Va de Bach

El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 13 de abril, el estreno absoluto de Va de Bach, nueva creación de la compañía Aracaladanza en la que, a través de la música de Johann Sebastian Bach, exploran y deconstruyen los límites del escenario con nuevas coreografías que buscan acercar la danza contemporánea a nuevos espectadores.

Así, la compañía quiere liberar la imaginación de un público de todas las edades –recomendado a partir de cuatro años- para disfrutar sin prejuicios ni normas de la música de un compositor cuya obra definen como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación”.

Basado en la idea original de Enrique Cabrera, director, coreógrafo y fundador de Aracaladanza, Va de Bach toma forma a través de un gorila triste, una mano gigante y cinco bailarines de la compañía: Carolina Arija, Jonatan de Luis, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Lydia Martínez, intérpretes y creadores coreográficos, y la participación de la actriz Carla Maró.  Juntos construyen un espectáculo sin estructura argumental o narrativa convencional en el que no buscan coreografiar su música (con variaciones y versiones), si no bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos.

El compositor español Luis Miguel Cobo ha sido el encargado de la “reconstrucción” y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función para dotarlas del carácter necesario para cada momento y movimiento. Se escucharán son fragmentos de Badinerie, Suite orquestal Nº2, BWV 1067; el Preludio Nº2 en Do menor de El clave bien temperado, BWV 847; el  Aria “Ja, tausendmal tausend begleiten den Wagen” de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43 y el Concierto de Brandenburgo Nº3 BWV 1048.

Completan el equipo la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, el diseñador de iluminación Pedro Yagüe, el video creador Álvaro Luna, los responsables de vestuario Gabriel Besa Pilar López Jurado, y el realizador de atrezzo y marionetista Ricardo Vergne.

Con mucha curiosidad e imaginación, Aracalandaza se pregunta: ¿y si el telón de fondo es rojo terciopelo? ¿Y el suelo, dorado?

¿Y si armamos una mano gigante como la que podría tocar un órgano gigante?

¿Y si hay pianos diminutos? ¿Y si unos globos acaban cantando? ¿Y qué pasaría si llegaran a pincharse?

¿Y si bailamos un malambo colectivo a ritmo de Bach?

¿Y si unas presuntas pelucas barrocas regalan metros de papel?

¿Y si nos volvemos locos, nos emocionamos y reímos con Bach, su música y su

universo?

Todas estas preguntas y muchas más, en Va de Bach. Y para todo lo demás, ¡Bach!

La compañía madrileña Aracaladanza, reconocida mundialmente como pionera y abanderada de un riguroso lenguaje escénico de alta calidad para público familiar e infantil, tiene experiencia en la re-construcción de universos de grandes artistas que han dejado huella en el imaginario universal. Aracaladanza ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, reiteradamente premiada en FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas) y ganadora de varios MAX. Sus espectáculos El Bosco (“Pequeños paraísos”), Magritte (“Nubes”), Miró (“Constelaciones”) y Leonardo (“Vuelos”) han inspirado espectáculos de gran formato que han sido disfrutados en los cinco continentes por miles de jóvenes espectadores.

Fotógrafo: © marcosGpunto

Temporada 24:25
  • En la próxima temporada se ofrecerán 19 títulos de ópera con 1 estreno absoluto, 6 nuevas coproducciones (3 de las cuales se estrenan en el Teatro Real), 10 títulos que nunca se presentaron en el Teatro Real, 2 producciones invitadas de otros teatros, 2 óperas en versión semiescenificada y 8 en versión de concierto.
  • La programación de danza tendrá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas y una producción de ópera coreografiada y se ofrecerán 15 conciertos.
  • Después de la actual temporada de ópera, con importantes estrenos del siglo XX, en la próxima se privilegiarán los dos siglos anteriores. Habrá 8 obras barrocas, 2 óperas de Mozart adscritas al clasicismo, 6 óperas del siglo XIX, 2 óperas del siglo XX y 1 del siglo XXI (más las 2 que se anunciarán en el futuro, en el Teatro Español y en Teatros del Canal).
  • El compositor más presente será Georg Friedrich Händel, con 4 títulos Tamerlano, Alcina, Theodora y Jephtha-, uno de los cuales, la nueva coproducción de Theodora, traerá al Teatro Real por primera vez a la aclamada directora de escena británica Katie Mitchell. La dirección musical será de Ivor Bolton, profundo conocedor de Händel, que ya dirigió 3 óperas suyas en el  Real –Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023)-. Conforman el reparto Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon y Callum Thorpe.
  • Dentro del repertorio barroco se presentarán 2 óperas francesas: el estreno en España de David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier -con el Ensemble Correspondances y Sébastien Daucé- y Las indias galantes, de Jean-Philippe Rameau, en una versión coreografiada por Bintou Dembélé, con dirección musical de Leonardo García Alarcón -que triunfó hace dos años con el L’Orfeo, de Claudio Monteverdi, en otra “versión operística bailada” dirigida por Sasha Waltz-.

  • También se estrena en España L’uomo femmina, de Baldassare Galuppi -con Le Poème Harmonique y Vincent Dumestre- y se recupera una ópera española injustamente olvidada, La Merope, de Domènec Terradellas, que se escuchará por primera vez en el Teatro Real con una nueva edición de la partitura, que será interpretada por la Akademie für Alte Musik de Berlín, bajo la dirección de Francesco Corti.
  • Aún en el siglo XVIII, ya en el clasicismo, se ofrecerán 2 óperas de Wolfgang Amadeus Mozart protagonizadas por reyes y separadas entre sí por 11 años: Mitridate, re di Ponto, e Idomeneo, re di Cresta. La primera es una nueva producción que volverá a unir a Ivor Bolton y Claus Guth en una ópera de juventud de Mozart, después del éxito de ambos en Lucio Silla, en 2017; la segunda, una versión historicista semiescenificada dirigida por René Jacobs, con puesta en escena de Benoît de Leersnyder.
  • Del XIX se estrenará en el Real una nueva producción de Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti (que nunca se ha hecho en su escenario) con dos repartos estelares -Lisette Oropesa, Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi; y Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé, Airam Hernández…-, dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y puesta en escena de David McVicar.
  • De Giuseppe Verdi se presentarán tres títulos. Attila e I lombardi alla prima crociata, anclados todavía a los modelos de gran ópera decimonónica, y ambos con libretos de Temistocle Solera -empresario del Teatro Real a mediados del siglo XIX- serán interpretadas en versión de concierto por repartos verdianos de gran solvencia. Nicola Luisotti dirigirá Attila -con Christian Van Horn, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano y Artur Ruciński-, y Daniel Oren estará al frente de I lombardi allá prima crociata, encabezada por Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito e Iván Ayón Rivas.
  • La traviata llegará en la icónica producción de Willy Decker que estaba prevista para 2020 y que tuvo que posponerse por la pandemia. Un doble reparto de grandes solistas -Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Juan Diego Flórez, Iván Ayón Rivas, Luca Salsi, Artur Ruciński, Albert Casals…- actuará bajo la dirección de Henrik Nánási, que debutará en el Real.
  • Despidiendo el siglo XIX, dos óperas rusas basadas en obras de Aleksandr Pushkin, de quien se conmemora el 225º aniversario de su nacimiento. La nueva producción de Eugenio Oneguin de Piotr Ilich Chaikovski, con dirección de escena de Christof Loy, traerá de nuevo al Teatro a Gustavo Gimeno, después de su enorme éxito en El ángel de fuego, de Sergei Prokofiev, en 2022. El cuento del Zar Saltán, de Rimski-Kórsakov, se estrenará en el Real con una nueva producción concebida por Dmitri Tcherniakov -que retorna al Teatro después de 11 años- y dirección musical de Karel Marc Chichon.
  • Ya en los albores del siglo XX, la ópera verista Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea, será la que inaugure la temporada con la aplaudida producción de David McVicar y la infalible dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de dos repartos en que se alternan, en los papeles principales, Ermonela Jaho y Maria Agresta; Brian Jagde y Matthew Polenzani; Elina Garanča, Nicola Alaimo y Manel Esteve.
  • Un doble programa unirá La vida breve, de Manuel de Falla -título que reinauguró el Teatro Real en 1997- y el estreno absoluto de Tejas verdes, de Jesús Torres, a partir de la obra homónima del chileno Fermín Cabal y del Cancionero y romancero de ausencias, de Miguel Hernández. Jordi Francés, que dirigió el estreno de Tránsito, con gran éxito, en 2021, volverá a alumbrar una nueva partitura de este compositor.
  • Para dar vida a estos títulos, el Teatro Real ha invitado a directores, coros y orquestas de gran prestigio y los intérpretes más idóneos para cada obra, contando la excelencia de sus cuerpos estables, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. El primero, bajo la escrupulosa dirección de José Luis Basso; y la Orquesta, con el trabajo y dedicación de su director musical, Ivor Bolton, la maestría de su sucesor en el cargo (a partir de la próxima temporada) Gustavo Gimeno, y la asidua y entusiasta participación de Nicola Luisotti, director invitado del Teatro Real.

TEMPORADA DE ÓPERA

Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea | Producción invitada | Patrocina Fundación BBVA

Producción de la Royal Opera House, el Gran Teatre del Liceu, la Wiener Staatsoper, la Opèra national de Paris y la San Francisco Opera

DM: Nicola Luisotti DE: David McVicar. Reparto: Ermonela Jaho, Maria Agresta, Nicola Alaimo, Brian Jagde, Mathew Polenzani, Manel Esteve

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

23 septiembre – 11 octubre | 13 funciones | 2 repartos

David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier | Versión de concierto

DM: Sébastien Daucé. Reparto: Petr Nekoranec, Gwendoline Blondeel, Jean-Christophe Lanièce…

Ensemble Correspondances

27 septiembre | función única

Theodora, de Georg Friedrich Händel | Nueva producción del Teatro Real | Estreno en España de la versión escénica

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Opera House

DM: Ivor Bolton. DE: Katie Mitchell. Reparto: Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon, Callum Thorpe…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

11 – 23 noviembre| 7 funciones | 1 reparto

Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti | Nueva producción del Teatro Real | Estreno de la producción | Patrocina Fundación BBVA

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival – Bergamo y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas

DM: José Miguel Pérez-Sierra. DE: David McVicar. Reparto: Lisette Oropesa, Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi, Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé, Krzysztof Bączyk, Airam Hernández…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

14 – 30 diciembre| 10 funciones | 2 repartos

Alcina, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto

DM: Francesco Corti. Reparto: Elsa Dreisig, Sandrine Piau, Emily d’Angelo, Nadezhda Karyazina, Alex Rosen, Stefan Sbonnik y Bruno de Sá.

Il Pomo d’Oro

15 diciembre | función única

Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski | Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Santander

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Den Norske Opera & Ballett y el Gran Teatre del Liceu

DM: Gustavo Gimeno, Kornilios Michailidis. DE: Christof Loy. Reparto: Iurii Samoilov, Kristina Mkhitaryan, Bogdan Volkov, Victoria Karkacheva, Maxim Kuzmin-Karavaev, Katarina Dalayman, Elena Zilio, Juan Sancho…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

22 enero – 18 febrero| 10 funciones | 1 reparto

Idomeneo, re di Cresta, de Wolfgang Amadeus Mozart | Versión de concierto semiescenificada

DM: René Jacobs. Reparto: Emiliano González Toro, Olivia Vermeulen, Polina Pastirchak, Kateryna Kasper, Mak Milhofer, Kresimir Spicer, Yannick Debus

Zürcher Sing-Akademie, Freiburger Barockorchester

23 enero | función única

La vida breve, de Manuel de Falla / Tejas verdes, de Jesús Torres | Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, estreno absoluto de Tejas Verdes

DM: Jordi Francés. DE: Rafael R. Villalobos. Reparto La vida breve: Adriana González, Eduardo Aladrén, Ana Ibarra, Rubén Amoretti… Reparto de Tejas verdes: Natalia Labourdette, Maria Miró, Sandra Ferrández…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

13 – 22 febrero| 6 funciones | 1 reparto

La Merope, de Domènec Terradellas | Versión de concierto

DM: Francesco Corti. Reparto: Emőke Baráth, Pia Francesca Vitale, Paul-Antoine Bénos-Djian, Valerio Contaldo, Sunhae Im, Margherita Maria Sala

Akademie für Alte Musik de Berlín

21 febrero | función única

Mitridate, re di Ponto, de Wolfgang Amadeus Mozart | Nueva producción del Teatro Real. Estreno de la producción | Patrocina Endesa

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Oper Frankfurt

DM: Ivor Bolton. DE: Claus Guth. Reparto: Juan Francisco Gatell, Siyabonga Maqungo, Sara Blanch, Ruth Iniesta, Elsa Dreisig, Vanessa Goikoetxea, Franco Fagioli, Tim Mead, Pretty Yende, Sabina Puértolas…

Orquesta Titular del Teatro Real

23 marzo – 9 abril| 10 funciones | 2 repartos

L’uomo femmina, de Baldassare Galuppi | Versión de concierto

DO: Vincent Dumestre. Reparto: Eva Zaïcik, Lucile Richardot, Victoire Bunel, Anas Séguin, Victor Sicard y Paco García

Le Poème Harmonique

3 abril | función única

El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov | Nueva producción del Teatro Real | Patrocinan Consejo de Amigos y Fundación Amigos del Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Théatre Royal de La Monnaie / de Munt

DM: Karel Mark Chichon. DE: Dmitri Tcherniakov. Reparto: Bogdan Volkov, Ante Jerkunica, Svetlana Aksenova, Stine Marie Fischer, Bernarda Bobro, Carole Wilson, Nina Minasyan…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

30 abril – 11 mayo| 7 funciones | 1 reparto

Jephtha, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto

DM: Francesco Corti. Reparto: Michael Spyres y Joyce DiDonato.

Il Pomo d’Oro

1 mayo | función única

Attila, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto

DM: Nicola Luisotti. Reparto: Christian Van Horn, Artur Ruciński, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano, Moisés Marín e In Sung Sim.

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

14 y 17 mayo | 2 funciones

Tamerlano, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto

DM: René Jacobs. Reparto: Paul-Antoine Bénos-Dijan, Thomas Walker, Polina Pastirchak, Alex Chance, Helena Rasker y Matthias Winckhler.

Freiburger Barockorchester

16 mayo | función única

Las indias galantes, de Jean-Philippe Rameau | Versión semiescénica y coreográfica | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real

DM: Leonardo García Alarcón. DE: Bintou Dembélé. Reparto: Julie Roset, Ana Quintans, Mathias Vidal, Andreas Wolf

Cappella Mediterranea, Choeur de Chambre de Namur, CIE RUALITÉ

28 mayo – 1 junio | 4 funciones

La traviata, de Giuseppe Verdi  | Producción invitada | Patrocina Telefónica

Producción de la Dutch National Opera & Ballet

DM: Henrik Nánási, Francesc Prat. DE: Willy Decker. Reparto: Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Iván Ayón Rivas, Juan Diego Flórez, Luca Salsi, Artur Ruciński, Karina Demurova, Gemma Coma-Alabert, Albert Casals…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

24 junio – 23 julio| 18 funciones | 2 repartos

I lombardi alla prima crociata, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto

DM: Daniel Oren. Reparto: Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito, Iván Ayón Rivas, Miren Urbieta-Vega, David Lagares, Josep Fadó, Manuel Fuentes, y Mercedes Gancedo.

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

6 y 9 julio | 2 funciones

PROGRAMACIÓN DE DANZA

El BALLET DE SAN FRANCISCO debutará en el Teatro Real con El lago de los cisnes de Piotr Illich Chaikovski, coreografía de Helgi Tomasson creada en 2009, cuando era director artístico de la compañía, y que pone el foco en el personaje de Odette y su pasado. El viaje del Ballet de San Francisco a Madrid es el primer tour internacional de la compañía desde que Tamara Rojo asumió su dirección.

La COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA, dirigida por Joaquín de Luz, presentará Don Quijote en el Teatro Real con coreografía de José Carlos Martínez -director del Ballet de l’Opéra de Paris- inspirada en las famosas versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski, a las que Martínez añade un matiz más poético al personaje de don Quijote en su búsqueda del amor ideal.

El BALLET ESTATAL DE VIENA traerá al Teatro Real dos coreografías: Concertante -música de Frank Martin y coreografía de Hans van Manen– explora la idea de que aunque se esté cerca de alguien, no se sabe jamás lo que el otro está pensando; y 4 creada por el director de la compañía, Martin Schläpfer, con música de Gustav Mahler y casi 70 bailarines en escena, muestra una humanidad llena de deseos, expuesta y desamparada.

PROGRAMACIÓN DE CONCIERTOS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por 6 conciertos líricos con orquesta protagonizados por algunas de las voces más representativas de la actualidad: Juan Diego Flórez, Ludovic Tézier, Sondra Radvanovsky, Piotr Beczała, Asmik Grigorian, Michael Volle, Gabriela Scherer, Sabine Devieilhe y Stéphane Degout.

Completan la oferta la Gala Puccini con Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, la Gala del Teatro Real, el Concierto del Concurso Tenor Viñas y los 6 conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA.

EL REAL JOVEN

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas al público joven, tanto a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer, como a todos los jóvenes que descubren el Teatro Real por primera vez.  (El Real Joven es un proyecto que incluye acciones con Amigos Jóvenes y Jóvenes no Amigos)

Los  Jóvenes menores de 26 y los que tienen entre 26 y 35 años podrán beneficiarse de ventajas y descuentos en la compra de localidades: a través de la Butaca Joven, en venta preferente por 20 y 30 euros respectivamente, o de las localidades de Último Minuto, disponibles el mismo día de funciones seleccionadas de ópera, danza y Voces del Real, por 20 euros y 35 euros, según el tramo de edad.

Para los jóvenes prosiguen, dentro del Programa de Formación, los proyectos La universidad a escena, cursos y talleres diseñados para acercar la ópera a estudiantes universitarios a través del seguimiento activo de una producción operística en los diversos pasos y ámbitos del montaje; y ESÓpera, el concurso-taller organizado junto a la Comunidad de Madrid para estudiantes de 3º y 4º de ESO. Los ganadores del concurso reciben como premio la posibilidad de conocer el Teatro Real desde dentro, a través de una visita técnica, asistencia a ensayos y encuentros con profesionales de las artes escénicas.

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos y talleres presenciales con formatos y temas muy diversos destinados a estudiantes y al público general.

Merece una mención especial REALÍZAT-e, la plataforma audiovisual educativa del Teatro Real, que ofrece cursos online diseñados exclusivamente para ese soporte con profesores, profesionales de las artes escénicas y expertos de gran prestigio.

Para el programa La ópera al descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 5 talleres centrados en Theodora, Maria Stuarda, Mitridate, re di Ponto, El cuento del zar Saltán y La traviata.

En esta temporada se impartirán 4  cursos de aproximación a la ópera: Las protagonistas de la ópera (por Rosa Fernández), Comprender a Donizetti: Maria Stuarda (por Mario Muñoz), Aprender a escuchar ópera (por Sofía Martínez) -exclusivo para Amigos del Teatro Real- y Ópera y literatura (por Irene de Juan).

Se ofrecerán 4 cursos de Historia de la ópera y de la danza Historia de la ópera I (siglos XVII y XVIII), Historia de la ópera II (siglo XIX) e Historia de la ópera III (siglos XX y XXI)-, los tres impartidos por Gabriel Menéndez- y el curso Los ballets rusos de Diághilev, por Ana Abad.

Finalmente, habrá dos cursos sobre las profesiones de la ópera: Introducción a la dirección de escena (por Justin Way) y Regiduría de ópera (por Pepa Hernández).

REAL TEATRO DE RETIRO

La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se ofrecen desde hace más de un año en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades: 258 funciones en total, siendo 132 funciones familiares para todo público y 126 funciones escolares, incluyendo 18 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro!

Se ofrecerán dos óperas muy atractivas: la primera, una nueva producción de El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, con dirección musical de Miguel Huertas y dirección de escena de Alfonso Romero, enmarcada en el programa Opera Estudio del Teatro Real; y la segunda, una reposición de La cenicienta, de Pauline Viardot, que se presentó con gran éxito en la pasada temporada, con dirección musical de Francisco Soriano y dirección de escena de Guillermo Amaya. En ambas producciones participarán los cantantes y pianistas del proyecto Crescendo.

Los cuentos, tan sugerentes para el público infantil, serán presentados en distintos f

La pasajera
La pasajera (Die passagierin) Música de Mieczyslaw Weinberg (1919 – 1996) Libreto de Alexandre Medvedev, basado en la novela homónima (1962) de Zofia Posmysz Tetro Real de Madrid, 18 de marzo de 2024 D. musical: Mirga Gražinytè-Tyla D. de escena: David Pountney Escenografía: Johan Engels Vestuario: Marie-Jeanne Lecca Iluminación: Fabrice Kebour D. del coro: José Luis Basso Reparto: Amanda Majeski, Gyula Orendt, Anna Gorbachyova-Ogilvie, Lidia Vinyes-Curtis, Marta Fontanals-Simmons, Nadezhda Karyazina, Olivia Doray, Helen Field, Liuba Sokolova, Daveda Karanas, Nikolai Schukoff, Graeme Danby, Géraldine Dulex, Hrólfur Sæmundsson, Marcell Bakonyi y Albert Casals. Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real En conmemoración del décimo aniversario de la muerte de Gerard Mortier (1943-2014) La pasajera era uno de los títulos programados para la temporada en la que una pandemia nos privó de demasiadas cosas. Desde entonces han sido muchos los acontecimientos, demasiados, si tenemos en cuenta el poco tiempo transcurrido. Uno de esos acontecimientos ha sido, nuevamente, contra el pueblo judio.La pasajera es obra de Mieczyslaw Weinberg, un compositor con una mala combinación durante la Segunda Guerra Mundial, pues era polaco y judío. Padeció primero la tiranía de Hitler, donde perdió a su familia en uno de los campos de exterminio, y más tarde sufrió el régimen de Stalin, del que probó una de sus cárceles. Precisamente fue de esta cárcel de donde fue rescatado por el que sería su gran amigo y mentor, Shostakovich. El libreto de Alexander Medvedev, está basado en la obra homónima de Sofia Posmysz, superviviente de Auschwitz. Ambos elementos, música y texto, saben muy bien de qué hablan cuando nos cuentan esta historia. Es por eso por lo que uno abandona el teatro tras haberla visto, con una mezcla de satisfacción artística y sobrecogimiento íntimo.La música de Weinberg es fascinante. Se aprecia en ella la influencia de distintos compositores rusos, como Prokofiev. Pero la mayor de esas influencias es sin duda la de Shostakovich. Les unió siempre una gran amistad, a pesar de algunas diferencias que ha sabido describir muy bien el director de escena y gran defensor de la obra de Weinberg David Pountney: “Sentado en la angosta cocina de Manashir Yakubov, editor de la colección completa de Shostakóvich, comprendí que la diferencia fundamental entre Weinberg y Shostakóvich era que, por muy atormentado e introvertido que fuera, Shostakóvich siempre fue, ante todo, un artista público, mientras que Weinberg —un verso suelto, tanto de facto como por su propio temperamento— siempre se mantuvo en el ámbito privado, trabajando con melancólica obsesión por componer como justificación de su supervivencia, ya que fue el único de su familia que lo logró.” Fascinante resulta también la historia. Una exmiembro de la SS que había trabajado en Auschwitz como carcelera, viaja despreocupada en un placentero y divertido crucero, hasta que cree reconocer a Marta, una joven prisionera del campo de concentración con la que entabló una curiosa relación y que creía muerta. A partir de ahí aparece la culpa y el miedo por verse descubierta y juzgada y que este juicio afecte también a su marido, un diplomático a punto de ocupar su nueva plaza y que parece desconocer el pasado de su mujer.La partitura de Weinberg es de una riqueza en la orquestación extraordinaria. Llena de teatralidad y elementos cargados de originalidad, como la orquesta que ameniza el crucero, la pieza que con su violín interpreta Tadeusz, gran amor de Marta, o la deliciosa canción popular que interpreta Katja, amiga y compañera de Marta en el campo de exterminio. Toda la riqueza de elementos sonoros de la partitura tuvo como gran hacedora y protagonista a la directora lituana Mirga Grazynitè-Tyla. Gran conocedora de la obra de Weinberg, supo diferenciar cada elemento sonoro con gran precisión. Generando atmósferas íntimas y delicadas muy bien diferenciadas de los sonidos más contundentes y dramáticos. Todo desde un foso que se comió al menos dos filas de butacas para dar cabida al gran despliegue tímbrico de la abundante percusión.La escenografía de David Pountney y Johan Engels es sin duda uno de los puntos fuertes de esta producción. Ha sido capaz de crear algo exquisito para contar una historia de extraordinaria dureza. En un escenario dividido en dos partes, una superior, donde se sitúa el barco y la fiesta, y otra inferior, en la que se encuentran los barracones del campo de concentración, se suceden los flashbacks que van narrando la historia a través de un montaje que fluye con una acertada narrativa cinematográfica. La magnífica iluminación de Fabrice Kebor acentuaba cada una de las escenas potenciándolas. Al igual que el vestuario de Marie-Jeanne Lecca, que vistió de realismo a cada uno de los personajes.El elenco de cantantes se caracterizó por el equilibrio y la calidad. Está encabezado por la soprano estadounidense Amanda Majeski, con una proyección limpia y homogénea, demostró gran capacidad vocal y dramática dando vida a Marta, la misteriosa pasajera.Gran expresividad demostró también la mezzosoprano greco-estadounidense Daveda Karanas, en el rol de Lisa, la carcelera de Marta. Su actitud y presencia escénica llenaron de autoridad a su personaje en el campo de concentración, pero también supo mostrar el temor que le producía la presencia de la pasajera en su nueva vida.El tenor austríaco Nikolai Schukoff interpretó a Walter, el egoísta marido de Lisa al que solo importaba como afectaría a su carrera que se descubriese el pasado nazi de su esposa. Su material vocal es de gran calidad, con un timbre metálico y lleno de sonoridad.Las compañeras de Marta en el campo de concentración estuvieron a una gran altura, tanto las españolas Lidia Vinyes-Curtis y Marta Fontanals-Simmons, en sus roles de Krystyna y Vlasta, repectivamente. La francesa Olivia Doray, como Yvette y la rusa Nadezhda Karyazina, como Hannah. Entre todas brilló de manera especial la soprano rusa Anna Gorbachyova-Ogilvie, que en su rol de Katja sobrecogió al público con una canción popular rusa llena de sensibilidad en el segundo acto.Buena intervención también la del barítono húngaro Gyula Orendt, interpretando a Tadeusz, el violinista enamorado de Marta.Una fantástica producción de la que Gerard Mortier, a quien el Teatro ha dedicado estas funciones en el décimo aniversario de su muerte, estaría orgulloso.Texto: Paloma Sanz Fotografías: © Javier del Real | Teatro Real
Carmen Rene JACOBS

El próximo miércoles 27 de marzo podrá escucharse en el Teatro Real la versión original de la ópera Carmen, de Georges Bizet, tal y como la concibió el compositor en 1874, antes de que los responsables de la Ópera Cómica de París le exigieran los importantes cambios que configuraron la obra tal y como la conocemos hoy en día, y que él nunca llegó a escuchar.

Esta extraordinaria recuperación musical, que llega a nosotros en la edición crítica del musicólogo francés Paul Prevost, será interpretada, bajo la batuta de René Jacobs, por la B’Rock Orchestra y un elenco de lujo en el que destacan, en los papeles principales, la mezzosoprano Gaëlle Arquez (Carmen), el tenor François Rougier (Don José), la soprano Sabine Devieilhe (Micaela) y el barítono Thomas Dolié (Escamillo), entre otros. Junto a ellos, el Choeur de Chambre de Namur y los Pequeños Cantores de la ORCAM.

De las tres ediciones realizadas por Prevost – la del 1874, antes de que las exigencias externas modificaran su obra y su pensamiento; la de 1874-1875, tras los reajustes iniciales y las primeras representaciones, y la de 1875, publicada por Choudens poco antes de la muerte del compositor-, tras concienzudas investigaciones y análisis de los materiales existentes, René Jacobs se ha decantado por la primera de ellas, porque recoge el trabajo compositivo original de Bizet en su estado más puro, sin ninguna intervención externa, con una dramaturgia musical coherente y en la que se muestra como un maestro absoluto de las confrontaciones estilísticas entre personajes vulnerables, inofensivos, frívolos o violentos logrando un impresionante efecto teatral.

Georges Bizet había terminado completamente su partitura en el verano de 1874, sobre el libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, basado en la obra homónima de Prosper Mérimée. Al comenzar los ensayos sobre el escenario de la Opéra-Comique, empezaron también los problemas; con el coro, considerado demasiado numeroso y cuyos miembros protestaban sus partes tachándolas de ilegibles, por las exigencias de algunos de los solistas (especialmente de la protagonista), por los diálogos hablados sobre música, por la ausencia de escenas de baile y por las continuas injerencias de los directores del teatro. Bajo presión, el compositor accedió a todo.

Uno de los aspectos que más llaman la atención de esta recuperación es poder escuchar la famosa aria «L’Amour est enfant de bohème» antes de que los arreglos de Sebastien de Yradier, introducidos por exigencia de la mezzosoprano Célestine Galli-Marié –primera intérprete del mítico personaje- la transformasen en la famosa habanera que todos conocemos.

La idea original de la ópera es mucho menos hispanizante y la protagonista todavía no se presenta como una gitana. Es una mujer fuerte, frívola, con múltiples facetas y su carácter casi desafía al texto de Merimée. La obra es más una tragicomedia, con numerosas escenas ligeras, que un drama, y contiene parodias y alusiones que debieron encajarse mal en la época.

La versión de concierto que se escuchará en el Real es, en palabras de Jacobs “la reconstrucción de la ópera que Bizet nunca llegó a escuchar, pero con la que soñó”. Instrumentos de época con músicos especializados, un gran coro (adulto e infantil) y unas voces de primer nivel, todo lo necesario para extraer la enorme riqueza de colores que contiene la obra.

Fotografía (c) Philippe Matsas

José Luis Basso

José Luis Basso es director del Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo) desde el inicio de la presente temporada, habiendo sucedido a Andrés Máspero, que ostentó el mismo cargo desde 2010.

Desde el inicio de la temporada ha preparado el Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo) en todas las producciones y conciertos en los que ha intervenido: Medea de Luigi Cherubini, Luisa Fernanda de Federico Moreno Torroba,  Halka de Stanislaw Moniuszko, Rigoletto de Giuseppe Verdi, Lear de Aribert Reimann,  La pasajera de Mieczyslaw Weinberg y el concierto Las tres reinas, protagonizado por Sondra Radvanovsky. En todas estas obras la crítica ha elogiado, unánimemente, las actuaciones del Coro y el público las ha premiado con sonoros aplausos.

Actualmente está preparando las intervenciones del Coro en Los maestros cantores de Núremberg (estreno el 24 de abril) y en la obra La fiesta de amor de los apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), que se presentará el 25 de mayo en un concierto protagonizado por Nina Stemme, íntegramente dedicado a Richard Wagner. Ambas obras necesitan de un gran número de cantantes, por lo que a la plantilla fija del coro se unirán los refuerzos necesarios.

En Los maestros cantores de Núremberg el coro contará con 112 voces: 27 sopranos, 21 mezzosopranos, 24 tenores, 28 barítonos-bajos y 12 aprendices.

JOSÉ LUIS BASSO

En su carrera, José Luis Basso ha abordado un repertorio muy amplio, alternando regularmente el concierto, el oratorio y la ópera. Ha sido director de los coros del Liceu y de la Ópera Nacional de París, y del Teatro di San Carlo de Nápoles, entre otros, y ha participado en los principales festivales líricos.

El director argentino, que se formó musicalmente en Buenos Aires, donde estudió piano, dirección coral y orquestal, inició su actividad como director de coro en el Teatro Argentino de La Plata, donde preparó producciones de ópera y conciertos sinfónico-corales.

En 1989 comenzó su labor en el Teatro Colón de Buenos Aires, dirigiendo también el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que, en 1990, Romano Gandolfi, el que fuera legendario director de la Scala de Milán, lo contrató como su asistente en el Liceu de Barcelona.

En 1994 fue nombrado director del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles,  dando un nuevo dinamismo a la formación, muy alabada en Lohengrin y en la Novena Sinfonía de Beethoven.

A partir de 1996 es convocado por el Maestro Zubin Mehta al Maggio Musicale Fiorentino, donde destaca especialmente en Parsifal, dirigido por Semyon Bychkov, y Turandot,  bajo la batuta de Zubin Mehta. En 2000 fue galardonado por su trabajo en ese coliseo con el Premio Ina Assitalia Galileo.

Ha sido director del Coro y consultor artístico en el Gran Teatre del Liceu de 2004 a 2014, año en el que fue nombrado director del Coro de la Ópera National de París. En las siete temporadas siguientes, Basso obtuvo un gran éxito de público y crítica, especialmente con Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila, y Die Meistersinger von Nürnberg.

En 2021 comenzó a dirigir el Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, una labor reconocida el pasado mes de julio con el premio Caruso, que otorga la Asociación Maria Malibrán.

José Luis Basso  participa regularmente en festivales españoles como el Internacional Castell de Peralada, el Internacional de Santander y el Internacional de Música y Danza de Granada. Ha grabado varias óperas y álbumes para  Decca y Philips, entre ellas Turandot, La bohème, Aroldo y Tosca, y ha trabajado con los directores de orquesta más importantes de las últimas décadas. En 2003 recibió un Grammy Award junto al Coro del Maggio Musicale Fiorentino por el álbum Bel Canto de Renée Flemming.

CORO TITULAR DEL TEATRO REAL (CORO INTERMEZZO)

El Coro Intermezzo es el Coro Titular del Teatro Real desde septiembre de 2010, actualmente bajo la dirección de José Luis Basso. Ha cantado bajo la batuta de directores como Ivor Bolton (Jenůfa), Riccardo Muti (Requiem de Verdi), Simon Rattle (Sinfonía n.º 9 de Beethoven), Jesús López Cobos (Simon Boccanegra), Pedro Halffter (Cyrano de Bergerac), Titus Engel (Brokeback Mountain), Pablo Heras-Casado (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny), James Conlon (I vespri siciliani), Hartmut Haenchen (Lady Macbeth de Mtsensk), Sylvain Cambreling (Saint François d ’Assise), Teodor Currentzis (Macbeth), Lothar Koenigs (Moses und Aron), Semyon Bychkov (Parsifal), Michel Plasson (Roméo et Juliette), Plácido Domingo (Goyescas), Roberto Abbado (Norma), Evelino Pidó (I puritani), David Afkham (Bomarzo), Christophe Rousset (La clemenza di Tito) y Marco Armiliato (Madama Butterfly). Entre los directores de escena con los que ha actuado destacan Alex Ollé, Robert Carsen, Emilio Sagi, Alain Platel, Peter Sellars, Lluís Pasqual, Dmitri Tcherniakov, Pierre Audi, Krystof Warlikowski, David McVicar, Romeo Castelluci, Willy Decker, Barrie Kosky, Davide Livermore, Deborah Warner, Christof Loy, Michael Haneke y Bob Wilson. Ha participado en los estrenos mundiales de La página en blanco (Pilar Jurado), The Perfect American (Philip Glass), Brokeback Mountain (Charles Wuorinen) o El público (Mauricio Sotelo), y en espectáculos de danza como C(h)oeurs. Desde 2011 acredita la certificación de calidad ISO 9001. En 2018 fue nominado en la categoría de mejor coro en los International Opera Awards, donde fue premiada como mejor producción Billy Budd, con la participación del Coro Intermezzo, y cuyo DVD ha obtenido el Diapason d’Or.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Real Teatro de Retiro

El Real Teatro de Retiro ofrecerá, entre el 22 y el 31 de marzo, una propuesta que mira al pasado para descubrir a los más jóvenes de la casa los orígenes del cine y sus peculiares aventuras, la gestualidad de los actores, las escenas de malabarismos y persecuciones, el vestuario y la música como vehículo potenciador de las emociones en las mudas escenas del celuloide.

Con esta idea, Café Kino y Caspervek Ensemble recuperan dos divertidas cintas emblemáticas del cine mudo –El moderno Sherlock Holmes (1924), dirigida y protagonizada por Buster Keaton y Las aventuras del Príncipe Achmed, de la directora alemana Lotte Reiniger- acompañadas por una nueva banda sonora original, nacida de la composición de Brais González Pérez, interpretada en directo.

Los niños y jóvenes de hoy, acostumbrados al ritmo frenético del audiovisual, tendrán la oportunidad de formar parte de una experiencia única en la que su imaginación recreará diálogos, pensamientos, aportará detalles y dejará que su corazón brinque al ritmo rápido de la música cuando se sucedan las persecuciones y los equilibrios imposibles, se suspenda sobre los acordes de misterio o se acomode mecido por melodías románticas para escenas de amor.

Así, ambas proyecciones podrán verse en la Sala Principal del Real Teatro de Retiro los días:

22 de marzo a las 20.00 h; 28 y 29 de marzo a las 12.00 h
El moderno Sherlock Holmes (1924)

Una de las más conocidas comedias de la época, que dirigió y protagonizó un portentoso Buster Keaton, y donde los gags visuales se repiten constantemente. En ella, Keaton, un proyeccionista que estudia para ser detective, se queda tan dormido en el trabajo que sueña estar dentro de la película que proyecta. Allí tendrá que salvar a su novia del malo.

Esta película del genio de la comedia slapstick –una forma de humor básico que utiliza la torpeza de sus actores, las caídas, los golpes, las bromas exageradas- muestra un Buster Keaton en plenitud de facultades acrobáticas,  que traspasa la pantalla y arrastra al espectador.

23 y 30 de marzo a las 19.00 h; 24 y 31 de marzo a las 18.00h

Las aventuras del príncipe Achmed (1926)

Considerado el primer largometraje de animación de la historia, en él la directora de cine alemana Lotte Reiniger recrea una aventura mágica, basada en el rico tesoro de Las mil y una noches, a través de sombras chinescas y láminas de plomo. Reiniger fue una absoluta pionera del género y en esta cinta trabajó con más de 300.000 imágenes en movimiento, cuyo resultado es un film fantástico y encantador que obtuvo un éxito universal.

Ambas proyecciones contarán con la actuación en vivo de la Agrupación Caspervek con Blas Castañer Ibáñez, en la percusión; la flauta de Laura Lorenzo Rodríguez; Andrea González Pérez con el saxofón; el trombón de Óscar Presa Pellón y la trompa de Ainara González Gómez, todos ellos bajo la dirección musical del pianista y compositor Brais González Pérez.

La voz humana

Entre el 17 y el 28 de marzo el Teatro Real ofrecerá seis funciones de una nueva producción, con dirección de escena de Christof Loy, que enlaza dos óperas para soprano y orquesta –La voz humana (con libreto de Jean Cocteau y música de Francis Poulenc) y La espera (con libreto de Marie Pappenheim y música de Arnold Schönberg)– y un monólogo teatral, Silencio, creado expresamente para la ocasión por Rossy de Palma y Christof Loy.

Casi cincuenta años median entre la composición de La espera (1909), de Arnold Schönberg (1874-1951), y La voz humana (1958), de Francis Poulenc (1899-1963), dos obras protagonizadas por mujeres desquiciadas por el dolor punzante de una separación, el desamor, los celos y el miedo a la soledad… y al silencio.

En la nueva producción del Teatro Real las dos óperas se sucederán en orden inverso al de su creación: primero la tragédie lyrique de Poulenc y después el monodrame de Schönberg, ya que el director de escena Christof Loy propone un viaje del realismo de la primera al expresionismo de la segunda, situando ambos dramas en el mismo inmenso espacio doméstico hogareño, lo que refuerza la percepción de sus distintos lenguajes musicales y dramatúrgicos, articulados por el dolor corrosivo e inconsolable de una ruptura amorosa.

Desde su estreno en la Comédie Française en 1930, La voz humana, de Jean Cocteau (1889-1963), ha sido interpretada por grandes actrices, tanto en el teatro como en el cine, donde fue dirigida por Roberto Rossellini (con Ana Magnani), Ted Kotcheff (con Ingrid Bergman), Carlo Ponti (con Sofia Loren) o Pedro Almodóvar (con Tilda Swinton), entre otros. Pero fue sin duda la ópera de Poulenc la que mejor logró expresar el vertiginoso caleidoscopio de emociones que experimenta la protagonista en la última conversación telefónica que mantiene con su expareja, que se casará al día siguiente con otra mujer.

La música de Francis Poulenc logra acompañar, con una orquestación refinada y casi camerística, a la protagonista –y también a su silente interlocutor– en su intento desesperado de atar a su amante con el hilo que les unió –ahora débil como la línea telefónica llena de interferencias, interrupciones y silencios que los conecta– fingiendo, confesándose, recordando, divagando, chantajeando, seduciendo, gritando, llorando, con las frases entrecortadas con las que se va desnudando en su deriva hacia la muerte.

Si en La voz humana la protagonista mantiene la conexión con la realidad, pese al efecto turbador de las pastillas y a su angustia extrema, en La espera, la mujer abandonada pierde la razón en la tormentosa búsqueda del amor que la traicionó, hasta encontrar su cuerpo muerto. Su discurso confuso, entrecortado y delirante evoca ya un estado patológico, con ráfagas de locura y la emergencia de estados del consciente y del subconsciente en sintonía con las tendencias científicas, intelectuales y artísticas de la Viena de Sigmund Freud y Josef Breuer, tan cercanos a Arnold Schönberg.

De hecho, el libreto de Marie Pappenheim (1882-1966), entonces una joven poeta y brillante estudiante de medicina -más tarde feminista y autora de una de las primeras publicaciones en defensa del aborto-, parece inspirarse en los casos clínicos de enfermedades mentales, que transformó en materia literaria. Su libreto, escrito en tres semanas, fue transformado en música por Arnold Schönberg, judío como ella, en apenas 17 días. Esta brevedad y emergencia en la creación de la obra puede haber beneficiado la intención del compositor, que buscaba una música fluida, atemática, atonal, libre de corsés formales y con un único y débil apoyo polifónico orquestal, que parece marcar el tiempo de acuerdo con su intención de “representar a cámara lenta todo lo que sucede durante un único segundo, estirándolo hasta media hora”.

La voz humana será protagonizada por Ermonela Jaho y La espera, por Malin Byström, ambas grandísimas cantantes que debutarán en sus exigentes papeles.

Como nexo entre ambas óperas, Rossy de Palma -que participa también en La voz humana– estrenará e interpretará el monólogo Silencio, con textos de Oscar Wilde, Bertolt Brecht y también suyos.

La dirección musical será de Jérémie Rhorer, que vuelve a dirigir a la Orquesta Titular del Teatro Real en dos partituras en las que la orquesta viaja a lo más profundo del alma y a nuestras emociones más extremas.

La producción, concebida por Christof Loy -que también firma la escenografía, junto a Guadalupe Holguera-cuenta con el vestuario de Barbara Drosihn, la iluminación de Fabrice Kebour y la entrega absoluta de tres grandes intérpretes sobre las que cae la fuerza avasalladora de estas obras que expresan, desde estéticas muy dispares, el terrible miedo al abandono, al vacío y al silencio.

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro.

En 2024 Telefónica celebra su centenario. 100 años de anticipación y compromiso con la sociedad, facilitando herramientas para que podamos imaginar un futuro mejor.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

12 de marzo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Jérémie Rhorer (director musical de La voz humana / La espera), Christof Loy (director de escena), Luis Gago (traductor y crítico musical) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.

13 de marzo, a las 21.00 horas / 14 de marzo, a las 19.30 horas| Museo Nacional Thyssen-Bornemisza / Biblioteca Nacional de España

Ciclo de cuartetos de cuerda del Teatro Real / Cuarteto Meta4

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Biblioteca Nacional de España ofrecerán, los próximos días 13 (21.00 h) y 14 (19.30 horas) de marzo, respectivamente, el tercer concierto del Ciclo. Los dos recitales estarán protagonizados por el reconocido cuarteto finlandés Meta4, con la participación de la soprano Tuuli Lindeberg. En el programa, común en ambas citas, se interpretará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schönberg, y la Suite lírica de Alban Berg.

17 de marzo a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro!

Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Problemas de cobertura: una señora tiene dificultades para hablar por teléfono con su pareja.

Con la mezzosoprano Begoña Gómez y la pianista Belén Castillo.

24 de marzo, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Los Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

  1. González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement **
  2. Costa: Hacia la luz
  3. Poulenc: Sexteto para piano, flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa
  4. Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
  5. Weinberg: Trío con piano, op.24

**Estreno mundial

27 de marzo, a las 19.30 horas | Círculo de Bellas Artes

Cine – El amor

El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes proyectará El amor (L’amore), la gran película que Roberto Rossellini rodó con Ana Magnani en 1948, basada en su primera mitad en el mismo monólogo de Cocteau en el que está basada la ópera de Poulenc, y que para su segunda mitad contó con la colaboración de Federico Fellini en el guión y en la interpretación.

Entradas en la taquilla del cine y en este enlace.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real   

Crescendo

Esta semana ha dado la comienzo la IV Edición de Crescendo, programa de desarrollo artístico y profesional para jóvenes promesas de la ópera, que se desarrollará hasta el próximo mes de mayo, promovido y organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real.

El jurado, compuesto por miembros del equipo artístico del Teatro Real, el Real Teatro de Retiro y Crescendo, ha seleccionado 18 jóvenes, entre los más de 100 que presentaron su solicitud, de los cuales hay 12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena, todos menores de 35 años, procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán.

A lo largo de estos tres meses participarán en talleres, en el Teatro Real y en el Real Teatro de Retiro, de interpretación, vocal coach, canto, encuentros con profesionales del Teatro Real de orientación sobre la creación de marca personal (redes sociales, relación con los medios de comunicación, atención a la audiencia, etc..), un taller de salud mental, asistencia a ensayos generales de las producciones del Teatro Real y, este año, disfrutarán de una sesión especial con la soprano Ermonela Jaho, que se encuentra estos días en el Teatro Real interpretando La voz humana, de Poulanc.

La información sobre estos jóvenes artistas, y los vídeos de sus audiciones, están disponibles en la página web de Crescendo para que el público pueda acceder a ellas y votar a su favorito. El elegido recibirá una masterclass extra a lo largo de estos tres meses.

Desde su creación en 2021, el programa Crescendo ha facilitado la participación de sus alumnos en proyectos profesionales del Teatro Real como las sesiones de Enfoques, la Carroza del Teatro Real y los espectáculos del Real Junior. Así, tras protagonizar la ópera La cenicienta que inauguraba el nuevo espacio del Real Teatro de Retiro en 2023, los participantes en la edición del pasado año han sido los protagonistas de los espectáculos El Barbero de Sevilla y Amahl y los visitantes nocturnos, de la actual temporada.

El salto al gran escenario del Teatro Real tendrá lugar el próximo mes de mayo, con el estreno de la ópera Tenorio (con música y libreto de Tomás Marco) en el que se podrá escuchar a un coro madrigal integrado, casi en su totalidad, por artistas procedentes de todas las ediciones de Crescendo.

La novedad de este año será la participación de un grupo de alumnos de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, cuyo proyecto consistirá en grabar y realizar un documental sobre la experiencia y el trabajo de los participantes en el programa, ofreciendo así una mirada joven sobre el desarrollo profesional de otros jóvenes. Esta actividad cuenta con la colaboración especial de Telefónica.

Farru

El arte por el arte, el baile por el baile, dejar que el sentimiento aflore en el vuelo de las manos o en el rugir de los pies sobre la madera del TABLAO, ese lugar natural del flamenco al que Farru rinde homenaje en su nuevo espectáculo para Flamenco Real mostrándose puro, racial, visceral, derramando el arte de generaciones que le caracteriza y que se podrá disfrutar los días 13, 14 y 15 de marzo a las 20.00 horas en el Salón de Baile del Teatro Real.

El tablao tiene su origen en el “café cantante”, locales de ocio muy populares en la España del siglo XIX donde se representaban espectáculos musicales, generalmente de noche, en los que el público bebía y disfrutaba de los artistas en un ambiente liberado de encorsetamientos. En estos lugares, especialmente en Andalucía, surgen las primeras figuras del flamenco y lo dotan de una identidad particular, hasta convertirlo en un punto de encuentro para intérpretes y aficionados. Ahí se crea, se mira al pasado, se recupera, se intercambian conocimientos, se disfruta y se comparten sentimientos y momentos.

Con este punto de partida, Farru se sube a las tablas de Flamenco Real y baila lo que siente y comparte con el público, recuperando la esencia de una vivencia única. Y no lo hace solo, porque tendrá la complicidad de la guitarra de Joni Jiménez, del cante de Eleazar Cerreduela y Juan Motos, y la percusión de El Lolo.

Hace dos años, Farru debutaba en el tablao del Teatro Real con un sentido homenaje a Paco de Lucía al que denominó “Por un sueño”. Este sevillano, miembro de una dinastía en la que prácticamente todos bailan, también canta, toca la guitarra y crea sus propios espectáculos con los que triunfa por todo el mundo. Su personalidad ha seducido a artistas tan dispares como Tomatito, Beyoncé, Björk o Marc Anthony o el fotógrafo Richard Avedon.

Desde 2018, como parte de su estrategia de promoción del flamenco, el Teatro Real coproduce con SOLANA Entertainment el ciclo Flamenco Real, organiza giras internacionales que, bajo el nombre Authentic Flamenco, ha realizado en el último año más de 400 actuaciones en 39 ciudades de 15 países, y lo ha incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer.

Imagen: © Juanlu Vela

Cuartetos del Teatro

El Teatro Real prosigue su Ciclo de música de cámara en colaboración con instituciones culturales, con dos conciertos que tendrán lugar el día 13 de marzo, a las 21.00 horas, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el día 14, a las 19.30 horas, en la Biblioteca Nacional de España, con la participación del prestigioso cuarteto finlandés Meta4 y la colaboración de la soprano Tuuli Lindeberg.

En el programa, común a ambos conciertos, se escuchará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schoenberg, y la Suite lírica, de Alban Berg. La primera de las obras de este díptico, que incluye a dos de los tres compositores que conforman la Segunda Escuela de Viena, se une a las programadas en la actual temporada del Teatro Real, Pierrot Lunaire y Erwartung, con las que el coliseo madrileño quiere conmemorar el 150 aniversario del nacimiento del compositor austriaco.

El Cuarteto nº 2, Op. 10, es una obra de transición en la vida compositiva de Schoenberg, en la que el autor comienza a experimentar con la atonalidad, en busca de un planteamiento más radical y complejo. Así, mientras los dos primeros movimientos se muestran con una tonalidad clara, el tercero va dando muestras, de forma gradual, de lo que se mostrará plenamente en el último: la clara suspensión tonal ya en el campo innovador del cromatismo libre. En estos dos últimos movimientos, basados en poemas de Stefan George, se une al cuarteto la voz de una soprano, que en estos conciertos programados por el Teatro Real será la de la intérprete finlandesa Tuuli Lindeberg.

En 1928, Alban Berg, discípulo de Schoenberg, componía la Suite Lírica para cuarteto de cuerda, considerada una de las obras maestras del siglo XX. Al igual que en la obra que le precede en el programa, el compositor se inspira en un poema, en este caso de Baudelaire, sobre el amor condenado, aunque sin recurrir a la voz. Dedicada a Alexander Zemlinsky es, sin duda, una de las creaciones más conocidas del compositor. 

El cuarteto Meta4, en activo desde 2001, es uno de los cuartetos finlandeses con más éxito del panorama actual. Su palmarés recoge importantes galardones como el primer premio en el Concurso Internacional Shostakovich Quartet Competition de Moscú en 2004, del International Joseph Haydn Chamber Music Competition de Viena, en 2007, y el premio anual Finland Prize del Ministerio de Cultura de Finlandia. Entre 2008 y 2010 fueron seleccionados como artistas del BBC New Generation Artist.

Actúan regularmente en las principales salas de conciertos del mundo como la Konzerthaus de Viena, el Wigmore Hall y King’s Place de Londres, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique de París o el Konserthus de Estocolmo, entre otras, se han hecho cargo también de la dirección artística de Oulunsalo Music Festival y de Cuarteto Residente en el Kumho Chamber Music Festival, ambos en Finlandia, desde 2008 hasta 2017.

Los miembros de Meta4 tocan ilustres instrumentos, que incluyen un Stradivarius, cedido por la Finnish Cultural Foundation; un violín de Carlo Bergonzi, de la Fundación Signe and Ane Gyllenberg, y un violonchelo de Lorenzo Storioni de 1780.

El cuarteto se formó en la European Chamber Music Academy (ECMA), de la mano de Hatto Beyerle y Johannes Meissl. Han publicado tres grabaciones con Hänssler Classics: Los Cuartetos de Cuerda op. 55, núm. 1-3 de J. Haydn (2009) -premio Echo Klassik Award-, los Cuartetos de Cuerda núm. 3, 4 y 7 de D. Shostákovich (2012) -premio Record of the Year del Finnish Broadcasting Company YLE y Emma Prize  en la categoría de Classical Album of the Year- y los Cuartetos de Cuerda núm. 1 y 5 de B. Bartók (2014). Han grabado un álbum con la integral de cámara de Kaija Saariaho (Ondine, 2013); un LP del Cuarteto de Cuerda Voces Intimae de J. Sibelius; el Quinteto con Clarinete de J. Brahms y Nebenstück, de G. Pesson junto al clarinetista Reto Bieri, y los Octetos de Cuerda de F. Mendelssohn y G. Enescu, junto al Gringolts Quartet.

Tuuli Lindeberg es una de las principales intérpretes de música vocal barroca y contemporánea de Finlandia. Colabora regularmente con las mejores orquestas y conjuntos de música de cámara de su país, con un amplio repertorio que abarca todas las épocas, desde la medieval hasta la contemporánea. Paralelamente a su carrera artística, Tuuli Lindeberg imparte clases de música vocal barroca y contemporánea en la Academia Sibelius de Helsinki y actúa ocasionalmente como “coach” de estilo en producciones profesionales. Fue miembro del jurado del concurso internacional de canto Aria Borealis (Bodø, Noruega) en 2022 y directora artística de Musica nova Helsinki, el mayor festival internacional de música contemporánea de Finlandia.

Imágen Meta 4: © Tero Ahonen

Rebelión en la granja

Durante dos fines de semana, el Real Teatro de Retiro abrirá las puertas de su Sala Principal para presentar el estreno absoluto de Rebelión en la granja, en la versión que LaJoven ha realizado sobre la novela homónima del autor británico George Orwell, con texto de la dramaturga Marta Aran y música original de Alberto Granados Reguilón.

Se ofrecerán seis funciones de este nuevo título, recomendado para un público a partir de doce años, los próximos sábados 2 y 9 de marzo de 2024, con representaciones a las 17:00 y 20:00 horas, y los domingos 3 y 10 de marzo a las 19:00 horas.

Marta Aran, Premio Max a la Mejor Autoría Revelación 2020 por Els dies mentits (Todos los días que mentí), explora, en esta ocasión, temas tan actuales como el derecho a la privacidad, la sobreexposición en las redes sociales o los límites en el uso de la inteligencia artificial.

Alberto Granados Reguilón, compositor y director musical de la obra, se ha inspirado tanto en el mundo de los musicales de Broadway como en el universo de la zarzuela o el cabaret para crear la música original del espectáculo, y las cuatro canciones troncales: I have a dream, Ciberbestias, La democrac-ia y Aves del mundo de dos patitas.

Rebelión en la granja es una reflexión sobre la sociedad contemporánea inmersa en la digitalización, que sumerge al público en un mundo futuro en el que los jóvenes han hackeado todos los antiguos servidores, creando un  software ético llamado Animal Farm. En este nuevo mundo digital, hay una red social donde los avatares son  animales, con sus propios mandamientos, lenguajes y trends. Se creará una comunidad llena de ética digital y transversalidad en la que los jóvenes jugaran un papel fundamental.

LaJoven, comprometida con la juventud y la educación a través del teatro, celebra su décimo aniversario en la temporada 2023-24. La Fundación Teatro Joven, promotora del proyecto, ha sido reconocida con diversos premios como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014, y ha impactado a cientos de miles de espectadores con sus producciones educativas y de alta calidad artística.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

La pasajera

Entre el 1 y el 24 de marzo, el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de La pasajera, de Mieczysław Weinberg, en una coproducción del Teatro Real con el Festival de Bregenz, el Teatro Wielki de Varsovia y la English National Opera.

El estreno en España de esta ópera ─­con tres años de retraso debido a la pandemia─ se puede enmarcar en el sorprendente descubrimiento, en las últimas décadas, de la prolífica y valiosa producción musical de Weinberg, silenciada durante años por la presión de la censura soviética y por las terribles vicisitudes de su biografía.

Mieczysław Weinberg nació en Varsovia en 1919, en el seno de una familia de artistas judíos vinculados al teatro yidis. Sus padres y hermana murieron en el campo de concentración de Trawniki, de donde el joven músico se escapó, encontrando refugio en la Unión Soviética. Allí vivió de la música, prosiguió con ahínco su formación y mantuvo una incansable actividad creativa, componiendo en situaciones precarias. Marginado, perseguido, encarcelado y constantemente vigilado por las autoridades soviéticas, nuevamente por su condición de judío ─reforzada por el matrimonio con la hija de un actor yidis asesinado por el régimen─, su supervivencia y su carrera se deben, en gran parte, al apoyo y protección de Dmitri Shostakóvich (1906-1975), gran amigo, admirador y divulgador de su obra.

La prolífica producción de Weinberg, con más de 150 obras catalogadas –incluyendo 22 sinfonías, 17 cuartetos de cuerda, 4 óperas, 3 operetas, un réquiem (que incluye textos de Lorca), cantatas, ballets, sonatas, ciclos de canciones y más de 40 partituras para cine y teatro–, se puede inscribir en la fantástica cantera de compositores rusos del siglo XX, encabezada por Dmitri Shostakóvich y Serguéi Prokófiev. Toda su música, heredera del sinfonismo centroeuropeo, del neoclasicismo y de la influencia de sus maestros rusos, está impregnada de temas del folclore judío, polaco, moldavo, armenio, etc., germen de muchas de sus creaciones.

La pasajera narra el encuentro, en un transatlántico rumbo a Brasil, de dos mujeres que intentan escapar de su pasado común en Auschwitz diez años antes. La primera, acompañada de su marido y flamante diplomático, fue carcelera en el campo de concentración, teniendo a su cargo a la segunda, prisionera judía con la que entabló entonces una perversa relación.

La ópera, cantada en 7 idiomas ─incluyendo el castellano, por el coro-, está estructurada con constantes flashbacks de inspiración cinematográfica─  Weinberg tocó y compuso mucho para películas-, que articulan el viaje marítimo en la cubierta del barco, con otro, oscuro y siniestro, a los angustiosos traumas de la vida en el campo de exterminio.

Tanto la escritora Zofia Posmysz (1923-2022) ─autora de la novela homónima en la que se basa la ópera─ como el compositor vivieron el terror del holocausto y sintieron la necesidad de contarlo, lo que imprime a la ópera una emoción espeluznante.

Pese a la dureza inexpresable del tema de la ópera, su música, en muchos fragmentos dura, rabiosa y expresionista, articula momentos sinfónicos altisonantes con otros camerísticos e intimistas, en una sucesión de temas de grandísima eficacia dramatúrgica, enlazados con fluidez y maestría: pasajes atonales y disonantes que evocan la barbarie, melodías folclóricas nostálgicas que acompañan a las reclusas, pasajes jazzísticos de la vida mundana del transatlántico, el vals diabólico del comandante de las SS o la Chacona de la Segunda Partita de Bach, en el descorazonador clímax de la ópera.

La pasajera se estrenará en España con la maestría de dos grandes especialistas en la obra de Weinberg: Mirga Gražinytè-Tyla, directora musical lituana de enorme prestigio internacional, que lleva años interpretando y grabando sus partituras sinfónicas, y David Pountney, que estudió hondamente la vida y obra del compositor polaco para la primera puesta en escena de la ópera, en 2010 en Bregenz, y que ahora llega al Teatro Real.

El equipo artístico y los intérpretes de la producción, con 16 distintas nacionalidades, darán vida a este drama descorazonador, con un reparto coral encabezado por la soprano Amanda Majeski (Marta) y la mezzosoprano Daveda Karanas (Lisa), que nos llevarán a uno de los períodos más terroríficos de la historia de la humanidad y al interior de nosotros mismos, con la esperanza de que la ópera de Weinberg nos recuerde las vidas truncadas de tantos inocentes que han conservado la dignidad, la esperanza y la capacidad de amar en las condiciones más extremas.

INSTITUTO ADAM MICKIEWICZ (AMI)

El Instituto Adam Mickiewicz (AMI) es una institución nacional de cultura, cuyo objetivo es generar un interés duradero por la cultura polaca en todo el mundo. El instituto trabaja con colaboradores extranjeros e inicia un diálogo cultural internacional en consonancia con las metas y objetivos de la política exterior polaca. El instituto ha llevado a cabo proyectos culturales en setenta países de los seis continentes, incluidos Gran Bretaña, Francia, Israel, Alemania, Turquía, Estados Unidos, Canadá, Australia, Marruecos, Ucrania, Lituania, Letonia, así como China, Japón y Corea. La alta calidad de los proyectos del instituto la confirman los premios recibidos a nivel internacional por exposiciones y festivales. En 2023, el Pabellón Polaco «Poética de la necesidad», organizado por el AMI, recibió una medalla en la Bienal de Diseño de Londres.

La marca insignia del instituto, CULTURE.PL, es un servicio de noticias culturales actualizadas que trata de discutir los eventos y fenómenos más interesantes relacionados con la cultura polaca y que ofrece artículos y noticias en tres idiomas: polaco, inglés y ucraniano.

El AMI está financiado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional.

AGENDA ACTIVIDADES PARALELAS

28 de febrero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Mirga Gražinytè-Tyla (directora musical de La Pasajera), David Pountney (director de escena de La Pasajera), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Martín Llade (periodista especializado en música).

13 de marzo al 17 de marzo| Fundación Juan March

Ciclo Mieczysław Weinberg: integral de los cuartetos de cuerda por el Cuarteto Danel.

A través de 5 conciertos se presenta, por primera vez en España, la monumental integral de los 17 cuartetos de cuerda de Weinberg interpretados en orden cronológico por el Cuarteto Danel.

Además, también se incluye un encuentro con Marc Danel (fundador del Cuarteto Danel) y Mirga Gražinytė-Tyla (directora musical de La Pasajera) en diálogo con Luis Gago (crítico musical y musicólogo).

  • 13/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 1, 2, 3 y 4
  • 14/03, 18:00 Weinberg a debate
  • 15/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 5, 6 y 7
  • 16/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 8, 9 y 10

18:30 Concierto cuartetos nº 11, 12, 13 y 14

  • 17/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 15, 16 y 17

24 de marzo, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Los Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

  1. Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
  2. Costa: Hacia la luz
  3. Weinberg: Trío con piano, op.24
  4. González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement
Pierrot Lunaire

El Teatro Real y el Teatro de La Abadía vuelven a unirse en una nueva coproducción de pequeño formato que une la música de cámara y el teatro. Será la tercera colaboración después de los éxitos de las propuestas anteriores: el estreno absoluto de Marie, de Germán Alonso, en 2021, y el espectáculo Extinción, a partir de misas de Joan Cererols, en 2022.

En esta ocasión se ofrecerán cuatro funciones de una coproducción de Pierrot Lunaire, de Arnold Schoenberg (1874-1951), procedente del Teatro del Liceu, que tendrán lugar en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía, los días 22, 23 y 24 de febrero a las 19 horas, y 25 de febrero, a las 18.30 horas.

Pierrot Lunaire es un ciclo de canciones -21 pequeños melodramas- con un acompañamiento instrumental que varía entre ellas, inspirado en el mundo sonoro del cabaret alemán.

La obra nació por deseo de la versátil actriz austríaca Albertine Zehme, quien le pidió a Schoenberg que pusiera música a un ciclo de poemas simbolistas de Albert Giraud (1860-1929) traducidos al alemán.

La partitura está estructurada en tres partes, cada una con siete poemas. En la primera, Pierrot –alter ego de un artista irreverente, apasionado, alienado y despechado- está enamorado de Colombina y fascinado por su propia imagen, que se transforma, en la segunda parte -más grotesca e iconoclasta-, en una obsesión enajenante que alcanza el clímax cuando es decapitado por la luna. En la tercera parte Pierrot se va serenando con sus recuerdos, viajando al pasado mientras vuelve a casa, a su Italia natal.

La genial partitura de Schoenberg, que esconde una fascinante arquitectura matemática con hilarantes juegos numéricos, es un derroche de hallazgos a todos los niveles: estructural (en el ciclo, en cada poema y en sus interrelaciones); tímbrico (con distintas combinaciones instrumentales utilizando 8 instrumentos); armónico (con la exploración de la atonalidad y la superposición y articulación de distintas formas y motivos) y dramatúrgico. Cada canción es tratada como una miniatura, con un lenguaje y un  universo propios, en el que desfilan un vals, una passacaglia, un minueto, una barcarola, una minúscula ‘opera buffa’, fugas, cánones, etc.

Este ciclo  de canciones epigramático,  unido por una escritura  atonal y  la utilización del  Sprechgesang –canto hablado que explora la expresividad y la prosodia de la entonación oral-, será interpretado por el gran contratenor Xavier Sabata, creador del espectáculo, quien articula la música de Schoenberg con pasajes de La metamorfosis, de Ovidio.

Con el apoyo de la escenografía e iluminación de Cube.bz y el diseño de movimiento de María Cabeza de Vaca, Sabata se divide entre Narciso y Pierrot, a través de un diálogo en el que uno se consume para conocerse y aceptarse, y el otro se esconde detrás de un avatar ocultando el sufrimiento de no sentirse nunca en casa.

La dirección musical del espectáculo es de Jordi Francés, que actuará con una pianista y cuatro solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real: Pilar Constancio (flauta y piccolo), Ildefonso Moreno (clarinete y clarinete bajo), Sonia Klikiewicz (violín y viola), Natalia Margulis (violonchelo) y Karina Azizova (piano).

Los cinco músicos -que en total tocan 8 instrumentos- solamente actúan juntos al final de la obra, ya que los diferentes poemas son acompañados por distintos instrumentos.

Con Pierrot Lunaire, el Teatro Real y el Teatro de La Abadía homenajean a Arnold Schoenberg, en el 150 aniversario de su nacimiento, con una de sus obras más icónicas, originales y geniales. Con ella el compositor abría la música al expresionismo en un lenguaje que no dejaría de evolucionar, como se podrá ver en Erwartung (La espera), que se presentará, junto a La voz humana, de Francis Poulenc, el próximo mes de marzo, en una nueva producción del Teatro Real.

AGENDA ACTIVIDADES PARALELAS

19 de febrero a las 19.00 horas | El Argonauta, librería de música

 Tertulia sobre Pierrot Lunaire

El acto contará con la participación de Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, de Jordi Francés, director musical, de Pierrot Lunaire, y de Xavier Sabata, director y protagonista del espectáculo.

Entrada libre hasta completar aforo.

Más información en este enlace.

28 de febrero. 18.30 h | Casa Asia

Conferencia: El teatro Noh japonés, por el arquitecto y escritor Javier Vives.

En Pierrot Lunaire, Arnold Schoenberg utiliza la máscara como escudo y refugio del personaje que lo representa, como en el teatro Noh, del que emana, además, una espiritualidad llena de belleza y lirismo.

Entrada libre hasta completar aforo.

Más información en este enlace.

compañía Claroscvro

El Real Teatro de Retiro ofrecerá, en su Sala Pacífico, 8 funciones del espectáculo de títeres Donde van los cuentos los fines de semana de 17 y 18 de febrero, y del 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.

Esta producción de la prestigiosa y premiada compañía Claroscvro, estrenada en 2019 en la Feria de Teatro del Sur (Palma del Río), se presentó posteriormente en la Feria Europea de artes escénicas para niños y niñas FETEN de Gijón y en la Mostra de Igualada, siempre con un gran éxito.

La trama nos transporta a un futuro imaginado en el que los libros han desaparecido. Pero los protagonistas de Donde van los cuentos encuentran una biblioteca escondida y llena de apasionantes historias. Allí conocerán a Claudius, el creador de todos los cuentos, y a Mateo, un niño valiente que tendrá que encontrar un cuento perdido.

Los personajes cobran vida con la magia de los títeres, las máscaras y los libros desplegables (pop up) creando un espectáculo que apuesta por el amor a la lectura y la importancia de la imaginación.

Julie Vachon, guionista y autora de la propuesta, dirige el espectáculo junto a Concha Medina y Francisco de Paula Sánchez, con la participación de Iván Sierra Caballero en la creación de libros desplegables, títeres y policromía y la música electrónica original de Sileno Sonoro, cuya atmósfera envolvente completa magistralmente la narrativa.

La compañía Claroscvro fue fundada en el año 2010 por la canadiense Julie Vachon y el español Francisco de Paula Sánchez. En sus producciones utilizan títeres, máscaras y música para crear el universo mágico de los cuentos, en los que se esconden la defensa de valores como la amistad, la solidaridad, la creatividad, el conocimiento, la inclusión, el amor por la naturaleza, los lazos afectivos, etc.

DONDE VAN LOS CUENTOS

Títeres, máscaras y música electrónica

 Claroscvro Teatro

EQUIPO ARTÍSTICO

Guión: Julie Vachon

Dirección: Julie Vachon, Francisco de Paula Sánchez y Concha Medina

Música: Sileno Sonoro

Diseño sonoro, iluminación y escenografía: Francisco de Paula Sánchez

Libros desplegables, títeres y policromía: Iván Sierra Caballero, con la ayuda de Francisco de Paula Sánchez

EDAD RECOMENDADA

A partir de los 8 años

DURACIÓN APROXIMADA

45 minutos

FUNCIONES

Días 17, 18, 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.

Angeles Gabaldon

Elegante, sutil, apasionada y llena de fuerza, llega a las sesiones de Flamenco Real, los próximos 22, 23 y 24 de febrero, la bailaora Ángeles Gabaldón, para contar la historia del flamenco en la ciudad que la vio nacer, Doña Sevilla.

La propuesta de Gabaldón invita a transitar un camino que empieza a trazarse a mediados del siglo XIX, cuando el flamenco comienza a salir de las fiestas privadas en cortijos, salones y palacios para acercarse a la gente sencilla, mostrándose primero en los cafés cantantes -que tanto auge tuvieron en la época en ciudades como Sevilla, Madrid y Barcelona- y conquistar, poco a poco, los escenarios de los teatros hasta convertirse en el arte popular deseado por todos.

La expresión pura y racial de aquel flamenco más primitivo empieza a enriquecerse con elementos más estéticos y complementos como el mantón, la bata de cola, las castañuelas o el sombrero se hacen imprescindibles. Unos palos toman protagonismo, otros acentúan su carácter, algunos se ciñen a la tradición y todos conforman un arte que trasciende y se hace universal, pero que tiene en Sevilla un aroma único que cimbrea el cuerpo de Gabaldón y lo convierte en baile.

Junto a ella, en estas nuevas veladas en el Teatro Real, la guitarra de Paco Iglesias y el cante de Miguel El Picuo Manuel Ginés, hacen el resto.

Ángeles Gabaldón comienza sus estudios de danza a los 10 años, obteniendo el título de Licenciada en Danza Española por el Conservatorio Superior de Danza de Sevilla y el título de Diplomada en Ballet Clásico por la misma escuela. Complementa su formación junto a maestros de la talla de Matilde Coral, Manolo Marín, Merche Esmeralda, Yerbabuena y Belén Maya, por citar sólo algunos.

Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan el Primer Premio Nacional a la Mejor Coreografía por Alegrías de la Perla de Cádiz, el Primer Premio Nacional “El Desplante 2002” del Festival Internacional del Cante de las Minas y ha sido la única mujer dos veces finalista de la Bienal de Sevilla. Su primer espectáculo, “Inmigración”, obtuvo el Primer Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo y Mejor Compañía de los premios Flamenco Hoy.

Fotografía © Juanlu Vela

Afanador

El Teatro Real ofrecerá, entre el 9 y el 11 de febrero, cuatro funciones de Afanador, nuevo espectáculo del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, con idea y dirección artística de Marcos Morau inspirada en el trabajo del fotógrafo colombiano Ruven Afanador y en su manera de mirar y retratar el flamenco.

Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por España, los toros y el flamenco… Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones.

Con este punto de partida, Morau regresa a aquellas sesiones fotográficas y desde ellas construye un mundo de ensoñación, reflexiona sobre “el parentesco vital entre composición fotográfica y coreográfica”, como él mismo explica, y reinterpreta la propuesta original sometiendo a los bailarines del Ballet Nacional de España a expresarse con un lenguaje diferente, modelando el futuro desde la tradición, asumiendo el riesgo.

Marcos Morau ha contado en esta propuesta con la colaboración del dramaturgo Roberto Fratini, de los coreógrafos Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López -todos ellos miembros de la compañía La Veronal, de la que es fundador y director- y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del BNE, además de su equipo habitual en el diseño de escenografía (Max Glaenzel), vestuario (Silvia Delagneu) e iluminación (Bernat Jansà).  El resultado es un espectáculo de una plástica asombrosa, que transporta al espectador al flamenco más ancestral desde un prisma casi surrealista, sostenido por un cuerpo de baile sólido, riguroso en la ejecución y con una energía desbordante.

Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro.

Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela.  Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”.

El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de noviembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta.

Fotografía: Merche Burgos

Rappresentatione di anima et di corpo

El próximo sábado, 27 de enero, se estrenará en España Rappresentatione di Anima et di Corpode Emilio de’ Cavalieri (1550-1602), compositor, organista, diplomático de los papas Inocencio IX y Clemente VIII, coreógrafo, bailarín y ‘superintendente’ de arte, vestuario, teatro y música de Fernando I de Médici, a quien organizaba los espectáculos y veladas lúdicas y artísticas.

Aunque  Rappresentatione di Anima et di Corpo, por su temática religiosa y estructura dramática, figure como el primer oratorio de la historia de la música, no es fácil enmarcarla en la revolución del  Barroco musical que alumbró la ópera, con la célebre Camerata Fiorentina y nombres como Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Claudio Monteverdi, Vincenzo Galilei o Jacopo Peri.

A caballo entre el oratorio y la ópera, Rappresentazione di Anima et di Corpo, con libreto del padre Agostino Manni -discípulo de san Felipe Neri-, es un diálogo alegórico entre el alma y el cuerpo, que proclama la renuncia a los placeres materiales y la salvación espiritual. En la trama participan también otros personajes como la Prudencia, la Conciencia, el Tiempo, el Intelecto, el Mundo, la Vida Mundana o el Ángel de la Guarda, además de un coro que refuerza el diálogo de los solistas.

Un selecto reparto del universo barroco (ver biografías en el programa adjunto) y el grupo vocal e instrumental Vox Luminis, bajo la dirección de Lionel Meunier, ofrecerán una atractiva versión semiescenificada de Rappresentazione di Anima et di Corpo, estrenada con gran éxito en el Flagey Choir Days de Bruselas, con escenografía y concepto de vídeo, de Emilie Lauwers, dirección de escena de Benoit De Leersnijder, diseño de luces de Luc Schaltin y realización de vídeo de Mario Melo Costa, acercándonos la belleza de una alegoría musical que buscaba ya su emancipación como un nuevo género lírico: la ópera.

Crecendo

La Fundación Amigos del Teatro Real participará, un año más, en la edición Tour del talento de la Fundación Princesa de Girona, una iniciativa que tiene como objetivo impulsar el desarrollo de los jóvenes a través de la formación y la creación de actividades y canales que faciliten su incorporación al mercado laboral.

El Tour del talento 2024 estará presente en cinco ciudades –Lleida, Salamanca, Cádiz, Santander y Madrid- en las que desarrollará diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real estará presente con participación de los jóvenes artistas de su programa Crescendo; el concierto inaugural tendrá lugar el martes 23 de enero en Lleida, en el Auditori Enric Granados, donde se ofrecerá un Recital Lírico gratuito en el que podrán escucharse arias de algunas de las óperas más conocidas.

Una de las principales novedades de esta edición será el Congreso Princesa de Girona – Siempre con los jóvenesque inaugurará todas las paradas del Tour para ofrecer conferencias, actividades formativas, debates y actuaciones musicales. En cada ciudad se dará a conocer el ganador de una de las categorías de los Premios Princesa de Girona; así, en Lleida se anunciará el ganador del premio CreaEmpresa; en Salaman, el Arte; en Cádiz, el Social, y en Santander, el de Investigación. La doble categoría del Premio Internacional – CreaEmpresa e Investigación – se anunciará en Madrid, donde el evento hace parada por primera vez.

La actuación de los jóvenes artistas de Crescendo tendrá lugar en las siguientes fechas y lugares:

–          Lleida: 23 de enero. Auditorio Enric Granados. Acceso gratuito.

–          Salamanca: 19 de febrero. En el Palacio de Congresos y Exposiciones de Castilla y León, en colaboración con Caja Rural de Salamanca. Acceso gratuito.

–          Cádiz, 18 de marzo. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).

–          Santander, 22 de abril. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).

–          Madrid, 6 de mayo, en la Sala Gayarre del Teatro Real. Acceso gratuito.

Más de 20.000 jóvenes asistieron a las actividades formativas del Tour del talento en su pasada edición, que ofreció más de 250 actividades en sus diferentes paradas.

Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en carroza para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.

La idea

El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 27 de enero, el estreno en España de La idea, de Gustav Holst (1874-1934), opereta cómica para niños, con un ingenioso libreto de Fritz Hart, en el que se plantea un tema de rabiosa actualidad: ¿qué pasaría si cambiamos la forma de hacer las cosas y las labores que hacen las mujeres las hicieran los hombres y viceversa? Una nueva “idea” que podría convencer a todos o generar un caos…

Programada en conmemoración del 150 aniversario del nacimiento del compositor británico, se ofrecerán ocho funciones, en la sala principal, los días 27 y 28 de enero, 3 y 4 de febrero, en sesión doble, a las 11:00 h y a las 13:00 h, para un público familiar con edad recomendada a partir de 7 años.

La historia nos cuenta la gran idea que ha tenido el Presidente de un país imaginario. Él cree que es  fantástica y maravillosa y que, a través de ella, la gente de su país llegará a la felicidad pero, cuando es aplicada, su resultado, en verdad, genera un gran descontento y confusión en la gente. La idea proclamada no es otra que la propuesta del cambio de atribuciones entre hombres y mujeres, lo que provoca un agitadísimo debate sobre las políticas de género. En este caso no habrá disputas ideológicas, sino que será el caos reinante el que vuelva a poner las cosas en su sitio… O no.

El barítono Juan Laborería dará vida al presidente de este ocurrente Gobierno, en el que estará acompañado por el también barítono John Heath, en el papel del Rey; por la actriz y cantante Lara Chaves, como Reina; la mezzosoprano Patricia Illera, será Carol; el tenor Francisco J. Sánchez interpretará a Max (centinela)  y la soprano Julia Rey, a Mona. Junto a ellos, el coro de los Pequeños Cantores de la ORCAM (dirigido magistralmente por Ana González), dará vida a los personajes de este imaginario pueblo británico, acompañados al piano por Francisco Soriano, responsable también de la dirección musical.

La versión en castellano que se verá estos días en Real Teatro de Retiro ha sido traducida y adaptada por Susana Gómez, directora de escena de esta nueva producción, quien ha respetado el texto original, con algunas modificaciones en las partes habladas y un pequeño añadido al final. El vestuario y la escenografía han sido diseñados por Alejandra Glez Requeijo, quien se inspira en la iconografía inglesa para contextualizar la acción y derrocha fantasía y color en el extraordinario vestuario de cada personaje. Envueltos en la iluminación de Manuel Fuster y con la entusiasta participación de todo el elenco, se construye un espectáculo ingenioso y divertido, capaz de atrapar a los pequeños y a los que no lo son tanto.

Gustav Holst, uno de los grandes compositores ingleses, muy conocido por su obra maestra Los planetas, compuso La idea en 1896, cuando aún era estudiante. La obra se desarrolla sobre ideas musicales sencillas, sustentada sobre recursos melódicos y rítmicos de la música popular británica, lo que la hace muy accesible al público y consigue que el espectador retenga en su memoria fragmentos pegadizos y fáciles de reproducir.

Eduardo Guerrero

Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Por eso ahora, cuando se cumplen diez años de la creación de su compañía, Eduardo Guerrero vuelve la vista atrás e invita al público a viajar con él a través del tiempo, para entender y disfrutar los momentos que le han construido como bailarín y coreógrafo, jugando con el espacio y la palabra, en Compañía.

Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 23, 24 y 25 de enero, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por la guitarra de Pino Losada y las voces de Teresa Hernández y Francisco Blanco Al-blanco, en el cante.

Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en plenitud creativa y física. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.

El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas,  su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.

Su arte y su estética son demandados por las grandes figuras, por los festivales, por los escenarios de medio mundo, por los diseñadores de moda, por los fotógrafos… pero él sigue poniendo el foco en un arte tan puro como reivindicativo, con la honestidad por bandera. Así, con pinceladas de cada cuadro se dibuja Eduardo Guerrero en compañía, compendio de una vida que no deja de mirar al futuro.

Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo”, que supone el punto de partida para una carrera en solitario, y a partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.

Foto. © Juanlu Vela

Teatro Real

El Teatro Real consolida su posición como primera institución de las artes escénicas y musicales de España, según el Observatorio de la Cultura de 2023 de la Fundación Contemporánea, dependiente de La Fábrica, que ha hecho público su ranking anual, en el que además aparece como primer teatro y auditorio “imprescindible” del país.

El Teatro Real encabeza esta clasificación nacional, desde el año 2016, en la que figuran en los primeros puestos el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza, Zinemaldia San Sebastián y el Museo Guggenheim de Bilbao.

La propuesta cultural del Teatro Real en artes escénicas y musicales es la opción de referencia en la Comunidad de Madrid, la región más valorada por su programación, innovación y oferta cultural, y es también la elegida como proyecto ejemplar por su compromiso social y con el desarrollo sostenible entre todos los nacionales.

El Observatorio incorpora este año una nueva clasificación, denominada “Los imprescindibles”, en la que se relacionan las propuestas culturales más destacadas a nivel nacional agrupadas por tipología de proyecto. El Teatro Real es la primera entre los teatros y auditorios de toda España.

En el informe se ha añadido este año la categoría “Las novedades culturales más destacadas” y entre ellas aparece el Real Teatro de Retiro, única de las madrileñas junto a la Galería de las Colecciones Reales.

My Opera Player, la plataforma audiovisual del Teatro Real, ocupa también la primera posición entre las propuestas de contenido digital. En esa clasificación aparecen Filmin, Museo del Prado, Caixa Forum+, Fundación Telefónica, RTVE y Fundación Juan March.

El Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea se elabora anualmente desde 2009 y refleja las consideraciones de un nutrido panel de expertos formado por profesionales pertenecientes a diversos ámbitos de la cultura como la literatura, las artes plásticas, el cine, la música, la arquitectura y todos los campos de la creación en general.

Fotografía © Javier del Real

Lear

El Teatro Real presentará por primera vez en España, el próximo 26 de enero, Lear, obra maestra de Aribert Reimann (Berlín, 1936) estrenada en 1978 en la Ópera de Múnich y considerada hoy una de las más importantes partituras operísticas de la segunda mitad del siglo XX.

En la larga vida de Reimann, que actualmente tiene 87 años, el canto ha ocupado un lugar primordial, tanto como primoroso pianista de lieder al lado de sus más ilustres intérpretes, como autor de una ingente y muy variada producción vocal, en la que destacan sus nueve óperas (Lear es la tercera de su catálogo).

Su amplia cultura y finísimo olfato literario han unido su música a textos de grandes escritores, que van desde los clásicos griegos, Shakespeare, Strindberg, Kafka, Lorca, o Maeterlinck, en la ópera, a una larga pléyade de poetas a cuyas palabras dio voz: Goethe, Byron, Baudelaire, Rilke, James Joyce, Sylvia Plath, Emily Dickinson, Juan Ramón Jiménez, Octavio Paz o su querido Paul Celan.

Fue Dietrich Fischer-Dieskau (1925-2012), extraordinario barítono de brillante cultura humanista con el que  Reimann trabajó estrechamente, quien le propuso realizar una ópera a partir de El rey Lear, de William Shakespeare, sobre la que han trabajado varios compositores -incluyendo Berlioz, Verdi o Debussy-, sin finalmente atreverse con la magnitud y profundidad de la tragedia, que Calixto Bieito compara con la Capilla Sixtina en un intento de verbalizar su dimensión colosal.

El excelente libreto de Claus Hannberg, casi epigramático, logra captar la esencia del texto de Shakespeare, con sus múltiples conflictos y capas interpretativas, manteniendo los personajes principales y dando un amplio espacio a la orquesta para ahondar en la infinitud de temas que aborda la trama: la ceguera del poder, la ambición desmedida, las relaciones familiares tóxicas, la ingratitud, la vejez, la locura y un largo etcétera.

La bestialidad, violencia y desazón de la obra shakespeariana se traslada al mundo sonoro de Reimann, que sangra, gime, grita, llora, explota y se va con los atormentados personajes, tipificados con riquísimas sutilezas vocales, armónicas e instrumentales y una orquesta rabiosa y con voz propia, que mantiene la tensión a lo largo de toda la ópera, entrelazando los conflictos sin descanso, hasta el abismo final.

La ópera trae de nuevo a Calixto Bieito al Teatro Real, después de Wozzeck (2006), Carmen (2017), Die Soldaten (2018) y El ángel de fuego (2022), en esta ocasión con su aclamada producción creada para la Ópera de París en 2016, repuesta en 2019 y presentada en el Maggio Musicale Fiorentino en 2020.

Bieito construye una tragedia centrada en la familia como germen de los sentimientos y pasiones más primitivos, salvajes, exacerbados y destructivos, en un proceso de aniquilamiento cósmico, que nos une a la tierra quemada, a la explosión de los astros y a la mutación y muerte de las células.

La tragedia se desarrolla en un espacio conceptual delimitado por estacas de madera chamuscada diseñado por la escenógrafa Rebecca Ringst, con iluminación de Franck Evin y una potente iconografía simbólica, que va del Barroco español al Expresionismo centroeuropeo, destacando la poderosa evocación de la Pietà de Miguel Ángel o de la Lamentación sobre Cristo muerto, de Andrea Mantegna.

La dirección musical es de Asher Fisch, que vuelve al Real después del gran éxito que obtuvo con Capriccio, de Richard Strauss, en 2019, para afrontar una partitura de enorme complejidad y precisión, que presentará al público español al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Esta ópera coral cuenta con trece solistas, ocho de los cuales han interpretado a sus respectivos personajes en el estreno de la producción de Calixto Bieito en París: Bo Skovhus (El rey Lear), Susanne Elmark (Cordelia), Ángeles Blancas (Goneril), Erika Sunnegårdh (Regan), Andrew Watts (Edgar), Andreas Conrad (Edmund), Lauri Vasar (El conde de Gloucester), Torben Jürgens (El rey de Francia), Derek Welton (El duque de Albany), Michael Colvin (El duque de Cornualles), Kor-Jan Dusseljee (El conde de Kent) y Ernst Alisch (Bufón).

Con el estreno en España de Lear, 46 años después de su creación, el Teatro Real prosigue con su compromiso de ofrecer al público las óperas más importantes del siglo XX todavía desconocidas en España y que forman parte del acervo artístico europeo por su capacidad para suscitar emociones, reflexiones y deslumbramiento.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA ACTIVIDADES PARALELAS

25 de enero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Asher Fisch (director musical de Lear), Yves Lenoir (responsable de la reposición de la producción), Jorge Fernández Guerra (compositor) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

4 de febrero, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

Luis Fonseca: Light & amp; Sand (2020), para trompeta, corno inglés, fagot, piano y vídeo

George Crumb: An Idyll for the Misbegotten (1985), para flauta amplificada y 3 percusionistas

Arnold Schönberg: Ode to Napoleon Buonaparte, op. 41, para cuarteto de cuerda, piano y recitador

Ludwig van Beethoven: Cuarteto de cuerda nº 1, en fa mayor, op.18

Giovanni Bottesini: Concierto para dos contrabajos La pasión amorosa

18 y 25 de enero, y 1 y 8 de febrero, a las 19.00 horas | Teatro Real, Sala de actividades culturales

Ópera y censura

En este curso, impartido por el musicólogo Mario Muñoz, se analizará de forma accesible la trascendencia de la censura en el mundo de la ópera, no solo desde una perspectiva histórica sino también desde la de los elementos censurables —el libreto, la música, la trama o el montaje— así como las estrategias desarrolladas por los creadores para eludirla. Una larga lista de compositores y obras visitarán estas cuatro sesiones que conforman un recorrido necesario por más de cuatro siglos de prohibiciones donde la genialidad, la tragedia y el sentido del humor se dan la mano.

Inscripciones abiertas en este enlace.

21 de enero a las 12.00 y a las 17.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro!

Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Las tres hijas del rey | ¿Cuál es la aduladora, cuál la sincera y cuál la mentirosa?

Con Whatever Jazz Band: Anxo Martínez, Giorgio Gallina, Marcos Prieto, Ornella Marconi, Benjamín Groisman, Andrés Alberto Freites y Daniel Cabrera

30 de enero, a las 19.00 horas | Residencia de estudiantes

Diálogo con el compositor Jorge Fernández Guerra y el crítico y traductor Luis Gago en torno a Lear, de Aribert de Reimann.

Ángel Orensaz

El Teatro Real celebrará el próximo miércoles, 17 de enero, un homenaje al artista español Ángel Orensanz, en el que se entregará el Premio Extraordinario del Teatro Real en reconocimiento a su dilatada y fructífera trayectoria artística y a su compromiso con el fomento y la divulgación de la cultura española fuera de nuestras fronteras.

Desde la sede de su Fundación en Nueva York, ubicada en un espectacular edificio histórico de 1849 y convertida ya en un emblemático centro de creación, encuentro y escenario, Orensanz abre sus puertas a las más diversas expresiones culturales, siendo anfitrión y altavoz de las mismas. Ese espacio singular ha acogido los espectáculos de Flamenco Real–Authentic Flamenco, con el que hace dos años se expandió el Plan Estratégico Internacional del Teatro Real, y con el que Orensanz ha demostrado en todo momento su apoyo generoso y altruista.

Ángel Orensanz (Laurés, Huesca, 1951) es uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional. Inquieto, creativo, emprendedor y vital, ha visto su obra expuesta en los principales museos del mundo y ha recibido el reconocimiento del público y la crítica a través de numerosos premios y homenajes como el que le dedicó la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia (2001), la medalla de oro Lorenzo il Magnifico de Florencia, medalla de oro de la Academia de Bellas Artes de Rusia, (2018), Medalla de Oro de la Academia de Bellas Artes y Orden del Mérito Civil, entre otros.

A mediados de los años 80 se establece en Nueva York y adquiere, en el corazón del Lower East Side, el edificio que albergaba una de las sinagogas más antiguas de la ciudad. Rehabilita el espacio, lo transforma y ahí establece la fundación que lleva su nombre. Pronto se transforma en un activo centro cultural en el que se dan cita artistas, escritores, pensadores y creadores. El encanto, prestigio y magnetismo del lugar atraen a miles de personas de todas las partes del mundo y el Ayuntamiento de la ciudad, en agradecimiento a su labor, crea en 2002 el Orensanz Day, que se celebra cada 10 de abril.

Lise Davidsen & José Miguel Pérez-Sierra

La soprano noruega Lise Davidsen y el director madrileño José Miguel Pérez-Sierra volverán a unir sus talentos el próximo 7 de enero en el Teatro Real de Madrid, tras haber trabajado juntos en la Ópera de A Coruña, el Turku Music Festival de Finlandia y la Ópera Nacional de Bucarest. En esta ocasión la consagrada intérprete, de destacada carrera en el repertorio wagneriano y verdiano, cantará por primera vez la gran escena final de la ópera Salome, de Richard Strauss, un título que incorporará a su repertorio en mayo en la Opéra National de Paris.

El maestro Pérez-Sierra se muestra “encantado y entusiasmado ante este nuevo concierto junto a la que, asegura, “sin duda está llamada a ser una de las grandes intérpretes del emblemático rol de Salome en los próximos años. Estoy seguro de que el público se va a impresionar con su versión”, para la cual la Orquesta Titular del Teatro Real “estará ampliada hasta los 106 músicos. Esto con Strauss, que requiere de un gran conjunto instrumental, pero a esta maravilla de música hay que sumar escenas de diversas óperas de Verdi”, autor con el que Davidsen se ha prodigado con gran éxito en las últimas temporadas. “Hemos actuado juntos en varias ocasiones”, continúa el director español, “y lo cierto es que es un verdadero placer hacer música junto a esta gran intérprete del siglo XXI”. En el programa –previo al recital que Davidsen ofrecerá en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona el próximo 11 de enero, y en el Met de Nueva York, el 1 de febrero–, se incluyen además selecciones de las óperas verdianas La forza del destino, Un ballo in maschera y Otello.

La agenda del maestro Pérez-Sierra continuará más tarde mirando al Año Puccini que se conmemora en 2024 dirigiendo Madama Butterfly (Teatro Coccia de Novara, Italia) y La Bohème (en su regreso a la Ópera de Las Palmas de GC), para después revisar el poema sinfónico Así habló Zaratustra y las Cuatro últimas canciones de Strauss junto a la soprano Miren Urbieta-Vega y la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia, la Sinfonía Nº 6 de Gustav Mahler (Sinfónica de Málaga), la zarzuela La verbena de la Paloma (Teatro de La Zarzuela, teatro del que acaba de ser designado director musical), la ópera de Manuel de Falla La vida breve (Opéra Theatre de Metz) y L’Italiana in Algeri en el Royal Opera Festival de Cracovia y en el Festival Rossini de Wildbad.

Rigoletto
Crónica de función de Rigoletto, de Verdi, en el Teatro Real el 5 de diciembre de 2023. Don dirección de Nicola Luisotti y Miguel del Arco
Rigoletto, hasta aquí llegó la manada Melodramma en tres actos Música de Giuseppe Verdi (1813-1901) Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la obra de teatro de Le roi s’amuse (1832) de Victor Hugo Teatro Real, 5 de diciembre de 2023 D. musical: Nicola Luisotti D. escena: Miguel del Arco Escenografía: Sven Jonke / Ivana Jonke Vestuario: Ana Garay Iluminación: Juan Gómez-Cornejo Coreografía: Luz Arcas D. coro: José Luis Basso Reparto: Javier Camarena, Ludovic Tézier, Adela Zaharia, Simon Lim, Marina Viotti, Cassandre Berthon, Jordan Shanahan, César San Martín, Fabián Lara, Tomeu Bibiloni, Sandra Pastrana, Inés Ballesteros Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real Sobre la percutiente y obsesiva nota que protagoniza la dramática obertura de Rigoletto, se produce la primera escena inquietante. Una mujer recorre aterrada el patio de butacas perseguida por una “manada” de hombres hasta que le dan alcance, ya en el escenario. El desenlace de esta escena es de imaginar. La hija de Monterone ha sido violada. Así empieza este Rigoletto navideño y heteropatriarcal en el Teatro Real.No vamos a entrar en la variedad de aristas psicológicas y filosóficas de esta gran obra y de los personajes de una ópera tan conocida. Una obra que oculta, tras la más hermosa de las partituras, una historia y una realidad que sigue siendo terrible y por la que Verdi nos sigue planteando, de manera incómoda, todo tipo de interrogantes.Rigoletto es producto de un encargo que la Fenize de Venecia realizó al maestro Verdi. Éste propone a su libretista, Francesco Maria Piave, que consiga los permisos para poder llevar a escena una adaptación de la obra de teatro Le roi s´amuse (1832), de Victor Hugo, que había sido prohibida nada más ser estrenada, acusada de inmoralidad. Verdi pensaba haber encontrado en esta obra, el tema con mayor potencial dramático de su carrera. Tras múltiples negociaciones con la censura, un inteligente Verdi consiguió llegar a un acuerdo sibilinamente ventajoso, cambiarían los nombres de todos los personajes, que aludían a sagas familiares que aún existían, y retirarían las escenas más escabrosas. Una vez obtenido el permiso, apenas unas semanas antes del obligado estreno, Verdi terminó la obra y fue estrenada el 11 de marzo de 1851 con un éxito arrollador.En esta nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y The Israel Opera, la música y la escenografía no llegan a encontrarse en casi ningún momento de la obra.Miguel del Arco es un gran director teatral, pero aceptar el encargo de su primera ópera, a cargo del Teatro Real, con una de las obras más consagradas del género y 22 funciones durante la navidad, puede ser un regalo envenenado. Verdi es uno de los grandes genios de la teatralidad, capaz de llevar la dramaturgia incluso a la vocalidad. Por eso es tan arriesgado tratar de buscarle las vueltas interpretativas a una ópera que viene de fábrica con todo incluido.Su escenografía es desconcertante, yo diría que un poco desafiante. Con ese ánimo de escandalizar que tienen algunos que se creen eso, con capacidad de escandalizar por poner a todas las figurantes de la obra realizando felaciones. Alguien debería haberle dicho que esas cosas en la ópera ya no son ni originales. El Duque de Mantua es ese persinaje capaz de interpretar las más bellas arias, al tiempo que es el mayor de los canallas. Del Arco profundiza en la parte infame del Duque, de la manera más descarnada. Para ello ha utilizado pocos elementos y muchos figurantes que aparecen distribuidos sobre el escenario, sin aparente criterio, pero con orden. A veces se mueven, a veces ¿bailan? En cualquier caso, las coreografías de Luz Arcas son demasiado simples y faltas de imaginación.El gran lupanar en el que se convierte la escena, está lleno de mujeres presentadas como entes ausentes, desprovistas de identidad y dignidad que deambulan por el escenario. Que solo sirven para distraer durante las arias más representativas de la obra. Si la intención era presentar una ópera feminista o, al menos, de reivindicación de la mujer, el intento es fallido.La parte positiva en esta escenografía, que la tiene, se centra en el uso que hace del telón, tanto al inicio, con una deslumbrante caida, como a lo largo de la obra, en la que los telones delimitan las estancias y alfombran algunas escenas. La combinación de los colores, tanto de los elementos escénicos, diseñados por Sven Jonke e Ivana Jonke, como los del vestuario de Ana Garay, crean por si mismos efectos visuales de gran belleza estética. Otro elemento cautivador es la iluminación de Juan Gómez-Cornejo, capaz de generar distintas atmósferas con gran precisión. A veces una buena iluminación es suficiente para describir o presentar una escena.Menos mal que en esta ocasión, lo más importante ha sido también lo mejor, la música. En el foso, un Luisotti en momento dulce, atento a todo y cuidando a los cantantes, que escénicamente estaban un poco desguarnecidos. Su dirección estuvo llena de detalles, dando continuidad a la música, que en todo momento daba sensación de fluidez y dinamismo.Muy bien también el coro de hombres del Teatro. Los cambios siempre son estimulantes. En la parte vocal hubo una terna algo desigual. El Duque de Mantua estaba interpretado por el tenor Javier Camarena. Ya desde el principio no se le veía muy cómodo. En Questa o quella tenía problemas con el fiatto. Entre volumen o agilidad, se decidió por volumen. Pero la cosa no mejoró con el avance de la obra. Los agudos quedaban un poco justos, pero los graves tampoco eran mejores. Una lástima que Camarena no se haya lucido como en otras ocasiones. Esperemos que su amplio repertorio no le pase factura y volvamos a escuchar el magnífico instrumento que tiene. El francés Ludovic Tézier dio vida a un notable Rigoletto. Con buena presencia escénica, aunque sin joroba y con pantalones al inicio de la obra, no con corpiño y medias como marcaba la escenografía, que uno tiene su dignidad. Se mostró algo frío en la interpretación, no así en la parte vocal, matizando y dramatizando vocalmente. No es Leo Nucci, pero convenció al público con su buen hacer. Tuvo uno de sus mejores momentos en el dúo con Gilda y en Vendetta. Bien en el fraseo y en lo más complejo del personaje, el legatto y las tesituras altas.Pero sin duda la más aplaudida de la noche fue la soprano rumana Adela Zaharia. Su Gilda fue excelente. Llena de dramatismo, pero sin el remilgo de otras intérpretes. Con agudos limpios y un registro central poderoso y delicado a la vez. Su Caro nome, de una bellísima factura, fue muy celebrado por el público. En la parte escénica también brilló, ofreciendo una Gilda con la candidez justa. El surcoreano Simon Lim resultó un Sparafucile muy creíble, con todo lo siniestro que puede llegar a ser este personaje. Muy bien en lo vocal, dramático y profundo y generando inquietud cada vez que salía a escena.La mezzosoprano suiza Marina Viotti estuvo magnífica en el breve, pero importante papel de Maddalena. Su presencia escénica, aumentada por unas impresionantes plataformas, y su imponente voz, otorgaron carácter y personalidad a este personaje un tanto frívolo.Rigoletto siempre es un regalo, en este caso, de Navidad. La partitura de Verdi y la dirección musical de Nicola Luisotti nos devuelven a la magia de la ópera.Texto: Paloma Sanz Fotografías © Javier del Real | Teatro Real
EL MURCIELAGO

A punto de cumplirse 150 años de su estreno en Viena, podrá escucharse por primera vez en el Teatro Real El murciélago (Die Fledermaus) opereta de Johann Strauss hijo (1825-1899), llena de humor refinado, ironía, trama desenfadada y una elegancia musical que consagraron el título desde el momento de su estreno.

Su libreto, lleno de enredos amorosos y cambios de identidades que suceden en una fiesta de disfraces, con un baile inolvidable y un optimismo desbordante, han hecho de El murciélago un clásico en la programación navideñas de los teatros líricos, especialmente en Austria y Alemania. Ahora, por fortuna, se une a esta tradición centroeuropea dando a conocer la obra de Johan Strauss.

La alegría y la frivolidad de esta opereta vienesa están sustentadas en una partitura de enorme musicalidad y una exigencia vocal compleja, que la elevan por encima de su género. El reto, y el disfrute, de interpretarla estarán en manos del director de orquesta Marc Minkowski, al frente de su formación Les Musiciens du Louvre y  de un reparto coral que contará, en los papeles principales con Huw Montague Rendall (Gabriel von Eisenstein), Jacquelyn Stucker (Rosalinde), Marina Viotti (Príncipe Orlofsky), Magnus Dietrich (Alfred), Leon Košavić (Dr. Falke), Krešimir Špicer (Dr. Blind), Alina Wunderlin (Adele), Sandrine Buendía (Ida) y Sunnyi Melles (Frosch).

Completa el elenco artístico el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, dirigido por Xavier Puig.

Il ritorno d’Ulisse en patria

El próximo lunes, 4 de diciembre, el Teatro Real acogerá una única representación de Il ritorno d’Ulisse en patria, obra clave de Claudio Monteverdi que estará interpretada por la formación barroca I Gemelli,  con su fundador y director, Emiliano González Toro, al frente de la dirección musical y dando vida al papel protagonista, Ulises.

Un reparto de voces especializadas en repertorio barroco –David Hansen, Fleur Barron, Matilde Etienne, Emoke Barát, Álvaro Zambrano y Christian Immler, entre otros- afrontará la delicada lectura de una partitura a la que I Gemelli y González Toro han dedicado años de estudio, ensayos, trabajo, análisis y pasión, para sacar adelante un proyecto cuya grabación ha recibido importantes reconocimientos internacionales.

Estrenada en Venecia en 1640, en el Teatro San Casiano, Il ritorno.. se convierte en una  obra importantísima en la producción de Monteverdi, ya que tanto el planteamiento orquestal como la estructura dramática de la obra suponen una evolución respecto a L’Orfeo, compuesta 33 años antes. En el aspecto musical hay una reducción ornamental en la orquesta y un mayor protagonismo de la palabra; texto y música alcanzan en esta obra una situación de igualdad que la hace moderna y anticipa el futuro de la ópera.

El sentido dramatúrgico y teatral tienen en Il ritono .. una importancia primordial. Aquí los personajes miran hacia dentro y reflexionan sobre las preguntas eternas (vida, amor, muerte, tiempo..). Con libreto de Giacomo Badoaro, basado en la Odisea de Homero y el mito de Ulises, hombres y dioses dialogan bajo el espíritu del Renacimiento sobre el hombre como medida del Universo.

ACTIVIDADES PARALELAS

MUSEO DEL ROMANTICISMO

VISITA-TALLER INFANTIL

Cuenta la leyenda

Las leyendas y los mitos son historias que muestran costumbres y tradiciones, y cuyos protagonistas, héroes y heroínas, dioses y diosas, realizan hazañas asombrosas. En esta visita-taller para niños entre 6 y 12 años, y con una duración de dos horas, nos centramos en algunos personajes sobrenaturales y mitológicos que pueblan el museo.

15 de diciembre. 17.00 h

16 de diciembre. 11.00 h
Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en su web

MUSEO DE HISTORIA DE MADRID

EXPOSICIÓN

El mayor encanto, amor

En el estanque del Retiro hubo una isleta con árboles, caminos y pequeñas construcciones, donde se estrenó en 1635 el auto sacramental de Calderón de la Barca titulado El mayor encanto, amor. El público que acuda al Museo podrá ver en la exposición permanente una maqueta del escenario de aquella representación que narraba un episodio de la Odisea, en el que los marineros del barco de Ulises son convertidos en cerdos por la maga Circe.

Gratuito para los visitantes del museo

MUSEO NAVAL

TEATRO DE SOMBRAS

El regreso de Ulises

Las pérfidas sirenas, el cíclope Polifemo o la maga Circe que se encontró Ulises en su vuelta a Ítaca por el Mediterráneo son algunos de los personajes de la Odisea de Homero y que ahora el museo presenta a través de una única función de teatro de sombras chinas para niños entre 5 y 12 años.

3 de diciembre. 17.00 h

Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en este enlace

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

VISITA GUIADA

La distancia entre A y B es la misma que entre B y A

A través de las creaciones de diferentes generaciones de artistas, se hará un recorrido por las obras de la exposición, hilando las conexiones entre las piezas mostradas y la ópera de Monteverdi. Pintura, escultura, fotografía y textil se unen para dar vida a la propuesta.

20 de diciembre. 18.00 h

Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción

Carmen Linares

El Teatro Real ha dedicado su sexta temporada de Flamenco Real a la extraordinaria cantaora Carmen Linares, en homenaje a una larga y fructífera carrera que la ha convertido en referente internacional del flamenco y de la cultura española, como avalan el Premio Princesa de Asturias de la Artes 2022 o el reciente Latin Grammy a la Excelencia Musical, por citar sólo algunos.

Versátil, profunda, generosa y luchadora incansable –su condición de mujer y paya en un mundo predominantemente masculino y gitano, pone aún más en valor el lugar conseguido y las barreras derribadas para las nuevas generaciones- Carmen Linares es ya una leyenda del flamenco.

En la noche de ayer, antes del comienzo del espectáculo del guitarrista Daniel Casares en el Salón de Baile del Teatro Real, se hizo entrega a la cantaora del cartel conmemorativo de este merecido homenaje que, en ciclos anteriores ha reconocido a otros grandes nombres del flamenco como los bailaores Antonio Canales, Cristina Hoyos, Blanca del Rey y Merche Esmeralda, el cantaor Ramón el Portugués, el guitarrista Manolo Sanlúcar y el bailaor El Güito.
Fotógrafo: © Juanlu Vela

Rigoletto

El Teatro Real estrenará el próximo 2 de diciembre una nueva producción de Rigoletto, de Giuseppe Verdi -en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla- de la que se ofrecerán 22 funciones, hasta el 2 de enero de 2024.

El estreno de Rigoletto, en el Teatro de La Fenice, en 1851, fue precedido de varios encontronazos con la censura veneciana, que se opuso a la descarnada visión de la vida cortesana patente en el libreto de Francesco Maria Piave -a partir de Le Roi s’amuse, de Victor Hugo-, con un protagonista contrahecho y perverso, que desenmascara, con su risa diabólica, la podredumbre de una sociedad corrupta, cruel y degenerada, que él mismo encarna con su deformidad física y moral.

La trama de la ópera, terrible, se centra en la maldición que lanza el Conde de Monterone a Rigoletto por burlarse de la deshonra de su hija. Esta premonición -cuyo tema, la maledizione, late del principio al final de la ópera- será el tormento del bufón y el preludio de su desgracia: su hija, la inocente Gilda, que él aísla y protege, será seducida por las artes amatorias de su amo, el libertino Duque de Mantua, y raptada por los cortesanos, muriendo por amor, en una maquinación fatídica que él mismo engendró.

El potente drama de Victor Hugo, de tintes shakespearianos, inspiró una partitura de grandísima intensidad dramática, unidad estructural y una genial escritura musical, capaz de describir con impresionante concisión y belleza, la complejidad y ambivalencia de los personajes y el devenir de la trama, que transcurre con tensión y fluidez del primer al último compás.

Miguel del Arco, responsable de la puesta en escena, ha creado una producción que indaga en la angulosa personalidad del personaje titular, víctima y verdugo, maltratado y maltratador, convirtiendo la obra en un descorazonador retrato de nuestra sociedad actual, complaciente con las actitudes más espurias y crueles.

La sed de poder -voraz, cegadora e insaciable- crea monstruos que aglutinan a su alrededor, con avasalladora fuerza centrípeta, una sociedad servil y gregaria que normaliza las situaciones más atroces, aceptando, enmascarando y hasta aplaudiendo la crueldad, la humillación, el estupro, la calumnia, la violencia o la venganza. Solamente el amor puede sobreponerse a la deshumanización del alma, abriendo una brecha de luz y esperanza en el mundo oscuro del Rigoletto verdiano, que Miguel del Arco nos acerca.

La espectacular escenografía de Sven Jonke y el sugerente diseño de luces de Juan Gómez-Cornejo acompañan las tensiones del drama y las contradicciones, pasiones y sentimientos de los personajes, retratados con los potentes figurines de Ana Garay.

Nicola Luisotti, que ya dirigió este título en el Teatro Real en 2015, volverá a hacerlo al frente de tres repartos estelares y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.  Christoph Koncz dirigirá cuatro funciones.

Darán vida al quinteto protagonista los barítonos Ludovic Tézier, Étienne Dupuis y Quinn Kelsey (Rigoletto), los tenores Javier Camarena, Xabier Anduaga y John Osborn (Duque de Mantua), las sopranos Adela Zaharia, Julie Fuchs y Ruth Iniesta (Gilda), los bajos Simon Lim, Peixin Chen y Gianluca Buratto (Sparafucile) y las mezzosopranos Marina Viotti, Ramona Zaharia y Martina Belli (Maddalena).

Rigoletto, una de las óperas más queridas y representadas a lo largo de toda la historia del Real, volverá en su cuarta producción desde la reapertura del Teatro, después de las de Daniel Lipton y Graham Vick (2001), Roberto Abbado y Monique Wagemakers (2009) y Nicola Luisotti y David McVicar (2015).

La producción del Teatro Real que ahora se estrena será una nueva lectura dramatúrgica y escénica de la genial partitura de Verdi, cuya visión desalentadora e inquietante de nuestra sociedad sigue cuestionándonos, incomodándonos y confrontándonos con lo más oscuro de nuestras almas.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA ACTIVIDADES PARALELAS

28 de noviembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti (director musical de Rigoletto), Miguel del Arco (director de escena de Rigoletto), Ricardo de Cala (director del programa Maestros cantores, de Radio Clásica) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.

 

3 de diciembre, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Los Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

Joseph Haydn: Trío para barítono, viola y violonchelo

Darius Milhaud: Sonata para dos violines y piano, op.15

Max Bruch: Piezas para viola, clarinete y piano (selección)

Astor Piazzolla: La calle 92, para viola y violonchelo (arreglo de N. J. Hillmann)

Arnold Schönberg: Noche transfigurada, op. 4, para sexteto de cuerda

16 de noviembre al 12 de diciembre | Teatro Real, talleres, salas de ensayo y sala principal

La universidad a escena: Rigoletto

A lo largo de 4 sesiones los estudiantes –que perciben créditos universitarios en sus respectivos estudios–, descubren las interioridades de la nueva producción a través de una visita técnica, asistencia a ensayos, presentaciones y encuentros con trabajadores y artistas involucrados en esta producción.

8 al 30 de noviembre | Teatro Real, talleres, salas de ensayo y sala principal

La ópera al descubierto: Rigoletto

A través de 8 sesiones los integrantes del curso asisten a todo el proceso de montaje de Rigoletto, asistiendo a distintos tipos de ensayos y participando en encuentros con trabajadores y artistas involucrados en esta producción.

3 de diciembre a las 12.00 y a las 17.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro!

Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

La chica del móvil protege tanto a su hija que la mantiene oculta en casa para que no la vean. Un taller de introducción a la música para familias, con Fernando Palacios, en ocasión de Rigoletto, de Verdi, programado en el Teatro Real.
Con el barítono Gabriel Más y la pianista Alicia Hernández.

22 de enero, a las 19.00 horas Círculo de Bellas Artes, Sala Ramón Gómez de la Serna

Conferencia: Un personaje ridículo, pero apasionado y lleno de amor: Rigoletto

Por: Massimo Giuseppe Bonelli director de la Escuela Italiana de Madrid, historiador de Arte y director de escena de ópera italiana. Entrada libre hasta completar aforo.

Museo del prado Cuarteto Meccore

El Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Biblioteca Nacional de España son las tres instituciones que acogerán a partir del próximo 22 de noviembre el Ciclo de Cuartetos de Cuerdas que ha organizado el Teatro Real en paralelo a su programación operística.

El primero de los conciertos, coincidiendo con el Día de Santa Cecilia, tendrá lugar el 22 de noviembre, a las 21 horas, en la evocadora Sala de Musas del Museo del Prado; y el segundo, el 23 de noviembre, a las 20 horas, será en la Sala de Orquesta del Teatro Real.

El protagonista será el Cuarteto Meccore, que ha elaborado su programa en torno a Halka, de Stanisław Moniuszko, estrenada la semana pasada en el Teatro Real.

La música de los dos primeros recitales estará compuesta por el Cuarteto de cuerda núm. 2, op. 56, de K. Szymanowski; el Cuarteto de cuerda núm. 3, Hojas de un diario no escrito, de K. Penderecki, y el Cuarteto de cuerda de W. Lutosławski (ver notas abajo).

Creado en 2007, el Meccore es uno de los cuartetos de cuerda más importantes de la actualidad, con actuaciones en prestigiosas salas de todo el mundo e importantes premios y reconocimientos en el ámbito de la música de cámara.

El cuarteto fue tutelado, en sus comienzos, por los miembros del Cuarteto Camerata. Posteriormente estudiaron con el Cuarteto Artemis en la Universität der Künste de Berlín y en la Queen Elisabeth Music Chapel de Bruselas, perfeccionándose con Günter Pichler (Cuarteto Alban Berg) en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid.

Con el apoyo de la fundación Irene Steels-Wilsing Stiftung, el cuarteto publicó su primer CD, así como su segundo disco, que recibió el Supersonic Award de la revista de música clásica Pizzicato y obtuvo dos nominaciones al premio de música Fryderyk 2016 de la Sociedad Polaca de la Industria Fonográfica. Su tercer álbum, con cuartetos de cuerda de Edvard Grieg, recibió numerosas distinciones junto con nominaciones al premio Fryderyk 2018 y al Preis der Deutschen Schallplattenkritik. El último CD, con Cuartetos de cuerda y el Sexteto Souvenir de Florence, de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, en el que participan Isabel Charisius y Valentin Erben del Cuarteto Alban Berg, ha sido elogiado por la crítica y ha recibido el Pizzicato Supersonic Award.

Paralelamente a su actividad concertista, el Cuarteto de Cuerda Meccore fue anfitrión de siete ediciones del Festival Internacional de Música de Cámara Quarto Mondi de Polonia, programando a los mejores músicos y conjuntos instrumentales de la escena internacional.

Los miembros del Cuarteto tienen una intensa actividad pedagógica, impartiendo clases de música de cámara e instrumental en la Universidad de Música Fryderyk Chopin de Varsovia, en la Academia de Música Ignacy Jan Paderewski de Poznan y en la Academia de Música Krzysztof Penderecki de Cracovia.

Fotografía: Anita WÑsik-Pêociõska

Daniel Casares

Detrás de numerosos galardones y reconocimientos encontramos a Daniel Casares, un virtuoso de la guitarra flamenca, inquieto y creativo, que regresa a Flamenco Real para compartir con su público, los días 22, 23 y 24 de noviembre, su última creación artística, El poder de lo sutil.

El guitarrista malagueño encuentra de nuevo la inspiración en su hija Alejandra y a través de sus ojos, de su alma, de sus gestos, busca y encuentra lo importante más allá de lo evidente. Con este punto de partida crea un universo musical con el que quiere mostrar “esas grandes cosas que, para nuestros sentidos son muy pequeñas pero para nuestros corazones, inmensas”.

En este nuevo trabajo, Casares vuelve a mostrar una guitarra que suena flamenca sin pretenderlo, una armonía que vuela ligera con la naturalidad de aquello que no requiere de artificios, a través de notas que fluyen sin buscar el virtuosismo, y de los silencios, pues los matices de los silencios hablan más y mejor que ningún acorde.

Para las sesiones de Flamenco Real contará con la colaboración de nombres tan flamencos como Manuel Montes, en el baile; Manuel Peralta, voz y palmas; José Manuel Posada “Popo”, en el contrabajo y el bajo, y Miguel Ortiz “Nene”, en la percusión.

Nacido en Casares (Málaga) en 1980, Daniel Casares llegó a la guitarra por casualidad y, de forma autodidacta, arrancó sus primeras notas inspirado en la música que escuchaba y en los discos de Paco de Lucía. Pronto su virtuosismo y rigor alcanzaron importantes reconocimientos. En 1996 obtiene el Premio Nacional de Guitarra y, al año siguiente, el Premio Nacional de Guitarra ‘Bordón Minero’. Tenía sólo 16 años. Después llegarían el Premio Revelación Musical de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York o el Premio Miguel Acal al mejor artista flamenco, por citar sólo algunos.

Ahora, con una carrera consolidada y una actitud serena y libre, su guitarra suena más auténtica que nunca, dejándola contar lo nuevo con mimbres tradicionales. Sus composiciones se mueven por los márgenes, los saltan, los transforman y suenan flamencos sin serlo, pero, sobre todo, transmiten lo que late en el fondo de Casares.

El ciclo Flamenco Real se enmarca en la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el  Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, está organizando giras internacionales bajo el nombre de Authentic Flamenco, actualmente con más de 400 actuaciones programadas en 40 ciudades de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia, y Oceanía, y con cien mil entradas vendidas en lo corrido del año.

Fotógrafo: © Juanlu Vela

liz callaway

Los próximos 16, 17 y 18 de noviembre, la Fundación Amigos del Teatro Real ofrecerá tres funciones  a cargo de una de las voces más queridas y aclamadas de Broadway, Liz Callaway, quien llega por primera vez a Madrid para rendir homenaje a Stephen Sondheim (1930-2021) bajo el título To Steve with Love.

Acompañada al piano por Alex Rybeck, la cantante y actriz estadounidense ofrecerá un programa que incluye números de algunos de los musicales más populares del gran compositor neoyorquino, como Company, Follies, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street o A Little Night Music (ver programa al final), una selección de obras grabadas recientemente por la artista cuyo álbum, To Steve with Love, acaba de ser nominado a los premios Grammy 2024 en la categoría Mejor álbum de pop tradicional (Best Traditional Pop Vocal Album).

Callaway se pondrá en la piel de inolvidables personajes para compartir con el público, en un concierto íntimo,  emociones, confidencias, historias, experiencias, ironía, sueños y, sobre todo, música. De su mano reviviremos el Nueva York de los años cincuenta, la adrenalina y el entusiasmo del artista que comienza, la melancolía del desamor y el amor como redención de la vida convencional.

Nacida en Chicago en 1961, Liz Callaway debutó en Broadway a sus 20 años en la producción de Merrily We Roll Along, de Stephen Sondheim. Desde entonces, inició una larga carrera de colaboración con el compositor. Además de sus grandes papeles de teatro musical y cabaret, que incluyen títulos como Sunday in the Park with George, Baby, The Three Musketeers o Cats, la voz de Callaway ha inmortalizado los personajes de icónicas películas animadas, como Anastasia, Aladino, La Bella y la Bestia, Pocahontas, El Rey León II, entre otros. Su discografía suma nueve trabajos solistas y su carrera musical ha sido galardonada en los Bistro Awards, uno de los premios más prestigiosos de teatro musical, cabaret y jazz, concedido anualmente en Nueva York.

Stephen Sondheim es, sin duda, el gran referente del musical americano. Sus comienzos como letrista de West Side Story, junto al músico Leonard Bernstein, o Gypsy, con Harold Prince, eran sólo el presagio de una forma de concebir el teatro musical que lo cambiaría todo. Pronto vería cumplido su sueño de hacer las canciones completas para el espectáculo y pronto llegaría su primer y rotundo éxito con Company, una obra con un concepto y estructura dramática alejada de lo formal –reconocida en su momento con seis premios Tony- que no ha dejado de influir a las generaciones posteriores. Después vendrían títulos memorables como Follies, A Little Night Music, Sweeny Tood, Into the Woods… y una fructífera carrera por la que fue galardonado con prestigiosos premios, entre los que destacan ocho Grammy Awards, ocho Tony Awards, el Lawrence Olivier y el Premio Pulitzer, por citar sólo algunos.

TO STEVE WITH LOVE

LIZ CALLAWAY

PROGRAMA

Opening Medley: Company / Rich and Happy / I Know Things Now / Someone in the Tree – «Company», «Merrily We Roll Along», «Into the Woods», «Pacific Overtures»

Broadway Baby -«Follies»

Old Friends / Like it Was – «Merrily We Roll Along»

What More Do I Need? -«Saturday Night»

The Miller’s Son – «A Little Night Music»

What Do We Do? We Fly? – «Pacific Overtures»

I Remember / Take Me to the World – «Evening Primrose»

Not While I’m Around / Now You Know – «Merrily We Roll Along», «Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street»

Children Will Listen – «Into the Woods»

In Buddy’s Eyes – «Follies»

The Road You Didn’t Take – «Follies»

Loving You – «Passion»

Move On – «Sunday in the Park with George»

Another Hundred Lyrics – «Company»

Send in the Clowns – «A Little Night Music»

Being Alive – «Company»

Halka

Los próximos 9 y 11 de noviembre, coincidiendo con el Día de la Independencia de Polonia, el Teatro Real presentará en su escenario, en versión de concierto, la ópera Halka, de Stanisław Moniuszko (1819-1872) considerado el creador de la ópera nacional polaca, que desplegó en este título una de las músicas más conmovedoras y románticas de la historia del país.

Halka posee una orquestación sublime, con bellas melodías arraigadas en la música tradicional, arias líricas y emotivas y un hábil uso del coro, presente como un protagonista más, con logradas escenas que ponen de relieve la esencia del espíritu polaco. Su ágil pulso dramático, con clara influencia italiana, consigue una narración fluida y emotiva en el más puro estilo romántico.

Su puesta de largo en el Real contará con la participación del tenor polaco Piotr Beczała, una de las grandes voces de la actualidad, y emblemático representante de su país, que ha dejado en este escenario inolvidables interpretaciones en La damnation de Faust (2009), Faust (2018) y en Aida (2022) además de su participación en el Homenaje a Alfredo Kraus (2014) y en la Messa da Requiem, de Verdi, en la Catedral de Burgos (2022). En esta ocasión encarnará el papel de Jontek, protagonista masculino de la ópera.

Le acompañarán la soprano estadounidense Corinne Winters (Halka), los intérpretes polacos Tomasz Konieczny, bajo barítono (Janusz) y Tomasz Kumiega, barítono (Dziembra), el bajo ruso Maxi Mkuzmin-Karavaev (Stolnik), la mezzosoprano ucrania Olga Syniakova (Sofia) y el barítono español Javier Povedano (El gaitero).

Junto a ellos, la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real asumen el reto de extraer los colores de esta bella partitura bajo la dirección musical de Łukasz Borowicz, otro gran representante de su Polonia natal, con José Luis Basso al frente del coro.

Coincidiendo con este estreno, y con los actos conmemorativos de Día Nacional de la Independencia de Polonia, el Teatro Real ha programado dos conciertos que tendrán lugar los días 22 de noviembre, en la Sala de las Musas del Museo del Prado (21.00 h), y el 23, en la Sala de Orquesta del Teatro Real (20.00 h), cuyas obras seleccionadas corresponden a tres grandes compositores polacos, de distintos periodos, con los que quiere poner de relevancia la música polaca en la historia europea:  Karol Szymanowski (1882 – 1937), Krzysztof Penderecki (1933 – 2020) y Witold Lutosławski (1913 – 1994).

El programa de los conciertos, el mismo para ambas citas, estará protagonizado por el Cuarteto Meccore, donde estos premiados músicos polacos interpretarán las obras: Cuarteto de cuerda núm. 2, op. 56, de K. Szymanowski; el Cuarteto de cuerda núm. 3, «Hojas de un diario no escrito», de K. Penderecki, y el Cuarteto de cuerda de W. Lutosławski.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Teatro Real

El Teatro Real ha sido galardonado con el X Premio de la Fundación Consejo España Japón en reconocimiento a su labor en la promoción de música y las artes escénicas españolas en el país nipón y a su decidido esfuerzo por acercar las sociedades de ambos países.

El vínculo entre el Teatro Real y Japón comenzó en 2018 con la firma de un convenio de colaboración con el Nuevo Teatro Nacional de Tokio con el objetivo de intercambiar óperas y ballets para su retransmisión en ambos teatros y reforzar su proyecto de expansión y difusión de sus actividades en el panorama internacional.

En la actualidad, la institución española está embarcada en una gira por Asia con su programa Authentic Flamenco, con el que recorrerá 12 ciudades de Oriente Medio, Asia y Oceanía, entre ellas Tokio, donde tiene previstas 10 actuaciones.

La gala de entrega de premios, en los que también se reconocerá el trabajo de la empresa japonesa Toyota, se celebrará entre los días 28 y 30 de noviembre en Salamanca.

El jurado, reunido el pasado 18 de octubre en la sede del Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación, estuvo integrado por: Ángeles Delgado, CEO de Fujitsu en España y presidenta de la Fundación Consejo España Japón; Lucía Los Arcos, directora de Asuntos Institucionales y Comunicación de Bergé & Cía y vicepresidenta de la Fundación Consejo España Japón; Ramón Mª Moreno, secretario general de la Fundación Consejo España Japón; Álvaro de la Cueva, abogado socio de Garrigues; Eduardo Serra, presidente de NTT Data EMEAL; Marcos Caviró, director de gabinete en la Dirección General de la Cámara de Comercio de España, y Juan Tanarro, general manager de Mitsui.

Fotografía: Javier del Real

SABINA PUÉRTOLAS

Tras su paso por Chile en el papel de Norina en la versión en concierto de ‘Don Pasquale’, la soprano navarroaragonesa Sabina Puértolas formará parte del homenaje a la gran soprano Victoria de Los Ángeles con motivo del centenario de su nacimiento (siendo la única española de entre las cantantes). Bajo una propuesta escénica firmada por Vicent Hugues y con la dirección de Lucas Macias, la gala contará con vestuario de la propia cantante para una noche mágica en honor a la gran diva.

Sabina Puértolas cantará un repertorio de lujo con el ‘Damunt de tu només les flors’ de Federic Mompou en la primera parte junto al pianista británico Julius Drake y siguiendo con ‘Je marche sur tous les chemins… Obéissons quand leur voix appelle’ parte de la ópera Manon de Jules Massenet, un repertorio que la cantante conoce muy bien, y que interpretará acompañada por la orquesta
sinfónica del Gran Teatro del Liceo. “Es un homenaje”, explica. “Victoria de los Ángeles forma parte de mi carrera como cantante, ya que pude conocerla con 16 años, como la más joven alumna en un curso que impartió en Santander”.

Próxima cita de Puértolas, Manon en Tenerife Precisamente la próxima parada en la temporada musical de Sabina Puértolas será en el Auditorio de Tenerife. Tras su exitoso paso por Santiago de Chile y Oviedo, la nueva producción de Manon que protagoniza visitará la isla los días 21, 23 y 25 de noviembre, completando así la gira de las tres instituciones que han participado en su producción.

En esta nueva versión de la ópera de Massenet, Puértolas está acompañada en el reparto del Arturo Chacón-Cruz y Luis Cansino, entre otros, bajo la dirección escénica de Emilio Sagi, la escenografía de Daniel Bianco y la batuta de Christopher Franklin, al
frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Completa la producción el Coro Titular Ópera de Tenerife-Intermezzo.

Sabina Puértolas
Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir a la perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle. Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

Desde su debut en 2001 en el Teatro alla Scala de Milán, bajo la dirección del maestro Riccardo Muti, ha desarrollado una intensa carrera, dirigida por maestros como Christophe Rousset, David Curtis, Alain Guingal, Gianluca Capuano, Jesús López-Cobos, Paolo Arrivabeni, Antonino Fogliani o Ivor Bolton, entre muchos otros. París, Viena, Roma, Washington, Verona, Bruselas o Amsterdam han sido otros de los destinos en los que ha demostrado su dominio de las tablas, en roles como Morgana (Alcina), Angelica (Orlando), Princesa Eudoxie (La Juive) o Despina (Così fan tutte).

Fotografía: Nano Cañas

GALA CENTENARIO VICTORIA DE LOS ÁNGELES
7 de noviembre en el Gran del Teatro del Liceo de Barcelona.

Participantes:
Maria Agresta
Louise Alder
Dame Sarah Connolly
Joyce DiDonato
Juliana Grigoryan
Sabina Puértolas
Helena Ressureiçao
Fatma Said
Anne Schwanewilms
Iréne Theorin
Marina Viotti

Piano: Julius Drake

Dirección de escena y concepto: Vincent Huguet

Victoria de los Ángeles

Mañana, miércoles, 1 de noviembre, darán comienzo los actos conmemorativos del centenario del nacimiento de la soprano Victoria de los Ángeles, una de las voces más destacadas en la historia de la lírica en la segunda mitad del siglo XX, a los que el Teatro Real se une a través de MyOperaPlayer emitiendo en abierto una selección de conciertos del Life Festival Victoria de los Ángeles y una selección de vídeos con interpretaciones históricas de la soprano.

Esta iniciativa se lleva a cabo en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles y el Life Festival Victoria de los Ángeles, festival de lied que ha elegido la plataforma del Teatro Real para ofrecer un valioso material audiovisual y artístico, desconocido hasta ahora, que servirá para poner en pie este merecido homenaje.

El punto de partida será la retransmisión en directo del concierto que la soprano Elena Copons, junto a la Orquesta Sinfónica Victoria de los Ángeles, bajo la dirección de Pedro Pardo, ofrecerá el 1 de noviembre, a las 19.00 horas, desde la Universidad de Barcelona, lugar en el que nació la soprano en 1923 –su padre trabajaba ahí como bedel y la familia residía en el recinto- y donde fue reconocida con el doctorado honoris causa en 1987, siendo el primero que el centro otorgaba a una mujer. “Para mí la Universidad era una ciudad, y la ciudad que había fuera era otra ciudad”, declaró en una entrevista recogida en la Fundación, que remarca el simbolismo de este concierto.

El acceso a la emisión en directo se podrá hacer a través de este enlace

A partir de este momento, MyOperaPlayer emitirá una selección de los conciertos de Lied programados por el Life Festival Victoria de los Ángeles y pondrá a disposición de los usuarios una selección de grabaciones en las que la histórica soprano interpreta conocidas arias y dedicará especial atención a este género, cuya interpretación amaba profundamente y con el que obtuvo un rotundo reconocimiento.

El aniversario del nacimiento de Victoria de los Ángeles ha sido declarado Evento de Excepcional Interés Público por el Gobierno de España. La programación del Life Victoria ha sido diseñada basándose en una entrevista ofrecida por la soprano en 1978 en el programa Desert Island Discs de la BBC con el periodista Roy Plomley, en el que la cantante elige los discos que se llevaría a una isla desierta, aportando su pasión por la música que interpretó y por la que, sin haber formado parte de su repertorio, enriqueció su personalidad artística.

La Fundación Victoria de los Ángeles, presidida por Helena Mora y con Marc Busquets en la dirección artística, tiene como finalidad, este año más que nunca, conservar y difundir su legado, con el objetivo de que el testimonio vital y artístico de la persona y la cantante sigan vivos, así como formar a futuras generaciones de músicos, siguiendo el ejemplo de la artista. Ahora, el Teatro Real se suma a esta misión construyendo un lugar vivo para nuestra memoria.

El Teatro Real ofrecerá, por primera vez en Madrid, una versión escenificada de Orlando, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), en una nueva producción estrenada en el Theater an der Wien en abril de 2019.

Cuando Händel compuso Orlando, en 1733, la ópera italiana comenzaba un lento declive en Londres, donde su compañía, la célebre Royal Academy of Music, reflotaba con dificultad gracias a la contratación de los más reputados músicos y cantantes para la interpretación de sus obras, como fue el caso del extraordinario castrato Sinesino, primer intérprete del diabólico papel titular de la ópera.

La partitura de Orlando, con apenas cinco cantantes y sin coro, se concentra en la progresiva enajenación mental del héroe del ejército de Carlomagno y las endiabladas y sutiles relaciones amorosas que entrelazan los personajes, con excepción de Zoroastro. Este hechicero y demiurgo casi omnipresente, confiere a la ópera un marco irreal de fantasía que permitía la utilización de maquinaria escénica, cambios de decorado, aparición de tormentas y todo tipo de sorpresas dramatúrgicas que nutrían el espectáculo teatral que demandaba el público en el siglo XVIII.

Sin embargo, la libertad en la interpretación musical, encorsetada por la estructura de la ópera seria barroca, fue propiciada para reflejar la demencia del protagonista, cuyo temperamento desequilibrado, violento y cambiante permitió a Händel dar alas a una expresividad trascendente, que tiene su paroxismo en el aria de la locura en el final del segundo acto.

En su concepción de la ópera, el director de escena Claus Guth, con la complicidad de su fiel escenógrafo Christian Schmidt, refuerza el drama existencial de este militar perturbado, que vuelve a su patria después de luchar en Vietnam, enfrentándose a una sociedad deshumanizada que ya no reconoce, con excepción del recuerdo de su antigua enamorada Angelica, transformada en una obsesión de su mente trastornada, capaz de vivir las situaciones más extremas.

Encarnarán a los cinco personajes de la ópera los contratenores Christophe Dumaux (Orlando) y Anthony Roth Costanzo (Medoro), las sopranos Anna Prohaska (Angelica), Giulia Semenzato (Dorinda) y el barítono Florian Boesch (Zoroastro), que actuarán junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección musical de Ivor Bolton, que será responsable, también, de los acompañamientos al clave.

La función del día 10 de noviembre será dirigida por Francesc Prat y contará con Gabriel Díaz (Orlando) y Francesca Lombardi Mazzulli (Angelica) en los papeles protagonistas.

A la ópera de Händel, que rescata episodios del poema de Ariosto -como Ariodante y Alcina, estrenadas dos años después- le seguirán, el próximo 1 de noviembre, la versión en concierto de Orlando Paladino, de Joseph Haydn -con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini– y, entre el 4 y el 9 de junio, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini, primera ópera conocida firmada por una compositora, que dirigirá escénicamente Blanca Li, junto a Aarón Zapico, en la parte musical.

El estreno de Orlando en el Teatro Real se sumará a los diez títulos de Georg Friedrich Händel que se han ofrecido desde su reapertura: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007 y 2018), Tamerlano (2008), Il trionfo del tempo e del disinganno (2008), Tolomeo, Re d’Egitto (2009 y 2023), Theodora (2009), Agrippina (2009 y 2019), Alcina (2015),  Rodelinda (2017) y Parténope (2021).

Orlando es singular dentro del corpus operístico de Händel. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad y alcance de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la descarnada dramaturgia de Claus Guth, la maestría, musicalidad y hondura de Ivor Bolton y la interpretación de cinco grandes cantantes de repertorio barroco.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

30 de octubre, a las 20.15 horas  | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: con Ivor Bolton (director musical de Orlando y director musical del Teatro Real), Claus Guth (director de escena de Orlando) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

4 de noviembre, a las 19.30 horas | Emisiones en directo

Orlando será retransmitida en directo para todo el mundo en MyOperaPlayer, pasando a integrar su catálogo en el futuro.

La misma función se emitirá, también en directo, en Radio Clásica, de Radio Nacional de España,  que la ofrecerá para los países de la UER (Unión Europea de Radiodifusión).

5 de noviembre, a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro

¡Todos al Real Teatro! El cantar de Roldán

Taller familiar de introducción a la música, con ocasión de Orlando.

Por: Fernando Palacios.

 

6 de noviembre, a las 18.00 horas | Museo Cerralbo, Sala Vistas al Jardín

Conferencia: Ciencia bruja: magos, sacerdotes y filósofos en los orígenes de la alquimia

Por: Miriam Blanco Cesteros, doctora en filología griega.

Entrada libre hasta completar aforo previa inscripción en su web.

 

7 de noviembre, a las 19.00 horas | Biblioteca Musical Víctor Espinós, Sala de coros del Torreón del Conde Duque

Charla ilustrada con música: Los Orlandos

Por: Alejandro Martínez García, musicólogo.

Entrada libre hasta completar aforo previa inscripción en su web.

Elīna Garanča

En este apacible rincón de Madrid volverá a escucharse, 17 años después de su última representación en este escenario, uno de los títulos más grandes de la zarzuela, Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba (1891-1982), en una única función que tendrá lugar mañana, miércoles 25 de octubre, protagonizada por la mezzosoprano letona Elīna Garanča, en el que será su debut en el Teatro Real.

Estrenada en el Teatro Calderón de Madrid en 1932, y ambientada en Madrid durante los años previos y posteriores a la Revolución Gloriosa que destronó a Isabel II -en el trasfondo de la narración algunos de los acontecimientos más desgraciados del siglo XIX en España- su libreto construye una trama sencilla de lances amorosos dibujados sobre un fondo histórico que relata las escaramuzas entre monárquicos y liberales,  la inquietud de la población ante la proliferación de acontecimientos políticos e, incluso, el enfrentamiento entre gentes del propio pueblo por la controvertida figura de la reina.

Su partitura contiene agradables melodías, hermosas romanzas y dúos hábilmente perfilados entre la comedia costumbrista y la tragedia burguesa, trenzando el sentido popular y la belleza aristocrática.

La zarzuela, en versión de concierto, que se escuchará en el Real, contará con la participación de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, bajo la dirección de Karel Mark Chichon, y el Coro Titular del Teatro Real, dirigido Jesús Basso. Junto a Elīna Garanča, completan el cuarteto protagonista el tenor Alejandro del Cerro (Javier Moreno), el barítono Luis Cansino (Vidal Hernando) y la soprano María José Moreno (La duquesa Carolina).

ARGUMENTO

Acto I

Madrid, durante los momentos finales del reinado de Isabel II. El hacendado extremeño Vidal Hernando y el coronel de húsares Javier Moreno pretenden a Luisa Fernanda. El enfrentamiento entre ambos no es sólo amoroso: el primero es liberal; el segundo, monárquico. Luisa ama a Javier, pero tiene a la duquesa Carolina, igualmente enamorada de él, como poderosa rival.

Acto II

Viendo que Javier prefiere la compañía de la duquesa en la verbena de San Antonio, Luisa acepta por despecho la proposición de matrimonio de Vidal. La enemistad entre éste y Javier es mayor que nunca.

Ha tenido lugar un levantamiento contra Isabel II. Javier, derribado de su caballo por Vidal, es apresado por las milicias liberales y cuando Aníbal y Nogales, dos revolucionarios, intentan agredirle Luisa se interpone y salva su vida. Poco después las tropas monárquicas consiguen rescatar a Javier.

Acto III

La hacienda de Vidal, en la frontera extremeña con Portugal. La monarquía ha caído. En espera de su próxima boda, Vidal ofrece una fiesta para su prometida. En plena celebración aparece Javier y, ante la sorpresa de todos, se arrodilla ante Luisa y pide que le perdone. Aunque ésta lo rechaza y le ruega que se vaya, Vidal entiende cuál es el verdadero amor de su prometida y, en un gesto de generosidad, anula su compromiso y permite a Luisa que se vaya con Javier.

Teatro Real

El Teatro Real se une, una vez más, a la celebración del Día Mundial de la Ópera, que se conmemora mañana, miércoles 25 de octubre. Para ello, ha preparado una serie de iniciativas que buscan acercar la ópera a nuevas audiencias y visibilizar la actividad cotidiana de un teatro lírico.

El 25 y el 26 de octubre se realizarán los Opera Days, dos días en los que el Teatro Real dispondrá de más de dos mil entradas a precio reducido para algunas funciones de Orlando, de Händel, -31 de octubre, 2, 6 y 8 de noviembre-.

En colaboración con la Presidencia Europea, el día 25 de octubre, a partir de las 10.00 horas, se ofrecerán cien entradas gratuitas para la ópera Orlando a los cien primeros jóvenes (menores de 30 años) que se inscriban en la web del Teatro con su carné joven.

Asimismo, a lo largo de este Día Mundial de la Ópera se realizarán transmisiones en directo en las redes sociales del Teatro Real y del Real Teatro de Retiro, que mostrarán cómo es un día de actividad en el interior del teatro y desvelarán lo que pasa detrás de bambalinas durante la interpretación de la zarzuela Luisa Fernanda (única función el 25 de octubre) y los ensayos de la producción infantil de El barbero de Sevilla (11 al 26 de noviembre en el Real Teatro de Retiro). Además, el Real Teatro de Retiro realizará un sorteo a través de  Instagram para el estreno de El barbero de Sevilla, la primera producción propia del nuevo teatro.

Finalmente, entre el 25 y el 29 de octubre, MyOperaPlayer ofrecerá un 40% de descuento en la suscripción anual y semestral a la plataforma audiovisual del Teatro Real, en cuyo catálogo hay títulos procedentes de 50 teatros y auditorios de Europa, América y Asia, con novedades semanales y retransmisiones en directo de las producciones más importantes del Teatro Real. El descuento se puede obtener utilizando el código OPERAMOP40.

El Día Mundial de la Ópera es una iniciativa creada en 2018 por Opera Europa, OPERA América y Ópera Latinoamérica que se celebra cada año el 25 de octubre, coincidiendo con el aniversario de Georges Bizet y Johann Strauss. Su propósito es promover la ópera y poner en valor la contribución del género lírico al desarrollo artístico, cultural y social, así como visibilizar a los profesionales que hacen posible su actividad.

Las tres instituciones que lideran esta iniciativa, así como los teatros de ópera de distintos continentes, artistas y profesionales del mundo lírico, se unirán a la celebración de este día  por medio de sus redes sociales e invitarán a los amantes de la música y las artes escénicas a participar con los hashtags #WorldOperaDay #DíaMundialDeLaÓpera y #LoveOpera.

Imágenes: © Javier del Real | Teatro Real

La Regenta

El director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, y la directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, han presentado esta mañana el estreno absoluto de la ópera La Regenta, basada en la novela homónima de Leopoldo Alas “Clarín”, con música de Marisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch. La ópera, que podrá verse del 24 al 29 de octubre en cinco únicas funciones en la Sala Fernando Arrabal de Naves del Español en Matadero, cuenta con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).

Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de Leopoldo Alas “Clarín” se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera y se estrena por primera vez gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español, que vuelven a unir fuerzas tras el éxito de Tránsito, ópera que pudo verse también en Naves del Español en 2021 y que contaba con dirección musical del propio Jordi Francés.

La Regenta es una historia sobre pasiones, odios, celos y obsesiones que retrata la sociedad española de la época. Ana Ozores, casada con Víctor Quintanar en un matrimonio de conveniencia, tiene una vida solitaria y aburrida, lo que la hace refugiarse en el misticismo. Su confesor, Fermín de Pas, se enamora de ella, pero no es el único, ya que Álvaro Mesía también se convertirá en su amante. Un conflicto amoroso que lleva a la joven a ser rechazada por Vetusta, una ciudad atrapada en las tradiciones del pasado.

“La primera inspiración viene de una obra magistral, una novela de ambientes, una novela sobre el poder, la maldad, las miserias y las ruindades humanas que no paran hasta destruir a quien no es como ellos”, explica María Luisa Manchado sobre la música de La Regenta, su tercera ópera como compositora. “La Regenta es ópera en el sentido más puro o clásico, si se prefiere, del concepto: un drama escénico, cantado y acompañado, arropado, abrigado por los sonidos de una orquesta de cámara de 17 músicos”.

Tras la Amina de La sonnambula de Bellini, que dirigió en diciembre de 2022 en el Teatro Real, Bárbara Lluch vuelve a escenificar otro complejo personaje femenino como es el de Ana Ozores. “A nivel sociológico y psicológico, La Regenta es increíblemente moderna, se podría haber escrito hoy”, cuenta la directora de escena. “Habla de matrimonios forzados, cosificación de la mujer, de la mezquindad y la maldad por destruir la vida de alguien simplemente por aburrimiento. Por eso nuestra propuesta es atemporal. Porque la historia de Ana Ozores es la historia de muchas mujeres”.

La Regenta es una coproducción del Teatro Real y Teatro Español con música de Marisa Manchado (1956), libreto de Amelia Valcárcel basado en la novela homónima (1884-1885) de Leopoldo Alas, “Clarín”, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch, interpretada por María Miro, David Oller, Vicenç Esteve, Cristian Díaz, Pablo García-López, María Rey-Joly, Anna Gomá, Laura Vila y Gabriel Díaz, con Andrés Bernal y Magdalena Aizpurua como figurantes, con diseño de espacio escénico e iluminación de Urs Schönebaum, diseño de vestuario de Clara Peluffo, edición musical de Guillermo Buendía, dirección del coro de Josep Vila i Casanas, con el Coro de la Comunidad de Madrid y la Orquesta Titular del Teatro Real.

Fotografía: Javier del Real

Guiomar Cantó

La soprano madrileña Guiomar Cantó protagoniza el próximo 5 de noviembre, domingo, el estreno absoluto de Carmen, el primer musical flamenco basado en la célebre ópera de Georges Bizet de 1875. Se trata de una única función que podrá disfrutarse en el Teatro Real (Madrid).

La producción, creada por Óscar de Manuel (Premio al Mejor Instrumentista Flamenco en el Festival del Cante de las Minas de la Unión), se basa en una reducción del libreto operístico original, que a su vez adaptaba la novela homónima de Prosper Mérimée de 1845. Según explican desde la producción, la obra pretende ser un reflejo de la sociedad actual, a través del amor y la tragedia, así como acercar la ópera de Bizet a todos los públicos “con una puesta en escena innovadora y una reducción orquestal lírica y escénica única, en la que flamenco, ópera y danza contemporánea se dan la mano”.

Para Guiomar Cantó, debutar este rol “es un sueño, no solo por el papel, si no por los templos líricos que me va a llevar a recorrer”. “Espero que el Teatro Real traiga muchos más sueños por cumplir”, añade. Sobre el personaje de Carmen, asegura que es “icónico”, ya que “traspasa el escenario y representa una combinación perfecta de pasión, sensualidad y rebeldía”.

La realización de la obra corre a cargo del codirector de escena Juan Conchillo y está reinterpretada dramatúrgica y escénicamente por Ignacio García. La coreografía es de Jesús Carmona, Premio Benois de la Danse, con la danza flamenca más actual y contemporánea. “Es un musical flamenco que encuentra en la espontaneidad y la indiferencia entre los personajes la clave que hace florecer el instinto que provoca los prejuicios entre el amor, la posesión y esa libertad absoluta de la mujer, a poder decidir sobre sí misma, sobre su vida”, detallan desde la producción.

Sobre Guiomar Cantó
En esta temporada Guiomar Cantó ha hecho su debut en el Auditorio Nacional donde este año va a cantar en 4 ocasiones con diferentes orquestas y repertorios. Además este 2023 cantará los roles de Musetta, Violetta, Micaela y la Contessa en diferentes teatros de la geografía española. En cuanto a lo sinfónico cantará próximamente Réquiem de Mozart y Carmina Burana. Como buena amante de la música de su país ha cantado con la orquesta filarmónica de Oviedo en un programa de zarzuela y debutó este invierno en el rol de Ascensión de la zarzuela de "La del Manojo de Rosas". Ha vuelto en mayo al Auditorio Nacional con un programa de música madrileña junto a grandes figuras de la lírica española y tiene programados conciertos en festivales fuera de España por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.

De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.

Olga Llorente

La bailaora Olga Llorente (Barcelona, 1990) llega por primera vez al Salón de Baile del Teatro Real con su espectáculo Renacer, que se presentará los días 18, 19 y 20 de octubre, a las 19.00 horas, para dar inicio a la sexta temporada de Flamenco Real.

Inspirada en sus propias experiencias, Olga Llorente ha creado Renacer, un espectáculo que evoca el pasado y que aviva las emociones, entre la pena y la alegría, la rabia y la tristeza, desde el dolor hasta la fuerza y la determinación, a través de la música y el baile.

La joven bailaora, galardonada con el Premio Desplante en el Festival Internacional del Cante de las Minas (2019) y por su trayectoria artística en el Concurso Internacional de Cante Yunque Flamenco (2020), es aclamada por su virtuoso taconeo y su baile expresivo y apasionado, arte que también ha sido reconocido con el Premio “Vicente Escudero” en el VIII Certamen de Jóvenes Valores de la ciudad d’Hospitalet (2006), el primer premio en Danza Española en el Certamen de danza de la ciudad de Castellón (2009) o el Premio al baile libre en el Concurso de la Perla de Cádiz (2013).

Comenzó su formación a los cinco años y se licenció en Danza Española del Conservatorio Profesional de Barcelona, aunque su debut profesional fue a los 14 años en el Teatro Apolo de Barcelona. Ha compartido escenario y aprendizaje con grandes representantes del flamenco como Antonio Canales, Rafael Amargo, Lola Greco, Farruquito, Eva Yerbabuena, Belén Maya, La Chana, Belén Fernández, Rafaela Carrasco y Carmen Ledesma, entre otros.

Su extensa trayectoria como bailaora y coreógrafa incluye actuaciones en países de Europa, Asia y Latinoamérica, así como en los principales tablaos de España y los más prestigiosos festivales. Destaca, además, su participación en la película Flamenco, de Carlos Saura, y su participación en el espectáculo de Nacho Cano, Malinche.

En su debut en el Teatro Real, Olga Llorente estará acompañada por el cante de Luis El Granaino y Juanjo de Nayeli, y las guitarras de Jesús Núñez  (los días 18 y 20) y Víctor ‘El tomate’ (el día 19).

En la sexta temporada de Flamenco Real, en coproducción con SO-LA-NA, pisarán las tablas del Salón de Baile artistas como El Yiyo, Eduardo Guerrero, Yolanda Osuna, Marco Flores, Ángeles Gabaldón, El Farru y Paula Rodríguez, así como el guitarrista Daniel Casares, músico de gran proyección internacional, de cuyo virtuosismo técnico y dominio fuimos testigos la pasada temporada con su Magiterráneo.

El ciclo Flamenco Real se enmarca en la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el  Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, está organizando giras internacionales bajo el nombre de Authentic Flamenco, actualmente con más de 400 actuaciones programadas en 40 ciudades de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia, y Oceanía, y con cien mil entradas vendidas en lo corrido del año.

Fotografía: © Juanlu Vela

Flamenco Real

El Teatro Real ha presentado esta noche en la Fundación Ángel Orensanz de Nueva York, un espectáculo protagonizado por la bailaora Yolanda Osuna, que ofrecerá ocho actuaciones en el mismo escenario  a partir del día 17 de noviembre, en los que actuará junto a Juan Fernández (baile), Bernardo Miranda y Manu Soto (cantaores), Miguel Pérez y Juan Marín (guitarras) y Juan Diego Sáez (saxofón).

La cita ha contado con la presencia de Isabel Díaz Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid; Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, y Pedro Calvo Sotelo, Cónsul para Asuntos Culturales en el Consulado General de España en Nueva York, entre otros.

El público asistente a la antigua sinagoga, reconvertida en centro cultural y artístico por el escultor aragonés Ángel Orensanz, ha recibido con gran entusiasmo el baile expresivo, libre y sincero de Yolanda Osuna.

Estas actuaciones forman parte del programa diseñado para el segundo viaje de coliseo madrileño a la Gran Manzana y están integradas en la gira Authentic Flamenco que, desde mayo y hasta diciembre está actuando en una monumental gira de Authentic Flamenco, por quince ciudades de Bélgica, Francia, Reino Unido, Estados Unidos y Canadá.

Esta gran bailaora y coreógrafa cordobesa ya sedujo con su expresividad, embrujo y autenticidad al público de Nueva York cuando actuó, junto a Amador Rojas, en septiembre del pasado año, en el primer viaje del Teatro Real a Estados Unidos.

Lincoln Center

Tras el éxito de su primera visita a Nueva York en septiembre del año pasado, la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Juanjo Mena, ofrecerá un concierto en el David Geffen Hall del Lincoln Center, el próximo 16 de octubre a las 20.00 horas.

El programa estará compuesto por El amor brujo, de Manuel de Falla, el Concierto para violonchelo, de Antonín Dvořák, y dos obras que reflejan la influencia de Falla en la creación musical del siglo XX: las suites de Daphnis et Chloé, de Maurice Ravel, y la Suite Panambí, del compositor argentino Alberto Ginastera.

Participarán en el concierto dos grandes artistas españoles: la cantaora Esperanza Fernández -nominada a los Grammy Latinos en 2008 por su disco Recuerdos– se enfrentará a una de las más importantes partituras de Falla, que requiere intensidad dramática, desgarro y autenticidad para reflejar el embrujo y la raíz gitana de la obra; y el violonchelista Pablo Ferrández -con una impresionante carrera artística y gran prestigio internacional-, será solista en el bellísimo concierto de Dvořák estrenado en Nueva York en 1893, pero con melodías que rezuman la nostalgia de las canciones, paisajes y perfumes bohemios.

Completan el programa tres suites creadas por sus compositores a partir de partituras de ballet: la Suite Panambí, de Alberto Ginastera, evoca el mundo de los indios guaraníes a través de atmósferas contrastantes que articulan el impresionismo musical europeo y la herencia musical indígena; y las dos populares suites del ballet Daphnis et Chloé, de Maurice Ravel, con su rica paleta tímbrica y armónica, permitirán a la Orquesta Titular del Teatro Real lucir la belleza de su sonido y también su ductilidad, bajo la dirección de Juanjo Mena, que goza de gran prestigio en Estados Unidos, país donde dirige habitualmente desde 2004.

El 17 de octubre, a las 19.00 horas, el Cuarteto de Solistas de la Orquesta del Teatro Real -con Gergana Gergova (violín I), Sonia Klikiewicz (Violín II), Wenting Kang (viola) y Dragos Balan (violonchelo)- ofrecerá un concierto con obras españolas de los siglos XIX y XX: el Cuarteto de cuerda nº 1 en re menor, de Juan Crisóstomo de Arriaga (1806-1826); La oración del torero, de Joaquín Turina (1882-1949); y Vistas al mar, de Eduard Toldrá (1895-1962). Los compositores, de distintos períodos y procedencias -Arriaga, del País Vasco; Joaquín Turina, de Andalucía; y Eduard Toldrá, de Cataluña- tienen en común la articulación de la tradición musical europea de su tiempo con la riqueza y diversidad del patrimonio artístico español.

El acceso al Concierto del Cuarteto de Solistas del Teatro Real, que hace su debut en Nueva York, es gratuito, mediante inscripción previa en este link. También podrá ser seguido en directo a través de la cuenta de Facebook de la Americas Society.

Coincidiendo con los conciertos en el Lincoln Center y en la Americas Society, prosiguen en Estados Unidos las giras de Authentic Flamenco, con actuaciones en diferentes ciudades a lo largo de seis meses. En Nueva York los espectáculos tendrán lugar en la Fundación Ángel Orensanz y estarán protagonizados por la bailaora Yolanda Osuna, que actuará junto a Juan Fernández (baile), Bernardo Miranda y Manu Soto (cantaores), Miguel Pérez y Juan Marín (guitarras) y Juan Diego Sáez (saxofón).

La antigua sinagoga, reconvertida en centro cultural y artístico por el escultor aragonés Ángel Orensanz, que anima el Lower West Side neoyorquino, acogerá ocho actuaciones protagonizadas por Yolanda Osuna, que desde mayo y hasta diciembre está actuando en una monumental gira de Authentic Flamenco, por quince ciudades de Bélgica, Francia, Reino Unido, Estados Unidos y Canadá.

Esta gran bailaora y coreógrafa cordobesa ya sedujo con su expresividad, embrujo y autenticidad al público de Nueva York cuando actuó, junto a Amador Rojas, el pasado septiembre, en el primer viaje del Teatro Real a Estados Unidos.

El concierto del Teatro Real en el Lincoln Center, el recital en la Americas Society y las actuaciones de Authentic Flamenco en la antigua sinagoga de la Fundación Ángel Orensanz pretenden divulgar la música y la cultura de España en Estados Unidos, consolidar el hermanamiento entre Madrid y Nueva York y difundir los proyectos y programación del Teatro Real en Norte América, incluyendo la expansión de su plataforma audiovisual MyOperaPlayer.

La calidad de la programación artística del Teatro Real y la independencia y autonomía de su modelo de gestión son destacadas con frecuencia en la prensa musical especializada europea. Este segundo viaje del coliseo madrileño a Nueva York permitirá acercar la institución a un público más amplio y diversificado, dentro de la estrategia global de proyección internacional que viene desarrollando con ahínco en los últimos años.

El compromiso del Teatro Real con la divulgación de la música, la ópera y también el flamenco en todo el mundo, le ha llevado a tender puentes muy especiales con Europa y los países latinoamericanos –Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, es el actual presidente de Opera Europa y miembro muy activo del consejo asesor de OLA-Ópera Latinoamérica-. Asimismo, en los últimos años se están creando lazos de colaboración con países de Asia, desde China e India a los Emiratos Árabes Unidos, y también con Estados Unidos. Sin duda, este nuevo viaje a Nueva York permitirá al coliseo lírico de Madrid reforzar sus vínculos con el público, las empresas y las instituciones norteamericanas.

MyOperaPlayer, con una amplia oferta de producciones operísticas, conciertos, danza y flamenco procedentes de cerca de cincuenta teatros y auditorios de Europa, América y Asia, es una vía privilegiada de difusión musical con los más altos estándares de calidad, frecuentes retransmisiones en directo y una actualización permanente de su catálogo. El viaje a Nueva York servirá también para divulgar esta plataforma audiovisual internacional, afianzando su enorme potencial para acercar la programación del Teatro Real a los estadounidenses en estos tiempos convulsos en los que el arte y la música son más necesarios que nunca.

La Gala en el Lincoln Center contará con la presencia de la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, y con Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del  Ayuntamiento de Madrid, su patrocinador principal. La Gala tiene a la FUNDACIÓN AHCES, IBERIA y EL CORTE INGLÉS como promotores y cuenta con el apoyo de ABANCA, BANCO SANTANDER, CUATRECASAS, PÉREZ-LLORCA, DRAGADOS, FUNDACIÓN PRIMAFRIO, TURESPAÑA, SKADDEN, DELOITTE, MANAGEMENT SOLUTIONS y la colaboración académica del IESE.

Fotografía © Lawrence Sumulong

Ballet del Gran Teatro de Ginebra

El Ballet del Gran Teatro de Ginebra debutará esta noche en el Teatro Real, con un programa compuesto por dos coreografías de su actual director, Sidi Larbi Cherkaoui: Faun y Ukiyo-e, con el que dará comienzo la temporada de danza del coliseo madrileño.

Reconocida y respetada por sus interpretaciones de las grandes coreografías contemporáneas, la compañía, creada en 1962, confía su futuro, el pasado año, a Sidi Larbi Cherkaoui, una de las figuras más celebres y brillantes de la danza actual, con más de un centenar de creaciones coreográficas, cuya dirección artística apuesta por abrirse a nuevas disciplinas y enriquecer su repertorio actual con nuevos títulos.

A partir de la legendaria coreografía Preludio a la siesta de un fauno, de Nijinski, basada en el famoso poema de Stéphane Mallarmé sobre el despertar del Fauno en el bosque -y que causó sensación en 1912-, Sidi Larbi Cherkaoui desarrolla Faun.

Frente a la versión del artista ruso, en la que los bailarines siguen siendo muy bidimensionales, como figuras de un jarrón griego, la visión de Cherkaoui resalta los aspectos mitológicos y animales presentándolos de una manera más física, más intensa. El énfasis se pone en el hecho de que el fauno es mitad humano y mitad animal, dotándolo  de movimientos más salvajes y despreocupados, mientras la ninfa se asemeja a la versión original, profundamente arraigada en el bosque. La interacción entre ambos es inocente, pero siempre cargada de tensión sexual, como en la coreografía de Nijinsky.

Para reforzar esta idea, Cherkaoui pidió al compositor Nitin Sawhney que intercalara la música de Debussy con su propio lenguaje musical, deslizándola,  casi inadvertidamente, de un estilo y una cultura, a otra y de un siglo a otro.

Creado con los 22 artistas del Ballet del Gran Teatro de Ginebra, y estrenado en su sede el pasado año, Ukiyo-e es el último trabajo coreográfico de  Sidi Larbi Cherkaoui y el primero como director de la compañía. Con él nos invita a meditar sobre nuestra capacidad de resistencia, de supervivencia en un mundo de crisis crónicas, mostrando seres en busca de simbiosis con su entorno.

Para esta obra, el coreógrafo se inspiró en el término japonés Ukiyo-e, que da nombre a un movimiento artístico surgido en el periodo Edo y centrado en la captura del instante, del momento presente, como si fueran «imágenes de un mundo flotante». La performance busca posibles caminos en este universo suspendido y examina las constantes negociaciones a las que se ven sometidos nuestros cuerpos, tanto físicos como sociales. Explora las tensiones entre el movimiento limitado y la turbulencia, entre la compartimentación y la apertura, y entre el aislamiento y la coexistencia.

Mirando más allá de las dualidades, Sidi Larbi Cherkaoui propone cuerpos que no se acaban en la piel, donde lo físico no se privilegia sobre el espíritu, donde lo humano no se diferencia de lo no humano. La coreografía se desarrolla dentro de una estructura en movimiento, creada en colaboración con el escenógrafo Alexander Dodge, mostrando una red de escaleras imposibles en las que los bailarines se pierden. Estas laberínticas estructuras móviles -ambivalentes en el sentido de que son puentes, pero también obstáculos- evocan tanto la idea de ascensión como la de abismo.

Fotografía © Gregori Batardon | Grand Théâtre de Genève

Cuarteto Barbican

En el marco de las actividades paralelas de Medea, el Teatro Real ha organizado dos conciertos extraordinarios con el Cuarteto Barbican en la Sala de Orquesta del Teatro Real (4 de octubre, a las 20 horas) y en la Sala Principal del Real Teatro Retiro (5 de octubre, a las 19.30 horas).

El Cuarteto Barbican -con Amarins Wierdsma y Kate Maloney (violines), Christoph Slenczka (viola) y Yoanna Prodanova (violonchelo)- interpretará el Cuarteto de cuerda nº 2 en do mayor, de Luigi Cherubini y el Cuarteto nº 15 en la menor, Op. 132, Ludwig van Beethoven, gran admirador del compositor de Medea.

Esta formación musical, fundada en 2014 en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, recibió un gran impulso el año pasado, tras la incorporación de la violinista Kate Maloney. Apenas 6 meses después, el cuarteto logró el primer premio en el 71º Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda ARD, y también recibió el premio especial a la Mejor Interpretación de la obra encargada por Dobrinka Tabakova, el premio especial de producción de CD Genuin Classics, el premio GEWA y el premio Henle Urtext. A este éxito le siguió el tercer premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda de Burdeos, en mayo de 2022.

Después de sus actuaciones en festivales como Peasmarsh Festival, el Vibre! de Burdeos, el Zeister Muziekdagen, el Festival de Música de Cámara de Montreal, el IMS Prussia Cove y el Festival de Aldeburgh, esta formación, vinculada a la Escuela Superior de Música Reina Sofía, se estrena en el Teatro Real con dos obras que unen el clasicismo y el romanticismo en los albores del siglo XIX.

Fotografía (c) Andrej Grilc

ADMIRADO Y ADMIRADOR

LUIS GAGO

Al escuchar las dos obras del programa que va a tocar esta tarde el Cuarteto Barbican, muchos pensarán sin duda que fue el clásico, ordenado y conservador Luigi Cherubini quien admiró incondicionalmente –como tantos otros de sus contemporáneos– al innovador, caótico e iconoclasta Ludwig van Beethoven, pero la realidad fue justamente la contraria. El compositor alemán, que no acostumbraba a prodigar elogios, dedicó no pocos a su colega italiano, de quien tan solo en 1802 se representaron en Viena sus óperas Lodoïska, Les deux journées (en dos producciones diferentes), Eliza y, por supuesto, Médée. Cherubini viajó a Viena, aclamado por sus admiradores, en 1805 y, según Franz Grillparzer, el amigo de Schubert, ambos compositores se conocieron en casa de Joseph Sonnleithner, el libretista de la primera versión de Fidelio, una obra encuadrable en el género de la «ópera de rescate», al que también pertenece, quizá no casualmente, Eliza.

El 15 de marzo de 1823, tan solo dos años antes de componer el Cuarteto op. 132, Beethoven entregó a su amigo Louis Schlösser, a punto de viajar a París, una carta para que se la entregara en mano a Cherubini. En ella leemos: «Con gran placer aprovecho esta oportunidad para escribirle. Lo he hecho frecuentemente en espíritu, ya que valoro las suyas por encima de todas las demás obras teatrales. El mundo artístico tiene sólo que lamentar que, al menos en nuestra Alemania, haya pasado tanto tiempo desde que no se ha presentado una nueva obra teatral suya. Por alta que sea la estima que sienten los verdaderos conocedores por sus demás obras, es, sin embargo, una gran pérdida para el arte no contar con ningún nuevo fruto de su gran genio para el teatro». Podría pensarse que Beethoven lo halagaba simplemente porque en esa misma carta le pedía interceder ante el rey Luis XVIII –a quien también había escrito él directamente poco antes– para que se suscribiera a la primera edición de su Missa solemnis. Pero sabemos con certeza que copió fragmentos de sus óperas para estudiarlos detenidamente y otros documentos dan fe asimismo del entusiasmo sincero que le despertaba su música.

En una carta dirigida al copista Peter Gläser a finales de abril de 1824 (más cerca aún, por tanto, de la composición del Cuarteto op. 132), Beethoven defiende la práctica de introducir cortes o añadidos en sus obras «como esos grandes hombres», y a continuación cita –atención a la lista– solo tres nombres: «Haydn, Mozart, Cherubini». Cuando Cipriani Potter le preguntó en 1818 quién era el más grande compositor vivo, aparte de él mismo, Beethoven contestó: «Cherubini». La admiración que sentía por el autor de Médée era, pues, genuina, aunque no fue recíproca, y tendría aún una última manifestación post mortem: el Réquiem en do menor de Cherubini, que Beethoven había confesado preferir al de Mozart, se interpretó en su memoria en la Karlskirche y la Augustinerkirche de Viena los días 5 y 26 de abril de 1827, muy poco después de su muerte.

PROGRAMA

LUIGI CHERUBINI (1760 – 1842)

Cuarteto de cuerda nº 2 en do mayor

  1. Lent – Allegro
  2. Lent

III. Scherzo. Allegro assai

  1. Finale. Allegro vivace

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827)

Cuarteto nº 15 en la menor, Op. 132

  1. Assai sostenuto – Allegro
  2. Allegro ma non tanto

III. Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit, in der Lydischen Tonart. Molto Adagio – Neue Kraft fühlend. Andante – Molto adagio – Andante – Molto adagio (Mit innigster Empfindung)

  1. Alla marcia, assai vivace – Più allegro
  2. Allegro appassionato – Presto

Cuarteto Barbican
Amarins Wierdsma, violín
Kate Maloney, violín
Christoph Slenczka, viola
Yoanna Prodanova, violonchelo

4 de octubre, miércoles, a las 20.00 horas

Sala de Orquesta del Teatro Real

5 de octubre, jueves, a 19.30 horas

Real Teatro de Retiro

 

Medea
ENTRE LA ÓPERA CLÁSICA Y LA ROMÁNTICA

Por Diego Manuel García Pérez

La larga vida de Luigi Cherubini (Florencia, 1760 – París, 1842), le permitió cultivar la ópera clásica, y en el caso de su Medea, introducir ciertas características de la llamada “reforma de Christoph Willibald von Gluck”, que se manifiestan, sobre todo, en su ópera Alceste, donde el compositor alemán planteaba que la música debía mantener una perfecta simbiosis con el texto poético en la expresión de sentimientos y situaciones, sin interrumpir la acción dramática con un canto decorativo y ornamentado. En Medea también aparecen características de la futura ópera romántica. Cherubini dota de gran relieve a la orquesta, cuya función llega a ser tan importante como los propios números vocales, donde se insertan interludios musicales de mayor o menor entidad, en conjunción con el coro, también de suma importancia con sus muy numerosas intervenciones en esta ópera. El libreto de Medea estructurado en tres actos, fue escrito por el dramaturgo y crítico francés François-Benoit Hoffman, basándose en las obras teatrales de Eurípides y de Pierre Corneille, con una brillante versificación, donde en el entramado musical se insertaban numerosos y amplios diálogos meramente teatrales. Es muy interesante resaltar que, en muchos momentos de esta ópera, escuchamos una música que nos recuerda, sobre todo en las amplias introducciones orquestales de los actos I y III, un claro estilo sinfónico beethoveniano. Teniendo en cuenta que Medea se estrenó en 1797, antes de que Beethoven compusiera sus primeras sinfonías, está claro que Cherubini influyó en la música del gran compositor alemán.
Medea se estrenó el 13 de marzo de 1797, en el Théâtre Feydeau de París, con una tibia acogida. En 1802, traducida al italiano se estrenó en Viena, y en años siguientes fue representada con éxito en diferentes ciudades germánicas. En 1853, ya fallecido Cherubini, el compositor Franz Lachner, entonces director musical de la Ópera de Munich, realiza una versión traducida al alemán donde los iniciales diálogos teatrales eran sustituidos por recitativos acompañados con música compuesta por el propio Lachner. Esta versión se estrenó en Frankfurt, en 1854, con un gran éxito. En 1909 se produjo el estreno en Italia, en el Teatro alla Scala, en una traducción al italiano de la versión de Franz Lachner, realizada por Carlo Zangarini (libretista de la Fanciulla del West de Giacomo Puccini). Este montaje scalígero de Medea se realizó para que fuese interpretada por la gran soprano dálmata-italiana Ester Mazzoleni, una cantante de muy bella y rotunda vocalidad, con gran capacidad teatral, características fundamentales para interpretar el personaje de Medea. A partir de entonces la ópera prácticamente no vuelve a ser representada. Su recuperación (versión de Zangarini), se produjo en el Maggio Musicale Fiorentino de 1953, con la soberbia interpretación de María Callas.

Las interpretaciones en francés de Medea (Médée).

La versión de Medea en italiano de Carlo Zangarini, fue también traducida al francés como Médée, siendo muy bien interpretada por la mezzo norteamericana Shirley Verrett, en su actuación de 1986, en la Ópera de París (Palais Garnier), con la excelente dirección de Pinchas Steinberg (la toma en directo puede escucharse en YouTube). También cabe destacar la interpretación de la soprano Rosalind Plowright, en el Covent Garden, en 1989, donde también destacaba la presencia de una joven Renée Fleming, con una magnífica creación de Dircé (equivalente a la italianizada Glauce). La gran escena final puede escucharse en YouTube.
La recuperación de la versión original en francés de Médée, estrenada por Luigi Cherubini en 1797, con los diálogos teatrales, se produjo en el Festival de Martina Franca de 1995, y en esta recuperación intervino activamente el director de orquesta y musicólogo Patrick Fournilleur, con una espléndida lectura de esta partitura, donde también brillaron la soprano georgiana Iano Tamar (Médée), la soprano italiana Patricia Ciofi (Dircé) y una sugestiva interpretación de la mezzo francesa Magali Damonte (Neris). Gran cantidad de números cantados así como interpretaciones orquestales pueden escucharse en YouTube. De auténtico interés es la versión que puede verse-escucharse, en el Teatro Imperial de Compiégne (localidad al norte de Francia), con una toma en video, en 1996, (disponible en YouTube), donde los amplios diálogos son interpretados por magníficos actores franceses, y las partes vocales por una serie de notables cantantes, con destacadas actuaciones de la soprano francesa Michele Command (Medée) y la entonces joven soprano albanesa Inva Mula (destina a una importante carrera). Ya en pleno Siglo XXI, la mezzo italiana Anna Caterina Antonacci, realiza una gran creación vocal y teatral de Medea, en la versión italiana, que interpretó en varias ocasiones, destacando su interpretación en el Teatro Regio de Turin, en 2008, con una toma en video (disponible en YouTube), muy bien dirigida musicalmente por Evelino Pidò y escénicamente por Hugo de Ana, (también responsable de la escenografía y un atractivo diseño de vestuario). Acompañando a una imponente Anna Caterina Antonacci, están la soprano de bella voz Cinzia Forte (Glauce) y la gran mezzo Sara Mingardo (Neris). Ese mismo año 2008, el Teatro La Monnai de Bruselas, se escenificó una nueva versión en francés de Medée, con la excelente dirección musical de Christopher Rousset al frente de su conjunto Les Talens Lyriques, con instrumentos originales que, de alguna manera, tratan de reproducir los sonidos originales de esta ópera. Respetando la parte musical y vocal, lo más polémico de esta nueva versión son unos nuevos diálogos escritos por el propio director de escena Krysztof Warlikowki, que, por momentos, tienen un carácter obsceno y malsonante, en un intento de modernizar esta ópera. La protagonista es la mezzo alemana Najda Michael, de una discreta vocalidad, con claras desigualdades en la emisión, compensadas por un imponente temperamento dramático. Su atuendo y caracterización la asemejan a una cantante rapera. La ópera fue repuesta en 2011, en el mismo teatro belga, y tomada en video. Algunos fragmentos pueden verse en YouTube, donde se comprueban las características de esta moderna y rompedora puesta en escena y la gran interpretación teatral de la mezzo alemana.
El Teatro Real de Madrid, programa por primera vez Medea (Medée), con una nueva versión en francés, que viene representándose durante el presente mes de septiembre. Los nuevos recitativos realizados por el musicólogo, compositor y director de orquesta Alan Curtis (fallecido en 2015), siguen el estilo compositivo de Cherubini, quien en principio pretendió que esta ópera tuviese recitativos con acompañamiento orquestal, en vez de diálogos teatrales. Resulta muy complicado enjuiciar una ópera con tal cantidad de versiones.

“Difícilmente puedo pretender que no he cambiado el flujo dramático, pero mi objetivo era mejorarlo, Espero haber respetado lo esencial de la dramaturgia original e incluso las necesidades escénicas”.
Alan Curtis
Se hacía necesaria una versión crítica de la obra de Cherubini. Una revisión que, al menos en los aspectos estilísticos, resultara más adecuada al estilo del compositor y, sin duda, la de Alan Curtis es la que más se aproxima. Consigue una coherencia en las formas que culminan, como ninguna otra versión, la transición entre el neoclasicismo de Hyden y el romanticismo de Beethoven.
Para ello, Curtis utiliza soluciones similares a las que Cherubini había empleado en otras óperas en las que si había podido musicar los recitativos. Curtis tomó prestados y adaptó pequeños fragmentos que el compositor había utilizado antes para poner música a los recitativos de Medea. El resultado del trabajo ha sido una versión unánimemente reconocida y probablemente de la que Cherubini se sentiría muy orgulloso.
La puesta en escena para el estreno de Medea en el Teatro Real se ha encargado al español Paco Azorín, que ya ha trabajado con éxito en este teatro. Su propuesta para esta nueva producción resulta familiar. Son muchos los elementos comunes con otras obras que hemos visto en este mismo escenario, desde las estructuras metálicas que suben y bajan, al fuego que nos evoca el anillo wagneriano visto recientemente. Se agradece la proyección de textos que facilitan enormemente la comprensión de la historia, aunque sobran las alusiones feministas en modo panfleto.
También en esta versión los hijos de Medea son adolescentes, y no niños pequeños o incluso bebés, guardando así mayor fidelidad con el texto original de Eurípides. Muy bien la dirección y los movimientos escénicos de multitudes, y el no recargar en exceso el escenario de elementos que muchas veces no aportan nada, más allá de distraer o estorbar.
La partitura de Medea está considerada una de las más grandes composiciones de la historia de la ópera. Mario Muñoz comenta en el programa de mano que “El tratamiento orquestal es muy refinado, más denso que el de sus contemporáneos, y la ambigüedad del personaje principal se refleja en su vocalidad compleja, que requiere de una actriz trágica que sepa cantar antes que, al contrario. Medea es tormenta y tormento a partes iguales, lo que anuncia la materia de los que estarán hechos los dramas durante todo el siglo XIX”.
Y el director musical Ivor Bolton ha hecho una lectura muy adecuada de esta partitura. Alejándola del tedio en el que un drama como este hubiera caído de ser una versión más romántica. La musicalidad marcó el pulso neoclásico de la orquesta que fue ganando en intensidad a medida que avanzaba la obra. Los distintos acentos de la partitura quedaron bien definidos, desde la obertura, al carácter más oscuro en los momentos más dramáticos, aportándole una gran teatralidad.
Además de su enorme dificultad, el rol de Medea ha estado siempre acompañado de una leyenda negra. La soprano que lo estrenó, durante la época de la Revolución Francesa, falleció después de haber interpretado varias funciones. En París y otras ciudades francesas empezó a correr la voz de que el motivo de su muerte había sido el esfuerzo extremo realizado para interpretar el personaje. La soprano que la sustituyó no corrió mejor suerte, ya que al poco tiempo acabó recluida en un manicomio.
Era sin duda un papel con fama, como mínimo, de agotador, por lo que la mayoría de las cantantes se resistía a interpretarlo. Esto hizo que la ópera prácticamente desapareciese de los escenarios hasta que fue rescatada, casi de manera épica, por María Callas.
Si hay una cantante actualmente que puede considerarse cercana al registro de una soprano assoluto, cuerda ya extinta, y que contaría con las características necesarias para abordar este rol, es sin duda Saioa Hernández. Su canto es seguro y homogéneo de principio a fin. Sorprenden esos sonidos oscuros, densos, con un punto siniestro que describe perfectamente al personaje. Y lo hace sin sacrificar ni timbre ni volumen, de la manera más natural. Sus agudos, que no son ni pocos ni fáciles, no tienen apuros, son brillantes y plenos. Con un recorrido cromático inacabable.
Nos presentó una Medea sobria, llena de frialdad y magnetismo. Demostrando que es más importante una mirada que un gesto. En los momentos en los que Medea debe reconquistar a Jasón, consigue humanizar a la semidiosa hasta hacerla creíble, y se transformó en amenaza cuando aparecieron sus hijos.
Saioa Hernández es Medea hasta la última nota, demostrando una capacidad vocal y física al alcance de muy pocas. No guarda nada, siempre generosa sobre el escenario. ¡Brava!
Para el personaje de Jasón se ha contado con el italiano Francesco Demuro. Una voz, para mi gusto, falta del fuste y la heroicidad que requiere el personaje. El rol de Jasón es demasiado dramático para un lírico ligero. Su timbre y su poético fraseo aportaron el romanticismo dentro del drama.
La princesa Dircé, con la que Jasón pretende casarse después de abandonar a Medea, está interpretada por la soprano valenciana Marina Monzó. De voz luminosa y mediterránea, Monzó dotó de inocencia y juventud a su personaje. Su voz va evolucionando sin perder un ápice de agilidad en sus radiantes agudos.
A Neris, confidente de Medea, le dio vida la valenciana Silvia Tro Santafé, una mezzosoprano a la que escuchamos por aquí menos de lo que nos gustaría. Sobre el escenario es la elegancia personificada, tanto en el canto, que realiza con un gusto exquisito, como en la interpretación, como demostró en su aria principal.
El británico Michael Mofidian interpretó a Caronte. Este bajo-barítono, más barítono que bajo, cumplió con su papel, aunque se habría agradecido una voz con algo más de consistencia y volumen.
El resto del reparto estuvo a buen nivel, sobre todo la mezzo Alexandra Urquiola, y la soprano argentina Mercedes Gancedo, con un hermoso timbre y buen manejo de la escena. David Lagares, como Corifeo, siempre es una garantía. Fantástica la actuación del coro, que consigue una sonoridad que sobrecoge y envuelve.
Nueva temporada, nueva producción y, por primera vez, Medea en el Teatro Real.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real / Teatro Real

María Callas-Medea
La referencial Medea de María Callas.

El próximo 2 de diciembre se cumplirá el centenario del nacimiento de María Callas, la cantante-actriz más famosa del Siglo XX. Callas puso de nuevo en circulación el concepto de soprano dramática de agilidad, que la convirtió en una interprete ideal para papeles como Norma, Violetta Valery de La Traviata y Lucia di Lammermoor, con un total dominio de la coloratura, pero también dotando a estos tres personajes de verdadera entidad dramática. También ofreció extraordinarias interpretaciones de la pucciniana Tosca. Aunque, es el papel de Medea donde mejor se conjugan su extraordinaria vocalidad y su inmensa capacidad teatral. Callas va ofrecer durante ocho años, entre 1953 y 1961, treinta y una representaciones de este personaje: en el Teatro Comunale de Florencia, Teatro alla Scala de Milán, Teatro La Fenice de Venecia, Ópera de Roma, Ópera de Dallas, Covent Garden y La Arena Epidaurus de Atenas. Cinco tomas en directo y una grabación en estudio (todas disponibles en youtube), dan idea de las interpretaciones que realizó de Medea, y de cómo fue evolucionando su concepción del personaje. Como ya se ha indicado, su debut se produjo con extraordinario éxito en Maggio Musicale Fiorentino de 1953, con la magnífica dirección orquestal de Vittorio Gui, acompañada por dos excelentes interpretes: la soprano Gabriela Tucci (Glauce), y la mezzo Fedora Barbieri (Neris), junto a otros notables cantantes: el tenor Carlos Guichandut (Jasón) y el bajo Mario Petri (Creonte). Aquí Callas está en su mejor momento vocal y ofrece extraordinarias interpretaciones de sus páginas solistas: en el Acto I “Dei tuoi figli” plena de intenso lirismo y ya en el Acto III, “Del fiero duol che il cor mi frange”; y, en la escena (auténticamente “de locura”, cuando mata a sus hijos), ofrece una portentosa interpretación vocal, con auténtico dominio del registro grave alternado con subidas al do bemol y do natural sobreagudos, junto a una actuación escénica verdaderamente sobrecogedora. El gran éxito conseguido en Florencia hace que diciembre de ese mismo año 1953, el Teatro alla Scala, reajuste su programación y sea representada la Medea interpretada por Callas, pocos días después que Renata Tebaldi hubiera inaugurado la temporada scaligera con La Wally de Alfredo Catalani, fomentándose aún más, la rivalidad de ambas cantantes. Aquella Medea estuvo magníficamente dirigida por un joven Leonard Bernstein, prácticamente desconocido en Europa; y, junto a Callas, de nuevo Barbieri, y otros notables interpretes: la soprano gallega Maria luisa Nache (Glauce), Gino Penno (Jasón) y Giuseppe Modesti (Creonte). En la grabación de estudio de 1957, dirigida por Tullio Serafin, donde la Callas, aún realizando una gran interpretación, no estaba tan brillante como en las tomas en vivo. Cabe resaltar en esta grabación la presencia de una jovencísima Renata Scotto (tristemente desaparecida el pasado mes de Agosto), con solo veintitrés años, quien realiza una magnífica creación de Glauce, mostrando su bella voz y gran capacidad interpretativa, en su gran aria del Acto I “O amore, viene a me!” de clara influencia mozartiana. Excelente la mezzo Miriam Pirazzini (Neris) y más discretos Mirto Picchi (Jasón) y Giuseppe Modesti (Creonte). En noviembre de 1958, se produjeron unas históricas representaciones de Medea, en la Ópera de Dallas dirigidas con buen pulso por Nicola Rescigno, donde Callas vuelve a ofrecer un altísimo nivel interpretativo, matizando aún más su interpretación del personaje. Aquí el papel de Jasón es interpretado de manera muy brillante por el tenor canadiense Jon Vickers (Jasón de referencia, y desde entonces compañero habitual de Callas en esta ópera), con una voz voluminosa y rotunda, excelente fraseador y capaz de dotar a su canto de múltiples matices. Vickers brilla sobremanera en su aria del Acto I “Or che piú no vedrò” de estilo mozartiano. Y, por fin, Callas tiene delante a un Jasón actuando a su altura en los intensos dúos “Nemici senza cor” del Acto I y “Figli miei, miei tesor” del Acto II. También cabe destacar la presencia como Neris de una jovencísima Teresa Berganza, quien canta magníficamente su gran aria del Acto II “Solo un pianto con te versare”, con obligatto de fagot. Completaban el reparto Nicola Zaccaria (Creonte) y la soprano Elisabeth Carron (Glauce), con muy notables intervenciones. También con dirección de Nicola Rescigno y con el mismo reparto, las funciones en el Covent Garden, en junio de 1959, con los cambios de Joan Carlyle (excelente Glauce) y de una jovencísima Fiorenza Cossotto (poderosa Neris). En diciembre de 1961, en el Teatro alla Scala, con la brillantísima dirección orquestal de Thomas Schippers, puede escucharse a una Callas ya en peores condiciones vocales, pero ofreciendo su incomparable teatralidad, con una matizadísima actuación, donde ofrece un retrato más sutil y estilizado del personaje. Aquí, de nuevo, con Jon Vickers y otras dos extraordinarias voces: Giulietta Simionato (Neris) y un joven Nicolaï Ghiaurov (Creonte), quien ofrece su excelente vocalidad, tanto en su aria del Acto I “Or che più non vedrò”, como en el gran dúo con Medea del Acto II “Date almen per pietà”, junto a una halagadora e implorante Callas. Completaba el reparto la soprano Ivana Tosini (Glauce). En estas funciones scalígeras, María Callas interpretó por última vez Medea, sin duda una de sus creaciones más paradigmáticas.
Por Diego Manuel García Pérez

El patito feo

El Real Teatro de Retiro, el espacio del Teatro Real destinado a albergar los espectáculos dedicados al público infantil, juvenil y familiar, levantará el telón del primer espectáculo de la temporada el próximo sábado, 7 de octubre, para ofrecer una nueva, poética e idílica  versión del popular cuento de Hans Christian Andersen (1805-1875), El patito feo.

La compañía de títeres Etcétera, en coproducción con el Centro Federico García Lorca de Granada, vuelve la mirada a la infancia del escritor danés para contar una fábula que aborda temas tan cruciales para la sociedad contemporánea como el bullying, el desprecio o la negación, pero también la generosidad, la belleza, la aceptación corporal, la autenticidad y el amor propio, para poner en valor la importancia de la bondad, el afecto y la imaginación como espacios de comprensión del mundo.

Hans Christian Andersen fue un niño diferente a los demás. Su físico, torpeza y baja clase social, le llevaron a sufrir acoso y rechazo. Halló refugio en la literatura, el teatro, los títeres o los papeles recortados y consiguió metamorfosear sus heridas y convertirlas en cuentos, que cientos de años después se leen en el mundo entero, y se revelan como auténticos relatos que forman parte del patrimonio de la humanidad.

El espectáculo se inspira además en una parte menos conocida del legado de Andersen: los papeles recortados que hizo durante toda su vida, también con el objetivo de contar historias. A través de sus formas se construye un estanque musical por el que transitarán los títeres y la narración, acompañados por la orquesta de cámara Murtra Ensemble interpretando en vivo la música de Jordi Cornuella.

Fotógrafo © Javier Martín

EL PATITO FEO

Hans Christian Andersen (1805-1875)

Funciones: 7, 8, 12, 13, 14 y 15 de octubre

Horario: 11.00 y 13.0 horas

Edad recomendada: a partir de 3 años

FICHA ARTÍSTICA

Dirección de escena, diseño de escenografía, títeres y vídeos: Enrique Lanz

Dramaturgia: Yanisbel Victoria Martínez y Enrique Lanz

Música: Jordi Cornudella

Diseño de iluminación: Lía Alves

Diseño y confección de vestuario: Laura León

Voz en off: Enrique Árbol (colaboración especial)

Diseño gráfico: Alfonso PerroRaro

Actores-titiriteros: Cristina Colmenero, Leo Lanz, Christine Mackenzie y Yanisbel Martínez

Músicos: Murtra Ensemble

Andrea Talavero (violín), Bernat Bofarull (viola), Jordi Cornudella (clarinete), Antonio Abad López (fagot) y  Carles Marigó (piano).

Coproducción: Etcétera y Centro Federico García Lorca

Flamenco Real

El próximo 18 de octubre el Teatro Real, en coproducción con SO-LA-NA, inaugurará la sexta temporada de Flamenco Real centrada, un año más, en los bailaores más reconocidos de la actualidad y en sus distintas y enriquecedoras formas de interpretar la tradición del baile flamenco, acompañados siempre por prestigiosos músicos y cantaores.

Las actuaciones tendrán lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, consolidado ya como espacio flamenco de la ciudad y donde cada mes, bajo su cielo estrellado, brillará una de las figuras de la programación para ofrecer tres funciones de un mismo espectáculo, en días consecutivos -siempre en miércoles, jueves y viernes- a las 19.00 horas.

Volverán a pisar las tablas del escenario artistas que han disfrutado de la complicidad y el aplauso del público del Real como El Yiyo, Eduardo Guerrero, Yolanda Osuna, Marco Flores, Ángeles Gabaldón, Daniel Casares y El Farru, y debutarán en el Real las bailaoras Olga Llorente y Paula Rodríguez. La única excepción protagonista al baile será Daniel Casares guitarrista de enorme proyección internacional,  de cuyo virtuosismo técnico y dominio fuimos testigos la pasada temporada con su Magiterráneo.

Todos ellos están unidos por el lazo invisible de la tradición, donde las profundas raíces del flamenco marcan el camino, pero sus personalidades únicas, sus miradas nuevas, sus ganas de explorar, sus juegos y sensibilidades, hacen que en cada encuentro el espectador encuentre diferentes formas de expresión y propuestas nuevas en un arte antiguo.

El ciclo Flamenco Real se enmarca en la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el  Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, está organizando giras internacionales que, bajo el nombre de Authentic Flamenco, tiene actualmente  programadas más de 400 actuaciones en 39 ciudades de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia, y Oceanía.

Hospital 12 de Octubre y Teatro Real

El Teatro Real, el Hospital Universitario público 12 de Octubre de la Comunidad de Madrid y la Orquesta Sinfónica de Madrid han presentado hoy una programación especial de ópera y música clásica, que será difundida en este hospital para que pueda ser disfrutada por pacientes adultos y pediátricos, familiares y profesionales.

Esta actividad es fruto del acuerdo de colaboración que tienen el Hospital 12 de Octubre y el Teatro Real para la promoción y divulgación de la música, el arte y la cultura.

En el acto de presentación, celebrado en el Auditorio del Hospital 12 de Octubre, se ha detallado la programación para este año y el próximo, que incluye la  proyección de la Séptima Sinfonía de Beethoven, dirigida por Pablo Heras-Casado; óperas como Tosca y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini; el ballet Carmen, de la Compañía de Antonio Gades y el documental El corazón del Teatro Real.

La Orquesta Sinfónica de Madrid ha cerrado el acto con la interpretación del Cuarteto de cuerda nº1 en mi bemol mayor,  de Luigi Cherubini, en el que dos violines, una viola y un violonchelo han interpretado los movimientos I y IV, que corresponden al Adagio allegro agitato y Finale allegro assai.

Esta programación es resultado de la alianza existente desde octubre de 2018 entre el Hospital 12 de Octubre, el Teatro Real y la Orquesta Sinfónica de Madrid, que permite que los pacientes de este centro sanitario madrileño y sus familias, acompañados por profesionales, puedan disfrutar de grandes obras de la historia de la música clásica que les trasladan al romanticismo del siglo XIX o a finales del siglo XIX.

Jaume Plensa

Madrid tiene uno de los cielos más bellos del mundo y ahora el Teatro Real se abre a él con una proyección que iluminará la cúpula de su Sala Principal, a medio camino entre la realidad y la ensoñación, gracias a la creación del polifacético artista Jaume Plensa, que ha denominado a su obra Cielo.

El proyecto será inaugurado mañana, martes, por Sus Majestades los Reyes antes de que dé comienzo la primera función de la ópera Medea, de Luigi Cherubini (1760-1842), que inaugura la nueva Temporada 2023-2024, y, a partir de ese momento, se podrá contemplar y disfrutar en todas las representaciones de su programación.

Cielo propone al espectador un viaje onírico al firmamento madrileño, en sereno y continuo movimiento, en un ejercicio de abstracción, reposo y serenidad que permita la transición de los devenires cotidianos a la experiencia íntima del arte que comienza cuando se alza el telón.

Toma vida así una propuesta surgida en 2007 y rescatada el pasado año por Gregorio Marañón, presidente del Teatro Real, quien ofrece a Plensa “una oportunidad única”, en palabras del artista, sustentada en la extraordinaria trayectoria que está llevando a cabo el Teatro Real que le otorga la capacidad de comprender y abrazar un proyecto de esta envergadura, gracias al apoyo del mecenas y empresario Juan Antonio Pérez Simón y a la Fundación Amigos del Teatro Real.

La obra es un rodaje en alta resolución (4k) del cielo de Madrid desde la azotea del Teatro, en los días centrales del mes de junio, y recoge el movimiento de las nubes en un devenir continuo y real para ser proyectada en la cúpula de la sala principal, gracias a cuatro sofisticados proyectores de 20.000 lúmenes, desde el momento en el que el público accede a la sala hasta el comienzo de la representación, con una duración aproximada de veinte minutos.

Con esta intervención, Plensa quiere “recuperar la gran tradición pictórica del clasicismo que, habitualmente, representaba en el tondo de las cúpulas, imágenes de nubes habitadas por seres míticos que sobrevolaban en cielos imaginados” y ofrecer una hermosa metáfora de la transformación permanente de la acción teatral y musical, de la experiencia artística y de la sociedad misma.

Para ello, el artista ha contado con la colaboración de los equipos departamentos técnicos del Teatro Real, encabezados por Natalia Camacho y Celeste Carrasco;  con Juana Jiménez, en la dirección de fotografía de la película; la realización de posproducción y color han sido realizados por Luciérnaga Color; la instalación y montaje de los proyectores ha estado a cargo de Cinemanext, y el estudio técnico de mapping es de  Yoic Lambert.

El Teatro Real quiere así ofrecer al espectador una sorpresa emocional que le reciba, envuelva y rescate de la realidad hasta el momento en el que, lentamente, “desaparecerá como desaparece la luz de la sala, todo se oscurece porque ya empieza la obra, es este momento mágico también, todo el mundo guarda silencio, se vuelve todo oscuro, sale el director, lo iluminan, todo el mundo lo aplaude y empieza la ópera”.

Barcelona 20 de abril, 2023

Proyecto “CIELO”

El proyecto “CIELO” consiste en abrir visualmente el tondo central del Teatro Real y convertir este elemento arquitectónico en una cúpula virtual que nos conecte directamente con el maravilloso cielo de Madrid.

“CIELO” quiere recuperar la gran tradición pictórica del clasicismo que, habitualmente, representaba en el tondo de las cúpulas, imágenes de nubes habitadas por seres míticos que sobrevolaban en cielos imaginados.

La forma tan especial del techo del Teatro Real, unida a su baja altura en algunas zonas, me predispuso enseguida a evitar cualquier volumen que pudiera cegar el campo visual del espectador desde cualquier punto del teatro, respetando sus elementos arquitectónicos y minimizando cualquier intervención física en la sala.

Mi proyecto no utiliza la pintura sino la luz. La proyección de las imágenes cubre completamente la superficie del tondo de madera y rodea la gran lámpara central creando la ilusión óptica de una gran ventana abierta al cielo de Madrid. Un cielo que va evolucionando en luz y en color siguiendo las distintas horas del día: amanecer, mediodía, atardecer, crepúsculo, noche…

El cielo en movimiento filmado en alta resolución conseguirá la saturación de color propia de la pintura mural en sus azules y blancos.

Pintar con luz, para así, sincronizando la proyección del video con el resto de la iluminación de la sala, controlar el efecto de oscurecimiento que debe preceder el inicio del espectáculo creando un tránsito paulatino y natural, como el paso del día hacia la noche.

Un movimiento fílmico y lumínico de gran lentitud que aporte a cada espectador una sensación espiritual de reposo y serenidad.

Jaume Plensa

Madrid 2007 – 2023

Médée

Sus Majestades los Reyes presidirán la Inauguración de la Temporada 2023-2024 del Teatro Real, el próximo 19 de septiembre, con una nueva producción de Medea, de Luigi Cherubini, en coproducción con el Abu Dhabi Festival.

Se ofrecerán 11 funciones de la ópera, entre el 19 de septiembre y el 4 de octubre, precedidas de una Gala Joven para menores de 36 años, el próximo sábado, 16 de septiembre.

En el proyecto inicial de Medea, rechazado por la Ópera de París en los turbulentos años que sucedieron la Revolución francesa, Luigi Cherubini (1760-1842) y su libretista François-Benoît Hoffman (1760-1828) pretendían concebir una ópera enteramente cantada. Al carecer del apoyo financiero que se necesitaba para sufragar la producción, se optó, in extremis, por adaptarla a los dictámenes estructurales de la opéra comique, articulando extensas partes habladas con la maravillosa y vibrante música de Cherubini, alabada con entusiasmo por Beethoven, Brahms o Wagner.

La partitura se estrenó en 1797 en el Théâtre Feydeau, en París, y desde entonces se sucedieron diez versiones de la misma que, pese a alejarse del universo musical y estilístico de Cherubini, lograron que la ópera tuviera períodos de gran éxito, sobre todo en Alemania, en el siglo XIX. Ahí triunfó la versión de Franz Paul Lachner, que musicó una reducción de las partes habladas traducidas al alemán con una partitura postromántica de perfume wagneriano, adaptada al italiano a mediados del siglo XX y consagrada por el talento y desgarro de Maria Callas en sus icónicas interpretaciones de Medea.

Alan Curtis (1934-2015), director de orquesta, clavecinista y musicólogo de gran prestigio, que en el Teatro Real dirigió Tolomeo y Agrippina, de Händel, en 2009, concibe una versión de Medea inédita hasta hoy, íntegramente cantada, como deseaba Cherubini, componiendo la música para una reducción de las partes habladas originales, que transformó en recitativos acompañados, emulando el estilo del compositor.

Esta nueva versión musical será estrenada por Ivor Bolton, otro gran director musical, clavecinista y especialista en el repertorio clásico y barroco, que estará al frente de dos grandes repartos (en los que se alternarán tres Medeas) y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

La nueva producción de Medea, con dirección de escena y escenografía de Paco Azorín –que en el Real dirigió Prigioniero y Suor Angelica, en 2012, y Tosca, en 2021– propone una lectura descarnada y actual de la tragedia de Eurípides, que retrata el terror en el que viven los hijos de Medea y Jasón, víctimas silenciosas del odio, venganza y luchas de poder de sus padres.

En la producción se articulan el ‘no tiempo’ mitológico, con el arquetipo de Medea como semidiosa ultrajada, que clama a los dioses para vengar la ignominia y la traición de los humanos; y la actualidad, con la denuncia explícita de la violencia vicaria, en la que un marido miserable y sin escrúpulos y una mujer traicionada y vengativa erigen el terrible infierno donde padecen sus hijos -que ambos aman- hasta la muerte

La escenografía, una compleja estructura de 26 metros de altura (cerca de 6 pisos), evoca el inframundo mítico del Tártaro y está inspirada en el Infierno de Dante, con ocho círculos concéntricos al que descienden los personajes, incluyendo las Furias, interpretadas por virtuosos artistas de parkour (disciplina física en la que los atletas intentan superar todo tipo de obstáculos para moverse en distintos espacios, trepando, saltando, arrastrándose, etc.)

Tres grandes sopranos asumirán en el dificilísimo papel titular: Maria Agresta, Saioa Hernández y Maria Pia Piscitelli. Estarán secundadas por los tenores Enea Scala y Francesco Demuro (Jasón), las mezzosopranos Nancy Fabiola Herrera y Silvia Tro Santafé (Neris), los bajos Jongmin Park y Michael Mofidian (Creonte), y las sopranos Sara Blanch y Marina Monzó (Dirce), en los roles principales.

La nueva partitura de Medea que se escuchará en el Teatro Real, con edición de Heiko Cullmann y recitativos de Alan Curtis, será un nuevo acercamiento a la obra maestra de Luigi Cherubini. La tensión dramática que impregna su música, llena de contrastes dinámicos, efectos expresivos y fluctuaciones rítmicas ha dejado una fuerte impronta en el devenir de la ópera romántica. El florecimiento de Medea en los últimos años hará finalmente justicia a una partitura incomprensiblemente olvidada y maltratada.

El mito griego de Medea, según la tragedia de Eurípides, inspiró la ópera de Cherubini  que inaugura esta temporada y también la de Marc-Antoine Charpentier, que se presentará en junio.

El poema Orlando Furioso, de Ariosto, es otro de los mitos literarios que vertebra la nueva temporada, cuya programación operística cuenta con 21 títulos, 13 de los cuales nunca se han presentado en el Teatro Real.

Comienza, pues, una temporada ambiciosa, con una programación ecléctica, de amplio espectro estilístico, con 9 nuevas producciones, incluyendo 2 estrenos de óperas españolas y 5 estrenos de óperas que nunca se han presentado en España.

Las propuestas del Teatro Real en esta temporada cuentan, pues, con la complicidad de un público abierto, curioso y deseoso de ampliar su mirada sobre el mundo y sobre nosotros mismos. Los artistas, técnicos y cuerpos estables del Teatro Real se entregarán, unidos, a la fascinante tarea de llevarle la música, la danza y las artes escénicas confiando en su poder emocional y transformador.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Nancy Fabiola Herrera

El Teatro Real inaugura su temporada el 19 de septiembre con una nueva producción de Médée de Cherubini, ópera que inmortalizara Maria Callas al incorporarla a su repertorio y a cuya memoria el coliseo madrileño dedica la obra en el año del centenario de la legendaria cantante grecoestadounidense. Una ocasión inmejorable para la mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera para regresar al escenario de la Plaza de Oriente y dar la réplica a la protagonista encarnando el fundamental rol de Néris, “un papel maravilloso que ha sido interpretado por grandes representantes de mi cuerda de la historia, como Fedora Barbieri, Elena Obratzsova o Fiorenza Cossotto, y, cómo no, nuestra querida y recordada Teresa Berganza”, afirma la cantante.

 Tras un verano con múltiples actividades en diversos países, Nancy Fabiola Herrera está expectante ante el estreno de esta nueva producción que firma Paco Azorín –con quien ya trabajó en el Maestranza de Sevilla en Samson et Dalila–, contando con Ivor Bolton en la dirección musical. “El montaje va a la esencia de la ópera, y requiere de todos los intérpretes una gran profundización sicológica”, asegura, “ya que se trata de una obra de creciente tensión dramática.  La propuesta escénica es muy potente, y mezcla lo mítico con lo moderno en una lectura profunda y dramática vista desde la tragedia de los hijos de Medea. Néris, el papel que interpreto, es el de la confidente de la atormentada protagonista, quien decide matar a sus dos hijos ante el abandono de su amado Jasón. Un drama que Cherubini supo llevar a la partitura con un genio incomparable, con una música maravillosa y de gran exigencia vocal. En esta versión francesa estrenaremos los recitativos compuestos por William Christie. Al estudiar la obra realmente sorprende que no se represente más a menudo”.

Nancy Fabiola Herrera compartirá escenario en el Real en el primer reparto de la obra con colegas como Maria Agresta y Enea Scala los días 19, 22, 25 y 28 de septiembre y 1 y 4 de octubre antes de regresar a la Metropolitan Opera House de Nueva York donde, entre noviembre y diciembre, interpretará a Paula en ocho funciones de Florencia en el Amazonas de Daniel Catán en su estreno en el coliseo estadounidense.

RECONOCIMIENTO A LA EXCELENCIA

Más tarde, el 16 de octubre, Nancy Fabiola Herrera recibirá en Nueva York el Premio HOLA 2023 a la Excelencia en la Ópera en la 22ª Gala Benéfica de estos galardones organizados por la Hispanic Organization of Latin Actors concebidos para honrar a luminarias del ámbito artístico, habiéndolo recibido en anteriores ocasiones los actores Antonio Banderas, Pedro Pascal, Andy García y Benicio del Toro, la legendaria Sara Montiel o el músico Rubén Blades.

Fotografía © Joaquín Fuentes

Amigos de la ópera Madrid

El próximo mes de octubre la Asociación de Amigos de la Ópera de Madrid cumple, nada menos, que 60 años. Esta asociación nació hace seis décadas con el único objetivo de difundir y promover la ópera en Madrid. Tras el cierre del Teatro Real en 1925, la ópera desapareció de Madrid, y la motivación principal para crear, en 1963, Amigos de la Ópera, fue la de reunir una masa crítica de aficionados, lo suficientemente importante, como para garantizar la puesta en marcha de una temporada estable de ópera. Gracias a los miles de socios de esta asociación, año tras año, la ópera pudo volver a Madrid, primero en las temporadas del Teatro de la Zarzuela, y después, ya, en el Teatro Real, hasta la actualidad.

La historia de esta asociación está llena de acontecimientos y momentos para recordar, y su trabajo para difundir el amor por el canto ha sido fundamental e imprescindible para que la ópera esté hoy día en Madrid donde está. La asociación cuenta desde hace unos meses con un renovado equipo directivo, que trabaja para modernizarla y reactivarla, y para que vuelva a tener relevancia en el mundo lírico de Madrid. Pero hablando solo del presente, Amigos de la Ópera continúa adelante su tarea y sigue trabajando para que la ópera entre en el corazón de la gente. Ha recuperado como sede la Escuela Superior de Canto de la calle San Bernardo de Madrid, en la que ya estuvo durante muchos años, y dedica sus ajustados recursos a muchos proyectos y programas.

El CICLO DE JÓVENES CANTANTES de Amigos de la Ópera, que lleva ya 24 años de trayectoria, y por el que han pasado, ofreciendo sus primeros recitales, muchos de los grandes cantantes de la actualidad. La revista INTERMEZZO, que se publica varias veces al año, con la participación de las mejores plumas musicales de nuestro país. Organizando, desde hace décadas, ciclos de CONFERENCIAS de ópera y zarzuela. Entregando BECSAS de estudio o apoyando CURSOS de verano para jóvenes cantantes. Con una activa labor a través de sus REDES SOCIALES, que le permiten difundir contenido variado y de calidad para todos los curiosos o amantes de la ópera. Y, de cara a crear nuevos públicos, acercando cada año la ópera a más de 5.000 niños de Madrid, a través del maravilloso programa ÓPERA KIDS, dirigido por Aquiles Machado y Amanecer Sierra, que constituye una forma diferente, eficaz y divertida de conocer, vivir y aprender a amar la ópera.

Para celebrar sus 60 años, Amigos de la Ópera está organizando una gran GALA DE ANIVERSARIO que se llevará a cabo en el Teatro Monumental de Madrid el viernes 15 de septiembre a las 19:30 h. El maestro Thomas Herzog dirigirá a la Orquesta de RTVE y a los cantantes: Carmen Solís, Carmen Romeu, Marina Rodríguez-Cusí, Antonio Gandía, Francisco Corujo y José Julián Frontal. El programa constará de una primera parte de ópera y de una segunda de zarzuela, y será grabado y retransmitido por RTVE. Las entradas para este concierto, único e inolvidable, se pueden adquirir a través de www.teatromonumental.es o en las taquillas del propio teatro.

La ópera es un arte completo y universal, y su difusión y promoción es tarea de todos los amantes de la cultura. Por esta razón, Amigos de la Ópera seguirá en su infatigable labor de apoyo, y cuanto más crezca o más socios tenga, más cosas podrá hacer. Para ser un Amigo de la Ópera, de verdad, tienes que escribir un correo a:  info@amigosoperamadrid.es

Patricia Guerrero

Inspirada en el proceso de la vida misma, con ciclos y patrones que se repiten constantemente, como en una espiral ascendente, Patricia Guerrero ha creado Proceso eterno, el espectáculo  con el que se presenta en el Salón de Baile del Teatro Real los días 26, 27 y 28 de julio, a las 19.00 horas, y que despedirá la presente temporada de Flamenco Real.

Proceso eterno es una pieza musical y coreográfica, creada íntegramente por la artista, en la que el flamenco contemporáneo -del que Patricia Guerrero es una de las grandes exponentes-, se muestra en su máximo apogeo.

Nacida en Albaicín, Granada, en 1990, Guerrero comenzó a bailar a los tres años en la academia de su madre, María del Carmen Guerrero. Desde entonces, su aprendizaje se ha visto enriquecido con influencias de un amplio abanico de maestros, como Mario Maya, director del Centro de Estudios Flamencos, al que se unió a los 15 años, o Rubén Olmo, con los que asimila la danza clásica, la danza española y, por supuesto, el flamenco.

Desde que recibió el primer premio en el Concurso de Arte Flamenco Ciudad de Ubrique, en 2005, y le fue otorgado el Premio Desplante en el Festival Internacional del Cante de las Minas,  la carrera de la bailaora granadina no ha parado de crecer. En 2011 fue elegida Primera Bailarina del Ballet de Andalucía y, en 2021, fue galardonada con el Premio Nacional de Danza, mismo año en el que estrenó el papel protagonista del espectáculo La Bella Otero, como bailarina invitada con el Ballet Nacional de España.

Sus seis espectáculos en solitario, presentados en los más importantes festivales y escenarios del mundo, reflejan la libertad de su baile, creativo, osado, auténtico y libre de etiquetas. En 2022, la bailaora llegó a Flamenco Real con Esencial, creación con la que cautivó al público y aseguró su pronto regreso al Salón de Baile.

Ahora, para despedir por todo lo alto la presente temporada, Patricia Guerrero estará acompañada por Dani de Morón, en la guitarra; Sergio ‘El colorao’, en el cante, y Agustín Diassera, en la percusión.

Semana de la Ópera

Cerca de 50.000 personas han disfrutado de alguna de las actividades organizadas por el Teatro Real con motivo de la VIII Semana de la Ópera, que, como en ediciones precedentes, se basa en las enormes posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías audiovisuales y las redes sociales para la difusión de la ópera de una manera interactiva, en la que el público puede disfrutar, participar, aprender y compartir experiencias que fomentan el diálogo, la reflexión y la crítica.

La ópera Turandot, en escena en el Teatro Real hasta el 22 de julio,  ha sido el eje de la programación de la VIII Semana de la Ópera. El pasado viernes, a las 21.00 horas, más de 20.000 personas de más de cien pueblos de toda España pudieron ver la representación de la obra de Puccini que se ofrecía en su Sala Principal, al igual que lo hicieron más de 2500 espectadores a través de una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) de Madrid. Plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España se sumaron a la celebración. El elenco, encabezado por Anna Pirozzi y Jorge de León,  y el director de la orquesta, Nicola Luisotti, se acercaron a la plaza para agradecer la asistencia del público y la emoción de disfrutar juntos de una actividad tan especial.

En la presente edición de la Semana de la Ópera ha destacado la transmisión, en la pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera), de cuatro espectáculos de formatos muy distintos –concierto lírico, flamenco, ópera y  ballet– en días sucesivos, del 12 al 15 de julio, que han podido ser seguidos gratuitamente desde un millar de sillas instaladas en ese emblemático espacio.

A Turandot se sumó el miércoles la transmisión en directo del concierto de Javier Camarena, que al término de la función fue a la plaza a compartir con los espectadores sus impresiones tras su exitosa actuación; el jueves, grabado en el ciclo Flamenco Real, fue el turno de del bailaor y coreógrafo Eduardo Guerrero; y el sábado se emitió el espectáculo del New York City Ballet que había ofrecido la mítica compañía estadounidense en el Teatro Real el pasado mes de marzo.

Miles de aficionados han podido también disfrutar del acceso gratuito, en MyOperaPlayer, a tres óperas retransmitidas en ediciones anteriores de la Semana de la Ópera: Lucia di Lammermoor, Tosca y Nabucco.

Puso fin a la celebración una jornada de puertas abiertas. El 15 de julio, sábado, entre las 10.00 y las 14.00 horas, los visitantes pudieron acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones de la segunda planta. Además, los asistentes pudieron  participar en sorteos de diversos premios a través de códigos QR disponibles en los distintos espacios del edificio, y cuyo resultado se dará a conocer a lo largo de la próxima semana.

Turandot20230
La primera referencia que tenemos de la leyenda de Turandot aparece en el libro Las siete bellezas, del poeta persa Nizami en el siglo XII. En 1710 François de la Croix lo incluye en su recopilatorio de cuentos Los mil y un días. Y en 1760 el poeta y dramaturgo veneciano Carlo Gozzi convierte la historia de Turandot en una obra de teatro.
No fue hasta el siglo XX, concretamente en 1904, cuando Ferruccio Busoni compone una pequeña partitura para acompañar la obra de teatro de Gozzi. Obra y música se estrenaron en Londres en 1913, representación a la que asistió el propio Puccini. Unos años más tarde, en 1917, Busoni, que había seguido trabajando en Turandot, la estrena como ya como ópera.
Pero Puccini, que tenía casi por costumbre utilizar temas que ya habían sido usados por otros compositores, algo que le había ocasionado algunos problemas, pensaba ya en su propia Turandot desde que la escuchó en Londres.
Puccini encargó el argumento de Turandot a dos libretistas, Renato Simone, periodista del Corriere della Sera que había sido corresponsal en China, y a Giuseppe Adami, que ya había trabajado con el maestro italiano.
Durante los cuatro años que duró la composición de esta ópera, Puccini decide junto a sus dos libretistas realizar una serie de modificaciones con respecto a la historia original. Los cinco actos iniciales, pasaron a ser tres. Los cuatro personajes que Gozzi había incorporado en su obra procedentes de la ‘comedia del arte’, y el teatro de máscaras, Tartaglia, Brighella, Pantalone y Truffaldino, fueron sustituidos por tres ministros, Ping, Pang y Pong, que resultan ser meros observadores de la acción sin participar directamente en ella. Son personajes ambiguos que van derivando a lo largo de la obra en grotescos.
En su obsesión por mostrar la compleja psicología de la princesa Turandot, muy diferente al resto de protagonistas de sus obras, Puccini incorpora al libreto un nuevo personaje. Se trata de Liú, esclava de Timur y secretamente enamorada de Calaf, una mujer llena de dulzura y bondad, más del gusto de las protagonistas tradicionales de sus obras. Liú es el contrapunto a la princesa Turandot, mujer increíblemente hermosa, pero terriblemente cruel, sobre todo con los hombres, a los que culpaba de manera enfermiza de la muerte de una antepasada suya a manos de un príncipe extranjero.
Puccini no pudo terminar de escribir su última ópera.
La partitura de Turandot llegaba hasta la muerte de Liú. Faltaba la primera escena del tercer acto y una escena final para concluir la ópera. Aunque tenía el libreto con el final, el compositor no acababa de estar satisfecho y no conseguía resolver el final. Dice Robert Wilson que “Puccini no terminó Turandot porque no sabía cómo hacerlo”.
Cuando en septiembre de 1924 el compositor retoma de nuevo su obra, se reúne con Arturo Toscanini, que era por entonces director musical del Teatro alla Scala de Milán, para decirle: ‘¡si algo me sucediera, no abandones mi Turandot!’.
Al poco tiempo, el cáncer de garganta que le habían diagnosticado y del que fue operado en Bruselas, derivó en un fallo cardíaco que le produjo la muerte sin haber podido terminar su obra.
Toscanini encargó entonces el final de la partitura al compositor Franco Alfano que, a partir de una serie de manuscritos y algunas indicaciones dejadas por Puccini antes de morir, consiguió acabar la obra. En principio su composición duraba unos 22 minutos, que quedaron reducidos a 15 tras la intervención de Toscanini, y que afectaban sobre todo al aria de Turandot ‘Del primo pianto‘.
El Turandot de Robert Wilson, un clásico.
Dedicada al tenor Pedro Lavirgen, recientemente fallecido, y que fue uno de los más importantes Calaf de su generación, esta producción de Robert Wilson puede considerarse ya como todo un clásico.
Wilson es un maestro de la iluminación y la creación de atmósferas, sobre todo con la utilización que hace de las sombras. Pero también son conocidas sus producciones por la quietud, a veces exagerada, de sus personajes en escena. El motivo, como él mismo dice, se debe al absoluto respeto por la música y los cantantes, y el intento de facilitar el canto. Sin que complejas coreografías les distraigan. Aunque muchos no estén de acuerdo con el absoluto estatismo de los personajes, es innegable el alto valor estético de sus composiciones escénicas.
Como corresponde a la última producción de la temporada, en la que tradicionalmente se programa un buen número de representaciones de una de las óperas más conocidas del repertorio, este Turandot tiene tres repartos protagonistas. Todos ellos muy interesantes. Canceló Nadine Sierra, que debutaba el personaje. No se entiende muy bien que cancelara por cansancio, pues esta producción parece estar hecha para que los cantantes descansen. Tendremos que esperar para verla en este rol, del que dicen es para sopranos más maduras, vocalmente hablando.
En esta representación la protagonista ha estado a cargo de Saioa Hernández. Había también muchas ganas de verla en su debut en este rol, sobre todo después de los múltiples éxitos que está teniendo allá por donde pasa. Su técnica y dicción son impecables y lo ha vuelto a demostrar. Su voz de soprano spinto recorrió desde los graves a las notas más agudas con soltura y una clase que ya es marca de la casa. Solo echamos de menos un poco más de expresividad en el canto. Algo en lo que seguro tuvo que ver la escenografía.
Martin Muehle fue más que correcto en su interpretación de un heroico Calaf, estuvo a la altura del personaje, incluso cuando abordó Nesum Dorma, aria que añade a su dificultad, el hecho de ser la más conocida y esperada por el público.
Miren Urbieta-Vega fue una de las más aplaudidas por el público. Su Liú estuvo sobrada de dulzura y delicadeza, pero sobre todo del talento interpretativo de la soprano donostiarra. Es este un personaje que conoce y que ya le escuchamos en este teatro hace unos años, pero que ha hecho evolucionar de manera magistral.
Fernando Radó es un bajo barítono muy conocido ya en Madrid y un valor seguro cada vez que sube al escenario. Así quedó demostrado una vez más con su sentida interpretación de Timur.
Los tres ministros estuvieron a cargo de Germán Olvera, Moisés Marín y Mikeldi Atxalandabaso. La actuación de los tres fue impecable, tanto en lo vocal como en la parte escénica. Al ser tres personajes fuera del contexto del libreto, Wilson les ha diferenciado del resto de personajes vistiéndoles de forma diferente y haciendo que fueran los únicos que, no solo tienen movimiento, sino que no dejan de hacer piruetas por todo el escenario. Lo que añade mérito a su interpretación.
Muy buena actuación del resto de comprimarios en esta producción, contribuyendo al buen nivel. Vicenç Esteve, Gerardo Bullón y David Romero.
La dirección musical ha recaído en Nicola Luisotti, gran especialista, como no podía ser de otra manera, del repertorio italiano. Sabe como nadie imprimir ese carácter alegre y casi excesivo en estas composiciones, a una orquesta a la que conoce bien. No en vano, está en su casa.
Esta ópera es también la despedida del maestro Andrés Máspero, el director que ha llevado la calidad del coro del Teatro Real a sus mejores niveles. Gracias, maestro, y hasta siempre.
Un fantástico cierre a una temporada intensa, que termina con la semana de la ópera y la ya tradicional proyección en la plaza, en pantalla gigante, de una de las representaciones de Turandot.
Turandot

Como en las siete ediciones precedentes, la programación de la  Semana de la Ópera del Teatro Real, del 10 al 16 de julio, se basa en las enormes posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías audiovisuales y las redes sociales para la difusión de la ópera de una manera interactiva, en la que el público puede disfrutar, participar, aprender y compartir experiencias que fomentan el diálogo, la reflexión y la crítica.

La ópera Turandot, en escena en el Teatro Real hasta el 22 de julio, será el eje de la programación de la Semana de la Ópera: el 14 de julio, viernes, a las 21.00 horas, podrá ser vista en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) de Madrid y también en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España. Más de cien ciudades y pueblos de distintas autonomías retransmitirán la ópera para sus vecinos.  Las inscripciones siguen abiertas hasta el lunes 10 de julio a través de este enlace. Televisión Española realizará la grabación de esta ópera y la emitirá en diferido.

En la presente edición de la Semana de la Ópera destaca  la retransmisión, en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera),  de cuatro espectáculos de formatos muy distintos –concierto lírico, flamenco, ópera y  ballet– en días sucesivos, del 12 al 15 de julio, que podrán ser seguidos gratuitamente. Se colocarán 1000 sillas para el público, que podrá ocuparlas por orden de llegada, hasta completar aforo.

12 de julio, miércoles, a las 21 horas

CONCIERTO DE JAVIER CAMARENA CON LA ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA

Retransmisión en directo desde el Teatro Real, con un desfase de una hora y media para que no haga tanto calor.

Javier Camarena, el cantante con más bises en la historia del Teatro Real, regresa al ciclo Voces del Real para ofrecer un programa de ópera, zarzuela y canciones populares de su México natal. Acompañado por la Orquesta de la Ciudad de Granada, que debuta en el coliseo madrileño bajo la dirección de Iván López-Reynoso, interpretará famosas arias de Donizetti, Verdi, Massenet, Chapí, Moreno Torroba, Sorozábal, Chabrier, Gardel y Velásquez.

Para completar la velada, el tenor interpretará algunos de los títulos universales de la música popular mexicana junto al Mariachi Sol de América. Canciones como Si nos dejan, La bikina, La malagueña o El rey cerrarán este recorrido musical en la voz de uno de los más grandes tenores de la actualidad.

13 de julio, jueves, a las 21 horas

ACTUACIÓN DEL BAILAOR EDUARDO GUERRERO EN ‘FLAMENCO REAL’

Retransmisión de Origen, última creación del bailaor Eduardo Guerrero, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real el pasado 29 de junio, en el marco del ciclo FLAMENCO REAL.  Guerrero actuó con el guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra Villar, Ana Polanco y Eva Ruiz.

Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.

El espectáculo ha contado con la colaboración de Palomo Spain en el diseño del vestuario.

14 de julio, viernes, a las 21 horas

TURANDOT, DE GIACOMO PUCCINI

Retransmisión en directo desde el Teatro Real a pueblos y ciudades de toda España, con un desfase de una hora y media para que no haga tanto calor.

El personal lenguaje estético y escenográfico tan característico de Robert Wilson, responsable de la puesta en escena, decorado e iluminación de Turandot, concede a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales. Los personajes se convierten en arquetipos legendarios y hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini.

La dirección musical es de Nicola Luisotti, que estrenó la producción junto a Robert Wilson en 2018. Se pondrá nuevamente al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real ─y también de los Pequeños cantores de la JORCAM─ para dar vida a la genial partitura de Puccini, que tendrá como protagonistas a Anna Pirozzi (Turandot), Michael Fabiano (Calaf), Ruth Iniesta (Liù) y Liang Li (Timur).

15 de julio, sábado, a las 21 horas

ESPECTÁCULO DEL NEW YORK CITY BALLET

Memorable actuación de la mítica compañía estadounidense New York City Ballet en el Teatro Real el pasado mes de marzo.

Dirigido en la actualidad por Jonathan Stafford, el New York City Ballet ha presentado tres coreografías llenas de simbolismo para la formación: Serenade y Square Dance, creadas por George Balanchine, y The Times Are Racing, obra de Justin Peck, coreógrafo residente de la compañía y uno de los grandes talentos de la actualidad.

Además de las retransmisiones,  a lo largo de toda la semana se ofrecerá el acceso gratuito, en MyOperaPlayer, a tres óperas retransmitidas en ediciones anteriores de la Semana de la Ópera: Lucia di Lammermoor, Tosca y Nabucco.

Asimismo, entre el 10 y el 16 de julio, la adquisición de suscripciones anuales y semestrales a MyOperaPlayer tendrá un 40% de descuento para todos los interesados en abonarse a la plataforma audiovisual del Teatro Real, en cuyo catálogo hay títulos procedentes de 50 teatros y auditorios de Europa, América y Asia, con novedades semanales y retransmisiones en directo de las producciones más importantes del Teatro Real.

Pondrá fin a la Semana de la Ópera del Teatro Real, como suele ser habitual, una jornada de puertas abiertas. El 16 de julio, entre las 10.00 y las 14.00 horas, los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones de la segunda planta. En estos espacios, guías del Teatro Real estarán disponibles para ofrecer información. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de diversos premios a través de códigos QR disponibles en los distintos espacios del edificio.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Real Teatro de Retiro

El REAL TEATRO DE RETIRO, nuevo espacio del Teatro Real dedicado a la programación de El Real Junior, ofrecerá durante el mes de julio 8 funciones del espectáculo Festín Musical en Familia para clausurar la presente temporada con alegría y diversión.

Este concierto, con guión y presentación de Fernando Palacios, está concebido como “un buen banquete musical donde no falta de nada: una orquesta de jóvenes que tocan un variado repertorio de sándwiches musicales, un coro de espectadores con canciones-chuches de sabores deliciosos, cantantes y solistas tan sabrosos como un chocolate con bollos y juegos participativos sin movernos de la butaca”.

A lo largo del espectáculo desfilarán melodiosas piezas musicales de grandes compositores, del Barroco hasta nuestros días: Antonio Vivaldi, Alessandro Scarlatti, Wolfgang Amadeus Mozart, Johannes Brahms, Piotr Illich Chaikovski, Edvard Grieg, Johann Strauss, Ottorino Respighi y, para terminar, la canción All you need is love, de Los Beatles, que será entonada por el público y los artistas.

La interpretación correrá a cargo de la Joven Camerata de Cuerdas de la JORCAM, que está formada por músicos con edades comprendidas entre los 7 y los 16 años. Actuarán junto a dos jóvenes cantantes, la soprano Anna Kabrera y la mezzosoprano Yeraldín León, que participaron en el programa Crescendo de la Fundación Amigos Teatro Real.

La dirección musical será de Lara Diloy, principal directora invitada de la Barbieri Symphony Orchestra y asistente musical de la Ópera de Oviedo, que, con la complicidad, el humor y los guiños de Fernando Palacios servirán un divertido menú de degustación musical para ser tarareado por todos los públicos.

Con este concierto concluye la presente temporada de El Real Junior, cuya atractiva programación tiene lugar ahora en el REAL TEATRO DE RETIRO, que ofrecerá, a partir de septiembre, 242 funciones de ópera, danza, teatro, conciertos, títeres, cine, etc.–, diseñada para distintos rangos de edades y sus respectivas aptitudes e idiosincrasia, y cuyos abonos están ya disponibles.

Ilustración: Teatro Real

EL FESTÍN MUSICAL

PROGRAMA 

ORGANIZANDO LA FIESTA

Antonio Vivaldi (1678 – 1741)

Concierto en sol mayor, RV 151, «alla rustica»

  1. Presto
  2. Adagio

III. Allegro

PREPARAMOS EL LUGAR Y LA CUCHIPANDA

Piotr Ilich Chaikovski (1840 – 1893)

Serenata para cuerdas en do mayor, op. 48

  1. Finale (Tema Russo)

¡¡CUIDADO CON LAS HORMIGAS!!

Josef Strauss (1827 – 1870) y Johann Strauss (1825 – 1899)

Pizzicato Polka

LA MERIENDA

Edvard Grieg (1843 – 1907)

Suite Holberg, op. 40

  1. Praeludium (Allegro vivace)

JUEGOS Y CANCIONES

Ottorino Respighi (1879 – 1936)

Antiche arie e danze. Suite nº 3

III. Siciliana

  1. Passacaglia

INVITADAS

Antonio Vivaldi       

L’Olimpiade

«Lo seguitai felice»

Domenico Scarlatti (1685 – 1757)

Griselda

«Figlio! Tiranno! O Dio!»

FIN DE FIESTA

Johannes Brahms (1833 – 1897)

Danza húngara nº 5

DESPEDIDA

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)

La clemenza di Tito 

«Come ti piace imponi»

Antonio Vivaldi                   

Gloria RV 589

Laudamus te

John Lennon (1940 – 1980) y Paul McCartney (1942)

All you need is love

Moisés Marín

El tenor granadino Moisés Marín vuelve a pisar las tablas del Teatro Real, la ópera de Madrid, en esta ocasión interpretando al ministro Pang en Turandot, obra póstuma de Giacomo Puccini (1926). La obra se estrenará el 3 de julio y podrá verse a lo largo de 17 funciones, hasta el 22 de julio. El cantante trabaja a las órdenes de Robert Wilson, director de escena estadounidense de vanguardia, en esta espectacular producción que ya se estrenó en 2018 en el Teatro Real.

La dirección musical corre a cargo del italiano Nicola Luisotti, y Moisés Marín compartirá escenario con los cantantes Anna Pirozzi, Saioa Hernández, Jorge de León, Michael Fabiano, Ruth Iniesta, Miren Urbieta, Adam Palka, entre otros.

De su papel como el ministro Pang, el artista destaca que se trata de “un claro guiño a la Commedia dell’Arte”, así como “un contrapunto de color fúnebre al resto de compañeros, que obliga a desplegar toda su paleta de colores (cómicos, dramáticos, melancólicos, satíricos, bellos y agrios) y hace de la comedia el respiro ideal para seguir con la Fábula de la princesa de hielo”.

Por otro lado, el 12 de julio podrá disfrutarse de Turandot en el marco del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, en su versión de concierto. Esta cita supone el debut del tenor en el certamen de su ciudad natal. Además, será la primera vez que la obra se pueda ver de forma completa en el festival. La cita será a las 22:00 en el Palacio de Carlos V (La Alhambra).

Para Moisés Marín, regresar al Teatro Real supone “seguir tocando el cielo del mundo lírico, y por tanto un privilegio y una bendición que la vida me regala, por la que estoy tremendamente agradecido y entusiasmado”. Este proyecto, sumado a su debut en Granada, hace que el mes de julio sea para el tenor “un momento especialmente bello en mi carrera”.

Con este papel, Moisés Marín continua su intensa actividad artística en los principales teatros de ópera españoles en una temporada en la que ha puesto de manifiesto su capacidad para explorar diferentes registros. El verano pasado protagonizó en el festival Rossini de Wildbad exigentes roles de baritenor, como Pirro en Ermione y Goffredo en Armida. Además, Moisés ha sido Pollione en Norma, estrenada en La Coruña y Oviedo el pasado otoño, y ha participado en óperas como Tosca en el Gran Teatre del Liceu y ABAO Bilbao, o Tristán e Isolda en el Palau de Les Arts de Valencia.

La temporada próxima también viene cargada de proyectos importantes para el tenor, como es el papel principal (Belmonte) en El rapto en el serrallo, que verá la luz en abril de 2024 en ABAO Bilbao.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad

Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricas españolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el Teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. En 2022 el cantante recibió el premio al Cantante Revelación otorgado por Amics de l’Òpera y de les Arts de la Comunidad Valenciana tras triunfar con Los cuentos de Hoffmann.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts. En este periodo de dos años como estable en Les Arts, ha tenido la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roberto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore. Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

Fotografía: Kiko Lozano

Turandot

Entre los días 3 y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 17 funciones de Turandot, de Giacomo Puccini, en la reposición de la producción del Teatro Real estrenada en noviembre de 2018, en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris, teatros donde, como en el Real, la producción ha obtenido tanto éxito que ya se ha presentado dos veces en Lituania y volverá en noviembre al escenario de la Ópera de París.

El personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson, responsable de la puesta en escena, decorado e iluminación de Turandot, concede a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales.

El concepto dramatúrgico, metafórico y visual de la puesta en escena de Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, es el ideal para contar la leyenda de la fría, despiadada y sanguinaria princesa china, enmarcada en su espacio escenográfico y estético ‘natural’, que entronca directamente con el milenario teatro de sombras oriental.

Los personajes se convierten así en arquetipos legendarios y hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini y con poéticas sinestesias que van de los tonos glaciales de la desalmada protagonista a las tonalidades cálidas del recogimiento de Liù, cuya muerte, en la partitura, coincide con la del propio compositor, quien dejó la obra inacabada.

Giacomo Puccini falleció en Bruselas en 1924, cuando se sometía a un tratamiento del cáncer de garganta que padecía. Se encontraba entonces en una encrucijada para concluir el tercer acto de Turandot, con un sorprendente final feliz en el que el amor triunfa sobre la perfidia. Su discípulo, Franco Alfano, se encargó de concluir la partitura partiendo de los esbozos y notas dejados por su maestro y bajo la atenta supervisión de Arturo Toscanini, quien dirigió el estreno póstumo de la ópera en La Scala de Milán, en 1926, en una célebre representación en la que el director italiano cortó abruptamente la interpretación ─después del adagio que entona el coro tras la muerte de Liù─ y se dirigió al público diciendo: ‘Qui il Maestro finí’ (Aquí terminó el maestro). En las sucesivas funciones se ha utilizado el final de Alfano, que es el que desde entonces se emplea normalmente, pese a que Luciano Berio escribió otra versión estrenada en 2002 en Salzburgo.

En Turandot, Giacomo Puccini da un enorme salto hacia delante en su escritura compositiva: se aleja del realismo y de su genial maniqueísmo de las emociones y explora un nuevo universo dramatúrgico pertrechado con su eximio arte de orquestar, su eclecticismo y su portentoso olfato teatral. La ópera entrelaza motivos epigramáticos con una impresionante eficacia dramatúrgica, otorgando al coro una relevancia dramática desconocida en sus óperas anteriores. Explora universos armónicos más audaces con pasajes bitonales y disonantes articulados con su proverbial melodismo, abriéndose un floreciente camino truncado por su repentina muerte.

Turandot traerá al Real, una vez más, a su principal director invitado, Nicola Luisotti, que estrenó la producción junto a Robert Wilson en 2018. Se pondrá nuevamente al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real ─y también de los Pequeños cantores de la JORCAM─ para dar vida a la genial partitura de Puccini, en la que se alternarán tres cuartetos protagonistas, con las sopranos Anna Pirozzi, Ewa Płonka y Saioa Hernández (Turandot), los tenores Jorge de León, Michael Fabiano y Martin Muehle (Calaf), las sopranos Salome Jicia, Ruth Iniesta y Miren Urbieta-Vega (Liù) y los bajos Adam Palka, Liang Li y Fernando Radó (Timur).

Con Turandot, Andrés Máspero concluye su trabajo al frente del Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo), del que es director desde su creación, en 2010, concediendo a esta formación un enorme prestigio y reconocimiento nacional e internacional. El importante papel del coro en la postrera y genial partitura de Puccini será también un homenaje a este gran director y a toda su brillante carrera.

Las funciones de Turandot estarán dedicadas a la memoria del gran tenor Pedro Lavirgen (Bujalance, Córdoba, 31 de julio de 1930 – Madrid, 2 de abril de 2023), uno de los grandes intérpretes del papel de Calaf de su generación.

Lavirgen no pudo interpretar en el Teatro Real a los grandes personajes que lo encumbraron porque el apogeo de su brillante carrera transcurrió durante el período en el que el coliseo de la Plaza de Oriente fue sala de conciertos y las óperas se representaban en el vecino Teatro de la Zarzuela. Pero en 2018 el Real le dedicó las funciones de Aida, también con dirección musical de Nicola Luisotti. Entonces el tenor ocupó un lugar protagonista en la rueda de prensa de presentación de la ópera, recordando su larga carrera, llena de éxitos y anécdotas y en la que tuvo siempre el cariño del público y de sus compañeros.

También se homenajeó a Padro Lavirgen pocos días después de su fallecimiento, en una actuación lírica en la Carroza del Teatro Real en Córdoba -con la soprano Sonia Suárez, la mezzosoprano Alejandra Acuña, el barítono Willingerd Giménez y la pianista Cristina Sánz– y a él estará dedicada la última edición de Enfoques de esta temporada, el próximo 28 de junio a las 20.15 horas.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Eduardo Guerrero

Considerado uno de los mejores bailarines en la actualidad, por su técnica extraordinaria y por su revolucionaria visión del flamenco, Eduardo Guerrero se presenta en Flamenco Real con su última creación, Origen, que vuelve al principio de todo para devolverlo al presente, al futuro, al eterno…y lo compartirá con el público los próximos días 28, 29 y 30 de junio, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real.

El bailaor gaditano estará acompañado por dos jóvenes talentos del nuevo flamenco, el guitarrista Benito Bernal y la cantaora Ángeles Toledano, dos artistas con los que colabora habitualmente y cuyos lenguajes se integran de forma natural con la filosofía y la personalidad de Guerrero.

En Origen, en el silencio, aparece el sonido y se funde con el cuerpo y lo convierte en danza, en movimiento que agita la quietud y germina para ser el lugar donde se empieza. Una única guitarra como el templo que acompaña a un dogma, como una morada cálida que abre una dimensión terrenal bajo la danza. Origen es una experiencia que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia; original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad. El espectáculo ha contado con la colaboración de Palomo Spain en el diseño del vestuario.

Eduardo Guerrero González empezó a bailar cuando tan sólo tenía seis años en la escuela de Carmen Guerrero. Allí construyó los cimientos de su danza para pasar después a su desarrollo en profundidad, junto a maestros de la talla de Mario Maya, Antonio Canales, Manolo Marín, entre otros. Estudió Danza Española en el Conservatorio de Danza de Cádiz y posteriormente amplió sus conocimientos de danza contemporánea y clásica.

A partir del año 2002 empieza a trabajar con grandes artistas del panorama nacional que valoran su indudable calidad, su capacidad física y su técnica depurada, desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre, Rafael Aguilar… Fue en 2011 cuando con su propia coreografía, “Mayo”, obtuvo el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales, lo que supuso el punto de partida para una carrera en solitario, creando más de una docena de espectáculos desde entonces.

Eduardo Guerrero, uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.

El ciclo Flamenco Real se enmarca en el proyecto de promoción y defensa del flamenco emprendido por el Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, organiza giras internacionales, con artistas de reconocido prestigio, para dar visibilidad a este arte universal.

Imagen © Nityama Macrini

Turandot

El Teatro Real ha querido sumarse a la celebración del Día Europeo de la Música, que se conmemora hoy, miércoles 21 de junio, poniendo a disposición del público más de dos mil entradas a precio reducido para poder asistir a la ópera Turandot, de Giacomo Puccini, cuyo estreno tendrá lugar en su escenario el próximo mes de julio.

Así, a partir de hoy y hasta mañana, 22 de junio, a las 23:59 horas, la sala abrirá todas sus zonas a todos los públicos, con un 40% de descuento en la zonas A, Premium y Premium Plus, un 35% de descuento en zona B y un 30% de descuento en la zona C hasta la E en las funciones de Turandot de los días 10, 17, 18, 20 y 21 de julio de 2023.

El canal digital del Teatro Real, My Opera Player, también participa de esta celebración con un 25% de descuento en su suscripción, que sólo podrá adquirirse en las próximas 48 horas, y que dará acceso a todo su catálogo de ópera, danza, conciertos y flamenco, entre otros contenidos.

Entre los días 3 y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 17 funciones de Turandotde Giacomo Puccini, en la reposición de la producción del Teatro Real estrenada en noviembre de 2018, en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris, teatros donde, como en el Real, la producción obtuvo un grandísimo éxito.

El personal lenguaje estético y escenográfico tan característico de Bob Wilson, responsable de la puesta en escena, decorado e iluminación de Turandot, concede a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales. Los personajes se convierten en arquetipos legendarios e hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini.

Turandot traerá al Real, una vez más, a su principal director invitado, Nicola Luisotti, que estrenó la producción junto a Bob Wilson en 2018. Se pondrá nuevamente al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real ─y también de los Pequeños cantores de la ORCAM─ para dar vida a la genial partitura de Puccini, en la que se alternarán tres cuartetos protagonistas, con las sopranos Anna PirozziEwa Płonka y Saioa Hernández (Turandot), los tenores Jorge de LeónMichael Fabiano y Martin Muehle (Calaf), las sopranos Salome JiciaRuth Iniesta y Miren Urbieta-Vega (Liù) y los barítonos Adam PalkaLiang Li y Fernando Radó (Timur).

Fotografía Turandot © Javier del Real | Teatro Real

Il Turco in Italia

Il Turco in Italia, una ópera con historia

l Turco in Italia
Gioachino Rossini (1792-1868)
Dramma buffo en dos actos
Libreto de Felice Romani, basado en la pieza homónima de Caterino Mazzolà
Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 14 de agosto de 1814. Estreno en el Teatro Real
D. musical: Giacomo Sagripanti
D. escena: Laurent Pelly
Escenografía: Chantal Thomas
Iluminación: Joël Adam
Dirección del coro: Andrés Máspero
Reparto: Alex Esposito, Sara Blanch, Misha Kiria, Edgardo Rocha, Florian Sempey, Paola Gardina y Pablo García-López
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Siempre se habla de la precocidad creativa de Mozart; y, salvando las distancias entre el rigor de los “tedeschi” (así llaman los italianos a austriacos y alemanes) y la ligereza musical italiana: la figura de Gioachino Rossini (Pesaro, 1792 – Passy, París, 1868), también se nos presenta, con todas las características atribuidas al genio de Salzburgo. ¡Por supuesto! dentro de la actividad operística, donde Rossini al igual que Mozart ya componía óperas como Demetrio e Polibio, a la temprana edad de catorce años.

La auténtica carrera operística de Rossini comenzó en 1810, cuando solo tenía dieciocho años, con el estreno en el Teatro San Samuele de Venecia de su primer título La cambiale di matrimonio, farsa en un acto, que era un tipo de ópera bufa breve, que entonces estaba de moda. Al año siguiente estrenó en el Teatro del Corso de Bolonia, la ópera bufa en dos actos L’equivoco stravagante, a la que seguiría la farsa L’inganno felice, estrenada en el Teatro San Mosé de Venecia, en enero de 1812; y, ese mismo año, obtuvo su primer gran éxito con otra ópera bufa La Pietra del paragone, estrenada en el Teatro alla Scala de Milán, convirtiéndose en un compositor tremendamente prolífico, ya que antes de finalizar 1812, había estrenado en el Teatro San Moisè de Venecia dos nuevas farsas: La Scala di seta y L’occasione fa il ladro; y, en enero de 1813, en ese mismo teatro, otra farsa que llevaba por título Il Signor Bruschino. El año 1813 fue verdaderamente importante para Rossini ya que estrenará la muy famosa L’italiana in Algeri, junto a sus dos primeras óperas serias: Tancredi y Aureliano in Palmira, que lo convierten a los veintiún años en un autor consagrado.
Il turco in Italia nace como proyecto, cuando en junio de 1814, Rossini recibe el encargo del Teatro alla Scala de Milán de componer una nueva ópera para que fuese estrenada en agosto de aquel año en la inauguración de la temporada scalígera. Por tanto, tuvo que realizar la composición con gran premura de tiempo. El entonces joven Felice Romani (destinado a convertirse en el más famoso libretista italiano de la primera mitad del Siglo XIX), fue el encargado de elaborar el libreto, a partir del argumento realizado por Caterino Mazzolà para la ópera del mismo título, con música del compositor alemán Franz Seydelmann estrenada en 1788.

Para poder cumplir con los plazos previstos, Rossini precisó la ayuda de algún colaborador para la elaboración de los recitativos, de algunas arias, así como del final de la ópera. El texto elaborado por Romani (estructurado en dos actos, cada uno de ellos con tres escenas), resulta de gran modernidad, ya que se le ha llegado a relacionar con la famosa obra teatral de Luigi Pirandello: Seis personajes en busca de un autor estrenada en 1920, y que se considera como el arranque de todo el teatro moderno. En la ópera de Rossini los personajes son manejados en escena por un poeta de nombre Prosdocimo, quien paralelamente, y según las manifestaciones de cada uno de ellos, va elaborando el argumento de su propia obra. También, puede considerarse como antecedente de este manipulador poeta, es el personaje de Don Alfonso perteneciente a la ópera de Mozart Così fan tutte, con la que Il turco in Italia tiene ciertas semejanzas.

Una perfecta confluencia de
texto y música

En la trama argumental intervienen, aparte del poeta, cuatro personajes principales: una mujer desenfadada y promiscua llamada Fiorilla, cuyo patético marido, mucho mayor que ella, Don Geronio, y a quien Fiorilla engaña con un amante llamado Don Narciso. Cansada de marido y amante, Fiorilla se propone conquistar a un joven y noble turco llamado Selim, quien acaba de llegar a Italia en busca de aventuras amorosas. Los otros dos personajes, aunque pueden considerase más secundarios: la gitana Zaida y su amigo y protector Albazar, tienen importancia, sobre todo Zaida, quien resulta ser antigua amante de Selim.

Una serie de situaciones plenas de equívocos que muestran la desfachatez de Fiorilla, quien consiente ser cortejada por el turco en su propia casa; su marido Don Geronio les interrumpe en plenos flirteos amorosos, la aparición también de Don Narciso, propicia que Fiorilla se reúna con su marido, su amante y su nuevo amor, para, posteriormente, establecer un diálogo con su marido (una de las mejores escenas de la ópera), al que insulta y vilipendia; y, ante la actitud de Geronio de ponerse en su sitio, ella finge cambiar de actitud mostrándose cortés y amorosa, doblando de nuevo la frágil voluntad de Geronio, y en un cambio brusco de actitud, lo amenaza con cambiar a diario de amante, y Geronio en una actitud verdaderamente patética, le ruega que no lo haga. La aparición en escena de Zaida junto a Selim y Fiorilla, propicia que ambas mujeres se enfrenten con insultos, incluso físicamente.

Selim de manera pragmática, al haber comprobado la imposible relación de Fiorilla con su marido, le ofrece a este la posibilidad de comprar a su mujer, lo que Geronio rechaza verdaderamente indignado. Ante todas estas situaciones, el poeta Prosdocino va dando forma a su obra, cuyo desarrollo muestra los intentos de Selim por conquistar a Fiorilla y huir con ella. Zaida se interpone exigiendo a Selim que cumpla sus antiguas promesas amorosas y se marche con ella. Ambas mujeres exigen a Selim que se decida por una de ellas, aunque el turco quiere quedarse con las dos. El indolente Don Narciso se siente traicionado, aunque desea recuperar a Fiorilla.

En un baile de máscaras, se utilizan los disfraces muy al estilo del mozartiano Così fan tutte, lo que origina una de las escenas mejores de esta ópera, con el quinteto formado por Fiorilla y Zaida con idénticos disfraces junto a Selim y Narciso igualmente ataviados, lo que produce confusión entre las dos parejas con respecto a las verdaderas identidades de cada uno, junto a un patético Don Geronio, quien se pregunta ¿Quién es mi mujer? y decide definitivamente separarse de ella. Finalmente, Zaida consigue sus propósitos, marchándose con Selim.

Fiorilla se encuentra en la situación de haber perdido a Selim, a Don Narciso y a su propio marido, quedándose totalmente sola, momento en que una trama jocosa y bufonesca adquiere tintes dramáticos. Finalmente, el poeta nos propone como conclusión de su obra, una salida que se nos antoja totalmente inverosímil, donde Geronio después de haber sufrido todo tipo de engaños, insultos y humillaciones, perdona a su mujer y ambos se reconcilian. Aunque, intuimos que esa situación no será muy duradera.

Il turco in Italia requiere una serie de cantantes que dominen el estilo rossiniano y muestren un alto grado de expresividad y gran teatralidad. Una soprano lírica-ligera para el papel de Fiorilla, de impecable línea de canto, con gran capacidad para las agilidades y resolver muy complejas coloraturas. El personaje de Selim requiere un bajo-cantante y el de Geronio un bajo bufo, en ambos casos con gran dominio de las agilidades y el canto silabato (cantar de manera vertiginosa haciendo inteligible el texto), ambos deben ofrecer una extraordinaria capacidad teatral. El personaje de Narciso requiere un tenor lírico-ligero, y en el caso de Albazar un tenor ligero o lírico ligero, en ambos casos con un buen dominio de las agilidades y una poderosa franja aguda. El poeta Prosdocimo requiere un bajo cantante (también lo suele interpretar un barítono), con una actuación de gran teatralidad. El elenco se completa con el personaje de Zaida, que requiere una mezzosoprano con capacidad escénica y buenos medios vocales.

Ópera donde se produce una excelente interacción de orquesta y voces, siempre en función de dar gran relevancia al texto. El coro también tiene importantes intervenciones. En Il turco in Italia predominan netamente los números de conjunto sobre las intervenciones solistas, lo que confiere a la ópera continuidad musical y dramática. Excelentes y muy mozartianos los concertantes conclusivos del Acto I y del final de la ópera.

El estreno tuvo lugar en el Teatro alla Scala de Milán, el 14 de agosto de 1814, con discretos resultados, en comparación con los grandes éxitos que habían tenido el año anterior L’italiana en Algeri y Tancredi. La ópera tuvo una rápida difusión por diferentes teatros italianos. Fue estrenada en Londres en 1815 y en Madrid en 1820. Se estrenó en Nueva York en 1826, interpretada por famosos cantantes españoles: Manuel García (padre e hijo) y la mítica María Malibran, también hija de Manuel García. A partir de entonces, y durante más de ciento veinte años esta ópera cayó en el más absoluto de los olvidos.

Su recuperación
Es en octubre de 1950, en el Teatro Eliseo de Roma, donde se produjo la recuperación de Il turco in Italia, que estuvo propiciada por el gran cineasta Luchino Visconti en labores de director escénico, con una joven María Callas como Fiorilla, entonces con solo veintiséis años, pero ya convertida en gran figura lírica. Impresiona la capacidad vocal de la soprano greco-norteamericana para interpretar a Fiorilla, aligerando sus poderosos medios vocales. Téngase en cuenta que poco antes de estas representaciones, había cantado Tosca y Aida y poco después, en noviembre de 1950, afrontaría el papel de Kundry en Parsifal.

En aquellas representaciones romanas, Callas estuvo acompañada por un elenco de jóvenes y magníficos cantantes: Sesto Bruscantini (Selim), Franco Calabrese (Don Geronio), Cesare Valetti (Don Narciso), Anna María Canali (Zaida), junto al famoso y ya muy veterano barítono Mariano Stabile (Prosdocimo), todos ellos dirigidos musicalmente por Gianandrea Gavazzeni. Alguna de aquellas representaciones fue tomada en directo, grabación que desapareció después, conservándose solamente la cavatina “Non si dà follia mayore” de Fiorilla del Acto I (disponible en YouTube) donde puede constatarse la extraordinaria capacidad vocal y expresiva de Callas, quien concluye el aria luciéndose con un complejo pasaje de coloratura, no escrito. El mismo conjunto de cantantes interpretaron esta ópera, con gran éxito, en el Teatro alla Scala, en 1955, también con dirección musical de Gianandrea Gavazzeni y escénica de un jovencísimo Franco Zeffirelli. Esta producción volvió a representarse en el teatro milanés, con los mismos interpretes las dos temporadas siguientes, con el solo cambio de Fiorilla, cantada por la soprano lírico-ligera Eugenia Ratti.

Fue en los años setenta donde esta ópera recibe de nuevo un importante impulso, al aparecer una edición crítica de la musicóloga inglesa Margaret Bent, que restituye numerosos recitativos; y, en el Acto II, la importante intervención solista de Don Narciso II “Intesi, Ah tutto intesi”, la cavatina de Fiorilla “Se il zefiro si posa”, y su gran escena: recitativo-aria-cabaletta “L’irato consorte….Squallida veste e bruna….Caro padre, madre amata” de extrema dificultad, sobre todo en la repetición de la cabaletta, con una dificilísima coloratura y una gran exigencia en agudos y sobreagudos. Esta edición crítica pudo escucharse por primera vez en el Teatro Colón de Buenos Aires, en noviembre de 1979 y un mes después en el Teatro la Fenice de Venecia.

Cabe señalar que Rossini compuso una cavatina para Don Narciso en el Acto I “Un vago sembiante”, para el estreno de la ópera en Roma, en 1915. Y, otras dos intervenciones solistas: el aria-cabaletta “Se ho da dirle, avrei molto piacere….Ah! Sel nel mondo no vo della luna” (de gran lucimiento vocal) interpretada por Don Geronio y el aria de Albazar “A sarebbe troppo dolce”, ambas del Acto II, que no fueron escritas por Rossini, sino por alguno de sus colaboradores. Alguna de ellas aparece insertada en funciones teatrales o en grabaciones discográficas. En los últimos diez años ya se interpretan estas tres páginas, en casi todas las diferentes producciones de esta ópera, que ofrecen en su totalidad la edición crítica de Margaret Bent.

Los grandes interpretes de
Il turco in Italia
Cabe resaltar de nuevo, la gran interpretación de María Callas, que puede escucharse en la primera grabación de esta ópera en estudio, realizada por EMI en 1954, donde, con respecto a las funciones romanas de 1950, el gran Sesto Bruscantini era sustituido en el papel de Selim por el bajo Nicola Rossi-Lemeni, de buena vocalidad aunque carente de la gracia interpretativa que requiere este personaje y ello se pone de manifiesto en sus dúos con Callas, quien muestra su magnífica vocalidad junto a su inigualable capacidad interpretativa, sobre todo en el gran dúo “Per piacere alla signora” donde derrocha gracia, picardía y desenfado junto a la magnífica interpretación de Franco Calabrese como Don Geronio, también impecable en su cavatina del Acto I ”Vado in traccia di una zíngara”. Una verdadera lástima que en esta grabación la Callas no interpretase la gran escena de Fiorilla del Acto II, que como ya se ha indicado, no se puso en circulación hasta la aparición de la edición crítica de Margaret Bent. El gran tenor sueco Nicolai Gedda (Don Narciso), entonces con solo veintinueve años, ofrece su brillante vocalidad y gran capacidad para las agilidades, que solo puede apreciarse en su arioso del Acto II “Perché mai se son tradito”, así como en diferentes números de conjunto; una verdadera lástima que Gedda, no interprete el aria “Intesi, Ah tutto intesi”, donde podíamos haber comprobado su impecable línea de canto junto a un extraordinario registro agudo. El gran Mariano Stabile realiza una magnífica interpretación del poeta Prosdocimo. Esta grabación puede escucharse completa en YouTube.

Cabe señalar una edición televisiva de la RAI, de 1958 (disponible en YouTube), donde, por fin, podemos escuchar y también contemplar la extraordinaria interpretación de Sesto Bruscantini como Selim, tanto en el aspecto vocal como teatral, pleno de gracia y expresividad. Aquí la Fiorilla está muy bien interpretada por la soprano Graziella Sciutti, de buena presencia escénica, mostrando plenamente la psicología del personaje, resuelve bien los pasajes de coloratura y está magnífica en sus dúos con Selim y Don Geronio, donde podemos escuchar de nuevo a Franco Calabrese y contemplar su magnífica capacidad escénica.

En 1981, un jovencísimo Riccardo Chailly, dirige a la National Philarmonic Orchestra, en la segunda grabación estudio de esta ópera (edición crítica de Margaret Bent) grabada por CBS y reeditada por SONY, con un reparto de magníficos cantantes: Monserrat Caballé (Fiorilla), Samuel Ramey (Selim), Enza Dara (Don Geronio), Ernesto Palacio (Don Narciso), Leo Nucci (Prosdocimo) y Paolo Barbacini (Albazar). El problema de esta grabación es la interpretación de Caballé, quien ofrece su espléndida vocalidad, pero también su falta de capacidad para recrear a la joven y desenfadada Fiorilla, que en la voz de Caballé, se convierte en un personaje serio y maduro.

Caballé también tiene ciertos problemas en los complejos pasajes de coloratura. Sin embargo, si resultan magníficas las interpretaciones de Samuel Ramey y Enzo Dara, ambos están extraordinarios en su gran dúo del Acto II “D’un bell’uso di Turchia”. La grabación también tiene indudable interés por las intervenciones del tenor peruano Ernesto Palacio, una de grandes voces rossinianas del pasado siglo, impecable de estilo con gran dominio de las agilidades y un extraordinario registro agudo, en su página solista “Intesi, Ah tutto intesi”, ofreciendo imaginativas variaciones en la repetición de la cabaletta. Esta grabación también añade el aria de Albazar “A sarebbe troppo dolce”, no escrita por Rossini del Acto II , interpretada magníficamente por el tenor Paolo Barbacini. Excelente también Leo Nucci como el poeta Prosdocimo. Esta grabación completa se puede escuchar en YouTube.
El Festival de Pesaro, creado en 1980 para la recuperación de todas las óperas de Rossini, programó por primera vez Il turco in Italia, en 1983 (existe una toma en directo que puede escucharse completa en YouTube), con un reparto donde la soprano norteamericana Lella Cuberli realiza una excelente creación de Fiorilla, ofreciendo una voz lírica de bello timbre, incisivo fraseo, gran dominio del canto legato, una poderosa franja aguda y buena resolución de la coloratura, como demuestra en su gran escena del Acto II. La voz de Cuberli empasta muy bien con la del gran bajo norteamericano Samuel Ramey, ambos están magníficos en todos sus dúos, sobre todo el del Acto II “Credete alle femmine….In Italia certamente non si fa l’amor così”.

Un triunfal regreso al
Teatro de la Zarzuela
Lella Cuberli, también interpretó a Fiorilla en unas históricas representaciones de Il turco in Italia, que tuvieron lugar en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en 1990. La dirección escénica corría a cargo de Lluis Pascual, con escenografía del famoso Ezio Frigerio y diseño vestuario de su no menos famosa esposa Franca Squarciapino. Y, la dirección musical del gran Alberto Zedda, uno de los artífices de la recuperación del repertorio rossiniano. Esta producción de altos vuelos suponía la vuelta a Madrid de Il turco in Italia, después de ciento setenta años de ausencia. Aquí, incluso puede decirse que Cuberli se supera a si misma, con respecto a Pesaro, en todas sus intervenciones, destacando sobremanera en el extenso dúo “Per piacere alla signora”, con el gran Enzo Dara como Don Geronio, también los dúos de Cuberli con el bajo jamaicano de poderosa vocalidad Willard White interpretando a Selim y de la magnífica actuación del tenor norteamericano Franc Lopardo como Don Narciso. Alguna de estas funciones madrileñas fue tomada en directo, y los fragmentos más importantes se pueden escuchar, con bastante buen sonido en YouTube.

Cabe destacar la magnífica interpretación del personaje de Fiorilla realizadas por la soprano Lucia Aliberdi en el Festival de Pesaro de 1986, mostrando anchura vocal gran expresividad, muy poderosa franja aguda y un extraordinario dominio de la coloratura, cantando en su gran escena del Acto II, todas las variaciones escritas por Rossini. La acompaña un magnífico Ruggero Raimondi como Selim y, de nuevo, Enzo Dara realiza una gran interpretación de Don Geronio. Se puede ver-escuchar una toma en video tomada en aquellas representaciones, disponible completa en YouTube.

Cabe citar a varias cantantes que realizan excelentes interpretaciones de Fiorilla: la coreana Sumi Jo en la grabación de estudio editada por PHILIPS en 1991, que cuenta con el magnífico Selim del bajo-barítono Simone Alaimo y, sobre todo, cabe citar la presencia del tenor argentino Raúl Gimenez (Don Narciso), un magnífico cantante de gran expresividad que introduce por primera vez la cavatina del Acto I “Un vago sembiante”. Esta grabación (disponible completa en YouTube), está bien dirigida por Neville Marriner al frente de su orquesta La Academy of Saint Martin in de Field.

La soprano Mariella Devia, de prodigioso instrumento vocal y excelente capacidad escénica, cantó con cierta frecuencia el papel de Fiorilla, y cabe destacar su interpretación en una toma en video de 1997 (disponible completa en YouTube), muy bien dirigida por Riccardo Chailly al frente de la Orquesta del Teatro alla Scala. Ese mismo año 1997, y con la misma orquesta, Chailly dirigió una versión grabada en estudio por DECCA, que cuenta con la Fiorilla de extraordinaria vocalidad, interpretada por Cecilia Bartoli, junto a excelentes cantantes: Michele Pertusi (Selim), Alessandro Corbelli, (otro gran interprete rossiniano) como Don Geronio, quien interpreta, de manera brillantísima, el aria-cabaletta “Se ho da dirle, avrei molto piacere….Ah! sel nel mondo no vo della luna”, insertada en esta grabación, que también cuenta un Don Narciso de alta categoría interpretado por el tenor mexicano Ramón Vargas, quien ofrece su bellísimo timbre, depurada línea de canto y un buen dominio de las agilidades.

En los últimos diez años, es la soprano rusa Olga Peretyatko, quien ha cantado con mayor frecuencia el papel de Fiorilla, con una muy notable capacidad vocal e interpretativa, dotando al personaje de auténtico “sex appeal”, ya que se trata de una cantante muy bella y de estilizada figura. Cabe destacar su interpretación en el Festival de Aix en Provenza de 2014 (tomada en video de alta definición y disponible en YouTube), junto a un equilibrado reparto donde se conjugan juventud: Peretyatko junto a un excelente Selim interpretado por el bajo rumano Adrian Sâmpetrean (figura en uno de los repartos, de las representaciones que están teniendo lugar en el Teatro Real de Madrid) y el magnífico tenor norteamericano Lawrence Brownlee, con voces veteranas como el barítono Pietro Spagnoli (Prosdocimo) y el extraordinario Don Geronio interpretado por Alessandro Corbelli. Verdaderamente genial el dúo de Corbelli y Peretyatko “Per piacere alla signora”, donde la soprano rusa exhibe con generosidad sus bellas piernas. Otro de los atractivos de esta grabación, es el excelente sonido orquestal inmerso en ese característico estilo musical rossiniano de la orquesta Les Musiciens du Louvre – Grenoble, dirigida por su titular Marc Minkowski.

En esta grabación puede escucharse completa la edición crítica de Margaret Bent.

Il Turco in Italia llega de nuevo al Teatro Real de la mano escénica de Laurent Pelly
Llegamos a la producción que de Il Turco in Italia ha hecho esta temporada el Teatro Real, con una original y divertida escenografía del, siempre elegante, Laurent Pelly. Todas las escenas están protagonizadas por imágenes de fotonovelas de los años sesenta y setenta. Unas lecturas a las que su protagonista Fiorilla es, en esta producción, una gran apasionada. Fiorilla, mujer frivola y casquivana, quiere rememorar la vida de alguna de esas protagonistas que tanto admira.

Para este rol se ha contado con la joven voz de la soprano española Sara Blanch. Es la primera vez que abordaba este papel y le tocó, por indisposición de Lisette Oropesa, la responsabilidad del estreno. La Blanch posee un registro agudo muy notable y muy buenas agilidades, algo imprescindible para acometer este personaje. Muy bien estuvo en la parte interpretativa, dotando a Fiorilla de la picardía y glamour kich deseado por Pelly. Le faltó un poco de ese peso que otorga la experiencia para proyectar una voz con más personalidad y mejorar la zona central y los graves. Pero esto llegará, cualidades tiene de sobra.

A Fiorilla le dio la réplica el Selim interpretado por Alex Esposito. Este bajo-barítono italiano no tiene un instrumento muy brillante, pero sabe sacar partido a su voz y estuvo más que correcto en su actuación y dejó algunos buenos detalles. En la parte interpretativa es donde más se destacó, con momentos de gran comicidad.

A Don Geronio le ha dado vida el barítono georgiano Misha Kiria, que brilló y fue de los más celebrados por el público. Su presencia física y su vestimenta acompañaron la comicidad del personaje que generó los momentos más divertidos. Demostró tener control sobre el canto sillabato, sobre todo en el aria del segundo acto “ Se ho da dirla”. También destacó en la parte vocal. Dominó todos los aspectos de un personaje buffo.

El rol de Don Narciso es ligero y casi trivial, representa a un hobre pusilánime, pero el tenor uruguayo Edgardo Rocha ha llevado a Don Narciso a un nivel excesivo de nimiedad. Canta con gusto y pulcritud, pero empequeñeció al personaje.

La mezzosoprano italiana Paola Gardina cumplió con su rol de Zaida con corrección y sin histrionismos.

El que no resultó pequeño en la interpretación, sino todo lo contrario, fue Florian Sempey, como el poeta Prosdocimo. Resaltando la parte más cómica del personaje y abordando con solvencia los recitativos. Vocalmente estuvo a gran altura, con un buen control de las agilidadades, suficiente volumen y muy buen fraseo.

Nos quedamos con ganas de escuchar la partitura completa de Albazar, el personaje que interpretaba el tenor Pablo García-López, que cumplió con creces en sus breves intervenciones.

A pesar de lo divertido y enrevesado del argumento, y que estamos hablando de una ópera buffa, en lineas generales. resultó incluso aburrida. Tal vez tuvo que ver en este aburrimiento la dirección musical de baja intensidad de Giacomo Sagripanti. La orquesta sonó apagada, no solamente el pianoforte con el que Sagripanti acompañaba los recitativos y que apensas se escuchaba, se notaba falta de ritmo y en algunos momentos, sobre todo en los quintetos y sextetos, se podía apreciar distintos tempis.

La música de Rossini tiene su complejidad y requiere, sobre todo, de intérpretes y dirección verdaderamente rossinianos. Buen intento del Teatro Real, pero habrá que mejorarlo.

Texto: Diego Manuel García Pérez / Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real / Teatro Real

Coronis

El próximo sábado, 10 de junio, se ofrecerá, en versión de concierto, la única función de Coronis, zarzuela en dos actos atribuida a Sebastián Durón, producción del Teatro de Caen, coproducida con la Opéra-Comique de París, la Ópera de Lille, la Ópera de Rouen y la Ópera de Limoges, que se escuchará por primera vez en el Teatro Real.

Vincent Dumestre, uno de los grandes especialistas del repertorio de los siglos XVII y XVIII, estará al frente de Le Poème Harmonique, ensamble del que es fundador y prestigioso director.

Junto a ellos, un reparto de cantantes especializados en el repertorio barroco –con la soprano Ana Quintans, las mezzosopranos Isabelle Druet, Victoire Bunel,  Marielou Jacquard, Caroline Meng y Brenda Poupard y el tenor Cyril Auvity- dará vida a los personajes mitológicos de Coronis.

La historia se sitúa en la Tracia griega, en tiempos míticos, y gira en torno a la ninfa Coronis, a quien una profecía ha pronosticado que morirá ahogada en el mar Egeo. Su belleza ha seducido a Neptuno y al monstruo marino que está a su servicio, Tritón, quien intenta raptarla, pero es impedido por Apolo. El combate entre ambas divinidades -Apolo y Neptuno-, es el centro de la trama, que entrelaza historias de dioses y ninfas, trágicas y burlescas, en esta metafórica contienda desencadenada por la conquista del corazón de Coronis.

La partitura, atribuida al maestro de la Real Capilla de Madrid, Sebastián Durón, tras la rigurosa investigación de los musicólogos Raúl Arango y Antoni Pons, está considerada una de las obras más originales del repertorio lírico español del siglo XVIII por tratarse de una zarzuela enteramente cantada. En ella coexisten elementos de la tradición del teatro musical español del siglo XVII, en forma de tonadas, coplas y estribillos, así como registros estilísticos  de la tradición francesa e italiana, como arias estróficas, recitados, conjuntos animados y coros fastuosos.

Escrita en 1706, en plena Guerra de Sucesión, durante el reinado del rey Felipe V, el argumento de Coronis podría representar, de forma paralela y simbólica, la guerra entre dos dinastías por los territorios hispánicos.

Coronis se presentará por primera vez en el Teatro Real, en versión de concierto, en una producción rigurosa e históricamente documentada que representa el compromiso del Teatro Real con la recuperación y divulgación del patrimonio lírico español.

Teresa Berganza

El Teatro Real recuerda, en el primer aniversario de su muerte, a Teresa Berganza (1933 – 2022) –voz de referencia de la ópera en España y Patrona de Honor del coliseo madrileño-, con una exposición de sus trajes de concierto, que podrá visitarse en el Salón de Baile y en la séptima planta del Teatro Real a partir del 31 de mayo y hasta el mes de octubre.

La muestra es una retrospectiva de Teresa Berganza a través de sus vestidos, firmados por conocidas casas de moda en Europa.

Cuatro de las creaciones que vistió en el coliseo madrileño se podrán ver en la exposición: un diseño de Elio Berhanyer, en 1976; dos de Loris Azzaro, que lució en 1986 y 1997, y otro de Pierre Cardin, en 2013.

Completan la exhibición un vestido con etiqueta EISA (Balenciaga Madrid), que Teresa Berganza llevó en un concierto con la Societá del Quartetto di Milano en 1964; un diseño de Caruncho, con el que apareció en la portada del disco La del manojo de flores, de Sorozábal, en 1967; un traje de Pedro Rodríguez, que lució junto a la Sociedad de Música de S’Agaró en 1968; un vestido de Inés Higuera, con el que actuó en Tokio, en 1975, y otro más de Loris Azzaro, que vistió en el Auditorio Nacional de Madrid, en 1988, y en Viena, en 1989.

“En las modas de Teresa encontramos la evocación al influjo español, la voz libre de Carmen, miradas a la pintura barroca española y al estilo goyesco”, afirma Román Padín Otero, doctor en Arte Contemporáneo, comisario de la exposición y conservador del vestuario de concierto de Berganza.

La muestra se suma a los distintos reconocimientos que le ha dedicado el Teatro Real, como la Gala de homenaje para celebrar su 80 cumpleaños en 2013; la dedicatoria, tras su fallecimiento en 2022, de la primera edición de los Premios Teatro Real, y las 15 funciones de La Cenerentola, de Rossini, cuyo papel titular inmortalizó.

Fotografía: Javier del Real

Pablo García-López

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de Albazar, vuelve al Teatro Real, en esta ocasión con Il Turco in Italia, de Gioachino Rossini. La nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Ópera de Lyon y el New National Theatre Tokyo se estrena el próximo 31 de mayo y estará en cartel hasta el 12 de junio. Diez funciones donde el cantante cordobés compartirá escenario con Lisette Oropesa, Alex Esposito, Florian Sempey, Misha Kiria, y Edgardo Rocha, entre otros. Esta delirante comedia contará con la dirección de escena del reconocido y experimentado maestro de la comedia Laurent Pelly, y la dirección musical de Giacomo Sagripanti.

Estrenada originalmente el 14 de agosto de 1814 en la Scala de Milán, con libreto de Felice Romani, basado en el libreto de Caterino Mazzolà, este dramma buffo rossiniano en dos actos nos narra las desventuras de Selim, príncipe turco, cuando llega a Nápoles y flirtea con Fiorilla, casada con el mentecato Don Geronio.

Sobre su personaje en Il Turco in Italia Pablo García- López comenta “Es un gusto para mí volver al Teatro Real, y además es más especial si cabe porque la última vez que se representó Il Turco en Madrid, (teatro de la Zarzuela 1991), Albazar tuvo la voz de mi maestro Juan Luque”.

Pablo García-López, una carrera en alza
Tras su participación en Il Trittico, y en Les Nuits d’etè de Héctor Berlioz, Pablo García-López prosigue una temporada en la que su nombre figura en algunos de los títulos más comentados de los últimos meses, como Hadrian de Rufus Wainwright en el Teatro Real o el Orphée de Philip Glass a las órdenes del director de escena Rafael R. Villalobos en la nueva producción del Teatro Real y de Teatros del Canal o La Tarara/123, un recital junto a la pianista Rosa Torres-Pardo en el Teatro Villamarta de Jerez con canciones populares de Federico García López.

Como broche final a la temporada estival, el tenor recalará en el Festival Internacional de Krumlov para ofrecer un concierto junto a solistas españoles de la talla del guitarrista Rafael Aguirre, la soprano Beatriz Díaz junto a la Filarmónica de Praga, dirigida por Manuel Hernández-Silva.

Recientemente, la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba ha reconocido como académico Pablo García-López por su carrera artística y aportación al mundo de la cultura.

Premios Teatro Real

Esta noche ha tenido lugar la Gala Concierto de la segunda edición de los Premios Teatro Real, unos galardones que, en palabras de Gregorio Marañón, presidente de la institución, “representan el necesario reconocimiento que una sociedad desarrollada debe darle a la cultura y al arte, a la belleza y al talento, en nuestro caso, sobre un escenario lírico”.

La velada ha contado con Anne Igartiburu como maestra de ceremonias, y ha reunido en el escenario a grandes nombres como Ivor Bolton, Andrés Máspero y Fernando Palacios, premiados en el apartado institucional, y  Deborah Warner, Calixto Bieito y Anthony Roth Costanzo, en el artístico.

Gregorio Marañón ha entregado el primer premio de la noche al director musical de la institución, Ivor Bolton, uno de los responsables de la excelencia de la Orquesta Titular del Teatro Real, quien ha recibido el galardón en medio de una larga y cálida ovación del público asistente. Bolton ha dedicado el premio a su “querido Teatro Real” y “a la orquesta, a la que he visto evolucionar a lo largo de estos años hasta situarse hoy en día entre las mejores de Europa”.

Andrés Máspero, quien culmina, en la presente temporada, un recorrido profesional de trece años al frente del Coro Titular del Teatro Real, recibió su premio de manos de Matilde García Duarte, coordinadora general de la Alcaldía de Madrid, en representación del Alcalde de Madrid. Máspero ha tenido especiales palabras de elogio y cariño para los 51 componentes del Coro Titular, para sus colaboradores y para todos lo que hacen posible el trabajo cada día..

La catedrática, académica y patrona del Teatro Real, Begoña Lolo, entregó el tercer premio institucional a Fernando Palacios, asesor del Real Junior desde su creación, donde también ha colaborado como director, guionista e intérprete en diversos espectáculos. Palacios ha destacado el valor del premio por lo que representa como respaldo al proyecto educativo de la institución y a la creación de nuevos públicos que entren por esa puerta hacia  el futuro.

Llegaba entonces el momento de los Premios Artísticos. Dos directores de escena con personalidad indiscutible, Deborah Warner, vinculada al Real con la premiada producción Billy Budd y la conmovedora Peter Grimes, y Calixto Bieito, inolvidables sus propuestas en el escenario madrileño de Wozzeck, Die Soldaten, Carmen y El ángel de fuego. Recogieron el galardón de manos del director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, y de la patrona del Teatro Real y secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Guada, respectivamente.

Deborah Warner ha dedicado sus palabras a todo el equipo del Teatro Real por “hacer de este espacio el mejor lugar para trabajar, por el enorme cuidado hacia los artistas y el proceso creativo, por poner todos los medios a tu alcance y, a la vez,  hacerte sentir en familia”. “He sido extremadamente feliz trabajando aquí”, ha remarcado.

“La ópera es el arte del futuro” ha afirmado Bieito y, recogiendo las palabras de Warner, ha destacado la labor de todos los que forman el Real: “Nadie es capaz de hacer nada solo y aquí habéis creado un espacio de arte”

El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, hacía entrega del último premio al contratenor estadounidense Anthony Roth Costanzo –memorables sus interpretaciones de Apolo, en  Muerte en Venecia, o  Armindo,  en Partenope-  quien ha manifestado: “el Teatro Real me encanta, no sólo por la calidad de su música, del teatro y del arte, que hacen al nivel más alto, sino por las personas que están y son como una familia y te hacen sentir parte de ella”.

Tras sus palabras, salpicadas de enorme simpatía, y acompañado al piano por Bryan Wagorn, ha interpretado arias de y canciones de Georg Friedrich Händel, Franz Liszt, Fernando Obradors, George Gershwin y Philip Glass, que han puesto fin a una noche de emoción.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Giacomo Sagripanti

Giacomo Sagripanti lleva dirigiendo desde hace varias temporadas en algunos de los teatros españoles más importantes, desde el Palau de Les Arts de Valencia al Gran Teatre del Liceu de Barcelona –donde ha dirigido tres producciones–, pasando por el Teatro de La Maestranza de Sevilla, la Ópera de Oviedo y Abao Bilbao Opera. Ahora es el turno del Teatro Real de Madrid, a cuyo podio subirá de la mano de Rossini los días 31 de mayo y 1, 2, 3, 4, 6, 7, 9, 11 y 12 de junio para ponerse al mando de un nuevo montaje de Il turco in Italia, en coproducción con la Ópera de Lyon y el New National Theatre Tokyo, con la firma, en el apartado escénico, de Laurent Pelly.

El maestro Sagripanti, recientemente nombrado director titular de la Ópera Estatal de Tbilisi (Georgia), ha dirigido el pasado mes de marzo cinco funciones de la misma ópera rossiniana en la Staatsoper de Hamburgo, y asegura estar “expectante” ante su debut en el Teatro Real. “En mi carrera España ha sido un factor fundamental, habiendo ya dirigido en varios teatros y en las temporadas de la Simfònica de Balears y de la de Sevilla. Afortunadamente lo seguirá siendo en los próximos años. Siempre he sentido una gran cercanía y conexión con el público de ciudades como Barcelona, Bilbao, Valencia o Sevilla, sin olvidar a Oviedo o Palma. Allí me he encontrado con grandes artistas y con orquestas y coros de calidad”, confiesa el director nacido en Abruzzo. “Todo el mundo me ha hablado maravillas del Teatro Real y de sus profesionales, algo que he podido comprobar en estos días de ensayos. Debuto, además, en las mejores condiciones, en una nueva producción, con dos repartos extraordinarios y en un dramma buffo con una partitura complicada pero chispeante, con una ópera que habla de amor y celos, con situaciones cómicas, sarcásticas y trepidantes, al más puro estilo rossiniano. Una comedia de enredos escrita por un genio de solo 22 años y con un libreto, de Felice Romani, transgresor para su época”.

Para las diez funciones que dirigirá en el Teatro Real el maestro contará con dos repartos integrados por Lisette Oropesa y Sara Blanch (que se alternan como Fiorilla), Alex Exposito y Adrian Sampetrean (Selim), Edgardo Rocha y Anicio Zorzi Giustiniani (Don Narciso), Misha Kiria y Pietro Spagnoli (Don Geronio), Florian Sempey y Mattia Olivieri (Prosdocimo) y Paola Gardina y Olga Syniakova (Zaida), además del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la temporada 2022-23, el calendario de Giacomo Sagripanti –en el que se combina ópera y repertorio sinfónico–, lo ha llevado a la Wiener Staatsoper (Il Barbiere di Siviglia y Tosca), ABAO Bilbao Opera (I Puritani), Orchestra Sinfonica Siciliana (Brahms), Orquestra Simfònica de les Illes Balears (Berlioz, Stravinsky y Brahms), Teatro Petruzelli de Bari (La Traviata y un concierto con obras de Berlioz, Arcá y Shostakovich), Deutsche Oper de Berlín (Don Giovanni), Smetana Hall de Praga y Philarmonie de París (gala lírica con Pretty Yende y Nadine Sierra), Théâtre des Champs-Élysées de París (I Puritani), además de Il turco in Italia en Hamburgo y Madrid.

En lo que queda de temporada le espera Otello en el Teatro Petruzzelli de Bari.

En agosto dirigirá Il Trovatore con Anna Netrebko en el Teatro Colón de Buenos Aires e iniciará el próximo curso en septiembre con La Sonnambula en la Staatsoper de Viena, Beatrice di Tenda en el Teatro San Carlo de Nápoles y La Bohème y un concierto sinfónico con Brahms y Dvořák en el Teatro Petruzzelli y La Traviata en la Opéra National de Paris.

Para 2025 le espera su debut en el Metropolitan Opera de Nueva York, además de su regreso a teatros como el Liceu de Barcelona (La Cenerentola), a la Royal Opera House de Londres, al Festival Rossini de Pésaro y varios conciertos sinfónicos en España, Francia, Estados Unidos, Georgia e Italia.

Fotografía: Lorenzo Montanelli

La Piñona

Lucía Álvarez “La Piñona” no es una bailaora convencional. Lo demostró hace tres años, cuando pisó por primera vez el escenario de Flamenco Real y, ahora, con su nuevo espectáculo Desvaríos, desplegará un abanico de emociones con su arte personalísimo, en el mismo espacio, los días 31 de mayo y  1 y 2 de junio.

Sin influencia de tendencias o modas, sin exhibición banal de su excelente técnica o necesidad perentoria de trascender, La Piñona se mueve con libertad tanto en la ejecución de la danza, como en la creación de sus coreografías. Sobre las tablas quiere contar experiencias, vivencias y sentimientos, lo que la vida va transformando dentro de ella misma. Desvaríos es un punto de partida, un proyecto abierto en el que  va explorando su baile y sus límites, llevando el cuerpo tanto a su máxima expresión como al vacío absoluto, desde lo sensorial, lo intuitivo. Los «desvaríos» son piezas que van cambiando y mutando según lo hace la bailaora, así, cada «desvarío» es único e irrepetible. Esta propuesta apuesta por lo sencillo. Es salvaje, natural. Más que enseñar, es compartir un viaje por los sentidos, por el cuerpo y por el espacio de artistas y público.

La Piñona comparte estos desvaríos con la complicidad de tres excelentes músicos: Ezequiel Montoya y Jesús Corbacho en el cante, y Ramón Amador en la guitarra.

Estos Desvaríos nacen como parte del proceso creativo de su último trabajo Insaciable,  “un destape emocional, corporal y artístico” en el que Lucía Álvarez ‘La Piñona’ hurga en sí misma para exponerse tal y como es y que llevará durante este 2023 y 2024 a los principales escenarios y festivales flamencos nacionales e internacionales.

Sin raíces de estirpe flamenca, pero con una profunda afición, Lucía Álvarez “La Piñona”, nacida en Jimena de la Frontera (Cádiz), ha ido construyendo una sólida trayectoria en los principales tablaos, escenarios y festivales flamencos nacionales e internacionales, colaborando con grandes artistas como Arcángel, Esperanza Fernández o Manuel Liñán, y participando en compañías como el Ballet Flamenco de Andalucía.

Tras recibir en 2011 el Desplante en el 51 Festival de La Unión (Murcia), así como el Primer Premio de la Federación de Entidades Flamencas de Sevilla en 2009, la bailaora impulsa su carrera en solitario recibiendo el aval de la crítica y del público gracias a propuestas como Emovere, estrenada en el Festival de Jerez y con la que obtiene una candidatura en los premios MAX y dos nominaciones a los Premios LORCA; Recital, estrenada en el Festival Flamenco de Toulouse (Francia); Abril, que presentó en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2020 y en el 2022 Festival de Jerez con excelente acogida y el más reciente Insaciable, que llevará este 2023 y 2024 por los principales escenarios y festivales flamencos nacionales e internacionales. Además de proyectos diversos como la performance Flamenco Experimental. Rosario Escudero de Pedro G. Romero que desarrolla en museos.

Ahora, será el Salón de Baile del Teatro Real el escenario de esta nueva propuesta tan diferente como ella, Desvaríos.

Fotografía (c)JuanluVela

Il turco in Italia

Entre el 31 de mayo y el 12 de junio se ofrecerán 10 funciones de Il turco in Italia, de Gioachino Rossini, en una nueva producción del Teatro Real que se estrenará en su escenario y posteriormente se presentará en los teatros coproductores: la Opéra de Lyon y el New National Theatre Tokyo.

Laurent Pelly, gran maestro de la comedia y muy querido por el público del Teatro Real –donde ha dirigido La fille du régiment (2014), Hänsel und Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019) y Viva la Mamma! (2021)–, traslada la trama de la ópera al universo melodramático, previsible y dulzón de las fotonovelas de los años cuarenta.

Fiorilla, avispada y coqueta protagonista de la ópera, adicta a la lectura de folletines, imagina una historia de amor trepidante y rebosante de erotismo, con un turco galán y seductor (Salim), que ‘desembarca’ en su vida y la mete en una serie de embrollos libidinosos con las parejas de ambos, en un continuo y jugoso juego de disfraces, bajo el cual laten los grandes dilemas del alma.

De esta desenfrenada comedia de enredo se aprovecha el altanero y miserable poeta Prosdocimo, que la transforma en la trama de su nueva obra, pero pierde el control sobre los personajes, manejados, en realidad, por Fiorilla, mujer libre, feminista y atrevida, singular en el repertorio lírico del siglo XIX, donde triunfan las figuras femeninas trágicas y víctimas de un destino hostil.

De hecho, Il turco en Italia, decimotercera partitura en el catálogo operístico de Gioachino Rossini (1762-1868) -y escrita antes de las grandes óperas que lo consagraron-, merece ser reivindicada por la calidad de su música y la modernidad de los temas que subyacen bajo la estructura formal del libreto de Felice Romani (1788-1865): un autor busca a sus personajes -de manera antagónica a la de Luigi Pirandello, un siglo después- los atrapa, manipula y se mezcla con ellos, pero la indómita protagonista le roba el devenir de la historia, utilizando su libertad y dejándose llevar por las pulsiones amorosas, en las que, como en Così fan tutte, reside la ‘verdad’ en un mundo de convenciones y disfraces.

Laurent Pelly utiliza los códigos formales y estéticos de la telenovela como estructura narrativa de la ópera, en la que se suceden escenas burlescas, dramáticas, risibles o turbadoras como los fotogramas melodramáticos y convencionales de las revistas femeninas de los años 60, evocadas en la escenografía kitsch y vintage de Chantal Thomas y en los figurines concebidos también por Pelly.

En la partitura de Rossini, estrenada en La Scala en 1814, las escenas se suceden de manera trepidante, pasando de atmósferas apasionadas a sombrías, exaltadas a nostálgicas, dramáticas a burlescas. Todo fluye en una ópera en la que abundan las cavatinas y los números de conjunto -dúos, trío, cuarteto, quinteto-. La brillante y acerada orquestación atrapa a los personajes para llevarlos en su torrente musical, en el que destacan las bellas y virtuosas líneas de canto de los protagonistas, sobre todo en los momentos de intimismo e introspección.

Un doble reparto de excelentes voces e imprescindibles dotes actorales dará vida a los divertidos personajes de la ópera: las sopranos Lisette Oropesa, Sara Blanch y Sabina Puértolas (Fiorilla), los bajos Alex Esposito y Adrian Sampetrean (Selim), las sopranos Paola Gardina y Chiara Amarù (Zaida), los barítonos Misha Kiria y Pietro Spagnoli (Don Geronio), Florian Sempey y Mattia Olivieri (poeta Prosdocimo), y los tenores Edgardo Rocha y Anicio Zorzi Giustiniani (Don Narciso) y Pablo García-López (Albazar).

Giacomo Sagripanti debutará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, interpretando también al  fortepiano (instrumento de cuerda percutida, antecesor del piano, en boga en la primera mitad del siglo XIX) los recitativos.

Il turco in Italia se presentará por primera vez en el renovado Teatro Real, en una producción poética, burlesca y nostálgica, en la que la risa, el descaro y el patetismo de la comedia esconden los sentimientos y pasiones más profundos del alma.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

25 de mayo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: con Giacomo Sagripanti (director musical de Il turco in Italia), Laurent Pelly (director de escena

de Il turco in Italia), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Juan Lucas (musicólogo)

Participan: Pablo García-López (tenor), Susana García (soprano) y Riccardo Bini (piano)

31 de mayo – 31 de octubre | Teatro Real

Exposición de trajes de concierto de Teresa Berganza

Exposición con nueve trajes de concierto de Teresa Berganza, que recordarán a la gran mezzosoprano en el primer aniversario de su fallecimiento.

9 de junio, a las 19.30 horas | Canal Arte

Retransmisión en directo de Il turco in Italia

11 de junio, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala Principal

Domingos de cámara: solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Junio | Instituto Italiano de Cultura de Madrid

Encuentro: El metateatro en la ópera y dramaturgia italianas

Junio | Fundación SGAE

Ciclo de cine: El narrador a escena

16 de mayo a 15 de junio | Museo del Romanticismo

Microexposición y visita guiada

Microexposición de una tarjeta de visita firmada por Rossini y de una biografía de María Malibrán, que estrenó dicha ópera en Estados Unidos. Las visitas guiadas profundizarán en la vida de esta cantante y su familia.

Horarios en la web del Museo.

8 de julio | Museo Cerralbo

Concierto: Concierto de cumpleaños del XVII Marqués de Cerralbo, con repertorio de la época inspirado en sus viajes por Italia y Turquía

Nueva temporada Teatro Real

Dos mitos, uno griego (Medea según la tragedia de Eurípides) y otro medieval (Orlando furioso según el poema de Ariosto) presiden temáticamente la temporada 2023-2024 del Teatro Real.

Basadas en el mito de Medea se presentarán por primera vez en el Teatro Real las óperas homónimas de Luigi Cherubini y Marc-Antoine Charpentier. La primera, con un reparto estelar, inaugurará la temporada con una nueva producción escénica concebida por Paco Azorín y dirigida por Ivor Bolton. La segunda, llegará en una versión semiescenificada con William Christie, Les Arts Florissants y un elenco encabezado por Véronique Gens.

Inspiradas en el poema de Ariosto, se estrenarán tres obras también inéditas en la historia del Real: La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini, primera ópera conocida firmada por una compositora, que dirigirá escénicamente Blanca Li, junto a Aarón Zapico, en la parte musical; Orlando de Georg Friedrich Händel, en la que volverán a trabajar juntos Ivor Bolton y Claus Guth; y Orlando Paladino, de Joseph Haydn, en versión de concierto con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini.

La reivindicación del arte Arte Nuevo frente al Arte Viejo y la libertad del artista más allá de los preceptos académicos son otros dos vectores que entrelazan las óperas de la temporada: Medea, de Cherubini, es un alegato contra las formas rígidas del modelo ortodoxo de Händel en OrlandoRigoletto está basado en un texto de Victor Hugo que es una apología del Romanticismo contra el viejo arte neoclásico; y Los maestros cantores de Núremberg, de Wagner, defiende la libertad del artista frente a las normas y las tradiciones. Esta ‘comedia seria’, densa y luminosa traerá al Real grandes voces wagnerianas que actuarán bajo la batuta de Pablo Heras-Casado, en una nueva producción con puesta en escena de Laurent Pelly.

Dos de los títulos más populares de la temporada denuncian, a través de su dramaturgia, la violencia contra las mujeres: Rigoletto, en la concepción de Miguel del Arco, bajo la estela de la indignidad de los actos de ‘la manada’; y Madama Butterfly, en la aterradora producción de Damiano Michieletto, delata el turismo sexual -un intermediario vende una joven japonesa a un americano desconocido. Ambos títulos, con tres y cuatro elencos, congregarán en el Real a algunas de las mejores voces del mundo, bajo la batuta precisa y envolvente de Nicola Luisotti.

Dos excelentes óperas -también inquietantes y hondas- se estrenarán en España, con producciones de gran calado. La pasajera, de Mieczysław Weinberg -con la puesta en escena icónica de David Pountney y bajo la batuta de la prestigiosa directora Mirga Gražinyté-Tyla– es una partitura estremecedora y dolorosa que cuenta el viaje hacia Brasil de dos mujeres -una antigua carcelera de la Stasi y otra judía presidiaria- que aspiran a huir de su pasado, en el que están atrapadas.

La segunda, Lear, de Aribert Reimann, cuya música trágica, brutal y estridente nace de la esencia del drama shakesperiano, llegará al Real con la sobrecogedora producción dirigida por Calixto Bieito para la Ópera de París, en la que los instintos más básicos se encuentran a flor de piel y dominan a los personajes hasta llevarlos a la gran masacre final. La dirección musical será de Asher Fisch, que obtuvo un gran éxito con Capriccio, en el Real, en 2019.

Otro estreno en España será Halka, de Stanisław Moniuszko, una de las óperas polacas más populares, representante del nacionalismo romántico centroeuropeo, con un elenco encabezado por Piotr Beczala y Corinne Winters junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Łukasz Borowicz.

Dos mujeres solas, perturbadas y heridas afrontan el dolor, la rabia y la soledad con lenguajes estéticos y musicales muy distintos, unidos por la esencia de su drama interior. Ermonela Jaho protagonizará La voz humana, de Francis Poulenc, con libreto de Jean Cocteau; y Malin Byström interpretará el drama psicológico de Ewartung (La espera), de Arnold Schönberg, sobre un texto de Marie Pappenheim. Descubrirán sus personajes de la mano de Christof Loy, responsable de la puesta en escena y el director musical Jérémie Rhorer.

Otra obra que da voz a una mujer sola es Pierrot Lunaire, que Arnold Schönberg compuso sobre los poemas simbolistas de Albert Giraud, revolucionando el lenguaje musical del siglo XX. En el Teatro de la Abadía la obra será protagonizada por el contratenor Xavier Sabata, que firma también la dramaturgia, actuando con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Jordi Francés.

En el marco de su compromiso con la creación operística en España, se estrenará mundialmente La Regenta, tercera ópera de María Luisa Manchado Torres, creada mano a mano con Amelia Valcárcel (libreto), en la que los temas fundamentales y universales de la obra de Clarín se asocian a una variada gama de leitmotivs, que fluyen y se entrelazan al servicio del drama. Bárbara Lluch será la responsable de la puesta en escena y Jordi Francés, de la dirección musical.

La segunda ópera española es Tenorio, de Tomás Marco que se presentará por primera vez en versión escénica, en una creación de la Agrupación Señor Serrano, con dirección musical de Santiago Serrate. La obra actualiza el mito de Don Juan a través de las figuras de doña Inés, doña Ana y Lucía, mientras un cuarteto de madrigalistas asume diversos personajes y comenta la acción, conformando, con el grupo de cámara, el continuo vocal-instrumental que sostiene la obra.

Una ópera, una zarzuela y una opereta en versión de concierto, con orquestas invitadas, completan la programación. Carmen, de Georges Bizet, en la singular lectura de René Jacobs al frente de B’Rock y el Choeur de Chambre de Namur, con Gaëlle Arquez en el papel titular; Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba, protagonizada por Elīna Garanča, con la Orquesta de Sinfónica de Gran Canaria bajo la dirección de Karel Mark Chichon; y El murciélago, de Johann Strauss, con Marc Minkowski, Les Musiciens du Louvre y el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana.

Fotografía: LA PASAJERA © Karl Foster |Bregner Festspiele

TEMPORADA DE ÓPERA 

Nuevas coproducciones

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Producciones invitadas

 

 

Versiones

semiescenificadas  

 

 

Versiones de

concierto 

 

 

Medea*, de Luigi Cherubini | Estreno en el Teatro Real

La regenta*, de María Luisa Manchado Torres | Estreno absoluto | Estreno en el Teatro Real | Naves del Español en Matadero

Orlando, de Georg Friedrich Händel | Estreno en el Teatro Real

Rigoletto*, de Giuseppe Verdi

La pasajerade Mieczysław Weinberg | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

La voz humana, de Francis Poulenc / Ewartung (La espera), de Arnold Schönberg | Estreno en Madrid (versión escénica) | Estreno en el Teatro Real

Tenorio*, de Tomás Marco | Estreno absoluto en versión escénica | Estreno en el Teatro Real

Los maestros cantores de Núremberg*, de Richard Wagner

La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real  | Teatros del Canal

Lear, de Aribert Reimann | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Madama Butterfly, de Giacomo Puccini

Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg | Teatro de la Abadía

 

Rappresentatione di anima et di corpo, de Emilio de’ Cavalieri | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Medea, de Marc-Antoine Charpentier| Estreno en el Teatro Real

Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba

Orlando paladino, de Joseph Haydn | Estreno en el Teatro Real

Halka, de Stanisław Moniuszko| Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Il ritorno d’Ulisse in patria, de Claudio Monteverdi

El murciélago, de Johann Strauss | Estreno en el Teatro Real

Dido & Aeneas, de Henry Purcell

Carmen, de Georges Bizet

*Estreno de la producción en el Teatro Real.

De los 21 títulos de ópera hay 5 estrenos en España, 2 estrenos de óperas españolas (1 estreno absoluto), 9 son nuevas coproducciones (5 de las cuales se estrenan en el Teatro Real), 13 títulos que nunca se presentaron en el Teatro Real, 3 son producciones invitadas de otros teatros; 2 óperas en versión semiescenificada y 7 en versión de concierto.

ESTRENOS EN ESPAÑA: Lear, de Aribert Reimann, La pasajera, de Mieczysław Weinberg; La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini; Rappresentatione di anima et di corpo, de Emilio de’ Cavalieri y Halka, de Stanisław Moniuszko.

TÍTULOS QUE SE PRESENTAN POR PRIMERA VEZ EN LA HISTORIA DEL TEATRO REAL: Rappresentatione di anima et di corpo, de Emilio de’ Cavalieri; La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini; Medea, de Marc-Antoine Charpentier; Orlando, de Georg Friedrich Händel; Orlando paladino, de Joseph Haydn; Medea, de Luigi Cherubini; Halka, de Stanisław Moniuszko; El murciélago, de Johann Strauss; La voz humana, de Francis Poulenc; Lear, de Aribert Reimann; La pasajera, de Mieczysław Weinberg; Tenorio, de Tomás Marco; La Regenta, de María Luisa Manchado Torres.

Tres producciones se ofrecerán en OTROS TEATROS DE MADRID: el estreno mundial de La Regenta tendrá lugar en Naves del Español en Matadero; Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg, se presentará en el Teatro de la Abadía; y la nueva producción de La liberazione de Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini, se ofrecerá en los Teatros del Canal.

La ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL (Orquesta Sinfónica de Madrid) interpretará la mayoría de las producciones y conciertos de la próxima temporada, en la que destacan, además de su director musical, Ivor Bolton -responsable de Medea, de Luigi Cherubini, y Orlando, de Georg Friedrich Händel-, Nicola Luisotti -que volverá para Rigoletto y Madama Butterfly– y Pablo Heras-Casado, que dirigirá Los maestros cantores de Núremberg, su quinto título de Wagner en el Real.

Volverán Asher Fisch (Lear) después del éxito de su Capriccio (2018); Jérémie Rhorer (La voz humana/Ewartung (La espera), que dirigió La flauta mágica en 2000; Jordi Francés, que dirigirá La Regenta y Pierrot Lunaire; y debutará en el Real la reconocida directora Mirga Gražinytė-Tyla (La pasajera).

Junto a ellos muchos otros nombres entre los que destacan los directores adscritos a las INTERPRETACIONES HISTORICISTAS como William Christie, René Jacobs, Marc Minkowski, Lionel Meunier, Giovanni Antonini o Maxim Emelyanychev, que vendrán con sus agrupaciones. [Ver listado en la página 17]

A partir de la próxima temporada José Luis Basso asumirá la dirección del CORO TITULAR DEL TEATRO REAL, sucediendo a Andrés Máspero, que ha realizado esta función desde 2010.

La próxima será la temporada con MAYOR NÚMERO DE ARTISTAS ESPAÑOLES EN TODA LA HISTORIA DEL TEATRO REAL: 10 directores musicales, 8 directores de escena y una larga nómina de cantantes, además de escenógrafos, figurinistas, iluminadores, etc. Este incremento refleja la calidad y prestigio de los artistas nacionales, a quienes el Teatro Real reconoce, apoya y estimula con orgullo.

PROGRAMACIÓN DE DANZA

El BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE, debutará en el Teatro Real con dos coreografías de su director, el belga Sidi Larbi Cherkaoui: Faun (música de Claude Debussy y Nitin Sawhney) retrata el encuentro carnal y el diálogo de dos criaturas míticas; y Ukiyo-E, (música de Szymon Brzóska y Alexandre Dai Castaing) se desarrolla sobre un escenario de escaleras y estructuras laberínticas donde los bailarines sugieren imágenes de un mundo flotante.

El BALLET NACIONAL DE ESPAÑA, dirigido por Rubén Olmo, ofrecerá en el Teatro Real el estreno absoluto de Afanador, espectáculo creado a partir de las imágenes del fotógrafo colombiano Ruvén Afanador, con música de Cristóbal Saavedra y coreografía de Marcos Morau & La Veronal, que se proponen crear, a partir de la mirada del fotógrafo, «un trabajo de respeto y fascinación, como un diálogo que hibrida dos lenguajes en busca de un nuevo universo».

Finalmente, la compañía de Múnich BAYERISCHES STAATSBALLETT traerá al Teatro Real La bayadera (música de Ludwig Minkus), fábula orientalista que Marius Petipa transformó en una de sus más célebres creaciones y que Patrice Bart coreografió en 1998 para la compañía alemana, siendo desde entonces una de sus obras de referencia.

Compañías de

danza

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE | Debut en el Teatro Real

Faun

Música de Claude Debussy y Nitin Sawhney

Coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui | Estreno en el Teatro Real

Ukiyo-E

Música de Szymon Brzóska y Alexandre Dai Castaing

Coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui | Estreno en el Teatro Real

11 octubre – 14 octubre | 4 funciones

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA

Afanador | Estreno absoluto

Música de Cristóbal Saavedra

Coreografía de Marcos Morau & La Veronal, Lorena Nogal,

Shay Partush y Jon López

9 febrero – 11 febrero | 4 funciones

BAYERISCHES STAATSBALLETT, BALLET DE MÚNICH | Debut en el Teatro Real

La bayadera, música de Ludwig Minkus con adaptación de Maria Babanina.

Coreografía de Patrice Bart | Estreno en el Teatro Real

30 mayo – 2 junio | 5 funciones

PROGRAMACIÓN DE CONCIERTOS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por 5 conciertos líricos con orquesta protagonizados por algunas de las voces más representativas de la actualidad: Franco Fagioli (Barroco y Mozart), Sondra Radvanovsky (escenas finales de las tres reinas de las óperas de Donizetti), Lise Davidsen (arias románticas), Nadine Sierra y Pretty Yende (arias y dúos) y Nina Stemme (obras de Wagner con dirección de Gustavo Gimeno).

Completan la oferta los 7 conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA; dos conciertos ofrecidos por la Fundación Amigos del Teatro Real-uno con el pianista Javier Perianes y tres funciones De Broadway al Real con la cantante Liz Callaway y el pianista Alex Rybeck y, como cada año, el concierto de los galardonados en el Concurso Tenor Viñas.

Voces del Real

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Conciertos de la Fundación Amigos del Teatro Real 

 

 

Domingos de Cámara

 

Concierto del Concurso Viñas

Franco Fagioli

Mozart and Castrati, Lasciate mi Cantare!

Capella Cracoviensis | Jan Tomas Adamus (dirección y pianoforte)

Sondra Radvanovsky

Las tres reinas: escenas finales de Anna Bolena, Maria Stuarda

y Roberto Devereux, de Donizetti

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real | Riccardo Frizza

Lise Davidsen

Obras de Verdi, Beethoven, Strauss y Wagner, entre otros

Orquesta Titular del Teatro Real | José Miguel Pérez-Sierra

Nadine Sierra y Pretty Yende

Orquesta Titular del Teatro Real | Pablo Mielgo

Nina Stemme. Obras de Richard Wagner

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real | Gustavo Gimeno

De Broadway al Real [3 funciones]

Liz Callaway, cantante

Alex Rybeck, piano

Javier Perianes: En torno a “Goyescas”, de Enrique Granados

 

Conciertos protagonizados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

con programas relacionados con las óperas de la temporada.

Concierto con los finalistas del Concurso Tenor Viñas 2023

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos y talleres presenciales con formatos y temas muy diversos destinados a estudiantes y al público general.

Merece una mención especial REALÍZAT-e, la recién creada plataforma audiovisual educativa del Teatro Real, que ofrece cursos online diseñados exclusivamente para ese soporte con profesores, profesionales de las artes escénicas y expertos de gran prestigio.

Para el programa La ópera al descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en Orlando (octubre), Rigoletto (noviembre), Los maestros cantores de Núremberg (febrero) y Madama Butterfly (mayo).

En esta edición serán 6 los Cursos relacionados con la temporada: Comprender a Verdi: Rigoletto; Los ballets de Petipa: canon y vanguardia; Ópera y mito; Flamenco: de lo sinfónico a la actualidad; Aprender a escuchar ópera; y Ópera y censura. Se ofrecerán 2 cursos de Historia de la óperaCapitulación y triunfo: la música del héroe y el antihéroe en las óperas de la temporada del Teatro Real e Historia de las voces de la ópera– y 1 Curso de Protocolo y organización de eventos enmarcado en los Cursos sobre Artes escénicas y gestión cultural.

Paralelamente a los títulos de la temporada se ofrece un ambicioso programa de ACTIVIDADES PARALELAS –ciclos de cine, exposiciones, conciertos, conferencias, cursos, mesas redondas, talleres, visitas guiadas, actividades infantiles, etc.- organizadas por el Teatro Real en colaboración con 15 instituciones culturales [ver lista completa en la página 21]

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer. La próxima temporada se organizarán 4 Preestrenos Jóvenes para menores de 36 años y seguirán las ventajas y descuentos en la compra de localidades a través de la Butaca Joven o de las localidades de Último Minuto.

La SEMANA DE LA ÓPERA, con sus retransmisiones y actividades populares para la divulgación de la ópera, y la CARROZA DEL REAL, un escenario ambulante siempre preparado para ofrecer conciertos líricos en distintos lugares del país, son dos de los proyectos más destacados enmarcados en el programa TEATRO REAL CERCA DE TI.

Además de su programación artística, el Teatro Real sigue afianzando el diálogo con otros tipos de música, coproduciendo en los meses estivales el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL y, a lo largo de la temporada, las actuaciones de FLAMENCO REAL en su salón de baile y en giras internacionales por todo el mundo.

REAL TEATRO DE RETIRO

La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se ofrecen desde el pasado mes de abril en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades: 242 funciones dentro de la programación de El Real Junior: 96 funciones para centros escolares y 146 funciones familiares (incluyendo 9 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro! (antes llamados ¡Todos a la Gayarre!) con 2 sesiones cada uno.

Se ofrecerán 4 óperas y una opereta en formatos muy diversos: El barbero de Sevilla, de Rossini (ópera estudio) y Amahl y los visitantes nocturnos, de Gian Carlo Menotti (en versión semiescenificada), ambas con cantantes y pianistas del proyecto Crescendo; El que dijo sí, de Kurt Weill y Bertolt Brecht (ópera didáctica), Hansel & Gretel, de Humperdinck, y la opereta cómica La idea, de Gustav Holst, en el 150 aniversario de su nacimiento.

Vuelven los títeres con la compañía Etcétera, esta vez con Andersen, El patito feo, para niños a partir de 3 años, y también dos espectáculos de circo y teatro: Suena… ¡El circo! (a partir de 5 años) y Peter & Wendy rumbo a Nunca Jamás con producción de LaJoven (a partir de 8 años).

Habrá espectáculos de danza para niños pequeños –Vivo Vivaldi (6 años), Va de Bach (4 años)- y, por primera vez, Flamenco Emergente, actuaciones con jóvenes artistas premiados en el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, 2023 para todos los públicos a partir de 10 años.

Por primera vez, se presentarán dos obras de teatro con producción de LaJoven y Fundación Teatro Joven, ambas para mayores de 12 años: Rebelión en la granja, un estreno absoluto a partir de la novela de George Orwell, y Para acabar con Eddy Bellegueule, basada en la novela de Édouard Louis.

También habrá cine con música en vivo acompañando a películas muy divertidas de Buster KeatonEl moderno Sherlock Holmes y Las aventuras del príncipe Achmed, con producción de Cafe Kino y Agrupación Casperverk.

Finalmente se ofrecerán Conciertos de Navidad y de Verano, muy festivos y alegres, con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y su Camerata de Cuerdas, ambos con dirección de Lara Diloy.

Además de la programación artística de El Real Junior, en el REAL TEATRO DE RETIRO se desarrolla el proyecto LÓVA (La ópera, un vehículo de aprendizaje) en colaboración con centros escolares de toda España, Aprendanza 23, otras propuestas formativas para el profesorado, talleres para público escolar, la creación colectiva intergeneracional (MI= Memoria Intergeneracional) del colectivo MOVE-arte para todos y los ensayos semanales con jóvenes de distintas sensibilidades que tocan juntos en la Agrupación Musical Inclusiva (AMI), que ofrecerá también un concierto al final de la temporada.

EL REAL JUNIOR | REAL TEATRO DE RETIRO

Música y títeres

Todos los públicos

a partir de 3 años

 

Andersen, el patito feo | Música de Jordi Cornudella (1989)

Coproducción de Etcétera y Centro Federico García Lorca

Escena, títeres y vídeo: Enrique Lanz. Dramaturgia: Yanisbel Victoria Martínez

Mutra Ensemble

Concierto escénico circense

Todos los públicos

a partir de 5 años

Suena… ¡El circo! | Música de Julius Fucík, Henri Mancini, Jacques Offenbach, Nino Rota y Aram Khachaturian

Basado en La historia de Felipe de Wolfgang Hartmann

para piano, trombón, percusión, narradora y malabarista

Danza

Todos los públicos

a partir de 6 años

 

 Vivo Vivaldi | Música de Antonio Vivaldi

Una coproducción de Teatro Español y 10&10 Crea S.L., con la colaboración del Centro Coreográfico Canal

10&10 Narváez y Mónica Runde

Ópera estudio

Todos los públicos

a partir de 8 años

 

El barbero de Sevilla | Música de Gioachino Rossini

Nueva producción del Real Teatro de Retiro, en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla

DM: Rubén Sánchez Vieco. DE: Rita Cosentino

Intérpretes del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

Teatro

Todos los públicos

a partir de 12 años

 

Rebelión en la granja

Basado en la novela de George Orwell

Nueva producción de LaJoven y Fundación Teatro Joven

DE: José Luis Arellano García. Elenco y equipo artístico: LaJoven

Concierto con orquesta

Todos los públicos

 Concierto de Navidad

Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM)

DM: Lara Diloy

Ópera en versión semiescenificada

Todos los públicos

 

Amahl y los visitantes nocturnos | Música y libreto de Gian Carlo Menotti

Nueva producción del Real Teatro de Retiro

Intérpretes del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

Joven Camerata y Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM)

DM: Lucía Marrín. DE: Beatriz Jaén

Opereta cómica

Todos los públicos

a partir de 7 años

 

La idea | Música de Gustav Holst y libreto de Fritz Hart

DM y piano: Francisco Soriano. DE: Susana Gómez

Pequeños Cantores de la JORCAM

Ópera didáctica

Todos los públicos

a partir de 12 años

 

El que dijo | Música de Kurt Weill y libreto de Bertolt Brecht

Nueva producción del Real Teatro de Retiro, con la colaboración del Espacio Turina y Goethe-Institut Madrid

DM: Juan García Rodríguez. DE: Cristina Cubells

Intérpretes del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real y solistas del Coro de la Comunidad de Madrid. Ensemble Zahir

Teatro

Todos los públicos

a partir de 12 años

 

Para acabar con Eddy Bellegueule

Basada en la novela de Édouard Louis Adaptación de Pamela Carter

Producción LaJoven y Fundación Teatro Joven

D: José L. Arellano García. Reparto: Julio Montañana Hidalgo y Raúl Pulido Jordá

Cine con música en vivo

Todos los públicos

a partir de 6 años

 

El moderno Sherlock Holmes | Las aventuras del príncipe Achmed

Producción de Cafe Kino

Agrupación Casperverk

Danza

Todos los públicos

a partir de 4 años

 

Va de Bach | Música de Johann Sebastian Bach

Producción de Aracaladanza, en coproducción con el Real Teatro de Retiro

Creación y dirección Enrique Cabrera

Teatro | Circo

Todos los públicos

a partir de 8 años

 

 

Peter & Wendy rumbo a Nunca Jamás

Texto de Nando López, basado en la obra Peter and Wendy, de J. M. Barrie

Coproducción LaJoven, Fundación Teatro Joven y Teatro Circo Price

D: José Luis Arellano García.

Flamenco

Todos los públicos

a partir de 10 años

Flamenco emergente

Colaboración con el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid

Intérpretes: artistas premiados del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, 2023

Ópera

Todos los públicos

a partir de 8 años

 

Hansel & Gretel | Música de Engelbert Humperdinck

Producción de Yotumi Kids y ABAO Bilbao Ópera

DM y piano: Cristina Presmanes. DE y dramaturgia: Pedro Chamizo

Concierto con orquesta

Todos los públicos

 

Concierto de verano
DM: Laura Diloy

Joven Camerata de Cuerdas de la JORCAM

Concierto con orquesta

Todos los públicos

 

Concierto agrupación música inclusiva (AMI)

DM: Francisco Borro y Jesús Alonso
Intérpretes: jóvenes que participan en el proyecto

Ciclo de talleres para toda la familia¡Todos al Real Teatro!

18 talleres de introducción a la música para familias con Fernando Palacios

Tristán e Isolda

Tristán e Isolda de Richard Wagner (1813-1883)

Ópera en versión de concierto semiescenificada. Acción en tres actos

D. musical: Semyon Bychkov. D. coro: Andrés Máspero

Reparto: Catherine Foster, Andreas Schager, Franz-Josef Selig, Ekaterina Gubanova, Brian Mulligan, Neal Cooper, Jorge Rodríguez-Norton, Alejandro del Cerro y David Lagares.

Teatro Real de Madrid 6 de mayo de 2023.

No hay una temporada en el Teatro Real sin su Wagner, y esta vez le ha tocado el turno a Tristán e Isolda. Lo ha hecho en versión semiescenificada, en mi opinión, la mejor forma de ofrecer esta ópera. Los cantantes interactúan lo justo y nada distrae de lo verdaderamente importante, la música. No es una obra que requiera de grandes alardes escénicos, son pocos los personajes y onírico el ambiente que la envuelve, por lo que es un acierto esta manera de ofrecerla.

En una carta dirigía a Listzt en 1854, Wagner se expresaba de este modo: “Ya que no he conocido en vida la verdadera felicidad del amor, quiero levantar un monumento al más bello de los sueños, en el cual ha de satisfacerse, de principio a fin, ese amor”. Esta idea, fruto del tormentoso amor entre Wagner y Mathilde Wessendonck, influyó en distintas obras del compositor alemán, sobre todo en Tristán e Isolda.

La obra comienza con un acorde de tres notas en un registro grave y ascendente de los violonchelos al unísono. Un acorde que se desarrolla a lo largo de la obra y que solo se resuelve al final, con la muerte de Isolda (spoiler).

La muerte por amor resuelve la disonancia. Se crea así un tratamiento armónico único, nunca escuchado, que cambia desde ese momento los planteamientos de la estructura musical. Es el llamado ”acorde Tristán”, que impulsa siempre la música hacia adelante, en una envolvente infinita que apenas se relaja en un par de interludios. La riqueza armónica y el viaje inagotable que propone el compositor solo finaliza en el último momento.

Wagner catalogó Tristán como acción/trama, o Handlung. Esta obra no se basa en ningún acontecimiento histórico, sino en momentos y personajes mitológicos. Se pueden distinguir dos tramas o dos mundos distintos, el mundo real o racional, al que pertenecen los personajes de Brangäne, Kurwenal, Melot y el Rey Marke, y el mundo interior, el de los sueños y el amor en el que viven Tristán e Isolda. Es este mundo interior el que mejor describe Wagner en su partitura, situando siempre el plano de la realidad al final de cada acto. El resto de la obra pertenece a los sueños de sus protagonistas.

Y si el acorde principal de esta ópera es infinito, también lo son los movimientos pausados de su director musical Semyon Bychkov. El gesto siempre templado y seguro del director musical, atendía a cada una de las entradas de la orquesta y de los cantantes. Hizo que la orquesta sonara como pocas veces. Con un sonido limpio y transparente, con un cuidado equilibrio en los metales y las cuerdas. Ese gesto suave y envolvente, que parecía que le hacía avanzar en el mar de música sin dificultades, sin brusquedades ni aspavientos. Toda una lección de capacidad y conocimiento de la obra y de los tiempos.

Habituales de Festivales como Leipzig y Bayreuth, el cuadro de voces que se han reunido en el Real, han demostrado su calidad y conocimiento de canto wagneriano.

Para el rol de Isolda estaba anunciada Ingela Brimberg, que fue sustituida por Catherine Foster. No se como habría resultado Brimberg, pero la británica, que tiene una larga trayectoria wagneriana, ha sido una Isolda enorme. Tiene una voz lírica rebosante, un agudo pleno, lleno de metal y brillo. Su emisión es limpia, controlada, segura, sin asperezas. Supo dotar al personaje de la furia inicial para transformarlo en romanticismo e ingenuidad al final. Una brillante Isolda.

Tristán ha sido interpretado por el tenor alemán Andreas Schager, conocido y apreciado en este Teatro y otro wagneriano de pro. Se encuentra en un momento pletórico de voz, con ese metal en sus agudos y zona central. Sobre el escenario es incansable, lo da todo siempre. Venía de interpretar la tetralogía en Berlín pero su voz parece no necesitar descanso. Afronta toda la obra con la misma intensidad sin que su voz ni su fraseo se fatiguen.

El irlandés Brian Mulligan nos regaló un Kurwenal lleno de nobleza y fidelidad a Tristán. También en lo vocal se puso apreciar la nobleza, con su timbre limpio y agudo demostró esas cualidades, tanto en los momentos de exaltación heroica como en los más dramáticos.

La rusa Ekaterina Gubanova fue una espléndida Brangane. Siempre elegante, con abundante caudal, fraseo limpio y seguro y esas tonalidades oscuras que tanta personalidad aportan al personaje.

el bajo alemán Franz Josef Selig, también muy conocido por el público, volvió a interpreta el rol de rey Marke. Su presencia escénica, como la oscuridad y profundidad de du timbre, visten a la perfección el personaje. Escenicamente tuvo momentos de especial brillo, sobre todo en la emoción que supo trasmitir en la muerte de Tristán.

Neal Cooper estuvo acertado en su interpretación de Melot, un personaje astuto bien delineado por el tenor británico a través de su voz acerada.

La representación española estuvo a cargo de Alejandro del Cerro, Jorge Rodríguez Norton y David Lagares que estuvieron a una gran altura en medio de este impresionante reparto.

Un acierto esta programación de Tristán e Isolda, un regalo convertido en acontecimiento por el reparto y por un Semyon Bychkov que obró el milagro.

Texto: Paloma Sanz

Fotografía: Javier del Real/Teatro Real

Tamara Rojo

El próximo 10 de mayo regresa al Teatro Real el English National Ballet con la nueva versión del ballet Raymonda, coreografiado y dirigido por Tamara Rojo, convertido ya en una de las propuestas más interesantes del repertorio de la compañía, desde su estreno en enero de 2022.

Tamara Rojo reescribe el clásico de Marius Petipa y Alexandre Glazunov -estrenado en el Teatro Mariinski de San Peterburgo en 1898- trasladando la acción de la Edad Media al siglo XIX, de las Cruzadas a la guerra de Crimea (1853-1856), de los salones al campo de batalla. Raymonda se convierte en una mujer con personalidad propia, ideales e iniciativas, también con fuertes sentimientos, pero con la capacidad de tomar sus propias decisiones y ser dueña de su propio destino. De esta manera, Rojo construye una línea narrativa más dramática, dando a la historia un contenido que la hace más comprensible al espectador de hoy en día.

La historia comienza en Inglaterra, en 1854. Raymonda, en la comodidad de su casa familiar, lee los informes diarios que los periódicos publican del frente y anhela hacer algo para aliviar el sufrimiento que describen. Decide huir de su cómoda vida y convertirse en enfermera en el campo de batalla. Allí se compromete con un soldado, John de Bryan, pero pronto siente algo por su amigo Abdur, líder del ejército otomano, aliado de los británicos. La confusión crece a su alrededor y en su interior pensando en la decisión que debe tomar, entre su vocación y los impulsos de su corazón, sin saber a quién se entregará.

Para la construcción de este nuevo personaje femenino, la coreógrafa se ha inspirado en el espíritu pionero de Florence Nightingale y en las mujeres que apoyaron el esfuerzo bélico en Crimea. Era la primera vez que se permitía a las mujeres servir oficialmente en el ejército y la producción, arropada por la escenografía y los figurines de Antony Macdonald y las imágenes del diseñador de vídeo Alexander Gunnarsson, muestra un relato casi documental de la época a través de la dramaturgia de Lucinda Coxon.

La coreografía ha intentado conservar una gran parte del original de Petipa (sus solos icónicos, la riqueza y dificultad de sus variaciones) haciendo de esta joya del ballet clásico más “una reinterpretación que una nueva creación”, adaptándola a la condiciones físicas, técnicas y expresivas de los intérpretes de la danza clásica actual. En esta línea, la presencia masculina está más desarrollada, dando la oportunidad al bailarín de exhibir sus dotes atléticas, y las danzas folclóricas tradicionales se han fundido en una concepción única.

Gavin Sutherland, director musical del ENB, ha reorquestado partes de la partitura de Alexander Glazunov para adaptarlas a la nueva dramaturgia. Así, se reorganizan algunos números, introduce instrumentos tradicionales húngaros y transforma en notas más intimistas y tristes acciones tradicionalmente alegres (como el segundo vals, que cede su alegría a una cadencia que recuerda a los soldados caídos), sin renunciar a la riqueza melódica. En las funciones que se verán en Madrid, Gavin Sutherland estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, con excepción del día 12 de mayo, que contará con la batuta de Alexander Ingram.

Tres grandes elencos se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: Raymonda, John de Bryan y Abdur Rahman. Los días 10 y 13 (16.30 h) de mayo bailarán Shiori Kase, Isaac Hernández (artista invitado) y Fernando Carratalá Coloma; el 11 y 13 (21.30 h) Fernanda Oliveira, Francesco Gabriele Frola y Eric Woolhouse, y el 12 de mayo estarán Emma Hawes, Aitor Arrieta y Daniel McCormick.

Con este delicado y magnífico espectáculo, el English National Ballet pondrá fin a la actual temporada de danza del Teatro Real (en 2019 fue responsable de la inauguración). Raymonda se viste con otra piel bajo la mirada de Tamara Rojo y nos cuenta, no sólo la historia de una mujer, sino la historia de un cambio social, la crueldad de la guerra, el tumor corrosivo de los prejuicios y el paso que camina hacia el futuro.

LOVA

El pasado 26 de abril el Real Teatro de Retiro celebró la I Feria de Compañías LÓVA -la Ópera, un vehículo de aprendizaje-,  el proyecto educativo del Teatro Real que ya cumple 15 años de recorrido.

En el Proyecto LÓVA, una clase se convierte en una compañía de ópera a lo largo de un curso escolar: todos los niños se implican y se organizan en equipos profesionales para producir y estrenar su propia ópera.

Esta primera edición de la feria reunió a 26 compañías de colegios e institutos de distintas partes del territorio nacional y se planteó como un encuentro entre profesionales, tal y como se realiza en el sector de las artes escénicas.

Más de 200 alumnos prepararon el encuentro con gran implicación y profesionalidad, realizando diversas tareas: desde el diseño de los stands de cada compañía, hasta la preparación de actividades y dinámicas para el resto de asistentes. Además, participaron en talleres con reconocidas profesionales: coreografía, con Patricia Ruz; percusión, con María Arranz, y teatro e imagen junto a Natalia Sanz.

Este encuentro ha supuesto un acercamiento entre compañías que participan en el proyecto LÓVA,  en un formato novedoso en los 15 años del proyecto. La feria se convirtió en un espacio único para que niños y jóvenes compartieran experiencias y realizaran nuevos aprendizajes.

LÓVA (la Ópera, un vehículo de aprendizaje) es un proyecto educativo del Teatro Real que se realiza, principalmente, en centros de primaria donde una tutora o tutor convierte su aula en una compañía de ópera. La clase dedica un curso completo a formar la compañía, y a crear y estrenar su propia ópera en funciones en las que no cuenta con ayuda de adultos. 18.000 niñas y niños han estrenado ya más de 650 óperas en 16 Comunidades Autónomas.

Fotografía Javier del Real

Nixon in China
Nixon in China
John Adams (1947)
Ópera en tres actos
Libreto de Alice Goodman
Estrenada en la Grand Opera de Houston, el 22 de octubre de 1987
Estreno en el Teatro Real. Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera. 28/04/23.
D. musical: Olivia Lee-Gundermann
D, escena: John Fulljames
D. asociada: Lucy Bradley
Escenografía y vestuario: Dick Bird
Iluminación: Ellen Ruge
Coreografía: John Ross
Diseño de sonido: Cameron Crosby
Diseño de vídeo: Will Duke
Dirección del coro: Andrés Máspero
Reparto: Jacques Imbrailo, Leigh Melrose, Borja Quiza, Alfred Kim, Sarah Tynan, Audrey Luna, Sandra Ferrández, Gemma Coma-Alabert y Ekaterina Antípova
Bailarines: Laura Conchuela, Clémentine Dumas, Laura García Carrasco, Clara Navarro, Xiao Ortega, Chiara Mordeglia, Paula Simón
Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real

“Esta fue la semana que cambió el mundo”. Con esta frase, descargada de toda modestia, dicha por Nixon durante su visita a China, se iniciaba el histórico encuentro entre los mandatarios del país más poderoso del mundo y el más poblado del mundo.

La visita, que duró una semana, cambió el curso de la Guerra Fría y dejó imágenes históricas inéditas. Muchas de ellas se han podido ver proyectadas en esta producción. Un potente material iconográfico procedente de los archivos de la Fundación Richard Nixon y el Museo Richard Nixon.

La principal razón por la que Nixon visitó a Mao Tse-Tung, a pesar de esa guerra a través de terceros que mantenían en Vietnam, fue porque, en ocasiones, tener un enemigo común une más que cualquier otra cosa.

Es aquí donde Nixon ve la oportunidad de ampliar la brecha entre sus dos adversarios, las dos potencias comunistas. En aquel momento China y EEUU buscaban lo mismo, contrarrestar a la URRS.

Y claro está, un acontecimiento histórico tan importante, ¿por qué no podía ser el argumento de una ópera? Eso es lo que pensó Peter Sellars cuando le propuso el argumento al compositor John Adams que, junto a la libretista Alice Goodman, han creado una obra que empieza a tener su recorrido en numerosos teatros de ópera del mundo. A diferencia de la gran mayoría de las óperas contemporáneas, que no consiguen pasan del estreno.

El libreto de Goodman presenta, al inicio de la obra, a los dos hobres más poderosos del mundo. Para reflejar en el stercer acto la parte más humana e íntima.

Nixon in China es tremendamente evocadora de distintas tradiciones musicales norteamericanas.

Entre sus numerosos colores orquestales se observan influencias de jazz, de las grandes orquestas americanas, de Philip Glass, de Leonard Bernstein, incluso alguna inspiración cinematográfica.º

La partitura presenta una abundante orquestación donde abundan los metales. Esto ha obligado a una prudente amplificación de algunos instrumentos, incluso las voces han siso amplificadas en algunos momentos para no ser absorbidas completamente por la exuberancia de sonidos. Una orquesta que se mostró a un buen nivel de la mano de la directora coreana Olivia Lee-Gundermann, que supo mantener los equilibrios sonoros y la teatralidad de la obra.

La escenografía de John Fuljames y Dick Bird, ambienta los acontecimientos a la perfección. La gran escalera de la que desciende el matrimonio Nixon a su llegada, o los impresionantes archivos de los que van surgiendo las imágenes proyectadas sobre distintos elementos, crean una escenografía que cumple los requisitos de un decorado, enriquecer y contextualizar la obra. También es verdad que no sería nada fácil situar Nixon in China en otra época u otro lugar. Algunos escenógrafos no sabrían muy bien qué hacer con esta ópera.

Dick Bird se ocupa además del vestuario. No se complica, simplemente tiene que inspirarse en la realidad, y lo hace con acierto.

Las proyecciones de imágenes históricas de Will Duke, junto al diseño de sonido de Cameron Grosby y la iluminación de Ellen Ruge, completaron una excelente escenografía.

Magníficas fueron también las coreografías de John Ross. Toda una demostración de equilibrio entre tradición y vanguardia, magníficamente ejecutadas por las bailarinas.

El cuadro de cantantes estuvo muy equilibrado, con algunos elementos sobresalientes.

El barítono inglés Leigh Melrose dio vida a un Nixon poco refinado, también en lo vocal. Retrató adecuadamente esa parte obsesiva del personaje, aunque un poco exagerado a veces.

Sarah Tynan estuvo brillante en su caracterización de Pat Nixon. La soprano británica canta con gusto y sabe aprovechar muy bien sus cualidades vocales. Su personaje tiene gran importancia en la obra, como lo tuvo en el histórico viaje.

El barítono sudafricano Jacques Imbrailo, bien conocido por el público del Teatro Real, es un excelente actor que en esta ocasión ha dado vida al primer ministro chino Chou En-Lai. Su capacidad para delinear el canto quedó demostrada en su discurso de la cena de bienvenida.

El tenor coreano Alfred Kim, como Mao Tse-Tung, es el que contaba con mayor caudal vocal. No se si estaba amplificado, pero falta no le hacía. Posee un timbre klleno de brillo y resonancias que le sirvió para dotar al personaje de empaque, sobre todo en la escena de su reunión con Nixon. En el tercer acto se pudo ver al hombre despojado de grandezas artificiales.

La soprano estadounidense Audrey Luna, tuvo que hacer frente a la endiablada tesitura de su personaje, la esposa de Mao, la temible Chiang Ching. Supo controlar con maestría las altísimas notas que le exigía su partitura. Resolvió con soltura también la parte interpretativa, dejando claro su carácter autoritario.

El barítono Borja Quiza retrató perfectamente a Henry Kissinger, secretario de estado que fue el encargado de propiciar la reunión entre ambos mandatarios. Muy buena fue su parte interpretativa, en las que Quiza siempre destaca.

A buen nivel y bien empastadas estuvieron Sandra Fernández, Gemma Coma-Alabert y Ekaterina Antipova, primera, segunda y tercera secretaria de Mao. Al igual que el Coro, que tiene un importante papel en esta ópera. Sonó rotundo y espectacular.

Era muy esperado este estreno de Nixon in China que, desde luego, ha cumplido con creces las expectativas.

Texto: Paloma Sanz
Imágenes: Javier del Real/Teatro Real

Orlinski

El domingo 23 de abril regresaba Tolomeo, rey de Egipto, al Teatro Real. Lo hacía, como en 2009, en versión de concierto y en una sola representación. Lo que resalta aún más la participación del contratenor de moda, Jakub Jòzef Orlinski, al que ya pudimos escuchar aquí la temporada pasada, y lo convierte en acontecimiento.

Estrenada en la Royal Academy of Music de Londres en 1728, cuenta los maquiavélicos enredos de Cleopatra para poner y quitar reyes. Primero se deshace de su esposo, Tolomeo VIII, y logra que suba al trono su hijo Tolomeo IX, protagonista de esta ópera. Pero no contenta con ello, trata de convencer a su otro hijo, Alessandro, para que acabe con la vida de su hermano Tolomeo IX, al que había desterrado, y poder subir al trono como Tolomeo X. Semejante trama y enredo de Tolomeos, no es suficiente para acabar con el afecto entre los dos hermanos, que triunfa frente a los engaños de su propia madre Cleopatra.

En esta ocasión Orlinski ha estado acompañado por la soprano francesa Melisa Petit, interpretando a Seleuce, con un timbre cristalino y lleno de musicalidad. Abordó sus arias con hermosa delicadeza, sobre todo en su dúo con el protagonista.

La mezzo italiana Giuseppina Bridelli estuvo también a gran altura en su interpretación de Elisa, haciendo gala de sus agilidades.

El otro contratenor, el francés Paul-Antoine Benós-Djian, como Alessandro, el hermano de Tolomeo, cumplió con su papel regalando algunos momentos brillantes. Al igual que el bajo Andrea Mastroni, con su potente y homogénea voz.

El protagonista fue sin duda Orlinski, que fue de menos a más, llegando a emocionar al público en alguna de sus intervenciones. Son indudables sus cualidades vocales. Tiene una gran capacidad para matizar y colorear su registro, algo no muy habitual en esta cuerda.

Francesco Corti, organista, clavecinista y director de orquesta, estuvo al frente de Il Pomo d´Oro, que se encuentra en estos momentos en gira europea. Supo imprimir el brío necesario a la obra en algunos momentos y el romanticismo íntimo que destila la partitura de Händel, una de sus obras menos conocidas, pero no por ello menos hermosa.

Una extraordinaria tarde de ópera que respondió a la expectación que había generado.

Tristán e Isolda

Tristán e Isolda, sin duda una de las más excelsas partituras de la historia de la ópera, vuelve al Teatro Real con un reparto estelar,  bajo la batuta de Semyon Bychkov, que estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del éxito de Parsifal, en 2016 y, de Elektra, de Richard Strauss, en 2012.

Se ofrecerán cuatro únicas funciones -los días 25 y 29 de abril, y 3 y 6  de mayo– encabezadas por Andreas Schager, considerado el más grande Tristán de la actualidad, que en el Teatro Real ya participó en Rienzi (2012), Tristán e Isolda (2014, en sustitución de Robert Dean Smith), Siegfried (2021) y El ocaso de los dioses (2022).

Actuará junto a Ingela Brimberg (Isolda) -que cantó en El holandés errante (2016) y La valquiria (2020)- y Franz-Josef Selig (El Rey Marke), que participó en Pelléas et Mélisande (2002 y 2012), Escenas del Fausto de Goethe (2009), Tristán e Isolda (2014), Fidelio (2015) y Parsifal (2016); secundados por John Lundgren (Kurwenal), Neal Cooper (Melot), Ekaterina Gubanova (Brangäne), Jorge Rodríguez-Norton (Un pastor), Alejandro del Cerro (Un marinero) y David Lagares (Un timonel).

Tristán e Isolda, un hito en la historia de la ópera, por su armonía, orquestación, hondura y trascendencia, se gestó en poco más de dos años (1857-1859) como una especie de gran catarsis, en un período convulso en la vida de Richard Wagner: exilio, crisis matrimonial, ruina económica y fatiga en la composición de su descomunal Tetralogía, paralizada en una encrucijada creativa en medio de la escritura de Siegfried.

Wagner, que pretendía componer una ópera sencilla, que le solucionara los problemas financieros, sin complicaciones escénicas y dramatúrgicas, encontró, en el arcano del amor, su complejidad y su éxtasis, el impulso para llevar al límite su escritura armónica; y pronto se dio cuenta de que Tristán e Isolda sería mucho más de lo que se había propuesto, anotando al final del borrador del primer acto: “nunca se ha compuesto nada como esto”.

La leyenda medieval de Tristán e Isolda, que Wagner utilizó para su drama musical en tres actos, estrenado en Múnich en 1865, plantea la extrema tensión que lleva a la pareja de amantes protagonistas a romper todas las normas morales, éticas y religiosas, poseídos por el hechizo de un filtro fatal, trasunto simbólico de la pasión, amor y erotismo que los consume.

Es este camino de anhelo, perdición, purificación y trascendencia que impulsa el devenir de la acción dramática, fuente de la prodigiosa escritura vocal y orquestal de Wagner, que se expresa en los límites de la tonalidad, disolviéndose en un cromatismo embriagante, con un texto lleno de aliteraciones y melismas, en que, muchas veces, el sonido de las palabras es más importante que su contenido semántico.

La concepción wagneriana del arte total como confluencia y simbiosis de palabra y música, la utilización del mito en su dimensión universal y primigenia, la melodía infinita y la espiritualidad religiosa se elevan a través de la música, articulando las contradicciones ontológicas del amor en sus múltiples dimensiones.

Tristán e Isolda se representó en el Real con tres producciones escénicas y musicales muy distintas desde su reapertura: en 2000, con Daniel Barenboim (y la Staatskapelle Berlin) y Harry Kupfer; en 2008, con Jesús López Cobos y Lluis Pasqual; y en 2014 con Marc Piollet y Peter Sellars (con Bill Viola).

En esta ocasión, la versión en concierto semiescenificada permitirá al público disfrutar de una nueva aproximación a esta ópera genial, con un distinto viaje a su profundidad y su misterio.

Orliński

El próximo domingo, 23 de abril, el Teatro Real presentará, en versión de concierto, Tolomeo, rey de Egipto, último título de Georg Friedrich Händel (1685-1759) para la londinense Royal Academy of Music, protagonizada por una de las voces más reconocidas y demandadas en la actualidad por el público amante del barroco, la del contratenor polaco Jakub Józef Orliński.

Hace justo un año, este joven intérprete subía al escenario del Teatro Real por primera vez para ofrecer una selección de arias de diversos autores como carta de presentación. Precedido por un enorme tirón mediático, demostraba que su frescura y desenfado envolvían un intérprete virtuoso, de extraordinaria técnica, sabia interpretación y una enorme capacidad para transmitir emoción. Regresa ahora con una ópera completa acompañado por la formación Il pomo d’oro, como en la otra ocasión, de nuevo bajo la dirección de Franceso Corti.

Junto a Orlinski se escucharán las voces de la soprano Melissa Petit, como Seleuce; el bajo Andrea Mastroni, en el rol de Araspe; la soprano Giuseppina Bridelli, dando vida a Elisa, y el contratenor Paul-Antoine Benós-Djian encarnando a Alessandro.

En la trama, la Cleopatra que urde entre bambalinas los siniestros ardides que componen la trama de esta ópera no es la misma que protagonizó, cuatro años antes, Julio César en Egipto, sino su bisabuela. Sus perversiones la convierten, no obstante, en una figura operística de primer orden: tras eliminar a su marido –Tolomeo VIII–, eleva al trono a su hijo Tolomeo IX –el titular de la ópera–, pero luego, insatisfecha, lo destierra y da el poder a su hermano menor –Tolomeo X, el Alessandro de la ópera–. Este recibe el encargo de matar a su expatriado hermano –exiliado con un falso nombre en la isla de Chipre– pero tras varios asesinatos frustrados, un intento de violación y un envenenamiento fallido, el amor fraterno se impone a los abominables designios de la fatal reina.

Händel basa su composición en la ópera Tolomeo e Alessandro, con versos de Carlo Sigismondo Capece y música de Domenico Scarlatti estrenada en Roma en 1711 bajo la protección de la reina María Casimira de Polonia, pero con un argumento más sencillo y un número más reducido de arias, otorgando un mayor protagonismo a Tolomeo y a Seleuce, convirtiendo al primero en un héroe clásico, firme ante la adversidad y aferrado a sus principios, entregado hasta el suicidio si es necesario.

La ópera exige cantantes de enorme expresividad, agilidad vocal y limpieza de timbre, para abordar una partitura compuesta por una sucesión de recitativos, ariosos, arias y duetos enmarcados en una concepción estructurada entre la tradición pastoral y el drama heroico. Un título poco frecuente –que ya pudo escucharse en el Real en 2009, con Il Complesso Barocco, bajo la dirección de Alan Curtis y protagonizada por Sonia Prina – con un elenco artístico de primer nivel para una función única.

Authentic Flamenco

Aprovechando su prestigio y proyección nacional e internacional, el amplio espectro de sus propuestas artísticas y culturales y la diversidad de su público, el Teatro Real ha asumido un firme compromiso con el apoyo, divulgación y promoción del flamenco dentro y fuera de nuestras fronteras desde 2018, cuando, con la colaboración de SO-LA-NA, creó el ciclo Flamenco Real -actualmente en su quinta edición- con actuaciones regulares en su Salón de Baile.

El éxito, el pasado año, de los primeros tours fuera de España, en Estados Unidos (Nueva York, Washington DC y Dallas), India (Nueva Delhi, Chandigarh y Mumbai) y Brasil (Río de Janeiro, São Paulo y Brasilia) han impulsado la organización, este año, de tres giras internacionales largas y ambiciosas, que llevarán el flamenco a 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia y Oceanía, 38 ciudades, con más de 400 actuaciones previstas y la posibilidad de ampliación de este número, ya que hay todavía espectáculos pendientes de confirmación.

Las giras se sucederán, simultáneamente, con periplos geográficos muy distintos, pero en algunas ciudades de Estados Unidos los itinerarios se cruzarán, ofreciendo al público estadounidense la posibilidad de ver dos espectáculos con programas y artistas distintos, aprovechando el gran éxito de las actuaciones del pasado año.

El bailaor y coreógrafo Amador Rojas, director artístico de SO-LA-NA, tiene un vínculo muy especial con el proyecto del Teatro Real, ya que inauguró su ciclo Flamenco Real, participó en sus 5 ediciones y protagonizó las actuaciones del pasado año en Estados Unidos al lado de Yolanda Osuna.

Ambos, Amador Rojas y Yolanda Osuna, actuarán por separado en dos de las tres giras, acompañados por otros grandes nombres del arte flamenco. La tercera gira será encabezada por la bailaora Paula Rodríguez.

EUROPA Y AMÉRICA DEL NORTE: BélgicaFrancia, Reino Unido, Estados Unidos y Canadá

  • Artistas: Yolanda Osuna (dirección, coreografía y baile), Juan Fernánd (baile), Bernardo MirandaManu Soto y Cristina Tovar (cante), Juan MarínMiguel Pérez y Álvaro Mora (guitarra) y Juan Diego Sáez (saxofón).
  • Itinerario y número de actuacionesBruselas (16), Manchester (10), Londres (18), ParísMinneapolis (6), Chicago (12), Detroit (6), Nueva York (28), Filadelfia (8), Boston (12), Tampa (6), Ottawa (4) y Atlanta (16).

LAS AMÉRICAS: México, Estados Unidos, Canadá y Colombia

  • Artistas: Amador Rojas (dirección, coreografía y baile), Ángeles Gabaldón (baile), Diego Amador y Tomasa Peña (cante), Paco Iglesias (guitarra), Elena Mikhailova (violín) y Luis Amador (percusión).
  • Itinerario y número de actuacionesMéxico DF (8), LoAngeles (36), San Francisco Bay Area (6), Portland (6) Calgary (4), Edmonton (4), San Diego (16), Austin (16), San Antonio (12), Houston (16), Nueva York (8), Bucaramanga (4) y Bogotá (4).
    Gracias al apoyo de AECID la gira AMÉRICAS comienza y termina en América Latina, con talleres y actividades en México y Colombia organizados en el marco del intercambio cultural en torno al flamenco.

 

ASIA Y OCEANÍA: SingapurCorea del SurChinaJapónNueva ZelandaAustralia, Emiratos Árabes y Arabia Saudí.

  • Artistas: Paula Rodríguez (dirección, coreografía y baile), José El Escarpín (baile), Jonathan Reyes y José del Calli (cante), Ángel Flores y Antonio Jiménez (guitarra) y Manuel Reyes (percusión).
  • Itinerario y número de actuaciones: Singapur (14), Seúl (16), Busan (12), Daegu (8), Gwangju (4), Tokio (10), Auckland (6), Sídney (12), Brisbane (6), Melbourne (12), Abu Dhabi (6) y Dubái (12).

Con estas giras internacionales, el Teatro Real no sólo divulga la enorme riqueza del cante y del baile flamenco, como tiende puentes con países de todo el mundo, permitiendo ampliar los lazos de colaboración con culturas diversas a través del patrimonio artístico y cultural de España.

Real Teatro de Retiro

Mañana, sábado 15 de abril, abrirá sus puertas el Real Teatro de Retiro, el nuevo espacio destinado a albergar la programación del Teatro Real dedicada al público infantil, juvenil y familiar, el Real Junior. Un lugar en el que los más jóvenes podrán iniciarse en el mundo de las artes escénicas a través de diferentes expresiones artísticas como ópera, danza, cuentos musicales, títeres, cine y conciertos didácticos, ofrecidas con un enfoque lúdico.

Este nuevo teatro, ubicado en el Centro Cultural Daoíz y Velarde –Plaza de Daoiz y Velarde, acceso desde la Avenida Ciudad de Barcelona, en el distrito de Retiro- quiere ser el centro de referencia para los más jóvenes en Madrid, con actividades que despierten su curiosidad y promuevan el aprendizaje. Con este objetivo se ofrecerán funciones familiares y escolares de cada título, que se complementarán con una guía didáctica -accesible de forma gratuita a través de la página web del Teatro Real para padres y profesores- en la que se ofrece información detallada del espectáculo y ejercicios prácticos para tener una mirada más amplia sobre el mundo del espectáculo que van a disfrutar.

La encargada de llenar de música y fantasía el Real Teatro de Retiro, por primera vez, será La cenicienta, de Pauline Viardot, coproducción del Teatro Real con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Teatro Cervantes de Málaga y la Fundación Ópera de Oviedo, estrenada la pasada temporada y acogida con gran entusiasmo por el público.

El director de escena Guillermo Amaya -también autor de la versión en castellano e iluminador de la producción- traslada la acción a la actualidad y la desarrolla en las salas de un museo, donde los visitantes se pierden y se transforman en los personajes de la ópera. Los jóvenes intérpretes serán, como en la edición anterior, jóvenes cantantes de distintas nacionalidades que participaron en la primera edición del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real.

En esta nueva etapa, con el mismo afán divulgador, se afianza el programa de colaboración con los colegios, con una relación más directa y continuada, con más funciones y horarios disponibles, tanto si los centros forman parte del programa Colegio Amigo, como si asisten ocasionalmente a un espectáculo. Asimismo, se potencia la actividad del proyecto LÓVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje), por el que una clase se convierte en una compañía teatral, que dedica el curso a crear, producir y estrenar su propia ópera.

A través del Colegio Amigo del Teatro Real, las familias y el alumnado disfrutan de numerosas ventajas, como  venta preferente de localidades, entradas adicionales gratuitas para el profesorado en funciones escolares, promociones especiales en la compra de entradas de espectáculos de ópera, danza y recitales para el personal docente, familias y alumnado y la distinción con el sello Colegio Amigo del Teatro Real, que incluye mención del nombre del centro escolar en la página web del Teatro Real, redes sociales y otros soportes de comunicación.

También la actividad de la Agrupación Musical Inclusiva (AMI) se traslada desde el Teatro Real a este nuevo espacio. La AMI es una iniciativa de referencia nacional e internacional que muestra cómo la inclusión de la neurodiversidad es posible en un espacio musical, potenciando las distintas capacidades individuales, con iniciativas dirigidas a fomentar su acercamiento a la música y a la cultura. La organización promueve la participación de cada uno de sus componentes en diferentes secciones de formación y creación con un mismo objetivo musical, una actividad que culmina en un concierto de fin de temporada, programado este año para el 17 de junio de 2023.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Realftr

PROGRAMACIÓN

LA CENICIENTA

Pauline Viardot

Ópera Estudio

Producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga y Fundación Ópera de Oviedo.

Con la participación de cantantes solistas del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real, impulsado por Fonds de Dotation Porosus y Edmond de Rothschild Foundation.

Argumento: Unos jóvenes visitan un museo, se pierden, y entran en una sala que se encuentra en desuso, llena de cajas y de antigüedades. Todos se ponen a curiosear y encuentran un libro de Pauline Viardot. Nuestra protagonista comienza a leer. Suena la música y todo se transforma. Surgen la luz, la magia… y el viejo almacén se convierte en un salón donde los visitantes que se habían perdido se transforman en los protagonistas de la ópera.

La trama se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas. Siete solistas de distintas nacionalidades interpretan la ópera, con papeles casi caricaturescos, en los que la madrastra maléfica es sustituida por un padre atolondrado y el hada madrina hechiza a todos con su canto.

Dirección musical y pianista        Francisco Soriano

Dirección de escena:                     Guillermo Amaya y Eduardo Bartrina

Escenógrafo:                                    Pablo Menor

Figurinista:                                         Raquel Porter

REPARTO

La Cenicienta                                    Juliane Stolzenbach  (del 13 al 19 de abril)

Alejandra Acuña (del 20 al 29 de abril)

El príncipe encantador                  Francisco Gracia

El barón de Pictordú                      Javier Povedano (del 13 al 19 de abril)

Ramiro Maturana (del 20 al 29 de abril)

El conde Barrigulo                           Juan Ramos

Miguelona                                         Vanessa Cera

Armelinda                                          Paola Leguizamón

El Hada                                                Miriam Silva

Nixon en China

El Teatro Real estrena en España Nixon en China, de John Adams (Massachusetts, 1947), en una nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera, que estará en escena entre el 17 de abril y el 2 de mayo (7 funciones).

Esta ópera, estrenada en 1987, tuvo una génesis singular: en 1983, Peter Sellars -que en el Teatro Real ha dirigido Ainadamar, Iolanta y Perséphone, The Indian Queen, Tristán e Isolda y Only the Sound Remains– propuso a John Adams escribir una partitura sobre la visita de estado que realizó el presidente Richard Nixon a Pekín, en plena Guerra Fría, cuando la República Popular de China era gobernada con mano de hierro por el dictador Mao Tse-Tung y el telón de acero dividía el mundo en dos grandes bloques.

La visita, programada por ambos países milimétricamente y seguida paso a paso por la prensa internacional, suponía un intento de acercamiento, más simbólico que real, de dos colosos hegemónicos enfrentados.

De la propuesta de Sellars -desde entonces colaborador de Adams en todas sus óperas- nacería, años más tarde, Nixon en China, con libreto en verso de la poetisa estadounidense Alice Goodman (1958), que indaga sobre el papel real de los líderes de ambos países en el devenir del orden mundial, a través de un juego dialéctico entre la parafernalia propagandista del poder y las reflexiones íntimas de sus protagonistas.

La partitura, de reconocible atmósfera estadounidense y exuberante orquestación, articula detalles sonoros hiperrealistas que evocan el universo real y mediático de la visita, con arias, dúos, concertantes, coro y ballet, deudores de la tradición operística decimonónica y de la ópera del siglo XX, de Richard Strauss al minimalismo de Philip Glass.

Nixon en China se estrenó en Houston en 1987, apenas 15 años después del célebre acontecimiento que recrea, cuando el público estadounidense podía seguir la ópera recordando todavía la conmoción generada por la retransmisión televisiva de cada paso de Richard Nixon, su esposa Pat, el secretario de estado Henry Kissinger y la pomposa coreografía de saludos, desfiles, espectáculos y reuniones.

Para acercar ese momento histórico al público de hoy, 50 años después, el director de escena John Fulljames, junto con el escenógrafo y figurinista Dick Bird, utilizan abundante material documental e iconográfico como génesis y armazón conceptual de la producción. Así, un monumental archivo acoge la trama de la ópera, en la que los protagonistas actúan con trajes similares a los originales, reforzando el hiperrealismo de la propuesta con una sucesión de documentos, fotos, recortes de prensa y filmaciones reales, que van desfilando a lo largo de la ópera. ¿Cómo se transforma en Historia un evento político, ya lejos de los ecos rimbombantes de la propaganda gubernamental y del barullo mediático?

En la dirección musical de la ópera se alternarán, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, la coreana Olivia Lee-Gundermann y el griego Kornilios Michailidis. Actuarán junto con los barítonos Leigh Melrose (Richard Nixon), Jacques Imbrailo (Chou En-Lai) y Borja Quiza (Henry Kissinger), las sopranos Sarah Tynan (Pat Nixon) y Audrey Luna (Chiang Ch’ing, Madame Tse-Tung), el tenor Alfred Kim (Mao Tse-Tung) y las mezzosopranos Sandra Ferrández (Nancy T`ang, Primera secretaria), Gemma Coma-Alabert (Segunda secretaria) y Ekaterina Antípova (Tercera secretaria).

El éxito de Nixon en China representa un caso singular en la ópera contemporánea, ya que, infelizmente, son muy excepcionales las partituras de compositores actuales que gozan del favor del público y de la crítica y se programan asiduamente.

El Teatro Real puede finalmente dar a conocer una de las más importantes obras de John Adams, muy querido por el público melómano en España y Premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA en la categoría Música y Ópera, en 2018.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS 

16 de abril, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

¡Todos a la Gayarre! Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Las tribulaciones de un presidente en China.

Tensiones diplomáticas en una visita histórica.

 

18 de abril, a las 19.30 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Coloquio en torno a la visita de Nixon a Mao

Participan: Carmen Noheda, investigadora posdoctoral en el Centre for Research in Opera and Music Theatre, (Universidad de Sussex); Emilio de Miguel, Embajador en misión especial para el Indo Pacífico y director de Casa Asia en Madrid, y José M. de Areilza Carvajal, secretario general de Aspen Institute España.

Organizado por el Teatro Real, Casa de América y Casa Asia.

Acceso gratuito con inscripción.

18, 19, 20 y 25 de abril | Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

18 de abril a las 11.30 h., 19 de abril a las 18.00 h., 20 de abril a las 11.30 h. y 25 de abril a las 18.00 h

El viaje: recorrido guiado por las colecciones en torno a la experiencia del viaje.

19 de abril, a las 19.00 horas | International Institute

Conferencia en inglés: Contradiction and performance in the career of Richard Nixon: perspectives on a historical giant

 

25 de abril, a las 19.00 y 21.00 horas | Fundación SGAE

El minimalismo: un soplo de aire fresco en los años 80

Selección de filmes de Pere Portabella, con banda sonora original de Carles Santos.

 

26 de abril, a las 20.30 horas | Fundación SGAE

Concierto: Minimalismos de palabras, metales, armónicos y actitudes

Por Llorenç Barber, músico y compositor.

27 de abril, a las 20.30 horas | Fundación SGAE

Conferencia y concierto: Poiemusia. La Nau dels Argonautes. Una nave sigue navegando.

Participan: Pep Llopis (conferencia, piano y electrónica) y Toni Aparisi (danza)

27 de abril, de 10.00 a 14.30 horas | Real Conservatorio Superior de Música de Madrid

Seminario: Música y política. Reverberaciones en las esferas

Entrada libre

27 de mayo, a las 19.30 horas | International Institute

Concierto: Liquid Soundscapes, música minimalista americana.

Obras de John Cage, Philip Glass, Steve Reich y Paul Lansky.

La nariz
Premios Talía

El Teatro Real ha recibido el premio Talía al mejor espectáculo lírico por su producción El ángel de fuego, con dirección escénica de Calixto Bieito, en la que ha sido la primera edición de estos galardones, organizados por la Academia de las Artes Escénicas de España, y cuya ceremonia tuvo lugar ayer, 27 de marzo, en el Teatro Español,  coincidiendo con el Día del Teatro.

La producción de El ángel de fuego, ópera de Serguéi Prokófiev representada en marzo de 2022 en el Teatro Real, contó con dirección musical de Gustavo Gimeno, dirección de escena de Calixto Bieito y la interpretación de la soprano Ausrine Stundyte en el papel protagonista.

El coliseo madrileño, que contaba con siete nominaciones en los recién creados Premio Talía, recibió otros dos galardones en la categoría mejor intérprete lírica femenina a Saioa Hernández por su interpretación en Nabucco (2022) y mejor intérprete lírico masculino a Jorge de León por Aida (2022).

El Teatro Real competía también en la categoría de mejor espectáculo de lírica con su producción Juana de Arco en la hoguera, con dirección de escena de Àlex Ollé; mejor dirección de escena a Calixto Bieito por El ángel de fuego; mejor iluminación a Juan Gómez Cornejo por El abrecartas; mejor intérprete masculino de lírica a Xabier Anduaga por La sonnambula e I puritani.

Los Premios Talía, que nacen con la vocación de promover y fomentar la creación escénica, destacar la labor integradora de las artes y reconocer el esfuerzo de todos los profesionales implicados, son concedidos por académicos de distintas expresiones artísticas.

En esta primera edición, los galardones reconocieron 28 categorías generales: mejor espectáculo de teatro, teatro musical, circo, lírica, danza y mejor espectáculo de compañía; mejor actor/actriz protagonista de teatro, mejor actor/actriz de reparto de teatro; mejor autoría y adaptación; mejor dirección de escena, mejor dirección musical, mejor interpretación femenina y masculina de lírica y de danza; mejor coreografía, escenografía, iluminación, vestuario y música original; mejor productor privado de espectáculo escénico, premio estudio y divulgación, mejor espectáculo iberoamericano de artes escénicas y mejor producción de artes escénicas de Nueva York de autoría hispana contemporánea.

Asimismo, en la categoría Premios especiales se otorgaron siete galardones: premio por el cambio social y la inclusión en las artes escénicas; premio de honor por trayectoria profesional; premio talento emergente; premio al reconocimiento del público y premio extraordinario “vuelta a la vida”, del Gobierno de Cantabria.

Jakub Józef Orliński

El contratenor Jakub Józef Orliński (Varsovia, 1990) visitará España y Portugal esta primavera para ofrecer una serie de conciertos en Oporto, Lisboa, San Sebastián, Sevilla, Girona y Madrid durante los meses de marzo y abril.  En las tres primeras ciudades presentará uno de sus últimos proyectos, Facce d’amore (Los rostros del amor), junto al aclamado conjunto orquestal Il Pomo D’Oro, que estará dirigido por Francesco Corti.

En abril presentará el programa Eroi (Héroes) junto al grupo Il Giardino D’Amore y bajo la dirección del violinista Stefan Plewniak. Actuará en el Teatro de la Maestra de Sevilla el 1 de abril, dentro del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÁS); y en el Festival Castell de Peralada el 6 de abril. Orliński también presentará este programa en el prestigioso Palacio de Versalles (Francia) el 3 de abril.

Además, en esta gira Orlinski volverá al Teatro Real de Madrid, justo un año después de su exitoso debut en 2022: el 23 de abril actuará en Tolomeo, ópera en versión concierto en la que, una vez más, estará acompañado por Il Pomo D’Oro y bajo la dirección de Francesco Corti.

Considerado por The New York Times como ‘una estrella ascendente de la música clásica’, Orliński se ha convertido en poco tiempo en uno de los contratenores más destacados a nivel mundial, con actuaciones que acumulan millones de visitas en Youtube, como su interpretación de Vedrò con mio diletto (Vivaldi) en el festival Aix-en-Provence.

Artista exclusivo del sello Warner/Erato, consiguió un premio Opus Klassik con su primer disco (Anima Sacra). Su segundo álbum (Facce d’amore) fue galardonado en los International Opera Awards de 2021. Además, en diciembre de 2021 tuvo lugar su esperado debut en el Metropolitan Opera de Nueva York, donde interpretó el papel de Orfeo en la ópera Orfeo y Eurídice. En la temporada 2022/23, ha debutado en el Théâtre des Champs-Élysées en el mismo papel y ópera, bajo la batuta de Thomas Hengelbrock.

En su tiempo libre Orliński disfruta bailando breakdance, así como otros estilos urbanos de danza, llegando a quedar en cuarto lugar en la competición Red Bull BC One Poland Cypher, segundo en la Stylish Strike-Top Rock Contest y segundo en la The Style Control Competition, entre otras.

New York City Ballet

El próximo 23 de marzo, a las 19.30 horas tendrá lugar la presentación en el Teatro Real de la mítica compañía estadounidense New York City Ballet, que ofrecerá cinco funciones en el Teatro Real con las que se saldará una deuda histórica con el mundo de la danza, ya que será la primera vez, desde su fundación en 1948 por George Balanchine, que podrá verse en Madrid.

Dirigido en la actualidad por Jonathan Stafford, el New York City Ballet ha seleccionado tres coreografías llenas de simbolismo para la formación: Serenade y Square Dance, creadas por George Balanchine, y The Times Are Racing, obra de Justin Peck, coreógrafo residente de la compañía y uno de los grandes talentos de la actualidad. De esta forma han querido rendir homenaje a sus orígenes y demostrar la evolución que les mantiene en el presente como referente de la danza internacional.

Serenade es el primer ballet original que George Balanchine creó en Estados Unidos, y una de las obras más emblemáticas del repertorio del NYCB. Estrenado por la Escuela del American Ballet en el Teatro Avery Memorial de Hartford, Connecticut, en 1934, y concebido como una clase de danza o un ensayo, se desarrolla en cuatro movimientos: sonatina, vals, danza rusa y elegía, con los dos últimos movimientos invirtiendo el orden de la partitura de Chaikovski, compositor que Balanchine admiraba más que a ningún otro. En el Teatro Real la interpretación musical estará a cargo de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Clotilde Otranto.

Años después, e integrado ya en la cultura norteamericana, Balanchine estrena Square Dance. Corria el año 1957 y el coreógrafo une, bajo este nombre, las tradiciones de la danza folclórica estadounidense y el ballet clásico, muy diferentes en estilo, pero guiadas por las pautas de un orden muy definido. Rápida, atlética y desenfadada, la coreografía imprime una personalidad al cuerpo de baile, y a cada bailarín, que será la que define y distingue a la compañía de sus homólogas europeas. Fresca y divertida, la versión original fue revisada en 1976 para incluir un solo adicional para el bailarín principal. Con música de Arcangelo Corelli y Antonio Vivaldi, contará con la dirección de Andrews Sill al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

Rompe y finaliza el programa The Times Are Racing, ballet para veinte bailarines coreografiado por Justin Peck –su segunda creación para la compañía de la que es en la actualidad coreógrafo residente y asesor artístico- en la que desaparece la visión idealizada de los bailarines, con sus cuerpos perfectos y sus movimientos cuidados y técnicos ejecutados con aparente sencillez. Peck busca la empatía del público y les viste con zapatillas y ropa deportiva, dándoles la oportunidad de mostrar diferentes sentimientos en una variedad de estilos que se alternan y provocan casi una catarsis llena de impulso y vigor. Estrenada en 2015, la actualidad de su concepto se desliza sobre la música electrónica del álbum de Dan Deacon, América, llenando de energía el colofón de la velada.

Es precisamente el desenfado y la energía juvenil de The Times Are Racing la destinada a la sesión del público familiar, que podrá disfrutarse en la sala principal del Teatro Real el próximo domingo, 26 de marzo, a las 12.00 horas, en una sesión cómplice y original.

Fotografía: Erin Baiano

Metaverso LaNariz

El Teatro Real se convertirá en el primer teatro lírico del mundo en emitir una ópera en directo en el metaverso. La cita será el próximo viernes, 17 de marzo, a las 19.30 horas (CET) desde la Sala Principal del coliseo madrileño, donde se está representando la obra de Dmitri Shostakovich, La nariz.

La producción con la que el Teatro Real se estrenará en ese nuevo universo virtual es una ópera tan surrealista como las nuevas opciones que ofrece el mundo digital, y que podrá ser vista gratuitamente a través de Uttopion, el primer metaverso creado en España.

Esta función virtual se ofrecerá en una réplica en 3D de la sala principal del Teatro Real, en la que, como si se tratara de un universo paralelo, los espectadores de cualquier parte del mundo podrán entrar con su avatar y sentarse en el patio de butacas para disfrutar de la ópera e interactuar con otros asistentes.

Durante la emisión en directo de La nariz, el público que la siga virtualmente podrá acceder a diferentes contenidos multimedia, como vídeos, entrevistas con artistas o personal técnico, y a un chat en el que se comentarán fragmentos de la ópera en tiempo real y se dialogará con los metaespectadores.

El metaverso es un entorno multiusuario que fusiona la realidad física con la virtualidad digital y permite crear experiencias inmersivas y participativas. El Teatro Real, en el desarrollo de su objetivo estratégico de innovación tecnológica, apuesta por esta nueva realidad virtual para llegar a otras audiencias, especialmente a la Generación Z (jóvenes nacidos a partir del año 2000 y considerados ‘nativos digitales’).

La producción de La nariz, con dirección musical de Mark Wigglesworth y puesta en escena de Barrie Kosky, se ajusta al universo libre, onírico y fantástico del metaverso, con un ritmo cinematográfico y una música iconoclasta y visionaria, ideal para romper las barreras entre lo real y lo virtual.

Para entrar al metaverso de Uttopion y disfrutar de la función de La nariz, el público podrá conectarse desde un ordenador o tablet, de forma sencilla e intuitiva, a través de www.uttopion.com y sin necesidad de ningún otro accesorio de realidad aumentada.

Uttopion es el primer metaverso español, creado hace tres años, y pionero en segmentar su contenido en dos comunidades cualitativas: Musichood, dedicada a eventos musicales, y Sportsvilla, para contenido deportivo. La plataforma se ha posicionado como un espacio virtual de referencia gracias a Musichood, donde han tenido lugar más de 200 eventos de trascendencia internacional. Uttopion ha recibido ayudas del Gobierno de España, destinadas a financiar iniciativas relacionadas con el metaverso y la Web 3.0.

La colaboración entre el Teatro Real y Uttopion cuenta con el apoyo de la compañía Exterior Plus, pionera en innovación en Publicidad Exterior, y de los fondos Next Generation de la Unión Europea.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Aquiles en Esciros
Aquiles en Esciros por fin en el Teatro Real

ACHILLE IN SCIRO
AQUILES EN ESCIROS
Francesco Corselli (1705-1778)
Ópera dramática en tres actos
Libreto de Pietro Metastasio (1698-1782)
Estrenada en el Real Coliseo del Buen Retiro de Madrid
el 8 de diciembre de 1744.
Obra recuperada por el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU)
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción
con el Theater an der Wien.
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Mariame Clément
Escenógrafa y figurinista: Julia Hansen
Coreógrafo: Mathieu Guilhaumon
Iluminador: Ulrik Gad
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Gabriel Díaz, Mirco Palazzi, Tim Mead, Francesca Aspromonte,
Sabina Puertolas, Krystian Ada,mJuan Sancho y Katia Klein
Orquesta Barroca de Sevilla
Coro Titular del Teatro Real
Llegaba por fin al Teatro Real la ópera Aquiles en Esciros de Francesco Corselli. Pertenece esta obra a uno de los períodos más interesantes y menos conocidos de la historia de la ópera. Sabemos mucho de las obras de Montevedi o Haendel, pero existe una laguna informativa de lo que ocurrió en el mundo operístico durante los años 1730 a 1770. Esta es una de las razones por las que este estreno es importante. Aquiles en Esciros es una fotografía muy interesante de cómo fue la vida operística en el siglo XVIII.
Pocas eran las óperas que se escribían en España en aquel momento, solo con motivo de grandes acontecimientos de la corte. Precisamente Aquiles en Esciros fue un regalo del Ayuntamiento de Madrid a la Infanta de España María Teresa Rafaela, para festejar su matrimonio con el delfín de Francia. Esta es la principal razón por la que se ha podido conservar casi intacta la partitura en la Biblioteca Histórica de Madrid. Y es aquí donde ha sido rescatada y pulida, para llegar a su estreno, por el musicólogo Álvaro Torrente, del Instituto Complutense de Ciencias Musicales, junto a Ana Llorens y Alberto Cubero, que se han ocupado de la partitura y Nicola Usala, del libreto.
Francesco Corselli nació en Piacenza, pero muy pronto se trasladó a Madrid y pasó a formar parte de un nutrido grupo de artistas italianos que habían llegado a la capital de la mano de Isabel de Farnesio, como Domenico Scarlatti, Farinelli, Gaetano Brunetti o Luigi Boccherini.
Corselli fue nombrado Maestro de la Capilla Real. Compuso numerosas obras de las que solamente tres fueron óperas para la corte. Pero ni Corselli ni su obra llegaron a ser muy conocidos. A pesar de que en ese momento Madrid era la capital operística de Europa, España siempre fue considerada poco relevante, musicalmente hablando.
En ese momento los libretistas eran más importantes que los compositores, y para Aquiles en Esciros se eligió nada menos que a Pietro Metastasio, el libretista más importante de la historia de la ópera. Sus libretos han sido los más versionados y su obra marca la evolución de la ópera a partir del siglo XVIII. Los compositores más importantes, como Haendel o Mozart, han puesto música a sus historias.
La partitura es una auténtica joya. Su estructura sigue los convencionalismos de una ópera seria, aunque contiene elementos humorísticos, arias da cappo, recitativos, coros… Destaca la calidad de las arias y la manera en la que se expresan los sentimientos de los personajes.
Pero la partitura también ha presentado algunos problemas, relacionados principalmente con los instrumentos de viento. Al no conservarse las particelas, ha sido necesario reescribir las de los oboes, ya que la escritura de los vientos es muy diferente en la actualidad.
Otra peculiaridad de su composición es la gran imaginación de Corselli a la hora de introducir instrumentos exóticos, como el salterio, que aparece al final de la ópera con gran protagonismo en un aria de Aquiles. Su sonido, casi mágico, aporta un color muy especial, generando su propia atmósfera y dotando a la ópera de una gran personalidad.
La historia que nos narra el libreto se sitúa en las Guerras de Troya. Tetis, madre de Aquiles, teme que se cumplan los malos augurios para su hijo Aquiles si participa en la batalla. Para evitar su marcha, le viste de mujer llamándole Pirra y encomienda su seguridad al rey Nicomede. La historia comienza cuando Pirra ya se ha enamorado de Idamia, la hija de Nicomede. Ulises, que sospecha que Aquiles vive escondido en Esciros, consigue descubrirle y que éste le acompañe a la guerra, donde finalmente muere.
La escenografía de esta producción del Teatro Real ha estado a cargo de la francesa Mariane Clément, que ha recreado el interior de una cueva, como elemento materno-protector de Aquiles, en un ambiente onírico, gracias a la iluminación de Ulrik Gad y el vestuario de Julia Hansen. Una escena llena de estalactitas, pasajes y pasarelas donde se desarrolla la acción.
El director musical Ivor Bolton ha dirigido desde el clave a la Orquesta Barroca de Sevilla y el Monteverdi Continuo Ensemble que, junto a sus instrumentos de época, han tenido un papel crucial en el éxito de esta obra. Cabe destacar el salterio, en las mágicas manos de Heidelore Schauer.
Aquiles en Esciros tiene una parte teatral muy potente, por lo que se necesitan cantantes con altas capacidades interpretativas.
Los personajes de Aquiles y Pirra han estado interpretados por el contratenor Gabriel Díaz, sustituyendo a un enfermo Franco Fagioli. El sevillano ha resuelto con soltura y brillantez unos roles nada fáciles, tiene nada menos que siete arias, algunas de bellísima factura, como Tornate sereni. Aunque la tesitura escrita es más aguda que la de su instrumento, ha defendido con bravura su doble personaje. Muy bien en los recitativos.
El bajo italiano Mirco Palazzi fue un rey Licomede de voz pobretona, sin brillo y de escaso volumen. Ganó enteros en su interpretación escénica.
La soprano italiana Francesca Aspromonte, brilló en el rol de Deidamia, el gran amor de Aquiles y el personaje con arias más dramáticas. Muy bien en las agilidades y delicada en las partes más románticas, como su aria Chi può dir, junto al solo de violín de Bojan Čičić.
La más aplaudida de la noche fue sin duda la soprano Sabina Puértolas, como Teagene. Estuvo muy segura en las agilidades y brilló acompañada por el trompetista Bruno Fernandes en su aria Con tromba d’or.
A gran altura estuvo el Arcade del tenor polaco Krystian Adam. Posee un hermoso y cálido timbre. Muy buena también su interpretación como criado de Ulises.
El contratenor británico Tim Mead se encargó de dar vida al otro héroe de la obra, Ulises. Se mostró seguro con su hermoso y agudo timbre.
El sevillano Juan Sancho, bien conocido por el público del Real, ha tenido también una muy buena actuación como Nearco, tanto en la parte vocal como en la interpretación.
Paralelamente a la historia narrada, se desarrollaba en escena la intrahistoria con la familia real como protagonista. La infanta María Teresa, personaje a quien estaba dedicada la composición, aparece y a veces interacciona con los personajes. En la escena final se acompaña de toda la familia real.
Un acierto programar este Aquiles en Esciros después de que fuera suspendido por el confinamiento que produjo la pandemia del covid. Tres años han pasado desde entonces y hay que recordar algunas ausencias que esperaban aquel estreno con ilusión y que ahora no han estado para verlo. Como mis queridos Ofelia Roca y Paco Mejorana.

Crescendo

La Fundación Amigos del Teatro Real lleva a cabo la tercera edición de Crescendo, programa de desarrollo artístico y profesional para jóvenes promesas de la ópera, que tendrá lugar los meses de marzo, abril y mayo.

Tras un riguroso proceso de audiciones, el jurado, conformado por miembros del equipo artístico del Teatro Real, Real Teatro de Retiro y Crescendo, ha seleccionado a 20 jóvenes, quienes podrán acceder a actividades de formación y beneficiarse de oportunidades profesionales para impulsar su carrera.

Los seleccionados para esta tercera edición de Crescendo son 14 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena, todos menores de 35 años, provenientes de España, México y Chile.  A partir del lunes 6 de marzo, la información sobre los participantes estará disponible en la web de Crescendo, donde también se podrán visualizar sus audiciones y votar a su favorito. El participante con más votos recibirá una masterclass extra a lo largo de estos tres meses.

El programa tiene como propósito que los participantes adquieran competencias transversales para su desarrollo profesional, artístico y humano y continúen apostando por su carrera dentro de la lírica. Con esta vocación pedagógica e inclusiva, Crescendo ofrece talleres, encuentros y masterclasses con destacados artistas –entre ellos, la soprano Sabina Puértolas, que colabora de nuevo con el programa, tras sus recientes éxitos con el Teatro Real en Nueva York y con la ópera Aquiles en Esciros-, así como asistencia a ensayos, participación en recitales y oportunidades laborales vinculadas al Teatro Real.

Los jóvenes de las pasadas ediciones de Crescendo han interpretado arias de su repertorio en la ceremonia de presentación de las Temporadas 2021-2022 y 2022-2023 del Teatro Real, han actuado en el ciclo Enfoques, en la Carroza del Teatro Real y en varias producciones del Real Junior. Una de ellas, La Cenicienta, ópera familiar estrenada en 2021,  se repondrá en el Real Teatro de Retiro, donde se ofrecerán 22 funciones de este título entre el 15 y el 29 de abril.

Entre las novedades de este año, se incluyen más actividades de formación y oportunidades laborales para los jóvenes. Además, por primera vez, el programa incorpora a ayudantes de dirección de escena, quienes podrán acceder a momentos clave del montaje de una producción y tener un primer contacto con el mundo de la ópera.

La convocatoria para esta tercera edición se cerró con 133 inscritos de 21 países de Europa, Asia y América,   convirtiéndose en la edición con mayor número de aspirantes. La mayoría de los jóvenes que se presentaron provienen de conservatorios de Madrid, Cataluña y Valencia, pero también de ocho escuelas extranjeras en Bulgaria, Escocia, Holanda, Italia, Noruega y Portugal, reflejando el alcance y la relevancia internacional de esta iniciativa de la Fundación Amigos del Teatro Real.

Crescendo está impulsado por Edmond de Rothschild Foundations, Porosus Fonds de Dotation y la Fundación Banco Sabadell.

La nariz

Entre los días 13 y 30 de marzo el Teatro Real ofrecerá siete funciones de La nariz, de Dmitri Shostakóvich (1906-1975), nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Royal Opera House, la Komische Oper Berlin y Opera Australia.

En esta ópera surrealista y sarcástica, un alto funcionario del estado, burócrata engolado, petulante y clasista, despierta sin su nariz, símbolo de su identidad, estatus social y poderío sexual.

A lo largo de los tres actos de la partitura -una especie de collage musical vertiginoso e iconoclasta-, el protagonista, agraviado, amputado y aturdido, busca desesperadamente su nariz, que adquiere autonomía ‘humana’, usurpándole su categoría social y ascendiendo en el sacrosanto escalafón de la administración. En su frenética persecución interactúa con una galería de personajes caricaturescos -78 cantados y 9 declamados- que conforman un puzzle onírico de retales de realidad distorsionada, como en una agotadora pesadilla.

Cuando el joven Shostakóvich, con apenas 23 años, terminó de componer La nariz -estrenada en 1930 en San Petersburgo-, la devastadora dictadura estalinista comenzaba a ‘callar’ a toda una floreciente generación de fantásticos artistas e intelectuales rusos, que tenían que optar por el suicidio, el fusilamiento o la subordinación a los retrógrados y arbitrarios dictámenes del régimen. El compositor optó por vivir, manteniendo con las autoridades soviéticas una relación de ‘tira y afloja’, sometido a una constante vigilancia y censura que marcó toda su creación musical.

La corrosiva partitura de La nariz (1930) y la descarnada Lady Macbeth de Mtsensk (1934) -que se pudo ver en el Teatro Real en enero de 2000, bajo la dirección de Mstislav Rostropóvich- auguraban una brillante carrera operística a su autor, que Stalin cercenó prohibiendo la presentación de ambas obras y dejando a Shostakóvich sin aliento para escribir una nueva ópera.

La nariz estuvo silenciada 40 años en la Unión Soviética, pese a que Nikolai Gogol (1909-1952), que nació casi un siglo antes que Shostakóvich, en plena vigencia del zarismo, reivindicara precisamente el contenido absurdo, apolítico e ‘inútil’ de su relato.

En su puesta en escena de La nariz, Barrie Kosky -conocido por el público del Real gracias a su fantástica versión de La flauta mágica– reivindica la libertad surrealista del cuento de Gogol en detrimento de la crítica social, explorando la atmósfera onírica y burlesca de la ópera con enorme dinamismo y un ritmo cinematográfico, en el que las escenas se suceden en un marco oscuro, a semejanza de una película.

De hecho, Shostakóvich estuvo muy vinculado al cine desde su adolescencia -cuando acompañaba al piano películas mudas para ganarse la vida-, llegando a componer bandas sonoras para más de 30 filmes.

La partitura de La nariz evoca el montaje de secuencias cinematográficas llenas de contrastes, con la incorporación de todo tipo de sonidos y retazos musicales -gritos, susurros, sirenas, ‘charlas polifónicas’, coros atonales, canciones folclóricas, jazz, danzas- con sonoridades ásperas, estridentes y una libertad formal que se burla de los tópicos operísticos con una imaginación desbordante.

La dirección musical de esta partitura única será del inglés Mark Wigglesworth, quien volverá a dirigir al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después del éxito, en 2018, de Dead Man Walking, de Jake Heggie. Estará al frente de un elenco coral e internacional encabezado por Martin Winkler, que estrenó la producción en Covent Garden y que participó recientemente en Arabella en el Real, interpretando el papel de Conde Waldner, padre de la protagonista.

Johannes Stepanek, responsable de la puesta en escena de La nariz en el Teatro Real, dirigirá el estreno en España de la cantata satírica Anti-formalist Rayok, de Shostakóvich, en la que participarán el bajo Alexander Teliga, la pianista Judith Jáuregui y miembros del Coro Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Andrés Máspero, el 26 de marzo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, ofreciendo otra cara oculta del compositor ruso, escondida bajo los pentagramas de su música.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

7 de marzo, a las 19.00 horas | Residencia de estudiantes

Encuentro: Shostakóvich, operista. La vitalidad de la cultura rusa antes del Terror.

Con Santiago Martín Bermúdez, dramaturgo, ensayista y crítico musical.

8 de marzo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: con Mark Wigglesworth (director musical de La nariz), Johannes Stepanek (asistente del director de escena de La nariz), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Pablo Lorenzo Rodríguez Fernández (musicólogo).

Participan: Yeraldín León (mezzosoprano), Patricia Barton (piano), Daniel Chirilov (violín), Simón Veis (violonchelo) y Duncan Gifford (piano).

15, 22 y 29 de marzo, a las 18.30 horas | Fundación Juan March

Ciclo de conciertos: Shostakóvich y la censura soviética.

“Con la aprobación de Stalin”, tríos con piano (15 de marzo)

“A espaldas de la Unión Soviética”, cuartetos de cuerda (22 de marzo)

“Bajo el yugo soviético”, recital de piano (29 de marzo)

28 de marzo, a las 18.30 horas | Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque)

Concierto: Cuarteto Bauhaus, con obras de Shostakóvich y Britten.

30 de marzo, a las 18.00 horas | Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque)

Concierto didáctico: Escuela de Música y Danza María Dolores Pradera

Ayuntamiento de Madrid

El Ayuntamiento de Madrid y el Teatro Real han presentado hoy un nuevo espacio escénico en el Centro Cultural Daoiz y Velarde, en el distrito de Retiro, en un acto en el que han participado el alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida; la delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Andrea Levy, y el presidente y el director general del Teatro Real, Gregorio Marañón e Ignacio García-Belenguer.

El pasado mes de octubre, el Ayuntamiento de Madrid y el Teatro Real firmaban un acuerdo que permitía poner en marcha este nuevo proyecto, denominado “Real Teatro de Retiro”, que nace con el objetivo de convertirse en un espacio cultural y artístico de referencia para niños y jóvenes en la ciudad, en el que ofrecer un acercamiento y aprendizaje en el ámbito de las artes escénicas, incluyendo ópera, danza, teatro de texto, títeres, cuentos musicales, talleres y otras actividades para toda la familia.

Para ello, el Ayuntamiento de la capital ha realizado una rehabilitación integral del antiguo cuartel de artillería de Daoiz y Velarde que, a lo largo de esta legislatura, ha estado inmerso en un proceso de obras de renovación total encaminado a la puesta en uso cultural de este edificio que incrementará la oferta cultural en los Distritos de la capital y reforzará el compromiso del Área de Cultura, Turismo y Deporte con el tejido cultural madrileño.

Un edificio equilibrado

Construido a finales del siglo XIX, las obras han buscado el equilibrio entre la arquitectura original y las funciones actuales. El edificio, de 7.700 m2, distribuidos en cuatro plantas, cuenta con un gran espacio para actos culturales y exposiciones, una Sala Principal (con un amplio escenario y capacidad para 330 butacas), una Sala Polivalente (con 72 butacas en graderío retráctil y espacio escénico versátil), salas de ensayos, talleres y otras dependencias auxiliares.

Las obras realizadas en esta legislatura han integrado y unificado todas las instalaciones del Daoiz y Velarde, ejecutadas en varias etapas; se han realizado las reparaciones necesarias tras los últimos años de actividad, y se ha renovado y actualizado la instalación de climatización y geotermia de todo el edificio, por valor de 8,2 millones de euros.

Una programación para todos los públicos

En este espacio único, el Teatro Real desarrollará su programación de El Real Junior, dedicada al público infantil, juvenil y familiar con el objetivo de iniciar a los más jóvenes en el mundo musical y artístico, despertando su curiosidad e interés y promoviendo su aprendizaje.

La programación abre un espacio a diferentes expresiones artísticas –ópera, danza, cuentos musicales, títeres, cine y conciertos didácticos- ofrecidas con un enfoque lúdico. Se ofrecerán funciones familiares y escolares de cada título, que se complementarán con una guía didáctica -accesible de forma gratuita a través de la página web del Teatro Real para padres y profesores- en la que se ofrece información detallada del espectáculo y ejercicios prácticos para tener una mirada más amplia sobre el mundo del espectáculo que van a disfrutar.

Con el mismo afán divulgador, se afianza el programa de colaboración con los centros escolares. Por un lado, crece la oferta de funciones escolares, con más fechas y horarios disponibles, y, por otro, se potencia la actividad del proyecto LÓVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje), por el que una clase se convierte en una compañía teatral, que dedica el curso a crear, producir y estrenar su propia ópera.

También la actividad de la Agrupación Musical Inclusiva (AMI) se traslada desde el Teatro Real a este nuevo espacio. La AMI es una iniciativa de referencia nacional e internacional que muestra cómo la inclusión de la neurodiversidad es posible en un espacio de excelencia artística musical, potenciando las distintas capacidades individuales con iniciativas dirigidas a fomentar su acercamiento a la música y a la cultura. La organización promueve la participación de cada uno de sus componentes en diferentes secciones de formación y creación con un mismo objetivo musical, una actividad que culmina en un concierto de fin de temporada, programado este año para el 17 de junio de 2023.

El primer espectáculo de la actual temporada de El Real Junior que podrá verse en el Real Teatro de Retiro tendrá lugar el 15 de abril de la mano de la compositora Pauline Viardot (1821-1910) y su visión de La cenicienta en una adaptación del director de escena Guillermo Amaya, interpretada por siete jóvenes solistas de distintas nacionalidades, procedentes del programa de formación Crescendo, de la Fundación de Amigos del Teatro Real.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

PROGRAMACIÓN

LA CENICIENTA

Pauline Viardot

Ópera Estudio

Producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga y Fundación Ópera de Oviedo.

Con la participación de cantantes solistas del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real, impulsado por Fonds de Dotation Porosus y Edmond de Rothschild Foundation.

Argumento: Unos jóvenes visitan un museo, se pierden, y entra en una sala que se encuentra en desuso, lleno de cajas y de antigüedades. Todos se ponen a curiosear y encuentran un libro de Pauline Viardot. Nuestra protagonista comienza a leer. Suena la música y todo se transforma. Surge la luz, la magia… y el viejo almacén se convierte en un salón donde, los visitantes que se habían perdido, se transforman en los protagonistas de la ópera.

Para toda la familia. Edad recomendada: a partir de 8 años.

Funciones familiares |15, 16, 22, 23, 29 de abril | 11:00 y 13:00 h.

Funciones escolares | 13, 14, 20, 21, 27, 28 de abril| 10:30 y 12:00 h.

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PRAGA, 1941

(Jóvenes rubios no paran de gritar frente a mi casa)

Paco Gámez (a partir de los diarios de Petr Ginz)

Teatro

Presentado por La Joven. Una producción de Acción Sur S.L con la colaboración de Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Getafe, Fundación Teatro Joven, Fundación Daniel y Nina Carasso y Czech Tourism

Argumento: Petr fue un chico que vivió en 1941 cuando los nazis ocuparon Praga. Daniel, que tiene la misma edad que Petr y vive en la misma casa, lee con incredulidad cómo era la vida en las calles por las que él pasea. La voz de los dos chicos empieza a fundirse y los límites entre el presente y el pasado cada vez parecen más difusos. Daniel se pregunta qué hacer con aquel testimonio o cómo conservar ese trozo de la historia.

Edad recomendada: a partir de 12 años.

Funciones familiares | 6, 7, 13, 14 de mayo | 11:00 h* y 13:00 h

Funciones escolares | 5, 11, 12 de mayo | 10:00 h* y 12:00 h*

*Coloquio con los artistas una vez finalizadas las funciones.

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YO SOY LA LOCURA

Varios compositores barrocos

Zarzuela barroca con títeres

Músicas españolas y criollas

Producción de la Compañía Claroscvro, con el Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Conseil de les Arts et des Lettres Quèbec.

Argumento: Imperio Azteca, siglo XVI. La Locura, ser mitológico que mueve la pasión, nos cuenta la historia de amor entre Manuel, titiritero español y Zyanzya, una joven azteca que pedirá a sus dioses que la trasformen en marioneta para permanecer por siempre junto a su amado.

Edad recomendada: a partir de 7 años.

Funciones familiares | 20, 21, 27, 28 de mayo – 3, 4 de junio. |11:00 h y 13:00 h.

Funciones escolares | 19, 25, 26 de mayo – 1, 2 de junio |10:30 h y 12:00 h.

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PARADE, EL CIRCO DE LOS VALIENTES

  1. Satie / F. Poulenc / I. Stravinski

Espectáculo de títeres, circo, magia y música en vivo, inspirado en el mundo del circo de antaño

Producción Compañía La Maquiné.

Con este espectáculo, la programación del Real Junior se suma a los festejos del año Picasso en el 50 aniversario de la muerte del gran artista.  

Argumento: El título hace mención al ballet coreografiado por Serguei Diaguilev, con escenografía de Pablo Picasso, entre 1916 y 1917, con música de Erik Satie y puesta en escena de Jean Cocteau. Inspirado en la estética de la etapa rosa del genial pintor, el espectáculo transita por el mundo del circo de antaño, lleno de vitalidad, humor y ternura.

Edad recomendada: a partir de 4 años.

Funciones familiares | 10, 11, 17, 18 de junio | 11:00 h y 13:00 h

Funciones escolares | 8, 9, 15, 16 de junio | 10:30 h y 12:00 h

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FESTÍN MUSICAL EN FAMILIA

Concierto con orquesta, solistas, juegos y participación del público

Nueva producción del Teatro Real.

Argumento: un buen banquete donde no falta de nada: sándwiches musicales, dulces canciones de sabores deliciosos, intérpretes tan sabrosos como el chocolate y juegos sin movernos de la butaca.

Participación de la Joven Camerata de la JORCAM y cantantes del Programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real.

Solo funciones familiares | 5, 6, 7, 8, 9, 12, 13, 14, 15, 16 de julio | 20:00 h

Partitura digital

El próximo 17 de febrero, cuando Aquiles en Esciros vuelva a la vida en el escenario del Teatro Real, 278 años después de su estreno en el Coliseo del Buen Retiro de Madrid, lo hará en un espacio que recreará su música en estrecha convivencia entre los instrumentos antiguos y la tecnología más avanzada en el mundo musical, gracias al proyecto de digitalización que el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU) pondrá al servicio de la Orquesta Barroca de Sevilla para sus representaciones en Madrid, bajo la batuta del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton.

La edición crítica de la ópera dramática en tres actos Aquiles en Esciros (1744), con música de Francesco Corselli y libreto de Pietro Metastasio, ha sido realizada por el musicólogo Álvaro Torrente con la participación –como editores asociados– de Ana Llorens y Alberto Cubero (partitura) y Nicola Usula (libreto). La recuperación y edición en soporte digital de la partitura, se ha realizado en el marco de los proyectos de investigación DIDONE, DEePMusic y MadMusic-CM.

DEePMusic (Digitalización del Ecosistema del Patrimonio Musical) pretende identificar y transformar los modos de preservación y recuperación del patrimonio musical, renovando las prácticas involucradas en ellos mediante el uso de herramientas digitales para producir partituras y materiales de interpretación, renunciando así al uso de papel, y para convertir producciones musicales efímeras en testimonios permanentes por medio de grabaciones de sonido digital. El proyecto cuenta con dos Investigadores Principales, el catedrático Álvaro Torrente y la profesora Judith Ortega, y está integrado por investigadores del ICCMU y diferentes instituciones públicas y privadas como la Universidad Complutense, la Universidad de la Rioja, Blackbinder, Asseco o el Teatro Real, entre otras. DEePMusic está financiado por Agencia Estatal de Investigación (Ministerio de Ciencia e Innovación) en el marco del programa Proyectos Estratégicos Orientados a la Transición Ecológica y a la Transición Digital, con fondos del programa NextGenerationEU de la Unión Europea

El proyecto DIDONE, financiado con una Advanced Grant del Consejo Europeo de Investigación (ERC), tiene como objetivo principal la creación de un corpus de 4.000 arias digitalizadas a partir de 200 partituras de ópera basadas en los ocho dramas más populares de Metastasio, que serán analizados utilizando métodos tradicionales y tecnología informática de big data. Los resultados serán aplicables a tres campos principales: interpretación de ópera, análisis e interpretación de otros tipos de música, y composición en diversos escenarios. Por otro lado, MadMusic-CM, financiado por la Comunidad de Madrid, es un proyecto destinado a investigar, publicar e interpretar obras olvidadas del patrimonio musical madrileño de los siglos XVII-XX.

Gracias a los fondos obtenidos para el proyecto DEePMusic, el ICCMU ha adquirido 50 iPads totalmente equipados (con lápiz electrónico que permite hacer anotaciones a mano alzada, atril, funda, pedal y carros de carga), que pueden ser utilizados tanto por pequeños grupos de cámara como por grandes orquestas. Los dispositivos que se emplean en cada ocasión están centralizados a través de una plataforma de control remoto (JAMF) que permite gestionar su funcionamiento en tiempo real.

El uso de la aplicación Rolling Scores® con tecnología patentada BlackBinder®, permite una gestión y distribución descentralizada de las partituras y su lectura en diferentes formatos, así como la posibilidad de compartir y realizar anotaciones en diferentes capas, de forma que cada intérprete pueda personalizar sus propios materiales. La aplicación Rolling Scores® tiene funcionalidades específicas para ayudar en la transformación digital de orquesta y agrupaciones: desde la necesaria gestión documental, hasta la organización de temporadas, proyectos, calendarios de ensayos, conciertos, etc. Todo esto complementa al visor multiformato, en el que se puede trabajar en PDF o en formatos interactivos, pudiendo adaptar la visualización al tamaño de la pantalla, transportar partituras, cambiar orientaciones, modificar y compartir anotaciones y varias soluciones de paso automático de páginas.

Esta nueva aplicación se utilizará por primera vez en una ópera del Teatro Real en las representaciones de Aquiles en Esciros, entre los días 17 y 25 de febrero.

Además, se encuentra a disposición de músicos y melómanos la versión para canto y piano de la ópera Achille in Sciro realizada por Saúl Aguado de Aza y revisada por Bernard Robertson. Se puede acceder libremente a la partitura en la web, a través del visor desarrollado por BlackBinder®.

Yolanda Osuna

El baile libre, sincero y apasionado de Yolanda Osuna regresa a Flamenco Real los días 15, 16 y 17 de febrero a las 19.00 horas.

Inspirada en la tradición y en la intensidad expresiva del flamenco, la bailaora cordobesa presenta su nuevo espectáculo Romántica del XIX, en el que rememora, con intensidad y nostalgia, aquellos cafés cantantes en los que el flamenco trascendió los espacios íntimos, como las casas y tabernas, para expresarse con libertad y cautivar al mundo.

Tras participar en la exitosa gira del Teatro Real Authentic Flamenco en Nueva York, Washington y Dallas, la bailaora vuelve al Salón de Baile del Real, un espacio que la ha acogido desde 2016, cuando presentó su espectáculo Las Minas Puerto Flamenco.

Nacida en Córdoba, realizó su debut a los cinco años y se graduó con matrícula de honor en danza española, a los 18 años, en el Conservatorio de Danza de Córdoba. Es ganadora de los premios ‘Antonio Hidalgo’ en el Concurso Nacional de Fandangos de Lucena y  ‘Jóvenes flamencos’ de la Diputación de Córdoba. También fue finalista en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba y en el del Cante de las Minas de La Unión.

Yolanda Osuna ha actuado en los más prestigiosos teatros y festivales de flamenco tanto de España como del extranjero y ha formado parte de la compañía de Javier Latorre en el espectáculo Rinconete y Cortadillo. Su perfil artístico se ha caracterizado por combinar el flamenco tradicional con otras disciplinas, como la danza contemporánea, las artes plásticas y las performances, ampliando el abanico de posibilidades para expresar su arte.

En Romántica del XIX, Yolanda Osuna contará con la participación especial de Ricardo Fernández del Moral como artista invitado en el cante y la guitarra, y estará acompañada por la voz de Bernardo Miranda, la guitarra de José Tomás Jiménez y las palmas y el baile de Beatriz y Lorena Osuna.

Mezzo

El canal MEZZO celebra sus primeros 25 años, y lo hace desde el Teatro Real retransmitiendo Arabella, de Richard Strauss. Con dirección musical de David Afkham y escenografía de Christof Loy.

El 21 de marzo de 1998, el primer día de la primavera, nació en Francia un nuevo canal de televisión, MEZZO, dedicado a la música clásica, la danza y el jazz. Veinticinco años después, MEZZO se ha desarrollado espectacularmente: ya no hay un canal sino dos, Mezzo y Mezzo Live, enriquecidos por una plétora de ofertas a la demanda, disponibles en casi 100 países con más de 65 millones de abonados.

Durante este primer cuarto de nuestro siglo, más de una generación de artistas ha triunfado, ha convivido y se ha conocido en nuestros programas; hemos asistido a muchos estrenos mundiales y redescubierto más de una obra maestra olvidada; hemos sentido las primeras emociones de conciertos, óperas, ballets que nos encantaba ver y volver a ver.

Es esta rica historia cultural que MEZZO le gustaría celebrar con nuestro 25 aniversario. Del 21 de marzo al 1 de mayo, cada noche, nuestros dos canales emitirán simultáneamente: – 25 conciertos emblemáticos que han marcado los últimos 25 años, una elección necesariamente subjetiva de todo el equipo MEZZO y que ve a Claudio Abbado y Maurizio Pollini en el Festival de Lucerna, Bernard Haitink en su concierto final con la Royal Concertgebouw Orchestra, Joyce DiDonato y Juan Diego Flórez en el Covent Garden, Nikolaus Harnoncourt y Jonas Kaufmann en la Ópera de Zúrich, Bobby McFerrin y Chick Corea, Jamie Cullum, Maurice Béjart, Anne Teresa De Keersmaeker y muchos otros que podrás descubrir.

– 17 eventos en vivo (o en ligero diferido) desde París, Londres, Praga, Montreal, Ámsterdam, Barcelona… Si la Orquesta Filarmónica de Berlín y su director Kirill Petrenko cierran este ciclo interpretando a Mozart en directo desde la Sagrada Familia, abriremos las celebraciones con un concierto de aniversario, el 21 de marzo en París, que reunirá a jóvenes artistas menores de 25 años, cuatro jóvenes talentos que sin duda brillarán en los escenarios de todo el mundo durante los próximos 25 años.

Para esta nueva primavera, los canales serán renovados con una nueva identidad visual que ya puedes descubrir en estas páginas.
Este aniversario es, por lo tanto, una oportunidad para celebrar un presente muy rico, admirable y también un futuro muy prometedor. Pero nuestros 25 años son sobre todo con – y especialmente para – los artistas: Claudio Abbado, Martha Argerich, Daniel Barenboim, Maurice Béjart, Pierre Boulez, Avishai Cohen, Hariprasad Chaurasia, Chick Corea, Jamie Cullum, Anne Teresa De Keersmaeker, Sabine Devieilhe, Joyce DiDonato, Gustavo Dudamel, Renée Fleming, Juan Diego Flórez, Sir John Eliot Gardiner, Melody Gardot, Bernard Haitink, Barbara Hannigan, Nikolaus Harnoncourt, Mariss Jansons, Jonas Kaufmann, Bruce Liu, Bobby McFerrin, Youn Sun Nah, Kirill Petrenko, Maurizio Pollini, Sir Simon Rattle, Jordi Savall, Lahav Shani, Grigory Sokolov, Daniil Trifonov, Mitsuko Uchida…

Fotografía: Javier del Real

Aquiles en Esciros

Se ofrecerán 5 funciones de la ópera, del 17 al 25 de febrero, en una nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Theater an der Wien.

Se ofrecerán 5 funciones de la ópera, del 17 al 25 de febrero, en una nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Theater an der Wien.

Aquiles en Esciros se estrenó en el Coliseo del Buen Retiro de Madrid en 1744 para festejar el enlace de la infanta María Teresa Rafaela de España, hija de Felipe V, con el delfín Luis de Francia, hijo de Luis XV.

En su puesta en escena de la ópera, Mariame Clément –que dirigió antes Platée, de Rameau, escrita para celebrar la misma boda en París- recrea aquél estreno de Aquiles en Esciros en Madrid, con la presencia de la infanta española, que adquiere un gran protagonismo en la producción.

El director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, estará al frente de un selecto reparto, del Coro Titular del Teatro Real y de la Orquesta Barroca de Sevilla, además de interpretar el clavecín.

Encabeza el reparto Franco Fagioli (Achille/Pirra), secundado por el contratenor Tim Mead (Ulisse), las sopranos Francesca Aspromonte (Deidamia) y Sabina Puértolas (Teagene), el bajo Mirco Palazzi (Licomede) y los tenores Krystian Adam (Arcade) y Juan Sancho (Nearco).

La partitura original de la ópera fue recuperada por el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), en una edición moderna a cargo del musicólogo Álvaro Torrente.

Aquiles en Esciros será retransmitida en directo en OPERA VISION, plataforma audiovisual de OPERA EUROPA, el 25 de febrero a las 19.30 horas. Posteriormente la producción estará disponible en el catálogo de My Opera Player.

En torno a Aquiles en Esciros se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real, Archivo de Simancas, Biblioteca Regional de Madrid Joaquín Leguina, Instituto Italiano de Cultura, Museo Arqueológico Nacional, Museo de Historia de Madrid, Museo Reina Sofía, Palacio Real y Sala Equis.

Las funciones de Aquiles en Esciros cuentan con el patrocinio del Consejo del Teatro Real y de la Fundación Amigos del Teatro Real.

El día 14 de marzo de 2020, tres días antes del estreno de Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli, en el Teatro Real, el Gobierno de España decretó el estado de alarma y el confinamiento obligatorio de la población.

El decorado de Aquiles en Esciros quedó montado en el escenario durante tres meses, con los trajes colocados en los talleres y todo preparado para un ensayo general que no llegó…

La ópera renace ahora en el Teatro Real, 278 años después de su estreno en Madrid, el 8 de diciembre de 1744, cuando la pandemia ha dejado de ser la protagonista de nuestras vidas…

El Teatro Real recupera Aquiles en Esciros (Achille in Sciro), de Francesco Corselli, con 5 funciones de la ópera, entre el 17 y 25 de febrero, en una nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Theater an der Wien.

AQUILES EN ESCIROS, DE FRANCESCO CORSELLI

Contexto histórico

En la Europa del siglo XVIII las guerras religiosas habían dado paso a las contiendas territoriales, con constantes tratados, alianzas y pactos, muchos de ellos sellados con matrimonios reales. En este contexto se enmarca la boda de la infanta María Teresa Rafaela de España ─hija de Felipe V e Isabel de Farnesio─ con el delfín Luis de Francia, hijo de Luis XV, que se celebró por poderes en Madrid, el 18 de diciembre de 1744, y en persona, en Versalles, el 23 de febrero de 1745, y con la que se pretendía apaciguar las tensas relaciones entre ambos países.

Para celebrar el enlace de los futuros reyes de Francia ─que finalmente no reinarían por la prematura muerte de ambos─ se estrenaron dos obras: Achille in Sciro (Aquiles en Esciros), de Francesco Corselli, en el Coliseo del Palacio del Buen Retiro de Madrid, abriendo los festejos de la boda en presencia de la infanta y de los reyes de España, y Platée, de Jean-Philippe Rameau, presentada en la Grand Écurie de Versalles ante la familia real francesa.

Un año después de la boda, fallecía en París la infanta española como consecuencia del parto de una niña que moriría a los 2 años. El delfín de Francia le sobreviviría casi 20 años, junto a su segunda esposa, aunque murió de tuberculosis antes de llegar a reinar.

Aquiles en Esciros se verá por segunda vez en Madrid, 278 años después de su estreno. En 2028 se han ofrecido dos funciones de esta ópera en Dallas, gracias a la perseverancia del musicólogo Grover Wilkins, que dirigió la ópera al frente de la Orchestra of New Spain, en una producción con dirección de escena de Gustavo Tambascio.

Francesco Corselli -o Francisco Courselle- (1705-1778)

Francesco Corselli, natural de Piacenza e hijo de Charles Courcelle, maestro de baile francés de Isabel de Farnesio en Parma, se formó y consagró como compositor en Parma y Venecia, donde estrenó sus dos primeras óperas. En 1733 vino a España, desempeñando años más tarde el cargo de maestro de la Capilla Real durante cuatro décadas. Su notoria influencia italiana en la vida cortesana se vio reforzada por la presencia del célebre castrato Farinelli (1705-1782), excelso cantante y consejero musical de los reyes a lo largo de más de 20 años.

La producción de Corselli, con un notable catálogo de obras mayoritariamente religiosas, acompaña la evolución del barroco musical europeo de mediados del siglo XVIII, ya tardío y sobrio, hasta entroncar con el clasicismo. De sus seis óperas conocidas, dos tienen, como Aquiles en Esciros, libreto de Pietro Metastasio (1698-1782), gran amigo de Farinelli que, según el musicólogo Álvaro Torrente, habría intervenido en los contactos con el libretista, la selección de intérpretes y otros detalles relativos a la producción de la ópera.

Aquiles en Esciros

La ópera narra el jugoso episodio de la vida de Aquiles (Achile, contratenor, tesitura de soprano), en el que su madre, Tetis, decide enviarlo a la isla de Esciros para evitar que el valiente e impulsivo joven participe en la guerra de Troya, donde, según el oráculo, perderá la vida.

Con la complicidad y vigilancia del viejo Nearco (tenor) y la ayuda del rey Licomedes (Licomede, bajo), Aquiles se oculta entre sus hijas disfrazado de mujer con el nombre de Pirra, lo que le permite conocer y disfrutar, de incógnito, del encanto y placeres de la juventud femenina. En ese juego erótico y camaleónico de travestismo esconde su secreta relación amorosa con Deidamia (soprano), hija de Licomedes, destinada a desposar al joven Teagene (soprano), que a su vez está enamorado de Pirra / Aquiles.

En medio de estos hilarantes enredos, cuya ambigüedad sexual es acentuada por las tesituras, también travestidas, de los cantantes, llega a la isla el poderoso Ulises (Ulisse, contratenor, tesitura de mezzosoprano), advertido ya de la situación y decidido a rescatar a Aquiles para capitanear el ejército griego. Conociendo su ímpetu guerrero e intempestivo, simula un falso ataque a la isla que despierta, finalmente, el brío del futuro héroe de la epopeya.

A partir de ese momento la ópera adquiere su carácter épico de opera seria y Aquiles deja la fogosidad juvenil y se debate, hasta el final de la obra, con las grandes cuestiones éticas que subyacen en el mito:

─ ¿Una vida corta con gloria o larga sin ella?

─ ¿El amor bienaventurado o la lucha por un ideal?

─ ¿La inmortalidad en el Edén o la muerte heroica como un hombre?

La nueva producción del Teatro Real

La directora de escena Mariame Clément indaga sobre estas y otras cuestiones en su original dramaturgia, presentando Aquiles en Esciros a la verdadera infanta María Teresa Rafaela como una especie de “éducation sentimentale”, en la que los personajes y las sucesivas escenas de la ópera le harán reflexionar sobre los sentimientos, los placeres, los ideales, los deberes, los miedos y los atributos del hombre y de la mujer.

Con la complicidad de la escenógrafa y figurinista Julia Hansen, con quien trabaja regularmente, Clément sitúa la trama de la ópera en una “gruta encantada” de perfume rococó, que evoca las falsas ruinas de los jardines dieciochescos; o el vientre femenino, curvilíneo y libidinoso de una madre protectora; o la roca de una isla imaginaria. Ahí vive Aquiles disfrazado, imberbe y juguetón, en igualdad de circunstancias que las mujeres, y de ahí saldrá maduro y presto a luchar por su pueblo, investido de masculinidad y heroísmo, dispuesto a dejar a su amada después de la feliz boda que concluye la ópera. Un camino de iniciación y de nacimiento de un héroe y un viaje de la ópera del siglo XVIII desde la libertad sexual, abstracción y goce del barroco primigenio a los convencionalismos de género que se impondrían en los siglos siguientes.

Arabella
Arabella
Lyrische Komödie en tres actos
Música de Richard Strauss (1864-1949)
Libreto de Hugo von Hofmannsthal
Estrenada en el Sächsisches Staatstheater de Dresde el 1 de julio de 1933
Estreno en el Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, procedente de la Oper Frankfurt
D. musical: David Afkham
D. escena: Christof Loy
Escenógrafo y figurinista: Herbert Murauer
Iluminador: Reinhard Traub
Coreógrafo: Thomas Wilhelm
D. del coro: Andrés Máspero
Reparto: Sara Jakubiak, Sarah Defrise, Anne Sofie von Otter, Josef Wagner, Sarah Defrise, Matthew Newlin, Dean Power, Roger Smeets, Tyler Zimmerman, Elena Sancho Pereg, Barbara Zechmeister, José Manuel Montero, Benjamin Werth, Niall Fallon, Hanno Jusek
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

“Quisiera un segundo Caballero de la rosa, sin sus errores ni su longitud.” Así se dirigió Richard Strauss a su libretista, Hugo von Hofmannsthal, en una carta que le envió en septiembre de 1922. Esta sería la sexta y última colaboración entre ambos.

Todo empieza, tras algún pequeño desencuentro inicial, con el envío, por parte de Hofmannsthal a Strauss, de un proyecto que había publicado en 1910, Lucidor. La historia que aquí se narra será el germen de Arabella.

En diciembre de 1924 el compositor recibe el primer borrador del libreto que le había encargado. Se titula Mandryka, que es el pretendiente de la protagonista Arabella. A Strauss le convence la historia, pero no el título de la obra. Influido por el éxito del caballero de la rosa, quería que el personaje protagonista tuviera más presencia y decide cambiarlo, pasando a titularse Arabella.

Mientras daban los últimos retoques al libreto, Hofmannsthal sufre un ictus y fallece a los pocos días. Strauss queda muy impresionado por la muerte de su colaborador y abandona la composición de esta ópera. No será hasta 1931 cuando, junto a su amigo y director de orquesta Clemens Krauss, retomen la partitura y la terminen. En homenaje a su libretista, Strauss decide dejar como están el segundo y tercer acto del libreto, que no habían tenido tiempo de pulir.

La partitura se termina en 1932 y está previsto su estreno al año siguiente. Pero en 1933 Hitler es proclamado canciller y para entonces ya han empezado a aplicarse las leyes antisemitas. Esto afecta al estreno de Arabella, ya que el director del teatro, que era judío, y Freud Woods, que iba a dirigir la obra, protestan por la implantación de estas leyes. Como consecuencia, fueron fulminantemente destituidos de sus cargos. Strauss se opuso entonces al estreno de su ópera pero, obligado por el contrato, tuvo que llegar a un acuerdo y accedió a su estreno a cambio de elegir él mismo todo el elenco, empezando por su director musical que sería Clemens Krauss. Finalmente se estrenó el 1 de julio de 1933, con gran éxito de crítica, pero con cierta frialdad por parte del público.

Si en El Caballero de la rosa, Strauss había descrito la decadencia del siglo XVIII, en Arabella describe la del siglo XIX. Sitúa la acción en la Viena de 1860, en una sociedad que vive de las apariencias y sobre la que el compositor ejerce una dura crítica. Una de esas familias de la alta sociedad, arruinadas y decadentes, es la protagonista de la historia. El conde Waldner, junto a su esposa Adelaide y sus dos hijas, Arabella y Zdenka, viven en un hotel que apenas pueden pagar. La pequeña de las hermanas, Zdemka, es obligada a disfrazarse de chico, ya que solo tienen dote para una de ellas y solo a esa pueden financiar su asistencia a las fiestas y círculos más exquisitos de Viena. Deciden invertir sus poco recursos para que Arabella busque un pretendiente capaz de aliviar su situación económica. A partir de aquí se suceden los enredos de Arabella con sus numerosos pretendientes, y las distintas tramas, todo con ambiente de fiesta pues se está celebrando el carnaval.

Strauss hace de sus óperas obras muy corales, como ya pudimos ver en este mismo teatro con Capriccio, por lo que el canto se convierte a veces en pura conversación.
Aparentemente Arabella no tiene una estructura sinfónica, pero los live motive asociados a personajes equilibran las tonalidades. Su partitura contiene melodías de gran belleza, como los valses, arias y dúos de bellísima factura, como el que hay entre Arabella y Mandryka en el segundo acto, o la escena final, basada en una canción de boda de la tradición croata, de donde es Mandryka.

La escenografía de Christof Loy tiene la elegancia de la recordada Capriccio y la misma sobriedad de color, blanco y negro. Además de esa cualidad de Loy de hacer que un escenario sin apenas elementos no parezca vacío. Unos paneles móviles nos van mostrando, primero las distintas estancias de hotel donde vive la familia Waldner, y después los salones de baile donde se celebran las fiestas. La obra termina en un enorme cubículo de un blanco que deslumbra y que deja todo el protagonismo a los cantantes y la resolución de la trama. Los figurines de Herbert Murauer son elementos fundamentales de la escenografía, plenamente descriptivos de la época y la situación de los personajes.

La dirección musical de David Afkham estuvo a buen nivel. Aunque a veces había que esperar a la llegada del Strauss más reconocible para volver a sumergirnos en la obra.

La estadounidense Sara Jakubiak es la encargada de dar vida a Arabella. Posee un atractivo timbre y una muy buena y esmaltada emisión. Un centro poderoso y un fraseo notable. Su personaje brilló también gracias a su buena interpretación y presentó una Arabella madura, a la que tal vez le faltó un poco de frivolidad. Su aria final, cuando ofrece a Mandryka el agua clara de la fuente que sella su compromiso, fue de una gran belleza interpretativa.

Josef Wagner, al que ya vimos interpretando uno de los protagonistas de Capriccio, se encargó de dar vida a Mandryka. Su voz de bajo barítono brilló con este extraño protagonista. Pero donde mejor estuvo fue en la interpretación, nada fácil, de un personaje brusco y fuera de lugar en la alta sociedad a la que llega. Aunque cumple el requisito principal, la riqueza.

La Zdenka de la soprano belga Sarah Defrise estuvo muy bien, sobre todo en la parte interpretativa. Su personaje es muy especial, por la soledad en la que se encuentra y que supo transmitir a la perfección. Su bonito timbre con tonos oscuros resultó perfecto para el personaje.

Anne Sophie von Otter se encargó de dar vida a Adelaida, la esposa del Conde y el personaje más superficial de toda la familia. Se nota en su voz el paso de tiempo, pero conserva un instrumento de mucha calidad. Su presencia escénica sigue siendo imponente, como su manera de desenvuelve por el escenario.

La donostiarra Elena Sancho Pereg, como Fiakermilli, tuvo que hacer frente a un rol breve, pero diabólico por los sobreagudos que abordó con valentía y calidad. Todo acompañado de una gran interpretación.

Martin Winkler como el conde Waldner, tuvo un destacado papel. Ya no se suelen escuchar voces de bajo barítono tan sólidas y profundas.

Dean Power, como Elemer, quedó en casi todas sus intervenciones oculto bajo la orquesta. Destacar a Roger Smeets, en su papel de Dominik, otro de los pretendientes de Arabella, al igual que Tyler Zimmerman.

Un acierto programar Arabella por fin en el Teatro Real y este ciclo que. Temporada tras temporada nos acercan a la música de Strauss.

Teatro Real

El Teatro Real consolida su posición como primera institución de las artes escénicas y musicales de España, según el Observatorio de la Cultura de 2022 de la Fundación Contemporánea, dependiente de La Fábrica, que ha hecho público su ránking anual.

El Teatro Real encabeza esta clasificación nacional, desde el año 2016, en la que figuran en los primeros puestos el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza, Zinemaldia San Sebastián y el Museo Guggenheim de Bilbao.

La propuesta cultural del Teatro Real en artes escénicas y musicales es la opción de referencia en la Comunidad de Madrid, la región más valorada por su programación, innovación y oferta cultural.

El Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea se elabora anualmente desde 2009 y refleja las consideraciones de un nutrido panel de expertos formado por profesionales pertenecientes a diversos ámbitos de la cultura como la literatura, las artes plásticas, el cine, la música, la arquitectura y todos los campos de la creación en general.

Dido y Eneas

El martes 17 asistimos al estreno de Dido y Eneas, de Henry Purcell, en los Teatros del Canal. Blanca Li y Wiliam Christie se han unido para ofrecer una versión contemporánea de esta obra maestra de la música inglesa. Se trata de su segunda colaboración, después de la memorable producción de Les Indes Galantes, dirigida por Andrei Serbio para la Ópera de París en 2005.

Estrenada en Chelsea en 1689, Dido y Eneas continúa expresando hoy, de manera conmovedora, los sentimientos más profundos de amor y pérdida. El libreto es del poeta irlandés Nahum Tate a partir de su obra Brutus of Alba or the enchanted lovers y del libro IV de La Eneida, que el poeta latino Virgilio escribió en el siglo primero antes de Cristo.

Para contextualizar esta gran obra, Blanca Li ha subido la orquesta al escenario y ha creado una escenografía original, expresiva y atrevida. Y todo con un denominador común, la armonía.

Las óperas barrocas siempre resultan un desafío para los escenógrafos. Pero lo que sin duda es un acierto, es el maridaje que venimos observando desde hace un tiempo entre la ópera barroca y la danza contemporánea de calidad. El diálogo que se establece entre la obra de Purcell y la coreografía de Blanca Le y Evi Keller, es mucho más que complementario, se convierten en imprescindibles.

La plasticidad acuática de los bailarines en el oscuro escenario son el complemento visual perfecto a la historia y a los personajes protagonistas que interpretaban sus roles estáticos, desde lo alto de sus atalayas. Al frente del reparto, la mezzosoprano franco-italiana Lea Desandre, como Dido. Teníamos muchas ganas de escucharla y no nos ha defraudado. Acompañada por Renato Dolcini, como Eneas y Ana Vieira Leite, como Belinda.

Pero sin duda la protagonista de esta producción es la música de Purcell y Wiliam Christie su mejor intérprete. Al frente de su formación, Les Arts Florissants, delinea con minuciosidad todos los elementos de una partitura grandiosa. Todo ello con el sonido delicado y sutil de sus instrumentos de época.

Un acierto del Teatro Real programar esta producción y hacerlo en una sala más pequeña, donde se aprecia mejor el sonido delicado de estos instrumentos. Lástima que solo sean cinco funciones.

Críticas