El Teatro Real presenta, entre el 24 de junio y el 23 de julio , 18 funciones de la aclamada producción de La traviata , de Giuseppe Verdi, con dirección escénica de Willy Decker , que estaba prevista para clausurar la temporada 2019-2020 pero que, debido a las restricciones provocadas por la pandemia fue reemplazada por una versión escénica que se adaptaba a las a las estrictas medidas de seguridad sanitaria de entonces.
Este verano La traviata volverá finalmente al Real con la celebrada producción de la Ópera Nacional holandesa (Dutch National Opera & Ballet) que “arrasó” en 2005 en el Festival de Salzburgo y que sigue triunfando en los teatros de todo el mundo 20 años después de su estreno.
En su novela La dama de las camelias – inspirada en la vida lujuriosa de Marie Duplessis (1824-1847) , famosa y bella cortesana amante de artistas y bohemios en el París decimonónico – , Alejandro Dumas Hijo (1824-1895) comienza la obra con la muerte de la protagonista, cuyo fallecimiento por tuberculosis, a los 23 años, le había impresionado profundamente. Él, como Franz Liszt y tantos otros intelectuales, nobles o artistas, se había dejado seducir por los encantos y el savoir faire de la joven.
Siguiendo la misma estructura de la novela, Giuseppe Verdi (1813-1901) –entonces víctima, también él, de los chismorreos por su relación ilícita con la soprano Giuseppina Strepponi– inicia su ópera con el tema de la agonía de Violetta, que vuelve a aflorar con toda su intensidad, emoción y congoja al término de la partitura, en su larga y conmovedora despedida. Entre el inicio y final de la obra Verdi salta, “deforma” o trasciende muchos de los clichés de la estructura operística romántica para conceder autenticidad al drama, privilegiando el perfil psicológico de los personajes –y su complejidad, como en el caso de la protagonista– en detrimento de la unidad estilística y formal de la ópera, sin renunciar a su impresionante inspiración melódica.
En la decoración diseñada por Wolfgang Gussmann – con una estructura semicircular donde transcurre la vida truncada de Violetta Valéry – , un gran reloj marca la “cuenta atrás” que tarde a lo largo de toda la ópera, donde la presencia fantasmal del doctor Grenvil evoca el acecho de la muerte, que la protagonista asume desde el inicio con una actitud ambivalente, magníficamente plasmada por Verdi y también por Willy Decker , en su inquietante dramaturgia.
En el Teatro Real la dirección musical será del húngaro Henrik Nánási y también de Francesc Prat –que dirigirá las funciones del 1 y 10 de julio–, al frente de tres distintos repartos de grandes voces encabezados por las sopranos Nadine Sierra y Adela Zaharia (Violetta Valéry); los tenores Xabier Anduaga , Iván Ayón Rivas y Juan Diego Flórez (Alfredo) y los barítonos Luca Salsi , Artur Ruciński y Gëzim Myshketa (Giorgio Germont) en los papeles principales, secundarios por Giacomo Prestia (Doctor Grenvil), Karina Demurova (Flora Bervoix), Gemma Coma-Alabert (Annina), Albert Casals (Gastone), Tomeu Bibiloni (El barón Douphol), David Lagares (El marqués de Obigny) y Joan Laínez (Giuseppe), entre otros.
Desde la reinauguración del Teatro Real se han ofrecido 61 funciones de La traviata : 18 con Jesús López Cobos y Pier Luigi Pizzi (2003 y 2005); 16 con Renato Palumbo y David McVicar (2015); y 27 con Nicola Luisotti y Leo Castaldi (2020). A estas se sumarán ahora las 18 funciones con la icónica producción concebida por Willy Decker, con una nueva perspectiva del drama lacerante de Violetta Valéry, muchas veces atenuado con producciones que lo trivializan, alejan o dulcifican.
El Teatro Real lanza una aplicación móvil para facilitar la compra de entradas
El Teatro Real acaba de lanzar una aplicación móvil desarrollada por Telefónica, sus principales mecenas tecnológicas, parafacilitar la compra de entradasde una forma más accesible, intuitiva y personalizada. Disponible para IOS y Android, con esta APP el Teatro Real se convierte en uno de los pocos teatros líricos europeos que dispone de una herramienta nativa y propia en esta materia.
Entre las posibilidades que ofrece la nueva APP del Teatro Real, destaca, además de la gestión segura de entradas y abonos, una información detallada sobre su programación con galerías de imágenes y vídeos.
Estos son enlaces de descarga de aplicación en ambos entornos:
Telefónica, como principal mecenas tecnológica del Teatro Real desde el año 2005, es una de las empresas que más ha contribuido al desarrollo digital y a la mejor conectividad de esta institución.
Durante estos años de colaboración, Telefónica ha mejorado notablemente la experiencia digital de los usuarios, ampliando funcionalidades en la web oficial del Teatro y reforzando su carácter interactivo. Gracias a estos avances, la comunicación con los seguidores del Teatro Real es hoy más cercana, ágil y personalizada.
ACTIVIDADES CULTURALES
20 DE JUNIO, a las 20.15 horas | TEATRO REAL , Sala Gayarre
ENFOQUES : La traviata
Participan: Francesc Prat (director musical), Gina Lapinski (responsable de la reposición), Irene de Juan (musicóloga) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
27 y 28 de junio, a las 19 horas ya las 21.00 horas | FUNDACIÓN SGAE , Sala Berlanga
CINE: ¿Amor imposible?
En paralelo a La traviata , la Fundación SGAE propone la proyección de dos de las propuestas más originales que ha producido el cine español recientemente: El secreto del orfebre y Daniela Forever . Dos historias de amores imposibles ya un tiempo real, latentes en los recovecos del perspectivismo de nuestras vidas.
Daniela Forever (Nacho Vigalondo, 2024): 27 de junio a las 19.00 horas y 28 de junio a las 21.00 horas
El secreto del orfebre (Olga Osorio, 2010): 27 de junio a las 21.15 horas y 28 de junio a las 19.00 horas
Un taller lúdico y participativo dirigido por Fernando Palacios en el que aprenderemos a escuchar ópera con cuentos, canciones, mini conciertos e instrumentos insólitos para descubrirlo todo sobre la música y sus protagonistas.
Esta sesión se titula Una mujer moderna y explora el universo sonoro de la ópera La traviata , de Giuseppe Verdi, programada en el Teatro Real, la ópera más representada del mundo.
Participan: Pequeños Cantores de la ORCAM , bajo la dirección de Ana González .
29 de junio a las 12.00 horas | Teatro Real, sala principal
LOS DOMINGOS DE CÁMARA , por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, Orquesta Sinfónica de Madrid.
El programa incluye obras de Giulio Briccialdi, Katrin Penman, Wolfgang Amadeus Mozart, Marcos Cruz Llórens y Mieczysław Weinberg.
3 y 17 de julio a las 17.00 horas; 8 y 15 de julio a las 12.30 h | MUSEO DEL ROMANTICISMO
VISITAS GUIADAS: Los bailes de sociedad en el siglo XIX
El equipo de Mediación Cultural del Museo desvelará a los participantes de estas visitas guiadas el esplendor de su salón de baile, así como los secretos asociados a estas veladas durante el Romanticismo. Las normas sociales, así como la importancia del protocolo, la etiqueta y la reputación que se imponían en este tipo de actos durante el XIX, serán solo algunos de los temas con los que el público seguro se sorprenderá.
Actividad gratuita hasta completar aforo, previa inscripción aquí a partir del 26 de junio.
9 de julio a las 18.00 horas | CÍRCULO DE BELLAS ARTES , Sala Ramón Gómez de la Serna
CONFERENCIA: La denuncia social en “La traviata” , por Massimo Giuseppe Bonellise.
La traviata es, junto con Rigoletto , la ópera en la que de manera más evidente Giuseppe Verdi se opuso a la moral imperante de su época, criticando el conformismo, la hipocresía, la desigualdad y, muy en especial, la injusta condición de la mujer.
En esta conferencia, moderada por Valerio Rocco —director del Círculo de Bellas Artes— e impartida por Massimo Giuseppe Bonellise —director de la Escuela italiana de Madrid, historiador de arte y director de escena—, se tratarán los elementos de crítica social que plantea esta ópera, dentro de su contexto social y político.
Más información en este enlace . Entrada libre hasta completar el foro.
PHotoESPAÑA 2025 y el Teatro Real, con la colaboración del British Council, la organización internacional del Reino Unido para las relaciones culturales y las oportunidades educativas, presentan, en el marco de la temporada dedicada a Shakespeare, una exposición en homenaje a la fotógrafa británica Julia Margaret Cameron (Calcuta, 1815-Kalutara, Sri Lanka, 1879), que podrá visitarse durante un año desde hoy, miércoles 11 de junio.
Julia Margaret Cameron comenzó su trayectoria como fotógrafa a los 48 años, cuando su hija le regaló una cámara. Pronto volcó en ésta su sensibilidad estética y su pasión creativa, que supusieron una introducción al mundo de la fotografía artística y el fotomontaje.
La exposición, que reúne una cuidada selección de obras procedentes de su archivo, muchas de ellas inspiradas directamente en el universo de Shakespeare, como era habitual en las tendencias vanguardistas británicas del momento, sitúa a la artista en sintonía con la programación operística del Teatro Real.
En la próxima Temporada 2025-2026 del Real, cuatro óperas y un ballet evocarán a William Shakespeare como inagotable fuente inspiradora de artistas de todos los tiempos: La reina de las hadas, de Henry Purcell; Otello, de Giuseppe Verdi; Romeoy Julieta, de Charles Gounod; El sueño de una noche de verano, de Benjamin Britten, y el espectáculo de danza Julieta y Romeo interpretado por el Ballet Real de Suecia.
Representando escenas propias de los tableaux vivant de la época, retrató a célebres intelectuales como Charles Darwin o Lord Tennyson, así como a personajes anónimos de su entorno doméstico, creando imágenes cargadas de dramatismo, buscando, con cierta intención metafísica, mostrar la belleza interior de lo humano, en una especie de unión alegórica con lo divino.
La muestra celebra el legado artístico de una mujer visionaria, precursora de la fotografía escenificada y una de las primeras en reivindicar la fotografía como una disciplina artística por derecho propio. Cameron hilvana un diálogo alegórico con la literatura, el renacimiento y el imaginario bíblico, creando escenarios donde los grandes temas del relato humano – la belleza, la tragedia, el amor, la verdad – se expresan magistralmente a través de luces, gestos y miradas.
Cameron rompió con los cánones técnicos de su época, y la falta de nitidez, el efecto flou o las manchas de dedos, son firmas características de su obra, convirtiéndola en una avanzada a su tiempo, que se anticipó al propio pictorialismo fotográfico. La defensa de lo estético frente a lo técnico, de lo poético frente a lo real, son manifiesto de la visión desde la que trabaja la fotógrafa, priorizando la creación artística como praxis fotográfica frente a la tendencia dominante del documentalismo.
A pesar del desprecio de muchos de sus contemporáneos, su obra ha perdurado y se ha consolidado como una de las más influyentes del siglo XIX. Esta exposición busca poner en valor su aportación única al lenguaje visual moderno y su particular interpretación del legado shakespeariano, que sigue fascinando al público más de 150 años después.
La intensidad y la emotividad escénicas presentes en el imaginario fotográfico de Julia Margaret Cameron, su sensibilidad, su capacidad para captar lo etéreo, su gusto por lo bello, sus retratos casi iconográficos, cuya aura roza a veces lo sagrado – contrastando el dramatismo de las poses con la sencillez de los atrezos- convierten a esta artista en una interlocutora eterna con el teatro, la música y la poesía, digna de ser siempre re-visitada.
Sobre el British Council
El British Council es la organización internacional del Reino Unido para las relaciones culturales y las oportunidades educativas. Apoyamos la paz y la prosperidad, creando conexiones, entendimiento y confianza entre personas del Reino Unido y los países de todo el mundo. Lo hacemos a través de nuestro trabajo en las artes y la cultura, la educación y la lengua inglesa. Trabajamos en más de 200 países y territorios y estamos sobre el terreno en más de 100 países. En 2022-23 llegamos a 600 millones de personas. www.britishcouncil.org.
Las Indias galantes, compuesta por Jean-Philippe Rameau y con libreto de Louis Fuzelier, son una sucesión de pequeños dramas amorosos, o galanterías, que se desarrollan en lugares lejanos y exóticos que Rameau imaginaba y a las que llamó, genéricamente, Las Indias.
Fue estrenada en la Ópera de París en 1764 y ahora se estrena, por fin, en el Teatro Real. Compuesta por un prólogo y cuatro entrées, esta Opéra Ballet ha llegado a Madrid en la versión semiescenificada de la coreógrafa francesa y figura clave del hip-hopBimtou Dembéle. Se trata de una versión más reducida que la presentada en París en 2019, donde tuvo un rotundo éxito, y con el cuerpo de baile como gran protagonista, no en vano se trata del culmen de la ópera-ballet francesa.
El barroco es sin duda la música más actual, al menos la que ofrece un mejor maridaje con expresiones artísticas contemporáneas. La imaginación que desplegaba Rameau, alimentada por los aires aventureros y revolucionarios de la época, han conseguido encontrar acomodo en las expresiones urbanas del siglo XXI. Tal vez los anhelos del renacimiento, donde la filosofía y la ciencia trataban de dar respuesta a la esencia misma del ser humano, continúan activos hoy en día y planteándonos los mismos enigmas.
Desde el prólogo inicial, la Cappella Mediterranea, dirigida por Leonardo García-Alarcón, aparece sobre un escenario completamente abierto, algo que plantea algunas dificultades para una orquesta barroca, que agradece los escenarios más recogidos para una mejor proyección. García-Alarcón, además de dirigir desde el clave, se desplazaba por el escenario. Incluso la orquesta tuvo que seguirle físicamente en algún momento, algo que resultó extraño.
La iluminación creada por Benjamín Nesme, formada por una gran rueda que descendía del techo y fluorescentes de colores que portaban los componentes del coro, constituía el único elemento escénico. Una austeridad muy alejada de los complicados artificios que se utilizaban en la época, pero suficientes para trazar un escenario alegórico, pues nada de lo que aparece en escena tiene sentido o evoca la realidad. Todo muy barroco, sobre todo por la tenebrosa oscuridad.
Un acierto fue que parte del coro y los protagonistas se situaran en los palcos, consiguiendo efectos sonoros muy originales. El más destacado fue el diálogo entre la soprano Ana Quintans, en un palco, y la flauta en el palco opuesto, fue uno de los momentos más delicados e inspirador.
Las cuatro voces protagonista estuvieron a gran altura. Julie Roset, Ana Quintans, Mathias Vidal y Andreas Wolf, que dieron vida a todos los roles de la obra. No era fácil diferenciar un personaje de otro, pues el vestuario siempre fue el mismo, pero Julie Roset, Ana Quintans y Andreas Wolf fueron los más aplaudidos por el público. Ana Quintans demostró su impecable línea de canto y gran sensibilidad. Un poco más mediocre resultó la participación de Mathias Vidal, para el que quizá los roles que interpretó no eran los adecuados para las características de su voz.
Lo más destacado fue el cuerpo de baile, encabezado por Féroz Sahoulamide, Lauryn Apharel y Guillaume Chan Ton, que junto al resto de componentes de Structure Rualité, demostraron la actualidad y riqueza que posee una música tan ingeniosa como la de Rameau, con una partitura que destaca siempre por encima de todos los elementos que la rodean.
Mañana, viernes 30 de mayo, a las 20.00 horas , el Teatro Real se sumará a las celebraciones del 225º aniversario delTeatro Principal de Zaragoza con un concierto en la Basílica del Pilar en el que participará la Orquesta Titular del Teatro Real , bajo la dirección de Pedro Halffter, junto al Coro Amici Musicae y las voces de la soprano Ruth Iniesta, la mezzosoprano Lucía Caihuela y el tenor David Alegret.
Los músicos y solistas interpretarán obras de Haydn y Mozart desde el Altar Mayor ( ver programa adjunto ) para una audiencia que, en el interior de la Basílica dispondrá de 1.500 asientos , que se ocuparán por orden de llegada, y otras 2.500 sillas para poder seguir desde la plaza el concierto en pantallas gigantes, todo con carácter gratuito.
La actuación se enmarca en el acuerdo de colaboración firmado el pasado año entre la alcaldesa de la ciudad, Natalia Chueca , y el director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer , para fomentar y divulgar la música clásica y la lírica, las artes y la cultura en la ciudad aragonesa a través de conciertos, retransmisiones y encuentros especialmente pensados para este fin.
En 1771 existía en Zaragoza el Coliseo de Comedias, un corral de comedias que fue arrasado por el fuego y dejó a la ciudad sin actividad escénica durante veintiún años hasta que, en 1799 se inauguró el llamado Teatro Nuevo. Su intensa actividad lleva a una ampliación del edificio en 1858 -realizada por José de Yarza- ya una reforma global que, veinticinco años más tarde, lo convierte en un teatro de estilo italiano.
En 1983, se encarga a J. Manuel Pérez Latorre un proyecto de reforma completa que, además de dotar al edificio de la infraestructura técnica que lo sitúa al nivel de los grandes espacios escénicos de Europa, integra dos murales realizados por los artistas aragoneses José Manuel Broto y de Jorge Gay. Finalmente, el 2 de mayo de 1986 se inaugura el actual Teatro Principal.
El Teatro Real participa con emoción de esta efeméride que rinde homenaje al espacio teatral más importante de Aragón.
El Teatro Real ofrecerá, el próximo 28 de mayo, una de las propuestas artísticas más interesantes de la temporada, Las indias galantes , concierto coreografiado sobre la ópera barroca de Jean-Philippe Rameau (1683-1764) que, de la mano del director de orquesta Leonardo García-Alarcón y la creadora y coreógrafa Bintou Dembélé , trasciende las fronteras de los géneros musicales y las diversas formas de expresión corporal.
Esta aclamada producción llega a Madrid protagonizada por las formaciones musicales Cappella Mediterranea y Choeur de Chambre de Namur , junto a las voces de las sopranos Julie Roset y Ana Quintans , el tenor Mathias Vidal y el bajo-barítono Andreas Wolf . En el centro de la escena, la compañía de danza urbana Structure Rualité expresará los sentimientos de esta hermosa partitura a través del lenguaje krump y sus múltiples facetas como el hip-hop , el voguing o el famoso flexing .
Estrenada en 1736 en la Académie Royale -con posteriores revisiones y ampliaciones realizadas por el propio autor- Las indias galantes nacen de la colaboración entre el compositor Jean-Philippe Rameau y el libretista Louis Fuzelier (1674-1752) y en ella se dan cita ópera, teatro y danza, en un contexto histórico exótico, hedonista y alejado de las convenciones que permitían el uso de las nuevas maquinarias teatrales y sus sorprendentes efectos técnicos y sonoros para convertirlo en un gran espectáculo de entretenimiento.
La ópera está dividida en cuatro actos, con cuatro historias independientes, que se desarrollan en lugares lejanos y mitificados: Turquía, Perú, Persia y América del Norte. Las narraciones abordan temas como el amor, la guerra, la diplomacia y la reconciliación entre culturas.
La propuesta que veremos en el Teatro Real, estrenada el pasado 21 de mayo en París, nace del encuentro entre Bintou Dembélé y Leonardo García-Alarcón. “Analizar las músicas cultas occidentales, intentar comprender su origen a través de las músicas populares actuales, nos lleva a tomar conciencia de que el ser humano siempre ha vivido con la música y la danza” son las premisas de las que parte García-Alarcón para abrazar el trabajo de una creadora cuya filosofía de vida trasciende el hecho artístico y la convierte en referente dentro y fuera de Europa.
El trabajo conjunto de músicos y bailarines invita a regresar al origen de la obra de Rameau generando una inesperada simbiosis entre el Barroco y la cruda energía de la danza urbana para sumergirnos en un torbellino de emociones, movimiento y sonido, encarnados con la pasión que muestran los ritmos irregulares del alma humana.
El estreno de Las indias galantes ha propiciado un nutrido número de actividades culturales en colaboración con:
INSTITUTO FRANCÉS DE MADRID
PROYECCIÓN
Las Indias galantes
La institución gala presenta en una sesión única el excepcional documental Les Indes galantes , una producción de 2020 de Philippe Béziat, nominada al César 2022 al mejor documental, y a los premios Lumière de Francia. En él se muestra el reciente estreno en la Ópera de París de la obra maestra barroca de Rameau, interpretada por 30 bailarines de hip-hop, krump, break, voguing … dirigidos por Clément Cogitore y la coreógrafa Bintou Dembelé. Un espectáculo sorprendente en el que la danza urbana y el arte lírico se dan de la mano, y que el documental exhibe ejemplarmente desde los ensayos hasta las representaciones públicas.
MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL
VISITA GUIADA
Fascinados por el otro
A lo largo de la historia, los encuentros entre distintos pueblos han despertado admiración… y desconfianza. De esos contactos han surgido representaciones del otro que reflejan tanto el asombro y el deseo de comprender lo desconocido, como los prejuicios y malentendidos propios de cada época. El Museo ofrece un recorrido único por sus colecciones para descubrir desde mosaicos romanos y ánforas griegas hasta joyas y porcelanas de la Edad Moderna.
27 de mayo. 12.00 h
Actividad gratuita previa reserva en este enlace desde una semana antes de la visita. Aforo limitado a 24 personas
CONFERENCIA
Europa exótica:Las indias galantes
Les Indes Galantes , concebida para entretener a la corte de Luis XV y opuesta a la tradición ortodoxa de la ópera mitológica, encandiló al público porque los protagonistas son personajes de diferentes nacionalidades (turcos, persas, europeos e indígenas americanos). La conservadora jefa del departamento de Edad Moderna del Museo, María de los Ángeles Granados, ofrecerá una conferencia en la que revisará el contexto en el que esta obra se compuso, cuya trama responde al gusto de las élites francesas por lo exótico, por el otro en el arte.
4 de junio. 18.00 h
Entrada libre hasta completar aforo
FUNDACIÓN SGAE
CHARLA CON ACTUACIONES MUSICALES
Berlanga galante
Chezz y Mel Ömana ofrecerán una actuación única y llena de pasión donde el público podrá disfrutar del nuevo arte urbano. Una apuesta singular en referencia a la propuesta que el Teatro Real hará en su escenario con la obra de Jean-Philippe Rameau, donde las cuatro historias de la ópera interactúan con la danza urbana y el hip-hop de la coreógrafa Bintou Dembélé. Las dos cantantes mantendrán también una charla con la periodista de Radio 3 Paula Quintana para ahondar en el papel de la danza en sus propuestas escénicas, el amor y desamor de sus letras y las posibles conexiones entre los mundos urbanos y operísticos.
A través de diferentes juegos cooperativos, Argadini propone un recorrido por los contenidos que exponen Las indias galantes . Una actividad diseñada para niños de primero y segundo de la ESO con la que descubrirán los lugares y las culturas que son protagonistas de la ópera. El colofón lo pondrá un pequeño taller de grafiti con el que los participantes aprenderán a hacer uno entre todos, utilizando diferentes técnicas de dibujo y pintura.
18 de junio
Más información del proyecto en este enlace
En marzo del año 2000 debutaba en el Teatro Real el Ballet Estatal de Viena . Ahora, cuando se cumplen veinticinco años, la compañía austriaca regresa a este escenario con un programa doble del que se ofrecerán cuatro funciones, entre el 23 y el 25 de mayo , con las coreografías. Concertante , de Hans van Manen, y 4 , de Martin Schläpfer, actual director y coreógrafo principal de la compañía.
En aquella lejana primavera, los bailarines vienenses mostraron su carta de presentación con elevado nivel técnico y expresivo a través de una inolvidable Manon de Kenneth MacMillan. Volverían en 2017 con El corsario de Manuel Legris -sobre el original de Marius Petipa- para inaugurar la temporada madrileña, y ahora han preparado un programa con dos coreografías que permiten identificar claramente la personalidad de sus creadores y la extraordinaria versatilidad de sus intérpretes.
Concertante forma parte de una trilogía, junto con Polish Pieces y Kammerballett , creada por Hans van Manen en 1994, durante su período como coreógrafo residente en el Nederlands Dans Theatre. El trazo contemporáneo de sus coreografías, basado en el ballet clásico, construye un lenguaje expresivo tan inconfundible que se identifica desde el primer paso y provoca una atracción irresistible en el espectador. La iluminación de Joop Caboort y el colorido vestuario de Keso Dekker, responsable también de la escenografía, acentúan la intención expresiva de la coreografía.
Con Petite symphonie concertante de Frank Martin, uno de los compositores suizos más llamativos del siglo XX, como base musical, ocho bailarines (hombres y mujeres) atraviesan el espacio, lo cruzan, lo abandonan, lo invaden, a veces bruscamente, a veces de forma fugaz y delicada, siempre bajo apariencia de improvisación, pero que obedece a una estructura dotada de gran lógica en la que nada sobra.
La vertiginosa Concertante dará paso a la poética 4 , primera coreografía creada para el Ballet Estatal de Viena por su actual director, Martin Schläpfer, sobre la Sinfonía nº 4 en sol mayor de Gustav Mahler , de la que trata de extraer su riqueza de matices, emociones e imágenes. La elección de esta partición no es casual. Schläpfer acababa de llegar a la compañía (2020) y quería implicar a todos los bailarines en el proyecto, mostrar su potencial como conjunto, las habilidades de los solistas, la personalidad de cada intérprete, y la composición y la biografía del compositor austriaco le ofrecían una paleta inagotable de colores con los que trabajar.
Como describe Anne do Paço: “Schläpfer dibujó a los dos bailarines como leitmotiv de su pieza; dos que comentan, intervienen, irritan, a veces se maravillan, a veces saben más que cualquiera de nosotros, o simplemente están presentes en lo que se desarrolla ante nuestros ojos: un «teatro del mundo» sobre los anhelos, estados de desesperación y distorsiones de la humanidad, enraizado en los mundos sonoros de Mahler con todas sus fracturas, amontonamientos, pero también arrobamientos y contramundos de ensueño perdidos”.
Las funciones contarán con la Orquesta Titular del Teatro Real , bajo la dirección de Matthew Rowe , y la participación de la soprano española Marina Monzó en la Sinfonía nº 4 en sol mayor de Gustav Mahler.
El próximo 16 de mayo a las 19.30 horas el Teatro Real ofrecerá Tamerlano , cuarto título de Georg Friedrich Händel (1685-1759) en la presente temporada después de Theodora , Alcina , Jephtha .
Tamerlano fue escrito con una velocidad de vértigo en el fecundo año de 1724, en el que Händel compuso también Giulio Cesare y Rodelinda , además de llevar a cabo innumerables tareas como director artístico y productor, atrayendo a Londres a importantes cantantes que triunfaban en Europa.
Quizás sea Tamerlano la más trágica de las óperas de Händel, con un libreto enrevesado, pero de gran consistencia dramática, en el que se cruzan los sentimientos y pasiones más extremos y la singularidad de conceder uno de los papeles protagonistas, el de Bajazet, a un tenor, en pleno “reinado” de los castrati.
En lugar de yuxtaponer arias brillantes, melodiosas y expansivas, Händel privilegia en Tamerlano los recitativos de alto voltaje dramático y gran riqueza expresiva, en los que no faltan motivos, estructuras rítmicas y formales, tonalidades y recursos dramatúrgicos en el diseño psicológico de los personajes. La partitura, sometida a constantes revisiones, logra un crescendo dramático hasta el suicidio de Bajazet, cuya zozobra libera la tensión y emoción de la obra, generando una enorme empatía con el público.
Después del estreno de Tamerlano en 2008, escenificada, en el Real, la ópera vuelve ahora en versión de concierto, con la Orquesta Barroca de Friburgo y René Jacobs, autoridades en el repertorio händeliano, y un reparto de gran cohesión con Paul-Antoine Bénos-Djian (Tamerlano), Thomas Walker (Bajazet), Katharina Ruckgaber (Asteria), Alexander Chance (Andronico), Helena Rasker (Irene) y Matthias Winckhler (Leona).
René Jacobs ® Philippe Matsas
TAMERLANO
Ópera en tres actos
Música de Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Libreto de Nicola Haym, basado en los libretos de Agostin Piovene y Nicolás Pradon
Estrenada en el King’s Theatre de Londres el 31 de octubre de 1724
Estrenada en el Teatro Real el 26 de marzo de 2008
Reparto
Tamerlano: Paul-Antoine Bénos-Djian
Bajazet: Thomas Walker
Asteria: Katharina Ruckgaber
Andrónico: Alexander Chance
Irene: Helena Rasker
León: Matthias Winckhler
Orquesta Barroca de Friburgo
Dirección: René Jacobs
Duración aproximada:3 horas y 30 minutos
Parte I: 1 hora y 40 minutos
Pausa de 25 minutos
Parte II: 1 hora y 25 minutos
Fecha:16 de mayo de 2025. 19:30 horas
La Fundación Scherzo celebra la 31ª edición de su emblemático Ciclo de Grandes Intérpretes con una programación que reafirma su compromiso con el piano como expresión artística total. Esta temporada —que se desarrollará entre septiembre de 2025 y junio de 2026 en el Auditorio Nacional de Música— se distinguirá por cuatro grandes hitos: la incorporación del primer artista residente en la historia del ciclo, la celebración de los 30 años de Grigory Sokolov en Scherzo, la inclusión de un concierto por primera vez en el Teatro Real dentro del abono, en colaboración con la Fundación Amigos del Teatro Real, y la continuidad del ciclo como uno de los más prestigiosos dedicados exclusivamente al piano en toda Europa.
Javier Perianes, primer artista residente del ciclo El pianista onubense Javier Perianes, una de las figuras más destacadas del pianismo español internacional, se convierte esta temporada en el primer artista residente de la Fundación Scherzo.
Ha actuado junto a orquestas como la Filarmónica de Viena o la Gewandhaus de Leipzig, y bajo batutas como las de Daniel Barenboim, Gustavo Dudamel o Klaus Mäkelä.
Su residencia incluirá dos actuaciones clave: Un recital el 20 de enero de 2026, con obras de Falla, Chopin y Albéniz. Y una actuación sinfónica el 26 de abril de 2026, en un enclave especial: el Teatro Real de Madrid, junto a la Orquesta Sinfónica de Madrid, dirigida por Gustavo Gimeno, con un programa centrado en Falla y Ravel.
Una cita especial en el Teatro Real Por primera vez en la historia del ciclo, uno de sus conciertos tendrá lugar en el Teatro Real de Madrid. Esta colaboración con la Fundación Amigos del Teatro Real permite aunar dos de las instituciones culturales más relevantes del país en torno a un proyecto común: el piano como vehículo de excelencia artística.
El recital con orquesta de Javier Perianes y la Orquesta Sinfónica de Madrid, previsto para el 26 de abril de 2026, será uno de los momentos más esperados de la temporada, y estará incluido dentro del abono del ciclo, subrayando la vocación de expansión y diálogo de la Fundación Scherzo.
Grigory Sokolov: 30 años de fidelidad y misterio El 23 de febrero de 2026, Grigory Sokolov regresará una vez más al Auditorio Nacional. Su presencia marca este año una efeméride esencial: se cumplen 30 años desde que inauguró el ciclo en abril de 1996.
Desde aquel primer recital, Sokolov ha sido el alma silenciosa del ciclo. Sus conciertos, de programa secreto, se han convertido en un rito para los oyentes más fieles. Maestro del detalle, escultor del sonido, su relación con la Fundación Scherzo trasciende lo artístico para convertirse en un vínculo de confianza y admiración mutua. Su recital, como cada año, será uno de los acontecimientos más intensamente vividos por el público madrileño.
Diez conciertos, diez viajes a través del piano
El ciclo reúne a figuras consolidadas y jóvenes prodigios, con repertorios que cruzan siglos, estilos y escuelas interpretativas:
Jan Lisiecki (23 de septiembre de 2025) – El pianista canadiense de origen polaco debutó con la Orquesta de Cleveland con solo 13 años y firmó con Deutsche Grammophon a los 15. Su madurez artística sorprende tanto como su sensibilidad. En este recital aborda a Chopin, Bach, Rachmaninov,
Szymanowski, Messiaen y Górecki. Behzod Abduraimov (14 de octubre de 2025) – Nacido en Uzbekistán, Abduraimov ganó el London International Piano Competition a los 18 años. Sus actuaciones con la Gewandhaus de Leipzig o la BBC Proms han confirmado su condición de fenómeno. En Madrid interpretará obras de Brahms, Czerny, Liszt, Debussy y Stravinsky.
Kirill Gerstein & Orquesta Sinfónica de Castilla y León (26 de octubre de 2025) – Su carrera se mueve entre el mundo del jazz y la tradición clásica. Primer pianista en ganar el Gilmore Artist Award nacido fuera de EE. UU., ha tocado con la Filarmónica de Berlín, y su enfoque sobre Rachmaninov combina libertad y estructura.
Mikhail Pletnev (4 de noviembre de 2025) – Figura icónica del pianismo ruso, Pletnev fue galardonado con el Premio Estatal de Rusia y es fundador de la Russian National Orchestra. En su recital interpretará a Bach, Schumann y Grieg, con su característico enfoque introspectivo y refinado.
Javier Perianes (20 de enero de 2026) – El primer recital del artista residente del ciclo. Grigory Sokolov (23 de febrero de 2026) – Concierto conmemorativo de sus 30 años en el ciclo. Programa no anunciado. Eva Gevorgyan (7 de abril de 2026) – Nacida en 2004, esta joven pianista ha ganado premios en concursos como el Tchaikovsky o el Van Cliburn Junior. Alumna de Bashkirov y de la Accademia Pianistica di Imola, su repertorio en Madrid incluirá a Franck, Rachmaninov, Gubaidulina y Liszt. Orquesta Sinfónica de Madrid y Javier Perianes (26 de abril de 2026 – Teatro Real) – Dirección de Gustavo Gimeno. Obras de Falla y Ravel. Nikolai Lugansky (6 de mayo de 2026) – Considerado por muchos el heredero natural de Richter, Lugansky es también un consumado transcriptor. Su recital abordará a Schumann y versiones pianísticas de Wagner, incluyendo transcripciones propias. Arcadi Volodos (1 de junio de 2026) – Maestro de la improvisación y el color sonoro, Volodos cierra la temporada. Cada uno de sus recitales es una experiencia irrepetible.
Idealista: mecenazgo y compromiso con la música La Fundación Scherzo cuenta de nuevo con el respaldo de Idealista como patrocinador principal del ciclo. Recientemente galardonados con el Premio Ópera XXI por su implicación con el arte y la música, Idealista representa hoy uno de los pilares más sólidos del mecenazgo cultural en España.
Para la Fundación, su apoyo es más que una colaboración: es una alianza con visión de futuro y vocación de permanencia.
Un legado vivo: 31 años de fidelidad al piano
Desde su creación en 1996, el Ciclo de Grandes Intérpretes ha construido una historia única: es el único ciclo de Europa dedicado exclusivamente al piano, un faro artístico que ha iluminado la vida cultural madrileña durante más de tres décadas.
Aquí han tocado los más grandes —Zimerman, Argerich, Pollini, Brendel, Grimaud, Andsnes— y aquí también han crecido nuevas generaciones de pianistas. Durante 31 años, Madrid ha tenido el privilegio de escuchar cómo el piano respira, sueña y revela su alma en cada tecla.
En una época marcada por la inmediatez, este ciclo sigue apostando por el silencio, la escucha y la belleza que solo se revela cuando alguien, en un escenario, se sienta ante un piano y comienza a contar una historia sin palabras. Más información y venta de entradas.
Fotografía: Daniel Quesada
Los días 14 y 17 de mayo el Teatro Real ofrecerá dos funciones únicas de Atila, vibrante y grandiosa ópera de Giuseppe Verdi, con libreto de Temistocle Solera, empresario del Teatro Real en 1850 y 1851 y responsable de otros cuatro libretos verdianos.
Atila es la novena de las 26 óperas de Giuseppe Verdi (1813-1901) y se inscribe en el prolífico período creativo que el compositor denominó años de galera, debido a su frenético trabajo ya las penurias que pasó hasta alcanzar el reconocimiento, durante más de una década en la que se sucedieron varios acontecimientos y tragedias familiares, que culminarían con el fallecimiento de su mujer y de sus dos hijos.
La partitura se estrenó en La Fenice de Venecia en marzo de 1846 y su temática patriótica contribuyó al grandísimo éxito de la ópera, que exaltaba con fervor los valores nacionalistas del Risorgimiento que inflamaba los estados italianos, sometidos todavía a los designios del Imperio austrohúngaro.
El libreto de Temistocle Solera, basado en el drama Atila, rey de los hunos (1806-1807) de Zacharias Werner y concluido por Francesco Maria Piave, rehúye las referencias históricas precisas, adoptando una visión idealizada de la antigüedad clásica y realzando las razones morales, éticas e ideológicas que llevan a la caída de Atila. Incluso la relación entre Odabella y Foresto tiene un inequívoco trasfondo político que se sobrepone al amor que los une.
La partitura consolida el camino de Verdi hacía las obras de madurez, con su habilidad para la construcción músico-dramatúrgica de los personajes, las vigorosas y bellas melodías, los contrastes entre las partes corales exaltadas, de gran concisión, y las arias intimistas, además de sus vibrantes y atractivas cabalette .
Los papeles protagonistas de Atila , de grandísima exigencia vocal, serán defendidos por un reparto de lujo con Christian Van Horn (Attila), Sondra Radvanovsky (Odabella), Michael Fabiano (Foresto), Artur Rucinski (Ezio), Moisés Marín (Uldino) e Insung Sim (Leone). Junto a ellos actuarán el Coro Titular del Teatro Real , preparado por su director, José Luis Basso , y la Orquesta Titular del Teatro Real , bajo la batuta de Nicola Luisotti , que dirigió en el Real ocho producciones verdianas con una grandísima acogida por parte del público y de la crítica: Il trovatore (2007), Rigoletto (2015), Aida (2018), Don Carlo (2019 ), La traviata y Un baile demáscaras (2020), Nabucco (2022) y Rigoletto (2023).
Attila se ofrecerá en el Real reivindicando su incontestable valor como un peldaño importante en la portentosa carrera creadora de Giuseppe Verdi, en cuyas páginas se alcanza una grandísima intensidad dramática cuando son interpretadas por artistas que defienden la grandeza, belleza y fuerza de la partitura.
Fotografía: Diego Bendezu
ACTIVIDADES CULTURALES
14 de mayo | ASOCIACIÓN ARGADINI
TALLER DE ÓPERA: El profesor Verdi
Alumnos con discapacidad intelectual y TEA (Trastorno del Espectro Autista) tendrán la oportunidad de profundizar en los conceptos de relaciones de poder y conquista, con la ópera Atila como telón de fondo. La actividad contará también con otros ejemplos de obras de arte que simbolizan o implican mensajes antibélicos y acabará con la creación de una obra conjunta sobre los temas tratados.
15 de mayo a las 17.00 horas | UNIVERSIDAD CARLOS III , Sala Seminario de la Biblioteca de la Facultad de Humanidades, Comunicación y Documentación de la Universidad Carlos III de Madrid (campus de Getafe)
CONFERENCIA: Tradición histórico-literaria sobre Atila: el drama líricode Temistocle Solera para Giuseppe Verdi
Temistocle Solera, libretista del drama lírico de Verdi, Atila , no solo fue muy importante en la trayectoria compositiva del de Busseto (fue autor de los libretos de cinco de sus óperas), sino que además fue el primer director del Teatro Real, en la temporada 1850-1851.
Michele Curnis, profesora titular de Historia medieval de la UC3M, analizará las fuentes históricas y literarias utilizadas por Solera para la creación de tan patriótica obra.
13 de mayo a las 17.00 horas | MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL
VISITA GUIADA: Los últimos siglos de Roma
Segunda entrega de una visita guiada única para conocer de primera mano cómo fueron los últimos siglos del imperio romano a través de piezas y obras de la colección del Museo. La primera cita fue con motivo de Theodora de Händel; ahora, con el título de Verdi, los participantes podrán disfrutar de una nueva experiencia exclusiva donde descubrirán las salas y espacios más emblemáticos de la institución pública.
Actividad gratuita previa reserva eneste enlace desde una semana antes de la visita. Aforo limitado a 20 personas.
22 de mayo a las 18.30 horas | BIBLIOTECA REGIONAL DE MADRID
CONFERENCIA: La visita de Verdi a Madrid
Giuseppe Verdi visitó Madrid a comienzos de 1863 para supervisar las representaciones de La fuerza del destino en el Teatro Real. En esas semanas estuvo muy ocupado con los ensayos, pero encontró tiempo para ver la ciudad y viajar a Toledo, Córdoba, Sevilla, Jerez, Granada y El Escorial, escenario de su siguiente ópera: Don Carlos.
A través de cartas, documentos y noticias, el catedrático de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid Víctor Sánchez Sánchez, reconstruirá este recorrido del único viaje por España del compositor italiano.
Entrada libre hasta completar el foro. Actividad también online eneste enlace .
El cuento del zar Saltán –que se presenta por primera vez en el Teatro Real– es la segunda ópera de la temporada basada en un poema de Aleksandr Pushkin (1799-1837) de quien el año pasado se conmemoró el 225º aniversario de su nacimiento.
Si Eugenio Oneguin , de Chaikovski, presentado hace dos meses, retrataba el mundo de la sociedad zarista de los salones aristocráticos con un héroe trágico que emulaba a Lord Byron, El cuento del zar Saltán. reivindica la Rusia oriental y paneslava de las tradiciones atávicas, las sagas medievales, las leyendas populares, el folclore, el arraigo a la tierra y la servidumbre a las fuerzas de la naturaleza y los designios divinos.
De hecho, la ópera se basa en uno de los más bellos poemas narrativos de Pushkin inspirados en cuentos tradicionales que forman parte del universo infantil ruso y con el que Rimski-Kórsakov quiso celebrar el centenario del gran escritor y héroe nacional en 1899.
La trama evoca la tipología mítica de La cenicienta presente en tantas leyendas ancestrales: dos perversas hermanas mayores –la Cocinera y la Hilandera– intentan destruir a la más pequeña, Militrisa, elegida por el zar para su esposa. Urdiendo un plan diabólico, con la complicidad de la malvada madrina Babarija, hacen llegar al soberano la noticia de que la zarina dio a luz un ser deforme y monstruoso, provocando que ambos, la madre y su hijo, sean introducidos en un barril y lanzados al mar hasta llegar a la isla mítica de Buyán. Ahí llegan con el pequeño príncipe ya convertido en un benévolo y valiente adulto, que logra salvar a una mágica Princesa Cisne matando al vil halcón que la atacaba con el arco y la flecha que acababa de construir.
A partir de ese momento se suceden peripecias mágicas y llenas de sortilegios, que contraponen el mundo contaminado y miserable del zar y de sus súbditos –enmascarada y sutil crítica al zarismo y sus estamentos– y la maravillosa y quimérica ciudad de Ledenets, donde reina su clandestino heredero, el príncipe Guidón.
A partir de este enredo infantil, que en la ópera se desarrolla con una música riquísima en efectos expresivos de múltiples colores y perfumes eslavos, el director de escena, Dmitri Tcherniakov , crea dos historias que se entremezclan, ampliando la fuerza aleccionadora del cuento con una lectura desasosegante, que sobrecoge al espectador, como si unos padres reflexionaran sobre un cuento fantástico que acaban de leer a su hijo.
En su dramaturgia, una madre, que cría sola a su amado hijo autista sobreponiéndose al abandono y al desprecio de la familia, decide representar con el niño la historia del zar Saltán, como en un pequeño teatro, y así entrelazan sus propias vivencias para que el pequeño vaya entendiendo el mundo real, con sus hostilidades, congojas, miedos y angustias, pero también con el refugio en la fantasía, el ensueño y el amor.
El niño autista interpreta al príncipe Guidón y su madre a la zarina Militrisa. A partir de ahí, el imaginario del niño se apropia del escenario y los personajes recrean su universo infantil de emociones casi tangibles a través de dibujos, colores y unos trajes extravagantes que parecen salir de sus dibujos infantiles.
La sugerente escenografía, concebida también por Dmitri Tcherniakov , con el vestuario de Elena Zaytseva y la iluminación y vídeo de Gleb Filshtinsky , llevan al espectador a transitar por las dos historias que se entrelazan, intentando desentrañar los anhelos, sueños, temores, zozobras y quimeras de ese niño singular, como tantos niños singulares, a través de acuarelas mutantes, dibujos sinuosos y personajes. desmesurados, con una inequívoca atmósfera eslava como la que reivindica la partitura.
La música de Nikolái Rimski-Kórsakov , claramente descriptiva, expresiva y evocadora, tan ajustada a la prosodia del ruso que parece emanar de cada frase, bebe tanto del folclore eslavo como, subrepticiamente, de Wagner o del sinfonismo centroeuropeo. El prólogo y las siete escenas se desarrollan en una especie de permanente cantabile , en la que la orquesta, brillante y efectista, crea el espacio y la atmósfera para el desarrollo del delirante enredo.
Un sólido reparto, en el que destacan el bajo Ante Jerkunica (Zar Saltán), el tenor Bogdan Volkov (Príncipe Guidón), las sopranos Svetlana Aksenova (Parina Militrisa), Nina Minasyan (Princesa Cisne) y la mezzosoprano Carole Wilson (Babarija), dará vida al mundo mágico del cuento, bajo la dirección musical de Ouri Bronchti , que debuta en el Teatro Real.
Para que esta ópera de adultos llegue al mundo de los niños, verdaderos destinatarios del cuento de Pushkin, el Teatro Real ofrece en el REAL TEATRO DE RETIRO , una nueva producción propia al público familiar (a partir de los 8 años) titulada Un cuento de hadas: El zar Saltán , en la versión para piano de Nadezhda Rimskaya-Korsakova , con dramaturgia, dirección de escena y presentación de Eduardo Aguirre de Cárcer , con ilustraciones de Fran Parreño y Eva Serrano , animación de Fran Solo , iluminación de Cristina Cejas , interpretación al piano de Samuel Martín y Gonzalo Villaruel y la voz en off de Elisa Hipólito .
El genio literario de Alexandr Pushkin , con su belleza poética, hondura, exuberancia, sensibilidad y la magistral evocación de las culturas eslavas, sus mitos, leyendas, estamentos sociales, narraciones históricas, paisajes y olores, sigue e inspirando a artistas de todo el mundo, hoy como hace 200 años, con su poder para emocionar, reflexionar y transformar, como atestiguan las tres producciones que le ha dedicado el Teatro Real en la presente temporada.
Con Mitridate, re di Ponto , Ivor Bolton (Blackrod, Inglaterra, 1958) Dirige su última producción en el fondo del Teatro Real como director musical de la institución, cargo que ocupa desde septiembre de 2015 y hasta el final de la presente temporada. Sin embargo, su debut en el Real había sido mucho antes, en 2007, con Leonore , de Beethoven , en versión de concierto y al frente del Coro y Orquesta Nacionales de España.
Ivor Bolton llegó a Madrid con una consolidada y reconocida como clavecinista, director de orquesta y también de ópera, con un vínculo de más de tres décadas con la Ópera Estatal de Baviera -desde 1994 hasta la actualidad-, con el Mozarteum Orchester Salzburg -del que fue director entre 2004 y 2016-, y la presencia regular en festivales como los de Glyndebourne y Salzburgo, además de sus actuaciones en los más importantes auditorios y teatros de todo el mundo y una larga lista de grabaciones discográficas y audiovisuales, muchas de ella premiadas.
Su musicalidad, sensibilidad y dominio de distintos lenguajes, estilos y estéticas musicales queda de manifiesto en los títulos que se dirigieron en el Real, entre los que predominaron las óperas de Mozart-Mitridate, re di Ponto , Lucio Silla , Idomeneo, re di Creta , Las bodas de Fígaro , Don Giovanni y La flautamágica- ; Händel – Rodelinda , Parténope , Orlando y Theodora -; y Britten – PeterGrimes , BillyBudd y Gloriana . Pero Bolton digirió con un éxito similar a otras obras de los siglos XVII y XVIII con su especial estilo historicista, en el que incorpora a la Orquesta Titular del Teatro Real algunos instrumentos “originales” o sus técnicas interpretativas con la colaboración de concertinos especializados. Tal fue el caso de La Calisto , de Cavalli ; Aquiles en Esciros , de Corselli ; Alceste , de Gluck ; o Medea , de Cherubini . Del siglo XIX se atrevió con La prohibición de amar , título poco frecuentado del “primer Wagner ” y triunfó con sus lecturas de distintas obras del siglo XX como Rusalka , de Dvorak ; Jenufa , de Janacek y El gallo deoro , de Rimski-Kórsakov , así como las obras de Britten ya mencionadas. También hizo una incursión en el repertorio de este siglo con Sólo el sonido permanece , de Kaija Saariaho .
Bolton ha contribuido al prestigio de la Orquesta Titular del Teatro Real , renovando lentamente su plantilla con la incorporación de excelentes músicos, invitando a los concertinos más adecuados a cada producción y dotando a la orquesta de una ductilidad y plasticidad que le permiten lograr interpretaciones con el empaste, estilo y lenguaje adecuados a cada partitura.
En 2023 Bolton fue nombrado Comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico por el rey Carlos III de Inglaterra a propuesta del Consejo de Ministros del Reino Unido, “por sus servicios a la música”. También el Teatro Real reconoció su gran aportación al perfeccionamiento de su orquesta concediéndole uno de sus premios en el mismo año.
La trayectoria de Ivor Bolton en el Teatro Real está asociada a la de Joan Matabosch, que lo propuso como director musical del Teatro Real después de un gran período sin que ese cargo estuviera cubierto por decisión de Gerard Mortier , director artístico de la institución entre 2010 y 2013.
Ahora, después de 10 años de trabajo conjunto, Joan Matabosch explica, a modo de equilibrio: «El legado de Ivor Bolton a la Orquesta Titular del Teatro Real ha sido desarrollar su flexibilidad y su de adaptación camaleónica a todos los estilos. Desde un trabajo meticuloso sobre el repertorio de los siglos XVIII y XX, que Bolton conoce, domina y defiende con pasión, ha conseguido capacidad modelar la orquesta y potenciar la de sus músicos para escucharse mutuamente, amoldarse a discursos rítmicos, armónicos y vocales antagónicos, dirigiendo siempre desde un respeto y empatía admirables hacia la sintaxis musical y dramática de las producciones operísticas. Por eso es un maravilloso colaborador de los grandes directores de escena, que adoran trabajar con él”.
También Ignacio García-Belenguer , director general del Teatro Real, expresa su agradecimiento a Ivor Bolton, “que más allá de su fantástica labor al frente de la Orquesta y del Coro ha tratado al Real como su casa, de la que siempre habló con orgullo y generosidad en todo el mundo, generando una enorme empatía con los trabajadores, los equipos artísticos, los representantes institucionales y el público, que lo premia cada noche con sonoros aplausos, a los que nos sumamos todos los que trabajamos con él.”
¡Muchas gracias, maestro!
ÓPERAS DIRIGIDAS POR IVOR BOLTON COMO DIRECTOR MUSICAL DEL TEATRO REAL
(Por orden cronológico del estreno)
La Calisto , de Francesco Cavalli (1651) | DE: David Alden
Rodelinda , de Georg Friedrich Händel (1725) | DE: Claus Guth
Parténope , de Georg Friedrich Händel (1730) | DE: Christopher Alden
Orlando , de Georg Friedrich Händel (1730) | DE: Claus Guth
Teodora , de Georg Friedrich Händel (1750) | DE: Katie Mitchell
Las producciones operísticas de la Temporada 2025-2026 serán en su totalidad producciones propias del Teatro Real: ocho nuevas coproducciones y dos reposiciones, todas compartidas con importantes teatros españoles y extranjeros.
Dos de estas nuevas coproducciones se estrenarán en el Real antes de presentarse en los teatros coproductores: El sueño de una noche de verano -tercer título de Benjamin Britten que unirá a Ivor Bolton y Deborah Warner después del inmenso éxito logrado con Billy Budd (2017) y Peter Grimes (2021)- y La novia vendida , de Bedřich Smetana , con dirección de escena de Laurent Pelly , que vuelve a estrenar una nueva producción en el Teatro Real, tal como ya aconteció con Falstaff (2019), Il turco in Italia (2023) y Los maestros cantores de Núremberg (2024). En esta ocasión trabajará al lado de Gustavo Gimeno , que sucederá a Ivor Bolton como director musical del Teatro Real a partir de septiembre.
Como viene siendo habitual, algunos ejes temáticos y conceptuales vertebran la programación de la temporada. Cuatro óperas y un ballet evocarán a William Shakespeare como fuente inagotable inspiradora de artistas de todos los tiempos: La reina de las hadas , de Henry Purcell ; Otelo , de Giuseppe Verdi ; Romeoy Julieta , de Charles Gounod ; El sueño de una noche de verano , de Benjamin Britten , y el espectáculo de danza Julieta y Romeo. Interpretado por el Ballet Real de Suecia .
También del mundo literario procede Barbazul , personaje que inmortalizó a Charles Perrault en uno de sus libros de cuentos. Dos óperas del siglo XX, del húngaro Béla Bartók y del francés Paul Dukas , proponen aproximaciones muy distintas al universo de este terrorífico ser. Gustavo Gimeno y Christof Loy -que unen en una producción única El castillo de Barbazul , de Bartók, y el ballet El mandarín maravilloso del mismo compositor- con una lectura más honda y metafísica; y Àlex Ollè , de la Fura dels Baus, con una inquietante nueva producción de Ariadna y Barbazul junto al director musical Pinchas Steinberg , que volverá al foso del Real después de 20 años, para explorar de nuevo un mundo lleno de simbolismo como ya hizo cuando se dirigió, con gran éxito, La mujer sin sombra , de Richard Strauss, en 2005.
Como en las temporadas precedentes, también en la próxima se ofrecerán varias óperas que, por circunstancias diversas, nunca se presentaron en el Teatro Real. Nada menos que ocho nuevos títulos se incorporarán a su patrimonio musical desde el Barroco a óperas todavía sin estrenar. Así, pasarán a formar parte del acervo del Real: Armide , de Jean-Baptiste Lully, y La reina de las hadas, de Henry Purcell, del siglo XVII; El Giustino y Farnace , ambas de Antonio Vivaldi, del siglo XVIII; Iris , de Pietro Mascagni, del siglo XIX ; y El castillo de Barbazul , de Béla Bartók, del siglo XX. También entrarán en la historia del Real dos nuevas óperas españolas, Enemigo del pueblo , de Francisco Coll -basada en la obra homónima de Henrik Ibsen- y Los Estunmen. de Fernando Velázquez -ésta en los Teatros del Canal-, cuyos estrenos absolutos serán en Valencia y Barcelona.
Como siempre, los grandes títulos del repertorio operístico tendrán un lugar preeminente en la programación. Giuseppe Verdi inaugurará y cerrará la temporada con reposiciones del Teatro Real dirigidas por Nicola Luisotti , su director principal invitado: Otello , con dirección de escena de David Alden , e Il trovatore , concebida por Francisco Negrín , ambas con tres repartos que congregarán a algunas de las más importantes voces verdianas de la actualidad, como Brian Jadge, Jorge de León, Asmik Grigorian, Maria Agresta , o Artur. Ruciński, en la primera; yPiotr Beczała, Vittorio Grigolo, Celso Albelo, Yusif Eyvazov, Marina Rebeka, Saioa Hernández, Anna Netrebko o Anita Rachvelishvili , en la segunda.
También volverá Carmen , de Georges Bizet -en el 150 aniversario de su estreno- con una nueva coproducción firmada por Damiano Michieletto estrenada en Londres el año pasado y en la que se alternarán tres repartos de grandes intérpretes como Aigul Akhmetshina, J’Nai Bridges, Ketevan Kemoklidze, Charles Castronovo, Michael Fabiano o Lucas Meachem . En el foso estará Eun Sun Kim , actual director musical de la Ópera de San Francisco, que dirigió su primera ópera, Il viaggio a Reims , en el Teatro Real, en 2007, cuando ganó el primer premio en la segunda edición del concurso de dirección de orquesta Jesús López Cobos, impulsando su brillante carrera.
Romeo y Julieta, de Charles-François Gounod , volverá, dentro del “ciclo shakespeariano” y como homenaje a Alfredo Kraus , en una espectacular coproducción estrenada en la Ópera de París hace dos años, con la que debutará en el Real Thomas Jolly , actor y director de escena francés responsable de la espectacular ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de 2024 en París. Carlo Rizzi estará al frente de dos elencos de lujo, con Nadine Sierra, Golda Schultz, Javier Camarena, Ismael Jordi, Roberto Tagliavini, Jean Teitgen, Andrzej Filonczyk, Carles Pachon, Héloïse Mas o Carmen Artaza.
Para la interpretación de las óperas barrocas en versiones de concierto o semiescenificadas, el Teatro Real contará con conjuntos historicistas y directores musicales de gran prestigio como el Ensemble I Gemelli con Emiliano González Toro ( Farnace , de Antonio Vivaldi); Vox Luminis con Lionel Meunier ( La reina de las hadas, de Henry Purcell); Il Pomo d’Oro con Francesco Corti ( Giulio Cesare en Egitto , de Georg Friedrich Händel); La Poème Harmonique con Vincent Dumestre ( Armidé , de Jean-Baptiste Lully); la Freiburger Barockorchester con René Jacobs ( Il Giustino , de Antonio Vivaldi); y La CetraBarockorchester Basel con Andrea Marcon ( Ariodante , de Georg Friedrich Händel).
El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por tres conciertos líricos protagonizados por la soprano Asmik Grigorian, el bajo-barítono Gerald Finley y la soprano Anna Netrebko (30 de junio). Completan la oferta musical el Concierto delConcurso Tenor Viñas , un concierto sinfónico dirigido por Gustavo Gimeno con la participación del pianista Javier Perianes y los cinco conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA , con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real.
La programación de danza Estará conformada, como en temporadas anteriores, por tres programas de muy distinto perfil con los que debutarán en el Teatro Real dos compañías: la británica NEW ADVENTURES , dirigida por Matthew Bourne , interpretará una versión iconoclasta y espectacular de El Lago de los cisnes ; y el REAL BALLET DE SUECIA ofrecerá un espectáculo con música de Chaikovski , Julieta y Romeo , en la depurada y potente versión de Mats Ek , dentro del homenaje a William Shakespeare que recorre toda la temporada.
Volverá el BALLET NACIONAL DE ESPAÑA , que inaugurará la temporada de danza con un espectáculo de homenaje a José Granero , que incluirá tres de sus legendarias coreografías: Leyenda , con música de Albéniz; Bolero , con música de Ravel; y Medea , con música de Manolo Sanlúcar). Asimismo, bajo el título de Solos , en cada función se ofrecerá una obra inspirada en el legado del gran coreógrafo: Segunda piel (coreografía de Miguel Ángel Corbacho con música de Scarlatti ); Arrieiro (coreografía de Eduardo Martínez con música de Federico Moreno Torroba y Joaquim Nin Culmell ); y En algún lugar , con coreografía de Marco Flores y música de Antonio José Martínez Palacios ).
ENTRADAS Y ABONOS
El Teatro Real ofrecerá 21 tipos de abono con distintas composiciones, número de espectáculos -de tres a once funciones- y más de 150 tarifas para adaptarse a la disponibilidad económica y de tiempo de todos los espectadores.
Entre el 7 de abril y el 22 de junio se podrán adquirir 15 bonos de ópera, 4 de danza, 1 de Voces del Real y 1 de Domingos de Cámara más el concierto Viñas.
A partir del 11 de julio saldrán a la venta, escalonadamente, las entradas para cada una de las funciones de la temporada.
TEMPORADA 2025-2026
La próxima temporada del Teatro Real, la 29ª desde su reapertura, en 1997, tendrá un total de 391 funciones: 138 en el Teatro Real -ópera, danza y conciertos-, y 253 en el Real Teatro de Retiro, para un público familiar, infantil y juvenil.
Se ofrecerán 18 títulos de ópera : 10 serán coproducciones del Teatro Real -8 nuevas coproducciones y 2 reposiciones-; 2 óperas en versión semiescenificada y 6 en versión de concierto. De estas 18 óperas, 8 son nuevos títulos que se presentarán por primera vez en la historia del Teatro Real desde su inauguración en 1850. [Ver tabla en la pág. XX]
Será la primera vez que la temporada no incluye producciones invitadas (alquiladas), ya que todas las producciones operísticas son coproducciones propias del Teatro Real con otros importantes teatros europeos. [Ver tabla en la pág. XX]
La programación de danza Tendrá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas de distinto perfil y con propuestas muy diversas.
Se ofrecerán 10conciertos : 3 de Voces del Real, 5 del ciclo matutino Domingos de Cámara, 1 concierto lírico y 1 sinfónico.
Para dar vida a toda su programación el Teatro Real contará con directores musicales, equipos escénicos, solistas, coros, orquestas y compañías de danza de gran prestigio, que se sumarán al trabajo cotidiano de sus cuerpos estables, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real . El Coro , bajo la dirección de José Luis Basso , y la Orquesta , tutelada por su nuevo director musical, Gustavo Gimeno , que a partir de septiembre sucederá a IvorBolton . El actual director musical seguirá participando en temporadas del Real junto a Nicola Luisotti , director musical principal invitado de la institución.
Paralelamente a las óperas que vertebran la temporada se han organizado múltiples actividades culturales en colaboración con distintas instituciones, fomentando las sinergias e impulsando el diálogo entre las distintas áreas del arte y del conocimiento.
Se incrementa la oferta de propuestas en el ámbito del Programa de Formación del Teatro Real , con una selección de cursos sobre ópera y danza, experiencias formativas para empresas y cursos online.
Conforman la programación para niños y adolescentes en el REAL TEATRO DE RETIRO – que tendrá su propia presentación a los medios – un gran número de actividades desde artísticas, muy diversificadas, divertidas, formativas e interactivas, que incluyen varias nuevas coproducciones y proyectos experimentales en ópera, conciertos escenificados, danza, teatro musical, música coral, cine con música en vivo, títulos, talleres, debates, encuentros y fiestas, concebidos para distintas edades de los 3 años.
EL Real Teatro de Retiro acoge también los proyectos educativos e inclusivos del Teatro Real , como LÓVA (La ópera, vehículo de aprendizaje), programa que se desarrolla en más de 200 centros escolares en toda España y AMI (Agrupación de Música Inclusiva), en la que hacen música juntos jóvenes de distintas capacidades cognitivas.
En el ámbito de sus proyectos de divulgación, descentralización e internacionalización, la Carroza del Teatro Real seguirá llevando el arte lírico a plazas de toda España; MyOpera , ahora también plataforma de los cursos online del Teatro Real , continuará aumentando su catálogo; y el Real proseguirá la expansión internacional con distintas actuaciones, destacando el viaje anual a Estados Unidos y el proyecto Authentic Flamenco, con actuaciones por todo el mundo.
LA TEMPORADA EN NÚMEROS
FUNCIONES EN EL TEATRO REAL Y REAL TEATRO DE RETIRO | Se ofrecerán 391 funciones en toda la programación de la nueva temporada: 138 funciones en la temporada del Teatro Real -incluyendo 12 en los Teatros del Canal- y 253 funciones en el Real Teatro de Retiro.
FUNCIONES EN EL TEATRO REAL | Se ofrecerán 112 funciones de ópera repartidas entre 18 títulos; 15 funciones de danza con 3 espectáculos diferentes; 10 conciertos de distintos formatos, incluyendo los 5 conciertos de los Domingos de Cámara, 3 de Voces del Real, 1 concierto lírico y 1 concierto sinfónico.
FUNCIONES EN EL REAL TEATRO DE RETIRO | sí n 253 funciones: 86 para centros escolares y 167 familiares, incluyendo 9 talleres ¿Te suena…? -nueva denominación de los talleres ¡Todos a la Gayarre! y ¡Todos al Real Teatro de Retiro!- (con 2 sesiones cada uno), 1 concierto de la Agrupación Musical Inclusiva (AMI) y 1 concierto inclusivo en colaboración con la Fundación Sesé.
PRODUCCIONES DE ÓPERA | De los 18 títulos de ópera, 10 son producciones del Teatro Real – 8 nuevas coproducciones y 2 reposiciones- . Habrá 2 óperas en versión semiescenificada y 6 en versión de concierto. Por primera vez, hay 0 producciones invitadas (alquiladas). De las 18 óperas, 8 se presentarán por primera vez en las temporadas del Real.
OBRAS POR SIGLOS (TEMPORADA DE ÓPERA) | La nueva temporada de ópera recorre 5 siglos de creación musical: 2 obras del siglo XVII, 4 obras del siglo XVIII, 7 obras del siglo XIX, 3 obras del siglo XX y 2 obras del siglo XXI.
OBRAS POR IDIOMAS | Se presentarán 8 óperas en italiano (de compositores italianos y también de Händel), 4 óperas en francés, 2 óperas en inglés, 2 óperas en español, 1 ópera en checo y 1ópera en húngaro.
ARTISTAS | TEATRO REAL Participarán en la temporada 162 cantantes [hay pequeños papeles todavía sin adjudicar], 30 compositores, 21 directores musicales, 13 directores de escena, 10 coreógrafos, 15 escenógrafos y 14 figurinistas.
TEATROS E INSTITUCIONES | Participan en la temporada del Real 16 teatros coproductores, 6 coros y orquestas invitadas y 36 instituciones españolas colaboran en las Actividades Culturales del Teatro Real.
PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 5 cursos y talleres de La ópera al descubierto , 6 cursos de aproximación a la ópera, 3 cursos sobre historia de la ópera y de la danza, una nueva edición del programa La Universidad a Escena (con 5 cursos) y nuevos cursos online diseñados específicamente para MyOpera.
ABONOS Y ENTRADAS | Se ofrecerán 21 distintos abonos de entre 3 y 11 espectáculos – 15 de ópera, 4 de danza, 1 de Voces del Real y 1 de Domingos de Cámara más el concierto Viñas-, que estará a la venta del 7 de abril al 22 de junio, ambos inclusive. A partir del 11 de julio saldrán a la venta, escalonadamente, las entradas para cada una de las funciones de la temporada.
MIOPERA | El catálogo de la plataforma audiovisual del Teatro Real, que incorpora ahora 3 cursos online adscritos al programa de Formación del Teatro Real, seguirán creciendo. Cuenta actualmente con más de 300 títulos disponibles de ópera, conciertos, ballet y flamenco, procedentes de más de 60 auditorios y teatros de todo el mundo.
18 ÓPERAS DE LA TEMPORADA 2025-2026 | 8 estrenos en lahistoria del Teatro Real
8 nuevas coproducciones
El mandarín maravilloso / El castillo de Barbazul , de Béla Bartók | Estrenos en el Teatro Real
Carmen , de Georges Bizet
Ariadna y Barbazul , de Paul Dukas
Enemigo del pueblo , de Francisco Coll | Estreno en el Teatro Real
El sueño de una noche de verano , de Benjamin Briten *
La novia vendida , Bedřich Smetana *
Romeo y Julieta , de Charles-François Gounod
Los Estunmen , de Fernando Velázquez | Estreno en el Teatro Real
2 reposiciones
Otelo , de Giuseppe Verdi
El trovador , de Giuseppe Verdi
2 versiones semiescenificadas
Farnace , de Antonio Vivaldi | Estreno en el Teatro Real
La reina de las hadas, de Henry Purcell | Estreno en el Teatro Real
6 versiones de concierto
Iris , de Pietro Mascagni | Estreno en el Teatro Real
Yo masnadieri , de Giuseppe Verdi
Giulio Cesare en Egitto , de Georg Friedrich Händel
Armide , de Jean-Baptiste Lully | Estreno en el Teatro Real
El Giustino , de Antonio Vivaldi | Estreno en el Teatro Real
Ariodante , de Georg Friedrich Händel
*Nuevas producciones que se estrenan en el Teatro Real
ÓPERAS POR ORDEN CRONOLÓGICA DEL ESTRENO
Siglo XVII
1686 – Armide , de Jean-Baptiste Lully | Versión de concierto
1692 – La reina de las hadas , de Henry Purcell | Versión semiescenificada
Siglo XVIII
1724 – Giulio Cesare en Egitto , de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
1724 – El Giustino , de Antonio Vivaldi | Versión de concierto
1727 – Farnace , de Antonio Vivaldi | Versión semiescenificada
1735 – Ariodante , de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
Siglo XIX
1847 – Yo masnadieri , de Giuseppe Verdi | Versión de concierto
1853 – El trovatore , de Giuseppe Verdi
1867 – Romeo y Julieta , de Charles-François Gounod
1870 – La novia vendida , Bedřich Smetana
1875 – Carmen , de Georges Bizet
1887 – Otelo , de Giuseppe Verdi
1898 – Iris , de Pietro Mascagni | Versión de concierto
Siglo XX
1907 – Ariadna y Barbazul , de Paul Dukas
1918 – El castillo de Barbazul , de Béla Bartók*
1926 – El mandarín maravilloso (ballet) de Béla Bartók* [*misma producción]
1960 – El sueño de una noche de verano , de Benjamin Britten
Siglo XXI
2025 – Enemigo del pueblo , de Francisco Coll (estreno mundial en el Palau de les Arts de Valencia)
2026 – Los Estunmen , de Fernando Velázquez (estreno mundial en el Teatre Lliure de Barcelona)
El próximo 3 de abril el Teatro Real ofrecerá uno de los títulos más curiosos, y desconocidos, del compositor italiano Baldassare Galuppi (1706-1785): L’uomo femmina, ópera de atrevido libreto firmado por Pietro Chiari (1712-1785), que se escuchará por primera vez en el escenario, en versión de concierto, en la cuidadosa agrupación de interpretación de la canción francesa. Le Poème Harmonique , bajo la dirección de Vincent Dumestre .
Galuppi, conocido compositor del siglo XVIII, cuya popularidad estuvo especialmente marcada por su producción de ópera buffa , quedó relegado al olvido y muchas de sus partituras, lamentablemente, perdidas. Por fortuna, en 2006 aparece en la Biblioteca del Palacio de Ajuda de Lisboa, en perfecto estado de conservación, L’uomo femmina, una obra asociada a un lenguaje musical del clasicismo temprano con el espíritu barroco del teatro bufo, en el que las melodías cambian de tono y ritmo para añadir textura a una historia de extraordinarios recursos teatrales.
Estrenada en el teatro veneciano de San Moisè, en 1762, cuenta la historia de dos supervivientes de un naufragio que llegan a una isla del Mediterráneo en la que gobiernan las mujeres y donde los hombres están sometidos -en un patriarcado a la inversa- desempeñando funciones típicas femeninas. Allí, la princesa Crétidea gobierna con mano firme mientras su favorito, Gelsomino, pasa horas maquillándose. Su pequeño mundo se ve sacudido por la llegada del náufrago, Roberto, procedente de una sociedad tradicional, más viril y patriarcal. Crétidea y Roberto se enamoran, provocando una lucha en una tira y afloja sobre quién debe renunciar a su identidad ya aceptar los valores del otro y adelantando, casi trescientos años, los d ebates contemporáneos sobre sexo y género, bajo una divertida y moderna comedia de estereotipos.
No es la primera vez que Galuppi juega con la inversión de los roles de género ( Le donne che comandano ). Bajo la caricatura e ironía de típicas situaciones de enredo, confusiones, celos… subyace un intento de reflexión, casi de reivindicación, a pesar del previsible desenlace en el que el libreto recupera el orden convencional “que cese la depravada práctica de cambiar a los hombres en mujeres”, aunque haciendo un guiño cómplice final “cualquiera con sentido común entenderá fácilmente lo que quería decir el autor”.
El 21 y el 22 de marzo, a las 20.30 horas, el escenario itinerante del Teatro Real recalará en la Plaza de las Cuatro Culturas de Melilla, donde el Ayuntamiento colocará 1200 sillas para que el público pueda disfrutar gratuitamente de dos conciertos con distintos programas.
En el primero, el viernes, 21 de marzo, la soprano Rosa Gomariz, la mezzosoprano Alejandra Acuña y el barítono Román Bordón, junto con la pianista Cristina Sanz, interpretarán arias y dúos de ópera y zarzuela.
En el segundo, el sábado, 22 de marzo, los mismos intérpretes ofrecerán el divertido concierto escenificado Mozart Revolution, con guion, dirección de escena y presentación de Ana Hernández-Sanchiz, íntegramente dedicado a Wolfgang Amadeus Mozart.
Melilla será la primera parada de la gira de primavera-verano de la Carroza del Real, que proseguirá su ruta por León, Murcia, Alcobendas, Badajoz, Logroño, Cádiz, Basauri, Valdepeñas, El Escorial, Toledo, Boadilla del Monte, Torralba de Calatrava, San Roque, Segovia, Jaca, Boltaña, Calatayud, Calanda, Avilés, Jaén, Soria, San Sebastián de los Reyes, Granada… y otros destinos todavía por confirmar.
Las actuaciones en León y Badajoz están incluidas en el Tour del Talento 2025 de la Fundación Princesa de Girona.
La Carroza del Real suma ya cerca de 60.000 km recorridos desde el inicio de su andadura, habiendo cruzado el Estrecho y el Mediterráneo, con actuaciones para más de 70.000 espectadores en todas las comunidades y ciudades autónomas españolas, con excepción de Navarra y Canarias.
En sus actuaciones participan cantantes formados en las cuatro ediciones del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real, con el que se impulsa y promueve la carrera de jóvenes profesionales en el mundo de la ópera.
El Teatro Real une así el proyecto de descentralización y divulgación musical de su Carroza -reconocido con el prestigioso Premio Europeo “Art Explora” Académie des beaux-arts 2022– al programa Crescendo, uniendo sinergias y llevando el arte lírico y la ilusión de los jóvenes cantantes, pianistas y directores de escena a todos los rincones de España.
Las actuaciones en la Carroza del Real a lo largo de este año cuentan con el apoyo de empresas como Grupo Oesía, Caja Rural de Zamora, Exterior Plus, Barceló, Impulse Technology Transfer CLM e Ibercaja.
Crescendo está impulsado por Fonds de Dotation Porosus, Fundación Banco Sabadell y Mitsubishi Electric. Con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel Piñero, la Asociación Wagneriana de Madrid y la Fundación Victoria de los Ángeles.
Coincidiendo con el inicio de la primavera, el gran escenario itinerante del Teatro Real vuelve a cruzar el estrecho de Gibraltar -ya lo hizo para las actuaciones en Ceuta, en 2022- rumbo en esta ocasión a la ciudad autónoma de Melilla, donde recalará mañana en la Plaza de las Cuatro Culturas, para ofrecer dos distintos conciertos (21 y 22 de marzo a las 20.30 horas) con formatos diferentes y destinados a todos los públicos.
El Ayuntamiento de la ciudad colocará 1200 sillas para que el público pueda disfrutar de las actuaciones de la soprano Rosa Gomariz, la mezzosoprano Alejandra Acuña ,el barítono Román Bordón y la pianista Cristina Sanz, artistas que participaron en el programa Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, que inicia este año su quinta edición y por donde han pasado ya 99 jóvenes de 20 nacionalidades.
El programa del primer concierto, el 21 de marzo, a las 20.30 horas, que incluye algunas de las melodías más populares del repertorio lírico, comenzará con una obra para piano de Franz Liszt –Estudio para concierto “Un suspiro”– y proseguirá con arias y dúos de Giacomo Puccini (Gianni Schicchi), Camille Saint-Saëns (Samson et Dalila), Wolfgang Amadeus Mozart (Le nozze di Figaro y Don Giovanni) y Léo Delibes (Lakmé), en la primera parte; y de Charles Gounod (Roméo et Juliette), Georges Bizet (Carmen), Jacques Offenbach (Les contes d’Hoffmann), Ruperto Chapí (La Revoltosa) y Franz Lehár (La viuda alegre), en la segunda. [Ver programa adjunto]
El 22 de marzo, a las 20.30 horas, los mismos intérpretes ofrecerán el espectáculo familiar Mozart Revolution, que articula arias, dúos y piezas para piano de Wolfgang Amadeus Mozart, a través de historias protagonizadas por personajes femeninos de sus óperas que expresan sus anhelos y reivindican su papel en la sociedad. El espectáculo, con guion, dirección de escena y presentación de Ana Hernández-Sanchiz, es un entretenido acercamiento al fantástico universo dramático mozartiano.
Los espectáculos de Melilla inician la larga gira de la Carroza del Real, que se prolongará durante los meses de primavera y verano y que deberá contar con la complicidad de unas condiciones meteorológicas propicias para que el público que se congrega en las plazas de los pueblos y ciudades pueda disfrutar de las actuaciones lo mejor posible.
Hasta el mes de octubre están previstas cerca de 25 espectáculos -algunos todavía pendientes de confirmación-con diferentes artistas y en distintos puntos de la geografía española: en abril, León y Murcia; en mayo, Alcobendas, Badajoz, Logroño, Cádiz y Basauri; en junio, Valdepeñas, El Escorial, Toledo, Boadilla del Monte y Torralba de Calatrava; en julio, San Roque, Segovia, Jaca, Boltaña, Calatayud y Calanda; en agosto, Avilés; en septiembre, Jaén, Soria y San Sebastián de los Reyes; y en octubre, Granada.
Con sus giras anteriores, el escenario itinerante del Teatro Real ha sumado 60.000 kilómetros de viajes musicales y ha congregado a más de 70.000 espectadores en plazas y espacios emblemáticos de más de 40 localidades que van desde pequeñas poblaciones como Suances, Alaior, Atapuerca o Navaconcejo, a capitales de provincia como Córdoba, Valladolid o Zaragoza, donde han llegado a congregarse más de 3000 personas.
Creada en 2020, la Carroza del Real se construyó transformando un camión tráiler de cinco toneladas y media -como los que habitualmente se utilizan para el transporte y almacenaje de escenografía, atrezzo y vestuario- en un escenario de ópera con 16 metros de largo por 5,80 metros de alto, con su embocadura, telones y bastidores, que puede adaptarse a distintas escenografías, exposiciones, recitales y conciertos según las necesidades de cada evento o actuación.
La Carroza es una de las iniciativas enmarcadas en el programa ‘Teatro Real-Cerca de Ti’, con el que se pretende acercar el arte lírico a un público que normalmente no puede acudir a las funciones del Teatro Real, uniendo el proyecto de descentralización al impulso de la carrera profesional de los jóvenes que participan en el programa Crescendo. Quizás sea esa sinergia el secreto del éxito de las actuaciones que llevan a todos los rincones de España las emociones y la capacidad transformadora de la música y de las artes escénicas.
El próximo 29 de marzo, a las 19.30 horas, Gustavo Gimeno regresará al Teatro Real para dirigir un concierto dedicado íntegramente a Richard Wagner (1813-1883) y Richard Strauss (1864-1949), que contará con la participación de las extraordinarias voces wagnerianas de la soprano Gabriela Scherer y el barítono Michael Volle, a los que escucharemos por primera en este escenario, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.
El programa, que comenzará con la obertura de El holandés errante, incluirá arias y dúos de, además de la mencionada, Tannhäuser y Arabella.
Michael Wolle está considerado el mejor intérprete wagneriano de la actualidad. Su poderosa voz de barítono ha encarnado como pocos a Hans Sachs, Wotan, Amfortas o El holandés errante, y los grandes teatros y festivales del mundo, incluido Bayreuth, solicitan su presencia. Fraseo exquisito, riqueza de matices, poderosa presencia escénica e intención dramática, son los pilares de un artista de gran e indiscutible personalidad.
La soprano suiza Gabriela Scherer ha ganado el reconocimiento internacional por sus intensas interpretaciones de papeles en óperas de Gluck, Mozart, Puccini, Strauss, Verdi y Wagner. Aunque sus primeros pasos fueron como mezzosoprano, su inclinación por los papeles mozartianos, como Pamina, el descubrimiento de Ariadne, de Strauss – durante unas representaciones de Ariadne auf Naxus en la que daba vida al Compositor- y una pausa en su carrera, por motivos personales, recondujeron su carrera hacia los roles de soprano. Así, la belleza de su voz, con un espectro más amplio de lo habitual y un cuidadoso control técnico, la han convertido en la gran cantante que es ahora.
El debut de estas dos grandes voces en el escenario madrileño contará con la presencia, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, de Gustavo Gimeno -todavía en la memoria más reciente su alabada dirección de Eugenio Oneguin– para abordar un programa de extraordinaria belleza y dificultad que alternará arias, dúos y momentos orquestales de Tannhäuser y El holandés errante de Richard Wagner (1813-1883) y Arabella, de Richard Strauss (1864-1949). Personajes desencantados en busca del amor que les redima y cambie el curso del destino.
El programa Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real para el desarrollo artístico y profesional para jóvenes promesas de la ópera, celebra este año su quinta edición con la incorporación de 18 nuevos alumnos que emprenderán el camino para ver realizado el sueño de subir al escenario.
A lo largo de tres meses, desde marzo y hasta el próximo mayo, estos jóvenes cantantes, pianistas y directores de escena, seleccionados entre 124 aspirantes, asistirán a talleres de interpretación y de canto, celebrarán encuentros con profesionales del Teatro Real sobre orientación para la creación de marca personal (redes, gestión de la comunicación, hablar en público, relaciones sociales, etc..), participarán en un taller sobre bienestar emocional, tendrán acceso a ensayos de las producciones del Teatro Real y disfrutarán de sesiones especiales con grandes voces de la actual temporada lírica del Real.
Desde su incorporación al nuevo curso, los vídeos de las audiciones de cada uno de los participantes seleccionados han estado accesibles en la página web de la Fundación Amigos del Real ofreciendo al público la posibilidad de votar por sus favoritos y otorgar a los ganadores el beneficio de disfrutar de una masterclass extra. Tras más de 72.200 visualizaciones, los más votados fueron Paula Malagón, Pablo Martínez y Mauro Pedrero.
Crescendo, creado en 2021 y destinado inicialmente a cantantes, ha crecido a lo largo de estos cinco años gracias al entusiasmo de los participantes y al apoyo de sus mecenas, dando cabida a otras disciplinas vinculadas al mundo de la lírica como son los maestros repetidores y la dirección de escena. Con ellos, el programa de formación también se ha diversificado abarcando un campo mucho más amplio de formación profesional y personal, asesoramiento profesional y seguimiento por parte del profesorado y de los profesionales del Teatro Real. Así, cinco primaveras después, han pasado por sus aulas 99 alumnos, de veinte nacionalidades diferentes.
Además de complemento a su formación, Crescendo es, quiere ser, un puente al mundo real de la actividad profesional. El programa ha facilitado la participación de sus alumnos en proyectos profesionales del Teatro Real como las sesiones de Enfoques, la Carroza del Teatro Real, producciones de la temporada, en los espectáculos del Real Teatro de Retiroy ha sido trampolín para el inicio de sus carreras en teatros líricos nacionales e internacionales. Sólo en la edición de 2024 los alumnos se beneficiaron de más de 150 contratos laborales.
El escenario del Teatro Real contó con ellos en la pasada temporada para el estreno de la ópera Tenorio, de Tomás Marco -en el que un coro madrigal estuvo integrado, casi en su totalidad, por artistas procedentes de todas las ediciones de Crescendo-, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina y Luisa Fernanda. Este año han colaborado en La vida breve/Tejas verdes y, el próximo mes de mayo, formarán parte del elenco de El cuento del Zar Saltán yDon Juan no existe, esta última en colaboración con los Teatros del Canal.
El Real Teatro de Retiro ha configurado los elencos de La cenicienta, A.I.D.A., El barbero de Sevilla, Amahl y los visitantes nocturnos, Mozart Revolution, Pinocchio ¿dónde estás? y El niño y los sortilegios, además de su participación en el ciclo de talleres familiares Todos al Real Teatro de Retiro.
El Teatro Real ha recibido ayer el Premio Genio a la Innovación Digital por su proyecto Francesca Caccini, Ópera en corto, desarrollado en colaboración con la multinacional tecnológica NTT DATA, cuyo objetivo es acercar la ópera a las nuevas generaciones de una forma didáctica, amena e informativa a través de la recreación virtual de Francesca Caccini (1587-1641), primera mujer autora de una ópera.
Los Premios Genio, que han celebrado ayer su XVIII edición en Santander, son una iniciativa del grupo de comunicación Vocento que reconocen las acciones destinadas a resolver problemas de manera creativa, diseñando ideas innovadoras para ofrecer productos y servicios útiles, relevantes para la sociedad.
Partiendo de documentos que retratan a la compositora florentina, el Teatro Real y la multinacional tecnológica NTT DATA han creado un boceto tridimensional al que se ha dado voz propia: Francesca Caccini. La compositora se convierte así en protagonista de una serie de programas titulados Ópera en corto, donde desvela a los espectadores los secretos de una producción operística con explicaciones sobre el libreto, la música, el contexto histórico y social o anécdotas relativas a cada título, articulando sus comentarios con las grabaciones realizadas en el Teatro Real, reducidas a 45 minutos de duración, sobre óperas emblemáticas del repertorio como La bohème o El barbero de Sevilla.
Pensado originalmente para acercar la lírica y la música clásica a los centros educativos, como parte del programa formativo El Real en tu clase, los episodios de Ópera en corto han abierto nuevas puertas gracias a su síntesis dinámica, un lenguaje cercano y juvenil, buen ritmo narrativo y una frescura de contenidos capaces de generar empatía con el público juvenil, y con el que ya no lo es tanto. Así, Francesca Caccini nos acompaña también en hospitales, ayuntamientos y centros culturales que quieren diversificar y ampliar sus apuestas culturales vinculadas a una interesante labor social.
De esta forma, el Teatro Real continúa con su esfuerzo divulgativo acompañado por las mejores voces del momento, los directores musicales y escénicos más relevantes y el entusiasmo de un equipo artístico y técnico capaz de poner en pie las producciones más interesantes haciéndolas accesibles a un público más amplio y, también, diverso.
El Teatro Real presentará entre el 23 de marzo y el 9 de abril diez funciones de Mitridate, re di Ponto, de Wolfgang Amadeus Mozart, en una nueva producción que se estrenará en el Teatro Real y se presentará posteriormente en los teatros coproductores: Ópera de Frankfurt, Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro San Carlo de Nápoles. La ópera, que se presentó por primera vez en el Real, en versión de concierto, en 2005, -con Les musiciens du Louvre, bajo la dirección de Marc Minkowski- vuelve ahora, 20 años después, con una producción escenificada que hace justicia a la partitura, obra de un adolescente pero, sobre todo, de un genio.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) compuso Mitridate, re di Ponto con apenas 14 años, en Milán, a partir de un libreto en italiano -idioma que no dominaba- sobre un drama histórico de Jean Racine (1639-1699) y ante el desprecio y sarcasmo iniciales de algunos de los cantantes y músicos que no podían creer que un adolescente austríaco pudiera entender los artificios del texto poético y la complejidad de la escritura vocal operística.
La ópera, estrenada en 1770 -diez días después del nacimiento de Beethoven-, deslumbró a sus intérpretes y al público, que agotó el aforo en las 21 funciones en el Teatro Regio Ducal de Milán. Con la madurez, inspiración, hondura y belleza de algunas de sus arias, Mozart deja de ser el simpático niño prodigio exhibido por toda Europa para convertirse en un creador único con una “doble personalidad” -la artística, inconmensurable, y la personal, desconcertante- que mantuvo ostensiblemente a lo largo de su vida y que sigue siendo un misterio para todos los estudiosos de su obra.
La propuesta escénica de Claus Guth -inspirada en la famosa serie de televisión Succession– plantea precisamente la articulación de estos dos mundos: el drama casi realista de Mitridate, hombre poderoso y despótico traicionado por sus hijos, rivales entre sí y los ecos de sus actos en el consciente e inconsciente de los protagonistas, tratados de manera onírica con el trasfondo edípico de la obra: dos hermanos que disputan el poder del padre y el amor de la futura madrastra.
La tragedia de Racine, escrita cien años antes del libreto, transcurre en Ninfea, reino de Ponto, en el siglo I a C., cuando el rey Mitridate IV es derrotado por los romanos. Claus Guth traslada la trama a los años 60-70 del pasado siglo -con escenografía de Christian Schmidt, vestuario de Ursula Kudrna e iluminación de Olaf Winter– articulando escenas realistas en espacios domésticos con otras más metafóricas y abstractas, en las que doce bailarines evocan los fantasmas, miedos, pasiones, angustias y sueños de los personajes.
Mitridate, re de Ponto se inscribe en los dictámenes de la llamada opera seria del siglo XVIII, con una sucesión de recitativos y arias da capo, cuya escritura se adaptaba a las características de cada cantante para que pudiera lucir sus dotes vocales. Pese a las limitaciones estilísticas y formales del género, en la partitura aflora la belleza y riqueza del melodismo tan característico de Mozart, así como momentos de hondura, trascendencia y fuerza dramática inconcebibles para la idiosincrasia del jovenzuelo juguetón y travieso que conocemos a través de la profusa colección epistolar que nos dejó.
Esta obra, que se estrenó con gran éxito con una orquesta de 56 músicos, inusitada para la época, y con el propio Mozart al clave y dirigiendo las primeras representaciones, llegará al Real con un doble elenco de magníficos cantantes, capaces de interpretar con fluidez y rigor las endiabladas arias de la ópera: Juan Francisco Gatell y Siyabonga Maqungo (Mitridate), Sara Blanch y Ruth Iniesta (Aspasia), Elsa Dreisig y Vanessa Goikoetxea (Sifare), Franco Fagioli y Tim Mead (Farnace), Marina Monzó y Sabina Puértolas (Ismene) y Juan Sancho y Jorge Franco (Marzio) y Franko Klisovic (Arbate).
Ivor Bolton que dirigirá su sexto título mozartiano al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real después del éxito de Die Zauberflöte (2016 y 2020), Lucio Silla (2017), Idomeneo (2019), Don Giovanni, (2021) y Le nozze di Figaro (2022)- reivindicará el valor de esta obra como germen del extraordinario talento de Mozart como uno de los más grandes compositores de ópera de todos los tiempos.
AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES
16 de marzo a las 11.00 h. y a las 13.00 h. | REAL TEATRO DE RETIRO, Sala Pacífico
TALLER MUSICAL EN FAMILIA: ¡Todos al Real Teatro!
Taller de introducción a la música para todos los públicos, dirigido y presentado por Fernando Palacios.
Esta sesión se titula «La gran ópera de un pequeño Mozart» y explora el universo sonoro de la ópera Mitridate, re di Ponto, de Wolfgang Amadeus Mozart. A través de la música se abordarán los problemas de un rey antiguo con sus hijos y sus guerras.
Participan la soprano Carmen Larios, el tenor Manuel de Filera y el pianista Gonzalo Villarruel.
17 de marzo a las 20.15 h. | TEATRO REAL, Sala de orquesta
ENFOQUES: con Ivor Bolton (director musical), Claus Guth (director de escena) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
El tenor Moisés Marín y el pianista Edoardo Barsotti interpretarán dos arias de Mitridate, re di Ponto – «Se di lauri il crine adorno» y «Avete o Numi… Vado incontro al fato estremo»- y los violinistas Juraj Cizmarovic y Mayumi Ito, la violista Laure Mª Gaudron y el violonchelista GregoryLacour cerrarán el encuentro con el Presto del Cuarteto milanés nº2, en Sol mayor K.156.
Emisión en directo en el canal YouTube del Teatro Real.
2 de abril a las 12.00 h. y 3 de abril a las 18.00 h. | MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL, Cámara acorazada
VISITA EXCLUSIVA: Tocando la historia: Mitrídates frente a Roma
El Museo vuelve a abrir excepcionalmente su cámara acorazada para poder ver (y tocar) algunas de las monedas griegas y romanas más singulares de su colección. Los visitantes, acompañados por los técnicos del departamento de Numismática, podrán observar algunas piezas en cuyo anverso aparece Mitrídates, rey de Ponto (112-63 a.C.), personaje histórico que se enfrentó en tres guerras a la poderosa Roma.
Acceso gratuito previa reserva en este enlace desde una semana antes de la visita.
Aforo limitado a 10 personas.
7 de abril a las 19.00 h. | CASA ASIA
CONFERENCIA: Mahabharata: la legendaria y espiritual epopeya india, Agustín Pániker, editor, profesor y autor de varios libros centrados en la India.
Tal como pasaba en Europa, donde la grand opéra relataba escenas de epopeyas como la de Mitridate, en Asia las artes escénicas reflejan también historias ancestrales como la leyenda que narra el Mahabharata, texto épico-mitológico que ha servido de inspiración a infinidad de artistas del subcontinente indio.
El director de la editorial Kairós y presidente de la Fundación Ramuni Paniker Trust hablará de este enorme poema épico, que con sus 100.000 versos es el más largo jamás escrito e imprescindible para comprender la civilización índica y de gran parte del Sudeste asiático.
Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.
En el marco de su plan estratégico de internacionalización, el Teatro Real emprenderá el próximo mes de junio su cuarto viaje a Estados Unidos, reforzando los lazos artísticos y musicales entre dos países iniciados en 2022 cuando, bajo la presidencia de Su Majestad la Reina Sofía, y con la presencia de los alcaldes de Madrid y de Nueva York, se celebró el primer concierto en el Carnegie Hall de Nueva York dentro de las celebraciones del 40 Aniversario del Hermanamiento de las dos ciudades.
Desde entonces el Teatro Real ha realizado diversas acciones, proyectos artísticos, institucionales y sociales en Estados Unidos, incluyendo la creación, el pasado año, de la primera comunidad de Amigos del Teatro Real fuera de España, los American Fellows, con la que se pretende promover la participación de la sociedad civil de ese país en las propuestas culturales y artísticas del Teatro Real.
Una vez más, el eje del viaje de este año será el concierto que tendrá lugar el 5 de junio a las 20.30 horas en el Stern Auditorium/Perelman Stage del Carnegie Hall, titulado A Musical Fantasy from Spain y protagonizado por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de David Afkham, con la participación de dos grandes intérpretes españolas: la joven y prodigiosa violinista María Dueñas será solista en el Concierto para violín y orquesta en re mayor, Op.35, de Erich Wolfgang Korngold, y la gran soprano Saioa Hernández interpretará una escena de La vida breve, de Manuel de Falla, y romanzas de El gato montés, de Manuel Pineda, y Los claveles, de José Serrano, en lo que será su debut en Estados Unidos. Completan el programa cuatro piezas orquestales: las Danzas fantásticas, Op. 22, de Joaquín Turina, la Alborada del gracioso y La valse de Maurice Ravel y la Danza de La vida breve.
Paralelamente, los días 4, 6 y 8 de junio se ofrecerán actuaciones protagonizadas por la bailaora Patricia Donn -junto a Felipe Clivio, en el baile; José Antonio Méndez González «Pepele” y Francisco (Pancho) Moreno, en el cante; Aquilino (Quilino) Jiménez, en la guitarra y Ramón Suárez, en la percusión-, que tendrán lugar, una vez más, en la sede de la Fundación Ángel Orensanz. Los espectáculos son parte de las giras de Authentic Flamenco previstas para este año en 20 ciudades de Norteamérica: Boston, Chicago, Filadelfia, Los Ángeles, Miami, Montreal, Nueva York, Orange County, Phoenix, Portland, Sacramento, San Diego, San Francisco, San José, Seattle, Tampa, Toronto, Tucson, Vancouver y Washington DC.
El viaje del Teatro Real a Estados Unidos sucederá a los que tuvieron lugar en los años anteriores, vertebrados por importantes conciertos: en 2024, en el Zankel Hall del Carnegie Hall, con Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real y Leticia Moreno (violín y dirección); en 2023, en el David Geffen Hall del Lincoln Center con la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Juanjo Mena y la participación del violonchelista Pablo Ferrández y la cantaora Esperanza Fernández; y en 2022 en el Stern Auditorium/Perelman Stage del Carnegie Hall, nuevamente con la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Juanjo Mena, junto al pianista Javier Perianes y a la soprano Sabina Puértolas. Además, se organizaron conciertos de cámara con solistas de la Orquesta en diferentes recitales en el University Club y en la Americas Society.
Durante los últimos cuatro años se ofrecieron en Estados Unidos más de 200 actuaciones de Authentic Flamenco, se incrementó la visibilidad y expansión de My Opera Player y se tendieron puentes culturales y artistas entre España y Estados Unidos que no dejarán de crecer.
PROGRAMA
PARTE I
JOAQUÍN TURINA (1882 – 1949)
Danzas fantásticas, Op. 22
Exaltación
Ensueño
Orgía
ERICH WOLFGANG KORNGOLD (1897 – 1957)
Concierto para violín en re mayor, Op.35
Moderato nobile
Romance
Finale – Allegro assai vivace
PARTE II
MAURICE RAVEL (1875 – 1937)
Alborada del gracioso
MANUEL DE FALLA: (1876 – 1946)
La vida breve
«¡Allí está! Riyendo junto a esa mujé”
Danza
MANUEL PENELLA (1880 – 1939)
El gato montés
«Juntos desde chavalillos”
JOSÉ SERRANO (1873 – 1941)
Los claveles
«¿Qué te importa que no venga?”
MAURICE RAVEL
La valse, poema coreográfico para orquesta
María Dueñas, violín
Saioa Hernández, soprano
Orquesta del Teatro Real de Madrid
David Afkham, director
Stern Auditorium/Perelman Stage del Carnegie Hall
5 de junio a las 20.30 horas
Después de ganar el concurso organizado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1905, Manuel de Falla, harto de esperar el estreno de La vida breve en el Teatro Real, decidió viajar a París con su premiada partitura.
Tras su adaptación al francés como La vie breve por Paul Millet, se estrena el 1 de abril de 1913 en el Casino Municipal de Niza. El éxito fue rotundo y el interés por representar La vida breve se extendió por los teatros parisinos. Sin embargo, Manuel de Falla muere en 1946 sin haber visto el estreno de La vida breve en el Teatro Real, que permanecía cerrado por obras desde 1925. No será hasta la reapertura en 1997 cuando es estrenada, por fin, en este teatro.
Aunque la vida breve es una obra que bien puede representarse en solitario, pues tiene identidad propia, en esta ocasión se ha recurrido a un estreno absoluto y también breve, Tejas verdes, de Jesús Torres. Ambas tienen en común, por buscar algo, el sufrimiento, por distintas razones, de sus dos mujeres protagonistas. Para establecer una especie de vínculo entre ellas, alguno de los personajes transita de una obra a otra, a modo de figurantes. La fusión de ambas óperas está un poco forzada y se adapta mejor a Tejas verdes que a La vida breve.
La escenografía de Rafael Villalobos y Emanuele Sinisi es inquietante. De esa oscuridad conceptual tan de moda que sirve para un roto y un descosido. Si Villalobos pretendía resaltar la parte opresiva que contienen ambas obras, lo ha conseguido. Esto es un acierto para Tejas verdes, pero en La vida breve se echa en falta el colorido en la fiesta y en las danzas. Tampoco se identifica Granada, lugar emblemático en el que ocurren los hechos.
El vestuario, también de Villalobos, no favorece nada a los protagonistas, los afea, sobre todo al cuerpo de baile, que ya tenían suficiente con las coreografías de Estévez /Paños y Compañía, parecían bailarines acompañantes de la estrella pop de moda. La danza española de Falla merece algo más digno.
Pero sí hubo algo que estuvo por encima de los elementos escénicos, las voces de sus protagonistas.
En La vida breve, brilló por encima del resto la voz de la soprano guatemalteca Adriana González, en el rol de Salud. Posee un material vocal de gran calidad. Tiene una emisión limpia, redonda, con gran capacidad para el matiz y muy expresiva. Sabe resolver los agudos con sobrada convicción, regula con eficacia y frasea con emoción, sobre todo en los pianísimos, que emite con gran facilidad y calidad.
Salud ha estado acompañada en la réplica por el tenor aragonés Eduardo Aladrén, que estuvo voluntarioso en su interpretación de Paco. Posee buena potencia de voz, mejor expresaba en los agudos que en la zona media y baja.
El barítono Rubén Amoretti supo dar al Tío Salvador el carácter vocal e interpretativo que se espera del personaje. A buen nivel estuvo también Alejandro del Cerro, como una voz de la fragua, dando siempre solidez a sus intervenciones. Al igual que Gerardo Bullón, otro valor seguro, en esta ocasión como Manuel. A destacar la mezzosoprano Ana Ibarra, que estuvo muy convincente como la abuela.
Tejas Verdes sitúa la acción en el centro de detención de Tejas verdes, en el Chile de Pinochet. Es la segunda ópera de Jesús Torres con libreto basado en la obra de teatro del dramaturgo Fermín Cabal, fallecido hace apenas dos años.
El compositor ha dado a la partitura y a su nudo gordiano, la intolerancia, un carácter universal, para lo que ha prescindido de cualquier elemento descriptivo que indique tiempo o lugar.
El director musical Jordi Francés, que ya se encargó del estreno de Tránsito, la primera ópera de Jesús Torres, ha demostrado en Tejas verdes su dominio en la dirección de obras contemporáneas, tratándose además de un estreno absoluto, lo que supone un plus de dificultad que el director barcelonés resuelve con brillantez y variedad de matices.
En Tejas verdes destacó la soprano madrileña Natalia Labourdette como Colorina, joven enamorada de un opositor a Pinochet que es detenida, torturada y asesinada en Tejas verdes. Posee una potente voz y adecuado timbre, algo imprescindible en este tipo de repertorio, en el que la soprano se está afianzando.
María Miró, como hermana, defendió el rol con su solvencia y elegancia habitual. Solo se echó en falta un poco más de expresividad. El resto del reparto, encabezado por Ana Ibarra como Doctora, estuvieron a buen nivel, tanto en la parte vocal como en la interpretativa, resaltando Alicia Amo, como delatora y Sandra Fernández en el papel de madre.
Una obra de referencia en el repertorio español como La vida breve y un estreno mundial, el de Tejas verdes, que no levantó el entusiasmo del público, poco receptivo al repertorio contemporáneo. No así La vida breve, pues su música continúa enamorando al público.
El jurado de los Premios Ópera XXI, reunido esta mañana en el Teatro Real, ha dado a conocer los nombres de los ganadores de su séptima edición, en la que se reconoce el trabajo de los artistas, profesionales e instituciones del mundo de la lírica a lo largo de la temporada 2023-2024.
El Teatro Real se ha visto reconocido en cuatro categorías: Mejor Dirección Musical, Pablo Heras-Casado por Los maestros cantores de Núremberg; Mejor Dirección de Escena, Calixto Bieito, por Lear; Mejor Producción, Die Meistersinger von Nürnberg (Los maestros cantores de Núremberg), y Mejor Artista Extranjero, Gerald Finley por su papel de Hans Sachs en la ópera Die Meistersinger von Nürnberg (Los maestros cantores de Núremberg).
Pablo Heras-Casado, principal director musical invitado del Teatro Real, cada vez más vinculado al repertorio wagneriano -tras el magnífico Anillo dirigido en el Real, llegaron aclamadas interpretaciones en escenarios tan exigentes como Bayreuth y París- ofreció una lectura de Los maestros cantores de Núremberg llena de colores, matices, intensidad y cómplice con la escena de Laurent Pelly.
El trabajo conjunto de ambos directores, unido a un impresionante elenco -en el que destacó la presencia de Gerald Finley dando vida a Hans Sachs, extraordinario cantante y gran actor, ganador del premio al Mejor Artista Extranjero en esta edición- consiguieron hacer de Die Meistersinger von Nürnberg (Los maestros cantores de Núremberg) una de las mejores producciones de ópera del pasado año; en ella se potencia el sustrato burlesco de la ópera, alejada del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Núremberg, para construir un universo quimérico y poético que refleja el pensamiento, los anhelos y los conflictos de los protagonistas.
La producción concebida y dirigida por Calixto Bieito para Lear, evoca el camino de redención del rey como una suerte de viacrucis, situada en un espacio conceptual delimitado por estacas de madera quemada y con una potente iconografía simbólica que va del Barroco español e italiano al Expresionismo centroeuropeo, donde la familia se muestra como germen de los sentimientos y pasiones más primitivos, salvajes, exacerbados y destructivos.
Aclamada por su voz lírica y extraordinaria musicalidad, la soprano Adriana González es una de las cantantes más destacadas de su generación. Regresa al Teatro Real para interpretar Salud en La vida breve de Manuel de Falla.
Adriana ha hablado para Brío Clásica sobre este nuevo rol de Salud y de sus experiencias en estos primeros años de carrera. Una voz de la que vamos escuchar hablar mucho en los próximos años.
Durante sus años en la Ópera Estudio de París, Adriana González se alza con numerosos premios en concursos internacionales. En la temporada 2017/2018, se incorpora al Internationales Opernstudio de la Ópera de Zúrich por invitación de la directora Brenda Hurley.
Adriana González ha cantado numerosos roles, entre los que destacan: Pamina (Die Zauberflöte) en el Festival de Gars, Corinna (Il viaggio a Reims) en el Gran Teatro Liceu de Barcelona, Sapho e Iphise (Les fêtes d’Hébé) en la Opéra Bastille de París y en la Royal Academy of Music de Londres, Lia (L’Enfant Prodigue de Debussy) en concierto en la Ópera de Nancy, Micaela (Carmen) en el Grand Théâtre de Genève, Giannetta (L’Elisir d’Amore) en la Opéra National de París y en el Teatro Real de Madrid, Mimì (La bohème) en el Liceu de Barcelona, Liù (Turandot) y Mimì (La bohème) en la Opéra de Toulon, y la Contessa Almaviva (Le Nozze di Figaro) en la Opéra National de Lorraine, el Grand Théâtre de la Ville de Luxemburgo y la Oper Frankfurt.
Su primera grabación dedicada a las melodías de Robert Dussaut & Hélène Covatti, con Iñaki Encina Oyón al piano, publicada en 2020 por Audax Records, recibió el aplauso unánime de la crítica internacional y obtuvo el “Preis der deutschen Schallplattenkritik”. Además, Le Monde la seleccionó como una de las grabaciones más valiosas de la temporada. Tiene otros dos discos de canciones en el sello Audax Records (integral de canciones de Albéniz, y dúos de compositoras y compositores franceses junto a la mezzosoprano Marina Viotti). Próximamente, saldrá al mercado su nuevo trabajo discográfico con arias de Mozart y contemporáneos, junto al Ensemble Diderot, dirigido por Iñaki Encina Oyón, en el sello Audax Records.
El Teatro Real presentará, entre el 27 de febrero y el 2 de marzo, cinco funciones de uno de los ballets más populares de la danza clásica, Don Quijote, en la versión coreográfica de José Carlos Martínez, sobre el original de Marius Petipa, interpretado por la Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección artística de Muriel Romero.
Esta obra es una de las favoritas del público junto al Lago de los cisnes. Llena de alegría, color y fuerza expresiva, rompe con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX (a pesar de un acto blanco), para poner en escena a la gente del pueblo.
Basada en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”), la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho, aunque los personajes son más fieles a los creados por Cervantes, y el vestuario y la puesta en escena contribuyen a darle un aire más español que en la versión de Petipa.
La coreografía que veremos en el Real, creada para la CND por José Carlos Martínez -actual director del Ballet de la Ópera de Paris- cuando estaba al frente de la Compañía, mantiene la dificultad técnica y las complejas variaciones, pero otorga mayor protagonismo a la danza española.
Martínez define así su creación: “basándome en la coreografía original de Marius Petipa, y en las diversas versiones que he tenido ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), me ha parecido importante mantener la construcción coreográfica del ballet, pero he querido darle un matiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. A su vez, era necesario acercarse lo más posible a la esencia de nuestra danza. Me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición”.
En el foso, la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Manuel Coves, interpretará la que es, posiblemente, la partitura más conocida de Ludwig Minkus. Su estreno, en 1869 en el Bolshoi de Moscú para la coreografía original de Petipa, disfrutó de un extraordinario reconocimiento y supuso un importante cambio profesional en la vida del compositor austriaco, al unirle al coreógrafo en creaciones como La bayadere.
El 28 de febrero, la Compañía Nacional de Danza celebrará la función número 100 de esta hermosa coreografía de José Carlos Martínez.
Fotografía: Javier del Real
Eugenio Oneguin en el Teatro Real
Escenas líricas en tres actos y siete cuadros
Música de Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893)
Libreto de Konstantín S. Shilovski, basado en la novela homónima en verso de Aleksandr S. Pushkin (1831)
D. Musical: Gustavo Gimeno
D. Escena: Christof Loy
Escenografía: Raimund Orfeo Voigt
Vestuario: Herbert Murauer
Iluminación: Olaf Winter
Coreografía: Andreas Heise
D. Coro: José Luis Basso
Reaprto: Kristina Mkhitaryan, Victoria Karkacheva, Iurii Samoilov, Bogdan Volkov, Katarina Dalayman, Elena Zilio, Maxim Kuzmin-Karavaev, Frederic Jost y Juan Sancho
Orquets y Coro Titulares del Teatro Real
Teatro Real de Madrid, 3 de febrero de 2025
“Pretenden que Oneguin no es una obra escénica… ¡A mí me dan grima los efectos teatrales! […] Quiero en el escenario a seres humanos, y no a títeres… No quiero reyes, ni revoluciones, ni dioses, ni marchas. En una palabra, ¡no quiero nada de los atributos habituales de la grand ópera! Necesito un drama íntimo y profundo, basado en situaciones y en conflictos vividos por mí mismo o que he podido observar o que me puedan conmover…”
Con estas palabras, dirigidas por carta a uno de sus amigos, trataba Chaikovski de explicar cómo quería que fuera su nuevo proyecto. No tenía buena opinión de la ópera que se componía tanto en Rusia como en Italia o Alemania, le parecía superficial, pero aunque en ese momento su carrera empezaba a tener cierto éxito, no se sentía cómodo dentro de los convencionalismos que marcaban las composiciones operísticas de la época. Su propósito era escribir una obra no apta para los grandes escenarios.
Comenzó entonces eligiendo la historia. Nada menos que la obra literaria rusa más famosa hasta el momento, la novela homónima en verso de Pushkin. Escoge 7 escenas del libro para desarrollar la historia y los personajes, y le pone el sobretítulo de Escenas líricas en tres actos y siete cuadros.
Chaikovski estaba decidido a prescindir de cantantes profesionales y escenografías opulentas. Quería una representación sincera, que reflejara las emociones en profundidad y cantantes capaces de transmitir sencillez y naturalidad.
La primera versión fue estrenada en 1879 por estudiantes del conservatorio, pero a pesar de los esfuerzos del compositor, la obra tuvo un gran éxito y pronto levantó el interés de las grandes casas de ópera. El estreno con profesionales llegará en 1881 en el Teatro Bolshói.
Chaikovski siempre presenta a sus personajes femeninos atormentados por la dificultad de expresar sus afectos y deseos inconfesables. Parecen estar siempre bajo la amenaza del rechazo o el abandono. Esto refleja, a modo de metáfora, su propia situación personal. Debido a la opresiva sociedad de la época, no podía mostrar abiertamente su homosexualidad. Solo a través de sus composiciones, en especial de esta ópera, pudo esxpresar libremente sus sentimientos más íntimos y contradicciones sociales.
La ópera comienza con el llamado tema de Tatiana, unos acordes que describen el carácter de la obra, marcan el curso de los acontecimientos y de un destino que, por mucho que quieran sus protagonistas, no cambiará. La partitura consigue una profundidad excepcional generando atmósferas cargadas de sentimientos. Y lo consigue con una sencilla orquestación, sin grandes artificios. Utiliza una especie de leitmotiv que más que identificar personajes, señalan momentos dramáticos, expresados delicada y magistralmente por las cuerdas y los vientos madera. Nada en la partitura está escrito al azar. Cada personaje tiene su motivo musical que aparece a lo largo de la obra, describiendo perfectamente las sombras y ambigüedades de cada protagonista.
Otro quiebro a los convencionalismos operísticos y que da también una pista sobre el triste desarrollo de los acontecimientos es la asignación de roles de los personajes y el emparejamiento vocal. El romántico e idealista Lenski, tenor, está emparejado con la bulliciosa y soñadora Olga, mezzosoprano. La otra extraña pareja está formada por la ingenua Tatiana, soprano y Oneguin, un personaje oscuro, vividor y superficial, interpretado por un barítono. Un intercambio de roles vocales que demuestra que ambas historias de amor están condenadas al fracaso.
Chaikovski escribió una obra diferente para la que tampoco quería un coro convencional. Su movimiento en escena no debía ser uniforme, como era habitual en la grand ópera. Buscaba en todos los elementos la esencia humana, no solo de los personajes, también en el rol que juega el coro y los bailarines en las distintas escenas. Quería que su comportamiento sobre el escenario fuera el más natural y espontáneo posible. En esta primera intervención del coro, el compositor utiliza la tradición de la liturgia ortodoxa, un miembro del coro lanza una frase y el resto responde.
A pesar del empeño del compositor para crear una obra de gran intimidad, sin grandes escenografías ni grandes efectos escénicos, Eugenio Oneguin se fue haciendo cada vez más grande, lo que le permitió demostrar que soportaba muy bien toda esa grandiosidad para la que no había sido escrita. como ha quedado demostrado en su amplia historia de representaciones.
En esta ocasión, el Teatro Real presenta una nueva producción, en colaboración con Den Norske Opera & Ballet de Oslo y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, bajo la dirección escénica de Christof Loy, que ha querido volver al planteamiento inicial del compositor y ha propuesto una escenografía austera, despojada de cualquier artificio, que da más importancia a la psicología de los personajes y donde los protagonistas son, podríamos decir, las víctimas de Oneguin. Otra cosa es que Loy lo consiga.
La escenografía de Raimund Orfeo Voigt tiene dos partes bien diferenciadas. Los dos primeros actos, en los que hay tres bajadas de telón poco justificadas, la escena se desarrolla en el interior de la casa familiar, donde transcurren escenas domésticas y costumbristas protagonizadas por las cuatro protagonistas y un ardoroso y excitado servicio doméstico. En el tercer acto pareciera que han aprovechado la escenografía de Arabella, del propio Loy, que pudimos ver aquí recientemente. Un escenario con poca profundidad y de un blanco luminoso no apto para ojos sensibles. Tratando de expresar el universo psicológico, un tanto agobiante, del protagonista.
La partitura, de excepcional belleza melódica, que indica que Chaikovski ha sido el compositor ruso con más influencia occidental, ha estado interpretada en el foso por Gustavo Gimeno, que ha sabido establecer esa conexión, a menudo difícil, entre partitura y escenografía, sobre todo, teniendo en cuenta la variedad de dinámicas y motivos musicales, algunos particularmente destacables, como la polonesa o la escocesa. Supo además favorecer a los cantantes, sobre todo en las dos principales escenas de conjunto, cuando el escenario se convierte un caos de gente en movimiento. Gimeno ha delineado al frente de la orquesta los momentos más íntimos y delicados, como el aria de Lenski “Kuda Kuda”, o el hermoso y complicado cuarteto del primer acto entre los protagonistas.
Muy bien el coro, con grandes dotes interpretativas mientras cantaban en ruso, que no es poca cosa. Y sabiendo moverse en un escenario empequeñecido con aparente facilidad y armonía.
Es cierto que Chaikovski no necesitaba de grandes teatros para representar esta ópera, pero sí de grandes artistas. Y esta producción del Teatro Real, los tiene.
Al frente del elenco de cantantes de ha estado la soprano rusa Kristina Mkhitaryan, como Tatiana, que supo manejar con técnica la variedad de sentimientos que desbordan al personaje, sobre todo en la extensa aria de la carta, una de las más hermosas del repertorio operístico. Su voz potente y bien timbrada, hizo gala de un fraseo impecable y elegante. Muy bien en la parte interpretativa, tanto en la adolescente soñadora, como la perfecta aristócrata al final de la obra.
El barítono ucraniano Iurii Samoilov estuvo encargado de dar vida al protagonista Oneguin. Demostró tener unas capacidades actorales innegables, creando un personaje altivo, chulesco y hastiado que reflejó perfectamente ese perfil tan habitual en la literatura rusa. Posee un hermoso y cálido timbre, al que dotó del desgarro que sufría el personaje en los momentos más intensos.
La otra pareja estaba formada por la mezzosoprano rusa Victoria Karkacheva, en el siempre ingrato rol de Olga, la hermana pequeña y algo díscola de Tatiana. Su personaje no es vocalmente fácil, exige unos graves poderosos que Karkacheva demostró tener. Bien también en la parte interpretativa, tan importante en esta producción.
Su compañero sobre el escenario Lenski, estuvo a cargo de Bogdan Volkov. Otro de los más aplaudidos gracias a la delicadeza y el buen gusto en la interpretación de la ya mencionada “Kuda Kuda”. Su personaje, un hombre leal, tímido y cuidadoso de sus principios, estuvo muy bien elaborado por el tenor ucraniano.
Katarina Dalayman ha sido Larina, en una más que correcta interpretación de la madre de ambas protagonistas. Al igual que la veterana Elena Zilio, que interpreta magníficamente la tata Filipievna. A sus 84 años, supo dotar al personaje de toda la personalidad que atesora. Un buen ejemplo de cómo aprovechar la experiencia y las características vocales e interpretativas de algunos cantantes. Esperemos que cunda el ejemplo.
El siempre atractivo rol de príncipe Gremin, gracias a su hermosa aria del tercer acto, fue para el bajo ruso Maxim Kuzmin-Karavaev que, a pesar del buen gusto en la interpretación, no consiguió rematar su aria con los graves que le exige.
Muy buena impresión dejó el sevillano Juan Sancho como Triquet. Su breve intervención estuvo llena de musicalidad y marcando la diferencia con esa aria que demuestra la potente influencia francesa en el compositor.
El resultado de esta producción del Real ha gustado a un público que abandonaba el teatro fascinado con los elementos más importantes, la música y las voces.
Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real / Teatro Real
El Teatro Real presentará, entre el 13 y el 22 de febrero, 6 funciones de una nueva producción que une dos óperas cortas españolas: La vida breve, de Manuel de Falla (1876-1946), en la primera parte, y el estreno mundial de Tejas verdes, de Jesús Torres (1965), en la segunda.
La vida breve, que Manuel de Falla no pudo estrenar en el Teatro Real como era su deseo, fue la obra elegida para su reinauguración, en 1997, junto con el ballet El sombrero de tres picos. La obra vuelve ahora al Real, 28 años después, con la puesta en escena profunda, poética y descarnada de Rafael R. Villalobos, que rehúye el costumbrismo y se acerca al complejo universo de las mujeres lorquianas que el drama de Carlos Fernández Shaw -autor del libreto- anticipó, ya que la ópera se estrenó en 1913, mucho antes de que nacieran Bernarda Alba, Yerma o Mariana Pineda.
La lucha de clases que late, como en la fragua, a lo largo de toda la ópera -Malhaya quien nace yunque en vez de nacer martillo– impide a la protagonista, Salud, vivir su gran amor, cautiva de un estrato social del que jamás se podrá liberar, como el pajarito moribundo en su jaula o las rejas desde las que ve, con la mirada y el alma entrecortadas, la boda de su amor, Paco, con una mujer del mismo rango.
Del cautiverio de la primera parte, con muros que evocan las calles de Granada -escenografía de Emanuele Sinisi a partir las obras Insomnios y Leche y Sangre, de Soledad Sevilla- se pasa a la cárcel de la segunda ópera, Tejas verdes, cuyo nombre designa un campo de prisioneros creado en 1973 en Chile, tras el golpe de estado del general Pinochet, destinado a la detención, tortura y desaparición de presos políticos.
Partiendo del libro de Fermín Cabal (1948-2023) -un collage de relatos de mujeres que sobrevivieron a las experiencias traumáticas en el centro de detención Tejas Verdes- el compositor Jesús Torres, con la ayuda del escritor como libretista, trasciende el lugar y el tiempo de la obra, concentrándose en la universalidad del drama de los perseguidos y asesinados por razones políticas.
La ópera, escrita para seis solistas femeninas -tres sopranos y tres mezzosopranos- y dos coros -de mujeres y de hombres- narra, en líneas temporales que se cruzan y superponen, las vicisitudes de la “desaparecida” Colorina, joven con nombre de pájaro a la que recluyeron y torturaron en Tejas Verdes únicamente por la relación amorosa que mantenía con un insurgente revolucionario.
La protagonista, entre la realidad y la ensoñación, comparte los recuerdos, miedos, anhelos y angustias que vivió en Tejas Verdes, interactuando con otras mujeres llenas de zonas grises y contradicciones, victimas todas ellas, de una dictadura que legitima la tortura, el asesinato, la calumnia, el terror y la impunidad.
Un coro femenino, que actúa como un desdoblamiento de los pensamientos de la protagonista, alivia la dureza de los relatos, que se expanden a través de la bella y lacerante poesía carcelaria de Miguel Hernández, cuyos versos ahondan la carga emocional del drama. Como contrapunto, un potentísimo coro de hombres encarna las fuerzas del orden y de la represión, ya sean militares, policías, juristas o funcionarios adscritos a los perversos mecanismos de control del régimen.
La orquesta tiene un papel preponderante en la trama, llegando a donde no alcanzan las palabras, o reforzándolas cuando a la voz le falta aliento. Para ello Jesús Torres ha añadido a la plantilla sinfónica estándar un piano, una celesta, un acordeón, un saxofón y una amplísima sección percusión -que incluye, además de cuatro sets y timbales, también una campana japonesa, platos chinos, planchas metálicas, cencerro, bloques de metal suspendidos, cadenas o un Steel Drum- que deberán tocar siete músicos.
Esta paleta orquestal permite una riquísima riqueza tímbrica y armónica, a la que se unen algunos efectos dramatúrgicos como la compleja textura heterofónica con voces grabadas que se emiten por 24 altavoces, en la escena del cementerio, o la grabación de las campanas que se funden con la orquesta en la primera escena.
La música de Jesús Torres, libre de etiquetas y al margen de clasificaciones limitadoras, nace de las necesidades dramatúrgicas de la trama y acompaña la prosodia del castellano con un lenguaje mayoritariamente tonal, alejado de las corrientes estructuralistas y experimentales. En sus páginas afloran elementos de la polifonía ibérica, de la tradición europea finisecular e, incluso, aromas hispánicos que le unen a Manuel de Falla.
Así, también musicalmente, gana sentido la dramaturgia concebida por Rafael R. Villalobos al presentar ambas óperas en un díptico que incide en las relaciones semióticas representadas en la jaula, las rejas, o la cárcel, alrededor del concepto de libertad y de su privación, y donde los personajes de una y otra fábula se entremezclan creando un hipertexto.
Las dos óperas están unidas por sus protagonistas, cuyo amor les conduce a la muerte: Salud, la ingenua gitana de La vida breve, se enamora de un hombre de diferente clase social que la traiciona y es víctima de una sociedad inclemente; Colorina, la joven desaparecida de Tejas verdes, ama a un militante revolucionario terminando devorada por la dictadura.
Los personajes transitan de una a otra ópera, destacando en La vida breve la soprano Adriana González (Salud), el tenor Eduardo Aladrén (Paco), la mezzosoprano Ana Ibarra (La abuela), el bajo Rubén Amoretti (El tío Sarvaor) y la cantaora María Marín; y en Tejas verdes las sopranos Natalia Labourdette (Colorina) y Alicia Amo (Delatora), y la mezzosoprano Ana Ibarra (Doctora) -única solista que canta en ambas óperas-, secundadas por la soprano Maria Miró (Hermana) y las mezzosopranos Sandra Ferrández (Madre) y Laura Vila (enterradora).
La producción cuenta con coreografía de Estévez / Paños y Compañía y la participación de los bailarines José Alarcón, Adrián Gómez, Sara Jiménez, Pol Martínez, Jorge Morera y Yoel Vargas.
La dirección musical de ambas óperas, con distintos lenguajes musicales y expresivos, será de Jordi Francés, que tiene en su haber varios estrenos mundiales de óperas españolas. Estará al frente de la Orquesta y del Coro Titular del Teatro Real preparado por su director, José Luis Basso.
AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES
9 de febrero a las 11.00 y a las 13.00 horas | REAL TEATRO DE RETIRO, Sala Pacífico
TALLER MUSICAL EN FAMILIA: ¡Todos al Real Teatro!
Encuentro lúdico y participativo dirigido por Fernando Palacios.
Esta sesión se titula Ritmos y sonidos del sur y explora el universo sonoro de la ópera La vida breve, de Manuel de Falla. Entre cantes flamencos, nos perdemos por el barrio del Albaicín de Granada.
Participan los bailarines Marta Gálvez y Juan Carlos Avecilla
11 de febrero, a las 19.00 horas | MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA*
*Se emitirá también en la Sala de Actividades Culturales del Teatro Real por streaming.
ENFOQUES: La vida breve y Tejas verdes
Participan: Manuel Segade (director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) Jesús Torres (compositor), Jordi Francés (director musical), Rafael R. Villalobos (director de escena y figurinista) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
13 de febrero a las 17.00 horas, mayores de 14 años | MUSEO DE ARTES DECORATIVAS
22 de febrero, a las 10.45 horas, de 9 a 14 años
22 de febrero a las 12.30 horas, de 5 a 9 años
TALLER DE MANUALIDADES: Un jardín empapelado
La escenografía de Rafael R. Villalobos en Tejas verdes sirve de inspiración al Museo para realizar tres talleres de creación de flores de papel destinados a todas las edades. Tras una visita a la colección para descubrir las flores de porcelana, concha, tela o papel que se esconden en lámparas, relicarios, escaparates devocionales…
Los participantes aprenderán a hacer sus propios ramos con papel.
Actividad gratuita previa reserva en este enlace hasta completar aforo
16 de febrero, 1 y 8 de marzo, a las 11.00 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO – CSIC
23 de febrero a las 12.30 horas
TALLER: La ciencia y el arte de los pétalos
La obra de Soledad Sevilla, asesora plástica en Tejas verdes, sirve de excusa para conocer desde un punto de vista científico las flores, y más concretamente los pétalos. Su disposición, color, forma, textura y tamaño serán el punto de partida para que los participantes de este taller terminen dando rienda suelta a su creatividad con una técnica de estampación natural.
8 de marzo a las 19.30 horas | FUNDACIÓN SGAE, Sala Berlanga
CICLO MUSICAL: A propósito de Tejas verdes
La Fundación organiza un concierto que acogerá el estreno absoluto de Oda, una pieza de Jesús Torres, compositor de Tejas verdes, inspirada en el poema de Vicente AleixandreOda a los niños de Madrid muertos por la metralla (1937).
La actuación correrá a cargo de PluralEnsemble y el tenor Pablo García-López, dirigidos por Fabián Panisello, quienes también interpretarán Pentesilea, de Jesús Torres y otras obras de autores contemporáneos como César Camarero, Alicia Díaz de la Fuente, Luis de Pablo y el propio Panisello.
2 de marzo, a las 12.00 horas | TEATRO REAL, Sala Principal
LOS DOMINGOS DE CÁMARA:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real con un programa en torno a las óperas Eugene Oneguin, La vida breve y Tejas verdes.
Fecha por determinar | INSTITUTO DE CULTURA GITANA
CONFERENCIA: El espíritu gitano de Falla
Con motivo de la puesta en escena de La vida breve, de Falla, el director del Instituto, Diego Fernández, realizará una conferencia sobre la gran influencia de la cultura gitana en la obra del compositor gaditano. El acto, que se enmarca dentro de las actividades que se realizan con motivo del 600º aniversario de la llegada en 1425 de los gitanos a España, descubrirá la esencia romaní que rezuma el trabajo de Falla.
La Fundación Amigos del Teatro Real participará, un año más, en la edición del Tour del talento de la Fundación Princesa de Girona, una iniciativa que tiene como objetivo impulsar el desarrollo de los jóvenes a través de la formación y la creación de actividades y canales que faciliten su incorporación al mercado laboral.
El Tour del Talento 2025 dará comienzo en L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) entre el 3 y el 7 de febrero, en el marco de las celebraciones del “Centenario de la concesión del título de ciudad”, donde se celebrarán más de 200 actividades dirigidas a jóvenes de 16 y 35 años, entre las que se encuentra la Carroza del Real para ofrecer un recital lírico, en el Parc de la Torrassa, en el que podrán escucharse arias de algunas de las óperas más conocidas de la mano de jóvenes artistas que han participado en el programa Crescendo, creado por la Fundación Amigos Del Teatro Real.
La actual edición del Tour recorrerá cinco ciudades en las que se llevarán a cabo actividades en torno a cinco temas que vertebrarán el programa: ocupabilidad, propósito, sostenibilidad, bienestar emocional y salud y deporte, y en el que se prestará especial atención al papel de la Inteligencia Artificial. En cada una de las paradas, se darán a conocer los ganadores de las cinco categorías de los Premios Princesa de Girona 2025: la categoría Social se conocerá en L’Hospitalet de Llobregat; Arte, en Almería (del 10 al 14 de marzo); CreaEmpresa, en León (del 7 al 11 de abril); Investigación, en Badajoz (del 5 al 9 de mayo), y las dos Internacionales (CreaEmpresa e Investigación), Madrid (del 9 al 13 de junio).
Otra de las novedades será el impulso de actividades específicas en cada parada del Tour, vinculadas al premio que se fallará en cada ciudad, como por ejemplo el Reto Emprendedor en León o el Investor Day de proyectos de impacto social en L’Hospitalet de Llobregat.
La actuación de los jóvenes artistas de Crescendo tendrá lugar en las siguientes fechas y lugares:
– L’Hospitalet de Llobregat: 4 de febrero. Parc de Torrassa. Acceso gratuito.
– Almería: 11 de marzo (espacio por determinar).
– León: 8 de abril (espacio por determinar).
– Badajoz: 6 de mayo (espacio por determinar).
El primer concierto estará protagonizado por Dragana Paunović (soprano), Alejandra Acuña (mezzosoprano), Eduardo Pomares (tenor) y Milan Perišić (barítono), que estarán acompañados al piano por Gonzalo Villarruel, todos ellos integrantes de anterior ediciones de Crescendo, para interpretar conocidas arias y dúos de óperas de compositores como Mozart, Puccini, Verdi, e inolvidables páginas de zarzuela de Sorozábal o Chapí.
Coincidiendo con este inicio del proyecto Princesa de Girona destinado a los jóvenes talentos, se ha abierto la convocatoria para acceder a las pruebas de la que será la quinta edición del programa Crescendo, en la que podrán inscribirse entre el martes 14 de enero y el jueves 6 de febrero (ver aquí), cuyo programa formativo tendrá lugar durante los meses de marzo, abril y mayo, en el Teatro Real..
Impulsado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para que inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.
Crescendo cuenta con la colaboración de la Fundación Banco Sabadell, Fonds de Dotation Porosus y Mitsubishi Electric, y con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.
Desde su creación en 2022, el Tour del Talento se ha convertido en un evento de referencia en el que han participado cerca de 60.000 jóvenes que han podido desarrollar competencias como la gestión emocional, el trabajo en equipo o el liderazgo, ampliar su red de contactos o impulsar su espíritu emprendedor y, además, han tenido la oportunidad de conocer historias y profesionales que les han inspirado a lograr sus propósitos o a generar un impacto positivo en la sociedad.
La soprano madrileña Natalia Labourdette será Colorina, la protagonista del estreno absoluto de la nueva creación de ópera Tejas Verdes. En un programa compartido con la Vida Breve, estas dos óperas con heroínas trágicas del siglo XX, podrán verse en el Teatro Realdel 13 al 22 de febrero.
Desde su debut en el Teatro Real como Tebaldo en Don Carlo en septiembre de 2019, Natalia ha tenido el privilegio de participar en diversas producciones, como Peter Grimes, La Cenerentola y Orphée. “Protagonizar ahora Tejas Verdes en la Sala Principal del Teatro Real representa para mí no solo la oportunidad de interpretar un rol protagónico, sino también el reconocimiento y el fruto de años de esfuerzo, además del gran desafío que implica abordar la música de nueva creación” afirma Labourdette.
Tejas verdes es una ópera con música de Jesús Torres y libreto de Fermín Cabal, basado en su obra homónima, con poemas intercalados procedentes del Cancionero y romancero de ausencias de Miguel Hernández. Comparte cartel con La Vida Breve, un drama lírico en dos actos con música de Manuel de Falla y libreto de Carlos Fernández Shaw.
Para Natalia Labourdette, “cuando se recibe una propuesta para un rol en una ópera escrita hace más de 100 años, generalmente uno sabe qué lenguaje compositivo enfrentará. Sin embargo, las obras de nueva creación son diferentes. A mí me fascina ese desafío: comprender esta música viva, dialogar directamente con su compositor o compositora, y, aunque las complejidades técnica, rítmica y musical son enormes, el esfuerzo vale la pena.”
La dirección musical corre a cargo de Jordi Francés, al frente de la Orquesta y Coros titulares del Teatro Real. Rafael R. Villalobos está al frente de la dirección de escena y ligará la partitura de Jesús Torres y la obra de Manuel de Falla a través de la escenografía y sus personajes.
Colorina, la protagonista de Tejas verdes, comparte con la Salud de La vida breve una muerte temprana en trágicas circunstancias: su título hace referencia al centro de detención Tejas Verdes erigido en San Antonio (Chile) tras el golpe de estado de Pinochet. La ópera de Jesús Torres es una aproximación al tema universal de la tiranía y la represión, al margen de cualquier época y lugar.
Además de en la preparación de estas funciones, en los últimos meses Labourdette ha estado inmersa en desafiantes proyectos, entre otros, su reciente debut en la Opernhaus Wuppertal y en Gelsenkirchen con la ópera Hänsel y Gretel – en el rol protagonista de Gretel.
Natalia Labourdette
La soprano madrileña Natalia Labourdette es uno de los talentos al alza del panorama operístico actual. Desde su debut en 2016 Natalia ha cantado, entre otros, en teatros como el Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Teatro dell’Opera di Roma, Festival Castell de Peralada, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Ópera de Tenerife, Deutsche Oper Berlin, Theater Dortmund, Aalto Musiktheater Essen, Dante Alighieri di Ravenna, Comunale di Ferrara and Municipale di Piacenza, bajo la batuta de Jordi Savall, Ivor Bolton, Riccardo Frizza, Corrado Rovaris, Michele Mariotti, Iván López-Reynoso, Nicola Luisotti, Elda Laro, Pedro Halffter, Donato Renzetti, Miquel Ortega y Jordi Francés; y ha obedecido directrices escénicas de Deborah Warner, Emilio Sagi, Calixto Bieito, Barbara Lluch, Stefan Herheim, David McVicar, Leo Nucci, Marco Gandini, Michal Znaniecki, Frank Hilbrich, y Rafael R. Villalobos.
Invitada a diversos festivales de Lied, en 2022 lanzó ‘Petite MORT’, su primer proyecto discográfico en este género junto a la pianista Victoria Guerrero. También ha cantado repertorio puramente sinfónico con diversas orquestas (Orquesta de RTVE, ROSSevilla, Orquesta Ciudad de Granada, Real Filharmonia de Galicia, etc).
Cautivada por el mundo de los musicales modernos y el pop, a los dieciocho años entró en el Conservatorio, en la especialidad de canto, donde descubrió la riqueza histórica, lingüística y estilística de la ópera. El siguiente paso fue estudiar canto en la Universidad de las Artes de Berlín y, desde entonces, su introducción al mundo profesional ha sido natural.
Fotografía Natalia Labourdette: Irene Garmtz
El Teatro Real ofrecerá esta noche la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Idomeneo, Rè di Creta interpretada por la Freiburger Barockorchester y el conjunto vocal de la Zürcher Sing Akademie bajo la dirección musical de René Jacobs, especialista en este repertorio, con la propuesta semiescénica de Benoît de Leersnyde.
Mozart debió de alegrarse mucho cuando, a principios de 1780, recibió el encargo de escribir una ópera para el príncipe elector de Múnich, Karl-Theodor. Poco antes, el monarca se había trasladado de Mannheim a Baviera, llevándose consigo a su legendaria orquesta, la Orquesta de la Corte de Mannheim, lo que dio al compositor la oportunidad de contar no sólo con una gran y excelente orquesta, sino también con un ilustre grupo de cantantes.
Articulada a partir de una versión ilustrada y afrancesada del canto XXIV de la Iliada,con el libretista Giovanni Battista Varesco -que no siempre satisfizo a Mozart- la ópera cuenta la historia de Idomeneo, de regreso a Creta después de vencer a los troyanos. Para salvar su vida, amenazada por la furia del mar, promete a Neptuno sacrificar a la primera persona que encuentre en la orilla, que resultará ser su propio hijo Idamante.
La compleja, dolorosa y tensa relación entre padre e hijo, que late a lo largo de toda la ópera, se suele comparar con la que vivía entonces el propio Mozart, que a sus 25 años había dejado Salzburgo y la casa paterna, componiendo gran parte de la partitura en Múnich, lejos del yugo y la protección de su progenitor.
En la partitura late esa libertad y frescura, con una invención melódica desbordante y una orquestación llena de hallazgos y osadías armónicas, pese a encontrase encorsetada entre dos modelos de ópera ─la italiana y la francesa─ que convivían en la Europa convulsa de entonces, en la que Mozart enlaza magistralmente los recitativos, con las arias, números de conjunto y partes corales.
El director de orquesta René Jacobs, meticuloso y concienzudo investigador e historiador, cuenta con Idomeneo entre sus óperas favoritas de Mozart. Su pasión por esta partitura, unida a una orquesta de referencia y a unos extraordinarios solistas, pueden competir fácilmente con la mencionada orquesta de la corte de Mannheim y los cantantes del estreno.
Rene Jacobs @Philippe Matsas
El Teatro Real y la Consejería de Sanidad de la Comunidad de Madrid han presentado hoy el programa El Real en hospitales, una iniciativaque permitirá acercar a los pacientes ingresados en los hospitales madrileños la belleza e inspiración de la lírica, la música y la danza, proporcionando un instante de evasión y crecimiento personal a quienes se encuentran en un difícil momento de sus vidas, a través del programa.
El acto ha tenido lugar en el Hospital de la Princesa y en él han participado Fátima Matute, Consejera de Sanidad de la Comunidad de Madrid; Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real; José Julián Díaz Melguizo, director gerente del Hospital de la Princesa, y Celia García Menéndez, directora general de Humanización, Atención y Seguridad del paciente del mencionado hospital.
La idea surge de la necesidad de humanizar los espacios hospitalarios y generar bienestar emocional a través de las artes, de los espacios, abriendo una ventana a nuevas experiencias que permitan el desarrollo de emociones positivas y destierren la sensación de aislamiento del exterior-especialmente en los pacientes de larga duración- ya que, según los últimos estudios publicados por la Organización Mundial de la Salud, los centros en los que se llevan a cabo este tipo de acciones generan una mayor tolerancia a los tratamientos.
Con este compromiso, solidario y de futuro, el Teatro Real quiere utilizar sus posibilidades tecnológicas y artísticas para contribuir a la construcción de un entorno social amable, positivo y cargado de nuevas posibilidades de conocimiento, gracias al apoyo de instituciones como la Comunidad de Madrid.
Los títulos seleccionados para la presente temporada son las óperas El barbero de Sevilla (Gioachino Rossini) y Pagliacci (Ruggero Leoncavallo), los espectáculos de danza del New York City Ballet (con el programa dedicado a George Balanchine y Justin Peck) y la Compañía de Antonio Gades (Carmen), la Séptima Sinfonía de Beethoven (interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Pablo Heras-Casado) y el documental El corazón del Teatro Real (dirigido por José Luis López Linares y producido por Telecinco Cinema) para conocer en profundidad la historia y el funcionamiento de la que es la primera institución de las artes escénicas en España.
La proyección de la emblemática coreografía de Antonio Gades, Carmen, ha inaugurado el programa en el salón de actos con la presencia de pacientes y familiares junto a los responsables de las instituciones.
La colaboración del Teatro Real con los hospitales se inicia en el año 2015 con las primeras proyecciones de títulos infantiles del Real Junior en el auditorio del Hospital La Paz de Madrid. En el año 2016 prosiguen las emisiones destinadas a los pequeños en hospitales de la Comunidad de Madrid, como el Hospital Universitario de Móstoles, el Hospital Infantil Niño Jesús o el Hospital Universitario Príncipe de Asturias.
En 2019, el Teatro Real firma un convenio con el Hospital Universitario 12 de Octubre de Madrid para la promoción y divulgación de la música, el arte y la cultura, tanto para pacientes adultos como pediátricos, con programas de ópera y música clásica que han venido realizándose hasta hoy, llegando incluso a inaugurar el nuevo auditorio del hospital, y del que también han podido beneficiarse familiares y profesionales del centro.
La Semana de la Ópera, uno de los proyectos más emblemáticos con los que el Teatro Real acerca la ópera a la calle, también ha contado con la participación de hospitales como el Hospital Universitario Virgen de la Nieves de Granada o los Hospitales Quirón Salud de Madrid.
El Teatro Real presentará, entre el 22 de enero y el 18 de febrero, 10 funciones de Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski, en una nueva coproducción estrenada en 2020 en la Ópera de Oslo y presentada posteriormente en el Liceu de Barcelona, cosechando un gran éxito en ambos teatros.
Eugenio Oneguin es una novela introspectiva, reflexiva y confesional escrita íntegramente en verso por Alexandr Pushkin (1799-1837), con un narrador omnisciente, amigo del protagonista, que describe su corta y atribulada vida con una distancia crítica, analítica e irónica inspirada, en gran medida, en las peripecias vitales del propio escritor que, como el poeta Lenski en las páginas de su libro, moriría prematuramente en un duelo.
Cuando Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) decidió componer una ópera sobre Eugenio Oneguin, la obra de Pushkin era ya venerada como un monumento de la literatura rusa, precursora de las grandes novelas de Gógol, Turguénev, Dostoievski o Tolstói. Con enorme respeto y admiración, el compositor utiliza en el libreto fragmentos literales de la obra, omite y cambia algunas escenas y transforma en música la complejidad de los personajes, a los que trata con compasión, comprensión y ternura, distanciándose del sarcasmo crítico de la obra literaria.
El origen y composición de la ópera están ampliamente documentadas a través de la ingente correspondencia de Chaikovski, que da cuenta de cómo se entrelazan las vicisitudes de los personajes con los episodios de su propia vida.
La trama, muy sencilla, esconde los conflictos internos de los protagonistas, víctimas, todos ellos, de un contexto social implacable y hostil del que no logran liberarse. Tatiana, joven culta y melancólica de una familia hacendada, se refugia en la literatura para trascender la abulia de la vida rural. Un día conoce a Oneguin, estereotipo del héroe romántico -dandi, intelectual, seductor, ególatra, sarcástico y rebelde-, al que confiesa su amor en una carta apasionada a la que Chaikovski da voz con la poesía de Pushkin, creando una de las más bellas -y más largas- arias del repertorio lírico romántico.
Oneguin desprecia los sentimientos de Tatiana y coquetea con su hermana Olga, una ingenua pizpireta provinciana, provocando los celos de su prometido Lenski, poeta y gran amigo suyo al que acaba matando en un duelo. A partir de entonces, Oneguin deambula sin rumbo, cargando con su hastío y su culpa hasta a cruzarse de nuevo, años más tarde, con Tatiana. Ahora la ingenua joven que conoció se ha convertido en una mujer glamurosa, refinada y atractiva, esposa del príncipe Gremin, a la que expresa su tardío amor, siendo finalmente repudiado por ella, que decide ser fiel al marido.
Desde su génesis Chaikovski pensó en componer una obra sincera e intimista para cantantes jóvenes, capaces de mimetizarse con los personajes, alejados de los divos, fastos y oropeles de los teatros de ópera. Denominada como “escenas líricas en tres actos y siete cuadros”, la ópera se estructura sobre dos mundos diferenciados por la música: el campo, evocado desde el inicio por canciones tradicionales, antífonas ortodoxas y danzas folclóricas con una textura instrumental fluida, nostálgica y sugerente, y la ciudad de los salones burgueses, con el vals, la polonesa o la mazurca, y una orquestación más densa, rica y contrastante.
Entre estos dos mundos se desarrollan los encuentros y desencuentros de los cuatro protagonistas, emparejados con tesituras discordantes -Oneguin, barítono, y Tatiana, soprano; y Lenski, tenor, y Olga, mezzosoprano- que sugieren la imposibilidad de un amor recíproco y verdadero.
Para el director de escena Christof Loy -que en el Real ha dirigido Ariadne auf Naxos (2006), Lulu (2009), Capriccio (2019), Rusalka (2020), Arabella (2023), La voz humana y La espera (2024)-, los tres actos de la ópera rompen su estructura de simetrías -dos hermanas, dos parejas, dos ancianas, dos paisajes, dos cartas, dos bailes…- que su dramaturgia recupera dividiendo la ópera en dos partes con distintas escenografías, protagonistas y temáticas: la primera, con un decorado casi cinematográfico, representa la soledad buscada (estar solo); en la segunda, con una estancia cerrada por un muro blanco, los protagonistas sufren con la soledad que los enfrenta a sí mismos (sentirse solo).
La música emocional de Chaikovski, con algunas de las páginas más inspiradas de la ópera romántica, nos llegará bajo la batuta de Gustavo Gimeno, que vuelve a dirigir una obra maestra del repertorio lírico ruso en el Teatro Real, después del gran éxito obtenido con El ángel de fuego, de Serguei Prokófiev, en 2022. Estará al frente de un fantástico reparto con la soprano Kristina Mkhitaryan (Tatiana), el barítono Iurii Samoilov (Eugenio Oneguin), el tenor Bogdan Volkov (Lenski), la mezzosoprano VictoriaKarkacheva (Olga) y el bajo Maxim Kuzmin-Karavaev (El príncipe Gremin / Zaretski) en los papeles protagonistas, que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
Eugenio Oneguin siempre se ha programado en Madrid con compañías invitadas, con sus propios solistas, coro y orquesta: en el Teatro de la Zarzuela, en 1972 (con el Teatro Nacional de Sofia) y en 1981 (con el Teatro Kirov de Leningrado) y en el Teatro Real, en 2010, con el Teatro del Bolshói, en la producción de Dmitri Tcherniakov. Será la primera vez que la ópera se presenta con una producción propia, en coproducción con la Ópera de Oslo y el Liceu de Barcelona, volviendo al escenario del Teatro Real 15 años después, ahora con la participación de sus cuerpos estables.
También volverá Alexandr Pushkin entre el 30 de abril y el 11 de mayo, con siete funciones de la ópera El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov, creada a partir del poema homónimo de este grandísimo escritor, que inspiró a los más importantes compositores rusos, de Chaikovski, Glinka y Musorgski a Rachmáninov y Stravinski.
AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES
16 de enero a las 20.15 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta
ENFOQUES: Eugenio Oneguin
Participan: Gustavo Gimeno (director musical), Christof Loy (director de escena), Juan Lucas (director de la revista SCHERZO) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
11 y 18 enero a las 11.00 y 12.30 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO-CSIC
12 y 26 de enero, y 1, 15 y 22 de febrero a las 12.30 horas
VISITA GUIADA: El jardín de invierno también enamora
Seguro que un paseo guiado a través del Real Jardín Botánico de Madrid transportará de inmediato los visitantes a los fríos escenarios de Eugenio Oneguin.
Los participantes visitarán los invernaderos y las colecciones de plantas y conocerán sus usos y su importancia en nuestra vida cotidiana. También verán los ejemplares más singulares del Jardín y podrán descubrir algunas curiosidades del centro.
Más información y compra de entradas en este enlace
Fechas por determinar en febrero | MUSEO DEL ROMANTICISMO
VISITA GUIADA: Los duelos por honor en el Romanticismo
Este singular museo propone un recorrido por algunas de sus salas para conocer, de la mano de su equipo de mediación cultural, la literatura romántica y los duelos por honor a los que los hombres de las clases privilegiadas del siglo XIX se retaban.
8 de febrero a las 10.00 horas | SALA DE ARMAS DE MADRID
CURSO DE INICIACIÓN DE ESGRIMA: Esgrima para todos
Aunque en el texto de Pushkin, Oneguin y Lenski se retan a duelo con pistola, en el siglo XIX los hombres también se batían con espadas, floretes o sables.
El club de esgrima Sala de Armas de Madrid, uno de los más antiguos de España, nos acerca al mundo de las espadas con una clase de iniciación a este apasionante deporte, en el que nuestro país tiene excelentes competidores.
14 de febrero a las 19.30 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta
RETRANSMISIÓN: Eugenio Oneguin se emitirá en directo en MEZZO y en MyOperaPlayer.
El Teatro Real y Patrimonio Nacional se unen para recaudar fondos para la recuperación de la vida cultural y artística de los territorios devastados por la DANA del pasado 29 de octubre, organizando un concierto filantrópico protagonizado por el Cuarteto Casals, con el Cuarteto Palatino de Patrimonio Nacional, que solamente sale de sus dependencias en ocasiones excepcionales (no lo hacía desde hace 29 años).
El prestigioso ensemble de música de cámara, que conforman actualmente Vera Martínez y Abel Tomàs (violines), Cristina Cordero (viola) y Arnau Tomàs (violonchelo), nació en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en 1997 -año de la reapertura del Teatro Real-, y en sus 27 años de actividad tuvo el privilegio de tocar varias veces con los instrumentos palaciegos.
En esta ocasión lo harán interpretando piezas de la genial partitura El arte de la fuga, obra postrera, misteriosa e inconclusa de Johann Sebastian Bach (1685-1750), sin asignación específica de instrumentos, cuyas cuatro voces son adaptadas para cuarteto de cuerdas, logrando la claridad, cohesión e intimismo necesarios para afrontar el contrapunto de las catorce fugas y cuatro cánones como un laberinto etéreo, un trascendente perpetum mobile (ver texto de Luis Gago abajo).
La interpretación de esta música sublime, con la que el Cuarteto Casals cosecha siempre excelentes críticas -incluyendo las de la grabación discográfica de 2023-, llegará a al público a través de los cuatro instrumentos realizados por Antonio Stradivari (1644-1737) que atesora el Palacio Real, cuya calidad y singularidad harán del concierto una velada única. (ver texto abajo sobre el cuarteto palatino).
PROGRAMA
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
El arte de la fuga, BWV 1080
Cuarteto Casals
Vera Martínez, violín Abel Tomàs, violín, Cristina Cordero, viola Arnau Tomàs, violonchelo
Teatro Real, 20 de enero a las 19.30 horas
ANATOMÍA DE LA MELANCOLÍA
LUIS GAGO
¿Por qué Bach compuso tan poco –comparativamente al menos, si tomamos como referencia la feraz producción de su juventud y primera madurez– en su última década de vida? ¿Y por qué ese énfasis en la música abiertamente especulativa, desligada en apariencia de la vida y la interpretación a ras de suelo? Nunca podremos responder a estas preguntas, pero nadie ha aventurado una hipótesis mejor ni más plausible que un colega suyo que lo admiró sobremanera, el también alemán Paul Hindemith, cuando, en una conferencia leída en Hamburgo en 1950, planteó la hipótesis de que el viejo Bach debió de ser presa de un acceso de melancolía. Pero no de la “melancolía de la impotencia” que Nietzsche adjudicó malignamente a Brahms, sino justo de lo contrario, de una “melancolía de la capacidad”, la que queda reservada para quienes, como Bach, han conseguido llegar a lo más alto. Constatar en la cima su condición de seres humanos, que les impide seguir ascendiendo, es lo que hizo que Bach –conjetura el autor de Mathis der Maler– se refugiara a un tiempo en el silencio y en una música para sí mismo, desgajada del mundo real.
Como la Ofrenda musical, cuya única base es un tema provisto por el rey Federico II el Grande, El arte de la fuga levanta todo su edificio a partir de su minúscula célula inicial de once notas. Este monotematismo a ultranza, radical, acentuado por la naturaleza esencialmente imitativa de fugas y cánones, convierte a estas postreras creaciones de Bach en propuestas sonoras casi obsesivas, que trazan infinitos círculos concéntricos en torno a un mismo motivo y sin apartarse de una tonalidad –aquí, Re menor– que sería luego también la del Réquiem de Mozart o la Novena Sinfonía de Bruckner, obras tan terminales como El arte de la fuga. Bach murió mientras preparaba las planchas para su edición, lo que nos dejó una serie de cruciales interrogantes añadidos, de nuevo sin respuesta posible, empezando por el propio título de la obra, muy probablemente espurio, ya que en su manuscrito autógrafo, depositado en la actualidad en la Staatsbibliothek zu Berlin con la signatura P 200, la caligrafía no es la de Bach, sino la de su alumno y yerno Johann Christoph Altnikol. En cuanto a su presunto carácter incompleto, en el famoso Obituario redactado en 1750 por Carl Philipp Emanuel Bach y Johann Friedrich Agricola, y publicado por Lorenz Mizler en 1754, puede leerse: “Esta es la última composición del autor, que contiene todo tipo de contrapuntos y cánones sobre un solo sujeto principal. Su última enfermedad le impidió completar el proyecto de concluir la penúltima fuga y de elaborar la última, que había de contener cuatro temas e invertirse más tarde nota por nota en las cuatro voces. Esta obra no vio la luz del día hasta después de la muerte del difunto autor”. Efectivamente, la última fuga se interrumpe abruptamente en el compás 239 del manuscrito, poco después de la aparición del tercer tema de fuga, correspondiente al nombre de B-A-C-H (Si bemol, La, Do, Si natural). Justo debajo, una mano otra vez diferente, la de Carl Philipp Emanuel, añadió la siguiente nota: “N.B. Mientras trabajaba en esta fuga, en la que el nombre de BACH aparece en el contrasujeto, el autor murió”. Aunque cuesta interpretar la frase al pie de la letra, este es uno más de los misterios que rodea a uno de los dos cantos del cisne del gran compositor alemán (el otro es la no menos misteriosa Misa en Si menor).
Ni en este manuscrito ni en la primera edición aparece mención alguna de instrumentos, una suerte de cheque en blanco que ha propiciado todo tipo de propuestas, aunque el ideal debe ser que esta música vaya impregnándose en sus oyentes, gota tras gota, sin necesidad de colorear o variar su tamaño: cuanto más idénticas sean esas gotas, mejor. La contenida en El arte de la fuga es, tomando prestado el título de la novela de Vikram Seth, “an equal music”, lo que convierte a un cuarteto de cuerda en un traductor ideal de sus pentagramas, por más que sea necesario introducir leves modificaciones en algunos de los contrapuntos para acomodarlos a las tesituras de los cuatro instrumentos. Su escucha será para algunos una experiencia ardua, porque, en sus últimos años de su vida, Bach intentó convertir la música –y la expresión es, de nuevo, de Paul Hindemith– en “pensamiento puro”. Pero opera en nuestro espíritu como un tratamiento de limpieza integral. Con un leve dejo de melancolía.
EL CUARTETO PALATINO DE PATRIMONIO NACIONAL
En 1702 Antonio Stradivari (1644-1737), quizás el más importante luthier de la historia, ofreció a Felipe V, en su paso por Cremona, cinco instrumentos de su taller, realizados y decorados por él: un cuarteto de cuerdas y un violonchelo, entonces con distintas designaciones, ya que no existía la denominación de “cuarteto de cuerdas” tal como la conocemos hoy. Sin embargo, la transacción no llegó a producirse y 70 años más tarde los hijos y herederos del afamado luthier vendieron el conjunto a Carlos III, que lo destinó a su hijo, el futuro Carlos IV, gran melómano e intérprete de violín.
Con la invasión napoleónica (1808-1813) desaparecieron dos de los cinco instrumentos, de los que se recuperó la viola en 1951 en Londres, quedando nuevamente el Palacio Real con la posesión del cuarteto de cuerdas completo, construido y decorado por Antonio Stradivari en su período de madurez -última década de seiscientos- y concebido para ser utilizado como un conjunto camerístico con un mismo color sonoro y una combinación tímbrica excepcional, que lo hace único en el mundo.
También es única la decoración geométrica, zoomorfa y antropomorfa realizada por Stradivari en las tapas, aros y clavijeros de cada instrumento, que están firmados por su autor con el anagrama y el año de construcción: violines, 1709; viola, 1696; y violonchelo (antiguo violón bajo), 1694.
Además de la maestría del luthier de Cremona en la construcción de los instrumentos, la plasticidad y riqueza tímbrica de su sonido procedía, en gran parte, de la elección y tratamiento de las maderas utilizadas, que Stradivari elegía de acuerdo con las características acústicas, tímbricas y armónicas que buscaba, privilegiando las de abeto y de arce cuidadosamente secadas (algunas durante décadas), tratadas y barnizadas. Su trabajo ha inspirado a los luthiers que le han sucedido y sus instrumentos siguen brillando 350 años después…
El Teatro Real ha celebrado esta noche su sexta Gala anual que, bajo el título Ecos Del Alma, ha reunido en su escenario a la soprano Sabina Puértolas, acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre, y al guitarrista Pablo Sainz-Villegas, para interpretar obras de Enrique Granados, Isaac Albéniz, Francisco Tárrega, Emilio Arrieta, Jesús Guridi y Amadeo Vives.
Este especial encuentro, preludio a las fiestas navideñas, ha tenido un marcado acento español, tanto por sus intérpretes como por los compositores elegidos para el programa, de los que se han seleccionado algunas de las páginas más profundamente ligadas a nuestra cultura, evocadoras de paisajes y costumbres, alojadas desde siempre en la memoria del alma.
El virtuoso guitarrista Pablo Sainz-Villegas abrió el concierto con la más conocida de las Danzas españolas, “Andaluza”, de Enrique Granados. Le seguirían después “Torre Bermeja”, de Doce piezas características, y “Asturias”, de la Suite española, ambas de Isaac Albéniz, para finalizar con Recuerdos de la Alhambra y la Gran jota de concierto, de Francisco Tárrega, que darían paso a la segunda parte del concierto, protagonizada por la soprano Sabina Puértolas, acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre (ver programa adjunto).
La Gala del Teatro Real es un encuentro musical, con fines filantrópicos, en la que la generosa participación de las empresas y la sociedad civil, permite sacar adelante iniciativas especiales del Teatro Real como el proyecto Crescendo y los programas de divulgación de la lírica gracias a las retransmisiones y los espectáculos de la Carroza del Real.
Pablo Sainz-Villegas, reconocido por algunos como el sucesor de Andrés Segovia, es uno de los grandes solistas de referencia en el mundo de la guitarra. Su deslumbrante currículum, con más de treinta importantes premios en diferentes países, nos recuerda también que ha sido el primer guitarrista en actuar en el Carnegie Hall de Nueva York desde Andrés Segovia en 1983, el primero en tocar en el Concierto de Año Nuevo de la Berliner Philharmoniker desde 1983, el primero en tocar con la Orquesta Sinfónica de Chicago desde 2001 y ha participado en conocidos estrenos mundiales, como la primera obra escrita para guitarra de John Williams. Quizás sólo hitos para un artista que vive, interpreta y disfruta la música desde una gran humanidad.
Sabina Puértolas, una de nuestras sopranos más internacionales, es también artista de referencia en el Teatro Real, no sólo por los éxitos en su escenario –donde ha interpretado con gran reconocimiento de la crítica, en Rodelinda (2017), Idomeneo, L’elisir d’amore (2019) y Viva la mamma!, Partenope (2021), Achille in Sciro e Il turco in Italia (2023)-, sino por estar vinculada a los proyectos de internacionalización de la institución -fue la voz protagonista del primer concierto del Real en el Carnegie Hall de Nueva York- y a los de formación -imparte clases magistrales para los jóvenes cantantes del programa Crescendo-, dejando siempre huella con su enorme simpatía y su versatilidad para la interpretación.
El piano de Rubén Fernández Aguirre ha acompañado a las grandes voces de la lírica actual, desde Lisette Oropesa a Ermonela Jaho, con Javier Camarena o Andreas Schager. No es la primera vez que comparte escenario con Sabina Puértolas; entre ellos, la complicidad, el carácter, la profesionalidad y el amor por la música española han sido más que evidentes en el concierto de hoy.
La gala ha tenido como embajadores, entre otros, a Idealista, El Corte Inglés, Deloitte, EY y Prodware y como patrocinadores a Telefónica, BMW, Mastercard, Grupo Oesía y Exterior Plus.
Sabina Puértolas ha sustituido en esta Gala a la soprano Marina Monzó, cuya participación ha tenido que ser cancelada por razones médicas.
La singularidad de su timbre y la versatilidad de su voz, le permiten abordar un repertorio que amplia estos días debutando el rol de Conde de Leicester en la nueva producción de Maria Stuarda de Donizetti que se estrena en el Teatro Real. Con dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y escenografía de David McVicar, Hernández dará la réplica a dos reinas, María Stuarda, en la voz de Yolanda Auyanet, y Elisabetta, interpretada por Silvia Tró Santafé. Nos habla en esta entrevista de este nuevo desafío y de su pasión por el lied.
“Me siento feliz y entusiasmado”, confiesa José Miguel Pérez-Sierra, uno de los directores españoles de mayor proyección internacional, que vuelve al podio del Teatro Real de Madrid para ponerse al mando de la ópera de Donizetti Maria Stuarda. Esta obra maestra imprescindible del bel canto romántico que, junto a Roberto Devereux y Anna Bolena completa la trilogía Tudor del compositor bergamasco, se estrena en el coliseo madrileño en una nueva producción dirigida musicalmente por Pérez-Sierra y por David McVicar en el apartado escénico. Subirá a escena los días 14, 16, 17, 19, 20, 23, 26, 27, 29 y 30 de diciembre con un doble reparto de estrellas internacionales de la lírica entre las que destacan Lisette Oropesa y Yolanda Auyanet (Maria Stuarda), Aigul Akhmetshina y Silvia Tro Santafé (Elisabetta), Ismael Jordi y Airam Hernández (Roberto, Conde de Leicester), además de Roberto Tagliavini y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot), entre otros, todos junto al Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.
Para José Miguel Pérez-Sierra, “uno de los puntos fuertes de esta puesta en escena es la inclusión de la obertura original que escribió Donizetti para su estreno en Milán con temas musicales que se eliminaron posteriormente. El compositor italiano es sin duda un pilar fundamental en la historia de la ópera, ya que sin él, Verdi hubiera sido algo así como Meyerbeer. El compositor belcantista reinterpreta la ópera seria de Rossini –su ‘hermano mayor’ musical– huyendo de la grand-opéra francesa de gran formato. Con toda esa herencia configura el ‘melodramma’ italiano del sigo XIX, mucho más humano, más directo y menos abstracto que la ópera seria rossiniana, y de ahí nace el Verdi serio. Por ello es realmente un privilegio estar al frente de la dirección musical de esta nueva producción que es un auténtico lujo, contando además con un doble elenco magnífico que estoy seguro que hará soñar al público; además, dirigir en el Real es doblemente satisfactorio para mí, ya que es el teatro de ópera de mi ciudad, y en estos momentos uno de los más importantes del mundo”, asegura el maestro madrileño.
Tras este compromiso, la carrera de José Miguel Pérez-Sierra seguirá este año conquistando escenarios españoles e internacionales. Si en las dos últimas temporadas ha asumido importantes cargos como son su nombramiento como director musical del Teatro de la Zarzuela y del Royal Opera Festival de Cracovia (Polonia) –además de ser el principal director invitado de la Ópera de A Coruña–, en 2025 le esperan su debut en la Ópera de Basilea con Turandot, la Novena Sinfonía de Mahler con la Filarmónica de Cracovia y La Tabernera del Puerto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, además de regresar, como cada año, al podio del Festival Rossini de Wildbad y del Royal Opera Festival de Cracovia.
El próximo 15 de diciembre, la hechicera Alcina desplegará sus encantamientos, seducción, venganza y desesperanza en el escenario del Teatro Real donde, de la mano de la prestigiosa formación barroca Il Pomo d’Oro, bajo la dirección musical de Francesco Corti, representará, en versión de concierto, el que es, posiblemente, uno de los títulos más populares de Georg Friedrich Händel (1685-1759).
Un reparto de voces especialista en este repertorio dará vida a los personajes encabezados por Elsa Dreisig (Alcina), Sandrine Piau (Morgana), Juliette Mey (Ruggiero), Jasmin White (Bradamante), Alex Rosen (Melisso), Stefan Sbonnik (Oronte) y Bruno de Sá (Oberto).
Entre las 42 óperas que compuso Händel, Alcina —estrenada en 1735 en el Covent Garden de Londres en su última etapa como compositor operístico— está considerada como una de las más logradas en la caracterización de los personajes y en la expresión de sus emociones. Su dramaturgia moderna, sus inspiradas melodías y su brillante orquestación justifican la creciente presencia de esta obra en la programación de teatros y festivales de todo el mundo desde su ‘redescubrimiento’ en los años 60 del pasado siglo, después de más de doscientos años de olvido.
En Alcina, Händel recurre por tercera vez al poema épico Orlando furioso, de Ludovico Ariosto (1474-1533) —después de hacerlo en Orlando y Ariodante—, para retratar las emociones y las pasiones humanas con la libertad que le otorga el mundo alegórico, fantástico y sobrenatural del poeta italiano. La partitura, inscrita en los cánones de la llamada opera seria barroca, alterna los recitativos que avanzan la acción y las arias que expresan las emociones de los personajes y que dan alas a la exhibición virtuosística de los cantantes.
El próximo14 de diciembre el Teatro Real estrenará una nueva producción de Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti, que se presentará posteriormente en los teatros coproductores: el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival-Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia.
En la ingente producción operística de Gaetano Donizetti (1797-1848) -70 óperas escritas con increíble premura a lo largo de su corta y azarosa vida-, destaca la llamada “Trilogía Tudor” –Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1835) y Roberto Devereux (1837)-, cuya trama gravita, directa o indirectamente, en torno a la figura centrípeta, implacable y extraordinaria de Isabel I de Inglaterra. Las luchas de poder sanguinarias en su corte, con maquinaciones cortesanas, traiciones, asesinatos, amoríos y sentimientos desenfrenados encajaban perfectamente con el ímpetu creador de Donizetti, que unió con increíble habilidad y simplicidad el melodismo belcantista de las emociones exacerbadas con el paroxismo de las situaciones dramáticas.
Maria Stuarda es un duelo de reinas que luchan por el mismo cetro y el mismo amor, víctimas ambas de fuerzas políticas y religiosas que manipulan sus destinos desde la infancia en los bajos fondos de las encarnizadas guerras de poder que las involucran y trascienden.
Partiendo de la obra homónima de Friedrich von Schiller (1759-1805), alejada de la verdadera historia de la reina católica escocesa, por la que toma partido en relación con su rival anglicana, Donizetti creó una partitura de grandes vuelos melódicos y contrastes abruptos que privilegia el perfil psicológico de las protagonistas, atrapadas por una red asfixiante de relaciones disfuncionales y tóxicas. Es precisamente esta caracterización musical y dramatúrgica la que seduce actualmente a importantes directores de escena, más allá de la belleza de su belcantismo.
David McVicar, que dirigirá su sexto título en el Teatro Real -después de Otra vuelta de tuerca(2010), La traviata (2015), Rigoletto (2015),Gloriana (2028) y Adriana Lecouvreur (2024)- ofrece una visión intimista de la ópera, que explora la complejidad de los sentimientos y pasiones de los personajes, caracterizados con un espectacular vestuario renacentista diseñado por Brigitte Reiffenstuel.
La escenografía parte del dibujo de una escena de la ejecución de la reina María I de Escocia realizado por Robert Beale, diplomático de la reina Isabel I presente en el acto. Sobre las líneas de ese esbozo se irguió un decorado conceptual, transformando la ópera en el trágico camino de la protagonista hacía el patíbulo como destino inexorable que subyace bajo toda la trama.
En ese decorado simbólico, concebido por la escenógrafa Hannah Postlethwaite, bajos relieves de orejas y ojos evocan el permanente estado de vigilancia, tensión y alerta; ráfagas de sombras insinúan la sangre derramada, o una contundente orbe irrumpe con el implacable peso del poder político y religioso, indisociable en esos tiempos en los que Inglaterra luchaba por su desvinculación de la curia romana.
Este espacio diáfano está concebido para que brillen las voces de los dos repartos que se alternarán en el escenario del Teatro Real -las sopranos Lisette Oropesa y Yolanda Auyanet (Maria Stuarda), las mezzosopranos Aigul Akhmetshina y Silvia Tro Santafé (Elisabetta), los tenores Ismael Jordi y Airam Hernández (Roberto, conde de Leicester), los bajos Roberto Tagliavini y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot), los barítonos Andrzej Filonczyk y Simon Mechlinski (Lord Guglielmo Cecil) y Elissa Pfaender y Mercedes Gancedo (Anna Kennedy)- que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de José Miguel Pérez-Sierra.
Libreto de Giuseppe Bardari, basado en la obra Maria Stuart, de Friedrich von Schiller
Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 30 de diciembre de 1835
Estreno en el Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, en coproduccion con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival de Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia
Dirección musical: José Miguel Pérez-Sierra
Dirección de escena: David McVicar
Escenografía: Hannah Postlethwaite
Vestuario: Brigitte Reiffenstuel y David McVicar
Iluminación: Lizzie Powell
Dirección de movimiento: Gareth Mole
Dirección del coro: José Luis Basso
Asistente de la dirección musical: Jon Malaxetxebarria
Asistentes de la dirección de escena: Greg Eldridge y Isabelle Kettle
Desde el inicio de su trayectoria internacional, el tenor tinerfeño Airam Hernández ha conseguido prodigarse en un repertorio diverso en estilos, épocas y géneros: óperas de Mozart o Cherubini, pasando por el bel canto romántico de Donizetti o Bellini, por obras de Verdi, Mussorgsky o títulos de autores de los siglos XX y XXI, así como piezas fundamentales del ámbito sinfónico, del oratorio, del Lied o de la canción española. Han sido sus herramientas para forjar una hoy consolidada carrera en teatros y auditorios de Europa, Asia y Estados Unidos, un repertorio que sigue creciendo al asumir, esta temporada, su primera ópera de Wagner. Pero si el verano pasado obtuvo un triunfo de público y crítica en el Festival della Valle d’Itria en Martina Franca (Italia) con su aclamado Pollione de Norma de Bellini, en diciembre volverá a meterse en otro rol belcantista como es el de Roberto, Conde de Leicester, de Maria Stuarda de Gaetano Donizetti: será su debut en el personaje coincidiendo con su regreso al Teatro Real de Madrid, donde ya ha actuado en Don Giovanni y dando vida a Federico García Lorca en el estreno absoluto de la ópera El abrecartas, de Luis de Pablo.
“Volver al bel canto es siempre un buen método para reafirmar la técnica con personajes increíbles”, afirma el tenor tinerfeño. “Aunque me motiva moverme en todo tipo de repertorios, algo que he querido hacer desde siempre, y pese a la dificultad, me entusiasma regresar a la melodía pura y genuina de Donizetti, autor –junto a Bellini– que fue clave para definir los principios estéticos del bel canto romántico; interpretar su música te lleva inexorablemente a cuidar con mimo el fraseo, el canto legato y a teñir la voz de infinidad de colores para conseguir la máxima expresividad en el canto. Maria Stuarda junto a las otras dos óperas que conforman la Trilogía Tudor, Anna Bolena y Lucrezia Borgia, reúne algunos de los mejores momentos de Donizetti, y para interpretar a Leicester tradicionalmente hay que controlar la línea de canto manteniendo la elegancia en el fraseo, base del estilo. Así lo preparé con mi maestra, Mariella Devia, aunque el punto de vista del personaje del director de escena del montaje que estamos preparando en el Teatro Real, David McVicar, es diferente, ya que concibe a Leicester lejos de la idea romántica: no lo reduce al típico enamorado que da su vida por la mujer que ama, dejándolo en un sólo tono dramático, sino que propone mayor dimensión del personaje, ofreciendo una nueva lectura en la que Leicester se muestra como un tipo ambicioso que se mueve en un registro mucho más rico en emociones, capaz de usar todos los recursos que están a su alcance para lograr sus objetivos”.
La ópera de Donizetti sube al coliseo madrileño es una nueva coproducción con el Liceu, el Donizetti Festival de Bérgamo, el Teatro La Monnaie/De Munt de Bruselas y la Ópera de Finlandia, con José Miguel Pérez-Sierra en el podio. Airam Hernández interpretará cuatro funciones los días 16, 19, 27, 30 de diciembre compartiendo escenario con Silvia Tro Santafé (Elisabetta), Yolanda Auyanet (Maria Stuarda) y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot).
Tras esta producción le esperan Das Lied von der Erde (Mahler) en la Opernhaus Stuttgart; Giovanna d’Arco (Verdi) en la Ópera de Tenerife; el Requiem de Mozart junto a la Filarmónica de Gran Canaria; L’enfant prodigue (Debussy) con la Sifónica de Tenerife; y su debut en Der fliegende Holländer (Wagner) en el Théâtre du Capitole de Toulouse.
Coincidiendo con el Día Internacional de la Música, el Teatro Real presenta un proyecto para acercar la ópera a las nuevas generaciones, “Ópera en Corto”.
Se han seleccionado las óperas más populares disponibles en el catálogo de My Opera Player para la realización de programas monográficos de 45 minutos, en los que se articulan los fragmentos más importantes de cada título con explicaciones multidisciplinares ofrecidas, de manera dinámica, atractiva, divertida e informativa por una recreación virtual de Francesca Caccini (1587-1641), autora de La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, que se presentó el pasado junio en los Teatros del Canal, en una coproducción con el Teatro Real con dirección musical de Aarón Zapico y dirección de escena y coreografía de Blanca Li.
Partiendo de documentos que retratan a la compositora florentina, el Teatro Real y NTT DATA han creado, a través de inteligencia artificial, un boceto tridimensional al que se ha dado una voz propia.
Para generar el personaje digital, NTT DATA, apoyada por su agencia creativa Tangity, ha utilizado distintas tecnologías de vanguardia: Unreal Engine 5, que aporta gráficos y efectos avanzados; Metahuman, que ofrece avatares detallados con expresiones faciales auténticas; y Rokoko, que captura cada movimiento y gesto en tiempo real, logrando así que Francesca Caccini se vea natural y cercana al momento actual.
A lo largo de cada programa de “Ópera en Corto”, Caccini desvelará a los usuarios-espectadores los secretos de una producción operística con explicaciones sobre el libreto, la música, contexto histórico y social o anécdotas relativas a cada título, articulando sus comentarios con las grabaciones realizadas en el Teatro Real, en las que participan los más importantes directores y cantantes del mundo lírico.
Estos programas de síntesis de una ópera estarán abiertos a todos los usuarios, gratuitamente, en My Opera Player y disponibles para su emisión en los centros escolares adscritos a la comunidad de El Real en tu clase con el apoyo de Telefónica.
El primer título del proyecto es La bohème, en la producción que triunfó en el Teatro Real en 2017, con dirección musical de Paolo Carignani, dirección de escena Richard Jones y un fantástico reparto encabezado por la soprano Anita Hartig (Mimì), el tenor Stephen Costello (Rodolfo) y la soprano Joyce El-Khoury (Musetta), que actúan junto al resto de elenco con el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la ORCAM.
La iniciativa ha sido presentada hoy, tras la firma de un convenio de patrocinio entre el Teatro Real y la multinacional tecnológica NTT DATA, responsable de la creación de Francesca Caccini.
Sobre “Ópera en Corto”, Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, destacó que “la unión de ópera y tecnología es un vehículo excepcional para acercar el arte más completo que existe al público del futuro, es decir a los niños y jóvenes en los centros escolares, gracias al ambicioso programa audiovisual de formación y difusión del Teatro, El Real en tu clase, y a instituciones como ayuntamientos o centros hospitalarios. Este proyecto que presentamos hoy con NTT Data permite de una forma didáctica a la vez que entretenida hacer nuevos aficionados a la ópera”.
EL REAL EN TU CLASE
El Real en tu clase es el programa del Real que permite a los centros educativos emitir en sus aulas y auditorios producciones del Teatro Real -ópera, danza, conciertos, espectáculos infantiles, etc.- adaptadas a su alumnado.
Los centros de enseñanza primaria, secundaria o de bachillerato deberán estar adscritos al proyecto a través de las consejerías de educación de sus comunidades, previa firma de un convenio de colaboración con el Teatro Real.
Con este proyecto el Teatro Real pretende acercar la ópera, la música clásica y las artes escénicas a niños, adolescentes y jóvenes a través de producciones de gran calidad artística que han triunfado en su escenario.
FRANCESCA CACCINI
Huesos de ballena, monstruos marinos, caballos con alas… Todo eso y una música deliciosamente sugestiva componen La liberazione di Ruggiero Dall’Isola D’Alcina, la primera ópera de la historia compuesta por una mujer, Francesca Caccini, que interpretó además el papel de Alcina.
El Teatro Real recuperó ese título, compuesto hace casi 400 años y nunca estrenado en España, en la temporada 23/24 con un gran éxito. La italiana, a la que llamaban la Cecchina, fue tan precoz que con solo 13 años -en 1600- participó en el estreno de Euridice, de Jacopo Peri, la ópera más antigua cuya partitura se conserva.
Caccini, que fue la música “de cabecera” de la familia de los Medici, decidió retirarse de la vida social italiana para dedicarse solo a componer, cantar y enseñar hasta su muerte, en 1641.
La frescura, sabiduría y pasión de la bailaora Patricia Donn protagonizarán la próxima cita de Flamenco Real, los días 27, 28 y 29 de noviembre, ciclo en el que la artista se presenta por primera vez, con un espectáculo creado y coreografiado por ella donde celebra la riqueza del flamenco, en todo su abanico de expresiones y sentimientos, bajo el título de Patricia Donn en concierto.
Patricia Donn y su compañía proponen un recorrido por los diversos palos flamencos, desde los más ancestrales, como el martinete y la soleá, a los que fusionan expresiones de otras culturas como los tangos de ida y vuelta o el recién creado por la artista el repique del colibrí, pura exhibición de gracia y ligereza con un taconeo de puntillas que requiere extraordinaria rapidez y precisión. Con el icónico mantón en guajiras y la intensidad de la soleá y bulería, el espectáculo es un despliegue de pasión y virtuosismo que se fijará en la memoria de los espectadores.
La bailaora estará acompañada por la guitarra de Israel Cerreduela, la percusión de Iván Losada, el violonchelo de Barnabas Hangonyi “Batio”, el cante de Saúl Quirós y la réplica en el baile de Dani Caballero.
Nacida en Granollers, y formada en la escuela de flamenco de Paca García, en Barcelona, ha estudiado danza clásica, contemporánea y clásico español, lo que la convierte en una de las mejor preparadas de su generación, conocimientos que, unidos a su duende y su talento natural, hacen de ella una bailaora única. Ha tenido como maestros a Eva Yerbabuena, Antonio Canales, Lola Greco, Farruquito y Gala Vivancos, entre otros, y ha obtenido el Primer Premio en el Concurso Flamenco Tablao Las Carboneras de Madrid (2018).
En 2022 Patricia Donn se estrena como coreógrafa y directora, además de intérprete, con su primer espectáculo en solitario denominado Mujeres, y en 2023 crea su propio Ballet Flamenco Teatro/Danza que se estrena con el espectáculo Ángeles y Demonios. En junio de este año participa en la gira internacional del Teatro Real y Fever, Authentic Flamenco, en coproducción artística con SO-LA-NA, con la que visita Los Ángeles, San Diego, San Francisco, San José, Sacramento, Portland y Vancouver, con un extraordinario reconocimiento de la crítica.
Sólo decir su nombre nos evoca la magnífica interpretación de Rusalka en el escenario del Teatro Real en 2020. Ahora, cuando se cumplen justo cuatro años de su presentación en el coliseo madrileño, Asmik Grigorian regresa para ofrecer un concierto en el que demostrará, junto a la Orquesta Titular del Teatro del Real, bajo la batuta de Henrik Nánási, su maestría musical, la versatilidad de su voz y la capacidad para dotar de intensa emoción cada uno de los papeles que aborda.
El próximo 24 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, la cantante lituana de origen armenio interpretará un programa cargado de romanticismo que palpitará en la primera parte a través de la enérgica musicalidad de compositores eslavos -como los rusos Chaikovski, Rimski-Kórsakov y Glinka; el armenio Tigranian, el lituano Dvarionas o el checo Dvořák- y reservará para la segunda parte el protagonismo sobre tres personajes de la ópera italiana que Grigorian acaba de debutar con gran éxito: Manon Lescaut y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, y Elisabetta di Valois, del Don Carlo verdiano.
Con excepción de La dama de picas (Pikovaya Dama), representada en el Teatro Real en 2004, y la inolvidable Rusalka, protagonizada por la propia Grigorian en 2020, las obras ofrecidas en la primera parte serán un descubrimiento para el espectador del Real. Comenzará la velada con la enérgica, exuberante y colorida obertura de Ruslan y Ludmilla, de Glinka, cuyo alegre torrente abrirá las puertas a la historia de cuatro mujeres cuyos destinos están marcados por un mismo triste y dramático final: Anoush, que da su nombre a la ópera del compositor Armen Tigranian, considerada un tesoro nacional armenio, país de origen del padre de la soprano (el tenor Gegam Grigorian); Dalia, de Balys Dvarionas; Marfa, protagonista de La novia del Zar, de Rimski-Kórsakov, y Kuma, personaje femenino de La hechicera, de Chaikovski.
Las tres protagonistas femeninas de la segunda parte hablan italiano y Grigorian ha convertido su interpretación en un referente para los grandes teatros líricos. Tanto en Manon Lescaut como en Madama Butterfly, la soprano construye personajes creíbles, alejados de los excesos del melodrama, cargados de sinceridad, conmovedores, fuertes y frágiles al mismo tiempo, gracias a su extraordinaria teatralidad y a un canto cristalino, de hermoso fraseo y depurada técnica. De su recién estrenada Elisabetta di Valois (debutó el rol el pasado septiembre en la Ópera de Viena) la crítica ha destacado su construcción de una reina digna, pero torturada por sus sentimientos, cuya voz limpia y contenida en el comienzo se transforma en poderosa hasta desatar el torrente que hace crecer el personaje.
Se configura así un interesante y apasionado concierto con el que disfrutar de una de las mejores sopranos del momento.
Asmik Grigorian recibió el pasado 1 de septiembre el Premio Especial del Jurado de los prestigiosos galardones Österreichischer Musiktheaterpreis, que reconocen las contribuciones excepcionales a la escena operística y teatral de Austria, en una ceremonia que tuvo lugar en la Ópera Popular de Viena.
Entre el 11 el 23 de noviembre el Teatro Real ofrecerá una versión escenificada del oratorio Theodora, de Georg Friedrich Händel (1685-1759) -que ya se presentó en versión de concierto en 2009- en una nueva coproducción con la Royal Opera House estrenada con gran éxito en 2022.
Händel escribió la partitura de Theodora en poco más de un mes, a los 65 años, aunque se encontraba exhausto, envejecido y enfermo. La obra, estrenada sin el aprecio del público en la cuaresma de 1750 en el Covent Garden de Londres, es el único oratorio de su catálogo sobre un tema cristiano y dotado de una estructura dramatúrgica casi operística que lo diferencia de todos los demás.
El libreto de Thomas Morell, basado en la obra Love and Religion Demonstrated in the Martyrdom of Theodora and Didymus del célebre físico, filósofo y alquimista Robert Boyle, narra el final de la vida de Theodora, fervorosa cristiana condenada a ejercer la prostitución por negarse a participar en los sacrificios en honor a Júpiter, como exigía el edicto del gobernador romano.
La pugna entre los paganos -déspotas y dominantes- y los cristianos -oprimidos pero valerosos- determina la estructura, orquestación y melodías de la partitura, ya que Händel trata de manera diferenciada los coros y personajes adscritos a uno u otro bando, y también a aquellos que están entre ambos, con una música de grandísima inspiración y eficacia dramatúrgica.
La directora de escena Katie Mitchell, que desde hace años imprime una lectura feminista, irreverente e iconoclasta a las obras que dirige, rehúye la visión de las mujeres cristianas como mártires pasivas y sumisas, y las convierte en secretas guerrilleras que luchan contra el sistema, representado por sus jefes tiranos que someten a las mujeres y a las minorías religiosas.
En su propuesta dramatúrgica, Mitchell traslada la acción original del siglo IV a nuestro tiempo, situando la trama en distintos espacios de una embajada -escenografía de Chloe Lamford-, en la que los empleados cristianos -una radical minoría religiosa encabezada por Theodora- se rebelan activamente contra sus opresores.
La protagonista de Theodora, Julia Bullock -que protagonizó The Indian Queen en 2013 bajo la dirección de escena de Peter Sellars- ha participado activamente en la dramaturgia de la producción, junto a Katie Mitchell, quien ha recurrido a la ayuda de la coordinadora de intimidad, Ita O’Brien, para la realización de las escenas de violencia y contenido sexual.
Junto a Bullock, darán vida a los personajes la mezzosoprano Joyce DiDonato (Irene) -asidua en los elencos del Teatro Real-, el contratenor Iestyn Davies (Didymus) -que ya interpretó el mismo papel en el Real hace 15 años, actuando posteriormente en Parténope-, el tenor Ed Lyon (Septimus) -que cantó en Il ritorno di Ulisse in Patria, Fidelio y La Calisto-, el bajo Callum Thorpe (Valens) y el tenor Thando Mjandana (Mensajero), que debutan en el Real.
La dirección musical será de Ivor Bolton, gran especialista en el repertorio barroco, que dirigirá su cuarto título de Händel al frente de la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real después del éxito de Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023).
Theodora es singular dentro del catálogo de Händel, quien tenía una especial predilección por esta obra, despreciada por el público de su época. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad y alcance de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la descarnada dramaturgia de Katie Mitchell, la musicalidad y hondura de Ivor Bolton, la interpretación de un excelente reparto y la maestría del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
El próximo 3 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, el Teatro Real reunirá en su escenario, dentro del ciclo Voces del Real, a la soprano Sondra Radvanovsky y al tenor Piotr Beczala en un concierto único en el que estas dos grandes voces de la lírica rendirán homenaje al compositor Giacomo Puccini, cuando se cumplen cien años de su fallecimiento.
Radvanovsky y Beczala, protagonistas de tantas funciones inolvidables en el Teatro Real –Aida, Tosca, Un ballo in maschera y el concierto Las tres reinas de Donizetti, en el caso de la soprano, y La damnation de Faust, Faust, Aida, Halka y dos conciertos, en 2014 y 2021, por parte del tenor- interpretarán emblemáticas arias de las óperas del compositor italiano como Tosca, Manon Lescaut y Le villi, en un concierto cuyo programa se completará con fragmentos de Rusalka, de Antonín Dvořák, y Andrea Chénier, de Umberto Giordano. (Ver programa adjunto)
La extraordinaria combinación de sus voces y la complicidad de sus personalidades -ambos han actuado juntos en numerosas ocasiones- son el instrumento perfecto para abordar una propuesta que une a tres compositores fundamentales en la historia de la música. A través de sus obras caminaremos hacia el verismo, viviremos pasiones extremas y se liberarán sentimientos básicos, ocultos y descarnados, con arias tantas veces escuchadas, que siempre consiguen despertar la emoción en una unión perfecta de teatralidad y música.
La cita acogerá el debut en el Real de la directora de orquesta canadiense Keri-Lynn Wilson, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. La maestra, que ha dirigido las óperas puccinianas en los grandes escenarios líricos del mundo, es también gran conocedora de la obra de Dvořák. Destacada por la crítica por su enorme sensibilidad, sabiduría al mando de la interpretación lírica y capacidad para extraer de las orquestas toda su musicalidad, llega a Madrid con la mejor compañía.
Fotografía: Julia Wesely
El próximo 9 de noviembre se estrenará en el Real Teatro de Retiro una nueva producción de El niño y los sortilegios (L’Enfant et les Sortilèges) de Maurice Ravel (1875-1937), con libreto de la escritora francesa Sidonie-Gabrielle Colette (1873-1954), que esbozó, en apenas una semana, un cuento sencillo, en el cual un niño enrabietado, en la soledad de su habitación, va ordenando sus ideas a través de la imaginación y la fantasía, llenando de sentido su pequeño mundo.
Ravel tomó muy en serio la recreación de este universo infantil, con una orquestación brillante y llena de color y una partitura que mezcla elementos de la música clásica, melodías tradicionales y ritmos de jazz, escrita como un refugio de fantasía después de la primera guerra mundial. La ópera se estrenó en Montecarlo en 1926 y desde entonces se ha incorporado al repertorio lírico infantil y juvenil.
La producción que se presentará en el Real Teatro de Retiro, cantada en castellano, fue concebida como una ópera-estudio en la que todo el equipo artístico, incluyendo los ocho cantantes y los dos pianistas, han creado juntos la dramaturgia, bajo la tutela del director de escena Alfonso Romero.
La soprano Aida Turganbayeva interpreta al niño protagonista; Andrea Rey Gil, mezzosoprano, dará vida a los personajes de Mamá, Taza china y Libélula; Ivana Andrea Ledesma, soprano, será en escena Poltrona, Lechuza y Murciélago; Dragana Paunovic, soprano, interpreta los personajes de Gata y Ardilla. Estíbaliz Martyn, también soprano, será Fuego, Ruiseñor y La princesa de un cuento de hadas. Entre las voces masculinas se encuentran el barítono Gonzalo Ruiz, que dará vida a Sillón y Árbol; Enrique Torres, también barítono, interpretará Gato y Reloj de pie. Por último, el tenor Pablo Puértolas será Tetera, Ranita y Aritmética con momentos realmente exuberantes. Junto a todos los solistas, Samuel Martín y Sergio Berlinches harán sonar el piano como si fuera una encantadora orquesta.
De acuerdo con Alfonso Romero, la producción evoca “la visión cosmológica de un niño de corta edad y su proceso de evolución psicológica desde el egocentrismo propio de su edad hasta el nacimiento de la empatía”.
La dramaturgia, y también la escenografía, “están inspiradas en el teatro de marionetas, de títeres, el teatro negro, el teatro Kabuki y especialmente el Bunraku, en el que cada títere es manipulado al menos por tres artistas en una perfecta coordinación y fluidez de movimientos.” Así, el público y el niño protagonista verán solamente a los objetos, como si su alma, la música y voz de los cantantes, emanara de los mismos.
EL NIÑO Y LOS SORTILEGIOS:
DEL EGOCENTRISMO A LA EMPATÍA
ALFONSO ROMERO MORA
¨El hombre sin los demás no es nada, no se podría expresar.
Lo que cuenta es lo que nos une: la solidaridad.¨
Max Aub
En la fantasía lírica El niño y los sortilegios se muestra en escena la visión cosmológica de un niño de corta edad y su proceso de evolución psicológica desde el egocentrismo propio de su edad hasta el nacimiento de la empatía. Si en el principio todo el universo gira de forma natural en torno a él mismo, a medida que escucha el lamento de los objetos y animales que ha maltratado va comprendiendo poco a poco que existen otras realidades, otras sensibilidades que le rodean merecedoras de su consideración, en definitiva, el descubrimiento de la empatía.
El niño entiende el mundo como algo absolutamente externo a su persona y organizado por “los otros”, los adultos, que dictan normas e imponen tareas sin pedir su opinión. Este mundo exterior, el de los adultos que él no entiende, será representado en escena por unas figuras anónimas, idénticas unas a otras. Estas presencias (todo el elenco de solistas excepto el niño) serán visibles para el espectador y funcionarán como la estructura que sostiene la realidad en torno al niño que no será consciente de su existencia. Lo único que el protagonista verá serán los objetos y elementos que sostengan en sus manos o que sumen a su indumentaria dependiendo del momento y el personaje que interpreten. Estas figuras omnipresentes servirán como fondo neutro en el que resalten los objetos de utilería visibles para el niño y necesarios para identificar cada uno de los personajes de la ópera, casi a la manera de los “Kurogo” (“vestidos de negro”) o asistentes invisibles propios del teatro Kabuki.
La escenografía estará formada fundamentalmente por estas figuras misteriosas, por estos andamios animados que darán a la escena agilidad y todo tipo de efectos como travelling o cambios a vista de escena coreografiados.
Esta implicación de toda la compañía en el espectáculo es la base de mi concepto escénico y enlaza con la filosofía de la ópera estudio, en el sentido de crear una conciencia de comunidad de trabajo donde todos sean partícipes indispensables para el desarrollo de la escena.
Tanto en mi labor educativa como en mis puestas en escena he considerado siempre primordial el concepto de solidaridad, crítica constructiva colectiva y trabajo en equipo, sin desdeñar por supuesto la importancia de las individualidades y talentos únicos de cada artista.
En el caso de ¨El niño y los sortilegios¨ se puede recurrir fácilmente a una puesta en escena basada en una sucesión de ¨mini-arias¨ o breves números de lucimiento vocal del cantante, creando una sensación en el elenco de ¨hago mi parte y me despreocupo del resto¨.
Precisamente esta dinámica es la que quisiera evitar con mi concepto escénico y dinámica de trabajo, haciendo imposible que ningún personaje, a excepción del niño, pueda ser interpretado solamente por un cantante.
En el proceso de ensayos quiero que la creación de cada personaje (tanto sus rasgos psicológicos como la cualidad y diseño de sus movimientos) sea un ejercicio de fantasía e investigación grupal, ya que será un equipo de personas el que le dé vida durante la representación. Los solistas serán de forma práctica ¨co-creadores¨ de todas las escenas, y no solamente de sus números individuales.
La carrera profesional de estos jóvenes cantantes tenderá de forma irremediable hacia el individualismo, por lo que con esta experiencia de trabajo colectivo deseo que experimenten el placer de sentirse partícipes de un todo más grande. Para el rol de la Princesa o el Fuego serán necesarios cuatro cantantes, para el de la Rana o la Ardilla tres, y así con el resto de personajes.
Referentes artísticos en la puesta en escena son el teatro Kabuki y especialmente el Bunraku, en el que cada títere es manipulado al menos por tres artistas en una perfecta coordinación y fluidez de movimientos. De hecho, en esta manifestación teatral tradicional japonesa (declarada en 2005 como Obra Maestra del Patrimonio Intangible de la Humanidad) la voz del títere no es la de uno de sus manipuladores, sino la de un recitador externo, con lo que sumado al intérprete de ¨Shamisen¨, hace necesaria la intervención de cinco artistas para dar vida y voz a cada personaje principal. Este delicioso trabajo en equipo y perfecta coordinación son los ejes principales sobre los que quiero trabajar, tomando como ejemplo la mano humana, en la que cada dedo es fundamental para su funcionalidad, aun siendo cada uno de ellos totalmente diferente e independiente del resto.
Tras pasar por 23 municipios de 17 provincias, la Carroza del Teatro Real ofrecerá su último concierto de 2024 el próximo sábado, 26 de octubre, a las 20.00 horas, en la Plaza Juan XXIII de Cartagena (Murcia), con la participación de jóvenes artistas del programa Crescendo y la imprescindible colaboración del Ayuntamiento de la ciudad.
Este año ha sido el primero en que la Carroza ha visitado la comunidad autónoma de Murcia –además de Cartagena también estuvo en San Javier, en agosto-, las Islas Baleares y La Rioja.
El escenario itinerante del Teatro Real ha logrado consolidarse como un gran agente de descentralización y difusión de la ópera a todo el territorio español, con espectáculos, este año, en 17 provincias: Badajoz, Burgos, Cáceres, Cádiz, Cantabria, Ciudad Real, Cuenca, Huelva, Islas Baleares, Jaén, La Rioja, Madrid, Málaga, Murcia, Teruel, Toledo y Zaragoza.
Desde su creación, 2022, cerca de 60.000 asistentes han podido disfrutar de las atractivas y muy diversas actuaciones ofrecidas en La Carroza del Teatro Real, que ha recorrido 40.000 km en 24 provincias: Badajoz, Burgos, Cáceres, Cádiz, Cantabria, Castellón, Ceuta, Ciudad Real, Córdoba, Cuenca, Huelva, Islas Baleares, Jaén, La Rioja, Madrid, Málaga, Murcia, Sevilla, Soria, Teruel, Toledo, Valladolid y Zaragoza.
Todos los espectáculos han contado con la colaboración de jóvenes artistas del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real, cuyo objetivo es apoyar el desarrollo artístico y profesional de promesas de la creación operística.
El programa del concierto de Cartagena incluye algunas de las arias y dúos más hermosos y populares del repertorio lírico, que serán interpretados por la soprano Sonia Suárez, la mezzosoprano Alejandra Acuña y el barítono Alejandro von Büren. Estarán acompañados por la pianista Cristina Sanz, que iniciará el recital con el Nocturno op.15 nº2, de Frédéric Chopin. Le seguirán obras de Giacomo Puccini (Gianni Schicchi), Camille Saint-Saëns (Samson et Dalila), Giuseppe Verdi (Don Carlo),Wolfgang Amadeus Mozart (Don Giovanni) y Léo Delibes (Lakmé), en la primera parte; y piezas de Vincenzo Bellini (Norma), Georges Bizet (Carmen), Jacques Offenbach (Les contes d’Hoffmann), Ruperto Chapí(La Revoltosa) y Franz Lehár “Lippen schweigen” (La viuda alegre), en la segunda.
Promovido por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo cuenta con el impulso de Porosus Fonds de Dotation, Sabadell Fundación y Mitsubishi Electric y el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.
Su objetivo es complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y crear oportunidades reales para que inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes actividades del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza para toda España. Ochenta jóvenes artistas de catorce nacionalidades han participado en las cuatro ediciones que se han celebrado ya de este programa.
Galardonada con el Premio Europeo “Art Explora” Academia de Bellas Artes 2022, la Carroza del Teatro Real mide 16 metros de largo por 5,80 metros de alto y pesa cerca de cinco toneladas y media. Simula el escenario de un teatro –con su embocadura, telones y bastidores – y se ha construido transformando un camión tráiler como los que habitualmente se utilizan para el transporte y almacenaje de escenografía, atrezzo y vestuario de las óperas. Su interior puede adaptarse para distintas escenografías, exposiciones, recitales y conciertos según las necesidades de cada evento o actuación.
Entre la medianoche del 24 de octubre y la medianoche del 27 de octubre, el Teatro Real ofrecerá un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre, en una impresionante nueva producción, con dirección musical de Ivor Bolton y puesta en escena de Katie Mitchell.
También hasta el domingo 27 de octubre, tendrán un 30% de descuento las suscripciones a My Opera Player, plataforma audiovisual del Teatro Real, que cuenta actualmente con un catálogo de más de 300 títulos, incluyendo ópera, conciertos, danza y espectáculos de flamenco.
El mismo teatro ha preparado, a partir de las 14:00 horas del Día Mundial de la Ópera, una «entrevista performativa» en directo, en Instagram, con Cristina Cubells -la creadora del cuento musical Pinocchio, dónde estás, actualmente en escena-, su mediador, Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez, en que dialogarán sobre el icónico muñeco de madera.
El Teatro Real anima a todos a escuchar al menos un aria de ópera italiana en el Día Mundial de la Ópera, entrando en My Opera Player, donde podrán encontrar una excelente colección de títulos procedentes del país donde nació este arte, que no deja de crecer, transformarse y actualizarse.
Durante los tres días del fin de semana -de la medianoche del jueves, a la medianoche del domingo- se ofrecerá un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre.
Este maravilloso “oratorio dramático” compuesto por Händel al final de su vida, se presentará en una nueva, impresionante y audaz coproducción del Teatro Real y la Royal Opera House, donde se estrenó, con gran éxito, hace dos años.
En la obra de Händel, Theodora, fervorosa cristiana, es condenada porque rehúsa participar en los sacrificios en honor a Júpiter. Como castigo es obligada a prostituirse, “sirviendo” a los romanos que honran a los dioses paganos. Pero en la osada producción que se verá en el Real, la irreverente directora de escena Katie Mitchell rehúye la visión de las mujeres cristianas como mártires pasivas y las convierte en exaltadas guerrilleras que luchan contra el sistema, representado por sus jefes, tiranos que someten a las minorías religiosas.
Un fantástico reparto de grandes cantantes y también admirables actores (Joyce DiDonato, Julia Bullock, IestynDavies, Ed Lyon y Callum Thorpe) defenderá esta producción, cuyas escenas de mayor contenido sexual están concebidas, por primera vez en el Real, con la mediación de una “coordinadora de intimidad”.
También en el marco del Día Mundial de la Ópera, en el Real Teatro de Retiro se sortearán entradas, a través de Instagram, para El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, que estará en escena entre el 9 y el 24 de noviembre.
Esta nueva producción, concebida para el público familiar (niños y niñas a partir de los 8 años), cuenta con dirección musical de Miguel Huertas, puesta en escena de Alfonso Romero, y un reparto joven y divertido que interpretará a los más increíbles personajes de esta ópera, en la que el niño protagonista convive con la Aritmética, el Fuego, la Princesa, la Mamá, un montón de animales -Libélula, Lechuza, Murciélago, Ranita, Ruiseñor, Ardilla y Gato- y hasta cosas -Taza china, Tetera, Poltrona, Reloj, Árbol y Fuego-, en un asombroso mundo de fantasía, en el que Ravel combina la rica tradición de la música clásica con melodías populares y ritmos de jazz. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).
El mismo teatro, el Día Mundial de la Ópera, a partir de las 14:00 horas, se emitirá en directo, en Instagram una «entrevista performativa» con Cristina Cubells, la creadora de Pinocchio, dónde estás (con música de Miquel Ortega), su mediador Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez.
Con este diálogo se pretende profundizar en el universo recreado en el cuento musical, en escena en el Real Teatro de Retiro hasta el 3 de noviembre, en el que dos cantantes, un pianista y un percusionista presentan un nuevo enfoque del mundo de Pinocho que, acompañado por Arlecchino, Pulcinella y Lucignolo, quiere vender su abecedario a Mangiafuoco, desencadenando un insólito drama. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).
Este año el Día Mundial de la Ópera está dedicado a homenajear la práctica del canto de ópera en Italia, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, por lo que el Teatro Real invita a todos a escuchar, ese día, por lo menos una de las maravillosas arias del país donde nació, en el siglo XVII, un arte que entonces como ahora nos emociona, deleita, divierte, inquieta, hechiza y transforma.
Entre el 15 y el 22 de octubre el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de El lago de los cisnes interpretadas por el San Francisco Ballet, que hace su presentación en Madrid, con la versión coreográfica de Helgi Tomasson sobre este título, clásico entre los clásicos, del ballet.
Será también la primera vez de Tamara Rojo en el Teatro Real como directora artística de la compañía, cargo que asumió en junio de 2022, cuando Helgi Tomasson, después de 37 años al frente del San Francisco Ballet, dejaba el cargo cerrando su última temporada con la producción de El lago de los cisnes que veremos en el Real.
Estrenada en 2009, la coreografía de Tomasson, sobre el original de Marius Petipa y Lev Ivanov, trata de abordar la historia desde otra perspectiva, aportando frescura y acercando el argumento a las nuevas audiencias para hacer más comprensible la narrativa –por ejemplo, con el explícito prólogo sobre la figura de Odette y su destino- pero manteniendo al mismo tiempo la herencia clásica del ballet y el respeto por la coreografía original.
La producción cuenta con un diseño escénico minimalista y un sofisticado vestuario de Jonathan Fenson que, apoyado en la inteligente y delicada iluminación de Jennifer Tripton y las proyecciones de Sven Ortel, consigue un gran efectismo escénico, lleno de momentos sutiles, amplía los límites visuales y ensambla el conjunto de forma que la historia resulta clara y convincente, elegante y contemporánea sin dejar de reflejar los temas y emociones centenarios de la obra. Razones, todas ellas, que han convertido este trabajo en uno de los emblemas del repertorio de la compañía.
Las funciones tendrán en el foso a la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Martin West, director musical del San Francisco Ballet, con excepción de los días 17 (17.30 h) y 21 de octubre, en los que la parte musical estará a cargo del maestro Ming Luke.
Las bailarinas Sasha de Sola, Wona Park, Nikisha Fogo y Jasmine Jimison, se alternaránen la interpretación del rol principal Odette/Odile. Junto a ellas, Aaron Robison, Wei Wang,Max Cauthorn y Harrison James, darán vida al príncipe Siegfried, y Nathaniel Remez, Jakub Groot y Rubén Cítores encarnarán al malvado Von Rothbart.
La producción contará con la participación de jóvenes alumnos del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, seleccionados en Madrid por la compañía norteamericana.
Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Ahora Eduardo Guerrero es el encargado de estrenar la séptima temporada de Flamenco Real con su nuevo espectáculo Códigos, en el que explora las reglas tradicionales del flamenco mostrando la esencia de su estilo, que fusiona una técnica impecable y elegante con la emoción del flamenco puro.
Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de octubre a las 20:00 horas y el 19 de octubre, a las 19.30 y a las 21.30 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por Benito Berbal, a la guitarra, y Antonio Carmona, a la percusión, junto a las voces de Pilar Sierra, habitual colaboradora del bailaor, y Anabel Rivera, cantaora destacada por su estilo apasionado y profundo.
Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en un momento cúspide de su creación artística tras recibir el pasado lunes 30 de septiembre el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de Danza por su gran trayectoria coreográfica y su contribución al desarrollo sociocultural de la región. El bailaor, que acaba de presentar un montaje innovador junto al Ballet Nacional de Canadá en el Museo Aga Khan de Toronto, tiene en el Teatro Real el escenario donde mostrar al público madrileño su inconfundible estilo. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.
Códigos es un espectáculo que reflexiona sobre cómo, en su origen, leyes y códigos nos defendieron de la barbarie, pero también contribuyeron a amordazarnos, o, quizá, nos salvaron. Llevando al extremo la rítmica, el trabajo físico y la descomposición de la escena, Eduardo Guerrero muestra su código flamenco, del valor del cuerpo, de sus luces y sombras, de su delicadeza y desarrollo. Con este espectáculo quiere mostrar la intangibilidad de la danza, la delicadeza de los acordes en la guitarra, el cante puro y la percusión como símbolo primitivo, la irrealidad del arte que conecta con el misticismo… Un mundo cargado de significados ambiguos y de comprensión irracional. Los códigos hechos realidad.
El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas, su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.
Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo” y, poco después, se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).
Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.
Homenaje de Flamenco Real
Flamenco Real rinde homenaje, en su séptima temporada, a dos grandes leyendas del flamenco: el guitarrista Víctor Monje “Serranito” y la bailaora Francisca Sadornil “La Tati”.
Víctor Monge, Serranito, Madrid, 1942. Guitarrista y compositor madrileño, es considerado uno de los grandes virtuosos del flamenco y la guitarra española, con una carrera que comenzó a los 8 años. Autodidacta y pionero, ha sido fundamental en la evolución del flamenco y ha logrado reconocimiento incluso en el ámbito de la música clásica. Con más de 60 años de trayectoria y 20 trabajos discográficos, se le ha otorgado la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2019) y está realizando su gira de despedida, «Como un Sueño», celebrando 65 años en los escenarios.
Francisca Sadornil, La Tati, Madrid, 1945. Bailaora de flamenco, a lo largo de su carrera, ha sabido conjugar la tradición flamenca con una sensibilidad artística única, cautivando al público con su presencia escénica y dominio técnico. Su trayectoria incluye actuaciones en prestigiosos teatros y colaboraciones con grandes artistas del flamenco. Sadornil se ha consolidado como una embajadora de la cultura flamenca, llevando su arte por el mundo. Es miembro del Consejo Internacional de la Danza de la Unesco.
El recital que Ludovic Tézier nos brindó el pasado 3 de octubre en el Teatro Real, tenía como primer atractivo la original selección de obras, ya que no suelen ser las más habituales en este tipo de recitales, con una primera parte dedicada al repertorio francés y una segunda parte dedicada íntegramente a Wagner.
Domina, como no puede ser de otra manera, el repertorio francés. Empezó con una extraordinaria versión de “Scintille, diamant”, de Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con una delicada y luminosa interpretación.
Continuó con Sois “immobile”, de Guillaume Tell de Rossini, interpretada con el nervio y la contundencia de su voz baritonal, terminando esta primera parte con “Qui donc commande quand il aime?”, de Henry VIII de Saint-Saëns y “Voici donc la terrible cité”, de la Thaïs de Massenet. Fue en estas dos versiones en las que Tézier demostró su capacidad dramática. A su riqueza timbrica y voz voluminosa, se unen unos bajos profundos y potentes y un centro y agudos baritonales ricos en colores y densidades. Posee un registro amplio que le permite abordar ciertos roles wagnerianos, como demostró en la segunda parte del recital.
Comenzó esta segunda parte con “O du mein holder Adendstern”, del Wolfram de Tannhäuser, para llegar a los dos monólogos más importantes de Wotan, “Abendlich strahlt der Sonne Auge”, de Das Rheingold y “Wotans Abschied und Feuerzauber”, de Die Walküre, donde tuvo sus momentos de mayor lucimiento, tanto en lo vocal como en la interpretación. Su ascenso al Wallhala fue conmovedor, con variedad de matices, amplia tesitura y una gran carga de profundidad.
La sorpresa de la noche vino de la mano del joven director berlinés Marcus Merkel (1991), al frente de la Orquesta Titular del Teatro, ya que una parte importante del recital tuvo como protagonista obras orquestales de los mismos compositores. Empezaron con una obra animada, la Obertura de La perle du Brésil, de Félicien David. Seguido de la “Bacanal” de Samson et Dalila, para terminar esta primera parte con la “Meditación” de Thais.
La segunda parte de la orquesta también estuvo protagonizada por Wagner. Empezaron con el preludio de Los maestros cantores, que tienen muy reciente, para terminar con la Cabalgata de las Walquirias. La orquesta sonó homogénea y elegante, con un sonido limpio y mostrando la personalidad de cada obra. Muy bien los solistas, sobre todo el primer violín en la pieza de Massenet.
Las propinas no se quedaron atrás en este despliegue vocal y orquestal. Después del intenso y emocional repertorio francés y de la exigencia de Wagner, Tézier se marcó el aria final del Macbeth verdiano y una conocida canción Del hombre de La Mancha.
Un recital que terminó con el público en pie ante el alarde vocal y la presencia escénica que siempre nos ofrece un grande como Lusovic Tézier.
El próximo jueves, 3 de octubre, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el tercer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, esta vez con el barítono Ludovic Tézier y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Markus Merkel, que debutará en el Real.
El programa, que alterna arias y obras orquestales, tiene dos partes muy distintas: en la primera Ludovic Tézier interpretará arias de ópera francesa, repertorio que domina y cuyos papeles protagonistas para barítono se ajustan a su voz poderosa y a su timbre cálido y oscuro, que, unido a una técnica impecable, le permiten afrontar roles muy diversos. La segunda parte será íntegramente dedicada a Wagner, con escenas de Tannhäuser, El oro del Rin y La valquiria.
El concierto comienza con el perfume tropical de la obertura de La perle du Brésil, de Félicien David (1810 – 1876), con el exotismo del gusto francés de fin de siécle y la clara influencia de Berlioz o Meyerbeer. Le sigue la primera aria, «Scintille, diamant» de Les contes d’Hoffmann, de Jacques Offenbach (1819 – 1880), en la que Tézier da vida a Nicklausse, cantando el amor y al arte, “deslumbrantes como un diamante”, para animar a Hoffmann en medio de sus desventuras. La orquesta continúa con el intermezzo del acto IV de la misma ópera, en unas páginas teñidas de melancolía y delicada orquestación que expresan la lucha interna de Hoffmann, entre la emoción y la razón.
Cambiando completamente de registro, en el aria «Sois immobile», Guillermo Tell, en la ópera homónima de Giacomo Rossini (1792 – 1868), le pide a su hijo que permanezca inmóvil mientras él se prepara para disparar una flecha a una manzana colocada sobre su cabeza, como parte de un cruel castigo impuesto por el gobernador. Es un momento lleno de tensión dramática, con el eterno conflicto entre el amor paterno y el deber político.
Después de la «Bacchanale» de Samson et Dalila, de Camille Saint-Saëns (1835 – 1921), pieza orquestal llena de contrastes, quizás el punto culminante de la ópera, anticipando la inevitable caída de Sansón, Tézier vuelve a enfundarse el traje de un rey, ahora como Enrique VIII en la ópera homónima de Saint-Saëns, reflexionando sobre el poder y el amor.
La primera parte concluye con Thaïs, de Jules Massenet (1842 – 1912). Después de la célebre «Méditation» pieza orquestal, in
La Orquesta Titular del Teatro Real inicia la segunda parte con el Preludio de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813 – 1883), que evoca, a través de una riquísima orquestación, la vida cotidiana de Núremberg, con su herencia cultural y sus tradiciones.
Le sigue «Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern», aria de Tannhäuser en la que Wolfram von Eschenbach expresa su amor idealizado por Elisabeth, a través de un ambiente etéreo que evoca la comunión espiritual entre ambos.
Sonará entonces la popular «Cabalgata de las valquirias», que antecederá al crucial monólogo de Wotan «Abendlich strahlt der Sonne Auge» de El oro del Rin.
El concierto concluirá con otra conocida escena de la Tetralogía: la emocionante y trascendente «Wotans Abschied und Feuerzauber», en el final del tercer acto de La valquiria, en la que Wotan, profundamente dolido, se despide y castiga a su amada hija Brünnhilde, quien le ha desobedecido, en una profunda reflexión sobre el sacrificio y el destino.
PROGRAMA
Ludovic Tézier, barítono
Orquesta Titular del Teatro Real
Marcus Merkel, director de orquesta
PARTE I
FÉLICIEN DAVID (1810 – 1876)
La perle du Brésil
Obertura
JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880) Les contes d’Hoffmann
«Scintille, diamant»
Intermezzo del acto IV
GIOACHINO ROSSINI (1792 – 1868) Guillaume Tell
«Sois immobile»
CAMILLE SAINT-SAËNS (1835 – 1921) Samson et Dalila
«Bacchanale»
Henry VIII
«Qui donc commande quand il aime?»
JULES MASSENET (1842 – 1912) Thaïs
«Méditation»
«Voici donc la terrible cité»
PARTE II
RICHARD WAGNER (1813 – 1883) Die Meistersinger von Nürnberg
Preludio
Tannhäuser
«Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern»
Die Walküre
«Cabalgata de las valquirias»
Das Rheingold
«Abendlich strahlt der Sonne Auge
Die Walküre
«Wotans Abschied und Feuerzauber» Wotan
BIOGRAFÍAS
LUDOVIC TÉZIER, barítono
Este barítono francés formado en Marsella y París actúa regularmente en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Staatsoper de Viena, la Opéra national de París, el Teatro alla Scala de Milán, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Grand Téâtre de Ginebra, la Royal Opera House de Londres, la Bayerische Staatsoper de Múnich, la Deutsche Oper y la Staatsoper de Berlín, así como en los festivales de Salzburgo Aix-en-Provence y Savonlinna. Ha destacado en los grandes roles verdianos, como los titulares de Macbeth, Rigoletto y Simon Boccanegra, Renato de Un ballo in maschera, Ford de Falstaff, Germont de La traviata, Posa de Don Carlo y Don Carlo de La forza del destino, así como los titulares de Hamlet, Werther y Eugenio Oneguin, el conde de Le nozze di Figaro, Yeletsky de La dama de picas, Wolfram de Tannhäuser, Scarpia de Tosca, Amfortas de Parsifal, Athanaël de Thaïs y Barnaba de La Gioconda. En el Teatro Real ha participado en Un ballo in maschera (2008), Le nozze di Figaro (2009), I puritani (2016), Il trovatore (2019) y Rigoletto (2023).
MARCUS MERKEL, director de orquesta
Este director de orquesta berlinés estudió dirección, composición, piano y canto en su ciudad natal, además de formarse como pianista de jazz y aprender contrabajo y saxofón. Ganador de varios concursos de composición en Alemania y Austria, fundó, aún como estudiante, La Joven Filarmonía de Berlín, de la cual sigue siendo director artístico. Kapellmeister de la Ópera de Graz desde la temporada 2015/16, dirigió en esta sede alrededor de 40 representaciones por temporada, con un repertorio sumamente variado. Desde la temporada 2022/23 es director musical del Theater Koblenz en Alemania, donde debutó con Parsifal y ha dirigido sendas producciones de Der Freischütz, La traviata, Nixon in China, Ariadne auf Naxos y La clemenza di Tito. En los últimos veranos ha
dirigido representaciones televisadas de Tosca, Carmen y Der Ring des Nibelungen en Graz, junto a artistas como Elīna Garanča, Erwin Schrott, Bryn Terfel, Ludovic Tézier, Ramón Vargas, Klaus Florian Vogt y Michael Volle. Como invitado, ha dirigido numerosos conciertos sinfónicos por toda Europa.
No son muchas las ocasiones en las que podemos disfrutar del barroco francés. Después de escuchar la temporada pasada Medea, el Teatro Real ha estrenado el pasado 27 de septiembre, una de las joyas de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), la tragedia bíblica en cinco actos con prólogo, “David et Jonathas”, que cuenta una de las relaciones más emblemáticas del Tanaj, también conocido como Mikrá, que es el conjunto de los veinticuatro Libros Sagrados canónicos en el judaísmo y que se basa en el amor, la fe y la lealtad.
El libreto es obra del religioso jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), y narra la amistad entre los adolescentes David, el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.
David y Jonathas se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.
Fue precisamente gracias a los jesuitas y a su aprecio por las artes, por lo que Charpentier desarrolló el gusto por las composiciones de Historias Sagradas. Supo utilizarlas para ofrecer otro tipo de representaciones teatrales, ya que en aquel momento era Lully quien tenía el monopolio de la teatralización.
Se ha estrenado en versión de concierto con el Ensemble Correspondances, dirigido por un dinámico Sébastien Daucé. Con un control y conocimiento absoluto de la partitura, supo extraer de la orquesta todos los matices y riqueza armónica que atesora la obra.
El joven tenor checo Petr Nekoranec ha ofrecido una extraordinaria versión de David, con una gran amplitud de registro, brillando especialmente en los agudos de cabeza, sin descuidar los graves.
Lucile Richardot estuvo muy convincente en el rol de pitonisa, gracias a su original timbre y capacidad teatral.
La soprano francesa Gwendoline Blondeel, con un timbre cristalino y una emisión delicada, supo también demostrar el dramatismo y desgarro del personaje en su canto final.
El bajo Lysandre Châlon abordó con gran solvencia y aplomo sus dos personajes, dotando a cada uno de personalidad, con una voz oscura y compacta.
El resto del reparto, incluido el coro, demostró su maestría en el desarrollo de una obra compleja, que no resulta fácil abordar sin elementos escénicos. Demostraron un total dominio de la obra, ofreciendo una variedad tímbrica de voces e instrumentos de época. Los violines, el laúd y la viola de gamba ofrecieron momentos de gran inspiración e intimidad junto a las voces. Al igual que la paleta de colores ofrecida por las distintas flautas. Fue una noche inolvidable para los, cada vez más, amantes del barroco.
David et Jonathas, música de Marc-Antoine Charpentier
libreto de François Bretonneau
Estreno en el Teatro Real. En versión de concierto, 27 de septiembre de 2024
Ensemble Correspondances, bajo la dirección de Sébastien Daucé
Cientos de pueblos e instituciones se sumarán a la celebración de la IX edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que entre mañana y el próximo domingo, 29 de septiembre, ofrecerá gratuitamente cinco espectáculos –dos de ellos con pases dobles- y abrirá su edificio al público con el propósito de compartir y acercar las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco con la ópera como gran protagonista.
Desde mañana hasta el 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.
Un año más, se sumarán a la experiencia más de 250 municipios de toda España para compartir la retransmisión de la ópera que inaugura su temporada, Adriana Lecouvreur, el sábado 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en riguroso directo desde su escenario, y que será proyectada en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de las distintas localidades.
Adriana Lecouvreur, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, considerada la mejor intérprete de su tiempo. Murió con tan solo 38 años de edad, supuestamente envenenada por la princesa de Bouillon, examante del conde de Sajonia, con quien Adriana mantenía una relación. Su misteriosa muerte y el mito inagotable se sus interpretaciones son el origen de esta ópera, cuyo argumento tremendista, lleno de amores imposibles, muertes grandilocuentes y situaciones complejas, busca reflejar la vida real, con el mundo del teatro y sus entresijos como telón de fondo.
La propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas
La soprano Anna Netrebko y el tenor Yusif Eyvazov son los protagonistas de este concierto en el interpretan emblemáticas arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier. El programa ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, que el pasado 5 de septiembre, hizo vibrar de emoción y entusiasmo al público en la sala del Teatro Real y recogió unanimidad de elogiosas críticas.
La cita contó con la participación del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch, todos ellos bajo la batuta de Denis Vlasenko
Cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal. La trágica historia de amor entre Rodolfo, aspirante a poeta, y la modista Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende poniendo fin a los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.
La bohème, una de las óperas de Puccini más queridas por el público, podrá verse con la propuesta dramatúrgica, del prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemiapresentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario.
Destacan en los papeles principales, la soprano Anita Hartig (Mimí), el tenor Stephen Costello (Rodolfo), la soprano Joyce El-Khoury (Musetta) y el barítono Joan Martín-Royo (Marcello). La dirección musical corre a cargo de Paolo Carignani, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.
Los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio en el que late la pasión por la cultura de la ciudad.
Inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, la propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.
La trama de la ópera se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.
Interpretada por jóvenes solistas del programa Crescendo del Teatro Real -de programa formativo de la Fundación Amigos del Real-, cuenta con dirección musical de Francisco Soriano y escénica de Guillermo Amaya.
A las 18.00 y a las 20.0 horas
ORIGEN, con Eduardo Guerrero
Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.
El espectáculo, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, contó con la participación del guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra Villar, Ana Polanco y Eva Ruiz y la colaboración de Palomo Spain, en el diseño del vestuario.
SORTEOS Y PROMOCIONES
A lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de su página web, se podrá participar en sorteos de premios como entradas para la ópera Adriana Lecouvreur, el ballet El lago de los cisnes (interpretado por el San francisco Ballet), el espectáculo del bailaor Eduardo Guerrero en Flamenco Real, visitas especiales al Teatro Real o una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real.
Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.
El 27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas, el Teatro Real estrenará la ópera David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), que se ofrecerá en una función única, con el Ensemble Correspondances y su director musical, Sébastien Daucé, que presentaron, con gran éxito, hace dos años, El nacimiento del Rey Sol.
David et Jonathas es una grandiosa tragédie biblique en cinco actos, estrenada en París en 1688, con la estructura de una ópera y la temática de un oratorio. El libreto, del padre jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), está inspirado en el conmovedor pasaje del Antiguo Testamento que narra la amistad entre los adolescentes David -el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl-, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.
Jonathas y David, que se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.
La música de Charpentier, de gran expresividad, refleja la grandiosidad de los conflictos políticos y también el intimismo, complejidad y profundidad psicológica de los personajes, sobre todo del dúo protagonista, cuya relación emocional es el núcleo de la partitura. A través de arias, coros y escenas dramáticas, Charpentier crea un paisaje
sonoro con una música ricamente ornamentada, incluyendo distintas danzas, ritornelos y motivos melódicos de gran belleza, que enriquecen la narrativa musical.
El reparto de esta función estará formado por el contratenor Petr Nekoranec (David), la soprano Gwendoline Blondeel (Jonathas, hijo de Saúl), el barítono Jean-Christophe Lanièce (Saül, rey de los israelitas), la mezzosoprano Lucile Richardot (La Pythonisse), el tenor Etienne Bazola (Joabel) y el bajo Lysandre Châlon (Achis / L’ombre de Samuel).
El contratenor Petr Nekoranec, que dará voz al joven David, hizo su debut en el Teatro Real en 2017, en el concierto de los galardonados en el Concurso Tenor Viñas, y la mezzosoprano Lucile Richardot subió por primera vez al escenario del Real junto al contratenor Philippe Jarousky, en un concierto celebrado en octubre de 2020, y regresó en 2022 para interpretar el doble papel de La noche/Venus en El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royale de la nuit, bajo la dirección de Sébastien Daucé.
SOBRE DAVID ET JONATHAS
SÉBASTIEN DAUCÉ
Las primeras notas que interpretó Correspondances fueron las de Charpentier. A lo largo de los años hemos construido la identidad del grupo bajo la protección de este genio de la música. Llegamos con este David & Jonathas a un punto importante para nosotros, abordar por primera vez una de las dos únicas grandes obras líricas que nos dejó.
¿Por qué David et Jonathas antes que Médée? No solo por la cronología, aunque el desarrollo de Charpentier sigue un proceso lineal muy diferente al de sus contemporáneos; siempre estuvo en una búsqueda constante, ninguna obra se parece a la anterior, nunca un descubrimiento se convierte en un sistema, nunca de un hallazgo resulta un tic repetitivo… David la compuso después de una serie de experiencias anteriores (principalmente sus Histoires sacrées, que presentamos en Caen en 2016) que renueva por completo. Así, el tema de Saúl y David, que había tratado en forma de oratorio, reaparece aquí bajo una luz totalmente nueva.
¿Una ópera? ¿Una ópera bíblica? El género de esta obra no encaja en nuestras categorías. Compuesta para el espectáculo de fin de año del Gran Colegio Jesuita Louis-le-Grand en 1688, Charpentier moviliza tanto a profesionales de la Academia Real como a los propios estudiantes en el marco de una producción importante digna de la ópera. Los actos que la componen se alternaban con los actos de una tragedia teatral sobre el mismo tema, representada en latín. Esta obra se aleja de los cánones de la tragedia inventada por Lully en su forma, pero también en su estilo musical: se dan en ella una intensidad y una interioridad singulares, un cuidado especial en la escritura vocal y en la riqueza de su acompañamiento, así como evocaciones descriptivas muy notables.
Lo que da todo su sabor a David et Jonathas hoy en día es su punto de vista. Vemos el mundo, la guerra, las tensiones familiares, la locura, el ejercicio del poder, la paranoia, el valor de la palabra, todo con la mirada de la juventud. Así, las guías de lectura del mundo de los adultos se vuelven obsoletas.
Al final de este primer cuarto del siglo XXI me parece que esta obra del siglo XVII, a pesar de la tragedia que nos presenta, respira una forma de idealismo saludable que nutre la esperanza (David quiere la paz y se esfuerza, contra viento y marea, por reconciliar a las partes) y nos dice algo sobre la fuerza de los juramentos (poco importa si se trata de amistad o amor, lo que cuenta es la palabra dada, más fuerte que todo). Alimenta, en fin, una visión del mundo, seguramente caballeresca e idealista, que solo la adolescencia se atreve a tener. Quizás esta mirada de adolescente, reforzada por la cultura y experiencias de siglos pasados, sea la clave de nuestro futuro.Sébastien Daucé es el director musical de la ópera
SINOPSIS
PRÓLOGO
Saúl acude a consultar a una pitonisa, que invoca al fantasma del profeta Samuel y le comunica las desgracias que le esperan.
ACTO I
Cuando comienza la acción, David ha sido expulsado del campamento de los israelitas a causa de los celos de Saúl. Refugiado entre los filisteos, David disfruta de la amistad de su rey Achis y de la admiración de todo el pueblo. Tras la escena inicial, en la que los escuchamos cantarle alabanzas, lo vemos en conversación con Achis, quien le anuncia que acaba de firmar una tregua con los israelitas, que debe reunirse con Saúl y que este encuentro tendrá como resultado la paz o la guerra.
ACTO II
Aparece el personaje de Joabel, general filisteo que mantiene una relación con Saúl y está celoso de la gloria de David. En una conversación con David intenta persuadirlo para que vaya a la guerra con la esperanza de que esto le acarree la muerte. David se niega, por lo que la única opción de Joabel es denunciarlo a Saúl. Jonathas y David se han reencontrado gracias a la tregua y cantan las alegrías de la amistad.
ACTO III
El tercer acto presenta el encuentro entre Saúl y Achis. El rey de los israelitas ha escuchado las calumnias de Joabel, lo que ha reforzado el odio que siente por David. También exige que se le entregue al joven como condición para la paz. Achis se niega, ya que tiene fe en la inocencia de David. Jonathas y David hacen aparición en el lugar de negociación, lo que despierta la ira de Saúl, que persigue a David. Éste, al ver que no es bienvenido, se retira. Joabel se felicita por el éxito de su complot.
ACTO IV
La batalla es ahora inevitable. Saúl está convencido de que el apoyo de Achis a David anuncia su posible traición. Achis se siente espoleado por los sentimientos de sus soldados, a quienes Joabel ha enardecido con sus planes. David y Jonathas se encuentran, lamentando la amenaza de la separación a la que se enfrentan. El héroe promete que, lejos de luchar contra Saúl, hará todo lo posible por salvarlo.
ACTO V
Nos muestra la batalla, que Saúl está perdiendo. Jonathas está herido de muerte. Ante esta visión, Saúl casi pierde la razón y, tras intentar matar a uno de sus guardias, a quien considera responsable de la muerte de Jonathas, sale en persecución de David para vengar la suerte de su hijo. Jonathas muere en los brazos de David. Solo falta que el propio Saúl ejecute a este con su espada. Entonces llega Achis para anunciar que los israelitas han elegido a David como su rey, pero el coro alegre y triunfante del final no ahoga por completo los gritos de desolación del héroe.
FICHA ARTÍSTICA
David et Jonathas
Tragédie biblique en cinco actos con prólogo
Estrenada en el Collège des Jésuites Louis-le-Grand de Paris, el 25 de febrero de 1688
Libreto de François de Paule Bretonneau
Música de Marc-Antoine Charpentier
Orquesta y Coro por el Ensemble Correspondances
Dirección musical de Sébastien Daucé
Producción escénica estrenada en el Théâtre de Caen el 9/11/2023
Reparto
David, Petr Nekoranec
Jonathas, hijo de Saúl, Gwendoline Blondeel
Saül, rey de los israelitas, Jean-Christophe Lanièce
La Pythonisse, Lucile Richardot
Joabel, Etienne Bazola
Achis / L’ombre de Samuel, Lysandre Châlon
El Teatro Real y los artistas participantes en sus producciones el pasado año, han conseguido siete nominaciones a los International Opera Awards 2024, entre ellas Mejor Nueva Producción y Mejor Estreno Mundial, cuyos ganadores se darán a conocer el próximo 2 de octubre en una ceremonia que tendrá lugar en la Bayerische Staatsoper de Munich.
El Teatro Real, que fue reconocido como Mejor Compañía del mundo en la edición de 2021 de los Iternational Opera Awards, ha logrado las siguientes candidaturas en la presente edición: Mejor Estreno Mundial (La Regenta, de Marisa Manchado); Mejor Nueva Producción (Los maestros cantores de Nüremberg); Mejor Director de Escena (Christof Loy por La voix humaine/Erwartung); Mejor Cantante Femenina (Adela Zaharia, por Rigoletto, entre otras óperas); Mejor Cantante Masculino (Gerald Finley, por Los maestros cantores de Nüremberg, entre otros títulos): Premio de los Lectores (Xabier Anduaga y Ludovic Tezier, por Rigoletto) y Mejor Grabación Solista (Saioa Hernández, Il verismo d’oro (EuroArts).
Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde sus comienzos fueron considerados los oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.
La Regenta, estrenada en Naves del Español en Matadero el 24 de octubre de 2023, se basa en la novela homónima de Leopoldo Alas Clarín, con música de Marisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch. Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de la literatura se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera, estrenado gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español. La ópera contó con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).
Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner, fue una nueva coproducción, estrenada el 24 de abril en el Teatro Real, que unió a dos directores muy queridos por el público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado de la Orquesta Titular del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)–. El monumental montaje de Pelly, con 135 artistas sobre el escenario, potencia el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Nüremberg.
El próximo jueves, 26 de septiembre, dará comienzo la novena edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real para ofrecer, a todos los públicos, la posibilidad de disfrutar y compartir las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco, con espectáculos para el público juvenil y familiar con, una vez más, la ópera como gran protagonista.
Entre los días 26 y 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.
Un año más, se sumarán a la experiencia más de 250 municipios de toda España para compartir la retransmisión de la ópera que inaugura su temporada, Adriana Lecouvreur, el sábado 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en riguroso directo desde su escenario, y que será proyectada en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de las distintas localidades.
Adriana Lecouvreur, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, considerada la mejor intérprete de su tiempo. Murió con tan solo 38 años de edad, supuestamente envenenada por la princesa de Bouillon, examante del conde de Sajonia, con quien Adriana mantenía una relación. Su misteriosa muerte y el mito inagotable se sus interpretaciones son el origen de esta ópera, cuyo argumento tremendista, lleno de amores imposibles, muertes grandilocuentes y situaciones complejas, busca reflejar la vida real, con el mundo del teatro y sus entresijos como telón de fondo.
La propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.
La soprano Anna Netrebko y el tenor Yusif Eyvazov son los protagonistas de este concierto en el interpretan emblemáticas arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier. El programa ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, que el pasado 5 de septiembre, hizo vibrar de emoción y entusiasmo al público en la sala del Teatro Real y recogió unanimidad de elogiosas críticas.
La cita contó con la participación del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch, todos ellos bajo la batuta de Denis Vlasenko
Cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal. La trágica historia de amor entre Rodolfo, aspirante a poeta, y la modista Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende poniendo fin a los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.
La bohème, una de las óperas de Puccini más queridas por el público, podrá verse con la propuesta dramatúrgica, del prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemiapresentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario.
Destacan en los papeles principales, la soprano Anita Hartig (Mimí), el tenor Stephen Costello (Rodolfo), la soprano Joyce El-Khoury (Musetta) y el barítono Joan Martín-Royo (Marcello). La dirección musical corre a cargo de Paolo Carignani, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.
Los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio en el que late la pasión por la cultura de la ciudad.
Inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, la propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.
La trama de la ópera se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.
Interpretada por jóvenes solistas del programa Crescendo del Teatro Real -de programa formativo de la Fundación Amigos del Real-, cuenta con dirección musical de Francisco Soriano y escénica de Guillermo Amaya.
A las 18.00 y a las 20.0 horas
ORIGEN, con Eduardo Guerrero
Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.
El espectáculo, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, contó con la participación del guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra Villar, Ana Polanco y Eva Ruiz y la colaboración de Palomo Spain, en el diseño del vestuario.
SORTEOS Y PROMOCIONES
A lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de su página web, se podrá participar en sorteos de premios como entradas para la ópera Adriana Lecouvreur, el ballet El lago de los cisnes (interpretado por el San francisco Ballet), el espectáculo del bailaor Eduardo Guerrero en Flamenco Real, visitas especiales al Teatro Real o una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real.
Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.
La dirección musical correrá a cargo de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está comenzando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente en la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas.
El programa está compuesto por arias de Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Matteo Salvi, Giuiseppe Verdi, Charles Gounod y Jacques Offenbach; y piezas de zarzuela de Ruperto Chapí, José Serrano, Pablo Luna, Gerónimo Giménez, Reveriano Soutullo y Juan Vert.
La Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, estará conformada, en esta gira, por 75 instrumentistas procedentes de los más de 20 centros donde 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.
Será la presentación en el Teatro Real de la Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, que desde 2011, ha permitido beneficiar a más de 30.000 niños y jóvenes de Perú.
En su segunda gira internacional, la orquesta estará conformada por 75 instrumentistas procedentes de los centros con los que la organización cuenta en diversas regiones de Perú, en los que actualmente 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.
La dirección musical será de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está iniciando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas, donde fue la primera asistente femenina de la agrupación.
El ambicioso programa del concierto permitirá al público disfrutar del arte de Juan Diego Flórez en diferentes registros, estilos y lenguajes, desde la pureza del repertorio belcantista a la ductilidad de su voz en las páginas más trágicas; del refinamiento de sus interpretaciones en la ópera francesa, al canto desinhibido, con gracia y gallardía de las piezas de zarzuela o de la música popular latinoamericana.
El concierto comienza con Vincenzo Bellini y tres arias de su ópera I Capuleti e i Montecchi, donde las pasiones exacerbadas se expresan con maravillosas melodías delicadamente ornamentadas, que exigen un gran control del legato y de la expresión emocional.
Le sigue la gran escena para tenor de Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti, de gran dramatismo, que reflejan el dolor, la desesperación, el remordimiento o el desamor, expresados con el ímpetu emocional tan característico del estilo donizettiano, que Flórez domina como nadie.
Con Matteo Salvi, menos conocido que sus contemporáneos, Flórez volverá a cantar al amor y al honor con un fraseo amplio, bello e intimista en «Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…» de Il duca d’Alba, cerrando la primera parte con la heroicidad de «L’émir auprès de lui m’appelle…», de la ópera Jérusalem, de Giuseppe Verdi, que exige líneas de canto más poderosas y dramáticas, acompañadas con brío por una orquesta que acompaña a la perfección la dramaturgia del texto.
La segunda parte comienza con una de las arias más románticas y delicadas del repertorio francés, «L’amour!… Ah, lève-toi, soleil», de Roméo et Juliette, de Charles Gounod, impregnada del ingenuo fulgor juvenil, seguida de «Au mont Ida», de La belle Hélène, de Jacques Offenbach, una pieza llena de humor y donaire.
El Preludio de La revoltosa da inicio a la sesión de zarzuela, que prosigue con la vitalidad y el orgullo patriótico de «Al mismo rey del moro…», de La alegría del batallón de José Serrano.
De La pícara molinera, de Pablo Luna, Flórez interpretará «Mi locura non tien cura… Paxarín, tú que vuelas», una pieza delicada, melancólica y emotiva, que resalta la poesía del paisaje rural español.
Siempre en crescendo, llega una de las piezas más icónicas del dúo Reveriano Soutullo y Juan Vert: la romanza «Bella enamorada», de El último romántico, himno al amor y a la belleza escrito con una melodía expansiva que exige al tenor una voz más enérgica y expresiva, muy característica de la zarzuela.
La velada concluye con la popularísima Granada, de Agustín Lara, con la que, seguramente, se dará paso a los bises, que Juan Diego Flórez suele regalar con generosidad, complicidad y simpatía.
1 hora y 50 minutos, con un intermedio de 25 minutos
PARTE I
VINCENZO BELLINI (1801 – 1835)
Norma
Sinfonía
I Capuletti e i Montecchi
«O, di Capellio generosi amici…»
«È serbato a questo acciaro…»
«L’ amo tanto, e m’è sì cara…»
GAETANO DONIZETTI (1797 – 1848)
Roberto Devereux
«Ed ancor la tremenda….»
«Come uno spirito angelico…»
«Bagnato il sen di lagrime…»
MATTEO SALVI (1816 – 1887)
Il duca d’Alba
«Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…»
GIUSEPPE VERDI (1813 – 1901)
La forza del destino
Obertura
Jérusalem
«L’ émir auprès de lui m’appelle….
Je veux encore entendre…»
PARTE II
CHARLES GOUNOD (1818 – 1893)
Roméo et Juliette
Entreacto del acto II
«L’amour!… Ah, lève-toi, soleil»
JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880)
Orphée aux enfers
«Galop infernal» (can-can)
La belle Hélène
«Au mont Ida»
RUPERTO CHAPÍ (1851 – 1909)
La revoltosa
Preludio
JOSÉ SERRANO (1873 – 1941)
La alegría del batallón
«Al mismo rey del moro…»
PABLOLUNA (1879 – 1942)
La pícara molinera
«Mi locura non tien cura…. Paxarín, tú que vuelas»
REVERIANO SOUTULLO (1880 – 1932) y JUAN VERT (1890 – 1931)
El último romántico
«Bella enamorada»
GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854 – 1923)
La boda de Luis Alonso
Intermezzo
AGUSTÍN LARA (1897 – 1970)
Granada
BIOGRAFÍAS
JUAN DIEGO FLÓREZ, tenor
Formado en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y el Curtis Institute of Music de Filadelfia, este tenor peruanoalcanzó fama internacional tras su debut en el Festival Rossini de Pésaro en Matilde di Shabran y su presentación en el Teatro alla Scala de Milán, dirigido por Riccardo Muti en 1996, con solo 23 años. Excelso cultivador del bel canto y de la ópera francesa, recientemente ha incorporado a su repertorio títulos como La traviata, en la Metropolitan Opera House de Nueva York, Werther, en la Royal Opera House de Londres, La bohème, en la Opernhaus de Zúrich, y Manon y Faust en la Staatsoper de Viena. Ha sido galardonado con la Gran Cruz de la Orden del Sol y es, desde 2022, director artístico del Festival Rossini de Pésaro. En 2011, fundó Sinfonía por el Perú, un proyecto musical de inclusión social. En reconocimiento por su labor, fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO y fue premiado por el World Economic Forum con el Crystal Award. En el Teatro Real ha cantado en Il barbiere di Siviglia (2005), Orphée et Eurydice (2008), I puritani (2010) y Les pêcheurs de perles (2013), y ofrecido diferentes conciertos y recitales en los años 2006, 2009, 2015, 2017 y 2021.
ANA MARÍA PATIÑO-OSORIO, directora de orquesta
Esta directora de orquesta colombiana es la ganadora del Segundo Premio, el Premio del Público y el Premio del Jurado Juvenil en el Concurso Malko para Jóvenes directores de 2024 en Copenhague. En las temporadas 22-23 y 23-24, ha ocupado el cargo de directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande, trabajando estrechamente con Jonathan Nott. Comenzó su formación musical como saxofonista antes de pasar a la dirección orquestal. Completó su licenciatura en Dirección de Orquesta en la Universidad EAFIT en Medellín antes de ser aceptada en el prestigioso programa de Dirección Orquestal en la Escuela Superior de Artes de Zúrich bajo la tutela de Johannes Schlae‑ i, donde se graduó con honores en 2021. Durante la temporada 2023/24 ha dirigido, entre otras, la Orquesta Iberacademy en Mozartwoche en Salzburgo, la Orchestre de Chambre de Lausanne, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Filarmónica de Bogotá, entre otras.
SINFONÍA POR EL PERÚ
Sinfonía por el Perú es una organización social, fundada y presidida por el tenor peruano Juan Diego Flórez. Desde su creación hace trece años, ha transformado las vidas de más de 30.000 niños, niñas, adolescentes y jóvenes mediante la formación musical colectiva y gratuita. Actualmente, más de 6.400 jóvenes participan en esta iniciativa en una treintena de sedes a lo largo de diez regiones del Perú. Sinfonía por el Perú no solo enseña música, sino que también fomenta habilidades y valores esenciales como la disciplina, el respeto, la cooperación y el liderazgo. La organización se ha convertido en un referente cultural y social en el país, con numerosos testimonios de beneficiarios que demuestran mejoras en autoestima, habilidades sociales y rendimiento académico. Alineada con los Derechos Humanos y los Derechos del Niño de la ONU, y guiada por los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la Agenda 2030, Sinfonía por el Perú muestra cómo la música puede cambiar el mundo.
El Teatro Real inaugurará el próximo 23 de septiembre su Temporada de ópera 2024-2025, con Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea (1866-1950), que nunca se ha presentado en su escenario, pese a la gran popularidad de este título.
Aunque el nombre de Francesco Cilea aparezca normalmente asociado a los de Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano o Giacomo Puccini como uno de los representantes del verismo -movimiento operístico de cuño realista y naturalista en boga en Italia en los albores del siglo XX- su ópera más conocida, Adriana Lecouvreur, podría considerarse, de cierta manera, la despedida del gran melodrama romántico italiano, sobre todo verdiano, con tintes veristas y la elegancia y refinamiento de la ópera francesa finisecular, sobre todo de Massenet.
La ópera, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de la legendaria actriz Adrienne Lecouvreur, idolatrada y defendida por Voltaire, que destacó por sus brillantes, sinceras y originales interpretaciones en la Comédie Française. Su enorme fama, amoríos, su relación con el mariscal Mauricio de Sajonia -pareja de la celosa Madame de Bouillon-, y su muerte en extrañas circunstancias, con apenas 38 años, han inspirado, ya en el siglo XIX, la obra teatral de Eugène Scribe y Gabriel Legouvé que sirvió de base al libreto de Arturo Colautti.
Pese a que la ópera confronta las emociones exacerbadas de la pasión de Adriana Lecouvreur y los celos de la princesa de Bouillon, que aman al mismo hombre, Cilea crea una partitura de gran elegancia y contención, que combina la intensidad dramática, la belleza melódica, la exquisita orquestación y una refinada sensibilidad lírica, capaz de expresar las complejas emociones de los personajes, desde el lirismo más íntimo a los estallidos de pasión.
David McVicar respeta estrictamente la época y los espacios del libreto, con una puesta en escena espectacular, en la que la tensión emocional de la trama y de la música fluye sin obstáculos, transformando el Teatro en un personaje vivo que, con su presencia omnipresente, influye y moldea el destino de los protagonistas.
La impactante escenografía de Charles Edwards, con su mezcla de cortinajes, maquinaria teatral y juego de espejos, y el opulento vestuario dieciochesco de Brigitte Reiffenstuel, crean una atmósfera melancólica anticipando el trágico final de la ópera, con una paleta cromática dominada por tonos dorados, ocres y púrpuras, que evocan el lujo decadente de la aristocracia y la libertad, siempre marginal, de la vida sobre un escenario.
En la interpretación del arrebatador papel de Adriana Lecouvreur se alternarán las sopranos Ermonela Jaho y Maria Agresta. Estarán secundadas por Elīna Garanča (princesa de Bouillon) -que debuta en el Teatro Real en una producción operística- Brian Jagde (Maurizio) y Nicola Alaimo (Michonnet), en el primer reparto; y Ksenia Dudnikova, Matthew Polenzani y Manel Esteve, en el segundo. Junto a ellos, actuarán el Coro Titular del Teatro Real, con dirección de José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la experta e exquisita dirección musical de Nicola Luisotti, principal director invitado del coliseo de la Plaza de Oriente.
AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES
19 de agosto a 21 de septiembre | TEATRO REAL, Sala de ensayo de puesta en escena y Sala principal
CURSO: Una aproximación a la dirección de escena
Coordinado por Justin Way, responsable de la reposición de Adriana Lecouvreur
El curso tiene como objetivo mostrar a los participantes el trabajo del director de escena, encargado de coordinar los elementos escenográficos y dramatúrgicos de una producción. Para ello, se hace un seguimiento del proceso de ensayos de Adriana Lecouvreur, en el que los participantes pueden conocer lo que ocurre durante el mes de ensayos y trabajos que preceden el estreno de la ópera.
20 de septiembre a 13 de octubre | MUSEO DELROMANTICISMO, Sala XVIII
EXPOSICIÓN: Una obra, una ópera
El museo muestra en su sala XVIII, dedicada a la literatura y el teatro, el retrato de la actriz aragonesa Teodora Lamadrid, caracterizada de Adriana Lecouvreur, el papel con el que consiguió el reconocimiento del público español del siglo XIX y con el que consolidó su prestigio en los escenarios madrileños.
Acceso gratuito con la entrada del museo en su horario de apertura.
18 de septiembre, a las 20.15 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta
ENFOQUES: Adriana Lecouvreur
Participan: Nicola Luisotti (director musical), Justin Way (responsable de la reposición), Ricardo de Cala (director del programa Los maestros cantores, en Radio Clásica) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).
La soprano Dragana Paunovic, acompañada al piano por Edoardo Barsotti, interpretarán dos arias de Adriana Lecouvreur: «lo son l’umile ancella» y «Poveri fiori».
22 y 29 de septiembre, y 5 y 12 de octubre, a las 11.00 y 12.30 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO
ITINERARIO POR EL JARDÍN: Plantas tóxicas y venenosas
El Real Jardín Botánico de Madrid ha elegido Adriana Lecouvreur para iniciar su colaboración con el Teatro Real. La misteriosa muerte de la actriz francesa con unas flores envenenadas es la excusa perfecta para realizar una visita guiada por su jardín, donde el público descubrirá las plantas tóxicas que se esconden en la naturaleza, qué partes son venenosas y cuáles no, cómo funcionan los venenos y, algo muy importante, para qué sirven además de para matar.
Más información y compra de entradas en este enlace.
24 de septiembre, a las 19.00 horas | CASA ASIA
CONFERENCIA: Artes escénicas en extremo oriente
Poniente: Horacio Curti, etnomusicólogo y maestro shakuhachi.
Una temporada más, la institución destinada a acercar el conocimiento de Asia Pacífico a España propone una actividad que permitirá al público descubrir la riqueza de la cultura asiática. En este caso utiliza el gran melodrama romántico que es Adriana Lecouvrer para demostrar la estrecha relación que existe entre la ópera oriental y la occidental. Y es que las formas y principios estéticos de las artes escénicas de Asia Oriental, en general y de Japón en particular, se dan la mano con la esencia de esta ópera de Cilea.
Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.
25 de septiembre, a las 12.00 horas y 26 de septiembre, a las 17.00 horas | MUSEO DEL TRAJE
VISITAS GUIADAS: Adriana, una mujer a la moda del siglo XVIII
La producción de David McVicar que se verá en el Real es el marco perfecto para un itinerario por el Museo que girará en torno al denominado “traje a la francesa” o “a la moda”. En él se podrán ver siluetas, formas y tejidos, además de analizar brevemente su contexto histórico, cultural y social, desde su origen a finales del XVII, en la corte de Luis XIV, a su evolución durante el primer tercio del XVIII.
Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.
28 de septiembre, a las 19.30 horas | PLAZA DE ISABEL II y distintos espacios en toda España
RETRANSMISIÓN EN DIRECTO:Adriana Lecouvreur será retransmitida en directo en la Plaza de Isabel II, en Madrid y en plazas, teatros, auditorios, museos y centros culturales de toda España en el marco de la Semana de la Ópera del Teatro Real.
Siguen abiertas las inscripciones, en este link, para todos los ayuntamientos que se quieran unir.
6 de octubre, a las 11.00 y a las 13.00 horas | REAL TEATRO DE RETIRO, Sala Pacífico
TALLER MUSICAL EN FAMILIA: ¡Todos al Real Teatro!
El caso de las violetas envenenadas explora el universo sonoro de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea. Nos convertiremos en detectives para descubrir quién asesinó a una importante actriz…
Participan la soprano Aida Turganbayeva y el pianista Sergio Berlinches.
8 de octubre, a las 20.00 horas | INSTITUT FRANÇAIS
DOCUMENTAL: Sarah Bernhardt, à corps perdu
Considerada una de las mejores actrices del siglo XIX y XX, Sarah Bernhardt supo dar una dimensión especial al personaje de Adriana Lecouvreur, actriz también –como Bernhardt– de la Comédie Française y sobre la que grabó una película en 1913. Para ahondar en la vida de esta musa de escritores como Oscar Wilde, Víctor Hugo o Jean Cocteau, el Institut Français de Madrid junto al canal audiovisual francés TV5MONDE presentan un documental que la directora Sophie Jaubert realizó con motivo del centenario de la muerte de la bretona.
Entrada libre hasta completar aforo.
21 y 22 de octubre, a las 18.30 horas | CÍRCUO DE BELLAS ARTES, Sala Ramón Gómez de la Serna
CONFERENCIA: Voltaire 2024
21 de octubre. Ponentes: Juan Manuel Forte y Alicia H. Puleo. Moderador: Rodrigo Castro Orellana
22 de octubre: Ponentes: José L. Villacañas y Nuria Sánchez Madrid. Moderador: Rodrigo Castro Orellana
Voltaire, amigo cercano de Adriana Lecouvreur, y autor del Tratado sobre la tolerancia, fue enemigo del dogmatismo y de la ignorancia de su tiempo. Su figura sigue inspirando hoy en día y nos puede ayudar a reflexionar y debatir sobre los nuevos fanatismos, a combatir la disolución de la razón y la verdad, y a denunciar las nuevas manifestaciones reaccionarias.
Para ello el CBA propone dos charlas en las que cuatro filósofos pondrán de manifiesto cómo los problemas que acuciaban a Voltaire aún siguen removiendo conciencias en el siglo XXI.
Entrada libre hasta completar aforo.22 de octubre a las 20.00 horas | CÍRCULO DE BELLAS ARTES, Teatro Fernando Rojas
LECTURA DRAMATIZADA: Sarah Bernhardt Fan Club
En colaboración con el Círculo de Bellas Artes, el Institut français de España y la embajada francesa proponen una lectura dramatizada en francés con sobretítulos en español, escrita y dirigida por Juliette Deschamps, con los actores Judith Chemla y Bruno Blairet. Con este acto, a la vez divertido y conmovedor, en forma de biopic en 18 episodios, se homenajeará la figura de la inmensa y escandalosa actriz francesa Sarah Bernhardt, quien creó los más grandes papeles del repertorio de la época.
Contemporáneo de Francesco Cilea (1866-1866), Giacomo Puccini (1858-1924) –cuyo centenario de fallecimiento se está celebrando con varias iniciativas en el Teatro Real– ejerció gran influencia en el compositor de Adriana Lecouvreur, encontrándose paralelismos entre el drama Tosca y de Adriana, dos heroínas trágicas que contraponen la libertad y trascendencia del arte, frente al drama que experimentan en sus vidas.
En la exposición Puccini-Fotógrafo, organizada en colaboración con PHotoEspaña, se pueden ver fotografías de gran formato en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta del Teatro Real.
Hasta final de temporada| TEATRO REAL, Salón de baile y 7ª planta
EXPOSICIÓN: Centenario Victoria de los Ángeles
Victoria de los Ángeles (1923-2005) –de quien se está conmemorando el centenario de nacimiento– fue una gran intérprete de las heroínas trágicas puccinianas por su delicadísima sensibilidad, y encarnó también el rol titular de Adriana Lecouvreur, dando al personaje fragilidad y hondura.
El Teatro Real expone en el salón de baile y en el espacio expositivo que se encuentra en la séptima planta una colección de vestidos de la soprano, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles.
El 5 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el primer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, cuya inauguración oficial será el 23 de septiembre, con el estreno de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea.
La velada, íntegramente dedicada a Giacomo Puccini (Lucca, 1859 – Bruselas, 1924), estará protagonizada por Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, que ya actuaron juntos en el Teatro Real en dos conciertos (el 1 de noviembre de 2019 y el 25 de julio de 2022) y en las óperas Tosca, en 2021, y Aida, en 2022.
Netrebko y Eyvazov interpretarán arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier, que debutarán en el Real y a los que escucharemos también en solitario con arias de Turandot y Edgar.
Junto a ellos tendrá un importante papel el coro, donde se unirán las voces del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch.
Denis Vlasenko, director artístico del Teatro Estatal Académico Bolshoi de Taskent (Uzbekistán), y con un largo vínculo artístico con Anna Netrebko, será el encargado de la dirección musical del concierto, como ya hizo, con éxito, en 2019, cuando la soprano hizo su debut en el Real junto a Yusif Eyvazov.
Anna Netrebko ha encontrado en las grandes heroínas puccinianas un terreno fértil para explorar la ductilidad de su voz y la intensidad dramática de sus interpretaciones. La combinación de su lirismo cálido, virtuosismo técnico y una profunda comprensión emocional de los personajes que encarnará en el concierto – Turandot, Manon Lescaut, Tosca, Mimi y Cio-Cio-San logra captar su complejidad, vulnerabilidad, contradicciones y la evolución dramática de los mismos, logrando versiones únicas de estos papeles, marcados por la pasión y la tragedia.
El programa del concierto ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, con una selección de sus más emblemáticas arias, dúos y números de conjunto. La primera parte comenzará con Turandot, con el vibrante coro «Popolo di Pekino» y la impresionante interpretación de «In questa reggia» por Anna Netrebko, arropada por el coro. Le siguen los dramáticos diálogos entre Calaf, Liù y Turandot, que culminan en el conmovedor lamento «Tu che di gel sei cinta», que dará a conocer a Daria Rybak al público del Real. El contraste emocional se realza con el «Intermezzo» orquestal de Manon Lescaut, antes de que Netrebko vuelva al universo trágico de «Sola, perduta, abbandonata». Yusif Eyvazov aportará la pasión de «Donna non vidi mai», y el dúo de amor «Tu, tu, amore? Tu?» cerrará la primera parte con gran intensidad.
La segunda parte abrirá con la frescura y el encanto de La Bohème, seguida por el aria «Questo amor, vergogna mia» de Edgar, la menos conocida de la velada, interpretada por el barítono Jérôme Boutillier, pianista repetidor que está haciendo una interesante carrera como cantante, y que debuta en el Real. El lirismo melódico de Tosca cobra vida en las populares «Vissi d’arte» con Anna Netrebko y «Recondita armonia» con Yusif Eyvazov. Madama Butterfly cerrará el programa con el delicado «Coro a boca cerrada» y el dúo «Vogliatemi bene», brindando un final emotivo a una velada que evoca el gran genio creativo de Puccini.
José Luis Basso, director del Coro Titular del Teatro Real
Marc Korovitch, director del Coro RTVE
PARTE I
Turandot
«Popolo di Pekino… Dal deserto al mar…»
Jérôme Boutillier y Coro
«In questa reggia»
Anna Netrebko y Coro
«Non piangere, Liù!»
Yusif Eyvazov, Daria Rybak, Jérôme Boutillier y Coro
«Sei pallido, straniero…!»
Anna Netrebko, Daria Rybak,Yusif Eyvazov y Coro
«Tu che di gel sei cinta»
Daria Rybak
«Diecimila anni al nostro imperatore!»
Coro y Anna Netrebko
Manon Lescaut
Intermezzo
Orquesta Titular del Teatro Real
«Sola, perduta, abbandonata»
Anna Netrebko
«Donna non vidi mai»
Yusif Eyvazov
«Tu, tu, amore? Tu?»
Anna Netrebko y Yusif Eyvaz
PARTE II
La bohème
«Sa dirmi, scusi, qual’è l’osteria.. Mimi!»
Anna Netrebko, Yusif Eyvazov, Daria Rybak y Jérôme Boutillier
Edgar
«Questo amor, vergogna mia»
Jérôme Boutillier
Tosca
«Vissi d’arte»
Anna Netrebko
«Recondita armonia»
Yusif Eyvazov
Madama Butterfly
Coro a boca cerrada
«Vogliatemi bene…»
Anna Netrebko y Yusif Eyvazov
Este sábado, 20 de julio, se cumplirán 20 años de la muerte de Antonio Gades, uno de los más grandes artistas españoles del mundo de la danza, en el que exploró todas sus vertientes: bailarín (también bailaor), coreógrafo, investigador, productor, además de polifacético creador, ya que todas sus creaciones fueron concebidas, desde su génesis, como una obra de arte total, en la que Gades, junto a los demás artistas, ideó la estructura, dramaturgia, música, iluminación, etc.
Desde su reapertura, el Teatro Real ha ofrecido en su escenario toda la obra coreográfica de Antonio Gades, que supervisó el estreno de Fuenteovejuna, en 2002, cuando la obra fue interpretada por Ballet Nacional de España (BNE), participando en la que fue su última rueda de prensa en España.
Después de su fallecimiento el Teatro Real presentó nuevamente esta obra, ya bajo la dirección artística de Stella Arauzo con la Compañía Antonio Gades, creada por la Fundación que lleva su nombre, presidida por su hija María Esteve y con dirección de su viuda, Eugenia Eiriz.
En octubre de 2020, en plena pandemia y con estrictas medidas sanitarias, la Compañía Antonio Gades estrenó en el Teatro Real Fuego, en sustitución del Ballet de Múnich, que no pudo viajar a España debido a las restricciones impuestas entonces por el Gobierno alemán. Con estas actuaciones, el Real completó la presentación de la obra completa de este gran creador en su escenario.
Las grabaciones, realizadas en los años 2011 y 2014, se llevaron a cabo en coproducción con la Fundación Antonio Gades con el fin de proteger y divulgar el legado de Gades, que sigue suscitando, 20 años después de su fallecimiento, un gran interés y reconocimiento. La Compañía acaba de recibir la Medalla de Honor del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, 2024, después de haber cosechado varios premios nacionales e internacionales a lo largo de las dos últimas décadas, en las que la influencia de su genio y de su maestría no han dejado de crecer.
El próximo 13 de julio, sábado, a las 19.30 horas, los jóvenes talentos del Teatro Real, participantes de la cuarta edición del programa Crescendo, serán los protagonistas de un recital en la Sala Principal, en la que interpretarán algunas de las arias y dúos más conocidos de óperas como La bohème, La traviata, I Puritani, Don Pasquale, Un ballo in maschera, Faust y Carmen.
A lo largo de esta temporada, el programa Crescendo, Creamos Ópera, desarrollado por la Fundación Amigos del Teatro Real,ha contado con 18 prometedores artistas, todos menores de 35 años -12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena-procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán, que han podido completar formación y acceder a las primeras oportunidades profesionales en dos títulos de la actual temporada del Teatro Real, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina y el estreno escénico de Tenorio, en espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro, en actuaciones en la Carroza del Real por toda España, formando parte del concierto EmocionArte -de la Fundación Princesa de Girona- o del homenaje del Día Europeo de la Música –en el Metro de Madrid-, por mencionar algunos.
Importantes artistas del mundo lírico -las sopranos Sabina Puértolas y Ermonela Jaho, el bajo Leight Melrose, el director del Coro Titular del Teatro Real, José Luis Basso y el director de escena Rafael Villalobos– han ofrecido sus conocimientos en clases magistrales únicas que han contribuido a completar la formación, compartir experiencias, desarrollar actitudes personales, transmitir emociones y ampliar horizontes en un trabajo que es también la expresión artística más completa sobre un escenario.
La recaudación de las entradas del concierto, con un coste único de 10 euros en cualquier zona del teatro, estará destinada íntegramente a programas de impulso del talento joven del Teatro Real y de la Fundación Amigos. Asimismo se ha habilitado un canal de donación, con el mismo fin, mediante una fila cero con aportaciones desde 10 euros.
El recital contará con la participación de los profesores del programa Víctor Manuel Dogar, como responsable de la dramaturgia y dirección de escena, y Patricia Barton, como asesora musical. Sobre las tablas, las voces de las sopranos Aida Turganbayeva, Carmen Larios, Dragana Paunovic e Ivana Ledesma; la mezzosoprano Andrea Rey; los tenores Manuel de Filera y Pablo Puértolas, y los barítonos Alejandro von Büren, Enrique Torres y Johann Sebastian Salvatori, que estarán acompañados al piano por los pianistas Gonzalo Villarruel, Sergio Berlinches y Samuel Martín, y dirigidos en la escena por Íñigo Santacana, Marlene Michaelis y Sofía Merchán.
Crescendo, Creamos Ópera es un programa de la Fundación Amigos del Teatro Real que nace con el objetivo de ofrecer formación y oportunidades profesionales a jóvenes promesas dentro del ámbito de la creación operística, bajo un compromiso de fomentación de un ecosistema artístico diverso e inclusivo. Más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en las cuatro ediciones de este programa formativo, que ofrece una formación artística de primer nivel —a cargo de destacados profesionales y artistas vinculados al Teatro Real— y un acompañamiento al inicio de su trayectoria a través de oportunidades laborales.
Crescendo está impulsado por Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco Sabadell, Mitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.
El Teatro Real se suma por primera vez como sede de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, que este año cumple su vigesimoséptima edición, con la exposición Puccini fotógrafo, en la que se descubre una de las grandes pasiones -hasta ahora inédita- del genial compositor italiano: la fotografía.
Comisariada por Gabriella Biagi Ravenni, Paolo Bolpagni y Patrizia Mavilla, la exposición nos desvela el resultado de esta actividad que el compositor inicia alrededor de 1894, a través de una veintena de fotografías realizadas en su Toscana natal y en los países que visitó en sus múltiples viajes.
La muestra es, además, especial, señala Bolpagni, porque nunca se había hecho fuera de Italia y la elección de Madrid y de este lugar “no es casual, ya que en este Teatro, Puccini en persona estrenó, en 1892, bajo la batuta de Luigi Mancinelli, su ópera Edgar. Fue la primera vez que una de sus óperas se interpretaba fuera de las fronteras italianas, y fue aquí, en el Teatro Real”.
Las fotografías de Puccini tienen a la naturaleza como principal protagonista, en encuadres que al mismo tiempo reducen la figura humana a una pequeña silueta en la inmensidad del paisaje, dominadas por un profundo sentimiento poético. Se trata de composiciones visuales bien calibradas, que, si bien están inspiradas en las obras de alguno de sus amigos pintores, cuentan siempre con un carácter personal.
Junto con estas instantáneas, se pueden descubrir imágenes de Nueva York, en las que dominan el imponente urbanismo y los grandes puentes de la ciudad, o Egipto, con una mirada más centrada en sus habitantes y en el paisaje.
La exposición Puccini fotógrafo está organizada por el Teatro Real, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid y PHotoESPAÑA, bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid, y cuenta con el patrocinio de Tradichem. Han colaborado en la exposición la Fondazione Ragghianti de Lucca, la Fondazione Simonetta Puccini per Giacomo Puccini de Torre del Lago y el Centro studi Giacomo Puccini de Lucca (Italia).
Exposición homenaje a Victoria de los Ángeles
Puccini fotógrafo comparte espacio con la exposición homenaje que el Teatro Real dedica a la soprano Victoria de los Ángeles, organizada en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, en la que se muestra una selección de trajes y objetos personales que utilizó la soprano a lo largo de su carrera.
Victoria de los Ángeles (1923-2005), una de las sopranos más importantes del siglo XX, fue también una apasionada de la moda, con un gusto innato para la combinación de colores, volúmenes y tejidos, que la llevaron a confeccionar algunos de los vestidos que lució en conciertos y actos sociales, presentes en la muestra.
A través del vestuario que utilizó en las funciones, recordaremos sus inmortales interpretaciones de Rosina -ataviada con tafetán de seda y pedrería- en El barbero de Sevilla; Elisabeth -de la que se muestran vestido, capa, y corona- en Tannhäuser, y sin duda, Cio-Cio-San, papel emblemático en su carrera y del que ahora, coincidiendo con el estreno de Madama Butterfly en el Teatro Real -que ha dedicado estas funciones a su memoria- se exhiben sus vistosos kimonos.
La exposición podrá disfrutarse con las entradas para las funciones y en la visitas al edificio.
El 2 de julio a las 18.00 horas, en el marco de las actividades paralelas organizadas en colaboración con el Teatro Real de Madrid y el ciclo de encuentros ITALIA ALL’OPERA, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid acogerá un encuentro dedicado a Puccini, Madama Butterfly y el japonismo entre los siglos XIX y XX, con Paolo Bolpagni, Director de la Fundación Ragghianti, y el Maestro Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real y director musical de la recién estrenada Madama Butterfly.
El Teatro Real y la Comunidad de Madrid han conmemorado esta mañana el Día Europeo de la Música, con la celebración de un recital que ha tenido lugar en el vestíbulo de la estación de Nuevos Ministerios y en el que jóvenes artistas del programa Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, han interpretado conocidas áreas de ópera y zarzuela con el fin de acercar la lírica y la música clásica a los usuarios del Metro.
El pianista Sergio Berlinches ha acompañado las voces de la soprano Ivana Ledesma, la mezzosoprano Andrea Rey y el barítono Enrique Torres, que han emocionado al público con las partituras de Puccini, Bizet, Delibes, Penella y Chapí, en un programa que ha incluido la interpretación al piano de la “Oda a la Alegría”, del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven, convertido en el himno de Europa, en el 200 aniversario de su estreno.
El día Europeo de la Música es una conmemoración que invita a los músicos a compartir su arte en espacios públicos, de forma gratuita, para promocionar y reivindicarla como lenguaje universal de la humanidad.
Impulsado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes eventos del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real por toda España.
Desde su creación, más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en esta iniciativa del Teatro Real que les ha acompañado en sus primeros pasos de la vida profesional y que cuenta con el patrocinio der Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco Sabadell, Mitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero
Esta es la segunda ocasión en la que el Teatro Real y el suburbano madrileño participan juntos en una actividad encaminada a la promoción de la música. En noviembre de 2023, la estación de Paco de Lucía fue el escenario elegido para una actuación con la que se conmemoraba el Día Internacional del Flamenco.
El Teatro Real también quiere celebrar este día con entradas entre al 45% de descuento para la ópera Madama Butterfly, cuyo estreno tendrá lugar en su escenario el próximo 30 de junio, que podrán adquirirse desde hoy y las 23.59 horas del sábado 22 de junio, para las funciones de los días 9, 15, 18 y 19 de julio.
Estas localidades, 1.500 distribuidas en todas las zonas de la sala, podrán adquirirse en los canales habituales de venta del Teatro Real: www.teatroreal.es, venta telefónica en el 900 24 48 48 y en las taquillas ubicadas en la puerta principal del Teatro, en la Plaza de Oriente.
El Teatro Real se prepara para una nueva producción de la conmovedora obra maestra de Giacomo Puccini,Madama Butterfly, en la que el barítono Gerardo Bullón encarnará el rol de Sharpless.
Bajo la dirección del aclamado director Damiano Michieletto, Madame Butterfly cobra vida de una manera completamente nueva y provocativa. La historia se traslada a un barrio marginal de una ciudad oriental, explorando temas universales como el imperialismo o la xenofobia arropados por la música atemporal de Giacomo Puccini.
La dirección musical está a cargo de los maestros Nicola Luisotti y Luis Miguel Méndez, quienes guían a la orquesta del Teatro Real a través de la exquisita partitura de Puccini. La escenografía diseñada por Paolo Fantin y el diseño de vestuario de Carla Teti generan una atmosfera deslumbrante.
La ópera narra el trágico romance entre una joven geisha, Cio-Cio-San (Butterfly) y un oficial de la marina estadounidense, el teniente Pinkerton con quien contrae matrimonio (aunque para el soldado esto no es más que una aventura amorosa durante su estancia en Japón). Con su vuelta a América, la muchacha espera el regreso de su marido mientras cuida del hijo que han tenido en común. Cuando finalmente el marine retorna a Nagasaki comienza la tragedia para Cio-Cio-San. La obra explora así temas como el amor, la traición, las diferencias culturales y el sacrificio.
Gerardo Bullón se une así a un gran elenco que cuenta con las voces de Saioa Hernández, Ailyn Pérez o Lianna Haroutounian interpretando a Cio-Cio San, Silvia Beltrami o Gemma Coma como Suzuki o Matthew Polenzani y Michael Fabiano como F.B. Pinkerton.
Gerardo Bullón
Gerardo Bullón, nacido en Madrid, es un barítono en ascenso en el mundo de la música clásica. Destaca no solo por su voz potente sino también por su gran presencia escénica. Comenzó sus estudios de canto con distinguidos maestros como Virginia Prieto, Julián Molina, Daniel Muñoz o Ricardo Muñiz.
A pesar de licenciarse en Derecho se decantó por el mundo de la música clásica estudiando canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid y Arte Dramático. Desde su debut en Teatro Real en 2017 con dos producciones: Billy Budd de Britten y El gato con botas de Montsalvatge ha interpretado roles de gran relevancia como los de Don Giovanni, Gianni Schicchi, Rigoletto, Madama Butterfly, Così fan tutte, L’elisir d’amore, Il barbiere di Siviglia, La finta giardiniera, Carmen , La Bohème) así como otros destacados personajes de zarzuela en el Teatro Real de Madrid y el Teatro de la Zarzuela (La Revoltosa, Marina, El dúo de la Africana, Los diamantes de la corona, La gallina ciega, Luisa Fernanda, El Barquillero, La Chulapona, El bateo, Agua, azucarillos y aguardiente…)
Este pasado mes de abril encarnó el papel del infame Barón Scarpia en la nueva producción de la ópera ‘Tosca’ en la Staatsoper Stuttgart bajo la dirección musical de Markus Poschner y dirección de escena de Willy Decker.
Entre los días 30 de junio y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 19 funciones de Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, con puesta en escena de Damiano Michieletto y dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de 4 repartos y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
El exotismo inspirador de los países lejanos, tan en boga en el arte y la literatura europeas del final del siglo XIX, dio a la ópera algunos antecedentes directos de Madama Butterfly: mujeres fascinadas con el hombre occidental, seductor y poderoso, que traicionan, por amor, los dogmas sagrados de su tradición y de su cultura, pagando con su vida esa transgresión, como sucede con las protagonistas de La africana (1865) de Giacomo Meyerbeer, o Lakmé (1883) de Léo Delibes.
Madama Butterfly es la sexta de las 10 grandes óperas de Giacomo Puccini (1858-1924) y su tercera colaboración con los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, con los que ya había trabajado en La bohème y Tosca, siempre con gran tensión, disputas y desavenencias provocadas por el carácter difícil, obsesivo y perfeccionista de Puccini.
Las fuentes literarias de la ópera están fuertemente ancladas a una inquietante realidad: la impunidad con la que los hombres occidentales utilizaban sexualmente a las mujeres asiáticas, fascinados por su erotismo, misterio, delicadeza y servidumbre. Ese es el tema de la novela Madame Chrysanthème (1887), en la que el marino francés Pierre Loti describe como la ley japonesa permitía a los oficiales de las armadas realizar matrimonios temporales con geishas, generalmente a través de una transición económica, que quedarían disueltos tras un mes de abandono por cualquiera de las partes.
Pocos años después, al otro lado del Atlántico, John Luther Long publica Madame Butterfly (1898), basado supuestamente en un caso real que conoció su hermana durante una estancia en Nagasaki. Este breve relato fue transformado en pieza teatral, con gran éxito, por el dramaturgo y productor David Belasco -que volvería a colaborar con Puccini en La fanciulla del West– que la presentó en Estados Unidos y en Londres. Fue ahí que Puccini vio la obra, con tal conmoción que al final de la misma propuso directamente a su autor la compra de los derechos para la creación de su ópera homónima.
El libreto, estructurado por Luigi Illica y versificado el poeta Giuseppe Giacosa, tiene una dureza inaudita, contraponiendo la naturalidad con la que se negocia la compra y venta de una joven pobre e inocente para complacer los deseos sexuales de un marino foráneo, con la tragedia que vive la protagonista, enamorada de su seductor “marido” extranjero que la va a liberar de la miseria en la que vive.
Para conceder a la partitura la atmósfera oriental Puccini estudió el folclore japonés, los timbres de sus instrumentos, la sonoridad de las voces, los temas, ritmos y escalas más utilizados, articulando todas estas influencias con la música europea, en una relación finísima y sutil con la dramaturgia del libreto y la caracterización de los personajes.
Este “exotismo” musical potencia la riqueza tímbrica y armónica de su escritura orquestal, siempre refinada, fluida y epigramática, con hallazgos expresivos únicos, de grandísima belleza y plasticidad.
Para el director de escena Damiano Michieletto este mundo sonoro orientalizante que atraviesa toda la obra no necesita de ser reforzado con kimonos, biombos y abanicos japoneses que alejan, enmascaran y embellecen el terrible sufrimiento de la inocente Cio-Cio-San en su abnegado camino hacía madurez y el consciente suicidio.
En la producción concebida para el Teatro Regio de Torino, Michieletto despoja la ópera del esteticismo orientalista y sitúa la trama en la actualidad, en los suburbios de una bulliciosa ciudad asiática con carteles publicitarios y letreros de neón concebida por el escenógrafo Paolo Fantin, donde habita Cio-Cio-San, refugiada con sus sueños juveniles en una habitación de plexiglás.
Cuatro cantantes encarnan a esta joven enamorada, que se hace mujer a lo largo de la ópera: Saioa Hernández, Ailyn Pérez, Lianna Haroutounian y Aleksandra Kurzak. El ingrato papel de Pinkerton será asumido por los tenores Matthew Polenzani, Charles Castronovo, Michael Fabiano y Leonardo Capalbo. Completan el cuarteto protagonista las mezzosopranos Silvia Beltrami, Nino Surguladze y Gemma Coma-Alabert, como Suzuki, y Lucas Meachem, Gerardo Bullón y Luis Cansino, como Sharpless.
Madama Butterfly volverá al Real después de las 42 funciones con puesta en escena de Mario Gas, en la producción con más reposiciones desde la reinauguración del Teatro. La ópera llega ahora con el enfoque diferente y complementario de Damiano Michieletto, que nos interroga sobre la crueldad, el dolor, la humillación y el desengaño que viven las víctimas del turismo sexual de antaño y de hoy, en Japón o en los rincones de nuestras ciudades.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
A partir del 1 de julio|Teatro Real: foyer, escaleras imperiales y óvalo de la tercera planta
Puccini fotógrafo
El Teatro Real se suma por primera vez a PHotoEspaña con una exposición que aborda la desconocida faceta como fotógrafo del compositor Giacomo Puccini.
A partir del 1 de julio se podrán ver expuestas fotografías de gran formato del autor de Madama Butterfly en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta.
Se puede acceder a la exposición con entradas para visitas o para una función.
A partir del 30 de junio|Teatro Real de Madrid
Centenario Victoria de los Ángeles
En conmemoración del centenario del nacimiento de Victoria de los Ángeles (1923-2005), el Teatro Real expondrá una colección de vestidos de la soprano catalana que tan brillantemente interpretó a Cio-Cio San en las principales óperas de todo el mundo.
En colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, se podrán ver vestidos de sus principales roles como Mimì en La Bohème, Elisabeth en Tannhäuser o la mismísima Cio-Cio San en Madama Butterfly.
23 de junio a las 11.00 y a las 13.00 horas| Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico
Un viaje a los cerezos en flor y el rito del té de Japón.
Un taller de introducción a la música para familias, con Fernando Palacios y los Pequeños Cantores de la ORCAM, dirigidos por Ana González
2 de julio a las 18.30 |Istituto Italiano di Cultura di Madrid
Inspiraciones orientales en la Italia de la Belle Époque – Conferencia
Acceso gratuito
Durante el mes de julio |Museo de Historia de Madrid
Piezas de chinería: objetos orientales de moda en occidente en el siglo XIX
Acceso gratuito para los visitantes del museo durante el mes de julio
Dice lo que tiene que decir con su baile, sincero, apasionado y, sobre todo, libre. Yolanda Osuna regresa a Flamenco Real con un espectáculo que muestra lo más puro de ella, como un grito interno que al vuelo de sus tacones y de sus manos dibuja su esencia y se declara Y.O. Misma.
Predomina en la propuesta de la bailaora cordobesa la naturalidad, la expresión artística, la complicidad con el espectador, el gesto que llena el escenario antes de desbordar con su técnica prodigiosa. Osuna lleva a gala la pureza del baile flamenco tradicional y, desde él, lo baila en su tiempo.
Yolanda Osuna estará acompañada por la voz de Bernardo Miranda, la guitarra de Jesús Rodríguez y las palmas y el baile de Lorena Osuna.
Nacida en Córdoba, realizó su debut a los cinco años y se graduó con matrícula de honor en danza española, a los 18 años, en el Conservatorio de Danza de Córdoba. Es ganadora de los premios ‘Antonio Hidalgo’ en el Concurso Nacional de Fandangos de Lucena y ‘Jóvenes flamencos’ de la Diputación de Córdoba. También fue finalista en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba y en el del Cante de las Minas de La Unión.
Yolanda Osuna ha actuado en los más prestigiosos teatros y festivales de flamenco tanto de España como del extranjero. Su perfil artístico se ha caracterizado por combinar el flamenco tradicional con otras disciplinas, como la danza contemporánea, las artes plásticas y las performances, ampliando el abanico de posibilidades para expresar su arte. Ha sido una de las estrellas de las giras de Authentic Flamenco y forma parte de los elencos protagonistas de Flamenco Real desde su debut en 2016.
Esta es sin duda la temporada ideal para un aficionado a la ópera barroca. Y una de las razones principales es el estreno en el Teatro Real de la Medea de Charpentier. Dirigida por William Christie, al frente del Coro y Orquesta de Les Arts Florissants y un reparto coral con Véronique Gens (Médée), Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas), Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.
Esta Medea se estrena después de haber iniciado la temporada con la de Cherubini. Ambas basadas en el personaje mítico que aparece en la genealogía de los dioses de Hesíodo, del siglo VIII a.C., que fue renovada por Eurípides, donde narra la epopeya de Apolonio de Rodas y el viaje de Jasón y los argonautas. La de Charpentier, escrita casi un siglo después, cuenta con el libreto de un gran autor teatral, miembro de la Academia Francesa, Thomas Corneille, hermano menor del escritor Pierre Corneille.
La música de esta Medea de Charpentier proyecta un extraordinario dramatismo. En algunos momentos puede resultar monótona, pero su escritura responde a la sobriedad y desenlace trágico del texto.
William Christie, perfecto conocedor de la obra, ha estado al frente de la Orquesta y Coro de Les Arts Florissants, convirtiéndose en personajes principales con el carácter que son capaces de dotar a esta partitura. Con una orquestación colmada de sonoridades, colores y matices, que llenan de intimidad los momentos más delicados y de exaltación y volumen los conjuntos de coro y orquesta. Todo ello acompañado de la sobriedad y elegancia de la propuesta escénica de Marie Lambert-Le Bihan y la iluminación de Fiammetta Baldiserri. El resultado es un movimiento escénico sutil, acompasando la música con la historia y dejando todo el protagonismo a la partitura y las voces.
A la cabeza del reparto vocal, Véronique Gens, que ha construido una Medea elegantemente dramática, con una voz sólida, sobre todo en los graves, y un impecable fraseo.
Muy bien el Jasón de Reinoud van Mechelent, en un rol nada fácil, con agudos falseados, casi sopraniles.
El barítono Cyril Costanzo desplegó un potente instrumento para dar vida a Creón.
El resto de reparto estuvo a un gran nivel. Incluido el coro, que tuvo momentos espectaculares junto a la orquesta. Todos echamos de menso la participación de un ballet, que tal vez hubiera dado a la escenografía otro dinamismo.
Bravo por el Teatro Real al estrenar esta obra y completar con ella una de sus temporadas más barrocas, creando un hilo conductor con dos de los mitos más importantes de la literatura y el arte, Medea y Orlando.
El Teatro Real ofrecerá cuatro funciones de Medea, de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), los días 6, 8, 9 y 10 de junio, que se unen a las de la ópera homónima de Luigi Cherubini (1760-1842) que inauguraron la presente temporada. Dos versiones del mito griego creadas con casi un siglo de diferencia, de muy distintos lenguajes y enfoques, que nos traen el terrible tema que actualmente conocemos como violencia vicaria.
Medea, estrenada en 1693 en la Ópera de París, es la única tragedia lírica de Marc-Antoine Charpentier. El libreto, de Thomas Corneille (1625-1709) -hermano del célebre escritor Pierre Corneille, también dramaturgo y poeta-, parte del mito griego centrándose en el alma atormentada de la protagonista, en la complejidad de su personalidad y en las tremendas vicisitudes de su vida hasta el descorazonador desenlace, en un impresionante tercer acto, cuando las heridas, las humillaciones y el dolor de Medea la llevan a la venganza cegadora y al infanticidio.
La música utiliza todos los efectos expresivos de la época para sobreponerse a los cánones formales de la tragédie lyrique con la que Jean-Baptiste Lully triunfaba entonces en la Francia de Luis IV y Molière. Los matices y sutilezas de su escritura, de gran eficacia dramatúrgica, conceden profundidad a los personajes, logrando mantener una continuada tensión en la evolución de la protagonista, pese a la fragmentación de la estructura operística del barroco.
La versión de Medea que se verá en el Real nos llegará a través de los mejores artistas para representarla, ya que fue el gran director, musicólogo y clavecinista William Christie quien redescubrió, interpretó y grabó la partitura en 1984, junto a sus fantásticos ensambles instrumental y vocal Les Arts Florissants. Desde entonces la obra es parte del acervo musical de este grupo, que volvió a grabarla en 1995 y que acaba de presentarla, con mucho éxito, en la Ópera de París, con gran parte de los solistas que interpretarán la ópera en Madrid.
En el Real, Medea se ofrecerá en una versión semiescenificada concebida por Marie Lambert le Bihan, responsable de la dirección de escena de Eden, el espectáculo protagonizado por Joyce DiDonato, junto a Il Pomo d’Oro, presentado en la pasada temporada.
Con recursos teatrales y lumínicos muy certeros, Marie Lambert deja que las acciones dramáticas vayan manchando el escenario como huellas indelebles, en una propuesta visual que explora la intensidad de los planos, las perspectivas y los volúmenes que crean los cuerpos, en un muy sugerente juego de luces y sombras.
Véronique Gens, que el año pasado protagonizó Medea en el Teatro de los Campos Elíseos y en la grabación producida por Alpha Classics y Le Concert Spirituel, vuelve al Teatro Real con uno de sus grandes personajes del repertorio barroco francés. Estará secundada por Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas) y Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.
ElTeatro Real y Fever, en su firme compromiso para divulgar y promocionar el arte flamenco dentro y fuera de nuestras fronteras, emprenderá en los próximos días su tercera gira de Authentic Flamenco,una propuesta que cuenta con los artistas más representativos de este arte universal, con la que visitará más de cincuenta ciudades de todo el mundo, en coproducción artística con SO-LA-NA.
Tras el éxito de las dos ediciones anteriores, y bajo la dirección artística de Amador Rojas, se han programado varios espectáculos en los que tendrán cabida todas las expresiones del arte flamenco. Encabezados por el propio Rojas, la gira contará con nombres como El Yiyo, Patricia Donn, Ángeles Gabaldón, Daniel Casareso Ricardo Fernández del Moral, entre otros.
Para Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, «Llevar un arte tan genuino y singular a lugares tan diferentes es un reto para el Teatro Real por su compromiso con el patrimonio cultural. Promover y desarrollar un proyecto tan ambicioso es un deber no sólo con las artes escénicas, sino también con el público de todo el mundo».
«Estamos muy contentos de continuar nuestra asociación con el Teatro Real, la Ópera Real de Madrid, y compartir la tradición del flamenco con el público de todo el mundo», asegura Santiago Santamaría, de Fever. «Como empresa con ADN español, estamos orgullosos de defender a estos artistas de increíble talento al tiempo que reforzamos nuestro compromiso de hacer que la cultura sea accesible para todos.»
Aurelio Solana, presidente de SO-LA-NA, describe Authentic Flamenco como “un emocionante avance en nuestro compromiso de difundir la auténtica esencia del flamenco a nivel mundial. Estoy encantado de seguir adelante con nuestra misión de cruzar fronteras culturales y explorar nuevos horizontes creativos para el arte flamenco».
El recorrido de Authentic Flamenco contará con siete tramos diferentes, protagonizados cada uno por un cabeza de cartel y un elenco de artistas distintos, cuyos espectáculos en vivo tendrán una duración aproximada de una hora.
La primera parte del recorrido estará centrada en el norte del continente americano.
1 de junio al 3 de agosto
La primera parte del verano estará liderada por el bailaor y coreógrafo Amador Rojas, que ofrecerá el espectáculoTu Flamenco, en ciudades como Nueva York, Philadelphia, Washington DC, Boston o Miami, acompañado por la también bailaora Nazaret Reyes; Rubén Campos, en la Guitarra; José Aser y Juan Carrasco ‘Juañarito’, en el cante, y Felipe Maya en la percusión y los coros.
A partir del mes de agosto, El Yiyo visitará Montreal, Ottawa, Toronto, Chicago, Dallas, Houston y Austin, con una propuesta muy personal, A mi aire, de la que es coreógrafo y que contará con la dirección musical de Miguel Fernández ‘Falete’. El elenco de artistas estará formado por Ainhoa Garrido Rodríguez, en el baile; Falete Perona, a la guitarra; Aaron Molina, en el cante, y Juan Amaya Amador, en la percusión y los coros.
Patricia Donn en concierto, estará presente en Los Ángeles, San Francisco Bay Area, Seattle, San Diego, Vancouver, San José y Sacramento durante los meses de junio y julio. Su espectáculo, dirigido y coreografiado por ella misma, tendrá en la dirección musical a José Giménez ‘El Viejín’ con Francisco Jiménez ‘Curro Jiménez’ y Jorge Castellanos, en la guitarra, y Gabriela Giménez y María López en el cante.
Authentic Flamenco en Asia y Oceanía.
17 de junio a 15 de julio
Doña Sevillaserá la propuesta que llevará la bailaora Ángeles Gabaldón, encargada de la coreografía y la música, junto al bailaor Alejandro Rodríguez, Inma la Carbonera y María Antonio Granández, en el cante, y Rosa Escobar López, en la viola.
A finales de octubre, el arte flamenco se desplegará en Abu Dhabi y Dubai con una propuesta encabezada por Daniel Casares, que contará, entre otros, con la presencia de Manu Montes, en el baile; Julián Bedmar, en la guitarra; Manuel Peralta, en el cante; José Manuel Posada ‘Popo’, en el bajo, y Miguel Ortiz ‘Nene’, en la percusión.
Europa también es flamenca.
2 de septiembre al 3 de noviembre.
Entre los meses de septiembre y octubre, diferentes ciudades de Europa acogerán el espectáculo de Amador Rojas, Tu Flamenco, que volverá a contar sobre las tablas de escenarios de París, Bruselas, Londres, Amsterdam, Milán o Berlín, entre otras ciudad, con el elenco que le acompañó durante los primeros meses de Authentic Flamenco por diferentes estados americanos.
Authentic Flamenco pondrá fin a la gira en América del norte.
16 de septiembre al 24 de noviembre
Con la creación denominadaLive Flamenco,Ricardo Fernández del Moral se encargará de encabezar el cartel con su guitarra y su cante; Juan Fernández será director de Coreografía y bailaor, y Manu Soto les acompañará en el cante y en el baile.
Acerca del Teatro Real
El Teatro Real, principal institución de las artes escénicas y musicales de España, ha desarrollado una incansable labor de difusión nacional e internacional del patrimonio operístico y cultural. Fundado en 1818 y reinaugurado en 1997 tras una rehabilitación y remodelación técnica y arquitectónica que dotó al Teatro de tecnología de vanguardia, el Real representa también el éxito de la participación de personas y entidades reconocidas cultural y socialmente. Su programación de excelencia y la calidad de su Coro y Orquesta titulares, le han aupado a los primeros puestos entre los teatros europeos. El Teatro Real tiene un papel muy activo en la difusión del flamenco, con una temporada regular de espectáculos en su Salón de Baile de Isabel II, denominado Flamenco Real, y las giras internacionales comoAuthentic Flamenco. En mayo de 2021, La Ópera Real de Madrid fue galardonada como Mejor Compañía de Ópera del Mundo en los International Opera Awards. www.teatroreal.es
Sobre Fever
Fever es la plataforma líder mundial en descubrimiento de entretenimiento que ayuda a millones de personas a disfrutar las mejores experiencias en sus ciudades desde 2014. Su misión es democratizar el acceso a la cultura y el entretenimiento en vivo. A través de su plataforma, Fever inspira a su comunidad a disfrutar de experiencias y eventos locales únicos, desde exhibiciones inmersivas, experiencias teatrales interactivas y festivales, hasta pop-up bars, a la vez que ayuda con datos y tecnología a productores y creadores de experiencias para que puedan mejorar y expandir sus experiencias alrededor del mundo.
SO-LA-NA Entertainment, con más de 12 años de trayectoria, es el referente en la creación y producción de espectáculos exclusivos de gran calidad y autenticidad vinculados al arte flamenco. En 2011, inicia su andadura con el proyecto de internacionalización del Festival del Cante de Las Minas, y desde entonces, viene creando y produciendo espectáculos con la ambición de desarrollar oportunidades que trasciendan en las artes escénicas y para el arte flamenco en particular. Desde 2018 coproducimos con el Teatro Real la prestigiosa temporada de FLAMENCO REAL, y desde 2022, también su extensión internacional: AUTHENTIC FLAMENCO. En su compromiso esta la búsqueda de autenticidad e innovación, junto a la elegancia y la singularidad en la puesta en escena. Más información en: so-la-na.com
El Teatro Real ofrecerá, entre los días 30 de mayo y 2 de junio, cinco funciones de uno de los grandes ballets del repertorio clásico, La bayadera, interpretado por el Ballet de la Ópera de Múnich / Bayerisches Staatsballett, actualmente bajo la dirección de Laurent Hilaire, con una de sus producciones más míticas, estrenada en 1998 y que no ha dejado de representarse desde entonces, con coreografía de Patrice Bart sobre el original de Marius Petipa.
El Ballet de la Ópera de Múnich / Bayerisches Staatsballett regresa al Real, 23 años después –inauguró la temporada 1999/2000 con un programa que incluía Giselle, en las primeras representaciones, y Onegin, en las últimas- y tras haberse visto obligado a cancelar su viaje a Madrid en 2020, debido a la pandemia, con La bayadere.
Para sacar adelante este proyecto, Bart realizó una meticulosa investigación, cargada de dificultades para acceder a las fuentes originales, que le permitió reconstruir el acto final y completar las partes que faltaban en la música y la coreografía. El resultado es una narración en la que predomina el carácter de cuento de hadas de la trama original y la fascinación por las narraciones exóticas del siglo XIX, estructurada en dos actos y seis escenas.
La creación de la escenografía y del vestuario son obra del diseñador japonés Tomio Mohri, que despliega su talento con elementos muy visuales y muestra su predilección por los gráficos del arte japonés en varias escenas, como en el famoso “Acto de sombras” o en el desfile de la fiesta de compromiso, resaltado por la delicada iluminación de Maurizio Montobbio.
La historia, inspirada en los dramas Sakúntalâ y La carretilla de arcilla, del poeta hindú Kalidasa, se desarrolla en una India imaginaria, cuya identidad geográfica no está definida con precisión, y presenta un drama que gira en torno a la bailarina del templo, Nikiya; su rival, Gamzati, hija del Rajá, y Solor, noble guerrero que es amado por ambas mujeres.
Con frecuencia, sobre todo en la actualidad, ha sido acusada de ser una representación tópica de la India con sus idealizadas prácticas religiosas y culturales, sustentada en esquemas colonialistas y en el esteriotipo de las bailarinas orientales. Por ejemplo, en la antigua India no había bailarinas de templo como danza decorativa o de entretenimiento, sino que eran mujeres que practicaban el arte de devadasi: realizaban prácticas rituales y sus danzas se ofrecían para venerar a la deidad. De la misma forma, su vínculo con el dios era matrimonial, lo que las impedía casarse con un mortal, como hacían el resto de las mujeres.
A pesar de todo, La bayadera, coreografía estrenada en San Petesburgo por el Ballet Imperial en 1877, es un hito en la historia del ballet, con una elevada dificultad técnica para los intérpretes – especialmente para la solista que encarna a Nikiya, cuyo personaje ofrece una marcada evolución a lo largo de la historia- y con la necesidad de un cuerpo de baile bien conformado y numeroso, que resuelva con solvencia las escenas corales.
Se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas Madison Young (30 de mayo y 1 de junio a las 17.00h), Lauretta Summerscales (31 de mayo y 2 de junio) y Ksenia Shevtsova (1 de junio a las 21.30h) como Nikiya; Osiel Gouneo (30 de mayo y 1 de junio a las 17:00h), Jinhao Zhang (31 de mayo y 2 de junio) y Julian MacKay (1 de junio a las 21.30 horas) en el papel del guerrero Solor, y Maria Baranova (30 de mayo y 1 junio a las 17:00 horas), Bianca Teixeira (31 de mayo y 2 de junio) y Carollina Bastos (1 de junio a las 21:30 horas) encarnando a Gamzatti. El rol de Ídolo dorado recaerá en António Casalinho (30 de mayo y 1 de junio a las 21:30 horas), Shale Wagman (31 de mayo y 2 de junio) y Ariel Merkuri (1 de junio a las 17.00 horas).
Las funciones en el Teatro Real contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Kevin Rhodes, para interpretar la partitura de Ludwig Minkus compositor de conocidos ballets como Paquita o Don Quijote, entre otros.
El 26 de mayo ha tenido lugar un nuevo concierto enmarcado en el ciclo Voces del Real, en esta ocasión protagonizado por Nina Stemme, que volvía al Teatro 14 años después de su inolvidable interpretación del papel titular de Salomé, de Richard Strauss, en 2010, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Robert Carsen.
En esta ocasión, Nina Stemme, Isolda de referencia de los últimos 20 años -debutó el papel en el Festival de Glyndebourne en 2003-, ha interpretado su escena más trascendente, Liebestod (Muerte de amor), coincidiendo con su despedida de este personaje en escena, que interpretará por última vez en el Teatro Massimo de Palermo el próximo miércoles, 29 de mayo.
En la segunda parte del concierto, la gran soprano ha dado voz y alma a Brünnhilde -personaje totémico que ya no interpreta en escena- en la intensa, desgarradora y exigentísima escena final de El ocaso de los dioses, que culmina también la monumental tetralogía wagneriana El anillo del Nibelungo: Starke Scheite schichtet mir dort (Escena de la inmolación de Brünnhilde).
La Orquesta Titular del Teatro Real ha afrontado en solitario el Preludio de Tristán e Isolda y tres escenas de El ocaso de los dioses –Amanecer, El viaje de Sigfried por el Rin y Marcha fúnebre de Siegfried-, ópera que interpretó hace dos años, en enero de 2022, culminando con gran éxito la Tetralogía dirigida por Pablo Heras-Casado y Robert Carsen.
El Coro Titular del Teatro Real ha ofrecido una obra muy singular en el catálogo wagneriano, la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), para coro masculino y gran orquesta, que su director, José Luis Basso ya dirigió en el Maggio Musicale Fiorentino en 1997.
Cuando, en 1843, Wagner asumió la dirección musical de la corte real de Sajonia aceptó dirigir también el principal Festival de Canto de Dresde, que le encargó una obra para celebrar la festividad del Pentecostés por encargo de la Asociación Cultural de esa ciudad, a cuyo comité pertenecía, y que reunió a todos los coros masculinos del Estado, cerca de 1200 cantantes, para el estreno de la partitura, ese mismo año, en la iglesia de Nuestra Señora.
Wagner interrumpió brevemente la composición de Tannhäuser y escribió una partitura para 3 coros (cada uno con cuatro voces), un grupo de 12 apóstoles, un coro celestial y gran orquesta, sobre un pasaje de los Acontecimientos de Pentecostés en torno a la aparición del Espíritu Santo, que es resaltada por la irrupción de la orquesta después de los 16 minutos iniciales de la obra, en los que el coro canta únicamente a cappella.
El estreno de La cena de los Apóstoles tuvo un gran éxito y la obra permaneció en el repertorio de los coros masculinos alemanes, pero nunca logró imponerse en el resto del mundo, por el gran número de músicos y cantantes que requiere y también porque el propio Wagner nunca valoró la partitura, escrita para circunstancias muy específicas, al margen de gran corpus creativo de su producción.
El concierto ha contado con la dirección de Gustavo Gimeno, que será director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025, y que ha estado al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después de las aclamadas funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, hace dos años.
PROGRAMA
PARTE I
Tristan und Isolde, WWV 90
Preludio
«Liebestod» (Muerte de amor)
Das Liebesmahl der Apostel, WWV 69 (La cena de los apóstoles)
PARTE II
Götterdämmerung, WWV 86D
«Morgendämmerung» (Amanecer)
«Siegfrieds Rheinfahrt» (El viaje de Sigfrido por el Rin)
«Siegfrieds Trauermarsch» (Marcha fúnebre de Siegfried)
«Starke Scheite schichtet mir dort» (Escena de la inmolación de Brünnhilde)
NINA STEMME, soprano
GUSTAVO GIMENO, director musical
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
CORO Y ORQUESTA TITULARES DEL TEATRO REAL
BIOGRAFÍAS
NINA STEMME, soprano
Premiada en el concurso internacional Operalia 1993, esta soprano sueca inició su carrera internacional con roles líricos como Pamina de Die Zauberflöte o la condesa de Le nozze di Figaro, antes de dar paso a Madama Butterfly, Tosca, la mariscala de Der Rosenkavalier o Senta de Der fliegende Holländer. Tras abordar su primera Isolde en el Festival de Glyndebourne de 2003, ha interpretado Brünnhilde, Kundry, Salome, Elektra y Turandot, en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, el Teatro alla Scala de Milán, el Festival de Bayreuth, la Staatsoper de Viena o la Royal Opera House de Londres. Nombrada Cantante de la Corte Sueca, Kammersängerin en Baviera y Austria y Cantante del Año por la revista alemana Opernwelt en 2005 y 2012, ha sido galardonada con el Premio Abbiati en 2010 y el Premio Birgit Nilsson 2018, entre muchos otros. Recientemente ha incorporado los roles de la tintorera de Die Frau ohne Schatten en la Staatsoper de Viena y Kostelnička de Jenůfa en el Theater an der Wien. En el Teatro Real ha participado en Salome (2010).
GUSTAVO GIMENO, director musical
Este director de orquesta valenciano es director musical de la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo desde 2015 y de la Orquesta Sinfónica de Toronto desde 2020, y asumirá el cargo de director musical del Teatro Real en la temporada 2025/26. Ha dirigido la Filarmónica de Berlín, la orquesta de la Radiodifusión Bávara, la Filarmónica de Múnich, la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Chicago y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y colaborado con artistas de la talla de Krystian Zimerman, Daniel Barenboim, Gautier Capuçon, Anja Harteros, Leonidas Kavakos, Bryn Terfel, Yuja Wang, Daniil Trifonov, Jean-Yves Thibaudet y Martin Grubinger, entre otros. Como director operístico, ha actuado en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opernhaus de Zúrich. Recientemente ha dirigido la Sinfonía nº3 de Mahler en el Auditorio Nacional de Madrid y Jenůfa en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. En el Teatro Real ha dirigido El ángel de fuego (2022).
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
Este director de coro nacido en Buenos Aires y de nacionalidad italoargentina estudió piano, dirección coral y orquestal en su ciudad natal antes de dar sus primeros pasos profesionales en el Teatro Argentino de La Plata. En 1989 trabajó en el Teatro Colón de Buenos Aires y el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que en 1990 Romano Gandolfi lo eligió como asistente para el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, inaugurando con ello su carrera internacional. Ha sido director del coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, del Maggio Musicale de Florencia (donde hizo Parsifal con Semyon Bychkov y Turandot con Zubin Mehta) y del Liceu de Barcelona. En 2014 fue nombrado director del coro de la Opéra National de París (participando en títulos como Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila y Die Meistersinger von Nürnberg) y en 2021 regresó al frente del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles. Ha recibido el Premio Ina Assitalia Galileo 2000 y colaborado con Renée Fleming en un disco galardonado en los Grammy Awards 2003. Desde 2023 es director del Coro Titular del Teatro Real.
El próximo domingo, 26 de mayo, a las 19.30 horas, tendrá lugar el último concierto del ciclo Voces del Real, con la soprano Nina Stemme y el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, dedicado íntegramente a Richard Wagner.
Nina Stemme interpretará escenas de Tristán e Isolda y de El ocaso de los dioses, y el Coro Titular del Teatro Real, preparado por su director, José Luis Basso, ofrecerá la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), obra singular en el catálogo wagneriano, muy raramente interpretada.
La dirección musical será de Gustavo Gimeno, que volverá a dirigir al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después de su gran éxito en las funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, en 2022.
El próximo domingo, 26 de mayo, tendrá lugar un nuevo concierto enmarcado en el ciclo Voces del Real, en esta ocasión protagonizado por Nina Stemme, que vuelve al Teatro 14 años después de su inolvidable interpretación del papel titular de Salomé, de Richard Strauss, en 2010, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Robert Carsen.
En esta ocasión, Nina Stemme, Isolda de referencia de los últimos 20 años -debutó el papel en el Festival de Glyndebourne en 2003-, interpretará en Madrid su escena más trascendente, Liebestod (Muerte de amor), coincidiendo con su despedida de este personaje en escena, que interpretará por última vez en el Teatro Massimo de Palermo el próximo miércoles, 29 de mayo.
En la segunda parte del concierto, la gran soprano sueca dará voz y alma a Brünnhilde -personaje totémico que ya no interpreta en escena- en la intensa, desgarradora y exigentísima escena final de El ocaso de los dioses, que culmina también la monumental tetralogía wagneriana El anillo del Nibelungo: Starke Scheite schichtet mir dort (Escena de la inmolación de Brünnhilde).
La Orquesta Titular del Teatro Real afrontará en solitario el Preludio de Tristán e Isolda y tres escenas de El ocaso de los dioses –Amanecer, El viaje de Sigfried por el Rin y Marcha fúnebre de Siegfried-, ópera que interpretó hace dos años, en enero de 2022, culminando con gran éxito la Tetralogía dirigida por Pablo Heras-Casado y Robert Carsen.
El Coro Titular del Teatro Real ofrecerá una obra muy singular en el catálogo wagneriano, la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), para coro masculino y gran orquesta, que su director, José Luis Basso ya dirigió en el Maggio Musicale Fiorentino en 1997.
Cuando, en 1843, Wagner asumió la dirección musical de la corte real de Sajonia aceptó dirigir también el principal Festival de Canto de Dresde, que le encargó una obra para celebrar la festividad del Pentecostés por encargo de la Asociación Cultural de esa ciudad, a cuyo comité pertenecía, y que reunió a todos los coros masculinos del Estado, cerca de 1200 cantantes, para el estreno de la partitura, ese mismo año, en la iglesia de Nuestra Señora.
Wagner interrumpió brevemente la composición de Tannhäuser y escribió una partitura para 3 coros (cada uno con cuatro voces), un grupo de 12 apóstoles, un coro celestial y gran orquesta, sobre un pasaje de los Acontecimientos de Pentecostés en torno a la aparición del Espíritu Santo, que es resaltada por la irrupción de la orquesta después de los 16 minutos iniciales de la obra, en los que el coro canta únicamente a cappella.
El estreno de La cena de los Apóstoles tuvo un gran éxito y la obra permaneció en el repertorio de los coros masculinos alemanes, pero nunca logró imponerse en el resto del mundo, por el gran número de músicos y cantantes que requiere y también porque el propio Wagner nunca valoró la partitura, escrita para circunstancias muy específicas, al margen de gran corpus creativo de su producción.
El concierto contará con la dirección de Gustavo Gimeno, que será director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025, y que estará de nuevo al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después de las aclamadas funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, hace dos años.
Esta completa jornada wagneriana tendrá lugar un día después de la novena y última función de Los maestros cantores de Núremberg, cerrando así el ciclo dedicado a este compositor, en el que el Coro Titular del Teatro Real tiene un especial protagonismo.
Das Liebesmahl der Apostel, WWV 69 (La cena de los apóstoles)
PARTE II
Götterdämmerung, WWV 86D
«Morgendämmerung» (Amanecer)
«Siegfrieds Rheinfahrt» (El viaje de Sigfrido por el Rin)
«Siegfrieds Trauermarsch» (Marcha fúnebre de Siegfried)
«Starke Scheite schichtet mir dort» (Escena de la inmolación de Brünnhilde)
NINA STEMME, soprano
GUSTAVO GIMENO, director musical
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
CORO Y ORQUESTA TITULARES DEL TEATRO REAL
BIOGRAFÍAS
NINA STEMME, soprano
Premiada en el concurso internacional Operalia 1993, esta soprano sueca inició su carrera internacional con roles líricos como Pamina de Die Zauberflöte o la condesa de Le nozze di Figaro, antes de dar paso a Madama Butterfly, Tosca, la mariscala de Der Rosenkavalier o Senta de Der fliegende Holländer. Tras abordar su primera Isolde en el Festival de Glyndebourne de 2003, ha interpretado Brünnhilde, Kundry, Salome, Elektra y Turandot, en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, el Teatro alla Scala de Milán, el Festival de Bayreuth, la Staatsoper de Viena o la Royal Opera House de Londres. Nombrada Cantante de la Corte Sueca, Kammersängerin en Baviera y Austria y Cantante del Año por la revista alemana Opernwelt en 2005 y 2012, ha sido galardonada con el Premio Abbiati en 2010 y el Premio Birgit Nilsson 2018, entre muchos otros. Recientemente ha incorporado los roles de la tintorera de Die Frau ohne Schatten en la Staatsoper de Viena y Kostelnička de Jenůfa en el Theater an der Wien. En el Teatro Real ha participado en Salome (2010).
GUSTAVO GIMENO, director musical
Este director de orquesta valenciano es director musical de la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo desde 2015 y de la Orquesta Sinfónica de Toronto desde 2020, y asumirá el cargo de director musical del Teatro Real en la temporada 2025/26. Ha dirigido la Filarmónica de Berlín, la orquesta de la Radiodifusión Bávara, la Filarmónica de Múnich, la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Chicago y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y colaborado con artistas de la talla de Krystian Zimerman, Daniel Barenboim, Gautier Capuçon, Anja Harteros, Leonidas Kavakos, Bryn Terfel, Yuja Wang, Daniil Trifonov, Jean-Yves Thibaudet y Martin Grubinger, entre otros. Como director operístico, ha actuado en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opernhaus de Zúrich. Recientemente ha dirigido la Sinfonía nº3 de Mahler en el Auditorio Nacional de Madrid y Jenůfa en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. En el Teatro Real ha dirigido El ángel de fuego (2022).
JOSÉ LUIS BASSO, director del coro
Este director de coro nacido en Buenos Aires y de nacionalidad italoargentina estudió piano, dirección coral y orquestal en su ciudad natal antes de dar sus primeros pasos profesionales en el Teatro Argentino de La Plata. En 1989 trabajó en el Teatro Colón de Buenos Aires y el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que en 1990 Romano Gandolfi lo eligió como asistente para el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, inaugurando con ello su carrera internacional. Ha sido director del coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, del Maggio Musicale de Florencia (donde hizo Parsifal con Semyon Bychkov y Turandot con Zubin Mehta) y del Liceu de Barcelona. En 2014 fue nombrado director del coro de la Opéra National de París (participando en títulos como Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila y Die Meistersinger von Nürnberg) y en 2021 regresó al frente del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles. Ha recibido el Premio Ina Assitalia Galileo 2000 y colaborado con Renée Fleming en un disco galardonado en los Grammy Awards 2003. Desde 2023 es director del Coro Titular del Teatro Real.
Ha tenido lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real,unos galardones que, en palabras del presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, “representan el necesario reconocimiento que una sociedad desarrollada debe darle a la cultura y al arte, y a quienes, con su talento y esfuerzo, hacen que el arte y la cultura sean realidad”.
Helena Revoredo, presidenta del Consejo Internacional del Teatro Real, y en representación del mismo, ha sido la primera en recibir la escultura de Cristina Iglesias de manos de Gregorio Marañón. Revoredo ha señalado que “este reconocimiento es el resultado de diez años de apoyo leal e inquebrantable” de todos los miembros del Consejo “a un proyecto emocionante y de gran impacto para la sociedad y la cultura”.
Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.
El secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí Grau, ha sido el encargado de entregar el segundo premio institucional al polifacético artista Jaume Plensa,creador de la videoinstalaciónCielo para el Teatro Real, que ha podido verse en su techo durante toda la ceremonia. Con la mirada en las nubes que cruzaban el tondo de la sala, Plensa ha dicho: “finalmente Cielo es una ventana abierta al cielo de Madrid… repleto de silenciosas nubes que celebraban la diversidad de la vida. Cielo es un sueño de música visual, poesía urbana de una ciudad abrazándose a la ópera”.
Natalia Chueca, alcaldesa de Zaragoza, ha destacado, tras recoger el premio que le ha entregado el director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, “El poder de la cultura para unirnos y enriquecer nuestras vidas”, “este premio ha resaltado nuestro firme compromiso para poder democratizar el acceso a la cultura y simboliza la fuerza de la colaboración y la importancia de llevar el arte a todos los rincones de nuestra ciudad”.
Todavía con los calurosos aplausos recibidos la noche anterior en la memoria, por su magistral dirección de Los maestros cantores de Núrenberg en ese mismo escenario, Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha recibido el primer premio artístico de la noche entregado por el consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco.
Heras-Casado ha recordado su primera vez en el Teatro Real, hace 18 años, y como aquí “ha tenido la oportunidad de asumir alguno de los mayores retos artísticos de su carrera. Aquí he crecido personal y profesionalmente”. El maestro ha destacado la enorme labor de equipo que se realiza en este teatro y que lo ha convertido en uno de los más importantes del mundo.
El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, ha reconocido el personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson al entregarle el quinto galardón de la noche. Wilson, que forma parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura ha contado, con gran sentido del humor, cómo al ser preguntado por su profesor de escuela, cuando tenía siete años, en un pequeño pueblo de Texas, “Bob ¿qué quieres ser de mayor?” y él respondió “el Rey de España, y esta noche me siento como un Rey” en un teatro “que se ha convertido en mi casa en Europa y en el resto del mundo”.
Las sopranos españolas Sara Blanch y Saioa Hernández recogían el cariño de los asistentes y sus premios de manos del director adjunto del Teatro, Borja Ezcurra, y del secretario de Estado de Asuntos Exteriores y Globales, Diego Martínez Maillo, respectivamente.
También Blanch ha recordado su primera vez en el Teatro Real, donde comenzó cantando en el foso para la producción El gallo de oro “sintiéndome muy pequeña” y ahora “estoy aquí, en un lugar en el que he ido creciendo, donde me siento como en casa y donde siento a todos como una gran familia”.
Una emocionada Saioa Hernández reconocía cuantas veces “había paseado por las calles de esta ciudad, mi ciudad, junto al Teatro Real soñando con cantar aquí, y eso hace este premio mucho más especial y me siento muy feliz”. Ha dedicado el galardón a todos los trabajadores del Teatro que hacen posible la magia de la ópera, al director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, por su confianza y a todos los artistas que pasan por este escenario y del que ella es “una pequeña representación”.
El barítono Leigh Melrose –inolvidable su interpretación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams- ha declarado “que este es uno de los escenarios más especiales del mundo, en uno de los lugares más especiales del mundo”, tras recibir el premio que le ha entregado la secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Gualda. Ha destacado la labor de todos los trabajadores, dentro y fuera del escenario, para sacar adelante el reto de poner en pie una ópera”.
El último galardón de la noche ha sido para el bajo-barítono Martin Winkler, Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich. Se lo entregaba la delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz. “Este es el mejor lugar en el que puede trabajar un cantante, es el mejor lugar del mundo para cantar ópera” y ha añadido que “aquí ha creado una familia, tanto artística como profesional y, cuando llego a Madrid, se me pone una sonrisa de.. Guau”.
Una vez finalizada la entrega de premios, el pianista Javier Perianes ha interpretado la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.
El próximo 22 de mayo, a las 19.30 horas, tendrá lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real, unos galardones que quieren reconocer el apoyo, el trabajo, el talento y las iniciativas de aquellas personas o entidades que contribuyen a convertir en realidad el proyecto artístico y cultural de la institución.
Creador excepcional y polifacético, símbolo de una generación, con obra expuesta en ciudades de todo el mundo, Jaume Plensa está unido para siempre al Teatro Real con Cielo, videoinstalación inaugurada por SSMM los Reyes el pasado mes de septiembre, que consiste en abrir visualmente el tondo central del Teatro para convertir este elemento arquitectónico en una cúpula virtual que conecta directamente con el maravilloso cielo de Madrid.
El Consejo Internacional es un órgano integrado en la estructura del Teatro Real cuya finalidad es apoyar, promover y difundir su proyecto artístico, cultural, pedagógico y social a través de la participación de la sociedad civil de ámbito internacional. Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo, que preside Helena Revoredo, cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.
Con el firme propósito de ofrecer a sus ciudadanos nuevas experiencias culturales y artísticas, la Ciudad de Zaragoza se ha sumado con entusiasmo a las propuestas del Teatro Real que, de forma abierta y accesible, han buscado llegar al mayor número de espectadores posible, fuera de sus muros y de su localidad. Así, iniciativas como la retransmisión de ópera al aire libre o los conciertos de la Carroza del Teatro forman parte de la programación cultural de su ayuntamiento.
Recientemente, la alcaldesa de Zaragoza, Natalia Chueca, ha apoyado la creación del Círculo de Amigos del Teatro Real de Aragón, liderado por empresarios aragoneses en apoyo al proyecto cultural del coliseo madrileño.
Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha dejado en la memoria magistrales direcciones musicales de óperas como Mahagonny (2010), Die Soldaten (2018), el Anillo wagneriano (2019-2022) o Los maestros cantores, a punto de representar su última función.
El personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson, ha formado parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura. Su primer trabajo en el escenario madrileño fue en 1998 con O corvo branco, junto a Philip Glass, y su impronta ha quedado en inolvidables producciones como Turandot, representada la pasada Temporada, en la que su concepción escénica, decorados e iluminación conceden a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales.
Dos grandes voces femeninas han brillado con luz propia en las dos últimas temporadas, las sopranos españolas Saioa Hernández y Sara Blanch. La primera, dando vida a personajes emblemáticos como Turandot, Medea y, próximamente, Madama Butterfly, ha demostrado con sus interpretaciones porqué es una de las cantantes más demandadas en los principales escenarios del mundo lírico. Vocacional y entregada, despliega los matices necesarios para emocionar a través de mujeres que viven el drama de maneras muy diferentes. La segunda, afianza una carrera que comienza y en la que su voz brillante, ligera y llena de color ha regalado a este escenario personajes como la soñadora Fiorilla de Il turco in Italia o Dircé, en Medea.
La Temporada 22/23 del Teatro Real ha dejado también las memorables actuaciones del bajo-barítono Martin Winkler -con su irrepetible encarnación de Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich- y del barítono Leigh Melrose – por la encarnación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams-, ambos reconocidos como grandes cantantes, pero también como extraordinarios actores.
La Gala contará con la actuación del pianista Javier Perianes, para interpretar la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.
Perianes es Premio Nacional de Música 2012, Artista del Año 2019 de los International Classical Music Awards (ICMA) y Medalla de Honor del Festival de Granada, entre otros reconocimientos.
Flamenco Real se transforma en una vereda de emociones por la que el bailaor Marco Flores camina, se detiene, disfruta o encoje el alma al ritmo de los palos del flamenco que descubre la guitarra y, entre la verdad de su herencia cultural, nos invita a Un paseo por el Real.
Recién cumplidos sus veinticinco años sobre las tablas, reconocido como uno de los valores más sólidos de su generación y en plenitud creativa, Marco Flores ofrece en este espectáculo una muestra de baile a través del flamenco puro, jondo, pero también del más alegre, de los cantes de trilla e incluso del cuplé. Un paseo por las emociones que relatan los cantes y que su cuerpo transforma.
La cita tendrá lugar los días 22, 23 y 24 de mayo, a las 20.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, acompañado por la guitarra de José Tomás (Premio de Guitarra Solista en el X Certamen de Jóvenes Flamencos de Córdoba en 2012 y Premio Bordón Minero del Festival Internacional del Cante de las Minas en 2014) y el cante de Manuel de la Nina.
Marco Flores nace en 1981 en Arcos de la Frontera, Cádiz. Allí surge su pasión por el baile flamenco y comienza a formarse, primero de forma autodidacta y luego en cursos intensivos con Antonio Canales y Javier Latorre. Con 18 años empieza a trabajar en tablaos, lo que le permitió consolidar su aprendizaje antes de pasar a formar parte de las compañías de Sara Baras, primero, y de Rafaela Carrasco, después.
A partir de 2003, inicia su andadura como codirector y coproductor de sus propios espectáculos junto a Manuel Liñán (Dos en Compañía), Manuel y Olga Pericet (En sus 13, En clave) o Olga y Daniel Doña (Chanta la muí, Complot, Recital).
En 2010 crea su propia compañía y estrena su primer espectáculo, DeFlamencas, en el Gran Teatro de Córdoba, logrando el Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. Después vendrían Tránsito, Laberíntica, Paso a Dos, Entrar al Juego y Fase Alterna. En 2018 estrena su primera pieza para espacios no convencionales, Extracto Abierto, y, poco después, su primer solo, al que denomina Extrema, que se exhibirá en distintos teatros y festivales de Asia y Europa.
En 2007 consigue el Premio Absoluto del Baile del Concurso Nacional de Arte Flamenco, al hacerse con las categorías Premio Carmen Amaya, Premio Antonio Gades y Premio Mario Maya. Entre otros galardones posee también el Premio al Mejor Bailaor de la Revista Deflamenco, Premio al Mejor Bailaor de Flamenco de la Crítica Especializada, Premio de la Crítica del Festival de Jerez al Mejor Espectáculo por DeFlamencas, Medalla de Oro del Festival Flamenco de la Virgen de las Nieves (Arcos de la Frontera), el Premio Ojo Crítico de Danza y el Premio Max al mejor Intérprete de Danza.
Entre los días 13 y 19 de mayo el Teatro Real ofrecerá 4 funciones de una nueva producción de Tenorio, ópera de cámara de Tomás Marco (1942) estrenada en versión de concierto en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial en 2017 y que tendrá finalmente su estreno escénico absoluto.
Tenorio, compuesta entre 2008 y 2009, es la séptima ópera de Tomás Marco dentro de su prolífico catálogo creativo, que incluye 10 sinfonías, 1 ballet, 1 zarzuela, un gran número de partituras de música de cámara para distintas formaciones, música vocal e incidental.
Encargada por el Estío Musical Burgalés en 2010, la partitura fue víctima de la crisis económica que hizo desaparecer el Festival dirigido por Rafael Frühbeck de Burgos, impidiendo entonces su estreno, que solo tendría lugar 7 años más tarde, en versión de concierto, en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial.
La ópera, compuesta por siete escenas y cinco intermedios instrumentales, enmarcados por un preludio, un prólogo y un epílogo, es un viaje por el mito de Don Juan guiado por el drama romántico de José Zorrilla (1817-1893), con libreto del compositor, que incluye también textos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo Da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo, siempre en verso y con una música que evoca tiempos pasados, recogiendo formas, armonías, o estructuras del teatro musical renacentista y barroco, que impregnan la partitura sin alejarla del lenguaje musical del siglo XXI.
En relación con el elenco, el número de cantantes puede variar, ya que un cantante puede interpretar uno o más personajes dependiendo de las propuestas dramatúrgicas. Los papeles de Doña Inés, Doña Ana y Lucía pueden ser interpretados por una, dos o tres sopranos; igualmente, los personajes de La Narración y Don Luis Mejía pueden ser encarnados por uno o dos tenores. Solo el rol de Tenorio, para barítono, está concebido para un solista único.
Paradójicamente, hay personajes individuales que son cantados por un pequeño grupo de cantantes, denominado en la partitura como Madrigal, emulando a los conjuntos vocales del Renacimiento y del Barroco. Este pequeño coro muy compacto -que en la producción está conformado por jóvenes formados en el proyecto Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real- comenta la acción, pero también da voz a personajes como Ciutti, el Comendador o Brígida.
Tomás Marco evoca la poderosa fuerza centrípeta -sexual y sensual- de Don Juan, en un entrelazado de personajes mayores y menores que gravitan a su alrededor, como un gran fresco que propicia el uso de distintas texturas sonoras en un continuum vocal e instrumental circular.
La puesta en escena de la Agrupación Señor Serrano indaga precisamente sobre el arquetipo de este depredador sexual en la actualidad, en una propuesta dramatúrgica de Clara Serra, filósofa e investigadora en el ámbito de cuestiones de género, sexualidad y feminismo.
Àlex Serrano y Pau Palacios trasladan la ópera a un set de rodaje, en el que los protagonistas de la “película Tenorio” tienen su propia vida fuera de ella, creando un juego de personajes dobles con dos mundos que se van fundiendo y confundiendo a lo largo de la obra.
La escenografía e iluminación diseñada por CUBE.BZ, transforman el escenario en el plató y backstage del rodaje -camerinos, zona de cáterin, rincón de maquillaje, sala de vestuario, etc.-, con distintos espacios concebidos como instalaciones o pequeños bodegones conceptuales que reflejan el perfil psicológico y el desdoblamiento de los personajes.
La dirección musical es de Santiago Serrate, gran conocedor de la partitura, que ya dirigió el estreno y la grabación discográfica de la obra. Estará al frente de los seis solistas de la ópera –Joan Martín-Royo (Tenorio), Juan Francisco Gatell (Don Luis), Adriana González (Doña Inés), Juan Antonio Sanabria (La Narración), Lucía Caihuela (Doña Ana), Sandra Ferrández (Lucía)-, de la Orquesta Titular del Teatro Real y de un grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo.
Tenorio, como todas las óperas, nació como una obra musical y dramatúrgica que sólo adquiere su verdadera dimensión presentada en versión escénica y teatral. Después de las vicisitudes de su partitura, cuyo estreno fue afectado por la crisis económica de 2010 y, posteriormente, por las consecuencias de la pandemia, la obra de Tomás Marco podrá finalmente renacer en el Teatro Real en toda su plenitud, con nuevas miradas, reflexiones y preguntas sobre el inagotable mito de Don Juan.
FICHA ARTÍSTICA
TENORIO
Ópera de cámara
Música y libreto de Tomás Marco (1942), basado en Don Juan Tenorio de José Zorrilla, con añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo.
Estrenada en versión concierto en el Festival de Verano del Teatro-Auditorio de San Lorenzo de El Escorial en 2017.
Estreno absoluto en versión escénica
Nueva producción del Teatro Real
Dirección musical: Santiago Serrate
Dirección de escena: Àlex Serrano, Pau Palacios (Agrupación Señor Serrano)
Diseño de videoescena y realización: Xavier Gibert
Asistente de la dirección musical: Rubén Sánchez-Vieco
Asistentes de la dirección de escena: Cristina Cubells, Anna Llopart
Operadores de cámara: Bibiana Gispert, Marc Costa
Creación de vídeos digitales: Boris Ramírez
Solistas
La Narración: Juan Antonio Sanabria
Tenorio: Joan Martín-Royo
Doña Inés: Adriana González
Don Luis: Juan Francisco Gatell
Doña Ana: Lucía Caihuela
Lucía: Sandra Ferrández
Madrigal
Comendador: Alejandro von Büren, Gonzalo Ruiz Domínguez, Enrique Torres
Brígida: Inés Lorans, Miriam Silva, Aida Gimeno
Ciutti: Pablo Puértolas, Eduardo Pomares, Manuel de Filera
Hostelera: Ana Molina García, Paola Leguizamon, Yeraldin León
Actores
Asistentes de rodaje: Raquel Villarejo, Joseba Priego
Actores: Victoria Lucena, Roberto Lua
Orquesta Titular del Teatro Real
Grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo
de la Fundación Amigos del Teatro Real preparado por Santiago Serrate y Rubén Sánchez-Vieco.
Duración aproximada 1 hora y 40 minutos
Fechas 13, 15, 17, 19 de mayo a las 19:30 horas
El Real Teatro de Retiro acoge por primera vez en sus tablas la danza española y el flamenco con Flamenco emergente. Del 9 al 19 de mayo, a las 19h y a las 20h, el público podrá ver los mejores artistas de la edición 2023 del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid.
Dirigido por Margaret Jova, el Certamen es una plataforma de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas que representan los diferentes estilos que felizmente coexisten dentro de la Danza Española y que se celebra anualmente desde 1992. Con más de treinta años de trayectoria se ha convertido en uno de los certámenes flamencos más relevantes en el panorama internacional y es cuna de varias generaciones de artistas de primer nivel.
En Flamenco emergente se ofrecerán las piezas ganadoras de la edición número 32 gracias a dos programas dobles. El primero de ellos está programado para los días 9 y 10 de mayo, a las 20 horas, y el 11 y 12 de mayo, a las 19 horas y estará compuesto por las obras: Número oculto, creación de Marta Gálvez, bailarina sobresaliente en danza española, acompañada por la guitarra de Claudio Villanueva, el cante de David Vázquez y las palmas de Juan Carlos Avecilla, y Lo que pasa mientras nos encontramos, un bellísimo dúo de David Acero Delgado, ganador del Primer Premio del Certamen, interpretado por la bailarina Elisabet Romagosa Xufré y el bailarín Sergio R. Suárez.
El segundo programa tendrá lugar los días 16 y 17 de mayo, a las 20 horas y el 18 y 19 de mayo, a las 19 horas, e incluirá las piezas Duelo, de Sara Pérez, Primer premio en la categoría Coreografía de Solo, interpretada por ella misma en una actuación en la que estará acompañada por el cantaor David Vázquez, y Entre nosotras, creación Christian Rubio para cuatro bailarinas, merecedor del Segundo Premio de Coreografía, al que darán vida en escena las bailarinas Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas.
La cita con la danza española y el flamenco tendrá continuidad en la próxima temporada del Real Teatro de Retiro, trayendo en junio de 2025 lo mejor del Certamen en su edición 33.
Danza Española y Flamenco
FLAMENCO EMERGENTE
PROGRAMA DOBLE días 9, 10 de mayo a las 20h y 11 y 12 de mayo a las 19h.
Número oculto, de Marta Gálvez
Bailarina sobresaliente en danza española
Compositor: Claudio Villanueva
Bailarina: Marta Gálvez
Guitarra: Claudio Villanueva
Cante: David Vázquez
Palmas: Juan Carlos Avecilla
Lo que pasa mientras nos encontramos, de David Acero Delgado
1º Premio de Coreografía
Compositores: Andrea Falconieri, Giovanni Sollima y Víctor Guadiana
Bailarina: Elisabet Romagosa Xufré
Bailarín: Sergio R. Suárez
PROGRAMA DOBLE días 16, 17 a las 20h y 18 y 19 de mayo a las 19h.
Duelo, de Sara Pérez
1º Premio a una Coreografía de Solo
Bailarina: Sara Pérez
Dirección: Mariana Collado
Composición: Jaime González
Cantaor: David Vázquez
Entre nosotras, de Christian Rubio
2º Premio de Coreografía
Compositores: Wim Mertens y José Almarcha
Bailarinas: Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas
La Fundación Princesa de Girona, Art House Academy y el Teatro Real se han unido para promover el bienestar emocional y una mejor salud mental entre los jóvenes con el concierto EmociónArte, un evento único dirigido a centros educativos de secundaria que ha congregado a más de 1.200 jóvenes en el teatro lírico de Madrid bajo la presidencia de S.M. la Reina Letizia.
Al acto han asistido también Ángel Víctor Torres Pérez, ministro de Política Territorial y Memoria Democrática; Carmen Calvo, presidenta del Consejo de Estado; Ignacio García-Belenguer, director General del Teatro Real; Francisco Belil, presidente de la Fundación Princesa de Girona; Salvador Tasqué; director general de la Fundación Princesa de Girona; y Pablo Fernández, CEO de TRIVU, entre otras autoridades y patronos de la entidad.
El concierto, conducido por Andrés Salado, Premio Princesa de Girona Arte 2016 y director de orquesta, ha contado con la actuación del músico y compositor Alfred García como artista invitado, junto a jóvenes artistas procedentes de los programas AmplificARTE y Generación Arte, de la Fundación Princesa de Girona, y Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, uniendo sobre su escenario lírica y pop en un encuentro único en el que, con diferentes estilos, a través de la música, han reafirmado su compromiso para difundir los mensajes y valores con los que quieren transformar el mundo.
Durante el evento, que ha contado también con la presencia de cantantes como Blas Cantó, María Carrasco, Luis Cepeda, y Cris B se ha estrenado en exclusiva el nuevo himno de Generación arte, La vida es hoy, interpretado por todos los artistas que forman parte de este programa. (ver videoclip himno)
Tras el concierto, S.M la Reina se ha reunido con los estudiantes, de entre 12 y 18 años, procedentes de distintos colegios de Madrid, Aragón, Castilla y León y Andalucía, con quienes ha conversado sobre sus intereses musicales y la experiencia educativa vivida en el Teatro Real.
En la edición de este año, antes de llegar a Madrid, el Tour del Talento ha estado presente en Lleida, Salamanca, Cádiz y Santander, ciudades en las que ha ofrecido diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real ha estado presente con la actuación de cantantes del programa Crescendo en los conciertos ofrecidos en su Carroza.
Entre el 6 y el 9 de mayo tendrán lugar en Madrid los encuentros y actividades que pondrán fin al Tour de este año. La agenda de actividades, que ha comenzado con este concierto en el Teatro Real, incluye el anuncio de los ganadores del Premio Internacional «CreaEmpresa e Investigación», que se entrega este año por primera vez y está dirigido a jóvenes latinoamericanos que hayan destacado por su trabajo y sus méritos en el ámbito del emprendimiento y la empresa, y de la investigación de manera extraordinaria y ejemplar.
AmplificARTE es un proyecto educativo que utiliza la música como disciplina transversal y herramienta para trabajar el desarrollo personal y el bienestar emocional de los jóvenes, a la par que promueve la cultura musical en los centros educativos, entidades sociales y otros espacios. Impulsado por la Fundación Princesa de Girona y Art House Academy, creada por el productor, pianista y compositor Julio Reyes Copello.
Generación Arte está dirigido a artistas emergentes con el propósito y compromiso de fomentar la educación emocional a través de la música. Este formato ofrece a los seleccionados más de 30 horas de formación en habilidades clave para impulsar su desarrollo profesional, encuentros con reconocidos artistas y expertos de la industria de la música, la oportunidad de participar en conciertos educativos y convertirse en la cantera de talento musical de AmplificARTE.
Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.
El Real Teatro de Retirose adentra en el mundo mágico de Peter Pan, donde los sueños pueden hacerse realidad, con una nueva versión del cuento clásico de J. M. Barrie a través de la ensoñadora producción de La Joven compañía, Peter y Wendy, rumbo a Nunca Jamás, de la que se ofrecerán dieciséis funciones entre el 2 y el 19 de mayo, a las 17:00 y a las 20:00 horas.
La historia de Wendy, Peter Pan, Garfio y los niños perdidos ha formado parte del imaginario popular desde hace más de un siglo. Nació en teatro, para después ser libro e inspirar incontables películas, series, novelas, ficciones sonoras… En el Real Teatro de Retiro, diez artistas en escena dan vida a una historia que ha emocionado a generaciones enteras con estas aventuras.
El autor, Nando López, escribe esta nueva adaptación y afirma que “pocos títulos me han obsesionado tanto como Peter Pan a lo largo de mi vida. Desde que siendo niño descubrí su historia no ha habido una sola etapa en la que no me haya sentido tentado a seguir sus huellas en busca de ese Nunca Jamás al que nunca acabamos de llegar y donde, sin embargo, hemos estado siempre”.
Porque ese Nunca Jamás es el lugar en el que habitan nuestros sueños, nuestros anhelos y, entre relojes y cocodrilos, también nuestros temores, una isla de ubicación atemporal—«la segunda a la derecha y luego todo recto hasta la mañana»—que cada cual construye de acuerdo con sus propios miedos y deseos, convirtiéndose así en un necesario refugio cuando la vida adulta amenaza con dejarnos sin fuerzas o, peor aún, con obligarnos a confundir el hecho de sumar años con la resignación.»
El espectáculo es fruto de una coproducción de LaJoven/Fundación Teatro Joven y el Circo Price, teatro en el que se estrenó la temporada pasada con una estupenda acogida del público y en el que la crítica destacó: «Una renovada versión de un clásico que ha cautivado a generaciones enteras, y que promete transportarnos a un mundo de fantasía y magia», «Una oportunidad única de disfrutar del teatro en su máxima expresión» o “Peter y Wendy rumbo a nunca jamás aúna talento a raudales y remueve emociones.»
LaJoven celebra su décimo aniversario en esta temporada y acaba de ser galardonada con el Premio Talía 2024 a Mejor Labor de Compañía por su trayectoria comprometida con la juventud y la educación a través del teatro. Un reconocimiento que se suma a otros galardones como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014.
PETER Y WENDY RUMBO A NUNCA JAMÁS
Texto de Nando López, basado en Peter and Wendy, de J. M. Barrie
Coproducción de LaJoven / Fundación Teatro Joven y Teatro Circo Price
EQUIPO ARTÍSTICO
Dramaturgia Nando López
Dirección José Luis Arellano García
Música Alberto Granados Reguilón
Escenografía Silvia de Marta
Iluminación Juan Gómez-Cornejo
Vestuario Guadalupe Valero
Asesoría de circo Isa Belui
REPARTO
Peter Pan Víctor de la Fuente
Wendy Lucía Nin Ott
Mrs. Darling / Hook /Wendy adulta Mabel del Pozo (2, 9, 10, 16 y 17 de mayo)
Antonia Paso (3, 4, 5, 11, 12, 18 y 19 de mayo)
Nana / Smee / Slightly Jesús Irimia
Campanilla / Nibs / Sirena / Pirata Isa Belui
John Eneko Larrazabal
Michael Clara Bernet
Sombra de Peter / Tootles /Sirena / Pirata Daniel Esteban
Curly / Sirena / Pirata Gustavo Vidal
Tiger Lily Laura Forero
FECHAS
2, 3, 4, 5, 11, 12, 18, 19 de mayo de 2024
17:00 y 20:00 h
Edad recomendada a partir de 10 añ
El próximo jueves 25 de abril el ciclo Voces de Real reunirá en el escenario del Teatro Real a dos estrellas de la lírica del momento, dos cantantes cuya expresión, delicadeza y virtuosismo deslumbran en los escenarios más importantes del mundo con sus actuaciones individuales y que ahora entrelazan sus voces en un concierto único, ellas son las sopranos Nadine Sierra y Pretty Yende.
La velada, que contará con dirección musical de Pablo Mielgo al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, ofrecerá un programa dividido en dos partes; la primera, protagonizada por personajes dramáticos del Romanticismo italiano y francés- Amina, en La sonnambula; Norma y Adalgisa, en Norma; Violeta, en La traviata; Olympia, de Los cuentos de Hoffmann, o Juliette, de Roméo et Juliette, – pura exhibición belcantista, que exige al intérprete voz y técnica extraordinarias, además de una gran sensibilidad para dotar de sentimiento un canto casi pirotécnico.
En un claro guiño al público de Madrid, y a la audiencia española, la segunda parte del programa transitará por la zarzuela –El barbero de Sevilla, La tempranica-, el bolero, la opereta y el musical, igualmente exigentes para las cantantes, pero menos introspectivas, más ligeras, alegres y encaminadas a finalizar este encuentro con buen humor.
Galardonada con el Premio Richard Tucker 2017 y el Premio Beverly Sills de The Metropolitan Opera de Nueva York en 2018, la soprano estadounidense Nadine Sierra, nacida en Florida, ha sido también la ganadora más joven hasta la fecha tanto del Concurso Vocal de la Fundación Marilyn Horne como de las Audiciones del Consejo Nacional de Met. Su belleza vocal, su impecable técnica y su gran musicalidad la han convertido en una de las artistas más reclamadas en los principales escenarios de ópera de Europa y los Estados Unidos. La pasada temporada hizo su primera aparición en el Teatro Real, donde debutó el rol de Amina en La sonnambula, en una producción dirigida en la escena por Bárbara Lluch y en la parte musical por Maurizio Benini.
Desde su debut profesional en la ópera en el Teatro Nacional de Letonia en Riga, como Micaela en Carmen, la sudafricana Pretty Yende ha actuado en casi todos los grandes teatros del mundo, como la Royal Opera House londinense, la Ópera Nacional de París, la Metropolitan Opera de Nueva York o el Teatro alla Scala de Milán. Su carrera se ha desarrollado con una rapidez sin precedentes. Graduada en la Young Artists Accademia del Teatro alla Scala, Yende ha sido la primera artista en la historia del Concurso Belvedere en ganar el primer premio en todas las categorías en 2010 y, al año siguiente, se hizo con el Primer Premio en el Concurso Operalia en 2011. Entre otros galardones, el Gobierno sudafricano le concedió la Orden de Ikhamanga de Plata por sus excelentes logros y su reconocimiento internacional en el mundo de la ópera y por servir de modelo a jóvenes músicos aspirantes. Así mismo, ha recibido la Orden Stella de Italia y posee la Orden de las Artes y las Letras de Francia.
En la próxima Temporada del Teatro Real 2024/2025, Pretty Yende interpretará el rol de Ismene en Mitridate, re di Ponto (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791), los meses de marzo y abril, y Nadine Sierra encarnará el papel protagonista de La Traviata (Giuseppe Verdi, 1813-1883) en los meses de junio y julio.
Entre el 24 de abril y el 25 de mayo el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de una nueva coproducción de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813–1883), que unirá a dos directores muy queridos del público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)– que se enfrenta ahora a su “primer Wagner” en una monumental producción con 135 artistas sobre el escenario.
Los maestros cantores de Núremberg, estrenada en el Teatro de la Corte de Múnich el 21 de junio de 1868, es una obra singular en la producción de Wagner y el décimo título de su catálogo operístico. La trama transcurre en un espacio y un tiempo muy concretos: la ciudad de Núremberg, durante una sola jornada –la noche y el día de San Juan– en el siglo XVI, coincidiendo con la vida real del poeta, músico y zapatero Hans Sachs (1494-1576), convertido en protagonista de la partitura y cuya estatua preside hoy la plaza que lleva su nombre en la ciudad.
Los protagonistas de la ópera son miembros de un gremio de artesanos burgueses que compaginan sus oficios con el arte de crear canciones bajo reglas muy estrictas y minuciosas. La llegada de un forastero que, por amor, intenta participar en uno de sus severos concursos de canto con una arrebatadora e inspirada canción fuera de todos los cánones establecidos, genera entre los Maestros cantores un encendido debate estético y filosófico entre lo transgresor y lo normativo en la creación artística, que va creciendo en complejidad a lo largo de toda la ópera, evocando las grandes corrientes de pensamiento del Romanticismo centroeuropeo.
Wagner, autor también del libreto concebido a través de un sesudo trabajo de documentación sobre el universo gremial de los maestros cantores en Núremberg, da alas a sus reflexiones filosóficas enfrentando a los partidarios de la tradición reglada e inamovible representados por Sixtus Beckmesser –caricaturizado sin piedad– y los defensores de la libertad creativa del artista, encarnada por el joven Walther von Stolzing. Entre ambos, la figura conciliadora y abnegada de Hans Sachs, que aboga por un arte libre y sincero, inspirado en la tradición y la cultura del pueblo alemán. Su monólogo final, apropiado y distorsionado por el régimen nazi, propició un enfoque siniestro de la ópera, lejos de su defensa del arte como fundamento de la convivencia y la armonía de un pueblo.
La portentosa música de Wagner recrea el ambiente de Núremberg con un riquísimo lenguaje formal y armónico que potencia el perfil de los personajes, situaciones dramatúrgicas y discursos de los protagonistas, articulando con pericia y fluidez los corales religiosos luteranos, marchas, canciones de trabajo, melodías populares, bailes y evocaciones del mundo sonoro de la ciudad. La brillante orquestación, muy articulada a la trama y sin los vuelos armónicos de sus óperas anteriores, critica, parodia, se mofa y se divierte con los personajes.
El director de escena Laurent Pelly potencia, precisamente, el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Núremberg, que emerge en un universo quimérico y poético que refleja el pensamiento, los anhelos y los conflictos de los protagonistas.
La ópera se desarrolla en un mundo devastado e inestable –con escenografía de Caroline Ginet e iluminación de Urs Schönebaum– en el cual los hombres sobreviven gracias a su herencia cultural y artística y a la memoria de su ciudad protectora. Los personajes se mueven en un espacio simbólico de casas de cartón apiñadas como los retazos de una vida estructurada que se tambalea y se derrumba, abriéndose a un nuevo mundo más libre y verdadero a través de la sublimación del arte.
La ópera será dirigida por Pablo Heras–Casado, cada vez más vinculado al repertorio wagneriano. Después de haber inaugurado, con gran éxito, la pasada edición del Festival de Bayreuth, con Parsifal (que volverá a interpretar este año), va a dirigir una nueva producción de El anillo del nibelungo, junto a Calixto Bieito, en la Ópera de París. En el Teatro Real interpretará su sexto título de Wagner después de El holandés errante (2017) y la Tetralogía –El oro del Rin (2019), La valquiria (2020), Siegfried (2021) y El ocaso de los dioses (2022)–.
Un impresionante reparto de excelentes cantantes-actores dará voz a los peculiares personajes de Los maestros cantores, encabezados por Gerald Finley (Hans Sachs), Leigh Melrose (Sixtus Beckmesser), TomislavMužek (Walther von Stolzing), Jongmin Park (Veit Pogner), Nicole Chevalier (Eva), Sebastian Kohlhepp (David) y Anna Lapkovskaja (Magdalene).
Junto a ellos, el Coro Titular del Teatro Real, con 112 cantantes preparados por José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con una plantilla de 95 músicos, interpretarán esta nueva gran producción, en la que Laurent Pelly, junto a Jean-Jacques Delmotte, se ocupa también de los más de 300 trajes que utilizarán los intérpretes en escena.
Los maestros cantores volverán al Teatro Real después 23 años, ya que desde su reapertura se han ofrecido solamente tres funciones de esta ópera, en junio de 2001, con el Coro y Orquesta de la Staatsoper de Berlín, bajo la dirección de Daniel Barenboim. Será, seguramente, una nueva mirada sobre esta ópera tan singular, con una dialéctica filosófica retórica y profunda, pero también paródica y grotesca.
El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 13 de abril, el estreno absoluto de Va de Bach, nueva creación de la compañía Aracaladanza en la que, a través de la música de Johann Sebastian Bach, exploran y deconstruyen los límites del escenario con nuevas coreografías que buscan acercar la danza contemporánea a nuevos espectadores.
Así, la compañía quiere liberar la imaginación de un público de todas las edades –recomendado a partir de cuatro años- para disfrutar sin prejuicios ni normas de la música de un compositor cuya obra definen como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación”.
Basado en la idea original de Enrique Cabrera, director, coreógrafo y fundador de Aracaladanza, Va de Bachtoma forma a través de un gorila triste, una mano gigante y cinco bailarines de la compañía: Carolina Arija, Jonatan de Luis, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Lydia Martínez, intérpretes y creadores coreográficos, y la participación de la actriz Carla Maró. Juntos construyen un espectáculo sin estructura argumental o narrativa convencional en el que no buscan coreografiar su música (con variaciones y versiones), si no bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos.
El compositor español Luis Miguel Cobo ha sido el encargado de la “reconstrucción” y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función para dotarlas del carácter necesario para cada momento y movimiento. Se escucharán son fragmentos de Badinerie, Suite orquestal Nº2, BWV 1067; el Preludio Nº2 en Do menor de El clave bien temperado, BWV 847; el Aria “Ja, tausendmal tausend begleiten den Wagen” de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43y el Concierto de Brandenburgo Nº3 BWV 1048.
Completan el equipo la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, el diseñador de iluminación Pedro Yagüe, el video creador Álvaro Luna, los responsables de vestuario Gabriel Besa y Pilar López Jurado, yel realizador de atrezzo y marionetista Ricardo Vergne.
Con mucha curiosidad e imaginación, Aracalandaza se pregunta: ¿y si el telón de fondo es rojo terciopelo? ¿Y el suelo, dorado?
¿Y si armamos una mano gigante como la que podría tocar un órgano gigante?
¿Y si hay pianos diminutos? ¿Y si unos globos acaban cantando? ¿Y qué pasaría si llegaran a pincharse?
¿Y si bailamos un malambo colectivo a ritmo de Bach?
¿Y si unas presuntas pelucas barrocas regalan metros de papel?
¿Y si nos volvemos locos, nos emocionamos y reímos con Bach, su música y su
universo?
Todas estas preguntas y muchas más, en Va de Bach. Y para todo lo demás, ¡Bach!
La compañía madrileña Aracaladanza, reconocida mundialmente como pionera y abanderada de un riguroso lenguaje escénico de alta calidad para público familiar e infantil, tiene experiencia en la re-construcción de universos de grandes artistas que han dejado huella en el imaginario universal. Aracaladanza ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, reiteradamente premiada en FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas) y ganadora de varios MAX. Sus espectáculos El Bosco (“Pequeños paraísos”), Magritte (“Nubes”), Miró (“Constelaciones”) y Leonardo (“Vuelos”) han inspirado espectáculos de gran formato que han sido disfrutados en los cinco continentes por miles de jóvenes espectadores.
En la próxima temporada se ofrecerán 19 títulos de ópera con 1 estreno absoluto, 6 nuevas coproducciones (3 de las cuales se estrenan en el Teatro Real), 10 títulos que nunca se presentaron en el Teatro Real, 2 producciones invitadas de otros teatros, 2 óperas en versión semiescenificada y 8 en versión de concierto.
La programación de danza tendrá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas y una producción de ópera coreografiada y se ofrecerán 15 conciertos.
Después de la actual temporada de ópera, con importantes estrenos del siglo XX, en la próxima se privilegiarán los dos siglos anteriores. Habrá 8 obras barrocas, 2 óperas de Mozart adscritas al clasicismo, 6 óperas del siglo XIX, 2 óperas del siglo XX y 1 del siglo XXI (más las 2 que se anunciarán en el futuro, en el Teatro Español y en Teatros del Canal).
El compositor más presente será Georg Friedrich Händel, con 4 títulos –Tamerlano, Alcina, Theodora y Jephtha-, uno de los cuales, la nueva coproducción de Theodora, traerá al Teatro Real por primera vez a la aclamada directora de escena británica Katie Mitchell. La dirección musical será de Ivor Bolton, profundo conocedor de Händel, que ya dirigió 3 óperas suyas en el Real –Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023)-. Conforman el reparto Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon y Callum Thorpe.
Dentro del repertorio barroco se presentarán 2 óperas francesas: el estreno en España de David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier -con el Ensemble Correspondances y Sébastien Daucé- yLas indias galantes, de Jean-Philippe Rameau, en una versión coreografiada por Bintou Dembélé, con dirección musical de Leonardo García Alarcón -que triunfó hace dos años con el L’Orfeo, de Claudio Monteverdi, en otra “versión operística bailada” dirigida por Sasha Waltz-.
También se estrena en EspañaL’uomo femmina, de Baldassare Galuppi -con Le Poème Harmonique y Vincent Dumestre- y se recupera una ópera española injustamente olvidada, La Merope, de Domènec Terradellas, que se escuchará por primera vez en el Teatro Real con una nueva edición de la partitura, que será interpretada por la Akademie für Alte Musik de Berlín, bajo la dirección de Francesco Corti.
Aún en el siglo XVIII, ya en el clasicismo, se ofrecerán 2 óperas de Wolfgang Amadeus Mozart protagonizadas por reyes y separadas entre sí por 11 años: Mitridate, re di Ponto, eIdomeneo, re di Cresta. La primera es una nueva producción que volverá a unir a Ivor Bolton y Claus Guth en una ópera de juventud de Mozart, después del éxito de ambos en Lucio Silla, en 2017; la segunda, una versión historicista semiescenificada dirigida por René Jacobs, con puesta en escena de Benoît de Leersnyder.
Del XIX se estrenará en el Real una nueva producción de MariaStuarda, de Gaetano Donizetti (que nunca se ha hecho en su escenario) con dos repartos estelares -Lisette Oropesa, Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi; y Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé, Airam Hernández…-, dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y puesta en escena de David McVicar.
De Giuseppe Verdi se presentarán tres títulos. Attila e I lombardi alla prima crociata, anclados todavía a los modelos de gran ópera decimonónica, y ambos con libretos de Temistocle Solera -empresario del Teatro Real a mediados del siglo XIX- serán interpretadas en versión de concierto por repartos verdianos de gran solvencia. Nicola Luisotti dirigirá Attila -con Christian Van Horn, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano y Artur Ruciński-, y Daniel Oren estará al frente de I lombardi allá prima crociata, encabezada por Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito e Iván Ayón Rivas.
La traviata llegará en la icónica producción de Willy Decker que estaba prevista para 2020 y que tuvo que posponerse por la pandemia. Un doble reparto de grandes solistas -Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Juan Diego Flórez, Iván Ayón Rivas, Luca Salsi, Artur Ruciński, Albert Casals…- actuará bajo la dirección de Henrik Nánási, que debutará en el Real.
Despidiendo el siglo XIX, dos óperas rusas basadas en obras de Aleksandr Pushkin, de quien se conmemora el 225º aniversario de su nacimiento. La nueva producción de Eugenio Oneguin de Piotr Ilich Chaikovski, con dirección de escena de Christof Loy, traerá de nuevo al Teatro a Gustavo Gimeno, después de su enorme éxito en El ángel de fuego, de Sergei Prokofiev, en 2022. El cuento del Zar Saltán, de Rimski-Kórsakov, se estrenará en el Real con una nueva producción concebida por Dmitri Tcherniakov -que retorna al Teatro después de 11 años- y dirección musical de Karel Marc Chichon.
Ya en los albores del siglo XX, la ópera verista Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea, será la que inaugure la temporada con la aplaudida producción de David McVicar y la infalible dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de dos repartos en que se alternan, en los papeles principales, Ermonela Jaho y Maria Agresta; Brian Jagde y Matthew Polenzani; Elina Garanča, Nicola Alaimo y Manel Esteve.
Un doble programa unirá La vida breve, de Manuel de Falla -título que reinauguró el Teatro Real en 1997- y el estreno absoluto de Tejas verdes, de Jesús Torres, a partir de la obra homónima del chileno Fermín Cabal y del Cancionero y romancero de ausencias, de Miguel Hernández. Jordi Francés, que dirigió el estreno de Tránsito, con gran éxito, en 2021, volverá a alumbrar una nueva partitura de este compositor.
Para dar vida a estos títulos, el Teatro Real ha invitado a directores, coros y orquestas de gran prestigio y los intérpretes más idóneos para cada obra, contando la excelencia de sus cuerpos estables, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. El primero, bajo la escrupulosa dirección de José Luis Basso; y la Orquesta, con el trabajo y dedicación de su director musical, IvorBolton, la maestría de su sucesor en el cargo (a partir de la próxima temporada) GustavoGimeno, y la asidua y entusiasta participación de NicolaLuisotti, director invitado del Teatro Real.
TEMPORADA DE ÓPERA
Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea | Producción invitada | Patrocina Fundación BBVA
Producción de la Royal Opera House, el Gran Teatre del Liceu, la Wiener Staatsoper, la Opèra national de Paris y la San Francisco Opera
DM: Nicola Luisotti DE: David McVicar. Reparto: Ermonela Jaho, Maria Agresta, Nicola Alaimo, Brian Jagde, Mathew Polenzani, Manel Esteve…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
23 septiembre – 11 octubre | 13 funciones | 2 repartos
David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier | Versión de concierto
DM: Sébastien Daucé. Reparto: Petr Nekoranec, Gwendoline Blondeel, Jean-Christophe Lanièce…
Ensemble Correspondances
27 septiembre | función única
Theodora, de Georg Friedrich Händel | Nueva producción del Teatro Real | Estreno en España de la versión escénica
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Opera House
DM: Ivor Bolton. DE: Katie Mitchell. Reparto: Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon, Callum Thorpe…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
11 – 23 noviembre| 7 funciones | 1 reparto
Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti | Nueva producción del Teatro Real | Estreno de la producción | Patrocina Fundación BBVA
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival – Bergamo y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas
DM: José Miguel Pérez-Sierra. DE: David McVicar. Reparto: Lisette Oropesa,Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi, Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé,Krzysztof Bączyk, Airam Hernández…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
14 – 30 diciembre| 10 funciones | 2 repartos
Alcina, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: Elsa Dreisig, Sandrine Piau, Emily d’Angelo, Nadezhda Karyazina, Alex Rosen, Stefan Sbonnik y Bruno de Sá.
Il Pomo d’Oro
15 diciembre | función única
Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski | Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Santander
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Den Norske Opera & Ballett y el Gran Teatre del Liceu
DM: Gustavo Gimeno, Kornilios Michailidis. DE: Christof Loy. Reparto: Iurii Samoilov, Kristina Mkhitaryan, Bogdan Volkov, Victoria Karkacheva, Maxim Kuzmin-Karavaev,Katarina Dalayman, Elena Zilio, Juan Sancho…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
22 enero – 18 febrero| 10 funciones | 1 reparto
Idomeneo, re di Cresta, de Wolfgang Amadeus Mozart | Versión de concierto semiescenificada
La vida breve, de Manuel de Falla / Tejas verdes, de Jesús Torres | Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, estreno absoluto de Tejas Verdes
DM: Jordi Francés. DE: Rafael R. Villalobos. Reparto La vida breve: Adriana González, Eduardo Aladrén, Ana Ibarra, Rubén Amoretti… Reparto de Tejas verdes: Natalia Labourdette, Maria Miró, Sandra Ferrández…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
13 – 22 febrero| 6 funciones | 1 reparto
La Merope, de Domènec Terradellas | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: EmőkeBaráth, Pia Francesca Vitale, Paul-Antoine Bénos-Djian, Valerio Contaldo, Sunhae Im, Margherita Maria Sala
Akademie für Alte Musik de Berlín
21 febrero | función única
Mitridate, re di Ponto, de Wolfgang Amadeus Mozart | Nueva producción del Teatro Real. Estreno de la producción | Patrocina Endesa
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Oper Frankfurt
DM: Ivor Bolton. DE: Claus Guth. Reparto: Juan Francisco Gatell, Siyabonga Maqungo, Sara Blanch, Ruth Iniesta, Elsa Dreisig, Vanessa Goikoetxea, Franco Fagioli, Tim Mead, Pretty Yende, Sabina Puértolas…
Orquesta Titular del Teatro Real
23 marzo – 9 abril| 10 funciones | 2 repartos
L’uomo femmina, de Baldassare Galuppi | Versión de concierto
DO: Vincent Dumestre. Reparto: Eva Zaïcik, Lucile Richardot, Victoire Bunel, Anas Séguin, Victor Sicard y Paco García
Le Poème Harmonique
3 abril | función única
El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov | Nueva producción del Teatro Real | Patrocinan Consejo de Amigos y Fundación Amigos del Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Théatre Royal de La Monnaie / de Munt
DM: Karel Mark Chichon. DE: Dmitri Tcherniakov. Reparto: Bogdan Volkov, Ante Jerkunica, Svetlana Aksenova, Stine Marie Fischer, Bernarda Bobro, Carole Wilson, Nina Minasyan…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
30 abril – 11 mayo| 7 funciones | 1 reparto
Jephtha, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: Michael Spyres y Joyce DiDonato.
Il Pomo d’Oro
1 mayo | función única
Attila, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto
DM: Nicola Luisotti. Reparto: Christian Van Horn, Artur Ruciński, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano, Moisés Marín e In Sung Sim.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
14 y 17 mayo | 2 funciones
Tamerlano, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: René Jacobs. Reparto: Paul-Antoine Bénos-Dijan, Thomas Walker, Polina Pastirchak, Alex Chance, Helena Rasker y Matthias Winckhler.
Freiburger Barockorchester
16 mayo | función única
Las indias galantes, de Jean-Philippe Rameau | Versión semiescénica y coreográfica | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real
DM: Leonardo García Alarcón. DE: Bintou Dembélé. Reparto: Julie Roset, Ana Quintans, Mathias Vidal, Andreas Wolf
Cappella Mediterranea, Choeur de Chambre de Namur, CIE RUALITÉ
28 mayo – 1 junio | 4 funciones
La traviata, de Giuseppe Verdi | Producción invitada | Patrocina Telefónica
Producción de la Dutch National Opera & Ballet
DM: Henrik Nánási, Francesc Prat. DE: Willy Decker. Reparto: Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Iván Ayón Rivas, Juan Diego Flórez, Luca Salsi, Artur Ruciński, Karina Demurova, Gemma Coma-Alabert, Albert Casals…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
24 junio – 23 julio| 18 funciones | 2 repartos
I lombardi alla prima crociata, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto
DM: Daniel Oren. Reparto: Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito,Iván Ayón Rivas, Miren Urbieta-Vega, David Lagares, Josep Fadó, Manuel Fuentes, y Mercedes Gancedo.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
6 y 9 julio | 2 funciones
PROGRAMACIÓN DE DANZA
El BALLET DE SAN FRANCISCO debutará en el Teatro Real con El lago de los cisnes de Piotr Illich Chaikovski, coreografía de Helgi Tomasson creada en 2009, cuando era director artístico de la compañía, y que pone el foco en el personaje de Odette y su pasado. El viaje del Ballet de San Francisco a Madrid es el primer tour internacional de la compañía desde que Tamara Rojo asumió su dirección.
La COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA, dirigida por Joaquín de Luz, presentará Don Quijote en el Teatro Real con coreografía de José Carlos Martínez -director del Ballet de l’Opéra de Paris- inspirada en las famosas versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski, a las que Martínez añade un matiz más poético al personaje de don Quijote en su búsqueda del amor ideal.
El BALLET ESTATAL DE VIENA traerá al Teatro Real dos coreografías: Concertante -música de Frank Martin y coreografía de Hans van Manen– explora la idea de que aunque se esté cerca de alguien, no se sabe jamás lo que el otro está pensando; y 4 creada por el director de la compañía, Martin Schläpfer, con música de Gustav Mahler y casi 70 bailarines en escena, muestra una humanidad llena de deseos, expuesta y desamparada.
PROGRAMACIÓN DE CONCIERTOS
El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por 6 conciertos líricos con orquesta protagonizados por algunas de las voces más representativas de la actualidad: Juan Diego Flórez, Ludovic Tézier, Sondra Radvanovsky, Piotr Beczała, Asmik Grigorian, Michael Volle, Gabriela Scherer,Sabine Devieilhe y Stéphane Degout.
Completan la oferta la Gala Puccini con Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, la Gala del Teatro Real, el Concierto delConcurso Tenor Viñas y los 6 conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA.
EL REAL JOVEN
El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas al público joven, tanto a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer, como a todos los jóvenes que descubren el Teatro Real por primera vez. (El Real Joven es un proyecto que incluye acciones con Amigos Jóvenes y Jóvenes no Amigos)
Los Jóvenes menores de 26 y los que tienen entre 26 y 35 años podrán beneficiarse de ventajas y descuentos en la compra de localidades: a través de la Butaca Joven, en venta preferente por 20 y 30 euros respectivamente, o de las localidades de Último Minuto, disponibles el mismo día de funciones seleccionadas de ópera, danza y Voces del Real, por 20 euros y 35 euros, según el tramo de edad.
Para los jóvenes prosiguen, dentro del Programa de Formación, los proyectos La universidad a escena, cursos y talleres diseñados para acercar la ópera a estudiantes universitarios a través del seguimiento activo de una producción operística en los diversos pasos y ámbitos del montaje; y ESÓpera, el concurso-taller organizado junto a la Comunidad de Madrid para estudiantes de 3º y 4º de ESO. Los ganadores del concurso reciben como premio la posibilidad de conocer el Teatro Real desde dentro, a través de una visita técnica, asistencia a ensayos y encuentros con profesionales de las artes escénicas.
PROGRAMA DE FORMACIÓN
El programa de formación consolida sus cursos y talleres presenciales con formatos y temas muy diversos destinados a estudiantes y al público general.
Merece una mención especial REALÍZAT-e, la plataforma audiovisual educativa del Teatro Real, que ofrece cursos online diseñados exclusivamente para ese soporte con profesores, profesionales de las artes escénicas y expertos de gran prestigio.
Para el programa La ópera al descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 5 talleres centrados en Theodora, Maria Stuarda, Mitridate, re di Ponto, El cuento del zar Saltán y La traviata.
En esta temporada se impartirán 4cursos de aproximación a la ópera: Las protagonistas de la ópera (por Rosa Fernández), Comprender a Donizetti:Maria Stuarda (por Mario Muñoz), Aprender a escuchar ópera (por Sofía Martínez) -exclusivo para Amigos del Teatro Real- y Ópera y literatura (por Irene de Juan).
Se ofrecerán 4 cursos de Historia de la ópera y de la danza –Historia de la ópera I (siglos XVII y XVIII), Historia de la ópera II (siglo XIX) e Historia de la ópera III (siglos XX y XXI)-, los tres impartidos por Gabriel Menéndez- y el curso Los ballets rusos de Diághilev, por Ana Abad.
Finalmente, habrá dos cursos sobre las profesiones de la ópera: Introducción a la dirección de escena (por Justin Way) y Regiduría de ópera (por Pepa Hernández).
REAL TEATRO DE RETIRO
La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se ofrecen desde hace más de un año en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades: 258 funciones en total, siendo 132 funciones familiares para todo público y 126 funciones escolares, incluyendo 18 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro!
Se ofrecerán dos óperas muy atractivas: la primera, una nueva producción de El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, con dirección musical de Miguel Huertas y dirección de escena de Alfonso Romero, enmarcada en el programa Opera Estudio del Teatro Real; y la segunda, una reposición de La cenicienta, de Pauline Viardot, que se presentó con gran éxito en la pasada temporada, con dirección musical de Francisco Soriano y dirección de escena de Guillermo Amaya. En ambas producciones participarán los cantantes y pianistas del proyecto Crescendo.
Los cuentos, tan sugerentes para el público infantil, serán presentados en distintos f
El próximo miércoles 27 de marzo podrá escucharse en el Teatro Real la versión original de la ópera Carmen, de Georges Bizet, tal y como la concibió el compositor en 1874, antes de que los responsables de la Ópera Cómica de París le exigieran los importantes cambios que configuraron la obra tal y como la conocemos hoy en día, y que él nunca llegó a escuchar.
Esta extraordinaria recuperación musical, que llega a nosotros en la edición crítica del musicólogo francés Paul Prevost, será interpretada, bajo la batuta de René Jacobs, por la B’Rock Orchestra y un elenco de lujo en el que destacan, en los papeles principales, la mezzosoprano Gaëlle Arquez (Carmen), el tenor François Rougier (Don José), la soprano Sabine Devieilhe (Micaela) y el barítono Thomas Dolié (Escamillo), entre otros. Junto a ellos, el Choeur de Chambre de Namur y los Pequeños Cantores de la ORCAM.
De las tres ediciones realizadas por Prevost – la del 1874, antes de que las exigencias externas modificaran su obra y su pensamiento; la de 1874-1875, tras los reajustes iniciales y las primeras representaciones, y la de 1875, publicada por Choudens poco antes de la muerte del compositor-, tras concienzudas investigaciones y análisis de los materiales existentes, René Jacobs se ha decantado por la primera de ellas, porque recoge el trabajo compositivo original de Bizet en su estado más puro, sin ninguna intervención externa, con una dramaturgia musical coherente y en la que se muestra como un maestro absoluto de las confrontaciones estilísticas entre personajes vulnerables, inofensivos, frívolos o violentos logrando un impresionante efecto teatral.
Georges Bizet había terminado completamente su partitura en el verano de 1874, sobre el libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, basado en la obra homónima de Prosper Mérimée. Al comenzar los ensayos sobre el escenario de la Opéra-Comique, empezaron también los problemas; con el coro, considerado demasiado numeroso y cuyos miembros protestaban sus partes tachándolas de ilegibles, por las exigencias de algunos de los solistas (especialmente de la protagonista), por los diálogos hablados sobre música, por la ausencia de escenas de baile y por las continuas injerencias de los directores del teatro. Bajo presión, el compositor accedió a todo.
Uno de los aspectos que más llaman la atención de esta recuperación es poder escuchar la famosa aria «L’Amour est enfant de bohème» antes de que los arreglos de Sebastien de Yradier, introducidos por exigencia de la mezzosoprano Célestine Galli-Marié –primera intérprete del mítico personaje- la transformasen en la famosa habanera que todos conocemos.
La idea original de la ópera es mucho menos hispanizante y la protagonista todavía no se presenta como una gitana. Es una mujer fuerte, frívola, con múltiples facetas y su carácter casi desafía al texto de Merimée. La obra es más una tragicomedia, con numerosas escenas ligeras, que un drama, y contiene parodias y alusiones que debieron encajarse mal en la época.
La versión de concierto que se escuchará en el Real es, en palabras de Jacobs “la reconstrucción de la ópera que Bizet nunca llegó a escuchar, pero con la que soñó”. Instrumentos de época con músicos especializados, un gran coro (adulto e infantil) y unas voces de primer nivel, todo lo necesario para extraer la enorme riqueza de colores que contiene la obra.
Fotografía (c) Philippe Matsas
José Luis Basso es director del Coro Titular del Teatro Real(Coro Intermezzo) desde el inicio de la presente temporada, habiendo sucedido a Andrés Máspero, que ostentó el mismo cargo desde 2010.
Desde el inicio de la temporada ha preparado el Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo) en todas las producciones y conciertos en los que ha intervenido: Medea de Luigi Cherubini, Luisa Fernanda de FedericoMoreno Torroba, Halka de Stanislaw Moniuszko, Rigoletto de Giuseppe Verdi, Lear de Aribert Reimann, La pasajera de Mieczyslaw Weinberg y el concierto Las tres reinas, protagonizado por Sondra Radvanovsky. En todas estas obras la crítica ha elogiado, unánimemente, las actuaciones del Coro y el público las ha premiado con sonoros aplausos.
Actualmente está preparando las intervenciones del Coro en Los maestros cantores de Núremberg (estreno el 24 de abril) y en la obra La fiesta de amor de los apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), que se presentará el 25 de mayo en un concierto protagonizado por Nina Stemme, íntegramente dedicado a Richard Wagner. Ambas obras necesitan de un gran número de cantantes, por lo que a la plantilla fija del coro se unirán los refuerzos necesarios.
En Los maestros cantores de Núremberg el coro contará con 112 voces: 27 sopranos, 21 mezzosopranos, 24 tenores, 28 barítonos-bajos y 12 aprendices.
JOSÉ LUIS BASSO
En su carrera, José Luis Basso ha abordado un repertorio muy amplio, alternando regularmente el concierto, el oratorio y la ópera. Ha sido director de los coros del Liceu y de la Ópera Nacional de París, y del Teatro di San Carlo de Nápoles, entre otros, y ha participado en los principales festivales líricos.
El director argentino, que se formó musicalmente en Buenos Aires, donde estudió piano, dirección coral y orquestal, inició su actividad como director de coro en el Teatro Argentino de La Plata, donde preparó producciones de ópera y conciertos sinfónico-corales.
En 1989 comenzó su labor en el Teatro Colón de Buenos Aires, dirigiendo también el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que, en 1990, Romano Gandolfi, el que fuera legendario director de la Scala de Milán, lo contrató como su asistente en el Liceu de Barcelona.
En 1994 fue nombrado director del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, dando un nuevo dinamismo a la formación, muy alabada en Lohengrin y en la Novena Sinfonía de Beethoven.
A partir de 1996 es convocado por el Maestro Zubin Mehta al Maggio Musicale Fiorentino, donde destaca especialmente en Parsifal, dirigido por Semyon Bychkov, y Turandot, bajo la batuta de Zubin Mehta. En 2000 fue galardonado por su trabajo en ese coliseo con el Premio Ina Assitalia Galileo.
Ha sido director del Coro y consultor artístico en el Gran Teatre del Liceu de 2004 a 2014, año en el que fue nombrado director del Coro de la Ópera National de París. En las siete temporadas siguientes, Basso obtuvo un gran éxito de público y crítica, especialmente con Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila, y Die Meistersinger von Nürnberg.
En 2021 comenzó a dirigir el Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, una labor reconocida el pasado mes de julio con el premio Caruso, que otorga la Asociación Maria Malibrán.
José Luis Basso participa regularmente en festivales españoles como el Internacional Castell de Peralada, el Internacional de Santander y el Internacional de Música y Danza de Granada. Ha grabado varias óperas y álbumes para Decca y Philips, entre ellas Turandot, La bohème, Aroldo y Tosca, y ha trabajado con los directores de orquesta más importantes de las últimas décadas. En 2003 recibió un Grammy Award junto al Coro del Maggio Musicale Fiorentino por el álbum Bel Canto de Renée Flemming.
CORO TITULAR DEL TEATRO REAL (CORO INTERMEZZO)
El Coro Intermezzo es el Coro Titular del Teatro Real desde septiembre de 2010, actualmente bajo la dirección de José Luis Basso. Ha cantado bajo la batuta de directores como Ivor Bolton (Jenůfa), Riccardo Muti (Requiem de Verdi), Simon Rattle (Sinfonía n.º 9 de Beethoven), Jesús López Cobos (Simon Boccanegra), Pedro Halffter (Cyrano de Bergerac), Titus Engel (Brokeback Mountain), Pablo Heras-Casado (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny), James Conlon (I vespri siciliani), Hartmut Haenchen (Lady Macbeth de Mtsensk), Sylvain Cambreling (Saint François d ’Assise), Teodor Currentzis (Macbeth), Lothar Koenigs (Moses und Aron), Semyon Bychkov (Parsifal), Michel Plasson (Roméo et Juliette), Plácido Domingo (Goyescas), Roberto Abbado (Norma), Evelino Pidó (I puritani), David Afkham (Bomarzo), Christophe Rousset (La clemenza di Tito) y Marco Armiliato (Madama Butterfly). Entre los directores de escena con los que ha actuado destacan Alex Ollé, Robert Carsen, Emilio Sagi, Alain Platel, Peter Sellars, Lluís Pasqual, Dmitri Tcherniakov, Pierre Audi, Krystof Warlikowski, David McVicar, Romeo Castelluci, Willy Decker, Barrie Kosky, Davide Livermore, Deborah Warner, Christof Loy, Michael Haneke y Bob Wilson. Ha participado en los estrenos mundiales de La página en blanco (Pilar Jurado), The Perfect American (Philip Glass), Brokeback Mountain (Charles Wuorinen) o El público (Mauricio Sotelo), y en espectáculos de danza como C(h)oeurs. Desde 2011 acredita la certificación de calidad ISO 9001. En 2018 fue nominado en la categoría de mejor coro en los International Opera Awards, donde fue premiada como mejor producción Billy Budd, con la participación del Coro Intermezzo, y cuyo DVD ha obtenido el Diapason d’Or.
El Real Teatro de Retiro ofrecerá, entre el 22 y el 31 de marzo, una propuesta que mira al pasado para descubrir a los más jóvenes de la casa los orígenes del cine y sus peculiares aventuras, la gestualidad de los actores, las escenas de malabarismos y persecuciones, el vestuario y la música como vehículo potenciador de las emociones en las mudas escenas del celuloide.
Con esta idea, Café Kino y Caspervek Ensemble recuperan dos divertidas cintas emblemáticas del cine mudo –El moderno Sherlock Holmes (1924), dirigida y protagonizada por Buster Keaton y Las aventuras del Príncipe Achmed, de la directora alemana Lotte Reiniger- acompañadas por una nueva banda sonora original, nacida de la composición de Brais González Pérez, interpretada en directo.
Los niños y jóvenes de hoy, acostumbrados al ritmo frenético del audiovisual, tendrán la oportunidad de formar parte de una experiencia única en la que su imaginación recreará diálogos, pensamientos, aportará detalles y dejará que su corazón brinque al ritmo rápido de la música cuando se sucedan las persecuciones y los equilibrios imposibles, se suspenda sobre los acordes de misterio o se acomode mecido por melodías románticas para escenas de amor.
Así, ambas proyecciones podrán verse en la Sala Principal del Real Teatro de Retiro los días:
Una de las más conocidas comedias de la época, que dirigió y protagonizó un portentoso Buster Keaton, y donde los gags visuales se repiten constantemente. En ella, Keaton, un proyeccionista que estudia para ser detective, se queda tan dormido en el trabajo que sueña estar dentro de la película que proyecta. Allí tendrá que salvar a su novia del malo.
Esta película del genio de la comedia slapstick –una forma de humor básico que utiliza la torpeza de sus actores, las caídas, los golpes, las bromas exageradas- muestra un Buster Keaton en plenitud de facultades acrobáticas, que traspasa la pantalla y arrastra al espectador.
23 y 30 de marzo a las 19.00 h; 24 y 31 de marzo a las 18.00h
Considerado el primer largometraje de animación de la historia, en él la directora de cine alemana Lotte Reiniger recrea una aventura mágica, basada en el rico tesoro de Las mil y una noches, a través de sombras chinescas y láminas de plomo. Reiniger fue una absoluta pionera del género y en esta cinta trabajó con más de 300.000 imágenes en movimiento, cuyo resultado es un film fantástico y encantador que obtuvo un éxito universal.
Ambas proyecciones contarán con la actuación en vivo de la Agrupación Caspervek con Blas Castañer Ibáñez, en la percusión; la flauta de Laura Lorenzo Rodríguez; Andrea González Pérez con el saxofón; el trombón de Óscar Presa Pellón y la trompa de Ainara González Gómez, todos ellos bajo la dirección musical del pianista y compositor Brais González Pérez.
Entre el 17 y el 28 de marzo el Teatro Real ofrecerá seis funciones de una nueva producción, con dirección de escena de Christof Loy, que enlaza dos óperas para soprano y orquesta –La voz humana (con libreto de Jean Cocteau y música de Francis Poulenc) y La espera (con libreto de Marie Pappenheim y música de Arnold Schönberg)– y un monólogo teatral, Silencio, creado expresamente para la ocasión por Rossy de Palma y Christof Loy.
Casi cincuenta años median entre la composición de La espera (1909), de Arnold Schönberg (1874-1951), y La voz humana (1958), de Francis Poulenc (1899-1963), dos obras protagonizadas por mujeres desquiciadas por el dolor punzante de una separación, el desamor, los celos y el miedo a la soledad… y al silencio.
En la nueva producción del Teatro Real las dos óperas se sucederán en orden inverso al de su creación: primero la tragédie lyrique de Poulenc y después el monodrame de Schönberg, ya que el director de escena Christof Loy propone un viaje del realismo de la primera al expresionismo de la segunda, situando ambos dramas en el mismo inmenso espacio doméstico hogareño, lo que refuerza la percepción de sus distintos lenguajes musicales y dramatúrgicos, articulados por el dolor corrosivo e inconsolable de una ruptura amorosa.
Desde su estreno en la Comédie Française en 1930,La voz humana, de Jean Cocteau (1889-1963), ha sido interpretada por grandes actrices, tanto en el teatro como en el cine, donde fue dirigida por Roberto Rossellini (con Ana Magnani), Ted Kotcheff (con Ingrid Bergman), Carlo Ponti (con Sofia Loren) o Pedro Almodóvar (con Tilda Swinton), entre otros. Pero fue sin duda la ópera de Poulenc la que mejor logró expresar el vertiginoso caleidoscopio de emociones que experimenta la protagonista en la última conversación telefónica que mantiene con su expareja, que se casará al día siguiente con otra mujer.
La música de Francis Poulenc logra acompañar, con una orquestación refinada y casi camerística, a la protagonista –y también a su silente interlocutor– en su intento desesperado de atar a su amante con el hilo que les unió –ahora débil como la línea telefónica llena de interferencias, interrupciones y silencios que los conecta– fingiendo, confesándose, recordando, divagando, chantajeando, seduciendo, gritando, llorando, con las frases entrecortadas con las que se va desnudando en su deriva hacia la muerte.
Si en La voz humana la protagonista mantiene la conexión con la realidad, pese al efecto turbador de las pastillas y a su angustia extrema, en La espera, la mujer abandonada pierde la razón en la tormentosa búsqueda del amor que la traicionó, hasta encontrar su cuerpo muerto. Su discurso confuso, entrecortado y delirante evoca ya un estado patológico, con ráfagas de locura y la emergencia de estados del consciente y del subconsciente en sintonía con las tendencias científicas, intelectuales y artísticas de la Viena de Sigmund Freud y Josef Breuer, tan cercanos a Arnold Schönberg.
De hecho, el libreto de Marie Pappenheim (1882-1966), entonces una joven poeta y brillante estudiante de medicina -más tarde feminista y autora de una de las primeras publicaciones en defensa del aborto-, parece inspirarse en los casos clínicos de enfermedades mentales, que transformó en materia literaria. Su libreto, escrito en tres semanas, fue transformado en música por ArnoldSchönberg, judío como ella, en apenas 17 días. Esta brevedad y emergencia en la creación de la obra puede haber beneficiado la intención del compositor, que buscaba una música fluida, atemática, atonal, libre de corsés formales y con un único y débil apoyo polifónico orquestal, que parece marcar el tiempo de acuerdo con su intención de “representar a cámara lenta todo lo que sucede durante un único segundo, estirándolo hasta media hora”.
La voz humana será protagonizada por Ermonela Jaho y La espera, por Malin Byström, ambas grandísimas cantantes que debutarán en sus exigentes papeles.
Como nexo entre ambas óperas, Rossy de Palma -que participa también en La voz humana– estrenará e interpretará el monólogo Silencio, con textos de Oscar Wilde, Bertolt Brecht y también suyos.
La dirección musical será de Jérémie Rhorer, que vuelve a dirigir a la Orquesta Titular del Teatro Real en dos partituras en las que la orquesta viaja a lo más profundo del alma y a nuestras emociones más extremas.
La producción, concebida por Christof Loy -que también firma la escenografía, junto a Guadalupe Holguera-cuenta con el vestuario de Barbara Drosihn, la iluminación de Fabrice Kebour y la entrega absoluta de tres grandes intérpretes sobre las que cae la fuerza avasalladora de estas obras que expresan, desde estéticas muy dispares, el terrible miedo al abandono, al vacío y al silencio.
TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL
Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro.
En 2024 Telefónica celebra su centenario. 100 años de anticipación y compromiso con la sociedad, facilitando herramientas para que podamos imaginar un futuro mejor.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
12 de marzo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Jérémie Rhorer (director musical de La voz humana / La espera), Christof Loy (director de escena), Luis Gago (traductor y crítico musical) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.
13 de marzo, a las 21.00 horas / 14 de marzo, a las 19.30 horas|Museo Nacional Thyssen-Bornemisza / Biblioteca Nacional de España
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Biblioteca Nacional de España ofrecerán, los próximos días 13 (21.00 h) y 14 (19.30 horas) de marzo, respectivamente, el tercer concierto del Ciclo. Los dos recitales estarán protagonizados por el reconocido cuarteto finlandés Meta4, con la participación de la soprano Tuuli Lindeberg. En el programa, común en ambas citas, se interpretará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schönberg, y la Suite lírica de Alban Berg.
17 de marzo a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico
¡Todos al Real Teatro!
Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.
Problemas de cobertura: una señora tiene dificultades para hablar por teléfono con su pareja.
Con la mezzosoprano Begoña Gómez y la pianista Belén Castillo.
24 de marzo, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Los Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement **
Costa: Hacia la luz
Poulenc: Sexteto para piano, flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa
Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
Weinberg: Trío con piano, op.24
**Estreno mundial
27 de marzo, a las 19.30 horas | Círculo de Bellas Artes
Cine – El amor
El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes proyectará El amor (L’amore), la gran película que Roberto Rossellini rodó con Ana Magnani en 1948, basada en su primera mitad en el mismo monólogo de Cocteau en el que está basada la ópera de Poulenc, y que para su segunda mitad contó con la colaboración de Federico Fellini en el guión y en la interpretación.
Entradas en la taquilla del cine y en este enlace.
Esta semana ha dado la comienzo la IV Edición de Crescendo, programa de desarrollo artístico y profesional para jóvenes promesas de la ópera, que se desarrollará hasta el próximo mes de mayo, promovido y organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real.
El jurado, compuesto por miembros del equipo artístico del Teatro Real, el Real Teatro de Retiro y Crescendo, ha seleccionado 18 jóvenes, entre los más de 100 que presentaron su solicitud, de los cuales hay 12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena, todos menores de 35 años, procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán.
A lo largo de estos tres meses participarán en talleres, en el Teatro Real y en el Real Teatro de Retiro, de interpretación, vocal coach, canto, encuentros con profesionales del Teatro Real de orientación sobre la creación de marca personal (redes sociales, relación con los medios de comunicación, atención a la audiencia, etc..), un taller de salud mental, asistencia a ensayos generales de las producciones del Teatro Real y, este año, disfrutarán de una sesión especial con la soprano Ermonela Jaho, que se encuentra estos días en el Teatro Real interpretando La voz humana, de Poulanc.
La información sobre estos jóvenes artistas, y los vídeos de sus audiciones, están disponibles en la página web de Crescendo para que el público pueda acceder a ellas y votar a su favorito. El elegido recibirá una masterclass extra a lo largo de estos tres meses.
Desde su creación en 2021, el programa Crescendo ha facilitado la participación de sus alumnos en proyectos profesionales del Teatro Real como las sesiones de Enfoques, la Carroza del Teatro Real y los espectáculos del Real Junior. Así, tras protagonizar la ópera La cenicienta que inauguraba el nuevo espacio del Real Teatro de Retiro en 2023, los participantes en la edición del pasado año han sido los protagonistas de los espectáculos El Barbero de Sevilla y Amahl y los visitantes nocturnos, de la actual temporada.
El salto al gran escenario del Teatro Real tendrá lugar el próximo mes de mayo, con el estreno de la ópera Tenorio (con música y libreto de Tomás Marco) en el que se podrá escuchar a un coro madrigal integrado, casi en su totalidad, por artistas procedentes de todas las ediciones de Crescendo.
La novedad de este año será la participación de un grupo de alumnos de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, cuyo proyecto consistirá en grabar y realizar un documental sobre la experiencia y el trabajo de los participantes en el programa, ofreciendo así una mirada joven sobre el desarrollo profesional de otros jóvenes. Esta actividad cuenta con la colaboración especial de Telefónica.
El arte por el arte, el baile por el baile, dejar que el sentimiento aflore en el vuelo de las manos o en el rugir de los pies sobre la madera del TABLAO, ese lugar natural del flamenco al que Farru rinde homenaje en su nuevo espectáculo para Flamenco Real mostrándose puro, racial, visceral, derramando el arte de generaciones que le caracteriza y que se podrá disfrutar los días 13, 14 y 15 de marzo a las 20.00 horas en el Salón de Baile del Teatro Real.
El tablao tiene su origen en el “café cantante”, locales de ocio muy populares en la España del siglo XIX donde se representaban espectáculos musicales, generalmente de noche, en los que el público bebía y disfrutaba de los artistas en un ambiente liberado de encorsetamientos. En estos lugares, especialmente en Andalucía, surgen las primeras figuras del flamenco y lo dotan de una identidad particular, hasta convertirlo en un punto de encuentro para intérpretes y aficionados. Ahí se crea, se mira al pasado, se recupera, se intercambian conocimientos, se disfruta y se comparten sentimientos y momentos.
Con este punto de partida,Farru se sube a las tablas de Flamenco Real y baila lo que siente y comparte con el público, recuperando la esencia de una vivencia única. Y no lo hace solo, porque tendrá la complicidad de la guitarra de Joni Jiménez, del cante de Eleazar Cerreduela y Juan Motos, y la percusión de El Lolo.
Hace dos años, Farru debutaba en el tablao del Teatro Real con un sentido homenaje a Paco de Lucía al que denominó “Por un sueño”. Este sevillano, miembro de una dinastía en la que prácticamente todos bailan, también canta, toca la guitarra y crea sus propios espectáculos con los que triunfa por todo el mundo. Su personalidad ha seducido a artistas tan dispares como Tomatito, Beyoncé, Björk o Marc Anthony o el fotógrafo Richard Avedon.
Desde 2018, como parte de su estrategia de promoción del flamenco, el Teatro Real coproduce con SOLANA Entertainment el ciclo Flamenco Real, organiza giras internacionales que, bajo el nombre Authentic Flamenco, ha realizado en el último año más de 400 actuaciones en 39 ciudades de 15 países, y lo ha incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer.
El Teatro Realprosigue su Ciclo de música de cámara en colaboración con instituciones culturales, con dos conciertos que tendrán lugar el día 13 de marzo, a las 21.00 horas, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el día 14, a las 19.30 horas, en la Biblioteca Nacional de España, con la participación del prestigioso cuarteto finlandés Meta4 y la colaboración de la soprano Tuuli Lindeberg.
En el programa, común a ambos conciertos, se escuchará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schoenberg, y la Suite lírica, de Alban Berg. La primera de las obras de este díptico, que incluye a dos de los tres compositores que conforman la Segunda Escuela de Viena, se une a las programadas en la actual temporada del Teatro Real, Pierrot Lunaire y Erwartung, con las que el coliseo madrileño quiere conmemorar el 150 aniversario del nacimiento del compositor austriaco.
ElCuarteto nº 2, Op. 10, es una obra de transición en la vida compositiva de Schoenberg, en la que el autor comienza a experimentar con la atonalidad, en busca de un planteamiento más radical y complejo. Así, mientras los dos primeros movimientos se muestran con una tonalidad clara, el tercero va dando muestras, de forma gradual, de lo que se mostrará plenamente en el último: la clara suspensión tonal ya en el campo innovador del cromatismo libre. En estos dos últimos movimientos, basados en poemas de Stefan George, se une al cuarteto la voz de una soprano, que en estos conciertos programados por el Teatro Real será la de la intérprete finlandesa Tuuli Lindeberg.
En 1928, Alban Berg, discípulo de Schoenberg, componía la Suite Lírica para cuarteto de cuerda, considerada una de las obras maestras del siglo XX. Al igual que en la obra que le precede en el programa, el compositor se inspira en un poema, en este caso de Baudelaire, sobre el amor condenado, aunque sin recurrir a la voz. Dedicada a Alexander Zemlinsky es, sin duda, una de las creaciones más conocidas del compositor.
El cuartetoMeta4, en activo desde 2001, es uno de los cuartetos finlandeses con más éxito del panorama actual. Su palmarés recoge importantes galardones como el primer premio en el Concurso Internacional Shostakovich Quartet Competition de Moscú en 2004, del International Joseph Haydn Chamber Music Competition de Viena, en 2007, y el premio anual Finland Prize del Ministerio de Cultura de Finlandia. Entre 2008 y 2010 fueron seleccionados como artistas del BBC New Generation Artist.
Actúan regularmente en las principales salas de conciertos del mundo como la Konzerthaus de Viena, el Wigmore Hall y King’s Place de Londres, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique de París o el Konserthus de Estocolmo, entre otras, se han hecho cargo también de la dirección artística de Oulunsalo Music Festival y de Cuarteto Residente en el Kumho Chamber Music Festival, ambos en Finlandia, desde 2008 hasta 2017.
Los miembros de Meta4 tocan ilustres instrumentos, que incluyen un Stradivarius, cedido por la Finnish Cultural Foundation; un violín de Carlo Bergonzi, de la Fundación Signe and Ane Gyllenberg, y un violonchelo de Lorenzo Storioni de 1780.
El cuarteto se formó en la European Chamber Music Academy (ECMA), de la mano de Hatto Beyerle y Johannes Meissl. Han publicado tres grabaciones con Hänssler Classics: Los Cuartetos de Cuerda op. 55, núm. 1-3 de J. Haydn (2009) -premio Echo Klassik Award-, los Cuartetos de Cuerda núm. 3, 4 y 7 de D. Shostákovich (2012) -premio Record of the Year del Finnish Broadcasting Company YLE y Emma Prize en la categoría de Classical Album of the Year- y los Cuartetos de Cuerda núm. 1 y 5 de B. Bartók (2014). Han grabado un álbum con la integral de cámara de Kaija Saariaho (Ondine, 2013); un LP del Cuarteto de Cuerda Voces Intimae de J. Sibelius; el Quinteto con Clarinete de J. Brahms y Nebenstück, de G. Pesson junto al clarinetista Reto Bieri, y los Octetos de Cuerda de F. Mendelssohn y G. Enescu, junto al Gringolts Quartet.
Tuuli Lindeberg es una de las principales intérpretes de música vocal barroca y contemporánea de Finlandia. Colabora regularmente con las mejores orquestas y conjuntos de música de cámara de su país, con un amplio repertorio que abarca todas las épocas, desde la medieval hasta la contemporánea. Paralelamente a su carrera artística, Tuuli Lindeberg imparte clases de música vocal barroca y contemporánea en la Academia Sibelius de Helsinki y actúa ocasionalmente como “coach” de estilo en producciones profesionales. Fue miembro del jurado del concurso internacional de canto Aria Borealis (Bodø, Noruega) en 2022 y directora artística de Musica nova Helsinki, el mayor festival internacional de música contemporánea de Finlandia.
Durante dos fines de semana, el Real Teatro de Retiro abrirá las puertas de su Sala Principal para presentar el estreno absoluto de Rebelión en la granja, en la versión que LaJoven ha realizado sobre la novela homónima del autor británico George Orwell, con texto de la dramaturga Marta Aran y música original de Alberto Granados Reguilón.
Se ofrecerán seis funciones de este nuevo título, recomendado para un público a partir de doce años, los próximos sábados 2 y 9 de marzo de 2024, con representaciones a las 17:00 y 20:00 horas, y los domingos 3 y 10 de marzo a las 19:00 horas.
Marta Aran, Premio Max a la Mejor Autoría Revelación 2020 por Els dies mentits (Todos los días que mentí), explora, en esta ocasión, temas tan actuales como el derecho a la privacidad, la sobreexposición en las redes sociales o los límites en el uso de la inteligencia artificial.
Alberto Granados Reguilón, compositor y director musical de la obra, se ha inspirado tanto en el mundo de los musicales de Broadway como en el universo de la zarzuela o el cabaret para crear la música original del espectáculo, y las cuatro canciones troncales: I have a dream, Ciberbestias, La democrac-ia y Aves del mundo de dos patitas.
Rebelión en la granja es una reflexión sobre la sociedad contemporánea inmersa en la digitalización, que sumerge al público en un mundo futuro en el que los jóvenes han hackeado todos los antiguos servidores, creando un software ético llamado Animal Farm. En este nuevo mundo digital, hay una red social donde los avatares son animales, con sus propios mandamientos, lenguajes y trends. Se creará una comunidad llena de ética digital y transversalidad en la que los jóvenes jugaran un papel fundamental.
LaJoven, comprometida con la juventud y la educación a través del teatro, celebra su décimo aniversario en la temporada 2023-24. La Fundación Teatro Joven, promotora del proyecto, ha sido reconocida con diversos premios como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014, y ha impactado a cientos de miles de espectadores con sus producciones educativas y de alta calidad artística.
Entre el 1 y el 24 de marzo, el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de La pasajera, de Mieczysław Weinberg, en una coproducción del Teatro Real con el Festival de Bregenz, el Teatro Wielki de Varsovia y la English National Opera.
El estreno en España de esta ópera ─con tres años de retraso debido a la pandemia─ se puede enmarcar en el sorprendente descubrimiento, en las últimas décadas, de la prolífica y valiosa producción musical de Weinberg, silenciada durante años por la presión de la censura soviética y por las terribles vicisitudes de su biografía.
Mieczysław Weinberg nació en Varsovia en 1919, en el seno de una familia de artistas judíos vinculados al teatro yidis. Sus padres y hermana murieron en el campo de concentración de Trawniki, de donde el joven músico se escapó, encontrando refugio en la Unión Soviética. Allí vivió de la música, prosiguió con ahínco su formación y mantuvo una incansable actividad creativa, componiendo en situaciones precarias. Marginado, perseguido, encarcelado y constantemente vigilado por las autoridades soviéticas, nuevamente por su condición de judío ─reforzada por el matrimonio con la hija de un actor yidis asesinado por el régimen─, su supervivencia y su carrera se deben, en gran parte, al apoyo y protección de Dmitri Shostakóvich (1906-1975), gran amigo, admirador y divulgador de su obra.
La prolífica producción de Weinberg, con más de 150 obras catalogadas –incluyendo 22 sinfonías, 17 cuartetos de cuerda, 4 óperas, 3 operetas, un réquiem (que incluye textos de Lorca), cantatas, ballets, sonatas, ciclos de canciones y más de 40 partituras para cine y teatro–, se puede inscribir en la fantástica cantera de compositores rusos del siglo XX, encabezada por Dmitri Shostakóvich y Serguéi Prokófiev. Toda su música, heredera del sinfonismo centroeuropeo, del neoclasicismo y de la influencia de sus maestros rusos, está impregnada de temas del folclore judío, polaco, moldavo, armenio, etc., germen de muchas de sus creaciones.
La pasajera narra el encuentro, en un transatlántico rumbo a Brasil, de dos mujeres que intentan escapar de su pasado común en Auschwitz diez años antes. La primera, acompañada de su marido y flamante diplomático, fue carcelera en el campo de concentración, teniendo a su cargo a la segunda, prisionera judía con la que entabló entonces una perversa relación.
La ópera, cantada en 7 idiomas ─incluyendo el castellano, por el coro-, está estructurada con constantes flashbacks de inspiración cinematográfica─ Weinberg tocó y compuso mucho para películas-, que articulan el viaje marítimo en la cubierta del barco, con otro, oscuro y siniestro, a los angustiosos traumas de la vida en el campo de exterminio.
Tanto la escritora Zofia Posmysz (1923-2022) ─autora de la novela homónima en la que se basa la ópera─ como el compositor vivieron el terror del holocausto y sintieron la necesidad de contarlo, lo que imprime a la ópera una emoción espeluznante.
Pese a la dureza inexpresable del tema de la ópera, su música, en muchos fragmentos dura, rabiosa y expresionista, articula momentos sinfónicos altisonantes con otros camerísticos e intimistas, en una sucesión de temas de grandísima eficacia dramatúrgica, enlazados con fluidez y maestría: pasajes atonales y disonantes que evocan la barbarie, melodías folclóricas nostálgicas que acompañan a las reclusas, pasajes jazzísticos de la vida mundana del transatlántico, el vals diabólico del comandante de las SS o la Chacona de la Segunda Partita de Bach, en el descorazonador clímax de la ópera.
La pasajera se estrenará en España con la maestría de dos grandes especialistas en la obra de Weinberg: Mirga Gražinytè-Tyla, directora musical lituana de enorme prestigio internacional, que lleva años interpretando y grabando sus partituras sinfónicas, y David Pountney, que estudió hondamente la vida y obra del compositor polaco para la primera puesta en escena de la ópera, en 2010 en Bregenz, y que ahora llega al Teatro Real.
El equipo artístico y los intérpretes de la producción, con 16 distintas nacionalidades, darán vida a este drama descorazonador, con un reparto coral encabezado por la soprano Amanda Majeski (Marta) y la mezzosoprano Daveda Karanas (Lisa), que nos llevarán a uno de los períodos más terroríficos de la historia de la humanidad y al interior de nosotros mismos, con la esperanza de que la ópera de Weinberg nos recuerde las vidas truncadas de tantos inocentes que han conservado la dignidad, la esperanza y la capacidad de amar en las condiciones más extremas.
INSTITUTO ADAM MICKIEWICZ (AMI)
El Instituto Adam Mickiewicz (AMI) es una institución nacional de cultura, cuyo objetivo es generar un interés duradero por la cultura polaca en todo el mundo. El instituto trabaja con colaboradores extranjeros e inicia un diálogo cultural internacional en consonancia con las metas y objetivos de la política exterior polaca. El instituto ha llevado a cabo proyectos culturales en setenta países de los seis continentes, incluidos Gran Bretaña, Francia, Israel, Alemania, Turquía, Estados Unidos, Canadá, Australia, Marruecos, Ucrania, Lituania, Letonia, así como China, Japón y Corea. La alta calidad de los proyectos del instituto la confirman los premios recibidos a nivel internacional por exposiciones y festivales. En 2023, el Pabellón Polaco «Poética de la necesidad», organizado por el AMI, recibió una medalla en la Bienal de Diseño de Londres.
La marca insignia del instituto, CULTURE.PL, es un servicio de noticias culturales actualizadas que trata de discutir los eventos y fenómenos más interesantes relacionados con la cultura polaca y que ofrece artículos y noticias en tres idiomas: polaco, inglés y ucraniano.
El AMI está financiado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
28 de febrero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Mirga Gražinytè-Tyla (directora musical de La Pasajera), David Pountney (director de escena de La Pasajera), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Martín Llade (periodista especializado en música).
13 de marzo al 17 de marzo|Fundación Juan March
Ciclo Mieczysław Weinberg: integral de los cuartetos de cuerda por el Cuarteto Danel.
A través de 5 conciertos se presenta, por primera vez en España, la monumental integral de los 17 cuartetos de cuerda de Weinberg interpretados en orden cronológico por el Cuarteto Danel.
Además, también se incluye un encuentro con Marc Danel (fundador del Cuarteto Danel) y Mirga Gražinytė-Tyla (directora musical de La Pasajera) en diálogo con Luis Gago (crítico musical y musicólogo).
13/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 1, 2, 3 y 4
14/03, 18:00 Weinberg a debate
15/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 5, 6 y 7
16/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 8, 9 y 10
18:30 Concierto cuartetos nº 11, 12, 13 y 14
17/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 15, 16 y 17
24 de marzo, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Los Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
Costa: Hacia la luz
Weinberg: Trío con piano, op.24
González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement
El Teatro Real y el Teatro de La Abadía vuelven a unirse en una nueva coproducción de pequeño formato que une la música de cámara y el teatro. Será la tercera colaboración después de los éxitos de las propuestas anteriores: el estreno absoluto de Marie, de Germán Alonso, en 2021, y el espectáculo Extinción, a partir de misas de Joan Cererols, en 2022.
En esta ocasión se ofrecerán cuatro funciones de una coproducción de Pierrot Lunaire, de Arnold Schoenberg (1874-1951), procedente del Teatro del Liceu, que tendrán lugar en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía, los días 22, 23 y 24 de febrero a las 19 horas, y 25 de febrero, a las 18.30 horas.
Pierrot Lunaire es un ciclo de canciones -21 pequeños melodramas- con un acompañamiento instrumental que varía entre ellas, inspirado en el mundo sonoro del cabaret alemán.
La obra nació por deseo de la versátil actriz austríaca AlbertineZehme, quien le pidió a Schoenberg que pusiera música a un ciclo de poemas simbolistas de Albert Giraud (1860-1929) traducidos al alemán.
La partitura está estructurada en tres partes, cada una con siete poemas. En la primera, Pierrot –alter ego de un artista irreverente, apasionado, alienado y despechado- está enamorado de Colombina y fascinado por su propia imagen, que se transforma, en la segunda parte -más grotesca e iconoclasta-, en una obsesión enajenante que alcanza el clímax cuando es decapitado por la luna. En la tercera parte Pierrot se va serenando con sus recuerdos, viajando al pasado mientras vuelve a casa, a su Italia natal.
La genial partitura de Schoenberg, que esconde una fascinante arquitectura matemática con hilarantes juegos numéricos, es un derroche de hallazgos a todos los niveles: estructural (en el ciclo, en cada poema y en sus interrelaciones); tímbrico (con distintas combinaciones instrumentales utilizando 8 instrumentos); armónico (con la exploración de la atonalidad y la superposición y articulación de distintas formas y motivos) y dramatúrgico. Cada canción es tratada como una miniatura, con un lenguaje y un universo propios, en el que desfilan un vals, una passacaglia, un minueto, una barcarola, una minúscula ‘opera buffa’, fugas, cánones, etc.
Este ciclo de canciones epigramático, unido por una escritura atonal y la utilización del Sprechgesang –canto hablado que explora la expresividad y la prosodia de la entonación oral-, será interpretado por el gran contratenor Xavier Sabata, creador del espectáculo, quien articula la música de Schoenberg con pasajes de La metamorfosis, de Ovidio.
Con el apoyo de la escenografía e iluminación de Cube.bz y el diseño de movimiento de María Cabeza de Vaca, Sabata se divide entre Narciso y Pierrot, a través de un diálogo en el que uno se consume para conocerse y aceptarse, y el otro se esconde detrás de un avatar ocultando el sufrimiento de no sentirse nunca en casa.
La dirección musical del espectáculo es de Jordi Francés, que actuará con una pianista y cuatro solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real: Pilar Constancio (flauta y piccolo), Ildefonso Moreno (clarinete y clarinete bajo), Sonia Klikiewicz (violín y viola), Natalia Margulis (violonchelo) y Karina Azizova (piano).
Los cinco músicos -que en total tocan 8 instrumentos- solamente actúan juntos al final de la obra, ya que los diferentes poemas son acompañados por distintos instrumentos.
Con Pierrot Lunaire, el Teatro Real y el Teatro de La Abadía homenajean a Arnold Schoenberg, en el 150 aniversario de su nacimiento, con una de sus obras más icónicas, originales y geniales. Con ella el compositor abría la música al expresionismo en un lenguaje que no dejaría de evolucionar, como se podrá ver en Erwartung (La espera), que se presentará, junto a La voz humana, de Francis Poulenc, el próximo mes de marzo, en una nueva producción del Teatro Real.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
19 de febrero a las 19.00 horas | El Argonauta, librería de música
Tertulia sobre Pierrot Lunaire
El acto contará con la participación de Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, de Jordi Francés, director musical, de Pierrot Lunaire, y de Xavier Sabata, director y protagonista del espectáculo.
Conferencia:El teatro Noh japonés, por el arquitecto y escritor Javier Vives.
En Pierrot Lunaire, Arnold Schoenberg utiliza la máscara como escudo y refugio del personaje que lo representa, como en el teatro Noh, del que emana, además, una espiritualidad llena de belleza y lirismo.
El Real Teatro de Retiro ofrecerá, en su Sala Pacífico, 8 funciones del espectáculo de títeres Donde van los cuentos los fines de semana de 17 y 18 de febrero, y del 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.
Esta producción de la prestigiosa y premiada compañía Claroscvro, estrenada en 2019 en la Feria de Teatro del Sur (Palma del Río), se presentó posteriormente en la Feria Europea de artes escénicas para niños y niñas FETEN de Gijón y en la Mostra de Igualada, siempre con un gran éxito.
La trama nos transporta a un futuro imaginado en el que los libros han desaparecido. Pero los protagonistas de Donde van los cuentos encuentran una biblioteca escondida y llena de apasionantes historias. Allí conocerán a Claudius, el creador de todos los cuentos, y a Mateo, un niño valiente que tendrá que encontrar un cuento perdido.
Los personajes cobran vida con la magia de los títeres, las máscaras y los libros desplegables (pop up) creando un espectáculo que apuesta por el amor a la lectura y la importancia de la imaginación.
Julie Vachon, guionista y autora de la propuesta, dirige el espectáculo junto a Concha Medina y Francisco dePaula Sánchez, con la participación de Iván Sierra Caballero en la creación de libros desplegables, títeres y policromía y la música electrónica original de Sileno Sonoro, cuya atmósfera envolvente completa magistralmente la narrativa.
La compañía Claroscvro fue fundada en el año 2010 por la canadiense Julie Vachon y el español Francisco de Paula Sánchez. En sus producciones utilizan títeres, máscaras y música para crear el universo mágico de los cuentos, en los que se esconden la defensa de valores como la amistad, la solidaridad, la creatividad, el conocimiento, la inclusión, el amor por la naturaleza, los lazos afectivos, etc.
DONDE VAN LOS CUENTOS
Títeres, máscaras y música electrónica
Claroscvro Teatro
EQUIPO ARTÍSTICO
Guión: Julie Vachon
Dirección: Julie Vachon,Francisco de PaulaSánchez y Concha Medina
Música: Sileno Sonoro
Diseño sonoro, iluminación y escenografía: Francisco de Paula Sánchez
Libros desplegables, títeres y policromía: Iván Sierra Caballero, con la ayuda de Francisco de Paula Sánchez
EDAD RECOMENDADA
A partir de los 8 años
DURACIÓN APROXIMADA
45 minutos
FUNCIONES
Días 17, 18, 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.
Elegante, sutil, apasionada y llena de fuerza, llega a las sesiones de Flamenco Real, los próximos 22, 23 y 24 de febrero, la bailaora Ángeles Gabaldón, para contar la historia del flamenco en la ciudad que la vio nacer, Doña Sevilla.
La propuesta de Gabaldón invita a transitar un camino que empieza a trazarse a mediados del siglo XIX, cuando el flamenco comienza a salir de las fiestas privadas en cortijos, salones y palacios para acercarse a la gente sencilla, mostrándose primero en los cafés cantantes -que tanto auge tuvieron en la época en ciudades como Sevilla, Madrid y Barcelona- y conquistar, poco a poco, los escenarios de los teatros hasta convertirse en el arte popular deseado por todos.
La expresión pura y racial de aquel flamenco más primitivo empieza a enriquecerse con elementos más estéticos y complementos como el mantón, la bata de cola, las castañuelas o el sombrero se hacen imprescindibles. Unos palos toman protagonismo, otros acentúan su carácter, algunos se ciñen a la tradición y todos conforman un arte que trasciende y se hace universal, pero que tiene en Sevilla un aroma único que cimbrea el cuerpo de Gabaldón y lo convierte en baile.
Junto a ella, en estas nuevas veladas en el Teatro Real, la guitarra de Paco Iglesias y el cante de Miguel El Picuo y Manuel Ginés, hacen el resto.
Ángeles Gabaldón comienza sus estudios de danza a los 10 años, obteniendo el título de Licenciada en Danza Española por el Conservatorio Superior de Danza de Sevilla y el título de Diplomada en Ballet Clásico por la misma escuela. Complementa su formación junto a maestros de la talla de Matilde Coral, Manolo Marín, Merche Esmeralda, Yerbabuena y Belén Maya, por citar sólo algunos.
Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan el Primer Premio Nacional a la Mejor Coreografía por Alegrías de la Perla de Cádiz, el Primer Premio Nacional “El Desplante 2002” del Festival Internacional del Cante de las Minas y ha sido la única mujer dos veces finalista de la Bienal de Sevilla. Su primer espectáculo, “Inmigración”, obtuvo el Primer Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo y Mejor Compañía de los premios Flamenco Hoy.
El Teatro Real ofrecerá, entre el 9 y el 11 de febrero, cuatro funciones de Afanador, nuevo espectáculo del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, con idea y dirección artística de Marcos Morau inspirada en el trabajo del fotógrafo colombiano Ruven Afanador y en su manera de mirar y retratar el flamenco.
Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por España, los toros y el flamenco… Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones.
Con este punto de partida, Morau regresa a aquellas sesiones fotográficas y desde ellas construye un mundo de ensoñación, reflexiona sobre “el parentesco vital entre composición fotográfica y coreográfica”, como él mismo explica, y reinterpreta la propuesta original sometiendo a los bailarines del Ballet Nacional de España a expresarse con un lenguaje diferente, modelando el futuro desde la tradición, asumiendo el riesgo.
Marcos Morau ha contado en esta propuesta con la colaboración del dramaturgo Roberto Fratini, de los coreógrafos Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López -todos ellos miembros de la compañía La Veronal, de la que es fundador y director- y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del BNE, además de su equipo habitual en el diseño de escenografía (Max Glaenzel), vestuario (Silvia Delagneu) e iluminación (Bernat Jansà). El resultado es un espectáculo de una plástica asombrosa, que transporta al espectador al flamenco más ancestral desde un prisma casi surrealista, sostenido por un cuerpo de baile sólido, riguroso en la ejecución y con una energía desbordante.
Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro.
Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela. Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”.
El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de noviembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta.
Fotografía: Merche Burgos
El próximo sábado, 27 de enero, se estrenará en España Rappresentatione di Anima et di Corpo, de Emilio de’ Cavalieri (1550-1602), compositor, organista, diplomático de los papas Inocencio IX y Clemente VIII, coreógrafo, bailarín y ‘superintendente’ de arte, vestuario, teatro y música de Fernando I de Médici, a quien organizaba los espectáculos y veladas lúdicas y artísticas.
Aunque Rappresentatione di Anima et di Corpo, por su temática religiosa y estructura dramática, figure como el primer oratorio de la historia de la música, no es fácil enmarcarla en la revolución del Barroco musical que alumbró la ópera, con la célebre Camerata Fiorentina y nombres como Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Claudio Monteverdi, Vincenzo Galilei o Jacopo Peri.
A caballo entre el oratorio y la ópera, Rappresentazione di Anima et di Corpo, con libreto del padre Agostino Manni -discípulo de san Felipe Neri-, es un diálogo alegórico entre el alma y el cuerpo, que proclama la renuncia a los placeres materiales y la salvación espiritual. En la trama participan también otros personajes como la Prudencia, la Conciencia, el Tiempo, el Intelecto, el Mundo, la Vida Mundana o el Ángel de la Guarda, además de un coro que refuerza el diálogo de los solistas.
Un selecto reparto del universo barroco (ver biografías en el programa adjunto) y el grupo vocal e instrumental Vox Luminis, bajo la dirección de Lionel Meunier, ofrecerán una atractiva versión semiescenificada de Rappresentazione di Anima et di Corpo, estrenada con gran éxito en el Flagey Choir Days de Bruselas, con escenografía y concepto de vídeo, de Emilie Lauwers, dirección de escena de Benoit De Leersnijder, diseño de luces de Luc Schaltin y realización de vídeo de Mario Melo Costa, acercándonos la belleza de una alegoría musical que buscaba ya su emancipación como un nuevo género lírico: la ópera.
La Fundación Amigos del Teatro Real participará, un año más, en la edición Tour del talento de la Fundación Princesa de Girona, una iniciativa que tiene como objetivo impulsar el desarrollo de los jóvenes a través de la formación y la creación de actividades y canales que faciliten su incorporación al mercado laboral.
El Tour del talento 2024 estará presente en cinco ciudades –Lleida, Salamanca, Cádiz, Santander y Madrid- en las que desarrollará diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real estará presente con participación de los jóvenes artistas de su programa Crescendo; el concierto inaugural tendrá lugar el martes 23 de enero en Lleida, en el Auditori Enric Granados, donde se ofrecerá un Recital Lírico gratuito en el que podrán escucharse arias de algunas de las óperas más conocidas.
Una de las principales novedades de esta edición será el Congreso Princesa de Girona – Siempre con los jóvenes, que inaugurará todas las paradas del Tour para ofrecer conferencias, actividades formativas, debates y actuaciones musicales. En cada ciudad se dará a conocer el ganador de una de las categorías de los Premios Princesa de Girona; así, en Lleida se anunciará el ganador del premio CreaEmpresa; en Salaman, el Arte; en Cádiz, el Social, y en Santander, el de Investigación. La doble categoría del Premio Internacional – CreaEmpresa e Investigación – se anunciará en Madrid, donde el evento hace parada por primera vez.
La actuación de los jóvenes artistas de Crescendo tendrá lugar en las siguientes fechas y lugares:
– Lleida: 23 de enero. Auditorio Enric Granados. Acceso gratuito.
– Salamanca: 19 de febrero. En el Palacio de Congresos y Exposiciones de Castilla y León, en colaboración con Caja Rural de Salamanca. Acceso gratuito.
– Cádiz, 18 de marzo. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).
– Santander, 22 de abril. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).
– Madrid, 6 de mayo, en la Sala Gayarre del Teatro Real. Acceso gratuito.
Más de 20.000 jóvenes asistieron a las actividades formativas del Tour del talento en su pasada edición, que ofreció más de 250 actividades en sus diferentes paradas.
Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en carroza para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.
El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 27 de enero, el estreno en España de La idea, de Gustav Holst (1874-1934), opereta cómica para niños, con un ingenioso libreto de Fritz Hart, en el que se plantea un tema de rabiosa actualidad: ¿qué pasaría si cambiamos la forma de hacer las cosas y las labores que hacen las mujeres las hicieran los hombres y viceversa? Una nueva “idea” que podría convencer a todos o generar un caos…
Programada en conmemoración del 150 aniversario del nacimiento del compositor británico, se ofrecerán ocho funciones, en la sala principal, los días 27 y 28 de enero, 3 y 4 de febrero, en sesión doble, a las 11:00 h y a las 13:00 h, para un público familiar con edad recomendada a partir de 7 años.
La historia nos cuenta la gran idea que ha tenido el Presidente de un país imaginario. Él cree que es fantástica y maravillosa y que, a través de ella, la gente de su país llegará a la felicidad pero, cuando es aplicada, su resultado, en verdad, genera un gran descontento y confusión en la gente. La idea proclamada no es otra que la propuesta del cambio de atribuciones entre hombres y mujeres, lo que provoca un agitadísimo debate sobre las políticas de género. En este caso no habrá disputas ideológicas, sino que será el caos reinante el que vuelva a poner las cosas en su sitio… O no.
El barítono Juan Laborería dará vida al presidente de este ocurrente Gobierno, en el que estará acompañado por el también barítono John Heath, en el papel del Rey; por la actriz y cantante Lara Chaves, como Reina; la mezzosoprano Patricia Illera, será Carol; el tenor Francisco J. Sánchez interpretará a Max (centinela) y la soprano Julia Rey, a Mona. Junto a ellos, el coro de los Pequeños Cantores de la ORCAM (dirigido magistralmente por Ana González), dará vida a los personajes de este imaginario pueblo británico, acompañados al piano por Francisco Soriano, responsable también de la dirección musical.
La versión en castellano que se verá estos días en Real Teatro de Retiro ha sido traducida y adaptada por Susana Gómez, directora de escena de esta nueva producción, quien ha respetado el texto original, con algunas modificaciones en las partes habladas y un pequeño añadido al final. El vestuario y la escenografía han sido diseñados por Alejandra Glez Requeijo, quien se inspira en la iconografía inglesa para contextualizar la acción y derrocha fantasía y color en el extraordinario vestuario de cada personaje. Envueltos en la iluminación de Manuel Fuster y con la entusiasta participación de todo el elenco, se construye un espectáculo ingenioso y divertido, capaz de atrapar a los pequeños y a los que no lo son tanto.
Gustav Holst, uno de los grandes compositores ingleses, muy conocido por su obra maestra Los planetas, compuso La idea en 1896, cuando aún era estudiante. La obra se desarrolla sobre ideas musicales sencillas, sustentada sobre recursos melódicos y rítmicos de la música popular británica, lo que la hace muy accesible al público y consigue que el espectador retenga en su memoria fragmentos pegadizos y fáciles de reproducir.
Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Por eso ahora, cuando se cumplen diez años de la creación de su compañía, Eduardo Guerrero vuelve la vista atrás e invita al público a viajar con él a través del tiempo, para entender y disfrutar los momentos que le han construido como bailarín y coreógrafo, jugando con el espacio y la palabra, en Compañía.
Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 23, 24 y 25 de enero, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por la guitarra de Pino Losada y las voces de Teresa Hernández y Francisco Blanco Al-blanco, en el cante.
Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en plenitud creativa y física. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.
El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas, su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.
Su arte y su estética son demandados por las grandes figuras, por los festivales, por los escenarios de medio mundo, por los diseñadores de moda, por los fotógrafos… pero él sigue poniendo el foco en un arte tan puro como reivindicativo, con la honestidad por bandera. Así, con pinceladas de cada cuadro se dibuja Eduardo Guerrero en compañía, compendio de una vida que no deja de mirar al futuro.
Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo”, que supone el punto de partida para una carrera en solitario, y a partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).
Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.
