Hadrian

El próximo 27 de julio, el Teatro Real culminará la actual temporada con el estreno de Hadrian, segunda incursión en la ópera del cantautor canadiense-estadounidense Rufus Wainwright, que se ofrecerá en versión semi-escenificada protagonizada por el barítono Thomas Hampson, quien dio vida al emperador Adriano en el estreno absoluto de la obra en Toronto en 2018.

Haciendo uso de una paleta musical que el propio autor define como «más oscura y potente» que la de su primera ópera –Prima donna–, tejida con largas líneas melódicas mezcladas con ricas texturas orquestales,

Wainwright construye un relato verdaderamente apasionante.

El complejo entramado vocal estará defendido por Thomas Hampson en el papel titular, Ainhoa Arteta (Plotina), Santiago Ballerini (Antinous), Rubén Amoretti (Turbo) y Vanessa Goikoetxea (Sabina) entre otros. Junto a ellos, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección musical de Scott Dunn.

Las impactantes imágenes del fotógrafo Robert Mapplethorpe y la dirección de escena de Jorn Weisbrodt, completan este interesante espectáculo.

Rufus Wainwright describe así su elección de este personaje histórico para su segunda ópera: “Cuando leí por primera vez las fabulosas Memorias de Adriano, de Marguerite Yourcenar, una novela que inspiró al menos a tres generaciones de hombres homosexuales, me asaltó al instante la idea de transformar este tema histórico en forma de ópera. Tanto su naturaleza íntima como su salvaje grandeza parecían perfectamente adecuadas para lo que la ópera hace mejor: crear una hiperilustración de las oscuras vidas interiores de las personas que se enfrentan a formidables circunstancias exteriores y, al mismo tiempo, recorrer musicalmente las dimensiones surrealistas de lo que hay entre ellas. En mi opinión, ninguna otra forma teatral retrata

verdaderamente la vida en una miríada de colores vibrantes y brillantes como lo hace la ópera, y la historia del emperador romano Adriano es un diamante perfectamente tallado para esa tarea”.

La ópera se centra en el verdadero pero problemático amor del emperador por el bello joven Antinoo. Mientras el oscuro espectro del monoteísmo se acerca anunciado por los judíos y los primeros cristianos, hasta destruir el antiguo sistema de creencias paganas. La investigación histórica asegura que muchas partes de la vida y el legado de Adriano fueron destruidos por sus detractores y, aunque fue un gobernante productivo y justo, su masacre de los judíos no puede ser olvidada, y es un punto principal de la obra.

Así, Rufus Wainwright concluye: “Casi inmediatamente después de la muerte de Adriano, los dictados patriarcales de la humanidad se apoderaron de la narración, dejando que la patética observación antigua de que «lloró como una mujer» cuando Antinoo se ahogó, ensombreciera todos sus logros”.

HADRIAN

Ópera en cuatro actos

Música de Rufus Wainwright (1973)

Libreto de Daniel Mcivor

Con la colaboración especial de la Mapplethorpe Foundation

Estrenada en la Canadian Opera Company de Toronto el 13 de octubre de 2018

Estreno en el Teatro Real

Ópera en versión de concierto semiescenificada

EQUIPO ARTÍSTICO

Director Musical I Scott Dunn

Imágenes I Robert Mapplethorpe

Director de Escena I Jorn Weisbrodt

Diseñador de luces | John Torres

Diseñador de proyecto | Michael Worthington

Asistente del diseñador del proyecto | Cory Siefker

Programador de proyección | James Pomichter

Director del Coro I Andrés Máspero

Coro y Orquesta titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

REPARTO

Hadrian | Thomas Hampson

Plotina | Ainhoa Arteta

Antinous | Santiago Ballerini

Turbo | Rubén Amoretti

Sabina | Vanessa Goikoetxea

Trajan | Alejandro del Cerro

Fabius | Vicenç Esteve

Hermogenes | Gregory Dahl

Primer Senador | Pablo García-López

Segundo Senador | Josep-Ramón Olivé

Tercer Senador | David Lagares

Lavia | Berna Perles

Dinarchus | Albert Casals

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

PABLO GARCIA LOPEZ

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de primer senador, vuelve al Teatro Real (27 de julio) y debuta en el Festival de Peralada (29 de julio) con Hadrian, de Rufus Wainwright. Dos únicas funciones de esta ópera contemporánea, en versión de concierto semiescenificada, basada en el emperador romano Adriano, que reúne los ingredientes perfectos para una trama de ópera clásica que narra la historia de amor entre Adriano y su joven amante.

Para la ocasión, el Teatro Real y el Festival Castell de Peralada han reunido un elenco capitaneado por Thomas Hampson, Santiago Ballerini, Vanessa Goikoetxea, Ruben Amoretti, Josep-Ramón Olivé y las bases estables del Teatro Real con Scott Dunn en el podio.

Hadrian, segunda incursión en la ópera del cantautor canadiense-estadounidense Rufus Wainwright, se suma así a una ilustre serie de títulos operísticos –Pergolesi, Caldara o Johann Christian Bach, entre otros– con este emperador romano como protagonista. Estrenada en Toronto en 2018, contó con el barítono Thomas Hampson en un rol titular escrito a su medida y que repetirá en el Teatro Real y en el Festival de Perelada. Haciendo uso de una paleta musical que el propio autor ha definido como “más oscura y potente” que la de su primera ópera –Prima Donna–, y apoyado por las impactantes imágenes del fotógrafo Robert Mapplethorpe, Hadrian discurre, según se apunta desde el Teatro Real- “en un viaje sin fin entre el frágil consuelo de la memoria y la inapelable realidad de la pérdida”.

García López llega a este estreno tras su participación en la Ópera de Lausanne, el Teatro Real, el Festival de La Rioja “Pablo Sainz Villegas”, su debut en el Auditorio Nacional de música de Madrid con la OCNE y la orquesta de Castilla y León y en el Auditorio Miguel Delibes.

Carrete de Málaga

La vida y el arte nacieron juntos, en un entorno difícil, donde se sobrevivía al hambre y a la dureza de la posguerra al compás de la seguiriya, la soleá, la cantiña o los tarantos. Aprendiendo a bailar antes que a dar sus primeros pasos, se forja la leyenda de José Losada Santiago, Carrete de Málaga, el hombre al que los más grandes apodaron “el monstruo” y que ahora, sin nostalgia y con firmeza, nos lleva De El Perchel al Teatro Real.

El Carrete es uno de esos flamencos hecho a sí mismo. Nacido en Antequera, en el seno de una familia de gitanos trashumantes, en fecha imprecisa (1941), ya que sólo se conserva su partida de bautismo, toma su nombre artístico del apodo de su madre, a la que llamaban La Carreta. De sus primeros años, marcados por el hambre, la vida en la calle y la búsqueda de los restos de las cosechas por las carreteras y los caminos, el bailaor recuerda: “Mi madre tiraba el trigo en la carretera y me decía ‘anda Carretillo baila’. Y yo bailaba sobre el trigo. Yo era la era en la Carretera. Que todavía tengo clavaos en los pies las espigas y el ritmo metío en la cabeza”.

Tras su paso por el reformatorio, del que se escapa para seguir bailando, es descubierto por El Niño de Almería, que lo lleva a aquellos primeros tablaos de Torremolinos de los años 50 y 60, donde conoce a grandes artistas (Farruco, Antonio o Carmen Amaya) de los que aprende mirando, y baila para estrellas del cine (Anthony Quinn, Brigitte Bardot o Sean Connery) y en fiestas de la jet set de la Costa del Sol.

Esta historia de novela se construye con un artista de baile intuitivo que desarrolla una técnica única, depurada, de personalidad arrolladora y un zapateado diabólico difícil de imitar, con desplantes que sorprenden y arrebatan. No en vano, grandes del flamenco como Camarón -que se desplazaba a La Línea para ver bailar «al monstruo», como le llamaba- o Paco de Lucía –que le tocaba la guitarra y le pedía “Carrete, léeme la Biblia”-, por mencionar sólo algunos, le consideran maestro de maestros.

El próximo 21 de julio, a las 19.00 horas, con un espectáculo al que ha denominado De El Perchel al Teatro Real, actuará en el Salón de Baile del coliseo madrileño acompañado por Luisa Chicano en el baile, Joni Jimenez, a la guitarra, y María Mezcle, en el cante.

Con esta actuación única, Flamenco Real cerrará una temporada en la que han tenido espacio el baile, el toque y el cante de figuras consagradas, y de valores emergentes, que ya nos hacen soñar con la programación que volverá en otoño.

Carrete de Málaga © Paco Lobato

Nabucco
Nabucco en el Teatro Real, casi un estreno
Nabucco
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma lírico en cuatro actos
Libreto de Temistocle Solera, basado en la obra Nabuccodonosor (1836)
de Auguste Anicet-Bourgeois y Francis Cornu, y en el ballet Nabuccodonosor (1838) de Antonio Cortesi
Estrenada en el Teatro Alla Scala de Milán, el 9 de marzo de 1842
Estrenada en el Teatro Real el 27 de enero de 1853
Producción de la Opernhaus de Zürich, en coproducción con el Teatro Real
D. musical: Nicola Luisotti – Sergio Alapont (13, 16, 20 jul)
D. escena: Andreas Homoki
Escenógrafo: Wolfgang Gussmann
Figurinistas: Wolfgang Gussmann, Susana Mendoza
Iluminador: Franck Evin
Dramaturgo: Fabio Dietsche
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Nabucco: Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani, Luis Cansino;
Ismaele: Michael Fabiano, Eduardo Aladrén; Zacaria: Dmitry Belosselsky, Roberto y Tagliavini Alexander Vinogradov; Abigaille: Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka;
Fenena: Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono; El Gran Sacerdote: Simon Lim y Felipe Bou; Abdallo: Fabián Lara y Anna Maribel Ortega

Nabucco se estrena en el Teatro Alla Scala de Milán, el 9 de marzo de 1842. Llegó a España muy pronto, en el Teatro de la Santa Creu de Barcelona en 1844 (aún no se había inaugurado el Liceu). Al frente del reparto estaba Antonio Superchi, uno de los barítonos más importantes de la época.

En Madrid se estrena apenas dos meses después en el Teatro Circo, con Giogio Ronconi, otro grande, en el rol de Nabucco. Desde 1844 hasta 1850, Nabucco estuvo en cartel casi todas las temporadas. Desde que se inauguran el Liceu en 1847 y el Teatro Real en 1850, se convierte en una de las obras más representadas y de mayor éxito. Siempre en cartel y siempre de la mano de los mejores intérpretes.

El 9 de febrero de 1871, Nabucco se representa por última vez en Madrid. Desde entonces, y a pesar de la enorme popularidad de esta obra, no había vuelto a subir al escenario del Real hasta ahora.

Cuando Verdi recibe el encargo de Nabucco, está pasando por uno de los peores momentos de su vida. Su mujer y sus hijos habían fallecido y estaba valorando la posibilidad de abandonar la música. Al principio rechaza el proyecto pero, tras pensar que puede ser la oportunidad para salir adelante, acepta el trabajo. Verdi no sabía que gracias a esta obra se convertiría en un héroe nacional.

Con tan solo doce días desde el primer ensayo al piano hasta el día del estreno, Verdi tiene que trabajar duro con una partitura que introduce varias novedades en su orquestación. La primera es la utilización de numerosos metales, como trompas y cornetas, elevando el volumen de sonido, algo que no era muy habitual en el resto de óperas. Como contrapunto al volumen de sonido, crea momentos de gran intimidad en las arias, como el sexteto de violonchelos que acompañan a Nabucco, o el aria de Abigaile, acompañada solo por un violonchelo y un corno inglés, creando uno de los momentos más sublimes d esta obra, junto a las intervenciones del coro.

Para este casi reestreno en el Teatro Real, se ha elegido la producción de la Opernhaus de Zürich, en coproducción con el propio Real. Al frente de la orquesta Nicola Luisotti, un maestro del repertorio verdiano que sabe mantener como nadie los equilibrios sonoros de la orquestación de una obra como esta.

La escenografía de Andreas Homoki y Wolfgang Gussmann es casi inexistente. Como la obra se divide en cuatro actos, y cada acto en dos cuadros, se hace muy difícil montar ocho escenografías diferente por lo que, según los propios directores de escena, “decidimos que la mejor manera de reflejar los cambios y que las escenas fluyeran y tuvieran continuidad era, simplemente, que no hubiera escenografía”. Y así es, bajo la presencia absoluta de un elegante color verde carroza, sobre el escenario solo aparece una especie de encimera de mármol gigantesca que se mueve generando los espacios en los que se desarrollan la acción. Lo único que viste la escena y la ambienta, son los figurines de Wolfgang Gussmann y Susana Mendoza, junto a la iluminación, siempre acertada, aunque muy oscura (algo que se ha puesto de moda) de Franck Evin.

Para las voces no se han escatimado esfuerzos, hasta cuatro Nabuccos participan en esta producción, Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani y Luis Cansino. Para Ismaele dos opciones, el siempre impecable Michael Fabiano y Eduardo Aladrén. A Zacaria le dan vida Dmitry Belosselsky, Roberto Tagliavini y Alexander Vinogradov.
Abigaille cuenta con la participación de Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka. Fenena corre a cargo de Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono. Como grandes sacerdotes, Simon Lim y Felipe Bou. Y no podemos olvidar la participación del gran protagonista de esta ópera, el Pueblo, representado por el Coro Titular del Teatro, Coro Intermezzo que, en el momento de escribir esta crónica, ya ha tenido un primer bis en el estreno con “Va pensiero”. Y es que este coro, bajo la dirección de Andrés Máspero, demuestra por qué está entre los mejores del mundo y con todo merecimiento.

Un impresionante elenco de voces para elegir al gusto en esta obra para la que ha habido que esperar 151 años, pero que ha merecido la pena.

Con motivo de la Semana de la Ópera, los días 14 y 15 de julio, a las 21.00 horas, Nabucco podrá ser vista en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) con dos repartos distintos. Habrá 1000 sillas disponibles para el público, por orden de llegada, hasta completar aforo.

El 15 de julio a las 21.00 horas, Nabucco será retransmitida gratuitamente en MyOperaPlayer para todo el mundo y en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España.

Nabucco

Como en las seis ediciones precedentes, la programación de la Semana de la Ópera 2022, del 11 al 16 de julio, se basa en las enormes posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías audiovisuales y las redes sociales para la difusión de la ópera de una manera interactiva, en la que el público puede disfrutar, participar, aprender y compartir experiencias que fomentan el diálogo, la reflexión y la crítica.

Como preludio a las propuestas de la Semana de la Ópera, el domingo, 10 de julio, a las 20.30 horas, se emitirá Tosca, de Giacomo Puccini en el canal de YouTube del Teatro Real. La producción, que triunfó en el escenario del Teatro Real el pasado verano, cuenta con dirección musical de Nicola Luisotti, dirección de escena de Paco Azorín, y tres magníficos protagonistas: Sondra Radvanovsky, Joseph Calleja y Carlos Álvarez.

La ópera Nabucco, estrenada con gran éxito esta semana, será el eje de la programación de la Semana de la Ópera: los días 14 y 15 de julio, a las 21.00 horas, podrá ser vista en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) de Madrid, con dos repartos distintos. Habrá 1000 sillas disponibles para el público, por orden de llegada, hasta completar aforo.

El 15 de julio, a las 21.00 horas, Nabucco será retransmitida gratuitamente en MyOperaPlayer para todo el mundo y también en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España. Cerca de 150 pueblos y ciudades de distintas autonomías retransmitirán la ópera. Las inscripciones siguen abiertas a través de este enlace.

Fuera de España la ópera será retransmitida a las 21.00 horas locales del día 16 de julio en el Teatro Municipal de Santiago de Chile y en el Teatro Nacional de Costa Rica.

Bajo la batuta brillante, inspirada y perfeccionista de Nicola Luisotti, un elenco de grandes voces verdianas interpretará la ópera junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real: el barítono George Gagnidze (Nabucco), la soprano Saioa Hernández (Abigaile); el tenor Michael Fabiano (Ismaele); la mezzosoprano Elena Maximova (Fenena); el bajo Roberto Tagliavini (Zaccaria), el bajo Simon Lim (El Gran Sacerdote); el tenor Fabián Lara (Abdallo) y la soprano Maribel Ortega (Anna).

El director de escena Andreas Homoki traslada el conflicto entre judíos y babilonios, en el siglo VI a.C., al enfrentamiento entre italianos y austríacos, en el siglo XIX, donde “al sistema politeísta de los babilonios se contrapone, como utopía, un sistema nuevo y moderno, representado en la visión monoteísta del mundo de los hebreos”. Las dos hermanas, hijas de Nabucco, encarnan el trasfondo de dos mundos que se contraponen: “Abigaille, la primogénita, intenta desesperadamente salvar el antiguo sistema derrocando a su padre y asumiendo ella misma el poder. Fenena, percibe el momento de transición en el que se encuentran y quiere salvarse cambiando de bando. En el proceso de relevo de lo antiguo por lo nuevo, también la familia acaba rompiéndose”.

El drama transcurre en un decorado austero, minimalista y conceptual diseñado por el escenógrafo Wolfgang Gussmann, que también firma el suntuoso vestuario junto a Susana Mendoza.

Pero además de Nabucco, a lo largo de toda la semana se ofrecerá el acceso gratuito, en MyOperaPlayer, a una colección de cinco óperas retransmitidas en ediciones anteriores de la Semana de la Ópera: Lucia di Lammermoor, La traviata, Il trovatore, Madama Butterfly y Tosca.

Asimismo, entre el 11 y el 17 de julio, la adquisición de suscripciones anuales y semestrales a MyOperaPlayer tendrá un 40% de descuento para todos los interesados en abonarse a la plataforma audiovisual del Teatro Real, en cuyo catálogo hay títulos procedentes de 50 teatros y auditorios de Europa, América y Asia.

El Teatro Real estrenará en su Sala Gayarre dos documentales, cuyas entradas se pueden adquirir gratuitamente, hasta completar aforo, en la página web del Teatro Real.

El 12 de julio, a las 20.00 horas presentará, Fleta, tenor, mito, de Germán Rueda, un recorrido por la vida y obra del gran cantante aragonés Miguel Fleta (1897-1938) estrenado el pasado 17 de junio en el Festival Internacional de Cine Huesca.

El 13 de julio, a las 20.00 horas, se proyectará el documental El Kaiser de la Atlántida, de Sebastián Alfie, estrenado con gran éxito en la última edición del Festival de Cine de Málaga. Parcialmente grabado en el Teatro Real en 2016, cuando se estrenó en su escenario la ópera del mismo título, del compositor judío Viktor Ullmann (1898-1944), el film cuenta los entresijos de la obra que le da título: una inquietante alegoría sobre la locura y la muerte durante el Tercer Reich.

Pondrá fin a la Semana de la Ópera, como suele ser habitual, una jornada de puertas abiertas. El 16 de julio, entre las 10.00 y las 14.00 horas, los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones de la segunda planta. En estos espacios, guías del Teatro Real estarán disponibles para ofrecer información. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de diversos premios a través de códigos QR disponibles en los distintos espacios del edificio.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Sergio Alapont

El director de orquesta español Sergio Alapont vuelve este mes de julio al Teatro Real de Madrid –alternándose en el podio con el maestro Nicola Luisotti– para ponerse al mando de Nabucco, de Verdi, en el que será su debut dirigiendo ópera en ese escenario. “Estoy encantado y muy emocionado de dirigir por primera vez en el Real una obra maestra de uno de los compositores de los que he dirigido más representaciones de sus diferentes títulos y al que he proferido admiración y devoción por su grandeza”, comenta el músico nacido en Benicàssim (Castellón). “Además a Verdi le debo el premio de la revista italiana GBOpera como mejor director de 2016 por Aida”. Alapont regresa al coliseo madrileño tras debutar en ese escenario dirigiendo una gala lírica en 2018, “y al año siguiente regresé con el Stabat Mater de Pergolesi, siempre al frente de la Sinfónica de Madrid, una orquesta con una rica versatilidad sonora y de una calidad extraordinaria. Estoy muy contento de volver ahora con esta ópera tan llena de significado para la literatura operística. Verdi la escribió gracias a la insistencia del gerente de La Scala ya que el compositor había decidido dejarlo todo al estar devastado emocionalmente por la pérdida de sus dos hijos y de su mujer, Margherita. Además acababa de sufrir dos fracasos en sus óperas anteriores. Con Nabucco anuncia los grandes trabajos y roles que completarán su catálogo en años venideros. La obra representa el inicio del drama verdiano y de esa humanidad tan característica que otorga a los personajes que solo Verdi sabía plasmar en la partitura y que han quedado en el imaginario del público. La música de Nabucco y la espectacular narración que consigue el compositor es soberbia y dirigirla es uno de los mayores placeres para un director”, añade.

Sergio Alapont se pondrá al mando de las funciones programadas los días 13, 16 y 20 de julio en una producción firmada escénicamente por Andreas Homoki y teniendo en el reparto a Luis Cansino (Nabucco), Oksana Dyka (Abigaille), Eduardo Aladrén (Ismaele), Alexander Vinogradov (Zaccaria), Aya Wakizono (Fenena), Felipe Bou (Gran Sacerdote), Fabián Lara (Abdallo) y Maribel Ortega (Anna).

En los últimos años, la carrera del director castellonense se ha consolidado en el panorama internacional, habiendo sido nombrado en 2022 director titular de la Orquestra Clássica do Centro en Coimbra, Portugal, con la que tiene una intensa actividad cada temporada.

Entre sus compromisos más recientes destaca un concierto sinfónico en el National Concert Hall de Dublín con la RTÉ Concert Orchestra (Orquesta de la Radio Televisión Irlandesa, en febrero de 2022), además de la presentación del CD de La Bohème para el sello británico Signum Classics grabada en 2021 en la Irish National Opera y con la que ha conseguido excelentes críticas.

Tras estas funciones de Nabucco y de su actividad junto a la Orquestra Clássica do Centro, durante el verano Sergio Alapont dirigirá un concierto con obras de Beethoven en el Festival das Artes en Coimbra (24 de julio), otro de música española con la popular cantaora Estrella Morente y la Orquestra Clássica de Espinho en el Auditório de Espinho (Portugal, 30 de julio) y abrirá el Festival de Pollença (Mallorca) con la Simfònica de les Illes Balears y el pianista Kris Bezuidenhout con un programa con obras de Beethoven, Schumann y Dvořák (6 de agosto). Más tarde inaugurará la temporada 2022 / 2023 del Teatro Comunale de Sassari con un concierto sinfónico y con la ópera Don Giovanni de Mozart –en el que será su sexto retorno al teatro italiano, en el que debutó en 2010– y actuará por primera vez en Canadá a cargo de un concierto junto a la Orchestre Symphonique de Longueuil en la Maison Symphonique de Montréal.

Kiki Morente

En la recta final de la actual temporada de Flamenco Real, llega al Salón de Baile del Teatro Real uno de los representantes más mediáticos de las nuevas generaciones del cante, con fuerte raigambre flamenca y un arte nuevo forjado en la diversidad musical que le ha rodeado desde la cuna. Su nombre, Kiki Morente.

Los próximos días 30 de junio y 1 de julio, el joven cantaor ofrecerá una propuesta escénica, dirigida por él mismo, en la que contará con la presencia de otros grandes nombres del flamenco, con la colaboración especial de la bailaora Belén López, para celebrar un personal ENCUENTRO FLAMENCO  inspirado en la figura de Enrique Morente. Junto a ellos, el espectáculo contará también con la presencia de Antonio Carbonell, al cante; Rafael Jiménez “el Chispas” y José Carbonell, a la guitarra y Carlos Jiménez en la percusión.

Nacido en Granada, hijo del cantaor Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell, hermano de Estrella y Soleá, José Enrique Morente Carbonell, Kiki Morente, tiene en su linaje materno grandes guitarristas y cantaores -Montoyita, Sabicas- y en sus vivencias y aprendizaje la influencia de maestros como Pepe Marchena, Antonio Chacón, Manuel Torre, Pepe Pinto o El Sevillano, entre otros.

Animado por su padre, Kiki estudia guitarra en el Conservatorio de juventudes musicales de Granada, instrumento que él mismo toca en muchos de sus conciertos. Conoce y estudia el cante clásico, al que imprime su personalidad, y se deja influenciar por artistas de primer nivel de otras manifestaciones musicales como Pat Metheny, Leonard Cohen, Cheb Khaled o Dulce Pontes, a los que conoce a través de  proyectos impulsados por su padre.

En 2010 comienza su carrera en solitario y en otoño de 2017 publica su primer disco Albayzín, de corte eminentemente clásico, acompañado por las guitarras de Juan y Pepe Habichuela, Rafael Riqueni, Diego del Morao, Juan Carlos Romero, Montoyita, Juan Habichuela nieto, Josemi Carmona y Juan Carmona “Camborio”.

Fotógrafo: © Juanlu Vela

Nabucco

Entre el 5 y el 22 de julio se ofrecerán 15 funciones de la ópera Nabucco, de Giuseppe Verdi, con dirección musical de Nicola Luisotti y puesta en escena de Andreas Homoki, en una nueva producción del Teatro Real y la Ópera de Zúrich, donde se estrenó en 2019 y se repondrá en septiembre.

Más allá de la cualidad intrínseca de Nabucco, que pertenece todavía al primer período creativo de Giuseppe Verdi, esta ópera fue muy importante en su vida personal y su carrera artística. El compositor atravesaba una gran crisis existencial tras el fallecimiento de sus dos hijos y su esposa y del estrepitoso fracaso de Un giorno di regno, que lo hizo cavilar sobre la idea de abandonar la composición. Un encuentro fortuito con el director de La Scala, que le propuso la creación de una ópera con libreto bíblico de Temistocle Solera, sobre la resistencia del pueblo judío a la invasión de las huestes babilonias bajo la égida de Nabucco, inspiró al compositor, que escribió la partitura sin apenas descanso.

El clamoroso éxito del estreno de Nabucco el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán y la inmediata asociación de la opresión de los judíos con la de los italianos, bajo el yugo del imperio austrohúngaro, dio a la ópera una enorme popularidad, transformando a Verdi, involuntariamente, en uno de los héroes del Risorgimento, que desembocaría en la unificación de los territorios italianos.

Este inesperado triunfo y la participación en la ópera de la soprano Giuseppina Strepponi, su futura pareja, en el endiablado papel de Abigaille, fue el acicate necesario para que Verdi retomara su fecunda y genial carrera creativa, cuyo germen está también en Nabucco. Aunque la ópera sea deudora de Donizetti y Rossini y de la tradición operística italiana, en la partitura sobresalen sus maravillosas melodías, su enorme facilidad para la caracterización musical de los personajes (destacando, sobre todo, Nabucco y Abigaille) y la eficacia dramatúrgica de la orquestación, que no dejaría de progresar hasta su extraordinaria Falstaff.

El director de escena Andreas Homoki, que debuta en el Teatro Real, traslada el conflicto entre judíos y babilonios, en el siglo VI a.C., al enfrentamiento entre italianos y austríacos, en el siglo XIX, donde “al sistema politeísta de los babilonios se contrapone, como utopía, un sistema nuevo y moderno, encarnado en la visión monoteísta del mundo de los hebreos”. Las dos hermanas hijas de Nabucco encarnan el trasfondo de dos mundos que se contraponen: “Abigaille, la primogénita, intenta desesperadamente salvar el antiguo sistema derrocando a su padre y asumiendo ella misma el poder. Fenena, la otra, percibe el momento de transición en el que se encuentran y quiere salvarse cambiando de bando. En el proceso de relevo de lo antiguo por lo nuevo, también la familia acaba rompiéndose”.

El drama transcurre en un decorado austero, minimalista y conceptual diseñado por el escenógrafo Wolfgang Gussmann, que también firma el suntuoso vestuario junto a Susana Mendoza.

Nabucco fue el primer título verdiano que sonó en el recién construido Teatro Real, en las pruebas acústicas previas a su inauguración, en 1850. La ópera se estrenó en su escenario en 1853 y se presentó en temporadas sucesivas, siempre con grandísimo éxito, hasta 1871. Desde entonces no ha vuelto a ofrecerse en su sala.

Ahora, 151 años después de la última función, regresa con tres repartos de grandes voces verdianas, que se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: Nabucco, los barítonos Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani y Luis Cansino; Abigaille, las sopranos Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka; Ismaele, los tenores Michael Fabiano y Eduardo Aladrén; Fenena, las mezzosopranos Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono; Zaccaria, los bajos Dmitry Belosselskiy, Roberto Tagliavini y Alexander Vinogradov; y El Gran Sacerdote, los bajos Simon Lim y Felipe Bou.

Nicola Luisotti dirigirá su séptimo título verdiano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del enorme éxito obtenido con Il trovatore (2007), Rigoletto (2015), Aida (2018), Don Carlo (2019), La traviata (2020) y Un ballo in maschera (2020). Sergio Alapont dirigirá tres de las 15 funciones.

En Nabucco el coro ocupa un papel primordial, tanto del punto de vista estructural como dramatúrgico. El Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director, Andrés Máspero, entonará el célebre Coro de los esclavos, Va pensiero, dando voz a los oprimidos, como en la mítica Babilonia del siglo VI a.C., la Italia del siglo XIX o Ucrania en la actualidad.

Las funciones de Nabucco están patrocinadas por la Fundación BBVA, cuyo programa de actividades contempla la música como una manifestación artística prioritaria.

Fotografía: Javier del Real

Crescendo

La segunda edición de Crescendo, Creamos Ópera, programa de la Fundación Amigos del Teatro Real, ha concluido con éxito después de tres meses de formación y actividades artísticas.

Veintitrés jóvenes promesas de la ópera, de nueve nacionalidades distintas, han sido los beneficiarios de la II edición de Crescendo, Creamos Ópera, programa de la Fundación Amigos del Teatro Real que acaba de concluir su fase formativa desarrollada durante tres exigentes meses de trabajo.

Con el objetivo de ofrecer formación y prácticas profesionales de primer nivel para el talento joven, el programa Crescendo ha contado en este curso con 37 sesiones de formación en distintas disciplinas como talleres de interpretación y entrenamiento vocal con destacados maestros –Carmen Santoro, Víctor Dogar, Ánima May o Sabina Puértolas-, expresión corporal, marca personal y comunicación, clases con maestros repetidores y asistencia a ensayos de ópera.

Todo esto, sumado a una decena de oportunidades profesionales para actuar en recitales, producciones y eventos del Teatro Real, completan una experiencia de formación que impulsa la carrera de una nueva generación de artistas y les abre las puertas al mundo laboral.

Los jóvenes cantantes de Crescendo han tenido una presencia destacada en la presentación de la Temporada 2022-2023 del Teatro Real, han participado en los encuentros del programa Enfoques y está prevista su actuación en las producciones del Real Junior de la próxima temporada: Fantasma que canta no espanta, A.I.D.A., Festín musical en familia y ¡Todos a la Gayarre!.

Los participantes de esta segunda edición son jóvenes de 23 a 35 años, procedentes de Albania, Chile, Colombia, España, Paraguay, Portugal, Rusia, Serbia y Venezuela, seleccionados tras una rigurosa audición, hasta configurar un grupo formado por 12 sopranos, 2 mezzosopranos, 1 tenor, 4 barítonos, 1 bajo-barítono y, por primera vez, 3 pianistas repetidores. En total, las dos primeras ediciones del programa ya suman 43 jóvenes beneficiados.

La experiencia y el bagaje que estos jóvenes adquieren tras su paso por Crescendo queda reflejado en las palabras de la soprano venezolana Sonia Suárez, de 28 años, una de las cantantes que actuó en la presentación de Temporada del Teatro Real, quien aseguraba, al finalizar el curso que “ha sido maravilloso, no solo por cumplir el sueño de cantar en el Real, sino porque nos tratan como profesionales y nos brindan oportunidades laborales en estos tiempos tan difíciles. Gracias al programa, muchas agencias han puesto los ojos en nosotros. En mi caso acabo de firmar un contrato con Iberkonzert”.

Crescendo es una iniciativa de alcance nacional y, a largo plazo, internacional, que apuesta por los artistas desde el inicio de su trayectoria laboral. El próximo 16 de julio ofrecerán un recital que presentarán los jóvenes talentos de esta segunda edición en el Teatro Real.

El programa Crescendo está patrocinado por Porosus Fonds de dotation, Edmond de Rothschild Foundations y la Fundación Banco Sabadell.

El nacimiento del Rey Sol

El próximo domingo, 19 de junio, podremos disfrutar en el Teatro Real del espectáculo El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royal de la nuit, concebido e interpretado por la compañía francesa Ensemble Correspondances, dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé, cuyo estreno tuvo que ser aplazado la pasada temporada debido a dificultades en el traslado de los artistas por la pandemia.

Son muchos los monarcas que han protagonizado títulos operísticos, pero son muy pocos los que tienen el honor de haber sido estrenados por un rey, como es el caso de Le ballet royale de la nuit (1653), espectáculo en el que Luis XIV encarnó al dios Apolo en calidad de bailarín con apenas 14 años de edad. La aristocracia, presente en gran número, los embajadores europeos y también la burguesía parisina aclamaron este gran espectáculo cuyas maravillas crearon una impresión muy duradera.

El espectáculo, nada inocente en términos políticos, sancionaba el triunfo de la corona sobre las revueltas que los aristócratas de la Fronda habían instigado durante el lustro precedente, a través de una alegoría en la que el Rey Sol disipaba las tinieblas de la noche, dispuestas musicalmente a lo largo de cuatro vigilias que alternaban números cantados y bailados. Por vez primera en la historia del género aparece un libreto unificado y cuidadosamente desarrollado en cuatro vigilias (partes) y un gran ballet conclusivo; todos los niveles de interpretación y todas las artes señalan hacia un único fin, la salida del Sol.

La partitura, compuesta por diversos autores franceses e italianos vinculados con la corte, durmió durante siglos entre los archivos de la colección Philidor, del antiguo conservatorio de París, hasta su redescubrimiento en 2004 y su recreación musical en 2016 por Sébastian Daucé y el Ensemble Correspondances. La poesía que acompañaba el ballet real era del ilustre Isaac de Benserade, quien en 1653 ya gozaba de gran prestigio como escritor y que sobresaldría tanto en el género del ballet de cour como en la lírica más refinada.

Resulta, por lo general, difícil precisar la autoría de la música de los ballets de cour en los primeros años del reinado de Louis XIV. En el caso del Ballet Royal de la Nuit podemos estar seguros de la identidad de Jean de Cambefort (c.1605-61), que produjo los recitativos y arias que abren cada una de las cuatro vigilias, y de Antoine Boësset (1587-1643) y Louis Constantin (1586-1657),aunque, sin duda, hubo otros compositores participantes.

EL NACIMIENTO DEL REY SOL

Le ballet royal de la nuit

Semiópera en cuatro escenas y baile final

Jean de Cambefort (1605-1661), Antoine Boësset (1587-1643), Louis Constantin (1586-1657),

Michel Lambert (1610-1696), con extractos de Ercole amante (1662) de Francesco Cavalli

(1602-1676) y Orfeo de Luigi Rossi (1597-1653)

Libreto de Isaac de Benserade (1613-1691)

Estrenada en el Palacio Petit-Bourbon de París el 23 de febrero de 1653

Estreno en el Teatro Real

Semiópera en versión de concierto

Director y reconstructor musical Sébastien Daucé

REPARTO

La Noche / Venus | Lucile Richardot

Eurídice / Una gracia / Belleza / Un alma errante / Cynthia | Caroline Weynants

Venus / El Silencio / Una gracia | Caroline Bardot

Una gracia francesa | Marie-Frédérique Girod

Una gracia italiana | Eva Plouvier

La luna / Deyanira / Una gracia / Un alma errante | Blandine de Sansal

Juno | Ilektra Platiopoulou

Apolo / Una gracia / Un seguidor de Endimión | David Tricou

El Sueño / Un seguidor de Venus / Un río / La aurora / Un alma errante / Un Zéfiro | Etienne Bazola

Hércules | Renaud Bres

Un zéfiro / Un seguidor de Endimión | Nicolas Brooymans

Ensemble Correspondances

Edición musical Edición crítica de Sébastien Daucé

Duración aproximada: 2 horas y 55 minutos

Fotografía © JM Berns

Premios Teatro Real

José María Álvarez-Pallete, José Bogas, Florentino Pérez, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Christof Loy, Michael Fabiano, Carlos Álvarez y Santiago Moreno, recibieron anoche en el Teatro Real, en una gala dedicada a la mezzo Teresa Berganza y que estuvo presentada por Anne Igartiburu, los primeros premios que concede el Teatro a la actividad institucional y artística desarrollada en el coliseo.

La entrega de los galardones, esculturas donadas por Cristina Iglesias representando la embocadura de un escenario, fue la antesala de un concierto protagonizado por la mezzo Silvia Tro Santafé, excelente intérprete y gran admiradora de Teresa Berganza, fallecida el pasado 13 de mayo.

Los premios Teatro Real, según explicó en su intervención el presidente de la institución, Gregorio Marañón, se otorgan a “personas excepcionales” que han contribuido decisivamente con su apoyo y con su talento a hacer del Teatro Real “uno de los principales teatros de ópera del mundo, recuperando el prestigio que tuvo en el siglo XIX”. Marañón recordó que, aunque Teresa Berganza, patrona de Honor del Teatro, quiso irse en silencio, la emoción de sus interpretaciones acompañará siempre a todos.

El presidente de Telefónica, José María Álvarez-Pallete, aseguró, al recibir su galardón de manos de la vicepresidenta del Patronato del Teatro Real, Helena Revoredo, que “las puertas del Real, fábrica de recuerdos inolvidables, dan entrada a momentos únicos, momentos que muy pocos teatros del mundo son capaces de producir”.

Para el consejero delegado de Endesa, José Bogas, a quien entregó su escultura el director general del Teatro, Ignacio García-Belenguer, el Real, se ha convertido “en un referente mundial de gestión en el mundo de la ópera”, un camino en el que su empresa ha acompañado a la institución desde su reapertura, en 1997, y que tiene ahora en la plataforma audiovisual del coliseo, My Opera Plater, y en el proyecto Cerca de Ti, dos experiencias que les “entusiasman” y que definen su apuesta por el patrocinio de la cultura.

El presidente de ACS, Florentino Pérez, señaló, tras recibir su premio de manos del presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, que “en estos momentos se hace más evidente que nunca” que se debe mantener todo el esfuerzo en potenciar la cultura y el deporte, y subrayó que el Real es, en ese sentido, “una institución clave en la difusión de la cultura española”.

“Este galardón no es solo mi galardón, es el galardón de la gente del Teatro Real porque en este Teatro hay personas: hay orquesta, coro, técnicos, maestros, gente que trabaja todos los días para la música, para el teatro, para la esperanza, para el futuro”, afirmó en su turno el director de orquesta el maestro Nicola Luisotti, a quien entregó su galardón el embajador de Italia en España, Riccardo Guariglia.

“Solo quiero decir que cuando el resto del mundo esperó para actuar, actuó el Teatro Real, un teatro al que llamo mi hogar, mi casa. Es el líder mundial en mantener la cultura y, por eso, debemos permanecer agradecidos a todo el equipo de esta maravillosa compañía”, resaltó el tenor estadounidense Michael Fabiano, a quien hizo entrega de su premio la secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Gualda.

El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, fue el encargado de dárselo a la soprano letona Marina Rebeka, que hizo un dúo con Silvia Tro Santafé como colofón del concierto.

“Quería decir que este teatro ha sido siempre muy especial para mí. Esta Traviata –la que cantó en julio de 2020 con Fabiano como compañero en escena y Luisotti en el foso- estará siempre en mi memoria y mi corazón porque estábamos todos en casa, sin nada, sin trabajo… La pandemia se interponía contra la cultura y ahora cuando miro esta sala sin mascarillas pienso que ha sido una victoria”, afirmó Rebeka.

El director de escena alemán Christof Loy, responsable de la producción de Rusalka en 2021, recordó, tras entregarle su escultura la coordinadora general de la Alcaldía de Madrid, Matilde García Duarte, que su primera producción en el Teatro fue Capriccio, en 2019, y “fue amor a primera vista” porque el Real es, detalló, “una mezcla maravillosa de pasión y disciplina”.

El barítono Carlos Álvarez, a quien le dio su premio la patrona del Real y consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, se confesó “un privilegiado” por tener la suerte de pisar un teatro en el que trabaja “un gran equipo”. Afirmó que los artistas tienen la obligación de “seguir siendo un ejemplo para aquellos que tienen una necesidad de esperanza y de cultura”.

Cerró la ceremonia de entrega de premios el presidente del Comité Médico del Teatro, el jefe del servicio de Enfermedades Infecciosas del hospital madrileño Ramón y Cajal, Dr. Santiago Moreno, quien dedicó su galardón a todos los que trabajan en Sanidad, a quienes “han estado velando para que nuestra salud se mantuviera un poquito mejor”.

El Teatro Real, dijo tras recoger su premio de manos del director general adjunto del Teatro, Borja Ezcurra, ha sido “un ejemplo de lo bien que se pueden y se deben hacer las cosas (…) El Teatro aceptó, voluntariamente, el gran reto de no interrumpir su actividad durante plena pandemia. Era el único ejemplo en el mundo capaz de llevar a cabo semejante hazaña velando a toda costa por la seguridad de sus trabajadores y la del público. La travesía ha sido recorrida con éxito y figurará en los anales de la historia de los teatros de ópera”, añadió.

Fotografía: © Javier del Real | Teatro Real

Marion Cotillard

Entre los días 7 y 17 de junio, el Teatro Real ofrecerá 8 funciones de una nueva coproducción con la Ópera de Frankfurt, que une la cantata La damoiselle élue (La doncella bienaventurada), de Claude Debussy (1862-1918) -con libreto del poeta y pintor inglés Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)- y el oratorio dramático Juana de Arco en la hoguera (Jeanne d’Arc au bûcher), de Arthur Honegger (1892-1955), con libreto del escritor Paul Claudel (1868-1955). Marion Cotillard

Las dos obras se presentan sin pausa, con dramaturgia y puesta en escena de Àlex Ollé (La Fura dels Baus), en un decorado único concebido por Alfons Flores, con figurinismo de Lluc Castells, iluminación de Joachim Klein y Urs Shönebaum y vídeo de Franc Aleu.

Creada por encargo de la bailarina, actriz y mecenas franco-ucraniana Ida Rubinstein (1885-1960), Juana de Arco en la hoguera se estrenó en versión de concierto en 1938. Sin embargo, las atrocidades del nazismo y la ocupación de Francia llevaron a Paul Claudel y Arthur Honegger a añadir posteriormente un prólogo que uniera más claramente la tragedia de Juana de Arco en la Guerra de los Cien Años y la brutal expansión alemana en la Segunda Guerra Mundial.

Esta segunda versión, con prólogo y 11 escenas, estrenada en 1946, es la que se verá en el Teatro Real. En ella, Juana de Arco (Marion Cotillard), en la pira que la quemará, recuerda desordenadamente momentos de su vida en un doble flashback por el que van desfilando una serie de personajes distorsionados: un juez-cerdo, un fiscal-burro, un jurado de ovejas, una masa ruidosa de hombres bestializados, pero también la virgen, santas y niños.

La música, con una orquestación original -que incluye dos pianos, tres saxofones, ondas martenot, etc.- se sucede como un mosaico de lenguajes, estilos e influencias que van del canto gregoriano y el contrapunto a las melodías de inspiración folclórica y jazzística, sin rehuir las disonancias, con una escritura coral de gran complejidad y vigor dramático.

Àlex Ollé concibe la producción como una distopía, con un mundo arrasado por las mismas hordas deshumanizadas que han devastado Europa en el siglo XV de Juana de Arco, en el siglo XX de Claudel y Honegger y en siglo XXI, más allá de nosotros: un universo de bestias manipuladoras y de chusmas gregarias del que solo la muerte, la espiritualidad y la fe nos pueden liberar. Ese plano inmaterial y trascendente, donde habitan la virgen y los santos -representado, en el decorado de Alfons Flores, por la mitad superior del escenario- es también el reino celestial donde La demoiselle élue, La doncella bienaventurada, espera a su amante, que vive aún en el mundo real, para, después de la muerte, unirse a ella en la eternidad del amor. Este universo intangible, de paz y serenidad, es el mismo que le espera a Juana de Arco más allá de la pira y el fuego exterminador, uniendo a las dos protagonistas como el díptico de un retablo.

La cantata de Claude Debussy, con reminiscencias de los pasajes más trascendentes y etéreos de Richard Wagner, será protagonizada por la soprano Camilla Tilling, la mezzosoprano Enkelejda Shkosa y un coro de voces femeninas que cantan fragmentos del poema simbolista The Blessed Damozel, de Dante Gabriel Rossetti, que también pintó el retrato de la heroína (actualmente en el Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard).

El final evanescente de La demoiselle élue da paso al tenebroso Prólogo de Juana de Arco en la hoguera, protagonizado por Marion Cotillard, junto al actor Sébastien Dutrieux (Fray Dominique), las sopranos Sylvia Schwartz (La virgen) y Elena Copons (Marguerite), la mezzosoprano Enkelejda Shkoza (Catherine), el tenor Charles Workman (Porcus), el bajo-barítono Torben Jügens (Heraldo), el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la JORCAM, bajo la dirección musical de Juanjo Mena.

Juana de Arco en la hoguera se interpretó en el Teatro Real, en versión de concierto, en 1971 -protagonizada por Claude Nollier, con el Coro y la Orquesta de RTVE dirigida por Odón Alonso- y en 1978, con la actriz Lilliane Becker en el rol titular, junto a la Orquesta Nacional de España y el Orfeón Pamplonés bajo la dirección de Pedro Pirfano. Llega ahora, por primera vez, con una versión escénica que muestra cómo la barbarie y el fragor de la guerra siguen devastando el gran teatro del mundo.

Premios Teatro Real

El barítono español Carlos Álvarez y el tenor estadounidense Michael Fabiano; el director de orquesta italiano Nicola Luisotti; el director de escena alemán Christof Loy y la soprano letona Marina Rebeka, son los ganadores artísticos de la primera edición de los Premios Teatro Real, que se entregarán el próximo 6 de junio en una Gala protagonizada por la mezzosoprano española Silvia Tro Santafé.

Estos premios se unen a los ya anunciados, en la categoría institucional, a José María Álvarez-Pallete, José Bogas y Florentino Pérez, además de al doctor Santiago Moreno, presidente del Comité Médico del Teatro Real.

Los galardones de la categoría artística se conceden a Christof Loy, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Carlos Álvarez y Michael Fabiano por su gran temporada artística en el Teatro Real. Los artistas, parte de la “Gran Familia” del Teatro Real, han regalado con su talento un viaje a mundos que solo ellos pueden construir.

El próximo 6 de junio, a las 19.30 horas, el Teatro Real entregará, en una Gala especial, los galardones, que tienen como objetivo reconocer el mérito de personalidades y artistas vinculados al Real y que han destacado, de manera especial, por su apoyo a la institución a lo largo de la temporada 2020-2021.

En esta ocasión, la Gala estará dedicada a la fallecida mezzosoprano Teresa Berganza, Patrona de Honor del Teatro, cuya impronta estará presente en algunas de las piezas elegidas para el concierto.

Las distinciones, distribuidas en dos categorías, institucional y artística, nacen con vocación de continuidad. El premio es una magnífica obra de la escultora Cristina Iglesias, realizada generosamente por la gran artista para el Teatro Real.

Lara Diloy
Lara Diloy, la naturalidad al frente de una orquesta

Lara Diloy encontró en la dirección de orquesta la mejor manera de vincularse a su mayor pasión, la música. Como directora asistente es toda una garantía para teatros y directores titulares. Y hemos podido comprobarlo recientemente, dirigiendo algunas funciones de la opera Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela. Su seguridad y actitud al frente de una orquesta nos demuestra que estamos ante uno de los nuevos talentos de la dirección en nuestro país. El futuro ya está aquí.

¿Cómo y cuándo decide que quiere ser directora de orquesta?

En mi caso ha sido una consecuencia natural de mi dedicación y pasión por la música. Desde pequeña descubrí que hacer música junto a otras personas me hacía muy feliz. La orquesta era mi hogar, por eso cuando terminé los estudios superiores de trompa y sentí que necesitaba ampliar mi formación para convertirme en un músico más completo, la opción fue estudiar dirección de orquesta, ya que esta disciplina me permitía profundizar mis conocimientos manteniéndome ligada a la orquesta.

Si tengo que elegir un momento clave en el que decidí dedicarme profesionalmente a ello, fue participando en un encuentro de la JONDE como joven directora. Me llenó tanto la experiencia que el curso siguiente dejé mi trabajo como docente y las colaboraciones como trompista en orquestas, y desde entonces me he volcado en cuerpo y alma a la dirección.

El director de orquesta es el único músico que no emite ningún sonido, pero consigue que lo hagan todos los demás. ¿Qué cualidades considera que debe tener un director de orquesta?

Cierto es que nosotros no emitimos ningún sonido de forma directa, pero apuntaré que la batuta suena (y mucho). La orquesta percibe nuestra energía y nuestro conocimiento de la música, y como tal lo traslada a la interpretación. Esa es la magia de la dirección de orquesta.

Las cualidades necesarias son múltiples ya que nuestra disciplina requiere del dominio de muchas facetas. Pero algo que considero fundamental es tener un profundo conocimiento de la música que tienes entre manos, decidir tu idea interpretativa y, por supuesto, tener la capacidad de comunicación para transmitirla al grupo que tienes delante en cada momento.

Ha sido en varias ocasiones directora asistente en el Teatro de la Zarzuela, pero esta es la primera vez en la que le ha tocado sustituir al maestro titular en varias funciones. Aunque, tarde o temprano puede llegar ese momento, ¿cómo es?, ¿qué pasó por su cabeza?

Realmente ha sido una experiencia inolvidable. Aunque como asistente eres consciente de que en cualquier momento puede pasar algo y hay que sustituir al maestro, habitualmente no suele suceder. Por ello es difícil saber cómo vas a reaccionar en una situación así.

En Don Gil de Alcalá me ha tocado tomar el mando en pocas horas (me avisaron a las 15h y la función era a las 20h), y puedo decir que solamente pensé en hacer lo que tenía que hacer: estar tranquila y dirigir. Conocía perfectamente la música y la producción, y además estaba arropada por el maestro desde la distancia y por todo el teatro. Se generó una energía fantástica con los cantantes, el coro y la orquesta, y esa energía llegó al público. Solo puedo estar agradecida por esta oportunidad.

Aunque ha tenido la oportunidad de dirigir en teatros importantes como Auditorio Nacional de Música y Teatro Monumental (Madrid), Auditorio Alfredo Kraus (Las Palmas de Gran Canaria) o el Teatro Arriaga (Bilbao), ¿cómo ha sido esta primera experiencia al frente de la Orquesta, el Coro y el cuadro de cantantes en una producción tan importante como la de Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela?

Es un debut muy especial para mí por muchas razones. En primer lugar, porque debutar en el Teatro de la Zarzuela es un sueño cumplido. Llevo años asistiendo como público, participando en diversas producciones y trabajando con ilusión para llegar a dirigir desde el foso.

Me siento muy afortunada de que haya sido con un título como Don Gil de Alcalá, una ópera de Penella con una música maravillosa, en esta producción de Emilio Sagi que hace las delicias de los espectadores (es un “caramelo”). Si a eso le sumas haber trabajado mano a mano con el maestro Macías y un elenco enorme en lo profesional y en lo humano, y hacer música con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro, agrupaciones a las que tengo gran cariño, es emoción pura haber vivido esta experiencia, por lo que siempre ocupará un lugar importante en mi memoria.

La figura de director asistente no es muy conocida. Explíquenos un poco en qué consiste y la importancia que tiene en una producción.

La labor que realiza el asistente musical es fundamental dentro de una producción y, como afirmas, poco conocida y reconocida. Es la extensión del maestro musical en el Teatro, y por ello adquiere importancia esta figura para todos los elementos que lo forman: producción, regiduría, equipo técnico, orquesta (archivo, inspección, músicos), coro… El director asistente se encarga de cuestiones como preparar los materiales en coordinación con el archivo de la orquesta, dar notas a los cantantes, al coro y la orquesta, de escuchar los balances en los ensayos, sustituir al maestro en ensayos de escena (lecturas, conjuntos y funciones si fuera necesario)… Junto con los maestros repetidores forman el equipo musical y facilitan el trabajo del director.

Cuando hay bandas internas, se hace cargo de dirigirlas, algo que en mi caso he tenido que hacer en teatros como el de la Maestranza o el Palau de Les Arts. La carga de trabajo se amplía cuando eres asistente musical de una Temporada. Desde 2021 he asumido este rol en la Ópera de Oviedo, donde además realizo labores de coordinación musical que tienen que ver con el largo plazo (previsión de plantillas, cortes, disposición de la orquesta y un largo etc.)

El trabajo del director asistente no solamente es importante en producciones, también en conciertos sinfónicos o galas líricas. Recientemente he sido asistente en el Teatro Real junto al maestro Rovaris, en una gala con Lisette Oropesa, y la coordinación con el archivo del teatro y el maestro para preparar los materiales fue fundamental para optimizar al máximo el tiempo de ensayo.

Además de la dirección de orquesta, es directora y fundadora del coro de voces blancas Sinan Kay, que hemos podido escuchar estos días participando en Carmen, de Bizet, en el Teatro Monumental con la Orquesta y Coro de RTVE. ¿Cómo surgió este proyecto y qué supone para usted?

Sinan Kay es un proyecto muy personal. Surge de mi etapa como docente, donde me hice cargo del coro infantil del centro en que trabajaba. La agrupación desapareció de la programación y los padres y alumnos quisieron continuar con la actividad. Se constituyó como asociación en el curso 2015/2016 y desde entonces hemos buscado siempre un equilibrio entre la excelencia artística y pedagógica.

Además de contar con un equipo docente multidisciplinar, hemos participado en numerosos concursos y festivales, siendo premiados en varias ocasiones. En cuanto a colaboraciones, hemos cantado en producciones del Teatro de la Zarzuela junto a la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro destacando títulos como Pinocchio, El Gato Montés o Mirentxu, y junto a la Orquesta y Coro de Radio Televisión Española en el Concierto de Reyes de 2020 y en esta Carmen. La próxima temporada volvemos a tener compromisos con ambas instituciones.

Su conocimiento del repertorio sinfónico y operístico es muy amplio. Si tuviera que decantarse por alguno de los dos, ¿prefiere dirigir “sólo” orquestas sinfónicas o prefiere la ópera?

He tocado en orquesta desde los 12 años. El repertorio sinfónico me ha acompañado siempre y me ha hecho crecer como músico. No podría concebir dedicarme a la dirección de orquesta dejando de lado ese repertorio. Aún así, creo que en el mundo lírico estoy encontrando mi espacio. Me siento cómoda y mi alta dedicación a ello en los últimos años está dando sus frutos. En una producción se trabaja durante varias semanas, hay más tiempo para profundizar en la música y para conocer a las personas con las que trabajas, y esa parte me hace inclinar la balanza hacia la ópera y zarzuela, aunque me gustaría combinar ambas.

Usted ha dicho que las mujeres llegan a la dirección de orquesta para darle otro punto de vista, enriquecer… ¿cuál es el suyo?, ¿qué propone Lara Diloy batuta en mano?

Por supuesto, considero que la inclusión de nuevos perfiles en cualquier campo es enriquecedora. Aunque quizá mi aportación no es nueva, sí creo que es poco frecuente: tratar la profesión con naturalidad (somos personas preparadas para hacer un trabajo complejo, pero no “divos” ni nada parecido), con un liderazgo basado en el trabajo en equipo y en hacer que los demás brillen, y buscando la excelencia desde el amor por la música y el respeto y cariño por las personas que me acompañan en cada proyecto.

¿Hay algún director en el que se fije especialmente o le inspire?

En el último año he tenido la fortuna de trabajar con maestros maravillosos: Yves Abel, Corrado Rovaris, Ramón Tebar, Gianluca Marcianó, Lucas Macías, Iván López-Reynoso, Daniele Callegari… De ellos he aprendido mucho y son mi mayor fuente de inspiración en el día a día.

También tengo mucho que agradecer a Óliver Díaz, con quien trabajo desde hace tiempo, que destaca por su profesionalidad y talla humana. Además, sigo a directores españoles o que están haciendo carrera en España como Pablo González o Dima Slobodeniouk, ya que son músicos de gran talento.

En cuanto a grandes nombres de la historia, Carlos Kleiber es un referente que siempre tengo en mente. Y también mujeres como Marin Alsop o Susanna Mälkki que han sido pioneras y nos han abierto camino.

¿Hay algún compositor u obra que le guste especialmente dirigir y por qué?

Me siento muy cómoda dirigiendo repertorio español, tanto lírico como sinfónico, y también con música de compositores como Mozart y Beethoven. Quizá porque han sido los pilares de mi formación como músico y se adhieren en el ADN. Aún así, cada vez estoy incorporando más repertorio y, aunque suene a tópico, intento que la obra que estoy interpretando o estudiando en cada momento sea la más maravillosa del mundo.

Seguro que ya está cumpliendo alguno de sus sueños. ¿Dónde le gustaría verse dentro de no mucho tiempo?, ¿con qué sueña?

El más importante se está realizando, que es poder vivir de la dirección de orquesta. A partir de ahí me gustaría siempre seguir superándome y mejorando, afianzar mi carrera en los teatros y orquestas españolas, y despegar con una carrera internacional.

Aquiles nueva temporada Teatro Real

La temporada 2022-2023 del Teatro Real comienza bajo el signo de OrfeoOrphée, de Philip Glass, se estrenará en España el próximo 21 de septiembre en los Teatros del Canal- y su embrujo transitará por toda la temporada, con la presentación de L’Orfeo, de Claudio Monteverdi y Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

Debido a las complejas obras de renovación del suelo de la caja escénica, después de 25 años de utilización máxima e ininterrumpida, la inauguración oficial de la Temporada 2022-2023 será el 24 de octubre, con la reposición de la espectacular Aida, de Giuseppe Verdi, concebida y renovada por Hugo de Ana, bajo la dirección musical de Nicola Luisotti.

Una vez más, la Temporada del Teatro Real, con una gran variedad de épocas y estilos, recorre cinco siglos de creación musical [ver tabla abajo] y está compuesta por 18 obras en el apartado de ÓPERA, 4 programas de DANZA, 15 CONCIERTOS 4 Voces del Real, 3 conciertos líricos, 2 Galas y 6 conciertos del ciclo Los domingos de cámara-. Se completa con 9 espectáculos para niños y adolescentes enmarcados en EL REAL JUNIOR, además de los 9 talleres infantiles ¡Todos a la Gayarre!

De los 18 títulos de ÓPERA, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto [ver tabla abajo].

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

De las 8 nuevas coproduciones del Teatro Real, 5 son producciones que se presentan primero en Madrid y posteriormente en los demás teatros coproductores: Orphée, de Philip Glass; La sonnambula, de Vincenzo Bellini; Dido and Aeneas, de Henry Purcell; Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; e Il turco in Italia, de Gioachino Rossini.

En su compromiso con la recuperación del patrimonio lírico español, el Teatro Real presentará dos obras barrocas del siglo XVIII, estrenadas durante el reinado de Felipe V: la ópera Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli y la zarzuela Coronis, de Sebastián Durón, entonces Maestro de la Real Capilla de Madrid.

   ÓPERAS DE LA TEMPORADA

 

Nuevas coproducciones

 

 

 

 

 

 

 

Producciones

invitadas 

 

Reposiciones

 

Versiones

semiescenificadas  

 

Versiones de

concierto 

 

 

Orphée*, de Philip Glass | Estreno en España

La sonnambula*, de Vincenzo Bellini

Dido y Eneas*de Henry Purcell

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid

Aquiles en Esciros*, de Francesco Corselli

La narizde Dmitri Shostakóvich | Estreno en Madrid (versión escénica)

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España

Il turco in Italia*, de Gioachino Rossini

 

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid

 

Aidade Giuseppe Verdi

Turandot, de Giacomo Puccini

 

Tristán e Isolda, de Richard Wagner

 Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España

 

El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

Tolomeo, rey de Egiptode Georg Friedrich Händel

Coronis, de Sebastián Durón (versión de concierto)

Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

*Estreno de la producción antes de presentarse en los teatros coproductores

              ÓPERAS POR ORDEN CRONOLÓGICO DE CREACIÓN

Siglo XVII

 

 

Siglo XVIII

 

 

Siglo XIX

 

 

 

Siglo XX

 

 

 

 

 

 

 Siglo XXI

 

 

                      

1607 – L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

1689 – Dido y Eneasde Henry Purcell

16…* – Coronis, de Sebastián Durón

1728 – Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel

1744 – Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli

1762 – Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

1814 – Il turco in Italia, de Gioachino Rossini

1831 – La sonnambula, de Vincenzo Bellini

1865 – Tristán e Isolda, de Richard Wagner

1871 – Aidade Giuseppe Verdi

1923 – El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

1926 – Turandot, de Giacomo Puccini

1930 – La narizde Dmitri Shostakóvich

1933 – Arabella, de Richard Strauss

1987 – Nixon in China, de John Adams

1989 – Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich

1993 – Orphée, de Philip Glass

2019 – Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané

* Fecha de estreno desconocida

Por primera vez en la historia del Teatro Real

Los Teatros del Canal acogerán 3 producciones –Orphée, de Philip Glass; Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané; y Dido y Eneas, de Henry Purcell- y el Círculo de Bellas Artes presentará Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich.

En la dirección de escena destaca, la próxima temporada, la presencia de 4 mujeres: Mariame Clément (Aquiles en Esciros), Bárbara Lluch (La sonnambula), Sasha Waltz (L’Orfeo) y Blanca Li (Dido y Eneas), las dos últimas también coreógrafas.

Vuelven al Real Christof Loy (Arabella), Laurent Pelly (Il turco in Italia), Bob Wilson (Turandot), Barrie Kosky (La nariz), John Fulljames (Nixon in China), Justin Way (Tristán e Isolda), Rafael Villalobos (Orphée) y Hugo de Ana (Aida) y debutan Marc Rosich (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y Johannes Stepanek (Anti-formalist Rayok), además de las citadas Mariame Clément, Bárbara Lluch y Blanca Li.

Entre la dirección musical tienen una presencia más relevante, como siempre, Ivor Bolton (Aquiles en Esciros y Nixon in China) y Nicola Luisotti (Aida y Turandot).

Vuelven al Real Semyon Bychkov (Tristán e Isolda), Maurizio Benini (La sonnambula), Daniel Oren (Aida), David Afkam (Arabella), Mark Wigglesworth (La nariz), Diego García Rodríguez (Aida), Jordi Francés (Orphée) y Francesc Prat (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y, con orquestas invitadas, Pablo Heras-Casado (El retablo de Maese Pedro), William Christie (Dido y Eneas), René Jacobs (Orfeo ed Euridice), Vicent Dumestre (Coronis) y Francesco Corti (Tolomeo, rey de Egipto).

Debutan en el Real Giacomo Sagripanti (Il turco in Italia) y Leonardo García Alarcón (L’Orfeo), este con la Freiburger Barockorchester.

Seis orquestas y dos coros invitados participarán en la temporada: la Freiburger Barockorchester y el Vocalconsort Berlin en L’Orfeo, de Claudio Monteverdi; Les Arts Florissants en Dido y Eneas, de Henry Purcell; la Orquesta Barroca de Sevilla en Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; la Mahler Chamber Orchestra en  El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla, y en la Suite Pulcinella, de Ígor Stravisnki; Il Pomo d’Oro en Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel; Le Poème Harmonique en Coronis, de Sebastián Durón; y la Freiburger Barockorchester y el RIAS Kammerchor en Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

El Coro Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Andrés Máspero, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con su director titular, Ivor Bolton, que gozan de un creciente prestigio nacional e internacional, participarán en gran parte de la programación, consolidando los vínculos con sus directores principales invitados, Nicola Luisotti y Pablo Heras-Casado.

Paralelamente a los títulos de la temporada se ofrece un ambicioso programa de ACTIVIDADES PARALELASciclos de cine, exposiciones, conciertos, conferencias, cursos, mesas redondas, talleres, visitas guiadas, actividades infantiles, etc.- organizadas en el Teatro Real y en colaboración con 28 instituciones culturales (por orden alfabético):  Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque), Biblioteca Nacional de España, Biblioteca Regional de Madrid Joaquín Leguina, British Council, Casa Asia, Casa de América, Círculo de Bellas Artes, Filmoteca Española Cine Doré, Fundación Pastor, Fundación Sgae, Instituto Cervantes, Instituto Italiano di Cultura di Madrid, International Institute, Museo Arqueológico Nacional, Museo Cerralbo, Museo de Historia de Madrid, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional de Artes Decorativas, Museo Nacional del Romanticismo, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Museo Naval, Patrimonio Nacional, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Red Cooperación Rutas de Carlos V, Residencia de Estudiantes, Sala Equis y Universidad Nebrija.

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer.

La próxima temporada se organizarán 4 Preestrenos Jóvenes para menores de 35 años y seguirán las ventajas y descuentos en la compra de localidades a través de la Butaca Joven o de las localidades de Último Minuto.

La SEMANA DE LA ÓPERA, con sus retransmisiones y actividades populares para la divulgación de la ópera, y la CARROZA DEL REAL, un escenario ambulante siempre preparado para ofrecer conciertos de cámara en distintos lugares del país, son dos de los proyectos más destacados enmarcados en el programa TEATRO REAL CERCA DE TI, con vigencia hasta el final de la temporada.

Además de su programación artística, el Teatro Real sigue afianzando el diálogo con otros tipos de música, coproduciendo en los meses estivales el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL  y, a lo largo de la temporada, las actuaciones de baile y cante de FLAMENCO REAL, que tienen lugar los jueves y viernes en su Salón de Baile.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones en directo en MY OPERA PLAYER, cuyo catálogo sigue creciendo con la incorporación regular de nuevas ofertas procedentes de más de 50 teatros y auditorios de todo el mundo. Recientemente se ha creado dentro de la plataforma un espacio dedicado únicamente al flamenco, con una pestaña propia, para impulsar la difusión de este arte español a nuevos públicos de todo el mundo.

PROGRAMACIÓN DE ÓPERA

Orphée, de Philip Glass | Estreno en España | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal.

Estrenada en 1993, esta ópera de cámara de Philip Glass, con texto de Jean Cocteau, es un canto de despedida del poeta francés a su joven amante y, medio siglo más tarde, del compositor a su compañera.

Rafael Villalobos, que triunfó con el estreno mundial de Marie, de Germán Alonso, en la pasada temporada, llevará a escena el desgarrador duelo de Orfeo y su camino de liberación, con la complicidad de un doble elenco mayoritariamente español, bajo la dirección de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

21 septiembre – 25 septiembre | 5 funciones | 2 repartos | Teatros del Canal 

Aida, Giuseppe Verdi | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con la Abu Dhabi Music and Arts Foundation, basada en la producción original del Teatro Real de 1998.

Aida inaugura la temporada lírica del Teatro Real, precedida de un preestreno para jóvenes menores de 35 años, el 21 de octubre.

La renovada producción concebida por Hugo de Ana en 1998 vuelve bajo la infalible batuta de Nicola Luisotti, que se alternará en el foso con Daniel Oren y Diego García Rodríguez al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Tres repartos de estrellas verdianas encabezados, en el rol titular, por Krassimira Stoyanova, Maria Agresta, Roberta Mantegna y Anna Netrebko, se alternarán en las 20 representaciones, en las que participarán también, entre otros, Piotr Beczala, Jorge de León, Carlos Álvarez, Artur Rucinski, Jamie Barton y Sonia Ganassi.

24 octubre – 14 noviembre | 20 funciones | 3 reparto

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi | Producción invitada

Producción de Sasha Waltz & Guests, en colaboración con la Dutch National Opera Amsterdam, el Gran Théâtre du Luxemburg, el Bergen International Festival y la Opéra de Lille.

La coreógrafa Sasha Waltz, que presentó en el Teatro Real, en 2019, su versión de Dido y Eneas, de Henry Purcell, vuelve con una nueva ceremonia ritual coreográfica, evocadora de celebraciones ancestrales, en una producción ya icónica que triunfó en varios teatros y festivales europeos. El director musical argentino Leonardo García Alarcón debuta en el Teatro Real al frente de un reparto de cantantes del universo barroco, junto al Vocalconsort Berlin y a la Freiburger Barockorchester.

20 noviembre – 24 noviembre | 4 funciones | 1 reparto

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real | Producción invitada

Producción de la Òpera de Butxaca i Nova Creació, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Festival Castell de Peralada.

Partiendo de la novela de caballerías Tirant lo Blanc, de Joanot Martorell, el compositor Joan Magrané y el libretista y director de escena Marc Rosich han creado una ópera de cámara como una ‘batalla de amor’ medieval, que se desarrolla en una instalación lumínica de Jaume Plensa, donde los tres protagonistas glosan el amor y el desamor, junto a solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Francesc Prat.

23 noviembre – 27 noviembre | 4 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal

La sonnambula, de Vincenzo Bellini | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el New National Theatre Tokio, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro Massimo di Palermo.

Nadine Sierra y Xabier Anduaga, y Jessica Pratt y Lawrence Brownlee, encabezan los dos repartos que traerán al escenario del Real la ópera de Bellini, icono del belcantismo romántico, en la visión lúcida, moderna y feminista de Bárbara Lluch, que debuta en el Teatro Real como directora de escena, después de más de una década de asiduas colaboraciones como asistente. Maurizio Benini, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, será el responsable de la dirección musical de la ópera, con la seriedad y elegancia que requiere este tipo de repertorio.

15 diciembre – 6 enero | 13 funciones | 2 repartos

Dido y Eneas, de Henry Purcell | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal, en coproducción con la Opéra Royal de Versailles, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Théâtre Impérial de Compiegne y Les Arts Florissants.

Este canto inconsolable de una reina abandonada por su amante, joya del barroco inglés, se estrenó en 1689 en una ‘School for Girls’, situación muy inspiradora para abordar la ópera desde el universo femenino de la gran coreógrafa Blanca Li, que será la responsable de llevar a escena la ópera de Purcell, contando para ello con la versatilidad y maestría de Les Arts Florissants, con William Christie en la dirección musical.

17 enero – 22 enero | 5 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal 

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real procedente de la Oper Frankfurt.

Vuelve Christof Loy con un título de Richard Strauss después del éxito de su Capriccio, en 2019, de nuevo con una producción llena de texturas interpretativas, que transita entre los personajes reales y espectrales, explorando el trasfondo de una comedia glamourosa y poética, pero también inquietante y trágica.
David Afkham, director titular de la ONE, volverá al foso del Teatro Real, al frente de un elenco coral encabezado por la soprano Sara Jakubiac y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

24 enero – 12 febrero | 7 funciones | 1 reparto

Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio musical español

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Theater an der Wien.

Ivor Bolton capitanea la recuperación de esta ópera desconocida del barroco español, al frente de la Orquesta Barroca de Sevilla, del Coro Titular del Teatro Real y de un elenco encabezado por el contratenor Franco Fagioli, que interpreta a Aquiles travestido, cuando su madre lo disfraza de mujer y lo envía a la isla de Esciros para impedir su participación en la guerra de Troya.

Mariame Clément sitúa la trama en la corte de Felipe V, con la participación de la infanta María Teresa Rafaela, cuyos esponsales con el delfín de Francia, hijo del Rey Sol, se celebraron con esta ópera.

17 febrero – 25 febrero | 5 funciones | 1 reparto

El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla| Suite Pulcinella, de Ígor Stravinski | Versión de concierto

Pablo Heras-Casado, al frente de la prestigiosa Mahler Chamber Orchestra, con la que trabaja regularmente, evocará el teatro popular del Siglo de Oro con el mosaico cervantino de Manuel de Falla inspirado en las fechorías de Maese Pedro, y explorará el universo burlesco y ampuloso de la commedia dell’arte, a través de Ígor Stravisnki.

18 febrero | 1 función

La nariz, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en versión escénica en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Royal Opera House, la Komische Oper Berlin y Opera Australia.

La imaginación desbordante e irreverente de Barrie Kosky -conocido por el público del Real por su exitosa versión de La flauta mágica en cine de animación- está patente en esta sorprendente y ácida ópera de Shostakóvich, por la que desfilan más de 80 personajes que gravitan en el mundo grotesco de un burócrata amargado, interpretado por Martin Winkler. El elenco, mayoritariamente eslavo, contará con la participación de Anne Igartiburu en el papel de presentadora de televisión.

La dirección musical será del inglés Mark Wigglesworth, quien volverá a dirigir el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después del éxito, en 2018, con Dead Man Walking, de Jake Heggie.

13 marzo – 30 marzo | 7 funciones | 1 reparto

Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta pequeña ópera de cámara grotesca, marginal y maldita entrelaza fragmentos de supuestos discursos esperpénticos de autoridades soviéticas con música folclórica y evocaciones de marchas militares, en una nada disimulada crítica al régimen comunista que provocó la ocultación de la partitura hasta después del fallecimiento del compositor. Se presentará como complemento a La nariz, en versión semiescenificada de Johannes Stepanek, con cantantes del Coro Titular del Teatro Real, el bajo Alexander Teliga y un grupo instrumental con Judith Jáuregui al piano.

26 marzo | 1 función | Círculo de Bellas Artes

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera.

El Teatro Real estrena en España esta ya clásica ópera de John Adams, que recrea la visita del presidente de Estados Unidos, Richard Nixon, a China, en 1972, en el marco del megalómano ceremonial maoísta, en plena guerra fría.

En la partitura se articulan arias, dúos, concertantes, coro y ballet, emulando la tradición operística decimonónica con una clara crítica a la parafernalia del poder, que subraya la puesta en escena de John Fulljames.

La dirección musical es de Ivor Bolton, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y un elenco del que forman parte Leigh Melrose, Sarah Tynan, Jacques Imbrailo, Alfred Kim, Audrey Luna y Borja Quiza, entre otros.

17 abril – 2 mayo | 7 funciones | 1 reparto

Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel | Ópera en versión de concierto

Prosigue la presentación de la fabulosa producción operística de HändeI en las temporadas del Teatro Real. Después de Alcina (2015), Rodelinda (2017), Ariodante (2018), Agripina (2017) y Parténope (2021), vuelve

Tolomeo, rey de Egipto -ofrecida en 2009- protagonizada por un reparto especializado en el Barroco encabezado por el contratenor Jakub Jósef Orlinski, junto a la orquesta Il Pomo d’Oro, con dirección musical de Francesco Corti.

23 abril | 1 función

Tristán e Isolda, de Richard Wagner | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta obra maestra de todos los tiempos, fuente de inagotables análisis musicales y filosóficos, y de vuelos emocionales y trascendentales, vuelve con un reparto de lujo, con Andreas Schager y Ingela Brimberg en los papeles titulares y dirección actoral de Justin Way.

Semyon Bychkov asumirá la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

25 abril y 6 mayo | 4 funciones | 1 reparto

Il turco in Italia, de Gioachino Rossini | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Opéra de Lyon y el New National Theatre Tokyo

Laurent Pelly será el encargado de ayudar al poeta Prosdocimo, protagonista de Il turco in Italia, a encontrar la trama para su obra literaria, desenredando los embrollos libidinosos en los que se meten sus personajes, en un continuo y jugoso juego de disfraces, bajo el cual laten los grandes dilemas del alma.

La dirección musical será de Giacomo Sagripanti, que debuta en el Teatro Real al frente de un reparto que incluye muchos cantantes que nunca han actuado en su escenario, junto a otros muy queridos del público, como Lisette Oropesa, Pietro Spagnoli o Sara Blanch.

31     mayo – 12 junio | 10 funciones | 2 repartos

Coronis, de Sebastián Durón | Zarzuela en versión de concierto | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio español

El trabajo de los musicólogos españoles está descubriendo partituras sorprendentes como la de esta zarzuela, íntegramente cantada, atribuida al compositor Sebastián Durón, que entrelaza historias de dioses y ninfas, trágicas y burlescas, con una música que delata la influencia francesa e italiana, pero también la herencia musical hispana que pretende reivindicar. Vincent Dumestre, gran conocedor del repertorio barroco, estará al frente de un reparto internacional y de la Orquesta Le Poème Harmonique.

10 junio | 1 función

Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck | Ópera en versión de concierto

René Jacobs, verdadero patriarca en la recuperación e interpretación del repertorio barroco y clásico, traerá al Real un título que demostrará, una vez más, su veteranía en la lectura musical historicista, contando para ello con tres de sus habituales cantantes solistas, junto al RIAS Kammerchor y la Freiburger Barockorchester.

13 junio | 1 función

Turandot, Giacomo Puccini | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company de Toronto, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris.

El carismático lenguaje visual y dramatúrgico de Bob Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, se ha revelado ideal para contar la leyenda de la sanguinaria princesa China, enmarcada en un espacio escenográfico que entronca con el milenario teatro de sombras oriental.

Después de triunfar en París, Toronto y en MyOperaPlayer, esta producción vuelve al teatro donde nació, de nuevo bajo la dirección de Nicola Luisotti, con tres repartos excepcionales encabezados por Anna Pirozzi, Elena Pankratova y Saioa Hernández, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

3 julio – 22 julio | 17 funciones | 3 repartos

PROGRAMACIÓN DE DANZA

La programación de danza ofrece una de las propuestas más seductoras de los últimos años con la presencia de 4 compañías que, con diferentes estilos, tendrán en el Real un especial punto de partida. Inaugura la Temporada la Compañía Nacional de Danza con un Tributo a Jiři Kylian, con trabajos coreográficos de Nacho Duato, Andrea Schermoly, Sol León, Paul Lightfoot y el propio Kylian.

Sasha Waltz & Guests regresa con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para mostrar L’Orfeo de Monteverdi desde otra perspectiva. El New York City Ballet presentará en el Teatro Real dos míticas coreografías de Georges Balanchine y una de reciente factura del creador Justin Peck, toda una muestra de la personalidad de la compañía. Y cerrará el ciclo el English National Ballet con la adaptación del clásico Raymonda, con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa y cuya gira internacional, para mostrar este trabajo, dará comienzo en Madrid.

La Compañía Nacional de Danza inaugurará la temporada de danza del Teatro Real, con un tributo al bailarín y coreógrafo checo Jiří Kylián, de la mano de cuatro creadores con un fuerte vínculo artístico y personal con el maestro de la danza contemporánea y su compañía de referencia, el Nederlands Dans Theater. Ellos son Nacho Duato, Sol León, Paul Lightfoot y Andrea Schermoly. Con músicas e inspiraciones diversas, las recreaciones de los distintos momentos coreográficos constituirán un gran preludio a un programa que culminará con la interpretación de Bella figura, creación de Jiří Kylián de 1995 que, convertida ya en una obra maestra, invita a una reflexión sobre el arte mostrada como «un viaje en el tiempo, la luz y el espacio, en referencia a la ambigüedad de la estética, las representaciones escénicas y los sueños».

La coreógrafa alemana Sasha Waltz regresa al Teatro Real con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para una delicada lectura del L’Orfeo de Monteverdi. Si en origen la obra conjuga el arte del teatro y la música cantada creando un modelo de manifestación artística per se, Waltz profundiza en la exploración de una suerte de “ópera coreografiada” en la que sonido y movimiento se complementan sin fisuras. Como sucediera en el pasado con Dido & Aeneas, Sasha Waltz & Guests contará con la participación del Vocalconsort Berlin acompañados, en esta ocasión, por la Freiburger Barockorchester.

El New York City Ballet visita España y lo hará con el escenario del Teatro Real como protagonista, con un programa que recoge la esencia misma de su personalidad. Para su presentación en Madrid han seleccionado tres coreografías llenas de simbolismo. Dos son obras de George Balanchine, cofundador de la compañía y figura mítica del ballet: Serenade – un hito en la historia por ser el primer ballet original que Balanchine creó en Estados Unidos-, y Square Dance -en el que el coreógrafo unió las tradiciones de la danza folclórica estadounidense con el ballet clásico-, ambas convertidas en emblema del repertorio del NYCB, y The Times Are Racing, de Justin Peck, creada en 2015 e inspirada en las últimas cuatro pistas del álbum de 2012 de Dan Deacon, America. 

Tras su reciente estreno en Londres, y la gira que realizará por el Reino Unido el próximo otoño, el English National Ballet presentará en el Teatro Real, por primera vez a nivel internacional, Raymonda, ballet con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa. Su propuesta traslada la acción original a la guerra de Crimea, inspirándose en la figura de Florence Nightingale y en el trabajo de las mujeres que, con espíritu innovador, apoyaron el esfuerzo de los combatientes en el conflicto. Raymonda se convierte así en una joven con vocación de enfermera. Protagonizada por un gran elenco de bailarines, esta versión, aclamada por la crítica, mantiene lo mejor del original del siglo XIX, incluida la partitura de Alexander Glazunov, adaptada y editada por Gavin Sutherland y Lars Payne. Las funciones de Raymonda contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Gavin Sutherland.

CONCIERTOS Y GALAS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto en esta temporada por 5 conciertos protagonizados por algunos de los mejores artistas líricos del mundo: Cecilia Bartoli, Gregory Kunde, Carlos Álvarez, Matthias Goerne, Joyce DiDonato y Javier Camarena.

Completan la oferta los 6 que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA, y un concierto con los finalistas del Concurso Montserrat Caballé y otro los galardonados en Concurso Tenor Viñas.

La GRAN GALA ANUAL DEL TEATRO REAL, con fines filantrópicos y la asistencia de destacadas personalidades del ámbito institucional, cultural, artístico, empresarial y social, tendrá lugar el 13 de diciembre próximo.

EL REAL JUNIOR

La programación infantil y juvenil, ya completamente recuperada, tiene su espacio en EL REAL JUNIOR con 9 espectáculos, 4 de ellos nuevas producciones del Teatro Real y 5 que se verán aquí por primera vez, para diferentes edades y distintos formatos como cuentos musicales, cine, danza y conciertos dramatizados, destinados al público familiar y a centros escolares.

Dentro de esta programación ecléctica y pluridisciplinar, con artistas de ámbitos muy diferentes, destaca la participación de 4 jóvenes directores de orquesta: Rubén Gimeno, Isabel Rubio, José Sanchís y Lara Diloy.

La  temporada más joven se inaugura en octubre con dos interesantes propuestas en la Sala Principal: una destinada  a los centros escolares de la mano de la Compañía Nacional de Danza que, coincidiendo con las funciones inaugurales de la programación de danza, dedicará tres sesiones didácticas en torno a dos de las coreografías de su programa principal, Kübler-Ross y Sad Case; la otra, con un concierto cargado de arias, dúos y cuartetos de ópera con los que, en vísperas de la fiesta de Halloween, invocarán a los espíritus con Fantasma que canta, no espanta, interpretado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, programa de promoción de jóvenes talentos organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real, bajo la dirección de Rubén Gimeno, con guión y presentación de Ana Hernández Sanchís.

Continuará la aventura con una propuesta viajera que les llevará a Egipto en compañía de A.I.D.A. (Amistad, Igualdad, Diversidad, Amor), una versión reducida del título verdiano concebida por Davide Garattini Raimondi y Bárbara Palumbo, con dirección musical de Isabel Rubio. En plenas fiestas navideñas, Cascanueces y el Rey de los ratones, serán los protagonistas de un concierto en formato cuento con narración y vídeo de animación a cargo de Fernando Palacios y Fran Parreño, bajo la dirección musical de José Sanchís.

La Sala de Orquesta será el escenario de ¡Al piano, Johann Sebastian Jazz!, donde el jazz y la música clásica dialogarán con interesante complejidad, entre los dedos de los pianistas Alexis Delgado e Iñaki Salvador, junto a Fernando Palacios. Y en marzo, en paralelo a las funciones del New York City Ballet, la compañía ofrecerá unas sesiones únicas en torno a dos coreografías muy especiales para ellos: Serenade, una de sus obras emblemáticas, y The times are Racing, joven y actual.

La Sala Gayarre acogerá dos espectáculos de títeres con dos miradas muy distintas, Parade, el circo de los valientes, con el sello inconfundible de La Maquiné, y Yo soy la Locura, teatro negro con títeres, máscaras y música barroca de La Compañía Claroscuro. Y en ese mismo espacio, como cada temporada, tendrán lugar las citas mensuales ¡Todos a la Gayarre! para toda la familia, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera.

La programación termina como comenzó, con una gran fiesta musical en forma de concierto, en la Sala Principal, con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, esta vez con la animación de Fernando Palacios y la dirección musical de Lara Diloy.

Además de estas propuestas formativas, EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, cuenta con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos destinados tanto a universitarios como al público en general y abordará tanto la formación presencial como online, con 17 interesantes propuestas.

En el apartado La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en: Aida (octubre), La sonnambula (noviembre-diciembre), Il turco in Italia (mayo) y Turandot (junio-julio).

En esta edición serán 5 los Cursos relacionados con la temporada: Comprender a… Bellini (La sonnambula), Strauss (Arabella), Rossini (Il turco in Italia), Puccini (Turandot) y Ópera y pos modernidad: Glass y Adams, y 3 los destinados a adentrarse en la Historia de la ópera: Historia de la interpretación de la ópera I y II, Mujeres en la ópera construyendo, desmontando y conquistando mitos y El Real de los recuerdos, historia del Teatro Real desde 1850 hasta 1925.

Crece el número de Cursos sobre Artes escénicas y gestión cultural hasta un total de 5: Fotografía de escena; Ópera y liderazgo, El arte de trabajar con equipos de alto rendimiento; Regiduría; Inteligencia emocional en la ópera y Conceptos fundamentales de la danza.

LA TEMPORADA EN NÚMEROS 

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 188 funciones: 113 funciones de ópera repartidas entre 18 títulos; 15 funciones de danza con 4 diferentes espectáculos; 13 conciertos de distintos formatos (5 conciertos de Voces del Real, 2 conciertos líricos (concursos) y 6 conciertos de Los domingos de cámara; y 49 funciones de El Real Junior.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | De los 18 títulos de ópera, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto.

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España –Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina Aida, la Fundación BBVA patrocina L’Orfeo y Nixon in China; Endesa patrocina La sonnambula y Tristán e Isolda; la Fundación Amigos del Teatro Real patrocina Aquiles en Esciros;  Fundación Santander patrocina Il turco in Italia; y la Fundación ACS patrocina Turandot.

OBRAS POR SIGLOS DE LA TEMPORADA DE ÓPERA | Habrá 3 producciones con obras del siglo XVII (L’Orfeo, Dido y Eneas y Coronis); 3 óperas del siglo XVIII (Tolomeo, rey de Egipto; Aquiles en Esciros y Orfeo y Eurídice); 4 obras del siglo XIX (Il turco in Italia, La sonnambula, Tristán e Isolda y Aida); 7 obras del siglo XX (El retablo de Maese Pedro, Turandot, La nariz, Arabella, Nixon in China, Anti-formalist Rayok y Orphée) y 1 título del siglo XXI (Diàlegs de Tirant i Carmesina).

OBRAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS (LUGAR DONDE SE ESTRENÓ LA ÓPERA) | Se presentarán 7 óperas italianas (1 de ellas, de Glück -alemán afincado en Italia-), 3 óperas y  1  zarzuela españolas, 2 óperas estadounidenses, 2 óperas germánicas, 2 óperas rusas y 1 ópera inglesa de Händel -alemán afincado en Inglaterra-.

DANZA | Habrá 15 funciones protagonizadas por 4 compañías: Compañía Nacional de Danza, Sasha Waltz & Guests, New York City Ballet y English National Ballet.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está compuesta por 49 funciones –25 para toda la familia y 24 para centros escolares- y 9 talleres ¡Todos a la Gayarre! con 2 sesiones cada uno.

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 4 talleres de Ópera al Descubierto, 5 cursos monográficos relacionados con la Temporada, 3 cursos sobre historia de la ópera y 1 nueva edición del programa La Universidad a Escena.

LOCALIDADES Y ABONOS

CATEGORÍAS DE ABONOS DE ÓPERA | Se ofrecen 1 turno de abono estreno de 9 óperas y un concierto exclusivo de Cecilia Bartoli, 1 turno de abono de 9 óperas, 3 turnos de abonos de 8 óperas (uno en fin de semana), 3 turnos de abonos de 7 óperas, 1 turno de abono de 6 óperas, 2 turnos de abonos de 5 óperas (uno también en fin de semana), 2 turnos de abonos de 4 óperas y 2 turnos de abonos (Selección I y II) de 3 títulos populares (2 títulos de óperas y 1 título de danza) .

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos ópera: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

Fecha venta de abonos Selección: del 9 de junio al 3 de julio.

ABONOS DE DANZA | Se ofrecen 4 turnos de abonos de danza con 3 espectáculos cada uno.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 3 de julio.

ABONO DE ‘VOCES DEL REAL’ | Se ofrece 1 turno de abono de 4 conciertos.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

ABONOS DE ‘DOMINGOS DE CÁMARA’ | Se ofrece 1 turno de abono de 7 conciertos (incluye el Concierto Viñas)

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 9 de junio al 3 de julio.

EL REAL JOVEN | El compromiso con los jóvenes se refuerza con iniciativas como la el Preestreno joven inaugural de la temporada con precios especiales, el 21 de octubre. Por tercer año consecutivo,  la oportunidad de la Butaca Joven ofrecerá localidades distribuidas en Platea, Principal y Entresuelo y se habilitará una venta preferente para Amigos Jóvenes y para resto de jóvenes hasta 35 años antes de la salida a la venta al público. Los menores de 26 conseguirán estas entradas por 20 € y a partir de esa edad y hasta 35 años por 30 €. Asimismo, se abrirá la venta online de Último Minuto, en la que los menores de 26 años podrán adquirir una entrada por 20 € y los jóvenes de entre 26 35 años podrán adquirir entradas por 35 €.

Fotografía: Javier del Real

Teresa Berganza

La gran mezzosoprano madrileña Teresa Berganza, ha fallecido este 13 de mayo a los 89 años de edad. Paseó como nadie su voz por los más grandes teatros del mundo. Además de canto, Berganza había cursado estudios de piano, armonía, música de cámara, composición, órgano y violonchelo. Abandonó los escenarios a los 75 años, pero continuó vinculada a la lírica y dedicada a la enseñanza. «Canté durante 55 años, desde los 20 a los 75. Eso sí, disminuyendo progresivamente. Pero hubo un momento en que dije: ‘Esto se ha acabado'».

Nació muy cerca del Teatro Real, y le tocó vivir loa años más duros de la postguera civil. Pronto empezó a destacar en sus estudios de música de la mano de la que fuera su profesora, Lola Rodríguez Aragón. Debutó en 1955 en el Ateneo de Madrid, acompañada al piano por Gerardo Combáu.

El Teatro Real rendirá homenaje a Berganza dedicándole la Semana de la Ópera.

El Teatro Real, entre otras instituciones, lamentan prifundamente su fallecimiento. “Como muestra de cariño y gratitud por todo lo que hemos recibido durante tantos años de Teresa Berganza, el Teatro Real ha decidido dedicarle la edición de este año de su Semana de la Ópera, que se celebrará en junio”, ha anunciado Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, que ha expresado su más sentido pésame a la familia, amigos y al “público del Teatro Real, que la sintió siempre como suya”.

Teresa Berganza, Patrona de Honor del Teatro Real, está vinculada a esta institución desde el período en el que era sala de conciertos, donde triunfó con su voz y sus interpretaciones únicas. Después de la reinauguración del Real como teatro lírico, en 1997, participó en conciertos y en master clases dentro de su programa pedagógico.

“Como muestra de cariño y gratitud por todo lo que hemos recibido durante tantos años de Teresa Berganza, el Teatro Real ha decidido dedicarle la edición de este año de su Semana de la Ópera, que se celebrará en junio”, ha anunciado Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, que ha expresado su más sentido pésame a la familia, amigos y al “público del Teatro Real, que la sintió siempre como suya”.

Giselle

Los días 18, 20 y 21 de mayo, el Teatro Real ofrecerá cuatro funciones del ballet clásico Giselle interpretado por la Compañía Nacional de Danza, en la versión coreográfica de su director, Joaquín de Luz, inspirada en el romanticismo español y en la poesía de Bécquer.

Sin abandonar los elementos que han hecho de esta obra una de las cumbres del ballet clásico, la concepción de Joaquín de Luz recoge también la escuela bolera y las tradiciones españolas, y construye una Giselle más humana, más tangible, apoyada en la dramaturgia de Borja Ortiz de Gondra, que la dota de mayor contenido argumental, sin desvirtuar la esencia de la historia romántica que todos conocemos.

La narración transcurre en una aldea de la Sierra del Moncayo, imaginada por la escenógrafa Ana Garay junto a los bellos figurines de la diseñadora Rosa García Andújar y la iluminación de Pedro Chamizo. Juntos nos trasladan a un lugar en el que bucólicos campesinos, jóvenes enamoradas y apuestos galanes, nos acompañan hasta el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, mientras las voces del viento susurran versos del poeta español.

Con el maestro Óliver Díaz al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, y el magnífico el elenco de la CND, las funciones contarán con la presencia de la bailarina ucraniana Katja Khaniukova, Primera Solista del English National Ballet, como invitada especial en las funciones del día 20 y del 21 (a las 21.00 horas), en la que dará vida a la protagonista junto a Joaquín de Luz y Alessandro Riga, respectivamente.

Las representaciones serán especiales para las bailarinas acogidas por la CND, procedentes del Ballet de la Ópera Nacional de Ucrania e integradas actualmente en el programa de Talento Emergente de la CND, ya que tres de ellas participarán en los elencos que actuarán en el Teatro Real: Anastasiia Hurska, que será bailarina principal e interpretará el rol de Myrtha en una de las jornadas y el paso a dos del Pas de Paysan en otras dos representaciones, y Yelyzaveta Semenenko y Kateryna Chupina, como parte del cuerpo de baile en el papel de wilis.

Giada y Riga @ Alba Muriel

EDUARDO GUERRERO

El bailaor gaditano Eduardo Guerrero presentará en el Teatro Real, los próximos días 19 y 20 de mayo, una revisión de su espectáculo Retorno, una creación sencilla e íntima en la que rememora sus primeros pasos en el flamenco, los palos en los que se inició, el descubrimiento del arte, la guía inspiradora de su abuela Dolores.

Retorno es un espectáculo sin argumento. En él, el bailaor nos deja acompañarle en una historia en la que afloran los recuerdos con una mirada puesta en la esencia del flamenco para derivar en formas más contemporáneas y personales.

La crítica especializada ha calificado Retorno como una obra brutal y radical, en la que Eduardo Guerrero hace gala de su técnica portentosa, su zapateo poderoso, sus giros perfectos y, sobre todo, su elegancia y estilos característicos. Su fuerza interpretativa, que los expertos definen como “bailar con las vísceras”, y su estilo depurado, han sido, sin duda, una de sus mayores aportaciones a la evolución del arte flamenco.

Retorno contará con la belleza del sonido de la guitarra de Francisco Javier Ibáñez, de reconocido talento y capacidad interpretativa, acompañado por las voces de Samara Montañéz y Pilar Sierra, dos cantaoras curtidas en tablaos y escenarios de medio mundo.

Guerrero comenzó a bailar, con tan sólo seis años, en la escuela de Carmen Guerrero. Allí aseguró los cimientos de un arte que construiría estudiando danza española en el Conservatorio de Danza de Cádiz, además de formarse en danza contemporánea y clásica, para pasar después a su desarrollo en profundidad junto a maestros como Mario Maya, Antonio Canales y Manolo Marín, entre otros.

A partir del 2002 empieza a trabajar con grandes artistas del panorama nacional que valoran su indudable calidad, su capacidad física y su técnica depurada, desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar.

En 2011 obtuvo el 1er Premio del Concurso Coreográfico de Conservatorios Profesionales, con su coreografía Mayo. A partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es el momento de este gran bailaor que, con una estética actual, un profundo conocimiento de la esencia del flamenco, su talento, su físico y su gran carisma, conmueve y emociona, triunfando allá donde baila.

Imagen © Luis Malibrán

Cante de las Minas

Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, y Pedro López, presidente de la Fundación del Cante de las Minas y alcalde de La Unión (Murcia), han firmado esta mañana, en el Teatro, un acuerdo mediante el cual se incluirán los contenidos audiovisuales del prestigioso festival flamenco en la plataforma My Opera Player, la más importante plataforma audiovisual de las artes escénicas en España. En el acto también ha estado presente Juan Carlos López Alfonso, director del Festival del Cante de las Minas.

Este convenio, con vigencia de dos años, pone de manifiesto el compromiso del Teatro Real con la difusión del flamenco y supondrá un mayor impacto de los contenidos del Festival, que en sus 61 años de historia ha alcanzado el reconocimiento internacional por la calidad de su concurso. De esta manera, los documentos históricos, las finales del concurso, las actuaciones estelares y otras actividades propias del Festival tendrán presencia y difusión en la plataforma del Real.

Fotografía © Teatro Real

Las Bodas de Figaro

Unas bodas de Figaro diferentes en el Teatro Real

Las bodas de Figaro
Le nozze di Figaro
Wolfgang A. Mozart (1756-1791)
Opera buffa en cuatro actos
Libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la comedia La folle journée, ou le mariage de Figaro (1784) de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais
Producción de Canadian Opera Company procedente del Festival de Salzburgo
Teatro Real de Madrid, 28 de abril de 2022
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Escenografo y figurinista: Christian Schmidt
Iluminador: Olaf Winter
Coreógrafo: Ramses Sigi
Diseñador de vídeo: Andi A. Müller
D. coro: Andrés Máspero
André Schuen, María José Moreno, Julie Fuchs, Vito Priante, Rachael Wilson, Monica Bacelli, Fernando Radó, Christophe Montagne, Moisés Marin, Alexandra Flood, Leonardo Galeazzi, y Uli Kirsch, que interpreta el ángel
Once años habían transcurrido desde su última comedia italiana, La Finta Giardiniera (La jardinera fingida) y Mozart se mostraba preocupado al no encontrar una historia apropiada para su próxima comedia. Lo refleja en una de las cartas a su padre en 1783, “he mirado más de cien libretos, y no he encontrado ni uno con el que estuviera satisfecho; habría que hacer tantos cambios aquí y allá, que incluso si un poeta se pusiera a ello, le sería más fácil escribir un texto completamente nuevo”.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Llega entonces a Viena, de la mano de Antonio Salieri para trabajar en la corte, el libretista y poeta italiano Lorenzo da Ponte. Se inicia entonces una fructífera colaboración entre Mozart y da Ponte que dejará atrás la época de Metastasio. Se abre un nuevo viaje operístico que ya no tendrá retorno.

Mozart mostraba cierta admiración por las obras del dramaturgo francés Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais y por una de sus obras, la trilogía de Figaro, para cuya primera parte, Il Barbiere di Siviglia (1782), había puesto ya música Giovanni Paisiello. Eligió la segunda de esta trilogía, La folle journée, ou Le mariage de Figaro (1784), que trata explícitamente los conflictos de clase de la época.

La obra de Beaumarchais, cuyo estreno teatral estuvo lleno de dificultades por la crítica social y política que contenía, puede enmarcarse dentro del proceso revolucionario que culmina en 1789 con La Revolución Francesa. Después de tres años de lucha con la censura, Las bodas de Figaro pudieron ser estrenadas llegando a las 60 representaciones. Pero las protestas y las intrigas de antiguos enemigos de Beaumarchais, consiguieron que la obra se prohibiera en toda Europa.

Como narra da Ponte en sus memorias, la ópera estuvo terminada en apenas seis semanas, “a medida que yo iba escribiendo la letra, Mozart componía la música”. Solo faltaba convencer a José II de su idoneidad. De ello se encargó da Ponte, mucho más diplomático que Mozart, que prometió al emperador prescindir de las partes más polémicas. Se suprimieron escenas enteras, pero la sustancia ideológica permanecía intacta.

La mentalidad liberal de José II, que ya había abolido la censura y autorizado un decreto de matrimonio civil por el que se suprimía el consentimiento paterno, facilitaron el estreno de una ópera que, al tener un formato de comedia, amable y simpático, disimulaba muy bien su carga de profundidad.

El 1 de mayo de 1786 se estrena por fin en Viena Le nozze di Figaro, preámbulo de Don Giovanni y, sobre todo, de Cosi fan tutte, que cierra el ciclo de la brillante colaboración entre Mozart y da Ponte.

Le nozze di Figaro es hoy en día una de las óperas más representada en todo el mundo, aunque siempre no fue así. Al Teatro Real llega pronto, en 1903, mucho antes que a otros teatros europeos. Después tuvo unos años de cierta decadencia en la programación y no fue hasta los años sesenta que, tímidamente, volvió a las temporadas operísticas.

El Teatro Real presenta esta temporada una producción que es todo un clásico, la creada por Claus Guth para el Festival de Salzburgo en 2006, que sustituye a la inicialmente anunciada de Lotte de Beer y que no tuvo muy buena aceptación, siendo generosos, en el Festival de Aix-on-Provence.

Vuelve a utilizar Guth las grandes estructuras arquitectónicas que tanto le gustan. Presenta una gran escalera en un gran espacio como único escenario. Un decorado blanco, desnudo, lejos de los excesos dieciochescos que suelen acompañar las representaciones de esta ópera. El vestuario de Christian Schmidt, también muy del estilo de Guth, como pudimos ver en Rodelinda, en este mismo Teatro, de tonos grises y uniformado. Los sutiles cambios de escena se deben sobre todo a la iluminación de Olaf Winter, que va generando con sombras y pequeñas proyecciones, las atmósferas que ayudan a describir la escena.

También en esta ocasión, Guth utiliza un personaje que no está en el libreto pero que aparece constantemente en escena. En esta ocasión se trata de una especie de Cupido que, invisible al resto de personajes, maneja los hilos de todos intentando alterar su comportamiento, sembrando confusión a su paso.

Los personajes son tratados en esta producción de manera sobria, sin adornos, dejando al descubierto la parte más profunda de su personalidad. Sin embargo, el resultado final de la escenografía es que no ayuda al desarrollo ni a la conclusión de la historia.

Volvía Ivor Bolton a dirigir Mozart al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. Puede que contagiado por la monótona escenografía, la dirección de Bolton no ha tenido la brillantez y la chispa de otras ocasiones. Solo en algunos momentos se han hecho presentes esos destellos que Mozart reflejó tan brillantemente en su partitura.

Esta obra se distingue de otras óperas buffas por la gran calidad de sus conjuntos, que expresan la enorme variedad de sentimientos amorosos. En esta ocasión quedan un poco opacados y faltos de frescura. No se aprecia la variedad de texturas de una orquestación tan detallada como la que ofrecen Las bodas de Figaro, sobre todo en la obertura y los vientos.
Lo mejor de la orquesta han sido los recitativi secchi, del clave y el violonchelo, que han permitido que las escenas fueran más fluidas.

La parte vocal ha presentado un conjunto de voces equilibrado. Para afrontar esta ópera la exigencia teatral está casi al mismo nivel que la vocal. Pero en este caso, además, es necesaria una buena forma física.

Fue una alegría ver a la granadina María José Moreno encarnar el rol de Condesa en el Teatro Real. Lo hizo con gran seguridad, como hace ella las cosas. Es esta una Condesa un poco especial, lánguida y solitaria, y Moreno la reflejó muy bien en esos aspectos a los que añade un punto de sofisticación muy adecuado al personaje. Tuvo momentos de gran lirismo y brillantez, sobre todo en sus dos arias más importantes, “Porgi Amor” y “Dove Sono”. Posee un centro poderoso y buenos agudos.

Susana, el personaje central de la obra, estuvo interpretado por la francesa Julie Fuchs. Su voz es ligera y fresca, perfecta para Susana, le faltó volumen y hacer más creíble a su personaje, tal vez demasiado infantil.

El Figaro de Vito Priante tampoco resultaba muy creíble como prometido de Susana, parecía su padre. Muy estático en escena, andaba algo perdido con su personaje, que había sido desprovisto de su verdadero carácter por el director de escena. Pero su voz esta sobrada de calidad y posee un hermoso y cálido timbre.

El barítono italiano André Schuuen interpreta al Conde Almaviva. Ya pudimos escucharle en el Capriccio hace unas temporadas. Se siente cómodo en el personaje, aunque le falte un poco de empaque y parece un adolescente con traje. Defendió bastante bien los agudos y su zona grave es suficiente y consistente.

El Cherubino de Rachael Wilson fue, junto a la Condesa, lo mejor de la noche. Fresca y juguetona en lo interpretativo, demostró tener una buena línea de canto y un centro y agudos muy poderosos y timbrados. Lástima que fuera igual vestida que el Cherubino de pega que Guth puso sobre el escenario. Se desenvolvió con destreza, la misma con la que interpretó sus arias “Non so più cosa son, cosa faccio” y “Voi che sapete”.

A buen nivel estuvieron el resto de comprimarios que en esta producción quedaron un tanto deslucidos en lo interpretativo, Monica Bacelli, como Marcelina; Fernando Radó, como Bartolo; Christophe Montagne, Como Basilio; Moisés Marin, Don Curzio; Alexandra Flood, como Barbarina; Leonardo Galeazzi, como Antonio y Uli Kirsch, que interpreta el ángel o Cupido.

Una nueva lectura de una ópera que por primera vez otorga a la partitura un papel fundamental en el desarrollo de la trama dramática.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Luis Piedrahita

El polifacético Luis Piedrahita escribe y protagoniza un espectáculo en torno al compositor alemán en el que, con sabiduría y humor, acerca el poder de su música a todos los espectadores.

La directora de orquesta Lucía Marín debuta en el Teatro Real con la música de Beethoven, al frente de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.

El escenario del Real se convertirá en un peculiar edifico gracias a los dibujos de Pablo Morales del Río que, con animación de Iñaki García, cobrarán vida descubriendo a los vecinos que lo habitan.

Una aventura donde el desastre y los acontecimientos encuentran la redención a través de la música como elemento sanador y de esperanza

Las funciones, pensadas para un público familiar, tendrán lugar el sábado 30 de abril, a las 11.00 y a las 13.00 horas.

La página web del Teatro Real pone a disposición del público una guía didáctica con información detallada del espectáculo.

El próximo sábado, 30 de abril, el Teatro Real celebrará el bonito homenaje al 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven que el confinamiento dejó congelado y que ahora, de la mano de Luis Piedrahita, responsable del guión y la interpretación, llenará de música y emoción su sala principal con el espectáculo ¡A la bin! ¡A la ban! ¡A la Ludwig Van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más! , para todos los públicos.

El ingenio y la palabra de Piedrahita estarán acompañados por un equipo artístico encabezado por la directora de orquesta Lucía Marín quien, al frente de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, interpretará fragmentos de algunas de las obras más conocidas del compositor alemán.

Esta es la historia de la comunidad de vecinos de Beethoven. Una especie de 13 Rue del Percebe del Siglo XVIII. Cada uno de los moradores de la casa tiene sus problemas: la vecina de arriba convive con siete gatos indómitos que le destrozan los muebles, en la buhardilla vive un poeta que lucha contra las goteras del tejado, abajo una madre que no consigue dormir a su niño y hasta un perito agrícola que intenta alimentar a la primera planta carnívora vegetariana de la historia. Cuando el maestro ensaya, la música se filtra por las paredes y los problemas de los vecinos se hacen llevaderos. Hasta que de repente… ¡se desata un incendio en el edificio!

Los espectadores transitarán por los distintos espacios de este edificio imaginario, un alocado vecindario diseñado por Pablo Morales del Río, con animaciones de Iñaki García, en el que la música de Beethoven produce un efecto… particular. Una pequeña locura, con Ximena Feijoo en la dirección de arte, y la complicidad del público en un inesperado final que ayudará a construir un futuro mejor.

Fotografía: Javier del Real

DANIEL CASARES

Daniel Casares nació con duende y así lo demuestra con su guitarra, que suena original, distinta, con una personalidad propia, reflejando esa furia interior, que desata poderosamente sobre sus cuerdas. Intérprete y compositor, llega al Teatro Real para ofrecer un trabajo inspirado en el mar que acaricia su ciudad natal y nos sumerge en el mundo del sur, MAGITERRÁNEO.

La cita será el jueves 28 de abril, a las 19.00 horas, y el viernes 29 de abril, en sesión doble, a las 19.00 y a las 21.00 horas.

Con 16 años es galardonado con el prestigioso Bordón minero de La Unión, convirtiéndose en el guitarrista más joven, hasta la fecha, en conseguirlo. Además, se alza con el premio nacional de guitarra de Jaén y esto le abre la puerta a la grabación de su primer disco “Duende Flamenco” ese mismo año.

Son incontables las colaboraciones de Daniel Casares con artistas de otros mundos de la cultura, como la mezzosoprano Cecilia Bartoli -quien le pidió que le acompañara, en calidad de artista invitado, en su gira europea con motivo del homenaje a la diva María Malibrán- Alejandro Sanz, Dulce Pontes, Toquinho, Antonio Orozco, y grandes flamencos como Juanito Valderrama, José Mercé o Miguel Poveda.

En MAGITERRÁNEO, el guitarrista malagueño regresa al sur, donde el Mediterráneo y su mágica poesía le sirven de inspiración. Lo que importa no es el lugar de donde se parte ni el puerto a donde se arriba, sino toda la experiencia, la emoción y el conocimiento que uno se trae del camino. Hermosas melodías que nos traen el perfume y la esencia de tierras de olivos y laureles, alegría de las palmas, notas llenas de matices.

Le acompañan en este viaje algunos de sus colaboradores habituales: Jesús Bachiller “Bachi”, en el bajo eléctrico, y Miguel Ortiz “Nene”, en la percusión, ambos involucrados en el proyecto Magiterráneo desde su creación. Junto a ellos, el bailaor Pedro Córdoba y el cantaor Roberto Jaén, ambos también a las palmas.

Las funciones contarán con la participación, como artista invitado, del cantaor El Mati, ganador de la Lámpara Minera en 2019. Su voz, de profundas raíces flamencas, es una de las más relevantes y demandadas del panorama actual, y su actitud abierta y polifacética le ha llevado a participar en otras disciplinas, como el Jazz, y a explorar nuevos caminos del cante con las músicas de vanguardia.

Premios Teatro Real

Los Premios del Teatro Real pretenden reconocer el mérito de personalidades, empresas y artistas que han destacado de manera especial por su apoyo a la institución a lo largo de la temporada 2020-2021.

En esta primera edición se han creado dos categorías: institucional y artística.

El premio consiste en una obra que la gran escultora Cristina Iglesias ha realizado, generosamente, para el Teatro Real.

La Gala de entrega de los premios, protagonizada por la mezzosoprano Silvia Tro Santafé, tendrá lugar el 6 de junio a las 19.30 horas.

El Teatro Real ha decidido instituir los premios que llevan su nombre, para reconocer el mérito de instituciones, empresas y personalidades relacionadas con la actividad de su temporada.

La primera edición de los Premios Teatro Real nace vinculada a una temporada muy especial, que arranca en junio de 2020 con La traviata y cubre toda la temporada 2020/2021.

Los premios, que nacen con vocación de continuidad, tienen dos categorías: institucional y artística.

Los galardones de la categoría institucional se conceden en esta ocasión a Endesa, Telefónica y Florentino Pérez, por su labor de mecenazgo, así como al doctor Santiago Moreno, por su actividad al frente del equipo médico durante la pandemia. Los premios artísticos se darán a conocer más adelante.

La entrega de los galardones tendrá lugar el 6 de junio, en una Gala protagonizada por la mezzosoprano Silvia Tro Santafé.

Fotografía: Javier del Real

Las bodas de Figaro

Las bodas de Fígaro entre el 22 de abril y el 12 de mayo en el Teatro Real, en una producción original del Festival de Salzburgo (2006), que encargó a Claus Guth la dirección escénica de las tres óperas de Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte, una de las cuales, Don Giovanni, se ofreció en el Teatro Real la pasada temporada.

Considerada la más perfecta de las óperas de Mozart, Las bodas de Fígaro, estrenada en 1776, fue escrita en menos de un año de manera frenética y entusiástica por Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y el polifacético escritor y libretista Lorenzo da Ponte (1749-1838), en su primera y fecunda colaboración, que proseguiría con Così fan tutte y Don Giovanni.

Ambos creadores estaban imbuidos del fervor de las nuevas ideas revolucionarias que defendía descaradamente la obra teatral de Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) en la que se basa la ópera, La folle journée, ou Le mariage de Figaro, estrenada con gran escándalo y alboroto apenas un año antes, provocando la reclusión del autor y la prohibición de la obra en diversas cortes europeas.

Con gran pericia Da Ponte reduce y disimula el contenido más explícitamente político de la obra, manteniendo las complejas relaciones entre los distintos personajes, a los que la fabulosa partitura de Mozart otorga una inusitada profundidad psicológica, escondida bajo las formas clásicas de la opera buffa.

La música, sustentada en un armazón perfecto de simetrías y juegos estructurales y armónicos, con arias y números de conjunto de enorme belleza, sugiere, delata, contradice, insinúa, desmiente e ilumina lo que esconden las palabras de los protagonistas, dentro de un enredo aparentemente cómico.

En su propuesta escénica, Claus Guth intenta, precisamente, explorar lo que late en el alma de los personajes más allá de la comedia, auscultando el lado inconfesable, ambiguo, contradictorio, siniestro, sádico o lascivo de las relaciones amorosas.

En paralelo con la estructura clásica de la partitura, Guth, junto con el escenógrafo y figurinista Christian Schmidt, sitúa la trama en un viejo y austero palacio, con los personajes encorsetados en trajes que delatan su origen social y determinan su modo de proceder. A partir de ahí, como en una película de Ingmar Bergman, o en un drama de August Strindberg, Guth va ‘desenmascarando’ lo que pasa en el interior de los personajes con la ayuda de un ‘ángel’ silencioso que muestra al espectador lo indecible, turbio u oscuro de las relaciones amorosas.

Dos selectos elencos dan vida a los complejos personajes de esta ópera coral, que esconden lazos de seducción, amor, deseo, pasión, hastío o rencor: Andrè Schuen y Joan Martín-Royo (Conde de Almaviva); María José Moreno y Miren Urbieta-Vega (Condesa de Almaviva); Julie Fuchs y Elena Sancho Pereg (Susanna); Vito Priante y Thomas Oliemans (Fígaro); Rachael Wilson y Maite Beaumont (Cherubino); Monica Bacelli y Gemma Coma-Alabert (Marcellina); y Fernando Radó y Daniel Giulianini (Bartolo).

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, vuelve a dirigir Las bodas de Fígaro desde su foso, después del éxito obtenido con la misma partitura en 2014. Esta ópera será la séptima producción de Mozart en la que asume la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, y la tercera en la que trabaja codo con codo con Claus Guth, después de Lucio Silla (2017) y Don Giovanni (2020).

Desde la reapertura del Teatro Real, Las bodas de Fígaro se ha ofrecido en 5 de sus 25 temporadas: en 1998, con Gianandrea Noseda y Jürgen Flimm; en 2003, con Antoni Ros Marbá y Marco Arturo Marelli; en 2009, con Jesús López Cobos y Emilio Sagi, cuya producción volvió a presentarse en 2011 con Víctor Pablo Pérez, y en 2014 con Ivor Bolton.

La propuesta escénica y dramatúrgica concebida por Claus Guth, que ahora se verá en el Teatro Real, ofrece una nueva perspectiva de la obra maestra de Mozart, cuya riqueza, complejidad y hondura son una inagotable fuente de interpretaciones.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Extincion

Entre los días 12 y 24 de abril, el Teatro Real ofrecerá 12 funciones de Extinción, propuesta escénica de Agrupación Señor Serrano a partir de la Missa de Batalla y la Missa pro Defunctis de Joan Cererols, estreno absoluto de esta hermosa obra en coproducción con el Teatro La Abadía y en colaboración con el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS). Todas las representaciones de Extinción tendrán lugar en el Teatro de La Abadía, en la Sala Juan de la Cruz.

La Agrupación Señor Serrano -compañía de teatro con sede en Barcelona que crea producciones originales sobre aspectos discordantes de la experiencia humana contemporánea- realiza una visual y poética propuesta escénica a partir de Missa de Batalla y Missa Pro Defunctis, de Joan Cererols, dramaturgia que despliega mediante el uso de una mezcla de objetos, texto, cámaras, performance, sonido, proyecciones y videos en directo. Con ayuda de imágenes estáticas y extáticas capturadas en vivo y transformadas en tiempo real y performers que entran y salen de diferentes figuras alegóricas, se representa la búsqueda del alma, de coltán, de fuego, de sangre… Extinción

Una embarcación española desciende por primera vez el río Amazonas, alguien hace scroll en la galería de imágenes buscando una foto, la galería inferior de una mina ilegal se derrumba, aparece en pantalla una nueva notificación de Instagram, el rey de España escucha pasmado una misa en su honor, gotas de polvo dorado en suspensión, llueve barro, un profesor de anatomía busca el lugar del alma, alguien encuentra el restaurante más cercano, mensajes sin leer, el interior de una selva en llamas, un réquiem resuena en una catedral del Nuevo Mundo, alguien mira al cielo, alguien ve una serie, alguien levanta un fragmento de mineral, alguien alza un cáliz, alguien levanta un móvil.

Una gran pantalla, varias mesas de trabajo, tres performers-manipuladores (Carlota Grau, Marcel Borràs y Àlex Serrano), un director musical (Javier Ulises Illán), y un ensemble vocal e instrumental (Nereydas y Coro Titular del Teatro Real) se entremezclan en escena.

Javier Ulises Illán, el director musical, dirige Nereydas, formación que trabaja un amplio repertorio que abarca diferentes periodos estilísticos desde músicas del Renacimiento y del Barroco hasta programas sinfónico-corales del Clasicismo. La mayor fortaleza de esta agrupación, abierta y flexible, reside en su capacidad para ensamblar, integrar y adaptar el número de músicos de amplia experiencia y formación, instrumentistas y voces, para desarrollar cada proyecto. En este caso, en colaboración con el Coro Titular del Teatro Real, dirigido por Andrés Máspero.

Joan Cererols (1618-1680), monje benedictino que renovó la tradición española renacentista abriéndola a las influencias barrocas llegadas de Italia y Flandes a mediados del siglo XVII, desarrolló toda su carrera en torno al Monasterio de Montserrat, en el que llegó a ser director de la escolanía durante más de veinte años, época en la que compuso su Missa de Batalla (1648), una misa-parodia compuesta en honor a Felipe IV, en la que refleja la ola de optimismo tras la victoria de las tropas castellanas en Nápoles, inspirada en La Guerre ou La Bataille de Marignan, otra misa-parodia del renacentista francés Clément Janequin. Sin embargo, tres años después, refleja en Missa pro Defunctis (1651) un ambiente muy diferente: más sobrio, denso y oscuro debido a la epidemia de peste en Barcelona ese año, que pasaría a propagarse posteriormente a otras partes de la Corona española.

Si bien gran parte de la obra de Cererols fue destruida en el incendio de la Abadía de Montserrat provocado por las tropas francesas en 1811, la obra que se salvó fue impresa a principios del siglo XX y acabó de poner a Cererols en los lugares de honor del Barroco español. Estas obras son testimonio de un oficio cimentado en el stile concertato y abierto a las influencias barrocas llegadas desde Italia y Flandes.

Fotografía: Javier del Real Extinción

El ángel de fuego

El ángel de fuego, estrenado en España el pasado 22 de marzo, fue recibido con excelentes críticas, tanto para el elenco –encabezado por Ausrine Stundyte y Leigh Melrose– como para la dirección de escénica de Calixto Bieito, la dirección musical de Gustavo Gimeno y la interpretación del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Hoy a las 19.30 h., espectadores de todo el mundo podrán ver la producción en directo en la página web del CANAL ARTE, disponible en español: https://www.arte.tv/es/videos/108551-000-A/el-angel-de-fuego-de-prokofiev-en-el-teatro-real-de-madrid/

Será una oportunidad única para descubrir una ópera desconocida del público español a través de una producción impactante y colosal.

El ángel de fuego es la sexta de las diez óperas compuestas por Sergéi Prokófiev (1891-1953), que dejaría inacabadas otras cuatro. La originalidad, irreverencia y libertad expresiva de títulos anteriores, como El jugador o El amor de las tres naranjas, habían forjado ya su destreza en la escritura operística que, con El ángel de fuego, recibiría un nuevo impulso.

La obra, con libreto del compositor basado en la novela homónima del escritor simbolista ruso Valeri Briúsov (1873-1924), tuvo una larga y accidentada gestación (de 1919 a 1927) y un camino no menos difícil después de concluida la partitura.

Su trama satánica, grotesca y delirante relata, a lo largo de siete escenas (en cinco actos), el camino truculento de Renata, poseída por espíritus malignos desde la aparición sobrenatural, en su infancia, de Madiel, el ángel de fuego, hasta su trágico final.

El libreto, que une la alquimia, la brujería, la cabalística, el exorcismo o la inquisición vigentes en la Alemania oscurantista pre-luterana, originó una partitura con un lenguaje de tintes expresionistas, que se aleja de la herencia nacionalista, privilegiando los tonos sombríos y la incorporación de pasajes disonantes, melodías vocales ásperas y declamaciones arraigadas a la prosodia del ruso. La orquestación salvaje, vibrante, contrastante, ‘obsesiva’, lírica y sobrenatural, mantiene una tensión dramática casi cinematográfica. (Prokófiev sería un grandísimo compositor de bandas sonoras, sobre todo en sus geniales colaboraciones con Serguéi Eisenstein, de Alejandro Nevsky a Iván el Terrible).

La ópera, en cuyo libreto ambiguo y desconcertante subyacen la violencia sexual, trastornos psíquicos, prácticas macabras, perversidad, fervor religioso, etc., provocó el rechazo de varios teatros hasta su estreno en 1954, ya después del fallecimiento de Prokófiev, en una versión de concierto, traducida al francés, en el Théâtre des Champs-Elysées. Al año siguiente, en 1955, la ópera finalmente se escenificó, bajo la dirección de Giorgio Strehler, y llegó, en italiano, a la Fenice de Venecia. Su presentación en la versión original en ruso tiene lugar, discretamente, en Perm, en 1987. En Rusia, donde la ópera estuvo prohibida durante todo el período soviético, El ángel de fuego subió finalmente al escenario del Teatro Kirov de San Petersburgo en el marco de las conmemoraciones del centenario de Prokófiev, en 1991.

La producción concebida por Calixto Bieito, con dramaturgia de Beate Breidenbach, rehúye el esoterismo del libreto, arquetipo del simbolismo ruso, y profundiza en el drama real de la protagonista. En su mente enajenada y herida, se suceden las escenas de la ópera como destellos de la memoria, recreadas en las habitaciones dispuestas en una estructura giratoria diseñada por la escenógrafa Rebecca Ringst que, con la iluminación de Franck Evin y los vídeos angustiantes de Sarah Derendinger, se transforma en una verdadera casa de los horrores. Solo una bicicleta, símbolo de la libertad, fragilidad y fuga de Renata, recuerda la inocencia perdida de su infancia.

El Teatro Real estrena finalmente en España El ángel de fuego, cuando, poco a poco, los teatros de todo el mundo recuperan esta ópera incomprendida en su tiempo, cuyos tenebrosos senderos simbolistas conducen a lo más hondo, indecible y oscuro del alma humana.

Fotografía: Javier del Real

Pastora Galvan

PASTORA BAILA, el nombre del nuevo espectáculo de Flamenco Real, lo dice todo para la presentación en su escenario de Pastora Galván. Moderna, inquieta y racial, se presenta al público madrileño tal y como es, que no es poco, en tres sesiones que podrán disfrutarse en el Teatro Real los días 7 y 8 de abril.

Formada en Danza Española en el Conservatorio de Sevilla, Pastora aprende de sus maestros, pero se impregna del baile con raigambre de su padre, José Galván, y asimilia con pasión la expresividad vanguardista de su hermano, Israel Galván. De esta mistura nace una artista que se expresa como siente, con baile hondo y formas efectistas, haciendo un flamenco que trasciende y vuela en sus manos.

Avalan su trayectoria los premios – Matilde Coral del XVI Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en 2001, y el Premio Giraldillos de la Bienal de Flamenco de Sevilla, en las ediciones de 2006 y 2010-, su actuación en escenarios de medio mundo junto a grandes figuras del flamenco –con cantaores como Chano Lobato, Carmen Linares o Miguel Poveda; bailaores de trayectorias tan diversas como Antonio Canales, Eva Yerbabuena o Israel Galván, y músicos de gran personalidad como David Peña Dorantes- y su actividad como docente, dentro y fuera de España, sin apartarse nunca de la interpretación en vivo.

Ha llevado el baile a los principales teatros y tablaos españoles, así como a numerosas ciudades de Europa, Japón, Estados Unidos, Oriente Medio, Cuba, entre otros y, por supuesto, a los festivales de flamenco y de danza más importantes del mundo. La Bienal de Flamenco de Sevilla merece especial atención por haber acogido el baile de Pastora en todas sus ediciones desde 1998.

PASTORA BAILA, contará con la participación, como artista invitado, de Ricardo Fernández del Moral, cantaor y guitarrista insólito, ganador de la Lámpara Minera, bien conocido por el público del Teatro Real. Junto a ellos, sonará también la guitarra de Paco Iglesias y se escuchará la voz de David el Galli, en el cante.

Fotografía © Luis Castilla

Prokòfiev El ángel de fuego

Después de haber terminado la composición de El amor de las tres naranjas, Prokòfiev descubre en una librería de Nueva York El ángel de fuego, una novela publicada en capítulos de un autor referencia del simbolismo ruso, Valeri Briúsov. Inmediatamente, y sin que mediara encargo alguno, Prokòfiev comienza a escribir el libreto de una ópera que nunca verá representada sobre un escenario.

Desde el inicio de su composición, Prokòfiev fue muy consciente de las dificultades que tendría su obra para ser estrenada. Terminó de escribir El ángel de fuego en 1926 en París. En ese momento, Bruno Walter, director de la Städtische Oper en Berlín, tuvo conocimiento de su existencia y mostró interés en ella. Pero se dieron cuenta de la gran complejidad de la obra y que esta no llegaría a tiempo de ser programada esa temporada, decidieron entonces abandonar el proyecto.

El siguiente intento para subirla a un escenario tuvo lugar cuando el Metropolitan de Nueva York contactó con Prokòfiev. Sin embargo, en esta ocasión, la dificultad para conseguir cantantes que quisieran afrontar el reto, impidió su programación.

No fue hasta 1954, un año después de la muerte del compositor, cuando El ángel de fuego se estrenó en París, aunque fuera en versión concierto. Fue el 14 de septiembre de 1955 cuando se escenificó por primera vez en el Festival de música contemporánea de Venecia, en La Fenice. Mario Nordio realizó una versión italiana con la dirección musical de Nino Sanzogno, la dirección escénica de Giorgio Strehler, el vestuario de Ezio Frigerio, la escenografía de Luciano Damiani, y el papel principal de Renata a cargo de Doroty Dow.

Dos pueden ser las razones principales que expliquen las dificultades para estrenar esta ópera. Uno de ellos era el tratamiento de temas delicados, como los que abordaba el libreto. Prokòfiev al adaptar la obra original de Briúsov, la había despojado de los elementos mágicos y alusivos a la brujería. El propio compositor describe estas dificultades en una carta: “El ángel de fuego puede ser una ópera fascinante y poderosa, exprimirá dramatismo y terror, pero hay que evitar cualquier diablo o cualquier visión que pueda estar explícitamente en el escenario, si no, corre el riesgo de caer en la pura mascarada teatral”. Prokofiev era muy consciente que al adaptar el texto de Briúsov tenía que eliminar las escenas explícitas y presentarlas de manera ambigua a través de la protagonista. Continuaba diciendo Prokòfiev en su carta: “La otra gran dificultad es que toda la ópera está centrada en los dos personajes principales. Si no logro que salgan de escena en algún momento, no vamos a encontrar a ningún cantante que pueda con estos personajes”.

Esta es la segunda razón por la que no conseguía estrenarse El ángel de fuego. La obra, cuyo peso recae casi exclusivamente en los dos personajes principales, era de tal exigencia vocal, que ningún cantante estaba dispuesto a interpretarla.

Después de tantos intentos frustrados y ante el temor de que no llegara nunca a representarse y se perdiera la música, Prokòfiev incorporó gran parte del material musical de la ópera en la Sinfonía Nº 3 Op. 44.

La escenografía de Calixto Bieito, que presenta esta ópera por primera vez en España, se acopla magistralmente con la partitura y el libreto. No solo se ajusta a la obra, sino que potencia los aspectos psicológicos más profundos. Hay que recordar, que cuando se compuso esta ópera, se estaba desarrollando en toda Europa el psicoanálisis, y la escenografía de Rebecca Ringst, compuesta por una construcción giratoria, atiende a la descripción que del cerebro humano hizo Freud: “el cerebro es como una casa con muchas habitaciones”. Y eso es lo que ha hecho el equipo escénico, una casa con muchas habitaciones, unidas entre si por escaleras. Similar en concepto a las creaciones de Claus Guth, la estructura de apartamentos muestra espacios definidos y otros más ambiguos, formando un conjunto arquitectónico que encaja perfectamente con el enjambre psicológico de la protagonista.
Al final de la representación la estructura se separa descomponiendo el edificio, de la misma manera que se diluye el laberinto psicológico de los protagonistas. El resultado es muy sofisticado y la intensidad emocional que representa, no entra en conflicto en ningún momento con la música.

Era la primera vez Gustavo Gimeno dirigía una ópera de Prokòfiev y el resultado ha sido satisfactorio, dada la complejidad de la partitura. La orquesta mantiene la tensión dramática, que es casi permanente, aunque se echaron en falta algunos planos orquestales más definidos y un sonido más limpio.

La parte coral de esta partitura es diabólica y el Coro titular del Teatro, Intermezzo, ha tenido una intervención sobresaliente. Los patrones que utilizan, aparentemente sencillos, por repetitivos, son de una gran complejidad, pues todas las repeticiones son diferentes. De hecho, cuando se estrenó la ópera en La Fenice en el 1955, el coro se situó en el foso, para poder tener la partitura.

El Ángel de fuego está concebido alrededor de los cantantes. La exigencia vocal, emocional y física es superior a cualquier ópera que se hubiera escrito hasta el momento. El protagonismo de Renata es absoluto y su interpretación agotadora. Es una mujer traumatizada y atrapada por los fantasmas de su pasado y la soprano letona Ausrine Stundyte, refleja perfectamente a través de su interpretación, esos pensamientos que la acosan y excitan. Stundyte no descansa ni un solo momento en las dos horas largas que dura la obra. Recorre los tres pisos del escenario sin descanso y sin bajar la intensidad de su personaje atormentado. Con un gran apoyo central y caudalosos agudos, tuvo la capacidad de llegar al final de la representación con la frescura vocal e interpretativa casi intacta.

Renata estuvo muy bien acompañada sobre el escenario por el Ruprecht del británico Leigh Melrose, conocido ya en este teatro por su participación en Gloriana y Muerte en Venecia. Su capacidad interpretativa está fuera de toda duda. Nos mostró un Ruprecht contagiado del histerismo de Renata y absolutamente perturbado por ella. Su parte vocal tampoco era nada fácil, con la dificultad añadida de no contar con el apoyo de la orquesta en muchos momentos, lo que requiere una labor de afinación que solventó de manera airosa. Se notó un poco al final el cansancio provocado por el histrionismo y esfuerzo del que dotó a su personaje.
Cuanto le hubiera gustado a Prokòfiev haber contado con Stundyte y Melrose en sus intentos de estrenar El ángel de fuego…

Dmitry Golovnin se encargó de dar vida a Agrippa von Nettesheim, un personaje más filosófico y a otro mucho más oscuro, Mefistófeles. Su timbre es agudo y penetrante y resultó suficientemente inquietante en ambos casos.
Dmitry Ulianov, ya un viejo conocido del público madrileño, tuvo una buena actuación con su voz oscura y rotunda y su siempre imponente presencia escénica.
Mika Kares no supo trasladar su presencia física como inquisidor a la proyección de su voz. Se quedó un poco justo de potencia el bajo finlandés.
Agnieszka Rehlis, en su doble papel de vidente y superiora, estuvo muy acertada en su interpretación, enigmática e inquietante. Bien también en la parte vocal, mostrando unos buenos registros graves y suficiente potencia.
El tenor Josep Fadó demostró una excelente sonoridad y presencia. También David Lagares destacó en sus breves intervenciones. Ambos realizaron una buena interpretación. El resto de comprimarios estuvieron a muy buen nivel, complementando un elenco muy equilibrado. Nino Surguladze, como posadera y Anna Gomá y Estibaliz Martyn, como novicias.

Esta producción de El ángel de fuego es espectacular, hipnótica. Al terminar, te das cuenta que has estado sumergido en un mundo difícil de describir y lleno de intensidad. Una obra que no deja indiferente a nadie, menos aún en estos momentos en los que, efectivamente, estamos sumergidos en un mundo difícil de describir.

Lisette Oropesa

Su voz nos emocionó en aquella Traviata que nos rescataba del confinamiento, y que provocó el primer bis de una mujer en la historia reciente del Teatro Real , aunque ya nos había puesto en pie con su interpretación de Lucia de Lammermoor en 2018. Regresa ahora, al escenario de la plaza de Oriente, una de las sopranos más queridas por el público madrileño, Lisette Oropesa.

La cita tendrá lugar el próximo miércoles, 30 de marzo, con un concierto en el que, acompañada por el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Corrado Rovaris, Oropesa ofrecerá un programa compuesto por fragmentos de las óperas Guillaume Tell, Le siège de Corinthe y Le Comte Ory de Gioacchino Rossini, y de Les Martyrs, Lucie de Lammermoor, La favorite y La Fille du Régiment, de Gaetano Donizetti.

Lisette Oropesa es una cantante con magnetismo. Tiene presencia escénica, dotes de interpretación, simpatía y, lo más importante, una voz lírica y luminosa que, sustentada sobre una técnica perfecta, la convierte en la intérprete idónea para las heroínas del bel canto, como son las protagonistas de las obras escogidas para su concierto en el Real, aunque en su repertorio tienen también presencia relevante los papeles verdianos o mozartianos.

Con excepción de Lucia de Lammermoor, todas las arias elegidas para este concierto pertenecen a óperas compuestas originalmente en francés, a pesar de estar escritas por dos autores italianos, Rossini y Donizetti – no en vano, ambos compositores tenían un estrecho vínculo con los escenarios parisinos- y todas ellas (salvo Lucia) fueron estrenadas con gran éxito en la capital francesa. Son óperas que precisan de cantantes hábiles, con registros agudos, de legato limpio y extraordinaria agilidad, características que han encumbrado a la protagonista de estas Voces del Real.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Ángel G. Piñero

El fallecimiento de Ángel G. Piñero, el pasado 21 de febrero, ensombrece el concierto con el que se iba a celebrar su 90 cumpleaños este mes y que ahora se convierte en un homenaje póstumo y sentido al artista: ReCuerdas de una vida.

Además de gran intérprete de guitarra española, Piñero fue compositor, maestro y exploró recursos técnicos y expresivos únicos en la utilización del instrumento al que dedicó su vida.

Participan en el concierto los guitarristas Luca Romanelli y Stanislav Steshenko -premiados en el Concurso Internacional de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero, la soprano Estíbaliz Martyn, el Cuarteto Chagall, el bailarín Manuel Garrido y la Orquesta Clásica Santa Cecilia, bajo la dirección de José Antonio Montaño.

El concierto ha sido impulsado y organizado por Catherine Lacoste, viuda de Ángel G. Piñero y responsable de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero, para recordar su vida y obra dedicadas a la guitarra española.

El arte, la creación, es la esencia de mi vida. Lo mío es simple: hago algo que me encanta y que me alarga la vida”, afirmaba Ángel G. Piñero hace apenas unos meses cuando, con 89 años seguía tocando su guitarra española, a la que dedicó su vida.

Nacido en Cádiz en 1932 y fallecido el 21 de febrero en el Puerto de Santa María, la biografía de Piñero destaca por la valentía y tesón para perseguir su sueño de convertirse en intérprete de guitarra española, sobreponiéndose a innumerables obstáculos en la España empobrecida y fracturada de la posguerra.

La trayectoria vital de Ángel G. Piñero es indisociable de su guitarra, que lo acompañó en su periplo como concertista por los rincones de España y ciudades de todo el mundo -más de 250 recitales-, mientras ampliaba su repertorio y exploraba las posibilidades expresivas del instrumento.

Con esa inquietud intentó perfeccionar la técnica de las dos manos con la misma precisión y destreza, pudiendo colocar el mástil de la guitarra a la derecha o a la izquierda, lo que le permitía interpretar las piezas, en un mismo concierto, con la yema de los dedos o con las uñas, dependiendo de las necesidades expresivas y la época de cada obra.

Para utilizar esta técnica singular creó un prototipo de guitarra que fue perfeccionando a lo largo de los años, hasta lograr el instrumento único con el que ofreció conciertos en todo el mundo.

Además de intérprete incansable, Piñero sintió la necesidad de componer y dejar su impronta también en el repertorio para guitarra clásica. En su catálogo se incluyen seis obras para guitarra y orquesta sinfónica, ocho para guitarra y cuarteto de cuerdas y veintidós para guitarra solista.

La música tiene una deuda histórica con la guitarra clásica española. Mi intención es aportar un granito de arena para reducir esta deuda”. Este compromiso le hizo a Ángel G. Piñero impulsar la formación, educación e interpretación de la guitarra, creando, con su segunda esposa, musa y mentora, Catherine Lacoste, la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero, que desarrolla una serie de iniciativas como: concursos para jóvenes talentos, publicación de métodos de interpretación, organización de recitales, etc.

El concierto ReCuerdas de una vida, en el que se alternarán los guitarristas Luca Romanelli y Stanislav Steshenko, se divide en dos partes: la primera, para guitarra solista, es de carácter introspectivo: Meditación es un homenaje a las víctimas de la pandemia; Preludio azul, un tributo a la madre del compositor, víctima de la Guerra Civil; y Evocación, un recuerdo de su hermano, quien estimuló y apoyó sus estudios. Después de las piezas Murmullo musical, El viento de la vida y Caprichos, se presenta el estreno mundial de Canto al difunto Francisco, pieza fúnebre para guitarra y danza dedicada por Ángel G. Piñero a su padre, desaparecido en la Guerra Civil. Participa el bailarín jerezano Manuel Garrido.

A continuación, tendremos otro estreno mundial, el de Balada a una desconocida, para canto y guitarra, inspirada en Catherine Lacoste, que será interpretada por la soprano Estíbaliz Martyn y el Cuarteto Chagall -con Cristina Pascual (violín), Javier López (violín), Abel Nafee Rosch (viola) y Víctor Esteban (violonchelo)-. La primera parte concluirá con Viaje nocturno, para guitarra y cuarteto de cuerdas

Rey-Arturo_Teatro-Real

El próximo 27 de marzo se escuchará, por primera vez en el Teatro Real, la obra de Henry Purcell (1659-1695) Rey Arturo, semi ópera inglesa que contará con la presencia de la formación belga Vox Luminis, bajo la dirección artística y musical de Lionel Meunier, en la versión dramatúrgica de Isaline Claeys en colaboración con Simon Robson, con la participación del actor José Luis Martínez.

Esta rareza musical, poco frecuente en los escenarios, perteneciente al género dramático-musical, nos cuenta la pugna entre Arturo –rey cristiano de los britones– y Oswald –rey pagano de los sajones– por hacerse con la mano de la princesa Emmeline y, con ella, del reino de Inglaterra. La historia emana de la leyenda y en ella se citan personajes literarios, deidades griegas y mitología germánica, construyendo un relato que, por su extensión y la relación entre las partes cantadas y las habladas, dificulta enormemente su representación escénica.

La partitura contiene, sin embargo, bellos y conmovedores momentos en los que las voces solistas apenas toman protagonismo –este recae sobre la declamación de los actores- dando a las partes corales, o de conjunto, una presencia muy cercana a las composiciones de carácter religioso. La evocadora parte musical de Purcell refuerza o resalta el contenido dramático del texto de John Dryden, estableciendo una fructífera relación entre ambos.

En el Teatro Real se presenta la versión dramatúrgica creada por Isaline Claeys, en colaboración con Simon Robson, estrenada en el Théatre Hardelot de Condette, Francia. Los textos hablados se han traducido al castellano y serán declamados por el actor José Luis Martínez en el papel de narrador. La parte musical estará interpretada por la formación Vox Luminis, dirigida por el bajo Lionel Meunier, especializada en el repertorio inglés, italiano y alemán del siglo XVII y principios del XVIII, reconocida en el panorama internacional por su sonido único y su capacidad de dar vida tanto a reconocidas obras maestras como a joyas raras de la composición de los mencionados periodos.

Vox Luminis, con residencia en el Concertgebouw de Brujas, ha sido galardonada con el Gramophone Awards (2012), el Diapason d’Or (2015), el BBC Music Magazine Choral Award (2018) y varios Preis der Deutschen Schalplattenkritik, por citar algunos.

El ángel de fuego

Entre los días 22 de marzo y 5 de abril, el Teatro Real ofrecerá 10 funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, en una producción con dirección de escena de Calixto Bieito, estrenada en 2017, con gran éxito, en la Ópera de Zúrich y dirección musical de Gustavo Gimeno.

El ángel de fuego es la sexta de las diez óperas compuestas por Sergéi Prokófiev (1891-1953), que dejaría inacabadas otras cuatro. La originalidad, irreverencia y libertad expresiva de títulos anteriores, como El jugador o El amor de las tres naranjas, habían forjado ya su destreza en la escritura operística que, con El ángel de fuego, recibiría un nuevo impulso.

La obra, con libreto del compositor basado en la novela homónima del escritor simbolista ruso Valeri Briúsov (1873-1924), tuvo una larga y accidentada gestación (de 1919 a 1927) y un camino no menos difícil después de concluida la partitura.

Su trama satánica, grotesca y delirante relata, a lo largo de siete escenas (en cinco actos), el camino truculento de Renata, poseída por espíritus malignos desde la aparición sobrenatural, en su infancia, de Madiel, el ángel de fuego, hasta su trágico final.

El libreto, que une la alquimia, la brujería, la cabalística, el exorcismo o la inquisición vigentes en la Alemania oscurantista pre-luterana, originó una partitura con un lenguaje de tintes expresionistas, que se aleja de la herencia nacionalista, privilegiando los tonos sombríos y la incorporación de pasajes disonantes, melodías vocales ásperas y declamaciones arraigadas a la prosodia del ruso. La orquestación salvaje, vibrante, contrastante, ‘obsesiva’, lírica y sobrenatural, mantiene una tensión dramática casi cinematográfica. (Prokófiev sería un grandísimo compositor de bandas sonoras, sobre todo en sus geniales colaboraciones con Serguéi Eisenstein, de Alejandro Nevsky a Iván el Terrible).

La ópera, en cuyo libreto ambiguo y desconcertante subyacen la violencia sexual, trastornos psíquicos, prácticas macabras, perversidad, fervor religioso, etc., provocó el rechazo de varios teatros hasta su estreno en 1954, ya después del fallecimiento de Prokófiev, en una versión de concierto, traducida al francés, en el Théâtre des Champs-Elysées. Al año siguiente, en 1955, la ópera finalmente se escenificó, bajo la dirección de Giorgio Strehler, y llegó, en italiano, a la Fenice de Venecia. Su presentación en la versión original en ruso tiene lugar, discretamente, en Perm, en 1987. En Rusia, donde la ópera estuvo prohibida durante todo el período soviético, El ángel de fuego subió finalmente al escenario del Teatro Kirov de San Petersburgo en el marco de las conmemoraciones del centenario de Prokófiev, en 1991.

La producción concebida por Calixto Bieito, con dramaturgia de Beate Breidenbach, rehúye el esoterismo del libreto, arquetipo del simbolismo ruso, y profundiza en el drama real de la protagonista. En su mente enajenada y herida, se suceden las escenas de la ópera como destellos de la memoria, recreadas en las habitaciones dispuestas en una estructura giratoria diseñada por la escenógrafa Rebecca Ringst que, con la iluminación de Franck Evin y los vídeos angustiantes de Sarah Derendinger, se transforma en una verdadera casa de los horrores. Solo una bicicleta, símbolo de la libertad, fragilidad y fuga de Renata, recuerda la inocencia perdida de su infancia.

La dirección musical estará a cargo de Gustavo Gimeno, director valenciano de reconocido prestigio nacional e internacional, que debutará en el foso del Real, al frente de un doble reparto encabezado por las sopranos Ausrine Stundyte y Elena Popovskaya (Renata), los barítonos Leigh Melrose y Dimitris Tiliakos (Ruprecht), los tenores Dmitry Golovnin y Vsevolod Grivnov (Agrippa von Nettesheim / Mefistófeles), las mezzosopranos Agnieszka Rehlis y Olesya Petrova (La Madre Superiora / Vidente), los bajos Mika Kares y Pavel Daniluk (El Inquisidor), que actuarán junto al Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

Desde la reapertura del Teatro Real, en 1997, se han presentado en su escenario tres óperas de Sergéi Prokófiev: Guerra y Paz, en 2001, en una producción del Teatro Mariinsky, con dirección musical de Valery Gergiev y dirección de escena de Andréi Konchalovski; El amor de las tres naranjas, en 2006, en una coproducción del Teatro Real con el Festival de Aix-en-Provence, con dirección musical de Tugan Sokhiev y escénica de Philippe Calvario; y, en ese mismo año, Semyon Kotko, con la Orquesta y Coro del Teatro Mariinsky, bajo la dirección de Valery Gergiev.

El Teatro Real estrena finalmente en España El ángel de fuego, cuando, poco a poco, los teatros de todo el mundo recuperan esta ópera incomprendida en su tiempo, cuyos tenebrosos senderos simbolistas conducen a lo más hondo, indecible y oscuro del alma humana.

Fotografía © Monika Rittershaus

Alba Heredia

Heredera de la tradición más flamenca, nacida en el seno de una de las dinastías más importantes de este arte, Alba Heredia comunica con personalidad propia la esencia de sus sentimientos a través de una técnica impecable y depurada que es, a la vez, espontánea y natural, como lo demuestra su espectáculo ALBAILANDO, que podrá verse en el Teatro Real los días 17 y 18 de marzo dentro del ciclo Flamenco Real.

Su primera aparición pública tuvo lugar, cuando sólo contaba cuatro años, en 1999, en el Palacio de Deportes de Granada en el espectáculo homenaje a su tío Juan Maya Marote, compartiendo escenario con figuras como Niña Pastori, José Mercé y Eva la Yerbabuena, entre otros. Lo que iba a ser una aparición entrañable de la benjamina de la familia se convirtió en el anuncio de la futura gran bailaora y provocó que, desde ese momento, ya no volviera a abandonar las tablas.

Alba Heredia aprende y asimila las señas de identidad de su estirpe, mientras continúa su formación con grandes de la danza flamenca como Belén Maya, Rafaela Carrasco o Iván Vargas, sin dejar de actuar en tablaos y festivales. En 2005 llega el papel más importante de su corta carrera, protagonizando el espectáculo Pasión de Cristo, de su tío Juan Andrés Maya. Dos años más tarde actúa como solista en el prestigioso auditorio de La Chumbera del Sacromonte de Granada, y en 2015 se alza con el premio Desplante del Festival Internacional de Cante de las Minas.

En ALBAILANDO, su arte será el centro de un espectáculo en el que contará con la participación de algunos de los nombres más reputados del flamenco actual, verdaderas estrellas como Gabriel de la Tomasa y Saúl Quirós al cante, las palmas de Rober ‘El Moreno’ y la percusión de Iván Losada.

El espectáculo contará con la participación, como artista invitado, de Rafael Riqueni, intérprete de honda emoción, de toque personalísimo y una ejecución pulcra, en cuyo arte se miran ya las nuevas generaciones. La presencia de Riqueni en estas veladas aporta el momento de música sublime que arropa a una gran bailaora.

A pesar de su juventud, el baile de Alba Heredia se reconoce ya por derecho propio. Un arte que enriquece y reafirma la forma genuina de expresar el baile. Una ocasión de contemplar a la heredera de una de las dinastías más emblemáticas del mundo flamenco.

El ocaso de los dioses

El Teatro Real ha decidido cancelar las actuaciones del Ballet Bolshoi, previstas para el próximo mes de mayo, ante el conflicto bélico desatado por Rusia en Ucrania, que está originando una grave crisis en el mundo y una dolorosa emergencia humanitaria.

El Teatro Real lamenta no poder contar con esta prestigiosa compañía, cuyo director, Vladimir Urin, se ha pronunciado públicamente a favor de Ucrania y en contra de la guerra.

El Teatro Real, conmocionado y consternado por la dramática situación que está viviendo Ucrania, y como expresión de profundo respeto y solidaridad con su pueblo, el pasado 27 de febrero, en la última función de El ocaso de los dioses, se envolvió el cadáver de Siegfried en la bandera de Ucrania, integrando el homenaje simbólico del Teatro Real en la visionaria y sublime ópera de Wagner.

El Teatro Real reembolsará, a lo largo del mes de marzo, el importe de las localidades que se hayan adquirido para este espectáculo.

Imagen © Javier del Real / Teatro Real

Abrecartas

El abrecartas

Luis de Pablo (1930-2021)

Ópera en un prólogo y seis actos. Libreto de Vicente Molina Foix, basado en su novela homónima /2006)

Nueva producción del Teatro Real. D. musical: Fabián Panisello. D. escena: Xavier Albertí. Escenógrafo: Max Glaenzel. Figurinista: Silvia Delagneau. Iluminador: Juan Gómez Cornejo. Coreógrafo: Roberto G. Alonso. Diseñador de vídeo: Álvaro Luna. D. coro: André Máspero. D. coro de niños: Ana González

Se estrenaba en el Teatro Real, de manera póstuma, una de las obras líricas del recientemente fallecido Luis de Pablo. Constituía este un merecido homenaje al compositor bilbaíno. Esta obra, compuesta de un prólogo y seis escenas, es casi una recopilación artística y filosófica de su vastísima su obra. El abrecartas no deja de estar llena de la complejidad musical, marca de la casa, y de abundantes influencias vanguardistas. Pero también se deja seducir por músicas tradicionales, como el pasodoble o la pieza coral con la que termina. La música de Luis de Pablo se ha caracterizado siempre por su fuerza y creatividad y el abrecartas no es una excepción.

El propio autor de la novela, Vicente Molina Foix, ha sido el encargado de hacer la adaptación para el libreto. Pero el resultado no es el más adecuado para una ópera. Su estilo recitativo, un tanto inconexo, no encaja precisamente con lírica poética que requiere una ópera. En ningún momento abandonó su línea plana, no solo por la inexistencia de teatralidad, sino por la poca fuerza o emoción del propio texto.

No era la primera vez que Luis de Pablo ponía música a libretos de Molina Foix. Ya lo hizo con El viajero indiscreto y La madre invita a comer.

La obra gira alrededor de las cartas que se cruzaron alguno de los personajes más importantes de la vida cultural española. En ella aparecen García Lorca, Vicente Aleixandre, Miguel Hernández o Eugenio d´Ors. Tal vez por eso, por tratarse de cartas y documentos ajenos unos de otros, las escenas queden un poco inconexas.

El escenógrafo Xavier Albertí no tenía una tarea fácil, dado el eclecticismo, tanto de la música como del texto. La obra comienza con una escena infantil de Lorca en Fuentevaqueros, todo ello en medio de una gran austeridad escénica. Apenas unos archivadores móviles que realizan distintas funciones a lo largo de la representación. Una iluminación tenue y la ausencia de otro color que no sea el gris, van adornando cada una de las escenas con pequeños movimientos, aparición de cuadros de grandes dimensiones o personajes cuyo vestuario pretende ilustrar la escena.

Es esta una obra coral, con un buen número de personajes, y son las voces lo que más me ha gustado de esta producción. A pesar de lo estático de los personajes sobre el escenario, hay que destacar su buena interpretación, a pesar de ser un texto tan declamado.

Airam Hernández ha dado voz a García Lorca, demostrando una vez más que posee un hermoso timbre. Canta con gusto y elegancia, características muy apropiado al personaje.

Borja Quiza, como Vicente Aleixandre, tuvo algún problema con los graves, pero en general, resolvió bien su papeleta. Muy bien, como siempre, Mikeldi Atxalandabaso, como Alfonso, al igual quel el resto del reparto formado por José Antonio López, en el papel de Miguel Hernández, José Manuel Montero, como Rafael, Jorge Rodríguez-Norton, Como André Acero, Ana Ibarra, en los roles de Salvador y Setefilla, Vicenç Esteve, como Ramiro, Gabriel Díaz, como el comisario, David Sánchez, como Eugenio d´Ors, Laura Vila, como Sombra y Magdalena Aizpurua, como Manuela.

Fotografías: Javier del Real

Lakmé y Sabine Devieilhe

A punto de despedir un intenso mes de febrero, la temporada del Teatro Real se prepara para recibir a una de las óperas más importantes, sin duda la más conocida, y la última estrenada en vida, del compositor francés Léo Delibes (1836-1891), Lakmé, de la que se ofrecerán dos sesiones, en versión de concierto, los próximos días 1 y 3 de marzo.

Lakmé es la ópera más popular de Léo Delibes y la que más se sigue representando en la actualidad. Se estrenó en la Opéra-Comique de París el 14 de abril de 1883 y quince años más tarde, en noviembre de 1898, se escuchaba por primera vez en el Teatro Real. La delicadeza de sus melodías y su refinamiento parecen ocultar una partitura de extraordinaria dificultad para los intérpretes.

Las expresiones artísticas del siglo XIX miran a Oriente, lugar desconocido y exótico, atraídas por el misterio y la aventura de unas culturas recién descubiertas -y colonizadas- donde recrear sugerentes historias envueltas en colores y matices tan lejanos del mundo occidental. La música se impregna también de esta tendencia con relatos que han marcado la historia de la ópera en la que, por citar solo algunas, encontramos Madama Butterfly y Turandot, de Puccini; Los pescadores de perlas, de Bizet; Thaïs, de Massenet; Sansón y Dalila, de Saint-Saëns, y la que ahora nos ocupa, Lakmé.

Con libreto de Pierre-Edmond-Julien Gondinet y Philippe-Emile François Gille -basado en la novela Le mariage de Loti, de Gondinet, inspirada a su vez en la novela de Pierre Loti, RarahuLakmé, ambientada en la colonización británica de la India, cuenta la historia de amor entre la hija de un sacerdote hindú, obligado a realizar sus ritos sagrados en un templo secreto, oculto ante la prohibición del invasor de celebrar sus prácticas religiosas, y un oficial inglés en la que la confrontación entre dos culturas conduce a los protagonistas a una relación imposible cercenada por el deshonor, la venganza y la opresión colonialista.

Lakmé no sólo es la ópera más representada del compositor, incluso en nuestros días, es la obra que ha dado al género lírico algunos de los momentos musicales más conocidos tanto por los aficionados como por los que no lo son, como “El dúo de las flores” y el “Aria de las campanitas”, incluidas frecuentemente en los programas de conciertos y recitales de las grandes cantantes.

Las dos únicas representaciones contarán con las extraordinarias voces de Sabine Devieilhe (Lakmé), Xabier Anduaga (Gérald) y Stéphane Degout (Nilakantha), en los papeles protagonistas; David Menéndez (Frédéric), Héloïse Mas (Mallika), Gerardo López (Hadji), Inés Ballesteros (Miss Ellen), Cristina Toledo (Miss Rose), Enkelejda Shkosa (Mistress Bentson) e Isaac Galán (Kouravar).

Junto a ellos estarán, bajo la experta batuta de Leo Hussain, el Coro y Orquesta titulares del Teatro Real.

Fotografía © Anna Dabrowska

Antonio Lizana

Antonio Lizana es uno de los artistas más inquietos, completos y originales de su generación, saxofonista de jazz, cantaor flamenco y compositor de toda su música y su presentación en Flamenco Real, los días 24 y 25 de febrero, invita a disfrutar de la música sin prejuicios, como un arte en constante evolución.

El título de su espectáculo, El secreto del mundo, es toda una declaración de intenciones. En él nos presenta composiciones propias enraizadas en su Cádiz natal, envueltas en ritmos y melodías llegadas de otros lugares y acompañadas por los caminos del jazz que surgen de su saxo soprano. No faltan las bulerías, los tanguillos, la soleá, pero con otra mirada, la del músico que no tiene miedo de expresarse, de buscar complicidad, de unir y desenredar, de improvisar y regresar al centro.

Antonio Lizana estudió saxo en el conservatorio de San Fernando, Cádiz, tras participar en diversos seminarios de jazz impartidos por destacados artistas del género -Jerry Bergonzi, Dick Oatts, Miguel Blanco o Perico Sambeat- se traslada a San Sebastián para completar su formación en el Centro Superior de Música del País Vasco. Como artista profesional ha visitado lugares tan dispares como Nueva York, Japón, Turquía o Marruecos, donde se empapa de sus ritmos y esencias culturales que incorpora a su propia idiosincrasia. Ha colaborado con artistas como Arturo O’Farrill y Alejandro Sanz -en obras que recibieron premios Grammy- Chano Domínguez, Ari Hoenig, Jorge Drexler, India Martínez, José Mercé o Carmen Linares, por citar algunos.

Para sus veladas en el Real, Lizana contará con la participación especial de la joven bailaora gaditana Claudia Cruz; la guitarra flamenca de José Manuel Tejón y la percusión de Adrián Trujillo, músicos con los que colabora habitualmente y con los que ha visto nacer El secreto del mundo.

Sala Gayarre

ExternoRecibidos

El Teatro Real continúa con sus iniciativas de divulgación artística y cultural, entre las que destaca el empeño de acercar la ópera a un público cada vez mayor, a través de proyectos como el que pondrá en marcha el próximo 19 de febrero y que, bajo el título Sesiones Livestream, retransmitirá en directo las óperas que se estén representando en su escenario, en ese momento, en la gran pantalla de la Sala Gayarre.

Imagen de alta definición, excelente calidad de sonido y una cuidada realización permitirán a más espectadores acceder al Teatro para disfrutar de sus espectáculos en las mismas condiciones que el público de la sala principal, compartiendo espacios en los entreactos y con posibilidad de asistir al espacio gastronómico del Café de Palacio.

La primer sesión tendrá lugar el día 19 de febrero, con la retransmisión de El ocaso de los dioses, última jornada de El anillo del Nibelungo, de Richard Wagner (1813-1883), que pone fin al proyecto de la tetralogía que se ha presentado en este escenario en cuatro temporadas sucesivas y que cuenta con la dirección musical de Pablo Heras-Casado, la icónica puesta en escena de Robert Carsen, 11 solistas, 115 músicos -que estarán, como sucediera la pasada temporada en Siegfried, ubicados en el foso y en 8 palcos a ambos lados del escenario para mantener la debida distancia de seguridad sanitaria-, 62 miembros del coro y 17 actores figurantes.

El precio de las localidades para la Sala Gayarre será de 19€ y podrán adquirirse en la página web (www.teatroreal.es), en venta telefónica o en las Taquillas del Teatro, como el resto de espectáculos.

Tras la colosal partitura wagneriana, estarán disponibles otros títulos de la temporada como Lakmé -que podrá verse el 3 de marzo-, Las bodas de Fígaro, Juana de Arco en la hoguera o Nabucco.

Airam Hernández

Airam Hernández regresa en febrero a Madrid, donde volverá a subirse al escenario del Teatro Real, esta vez para participar en el estreno absoluto de la ópera El Abracartas, del recientemente fallecido Luis de Pablo. Será en una producción del coliseo madrileño con dirección de escena de Xavier Albertí y con Fabián Panisello en el podio (funciones los días 16, 18, 20, 22, 24 y 26 de febrero).

Para el tenor español, que desde los inicios de su carrera también se mueve en repertorio contemporáneo, participar en el estreno de una ópera en su país y dando vida a Federico García Lorca representa “una responsabilidad y un orgullo. Siempre me fascinó su poesía después de haber leído Romancero gitano o Poeta en Nueva York, aunque me interesan especialmente sus obras teatrales, concretamente Yerma y La casa de Bernarda Alba. Como parte del colectivo LGTBIQ+, empatizo enormemente con lo que debió vivir. Aunque no podamos afirmar que militó activamente para lograr los derechos fundamentales del colectivo, fue la manera de vivir su sexualidad con naturalidad, que incluso se ve reflejada en su obra, la que trasciende y que de algún modo, representa el fin último de cualquier militancia LGTBIQ+: el derecho fundamental de vivir libremente tal y como somos. Cuando me llamaron del Teatro Real no dudé en aceptar la propuesta. Esta es mi manera de hacerle un pequeño tributo. Lo abordo sin tener muchos testimonios audiovisuales de él, de cómo se expresaba o se movía, salvo por alguna grabación puntual. Trataré de crearlo basándome en documentales, biografías y su propia obra. Federico es una pieza de este gran puzzle que es El abrecartas y su inclusión en la obra forma parte de un recorrido por la historia de España a lo largo del siglo XX. De algún modo, en esta obra podremos ver comprimida la vida de Federico, desde su niñez hasta su muerte. Confío en que, junto a Xavier Albertí y Fabién Panisello, haremos un precioso trabajo del que Lorca pudiera sentirse orgulloso”, afirma.

En cuanto a la partitura de Luis de Pablo, asegura que “como con cualquier otro compositor, resulta fundamental entender el lenguaje musical propio que utiliza. Para aproximarse a Luis de Pablo hay que conocer su obra. En este caso, hay que tener en cuenta la importancia que da al ritmo, y a los efectos sonoros conseguidos a través de las dinámicas que escribe para crear texturas que aporten dramatismo y que ayuden a la comprensión del texto. Toda información que conozcamos del compositor y de su trayectoria sirve de guía”, concluye.

Junto a Airam Hernández también participarán en este estreno absoluto Borja Quiza y José Antonio López, que asumirán los roles de los también poetas Vicente Aleixandre y Miguel Hernández respectivamente, además de otros destacados intérpretes como Ana Ibarra, Mikeldi Atxalandabaso, Vicenç Esteve, José Manuel Montero, Jorge Rodríguez-Norton, Gabriel Díaz, David Sánchez y Laura Vila.

La temporada 2021-2022 ha llevado al cantante tinerfeño al Euskalduna de Bilbao, al Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de G. C. y al Auditorio Nacional de Madrid con la Novena Sinfonía de Beethoven; a la Ópera de Oviedo con su debut como Tamino de La flauta mágica de Mozart; a la Fundación Juan March con un recital dedicado a Rossini; al Teatro de La Maestranza de Sevilla con su primer Tebaldo de I Capuleti e i Montecchi de Bellini; y al Puerto de Tenerife como protagonista del Concierto de Navidad junto a la Sinfónica de Tenerife, dirigida por Víctor Pablo Pérez.

Tras su participación en El abrecartas Airam Hernández regresará a Tenerife para meterse en la piel de Arcadio en el estreno en España de la ópera Florencia en el Amazonas de Daniel Catán y para cantar Las siete palabras de Cristo en la Cruz, de César Franck; será Alfredo de La Traviata en el Teatro Calderón de Valladolid; cantará la Sinfonía Fausto, de Liszt, en Weimar (Alemania) y volverá al Gran Teatre del Liceu de Barcelona como Pollione de Norma de Bellini.

El abrecartas

El fallecimiento de Luis de Pablo (1930-2021) el pasado 10 de octubre, a los 91 años, ensombrece el estreno mundial de su última ópera, en la que el compositor nos sorprende con un lenguaje alejado de sus óperas precedentes, más cantábile, expresivo y evocador de la tradición musical española, en ese camino de búsqueda y experimentación sin complejos que ha caracterizado toda su carrera artística.

Aunque la música vocal ocupó siempre un lugar destacado en la producción de Luis de Pablo -compositor de grandísima cultura literaria y verdadera fascinación por la palabra y sus ecos sonoros y semánticos-, su corpus operístico lo conforman seis óperas escritas a lo largo de cerca de 30 años: Kiu (1983, Teatro de la Zarzuela), El viajero indiscreto (1990, Teatro de la Zarzuela), La madre invita a comer (1993, Bienal de Venecia, Teatro Goldoni), La señorita Cristina (2001, Teatro Real), Un parque (2005, Bienal de Venecia, Piccolo Arsenale) y, finalmente, El abrecartas, concluida en 2015.

Esta última ópera, concebida desde el inicio como una especie de ‘testamento vital’, se basa en la obra homónima de Vicente Molina Foix, libretista de la misma y colaborador de Luis de Pablo en cinco obras vocales, incluyendo el libreto de tres óperas: El viajero indiscreto, La madre invita a comer y El abrecartas.

La novela, Premio Nacional de Narrativa de 2007, es, en las palabras de su autor, una “anti-epopeya coral amarga, (…) llena de meandros y surcada por figuras reales y ficticias de la España del siglo XX, que se intercambian versos y amenazas, que se escriben cartas de amor y mensajes secretos que no llegarán a su destino, aunque otros los leerán y manipularán.”

La partitura de El abrecartas abarca únicamente las primeras 220 páginas del libro, que corresponden a la primera mitad del pasado siglo y a la época más aciaga de la novela, teniendo como telón de fondo la Guerra Civil, sus convulsos antecedentes y la dictadura posterior.

Partiendo de una foto antigua del colegio de Fuente Vaqueros en la que aparece Federico García Lorca con 6 o 7 años, vestido de blanco, junto al resto de los alumnos, Molina Foix creó una novela epistolar en la que da vida a uno de los niños anónimos del retrato, al que llama Rafael, que crece fascinado con el poeta. Junto a él germina un universo ficcional plasmado a través de cartas, misivas, notas, informes policiales y documentos de personajes reales -García Lorca, Vicente Aleixandre, Miguel Hernández, Eugenio D’Ors o Andrés Acero- y ficcionales, que comparten el mismo mundo tenebroso e inquietante que les obliga a ocultar sus pensamientos, sentimientos y pulsiones sexuales.

Aunque el trasfondo histórico de la obra sea real -el asesinato de Lorca, la muerte de Miguel Hernández, el suicidio de Acero en México, etc.­ y se utilicen incluso fragmentos de documentos auténticos, los textos epistolares que entrelazan las vivencias cruzadas de los personajes son ficticios, con excepción de las palabras utilizadas en el dúo a cappella que finaliza la obra, extraídas de La destrucción del amor, de Vicente Aleixandre.

También el director de escena Xavier Albertí ha tenido que articular las referencias históricas con el mundo espectral de las voces escritas. Rehuyendo la verosimilitud con los personajes reales, su dramaturgia evoca los ‘espacios mentales’ de los protagonistas -enfatizados con las atmósferas lumínicas de Juan Gómez Cornejo– que se suceden y superponen en una escenografía metafórica diseñada por Max Glaenzel, con grandes módulos de apartados de correos que cobijan los recuerdos de papel. El vestuario de Silvia Delagneau sugiere, como el decorado, la vida entre muros, trincheras y escondites durante la primera mitad del siglo XX.

Las reminiscencias epistolares salen del papel y viven con la música de Luis de Pablo, más descriptiva y anclada a la tradición musical española y a la prosodia del castellano hablado que en óperas anteriores. Así, la partitura comienza con un breve prólogo que evoca el juego de Los lobicos con los niños del colegio y a partir de ahí, se suceden 6 escenas concebidas como retazos de vidas; un mosaico lleno de contrastes y una escritura orquestal casi camerística, pero dotada de una rica paleta de colores y poder dramatúrgico gracias al gran número de instrumentos, pocas veces utilizados como masa sinfónica.

Como apunta José Luis Téllez, “la cita y la parodia ocupan un espacio significativo en la economía significante de El abrecartas”. A lo largo de la ópera afloran ‘paráfrasis’ melódicas, más o menos disimuladas, que van desde el cancionero renacentista español, nanas o canciones populares, hasta las evocaciones de un cuplé, o una zarzuela.

El abrecartas es también un homenaje a la literatura española, desde el siglo de oro español –con la representación de La vida es sueño, de Calderón– hasta la generación del 27, con un lugar especial para el gran poeta Vicente Aleixandre, Premio Nobel de Literatura en 1977, cuya casa –que frecuentaban De Pablo y Molina Foix– fue un espacio de creación, discusión, protección y refugio de artistas durante los tiempos más difíciles del siglo XX.

En su última ópera, Luis de Pablo, ya octogenario, mira con indulgencia, dolor y nostalgia -y también con ironía, siempre que puede-, los tiempos convulsos en que España se desgarró. Lo hace loando e igualando las voces de grandes escritores y las de seres anónimos unidos por historias de amor rotas, calladas y prohibidas, con la serenidad de saberse en otro tiempo mejor y más luminoso.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Un piano sin límites

El Teatro Real ha preparado una nueva cita al atardecer en su emblemática Sala de Orquesta, donde habita un piano de cola que esconde infinitas melodías y será el gran protagonista del nuevo espectáculo de El Real Junior en una aventura titulada Piano sin límites.

Destinado a un público a partir de 10 años, la pianista Karina Azizova y el polifacético Fernando Palacios, responsable del guión y presentación, transitarán por la historia de la música descubriendo las formas de entenderse y expresarse con este instrumento, en compañía de compositores como Liszt, Chopin, Satie, Rachmaninov ¡o Bruce Springsteen!

La cita tendrá lugar los días 11, 12, 18 y 19 de febrero, a las 20.00 horas, y 13 y 20, a las 20.00 horas, cuando la Luna entra en su fase más luminosa, cómplice y misteriosa, romántica o frívola, seductora o gamberra, según el compás que le marquen las teclas del piano.

Como en otras ocasiones, la web del Teatro Real dispone de una guía didáctica, con acceso libre, en la que los espectadores pueden encontrar información de los compositores y obras que componen el espectáculo, listas de escucha y videos, sugerencias de lectura y actividades lúdicas que, en conjunto, complementan la experiencia del espectador antes y después de sumergirse en un Piano sin límites.

Karina Azizova nació en un lugar recóndito del Cáucaso, Turkmenistán, y estudió piano en Moscú. Pronto ganaría importantes premios en Italia y Rusia, aunque su destino final, donde reside actualmente, fue Madrid. Ha actuado en las salas de conciertos más prestigiosas de España: Auditorio Nacional, Fundación Juan March, Teatro Monumental, Palau de la Música Catalana, Palacio de Festivales de Santander y da recitales en diversos países del mundo. Es pianista titular de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Le encantan los retos difíciles y tocar obras de piano exigentes y de calidad. Su enorme capacidad de trabajo y su interés en ponerse a prueba en los escenarios la convierten en una pianista sin límites.

Diseño de la ilustración : © Mónica Carretero

Butterfly en Dubai

“Vivir” una de las producciones icónicas de Aida; disfrutar del amor de La bohème; descubrir la espléndida fusión de ópera y jazz de Street Scene o recorrer el backstage del Teatro Real son algunas de las experiencias inmersivas que propone el coliseo madrileño en la Exposición Universal de Dubai, en la que sus visitantes pueden conocer de primera mano cómo es su escenario y sus artistas.

España es uno de los 192 países presentes en esta exposición universal que pretende fortalecer las relaciones exteriores y trabajar por un futuro de sostenibilidad, movilidad y oportunidades. El Teatro Real, única institución cultural presente en el pabellón, destaca como ejemplo de innovación e icono cultural del país.

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, visitará el pabellón español el próximo miércoles, 2 de febrero, y dará inicio a la Semana de Honor de España, durante la cual el pabellón nacional recibirá a cientos de visitantes, representantes de instituciones emiratíes y otros invitados del Gobierno.

El Teatro Real se instaló el pasado mes de octubre en el pabellón de España de Dubai con una apuesta tecnológica inmersiva que abre algunas de sus más importantes producciones al disfrute de los visitantes.

Durante 15 minutos, el público que visita el pabellón de España puede disfrutar, gracias a gafas de realidad virtual, de una visión de 360 grados de fragmentos de la producción de Aida, de Verdi; Madama Butterfly y La Bohème, ambas de Puccini, y la producción de Street Scene, de Kurt Weil, grabadas todas ellas en su escenario.

A esos cuatros vídeos se une un quinto que permite a los visitantes recorrer el escenario, los talleres de sastrería y caracterización del Teatro.

Los visitantes pueden acceder además a una sala de proyección en la que se puede contemplar una selección de las arias más famosas interpretadas en el Teatro Real en calidad HD.

Los vídeos son parte del proyecto My Opera Player, la mayor plataforma de difusión de los contenidos audiovisuales del Teatro Real.

El Teatro se suma al lema del pabellón de España en la creación de un futuro más sostenible, uno de los objetivos de su plan estratégico para los próximos cinco años, con la promoción de proyectos que giran en torno a la reducción de su impacto en el medio ambiente con propuestas de innovación tecnológica y mejora en el uso de recursos.

La Expo Dubai 2020 abrió sus puertas en octubre de 2021 –un año después de lo previsto- con la presencia de 192 países que se distribuyen no por regiones, sino a través de tres distritos que conforman una pequeña ciudad con estructuras arquitectónicas, innovaciones tecnológicas, exposiciones y espacios interactivos.

Ocupa 428 hectáreas –unos 600 estadios de fútbol- y espera 25 millones de visitantes hasta el 31 de marzo, cuando cerrará sus puertas.

David Palomar

La esencia, el embrujo, la gracia y el arte de Cádiz envolverán las tablas de Flamenco Real con la presencia de uno de cantaores que, por derecho propio, mejor representan el arte de esta cuna del flamenco, David Palomar, quien ofrecerá dos espectáculos al público madrileño los días 3 de febrero, a las 19.00 horas, y el 4, en sesión doble, a las 19.00 y a las 21.00 horas, bajo el título Cádiz es Real.

Para esta ocasión, David Palomar se hará acompañar por la guitarra de Juan José Alba, los coros y palmas de Anabel Rivera y Roberto Jaén, con la colaboración especial de Juan José Jaén, El Junco, en el baile.

Palomar da sus primeros pasos en los escenarios junto al bailaor Javier Barón, para continuar su andadura junto a otras grandes figuras del baile -Carmen Cortés, Cristina Hoyos o Javier Latorre- y de prestigiosos músicos -como Vicente Amigo y Gerardo Núñez- antes de formalizar su carrera en solitario con el estreno del espectáculo Cádiz, en 2017, donde la expresión de su cante dibuja el modelo del puro sentir gaditano.

La voz de Palomar es flamenca. Larga, contenida, flexible… brota al compás que requiere cada cante, con sonoridad auténtica y colores definidos, y el aire inconfundible de la bahía que le vio nacer, porque esa es la seña de identidad de un artista que se empeña en el estudio, la recuperación y la defensa de la escuela gaditana del cante flamenco. En este sentido, su trabajo no sólo ha recibido el reconocimiento del público y de sus compañeros, también se ha visto recompensado con el galardón “Bandera de Andalucía», por su labor de “Promoción de Cádiz al exterior”, y el premio “Andalucía Excelente 2016” al mejor álbum del año, por su disco “Denominación de Origen.

Su inquietud le ha llevado a colaborar con figuras de la música como Lluís Llach, Pasión Vega, Alejandro Sanz o Javier Ruibal quien, en la conmemoración de sus 25 años en los escenarios, cuenta con él para compartir escenario con Martirio, Miguel Ríos, Juan Echanove, Gabino Diego y Kiko Veneno, entre otros.

Cádiz es Real forma parte de la programación de FLAMENCO REAL que, en esta cuarta edición, cuenta con el 100% del aforo y recupera su formato original, a semejanza de un tablao, en el Salón de Baile del Teatro Real.

El ocaso de los dioses

Se ofrecerán 9 funciones de El ocaso de los dioses, entre el 26 de enero y el 27 de febrero, que darán comienzo a las 18.30 horas (17.00 los domingos) debido a la larga duración de la ópera.

El próximo 26 de enero tendrá lugar en el Teatro Real el estreno de El ocaso de los dioses, última jornada de El anillo del Nibelungo, de Richard Wagner (1813-1883), que pone fin al colosal proyecto de la tetralogía que se ha presentado en este escenario en cuatro temporadas sucesivas y que ha contado con la dirección musical de Pablo Heras-Casado y la icónica puesta en escena de Robert Carsen creada para la Ópera de Colonia en 2000 y repuesta en numerosas ocasiones.

Las nueve funciones de la ópera comenzarán a las 18.30 horas, con excepción de los domingos, cuyo inicio será a las 17.00 horas, para adaptar el horario a la larga extensión de la obra (cinco horas y media).

La interpretación de esta colosal partitura contará con 11 solistas, 115 músicos -que estarán, como sucediera la pasada temporada en Siegfried, ubicados en el foso y en 8 palcos a ambos lados del escenario para mantener la debida distancia de seguridad sanitaria-, 62 miembros del coro y 17 actores figurantes.

El ocaso de los dioses, cierre de esta magna historia, fue, curiosamente, la primera de las cuatro óperas que forman El anillo... en ser concebida por el compositor. En ella asistimos a la trágica muerte de Sigfrido, al sacrificio de Brunilda, al fin de la tiranía de los dioses y a la destrucción del Valhalla. El destino, la maldición del anillo y la ambición de los dioses conducen a los protagonistas a un final irreversible en el que, en contraposición, reside una brizna de esperanza al volver el anillo a las hijas del Rin y restablecer el orden natural.

La estructura de la obra se asemeja a la de las tragedias griegas y en ella, el desarrollo musical camina en paralelo al devenir del drama, convirtiendo a la orquesta en una suerte de personaje o coro que anticipa, explica o narra la acción, avanzando entre los numerosos leitmotivs hasta llegar a la expresión trasformadora de la muerte de Sigfrido en la “Marcha fúnebre”-con una estructura tonal que va más allá de los límites formales de la música, asociada a una profunda reflexión filosófica-, y a la redención del mundo tras la inmolación de Brunilda.

Robert Carsen realiza aquí uno de sus trabajos más brillantes, representado con gran éxito en numerosos teatros, concebido en estrecha colaboración con el escenógrafo y figurinista Patrick Kinmonth y el iluminador Manfred Voss. A lo largo de cuatro temporadas han desarrollado la idea que traslada la alegoría wagneriana a la actualidad en un mundo contaminado, que destruimos entre todos, pero que nos dará la oportunidad de resurgir tras un fuego sanador.

Una vez más, el Teatro Real ha contado con algunas de las voces wagnerianas más reconocidas del momento: Andreas Schager (Siegfried), Lauri Vasar (Gunther), Martin Winkler (Alberich), Stephen Milling (Hagen), Ricarda Merbeth (Brünnhilde), Amanda Majeski (Gutrune/norna), Michaela Schuster (Waltraute), Elizabeth Bailey (Woglinde), Maria Miró (Wellgunde), Claudia Huckle (Flosshilde/norna) y Kai Rüütel (norna).

El Teatro Real completará, en estas funciones, la grabación audiovisual de La tetralogía para su distribución internacional y emisión en My Opera Player.

Fotografía ©Javier del real / Teatro Real

PlanEstrategico

La estabilidad del Teatro Real, materializada en la ratificación, en los últimos meses, de su presidente, Gregorio Marañón, y de sus directores general, artístico y musical ­Ignacio García-Belenguer, Joan Matabosch e Ivor Bolton, respectivamente­, permitirá al coliseo madrileño llevar a cabo un ambicioso plan estratégico para los próximos 5 años (2021-2026).

Su eficaz modelo de gestión (con el que pudo hacer frente a la pandemia), la independencia de sus órganos de gobierno, la experiencia acumulada y el apoyo de las administraciones públicas, patrocinadores y sociedad civil le han permitido diseñar un proyecto que consolida la hoja de ruta iniciada en los últimos años y abrir nuevas sendas de crecimiento, sobre todo en el ámbito de la digitalización, optimización de recursos, ampliación y fidelización del público, educación, inclusión, sostenibilidad, accesibilidad e internacionalización.

El proyecto artístico que dirige Joan Matabosch, de amplio respaldo y reconocimiento nacional e internacional, seguirá ampliando el repertorio del Teatro Real con una programación de gran espectro protagonizada por prestigiosos artistas y privilegiando las coproducciones con los más importantes teatros de ópera del mundo. La articulación de óperas de repertorio con obras maestras menos conocidas, estrenos mundiales y recuperación del patrimonio musical español, seguirá trayendo al escenario del Real a los intérpretes, directores musicales y equipos escénicos más idóneos para cada propuesta artística.

Ivor Bolton, en la dirección musical de la institución, secundado por Nicola Luisotti y Pablo Heras-Casado, junto a Andrés Máspero, al frente del coro, proseguirán su labor junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, en una permanente y tenaz búsqueda de la excelencia, que alaba unánimemente la crítica nacional y extranjera.

La vocación de servicio público del Teatro Real y su compromiso con un público cada vez más amplio, diverso, descentralizado e inclusivo, en el que los niños y los jóvenes ocupan un lugar privilegiado, vertebran su plan quinquenal.

Tras la recuperación de las visitas libres al Teatro Real después del parón provocado por la COVID 19, las visitas guiadas se reactivarán con nuevos modelos y recorridos, más atractivos y diversificados.

El Real Joven -con las entradas de Último Minuto, la Butaca Joven y el Comité Joven­, así como los Amigos Jóvenes del Teatro Real, también crecerá con la creación del Consejo Internacional Joven, que unirá a los amantes de la ópera de diferentes nacionalidades hasta 35 años, propiciando fecundos vínculos y sinergias.

LÓVA (La Ópera, Vehículo de Aprendizaje), proyecto que nació en el Teatro Real en 2007 y que se desarrolla ya en más de 200 centros escolares de toda España, vuelve a ser tutelado por el Teatro Real, que le dará un nuevo impulso después del parón provocado por la pandemia y el fallecimiento de su gran mentor, Pedro Sarmiento.

En el ámbito de la Formación, se incrementará la oferta de cursos para el público, universitarios, y profesionales del mundo artístico, destacando la puesta en marcha de una Plataforma de Enseñanza Online del Teatro Real.

Crescendo, creado en colaboración con la Fundación Amigos del Teatro Real en pleno período de pandemia para facilitar el acceso de jóvenes cantantes al mundo profesional, seguirá afianzándose con proyectos de ópera-estudio que integrarán la programación de El Real Junior (a semejanza de la reciente producción de La cenicienta) y poniendo en marcha otras iniciativas, como la formación de pianistas repetidores, que comenzará en esta temporada.

En el marco del programa Cerca de Ti -aprobado en Consejo de ministros como Acontecimiento de Excepcional Interés Público y con vigencia hasta 2023- se desarrollarán distintas iniciativas de difusión de la ópera y la música, destacando la itinerancia de la carroza del Teatro Real, en coordinación con las comunidades autónomas de toda España, y la instalación de una pantalla, de forma permanente, en la fachada de la Plaza de Isabel II, que divulgará la programación cultural y artística de Madrid (a semejanza de las existentes en la Plaza de Callao o Coliseum), dando especial relevancia a los contenidos y retransmisiones del Teatro Real.

Seguirá el compromiso del Teatro Real con la accesibilidad de sus espectáculos, perfeccionando su aplicación ‘Teatro Real Accesible’ para espectadores con discapacidades visuales y auditivas, su sistema de bucle magnético instalado en la sala principal y mejorando la movilidad de las sillas de ruedas en el interior del edificio.

Uno de los grandes retos para los próximos años es la sostenibilidad medioambiental del Teatro Real, basada en la eficiencia energética, descarbonización, digitalización de las operaciones de mantenimiento, optimización de recursos, modernización de equipamientos e implementación de energías renovables, con el objetivo de convertirse en un edificio de consumo nulo 4.0.

En el ámbito de la mejora de las instalaciones e infraestructuras, se llevará a cabo la renovación del suelo de la caja escénica del Teatro Real, después de 25 años de utilización máxima e ininterrumpida.

El centro logístico de Arganda, que da cobijo a las producciones y coproducciones del Teatro Real, se modernizará con la digitalización y automatización de los procesos de almacenamiento.

La utilización de las nuevas tecnologías afectará a todas las áreas y servicios del Teatro Real para una gestión más eficiente, destacando la creación de un archivo histórico digital, con la recopilación y catalogación de todo el material de interés histórico y musicológico, que estará a disposición de estudiosos e investigadores.

Se trabajará con ahínco en la proyección internacional del Teatro Real en sus múltiples vertientes: coproducciones con teatros extranjeros, alquiler de producciones propias, ampliación del catálogo de MyOperaPlayer, retransmisiones y emisiones en coproducción con televisiones y plataformas internacionales de prestigio y campañas de comunicación para consolidar la notoriedad del Teatro entre los más importantes del mundo.

La programación del Real en 2019, reconocida con el prestigioso International Opera Award (con un año de retraso provocado por la pandemia), tuvo una repercusión mediática importante, que proseguirá con la Gala que se celebrará el próximo 28 de noviembre en su escenario. Será la primera vez que la entrega de premios se realiza fuera de Inglaterra.

El trabajo del Real durante la pandemia, único en el mundo, ha atraído la atención de la prensa internacional y ha dado gran visibilidad al Teatro más allá del ámbito musical, con una destacada presencia en medios de comunicación extranjeros.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Miguel Muñiz

Nacido en Orense en 1939, Miguel Muñiz era licenciado en Ciencias Económicas por la Universidad Complutense de Madrid y en su dilatada trayectoria profesional estuvo vinculado a diversas instituciones y empresas públicas y privadas. En 1982 fue nombrado Secretario General de Economía y Planificación en el Ministerio de Economía y Hacienda y en 1986, Presidente del Instituto de Crédito Oficial (ICO), cargo que ejerció hasta 1996. Formó parte del Instituto Nacional de Estadística y Telefónica, donde estuvo encuadrado en su gabinete de estudios, en una primera etapa, y posteriormente en su Comité Ejecutivo.

El 27 de septiembre de 2004 es nombrado director general del Teatro Real, cargo que desempeñaría hasta 2012. Bajo su mandato se llevaron a cabo iniciativas como la puesta en marcha de las Entradas de Último Minuto, el Proyecto Audiovisual y las primeras grabaciones de ópera en DVD, el Proyecto Social – cuya iniciativa de música en la cárcel, obtuvo la Medalla al Mérito Social Penitenciario dos años consecutivos-, la creación de los festivales de jazz y flamenco en la Sala Principal o las primeras jornadas de Puertas Abiertas, por citar sólo algunas; acciones, todas ellas, que contribuyeron a modernizar e impulsar la apertura del Teatro Real.

Sobre su labor al frente de la institución, Gregorio Marañón, presidente del Teatro Real, ha declarado: «Conocí a Miguel Muñiz hace muchos años y, en el 2004, le propuse como director general del Teatro Real a la ministra de Cultura Carmen Calvo. Se retiró en 2012 habiendo desempeñado una extraordinaria labor en los tiempos difíciles de la crisis económica de 2008. Además de ser un muy buen profesional, como había demostrado en la presidencia del ICO, Miguel ha sido una excelente persona».

Fotografía © Javier del Real / Teatro Real

Piano mágico

La magia de las fiestas navideñas, en las que los niños siempre tienen un papel protagonista, no podía faltar en la programación de El Real Junior, que abrirá la Sala Principal a un espectáculo para toda la familia lleno de imaginación y fantasía tejido con el piano y la música de Frédéric Chopin, los próximos días 27 y 30 de diciembre y 3 y 4 de enero, a las 12.00 horas.

Bajo el título de Magic Chopin se presentará, por primera vez en España, esta propuesta de los oscarizados BreakThru Films –cuya creación, Pedro y el Lobo, ganadora de varios premios, pudo verse en el Teatro Real en la pasada temporada – que ahora nos invitan a un concierto cinematográfico animado que contará con la pianista Mariana Gurkova, interpretando en directo la música del compositor polaco, y la participación de Fernando Palacios, como guionista y presentador.

Magic Chopin presenta la música de Chopin con un conjunto de animaciones únicas, compuestas por un largometraje principal, Magic Piano, de unos 30 minutos de duración, en el que se cuenta la aventura de

Anna y su primo Chip-Chip a bordo de un piano mágico y volador, y varios cortos animados, The Chopin Shorts (Los cortos de Chopin), en los que se cuentan cuatro historias de 2 a 3 minutos, cada una.

Las diferentes narraciones envuelven al espectador que, desde el primer momento, empatiza con las aventuras, emociones y actitudes de los protagonistas sin dejar de sorprenderse hasta el último momento, llevándose, al salir, el recuerdo de una inolvidable experiencia y muchas reflexiones sobre los momentos vividos.

BreakThru Films, fundada en 2001 por el productor Hugh Welchman, es una compañía polaca de animación, conocida en todo el mundo por sus proyectos innovadores y de extraordinaria calidad artística. Su primera gran producción, Pedro y el Lobo, ganadora del Oscar al mejor cortometraje de animación, fue pionera en el formato de películas exhibidas en salas de conciertos acompañadas por orquestas en directo, y atraen cada vez a más público ¡ y más joven ! BreakThru Films se ha labrado una gran reputación gracias a sus cortometrajes, avalada por más de 20 premios y nominaciones internacionales, entre ellos dos nominaciones a los BAFTA, la selección oficial de Cannes, el premio Canal+ de Chicago y el premio TCM, por citar algunos.

MAGIC CHOPIN – SINOPSIS

MAGIC PIANO

Études de Frédéric Chopin (1810-1849)

Opus 25 Nº5, Opus 10 Nº3, Opus 10 Nº1, Opus 10 Nº7, Opus 25 Nº6, Opus 25 Nº1, Opus 25 Nº12, Opus 10 Nº9 y Opus 25 Nº11

Dirección: Martin Clapp

Magic Piano cuenta la historia de Anna, una niña de 10 años cuyo padre la ha dejado en Polonia con su tía y su primo Chip-Chip, mientras él trabaja en el extranjero, en Londres. Anna, que echa de menos a su padre, decide huir. Al verla partir, Chip-Chip la sigue. Para librarse de él, se esconde en un montón de basura y tropieza con un viejo piano, que se transforma en una mágica máquina voladora en la que ambos son transportados por el aire, como si viajaran en un velero gigante o una nave espacial.

Anna decide utilizar el artilugio para encontrar a su padre y llevarlo de vuelta a casa. Chip-Chip, a pesar de sentir un vértigo terrorífico, decide acompañarla ya que desea desesperadamente caerle bien a su prima.

Ambos comienzan la aventura pero, al llegar a los tejados de París, se encuentran con un joven con el que Anna parece conectar muy bien. Chip-Chip, receloso, se amotina e intenta hacer girar la máquina voladora en el aire. Ambos comienzan una discusión y, en el transcurso de la pelea, rompen el mecanismo de dirección, y van a la deriva en el viento a través de mares tormentosos hacia nieblas impenetrables.

Cuando la niebla se despeja, descubren sorprendidos que están en Londres aunque, con la máquina estropeada, no pueden dar el último pequeño paso hacia papá.

Detrás de ellos se forma una gigantesca tormenta que los arrastra lejos del piano mágico y, de forma inexplicable, los devuelve súbitamente a Varsovia, junto al montón de basura, donde ya no hay ningún piano viejo pero…donde encuentran a papá caminando hacia ellos.

THE CHOPIN SHORTS (LOS CORTOS DE CHOPIN)

EL HÁMSTER GORDO

Étude Opus 25. Nº 8

Dirección: Adam Wyrwas

Los protagonistas son una pareja de hámsters adorables y esponjosos. Uno de ellos es terriblemente glotón, pero su compañero no quiere que sea gordo y le obliga a hacer ejercicio en la rueda de la jaula. La monotonía del movimiento le deja sumido en un sueño profundo, momento que su glotón compañero aprovecha para atiborrarse de comida… con cómicas consecuencias…

PL.INK!

Étude Opus 10. Nº 4

Dirección: Anne-Kristin Berge

Un pintor minimalista pierde a su hijo pequeño dentro de uno de sus cuadros. Al acceder al interior de la pintura para rescatar al travieso niño de los monstruos de tinta, encuentran ayuda de una máquina voladora.

EL CIELO DEL HÁMSTER

Étude Opus 10. Nº 11

Dirección: Paul Bolger

La preciosa historia de amor de una pareja de estos simpáticos roedores en la que el macho hará lo posible para no separase nunca de la hámster que ama..

EL NIÑO DE PAPÁ

Étude Opus 25. Nº 9

Dirección: Leevi Leemetty

Un ratoncito que quiere ser bailarín de ballet. Su padre, un ex campeón de boxeo, no puede entender su pasión por la danza, pero cuando el pequeño utiliza sus habilidades como bailarín para engañar a un gato que ha atrapado a su padre, éste observa orgulloso a su pequeño haciendo piruetas para ayudarle a escapar.

Marco Flores

Vengo Jondo es el nombre del espectáculo con el que Marco Flores regresa a Flamenco Real y con el que el bailaor gaditano llenará de ritmo y de tradición cada rincón del tablao mostrando, de forma íntima y sincera, el legado cultural y familiar sobre los que ha forjado su arte y que siempre han estado presentes en su trayectoria profesional.

Las citas con el público madrileño tendrán lugar los días 22 de diciembre, a las 19.00 horas, y 23 de diciembre, en sesión doble, a las 19.00 y a las 21.00 horas, y en ellas estará acompañado por El Quini, en el cante, y José Tomás Jiménez, a la guitarra.

Nacido en Arcos de la Frontera, Marco Flores comenzó a bailar desde muy pequeño de manera autodidacta, aunque no tardó mucho en formarse con maestros como Antonio Canales y Javier Latorre. A los 18 años ya formaba parte de prestigiosas compañías como la de Rafaela Carrasco o Sara Baras, además de participar como artista invitado en las de Miguel Ángel Berna y Mercedes Ruiz.

Flores es un artista con un impresionante palmarés: en 2007 obtiene cuatro premios en el Concurso Nacional de Córdoba –Premios Mario Maya, Carmen Amaya, Antonio Gades y Especial de Danza-, en 2012 se alza con el Premio de la Crítica especializada del Festival de Jerez, en 2019 es galardonado con el Premio Ojo Crítico de Danza y en 2020 es reconocido con el Premio Max al mejor Intérprete de Danza, entre otros. Pero su mayor valor reside en la pureza de su arte, la defensa de los valores, la incorporación de la tradición a la nueva creación, el taconeo prodigioso de sus pies…

En Vengo Jondo, el bailaor quiere abordar el flamenco desde la forma más desnuda, más íntima, recreándose en la esencia, y para ello se apoya en los dos elementos que siempre han estado presentes en su aspecto creativo, el cante y el toque, representados en estas veladas de Flamenco Real por El Quini, curtido en la familia de los Pastillas y dueño de un compás y una interpretación puramente gitana, y José Tomás Jiménez, reconocido por el carácter profundamente flamenco de su guitarra y su extraordinaria habilidad en el acompañamiento, que le ha llevado a importantes escenarios.

Esta cuarta edición de FLAMENCO REAL cuenta con el 100% del aforo y recupera su formato original, a semejanza de un tablao, en el Salón de Baile del Teatro Real.

Fotografía © Juanlu Vela

Entrevista Michael Fabiano

Michael Fabiano regresa a Madrid, ciudad en la que se siente como en casa, después de haber protagonizado la temporada pasada alguno de los momentos más emocionantes sobre el escenario del Teatro Real tras la pandemia, y regresa con uno de sus personajes fetiches, Rodolfo, en La Bohéme que dirige Nicola Luisotti. Una nueva oportunidad para disfrutar de la sensibilidad y fuerza que el cantante de New Jersey imprime al romántico personaje creado por Pucinni.

Fabiano es uno de los más destacados intérpretes belcantistas del momento. En esta entrevista nos habla de la evolución de su carrera, de alguno de los momentos más especiales sobre un escenario y de sus planteamientos para el futuro.

Eleonora Buratto

La soprano italiana Eleonora Buratto, considerada una de las mejores intérpretes del personaje pucciniano, vuelve al coliseo madrileño para interpretar seis funciones de La Bohème en una temporada en la que también la cantará en Nueva York.

La carrera de Eleonora Buratto no para de conquistar escenarios y de ganar adeptos en todo el mundo. No es para menos: su agenda apunta compromisos en los más importantes teatros del panorama lírico internacional gracias a una voz de impresionante belleza y a un temperamento que deja sin aliento a críticos y público allá donde actúa.

La cantante llega a Madrid con su aclamada Mimì de La Bohème después de haber triunfado con el popular personaje de Puccini en la Metropolitan Opera de Nueva York cosechando un impresionante éxito de público y crítica, escenario en el que volverá a interpretar a la costurera parisina este mismo curso. En el Teatro Real ya ha cantado, desde su debut en 2012 con I due Figaro, títulos como Don Pasquale, L’elisir d’amore, Le nozze di Figaro, Carmen e Idomeneo. Ahora regresa con La Bohème, que interpretará los días 13, 16, 19, 27 y 30 de diciembre y 3 de enero, en un montaje firmado escénicamente por Richard Jones y con Nicola Luisotti en el podio al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid. Se trata de una coproducción del Teatro Real, la Royal Opera de Londres y la Lyric Opera de Chicago. “Me entusiasma enfrentarme a nuevas aventuras artísticas, pero, en esta ocasión, a la alegría le sumo la emoción de cantar para un teatro con el 100% de su capacidad”, afirma la cantante nacida en Mantua. “Estoy en Madrid en plenos ensayos de La Bohème encarnando a Mimì, uno de mis roles distintivos. Es además el último personaje que canté a principios de 2020, antes del confinamiento, en la Royal Opera de Londres. Y ninguno de nosotros podía imaginar en ese momento que el mundo entero y el de la ópera estaban a punto de paralizarse a causa de la pandemia. Espero que el círculo se cierre definitivamente y que, aunque con todas las precauciones necesarias, estemos retomando la vida como antes”.

Ya en el verano de 2020 Eleonora Buratto pudo reiniciar la actividad artística con el Réquiem de Donizetti y el de Verdi. “También debuté dos apasionantes roles verdianos como Elvira y Desdemona, además de la Fiordiligi mozartiana en Così fan tutte, primero en La Scala y luego en Turín –con Riccardo Muti–, y Anaïs en Moïse et Pharaon en el Rossini Opera Festival, pero ensayar ahora con un auténtico espíritu de normalidad como el que estamos viviendo en el Teatro Real es un regalo maravilloso. Estoy vinculada a este teatro desde 2012; aquí he realizado importantes debuts como el de Elettra en Idomeneo, entre otros. Ahora es el turno de Mimì. Espero trasmitir al público español las emociones de un rol y una obra que desde hace más de un siglo ha hablado al público de todo el mundo del amor, la alegría, la enfermedad, el dolor y, sobre todo, la infinita melancolía que conlleva el fin de la juventud. Creo que hoy, más que nunca, La Bohème es capaz de regalarnos las emociones más verdaderas y compartidas”, concluye la soprano.

Tras su compromiso madrileño viajará a Roma para participar en tres conciertos Rossini junto a la Orchestra e Coro dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia dirigidos por Antonio Pappano, a París para cantar el Réquiem de Verdi dirigida por Daniele Gatti en el Théâtre des Champs-Élysées y regresará a Nueva York, esta vez para debutar Madama Butterfly y encarnar nuevamente a Mimì de La Bohème, ambos compromisos en la Metropolitan Opera House durante marzo, abril y mayo de 2022

Navidad con la La bohème

Esta navidad, entre el 12 de diciembre y el 4 de enero el Teatro Real ofrecerá 15 funciones de La bohème, de Giacomo Puccini, en una coproducción del Teatro Real con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago, que se presentó en su escenario en 2017.

La génesis de La bohème, y también el desarrollo de todo su proceso creativo hasta el estreno de la ópera en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, están minuciosamente documentados gracias a la abundante correspondencia entre Giacomo Puccini, su editor y mentor Giulio Ricordi, y los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, que iniciaron su tormentosa y fructífera colaboración en esta ópera, escribiendo posteriormente los libretos de Tosca y Madama Butterfly.

Partiendo del libro Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger (1822-1861), nacido como una serie de relatos autobiográficos publicados en forma de folletín, los dos libretistas, siempre celosamente dirigidos por Puccini, construyeron un libreto coral, en el que cuatro jóvenes bohemios -un escritor (Rodolfo), un pintor (Marcello), un músico (Schaunard) y un filósofo (Colline)- sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal.

La historia de amor trágica entre uno de ellos, Rodolfo, aspirante a poeta, y la sastrecilla Mimì, cuya muerte por tuberculosis, inexorable, les sorprende, articula una especie de camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y trascendencia.

Con su genial paleta orquestal, su dominio de la prosodia y su enorme talento dramático, Puccini va construyendo la personalidad de los jóvenes con su característica habilidad para articular los destellos más anecdóticos y divertidos de lo cotidiano con los sentimientos más hondos, pasionales y arrebatadores. Así, entrelaza sus frases cortas “de conversación” con otras de enorme aliento melódico y dramático. Su orquestación sugiere, con enorme eficacia tímbrica, desde detalles tan nimios como el serpenteo de las llamas o el tintineo de las monedas, hasta las ‘ambientaciones’ casi cinematográficas de la desangelada buhardilla, del bullicio del París navideño o de la soledad y privaciones de la pobreza.

La evocación de momentos pasados, como si fueran destellos que la memoria revive y actualiza, está magistralmente recreada con la utilización de motivos musicales asociados a emociones, sentimientos, o incluso a objetos a los que Puccini concede un enorme poder simbólico, como la vela de Mimì, la cofia rosa que le compra Rodolfo, el gabán de Colline, o el manguito que calienta las manos frías de la protagonista en su lecho de muerte.

Son estos momentos que vienen y vuelven con la memoria, que están escondidos y asoman con las vivencias que suman y construyen el camino la vida, los que vertebran la producción de La bohème que se podrá ver en el Teatro Real.

En su propuesta dramatúrgica, el prestigioso director británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de Escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve cómo se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas, como si fueran retazos de vida apiñados en la memoria.

Situándose en un lugar privilegiado, el espectador contempla permanentemente el pasado y el presente de los personajes, incapaz de sumergirse en el París frío y efervescente de los jóvenes bohemios porque lo verá siempre representado sobre el escenario.

Pero este artificio del ‘teatro dentro del teatro’, en que se confunden el tiempo real y el teatral, el espacio del público y del artista, el drama de la ópera y sus metáforas, llevará al espectador a una interpretación más rica de la obra de Puccini, potenciada por su visión desde distintos ángulos, pero también con sus reflejos.

Dos repartos darán vida a esta popular ópera coral, en la que destacan, en los papeles principales, las sopranos Ermonela Jaho y Eleonora Buratto (Mimì) y los tenores Michael Fabiano y Andeka Gorrotxategi (Rodolfo), secundados por las sopranos Ruth Iniesta y Raquel Lojendio (Musetta); los barítonos Joan Martín-Royo y Manel Esteve (Schaunard), los tenores Vicenç Esteve y Pablo García López (Benoît); los barítonos Lucas Meachem y Andrzej Filonczyk (Marcello); y los bajos Krzysztof Baczyk y Solomon Howard (Colline) y Roberto Accurso (Alcindoro).

La dirección musical correrá a cargo de Nicola Luisotti, con excepción de los días 30 de diciembre y 3 de enero, en los que la ópera será dirigida por Luis Miguel Méndez.

La bohème será el décimo título que Nicola Luisotti dirigirá en el Teatro Real, después de Il trovatore (2007), La damnation de Faust (2009), Rigoletto (2015), Aida y Turandot (2018), Don Carlo (2019), La traviata y Un ballo in maschera (2020) y Tosca (2021).

Además del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por Andrés Máspero, participa en la producción el coro infantil Pequeños Cantores de la JORCAM, preparados por Ana González.

La Bohème vuelve al Teatro Real en fechas navideñas, trayendo a su escenario la alegría, complicidad y sueños de cuatro jóvenes que se encuentran con la vida real, paradójicamente, encontrándose con la muerte.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Maping Teatro Real

De la mano de la firma francesa Moët & Chandon, el Teatro Real participará en un evento único, que se anticipará a las fiestas navideñas, en el que participarán edificios y lugares emblemáticos de diferentes países.

El acto comenzará a las 18.00 horas con la proyección de un imaginativo mapping sobre la fachada principal del Teatro Real, Plaza de Oriente, y se repetirá a lo largo de la tarde, cada cinco minutos, hasta las 23.00 horas.

Este evento se enmarca dentro de la iniciativa Toast for a Cause (Brindar por una causa), con la que Moët & Chandon recauda donaciones con fines benéficos.

La noche culminará con una fiesta en la Plaza de Oriente que reunirá a personalidades del mundo del arte, la cultura y la política

Con el deseo de recuperar el calor y la alegría de las fiestas navideñas, y el propósito de compartir estos momentos de esperanza, el Teatro Real comienza la cuenta atrás hacia los días más señalados del invierno ofreciendo a todos los públicos un espectáculo de luz e imaginación, que convertirá el emblemático edificio de la cultura y la ciudad en punto de encuentro para la fantasía de la mano de la firma Moët & Chandon.

Mañana, 2 de diciembre, a las 18.00 horas, se proyectará un mapping sobre la fachada principal del Teatro Real, en la Plaza de Oriente, en la que, tres proyectores –ubicados en tres torres de más de 6 metros de altura- dibujarán sobre un burbujeante juego de luces y sombras a lo largo que recreará parte del espíritu festivo en el que Madrid se encuentra inmersa. Un espectáculo mágico que repetirá, durante esa tarde, cada cinco minutos, hasta las 23.00 horas.

Su arquitectura, el arte y la alegría traspasarán los muros en una celebración que se llevará a cabo en lugares y edificios emblemáticos de 17 lugares del mundo, entre los que figuran Times Square en Nueva York, el edificio de la Bolsa de París o la Ópera de Sidney.

Este evento internacional se enmarca dentro de la iniciativa benéfica Toast for a Cause (Brindar por una causa), con la que la prestigiosa firma francesa Moët & Chandon recauda donaciones para varias organizaciones filantrópicas en diferentes países.

MyOperaPlayer

Coincidiendo con los actos conmemorativos del 30º Aniversario de las Cumbres Iberoamericanas de Jefes de Estado y de Gobierno, el Teatro Real, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB), se unen para ofrecer el acceso gratuito, en todo el mundo, a diez producciones disponibles en la plataforma My Opera Player: cuatro óperas y un ballet proceden de teatros iberoamericanos y cinco títulos son óperas presentadas y grabadas en el Teatro Real.

En la elección de los títulos del Teatro Real se han privilegiado los artistas iberoamericanos, como el argentino Hugo de Ana o los directores de escena españoles Emilio Sagi, Lluís Pasqual y Paco Azorín; e intérpretes como el peruano Juan Diego Flórez, el mexicano Javier Camarena o los españoles María Bayo, Carlos Álvarez y José Bros, además de la selección de dos óperas de temática española, como El barbero de Sevilla y Don Giovanni.

Esta iniciativa refuerza los fuertes vínculos del Teatro Real con el público de ópera de los países latinoamericanos, con los que está en contacto permanente y activo a través de su presencia en el comité directivo de OLA (ÓPERA LATINOAMÉRICA), fundada en 2007 en Santiago de Chile, y que tiene como misión principal promover el arte lírico, organizando seminarios temáticos, debates e iniciativas conjuntas, además de facilitar la venta, arrendamiento y coproducción entre los teatros iberoamericanos.

Cinco instituciones líricas latinoamericanas participan en los actos conmemorativos del 30ª Aniversario de las Cumbres Iberoamericanas, permitiendo el acceso gratuito a sus producciones: el Teatro Colón de Buenos Aires con Los cuentos de Hoffmann, de Jacques Offenbach; el Gran Teatro Nacional de Perú con Alzira, de Giuseppe Verdi; la Ópera Bellas Artes de México, con Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart; el Festival Amazonas de Ópera de Brasil, con Moto-Contínuo, de Piero Schlochauer; y Municipal de Santiago de Chile, con el ballet Trilogía+1.

En línea con los principios defendidos en las Cumbres Iberoamericanas, la Cooperación Española entiende la cultura como un factor clave para el desarrollo humano sostenible, la erradicación de la pobreza, la construcción activa de la paz y el ejercicio pleno de los derechos de una ciudadanía global. Desde esta perspectiva, la AECID contribuye con diversos programas a que la cultura cambie la vida de las personas, considerando la música, por su valor y lenguaje universal, un vehículo de desarrollo y una herramienta clave para llegar a todas las partes, derrumbando fronteras y construyendo caminos conjuntos.

ESPECTÁCULOS SELECCIONADOS

(Orden cronológica de creación)

Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart
Producción de la Ópera de Bellas Artes de México
Grabación: 2018
Director musical: Srba Dinic
Director de escena: Mauricio García Lozano
Papeles protagonistas: Denis Sedov, Armando Piña, Narine Yeghiyan, Letitia Vitelaru, Jacinta Barbachano, Gabriela Thierry, Arturo López, Juan Carlos López
Coro y Orquesta del Teatro de Bellas Artes

Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart
Producción del Teatro Real
Grabación: 2005
Director musical: Víctor Pablo Pérez
Director de escena: Lluis Pasqual
Papeles protagonistas: Carlos Álvarez, Sonia Ganassi, María Bayo, José Bros, Lorenzo Ragazzo
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

El barbero de Sevilla, de Gioacchino Rossini
Producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro São Carlos de Lisboa
Grabación: 2005
Director musical: Gianluigi Gelmetti
Director de escena: Emilio Sagi
Papeles protagonistas: Juan Diego Flórez, María Bayo, Pietro Spagnoli, Ruggero Raimondi, Bruno Praticó
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

I puritani, de Vincenzo Bellini
Producción del Teatro Real, en coproducción con el Municipal de Santiago de Chile
Grabación: 2016
Director musical: Evelino Pidò
Director de escena: Emilio Sagi
Papeles protagonistas: Diana Damrau, Javier Camarena, Ludovic Tézier, Annalisa Stroppa, Antonio Lozano
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Alzira, de Giuseppe Verdi
Producción del Gran Teatro Nacional de Perúen coproducción con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO) de España y Opera Royal de Wallonie-Liége de Bélgica
Grabación: 2018
Director musical: Oliver Díaz
Director de escena: Jean Pierre Gamarra
Papeles protagonistas: Jaquelina Livieri, Juan Antonio de Dompablo, Jorge Tello, Xavier Fernández
Coro Nacional de Perú y Orquesta Sinfónica Nacional del Perú

Aida, de Giuseppe Verdi
Producción del Teatro Real, en coproducción con la Lyric Opera de Chicago y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, basada en la original del Teatro Real de 1998
Grabación: 2018
Director musical: Nicola Luisotti
Director de escena: Hugo de Ana
Papeles protagonistas: Violeta Urmana, Gregory Kunde, Ludmyla Monastyrska, George Gagnidze, Roberto Tagliavini
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Los cuentos de Hoffmann, de Jacques Offenbach
Producción del Teatro Colón de Buenos Aires
Grabación: 2019
Director musical: Enrique Arturo Diemecke
Director de escena: Eugenio Zanetti
Papeles protagonistas: Ramón Vargas, Sophie Koch, Virginia Tola, Rachele Gilmore, Milijana Nikolic, Rubén Amoretti
Coro y Orquesta Estables del Teatro Colón

Tosca, de Giacomo Puccini
Coproducción con el Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.
Grabación: 2021
Director musical: Nicola Luisotti
Director de escena: Paco Azorín
Papeles protagonistas: Sondra Radvanovsky, Joseph Calleja y Carlos Álvarez
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Moto-Contínuo de Piero Schlochauer
Libreto Beatriz Porto, Isabela Pretti y Piero Schlochauer
Encargo y producción del 23º Festival Amazonas de Ópera de Brasil
Grabación: 2021
Director musical: Otávio Simões
Director de escena: William Pereira
Papeles protagonistas: Juliana Taino, Erick Souza
Amazonas Filarmónica

Trilogía +1, ballet
Producción del Municipal de Santiago de Chile
Grabación: 2021
Coreografías:
Réquiem para una rosa, de Annabelle López-Ochoa
Tres preludios, de Ben Stevenson en un remontaje de Sara Nieto
Pas de deux de Carmen, de Marcia Haydée
La 5ª, de Esdras Hernández
Ballet de Santiago
Orquesta Filarmónica de Santiago

Dorantes en Flamenco Real

El pianista y compositor sevillano Dorantes llega a Flamenco Real, los próximos 2 y 3 de diciembre, para mostrar otra manera de ver la música, de escuchar el flamenco, de expresarse a través de un instrumento tan poco frecuente en este arte como es el piano.

En esta cita, que el artista ha denominado InterAcción, estará acompañado por la bailaora Leonor Leal, con quien ha colaborado en anteriores ocasiones, y en la que ambos establecerán un singular diálogo de ritmos, improvisaciones, complicidad e interpretación del flamenco, dándole nuevas alas. Un concepto interesante de la mano de un artista innovador y arrollador en su pasión por lo que hace, con el virtuosismo como denominador común con su invitada.

Son Dorantes y Leal dos artistas de cuidada formación académica. El primero, con fuertes raíces familiares gitanas -en las que brillan nombres como El Lebrijano, La Perrata o Fernanda y Bernarda de Utrera- descubrió el piano en casa de su abuela, donde aprendió a tocarlo de forma autodidacta antes de matricularse en el Real Conservatorio Superior de Música de Sevilla, siendo el primer gitano en realizar estos estudios, tal y como él afirma. Se abre entonces un nuevo mundo de posibilidades, no sólo en la interpretación, también en la composición y en el descubrimiento de los muchos caminos por los que puede transitar el flamenco con la herencia de sus mayores como punto de partida.

Es a partir de este momento cuando Dorantes se convierte en el reconocido artista que es hoy en día. Después llegarían los premios -más de una centena, entre ellos 5 Giraldillos de la Bienal de Flamenco de Sevilla, Premio de las Artes Musicales de Andalucía Joaquin de la Orden, dos premios Demófilos, varios premios nacionales de la Crítica, entre otros-, los escenarios emblemáticos -The Albert Hall, The Philarmonie, NDR berlin, Opera de Dubai, La Villete de Paris-, los grandes festivales-International Montreal Jazz, Paris Jazz Fest, Jazz at Lincon Center, Istanbul jazz festival, Read Sea Jazz- y las colaboraciones con grandes nombres del cante y del baile.

Con InterAcción, espectáculo del pianista sevillano para su presentación en el Teatro Real, quiere hacer un guiño a los orígenes del flamenco “lleno de llamativos ritmos y expresiones que recogen el alma y la fuerza” de su arte.

Los acordes del piano tendrán la réplica en la danza de Leonor Leal, bailaora intensa, versátil, única. Como Dorantes, posee una sólida carrera académica. Formada en Danza Clásica y Española, es en el flamenco donde encuentra el centro para expresarse y desarrollarse y donde, como él, buscará nuevas formas de creación. Leal ha participado en proyectos variados, como el teatro musical, la música barroca y contemporánea, la danza clásica o las creaciones conceptuales de vanguardia.

La trayectoria de Leonor Leal también ha sido reconocida con numerosos premios y su presencia junto a grandes figuras del flamenco o en importantes compañías, es constante. Conoce bien el piano y el alma de Dorantes porque ambos vienen de un lugar común y utilizan un mismo lenguaje, y porque ambos ya han transitado por esta propuesta que es, al fin, un diálogo sobre la vida, los sentimientos y la mirada que quiere ver todo.

El escritor, poeta y crítico Jorge Fernández Bustos afirma: “Aunque él no lo reconoce, el piano flamenco se llama Dorantes. Hace bastante tiempo que este instrumento entró por la puerta grande y para quedarse en este mundo de sentimientos y compás. A Dorantes le vuelan los dedos a compás, se acerca continuamente a la bulería, a la soleá y al tango, aunque también apunta por guajiras. Vuelve a sus anteriores discos como si todo fuera un continuo desde que empezó; se mira tanto en el jazz, como en el clásico y en la new age; se muestra a solas o en compañía redondeando los instantes. Dorantes rasca las cuerdas del piano abierto mostrando la dimensión cordofónica del instrumento, Leonor aborda con pantalones el tema Gañanía (más adelante, con cola azul, ilustrará el tema que le da nombre al disco, todo un himno gitano). Batir de Alas es una pieza dedicada a su madre perteneciente a Sur, que tiene incursiones que nos pueden recordar a Wim Mertens. El piano descansa en su fuerza, en su rabia podíamos decir, en su capacidad de transmisión que nunca recae, en un poder hipnótico que crea adicción”.

Esta cuarta edición de FLAMENCO REAL cuenta con el 100% del aforo y recupera su formato original, a semejanza de un tablao, en el Salón de Baile del Teatro Real.

BIOGRAFÍAS

DAVID PEÑA DORANTES

Nacido en Lebrija en 1969, David Peña Dorantes es flamenco desde que nació (sus apellidos así lo avalan), pero también es jazzista desde que descubrió la libertad de esta música, sus bases, sus obsesiones. Es autodidacta, pero también es académico; es original, pero bebe del pozo de la sabiduría de sus mayores, de su queja, de su fiesta, de su claridad y de su aguardiente. Dorantes es, realmente, marca de algo distinto. Sin muros musicales, ni sociales, ni fronterizos, Dorantes, combina y funde, amable e inteligentemente, algo más de tres mundos: la música clásica, el flamenco, el jazz, más unos cuantos afines. Dorantes no es un flamenco que toca el piano… es un músico que se ha sumergido desde el alma hasta las manos en el universo del instrumento para descubrir todos sus secretos y, a cambio, le ha desvelado el maravilloso entramado de la música flamenca.

Dorantes tiene actualmente 6 albumes: Orobroy, Sur, Sin Muros, Paseo a Dos, El Tiempo por Testigo y el recién editado La Roda del Viento, una gran epopeya flamenca musical escrita para Coral y Orquesta para el V Centenario de la Primera Vuelta al Mundo. Actualmente prepara el lanzamiento de su nuevo trabajo, Identidad.

LEONOR LEAL

Leonor Leal (Jerez de la Frontera, 1980) es una bailaora inquieta, curiosa y algo atípica en el flamenco. Su versatilidad le permite responder a cualquier desafío y adaptarse a todo tipo de contexto, manteniéndose en constante evolución.

Tras una sólida formación en Danza Clásica y Española, encuentra en el Flamenco el vehículo para su desarrollo artístico y personal. Tras varios años formando parte de compañías flamencas como las de Antonio “El Pipa”, Andrés Marín, Javier Barón o el Ballet Flamenco de Andalucía dirigido por Cristina Hoyos, a partir de 2008 se acerca al mundo de la creación coreográfica presentando ya sus propios espectáculos : “Leoleolé” (2008), “eLe eLe” (2011), “Mosaicos” (2012), “Naranja amarga” (2013) y “Frágil” (2015).

Su trayectoria está consolidada con diversos galardones como el de Bailarina Sobresaliente del certamen Coreográfico de Danza española y Flamenco de Madrid 2008 o el Premio al Mejor Artista Revelación del Festival de Jerez 2011. Muestra sus piezas en las principales muestras europeas de flamenco como las Bienales de Sevilla y Holanda o los festivales de Jerez, Dusseldorf, Nîmes, Mont de Marsan y Toulouse. Actualmente complementa su trayectoria artística con los estudios universitarios sobre Práctica escénica y cultura visual dentro del Máster ofrecido por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Cursó estudios universitarios de Magisterio Musical y compagina desde sus inicios la carrera artística con la docencia, siendo requerida continuamente como profesora en escuelas y festivales internacionales de flamenco de todo el mundo.

Fotografía © Antonio Barce

El Real Junio

El próximo fin de semana, 20 y 21 de noviembre, a las 11.00 y a las 13.00 horas, el Teatro Real ofrecerá en su sala principal una divertida joya lírica para toda la familia.

El próximo sábado, 21 de noviembre, el Teatro Real estrenará la ‘ópera de salón’ Cendrillon (La Cenicienta), de Pauline Viardot (1821-1910), en una nueva coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Teatro Cervantes de Málaga y la Fundación Ópera de Oviedo, con la que se pretende rendir un homenaje a la gran mezzosoprano y también compositora francesa de quien se conmemora este año el bicentenario de su nacimiento.

Pauline Viardot pertenece a una de las familias más importantes de la ópera y del belcanto en el siglo XIX. Su padre, el sevillano Manuel García (1775-1832), fue un influyente y reconocido tenor, compositor, maestro y productor, cuya senda fue continuada brillantemente por sus tres hijos, entre los que destacan también la grandísima soprano María Malibrán y el barítono (e inventor del laringoscopio) Manuel Patricio Rodríguez García.

Pauline Viardot fue alumna de Franz Liszt y Anton Reicha, poderosa y arrebatadora intérprete de heroínas decimonónicas, dedicataria de canciones de Frédéric Chopin, impulsora de la carrera de compositores franceses como Massenet, Gounod o Fauré, divulgadora de la ópera italiana en Rusia, esposa del hispanista Louis Viardot, amante y musa del escritor Iván Turguénev (libretista de varias de sus óperas), personaje protagonista de la novela Consuelo, de George Sand, e inspiradora de Los europeos, de Orlando Figes. Pero, fue además compositora, profesora en el Conservatorio de París, madre y maestra de cuatro hijos, y animadora de tertulias culturales y artísticas en el efervescente y romántico París decimonónico. Para esas reuniones sociales compuso varias pequeñas óperas de cámara, normalmente acompañadas al piano, como La Cenicienta, estrenada en 1904, muchos años después de su creación, cuando la compositora tenía ya 83 años.

La trama se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.

Siete solistas de distintas nacionalidades interpretan la ópera, con papeles casi caricaturescos, en los que la madrastra maléfica es sustituida por un padre atolondrado y el hada madrina hechiza a todos con su canto.

El director de escena Guillermo Amaya -también autor de la versión en castellano e iluminador de la producción-, traslada la acción a las salas de un museo, donde los visitantes se pierden y se transforman en los personajes de la ópera.

Darán vida a esta sorprendente partitura varios cantantes que participaron en la primera edición del programa Crescendo del Teatro Real: Juliane Stolzenbach Ramos (La Cenicienta), Francisco Gracia (El príncipe encantador), Ramiro Maturana (El barón de Pictordú), Juan Ramos (El conde Barrigulo), Vanessa Cera (Miguelona), Paola Leguizamón (Armelinda) y Miriam Silva (El hada). Estarán dirigidos y acompañados por el pianista Francisco Soriano, gran conocedor de la obra de Pauline Viardot.

Ermonela Jaho 4 (c) Fadil Berisha

El próximo jueves, 18 de noviembre, tendrá lugar la cuarta edición de la Gran Gala Anual del Teatro Real que, en esta ocasión, estará protagonizada por dos mujeres con lenguajes artísticos distintos, pero con idéntico carisma y sensibilidad: la soprano Ermonela Jaho y la cantaora Rocío Márquez.

Sus voces, su personalidad y su merecido prestigio se fundirán en una noche en la que la ópera y el flamenco llevarán la emoción a todos los rincones del Teatro en una cita que se ha denominado Fusión.

Ermonela Jaho, una de las cantantes líricas más aclamadas del mundo, ha dejado en la memoria del Teatro Real algunas de las interpretaciones más conmovedoras de su historia reciente. Su capacidad para identificarse con cada personaje al que pone voz, apasionada, empática y cercana, han conseguido que veamos en ella a las protagonistas de las óperas de Puccini, Verdi o Gounod, compositores que estarán presentes en el programa que ofrecerá en la Gala. Acompañada al piano por Pantasilena Jaho, Ermonela también pondrá voz, en un claro giño a su compañera de escenario, a la Nana de Sevilla de Federico García Lorca.

No es la primera vez que la cantaora Rocío Márquez enlaza el arte flamenco con otras disciplinas musicales. Su voz clara, llena de matices y con una coloratura que la hace muy especial en el cante flamenco, la han convertido en un referente de su generación. Seguiriyas, guajira, romance o cuplé por bulerías se abrirán paso desde las profundidades de su ser en una actuación en la que estará acompañada por el guitarrista Manuel Herrera y las palmas y coro de Los Mellis.

Las donaciones procedentes de la Gala estarán destinadas, por un lado, al Programa Social del Teatro Real y, por otro, cubrirán las necesidades económicas del propio Teatro ocasionadas por la pandemia.

Firmemente comprometido con los menores en situaciones desfavorecidas y los colectivos con discapacidades, el Teatro Real ha puesto en marcha diferentes iniciativas en su Programa Social dirigidas a fomentar su acercamiento a la música y la cultura, como el proyecto Agrupación Musical Inclusiva. Compuesto por jóvenes músicos entre los 10 y los 24 años, con distintos niveles cognitivos, la Agrupación basa su actividad en la autonomía y creatividad de estos artistas especiales potenciando todo su talento y desarrollando sus capacidades.

A pesar del reconocimiento internacional por la calidad de su programación y del apoyo decidido del público y los patrocinadores, el Teatro ha tenido que afrontar el duro cierre durante la pandemia, la importante inversión en seguridad sanitaria y protocolos Covid y el largo periodo con aforo reducido en casi un 40%, lo que ha provocado un importante quebranto económico. Con el fin de seguir siendo generador de la actividad artística y económica que le han convertido en referente, una parte de estas donaciones estarán destinadas a su necesaria recuperación.

El Teatro Real ha contado, en esta ocasión, con la participación especial, como Embajadores de la Gala, de: Gregorio Marañón, Pilar Solís-Beaumont, Jerónimo Bremer Villaseñor, Juan Antonio Pérez-Simón, Fernando Encinar, Jesús Encinar, Claudio Aguirre Pemán y Luis Furnells, junto a las empresas embajadoras: Endesa, Fundación ACS, El Corte Inglés, Sagardoy Abogados, Idealista, Mastercard y las empresas patrocinadoras: Telefónica, Fundación «la Caixa», Huawei, Grupo Oesía, Globant, BAT, Iberia, Grupo Sesé, Grupo Index, Management Solutions, Chaumet y BMW, junto a miembros de la sociedad civil.

PROGRAMA

Ermonela Jaho, soprano

Pantasilena Jaho, piano

GIUSEPPE VERDI (1813-1901)

Sei Romanze: Brindisi

FEDERICO GARCÍA LORCA (1898-1936)

Nana de Sevilla (o nana del galapaguito)

GIACOMO PUCCINI (1858-1924)

La bohème: Sole e Amore

PAOLO TOSTI (1846-1916)

Tristezza

CHARLES GOUNOD (1818-1893)

Serenade

UMBERTO GIORDANO (1867-1948)

Siberia: “No! Se un pensier…Nel suo amore rianimata”

FRANCESCO CILEA (1866-1950)

Adriana Lecouvreur: “Ecco: respiro appena…Io son l’umile ancella”,

Parte II

Rocío Márquez, cante

Manuel Herrera, guitarra

Los Mellis, palmas y coro

Para esta Gala Anual 2021, Rocío presenta un recital flamenco de estilos (palos) tradicionales con el que toma tierra y mira de frente a la tradición de la que nace su música.

Es tanta la familiaridad de cantar con guitarra (Manuel Herrera) y palmas y coros (Los Mellis), que el propio repertorio va brotando de manera improvisada según su intuitiva sensibilidad. Seguiriyas, guajira, romance o cuplé por bulerías.

ERMONELA JAHO

Soprano

Nació en Albania y comenzó sus estudios de canto a los seis años. A los 19 fue becada para estudiar con Katia Ricciarelli en Mantua, antes de completar sus estudios en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma. Sus primeros hitos internacionales incluyen los roles de Mimì de La bohème, en el Teatro Comunale de Bolonia; Susanna de Le nozze di Figaro en el Teatro La Fenice de Venecia y Micaëla de Carmen en el Teatro Verdi de Trieste. Reconocida intérprete de Violetta de La traviata y los roles titulares de Madama Butterfly – que ha cantado en la Metropolitan Opera House de Nueva York y el Théâtre des Champs-Elysées de París- y Suor Angelica, puesto en escena junto a Kirill Petrenko en la Bayerische Staatsoper de Múnich. Recientemente ha cantado Desdemona de Otello en la Royal Opera House de Londres, Liù de Turandot en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el rol titular de Adriana Lecouvreur en la Staatsoper de Viena. En el Teatro Real ha participado en La traviata (2015), Otello (2016), Madama Butterfly (2017) y Thaïs (2018).

PANTESILENA JAHO

Pianista

Nacida en Albania, Pantesilena Jaho empezó sus estudios musicales en Tirana y los prosiguió en el prestigioso Conservatorio Cherubini de Florencia, Italia, antes de llegar al Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Ha tomado parte, y ha sido galardonada, en diferentes concursos, conciertos, masterclases y producciones en Grecia, Italia, Alemania y España. Su repertorio como solista abarca desde el clásico hasta el impresionismo y el contemporáneo, e incluye, asimismo, repertorio de música de cámara.

ROCÍO MÁRQUEZ

Cantaora

Encumbrada por la prensa como «la voz de la nueva generación del cante jondo», Rocío Márquez (Huelva,

1985) lleva más de una década labrando una carrera artística que hoy desborda el panorama flamenco, donde es ya un claro referente. Su personalidad inquieta queda patente en su discografía, que de manera transversal nos muestra tanto su gran amor por la tradición flamenca como su imperiosa necesidad de ensanchar los límites de esa misma tradición, explorando y experimentando con melodías, instrumentación, arreglos y letras.

Así, desde aquel DVD grabado en directo de Aquí y ahora (2009) hasta Omnia Vincit Amor (2020), el EP digital entorno al Amor brujo que graba junto a Enrike Solinís y la Euskal Barrokensemble, encontramos un ramillete de álbumes con los que ha ido afianzando su discurso artístico y cosechando el reconocimiento de la afición. Claridad (2012), El Niño (2014), Firmamento (2017), Diálogos de viejos y nuevos sones (2018) –junto a Fahmi Alqhai– y Visto en El Jueves (2019) son sus trabajos discográficos publicados hasta la fecha. Por este último, obtiene el premio Les Victoires du Jazz al mejor álbum de músicas del mundo, siendo la primera artista española en conseguirlo.

MANUELA HERRERA

Guitarrista

Este guitarrista de flamenco (Sevilla, 1976) comenzó a tocar a los 9 años de la mano de su padre. Desde el comienzo demuestra su interés por conocer los diferentes estilos del cante, convirtiéndole en un depurado y clásico guitarrista de acompañamiento. Ha participado en numerosos festivales de guitarra tan importantes como el de Córdoba y en diferentes ediciones de la Bienal de Flamenco de Sevilla, así como en programas de televisión y cine.

En su carrera ha acompañado a artistas de la talla de Jesús Heredia, Miguel Ortega, Rocío Segura, José Menese o El Cabrero, entre otros muchos. Desde 2010 imparte clase de Guitarra Flamenca en diferentes instituciones de Jerez de la Frontera y Huelva, y actualmente imparte clases en el Conservatorio de Música de Sevilla.

LOS MELLIS

Coristas y palmeros

Los hermanos Antonio Lucas y Manuel Jesús Montes Saavedra (Huelva, 1982) nacieron en el seno de una familia gitana humilde, donde la música y las celebraciones comunitarias forman parte de lo cotidiano. Iniciaron su carrera profesional con Los activos y la agrupación de sevillanas Manguara. Desde entonces han acompañado a artistas tan renombrados como Arcángel, Rocío Márquez, Miguel Poveda, Rosalía, Ketama, Vicente Amigo, El Cigala, El Pele, Duquende o Estrella Morente, entre otros.

Ermonela Jaho (c) Fadil Berisha

El Real Junior

La programación de El Real Junior estará compuesta esta temporada por ocho espectáculos, cuatro de ellos nuevas producciones, para jóvenes espectadores entre cuatro y doce años

Como en ediciones anteriores, en El Real Junior se ofrecerán funciones familiares y escolares de cada título, que podrán complementarse con la información contenida en las guías didácticas, disponibles de forma gratuita en la web del Teatro Real

Títeres, cuentos musicales, danza, proyecciones, cine y ópera serán las expresiones artísticas que servirán de vehículo lúdico, pero también didáctico, para cada título

La primera nueva producción de ópera se estrenará el próximo 20 de noviembre con el estreno de La Cenicienta, de la compositora Pauline Viardot, una obra delicada con la que homenajearemos a una de las compositoras más importantes del siglo XIX.

En el mes de abril, Luis Piedrahita se despeinará al compás de Beethoven, con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid dirigida por Lucía Marín

Los talleres dominicales ¡Todos a la Gayarre!, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera, continuará un año más con dieciocho citas entre los meses de octubre a junio, dirigidos y presentados por Fernando Palacios

Otras iniciativas, como el Real en tu Clase, el Colegio Amigo, el proyecto LÓVA o la Carroza del Real, completan nuestro programa pedagógico, acercando el Teatro a los más jóvenes

Una nueva temporada comienza. Seguramente será una de las más especiales debido al excepcional momento que a todos nos ha tocado vivir. Por eso, la música, la literatura, la danza, los cuentos, el cine, los títeres, el circo, la ópera… nos ofrecen más que nunca la posibilidad de un recreo para las emociones, para conectar con nosotros mismos y dar así un nuevo sentido a nuestro mundo.

Necesitamos volver a reír, escuchar vuestras voces, compartir ese momento mágico cuando las luces se apagan para dar comienzo al espectáculo… En definitiva, volver a emocionarnos juntos y seguir aprendiendo para descubrir nuevas historias, universos sonoros inéditos y acercarnos a los mejores compositores de la historia de la música.

Después de abrir la temporada con el concierto Mozart revolution, el espectáculo de danza y música Una sonrisa sin gato y la divertida clase magistral de Acosta Danza (Aprendiendo a volar), estamos preparando una nueva producción de ópera para toda la familia: La Cenicienta de la compositora Pauline Viardot. ¡Sí! ¡Una mujer compositora, española y muy famosa! (tanto como su hermana, la cantante de ópera María Malibrán), cuya bellísima música nos contará de una manera muy particular el eterno cuento visto con los ojos de hoy.

La Navidad vendrá acompañada de la película de animación con música en vivo Magic Chopin, de los oscarizados BreakThru Films. Durante el mes de febrero de 2022, vamos a explorar las posibilidades de las 88 teclas de un piano de gran cola con la experiencia musical Piano sin límites.

Ya que nunca es tarde para festejar el cumpleaños de Beethoven, ese coloso de la música del que siempre se aprende, llega en el mes de abril de 2022 ¡A la bin, a la ban, a la Ludwig van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más! Un concierto didáctico con proyecciones animadas y presentación de Luis Piedrahita que nos relatará una curiosa historia con Beethoven de protagonista.

Y, por último, para los más chiquitines, llega Juegos de niños del compositor George Bizet, que propone un recorrido musical por los juegos habituales de la infancia, un camino que nos hará comprender y escuchar mejor la música mientras jugamos, presentado por Fernando Palacios.

Todos los espectáculos contarán, como es habitual, con una guía didáctica, accesible de forma gratuita a través de la página web del Teatro Real para padres y profesores, en la que se ofrece información detallada del espectáculo y, fundamentalmente, ejercicios prácticos para que los profesores y los padres ayuden a los pequeños a obtener una mirada más amplia sobre el mundo que van a conocer.

El Teatro Real prosigue con su programa de colaboración con centros escolares de toda España, más allá de las funciones pedagógicas que tienen lugar en el propio teatro, con la retransmisión de espectáculos de El Real Junior en colegios de toda España, gracias a los acuerdos de colaboración suscritos con comunidades autónomas.

El programa Colegio Amigo permite afianzar una relación más directa y continuada con las instituciones de enseñanza y ofrece ventajas relativas al acceso de los estudiantes y sus familiares a la programación de El Real Junior.

Desde esta temporada, el proyecto La Ópera, Vehículo de Aprendizaje (LÓVA), pasa a integrarse en la estructura organizativa del Teatro Real, que apoya la iniciativa desde sus comienzos. Con ello, se potenciará su actividad, haciéndola extensible al mayor número de centros posible. LÓVA convierte a una clase en una compañía teatral, que dedica el curso a crear, producir y estrenar su propia ópera, una experiencia vital de desarrollo y de crecimiento personal y de grupo.

Por último, el Teatro Real se acercará a los públicos de fuera de Madrid con su Carroza. Creada para el desfile de la Cabalgata de Reyes de Madrid en 2020, la carroza del Teatro Real mide 16 metros de largo y casi 6 metros de alto, tiene dos pisos y pesa cerca de cinco toneladas y media. Simula el escenario de un teatro –con su embocadura, telones y bastidores – y se ha construido a partir de la transformación de un camión tráiler como los que habitualmente se utilizan para el transporte y almacenaje de escenografías, atrezo y vestuario teatral. Su interior puede adaptarse para producciones de pequeño formato, recitales, proyecciones o exposiciones, de acuerdo con las necesidades de cada evento o actuación.

Este escenario vivo, con capacidad para llevar espectáculos y conciertos de distintos formatos a todo el territorio español, es una de las iniciativas enmarcadas en el programa Teatro Real – Cerca de Ti aprobado en Consejo de Ministros como Acontecimiento de Excepcional Interés Público, con vigencia desde la temporada 2021-2022.

MasterCard _0021

Mastercard y el Teatro Real han presentado hoy “Uno por uno”, una novedosa iniciativa en España que promueve donaciones económicas para financiar cuatro proyectos, impulsando la implicación de la sociedad civil en el fomento de la música y las artes escénicas, la educación inclusiva, el apoyo a los jóvenes, la asequibilidad y la defensa del medioambiente.

Para ello se han instalado seis terminales en distintas áreas del Teatro Real, creados y configurados para el servicio de donaciones directas de particulares, que estarán operativos a partir del 13 de noviembre y durante un año, coincidiendo con el estreno de la ópera Parténope, de Georg Friedrich Händel.

Mediante un procedimiento rápido, sencillo e intuitivo se podrán realizar donaciones económicas a través del pago contactless, con tarjeta bancaria o dispositivo móvil. Los espectadores podrán donar a partir de 1€ y escoger la cantidad con la que prefieren contribuir, así como beneficiarse de la correspondiente desgravación fiscal. Este proyecto cuenta con el compromiso de Mastercard de igualar cada donación (hasta un máximo de 30.000 euros), que se lleve a cabo. Este diseño de conceptos creativos de patrocinio ciudadano podrá ser aplicado a una gran variedad de iniciativas en el futuro.

Los cuatro proyectos propuestos en esta ocasión son:

Programa Social-Agrupación Musical Inclusiva

Creada en 2020, la Agrupación Musical Inclusiva del Teatro Real es una iniciativa de referencia nacional e internacional que muestra cómo la inclusión de la neurodiversidad es posible en un espacio de excelencia artística y musical. A través de la investigación, desarrollo e innovación, un grupo de jóvenes de distintos niveles cognitivos se unen a través de la práctica musical conjunta, desarrollando sus facultades, motivación, responsabilidad individual y hábitos sociales.

Programa Talento Joven

En el marco de su compromiso con los jóvenes como palanca fundamental para impulsar la sostenibilidad de la ópera, el Teatro Real y la Fundación Amigos del Teatro Real, desarrollan el programa Crescendo, que busca impulsar el talento y la formación de los jóvenes para su integración en el mundo laboral. La iniciativa pretende ofrecer experiencias profesionales y dar a conocer a jóvenes artistas con el propósito de evitar la fuga de talentos y ofrecerles oportunidades en el inicio de sus carreras.

Teatro Real Accesible

A lo largo de los últimos años el Teatro Real ha reafirmado su compromiso con la inclusión de los colectivos más vulnerables con diferentes iniciativas dirigidas a fomentar su acercamiento a la música y a la cultura. Desde 2015, su aplicación móvil accesible permite descargar el subtitulado de la obra que se está representando para seguirla de forma sincronizada. Esta iniciativa cuenta con el respaldo del Real Patronato de la Discapacidad.

Priceless Planet Coalition

Priceless Planet Coalition es una plataforma global lanzada por Mastercard en 2020 con el objetivo de unir los esfuerzos en materia de sostenibilidad de su red mundial de clientes, consumidores y colaboradores para preservar el medio ambiente. Junto a este grupo de empresas y personas, Priceless Planet Coalition se ha comprometido a plantar 100 millones de árboles en 5 años.

La presentación del proyecto “Uno a uno” ha tenido lugar hoy, en una rueda de prensa en el Teatro Real, en la que han participado su director general, Ignacio García-Belenguer; la directora general de Mastercard España, Paloma Real; el director adjunto del Teatro Real y director de Patrocinio Borja Ezcurra; el director artístico del Real, Joan Matabosch; la directora gerente de la Fundación Amigos del Teatro Real, Macarena de la Figuera y dos representantes del programa Crescendo: el actor y director de escena Víctor Manuel Dogar y una de las sopranos participantes, Vanessa Cera.

Según Paloma Real, directora general de Mastercard España: “la relación entre Teatro Real y Mastercard viene de largo, dado que hemos colaborado ofreciendo experiencias únicas a los titulares de tarjetas Mastercard a través de nuestra plataforma Priceless. Ahora, aunamos esfuerzos en esta iniciativa tecnológica y cultural por la que cualquier persona que se acerque al Teatro Real, con un simple gesto, acercando su tarjeta o dispositivo móvil, podrá donar a cuatro proyectos relevantes que ayudarán a potenciar la cultura, a crear una sociedad más inclusiva y contribuirán a reforestar el planeta”.

Acerca de Mastercard

Mastercard es una empresa tecnológica global en el sector de los pagos. Nuestra misión es conectar y potenciar una economía digital inclusiva que beneficie a todos, en cualquier lugar, haciendo que las transacciones sean seguras, sencillas, inteligentes y accesibles. Utilizando datos y redes seguras, asociaciones y pasión, nuestras innovaciones y soluciones ayudan a las personas, instituciones financieras, gobiernos y empresas a desarrollar su mayor potencial. Nuestro cociente de decencia, o DQ, impulsa nuestra cultura y todo lo que hacemos dentro y fuera de nuestra empresa. Con conexiones en más de 210 países y territorios, estamos construyendo un mundo sostenible que abre posibilidades sin precio para todos.

Parténope

El Teatro Real ofrecerá, por primera vez en España, una versión escenificada de Parténope, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), en la producción icónica de la English National Opera, de 2008, coproducida con las óperas de San Francisco y de Australia.

Bajo la apariencia de una “ópera seria” dieciochesca, con su reina y príncipes de la Antigüedad clásica, esta partitura, estrenada en 1730 en Londres, está “contaminada” por un sinnúmero de detalles de la “ópera bufa”, como la frivolidad del tema, las licencias eróticas del libreto, los personajes moralmente ambiguos, o la “elasticidad” de su estructura musical, en la que abundan los números de conjunto: dos dúos, un trío, un cuarteto y un quinteto.

La trama “indecorosa” de la ópera encaja mejor en la libertad del género bufo: Parténope, reina fundadora de Nápoles, tiene que elegir a uno de sus cuatro pretendientes: el fogoso Arsace (príncipe de Corinto), el tímido Armindo (príncipe de Rodas), el guerrero Emilio (príncipe de Cuma) o el seductor Eurimene, que en realidad es Rosmira, la expareja despechada de Arsace, que se disfraza de hombre para vengarse de su antiguo amante ­al que sigue queriendo­ y competir con él en la seducción de la reina.

Arsace y Armindo están interpretados por las voces “femeninas” de dos contratenores, y Eurimene es Rosmira disfrazada de hombre, que busca los favores de otra mujer. El travestismo, la libertad sexual y la fluidez de género” de la ópera, cuyo motor son el amor y el deseo, encajan perfectamente con “el surrealismo y su visión de la naturaleza erótica de la psique”, según el director de escena Christopher Alden.

Con la complicidad del escenógrafo Andrew Lieberman y del figurinista Jon Morrell, los personajes desfilan por la mansión art déco de Parténope, en plena efervescencia de las vanguardias, con guiños a algunos de sus protagonistas, como Man Ray o André Breton. En ese espacio de libertad, vicio, creatividad, glamour y placer, Parténope reina como una musa, desde su alcoba, objeto de deseo de su corte de admiradores.

En el Real se alternarán dos repartos, con destacados cantantes del barroco, en la interpretación de los seis personajes de la ópera, que, juntos, asumirán también las partes del coro, como suele pasar en las óperas de Händel.

Darán vida a la partitura las sopranos Brenda Rae y Sabina Puértolas (Parténope); las mezzosopranos Teresa Iervolino y Daniela Mack (Rosmira); los contratenores Iestyn Davies y Franco Fagioli (Arsace), y Anthony Roth Costanzo y Christopher Lowrey (Armindo); los tenores Jeremy Ovenden y Juan Sancho (Emilio) y los barítonos Nikolay Borchev y Gabriel Bermúdez (Ormonte), junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección musical de Ivor Bolton, que será responsable, también, de los acompañamientos al clave.

El estreno de Parténope, de Georg Friedrich Händel, en el Teatro Real, se sumará a los diez títulos de este compositor que se han ofrecido desde su reapertura: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007 y 2018), Tamerlano (2008), Il trionfo del tempo e del disinganno (2008), Tolomeo, Re d”Egitto (2009), Theodora (2009), Agrippina (2009 y 2019), Alcina (2015) y Rodelinda (2017).

Parténope es única y heterodoxa dentro del corpus operístico de Händel. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la ingeniosa dramaturgia de Christopher Alden y la maestría, musicalidad y entrega de Ivor Bolton.

©Javier del Real | Teatro Real

Las horas en el Teatro Real

El próximo 10 de noviembre tendrá lugar en la sala Verde de Teatros del Canal, el estreno absoluto de la versión escénica Las horas vacías, ópera del compositor alicantino Ricardo Llorca, autor de la música y el libreto, que explora la soledad y aislamiento, la imaginación y los recuerdos, que llenan el tiempo de una solitaria mujer de hoy en día inmersa en su propio mundo.

La ópera desdobla su único personaje protagonista en dos voces, la de la soprano Sonia de Munck y la de la actriz Mabel del Pozo, sobre una partitura que combina motivos procedentes de la polifonía tradicional española y el lenguaje musical contemporáneo, principalmente minimalista y postminimalista, con protagonismo especial para el piano, interpretado en estas funciones por Eduardo Fernández.

Tanto Alexis Soriano, director musical, como José Luis Arellano, director de escena, son grandes especialistas en la obra de LLorca. El primero, que ha dirigido varias obras del compositor en estrecha colaboración, describe Las horas vacías como una de las grandes aportaciones a las obras líricas para una sola cantante del siglo XX – La voix humaine, de Poulenc, o El diario de Ana Frank, de Grigori Frid- en la que la música consigue recrear, desde el primer minuto, esa atmósfera de soledad e incomunicación en la que vive la protagonista.

Las representaciones contarán con la participación de solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real y cantantes del Coro Titulares del Teatro Real.

Con libreto de Ricardo Llorca y Paco Gámez, Las horas vacías es una nueva producción del Teatro Real, en coproducción con los Teatros del Canal y High C Music, con la colaboración de la New York Opera Society. Las representaciones tendrán lugar los días 10, 12 y 13 de noviembre, a las 20.00 horas y el 14, a las 18.00 horas.

LAS HORAS VACÍAS

Ópera / Monodrama

Música de Ricardo Llorca (1958)

Libreto de Ricardo Llorca y Paco Gámez

Estrenada en versión de concierto en la XII Semana de música sacra de Benidorm el 31 de marzo de 2007

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Teatros del Canal y High C Music, con la colaboración de la New York Opera Society

Estreno absoluto de la versión escénica

Encargo original de la New York Opera Society, estrenada en versión de concierto en la XII Semana de Música Sacra de Benidorm el 31 de marzo de 2007

EQUIPO ARTÍSTICO

Director Musical I Alexis Soriano

Director de Escena I José Luis Arellano García

Director del Coro | Andrés Máspero

Escenógrafa I Silvia de Marta

Figurinista | Miguel Ángel Milán

Videocreador | Miquel Àngel Raió

Coreógrafo | Chevi Muraday

Iluminador I Juan Gómez Cornejo, AAI

Coro Titular del Teatro Real

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

Panista I Eduardo Fernández

REPARTO

La mujer (cantante) I Sonia de Munck

La mujer (actriz) | Mabel del Pozo

Ricardo Llorca

Nacido en Alicante en 1958, Ricardo Llorca es uno de los compositores hispano-norteamericanos más reconocibles del panorama musical internacional. Estudió en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Román Alis y Antón García Abril, como principales maestros. En 1988, al terminar su carrera, viajó a Nueva York para perfeccionar sus estudios en The Juilliard School, donde ejerce actualmente como profesor.

Sin adscribirse a ninguna escuela estética, la trayectoria compositiva de Ricardo Llorca ha evolucionado al margen de las vanguardias y ha practicado un revisionismo histórico. Entre sus obras de la última década figuran la ópera Tres sombreros de copa, basada en la obra de Miguel Mihura (2017), Thermidor (para órgano y orquesta sinfónica, 2014), Borderline (para batucada y orquesta, 2012) y Handeliana (para guitarra, 2012).

Fotografía ©Javier del Real | Teatro Real

El Amir en Flamenco Real

En pleno éxito por su participación en la producción musical de la última película de James Bond, Sin tiempo para morir, llega al Teatro Real El Amir, uno de los guitarristas flamencos más reconocidos de su generación para inaugurar la cuarta temporada de Flamenco Real y presentar su nuevo trabajo, Andalucía.

Virtuoso, creativo y explorador de nuevos aires flamencos, El Amir recorre ahora las ocho provincias andaluzas creando una pintura sonora llena de paisajes y sentimientos, retrato de gentes, escenas y emociones que tienen el flamenco en el centro de su cultura.

Nacido en Friburgo, en el seno de una familia palestina, Amir John Haddad, El Amir, toca la guitarra desde los siete años, ha estado en los escenarios desde los doce y está considerado uno de los solistas de guitarra flamenca con más talento y personalidad.

Hace algo más de tres años, su virtuosismo llamó la atención del compositor Hans Zimmer, quien encontró en él al músico creativo y versátil con el que colaborar en sus trabajos para bandas sonoras. Desde entonces, ha sido uno de los protagonistas del espectáculo The World of Hans Zimmer y es el intérprete estrella de la banda sonora de la última película de James Bond, al convertirse en el primer guitarrista flamenco que participa en una banda sonora de la saga.

En el Teatro Real se presentará rodeado de grandes artistas. Le acompañarán la percusión de Israel Katumba y el bajo de Jesús Bachiller “Bachi”, con la participación especial de Karen Lugo, en el baile, y Rafael de Utrera, en el cante, como artistas invitados.

Karen Lugo es uno de los nuevos referentes de la danza española. De origen mexicano, inquieta e innovadora, su baile es flamenco por los cuatro costados. Como coreógrafa ha sido galardonada con el Primer Premio de baile Flamenco del Festival Internacional de Almería, el Primer Premio de Coreografía del Festival Contemporary Flamenco de Finlandia y el Tercer Premio de Coreografía del XVII Certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid.

Rafael de Utrera posee, entre otros, el Primer Premio de Seguiriyas en el Certamen de Cante de las Minas, y tiene en su trayectoria conocidos trabajos junto a Paco de Lucía, Vicente Amigo o Tomatito. Ha cantado también para el baile de figuras señeras como Cristina Hoyos, Joaquín Cortes, Antonio Canales, la Compañía Andaluza de Danza, Israel Galván, Farruquito o Eva “La Yerbabuena”, por citar sólo algunos.

Esta cuarta edición de FLAMENCO REAL contará con el 100% del aforo y recuperará su formato original, a semejanza de un tablao. Cada espectáculo se ofrecerá en dos días consecutivos, el primero a las 19.00 horas y el segundo, con sesión doble, a las 19.00 y a las 21.00 horas.

Día Mundial de la Ópera

El Teatro Real se une, un año más, a las celebraciones del Día Mundial de la Ópera, que se conmemora el próximo lunes, 25 de octubre.  Ese día, a las 13.00 y a las 19.00 horas, habrá dos actuaciones en la Carroza del Teatro Real instalada, en esta ocasión, en la Plaza de Isabel II (Ópera).

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real interpretarán el Cuarteto de Cuerdas nº 15 de Wolfgang Amadeus Mozart y la Suite Música acuática de Georg Friedrich  Händel, en una versión para quinteto de instrumentos de metales. (ver programa abajo).

La carroza del Teatro Real, con su embocadura, telones y bastidores, es un pequeño escenario ambulante creado a partir de la transformación de un camión tráiler como los que habitualmente se utilizan para el transporte y almacenaje de la escenografía, atrezzo y vestuario de las óperas. Su interior puede adaptarse a diferentes escenografías, proyecciones o exposiciones, de acuerdo con las necesidades de cada evento o actuación. Este escenario vivo, con capacidad para llevar espectáculos y conciertos de distintos formatos a todo el territorio peninsular español, es una de las iniciativas enmarcadas en el programa Teatro Real – Cerca de Ti’, aprobado en Consejo de Ministros como ‘Acontecimiento de Excepcional Interés Público’, con vigencia desde la temporada actual hasta la de 2022-2023.

Anticipándose al Día Mundial de la Ópera, el Teatro Real ofrecerá durante el fin de semana, a partir de mañana,  el acceso gratuito a tres títulos de su plataforma MyOperaPlayer: mañana, viernes 22 de octubre, Lohengrin, de Richard Wagner; sábado, 23 de octubre, Turandot, Giacomo Puccini; y domingo, 24 de octubre, Così Fan Tutte, de Wolfgang Amadeus Mozart. (fichas artísticas abajo).

El Teatro Real se unirá, a través de sus redes sociales, a varias iniciativas internacionales impulsadas por OPERA EUROPA, ÓPERA LATINOAMÉRICA y OPERA AMERICA, que han decidido festejar juntas el Día Mundial de la Ópera bajo el título de Opera Reboot (Reinicio de la ópera), para celebrar la reapertura de los teatros líricos después del parón provocado por la pandemia (Hashtags #WorldOperaDay y #DíaMundialDeLaÓpera. Las tres asociaciones, han propuesto, asimismo, tres temas a debate:

  • ÓPERA VERDE: modelos de producción reevaluados, teniendo en cuenta opciones eco-responsables
  • IGUALDAD DE OPORTUNIDADES: reconocer que la diversidad de los ciudadanos puede reflejarse mejor en el sector, en la mano de obra, en el escenario y en el público
  • EMPLEO PARA LA PRÓXIMA GENERACIÓN DE TALENTOS: preparar a los jóvenes artistas y a los profesionales en el inicio de sus carreras

CELEBRACIÓN DEL DÍA MUNDIA DE LA ÓPERA | AGENDA

Viernes, 22 de octubre

Acceso gratuito durante este día a Lohengrin, de Richard Wagner, en MyOpera Player

Producción de la Staatsoper de Berlín

Grabación: 2020

Director musical: Matthias Pintscher

Director de escena: Calixto Bieito

Papeles protagonistas: René Pape, Roberto Alagna, Vida Miknevičiūtė, Martin Gantner, Ekaterina Gubanova y Adam Kutny

Coro y Orquesta de la Staatsoper de Berlín

Sábado, 23 de octubre

Acceso gratuito durante este día a Turandot, de Giacomo Puccini, en MyOperaPlayer

Producción del Teatro Real, en coproducción con la Canadian Opera Company de Toronto, el Teatro Nacional de Lituania y la Houston Grand Opera

Grabación: 2018

Director musical: Nicola Luisotti

Director de escena: Bob Wilson

Papeles protagonistas: Irene Theorin, Gregory Kunde, Yolanda Auyanet, Andrea Mastroni, Raúl Giménez, Joan Martín-Royo, Vicenç Esteve, Juan Antonio Sanabria y Gerardo Bullón

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Pequeños Cantores de la ORCAM

Domingo, 24 de octubre

Acceso gratuito durante este día a Così Fan Tutte, de Wolfgang Amadeus Mozart, en MyOperaPlayer

Producción del Teatro Real, en coproducción con De Munt / La Monnaie de Bruselas

Grabación: 2013

Director musical: Sylvain Cambreling

Director de escena: Michael Haneke

Papeles protagonistas: Anett Fritsch, Paola Gardina, Andreas Wolf, Juan Francisco Gatell, Kerstin Avemo y William Shimell

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Lunes, 25 de octubre, DÍA EUROPEO DE LA ÓPERA

Actuaciones en la Plaza de Isabel II, a las 13.00 y a las 19.00 horas

WOLFGANG AMADEUS MOZART
Cuarteto de cuerda nº 15 en re menor, K. 421/417b      

  1. Allegro moderato
  2. Andante

III. Menuetto y trio

  1. Allegretto ma non troppo

Santa Mónica Mihalache y Daniel Chirilov, violines
Laure Gaudron, viola
Mikolaj Konopelski, violonchelo

GEORG FRIEDRICH HÄNDEL

Suite Música acuática, versión para quinteto de metales de Frederic Mills

  1. Allegro vivace
  2. Air

III. Hornpipe

  1. Allegro maestoso

Ricardo García y Óscar L. Martín, trompetas

Jorge Monte, trompa

Alejandro Galán, trombón

Ismael Cantos, tuba

Acosta Danza

Los próximos días 22, 23 y 24 de octubre, el extraordinario bailarín y polifacético artista Carlos Acosta presentará en el Teatro Real su compañía, Acosta Danza, fundada en La Habana en 2015 con el objetivo de mostrar al mundo el nuevo talento artístico de Cuba, a través de un programa que aúna danza clásica, contemporánea y ritmos cubanos.

Carlos Acosta es un bailarín de leyenda. Su talento innato, unido a una extraordinaria capacidad física, y una trayectoria cimentada en el esfuerzo profesional y personal, han hecho de él uno de los mejores bailarines de su generación. Premios importantes, las compañías más prestigiosas del mundo y el Royal Ballet de Londres, donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera como Primer Bailarín, son la carta de presentación de un hombre que nunca ha olvidado sus orígenes y el latido de la cultura de su país natal, donde la danza ocupa un destacado lugar.

Por esta razón, tras retirarse de la danza clásica, Carlos Acosta emprende la aventura de reunir a los mejores bailarines de Cuba para dar a conocer su talento y versatilidad en los grandes escenarios internacionales: Acosta Danza. Ahora, para su presentación en Madrid, la compañía ha seleccionado trabajos de coreógrafos cuyos trabajos han encontrado inspiración en el alma de la isla, en sus ritmos y en sus bailes.

Evolution abrirá la velada con la coreografía de Raúl Reinoso, Satori. En el budismo zen este vocablo se refiere a la iluminación espiritual; así, esta creación ilustra el viaje hacia lo interior desde varias escenas abstractas: las interrogantes iniciales, la búsqueda, los estancamientos, la derrota de los obstáculos y, finalmente, el instante del conocimiento, el hallazgo de la verdad, de la belleza, la luz.

Carlos Acosta asumirá la interpretación de Mermaid, creación del belga Sidi Larbi Cherkaoui para la compañía, sobre música de Woojae Park y Erik Satie. En ella, la danza contemporánea abraza a la clásica para contar la historia de una sirena, en la que el vestuario y la luz se apuntan como referencias fundamentales. Acosta volverá a bailar en la segunda parte del programa con la coreografía Two, de Russel Maliphant.

Con Paysage, soudain, la nuit, el coreógrafo sueco Pontus Lidberg, inspirado en la música tradicional cubana a través de la rumba y su raíces africanas, celebra la juventud, entre los atardeceres y el amanecer, tomando como punto de partida la partitura del compositor Leo Brouwer con la complicidad de la instalación artística Vientos (2017) de la cubana Elizabet Cerviño.

Y cerrará la noche Twelve, del español Jorge Crecis, una pieza de danza-deporte, en un universo regulado por complejas permutaciones matemáticas y gráficas, con un riesgo real que pone a prueba la resistencia física y mental de 12 bailarines que tienen que hacer lo imposible para lograr lo imposible. Twelve es una combinación de lógica, estética y emoción, un rompecabezas que juega con los conceptos de éxito y fracaso, riesgo y pragmatismo y que explora los límites del cuerpo humano. Twelve ha sido una recreación exclusiva para Acosta Danza a partir de la pieza 36 creada en 2011 para la compañía Edge y presentada en 2012 en la Royal Opera House de Londres.

Serán precisamente estas dos coreografías, Paysage, soudain, la nuit y Twelve, las protagonistas de la función familiar que, bajo el nombre Aprendiendo a volar, tendrá lugar la mañana del sábado 23 de octubre a las 12.00 horas. Su gran fuerza rítmica, luminosa expresión y creatividad atraparán a los más jóvenes. La sesión contará con la participación especial de Carlos Acosta, en un encuentro con el público, en el que desvelará los secretos de la danza respondiendo a las preguntas de los asistentes, entre una y otra coreografía.

Para coordinar esta acción, los espectadores podrán enviar sus cuestiones sobre el mundo de la danza a través de un formulario disponible en la web hasta el viernes 22 a las 12.00 h. De entre todas las preguntas se realizará una selección que será respondida por Carlos Acosta durante la función.

BIOGRAFÍAS

ACOSTA DANZA

Acosta Danza se fundó el 28 de septiembre del 2015 en La Habana gracias al empeño de Carlos Acosta, e hizo su primera aparición frente al público el 8 de abril de 2016. Insertada en el panorama escénico cubano bajo una línea contemporánea, la compañía no ha dejado de lado el desarrollo técnico del ballet clásico, con la clara intención de recoger la visión artística y profesional de su creador. Su creación es el resultado del amplio desarrollo de la danza en Cuba, país en el que este arte es manifestación esencial de la idiosincrasia nacional, y cuenta con un reconocido desempeño escénico en los ámbitos del ballet, la danza contemporánea y el folclore. El repertorio coreográfico incluye títulos de Carlos Acosta, Marianela Boán, Sidi Larbi Cherkaoui, Justin Peck, Saburo Teshigawara, Goyo Montero, Pontus Lidberg, María Rovira, Rafael Bonachela, Miguel Altunaga, Alexis Fernández (Maca), Mickael Marso, Jorge Crecis y Raúl Reinoso, entre otros.

Acosta Danza está apoyada por el Consejo Nacional de la Artes Escénicas de Cuba y cuenta con la coproducción del teatro Sadler’s Wells de Londres –uno de los escenarios más importantes de Europa, asociado a nombres de la danza internacional tan reconocidos como el de Sylvie Guillem, Sidi Larbi Cherkaoui, Akram Khan– y Valid Productions, empresa logística encargada de gestionar la compañía internacionalmente.

La compañía se define como un espacio de renovación, de búsqueda e experimentación, no solo para artistas cubanos, sino también para creadores de todo el mundo como coreógrafos, músicos, diseñadores, artistas de la plástica y de los audiovisuales, a los que la compañía abre sus puertas. Con todos ellos, la compañía realiza espectáculos de danza que reflejan las últimas tendencias internacionales tanto en movimientos coreográficos como en todo lo referente a la escena. El resultado es una compañía joven, dinámica y de calidad que propone convertirse en una de las más efectivas cartas de presentación de la cultura cubana. En 2021 Acosta Danza ha sido nominada por la Sección de Danza del Círculo de Críticos del Reino Unido para el Premio Nacional de Danza de ese país como mejor compañía independiente.

CARLOS ACOSTA

Considerado uno de los más célebres bailarines de las últimas décadas, nació en La Habana y se formó en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Ha bailado en calidad de primera figura en compañías como el Royal Ballet de Londres, el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston, el American Ballet Theatre, el Ballet del Teatro Bolshoi, el Ballet de la Ópera de París, el English National Ballet y el Ballet de Australia. Su repertorio está compuesto por los títulos más significativos del ballet tradicional y contemporáneo. Como coreógrafo ha creado el espectáculo Tocororo, fábula cubana, y sus versiones de Don Quijote y Carmen.

En el 2015 fundó Acosta Danza. En 2018, la directora Icíar Bollaín estrenó Yuli, la película inspirada en la vida del bailarín. En ese año, también fue merecedor del Queen Elizabeth II Coronation Award que otorga la Real Academia de la Danza británica. Desde el 2020 Carlos Acosta dirige el Birmingham Royal Ballet. Es Comendador de la Orden del Imperio Británico, posee el Premio Benois de la Danza y fue nombrado Premio Nacional de Danza de Cuba.

© Satori_Photo Santiel Rodriguez

ACOSTA DANZA

Director: Carlos Acosta

SATORI

Música Pepe Gavilondo (1989)

Coreografía Raúl Reinoso

Concepción musical Pepe Gavilondo, Raúl Reinoso

Figurinista Ángelo Alberto

Iluminación Fabiana Piccioli

Intérpretes Zeleidy Crespo, Laura Rodríguez, Patricia Torres,

Arelys Hernández, Penélope Morejón, Mario Sergio Elías,

Enrique Corrales, Alejandro Miñoso, Yasser Domínguez,

Maikel Pons

MERMAID

Música Woojae Park (1981) Sidi Larbi Cherkaoui (1976)

Erik Satie (1866-1925)

Coreografía Sidi Larbi Cherkaoui

Figurinista Hussein Chalayan

Iluminación Fabiana Piccioli

Intérpretes Carlos Acosta, Liliana Menéndez

PAYSAGE, SOUDAIN, LA NUIT

Música Leo Brouwer (1939): Paisaje cubano con rumba

Stefan Levin (1964): Cuban Landscape

Coreografía Pontus Lidberg

Escenografía Elizabet Cerviño

Figurinista Karen Young

Iluminación Patrik Bogårdh

Dramaturgo Adrian Silver

Intérpretes Laura Rodríguez, Liliana Menéndez, Penélope Morejón, Patricia Torres, Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elías, Alejandro Miñoso, Raúl Reinoso, Maikel Pons, Javier Aguilera

TWO

Música Andy Cowton (1962)

Coreografía Russell Maliphant

Iluminación Michael Hulls

Intérprete Carlos Acosta

TWELVE

Música Vincenzo Lamagna (1982)

Concepto coreográfico y dirección Jorge Crecis

Asistente de coreografía Fernando Balsera

Figurinista Eva Escribano

Iluminación Michael Mannion, Warren Letton, Pedro Benítez

Intérpretes Laura Rodríguez, Liliana Menéndez, Penélope Morejón,

Patricia Torres, Arelys Hernández, Zeleidy Crespo,

Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elías, Javier Aguilera, Raul Reinoso, Maikel Pons

ESTRENO EN EL TEATRO REAL

Producción de Valid Productions y Sadler’s Wells,

junto con Ysarca Promotions

Fechas 22, 23 de octubre, 19.30 h

24 de octubre, 18.00 h

Duración aproximada 2 horas y 8 minutos

PARTE I: 1 hora

Pausa de 25 minutos

PARTE II: 43 minutos

Flamenco Real en el Teatro Real

El Teatro Real inaugurará la cuarta temporada de Flamenco Real el próximo 4 de noviembre, con una programación en la que participarán artistas consolidados y jóvenes promesas de este arte universal, confirmando así el compromiso de la institución con la promoción y protección del legado flamenco, en la que tendrán protagonismo por igual sus tres disciplinas: el cante, el toque y el baile.

Por esta razón, la presente edición está dedicada a tres referentes del flamenco: la bailaora Merche Esmeralda, el cantaor Ramón el Portugués y el guitarrista Manolo Sanlúcar, cuyo prestigio, trayectoria y personalidad son conocidos y respetados más allá del entorno flamenco. En la presentación de la nueva temporada, recibieron de manos de la bailaora Eva Yerbabuena el cartel conmemorativo de este homenaje que Flamenco Real ha querido rendirles.

Catorce espectáculos, con un total de 42 funciones, componen la programación de esta temporada que reúne a un selecto número de artistas que, con un vínculo común, expresan su arte con personalidades distintas y genuinas, mostrando la mejor cara del flamenco y, lo que es aún más importante, la supervivencia y evolución de un género único en el mundo.

Así, desde la apertura del ciclo, el próximo 4 de noviembre, con el versátil guitarrista El Amir –conocido en el panorama internacional por su estrecha colaboración con el compositor de bandas sonoras Has Zimmer-, hasta el fin de temporada con el personal baile de El Carrete de Málaga, se sucederán grandes nombres como Amador Rojas, Dorantes, Marco Flores, Farru, David Paloma, Antonio Lizana, Alba Heredia, Pastora Galván, Daniel Casares, Eduardo Guerrero, Patricia Guerrero (reciente ganadora de Premio Nacional de Danza 2021) y Kiki Morente.

Todos ellos contarán con la participación en sus espectáculos de estrellas invitadas, configurando un extraordinario mosaico del panorama actual.

Tras la excelente acogida del ciclo Flamenco Real, desde su creación en 2018, y coincidiendo con el inicio de la actual temporada, la plataforma audiovisual del Teatro Real, My Opera Player, contará con una sección especial en sus contenidos en la que se podrá disfrutar de los espectáculos flamencos celebrados en el Teatro Real, dando así mayor visibilidad a los artistas que han participado en ellos y ofreciendo una oportunidad única a los aficionados dentro y fuera de nuestras fronteras.

Esta cuarta edición de FLAMENCO REAL contará con el 100% del aforo y recuperará su formato original, a semejanza de un tablao. Cada espectáculo se ofrecerá en dos días consecutivos, el primero a las 19.00 horas y el segundo, con sesión doble, a las 19.00 y a las 21.00 horas. Las localidades, dependiendo de su categoría y ubicación, tendrán precios que precios que oscilan entre los 25 € y 72 €.

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Teatro Real en la Puerta del Sol

El Teatro Real participa, por primera vez, en las conmemoraciones del Día de la Hispanidad con un recital lírico en su carroza itinerante, protagonizado por la soprano Sylvia Schwartz y el tenor Ismael Jordi, quienes, acompañados al piano por Rubén Fernández Aguirre, están interpretando un programa atractivo, popular y variado, concebido para la ocasión, que incluye conocidas arias y dúos de ópera y zarzuela.

La carroza está ubicada en la fachada de la sede de la Comunidad de Madrid, en la Puerta del Sol, donde se han colocado 200 sillas, que podrán ocupar los espectadores por riguroso orden de llegada.

Creada para el desfile de la Cabalgata de Reyes de Madrid en 2020, la carroza del Teatro Real mide 16 metros de largo por 5,80 metros de alto, tiene dos pisos y pesa cerca de cinco toneladas y media. Simula el escenario de un teatro –con su embocadura, telones y bastidores – y se ha construido a partir de la transformación de un camión tráiler como los que habitualmente se utilizan para el transporte y almacenaje de la escenografía, atrezo y vestuario de las óperas. Su interior puede adaptarse para distintas escenografías, proyecciones o exposiciones, de acuerdo con las necesidades de cada evento o actuación.

Este escenario vivo, con capacidad para llevar espectáculos y conciertos de distintos formatos a todo el territorio peninsular español, es una de las iniciativas enmarcadas en el programa ‘Teatro Real – Cerca de Ti’ aprobado en Consejo de Ministros como ‘Acontecimiento de Excepcional Interés Público’, con vigencia desde la temporada actual hasta la de 2022-2023.

Madrileño del Año

El presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, ha recibido en la tarde de hoy el Premio Madrileño del Año, en su primera edición, en un acto celebrado en el Salón de Baile del Teatro y cuyo galardón ha sido entregado por el alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida.

En el encuentro, en el que han participado Santiago González-Alverú, director del grupo Sganmedios, convocante del galardón, y el exministro de cultura Iñigo Méndez de Vigo, entre otros, se ha reconocido la labor desarrollada por Gregorio Marañón al frente del Teatro Real, con especial atención al esfuerzo y los logros conseguidos durante el difícil periodo de la pandemia.

El acta del jurado destaca también su relevante trayectoria profesional y personal, su ejemplaridad, su dedicación y su sentido del compromiso, que le ha hecho estar siempre al servicio de su ciudad y de sus conciudadanos, en una triple faceta: empresarial, cultural y académica, sirviendo al interés general desde la sociedad civil.

Al recoger el premio, Marañón ha asegurado que Madrid es “la ciudad más abierta” que conoce porque “no distingue a sus ciudadanos por su origen” y “acoge instantáneamente” a todos los que en ella viven: “Son madrileños todos los que vienen a Madrid y viven en Madrid”, ha añadido.

El jurado ha estado formado por Ladislao Azcona, Presidente de Tressis y de Estudio de Comunicación; Javier Vega de Seoane, Presidente de DKV; Luis Villarejo, Director de Deportes de la Agencia EFE; Eduardo Curras, Director General del Banco Sabadell Madrid y las dos Castillas; Alejandro Peón, CEO Prisa Noticias; Bernardo Gutiérrez de la Roza, CEO del bufete legal ONTIER; Asís Martín de Cabiedes, Presidente de Europa Press; Eduardo López-Puertas, Director General del IFEMA; Xandra Falcó, Presidenta del Círculo Fortuny; Ángel Asensio, Presidente de la Cámara de Comercio de Madrid; Rosa Menéndez, Presidenta del CSIC; Alvaro Rengifo, Patrono de Amref África (Premio Princesa de Asturias); Ximena Caraza, Directora General de la Casa de México en España; Jesús Martínez de Rioja, periodista, y Pedro Blasco, Director de Vivir Madrid.

Datos biográficos

Gregorio Marañón se incorporó al Patronato y a la Comisión Ejecutiva del Teatro Real en 1995, al constituirse la Fundación. En 1996 dimitió, siendo nombrado de nuevo patrono y miembro de la Comisión Ejecutiva en 2004. En diciembre de 2007 fue elegido presidente del Patronato y de su Comisión Ejecutiva, siendo reelegido en 2012, 2018 y 2021.

Académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y de la Academia Europea de las Ciencias, Artes y Letras, preside la Fundación Ortega-Marañón y el Teatro de la Abadía. Es patrono de la Biblioteca Nacional, del Real Alcázar de Sevilla y de la Casa Consistorial, del Archivo Histórico Nacional de la Nobleza y del Museo del Ejército.

Es presidente de Logista y de Air City Madrid Sur. Preside el Consejo de Administración de Universal Music España y es vocal del Consejo de Administración de Patrimonio Nacional.

Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha, está en posesión de la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio, la Medalla de Oro de la Comunidad de Madrid y la Medalla de Oro del Ayuntamiento de Madrid, entre otras condecoraciones.

En las imágenes, Gregorio Marañón recibe el premio de manos del alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida

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La Cenerentola estrena la temporada en el Teatro Real

La Cenerentola
Gioachino Rossini (1792-1868)
Dramma giocoso en dos actos
Libreto de Jacopo Ferreti, basado en el cuento Cendrillon (1697) de Charles Perrault
D. musical: Riccardo Frizza
D. escena y escenógrafas: Stefan Herheim y Daniel Urgen
Figurinista: Esther Bialas
Iluminador: Andreas Meier-Dörzenbang
Diseñador de vídeo: Torge Moller (fettFilm)
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Michele Angelini, Borja Quiza, Nicola Alaimo, Rocío Pérez, Carol García, Aigul Akhmetshina, Riccardo Fassi, Orquesta y Coro Titulares del Tratro Real

Un 29 de febrero, día de su cumpleaños, Rossini firma el contrato para escribir una nueva ópera que será estrenada en Roma para abrir la temporada. El exceso de encargos y algún que otro problema con los censores, llevan a Rossini y su libretista Jacopo Ferreti, a tener que improvisar un nuevo libreto del gusto de la censura. Nace así, y en menos de 24 días, La Cenerentola.

El virtuosismo de Rossini cabalga ya entre la ilustración y el romanticismo y La Cenerentola es un gran ejemplo de ello. Utiliza escenas estructuradas igual que en la ópera seria, pero con un marcado carácter buffo. En el libreto de Ferreti desaparece el hada que es sustituida por un personaje menos mágico, Alidoro, una especie de filósofo que asesora de alguna manera a la protagonista. Esta es una primera concesión a la ilustración, la sustitución de elementos mágicos por otros racionales.

También utiliza personajes serios, como la propia Cenerentola, Alidoro y el Príncipe Don Ramiro. Hay un rol intermedio, que es el Dandini, su papel es cómico pero se trata de un barítono serio. El resto de protagonistas tienen un marcado carácter buffo, como Don Magnifico y las hermanastras Clorinda y Tisbe.

A pesar de los esfuerzos de Rossini y Ferreti, La Cenerentola no se pudo estrenar a tiempo y lo hizo el 25 de enero de 1817, ya iniciada la temporada. Ferreti cuenta en sus memorias que el estreno de Cenerentola fue turbulento, pero no se entiende muy bien a qué se refiere, pues se ofrecieron 22 representaciones y se programó, ese mismo año, en otros siete teatros italianos. Su éxito pudo deberse, en gran medida, a que el personaje de Cenerentola estuviera interpretado por las más famosas mezzosopranos del momento, Isabella Colbran y Pauline Viardot. Durante todo el siglo XIX los compositores belcantistas fueron muy famosos y gozaron de gran éxito, cayendo después en el olvido y llegando a desaparecer del repertorio, con algunas excepciones, como El Barbero de Sevilla.

En la segunda mistad del siglo XX se recupera La Cenerentola y comienza a representarse, cada vez más a menudo, en los principales teatros de ópera. Esta recuperación del título y su paulatina incorporación al repertorio, tiene dos nombres propios, Conchita Supervía y Teresa Berganza, ambas dieron vida al personaje de Angelina. Por cierto, todas las funciones de esta producción del Teatro Real están dedicadas a Teresa Berganza.

La partitura es una obra maestra. Su escritura es muy sencilla, lo que le aporta agilidad y frescura. En toda la obra hay una clara preferencia de los conjuntos sobre las arias y los construye casi por acumulación. Comienza el aria un personaje y se van incorporando los demás progresivamente, empieza uno y terminan seis. Las melodías están elaboradas como un juego de permutaciones de arpegios con un virtuosismo y una precisión extrema. El resultado es, por ejemplo, el sexteto del segundo acto, Questo è un nodo avviluppato. Para ello se precisan, claro está, voces de gran agilidad.

Tras veinte años de ausencia, vuelve La Cenerentola al Teatro Real en una coproducción de Norske de Oslo y la Opéra National de Lyon. En el foso, uno de los directores que mejor conoce este repertorio, Riccardo Frizza.

En la dirección de escena, el noruego Stefan Herheim, que ha basado su escenografía en el ya tradicional juego del teatro dentro del teatro. Ha presentado una cenicienta clásica a la que ha actualizado vistiéndola de limpiadora del Teatro, con su carrito de materiales incluido. La escenografía es colorista y alegre, sobre todo el magnífico vestuario de Esther Bialas y los vídeos de Torge Moller, que proyecta imágenes del castillo del príncipe, muy evocadores de los castillos Disney, lo que ayuda a crear esa atmósfera de cuento. Aunque la escenografía es más clara y efectiva, en cuanto al desarrollo de la historia, a partir del segundo acto.

Riccardo Frizza domina este repertorio al que imprime su impronta para acentuar el estilo rossiniano. La orquesta sonó muy bien para lo poco que ha tocado Rossini en los últimos años. Los tiempos fueron algo lentos, poco chispeantes, pero el resultado estuvo lleno de matices. El primer acto resultó algo desajustado, tanto en la escenografía como en lo vocal, y de cierta desconexión entre escenario y foso. Frizza ayudó a que la orquesta no engullera alguna de las voces de volumen más bien escaso que se esforzaban sobre el escenario. Y es que la música de Rossini, como dice el propio Frizza, está a la altura de los grandes y no es fácil lidiar con sus partituras. La dirección musical, como la escenografía y las voces, se fueron creciendo a medida que avanzaba la obra, creando en el segundo acto una atmósfera rossiniana absoluta. En esta ocasión el director musical tuvo una participación activa en la representación, interviniendo en escena y conversando con los cantantes en varias ocasiones. Un detalle simpático que agradó al público.

Este segundo reparto estuvo encabezado por una jovencísima debutante que resultó una gran sorpresa, la rusa Aigul Akhmetshina. Posee una voz caudalosa y, sin embargo, con gran capacidad para las agilidades, que dominó en todo momento. Un buen registro central y potentes graves. Su Angelina fue sin duda quien más brilló esa noche, también en la parte interpretativa.

El príncipe Don Ramiro estuvo representado por el italo-americano Michele Angelini. Su timbre es agradable, pero tuvo problemas con su escaso volumen, sobre todo en las partes más agudas, donde parecía que su voz se estrangulaba. Tampoco tuvo en las agilidades su punto más fuerte.

El Don Magnifico de Nicola Alaimo fue el personaje más rossiniano de cuantos participaron esa noche. Respondió con soltura a sus dos roles, pues era también el Rossini principal en escena y el único, junto a la Angelina de Akhmetshina, que respondió a las exigentes agilidades de su rol.

El Dandini estuvo a cargo del Barítono Borja Quiza, de potente voz y gran capacidad escénica, pero este personaje no encaja bien con una voz tan lírica. Le faltó expresividad y ligereza que suplió, en parte, por su buen hacer sobre el escenario.

Muy bien estuvieron las dos malvadas hermanastras de Cenicienta, las sopranos Rocío Pérez y Carol García, muy bien en los concertantes y en sus roles, en los que se desenvolvieron con gran comicidad.

Mención especial merece el coro, solo hombres en esta ocasión, dirigidos por Andrés Máspero. No solo brillaron en lo vocal, tuvieron también unas inspiradísimas apariciones en escena.

Se entrena así una de las temporadas más especiales del Teatro Real, que continúa recibiendo todo tipo de felicitaciones por su buena gestión en una temporada tan difícil como la pasada. Un Teatro Real que no deja de ser valiente y lo demuestra programando esta Cenerentola, toda una declaración de intenciones.

Entrevista Riccardo Frizza

Comenzó tocando el piano, hasta que a los 14 años, durante unas vacaciones de Pascua en Viena, asistió a un concierto quedando fascinado por la figura del director, nada menos que Karajan. ¿Por qué entonces conformarse con un instrumento, pudiendo hacer que sonaran todos? Así empezó la trayectoria de Riccardo Frizza. Es actualmente director del Festival Donizetti de Bérgamo, ha sido premiado recientemente como mejor director musical por su Lucia de Lammermmor en ABAO y a partir del 23 de septiembre será el encargado de estrenar una de las temporadas más especiales del Teatro Real. Lo hace con La Cenerentola, de Gioachino Rossini, y con el firme propósito de demostrar que el genio de Pésaro está a la altura de Mozart o Beethoven y que su Cenerentola es una auténtica obra maestra. Riccardo Frizza

 

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El Teatro Real inaugura el próximo 23 de septiembre la Temporada 2021-2022 ─la vigesimoquinta desde la reapertura y centésima desde su inauguración─, con La Cenerentola, de Gioachino Rossini.

Se ofrecerán 15 funciones de la ópera, entre el 20 de septiembre ­Preestreno Joven de la Temporada­ y el 9 de octubre, en una coproducción de la Den Norske Opera de Oslo y la Opéra National de Lyon presentada en ambos teatros en 2017, precisamente dos siglos después de su estreno en el Teatro Valle de Roma, en 1817.

De hecho, La Cenerentola, ossia la bontà in trionfo (La Cenicienta, o sea, El triunfo de la bondad) fue compuesta a contrarreloj, en un tiempo récord de 24 días, con asombrosa rapidez y sincrónica coordinación entre el libretista Jacopo Ferretti y Gioachino Rossini, que a sus 25 años era ya un compositor consagrado, con 19 óperas en su catálogo, incluyendo títulos tan populares como Tancredi, L’italiana in Algeri, Il turco in Italia, Otello o El barbero de Sevilla…

Ante la premura del tiempo, Rossini trabajó a destajo, reutilizando fragmentos de óperas precedentes, como solía hacer, además de contar con la colaboración de Luca Agolini para la escritura de los recitativos.

Debido a las limitadas posibilidades técnicas del escenario del teatro romano y al apremio del estreno, Rossini y Ferretti decidieron utilizar una versión del cuento de La Cenicienta despojado de sus elementos fantásticos: la malvada madrastra fue reemplazada por el mezquino padrastro Don Magnífico; el hada madrina desaparece, dejando a Alidoro como ‘padrino’ de la desdichada criada, y el icónico zapato es sustituido por un simple brazalete.

Tanto el perfil de los personajes como la partitura revelan una perfecta ósmosis entre la tradición del dramma giocoso y de la ópera bufa ­con Don Magnifico y Dandini, herederos de la commedia dell’arte­ y elementos de un ‘realismo’ ya romántico representado por el filósofo Alidoro o la pareja protagonista.

Con su asombrosa riqueza melódica y una paleta orquestal de brillante eficacia, Rossini se regodea con la comicidad de los personajes y las situaciones ­geniales los números de conjunto­, pero también con arias belcantistas de gran ardor sentimental y virtuosismo vocal.

La puesta en escena de Stefan Herheim devuelve al cuento de La Cenicienta sus elementos taumatúrgicos, dando al mismísimo Rossini una ‘batuta mágica’ con la que dar vida a sus irreverentes personajes, en un permanente juego ilusionista más cercano al universo de Lewis Carroll que al de Charles Perrault.

Herheim se recrea con el juego de disfraces de la ópera, travistiendo a Rossini como Don Magnífico, en un claro guiño a la célebre producción de La Cenerentola concebida por Jean Pierre Ponnelle, en la que Rossini se escondía detrás de Alidoro, y que protagonizó genialmente Teresa Berganza.

Un doble reparto dará vida a los personajes de La Cenerentola, encabezados por las mezzosopranos Karine Deshayes y Aigul Akhmetshina. Las acompañarán los tenores Dmitry Korchak y Michele Angelini (Don Ramiro); los barítonos Renato Girolami y Nicola Alaimo (Don Magnífico) y Florian Sempey y Borja Quiza (Dandini); los bajos Roberto Tagliavini y Riccardo Fassi (Alidoro), las sopranos Rocío Pérez y Natalia Labourdette (Clorinda) y la mezzosoprano Carol García (Tisbe).

La dirección musical correrá a cargo de Riccardo Frizza, que ya dirigió en el Teatro Real las dos versiones de Tancredi, también de Rossini, en 2007. Contará con el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, que volverán a interpretar La Cenerentola 20 años después de la última producción de este título presentada en el Real, con dirección musical de Carlo Rizzi y dirección de escena de Jérôme Savary, en 2007.

Fotografía © Erik Berg

Juan Diego Florez

El próximo domingo, 12 de septiembre, la voz de Juan Diego Flórez abrirá el ciclo de conciertos del Teatro Real como preludio a la Temporada 2021-2022, cuya inauguración tendrá lugar dos semanas más tarde, precisamente de la mano del compositor favorito del tenor peruano, Gioachino Rossini.

Acompañado al piano por Vincenzo Scalera, Flórez regresa al Real con un programa que comenzará con la hermosa canción An Sylvia, de Franz Schubert, para dar paso a arias y canciones de los compositores italianos que han marcado su carrera y le han convertido en el tenor de referencia, en los últimos años, para este repertorio: Gioachino Rossini, Gaetano Donizetti, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi y Giacomo Puccini.

En la Temporada que ahora comienza, el ciclo de conciertos ofrecerá seis sesiones protagonizadas por algunos de los mejores artistas líricos del mundo; además de Juan Diego Flórez, podremos escuchar a Lise Davidsen (8 de enero), Lisette Oropesa (30 de marzo), Jakub Józef Orlinski (23 de abril), Bejun Metha (9 de junio) y Anna Netrebko y Yusif Eyvazov (25 de julio)

La programación se completa con el Ciclo Domingos de Cámara, el Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real, protagonizado por el pianista Lang Lang, el 25 de abril, y el Concierto Concurso Tenor Viñas, en el que intervendrán los ganadores de la 59ª edición del certamen, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Daniel Montané.

El 27 de octubre, coincidiendo con las funciones de La Cenerentola, en el escenario del Real, tendrá lugar en la Fundación Juan March el concierto Rossini y España. Isabel Colbran, la musa, interpretado por la soprano Olga Syniakova y la directora de orquesta Lucía Marín, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

Anna Netrebko y Yusif Eyvazov

El concierto protagonizado por Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, con la participación de Elchin Azizov, previsto para el 13 de septiembre, se pospone al 25 de julio del próximo año, debido a problemas personales de la soprano, que ha cambiado su calendario de actuaciones en las próximas semanas.

Las entradas adquiridas para este concierto serán válidas en la nueva fecha.

El Teatro Real lamenta este cambio y espera que Anna Netrebko pueda retomar su actividad lo más pronto posible.

Teatro Real

Antonio Canales

Con el espectáculo La guitarra canta el bailaor sevillano rinde homenaje al instrumento rey del mundo flamenco.

Le acompañarán David del Arahal, a la guitarra; David “El Galli” y Manuel de la Tomasa, en el cante, y Lucky Losada, en la percusión.

Con esta gran cita se despide una temporada que ha estado dedicada a Blanca del Rey y por la que han pasado dieciséis reconocidos artistas, que han representado a distintas familias, escuelas y corrientes del arte flamenco.

Flamenco Real es una coproducción de SOLANA Entertainment y el Teatro Real de Madrid, cuenta con el patrocinio de Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, Juan Gil, Grupo Corporalia.

El próximo 29 de julio Flamenco Real pondrá fin a su tercera temporada de la mano de un artista que, desde la creación de este espacio que el Teatro Real dedica a nuestro arte más universal, ha estado vinculado al proyecto con su apoyo y tutela, el coreógrafo y bailarín Antonio Canales.

En esta ocasión, el coreógrafo y bailarín sevillano, quiere rendir homenaje a la gran compañera del cante y le baile flamenco, la guitarra. Para ello, contará con la presencia del guitarrista David del Arahal; el cante de David “El Galli” y Manuel de la Tomasa y la percusión de Lucky Losada.

El pasado mes de noviembre comenzaba una temporada dedicada a la mítica Blanca del Rey, bailaora, coreógrafa, empresaria y musa de la danza española de los últimos 50 años. Al compás del Yiyo se abría un ciclo que ha transitado por este periodo, marcado por la pandemia y la restricciones, con una calurosa acogida del público, que ha agotado todas las sesiones, y un torrente de optimismo y esperanza para todos los artistas que han participado dejando atrás el difícil parón del confinamiento.

Por el tablao del salón del baile han ofrecido su arte esta temporada Miguel Fernández Ribas, ‘El Yiyo’; Antonio Molina, Eduardo Guerrero, Alba Heredia, Amador Rojas, Andrés Peña & Pilar Ogalla, Belén López, Iván Vargas, Yolanda Osuna, María José Franco, María Moreno, Sergio de Lope, Mercedes de Córdoba, Sara Calero y Macarena Ramírez. Farruquito subió al escenario del Real y Antonio Canales nos abrirá las ganas para un otoño que se presentará flamenco.

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Tosca brilla en el Teatro Real
Tosca
Giacomo Puccini (1858-1924)
Melodramma en tres actos
Libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la obra La Tosca de Victorien Sardou
8 de julio de 2021 Teatro Real de Madrid
D. musical: Nicola Luisotti
D. escena: Paco Azorín
Figurinista: Isidre Prunés
Vestuario de Floria Tosca: Ulíses Mérida
Iluminador: Pedro Yagüe
Vídeo: Alessandro Arcangeli
Coreógrafo: Carlos Martos de la Veja
D. coro: Andrés Máspero
D. coro Pequeños Cantores: Ana González
Reparto: María Agresta, Michael Fabiano, Gevorg Hakobyam, Gerardo Bullón, Valeriano Lanchas, Mikeldi atxalandabaso, David Lagares e Inés Ballesteros
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y Pequeños Cantores de la JORCAMAbril de 1889, Puccini acaba de tener un sonoro fracaso en La Scala con el estreno de Edgar. Al cabo de unas semanas escribe a su editor Giulio Ricordi, para pedirle que solicite a Victorien Sardou una autorización para poder adaptar su obra La Tosca (1887).La obra de Sardou había recorrido los principales teatros europeos con gran éxito de público, teniendo a Sarah Bernhadt como protagonista. Puccini, que había asistido a una representación, quedó prendado por la fuerza escénica del personaje y de la manera teatral de mezclar la pasión amorosa con la pasión de los poderes políticos y eclesiásticos. Encarga entonces a sus dos libretistas, que acababan de tener un enorme éxito con la Bohéme, que inicien los trabajos de un nuevo libreto que será la envidia, entre otros, del propio Verdi.Tosca se convirtió en un claro ejemplo de verismo. No sin antes ser convenientemente dulcificada para agradar a los paladares más exquisitos, que no dudaban en criticar un libreto y unos personajes no muy refinados. La Tosca de Puccini resultó más sofisticada y femenina que la de Sardou.Pero los cambios no solo se centraron en los personajes. La música de Puccini marcó una gran diferencia y ruptura con los convencionalismos operísticos que se remontaban al barroco. La fluidez de la trama favorecía el conjunto y las, hasta ese momento, todopoderosas arias, quedaban disueltas y entrelazadas dentro de la globalidad de la obra. En Tosca las arias se reducen a tres, eso si, de enorme personalidad y belleza. “Recondita armonia”, que Cavaradossi interpreta en el primer acto, “Vissi d’arte”, aria emblemática de Floria Tosca y “E lucevan le stelle”, también interpretada por Cavaradossi justo antes de morir.El éxito de Tosca, como representante del verismo, está en su capacidad de crear clímax con una insoportable tensión dramática. Otra característica de Tosca es la utilización de los leivmotivs, que sin la sofisticación de los wagnerianos, eran muy efectivos dramáticamente y muy del gusto italiano. El más importante y constante a lo largo de la obra es el que representa al malvado Scarpia, jefe de la policía política y cuyo leivmotiv es una verdadera metáfora musical del terror político de la dictadura que en esos momentos dominaba Roma, como se demuestra en una de las frases que le dirige Tosca después de asesinarle, “E avanti a lui tremava tutta Roma!”.La producción de Tosca que presenta ahora el Teatro Real, es una coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla. La dirección escénica ha estado a cargo de Paco Azorín. Se nota que viene del mundo del teatro. Realiza tres escenas distintas con un único escenario, aprovechando la movilidad y recursos que ofrece el Real y que no tienen otros, como quedó demostrado en el tercer acto, haciendo desaparecer y aparecer simultáneamente dos escenarios de manera espectacular.Azorín se toma demasiadas licencias durante la obra. Aparecen frases proyectadas en escena que nada tienen que ver conel libreto y que repiten como un cansino mantra la palabra revolución, esas a las que algunos han llegado tarde. Tampoco tiene que ver ni se encuentra mcho sentido a una mujer desnuda que aparece en los momentos clave, restando protagonismo a las escenas y personajes y que, según Azorín, es la Libertad guiando al pueblo, de Delacroix. Imaginación no le falta.En conjunto la escenografía tiene elementos interesantes, como los ojos, a modo de gran hermano, que vigilan a Tosca. O la impresionante escena del Te Deum y, sobre todo, la buena disposición de los cantantes sobre el escenario.La dirección musical de Nicola Luisotti favorece enormemente este tipo de obras. Su manera de dirigir, llena de energía y musicalidad, acentuó la espectacularidad de las escenas más brillantes. Creó tensión dramática y permitió momentos de respiro e intimidad de manera acertada. Supo obtener de la orquesta el carácter italiano que respira la obra.Los repartos en esta ocasión son espectaculares. Tres son las Toscas, Anna Netrebko, que estará solo en las funciones del 21 y 24, Sondra Radvanovky, de voz homogénea y sonora cuya capacidad de dramatización hace que este personaje le encaje a la perfección y María Agresta, nuestra protagonista de hoy. Posee también una notable capacidad dramática. Su Tosca es más sutil y sentimental, también en lo vocal. Es un rol el de Tosca que tiene sus dificultades y Agresta las resolvió mejor en el segundo y tercer acto que en el primero. Pero también tuvo momentos de lucimiento, su “Vissì d’arte” estuvo lleno de emotividad. Toda una hazaña teniendo en cuenta que tuvo que interpretarlo tumbada en el suelo.Para el papel de Mario Cavaradossi tenemos cuatro tenores. Joseph Calleja, de hermoso y cálido timbre, Yusif Eyvazov, que casualmente actúa los mismos días que su esposa, Anna Netrebko, el mediático Jonas Kaufmann, solo dos funciones también, y Michael Fabiano, que se mostró más bien estático en escena y falto de naturalidad. Menos mal que estuvo más inspirado en lo vocal. Aceptable su “Recondita armonia”, y bastante bien en “E lucevan le stelle”, apianando con gusto. Fue el más aplaudido de la noche.Al Scarpia de Gevorg Hakobyan le faltó presencia escénica y, en algunos momentos, también vocal. Empezó bien, pero fue perdiendo maldad a medida que se acercaba el momento de su muerte. Tiene unos buenos y baritonales graves, pero a su Scarpia le faltaron quilates. No ayuda en estos casos tener en los otros repartos a Carlos Álvarez, que ha construido un magnífico Scarpia o a Luca Salsi, que acompaña al matrimonio Netrebko.El resto de comprimarios tuvieron una buena actuación. Muy bien Gerardo Bullón en su rol de Cesare Angelotti. Valeriano Lanchas interpretó a un resuelto y desenfadado sacristán. Mikeldi Atxalandabaso, como Spoletta, cumplió con su profesionalidad habitual, al iguañ que David Lagares, con su Sciarrone y la hermosa voz del pastorcillo de Inés Ballesteros.Magnífico el Coro Intermezzo, Titular del Teatro Real, que continúa dando una lección de profesionalidad y esfuerzo enfrentándose y venciendo a los elementos y a las mascarillas. Bien también el Coro de Pequeños Cantores de la JORCAM, bajo la dirección de Ana González.Con Tosca termina la temporada lírica del Teatro Real, una temporada que puede catalogarse de histórica. Donde la calidad artística, que la ha tenido, puede quedar en un segundo plano ante una decisión difícil y extraordinariamente valiente que tomó el Teatro hace ahora un año, permanecer abierto y con su programación, a pesar de la situación pandémica mundial demostrando, que no solo era posible, sino necesario, levantar el telón.Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Macarena Ramírez

Su cara y su nombre se han hecho populares tras alzarse con la victoria en la primera edición del programa The Dancer, el concurso de talentos que la ha consagrado como mejor bailarina de España, pero Macarena Ramírez tenía ya un lugar destacado en el mundo del Flamenco, donde su arte, su técnica y su estilo ya eran reconocidos por compañeros y aficionados.

Como tantos bailaores, Macarena Ramírez comenzó su formación profesional siendo muy niña. Con sólo 6 años ya pisaba el escenario, empezando un camino que la llevaría, un año después, a ganar el Premio Revelación de Andalucía y, recién cumplidos los 12, a dar vida a una Lola Flores adolescente en la película Lola. Ha perfeccionado su técnica con figuras como Eva la Yerbabuena, Carmen la Talegona o Rubén Olmo, por citar algunos, y ha trabajado en las compañías de Sara Baras, Antonio “El Pipa” y María Pagés, entre otros.

Destacan de ella su técnica, de pies velocísimos, y la delicadeza de sus manos. Afianzada en el flamenco más puro, sus movimientos denotan la esencia femenina, con su delicadeza y su fuerza, y una forma de girar y de expresar que la hacen reconocible en cuanto pisa el escenario.

En Efímero, su último trabajo, nos contará una historia de encuentro y aprendizaje, de amor con su trenza de alegría, fortaleza y fragilidad; de amor intenso que pasa, efímero, dejando marca en el alma. Una narración a dos en la que contará con la participación especial del bailaor Eduardo Guerrero, un artista con quien ha compartido cartel y cuyos bailes se entienden y complementan.

La banda sonora la pondrán la guitarra de Juan José Alba, el cante de Ismael de la Rosa “el Bola” y Miguel Lavi, y la percusión de Carlos Merino.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, las bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

Fotografía © Isa de la Calle

Tosca de Giacomo Puccino en el Teatro Real

Se acerca el final de una temporada de ópera que el Teatro Real ha vivido con especial intensidad, ya que ha sido el único teatro lírico del mundo que ha presentado una programación completa en el periodo 2020-2021, y en la que cada vez que se ha levantado el telón se ha sentido como una recompensa artística y humana en defensa de la cultura segura.

Con este ánimo, el Teatro Real quiere compartir con todos estas citas, antes del descanso estival y cuando se cumple justo un año de la reapertura después del confinamiento, retransmitiendo en pantallas al aire libre, en la Plaza de Oriente y en la Plaza de Isabel II (Ópera), dos de sus espectáculos de esta Temporada. Para ello, se ha adaptado el espacio público a la normativa de seguridad sanitaria de la Comunidad de Madrid frente a la COVID-19, procurando un aforo limitado, con distancia de seguridad, al que se accederá con localidades gratuitas obtenidas previa reserva en la página web del Teatro a partir del 5 de julio a las 11.00 horas.

Ese mismo día, para quienes no puedan desplazarse o vivan fuera de la Comunidad, la ópera también se retransmitirá gratuitamente, a las 21.00 horas, en MyOperaPlayer (donde pasará a formar parte del catálogo) y en los canales de YouTube del Teatro Real y de RTVE, coproductora de la producción audiovisual. Al día siguiente, 11 de julio, a las 23.00 horas, Tosca será emitida en La 2 de TV.

La gran fiesta comenzará el sábado a las 12.00 horas con la retransmisión de la Novena Sinfonía de Beethoven, Sinfonía nº 9 en re menor, op. 125 “Coral”, interpretada en el Teatro Real el pasado mes de septiembre para conmemorar el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán, dirigida por Gustavo Dudamel al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

El concierto contó también con la participación de los Alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, el

Orfeo Català, el Cor de Cambra del Palau de la Musica Catalana, la soprano Susanne Elmark, la mezzosoprano Aigul Akhmetshina, el tenor Leonardo Capalbo, y el barítono José Antonio López.

A las 21.00 horas, una hora y media después del inicio de la ópera en el escenario, para evitar el calor y la excesiva claridad que puede haber a las 19.30 horas, dará comienzo la retransmisión de Tosca, de Giacomo Puccini, uno de los títulos más bellos y populares del repertorio lírico. La obra estará protagonizada por las voces de la soprano Sondra Radvanovsky (Floria Tosca), el tenor Joseph Calleja (Cavaradossi) y el barítono Carlos Álvarez (Scarpia).

Al frente del extraordinario elenco y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real estará el maestro Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real, cuya presencia ha sido fundamental durante este largo período de convivencia con la pandemia, dirigiendo la excepcional Traviata después del confinamiento estricto (hace justo un año) e inaugurando la presente temporada, el pasado septiembre, con Un ballo in maschera, estimulando con su dedicación, confianza y entrega, tanto a los artistas como a los trabajadores.

El director de escena Paco Azorín concibe la ópera como concebida como un viaje del exterior al interior de los personajes, con apoyo de proyecciones y un decorado circular que evoluciona del realismo del primer acto a un progresivo lenguaje más conceptual y simbólico, llevando al espectador a penetrar en la atmósfera revolucionaria, caótica y despiadada de las luchas napoleónicas y contrarrevolucionarias, germen de los movimientos que llevarían a la unificación de Italia años más tarde.

Haciendo un paralelismo entre la trágica historia amorosa de la protagonista y la lucha contra un poder corrupto y autocrático, Tosca lucha por el hombre al que ama hasta la humillación y el asesinato, encarnando simbólicamente la defensa a ultranza de los ideales revolucionarios.

En la producción que se verá en el Real se ha mantenido la dramaturgia original, pero se han introducido algunos cambios, como la incorporación de un personaje inspirado en el cuadro La libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix, que simboliza la revolución, o el nuevo diseño del vestuario del personaje titular, concebido por Ulises Mérida, con el que se pretende reforzar el carácter de diva operística de Tosca, completando el figurinismo original de Isidre Prunés, fallecido en 2014.

Fotografía: Javier del Real

Farruquito

El próximo 9 de julio se presentará en la Sala Principal del Teatro Real, por primera vez, el bailaor sevillano Juan Fernández Montoya, Farruquito, gran nombre del flamenco y heredero de una de las estirpes con más personalidad de este arte universal, con el espectáculo Farruquito y amigos, en el que compartirá escenario con artistas como Ketama, Antonio Canales y Pepe de Lucía, en el que también estarán presentes la bailaora La Farruca, su madre, y Juan, el Moreno, su hijo.

En este punto de madurez artística, el bailaor selecciona los momentos más personales e identificativos de su carrera, los que han construido su personalidad y le han convertido en la figura que todos conocemos hoy en día. Una biografía forjada en la tradición de los Montoya y enriquecida con la innovación y la sensibilidad de un hombre hambriento de arte, de ganas, de técnica y de una forma única de expresar el flamenco.

Estarán junto a él grandes nombres que le han acompañado toda la vida y que han marcado, de alguna manera, su rumbo. De la mano de los Carmona, otra de las grandes sagas del mundo flamenco, debutó en Broadway con tan solo 5 años. Los caminos de ambas familias se cruzan y discurren en paralelo en una convivencia enriquecedora que ahora, dos generaciones después de aquel espectáculo en el escenario neoyorquino, dará forma nueva a la mítica soleá del abuelo Farruco, acompañado por la música de Ketama.

Antonio Canales y Pepe de Lucía, dos grandes amigos, tampoco podían faltar en esta velada del Teatro Real. Del primero, aprendizaje y baile, hondura en los pies, buscar el camino y dar forma al futuro. Si el joven Montoya encontraba en el maestro una fuente de la que aprender, Canales le reconocía como la gran figura actual y el futuro del baile, y no se equivocaba, porque el mundo flamenco le admira y respeta como a una gran estrella. Del segundo, hermandad, apoyo, voz y música.

En esta biografía artística que Farruquito escribirá en el escenario del Teatro Real, es fundamental la presencia de su madre, Rosario Montoya, la Farruca, y de su hijo, Juan, el Moreno, un bailarín extraordinario de sólo nueve años. Ambos le hacen recordar de dónde viene y a dónde va. Ambos con el sello inconfundible de los Montoya: zapateado prodigioso y técnica impecable. El gesto, la cintura y el desplante de una saga que tiene a gala la esencia gitana y el baile más puro.

Farruquito, bailaor, coreógrafo, compositor, artista premiado y reconocido, crea con Farruquito y amigos un espacio para compartir el flamenco y entregar al espectador un poquito de todo lo que ha vivido.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, las bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

EL ESPECTÁCULO, SEGÚN FARRUQUITO

En este encuentro con mis amigos, con mi familia, cuento todas mis inquietudes como bailaor y también como músico. Es una obra original en letra, música y coreografía. El cante, la guitarra, la percusión, etc., no son un simple acompañamiento: todos los músicos protagonizan un con- cierto, un diálogo musical entre ellos, y de ellos con el baile.

Con este espectáculo desvelo lo más personal de mí, capto lo tradicional pero también muestro lo más actual de mi flamenco. Revivo los mejores momentos de anteriores espectáculos integrando nuevas creaciones; eso sí, guardando siempre la esencia.

Quiero mostrar la improvisación como origen del flamenco y enriquecerlo con el montaje coreográfico, ambos –improvisación y coreografía– conceptos imprescindibles en mi aprendizaje desde niño. Deseo encontrar el maravilloso equilibrio entre las diferentes épocas del flamenco que he tenido la suerte de vivir y engrandecerlo con la influencia imprescindible del cante y la guitarra.

ELENCO

Baile – Farruquito

Baile – La Farruca (Madre Farruquito)

Baile – Juan “El Moreno” (Hijo Farruquito)

Guitarra – Juan Campallo

Cante – Mari Vizarraga

Cante – María Mezcle

Cante – El Chanito

Flauta – Juan Parrilla

Bajo – Julián Heredia

Percusión – Paco Vega

ARTISTAS INVITADOS

Baile – Antonio Canales

Cante – Pepe de Lucía

Ketama (Antonio Carmona Amaya, Juan José Carmona Amaya y José Miguel Carmona Niño)

EQUIPO TÉCNICO

Sonido – Gaspar Leal

Iluminación – Oscar Gómez

Producción y Manager – Daliris Gutiérrez

PROGRAMA

1.- Soleá

2.- Soleá por Bulerías

3.- Seguirilla

4.- Alegrías

5.- Bulerías

6.- Zapateao

7.- Fin de Fiesta

BIOGRAFÍAS

Farruquito (Baile)

Juan Fernandez Montoya “Farruquito”, nace en Sevilla en 1982. Hijo del cantaor Juan Fernández Flores “El Moreno” y de la bailaora Rosario Montoya Manzano, “La Farruca”. Heredero de una escuela única fundada por Farruco, su abuelo, ha vivido desde niño inmerso en el arte flamenco más puro. Debutó en la escena internacional a los cinco años en Broadway con el espectáculo Puro, compartiendo cartel con las figuras más legendarias del flamenco y con quince años, tras fallecer su abuelo, asume la responsabilidad de mantener el legado de pureza y estilo inconfundible de su estirpe. Bailaor, Coreógrafo y Compositor musical, ha producido y dirigido más de diez espectáculos girando con su compañía por los mejores teatros a nivel nacional e internacional. Entre los muchos premios y reconocimientos, Farruquito ha sido galardonado con el Premio Público al mejor bailaor y el prestigioso Premio APDE 2004 al digno depositario de la herencia del baile gitano.

La Farruca (Baile)

Nace en Sevilla en 1963, Rosario Montoya, hija del legendario bailaor Farruco. Subió a un escenario por primera vez con 13 años, con el mismísimo Camarón de la Isla al cante en una actuación en Camas; y Sabicas tocó para su baile por bulerías en Los Ángeles. Tras protagonizar espectáculos como ‘Andalucía flamenca’, ‘Persecución’, ‘Flamenco puro’, ‘Amante’ y ‘Bodas de gloria’, y compartir escena con figuras de la talla de El Güito, Angelita Vargas, Manuela Carrasco y Antonio Canales, arropa el primer espectáculo de Farruquito, ‘Raíces flamencas’. Ya con ‘Farruquito y familia’, deslumbra a la crítica en Estados Unidos y, más recientemente, con espectáculos tan exitosos como ‘Gitanas’ o ‘De Farruca a Faraona’.

Juan “El Moreno” (Baile)

Hijo de Farruquito, pese a su corta edad, ya tiene una larga trayectoria de colaboraciones con su padre, y juntos por primera vez debutan en el Teatro Real de Madrid con el espectáculo “Farruquito y Amigos”.

Juan Campallo (Guitarra)

Nacido en Sevilla en 1983. En una familia de artistas flamencos, empezó a tocar en los escenarios con tan solo 12 años acompañando a sus hermanos, los bailaores Rafael y Adela Campallo. Con ellos trabaja en los escenarios de todo el mundo, desde Tokio a Nueva York, en teatros y Festivales como la Bienal de Flamenco, el Festival de Jerez, el de Mont de Marsans, el de Monterrey, o el de Santa Bárbara en California, entre otros. En 2006 entra a formar parte de las compañías de Antonio Canales y de Javier Barón, con los cuales sigue trabajando en la actualidad. En 2007 gana el prestigioso premio «Bordón Minero» del Festival de la Unión.

Mari Vizarraga (Cante)

Cantaora sevillana, gitana del barrio del Polígono Sur, de Las Tres Mil Viviendas, una cantera inagotable de artistas flamencos auténticos y con duende. Descendiente de una familia de artistas, Juana la del Revuelo la dio a conocer profesionalmente hace veinticinco años, y desde entonces ha estado al lado de los más grandes: Joaquín Cortés, Juana Amaya, Torombo o Farruco.

María Mezcle (Cante)

Biznieta de El Mezcle y descendiente de María Vargas. Diplomada en Magisterio Musical. Ha compartido cartel con artistas como José Mercé, Pansequito, Juana la del Revuelo, Miguel Poveda, Gerardo Núñez, Esperanza Fernández, y otros muchos. Ganadora de innumerables concursos nacionales de flamenco y saetas. Ganadora del premio de los cantes bajo-andaluces en el Festival Internacional de las Minas de la Unión 2013.

El Chanito (Cante)

Sus primeros pasos en los escenarios los da junto a Manuel Fernández Montoya El Carpeta en Gitanas, un espectáculo encabezado por Rosario Montoya La Farruca, a la que considera una maestra. Desde entonces forma parte de la compañía de El Carpeta. Con este artista ha cantado en Flamenco show y en A bailar. También ha acompañado a Raimundo Amador como artista invitado en Noches de flamenco jazz y ha formado parte del elenco de Manuela Carrasco y Farruquito.

Juan Parrilla (Flauta)

Nace en Jerez de la Frontera. Cursa estudios de flauta en el conservatorio y posteriormente en Madrid. Procede de una de las grandes familias del flamenco, los Parrilla de Jerez, y destaca como uno de los máximos exponentes del nuevo flamenco. Es uno de los compositores más requeridos por las grandes figuras como Aída Gómez, Antonio Canales, Joaquín Cortés, Rafael Amargo y Farruquito.

Julián Heredia (Bajo)

Granada, bajista, polifacético y autodidacta, con su raíz gitana proveniente del flamenco, pero con un amplio recorrido musical en diferentes estilos. Trabaja y graba con Enrique Morente en varios discos, también simultáneamente tocando con casi todos los artistas, guitarristas y músicos españoles más renombrados en el ámbito flamenco, jazz y flamenco fusión, como por ejemplo José el Francés, David de María, El Farru, Farruquito, Jerónimo Maya, Antonio Canales, Jorge Pardo, Remedios Amaya, Diego del Morao, Montse Cortés, Estrella Morente, con el grupo Ketama, Pepe Habichuela, Rubem Dantas, Raimundo Amador, Ray Gómez, Niño Josele, Tomatito, y un largo etc.

Paco Vega (Percusión)

Nace en Sevilla en el seno de una familia flamenca, recibiendo sus primeras lecciones de su padre el bailaor Paco Vega. Ha ido creando su propio lenguaje de la percusión flamenca, lo que le ha llevado a acompañar a artistas tan significativos del panorama flamenco como: Farruquito, el Lebrijano, Richard Bona, Antonio Molina “el Choro” o María Pagés.

Fotografía: Javier del Real

Tosca en el Teatro Real

Entre el 4 y el 24 de julio se ofrecerán 16 funciones de Tosca, con retransmisiones gratuitas en distintos formatos ­canales de YouTube, MyOperaPlayer, La 2 de TVE, Radio Clásica de RNE y pantallas exteriores en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II­, que llevarán el popular título de Puccini a todos los rincones, celebrando el final de una programación operística intensa y muy especial, ya que el Real ha sido el único teatro lírico del mundo en presentar una temporada 2020-2021.

Nicola Luisotti ha tenido un importante papel durante este largo período de convivencia con la pandemia, dirigiendo la excepcional Traviata después del confinamiento estricto, inaugurando la presente temporada el pasado septiembre con Un ballo in maschera y estimulando, con su dedicación, confianza y entrega, a los artistas, trabajadores y al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real durante estos tiempos de incertidumbre.

Con Tosca, Luisotti dirigirá su novena ópera en el Teatro Real, en esta ocasión al frente de tres repartos ­con cuatro Cavaradossi­, trabajando junto a Paco Azorín, que ha renovado para el Real la producción creada en 2014 para el Liceu de Barcelona y la Maestranza de Sevilla.

Concebida como un thriller cinematográfico, con apoyo de proyecciones y un decorado circular que evoluciona del realismo del primer acto a un progresivo lenguaje más conceptual y simbólico, Azorín lleva al espectador a penetrar en la atmósfera revolucionaria, caótica y despiadada de las luchas napoleónicas y contrarrevolucionarias, germen de los movimientos que llevarían a la unificación de Italia años más tarde.

Haciendo un paralelismo entre la trágica historia amorosa de la protagonista y la lucha contra un poder corrupto y autocrático, Tosca lucha por el hombre al que ama hasta la humillación y el asesinato, encarnando simbólicamente la defensa a ultranza de los ideales revolucionarios.

Paco Azorín, que inició su carrera como escenógrafo ­en el Real se han visto sus decorados para las óperas Il prigioniero y Suor Angelica (con dirección de Lluís Pasqual) y para los ballets 2 you Maestro, El amor brujo y Electra­, asume en esta producción también la dirección de escena, adaptando las directrices de la interpretación actoral a la idiosincrasia de cada cantante.

En la producción que se verá en el Real se ha mantenido la dramaturgia original, pero se han introducido algunos cambios, como la incorporación de una actriz que simboliza la revolución, o el nuevo diseño del vestuario del personaje titular, concebido por Ulises Mérida, con el que se pretende reforzar el carácter de diva operística de Tosca, completando el figurinismo original de Isidre Prunés, fallecido en 2014.

La ópera, coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y del Teatro de la Maestranza de Sevilla estrenada en 2014, estará protagonizada por tres repartos encabezados por las sopranos Sondra Radvanovsky, Maria Agresta y Anna Netrebko; los tenores Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazov y Jonas Kaufmann; y los barítonos Carlos Álvarez, Gevorg Hakobyan y Luca Salsi.

Sondra Radvanovsky, que ya interpretó a Tosca en 2011, volverá al Real con este papel, después de encarnar a Amelia en Un ballo in maschera en la inauguración de la presente temporada. También regresa la soprano Maria Agresta, que protagonizó Norma (2016), Il trovatore (2019) y Don Carlo (2019). Anna Netrebko interpretará su segunda ópera en el Real, después de su participación en Guerra y Paz, de Serguéi Prokófiev, en 2001.

El tenor estadounidense Joseph Calleja debuta en el Teatro Real, Michael Fabiano asume un nuevo papel protagonista después de su participación en Cyrano de Bergerac (2012), I due Foscari (2016), Giovanna d’Arco (2019), La traviata (2020) y Un ballo in maschera (2020), y Yusif Eyvazov interpretará por primera vez una ópera en el coliseo madrileño, después de haber participado en un concierto al lado de Anna Netrebko en 2019. Finalmente, Jonas Kaufmann, que actuó en una función de La clemenza di Tito en 2009, encarnará ahora a Cavaradossi en dos funciones.

El papel de Scarpia será defendido por Carlos Álvarez ­que cambia completamente de registro después de su reciente triunfo en Viva la Mamma­, Gevorg Hakobyan, que debuta en el Real, y Luca Salsi, que ya actuó en Rigoletto (2015) y Don Carlo (2019).

Después de la reapertura del Real, se han ofrecido 32 funciones de Tosca en las temporadas 2003-2004 y 2010-2011, todas con dirección de escena de Nuria Espert. Este popular título operístico regresa con un nuevo enfoque, que nace de la riqueza musical y dramática de esta trepidante obra maestra de Puccini.

Fotografía © Antoni Bofill

Semana de la Ópera

En el ámbito de la celebración del Día Europeo de la Música, que se conmemora, desde 2016, el 21 de junio, el Teatro Real ofrecerá en la Sala Gayarre dos conciertos de “fin de curso” con su AGRUPACIÓN MÚSICA INCLUSIVA, conformada por niños con necesidades especiales de aprendizaje.

Nacida en 2020, la AMI es un proyecto pedagógico inclusivo en el que menores de diferentes perfiles desarrollan sus capacidades cognitivas y sociales a través de experiencias proporcionadas por el aprendizaje y la práctica musical colectiva.

La Agrupación Música Inclusiva está conformada por 20 niños y jóvenes que se reúnen dos veces por semana a lo largo de todo el curso en un estudio del Teatro Real, donde, bajo la dirección de Francisco Borro, interpretan obras musicales creadas especialmente para el grupo, atendiendo a la singularidad de cada uno de sus integrantes.

Con ese fin, Francisco Borro y Jesús Alonso han compuesto las piezas Suite Alborada de la Diversidad, Homenaje a la Inclusión y Blues-Rock del Teatro Real, que se estrenarán el 20 de junio a las 19 horas y se repetirán el 27 de junio a las 12 horas en la Sala Gayarre del Teatro Real.

También en el marco simbólico del Día Europeo de la Música, los centros escolares adscritos al programa EL REAL EN TU CLASE podrán el 21 de junio, la grabación de la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven interpretada el pasado 19 de septiembre en el Teatro Real por la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Gustavo Dudamel, con la participación de la soprano Susanne Elmark, la mezzosoprano Aigul Akhmetshina, el tenor Leonardo Capalbo, el bajo José Antonio López, el Orfeó Català, el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía (próximamente disponible en My Opera Player).
Asimismo, para ampliar esta celebración a toda España, a partir de hoy, 18 de junio, y hasta el lunes, 21 de junio, se ofrecerá el acceso a todo el catálogo audiovisual de MyOperaPlayer con el 10% de descuento, una excelente oportunidad para acercarse a las últimas novedades de la plataforma, que incluye óperas, conciertos y programas de danza procedentes de los más importantes teatros líricos de todo el mundo y joyas del archivo histórico de RTVE. Los usuarios interesados a acogerse a esta promoción deberán canjear el código MOPMUSICA al suscribirse para obtener el descuento.

CONCIERTOS DE LA AGRUPACIÓN MÚSICA INCLUSIVA

20 de junio 19:00 – 27 de junio 12:00

Sala Gayarre

PROGRAMA

Suite Alborada de la Diversidad, de Francisco Borro Y Jesús Alonso | Estreno

  1. Principio
  2. Evolución

III. Aurora

Homenaje a la Inclusión, de Francisco Borro y Jesús Alonso | Estreno

Blues-Rock del Teatro Real, de Francisco Borro y Jesús Alonso | Estreno

INTÉRPRETES
Darío Lloret, Javier Ruiz, Saúl Pérez, Miguel Ángel Carrión, Alma-Martina Fernández, Michael Imre Richli, Beatriz Alexia Cano, Irene Oriol, Raúl Martínez, Samuel Aparicio, Manuel Gadea, Gabriela Bueno, Juan Rodríguez, Violeta de la Torre, Celia López, María Prieto, Zoë Kamila Vargas, Fernando, Nicolás Bergquist, Raquel Vázquez, Nicolás Rubira

Francisco Borro, director artístico y musical

Jesús Alonso, codirección musical.

Fotógrafa: © Purita | AMI

Orlando Furioso

El próximo 17 de junio el escenario del Teatro Real se llenará con la música de una de las joyas del barroco, Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi. Interpretada por la formación Armonia Atenea, bajo la dirección del gran especialista en el repertorio, George Petrou, cuenta con un reparto de grandes voces encabezadas por el contratenor Max Emanuel Cencic en el papel protagonista.

Completan el elenco la soprano Julia Lezhneva (Angelica), la mezzosoprano Ruxandra Donose (Alcina), la contralto Jess Dandy (Bradamante), los contratenores Philipp Mathmann (Medoro) y David D.Q. Lee (Ruggiero) y el bajo barítono Pavel Kudinov (Astolfo).

Orlando furioso es una ópera en tres actos de Antonio Vivaldi, con libreto en italiano de Grazio Braccioli, basado en el poema épico Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. La obra cuenta la historia de Orlando, un noble caballero valiente y enamorado, aunque no correspondido, atrapado en la isla de la bella hechicera Alcina. La escena, tejida con triángulos amorosos, enredos y magia, combina varios argumentos de la obra original y compone una historia de amor, celos y locura.

El poema épico caballeresco escrito por Ariosto en 1532 contiene varios personajes principales, a pesar de que solo uno le dé nombre, y ha servido de inspiración a numerosos autores, desde Lully hasta Haydn. Años después del estreno de este Vivaldi, verían la luz dos de los títulos más conocidos de Händel: Alcina (1735) y Orlando (1733).

La primera representación del título tuvo lugar en Venecia, en el Teatro Sant’Angelo, en 1727, y es una de las pocas que se conservan de la prolífica creación del compositor veneciano. Su exigente escritura vocal -cargada de arias y recitativos tan bellos como difíciles-, su compleja trama –que hace evolucionar a los personajes en su color dramático- y la extensión de la obra, precisa de un conjunto de voces de primer nivel, como el que ahora se da cita en el Teatro Real.

Armonia Atenea es un proyecto de la Camerata de Atenas, fundado en 1991 en la inauguración de la sala de conciertos Megaron de Atenas, donde tiene su sede desde entonces. En otoño de 2009, inició una colaboración regular con el director de orquesta George Petrou, interpretando con instrumentos de época un amplio repertorio que va del barroco al clasicismo. Además de sus actividades habituales con instrumentos de época, la orquesta mantiene diversos proyectos en el ámbito de la ópera y la música contemporánea.

Petrou está considerado como uno de los principales especialistas del barroco del mundo, sin embargo, su actividad musical es muy amplia, e incluye música del siglo XX y contemporánea.

Diseño de fotografía © Pep Carrió

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Le convenienze ed inconvenienze teatrali
¡Viva la Mamma!
Gaetano Donizetti (1797-1848)
Dramma giocoso en dos actos
Teatro Real, Madrid 5 junio de 2021
Libreto de Domenico Gilardoni, basado en las obras Le convenienze teatrali
(1794) y Le inconvenienze teatrali (1800) de Antonio Simeone Sografi
Coro y Orquesta titulares del Teatro Real
D. musical: Evelino Pidò
D. escena: Laurent Pelly
Figurinista: Jean-Jacques Delmotte
Escenógrafa: Chantal Thomas
Iluminador: Joël Adam
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Sabina Puértolas, Gabriel Bermúdez, Luis Cansino, Francesca Sassu,
Alejandro del Cerro, Carol García, Enric Martínez-Castignani, Piotr Micinski,
Luis López NavarroLa ópera es una expresión artística muy amplia. El Arte total, del que hablaba Wagner. Y detrás de las historias propias que nos cuenta una ópera, existen otras que se van tejiendo entre quienes participan en ellas. Hasta tal punto esas otras historias fueron importantes, que llegaron a ser un género dentro del panorama compositivo operístico hacia la segunda mitad del siglo XVIII, en pleno clasicismo.El gran animador de este nuevo género fue Benedetto Marcello. Relacionado con la ópera a través de sus múltiples facetas como compositor, escritor y empresario, en 1720 publica una especie de panfleto satírico titulado “Il teatro alla moda”, que rápidamente generó un movimiento de críticos adeptos a su causa y que no dejaba títere con cabeza, ya fueran compositores, cantantes, empresarios o simples tramoyistas. Marcello pensaba que la ópera clásica había sucumbido a los caprichos de las divas y la superficialidad de las escenografías.

El “Il teatro alla moda” en realidad tenía mucho que ver con la forma de hacer teatro de la época con gran éxito entre el público. En aquel momento todavía se desarrollaba una especie de espectáculo operístico fuertemente jerarquizado, donde los cantantes tenían el mando. Las partituras estaban al servicio de los intérpretes, llegando incluso a escribirse las obras sobre la marcha en función de los gustos o caprichos del cantante de turno.

Se escribieron entonces un buen número de obras sobre el tema, pero con el transcurrir del tiempo se invirtieron los papeles y fueron los directores y empresarios los que pasaron a tomar el mando. A partir de ese momento dejaron de tener sentido estas obras y fueron quedando en el olvido.

Una de estas obras es ¡Viva la Mamma!, cuyo verdadero título es Le convenienze ed inconvenienze teatrali. Era un título demasiado largo que fue sustituido por ¡Viva la Mamma! cuando regresó a los escenarios. Fue una de las últimas composiciones de este género y es la primera vez que Donizetti escribe el libreto de una de sus obras. Una divertida sátira que habla de los enredos y rivalidades que se producen durante el montaje y representación de una ópera.

Estas obras tan populares tenían también una gran flexibilidad para introducir cambios. Donizetti compuso una primera versión que constaba de un solo acto y, como si fuese una zarzuela, tenía partes habladas que estaban escritas en dialecto napolitano.

Cuatro años después se estrena en Milán y el compositor le añade un segundo acto, eliminando el napolitano de la partitura para que pudiera llegar a todo el público.

Laurent Pelly es el director de escena de esta nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra National de Lyon y el Grand Théâtre de Ginebra. La escenografía, utilizando la idea del olvido de este tipo de obras, presenta un viejo teatro que es utilizado como parking. Sobre el escenario, van desfilando los personajes que rivalizan por el papel protagonista o por cantar las mejores arias, siendo las víctimas de estas guerras internas, empresarios, compositores y libretistas.

Pelly ha recurrido al teatro dentro del teatro y ha creado unos personajes, más bien pertenecientes al pasado, que son divertidos a la vez que producen una cierta melancolía. Personajes que, como escribieron sus autores y describía bien Benedetto Marcello, exageran sus defectos para causar mayor hilaridad. Personajes para los que se necesitan cantantes que tengan un nivel interpretativo muy importante, a parte de las exigencias vocales, que no son pocas en esta partitura.

Este segundo reparto ha estado encabezado por la soprano Sabina Puértolas y su Daria, la prima donna. Un caramelo que Puértolas borda gracias a su sofisticación sobre el escenario y una muy buena ejecución de la cabaletta del primer acto, llena de dificultad por sus exigentes agilidades.

Procolo es el marido de Daria, interpretado por Gabriel Bermúdez. Un marido tóxico que pretende ser otra prima donna como su esposa. Bermúdez logra una gran interpretación, divertida y con un buen nivel vocal.

El tenor Alejandro del Cerro interpretó a Guglielmo, el primo tenore, que bordó el personaje estirado y con acento alemán. Tuvo algunos momentos muy inspirados, como en su aria del segundo acto.

Sin duda el triunfador de la noche fue Luis Cansino y su rol de Mamma Agata. Un travestido a la inversa, pues hasta entonces solo las mujeres se vestían de hombre. Cansino se mete en este rol del que se puede decir que es un especialista. Recreó brillantemente a la retorcida mamma de la seconda donna con la pretensión de ser ella misma la diva. Cambiaba su registro de baritonal a falsetone con toda naturalidad en esas notas no escritas y con las que jugó con maestría.

Luigia, la seconda dona, hija de Mamma Agata, corrió a cargo de la italiana Francesca Sassu. Interpretó muy bien el carácter apocado y tímido de comprimaria y dejó muestras de la calidad de su instrumento, estando a un muy buen nivel.

El resto del reparto tuvo una participación a la altura de los protagonistas. El director de escena Luis López Navarro, el empresario Piort Micindki, el poeta Enric Martínez-Catignani y el divertido Pipeto de Carol García.

Evelino Pidó conoce bien este repertorio y se nota que tiene oficio y experiencia. Resolvió muy bien el equilibrio entre foso y escenario en una obra tan chispeante.

La representación termina con un grupo de trabajadores que entran en escena con sus máquinas destructoras, lo que supone un auténtico alegato en defensa de la cultura en un año tan complicado como este. Pero también queda demostrada la fortaleza de quienes, en las peores circunstancias, la han defendido.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Crescendo

El Teatro Real ha presentado esta mañana la primera edición de un proyecto que esperamos sea de largo recorrido. Veinte cantantes menores de 35 años y de ocho nacionalidades ­España, Rumanía Ucrania, Colombia, Noruega, Alemania, Venezuela y Chile­ participan desde el pasado mes de marzo en el programa CRESCENDO, creado por la Fundación Amigos del Teatro Real e impulsado por Fonds de Dotation Porosus y Edmond de Rothschild Foundations.

Este proyecto internacional, con vocación pedagógica e inclusiva, pretende complementar la formación académica adquirida por los jóvenes cantantes en sus centros de estudio, ofreciéndoles talleres, clases magistrales, debates y distintas actividades transversales que enriquezcan su desarrollo artístico y humano para afrontar una carrera profesional de gran exigencia, exposición pública y competencia.

Pero quizás la dimensión más importante y estimulante del proyecto sea la creación de oportunidades reales para que los jóvenes participantes inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real.

A través de audiciones con la dirección artística del Teatro Real y los directores implicados en las distintas producciones o iniciativas, se han seleccionado cantantes para actuar en la presentación de la Temporada 2021-2022 el pasado 20 de mayo (emitida por el Canal de YouTube del Teatro Real), en la carroza itinerante instalada en Fitur ­con actuaciones muy bien recibidas por los asistentes los días 20, 21, 22 y 23 de Mayo- y en varios eventos a corto y medio plazo:

  1. Festival Real Junior: concierto de clausura de la Temporada 2020-2021 de El Real Junior. Sala Principal del Teatro Real, 12 de junio de 2021 a las 12 horas.
  2. Semana de la Ópera del Teatro Real: recital lírico. Sala Gayarre, 9 de julio

  3. Mozart Revolution: concierto de apertura de la Temporada 2021-2022 de El Real Junior. Sala Principal, 3 de octubre de 2021 a las 12 horas.
  4. La cenicienta: ópera de Pauline Viardot. Producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Teatro Cervantes de Málaga y la Fundación Ópera de Oviedo. Teatro Real, Sala Principal, 20, 21 y 23 de noviembre de 2021, a las 11 y 13 horas. Actuaciones posteriores en los teatros coproductores.
  5. ¡Todos a la Gayarre!: talleres para toda la familia que se desarrollarán a lo largo de la temporada Sala Gayarrre, fines de semana a las 12 y 17 horas.

CANTANTES PARTICIPANTES EN CRESCENDO (orden alfabético)

  1. Agustín Gómez Cortez, tenor (España)
  2. Alejandra María Acuña Manrique, mezzosoprano (Colombia)
  3. Beatriz Arenas Lago, soprano (España)
  4. Celia Cuéllar Calvín, soprano (España)
  5. Christian Gil Borrelli, contratenor (España)
  6. Cristina Van Roy Roy Rathe, soprano (Noruega)
  7. Estíbaliz Martyn, soprano (España)
  8. Gabriel Alonso Diaz, barítono (España)
  9. Guiomar Cantó Gómez, soprano (España)
  10. Juliane Stolzenbach Ramos, soprano (Alemania/Portugal)
  11. María de los Ángeles Gómez Rojas, soprano (Venezuela)
  12. María Eugenia Barcia Mendiola, soprano (España)
  13. Mario Méndez Saavedra, tenor (España)
  14. Marta Briales Villalba, soprano (España)
  15. Míriam Silva Martínez, soprano (España)
  16. Olga Syniakova, mezzosoprano (Ucrania)
  17. Paola Andrea Leguizamón Santos, mezzosoprano (Colombia)
  18. Ramina Scrob, soprano (Rumania)
  19. Ramiro Maturana Coronado, barítono (Chile/Argentina)
  20. Vanessa Cera Bula, soprano (Colombia)

FESTIVAL REAL JUNIOR PARA TODA LA FAMILIA

Sala Principal del Teatro Real

12 de junio, sábado, a las 12 horas

Guión y presentación de Fernando Palacios

Una visita atractiva, divertida y sorprendente a rincones insospechados del mundo con músicas excitantes: cantos nativos de indios del Amazonas, ritos de Malasia y Bali, danzas para acompañar el paso chulesco de una Pantera Rosa o de una ópera barroca, ritmos trepidantes de Vivaldi y Mozart, bandas sonoras de piratas y novelas, paseos por el centro de Madrid… Un variado surtido de cantos y danzas que serán interpretados por jóvenes del Coro y Orquesta de la JORCAM, con la participación de la mezzosoprano Olga Syniakova bajo la dirección de Rubén Gimeno.

LOS PATROCINADORES DE CRESCENDO

El Fondo de dotación de Porosus tiene la misión de ayudar a los jóvenes talentos que surgen en los ámbitos deportivo y artístico. Su objetivo es apoyar y promover sus carreras. Los proyectos deportivos apoyados incluyen el golf, el surf, la equitación, el bádminton, el patinaje artístico, etc. Las disciplinas artísticas concernientes son, entre otras, las artes escénicas, la danza, la música, el cine… El fondo de dotación de Porosus tiene como objetivo la excelencia y el alto nivel para apoyar a los jóvenes talentos más meritorios en sus esfuerzos deportivos y artísticos.

En las Fundaciones Edmond de Rothschild superan los límites de la filantropía. Encuentran formas disruptivas de involucrar a los socios y de establecer colaboraciones imprevistas entre la sociedad civil, el sector privado y las instituciones públicas. Al ampliar el impacto, promover la diversidad y aprovechar el celo empresarial, realizan un verdadero cambio. El resultado es más que la suma de todas las partes para crear juntos el futuro.

Tenor Viñas

El Teatro Real acogerá, un año más, el concierto de los ganadores del Concurso Internacional de Canto Tenor Viñas, que el pasado mes de enero celebraba su 58ª edición y en el que la mezzosoprano donostiarra Carmen Artaza se alzó con el Primer Gran Premio, además de obtener el Premio Mozart y el premio extraordinario a la Mejor Cantante Española.

Junto a ella, el público tendrá la oportunidad de escuchar las voces de la mezzosoprano ucraniana Olga Syniakova (Segundo Premio ofrecido por el grupo Amics del Concurs Tenor Viñas); el barítono argentino Germán Enrique Alcántara (Tercer Premio “Maria Esperança Salvans Piera”) y el barítono ruso Vasily Sokolov (Cuarto Premio).

Los jóvenes cantantes interpretarán arias de Mozart, Rossini, Donizetti, Bellini, y Chaikovski, entre otros, acompañados por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección del maestro Álvaro Albiach.

La edición de este año, marcada por las restricciones que imponía la pandemia, celebró las audiciones preliminares de forma telemática desde Barcelona, Madrid, Londres, Nueva York, París, Berlín, Milán, Los Ángeles, Pekin y Moscú, con una participación de inicial de 447 cantantes procedentes de 55 países. Las dos últimas pruebas pudieron celebrarse en Barcelona y los galardonados ofrecieron el tradicional concierto en el Gran Teatre del Liceu.

Fundado en 1963 en Barcelona, el Concurso Internacional de Canto Francisco Vinas quiere mantener viva la memoria de uno de los tenores más importantes de nuestro país –fue la gran voz wagneriana en España y el responsable de estrenar Tristán e Isolda en el Teatro Real- y es trampolín de muchas de las voces más importantes del panorama lírico actual, ya que se ha convertido en una de las competiciones más prestigiosas del mundo.

Entre los nombres galardonados a lo largo de su historia figuran Javier Camarena, Violeta Urmana, Marina Rebeka, Giuseppe Filianoti, Dmitri Korchak o el ganador del último International Opera Awards, Xabier Anduaga, por citar solo algunos.

En la actualidad, forman parte de la organización del concurso grandes centros líricos de todo el mundo como el Gran Teatre del Liceu, el Bolshoi de Moscú, la Opéra national de Paris, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la San Francisco Opera, el Teatro alla Scala de Milán, la Staatsoper Berlín, el Centro nacional de las Artes Escénicas de Pekín y el Teatro Real.

Mercedes de Córdoba

Tiene las cosas claras, una voluntad firme y un espíritu que ha nacido para bailar. Es Mercedes de Córdoba, la bailaora que el próximo 3 de junio protagonizará las dos sesiones del ciclo Flamenco Real, a las 19.00 y a las 21.00 horas, para demostrar al público que nada es por casualidad y que lo que ella hace es flamenco, Sin más.

Ganadora del Primer Premio en la Bienal de Sevilla (2002), del Segundo Premio de Baile en el Festival Internacional del Cante de las Minas (2013) y del Primer Premio del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba (2013), entre otros, son sólo una parte del reconocimiento de una artista cuya trayectoria comienza a los 4 años con su formación en danza española, primero, y en ballet clásico, después.

Su temprana vocación la lleva a participar, a los 6, en la película Montoyas y Tarantos; al año siguiente se incorpora a la compañía de Manuel Morao, y con sólo 11 años debuta en la Bienal de Lyon, junto a Javier Latorre y Eva Yerbabuena. Luego vendría el Ballet de Andalucía, dirigido por José Antonio, con el que formó parte del equipo artístico de la ópera La vida Breve, de Manuel de Falla, que inauguró el Teatro Real en 1997.

Mercedes de Córdoba domina todos los palos, con extraordinaria técnica e innata naturalidad, con presencia poderosa y expresiva, capaz de comunicar y emocionar al público a través de su baile elegante y flamenco, tanto en su carrera como bailaora en las más importantes compañías, como interpretando sus propias coreografías al frente de su compañía.

El espectáculo que ahora presenta en el Teatro Real, Sin más, refleja su pasión por el flamenco, sin otra explicación; la muestra de la lucha, la entrega y el amor incondicional por el arte que ha marcado su vida, que la enferma y que la cura. Sobre las tablas de Flamenco Real estará acompañada por Enrique «El Extremeño», como artista invitado en el cante; Juan Campallo, a la guitarra; Jesús Corbacho, al cante y Paco Vega, en la percusión.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, las bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

Fotografía ®Beatrix Mexi Molnar

Tránsito

La Sala Fernando Arrabal A de Naves del Español en Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, acoge del 29 de mayo y hasta el 5 de junio el estreno mundial de Tránsito, ópera de cámara con música y libreto de Jesús Torres, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Eduardo Vasco, a partir de la obra de teatro breve del mismo nombre que Max Aub escribió en 1944 desde su exilio en México y que nos habla del conflicto, la lealtad, el compromiso y la obligación de los españoles que sufrieron el destierro tras la Guerra Civil. El elenco de Tránsito está compuesto por el barítono Isaac Galán (Emilio) y la soprano María Miró (Cruz) en los papeles principales, junto con la mezzosoprano Anna Brull (Tránsito), el barítono Javier Franco (Alfredo) y el tenor Pablo García López (Pedro).

Tránsito es un encargo y una nueva coproducción del Teatro Real y el Teatro Español que podrá verse en seis únicas funciones: 29 y 30 de mayo y 1, 2, 4 y 5 de junio, a las 19 horas.

En Tránsito, obra de teatro en un acto escrita en 1944 pero ambientada tres años después, en una noche de duermevela de 1947, Max Aub reflejó la historia de Emilio, un español en el exilio mexicano que dialoga, simultáneamente, con Cruz, la esposa que se quedó en España junto a sus hijos, y con Tránsito, su actual compañera sentimental. Emilio se enfrenta a la complejidad y a las dudas de construir una vida y un amor en el exilio que convivan con el compromiso y el recuerdo de su vida y de sus ideales políticos en España. Unos sentimientos en permanente conflicto marcados por la inseguridad, el destierro, el abandono, la distancia, la posibilidad del regreso y la culpa.

Cuando todavía muchos excombatientes y exiliados republicanos españoles conservaban la esperanza de que los ejércitos aliados contendientes en la II Guerra Mundial pusiesen fin al régimen franquista, Max Aub adelantó la detención total del tiempo con la que la historia habría de condenar a todos ellos en un laberinto de lealtades encontradas, desgarros y desengaños políticos y personales. Esta pieza de teatro breve constituye un testimonio ético de dicho momento histórico y la base literaria de esta ópera de cámara en un acto dividida en 12 «instantes» del zaragozano Jesús Torres, galardonado con el Premio Nacional de Música 2012.

El debut operístico de Torres está avalado por una sólida trayectoria artística de más de tres décadas, una voz autónoma y versátil que ha experimentado con el paso del tiempo una creciente libertad, intensidad y emoción y un apasionado vínculo con la poesía castellana reflejado permanentemente en su producción musical. Desde los primeros compases del prólogo orquestal, la música es densa y compleja, reflejo del inquietante texto de Max Aub.

“La idea de escribir una ópera me persigue desde mis inicios como compositor”, explica Jesús Torres. “El teatro breve del exilio de Max Aub me sedujo y creí encontrar un argumento sólido para embarcarme en mi primera ópera, Tránsito, cuando hubiera una oportunidad cierta para estrenarla. Ha sido un reto poner música a un texto que en esencia es coloquial. El trazado melódico de las voces está íntimamente ligado a la fonética de nuestra lengua y esto, en consecuencia, provoca que toda la orquesta esté impregnada de esa calidez melódica y armónica”.

La dirección de escena corre a cargo de Eduardo Vasco. “No siempre se encuentra uno con un regalo como este: verse inmerso en el proceso de llevar a escena una ópera contemporánea que se está escribiendo en el momento, de un compositor al que se admira y de la mano de un maestro de prestigio. Pero, además, el disfrute se multiplica cuando la complicidad comienza a funcionar desde los primeros encuentros con un denominador común tan potente como el nombre de Max Aub”, apunta el director de escena. Y continúa: “Nos une de una manera muy fuerte la temática que desarrolla la obra sobre aquellos españoles republicanos exiliados en México tras la Guerra Civil, perdidos en un limbo hospitalario, aunque ajeno, desenraizados, trasterrados y perdidos en un laberinto sin salida del que, en su mayoría, no lograron salir. Y también que pensamos que este drama, como otros casi olvidados ya de nuestro pasado, ha sido guardado sin contemplaciones en el cajón de los tópicos que alimenta la simpleza de nuestra política actual, y tratarlo con delicadeza, a través de este montaje, nos parece un asunto de urgencia nacional.

Tránsito es una coproducción del Teatro Real y el Teatro Español con música y libreto de Jesús Torres, dirección musical de Jordi Francés, dirección de escena de Eduardo Vasco, diseño de escenografía de Carolina González, diseño de iluminación de Miguel Ángel Camacho y diseño de vestuario de Lorenzo Caprile.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

VivaLaMamma

Entre el 2 y el 13 de junio, el Teatro Real ofrecerá 11 funciones de la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales (Le convenienze ed inconvenienze teatrali), de Gaetano Donizetti, que se estrenará en el Teatro Real.

La nueva producción del Teatro Real, cuyo título, Viva la Mamma, fue acuñado por el director de cine Helmut Käutner, es una coproducción con las Óperas de Lyon y de Ginebra, donde fue presentada con gran éxito.

Laurent Pelly, que en el Real ha dirigido La fille du régiment (2014), Hänsel und Gretel (2015), El gallo de oro (2017) y Falstaff (2019), vuelve con otro título lleno de humor en el que muestra, una vez más, su genio e ingenio en el tratamiento de la comedia y en la dirección de actores.

También Evelino Pidò estará al frente, nuevamente, del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, que ya dirigió en La Gioconda (2007) e I puritani (2016). Tres de las 11 funciones estarán dirigidas por José Miguel Pérez Sierra, director musical, recientemente, de Don Fernando el Emplazado.Un doble reparto dará vida a los grotescos personajes de Donizetti, en el que destacan Carlos Álvarez y Luis Cansino, Nino Machaidze y Sabina Puértolas, Xabier Anduaga y Alejandro del Cerro, Borja Quiza y Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz y Francesca Sassu, secundados por Pietro di Bianco, Enric Martínez-Castignani, Piotr Micinski y Luis López Navarro.

En torno a Viva la Mamma se han organizado actividades en el Teatro Real, Sala Berlanga, Museo del Romanticismo y Biblioteca Regional de Madrid.

Las funciones comenzarán a las 19.30 horas (los domingos, a las 18.00 horas), tendrán un aforo máximo del 66% (frente al 75% autorizado por la Comunidad de Madrid) y habrá una butaca vacía interpuesta entre cada grupo de convivientes.

Radio Clásica, de RNE, grabará la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales –Viva la Mamma para su posterior emisión en España y en los países de la Unión Europea de Radiodifusión (UER).

Las funciones de Viva la Mamma cuentan con el patrocinio de la Junta de Amigos del Teatro Real.

Entre el 2 y el 13 de junio, el Teatro Real ofrecerá 11 funciones de la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales (Le convenienze ed inconvenienze teatrali), de Gaetano Donizetti, nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra National de Lyon y el Grand Théâtre de Ginebra, donde ya fue presentada con gran éxito.

Esta ópera estrenada en Nápoles en 1827, perteneciente al primer período de la prolífica carrera de Gaetano Donizetti (1797-1848) y durante mucho tiempo olvidada, fue redescubierta en los años 60, y desde entonces viene cautivando a la audiencia. Su título, tan serio como poco atractivo, en nada sugiere la trama burlesca y crítica del libreto, la ironía del texto y la habilidad de Donizetti para burlarse de los cánones de la ópera seria y de la ópera buffa ­que entrelaza magistralmente­ y para caricaturizar musicalmente los personajes y situaciones, con chispa, agudeza y gran economía de medios.

El título Viva la Mamma, acuñado por el director de cine Helmut Käutner y reutilizado, con éxito, desde entonces, remite inmediatamente al eje de la trama jocosa de la ópera, en la que el personaje más histriónico es una matriarca ­¡interpretada por un barítono!­ que no se conforma con que su hija cantante sea la seconda donna de la ópera. Y mientras lucha, con todas sus malas artes, para otorgarle el protagonismo de una prima donna, aspira ella misma a tenerlo, a cualquier precio, peleándose por la interpretación de un papel a su medida.

Las conveniencias e inconveniencias teatrales es, pues, una crítica a los excesos y tiranía de los divos, sus mezquindades, envidias y luchas de poder; una parodia sobre las jerarquías en el seno de las producciones operísticas, con los creadores -compositor y libretista- subordinados a los caprichos de los cantantes, disposiciones de los empresarios y arbitrariedades del público.

En el género cómico, la ópera que se mira al espejo y se ríe de su propio mundo ha ocupado un importante lugar, como pasaría posteriormente con los musicales y en un ingente número de películas de Hollywood, que han contado los sueños, desengaños, ambiciones y espejismos del mundo del celuloide y del papel cuché.

Es precisamente ese universo centelleante de Broadway y de la fiebre modernizadora de los años 50 que sirve de inspiración a la producción creada por Laurent Pelly ­que también firma el vestuario­, con escenografía de Chantal Thomas, iluminación de Joël Adam.

Concebida como un flash-back, la trama se desarrolla en un parking construido en un espacio ­para siempre mágico­ que antes había ocupado un teatro de provincias, demolido sin contemplaciones. Por ahí desfilan los arrebatadores y excesivos personajes que antes brillaron en su escenario, como espectros henchidos de ternura y poesía con la pátina del tiempo. Un universo con claras reminiscencias del teatro de variedades y del célebre musical Follies, de Stephen Sondheim, que disfraza la autocrítica de diversión, la burla, de reflexión, siempre con una pizca de melancolía en la evocación de un pasado de luces y purpurina, que la epidemia ha alejado todavía más, como recuerda Joan Matabosch en su artículo del programa de mano (incluido en el dossier de prensa).

ACTIVIDADES PARALELAS

28 de mayo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

ENFOQUES: encuentro con Evelino Pidò y José Miguel Pérez Sierra (directores musicales), Laurent Pelly (director de escena), Stefano Rossomanno (musicólogo) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

8 y 9 de junio | Fundación SGAE, Sala Berlanga

CINE Proyección de Mamá cumple cien años -dirigida por Carlos Saura- y La noche que mi madre mató a mi padre –obra de Inés París-, dos comedias españolas con tintes negros, en torno a dos madres de personalidades altamente adictivas para el espectador.

Información: www.salaberlanga.com

8 de junio, a las 18.30 horas | Biblioteca Regional de Madrid

CONFERENCIA Bajo el título Gargantas de cristal con egos de hormigón, Joaquín Turina, el mejor conocedor de la historia del Teatro Real nos hará un recorrido a través del tiempo para conocer las manías, bulos, exigencias y caprichos de las divas que pasaron por el escenario de la plaza de Oriente.

Actividad gratuita

Información e inscripciones: www.madrid.org/bibliotecaregional

5, 19 y 26 de junio, a las 11.00 horas | Museo del Romanticismo

TALLERES DE IMPROVISACIÓN Como homenaje al teatro del XIX, el Museo propone una divertida actividad para niños entre 8 y 12 años titulada Saliendo del cuadro. Improvisando en el Museo. En ella, los participantes, además de descubrir a algunos autores de la escena española, conocerán técnicas y trucos que se utilizan sobre el escenario.

Actividad gratuita

Información e inscripciones: www.museodelromanticismo.es

Ignacio García-Belenguer

El director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, es el nuevo vicepresidente de Opera Europa, la organización que vela, en el ámbito de los países europeos, por el desarrollo y difusión del género lírico.

Opera Europa, a la que pertenecen todos los grandes teatros líricos del continente, ha celebrado esta mañana, de forma telemática, su asamblea general y, tras esta, su Consejo Ejecutivo –órgano máximo de gestión- ha procedido al nombramiento de García-Belenguer y al de la nueva presidenta, Anna Maria Meo (Teatro Regio di Parma), que sustituye a Birgitta Svenden.

En la reunión del Consejo se ha decidido también el nombramiento, a propuesta del Teatro Real, del director general del Gran Teatre del Liceu, Valentí Oviedo, como miembro de ese órgano de gestión.

Guy Coolen (Berliner Fetspiele) y Achim Sieben (Stadtische Buehnen Frankfurt) han sido designados nuevos miembros del Consejo, junto a Oviedo.

La elección, por 2 años, se produce en reconocimiento al activo apoyo del Teatro Real a la organización, a su decidido impulso de proyectos de colaboración e intercambio con teatros de todo el mundo, su esfuerzo por abrir y permanecer abiertos durante la pandemia, a la colaboración en proyectos audiovisuales y a su activo papel como puente entre las tres principales asociaciones de teatros de ópera del mundo: Ópera América, Opera Europa y Opera Latinoamérica.

El debate en la asamblea general celebrada hoy se ha centrado en la recuperación de la actividad de los teatros europeos, que en su gran mayoría permanecen cerrados desde hace un año.

Las nuevas tecnologías, la diversidad, el patrocinio, el mecenazgo y la participación de las nuevas audiencias son otros de los temas debatidos durante la mañana de hoy.

Uno de los asuntos principales ha sido cómo incentivar la participación de la sociedad civil y del sector empresarial en el mantenimiento de la actividad de los teatros de ópera y la gestación de oportunidades para los nuevos creadores.

El Teatro Real ha sido responsable de organización en España de dos reuniones de Ópera Latinoamérica, en el marco de la convención anual de Ópera Europa, celebrada en Madrid 2015, y de la primera reunión del World Opera Forum (WOF), en abril de 2018, en la que, además de las mencionadas asociaciones, participaron representantes de África, Asia y Oceanía, con la asistencia de más de 250 profesionales de distintos ámbitos profesionales.

Fotografía: Javer del Real

Nabucco Teatro Real

Todavía en medio de la conmoción social y las secuelas económicas provocadas por la pandemia, la 25ª temporada del Teatro Real después de su reinauguración, se presenta en un contexto más esperanzador, reivindicando la paulatina vuelta a la normalidad.

Es una programación ambiciosa y ecléctica con un recorrido por 5 siglos, que incorpora 10 nuevos títulos al repertorio lírico que el Teatro Real ha ido conformando a lo largo de su historia y que llegará este año a su temporada número 100.

Además de todas las actividades paralelas dentro y fuera del Teatro, de su oferta de cursos, talleres y proyectos con centros educativos, la Temporada 2021-2022, con gran variedad de épocas y estilos, está compuesta por 16 títulos de ópera, 3 programas de danza, 9 conciertos ­más los 6 que conforman Los domingos de cámara­; 8 producciones para niños y adolescentes enmarcadas en El Real Junior ­además de los 9 talleres infantiles ¡Todos a la Gayarre!­; y 5 proyecciones de producciones del Real dentro del ciclo Ópera en Cine.

En la programación de Ópera destaca el estreno absoluto de la ópera de Luis de Pablo, El abrecartas, a partir de la novela homónima de Vicente Molina Foix, libretista, una vez más, del compositor; y el estreno de la versión escénica de la ópera de cámara Las horas vacías, de Ricardo Llorca.

Junto a títulos populares del repertorio lírico, como Las bodas de Fígaro, La Cenerentola, Nabucco, El ocaso de los dioses, Lakmé o La bohème, se ofrecerán obras poco conocidas del barroco inglés como Parténope, de Georg Friedrich Händel (estreno en España) y Rey Arturo, de Henry Purcell, y 3 obras del siglo XX raramente interpretadas: Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger, El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev (estreno en España) y Siberia, de Umberto Giordano.

Cinco interesantes propuestas dramatúrgicas evidencian el sincretismo de la programación de ópera: la puesta en escena del oratorio Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger, y de la cantata La damoiselle élue, de Claude Debussy; el estreno absoluto de Extinción ­producción concebida a partir de dos misas del compositor barroco español Joan Cererols­; la miscelánea de fragmentos de ópera y danza del siglo XVII titulada El nacimiento del Rey Sol; o la propuesta híbrida del músico Rufus Wainwright, Hadrian, ‘belcantismo pop’ con fotografías de Robert Mapplethorpe.

 

PROGRAMACIÓN DE ÓPERA

La Cenerentola, de Gioachino Rossini

Coproducción de la Den Norske Opera de Oslo (2017) y la Opéra National de Lyon.

Inaugurará la temporada lírica el 23 de septiembre, precedida de un preestreno para jóvenes menores de 35 años, el 20 de septiembre. La puesta en escena de Stefan Herheim, que debuta en el Real, es una deliciosa y divertida lectura del drama giocoso de Rossini, con la presencia en el escenario del mismísimo compositor, que con esta partitura se despidió para siempre de la ópera buffa, género en el que fue insuperable.

Riccardo Frizza, especialista en repertorio italiano, contará con dos selectos repartos belcantistas, encabezados por las mezzosopranos Karine Deshayes y Aigul Akhmetshina y los tenores Dmitry Korchak y Michele Angelini.

23 septiembre – 9 octubre | 14 funciones | 2 repartos

Las horas vacías, de Ricardo Llorca | Estreno de la versión escénica | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con los Teatros del Canal y la colaboración de la New York Opera Society.

José Luis Arellano García es el responsable de la primera puesta en escena de esta ópera de cámara que indaga sobre la soledad de una mujer adicta a internet que confunde el mundo real y el imaginario, protagonizada por la soprano Sonia de Munck. La dirección musical es de Alexis Soriano.

9 noviembre – 14 noviembre | 5 funciones | Teatros del Canal

Parténope, de Georg Friedrich Händel | Estreno en España | Estreno el Teatro Real

Coproducción de la English National Opera (2008), la San Francisco Opera y la Opera Australia.

Cuatro pretendientes, uno de ellos travestido,­ luchan por la misma mujer en una ópera satírica, obscena, ágil y ligera, poco habitual en el catálogo haendeliano.

Ivor Bolton, especialista en este repertorio, estará al frente de dos repartos de cantantes ‘del universo barroco’ -como Brenda Rae, Sabina Puértolas, Iestyn Davies, Franco Fagioli, Anthony Roth Constanzo, Jeremy Ovenen o Juan Sancho– que darán vida a esta divertida comedia de enredo con la que el director de escena Christopher Alden conquistó el premio Oliver a la mejor producción operística en 2009.

13 noviembre – 23 noviembre | 9 funciones | 2 repartos

La bohème, de Giacomo Puccini

Coproducción del Teatro Real (2017), en coproducción con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago.

Se repone la producción concebida por Richard Jones en la que el espectador, transformado en voyeur, sigue las Escenas de la vida bohemia de los protagonistas, pero también los entresijos de las bambalinas y trabajos de backstage. Ermonela Jaho y Michael Fabiano, y Eleonora Buratto y Andeka Gorrotxategi, encabezan dos repartos corales que actuarán bajo la batuta segura y meticulosa de Nicola Luisotti.

12 diciembre – 4 enero | 15 funciones | 2 repartos

El ocaso de los dioses, de Richard Wagner

Producción de la Ópera de Colonia (2007).

Culmina la visionaria Tetralogía wagneriana con la alegoría ecologista ‘demasiado real’ de Robert Carsen y Patrick Kinmonth, en la que el capitalismo y el consumismo salvajes conducen a la devastación del planeta y a la extinción de la humanidad.

Pablo Heras-Casado culminará la saga al lado de cantantes como Andreas Schager, Ricarda Merbeth, Martin Winkler, Lauri Vasar o Stephen Milling.

26 enero – 27 febrero | 9 funciones

El Abrecartas, de Luis de Pablo, con libreto de Vicente Molina Foix | Estreno en el Teatro Real

Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real.

Vicente Molina Foix transforma en libreto la primera parte de su novela El abrecartas, caleidoscopio del mundo político, social y cultural español de la primera mitad del siglo XX, que funde lo íntimo y lo público, lo personal y lo histórico, a través de personajes anónimos y otros reales como Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Miguel Hernández o Eugenio D’Ors, a los que De Pablo da voz con una partitura de grandísima riqueza orquestal, llena de reminiscencias y evocaciones musicales que la harán más cercana al espectador que sus óperas anteriores. La dirección musical será de Fabián Panisello y la puesta en escena de Xavier Albertí –que debuta en el Real- con la complicidad de un gran reparto de cantantes españoles.

16 febrero – 26 febrero | 6 funciones

Lakmé, de Leo Delibes

El director inglés Leo Hussain será el encargado de la dirección musical de esta ópera tan representativa del exotismo orientalista y trágico de la ópera francesa decimonónica. Sabine Devieilhe interpretará el comprometido papel titular, al lado de Xabier Anduaga, Stéphane Degout y el resto del elenco.

1, 3 marzo| 2 funciones | Ópera en versión de concierto

El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Opernhaus de Zúrich (2017).

En esta intensa ópera que Prokófiev no pudo ver estrenada por la represión soviética, Renata, dificilísimo papel en el que se alternarán Austine Stundyte y Elena Popovskaya, busca a un extraño ángel de fuego, transformado en obsesiva pasión erótica, vivida entre una especie de triángulo amoroso, en el que no faltan el esoterismo, la locura y las emociones exacerbadas, que Calixto Bieito trata con un brillante artificio dramatúrgico y conceptual. En la dirección musical estará el español Gustavo Gimeno, con una imparable carrera internacional, que debutará en el Teatro Real al frente de un gran (y doble) reparto coral.

22 marzo – 5 abril | 10 funciones

Rey Arturo, de Henry Purcell | Estreno en el Teatro Real

El grupo vocal e instrumental belga Vox Luminis, con su director Lionel Meunier, es el ideal para revivir esta obra de Purcell de manera atractiva e imbuida de la atmósfera del barroco inglés, que saben recrear con gran esmero.

27 marzo | 1 función | Ópera en versión de concierto dramatizada

Extinción: Misa de Batalla y Misa pro defunctis de Joan Cererols | Estreno en el Teatro Real

Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Abadía y en colaboración con el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS).

La versátil Agrupación Señor Serrano y el Ensemble Nereydas, dirigido por Javier Ulises Illán, ofrecerán el estreno absoluto de una producción creada a partir de dos misas del siglo XVII de Joan Cererols presentadas con un poderoso discurso dramatúrgico y audiovisual, que reflexiona sobre el expolio de la naturaleza.

12 abril – 24 abril | 12 funciones | Teatro de la Abadía

Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Festival d’Aix-en-Provence.

El próximo 30 de junio se estrenará en el Festival d’Aix-en-Provence esta nueva coproducción con el Teatro Real, en la que la directora holandesa Lotte de Beer se sumerge en la parte más invisible de las relaciones entre los personajes, desvelando los secretos de la partitura con la complicidad de Ivor Bolton, gran director mozartiano, y de un doble reparto que destaca por la calidad musical y actoral de sus cantantes, tan necesaria para el éxito de esta genial comedia de enredo.

22 abril – 12 mayo | 13 funciones | 2 repartos

Siberia, de Umberto Giordano | Estreno en el Teatro Real

El director venezolano en alza Domingo Hindoyan, ‘hijo’ del Sistema de José Antonio Abreu, será el responsable de la dirección musical de esta ópera olvidada, en la que sobresale la fuerza dramatúrgica de Umberto Giordano, que utiliza las melodías rusas para reforzar la veracidad del drama.

6, 9 mayo | 2 funciones | Ópera en versión de concierto

La damoiselle élue, de Claude Debussy | Estreno en el Teatro Real

Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Oper Frankfurt (2017).

Àlex Ollé une el oratorio dramático de Honegger con texto de Paul Claudel y la cantata simbolista de Debussy a partir del poema homónimo de Dante Gabriel Rossetti a través del icono femenino de heroína y mártir, que vertebra ambas partituras, con discursos musicales casi antagónicos.

Juanjo Mena será el responsable de crear el universo musical de cada una de estas obras, en las que destaca la participación de la soprano Camilla Tilling, como La Damoiselle, en la primera, y de la actriz Irene Escolar, como Juana de Arco, en la segunda.

7 junio – 17 junio | 8 funciones

El nacimiento del Rey Sol, de varios compositores | Estreno en el Teatro Real

Esta deliciosa miscelánea de ópera y danza con obras de varios compositores del siglo XVII será recreada por el Ensemble Correspondances dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé.

19 junio | 1 función| Semiópera en versión de concierto

Nabucco, de Giuseppe Verdi

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opernhaus de Zúrich (2019).

Nabucco fue el primer título verdiano que sonó en el Teatro Real, en las pruebas acústicas previas a su inauguración. La ópera se estrenó en 1853 y se presentó en temporadas sucesivas, siempre con gran éxito, hasta 1871. Desde entonces no ha vuelto a ofrecerse en su sala. Ahora, 151 años después de la última función, regresa con dirección de escena de Andreas Homoki, que debutará en el Teatro Real.

Nicola Luisotti extraerá todo el jugo de la partitura, potenciando su riqueza dramatúrgica, en la que Verdi tiene ya rasgos del genio que florecería en obras posteriores. Tres elencos de grandes voces darán vida al popular drama verdiano situado en la Italia del risorgimento, con suntuoso vestuario de Susana Mendoza.

9 julio – 14 julio | 15 funciones | Teatro Real

Hadrian, de Rufus Wainwright | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

La desolación del emperador Adriano por la muerte de su joven amante Antínoo, que inspiró tantas grandes obras literarias y musicales, fue también la fuente de inspiración del cantautor canadiense Rufus Wainwright para su nueva incursión en el mundo de la ópera con la ayuda de Jorn Weisbrodt en la dirección de escena, apoyada en las potentes imágenes del mítico fotógrafo Robert Mapplethorpe.

27 julio | 1 función | Universal Music Festival | Versión de concierto semiescenificada

ÓPERAS DE LA TEMPORADA POR ORDEN CRONOLÓGICO DE CREACIÓN:

La PROGRAMACIÓN DE DANZA traerá al Teatro Real 3 compañías que representan diferentes universos coreográficos. El Ballet Nacional de España celebrará en nuestro escenario el Centenario de Antonio Ruiz Soler, ‘Antonio el Bailarín’, con un programa compuesto por coreografías de esta mítica figura de la danza española junto a otras de Rubén Olmo, actual director del BNE, y Carlos Vilán. Acosta Danza, compañía fundada por el gran nombre de la danza clásica, Carlos Acosta, rendirá homenaje a su Cuba natal a través de la mirada de algunos de los coreógrafos más relevantes del momento, entre los que figuran Sidi Larbi Cherkaoui y Russell Maliphant, entre otros. El broche de la temporada lo pondrá el Ballet Bolshói, que regresa al Teatro Real con uno de los títulos más emblemáticos de la danza clásica, La bayadera, en la versión de Yuri Grigorovich sobre el original de Marius Petipá.

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto en esta temporada por 6 conciertos protagonizados por algunos de los mejores artistas líricos del mundo: Juan Diego Flórez, Ana Netrebko y Yusif Eyvazof, Lise Davidsen y Leif Ove Andsnes (piano), Lisette Oropesa, Jakub Józef Orlinski y Bejun Metha.

Completan la oferta de CONCIERTOS los 6 que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA, y otras 3 interesantes propuestas. Bajo el título Rossini y España. Isabel Colbrán, la musa, la soprano Olga Syniakova y la directora de orquesta Lucía Marín, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, actuarán en la Fundación Juan March. El pianista Lang Lang será el protagonista del Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real y, una vez más, el Teatro Real acogerá el Concierto del Concurso Tenor Viñas, en el que intervendrán los ganadores de la 59ª edición del certamen, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Daniel Montané.

ÓPERA EN CINE afianza su espacio con un ciclo de 5 títulos que podrán verse en la sala principal, todos ellos grabados en su escenario: La pietra del paragone, de Gioachino Rossini (Alberto Zedda/Pier Luigi Pizzi); Alcina, de Georg Friedrich Händel (Christopher Moulds/David Alden); Idomeneo (Ivor Bolton/Robert Carsen); Rusalka, de Antonín Dvorák (Ivor Bolton/Christof Loy) y Aida, de Giuseppe Verdi (Nicola Luisotti/Hugo de Ana).

La programación infantil y juvenil tiene su espacio en EL REAL JUNIOR con 8 espectáculos para diferentes edades y distintos formatos como cuentos musicales, cine, danza y conciertos dramatizados, destinados al público familiar y a centros escolares.

La temporada más joven se inaugura el 3 de octubre, en la Sala Principal, con el desenfadado y alegre concierto Mozart Revolution, interpretado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, primer programa de promoción de jóvenes talentos organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real, todos ellos bajo la dirección de Rubén Gimeno, con guión y presentación de Ana Hernández Sanchís. El piano protagonizará dos citas mágicas de la temporada joven; por un lado, con la proyección de la película de animación Magic Chopin, por primera vez en España, con música en vivo interpretada por la pianista ucraniana Mariana Gurkova, y, por otro, con Piano sin límites, esta vez con la artista Karina Azizova al teclado, en el marco incomparable de la Sala de Orquesta. Ambos espectáculos serán guionizados y presentados por Fernando Palacios. Y recuperamos el homenaje a Beethoven, truncado por la pandemia, de la mano de Luis Piedrahita y la directora de orquesta Lucía Marín, al frente de la JORCAM, para interpretar sus obras en un concierto didáctico con el humor e ingenio del título ¡Alabín, alabán, a la Ludwig van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más!

En paralelo a las funciones de Acosta Danza, la compañía ofrecerá una cita única, a modo de clase magistral y de iniciación al mundo del ballet, destinada a todos los públicos, bajo el título Aprendiendo a volar. Y la ópera tendrá su protagonismo con La Cenicienta, de Pauline Viardot, con la participación de cantantes solistas del programa Crescendo.

La Sala Gayarre sigue siendo un lugar de referencia en el Real Junior. Regresa a su escenario Una sonrisa sin gato, espectáculo concebido por Ferrán Carvajal e inspirado en Alicia en el país de las maravillas, del que tanto han disfrutado este año los pequeños, y cerrará la temporada Juego de niños, donde la obra de Georges Bizet y los juegos tradicionales, de la mano de Fernando Palacios, ayudarán a comprender y escuchar mejor la música. Aquí también tendrán lugar las citas mensuales ¡Todos a la Gayarre!, para toda la familia, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera.

El PROGRAMA DE FORMACIÓN consolida sus cursos destinados tanto a universitarios como al público en general y abordará tanto la formación presencial como online.

En el apartado La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en: Parténope (noviembre), La bohème (diciembre-enero), El ángel de fuego (marzo-abril), Juana de Arco en la hoguera (junio).

Los Cursos relacionados con la temporada ofrecerán 4 monográficos denominados Comprender a… Rossini (La Cenerentola), Händel (Parténope), Wagner (El ocaso de los dioses) y Verdi (Nabucco).

La novedad de esta temporada serán los Cursos sobre danza, divididos en Conceptos fundamentales de la danza e Historia y teoría del flamenco. Proseguirán los cursos para estudiantes de educación superior dentro del programa La Universidad a Escena y los Cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura: Ópera y liderazgo I: el arte de trabajar con equipos de alto rendimiento, Ópera y liderazgo II: el arte de transformar retos en oportunidades y Fotografía de escena.

Además de estas propuestas formativas, EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, contará con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

Regresa al escenario del Teatro Real, tras el largo paréntesis forzado por la pandemia, el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL, que celebrará en verano su sexta edición, y FLAMENCO REAL consolida su ciclo de actuaciones en el Salón de Baile del Teatro Real, por cuarto año consecutivo.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones y la ampliación del catálogo de MyOperaPlayer.

LA TEMPORADA EN NÚMEROS

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 272 funciones: 124 funciones de ópera repartidas entre 16 títulos; 14 funciones de danza con 3 diferentes espectáculos; 15 conciertos de distintos formatos (6 conciertos de Voces del Real; 6 conciertos de Los domingos de cámara, 3 conciertos extraordinarios); 60 funciones de El Real Junior y 5 proyecciones de Ópera en Cine.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | Se ofrecerán 8 producciones del Teatro Real, incluyendo el estreno mundial de 1 una ópera (El abrecartas) y el estreno de 2 nuevas producciones (El abrecartas y Extinción); 10 títulos que nunca se han interpretado en el Teatro Real; 3 producciones invitadas ─La Cenerentola, Parténope, El ocaso de los dioses; y 5 propuestas en versión de concierto con distintas variantes, incluyendo 1 versión dramatizada (Rey Arturo) y 1 versión semiescenificada (Hadrian).

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina La Cenerentola; Endesa patrocina Parténope y Las bodas de Fígaro; Fundación BBVA patrocina La Bohème y Nabucco; Fundación Santander patrocina Juana de Arco en la hoguera y La damoiselle élue; y la Junta Amigos del Teatro Real patrocina El ocaso de los dioses.

OBRAS POR SIGLOS DE LA TEMPORADA DE ÓPERA | Habrá 3 producciones con obras del siglo XVII (Extinción, El nacimiento del Rey Sol y El Rey Arturo); 2 óperas del siglo XVIII (Parténope y Las bodas de Fígaro); 6 obras del siglo XIX (La Cenerentola, Nabucco, El ocaso de los dioses, Lakmé, La damoiselle élue y La Bohème); 3 obras del siglo XX (Siberia, Juana de Arco en la hoguera y El ángel de fuego); y 3 títulos del siglo XXI (Las horas vacías, Hadrian y El Abrecartas).

OBRAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS | Se presentarán 4 óperas italianas, 3 producciones españolas, 2 óperas germánicas (1 de ellas, Las bodas de Fígaro en italiano), 2 óperas inglesas (1 de ellas, de Händel -alemán afincado en Inglaterra-, en italiano), 3 producciones con obras francesas, 1 ópera rusa y 1 ópera estadounidense.

DANZA | Habrá 14 funciones protagonizadas por 3 compañías: Ballet Nacional de España, Acosta Danza y Ballet Bolshói.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está compuesta por 84 funciones –60 para todos los públicos y 24 para centros escolares- con 8 programas, incluyendo 18 talleres ¡Todos a la Gayarre!

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 4 talleres de Ópera al Descubierto, 4 cursos monográficos relacionados con la Temporada, 3 cursos de conocimientos generales sobre la ópera, 3 cursos sobre Conceptos fundamentales de la historia de la ópera, 3 cursos de formación en Artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura, 2 cursos de danza y 1 nueva edición del programa La Universidad a Escena.

JordiFrancés

Como “un músico apasionado y comprometido”. Así se define a sí mismo Jordi Francés (Banyeres de Mariola, Alicante), el director musical que a finales de mayo se pone al mando de un grupo de solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real de Madrid (Sinfónica de Madrid) y de un selecto reparto con el que compartirá protagonismo en el estreno absoluto de la ópera Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres basada en la obra teatral homónima (1944) de Max Aub. La ópera de cámara, un encargo del Teatro Real, se inscribe en la programación del coliseo madrileño en coproducción con el Teatro Español y verá la luz los días 29 y 30 de mayo y 1, 2, 4 y 5 de junio en la Sala Fernando Arrabal A de Naves del Español en Matadero de Madrid. “Es una obra muy exigente tanto desde el punto de vista vocal e instrumental como teatral”, afirma el director. “Se trata de una partitura extraordinariamente bien orquestada, en la que cada detalle está muy cuidado. Hay algunas partes muy exigentes, como es el caso del acordeón, el piano o la percusión, resultando una ejecución de enorme dificultad”.

Tránsito se estrena en una producción que escénicamente firma Eduardo Vasco; el figurinista es nada menos que el popular modista Lorenzo Caprile y en el reparto figuran Isaac Galán, María Miró, Anna Brull, Javier Franco y Pablo García López. Compuesta durante los meses del confinamiento, la ópera pone en música Tránsito, una obra de teatro escrita en 1944 cuando Max Aub se encontraba en el exilio en México y ambienta la acción en dos planos paralelos que se mezclan, el de la realidad y el de la fantasía que vive el protagonista en su mente. Tránsito, su amante mexicana, y Cruz, su mujer a la que deja en España huyendo de la Guerra Civil, encarnan estos dos ámbitos.

Para Francés, “musicalmente la ópera está planteada con una inteligencia tremenda; música y texto conviven y evolucionan de la mano. Además, Jesús ha logrado algo que no todos consiguen, unas líneas vocales en las que el castellano funciona tan bien para el canto como lo hacen otras lenguas de la tradición operística. Conozco a Torres desde hace 15 años, he estrenado diversas obras suyas y compartimos una muy buena química a la hora de trabajar. Es un creador con una fuerte personalidad y una gran determinación para hacer llegar al público las ideas que hay detrás de su música; esta virtud nos sitúa a los intérpretes en una tesitura muy potente y estimulante”, concluye.

El maestro alicantino, que debutó en la programación del Teatro Real en 2016 con Brundibar, lleva a sus espaldas una ascendente trayectoria en podios de importantes orquestas y teatros de Europa y América, afrontando un repertorio tanto operístico como sinfónico, clásico y de nueva creación. Ha dirigido conjuntos como la Orquesta Nacional de España, la de la Comunidad de Madrid, la de Valencia, la BBC Philharmonic, el Ensemble InterContemporain o la Sinfónica de Bilbao.

Entre otros compromisos, Jordi Francés regresará a Madrid el mes de junio para ensayar un programa con obras de Brahms y Schumann que dirigirá ese mismo mes, ante la Orquesta Freixenet, en Mérida.

Web Jordi Francés

Web Teatro Real

pablo garcía lópez

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de Pedro, el hijo del protagonista, se une al elenco de Tránsito, la primera ópera del compositor zaragozano Jesús Torres, basada en el texto homónimo de Max Aub, coproducción del Teatro Real y el Teatro Español, que se estrena el 29 de mayo en Matadero en Madrid.

Para Pablo García-López su participación en esta ópera de cámara supone “una experiencia única no solo por el hecho de cantar música actual sino por la posibilidad de trabajar en estrecha colaboración con el propio compositor, compartiendo ideas y visiones que contribuyen a ir perfilando el resultado final de un emocionante estreno absoluto”.

Tránsito está basada en la obra homónima de Max Aub de 1944 que aborda el tema del exilio republicano español y su conflicto entre el posible regreso o la permanencia en la nueva tierra. La ópera se desarrolla en un acto dividido en doce “instantes”, en los que el protagonista, Emilio, va interactuando con el resto de personajes durante una noche de duermevela.

Como explica el propio autor de la ópera, el papel de Pedro, uno de los cinco únicos de Tránsito, se adapta perfectamente al momento y características del tenor Pablo García López,. “En 2019, cuando Joan Matabosch y yo hablamos de los cantantes para mi ópera Tránsito, coincidimos en que Pablo García López era el tenor ideal para el rol de Pedro –explica Torres-. Por compromisos fuera de España, a Pablo no le fue posible estar en el inicio de este proyecto. Tres días antes del comienzo de los ensayos, y por enfermedad del sustituto, se volvió a solicitar desde el Teatro Real su participación y en esta ocasión sí que confirmó su presencia. Creo que ha sido una elección muy acertada –continúa el autor-. Pablo está en un momento radiante de su carrera, con un bellísimo timbre y potencia amplia, y en el rol de Pedro, el joven hijo de Emilio y protagonista de la ópera, aporta toda la carga expresiva necesaria para este personaje trágico”.

García López llega a este estreno tras su reciente participación en Manon Lescaut, de Puccini, en Baluarte de Pamplona, en enero y, su concierto “La Canción Española”, en el Gran Teatro de Córdoba el 3 de marzo. Entre sus próximos proyectos destacan su Basilio en “Las bodas de Fígaro” en la Ópera de Lausanne en noviembre y la presentación de su último disco, “Rutas”, en el Club Matador, de Madrid, el 21 de junio.

TRÁNSITO

Ópera de cámara, estreno absoluto

29 de mayo al 5 de junio de 2021, Sala Fernando Arrabal A, Las Naves del Español, Matadero

  • Música y libreto: Jesús Torres
  • Dirección musical: Jordi Francés
  • Dirección de escena: Eduardo Vasco
  • Isaac Galán (barítono) ‐ Emilio
  • María Miró (soprano) ‐ Cruz
  • Anna Brull (mezzosoprano) ‐ Tránsito
  • Javier Franco (barítono) ‐ Alfredo
  • Pablo García López (tenor) ‐ Pedro
  • Orquesta Titular del Teatro Real
Sergio de Lope

La llegada de Sergio de Lope a Flamenco Real supone un punto de inflexión en un ciclo dedicado al baile y en el que, en esta ocasión, dará a la música el total protagonismo de una velada en la que el intérprete y su grupo recogen los sonidos del origen, de la memoria y de la fuerza flamenca para despertar nuevas emociones con reminiscencias de jazz.

Anabel Moreno, bailaora de raigambre, pondrá todo su arte flamenco, curtido junto a grandes nombres como Lola Greco, Mario Maya o La Chunga, al servicio de un concepto musical único y diferente dentro del ciclo de la presente temporada.

Les acompañan en esta aventura Matías López “El Mati”, en el cante y la electrónica; David Caro con la guitarra flamenca; Daniel Arjona, en la guitarra eléctrica; Juanfe Pérez, bajo eléctrico, y Javier Rabadán, en la batería.

Sergio de Lope comienza sus estudios de saxofón con 8 años en el conservatorio, pero es a partir de los 16 años cuando decide iniciarse en la flauta travesera de forma autodidacta para tocar flamenco, mientras prosigue su formación hasta licenciarse en Flamencología en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba. Después llegarían los reconocimientos, como el primer premio del Concurso de Instrumentista Flamenco del 57 Festival Internacional del Cante de las Minas de la Unión o el galardón al Músico Emergente del Mediterráneo otorgado por la Berklee School of Music.

Su espíritu inquieto y el afán transformador, afianzado en las raíces más hondas, le han llevado a participar, junto a su grupo, en importantes encuentros internacionales como el Festival de Aix en Provence o el Festival Mugham de Bakú, de Azerbaiyán, y a actuar en centros como el Lyric Theatre de Johannesburgo, The Concourse, en Sydney; Elisabeth Murdoch Hall en Melbourne o el Festival Flamenco de Montreal.

En diciembre de 2015, publica su primer álbum titulado “Una noche en Utrera”, donde el cante clásico camina con los acordes del jazz, reinterpretando la pureza y exponiendo las vivencias más personales. Su siguiente proyecto, del que disfrutarán los asistentes a Flamenco Real, continúa en esta línea de trabajo, pero ahondando aún más en las raíces y reivindicándolas: “Si la música es la memoria del mundo, el flamenco es la memoria del pueblo andaluz. Ser de luz es un alegato a la memoria musical de los pueblos.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, la bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

Teatro Real

El Teatro Real ha recibido esta noche el International Opera Award 2021 a la Mejor Teatro de Ópera, que reconoce la calidad de la programación artística a lo largo de 2019 y ha recibido el homenaje de la profesión a una trayectoria que ha afianzado su proyección internacional convirtiéndole en uno de los teatros de referencia en el mundo.

El director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, ha agradecido el premio, en nombre de la institución, y alabado el esfuerzo de la organización para llevar a cabo esta gala, a pesar de las complicadas circunstancias actuales, por el respaldo que supone para todos y el estímulo para recuperar la normalidad lo antes posible. Sus palabras han tenido un emotivo reconocimiento para todo el equipo del Teatro Real, tanto para sus órganos de gobierno como para todos y cada uno de los trabajadores que “cada día, con tesón, profesionalidad e ilusión consiguen levantar el telón”.

En este sentido, la organización de los International Opera Awards ha realizado una mención especial al Teatro Real por el trabajo realizado durante la pandemia – el 1 de julio se convertía en el primer teatro del mundo en reabrir sus puertas y durante los meses siguientes fue el único con actividad escénica ininterrumpida- lo que le ha convertido en símbolo de fortaleza, creatividad y esfuerzo en el panorama internacional.

El Teatro Real competía en la categoría de Mejor Compañía de Ópera con la Royal Opera House (Londres), la Finnish National Opera (Helsinki), la Ópera de Frankfurt, Opéra Comique (París) y La Monnaie/De Munt (Bruselas), siendo la segunda ocasión en la que optaba como finalista a este premio (fue nominado en 2018).

El Teatro Real estrenó, en 2019, nuevas producciones de Idomeneo, de Mozart (con Ivor Bolton en la dirección musical y escénica de Robert Carsen, nominado también en esta edición como Mejor Director de Escena); Falstaff, de Verdi (con Daniele Rustioni y Laurent Pelly); Capriccio, de Richard Strauss (con Asher Fish y dirección de escena de Christof Loy) e Il Pirata, de Bellini (con Maurizio Benini y Emilio Sagi).

Ese mismo año inició la Tetralogía wagneriana con El oro del Rin (con Pablo Heras-Casado y Robert Carsen); se estrenó La Calisto, de Cavalli (con Ivor Bolton y David Alden); regresó Dido & Aeneas, de Purcell (Christopher Moulds/Sasha Waltz), y se presentaron títulos tan populares como Il Trovatore (Maurizio Benini / Francisco Negrín) y Don Carlo (Nicola Luisotti / David McVicar) de Verdi, y L’elisir d’amore, de Donizetti (MarcPiollet/Damiano Michieletto), además del estreno absoluto de Je suis narcissiste, de Raquel García Tomás.

En mayo de 2018 el Teatro Real obtuvo también cuatro nominaciones: Mejor Coro, Mejor Compañía de Ópera, Mejor Obra Recuperada (Bomarzo) y Mejor Nueva Producción por Billy Budd, consiguiendo el primer galardón para esta última, dirigida en la escena por la británica Deborah Warner y en el foso por Ivor Bolton, y con especial mención a la excelente interpretación musical de los solistas, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la presente edición, el Teatro Real había obtenido otras tres nominaciones en las categorías de Mejor Orquesta, con la Orquesta Titular del Teatro Real, Orquesta Sinfónica de Madrid; Mejor Estreno Absoluto, con la ópera Je suis narcisiste, de la compositora Raquel García Tomás, y Mejor Grabación Audiovisual por el DVD de Street Scene.

Esta noche hemos celebrado también el premio al Mejor Cantante Joven, otorgado a Xabier Anduaga, quién se encuentra estos días en el Teatro Real ensayando la ópera Viva la mamma, de Gaetano Donizetti, cuyo estreno tendrá lugar el próximo 2 de junio, en el que también participa el barítono Carlos Álvarez, uno de los cuatro finalistas a Mejor Cantante Masculino.

El Teatro Real quiere agradecer a todos: público, artistas, instituciones, patrocinadores y medios de comunicación, su apoyo decidido al proyecto cultural y artístico que, a lo largo de estos casi 25 años de trabajo desde su reapertura, le han convertido en uno de los teatros de ópera más importantes del mundo.

Capriccio

El próximo lunes, 10 de mayo se conocerán los ganadores de los International Opera Awards 2021 en una emocionante gala virtual, en la que se fallarán las candidaturas de 2019 , tras suspenderse la edición del pasado año debido a la pandemia, en los que el Teatro Real está nominado en las categorías de Mejor Teatro, Mejor Orquesta, Mejor Estreno Absoluto (Je suis narcisiste) y Mejor Grabación en DVD (Street Scene).

El formato en streaming no restará emoción al esperado anuncio de los ganadores en una ceremonia que también quiere rendir homenaje a la resilencia de la industria de la ópera durante los meses pasados, tan duros para todos, en los que el Teatro Real se ha convertido en símbolo de fortaleza, creatividad y perseverancia en el panorama internacional. Su proyección, dentro y fuera de nuestras fronteras, y la calidad de la programación artística a lo largo de 2019, le harán competir en la categoría de Mejor Compañía de Ópera frente a la Royal Opera House (Londres), la Finnish National Opera (Helsinki), la Ópera de Frankfurt, Opéra Comique (París) y La Monnaie/De Munt (Bruselas). Esta es la segunda ocasión en la que el Teatro Real opta a este premio.

El Teatro Real estrenó en 2019 nuevas producciones de Idomeneo, de Mozart (con Ivor Bolton en la dirección musical y escénica de Robert Carsen, nominado también en esta edición como Mejor Director de Escena); Falstaff, de Verdi (con Daniele Rustioni y Laurent Pelly), Capriccio, de Richard Strauss (con Asher Fish y dirección de escena de Christof Loy) e Il Pirata, de Bellini (con Maurizio Benini y Emilio Sagi).

Ese mismo año inició la Tetralogía wagneriana con El oro del Rin (con Pablo Heras-Casado y Robert Carsen); se estrenó La Calisto, de Cavalli (con Ivor Bolton y David Alden); regresó Dido & Aeneas, de Purcell, y se presentaron títulos tan populares como Il Trovatore (Maurizio Benini / Francisco Negrín) y Don Carlo (Nicola Luisotti / David McVicar) de Verdi, y L’elisir d’amore, de Donizetti, además del estreno absoluto de Je suis narcissiste, de Raquel García Tomás.

La Orquesta Titular del Teatro Real es, en la actualidad, una de las formaciones mejor valoradas por los grandes directores de ópera por su profesionalidad, versatilidad y entrega, cuyos valores musicales han conseguido el reconocimiento de la crítica y el aplauso del público, tras demostrar sus capacidades de interpretación en títulos desde Mozart a Wagner, de Verdi a Janáček, de Britten a Zimmermann.

Je suis narcissiste, es una ópera bufa de la compositora española Raquel García-Tomás, con libreto de Helena Tornero, en el que se denuncia, en clave de humor, el delirante narcisismo imperante en la sociedad actual. Con dirección musical de Vinicius Kattah y escénica de Marta Pazos, la ópera contó con la interpretación de las sopranos Elena Copons y María Hinojosa, el barítono Toni Marsol, el tenor Joan Ribalta y la Orquesta Titular del Teatro Real. Un apasionante proyecto con equipo esencialmente joven y femenino, que puso en pie una historia llena de frescura y cargada de humor negro en un proyecto en el que, por primera vez, colaboraban el Teatro Real y el Teatro Español, en coproducción con la Òpera de Butxaca i Nova Creació y el Teatro Lliure de Barcelona

El DVD grabado en el Teatro Real de Street Scene, de Kurt Weill, realizado en coproducción con Bel Air Classiques y ganador del prestigioso premio Diamant d’Opéra Magazine en diciembre de 2018, es uno de los nominados a la Mejor Grabación de una Ópera Completa. Street Scene, producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Colonia y de Montecarlo, fue estrenada en Madrid con dirección musical de Tim Murray y escénica de John Fulljames, quien recreaba la atmósfera de los años 40 neoyorquinos.

Las nominaciones reconocen también el trabajo de grandes voces de la lírica –Mejor Cantante Femenino y Mejor Cantante Masculino- muchas de las cuales han podido escucharse ya en distintas producciones del Teatro Real como Maria Agresta, Lisette Oropesa, Javier Camarena, René Pape, Carlos Álvarez o George Petean, entre otros. Entre los candidatos a Mejor Cantante Joven destaca la presencia del tenor español Xabier Anduaga, quien competirá con nuevas promesas del canto como Teresa Iervolino, Roberta Mantegna o Adela Zaharia, también conocidas por el público madrileño.

Tanto Carlos Álvarez como Xabier Anduaga están actualmente ensayando en el Teatro Real la ópera Viva la mamma, cuyo estreno tendrá lugar el próximo 2 de junio.

Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde el principio fueron consideraron los Oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas, y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.

En mayo de 2018 el Teatro Real obtuvo también cuatro nominaciones: Mejor Coro, Mejor Compañía de Ópera, Mejor Obra Recuperada (Bomarzo) y Mejor Nueva Producción por Billy Budd, consiguiendo el primer galardón para esta última, dirigida en la escena por la británica Deborah Warner y en el foso por Ivor Bolton, y con especial mención a la excelente interpretación musical de los solistas, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Fotógrafo: © Javier del Real / Teatro Rea

Consulta aquí todas las nominaciones a los premios y sus diferentes categorías.

Mejor Compañía de Ópera

– Finnish National Opera

– La Monnaie/De Munt

– Oper Frankfurt

– Opéra Comique

– Royal Opera House

– Teatro Real

Mejor Orquesta

– Bayerische Staatsoper / Bayerisches Staatsorchester

– La Fenice

– Le Concert d’Astrée

– Oper Leipzig / Gewandhausorchester

– Opera Vlaanderen

– Teatro Real

Mejor Estreno Absoluto

– García-Tomás: Je suis narcissiste (Teatro Real)

– Glanert: Oceane (Deutsche Oper Berlin)

– Kats-Chernin: Whiteley (Opera Australia)

– MacRae: Anthropocene (Scottish Opera)

– Nishimura: Asters (New National Theatre Tokyo)

– Reid: p r i s m (Beth Morrison Projects)
Schreier: Schade, dass sie eine Hure war (Deutsche Oper am Rhein)

– Venables: Denis & Katya (Opera Philadelphia)

 

Mejor Grabación Audiovisual

 

– Beethoven: Leonore (Harmonia Mundi)

– Gounod: Faust (Bru Zane)

– Moniuszko: Halka (Fryderyk Chopin Institute)

– Picker: Fantastic Mr Fox (Boston Modern Orchestra Project)

– Thomas: Hamlet (Naxos)

– Weill: Street Scene (Bel Air Classiques)

Peter Grimes

La nueva producción de Peter Grimes, de Benjamin Britten, actualmente en escena en el Teatro Real, con gran éxito de público y crítica, se podrá seguir en toda España el próximo fin de semana.

My Opera Player emitirá la penúltima función de la ópera, el viernes, 7 de mayo, a las 19.00 horas. Se trata de una ocasión única, ya que la ópera solamente se podrá ver en directo, tanto por los suscriptores como por quienes adquieran el ‘Ticket directo’. Una vez finalizada la función, la grabación no formará parte del catálogo de la plataforma.

Al día siguiente, sábado, 8 de mayo, a las 19.00 horas, Peter Grimes llegará a los países de toda Europa a través de la grabación realizada por Radio Clásica, de RNE el pasado 24 de abril, que será emitida en España y ofrecida a través de la UER (Unión Europea de Radiodifusión).

La nueva producción del Teatro Real, coproducida con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma, y estrenada el pasado 19 de abril, está teniendo una enorme repercusión nacional e internacional, no solo por su gran calidad artística como por el desafío que supuso llevarla a cabo en el actual contexto de pandemia.

Su equipo artístico ­­­-con Ivor Bolton en la dirección musical, Deborah Warner en la dirección de escena, Michael Levine en la escenografía y Kim Brandstrup en la coreografía- es el mismo que triunfó en 2017 con Billy Budd, también de Britten, convertida en la producción más premiada del Teatro Real.

En el reparto coral de esta ópera destacan, en sus respectivos papeles, el tenor Allan Clayton como Peter Grimes, la soprano Maria Bengtsson como Ellen Orford, y el barítono Christopher Purves como Capitán Balstrode, secundados por Clive Bayley (Swallow), Jacques Imbrailo (Ned Keene), Catherine Wyn-Rogers (Auntie), John Graham Hall (Bob Boles), Rosie Aldridge (Mrs. Sedley), James Gilchrist (Rev. Horace Adams), Barnaby Rea (Hobson), Rocío Pérez (sobrina primera) y Natalia Labourdette (sobrina segunda).

El Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en esta ópera un importante cometido tanto musical como dramatúrgico, así como la Orquesta Titular del Teatro Real, que vuelve a sumergirse en la colosal música de Benjamin Britten bajo la batuta de su director musical, Ivor Bolton.

En esta ópera magistral, los habitantes de un pequeño pueblo costero, cuya dura vida transcurre bajo el influjo implacable del mar, se enfrentan, sentencian, calumnian y humillan a un pescador hosco y violento que anhela torpemente integrarse en esa sociedad que lo desprecia. La pregunta que late a lo largo de todo el drama -¿es Peter Grimes el asesino de un niño?- desencadena muchas otras, de gran hondura, a las que Britten no contesta, aunque su música trata siempre con una conmovedora compasión a los seres marginados y solitarios.

Para mostrar en toda su crudeza el drama de Peter Grimes, estigmatizado en una sociedad que crea sus propios monstruos, Deborah Warner, con la complicidad del escenógrafo Michael Levine, ha situado el drama en una población muy pobre de la costa de Suffolk. Ahí permanecen la misma línea del horizonte, la furia del mar y la playa de guijarros que inspiraron la poesía de Crabbe y la ópera de Britten. Pero la miseria y el desamparo de sus gentes en la actualidad son fundamentales en la puesta en escena, en la que sobresale el meticuloso trabajo de Warner, que explora siempre la hondura psicológica de los personajes.

© Javier del Real | Teatro Real

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Peter Grimes, del rumor a la destrucción
Peter Grimes
Benjamin Britten (1913-1976)
Ópera en un prólogo y tres actos
D. musical: Ivor Bolton; D. escena: Deborah Warner; Escenógrafo: Michael Levine; Figurinista: Luis Carvalho; Iluminador: Peter Mumford; Diseñador de vídeo: Will Duke; D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Allan Clayton, Maria Bengtsson, Christopher Purves, Catherine Why-Rogers, Hohn Graham-Hall, Clive Bayley, Rosie Aldridge, James Gilchrist, Jacques Imbrailo, Barnaby Rea, Rocío Pérez, Natalia Labourdette, Saúl EsguevaLas teorías de masas han sido siempre un atractivo objeto de estudio para sociólogos y psicólogos. Pero no solo despiertan la curiosidad de investigadores en la materia. Como punto de partida para los movimientos de masas, existe un elemento que funciona como catalizador, el rumor. Los rumores se asocian a la defensa de la identidad social (Rouquette, 1997). Generalmente evocan consecuencias o resultados negativos o temidos y su puesta en circulación es una forma de validar prejuicios y estereotipos. Cuando existe una situación crítica, nace la necesidad de construir una referencia afectiva común, siendo el rumor un vehículo eficaz de cohesión social. Participar en la difusión de un rumor y validarlo, aumenta la percepción de pertenencia al grupo.
Peter Grimes es el personaje ideal para poner en marcha la rumorología cohesionadora de uno de los protagonistas de la obra, Borough. El pueblo imaginario de la costa del condado de Suffolk, lugar de nacimiento del compositor, y cuya situación socioeconómica puede ayudar a explicar el comportamiento de una sociedad en contra del diferente, que en este caso no es precisamente un personaje con el que se pueda empatizar. Es oscuro, atormentado, desconfiado, solitario y desabrido, que vive al margen de toda norma social y despierta la desconfianza de los que le rodean.Esta obra fue un encargo realizado por Sergei Koussevitzkt, director de la Orquesta Sinfónica de Boston, durante la estancia de Britten en EEUU, entre 1939 y 1942. Está basada en el libreto de Montagu Slater, inspirado a su vez en el poema de la colección de The Borough (1810) de George Crabbe.De regreso a Inglaterra, tras su decepcionante estancia en EEUU, Britten se puso manos a la obra con su nuevo proyecto que se estrenó apenas un mes después del final de la Segunda Guerra Mundial, en un ambiente de euforia por la victoria. En esta obra Britten trata un tema recurrente en muchas de sus óperas, el drama de personajes marginales que se enfrentan a sociedades hipócritas. Una situación que el propio Britten conocía muy bien.

Peter Grimes no se estrena en el Teatro Real hasta noviembre de 1997, tras su reapertura. Aunque es una ópera que ya forma parte del repertorio en muchos teatros, su programación sigue siendo una decisión valiente, pues supone un desafío incómodo por la crudeza de los temas que trata.

Ahora llega de nuevo al Real el título más conocido de Britten, después de haber dedicado a este compositor un importante espacio en los últimos años, desde Muerte en Venecia, pasando por Gloriana y el premiado Billy Budd. Y lo hace escénicamente de la mano maestra de Deborah Warner.

Warner ha situado la escenografía en la actualidad. Como siempre en los trabajos del tándem Warner – Levine, la elegancia está presente incluso en los más sórdidos decorados. La escena inicial del pueblo con sus linternas buscando a Grimes es magistral. La dirección de actores y los movimientos que se desarrollan sobre el escenario a cargo de Kim Brandstrup están muy cuidados, son perfectos. Igual que la extraordinaria iluminación de Peter Mumford. Todas las atmósferas que crean resultan emotivas y turbadoras. Nada está situado al azar ni de manera frívola o gratuita. Todo tiene sentido para describir el puerto, lleno de aparejos y cajas en perfecto desorden. O la taberna, un lugar caótico y cochambroso en el que los habitantes del pueblo van entrando a oleadas, al ritmo que marca la tormenta y donde, por supuesto, tampoco es bien venido el protagonista que, de cara a la puerta y de espalas a todos, interpreta “now the great bear and pleiades”, creando uno de los momentos más emotivos.

Los famosos seis interludios tienen su protagonismo, tanto en lo musical como en lo escénico. Sirven para reflexionar, a veces sobe los personajes, a veces sobre la acción, pero siempre creando una atmósfera especial.

Al frente de la Orquesta, un Ivor Bolton que, como ya hizo en Gloriana y Billy Budd, demuestra ser un gran especialista en Britten. Supo poner a la orquesta al servicio del drama, en una perfecta coordinación con la escenografía. Tal vez ese equilibrio entre foso y escenario fuera la causa de la lentitud orquestal en algunos momentos. Pero la calidad del sonido, sobre todo en alguno de los interludios, estuvo a un nivel muy alto.

El Coro, uno de los personajes principales en esta obra, tiene una participación brillante en esta producción. Además del esfuerzo que viene haciendo al tener que cantar con mascarilla, realiza de manera intachable su papel depredador y amenazante. Tiene momentos sobresalientes, como en la última escena.

El cuadro de cantantes ha estado a una altísimo nivel. La calidad de todos ellos ha creado un conjunto muy equilibrado y compacto, combinando magníficos cantantes con asombrosos actores.

Allan Clayton interpretó un Peter Grimes excepcional. El dramatismo de su actuación construyó el personaje más idóneo, sin excesos ni histrionismos. Su voz fresca acompañó con gran sensibilidad los momentos de mayor intimidad de Grimes, que fueron los más destacados. Supo resaltar esa parte más vulnerable e íntima del rudo personaje. A este lirismo tal vez le ayuden sus orígenes barroquistas. Sin duda fue el triunfador de la noche.

Maria Bengtsson fue una conmovedora Ellen Orford, la recién llegada y también diferente y extraña a ojos del pueblo. Su voz ligera dotó al personaje de una gran delicadeza. Destacó también en la parte dramática, enamorada de Grimes y siempre atenta y tierna con el malogrado aprendiz.
Otra de las voces más destacadas ha sido la de Christopher Purves. Un Capitán Balstrode que entiende perfectamente a Grimes y le aprecia, pero sabe también que no debe traspasar la delgada línea que haría ponerse en contra a todo el pueblo. En el plano vocal estuvo a un nivel muy alto. Con una voz homogénea y un timbre cálido, como su personaje.

Catherine Wyn-Rogers como Auntie, la irritante dueña de la taberna cuya voz estuvo perfectamente ajustada al rol y su interpretación fue impecable.

La Sedley de Rosie Aldridge también brilló en la interpretación. Creó el personaje perfecto de cotilla del pueblo, de donde parten casi todos los rumores. Tan solo en algunos momentos quedó tapada por la orquesta.

James Gilchrist dio vida al reverendo Adams, el desagradable representante de la iglesia con un comportamiento impostado y ampuloso. Su timbre tenoril encajaba bien en el personaje. También fue acertada la interpretación de John Graham-Hall como Bob Boles, el histriónico personaje que supo caracterizar de manera impecable. Resaltar también a Jacques Imbrailo, que fue el flamante Billy Budd de 2017 y aquí ha interpretado a Ned Keene.

Las dos únicas españolas del reparto, pues todos eran británicos, has sido Rocío Pérez y Natalia Labourdette, como las sobrinas de la dueña de la taberna. Ambas supieron estar al nivel del resto del reparto.

Nuevo éxito del Teatro Real con este Peter Grimes, una ópera nada fácil, ni para los que la llevan a cabo, ni para el público, que salió entusiasmado del Teatro. Pero nada es fácil en estos tiempos. Y para desafíos y aciertos, el Teatro Real.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Teatro Real y My Opera Player

El Teatro Real y la Escuela Superior de Música Reina Sofía han firmado un acuerdo de colaboración gracias al cual los usuarios de la plataforma audiovisual My Opera Player podrán disfrutar de nuevos contenidos musicales y didácticos interpretados por quienes representan el futuro de este arte universal.

Esta iniciativa, que amplía el vínculo que une a ambas instituciones desde hace largo tiempo y refuerza el proyecto conjunto para la difusión de la música y las artes escénicas, ofrece la doble oportunidad de escuchar, por un lado, los conciertos en los que participan los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y, por otro, descubrir detalles de técnica interpretativa a través de clases magistrales ofrecidas por reconocidos profesionales como el violonchelista Asier Polo (antiguo alumno de la Escuela), el violinista Oliver Wille, el clarinetista Pascal Moraguès (profesor de la Escuela) o grandes figuras del canto como el tenor Javier Camarena o el barítono Leigh Melrose.

El Teatro Real quiere comprometerse aún más en su apuesta por el talento y el público joven, siendo altavoz del proyecto docente de una de las escuelas de música más importantes del mundo a través de los conciertos grabados en el Auditorio Sony de la Escuela Reina Sofía, en Madrid, y en el Centro Botín de Santander, entre otros. Conciertos sinfónicos, música de cámara, recitales y sesiones líricas mostrarán el trabajo de los nuevos músicos.

La programación está disponible en My Opera Player a partir de hoy, viernes 30 de abril, con la presentación de dos conciertos interpretados por los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía para el Ciclo Jóvenes Talentos de la Fundación Banco Sabadell, con Vincenzo Bellini y Antonín Dvorák como protagonistas, y una sesión denominada “Reencuentro musical con vistas al mar” en el que participan la extraordinaria pianista Pallavi Mahidhara – antigua alumna de la Escuela- y el joven violonchelista Hayk Sukiasyan.

Además de las actuaciones musicales, los contenidos se completarán con las dos primeras clases magistrales; una de ellas a cargo de Asier Polo, en la que desvelará la esencia de Brahms y sus códigos, y otra impartida por el violinista y cofundador del Kuss Quartett, Oliver Wille, quien compartirá sus conocimientos sobre Beethoven.

Los contenidos se irán incrementando en los próximos meses, con nuevas grabaciones y actividades docentes, que permitirán ampliar los conocimientos musicales y la diversidad de sus intérpretes.

María Moreno

“Me gusta sentirme, pero no verme, me gusta bailar. Yo, bailo”. Con esta firmeza se define la bailaora María Moreno, protagonista de la próxima sesión de Flamenco Real, que tendrá lugar el 6 de mayo, en la que irá componiendo piezas de un mosaico único y original que la definen como artista y, un poco también, como persona.

Nacida y formada en Cádiz, en el Conservatorio Profesional de Danza de la ciudad, Moreno está ya consolidada como uno de los puntales de una generación de flamencos que han aprendido la técnica hasta dominarla, que han buscado los detalles de los maestros para definir la esencia, pero que han sabido encontrar su propio lenguaje sin desvirtuar lo que están haciendo, el baile flamenco.

El Premio Artista Revelación del Festival de Jerez en 2017, el Giraldillo de la Bienal de Sevilla en 2019 y premio Giraldillo al Momento Mágico de la última edición del certamen sevillano, son el respaldo definitivo a una carrera forjada por maestros como Javier Latorre, Rafaela Carrasco, Antonio Canales y Eva Yerbabuena, siendo esta última su referente, inspiración y apoyo en su camino en solitario. Con la compañía de Yerbabuena participa en algunos de los espectáculos más emblemáticos de la bailaora y coreógrafa, y colabora con grandes artistas flamencos como Miguel Poveda, José Mercé, Marina Heredia y Arcángel, entre otras figuras.

En su presentación en Flamenco Real, Moreno estará acompañada por la guitarra de Óscar Lago y el cante de Pepe de Pura, junto a las palmas de Roberto Jaén.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, la bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

®Pablo Padira_fotografo

Piotr Beczala

El Teatro Real cerrará su ciclo de Las Voces del Real con el concierto protagonizado por el tenor Piotr Beczala, sin duda una de las grandes estrellas del mundo de la lírica actual, que tendrá lugar el próximo sábado, 1 de mayo, a las 19.30 horas, y en el que estará acompañado por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Łucasz Borowicz.

Su cuidado en la elección del repertorio, su flexibilidad vocal, su dominio de la técnica y el color de la voz le han convertido en el gran deseado por los teatros más importantes del mundo, por los que transita con inusual sencillez y trato cálido.

Para su cita en Madrid, Beczala ha contado en el programa con una importante presencia de compositores procedentes de Polonia, su país de origen. Autores menos conocidos por el gran público como Stanislaw Moniuszko, padre de la ópera polaca; Władysław Żeleński, el gran representante del neorromanticismo en su país, o el laureado Feliks Nowowiejski, por citar algunos.

No faltarán, sin embargo, arias de óperas como Turandot, de Puccini, o Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, y Andrea Chenier, de Umberto Giordano, autores con los que el tenor se adentra en el territorio verista en el camino de evolución natural de su voz, sin perder el dominio y el brillo de su amplio registro, pero dotándola ahora de mayor expresividad dramática, como muestra el disco grabado el pasado año en el que hace ya suyos los roles que han de venir.

Nacido en Varsovia, Łucasz Borowicz ha sido director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio Polaca entre 2007 y 2015, conjunto con el que debutó como director de ópera con Don Giovanni y es director invitado principal de la Poznań Philharmonic desde 2006.

Fotografías de © Javier del Real / Teatro Real

Una_Sonrisa_Sin_Gato

Inspirado en el maravilloso cuento de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, llega al Real Junior una delicada y colorida propuesta para los más pequeños: Una sonrisa sin gato, nueva producción para el Teatro Real en la que se darán la mano danza, teatro, música y fantasía, los días 17, 18 y 24 de abril y 1, 2, 8 y 9 de mayo, en sesión doble, a las 12.00 y a las 17.00 horas.

A lo largo de casi una hora, los pequeños –la función está concebido para niños a partir de 4 años- reconocerán muchos de los personajes que intervienen en el mítico cuento: el Conejo Blanco, la Reina de Corazones, el Sombrerero loco y por supuesto, el Gato de Cheshire, cuya sonrisa permanecía flotando en el ambiente cuando el felino ya había desaparecido y que tanto sorprendía a Alicia.

El espectáculo ha sido concebido por el polifacético Ferrán Carvajal, responsable de la dirección escénica, dramaturgia y coreografía. A través de su singular visión artística acompañamos a la protagonista en el descubrimiento de un mundo nuevo, en el que se adentra empujada por su curiosidad y sus ganas de entender el mundo, a través de una desbordante fantasía.

Completan el equipo artístico Elisa Sanz, creadora de la escenografía y el vestuario; Eduardo Bartrina, en la iluminación y los intérpretes bailarines Daniel Arancibia, Sara Sanz y Anna Serra.

La música de José Luis Greco, camino y banda sonora de esta historia, será interpretada por el violinista Alejandro González Romero, la flautista Olga Ramón Chiquero y los percusionistas Robert Úbeda Bordería y Elezar Higuera Barragán, todos ellos solistas de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.

Peter Grimes

Entre el 19 de abril y el 10 de mayo, el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de Peter Grimes, de Benjamin Britten, nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma.

En esta ópera magistral, los habitantes de un pequeño pueblo costero, cuya dura vida transcurre bajo el influjo implacable del mar, se enfrentan, sentencian, calumnian y humillan a un pescador hosco y violento que anhela torpemente integrarse en esa sociedad que lo desprecia. La pregunta que late a lo largo de todo el drama -¿es Peter Grimes el asesino de un niño?- desencadena muchas otras, de gran hondura, a las que Britten no contesta, aunque su música trata siempre con una conmovedora compasión a los seres marginados y solitarios.

Cuando en 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Benjamin Britten (1913-1976) y su inseparable pareja, el tenor Peter Pears, se encontraban en California, descubren la obra del poeta inglés George Crabbe (1754-1832) que, como Britten, había nacido en un pueblo de la costa de Suffolk, escenario de todas sus historias. Fue tal la identificación y empatía de Britten con ese mundo tan cercano y añorado, que decide volver a Inglaterra impulsado por un revelador sentimiento de pertenencia y arraigo que lo llevan a fijar su residencia, para siempre, en esas tierras a orillas del mar del Norte. Allí mismo vive también el desdichado Peter Grimes, personaje del poema The Borough, de Crabbe, que Britten decide transformar en una ópera, esbozada, con la ayuda de Pears, durante la travesía en barco que los dos hicieron de vuelta a su patria.

En Inglaterra, donde la homosexualidad estaba penalizada, les esperaba una vida difícil en la que tendrían que esconder su amor de la sociedad bien pensante. Este hecho subyace en la ópera y en casi toda la producción operística de Britten, protagonizada por seres insondables, oscuros, a los que se contraponen generalmente víctimas inocentes.

Para mostrar en toda su crudeza el drama de Peter Grimes, estigmatizado en una sociedad que crea sus propios monstruos, Deborah Warner, con la complicidad del escenógrafo Michael Levine, ha situado el drama en una población muy pobre de la costa de Suffolk. Ahí permanecen la misma línea del horizonte, la furia del mar y la playa de guijarros que inspiraron la poesía de Crabbe y la ópera de Britten. Pero la miseria y el desamparo de sus gentes en la actualidad son fundamentales en la puesta en escena, en la que sobresale el meticuloso trabajo de Warner, que explora siempre la hondura psicológica de los personajes.

Para ello cuenta con un reparto en el que destacan el debut, en sus respectivos papeles, del tenor Allan Clayton (Peter Grimes) y de la soprano Maria Bengtsson (Ellen Orford), y la vuelta al Teatro Real del barítono Christopher Purves (Capitán Balstrode), protagonista del estreno mundial de The Perfect American, de Philip Glass, en 2013 y de Written on Skin, George Benjamin, en 2016.

También vuelven al Real dos intérpretes que actuaron en Billy Budd en 2017: Jacques Imbrailo, protagonista de la ópera en 2017 y que ahora interpreta el papel de Ned Keene, y Clive Bayley como Swallow. Les acompañan Catherine Wyn-Rogers (Auntie), John Graham Hall (Bob Boles), Rosie Aldridge (Mrs. Sedley), James Gilchrist (Rev. Horace Adams), Barnaby Rea (Hobson), Rocío Pérez (sobrina primera) y Natalia Labourdette (sobrina segunda).

El Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en esta ópera un importante cometido tanto musical como dramatúrgico. Actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de su director musical Ivor Bolton.

Benjamin Britten ha ocupado un lugar privilegiado en la programación del Teatro Real desde su reapertura. En 1997, dos meses después de la reinauguración, Peter Grimes obtuvo un gran éxito, en una producción con dirección escénica de Willy Decker procedente del Teatro de La Monnaie de Bruselas, con su coro y orquesta titulares dirigidos por Antonio Pappano. Le han seguido el Sueño de una noche de verano (2005/2006), La violación de Lucrecia (2007/2008), Otra vuelta de tuerca (2010/2011), Muerte en Venecia (2014/2015), Billy Budd (2016/2017), Gloriana (2017/2018) y las obras infantiles El pequeño deshollinador (2004/2005, 2005/2006 y 2007/2008) y El diluvio de Noé (2007/2008).

Todas estas obras dan fe del inmenso talento musical y dramatúrgico de Benjamin Britten como compositor operístico, que ha expresado a través de sus personajes los dramas, sueños, traumas, pasiones e inquietudes más hondas e inconfesables del individuo, con una profunda compasión por las miserias de la condición humana.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Patio Butacas

En el marco de apertura a otras audiencias, el Teatro Real lanza en su canal de YouTube Aventura en el Real, una iniciativa para todos los públicos protagonizada por los youtubers y divulgadores Jaime Altozano y Ter, ambos miembros del Comité Joven del Teatro Real, quienes, a través de un juego de vídeos interactivos, explorarán y descubrirán las diferentes zonas del teatro y sus secretos, ofreciendo a los ganadores la posibilidad de participar en un sorteo final de distintos premios vinculados con el mundo de la música y la lírica. El concurso permanecerá activo hasta el 20 de abril.

Se trata de la primera iniciativa dentro del proyecto de intensificación de contenidos divulgativos en el Canal YouTube del Teatro Real dirigido a todos los públicos pero, de forma especial, a nuevas audiencias y a quienes se están iniciando en el mundo de la ópera.

Uno de los puntos más destacados de este proyecto será la emisión en el canal de YouTube del Teatro Real de encuentros con artistas y creadores y de algunos de los títulos más emblemáticos de la historia del Teatro como La traviata, Lucia di Lammermoor, Il trovatore, o Madama Butterfy.

La oferta de óperas en streaming se enmarca en la ambiciosa política divulgativa y audiovisual del Teatro Real, que tiene en MyOperaPlayer, plataforma pionera en España en difusión audiovisual lírica, su principal activo y que cuenta con el patrocinio de Telefónica y Endesa. La plataforma posibilita el acceso a una amplia videoteca, con más de 150 títulos, que se enriquece con lanzamientos mensuales y con emisiones de óperas en directo.

Asimismo, el Teatro lanzará nuevas colecciones dentro de su página en Google Arts & Culture, plataforma de la que forma parte desde su lanzamiento en España en 2015. A lo largo de este año se desarrollarán nuevos contenidos, imágenes, vídeos y actividades que completarán la exposición online de la que está considerada la primera institución española de las artes escénicas y musicales, e iniciativas tipo “Quiz” en las que se desvelarán las claves y curiosidades de los procesos creativos que tienen lugar en el Real, desde la creación de un espectáculo (estudios, ensayos, preparaciones técnicas) a las experiencias artísticas o los detalles históricos.

Para los que dan sus primeros pasos como curiosos o aficionados a la lírica y a la música escénica, se han preparado contenidos especiales denominados Conceptos y ritos no escritos en la experiencia de la ópera.

En la actualidad se puede acceder a la visita virtual que explora gran parte de los 77.000 m2 del edificio, gracias a la tecnología Street View, que captura imágenes 360º de alta calidad, y que transita tanto por espacios públicos (sala principal, salones) como por lugares inaccesibles como el escenario, los talleres, salas de ensayo y el tejado, desde el que se disfruta de la espectacular vista panorámica.

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