo de seis meses. En Nueva York los espectáculos tendrán lugar en la Fundación Ángel Orensanz y estarán protagonizados por la bailaora Yolanda Osuna, que actuará junto a Juan Fernández (baile), Bernardo Miranda y Manu Soto (cantaores), Miguel Pérez y Juan Marín (guitarras) y Juan Diego Sáez (saxofón).
La antigua sinagoga, reconvertida en centro cultural y artístico por el escultor aragonés Ángel Orensanz, que anima el Lower West Side neoyorquino, acogerá ocho actuaciones protagonizadas por Yolanda Osuna, que desde mayo y hasta diciembre está actuando en una monumental gira de Authentic Flamenco, por quince ciudades de Bélgica, Francia, Reino Unido, Estados Unidos y Canadá.
Esta gran bailaora y coreógrafa cordobesa ya sedujo con su expresividad, embrujo y autenticidad al público de Nueva York cuando actuó, junto a Amador Rojas, el pasado septiembre, en el primer viaje del Teatro Real a Estados Unidos.
La calidad de la programación artística del Teatro Real y la independencia y autonomía de su modelo de gestión son destacadas con frecuencia en la prensa musical especializada europea. Este segundo viaje del coliseo madrileño a Nueva York permitirá acercar la institución a un público más amplio y diversificado, dentro de la estrategia global de proyección internacional que viene desarrollando con ahínco en los últimos años.
El compromiso del Teatro Real con la divulgación de la música, la ópera y también el flamenco en todo el mundo, le ha llevado a tender puentes muy especiales con Europa y los países latinoamericanos –Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, es el actual presidente de Opera Europa y miembro muy activo del consejo asesor de OLA-Ópera Latinoamérica-. Asimismo, en los últimos años se están creando lazos de colaboración con países de Asia, desde China e India a los Emiratos Árabes Unidos, y también con Estados Unidos. Sin duda, este nuevo viaje a Nueva York permitirá al coliseo lírico de Madrid reforzar sus vínculos con el público, las empresas y las instituciones norteamericanas.
MyOperaPlayer, con una amplia oferta de producciones operísticas, conciertos, danza y flamenco procedentes de cerca de cincuenta teatros y auditorios de Europa, América y Asia, es una vía privilegiada de difusión musical con los más altos estándares de calidad, frecuentes retransmisiones en directo y una actualización permanente de su catálogo. El viaje a Nueva York servirá también para divulgar esta plataforma audiovisual internacional, afianzando su enorme potencial para acercar la programación del Teatro Real a los estadounidenses en estos tiempos convulsos en los que el arte y la música son más necesarios que nunca.
La Gala en el Lincoln Center contará con la presencia de la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, y con Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, su patrocinador principal. La Gala tiene a la FUNDACIÓN AHCES, IBERIA y EL CORTE INGLÉS como promotores y cuenta con el apoyo de ABANCA, BANCO SANTANDER, CUATRECASAS, PÉREZ-LLORCA, DRAGADOS, FUNDACIÓN PRIMAFRIO, TURESPAÑA, SKADDEN, DELOITTE, MANAGEMENT SOLUTIONS y la colaboración académica del IESE.
El Ballet del Gran Teatro de Ginebra debutará esta noche en el Teatro Real, con un programa compuesto por dos coreografías de su actual director, Sidi Larbi Cherkaoui: Faun y Ukiyo-e, con el que dará comienzo la temporada de danza del coliseo madrileño.
Reconocida y respetada por sus interpretaciones de las grandes coreografías contemporáneas, la compañía, creada en 1962, confía su futuro, el pasado año, a Sidi Larbi Cherkaoui, una de las figuras más celebres y brillantes de la danza actual, con más de un centenar de creaciones coreográficas, cuya dirección artística apuesta por abrirse a nuevas disciplinas y enriquecer su repertorio actual con nuevos títulos.
A partir de la legendaria coreografía Preludio a la siesta de un fauno, de Nijinski, basada en el famoso poema de Stéphane Mallarmé sobre el despertar del Fauno en el bosque -y que causó sensación en 1912-, Sidi Larbi Cherkaoui desarrolla Faun.
Frente a la versión del artista ruso, en la que los bailarines siguen siendo muy bidimensionales, como figuras de un jarrón griego, la visión de Cherkaoui resalta los aspectos mitológicos y animales presentándolos de una manera más física, más intensa. El énfasis se pone en el hecho de que el fauno es mitad humano y mitad animal, dotándolo de movimientos más salvajes y despreocupados, mientras la ninfa se asemeja a la versión original, profundamente arraigada en el bosque. La interacción entre ambos es inocente, pero siempre cargada de tensión sexual, como en la coreografía de Nijinsky.
Para reforzar esta idea, Cherkaoui pidió al compositor Nitin Sawhney que intercalara la música de Debussy con su propio lenguaje musical, deslizándola, casi inadvertidamente, de un estilo y una cultura, a otra y de un siglo a otro.
Creado con los 22 artistas del Ballet del Gran Teatro de Ginebra, y estrenado en su sede el pasado año, Ukiyo-e es el último trabajo coreográfico de Sidi Larbi Cherkaoui y el primero como director de la compañía. Con él nos invita a meditar sobre nuestra capacidad de resistencia, de supervivencia en un mundo de crisis crónicas, mostrando seres en busca de simbiosis con su entorno.
Para esta obra, el coreógrafo se inspiró en el término japonés Ukiyo-e, que da nombre a un movimiento artístico surgido en el periodo Edo y centrado en la captura del instante, del momento presente, como si fueran «imágenes de un mundo flotante». La performance busca posibles caminos en este universo suspendido y examina las constantes negociaciones a las que se ven sometidos nuestros cuerpos, tanto físicos como sociales. Explora las tensiones entre el movimiento limitado y la turbulencia, entre la compartimentación y la apertura, y entre el aislamiento y la coexistencia.
Mirando más allá de las dualidades, Sidi Larbi Cherkaoui propone cuerpos que no se acaban en la piel, donde lo físico no se privilegia sobre el espíritu, donde lo humano no se diferencia de lo no humano. La coreografía se desarrolla dentro de una estructura en movimiento, creada en colaboración con el escenógrafo Alexander Dodge, mostrando una red de escaleras imposibles en las que los bailarines se pierden. Estas laberínticas estructuras móviles -ambivalentes en el sentido de que son puentes, pero también obstáculos- evocan tanto la idea de ascensión como la de abismo.
En el marco de las actividades paralelas de Medea, el Teatro Real ha organizado dos conciertos extraordinarios con el Cuarteto Barbican en la Sala de Orquesta del Teatro Real (4 de octubre, a las 20 horas) y en la Sala Principal del Real Teatro Retiro (5 de octubre, a las 19.30 horas).
El Cuarteto Barbican -con Amarins Wierdsma y Kate Maloney (violines), Christoph Slenczka (viola) y Yoanna Prodanova (violonchelo)- interpretará el Cuarteto de cuerda nº 2 en do mayor, de Luigi Cherubini y el Cuarteto nº 15 en la menor, Op. 132, Ludwig van Beethoven, gran admirador del compositor de Medea.
Esta formación musical, fundada en 2014 en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, recibió un gran impulso el año pasado, tras la incorporación de la violinista Kate Maloney. Apenas 6 meses después, el cuarteto logró el primer premio en el 71º Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda ARD, y también recibió el premio especial a la Mejor Interpretación de la obra encargada por Dobrinka Tabakova, el premio especial de producción de CD Genuin Classics, el premio GEWA y el premio Henle Urtext. A este éxito le siguió el tercer premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda de Burdeos, en mayo de 2022.
Después de sus actuaciones en festivales como Peasmarsh Festival, el Vibre! de Burdeos, el Zeister Muziekdagen, el Festival de Música de Cámara de Montreal, el IMS Prussia Cove y el Festival de Aldeburgh, esta formación, vinculada a la Escuela Superior de Música Reina Sofía, se estrena en el Teatro Real con dos obras que unen el clasicismo y el romanticismo en los albores del siglo XIX.
Fotografía (c) Andrej Grilc
ADMIRADO Y ADMIRADOR
LUIS GAGO
Al escuchar las dos obras del programa que va a tocar esta tarde el Cuarteto Barbican, muchos pensarán sin duda que fue el clásico, ordenado y conservador Luigi Cherubini quien admiró incondicionalmente –como tantos otros de sus contemporáneos– al innovador, caótico e iconoclasta Ludwig van Beethoven, pero la realidad fue justamente la contraria. El compositor alemán, que no acostumbraba a prodigar elogios, dedicó no pocos a su colega italiano, de quien tan solo en 1802 se representaron en Viena sus óperas Lodoïska, Les deux journées (en dos producciones diferentes), Eliza y, por supuesto, Médée. Cherubini viajó a Viena, aclamado por sus admiradores, en 1805 y, según Franz Grillparzer, el amigo de Schubert, ambos compositores se conocieron en casa de Joseph Sonnleithner, el libretista de la primera versión de Fidelio, una obra encuadrable en el género de la «ópera de rescate», al que también pertenece, quizá no casualmente, Eliza.
El 15 de marzo de 1823, tan solo dos años antes de componer el Cuarteto op. 132, Beethoven entregó a su amigo Louis Schlösser, a punto de viajar a París, una carta para que se la entregara en mano a Cherubini. En ella leemos: «Con gran placer aprovecho esta oportunidad para escribirle. Lo he hecho frecuentemente en espíritu, ya que valoro las suyas por encima de todas las demás obras teatrales. El mundo artístico tiene sólo que lamentar que, al menos en nuestra Alemania, haya pasado tanto tiempo desde que no se ha presentado una nueva obra teatral suya. Por alta que sea la estima que sienten los verdaderos conocedores por sus demás obras, es, sin embargo, una gran pérdida para el arte no contar con ningún nuevo fruto de su gran genio para el teatro». Podría pensarse que Beethoven lo halagaba simplemente porque en esa misma carta le pedía interceder ante el rey Luis XVIII –a quien también había escrito él directamente poco antes– para que se suscribiera a la primera edición de su Missa solemnis. Pero sabemos con certeza que copió fragmentos de sus óperas para estudiarlos detenidamente y otros documentos dan fe asimismo del entusiasmo sincero que le despertaba su música.
En una carta dirigida al copista Peter Gläser a finales de abril de 1824 (más cerca aún, por tanto, de la composición del Cuarteto op. 132), Beethoven defiende la práctica de introducir cortes o añadidos en sus obras «como esos grandes hombres», y a continuación cita –atención a la lista– solo tres nombres: «Haydn, Mozart, Cherubini». Cuando Cipriani Potter le preguntó en 1818 quién era el más grande compositor vivo, aparte de él mismo, Beethoven contestó: «Cherubini». La admiración que sentía por el autor de Médée era, pues, genuina, aunque no fue recíproca, y tendría aún una última manifestación post mortem: el Réquiem en do menor de Cherubini, que Beethoven había confesado preferir al de Mozart, se interpretó en su memoria en la Karlskirche y la Augustinerkirche de Viena los días 5 y 26 de abril de 1827, muy poco después de su muerte.
PROGRAMA
LUIGI CHERUBINI (1760 – 1842)
Cuarteto de cuerda nº 2 en do mayor
Lent – Allegro
Lent
III. Scherzo. Allegro assai
Finale. Allegro vivace
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827)
Cuarteto nº 15 en la menor, Op. 132
Assai sostenuto – Allegro
Allegro ma non tanto
III. Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit, in der Lydischen Tonart. Molto Adagio – Neue Kraft fühlend. Andante – Molto adagio – Andante – Molto adagio (Mit innigster Empfindung)
Alla marcia, assai vivace – Più allegro
Allegro appassionato – Presto
Cuarteto Barbican Amarins Wierdsma, violín Kate Maloney, violín Christoph Slenczka, viola Yoanna Prodanova, violonchelo
4 de octubre, miércoles, a las 20.00 horas
Sala de Orquesta del Teatro Real
5 de octubre, jueves, a 19.30 horas
Real Teatro de Retiro
ENTRE LA ÓPERA CLÁSICA Y LA ROMÁNTICA
Por Diego Manuel García Pérez
La larga vida de Luigi Cherubini (Florencia, 1760 – París, 1842), le permitió cultivar la ópera clásica, y en el caso de su Medea, introducir ciertas características de la llamada “reforma de Christoph Willibald von Gluck”, que se manifiestan, sobre todo, en su ópera Alceste, donde el compositor alemán planteaba que la música debía mantener una perfecta simbiosis con el texto poético en la expresión de sentimientos y situaciones, sin interrumpir la acción dramática con un canto decorativo y ornamentado. En Medea también aparecen características de la futura ópera romántica. Cherubini dota de gran relieve a la orquesta, cuya función llega a ser tan importante como los propios números vocales, donde se insertan interludios musicales de mayor o menor entidad, en conjunción con el coro, también de suma importancia con sus muy numerosas intervenciones en esta ópera. El libreto de Medea estructurado en tres actos, fue escrito por el dramaturgo y crítico francés François-Benoit Hoffman, basándose en las obras teatrales de Eurípides y de Pierre Corneille, con una brillante versificación, donde en el entramado musical se insertaban numerosos y amplios diálogos meramente teatrales. Es muy interesante resaltar que, en muchos momentos de esta ópera, escuchamos una música que nos recuerda, sobre todo en las amplias introducciones orquestales de los actos I y III, un claro estilo sinfónico beethoveniano. Teniendo en cuenta que Medea se estrenó en 1797, antes de que Beethoven compusiera sus primeras sinfonías, está claro que Cherubini influyó en la música del gran compositor alemán. Medea se estrenó el 13 de marzo de 1797, en el Théâtre Feydeau de París, con una tibia acogida. En 1802, traducida al italiano se estrenó en Viena, y en años siguientes fue representada con éxito en diferentes ciudades germánicas. En 1853, ya fallecido Cherubini, el compositor Franz Lachner, entonces director musical de la Ópera de Munich, realiza una versión traducida al alemán donde los iniciales diálogos teatrales eran sustituidos por recitativos acompañados con música compuesta por el propio Lachner. Esta versión se estrenó en Frankfurt, en 1854, con un gran éxito. En 1909 se produjo el estreno en Italia, en el Teatro alla Scala, en una traducción al italiano de la versión de Franz Lachner, realizada por Carlo Zangarini (libretista de la Fanciulla del West de Giacomo Puccini). Este montaje scalígero de Medea se realizó para que fuese interpretada por la gran soprano dálmata-italiana Ester Mazzoleni, una cantante de muy bella y rotunda vocalidad, con gran capacidad teatral, características fundamentales para interpretar el personaje de Medea. A partir de entonces la ópera prácticamente no vuelve a ser representada. Su recuperación (versión de Zangarini), se produjo en el Maggio Musicale Fiorentino de 1953, con la soberbia interpretación de María Callas.
Las interpretaciones en francés de Medea (Médée).
La versión de Medea en italiano de Carlo Zangarini, fue también traducida al francés como Médée, siendo muy bien interpretada por la mezzo norteamericana Shirley Verrett, en su actuación de 1986, en la Ópera de París (Palais Garnier), con la excelente dirección de Pinchas Steinberg (la toma en directo puede escucharse en YouTube). También cabe destacar la interpretación de la soprano Rosalind Plowright, en el Covent Garden, en 1989, donde también destacaba la presencia de una joven Renée Fleming, con una magnífica creación de Dircé (equivalente a la italianizada Glauce). La gran escena final puede escucharse en YouTube. La recuperación de la versión original en francés de Médée, estrenada por Luigi Cherubini en 1797, con los diálogos teatrales, se produjo en el Festival de Martina Franca de 1995, y en esta recuperación intervino activamente el director de orquesta y musicólogo Patrick Fournilleur, con una espléndida lectura de esta partitura, donde también brillaron la soprano georgiana Iano Tamar (Médée), la soprano italiana Patricia Ciofi (Dircé) y una sugestiva interpretación de la mezzo francesa Magali Damonte (Neris). Gran cantidad de números cantados así como interpretaciones orquestales pueden escucharse en YouTube. De auténtico interés es la versión que puede verse-escucharse, en el Teatro Imperial de Compiégne (localidad al norte de Francia), con una toma en video, en 1996, (disponible en YouTube), donde los amplios diálogos son interpretados por magníficos actores franceses, y las partes vocales por una serie de notables cantantes, con destacadas actuaciones de la soprano francesa Michele Command (Medée) y la entonces joven soprano albanesa Inva Mula (destina a una importante carrera). Ya en pleno Siglo XXI, la mezzo italiana Anna Caterina Antonacci, realiza una gran creación vocal y teatral de Medea, en la versión italiana, que interpretó en varias ocasiones, destacando su interpretación en el Teatro Regio de Turin, en 2008, con una toma en video (disponible en YouTube), muy bien dirigida musicalmente por Evelino Pidò y escénicamente por Hugo de Ana, (también responsable de la escenografía y un atractivo diseño de vestuario). Acompañando a una imponente Anna Caterina Antonacci, están la soprano de bella voz Cinzia Forte (Glauce) y la gran mezzo Sara Mingardo (Neris). Ese mismo año 2008, el Teatro La Monnai de Bruselas, se escenificó una nueva versión en francés de Medée, con la excelente dirección musical de Christopher Rousset al frente de su conjunto Les Talens Lyriques, con instrumentos originales que, de alguna manera, tratan de reproducir los sonidos originales de esta ópera. Respetando la parte musical y vocal, lo más polémico de esta nueva versión son unos nuevos diálogos escritos por el propio director de escena Krysztof Warlikowki, que, por momentos, tienen un carácter obsceno y malsonante, en un intento de modernizar esta ópera. La protagonista es la mezzo alemana Najda Michael, de una discreta vocalidad, con claras desigualdades en la emisión, compensadas por un imponente temperamento dramático. Su atuendo y caracterización la asemejan a una cantante rapera. La ópera fue repuesta en 2011, en el mismo teatro belga, y tomada en video. Algunos fragmentos pueden verse en YouTube, donde se comprueban las características de esta moderna y rompedora puesta en escena y la gran interpretación teatral de la mezzo alemana. El Teatro Real de Madrid, programa por primera vez Medea (Medée), con una nueva versión en francés, que viene representándose durante el presente mes de septiembre. Los nuevos recitativos realizados por el musicólogo, compositor y director de orquesta Alan Curtis (fallecido en 2015), siguen el estilo compositivo de Cherubini, quien en principio pretendió que esta ópera tuviese recitativos con acompañamiento orquestal, en vez de diálogos teatrales. Resulta muy complicado enjuiciar una ópera con tal cantidad de versiones.
“Difícilmente puedo pretender que no he cambiado el flujo dramático, pero mi objetivo era mejorarlo, Espero haber respetado lo esencial de la dramaturgia original e incluso las necesidades escénicas”. Alan Curtis Se hacía necesaria una versión crítica de la obra de Cherubini. Una revisión que, al menos en los aspectos estilísticos, resultara más adecuada al estilo del compositor y, sin duda, la de Alan Curtis es la que más se aproxima. Consigue una coherencia en las formas que culminan, como ninguna otra versión, la transición entre el neoclasicismo de Hyden y el romanticismo de Beethoven. Para ello, Curtis utiliza soluciones similares a las que Cherubini había empleado en otras óperas en las que si había podido musicar los recitativos. Curtis tomó prestados y adaptó pequeños fragmentos que el compositor había utilizado antes para poner música a los recitativos de Medea. El resultado del trabajo ha sido una versión unánimemente reconocida y probablemente de la que Cherubini se sentiría muy orgulloso. La puesta en escena para el estreno de Medea en el Teatro Real se ha encargado al español Paco Azorín, que ya ha trabajado con éxito en este teatro. Su propuesta para esta nueva producción resulta familiar. Son muchos los elementos comunes con otras obras que hemos visto en este mismo escenario, desde las estructuras metálicas que suben y bajan, al fuego que nos evoca el anillo wagneriano visto recientemente. Se agradece la proyección de textos que facilitan enormemente la comprensión de la historia, aunque sobran las alusiones feministas en modo panfleto. También en esta versión los hijos de Medea son adolescentes, y no niños pequeños o incluso bebés, guardando así mayor fidelidad con el texto original de Eurípides. Muy bien la dirección y los movimientos escénicos de multitudes, y el no recargar en exceso el escenario de elementos que muchas veces no aportan nada, más allá de distraer o estorbar. La partitura de Medea está considerada una de las más grandes composiciones de la historia de la ópera. Mario Muñoz comenta en el programa de mano que “El tratamiento orquestal es muy refinado, más denso que el de sus contemporáneos, y la ambigüedad del personaje principal se refleja en su vocalidad compleja, que requiere de una actriz trágica que sepa cantar antes que, al contrario. Medea es tormenta y tormento a partes iguales, lo que anuncia la materia de los que estarán hechos los dramas durante todo el siglo XIX”. Y el director musical Ivor Bolton ha hecho una lectura muy adecuada de esta partitura. Alejándola del tedio en el que un drama como este hubiera caído de ser una versión más romántica. La musicalidad marcó el pulso neoclásico de la orquesta que fue ganando en intensidad a medida que avanzaba la obra. Los distintos acentos de la partitura quedaron bien definidos, desde la obertura, al carácter más oscuro en los momentos más dramáticos, aportándole una gran teatralidad. Además de su enorme dificultad, el rol de Medea ha estado siempre acompañado de una leyenda negra. La soprano que lo estrenó, durante la época de la Revolución Francesa, falleció después de haber interpretado varias funciones. En París y otras ciudades francesas empezó a correr la voz de que el motivo de su muerte había sido el esfuerzo extremo realizado para interpretar el personaje. La soprano que la sustituyó no corrió mejor suerte, ya que al poco tiempo acabó recluida en un manicomio. Era sin duda un papel con fama, como mínimo, de agotador, por lo que la mayoría de las cantantes se resistía a interpretarlo. Esto hizo que la ópera prácticamente desapareciese de los escenarios hasta que fue rescatada, casi de manera épica, por María Callas. Si hay una cantante actualmente que puede considerarse cercana al registro de una soprano assoluto, cuerda ya extinta, y que contaría con las características necesarias para abordar este rol, es sin duda Saioa Hernández. Su canto es seguro y homogéneo de principio a fin. Sorprenden esos sonidos oscuros, densos, con un punto siniestro que describe perfectamente al personaje. Y lo hace sin sacrificar ni timbre ni volumen, de la manera más natural. Sus agudos, que no son ni pocos ni fáciles, no tienen apuros, son brillantes y plenos. Con un recorrido cromático inacabable. Nos presentó una Medea sobria, llena de frialdad y magnetismo. Demostrando que es más importante una mirada que un gesto. En los momentos en los que Medea debe reconquistar a Jasón, consigue humanizar a la semidiosa hasta hacerla creíble, y se transformó en amenaza cuando aparecieron sus hijos. Saioa Hernández es Medea hasta la última nota, demostrando una capacidad vocal y física al alcance de muy pocas. No guarda nada, siempre generosa sobre el escenario. ¡Brava! Para el personaje de Jasón se ha contado con el italiano Francesco Demuro. Una voz, para mi gusto, falta del fuste y la heroicidad que requiere el personaje. El rol de Jasón es demasiado dramático para un lírico ligero. Su timbre y su poético fraseo aportaron el romanticismo dentro del drama. La princesa Dircé, con la que Jasón pretende casarse después de abandonar a Medea, está interpretada por la soprano valenciana Marina Monzó. De voz luminosa y mediterránea, Monzó dotó de inocencia y juventud a su personaje. Su voz va evolucionando sin perder un ápice de agilidad en sus radiantes agudos. A Neris, confidente de Medea, le dio vida la valenciana Silvia Tro Santafé, una mezzosoprano a la que escuchamos por aquí menos de lo que nos gustaría. Sobre el escenario es la elegancia personificada, tanto en el canto, que realiza con un gusto exquisito, como en la interpretación, como demostró en su aria principal. El británico Michael Mofidian interpretó a Caronte. Este bajo-barítono, más barítono que bajo, cumplió con su papel, aunque se habría agradecido una voz con algo más de consistencia y volumen. El resto del reparto estuvo a buen nivel, sobre todo la mezzo Alexandra Urquiola, y la soprano argentina Mercedes Gancedo, con un hermoso timbre y buen manejo de la escena. David Lagares, como Corifeo, siempre es una garantía. Fantástica la actuación del coro, que consigue una sonoridad que sobrecoge y envuelve. Nueva temporada, nueva producción y, por primera vez, Medea en el Teatro Real.
Texto: Paloma Sanz Fotografías: Javier del Real / Teatro Real
La referencial Medea de María Callas.
El próximo 2 de diciembre se cumplirá el centenario del nacimiento de María Callas, la cantante-actriz más famosa del Siglo XX. Callas puso de nuevo en circulación el concepto de soprano dramática de agilidad, que la convirtió en una interprete ideal para papeles como Norma, Violetta Valery de La Traviata y Lucia di Lammermoor, con un total dominio de la coloratura, pero también dotando a estos tres personajes de verdadera entidad dramática. También ofreció extraordinarias interpretaciones de la pucciniana Tosca. Aunque, es el papel de Medea donde mejor se conjugan su extraordinaria vocalidad y su inmensa capacidad teatral. Callas va ofrecer durante ocho años, entre 1953 y 1961, treinta y una representaciones de este personaje: en el Teatro Comunale de Florencia, Teatro alla Scala de Milán, Teatro La Fenice de Venecia, Ópera de Roma, Ópera de Dallas, Covent Garden y La Arena Epidaurus de Atenas. Cinco tomas en directo y una grabación en estudio (todas disponibles en youtube), dan idea de las interpretaciones que realizó de Medea, y de cómo fue evolucionando su concepción del personaje. Como ya se ha indicado, su debut se produjo con extraordinario éxito en Maggio Musicale Fiorentino de 1953, con la magnífica dirección orquestal de Vittorio Gui, acompañada por dos excelentes interpretes: la soprano Gabriela Tucci (Glauce), y la mezzo Fedora Barbieri (Neris), junto a otros notables cantantes: el tenor Carlos Guichandut (Jasón) y el bajo Mario Petri (Creonte). Aquí Callas está en su mejor momento vocal y ofrece extraordinarias interpretaciones de sus páginas solistas: en el Acto I “Dei tuoi figli” plena de intenso lirismo y ya en el Acto III, “Del fiero duol che il cor mi frange”; y, en la escena (auténticamente “de locura”, cuando mata a sus hijos), ofrece una portentosa interpretación vocal, con auténtico dominio del registro grave alternado con subidas al do bemol y do natural sobreagudos, junto a una actuación escénica verdaderamente sobrecogedora. El gran éxito conseguido en Florencia hace que diciembre de ese mismo año 1953, el Teatro alla Scala, reajuste su programación y sea representada la Medea interpretada por Callas, pocos días después que Renata Tebaldi hubiera inaugurado la temporada scaligera con La Wally de Alfredo Catalani, fomentándose aún más, la rivalidad de ambas cantantes. Aquella Medea estuvo magníficamente dirigida por un joven Leonard Bernstein, prácticamente desconocido en Europa; y, junto a Callas, de nuevo Barbieri, y otros notables interpretes: la soprano gallega Maria luisa Nache (Glauce), Gino Penno (Jasón) y Giuseppe Modesti (Creonte). En la grabación de estudio de 1957, dirigida por Tullio Serafin, donde la Callas, aún realizando una gran interpretación, no estaba tan brillante como en las tomas en vivo. Cabe resaltar en esta grabación la presencia de una jovencísima Renata Scotto (tristemente desaparecida el pasado mes de Agosto), con solo veintitrés años, quien realiza una magnífica creación de Glauce, mostrando su bella voz y gran capacidad interpretativa, en su gran aria del Acto I “O amore, viene a me!” de clara influencia mozartiana. Excelente la mezzo Miriam Pirazzini (Neris) y más discretos Mirto Picchi (Jasón) y Giuseppe Modesti (Creonte). En noviembre de 1958, se produjeron unas históricas representaciones de Medea, en la Ópera de Dallas dirigidas con buen pulso por Nicola Rescigno, donde Callas vuelve a ofrecer un altísimo nivel interpretativo, matizando aún más su interpretación del personaje. Aquí el papel de Jasón es interpretado de manera muy brillante por el tenor canadiense Jon Vickers (Jasón de referencia, y desde entonces compañero habitual de Callas en esta ópera), con una voz voluminosa y rotunda, excelente fraseador y capaz de dotar a su canto de múltiples matices. Vickers brilla sobremanera en su aria del Acto I “Or che piú no vedrò” de estilo mozartiano. Y, por fin, Callas tiene delante a un Jasón actuando a su altura en los intensos dúos “Nemici senza cor” del Acto I y “Figli miei, miei tesor” del Acto II. También cabe destacar la presencia como Neris de una jovencísima Teresa Berganza, quien canta magníficamente su gran aria del Acto II “Solo un pianto con te versare”, con obligatto de fagot. Completaban el reparto Nicola Zaccaria (Creonte) y la soprano Elisabeth Carron (Glauce), con muy notables intervenciones. También con dirección de Nicola Rescigno y con el mismo reparto, las funciones en el Covent Garden, en junio de 1959, con los cambios de Joan Carlyle (excelente Glauce) y de una jovencísima Fiorenza Cossotto (poderosa Neris). En diciembre de 1961, en el Teatro alla Scala, con la brillantísima dirección orquestal de Thomas Schippers, puede escucharse a una Callas ya en peores condiciones vocales, pero ofreciendo su incomparable teatralidad, con una matizadísima actuación, donde ofrece un retrato más sutil y estilizado del personaje. Aquí, de nuevo, con Jon Vickers y otras dos extraordinarias voces: Giulietta Simionato (Neris) y un joven Nicolaï Ghiaurov (Creonte), quien ofrece su excelente vocalidad, tanto en su aria del Acto I “Or che più non vedrò”, como en el gran dúo con Medea del Acto II “Date almen per pietà”, junto a una halagadora e implorante Callas. Completaba el reparto la soprano Ivana Tosini (Glauce). En estas funciones scalígeras, María Callas interpretó por última vez Medea, sin duda una de sus creaciones más paradigmáticas. Por Diego Manuel García Pérez
El Real Teatro de Retiro, el espacio del Teatro Real destinado a albergar los espectáculos dedicados al público infantil, juvenil y familiar, levantará el telón del primer espectáculo de la temporada el próximo sábado, 7 de octubre, para ofrecer una nueva, poética e idílica versión del popular cuento de Hans Christian Andersen (1805-1875), El patito feo.
La compañía de títeres Etcétera, en coproducción con el Centro Federico García Lorca de Granada, vuelve la mirada a la infancia del escritor danés para contar una fábula que aborda temas tan cruciales para la sociedad contemporánea como el bullying, el desprecio o la negación, pero también la generosidad, la belleza, la aceptación corporal, la autenticidad y el amor propio, para poner en valor la importancia de la bondad, el afecto y la imaginación como espacios de comprensión del mundo.
Hans Christian Andersen fue un niño diferente a los demás. Su físico, torpeza y baja clase social, le llevaron a sufrir acoso y rechazo. Halló refugio en la literatura, el teatro, los títeres o los papeles recortados y consiguió metamorfosear sus heridas y convertirlas en cuentos, que cientos de años después se leen en el mundo entero, y se revelan como auténticos relatos que forman parte del patrimonio de la humanidad.
El espectáculo se inspira además en una parte menos conocida del legado de Andersen: los papeles recortados que hizo durante toda su vida, también con el objetivo de contar historias. A través de sus formas se construye un estanque musical por el que transitarán los títeres y la narración, acompañados por la orquesta de cámara Murtra Ensemble interpretando en vivo la música de Jordi Cornuella.
