Montiel

La ganadora del Premio Nacional de Música 2015, la mezzosoprano española María José Montiel, vuelve en abril a su Madrid natal, y por partida doble. Primero, entre el 13 y el 20 de abril, será la protagonista del estreno absoluto de la ópera del compositor Antoni Parera y libreto de Lucía Vilanova María Moliner, que se ofrecerá en el Teatro de La Zarzuela y que se inspira en la destacada lexicógrafa española. Más tarde, los días 23 y 26 de abril, se trasladará al Teatro Real para participar en Luisa Miller, de Giuseppe Verdi.

Respecto de la nueva ópera, un encargo del propio Teatro de La Zarzuela, María José Montiel afirma que “la partitura es muy exigente, teniendo en cuenta que mi personaje está siempre en escena. Es fascinante: se trataba una mujer muy fuerte, de mucha fortaleza y de una luchadora con la que se cometió una gran injusticia histórica al impedirle que entrara en la
Academia de la Lengua solo por el hecho de ser una mujer. Texto y música se adaptan a la perfección. Han sido muchas las horas de estudio, pero me ha ayudado a conocer todavía más la música y la estética de Antoni, de quien he cantado muchos de sus ciclos de canciones. La ópera posee melodías muy atractivas y creo que gustará mucho a todo tipo de público. Su música es de una gran expresividad, cargada de alma y sentimiento. El gran lujo de esta propuesta es poder trabajar la obra y el personaje directamente con el compositor, algo que en ópera no suele suceder”.

Después de este estreno absoluto, la diva española regresará al escenario del Teatro Real, esta vez para meterse en la piel de la Reina Federica, de la ópera Luisa Miller, de Giuseppe Verdi, título que se ofrecerá en versión de concierto bajo la batuta de James Conlon y junto al Miller de Leo Nucci.

Posteriormente, ya en mayo, María José Montiel regresará a la temporada de la Orquesta de Valencia, conjunto con el que interpretará Shéhérazade, de Ravel, en el Palau de la Música de la capital del Turia.

Info:

http://www.mariajosemontiel.com/

Aida

Ramón Tebar (Valencia, 1978) debuta oficialmente como Principal director invitado del Palau de les Arts Reina Sofia con Aida, de Giuseppe Verdi, que se estrena el próximo 25 de febrero.

Se trata, no obstante, de la segunda incursión del maestro valenciano en Les Arts, según ha recordado el Intendente Davide Livermore en la presentación de esta ópera. Ramón Tebar asumió la dirección musical de las últimas funciones de Nabucco la pasada temporada, que se saldó “con éxito unánime de público y crítica”.

Aida es para Ramón Tebar un título simbólico para su regreso a Valencia como director musical en el teatro de ópera de su ciudad natal. Aida, conocida entre otras, por el aria ‘Ritorna Vincitor’, es para el valenciano una obra magistral, cargada de mensaje alrededor de las pasiones humanas y del hecho bélico, que termina con una evocación a la paz en boca del personaje de Amneris.

El centro de artes valenciano ha programado cinco funciones de Aida: los días 25 y 28 de febrero, así como el 2, 5 y 9 de marzo. Les Arts recupera el montaje de David McVicar, realizado en coproducción con el Covent Garden de Londres y la Ópera de Oslo, que en el año 2010 estrenaron en Valencia Lorin Maazel y Omer Meir Wellber.

El montaje cuenta con escenografía de Jean-Marc Puissant, vestuario de Moritz Junge e iluminación de Jennifer Tipton. La coreografía es obra de Fin Walker, mientras que David Greeves es el director de artes marciales. Allex Aguilera se encarga de la dirección de escena de la reposición de Aida.

Durante su explicación de la obra, Davide Livermore ha defendido la propuesta del director de escena escocés, “como heredera de la verdadera provocación que Verdi buscaba con Aida”.

“Aida ha llegado a nuestros días como sinónimo de Antiguo Egipto, de pirámides, elefantes, camellos… pero para Verdi ese “Antiguo Egipto” no es sino el marco en el que sintetizar sus más grandes preocupaciones, entre ellas, la nación grande que oprime a la pequeña, la brutalidad del imperio para destruir al individuo y el abrumador poder de la Iglesia sobre todos los estamentos… Unas variables que Verdi jamás hubiera podido ambientar en Europa”, ha explicado Livermore.

“Ese Egipto faraónico de las primeras representaciones, -ha matizado Livermore-, ha dejado de ser exótico para nosotros”. Por eso, David McVicar recurre a una multitud de civilizaciones antiguas para crear una tierra mítica que provoque distanciamiento, rechazo y rebelión entre los espectadores ante las barbaries que Aida relata y la belleza de la partitura. “Ésa es la imprescindible función social de la ópera”, ha apuntado el Intendente.

Un sólido reparto

Aida, de Verdi, requiere, además, de unos excelentes cuerpos estables como el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, de un reparto potente, que encabezan en Les Arts las sopranos María José Siri y Lucrecia García en el rol de Aida.

Les Arts informa de que Oksana Dyka ha suspendido su presencia en Valencia por motivos de salud y será la uruguaya María José Siri, que protagonizó la pasada temporada Manon Lescaut, de Puccini, quien sustituya a la diva ucraniana en las representaciones del 25 y 28 de febrero.

La venezolana Lucrecia García cantará las tres funciones de Aida en marzo. García, que debutó en Les Arts en 2011 con Mefistofele, de Arrigo Boito, se ha revelado en los últimos años como una de las nuevas voces del repertorio verdiano.

El puertorriqueño Rafael Dávila interpreta a Radamès, capitán de la guardia egipcia. El tenor, que cantó por primera vez en Valencia junto a María José Siri en Manon Lescaut, desarrolla una intensa carrera en Estados Unidos donde, entre otros, ha trabajado con el propio Ramón Tebar.

Cierra el triángulo amoroso de Aida Marina Prudenskaya como Amneris, la hija del rey de Egipto. La mezzosoprano rusa formó parte del reparto que en 2009 interpretó por primera vez en España dos ciclos completos de Der Ring des Nibelungen, de Wagner en Les Arts.

Regresan también a Les Arts, el barítono Gabriele Viviani, que encarna a Amonasro -salvo en la representación del día 9, que canta Ionut Pascu- y el bajo Riccardo Zanellato que da vida a Ramfis, Sumo Sacerdote.

Cuatro emergentes artistas del Centre Plácido Domingo, Alejandro López, en el papel de El rey, Fabián Lara, como Mensajero, y las sopranos Federica Alfano (25, 2, 5) y Tatiana Irizarry (28, 9), que alternan el rol de la Sacerdotisa, completan el elenco de Aida.

Entradas agotadas

El Palau de les Arts Reina Sofía comunica que las entradas para Aida, de Verdi, están agotadas a dos semanas de su estreno, salvo el 5% del aforo de la sala que la ley autonómica reserva para su venta el mismo día de cada representación.

Asimismo, el público también ha agotado las 100 plazas disponibles para las visitas guiadas a Les Arts con asistencia a los ensayos de Aida los días 16 y 17 de febrero. El centro de artes puso en marcha la pasada temporada este nuevo formato de visita que permite a los asistentes conocer ‘in situ’ el trabajo previo al estreno de una producción de ópera, además de recorrer los diferentes espacios y salas que alberga el edificio diseñado por Santiago Calatrava.

Sobre Aida

Aida es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Antonio Ghislanzoni, que se basó en la versión francesa de Camille du Locle de la historia propuesta por el egiptólogo francés Auguste Mariette. Se estrenó el 24 de diciembre de 1871, en el Teatro de la Ópera de El Cairo.

Ambientada en Egipto, narra la historia de amor entre Aida, una princesa etíope, pero esclava en tierra de faraones, y Radamès, militar egipcio y capitán de las fuerzas que ocuparon la tierra de Aida. A este amor se oponen Amonasro, padre de la princesa etíope, que exige venganza, y Amneris, hija del rey, que desea para sí misma a Radamès.

Aida

El Palau de les Arts Reina Sofía comunica que las entradas para Aida, de Verdi, están agotadas a dos semanas de su estreno, salvo el 5% del aforo de la sala que la ley autonómica reserva para su venta el mismo día de cada representación.

Les Arts ha programado cinco funciones de Aida: los días 25 y 28 de febrero, así como el 2, 5 y 9 de marzo. El centro de artes repone su coproducción con el Covent Garden de Londres y la Ópera de Oslo.

David McVicar es el director de escena de Aida, con escenografía de Jean-Marc Puissant, vestuario de Moritz Junge e iluminación de Jennifer Tipton. La coreografía es obra de Fin Walker, mientras que David Greeves es el director de artes marciales.

Ramón Tebar debuta oficialmente como Principal director invitado del centro de artes con este título, que dirigieron en su estreno en Valencia Lorin Maazel y Omer Meir Wellber. Será, no obstante, la segunda incursión del maestro valenciano en Les Arts, tras dirigir las últimas funciones de Nabucco la pasada temporada.

Las sopranos María José Siri y Lucrecia García cantan el papel de la esclava Aida. Les Arts informa de que Oksana Dyka ha cancelado su presencia en Valencia por indisponibilidad y será la uruguaya María José Siri, que protagonizó la pasada temporada Manon Lescaut, de Puccini, quien sustituya a la diva ucraniana en las representaciones del 25 y 28 de febrero.

La venezolana Lucrecia García cantará las tres funciones de Aida en marzo. García, que debutó en Les Arts en 2011 con Mefistofele, de Arrigo Boito, se ha revelado en los últimos años como una de las nuevas voces del repertorio verdiano.

El puertorriqueño Rafael Dávila interpreta a Radamés, capitán de la guardia egipcia. El tenor, que cantó por primera vez en Valencia junto a María José Siri en Manon Lescaut, desarrolla una intensa carrera en Estados Unidos donde, entre otros, ha trabajado con el propio Ramón Tebar.

Cierra el triángulo amoroso de Aida Marina Prudenskaya como Amneris, la hija del rey de Egipto. La mezzosoprano rusa formó parte del reparto que en junio de 2009 interpretó por primera vez en España dos ciclos completos de Der Ring des Nibelungen, de Wagner en Les Arts.

Gabriele Viviani, que encarna a Amonasro salvo en la representación del día 9, que canta Ionut Pascu, Riccardo Zanellato (Ramfis), Alejandro López (El rey), Fabián Lara (Mensajero) junto con las sopranos Federica Alfano (25, 2, 5) y Tatiana Irizarry (28, 9), que alternan el rol de Sacerdotisa, completan el reparto de Aida.

Aida es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Antonio Ghislanzoni, que se basó en la versión francesa de Camille du Locle de la historia propuesta por el egiptólogo francés Auguste Mariette.

Ambientada en Egipto, narra la historia de amor entre Aida, una princesa etíope, pero esclava en tierra de faraones, y Radamés, militar egipcio y capitán de las fuerzas que ocuparon la tierra de Aida. A este amor se oponen Amonasro, padre de la princesa etíope, que exige venganza, y Amneris, hija del rey, que desea para sí misma a Radamés.

El compositor de Busseto descubre en su interior los temas que más le preocupaban: la difícil relación padre-hija, el amor versus el honor y la obligación, y, sobre todo, el tema bélico, la nación grande que intenta aplastar a las más pequeñas.

Éxito de las visitas guiadas a los ensayos de Aida

Asimismo, el público también ha agotado las 100 plazas disponibles para las visitas guiadas a Les Arts con asistencia a los ensayos de Aida la próxima semana. El centro de artes puso en marcha la pasada temporada este nuevo formato de visita que permite a los asistentes conocer ‘in situ’ el trabajo previo al estreno de una producción de ópera, además de recorrer los diferentes espacios y salas que alberga el edificio diseñado por Santiago Calatrava.

Desde los palcos de la Sala Principal, los días 15 y 16 de febrero 50 personas, por cada turno, disfrutan de una parte de los últimos ensayos previos al estreno de Aida el 25 de febrero. Ante la excelente respuesta, Les Arts repetirá esta propuesta con motivo de los ensayos de las próximas producciones líricas: Idomeneo, de Mozart, Café Kafka, de Francisco Coll, y A Midsummer Night’s Dream, de Britten.

 

Jerusalem

La coproducción de ABAO-OLBE y el Theater Bonn del Jerusalem de Verdi, con puesta en escena del mexicano Francisco Negrín, se ha estrenado el pasado fin de semana en la ciudad cuna de Beethoven con rotundo éxito de público y crítica.

Se trata de la primera colaboración entre la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y el célebre teatro alemán y para los responsables de ABAO “esta coproducción supone otro hito en la historia musical de la institución y refuerza el prestigio internacional de la asociación bilbaína, cuya colaboración concita el interés artístico de teatros y festivales líricos de referencia”.

Con un excelente trabajo de dirección musical, elenco y escena, la premier del pasado domingo concluyó con una cerrada ovación de 19 minutos, con el público del teatro puesto en pie. El propio Negrín compartía en redes sociales la emoción del momento, “¿Quién lo hubiera imaginado? Estrenamos Jerusalem, una pieza de Verdi temprana y desconocida -en realidad fue el estreno en Alemania- y resulta que ¡es un gran éxito! El público nos dio una ovación de pie de ¡¡¡más de 19 minutos!!!”

La propuesta escénica de Francisco Negrín ha logrado, con la impactante escenografía de Paco Azorín y el cuidado vestuario de Domenico Franchi, una escena moderna y sugestiva, que llama la atención de forma inteligente sin caer en el exceso y sin desvirtuar la trama. Es una propuesta tremendamente innovadora y original que incentiva el espectáculo lírico propiamente dicho.

La crítica ha alabado la puesta en escena que sitúa la acción en la época de las cruzadas como un trabajo que aúna tecnología, historia y elementos actuales para recrear un universo verdiano tremendamente simbólico, con una ejecución virtuosa y expresiva cuyo resultado es un impactante golpe de efecto teatral. El diario alemán General Anzeiger subraya que Francisco Negrín ha traído “un momento musical mágico, que el público supo celebrar con vigor la noche del estreno”; “Un espacio increíblemente sugestivo, con una arquitectura móvil que se extiende hasta el infinito e impactantes efectos de luz”, “Una noche absolutamente redonda”. Por su parte, WDR3 lo ha calificado como «un impresionante espectáculo de grandiosa fuerza escénica».

Jerusalem, duodécima ópera de Verdi se verá en Bilbao en próximas temporadas dentro del proyecto Tutto Verdi que pondrá en escena todas las óperas del maestro de Busetto. El sector cultural nacional e internacional ha dado impulso a la aventura verdiana de ABAO, que se inició en 2006 y culminará en 2021.

Domingo

El 21 de enero de 2016, Plácido Domingo cumple 75 años. Para celebrarlo, Sony Classical lanza el álbum aniversario The best of Plácido Domingo, una selección muy especial de su amplia discografía, que incluye más de 200 grabaciones. El cuádruple CD abarca casi medio siglo en la vida musical de un artista de un talento prodigioso, muy querido y ganador de múltiples premios Grammy.

Domingo lanzó su carrera como barítono en la compañía de zarzuela de sus padres, en México en 1957, para hacer su debut operístico como tenor en 1961 y saltar a la fama internacional como miembro de los Tres Tenores en 1990. Pero el gran cantante español todavía está añadiendo nuevos papeles a su repertorio, después de volver a su registro de barítono en 2009, al mismo tiempo que mantiene ocupaciones alternativas como compositor, director de orquesta y productor.

Igualmente cómodo en diversos idiomas y con diferentes estilos, Domingo aparece en The best of con un amplio repertorio que abarca ópera, musicales, folk, pop, crossovers, villancicos y música sacra, así como con una selección de melodías populares españolas y latinoamericanas que recuerdan los primeros días del cantante en España y México.

CONTENIDO:

DISCO 1
1. VERDI: Rigoletto: La donna è mobile
2. VERDI: Rigoletto: Ella mi fu rapita – Parmi veder le lagrime
3. PUCCINI: La Bohème: Che gelida manina
4. PUCCINI: La Bohème: O soave fanciulla
5. VERDI: Aida: Se quel guerrier… Celeste Aida
6. VERDI: Il trovatore: Ah sì, ben mio
7. VERDI: Il trovatore: Di quella pira
8. PUCCINI: Tosca: Dammi i colori – Recondita armonia
9. PUCCINI: Turandot: Non piangere, Liù – Ah! Per l’ultima volta!
10. VERDI: Un ballo in maschera: Barcarola: Di’ tu se fedele
11. VERDI: La Traviata: Lunge da lei – De’ miei bollenti spiriti
12. PUCCINI: Tosca: E lucevan le stelle
13. PUCCINI: Madama Butterfly: Vogliatemi bene (Bimba dagli occhi)
14. VERDI: La traviata: Di provenza il mar
15. PUCCINI: Turandot: Nessun dorma
16. VERDI: Luisa Miller: Oh! fede negar potessi – Quando le sere al placido
17. VERDI: Don Carlos: E lui! desso! -Dio, che nell’alma infondere amor
18. VERDI: Otello: Niun me tema

DISCO 2
1. LEONCAVALLO: Pagliacci: Recitar! … Vesti la giubba
2. CILÈA: L’Arlesiana: È la solita storia
3. BIZET: Carmen: La fleur que tu m’avais jetée
4. FLOTOW: Martha: M’appari tutt’amor
5. WAGNER: Lohengrin: In fernem Land, unnahbar euren Schritten
6. MOZART: Die Zauberflöte: Wie stark ist nicht dein Zauberton
7. MOZART: Don Giovanni : Il mio tesoro
8.
DONIZETTI: L’elisir d’amore: Una furtiva lagrima

9. GIORDANO: Andrea Chénier: Un dî all’azzuro spazio
10. MASSENET: Werther: Pourquoi me reveiller?
11. MASSENET: Manon: Je suis seul! – Ah fuyez, douce image
12. GOUNOD: Faust (Margarethe): Quel trouble – Salut! demeure chaste et pure
13. MEYERBEER: L’Africana: Mi batte il cor … O Paradiso!
14. GOUNOD: Roméo et Juliette : L’amour! L’amour! – Ah! Léve-toi
15. TSCHAIKOWSKI: Eugen Onegin: Kuda, kuda, kuda vi udalilis
16.
MASCAGNI: Cavalleria Rusticana: Mamma, quel vino è generoso

17. BIZET: Les Pêcheurs de perles: Au fond du temple saint

DISCO 3
1. Un Uomo tra la Folla
2. Ideale
3. Maria from West Side Story
4. Torna a Surriento
5. Hear my Song
6. My Life for a Song
7. Il primo tocco
8. Annie’s Song
9. Yesterday
10. Il mio cuore va – My Heart will go on
11. Perhaps Love
12. Autumn Leaves
13. Plaisir d’amour
14. Eternally
15. La coscienza
16. The Gift of Love
17. Amore glorificato
18. Gratitude
19. Ave Maria
20. Ombra mai fu from Serse
21. Agnus Die
22. Panis Angelicus
23. Children of Christmas

DISCO 4
1.
Mediterráneo

2. Alma latina
3. Granada
4. Siboney
5. Malagueña
6. De México a Buenos Aires
7. El humahuaqueño
8. Manha de carnaval
9. La Paloma
10. Aranjuez
11. Bésame mucho
12. Jalousie
13. Perfidia – Frenesí – La última noche
14. Paloma querida
15. La malagueña
16. Ayúdame, Dios mio
17. Yo soy mexicano
18. Quiéreme mucho
19. La negra Noche
20. Total
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OSG

La Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG) debuta la próxima semana en el prestigioso ciclo “Abu Dhabi Classics” con dos conciertos. Tendrán lugar el 13 y 14 de enero bajo la batuta de su director titular, Dima Slobodeniouk, y contarán con la presencia del pianista español Javier Perianes. El Emirates Palace será el primer escenario y la antigua Fortaleza Al Jahili, en la oasis Al Ain, el siguiente. Un entorno ideal para escuchar las ‘Noches en los jardines de España’, de Manuel de Falla.
Según Andrés Lacasa, gerente de la Orquesta, “con esta gira la Sinfónica de Galicia exporta marca Galicia y marca España en su debut en el prestigioso ciclo de los Emiratos Árabes, consolidándose como un referente sinfónico a nivel internacional».
Se trata de la primera cita internacional importante del año, después de haber iniciado 2016 con la ‘Sexta de Mahler’ en A Coruña, apoyados por músicos de la Orquesta Joven para el Concierto de Reyes el pasado día 5, y antes de presentarse el 30 de marzo en el Auditorio Nacional de Madrid con la ‘Sexta de Chaikovski’ y el ‘Segundo concierto para piano’, de Beethoven, junto a Yefim Bronfman. Antes de cerrar la temporada con la ‘Quinta sinfonía’ de Mahler, bajo la batuta de Christoph Eschenbach, acometerán también en mayo el ‘Requiem’ de Verdi con su director titular.
La OSG contará para la interpretación de la ‘Sexta de Mahler’ en Abu Dabi con el refuerzo de músicos de la Orquesta Joven.

DIMA SLOBODENIOUK
Slobodeniouk es uno de los maestros más destacados de las nuevas generaciones. Combina sus raíces rusas originarias con sus años de estudio en Finlandia, país donde ahora reside. El haber fundido las identidades musicales de ambos países, ha permitido a Slobodeniouk situarse entre la nueva hornada de batutas con personalidad propia, una profunda formación y gran inteligencia artística.
En la temporada 2011/12, Slobodeniouk realizó su debut con la Orquesta Filarmónica de la Radio Francesa, la Orquesta de Castilla y León junto a Baiba Skride, la Orquesta SWR de Stuttgart junto a Christian Poltera y la Filarmónica de Essen junto a Kari Kriikku. Después de realizar un magnífico debut en los EE UU con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati en 2010, Dima Slobodeniouk volvió a este país para su debut con la Orquesta de Cámara St. Paul, junto al violinista finlandés Pekka Kusisto como solista.
Nacido en Moscú, Dima Slobodeniouk estudió violín en la Escuela Central de Música con Zinaida Gilels y J. Chugajev entre 1980 y 1989, para posteriormente continuar sus estudios en el Conservatorio de Moscú, en el de Middle Finlands y en la Academia Sibelius, con Olga Parhomenko. En 1994 inició sus estudios de dirección, participando en las clases de Atso Almila entre 1996 y 1998. Continuó sus estudios en la Academia Sibelius con Leif Segerstam, Jorma Panula y Atso Almila. También se ha formado junto a Ilja Musinin y Esa-Pekka Salonen.
Desde la temporada 2013-14 es titular de la Sinfónica de Galicia.

JAVIER PERIANES
Recién nombrado artista del año 2015 por la revista Codalario y Premio Nacional de Música 2012, Javier Perianes ha sido descrito por diarios como The Telegraph como “un pianista de impecable y refinado gusto, dotado de una extraordinaria calidez sonora”. Su carrera internacional abarca los cinco continentes, con presencia en el Royal Festival Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Théâtre des Champs Élysées de París, la Philharmonie de Berlín, el Great Hall del Conservatorio de Moscú o el Suntory Hall de Tokio.
La temporada 2016 de Perianes incluye conciertos con la Wiener Philharmoniker, Chicago Symphony, Boston Symphony, Yomiuri Nippon Symphony Orchestra,London Philharmonic Orchestra, Netherlands Radio Philharmonic Orchestra, Tonkünstler-Orchester, Orchestre de Chambre de Paris y Orchestra of St. Luke’s (Carnegie Hall), así como un mes de gira con diversas formaciones por Australia y Nueva Zelanda.
De su anterior temporada de conciertos, destacan varios debuts de prestigio entre los que se incluyen la Orchestre de Paris, Washington National Symphony, San Francisco Symphony y BBC Scottish. Invitado por muchos de los principales directores del mundo, Perianes ha trabajado con maestros como Daniel Barenboim, Charles Dutoit, Zubin Mehta, Lorin Maazel, Rafael Frühbeck de Burgos, Daniel Harding, Yuri Temirkanov, Juanjo Mena, López Cobos, Josep Pons, Andrés Orozco-Estrada, Robin Ticciati, Thomas Dausgaard y Vasily Petrenko.
Perianes es un artista exclusivo del sello harmonia mundi. Su álbum dedicado a Falla, que incluye ‘Noches en los jardines de España’ y una selección de piezas para piano, fue nominado al Grammy Latino 2012. Más recientemente ha salido al mercado una grabación en vivo del ‘Concierto para piano de Grieg’ con la BBC Symphony Orchestra y el maestro Sakari Oramo. La revista Grammophone apuntaba:“Hay que ser realmente valiente para grabar el Concierto para piano de Grieg […] pero la interpretación del joven virtuoso español Javier Perianes es de una brillantez e intrepidez tales que borra prácticamente los recuerdos del pasado”.

LA ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA
Creada en 1992 por el Ayuntamiento de A Coruña, ciudad en cuyo Palacio de la Ópera tiene su sede, la Orquesta fue comandada desde sus inicios por Víctor Pablo Pérez, ahora director honorario, que consolidó a la OSG como una de las formaciones emergentes más atractivas del continente. Orquesta residente del Festival Rossini de Pésaro, entre 2003 y 2005, así como del Festival Mozart de A Coruña desde su creación en 1998, los músicos han realizado varias giras por Alemania y Austria –donde en 2009 se presentó en la mítica Musikverain, de Viena- y ofrecido conciertos en las mejores salas y ciclos de conciertos. En 2007 realizó su primera gira por América del Sur, con actuaciones en Chile, Argentina, Brasil, Uruguay y Montevideo.
Además de la colaboración con Perianes – Premio Nacional de Música en 2012- la OSG cuenta habitualmente con solistas como Anne-Sophie Mutter, Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Gil Shaham, Sarah Chang, Grigory Sokolov, Leonidas Kavakos, Arcadi Volodos, Maria Joao Pires, F. P. Zimmermann, Mischa Maisky o Christian Lindberg entre otros. Con ella han cantado Alfredo Kraus, Teresa Berganza, Plácido Domingo, María Bayo, Ainhoa Arteta, Juan Diego Flórez, Simon Estes, Mirella Freni, Ann Murray, Amanda Roocroft, Ildar Abdrazakov, Hildegard Behrens, Eva Marton, Giuseppe Giacomini, Philip Langridge, Carlos Chausson, Raúl Giménez, Isabel Rey, Carlos Álvarez, Ana María Sánchez o Giuseppe Sabbatini entre otros muchos. Por su podio han pasado directores de la talla de Lorin Maazel, Daniel Harding, Guennadi Rozdestvenski, James Judd, Jean-Pascal Tortelier, Stanislaw Skrowaczeski, Libor Pesek, Peter Maag, Jesús López Cobos, Osmo Vänskä, Alberto Zedda, Emmanuel Krivine, Yoav Talmi, Raymond Leppard, Gabriel Chmura, Jean-Jacques Kantorow, Josep Pons, John Nelson, Gianandrea Noseda, Ron Goodwin o Manfred Honeck.
En su discografía para sellos como EMI, DECCA, Koch, Naïve, BMG y Arts figura como acompañante de nombres como los de Juan Diego Flórez, Kaori Muraji, Peter Maag, Antonio Meneses, Manuel Barrueco —con quien fue nominada al Grammy 2007 por el mejor álbum clásico del año—, María Bayo, Plácido Domingo, Juan Pons o Ewa Podles entre otros.
Más de 430.000 personas se han conectado a canales como Youtube, convirtiéndola en la orquesta española más seguida en internet. La OSG ha sido premiada con la Medalla de Oro de la Real Academia Galega de Bellas Artes y es Premio Cultura Galega da Música 2010. Está financiada por el Ayuntamiento de A Coruña, la Diputación de A Coruña y la Xunta de Galicia.

Programa del concierto de 13 de enero en Emirates Palace, Abu Dabi
LUDWIG VAN BEETHOVEN Concierto para piano y orquesta no 4, en sol mayor, op. 58
GUSTAV MAHLER Sinfonía no 6
Dima Slobodeniouk (director)
Javier Perianes (piano)

Programa del concierto de 14 de enero en Al Jahili Fort, Al Ain
RICHARD WAGNER Preludio y muerte de amor de Tristán e Isolda
MANUEL DE FALLA Noches en los jardines de España
JOHANNES BRAHMS Sinfonía no 4, en mi menor, op. 98
Dima Slobodeniouk (director)
Javier Perianes (piano)

Dessí

Daniela Dessì regresará nuevamente a España después de una larga serie de actuaciones y homenajes en Italia. La colmada agenda de la cantante en el último mes la ha llevado al Teatro del Giglio de Lucca el pasado 8 de dicembre en el que ofreció un recital junto a un quinteto de cuerdas del Teatro Carlo Felice de Génova. En Padua fue la protagonista del tradicional Concierto de Navidad el 11 de dicembre y a Lecce, al Teatro Politeama Greco, el 16 para intervenir en el Recital Cantango, un proyecto creado en 2014 por su pareja, el tenor Fabio Armiliato, en homenaje a Tito Schipa y Carlos Gardel.

Este nuevo año, Dessì vuelve a interpretar uno de los papeles más importantes del repertorio: el 23, 25 y 27 de febrero será Maddalena di Coigny, protagonista de la ópera de Umberto Giordano Andrea Chénier inaugurando la temporada lírica de los Amigos Canarios de la Ópera en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria, en la producción de Alfonso Romero para el Festival Castell de Peralada.

El personaje es uno de los favoritos de la soprano italiana, parte importante tanto de su repertorio como de su discografía: “Maddalena di Coigny es uno de los papeles que me han introducido en el repertorio
verista”, declara la cantante. “Lo debuté en 1996 en la Opernhaus de Zúrich con un gran éxito y desde entonces me enamoré del rol. Me gusta mucho cantarlo y ver cómo ha ido creciendo a mi lado”.

La diva italiana, considerada una autoridad en el repertorio, grabó Andrea Chénier junto a Fabio Armiliato, con la Orchestra Sinfonica y el Coro Sinfonico di Milano Giuseppe Verdi dirigidos por Vjekoslav Sutej.

Entre los proyectos futuros de la cantante de Génova está la grabación de un CD dedicado al bel canto.

http://danieladessi.com

Fabio Armiliato

Después del concierto Recital CanTango ofrecido en la ciudad de Lecce (Italia) el pasado 16 de diciembre clausurando los actos del 50° aniversario de la muerte del grandísimo tenor Tito Schipa, el también tenor Fabio Armiliato se prepara para su próximo compromiso: será el protagonista de Otello, de Giuseppe Verdi, los días 3, 5 y 7 de febrero en el Teatro Calderón de Valladolid. El emblemático personaje no es nuevo en el repertorio del cantante italiano: lo debutó en 2011 en la Opéra Royal de Lieja (Bélgica), ocasión que significó uno de los momentos de mayor orgullo para Armiliato: “El debut como Otello, junto a Daniela Dessì como Desdemona, quien ha estado a mi lado en el bautismo de este importante papel, ha sido uno de los momentos más importantes de nuestra trayectoria artística”, subraya el tenor.

Fabio Armiliato, artista polivalente, debutó como actor protagonista en uno de las últimas películas de Woody Allen, To Rome with Love, estrenado en todo el mundo en 2012, recibiendo el aplauso de público y crítica, siendo premiado con un Oscar della Lirica 2012.

Por otra parte, en 2014 y junto al pianista Fabrizio Mocata, creó el proyecto Recital CanTango, dedicado a las obras más conocidas de su admirado Carlos Gardel. Armiliato, que preparó este repertorio en Buenos Aires con los más reconocidos especialistas, aporta al popular género todo su bagaje en el repertorio lírico entroncando con la figura de otro gran admirador del tango: Tito Schipa.

En el Calderón de Valladolid, Fabio Armiliato actuará junto a Isabel Rey (Desdemona) y Juan Jesús Rodríguez (Jago), con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y el Coro Amigos del Teatro Calderón bajo la dirección de Sergio Alapont.
http://www.fabioarmiliato.com/
http://www.tcalderon.com/program/principal/lirica/otello/

katzaravamaria

Maria Katzarava debutará en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona el 27 de enero cantando Desdemona, la protagonista femenina de la ópera Otello, de Giuseppe Verdi. La joven soprano mexicano-georgiana llega al coliseo catalán después de su reciente y aplaudido debut español con Il duca d’Alba en el Teatro Campoamor de Oviedo donde causó sensación gracias a su talento y temperamento escénico, siendo saludada por la crítica como “una auténtica revelación”. Su debut liceísta –reemplazando a Carmen Giannattasio– la mantendrá ligada al repertorio verdiano, ya que se incorporará a los ensayos de Otello días después de haber debutado en Italia La Traviata en la clausura de la temporada del Teatro Verdi de Padua. “Estoy muy emocionada con esta Desdemona en el Liceu, ya que es un gran papel ideal para cantar por primera vez en este teatro de tanta tradición. Además, Barcelona es mi ciudad de adopción, ya que resido allí desde hace ya casi dos años”, afirmó la cantante, que también interpretará el personaje shakesperiano los días 31 de enero y 4 y 5 de febrero.

Katzarava ganó en 2008 el Primer Premio del concurso Operalia, fundado y presidido por Plácido Domingo y ha ido imponiendo su arte en grandes escenarios como los de la Royal Opera House del Covent Garden de Londres, La Scala de Milán o el Grand Théâtre de Ginebra. Entre otros compromisos, Maria Katzarava será Micaëla (Carmen, Bizet) en el Teatro Communale de Bolonia, viajará a Moscú con la compañía del Maggio Musicale de Florencia bajo la dirección de Zubin Mehta e interpretará a Margherite (Faust, Gounod) en el Grand Théâtre de Lausana (Suiza).

http://www.katzaravamaria.com/

Montiel

María José Montiel inaugura el domingo la temporada del San Carlo de Nápoles protagonizando Carmen junto a Zubin Mehta. La diva madrileña, reciente ganadora del Premio Nacional de Música, interpretará a la protagonista de la ópera de Bizet debutando en el emblemático coliseo napolitano ante el Presidente de la República Italiana, Sergio Mattarella.

Las entradas, agotadas, cuestan hasta 800 euros. La inauguración del Teatro San Carlo de Nápoles, conocido como «el más hermoso del mundo», vuelve a ser un evento social, político y cultural de primer orden. Y con una española como protagonista. Esta será la cuarta vez que Zubin Mehta dirija a María José Montiel en los últimos meses. El idilio artístico entre ambos intérpretes tendrá como culminación la inauguración, este domingo, de la temporada del mítico coliseo napolitano, el más grande y antiguo de Italia, una función de gala a la que asistirá incluso el presidente de la República italiana, Sergio Mattarella. Sobre el escenario, la mezzosoprano de Madrid se vestirá como la protagonista de la ópera Carmen, de Bizet, título que ha cantado dirigida por el maestro Mehta en Tel Aviv en diciembre de 2014 y en marzo pasado. «Trabajar con él es siempre enriquecedor», apunta Montiel, y «la colaboración que tenemos está llena de complicidad, con lo que conseguimos darle carácter y el mejor sentido musical a los personajes». En julio Mehta también dirigió a la cantante española en Un ballo in maschera. Después de cantar el Requiem de Verdi en Milán despidiendo la EXPO Milano 2015, María José Montiel vuelve a Italia para debutar en Nápoles y lo hace más feliz que nunca, ahora poseedora de la máxima distinción a la que puede aspirar un intérprete español: el Premio Nacional de Música que el Gobierno le otorgó el pasado mes de octubre. La cantante madrileña, que ha protagonizado Carmen en los escenarios más importantes de Suiza, Italia, Alemania, Francia, España, Japón, China y Estados Unidos, celebrará en Nápoles su Carmen número 100.

Más información: www.mariajosemontiel.com

Rigoletto

El Teatro Real estrenará el próximo lunes, 30 de noviembre, la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi, uno de los títulos más representados del compositor italiano, de la que se ofrecerán 16 funciones en una producción procedente de la Royal Opera House de Londres, donde ya se ha repuesto en varias ocasiones con gran éxito.

La ópera, con una estructura dramática de fuerza incontestable, está basada en la obra de Victor Hugo Le roi s´amuse, en la que se relata la historia de un rey cínico e inmoral, inspirado en Francisco I de Francia, pero que es en realidad una reflexión sobre la inhumanidad del hombre con el hombre, la corrupción de la inocencia y el abuso de poder.

David McVicar, responsable de la puesta en escena, diseña una atmósfera intensa y opresiva que indaga en la ambivalencia del personaje, repleto de emociones conflictivas y violentas, y a la vez convierte la obra en un grito de rabia contra la injusticia. Su versión pone de relieve la crueldad y la degeneración en el corazón de la corte del duque de Mantua, donde contrastan los ricos cortesanos, sumidos en la degeneración, y la mísera casucha en la que vive Rigoletto, mostrada en una escenografía circular que gira descubriendo ambas caras de la realidad.

El maestro Nicola Luisotti, gran experto en voces, estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de tres elencos encabezados por uno de los más destacados intérpretes históricos del bufón, Leo Nucci, cuya primera aparición en un título de ópera en este escenario tuvo lugar en junio de 2009, dando vida a Rigoletto y en la que protagonizó el primer bis de la historia reciente del Teatro Real.

Junto a Nucci se alternarán en las representaciones, como Rigoletto, Juan Jesús Rodríguez y Luca Salsi. Cuatro tenores pondrán voz al duque de Mantua: Stephen Costello, Francesco Demuro, Piero Pretti y Ho-Yoon Chung, y las sopranos Olga Peretyatko y Lisette Oropesa que encarnarán a Gilda.

En torno a las funciones de Rigoletto se han programado diversas e interesantes actividades paralelas que comprenden conferencias, proyecciones de cine y exposiciones. Así, la Filmoteca Nacional, Cine Doré, proyectará la versión cinematográfica de Rigoletto realizada por Jean-Pierre Ponnelle en 1982, en los lugares originales que se mencionan en la obra y protagonizada por Luciano Pavarotti, Ingvar Wixell y Edita Gruberova en los papeles principales. Y el Museo del Romanticismo prosigue su colaboración con el Teatro Real exhibiendo dos de los trajes pertenecientes a la producción que se representa en nuestro escenario durante el mes de diciembre.

ABAO

Mañana miércoles 14 de octubre da comienzo la décima edición de la Semana Verdi de ABAO que organiza ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) en colaboración con Deusto Forum. Un ciclo de conferencias que a lo largo de diez años y de la mano de más de medio centenar de conferenciantes procedentes de Europa y América nos ha permitido profundizar en las facetas más insólitas del compositor de ópera más universal.

 

La décima Semana Verdi de ABAO reúne a las 19:30h en la Universidad de Deusto a siete prestigiosos ponentes que, desde octubre hasta mayo, nos ayudarán a seguir ahondando en  diferentes aspectos del genio italiano.

 

La conferencia inaugural de este décimo ciclo corre a cargo de Christian Merlin, crítico del diario parisino Le Figaro, quien mañana 14 de octubre disertará sobre “Verdi y Francia”, dándonos a conocer el nexo del maestro italiano con este país.

 

La siguiente cita es el 9 de noviembre, turno de otro crítico, Reinhard Brembeck del diario Süddeutsche Zeitung de Munich, quien nos muestra la relación entre “Verdi y Alemania”. El 3 de diciembre procedente de la Universidad de Lisboa llega a Bilbao la estudiosa y profunda conocedora de la figura de Verdi, Luisa Cymbrom para hablarnos de “Verdi y Portugal”.

 

A mediados de febrero, el día 15, Ignacio Cobeta, catedrático de Otorrinolaringología de la Universidad de Alcalá de Henares,  nos descubre en su conferencia “Verdi y la vocalidad” la voz y sus peculiaridades, un tema muy querido entre los bilbaínos. El barítono, director y presentador del programa ‘This is opera’ de TVE2, Ramón Gener llega a la capital vizcaína el 17 de marzo para ayudarnos a situar “Rigoletto, la ópera de Bilbao”. Los sumilleres de dos restaurantes tan emblemáticos como ‘El Celler de Can Roca’ en Girona y ‘Mugaritz’ en Gipuzkoa, Josep Roca y Guillermo Cruz, ponen el 3 de mayo un broche de oro a esta décima edición de la Semana Verdi con la charla “Verdi y el vino”. Un coloquio que continúa el impactante juego de asociaciones entre los sabores y la sensibilidad musical, que en la pasada edición esbozaron con fantasía los jefes de cocina de estos dos emblemáticos templos de la gastronomía.

 

Para asistir a estas seis conferencias gratuitas es necesaria invitación que podrá solicitarse a través del número de teléfono: 944 139 020 de 9:00 a 14:00 h y de 15:30 a 18:30 h o a la dirección de correo electrónico: deusto.forum@deusto.es

 

“Semana Verdi de ABAO”, ciclo de conferencias

 

El acuerdo de colaboración entre ABAO-OLBE y la Universidad de Deusto asoma en el marco del proyecto “Tutto Verdi” con el que la Asociación asume el reto de representar la totalidad de las óperas del maestro. Pero además, fiel a su filosofía y compromiso con la sociedad, ABAO-OLBE programa un proyecto cultural paralelo en torno a la figura del artista para descubrir desde diferentes perspectivas los aspectos más sobresalientes e inéditos del músico italiano y conocer al Verdi más auténtico. Y es aquí donde surge la implicación de otras instituciones culturales que se traduce en la firma de convenios de colaboración como es el caso de la Universidad de Deusto a través del Deusto Forum.

 

Programa

 

“Verdi y Francia”.CHRISTIAN MERLIN

Día: miércoles 14 de octubre

Hora: 19:30h

Lugar: Universidad de Deusto.

 

“Verdi y Alemania”.REINHARD BREMBECK

Día: lunes 9 de noviembre

Hora: 19:30h

Lugar: Universidad de Deusto

 

“Verdi y Portugal”.LUISA CYMBRON

Día: jueves 3 de diciembre

Hora: 19:30h

Lugar: Universidad de Deusto

 

”Verdi y la vocalidad”IGNACIO COBETA

Día: lunes 15 de febrero

Hora: 19:30h

Lugar: Universidad de Deusto

 

“Rigoletto, la ópera de Bilbao”. RAMÓN GENER

Día: jueves 17 de marzo

Hora: 19:30h

Lugar: Universidad de Deusto

 

“Verdi y el vino”. JOSEP ROCA Y GUILLERMO CRUZ

Día: martes 3 de mayo

Hora: 19:30h

Lugar: Universidad de Deusto

Rancatore

Desirée Rancatore regresa a Japón después de recibir el Premio Luciano Pavarotti 2015.
La soprano italiana interpretará La Traviata en varias ciudades del Japón encabezando una gira de la Ópera de Praga.
Desirée Rancatore, después de recoger el Premio Pavarotti d’Oro 2015 en Correggio (Italia), retorna triunfalmente a uno de los países en los que arrastra multitudes: Japón. Y lo hace con uno de sus papeles favoritos, Violetta Valéry, la protagonista de La Traviata, de Giuseppe Verdi. El éxito está asegurado, ya que el pasado mes de mayo, cuando las entradas se pusieron a la venta para las actuaciones entre el 10 de octubre y el 3 de noviembre en Omiya, Ueno (Tokyo), Osaka y Nagoya, las localidades se agotaron en pocas horas.

El debut de Desirée Rancatore como Traviata en Japón se producirá con una gira del Teatro de la Ópera de Praga que encabeza la diva siciliana, quien ha interpretado el mítico papel verdiano en ciudades como Viena, Montecarlo, Turín, Mascate (Omán) o San Lorenzo de El escorial (Madrid, España). En Japón, a las funciones de la obra maestra de Verdi, Rancatore ofrecerá además un concierto en Tokyo, antes de regresar a Italia, donde, entre diciembre y enero, cantará por vez primera el papel de Musetta de La Bohème (Puccini) en el Teatro Carlo Felice de Génova.

Otello

Memorable la representación de Otello que tuvo lugar el día 1 de agosto, en la presente edición del Festival Castell Peralada. Una incierta metereología, propiciaba mirar de continuo el cielo ante la presencia de nubarrones -de hecho, la noche anterior había descargado una fuerte tormenta- que podían presagiar lluvias con la consiguiente suspensión de la representación. Afortunadamente, pudo contemplarse este Otello verdaderamente magnífico a nivel musical y escenográfico. En esta nueva coproducción, encargo de los Festivales de Peralada y Macerata, el murciano Paco Azorín, como director escénico, hace girar toda la acción alrededor del perverso y manipulador Yago, magistralmente interpretado por Carlos Alvarez, cuyo absoluto dominio escénico ya se pone de manifiesto en los prolegómenos de la representación, moviéndose como un auténtico “maestro de ceremonias”, atento a todos los detalles, incluso, instando al responsable de la luminoctécnia a cambiar el gran rótulo del espectáculo “Otello de Giuseppe Verdi”, por “Yago de William Schakespeare”.

Azorín muestra su predilección por el dramaturgo inglés, al insertar, de manera muy acertada en el contexto de la acción, sus bellísimos sonetos 43 y 138, cuyos textos proyectados sobre la cortina del escenario introducen los Actos II y IV. La escenografía diseñada por Paco Azorin, resulta de absoluta sencillez consistente en dos grandes bloques macizos, que van tomando diferentes posiciones y, por momentos, encajan una empinada escalera central. Los bloques tienen rampas que permiten a los personajes situarse en diferentes planos dramáticos. Los efectos escénicos se complementan con diversas proyecciones diseñadas por Pablo Chamizo: un mar embravecido por la tormenta en el arranque de la ópera, y en cuyo final ese bello mar se muestra en total calma, como fondo de los inertes y entrelazados cuerpos de Otello y Desdemona ya unidos por toda la eternidad.

También, ese sauce que ambienta la canción de Desdemona, que va perdiendo sus hojas, convirtiéndose en un siniestro bosque, conforme la escena va derivando hacia su trágico final, o ese infernal fondo rojizo en el desarrollo del intenso y dramático dúo de Otello y Yago, al final del Acto II. Y, cuando Yago va introduciendo en Otello el demonio de los celos, puede verse proyectada en sombras las siluetas de Desdemona y Cassio conversando, imagen que manipulada por Yago hace creer a Otello en la relación amorosa de ambos. El atractivo diseño de iluminación a cargo de Albert Faura, completa esta acertada puesta en escena. El vestuario diseñado por Ana Garay resulta intemporal y de color negro en las vestimentas de todos los personajes, en contraposición con el blanco inmaculado que siempre luce la ingenua e inocente Desdemona.

En el caso de Yago, y para plasmar su doble juego a lo largo de la obra, podemos verle con una chupa de cuero, típica de un motero macarra, que cambia por su uniforme oficialista cuando está en presencia de Otello.

Notable prestación de la Orquesta del Liceu, con una detallada dirección de Riccardo Frizza, diferenciando planos sonoros, buscando establecer tensiones y conjugando los momentos de mayor impacto sonoro al comienzo de la ópera, con otros de intenso lirismo, como la música que introduce y acompaña el dúo de Otello y Desdemona al final del Acto I, o el bellísimo tema musical sobre las palabras de Desdemona “Dammi la dolce, lieta parola del perdono”, que va reapareciendo en el transcurso del cuarteto Otello-Desdemona y Yago-Emilia (ambas parejas situadas en diferentes planos dramáticos) del Acto II. Resultó bien ejecutada la introducción orquestal de fuerte aliento sinfónico del Acto III. Buena prestación de las diferentes secciones orquestales, aunque con unos metales, por momentos, un tanto desajustados.

Gregory Kunde se ha convertido en los últimos años en un Otello de referencia, siguiendo la estela de otros grandes interpretes de este personaje: Francesco Merli, Ramón Vinay, Mario del Monaco, el recientemente desaparecido John Vickers y Plácido Domingo. Por su cuidado fraseo y total respeto a todas las notas escritas por Verdi, el Otello interpretado por Kunde tiene semejanzas con el de Vickers, aunque sin poseer el registro grave que exhibía el gran tenor canadiense.

Por otra parte, resulta verdaderamente insólito que Gregory Kunde sea capaz de cantar con diferencia de pocos días el Otello rossiniano en el Teatro alla Scala, cuya última representación tuvo lugar 24 de julio, y el Otello verdiano en Peralada, el 1 de agosto. Ya resulta imponente su heroico “Esultate” al comienzo de la ópera, en contraposición con el lirismo que ofrece en su interpretación del intenso dúo con Desdemona “Già nella notte densa”con el que finaliza el Acto I. Ya, en el Acto II, su gran interpretación de “Tu? Indietro! Fuggi….Ora e per sempre addio”, junto al dramático dúo con Yago “Oh! Mostruosa colpa…… Sì, pel ciel marmoreo giuro” lleno de heroicos acentos. Su extraordinaria y matizada interpretación de “Dio! Mi potevi scagliar”, en el Acto III, donde luce un impecable fraseo, su capacidad para el canto legato, las medias voces y unos fáciles y rotundos agudos. Dosifica su caudal sonoro para llegar en óptimas condiciones al final de la ópera y cantar con patéticos y estremecedores acentos “Niun mi tema”. Junto a su excelente vocalidad, Gregory Kunde ofrece una gran actuación teatral.

Carlos Alvarez compone un excepcional Yago, conjugando su magnífica vocalidad con una extraordinaria actuación teatral. Se trata de un personaje que el gran barítono malagueño domina a la perfección, y que tuve la fortuna de escucharle cuando lo cantó por primera vez, con gran éxito, en el ya lejano otoño de 2002, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, con dirección musical de Jesus Lopez Cobos.

En esta representación de Peralada, Carlos Alvarez domina la escena desde los mismos prolegómenos de la representación, urdiendo su maléfica trama, que concluye al final del Acto III, poniendo su pie encima de un desvanecido Otello, con la despectiva frase “Ecco il leone”. Ya, durante el desarrollo del Acto I, eminentemente coral, Alvarez brilla teatralmente en sus duettos con Roderigo y Casio. En el Acto II, interpreta de manera espléndida el recitativo-aria “Vanne! La tua meta……Credo en un Dio crudel” donde muestra todo su nihilismo y maldad, con un fraseo lleno de intencionalidad y énfasis, sobre todo al final del aria “E poi? La morte è il nulla. È vecchia fola il ciel”. Destacar de sobremanera su sibilina interpretación de “Era la notte, Cassio dormia” intercalado en su largo dúo con Otello, concluido magistralmente cuando Alvarez y Kunde juntan sus voces “Si, pel ciel marmoero giuro”. En el Acto III su manipulador dúo con Cassio “Vieni, l’aula è deserta”, con la presencia en diferente plano dramático de un enloquecido Otello. Las incursiones de Eva-María Westbroek en variopintos repertorios: wagneriano, verista, pucciniano, verdiano, de Janacek, o Lady Macbeth de Shostakovich, empiezan a pasarle factura; y, sus poderosos medios vocales se ven afectados por un ostensible vibrato junto a cierta perdida de homogeneidad en la emisión. Ello se pone de manifiesto en su interpretación de Desdemona, sobre todo en los momentos de más delicado lirismo, como el gran dúo con Otello del Acto I, o en sus intervenciones durante el Acto II: dúo con Otello “D’un uom che geme” seguido del cuarteto “Se inconscia contro te, sposo, ho peccato”.

La soprano holandesa consigue sus mejor prestación en el Acto III, en los momentos de mayor empuje dramático: dúo con Otello “Dio ti giocondi, o sposo…..Esterrefatta fisso” y, sobre todo, en “A terra! Si, nel livido fango” marcado con patéticos acentos ante el desprecio y humillación a que es sometida por Otello. Ya en el Acto IV, controla mejor la emisión realizando una buena interpretación en “Piangea cantando nell’erma landa” (Canción del sauce), seguida del “Ave Maria”, piena di grazia”. Parece ser, que Eva-Maria Westbroek, no se encontraba en plenitud vocal y ello ya se puso de manifiesto en el ensayo general de Otello. Recuerdo su esplendida Sieglinde (una de sus grandes creaciones) de La Walkiria, en 2009, junto al Siegmund de Plácido Domingo, en el valenciano Palau de les Arts, que supuso su debut en España. Y, sobre todo, su extraordinaria creación de Lady Macbeth de Shostakovich en el Teatro Real de Madrid, en 2011, donde tuve ocasión de entrevistarla, en una muy agradable y distendida conversación realizada en español, donde mostraba su gran admiración por Renata Tebaldi. Escuchando una grabación en video de La forza del destino, en 2008, desde el Teatro de la Moneda de Bruselas, se puede constatar su magnífica creación de Leonora siguiendo el modelo de Tebaldi, y con bastante adecuación al llamado “canto verdiano”. Sin embargo, los siete años transcurridos no han pasado en balde.

Señalar también, en este Otello, la notable actuación como Cassio del tenor Francisco Vas, así como de Mireia Pinto en el papel de Emilia y Vicenç Esteve como Roderigo. Buena actuación del Coro del Liceu, bien dirigido por Conxita Garcia, con su gran protagonismo en el Acto I, o el magnífico concertante del Acto III. Finalmente, señalar la buena actuación -simplemente como actores- de los seis esbirros de Yago.

Texto: Diego Manuel García Pérez-Espejo
Fotografías: Miquel González / Shooting

José Miguel Pérez-Sierra

La intensa agenda veraniega del director madrileño José Miguel Pérez-Sierra se completa los meses de julio y agosto con dos compromisos a lado y lado del Atlántico. Si en junio y julio ha obtenido un gran triunfo en el Teatro Verdi de Trieste dirigiendo seis funciones de Falstaff, el último trabajo operístico del catálogo verdiano, el próximo 16 de julio regresará al Rossini Opera Festival de Wildbad -en el que en 2013 dirigiera la poco divulgada Ricciardo e Zoraide del compositor de Pesaro-, esta vez para ofrecer una gala de arias rossinianas junto a la mezzosoprano italiana Marianna Pizzolato, los Virtuosi Brunensis y el Camerata Bachchor Poznan. Unos días más tarde, el 19 y el 22 de julio, Pérez-Sierra volverá a subirse al podio del festival de la Selva Negra para brindar, junto al mismo conjunto con sede en Brno -República Checa-, sendas funciones de L’Italiana in Algeri.

Ya en agosto y tras el compromiso en Alemania, el director español continuará con más Rossini al otro lado del Atlántico, en el Teatro Municipal de Santiago de Chile, en el que entre los días 14 y 22 de agosto dirigirá seis funciones de Il Turco in Italia en una coproducción del coliseo santiaguino y el Théâtre du Capitole de Toulouse dirigida escénicamente por el ovetense Emilio Sagi, con escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Pepa Ojanguren e iluminación de Eduardo Bravo. Como principales protagonistas figuran Pietro Spagnoli (Selim), Keri Alkema (Fiorilla), Alessandro Corbelli (Don Geronio) y Yijie Shi (Don Narciso).

Próximo compromisos llevarán a José Miguel Pérez-Sierra a escenarios como los de la Opéra-Théâtre de Metz Métropole (Il Turco in Italia), la Ópera de A Coruña (en la que ofrecerá un concierto con grandes escenas de óperas de Bellini junto a la soprano Mariella Devia) o a la ABAO-OLBE en Bilbao (La sonnambula).

DonCarlo

El Festival de Verano del Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid ha organizado una mesa redonda y una serie de visitas guiadas al Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, en torno a la presentación de la nueva versión escénica de la ópera Don Carlo de Verdi que firma Albert Boadella. Estas dos iniciativas se han ideado como sólidos complementos para descifrar el singular montaje que se escenificará los días 25, 27 y 29 de julio en el Teatro Auditorio de esta localidad madrileña. Las visitas se celebrarán antes de la primera y última función, y la mesa redonda precederá a la del día 27.

Ambas citas son especialmente oportunas, si se tiene en cuenta que en su propuesta Boadella huye del clásico acento sobre la leyenda negra española para ceñirse a “determinados aspectos de la verdad histórica”. Esta coproducción entre los Teatros del Canal y el Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial es el primer título operístico que aborda el dramaturgo.

El montaje de la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi será también el hilo conductor del programa que, bajo el título El ‘Don Carlo’ de Verdi y la leyenda negra’, se impartirá los días 22 y 23 de julio en San Lorenzo de El Escorial en el marco de los Cursos de Verano de la Universidad Complutense de Madrid. El curso estará dedicado a los diferentes aspectos y controversias que rodean a la figura del primogénito de Felipe II y al papel de la España de la época

Visitas guiadas

Durante las visitas guiadas, los días 25 y 29 de julio antes de la representación, el público tendrá ocasión de recorrer los escenarios reales de Don Carlo de la mano de un maestro de ceremonias muy especial: Don Juan de Austria (el único gran personaje histórico ausente en el drama que Verdi adaptó de la obra homónima de Schiller). Un actor caracterizado del infante hará revivir algunos de los escenarios y personajes de la ópera.

El recorrido incluye el Panteón Real (con 26 sepulcros de mármol donde reposan los restos de los reyes y reinas de España de las dinastías de Austria y Borbón exceptuando a Felipe V y Fernando VI), el Panteón de los Infantes (donde están los restos del propio Don Carlo, y en el que precisamente destaca el sepulcro de Don Juan de Austria –diseñado por Ponzano y construido por Galeotti–) y la Real Biblioteca de El Escorial fundada por Felipe II. La visita finalizará con una copa de cava en la terraza del Teatro, mientras los visitantes disfrutan de una de las mejores vistas de la sierra y la ciudad de Madrid.

Se trata, pues, de una forma exclusiva de disfrutar plenamente del Don Carlo en el lugar natural que le corresponde, San Lorenzo de El Escorial, en cuyo Monasterio vivieron y hoy reposan los restos de sus protagonistas; esto es posible gracias al Teatro Auditorio del municipio en colaboración con Patrimonio Nacional.

Mesa redonda

El día 27 a las 18,00 horas será el turno para una mesa redonda que se celebrará en la Sala B del Teatro, y en la que se abrirá un debate sobre `Don Carlos y El Escorial. La ópera Don Carlo, relación real o irreal con El Escorial´. Los críticos Gonzalo Alonso y Andrés Ruiz Tarazona y el historiador del Arte y museógrafo Fernando Checa, hablarán también de los diversos intentos de representación de esta obra en este Real Sitio de sierra madrileña. La entrada será libre hasta completar aforo.

Curso de verano

El objetivo general del curso -dirigido por la académica de Historia Carmen Sanz Ayán y en el que participan expertos de primer orden en el tema- es contrastar la construcción romántica y ficticia del personaje de Don Carlo en la célebre ópera de Verdi (1865) con la figura histórica real, el príncipe Don Carlos (1545-1568). El análisis de las fuentes a partir de las que Verdi y los libretistas que colaboraron con él (Camille du Locle y Joseph Méry) construyeron el argumento de la representación pueden ayudar a entender la elaboración del personaje ficticio y su fortuna narrativa posterior. Verdi y sus colaboradores bebieron directamente del texto de Friedrich Schiller (1759-1805), que en buena parte asimiló los argumentos más tradicionales de la «leyenda negra» construida en el siglo XVI en pleno periodo de hegemonía política hispana.

En cuanto a la producción, el tenor José Bros dará vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II, que será encarnado por el bajo canadiense John Relyea. El director musical chileno Maximiano Valdés, al frente de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, será el encargado de conducir al elenco.

Junto a José Bros y a John Relyea subirán al escenario el barítono Ángel Ódena, quien cantará en el rol de Rodrigo, marqués de Posa, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano argentina Virginia Tola, como Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo soprano Ketevan Kemoklidze como Princesa de Éboli; el bajo Simón Orfila, que hará las veces del fraile y Luiz Ottavio Faria como inquisidor.

Más info y venta de entradas en:

www.teatroauditorioescorial.es

www.teatroscanal.com

Albelo

La temporada 2015-16 se presenta llena de nuevos retos para Celso Albelo. Los próximos 4, 7, 10 y 13 de septiembre el tenor canario volverá a subirse al escenario de la Wiener Staatsoper para inaugurar el curso del primer teatro austríaco con Rigoletto, uno de los títulos más representados de Giuseppe Verdi. Con su Duque de Mantua, un personaje que ha paseado por coliseos como el San Carlo de Nápoles, La Fenice de Venecia, la Opéra de Monté-Carlo, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de A Coruña o el Teatro de La Maestranza de Sevilla, Albelo inicia una temporada brillante que incluye otros destacados compromisos como Anna Bolena de nuevo en Viena, Lucia di Lammermoor en la Opéra Royal de Wallonie (Bélgica), su esperado debut en la Metropolitan Opera de Nueva York con Maria Stuarda o su vuelta a teatros como la Deutsche Oper berlinesa y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con I Capuleti e i Montecchi o el Teatro Real de Madrid con I Puritani.

En las funciones de Rigoletto en Viena Albelo compartirá escenario con Ambrogio Maestri (Rigoletto), Aleksandra Kurzak (Gilda), Michele Pertusi (Sparafucile) y Elena Maximova (Maddalena), quienes estarán dirigidos musicalmente por Evelino Pidò; está previsto que la función inaugural, el 4 de septiembre, se pueda ver en directo en streaming en todo el mundo, además de ser retransmitida a una pantalla gigante en frente del Vienna City Hall (en la popular Rathausplatz).

Tras el reciente éxito en su debut australiano cantando I Puritani en la Victorian Opera, Albelo llegará a Viena en septiembre tras un verano en el que también se le podrá escuchar en Macerata con Rigoletto (17, 25, 31 de julio y 9 de agosto) y en la Quincena Musical de San Sebastián y el Festival Internacional de Santander (25 y 26 de agosto respectivamente) con el Stabat Mater, de Rossini, junto a la Orquesta de Cadaqués, dirigida por Alberto Zedda.

Montiel

La mezzosoprano madrileña María José Montiel y el tenor barcelonés David Alegret ofrecerán, junto al pianista de Baracaldo Rubén Fernández Aguirre, un recital en homenaje a Victoria de Los Ángeles el próximo 21 de junio en el Claustro del Monasterio de Sant Cugat. Se trata de un acto que recordará a la gran soprano barcelonesa en el décimo aniversario de su fallecimiento, parte de las actividades #10devictoria impulsadas por la Escola de Música Victoria dels Àngels y la Fundación Victoria de los Ángeles y que está a su vez enmarcado en el ciclo Nits de Música al Claustre que organiza el Ayuntamiento de Sant Cugat. Montiel y Alegret, dos cantantes de amplísima trayectoria internacional, han querido sumarse a este homenaje en el que ofrecerán una selección de obras de su repertorio: si en la primera parte el tenor catalán cantará canciones de Jordi Sabatés o Eduard Toldrà, entre otros, la mezzosoprano madrileña interpretará canciones y arias de ópera de autores como Montsalvatge, Halffter, Debussy, Saint-Säens o Bizet.

María José Montiel ha afrontado un 2015 repleto de compromisos, cantando en Valencia (recital en el Palau de la Música y el Stabat Mater rossiniano en
el Palau de les Arts), Barcelona (Siete Canciones populares españolas, de Falla, en el Palau de la Música), Madrid (Requiem de Verdi y una Gala Lírica junto a la Orquesta y Coro de RTVE y un recital a beneficio del Centro para la Investigación Médica Aplicada de la Universidad de Navarra), Pamplona (recital en el Teatro Gayarre), Lisboa (Tercera Sinfonía de Mahler), Tel Aviv (Carmen junto a Zubin Mehta) o Milán (Tercera Sinfonía de Mahler); en junio ofrecerá un recital en el XXI Ciclo de Lied del madrileño Teatro de La Zarzuela y en julio debutará el rol de Ulrica, de Un ballo in maschera, de nuevo junto a Mehta y la Israel Philharmonic en Tel Aviv.

Por su parte, David Alegret acaba de cosechar grandes éxitos en escenarios como los del Teatro Comunale de Treviso y Ferrara (Il Turco in Italia, de
Rossini), Teatro Arriaga de Bilbao (Recital de Lied), Palau de la Música Catalana (Recital de Lied y La Creación, de Haydn), Auditori de Girona (Pasión según San Mateo, de Bach) o el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Così fan tutte, de Mozart), y en octubre próximo cantará Semiramide, de Rossini, en la Ópera de Marsella.

María José Montiel

La mezzosoprano María José Montiel sumará el próximo mes de julio un título más a su amplísimo repertorio operístico: se trata de Un ballo in maschera, de Verdi, obra en la que la diva madrileña encarnará el personaje de Ulrica los días 14, 16, 18 y 20 de julio junto a la Israel Philharmonic Orchestra y bajo la batuta de Zubin Mehta, un director con quien colabora desde hace varias temporadas y con quien ha cantado otros títulos como Medea, de Cherubini (Palau de les Arts de Valencia) o Carmen, de Bizet (con el conjunto israelí con sede en Tel Aviv y en dos ocasiones de la presente temporada). “Ulrica es un rol que me apasiona y para el cual me estoy preparando a conciencia desde que el maestro Mehta me lo propusiera”, apunta la cantante, quien además asegura que la colaboración que se ha establecido con el director indio “es de esas cosas maravillosas que le pasan a una en la vida y de las que procuro disfrutar de cada momento; es un músico excepcional y me siento realmente bendecida y entusiasmada de trabajar con él este nuevo rol verdiano de mi repertorio”.

Montiel llega al mes de julio tras un 2015 repleto de compromisos: después de cantar en Valencia (un recital en el Palau de la Música y el Stabat Mater rossiniano en el Palau de les Arts), Barcelona (Siete Canciones populares españolas, de Falla, en el Palau de la Música de la Ciudad Condal), Madrid (Requiem de Verdi y una Gala Lírica junto a la Orquesta y Coro de RTVE y un recital a beneficio del Centro para la Investigación Médica Aplicada de la Universidad de Navarra), Pamplona (recital en el Teatro Gayarre), Lisboa (Tercera Sinfonía de Mahler con la Sinfónica Portuguesa), Tel Aviv (Carmen junto a Mehta y la Israel Philharmonic) o Milán (Tercera Sinfonía de Mahler con LA VERDI).

Antes de su debut como Ulrica en Israel, la diva madrileña ofrecerá, el 15 de junio, un recital dentro del XXI Ciclo de Lied en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y otro, el día 21, en Homenaje a la soprano Victoria de Los Ángeles en Barcelona.

Más información: María José Montiel

Desirée Rancatore

Después del caluroso recibimiento recibido en el Teatro Regio de Turín, donde, en abril, interpretó el papel de Elvira de I Puritani de Bellini, la soprano Desirée Rancatore vuelve al coliseo italiano para interpretar a Violetta Valéry, la desafortunada protagonista de La Traviata de Verdi. Las actuaciones forman parte de la agenda de eventos organizados en Turín con motivo de la EXPO 2015, serán los días 11, 16, 21 y 25 de julio. La producción de Laurent Pelly es la misma que la soprano ya cantó en Palermo en 2013, ahora con la dirección musical a cargo de Francesco Ivan Ciampa.

Para la diva de Sicilia, se trata no solo de una de las óperas más importantes del repertorio, sino además, de su personaje favorito: «Cuando estudiaba la ópera, en el tercer acto lloraba desde que lo empecé a ensayar con el piano», afirma entusiasta. «La historia de La Traviata no puede evitar amarse. Es tan fuerte y hermosa que es imposible que no te toque.
Violetta es un personaje fascinante. Primero es una chica que solo piensa en las fiestas, en divertirse y en el dinero. Luego se transforma en la mujer que se arrepiente de lo que ha hecho y que está enamorada, y nunca lo había estado antes. Parece incluso que su enfermedad ha desaparecido. Por último está la Violetta enferma, destrozada, sin esperanzas, consciente de que se está muriendo. Se podría decir que son tres mujeres completamente diferentes, aunque en realidad se trata de la evolución del mismo personaje. Y es necesario que ese cambio se refleje en el canto, porque sería incoherente que Violetta sonara igual en el primer acto que en el tercero. Rancatore comenta que es un personaje con el que ha soñado toda su vida. «Desde que empecé a cantar he pensado siempre en Violetta. Mi madre trabajaba en el coro del Teatro Massimo de Palermo y allí pude ver infinidad de Traviatas. Es un papel que tiene todo lo que una cantante puede desear: coloratura, sutileza, romanticismo y un gran drama. Y la historia en sí misma es fascinante. Leí la novela de Dumas y me encantó, y antes de enfrentarme al personaje decidí leer el libreto de Piave varias veces, sin música, deteniéndome en cada frase, en cada coma, observando la manera particular en que se expresan los personajes en cada situación. Solo después de esto, cuando ya me sabía el libreto de memoria, volví a escuchar la ópera con oídos nuevos, como si fuera la primera vez que la escuchaba».

Desirée Rancatore debutó el papel en 2013 en la Opéra de Monte-Carlo (Mónaco); después la ha interpretado en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial (España), Quincena Musical Donostiarra (España), Wiener Staatsoper (Austria) y Royal Opera House de Muscat (Omán). Después de su Traviata en Turín, en octubre y noviembre, será nuevamente Violetta, entonces en una de las ciudades que más triunfos le ha deparado: Tokyo.

Nabucco

Las siete representaciones de Nabucco, que han tenido lugar en el Palau de les Arts de Valencia, con una masiva asistencia de público, han sido el auténtico triunfo de una temporada llena de avatares y dificultades de todo tipo.

Nabucco es la tercera ópera compuesta por Verdi, con libreto de Temistocle Solera, y su estreno tuvo lugar en el Teatro alla Scala de Milán, el 9 de marzo de 1842, constituyendo un gran éxito, hasta el punto de ser representada en aquella temporada y la siguiente, en 57 ocasiones, algo que nunca había ocurrido anteriormente. En Nabucco pueden verse influencias de Donizetti y Bellini, pero sus vigorosas melodías, junto a un apasionado lenguaje vocal, son ya típicamente verdianos. En esta ópera, y por primera vez, Verdi le da gran relevancia a la voz de barítono, asignándole el papel protagonista de Nabucco. Y, el de Abigaille -de una dificultad extrema- a una soprano drammatica d’agilità, siendo cantado en su estreno por Giuseppina Strepponi, destinada a convertirse en compañera sentimental de Verdi y su futura esposa.
Después de unos años en que esta ópera fue masivamente representada en todo el mundo, cayó en cierto olvido, siendo recuperada por el maestro Vittorio Gui, en los años treinta del pasado siglo, dirigiéndola también, en las famosas representaciones -con una grabación en directo- que tuvieron lugar en diciembre de 1949, en el Teatro San Carlo de Nápoles, con la insuperable creación de Abigaille realizada por María Callas.

La producción de Nabucco que ha podido verse en el Palau de les Arts, proviene de la Bayerische Staatsoper de Munich, y se estrenó en 2008, siendo su creador Yannis Kokkos, responsable de la escenografía, dirección escénica y diseño de vestuario. Se trata de una oscura y sencilla escenografía, con un fondo donde predominan las formas geométricas: en el Acto I, seis ventanas con grandes marcos dorados y una escalinata representan el templo de Salomon en Jerusalem; y, en el Acto II, una gran puerta el palacio de Babilonia.
Ya, en el Acto III, la puerta se sitúa encima de las ventanas, significando la opresión de los babilonios sobre los judíos. Solo se produce un cambio escénico, cuando se interpreta el famoso “Va pensiero”, donde los integrantes del coro, que representan al pueblo de Israel, están situados detrás de una gran alambrada, en una posible alusión a los campos de exterminio nazis, durante la Segunda Guerra Mundial. Una tenue y cambiante iluminación no logra paliar el lúgubre y sombrío espacio escénico, excepto en los dos momentos en que un panel de luces que simbolizan la aparición del “Dios de Israel”, desciende desde lo alto y va aumentando su potencia hasta producir un auténtico fogonazo que deslumbra al público. El decorado cambia, con rápidos movimientos de los elementos escénicos, que se desplazan horizontal y verticalmente, como en el caso de la llegada del rey Nabucodonosor en el Acto I, envuelto en una nube de humo y sobre una elevada plataforma que va descendiendo lentamente. Poco atractivo y nada original resulta el diseño de vestuario, donde los judíos aparecen vestidos de negro, y de azul oscuro los guardias babilonios, quienes usan ametralladoras en vez de lanzas, para dar a la obra un sentido de intemporalidad.

Dirección contrastada y enérgica de Nicola Luisotti, al frente de la Orquesta de Comunidad Valenciana, que vuelve a demostrar ser un conjunto de altísima calidad, y ello se hace patente desde la magnífica ejecución de la obertura: una página larga, sumamente atractiva, y llena de contrastes, donde ya se exponen diferentes motivos musicales que irán reapareciendo a lo largo de la ópera, entre ellos, el que acompaña -con algunas pequeñas modificaciones, al famoso coro “Va pensiero”. La orquesta tiene una destacada actuación, en el transcurso de toda la representación, brillando en los momentos de mas intenso lirismo: introducción y acompañamiento de las arias de Abigaille, respectivamente del Acto II y la conclusiva de la ópera, o en el aria de Fenena del Acto IV. Y, en contraste, muestra una incontenible fuerza, en el vibrante final del Acto I, cuando Nabucco irrumpe en escena, cuyo tema musical -recurrente- ya expuesto en la obertura, es retomado en la introducción orquestal del Acto III, y en la coda final de la cabaletta interpretada por Nabucco, en su gran escena del Acto IV. Señalar también, la magnífica intervención orquestal en el dúo de Nabucco y Abigaille del Acto III y, en atractiva, y llena de contrastes obertura del Acto IV. A la dirección de Nicola Luisotti, se le puede reprochar cierta tendencia a utilizar sonidos en forte. Finalmente, y dentro del alto nivel ofrecido por los integrantes de la orquesta, cabe destacar la espléndida actuación del flauta solista Alvaro de Octavio, y las magníficas intervenciones de Rafal Jezierski al violonchelo y de Pierre Antoine Escoffier al oboe.

La gran triunfadora de estas representaciones, ha sido la soprano napolitana Anna Pirozzi, quien compone una Abigaille de gran estatura vocal y dramática, que la cantante ha ido madurando en sus numerosas interpretaciones de este personaje, sobre todo, la que realizó en el Festival de Salzburgo de 2013, con un rotundo triunfo bajo la dirección de Riccardo Muti. Voz voluminosa y de luminoso timbre, buen fiato, excelente capacidad para regular el sonido, y unos agudos y sobreagudos bien colocados y perfectamente emitidos, que, incluso, sobresalen con fuerza, en los momentos de mayor contundencia orquestal. Ofrece un buen dominio de la coloratura belcantista, y resuelve con pericia los endiablados saltos de octava que jalonan gran parte de sus intervenciones. Realiza una gran actuación en su gran escena del Acto II, iniciada con el violento recitativo “Ben io t’inventi”, para pasar al canto lírico e intimista del aria “Anch’ dischiuso un giorno” y, seguidamente, mostrar una fuerza arrolladora en la cabaletta “Salgo già del trono aurato”. Destaca también, su gran interpretación en el dúo con Nabucco del Acto III, insertando en sus diálogos con un implorante Nabucco, una vibrante cabaletta, cuyo tema musical aparecía expuesto en la obertura inicial. Anna Pirozzi luce de nuevo su vocalidad y fuerza interpretativa, en la bellísima aria conclusiva de la ópera “Su me, morente, essanime” con exquisitas medias voces, y emitiendo delicadas notas en “pianissimi”.

Había previsto mi asistencia a la función del día 10 de mayo, para poder escuchar el Nabucco, cantado por el veteranísimo Leo Nucci, aún activo a sus 73 años, y ya convertido en toda una leyenda de la lírica. Tuve ocasión de visionar en DVD, su magnífica actuación en la Arena de Verona, el año 2007, junto a la excelente y temperamental Abigaille de María Guleghina y la dirección orquestal de Daniel Oren. Finalmente, Nucci canceló, siendo sustituido a ultima hora por David Cecconi, de voz con poco atractivo tímbrico, aunque bien manejada, que en el transcurso de los dos primeros actos, no lograba proyectar hacia adelante. Su actuación mejoró sensiblemente en dúo con Abigaille del Acto III, y en su gran escena del Acto IV, cantando con nobles acentos el aria “Dio di Giuda!”, y con fuerza y vigor la cabaletta “O prodi miei, seguitemi”.

El papel de Zaccaria de gran exigencia vocal y escénica, fue interpretado por el bajo ruso Serguei Artamonov, quien mostró un aceptable registro central, teniendo serias dificultadas en la gama de graves y agudos y, por tanto, en los frecuentes saltos de octava, que debe realizar en sus muchas intervenciones a lo largo de la obra. Su actuación no pasó de discreta, en escenas de autentico lucimiento como el aria “Sperate, o figli…” seguido de la cabaletta “Come notte a sol fulgente” del Acto I o, al final del Acto III “Oh,chi piange?…Del futuro nel buio discerno”.

La mezzo armenia Varduhi Abrahamyan, en el papel de Fenena, lució una bella y cálida voz, en su única intervención importante, el aria “Oh dischiuso è il firmamento” del Acto IV, donde muestra una delicada y elegante línea de canto. Destacar también, su intervención en el “terzettino” del Acto I, junto a Abigaille y el Ismaele interpretado por el tenor norteamericano Brian Jadge, de voz potente y brillo timbrico, que exhibe, sobre todo, en su vibrante arioso “l”, perteneciente al Acto II. Correctos en sus breves intervenciones Hyekyung Choi como Anna, la hermana de Zaccaria, el Abdallo (fiel oficial de Nabucco) de David Fruci y Shi Zong como Sumo Sacerdote, los tres pertenecientes al “Centro de Perfeccionamiento Plácido Domingo”.

“El Coro de la Generalitat Valenciana”, dirigido por Francec Perales, brilló a gran altura, destacando -obviamente- en su extraordinaria interpretación del famosísimo “Va pensiero”, finalizado con una nota casi inextinguible en “pianissimi”. También, señalar sus magníficas interpretaciones de otros grandes momentos corales: “Gli arredi festivi giù cadona infranti”, de muy bella factura, con el que arranca la ópera. También, el coro de los Levitas del Acto II “Il maledetto non ha fratelli”, cuyo vibrante tema musical, ya aparecía expuesto en la obertura inicial. Y, las intervenciones en los concertantes conclusivos de los Actos I y II, o su importante presencia en todo el final del Acto III.

NABUCCO
Giuseppe Verdi
Palau de les Arts Reina Sofía
Valencia, 10 de mayo 2015
D. musical: Nicola Luisotti
D. escena: Yannis Kokkos
Iluminación: Michael Bauer
Producción: Bayerische Staatsoper
Cor de la Generalitat Valenciana
D. coro: Francesc Perales
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Reparto: Anna Pirozzi, David Cecconi,
Serguéi Artamonov, Brian Jadge,
Varduhi Abrahamyan, David Fruci,
Hyekyung Choi, Shi Zong.

ABAO

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) clausura su 63 Temporada con Otello de Giuseppe Verdi. Esta obra, uno de los mayores logros operísticos de todos los tiempos, pone también punto final a la novena edición del proyecto Tutto Verdi. Los próximos días 16, 19, 22 y 25 de mayo, con el patrocinio de la Fundación BBVA, sube a escena esta pieza cuya fuerza musical, arrebatadora e incesante, la atraviesa desde el primer compás.

El amor, los celos y la tragedia se entrelazan en esta ópera, penúltimo título del repertorio verdiano, basada en el drama homónimo de William Shakespeare que constituye un gran homenaje al bardo inglés más universal. Para dar vida a los protagonistas de este drama lírico, cuyos tres roles principales están entre los más exigentes de Verdi musical y dramáticamente, ABAO-OLBE ha reunido un elenco encabezado por el tenor italiano Marco Berti, quien regresa a Bilbao para hacerse cargo del rol de ‘Otello’ y poner voz al poderoso ‘Esultale’, una de las entradas para tenor más famosas del mundo de la lírica. A su lado la soprano armenia Lianna Haroutounian, recién llegada de su debut en el Metropolitan, interpreta a ‘Desdemona’, la víctima de la tragedia en la que brillan las virtudes del amor puro, la fe y la compasión. El trío protagonista se cierra con un barítono verdiano de referencia, Juan Jesús Rodríguez, quien da vida a ‘Jago’ y sus maquinaciones. Completan el cartel el tenor Jon Plazaola como ’Cassio’, el tenor Vicenç Esteve como ‘Roderigo’, el bajo Iosu Yeregui como ‘Lodovico’, la mezzosoprano María José Suárez como ‘Emilia’, el bajo Federico Sacchi como ‘Montano’ y el bajo David Aguayo como ‘Un Heraldo’.
La parte musical está a cargo del joven director italiano Riccardo Frizza, que se pone al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa para sacar el máximo partido a esta partitura que marca el punto más alto de la evolución del genio de Busseto iniciada veinte años atrás con Don Carlos. La parte coral es, una vez más, tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente, acompañado por el coro infantil Kantika Korala.

En el escenario una nueva producción de ABAO-OLBE, concebida por Ignacio García. La escenografía cuidada, sobria y elegante cuenta con un soberbio vestuario haute couture, lleno de color y cuajado de detalles suntuosos, obra del genial diseñador Lorenzo Caprile.

Conferencia sobre “Otello”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Verdi, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre, que tendrá lugar el viernes 15 de mayo a las 20.00 horas en el Hotel Ercilla. En esta ocasión, Iñigo Arbiza, periodista y crítico musical de Scherzo y Noticias de Gipuzkoa, descubre los entresijos de Otello.

Ópera

La semana de la Ópera celebrada en Madrid ha resultado ser un rotundo éxito. La gran pantalla instalada en la fachada del Teatro Real el viernes 8 de mayo, donde se proyectó en directo la representación de La traviata, ha congregado a más de 6.000 personas. Y las visitas a Palco Digital, que la ofrecía también en abierto, fueron más de 16.000 de 50 países diferentes. La retransmisión se ha seguido también en los auditorios del Museo Nacional del Prado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Thyssen-Bornemisza, Matadero (Casa del Lector), Fundación Canal, Fundación Francisco Giner de los Ríos, Centro Cultural Conde Duque e Instituto Italiano de Cultura, entre otros centros en Madrid, y en numerosas instituciones de toda España.

Al finalizar la representación, todo el elenco que ha participado en La traviata salió a saludar desde balcón a todos lo que han seguido la representación en la Plaza de Oriente.

El domingo 9 de mayo se celebró en el Real una jornada de puertas abiertas y fueron más de 3.300 personas las que se acercaron hasta la Plaza de Oriente para entrar y disfrutar de las instalaciones del Teatro, en el que han podido visitar todos los espacios públicos y disfrutar, en la sala principal, en pantalla de alta definición, de vídeos explicativos del interior de la zona técnica y de la historia del centro de la lírica más importante de España.

Museo del Traje

El Museo del Traje se suma a las actividades de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que tendrá lugar la primera semana de mayo, con la exposición Vístete de Ópera, en la que se exhibirá una selección de trajes y pelucas utilizadas en algunas de sus producciones más bellas, y cuyas piezas han sido elaboradas en los talleres de sastrería y caracterización del Teatro.

El jueves 30 de abril, a las 12.00 horas, ha tenido lugar en el Museo del Traje la inauguración de la muestra con la presencia del director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, el subdirector del Museo, Rodrigo de la Fuente, y el responsable de los Departamentos de Sastrería y Caracterización del Teatro, Ovidio Ceñera, quien nos acompañará en el recorrido de la exposición para ofrecer las explicaciones técnicas de la elaboración de las piezas y sus datos más curiosos.

Entre los días 30 de abril y 17 de mayo, con acceso gratuito para todos los públicos, se podrá descubrir una parte de la magia del Teatro lírico, a través de los trajes que han vestido reconocidas figuras del canto en títulos tan emblemáticos como Madama Butterfly, La Traviata, La bohème o Las bodas de Fígaro.

El Museo del Traje tiene abiertas sus puertas de martes a sábado de 10.00 a 19.00 h y los domingos y festivos de 10.00 a 15.00, en la Avenida de Juan de Herrera, nº 2. Más información en www.museodeltraje.mcu.es.

Las producciones del Teatro Real seleccionadas para la exposición Vístete de ópera son:

· La vida breve, de Manuel de Falla, con figurines diseñados por Rosa García Andújar. Este título, junto al ballet El sombrero de tres picos, del mismo compositor, formaron el programa de la reapertura del Teatro Real en octubre de 1997.

· Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. En 2002, la ganadora de un Óscar Franca Squarciapino fue la responsable de uno de los vestuarios más bellos pensados para este título.

· La Traviata, de Giuseppe Verdi (2003) y L’incoronazione di Poppea, de Claudio Monteverdi (2010), contaron con la participación de uno de los nombres más apreciados en los teatros de ópera del mundo, Pier Luigi Pizzi, responsable en ambas producciones del vestuario, escenografía y dirección de escena.

· La bohème, de Giacomo Puccini (2006). Los trajes de Michael Scott constituían uno de los aspectos más destacados de esta producción, que reflejaba con gran realismo el ambiente bohemio del París de 1830.

· Le nozze di Figaro, de Wolfgang A. Mozart (2009). Renata Schussheim supo reflejar, con enorme acierto, la diferencia de clases entre los personajes que forman parte de la trama de esta opera buffa. La obra pictórica de Schussheim ha sido expuesta en la Bienal de Venecia.

· El Público, de Mauricio Sotelo (2015). La obra de Federico García Lorca, concebida por primera vez como ópera, tuvo su estreno mundial el pasado mes de febrero en el Teatro Real. El creador del complejo vestuario de esta produción fue Wojciech Dziedzic.

La traviata

Durante estos días y hasta el 9 de mayo, el Teatro Real representa La traviata, de Giuseppe Verdi. Un respiro para todos los amantes del repertorio clásico y que necesitaban una producción de este estilo. Sobre todo después de la magnífica producción Del Público, de Mauricio Sotelo.

La traviata, la obra más conocida y más veces representada en todo el mundo. Pero es por que La traviata, tiene algo especial. Es historia de la ópera. Siempre es la obra clásica y siempre nos ofrece algo nuevo. Algo sorprendente.

En esta ocasión es el maestro Palumbo quien dirige la romántica producción de David McVicar que ya pudimos ver en el Liceu de Barcelona. Una escenografía sencilla pero magistralmente vestida para el drama.

Tres son los repartos para esta producción, pues 16 son las representaciones para las que apenas quedan localidades a la venta.
La sopranos encargadas del personaje de Violetta Valéry son la albanesa Ermonela Jaho, una de las Violettas más reconocidas actualmente; la moldava Irina Lungu, y la rusa Venera Gimadieva.

Esta obra, basada el “La Dame aux camélias” de Alexandre Dumas hijo, nos presenta a una Violetta de gran dramatismo, no en vano está enferma durante toda la obra hasta su muerte. Y es la dramaturgia misión principal en su interpretación. Personaje que es abordado desde ese punto de vista por Ermonela Jaho: “Una soprano puede tener una buena técnica pero si no hay sentimiento, no despierta nada en el público. La técnica tiene que servir para transmitir emoción”.

Alfredo Germont cuenta con las voces de Francesco Demuro, Antonio Gandía y Teodor Ilincai. Y como Giorgio Germont los barítonos Juan Jesús Rodríguez, Ángel Ódena y Leo Nucci.

Con motivo de la Semana Europea de la Ópera el Teatro Real, junto a otras instituciones culturales, han organizado distintas actividades.
La Semana de la Ópera del Teatro Real, en la que confluyen actividades lúdicas y educativas, nacionales e internacionales, en vivo o retransmitidas, pretende unir en torno a la ópera sinergias generadas en diferentes espacios artísticos y culturales de Madrid, a través de las nuevas tecnologías y la imprescindible colaboración de instituciones y patrocinadores.

Impulsada por la coincidencia, este año, de la Conferencia Internacional de Ópera Europa en Madrid y los Días Europeos de la Ópera, el Teatro Real ha ideado una programación especial para la primera semana de mayo con la que se pretende llevar el arte lírico a la calle, museos, universidades y a todos aquellos que quieran ver gratuitamente La Traviata, en directo, desde cualquier parte del mundo.

Las actividades de la Semana de la Ópera comenzarán el 30 de abril con la inauguración de la exposición “Vístete de ópera” en el Museo del Traje de Madrid, en la que se exhibirán más de 30 trajes utilizados en producciones propias del Teatro Real, la mayoría de ellos confeccionadas en sus talleres. Acompañarán a los figurines algunas pelucas y elementos escenográficos para evocar la atmosfera teatral para la que fueran creados.
Entre el 6 y el 8 de mayo el Teatro Real acogerá a representantes de 150 teatros y festivales líricos procedentes de más de 40 países para la Conferencia Internacional de Ópera Europa. Durante tres días directores artísticos y gestores de teatros líricos procedentes de todos los continentes debatirán diversos temas, entre los que destaca el papel de las nuevas tecnologías al servicio de la difusión de la ópera.

Mientras en el interior del teatro se suceden los debates y coloquios, en su fachada principal, en la Plaza de Oriente, una pantalla ofrecerá a lo largo de los días 7 y 8 de mayo un “maratón de ópera” con fragmentos de espectáculos, reportajes y videos promocionales, culminando con la retransmisión completa de La traviata.

Los más jóvenes podrán disfrutar de una fantástica producción del Teatro Real sin salir de sus centros de enseñanza, ya que el día 7 de mayo, a las 12.00 horas, varios colegios e institutos de Madrid se sumarán a esta Semana emitiendo en directo en sus centros El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, que se anticipa a la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes. En la sala principal estarán asistiendo al espectáculo de la Compañía Etcétera, además del público juvenil, los representantes de los teatros y festivales de ópera congregados en Madrid.
El centro de las acciones dirigidas al gran público será la retransmisión en directo, el 8 de mayo, de La traviata, de Verdi en diferentes espacios de Madrid y de otras ciudades de España y a todo el mundo, gratuitamente, a través de Palco Digital.

Además de de la retransmisión en la Plaza de Oriente (donde habrá sorpresas), la ópera podrá seguirse en directo algunas de las instituciones culturales y artísticas más señeras de España: Museo Nacional del Prado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Thyssen-Bornemisza, Matadero (Casa del Lector), Fundación Canal, Fundación Francisco Giner de los Ríos, Centro Cultural Conde Duque e Instituto Italiano de Cultura de Madrid.
Como colofón a la semana de la ópera se celebrará una jornada gratuita de puertas abiertas el sábado 9 de mayo desde las 10.00 hasta las 15.00 horas para que el público pueda visitar gratuitamente los espacios más emblemáticos del Teatro Real.

traviata

Entre los días 20 de abril y 9 de mayo el Teatro Real ofrecerá dieciséis funciones de La traviata, de Giuseppe Verdi (1813-1901), coproducción del Teatro Real con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la Scottish Opera de Glasgow y la Welsh National Opera de Cardiff, teatros donde este montaje ya se ha presentado.

La popular ópera verdiana volverá al Real, en esta ocasión con puesta en escena del reconocido director escocés David MacVicar, escenografía y figurines de Tanya McCallin y, que estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los tres repartos que se alternarán en la interpretación de la ópera.

El papel titular de La Traviata será asumido por las sopranos Ermonela Jaho, Irina Lungu y Venera Gimadieva. Patrizia Ciofi, inicialmente prevista, ha cancelado su participación en la ópera debido a un reajuste en su repertorio artístico. Completan el trío protagonista los tenores Francesco Demuro, Antonio Gandía y Teodor Ilincăi, en el papel de Alfredo Germont, y los barítonos Juan Jesús Rodríguez, Ángel Ódena, Leo Nucci, en el rol de Giorgio Germont.

La Traviata será la estrella de las actividades de la Semana de la Ópera del Teatro Real, con la retransmisión en directo de la función del 8 de mayo en diferentes espacios de Madrid (museos, centros culturales, auditorios, plazas, etc.) y de otras ciudades españolas. La representación también podrá ser seguida en todo el mundo gratuitamente a través de Placo Digital coincidiendo con los Días Europeos de la Ópera y la Conferencia Internacional de Ópera Europa que traerá al Teatro Real a representantes de cerca de 150 teatros y festivales líricos procedentes de más de 40 países.

ABAO-OLBE

El 24 de octubre da comienzo la 64 temporada de ABAO-OLBE con una programación lírica que incluye cinco grandes obras representativas de la mejor ópera. Verdi, Donizetti, Bellini, Puccini y Rossini traen a la escena bilbaína dos títulos poco frecuentes: Manon Lescaut y Roberto Devereux; dos de referencia en la historia de la lírica: La sonnambula e Il barbiere di Siviglia; y un estreno: la versión original de 1867 de Don Carlos. Además, ABAO programa por primera vez en su historia la colosal Messa da Requiem de Verdi.

Una nueva temporada de grandes historias. Ópera y literatura como catalizador de música, voces y sentimientos, y donde debutan quince cantantes, dos directores de escena y dos maestros de primer nivel junto a destacados intérpretes conocidos en Bilbao como: Daniela Barcellona, Orlin Anastasov, Gregory Kunde, Elena Mosuc, Antonino Siragusa, Mirco Palazzi, José Antonio Sanabria, Ainhoa Arteta, Angela Meade o Erwin Shrott.
Además, ABAO-OLBE mantiene todas las actividades de su programa socio-cultural, en un paso más por integrar a la sociedad en un amplio proyecto multidisciplinar que engloba: formación, divulgación, actividades artísticas y editoriales, total o parcialmente subvencionadas por la Asociación: la publicación de la revista Scena y del libro de temporada, con artículos inéditos de especialistas; una nueva edición del ciclo gratuito de Conferencias de introducción a la ópera programado para descubrir los entresijos de cada título; la Semana Verdi de ABAO que cumple su X edición al igual que el programa Opera Berri para atraer nuevos aficionados; la temporada Abao Txiki y el programa didáctico que cumple 25 años de actividad.

64 TEMPORADA DE ÓPERA CON SABOR ITALIANO

DON CARLOS
· Versión íntegra en francés, con el acto de Fontainebleau y el ballet de la Peregrina, interpretado por el Malandain Ballet de Biarritz.
· Debuts extraordinarios de Giuseppe Gipali, Mª José Siri y Mika Kares.
Don Carlos de Giuseppe Verdi inaugura la temporada el 24 de octubre. Basado en el drama “Dom Karlos, Infant von Spanien” de Schiller, narra los hechos históricos y los conflictos del infante Don Carlos, Isabel de Valois y el rey Felipe II. Casi cinco horas de ópera monumental. Una joya indiscutible que pocas veces puede verse y que se estrena por primera vez en Bilbao.
El reparto está encabezado por los debuts de Giuseppe Gipali, Mª José Siri y Mika Kares y los regresos de Daniella Barcellona, Orlin Anastassov y Juan Jesús Rodríguez. En el foso el maestro Massimo Zanetti, que vuelve a Bilbao tras dirigir con éxito Madama Butterfly el pasado mes de febrero, para ponerse al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa. En escena una nueva producción de ABAO, en coproducción con Sevilla, Oviedo y Tenerife, firmada por el polifacético Giancarlo del Monaco. Elegante, sugerente, muy cuidada en lo teatral y muy vistosa gracias a la iluminación y un vestuario rico en matices y lleno de detalles suntuosos.

ROBERTO DEVEREUX
· Grandes voces en el olimpo internacional: Gregory Kunde y Elena Mosuc.
· Duelo de divas con el esperado debut de Clementine Margaine.
· En la dirección musical, Josep Caballe-Domenech, una de las batutas más importantes de la actualidad.
En noviembre llega Roberto Devereux de Donizetti, obra que cierra el ciclo Tudor o “trilogía de las reinas” del compositor italiano. Gregory Kunde, Elena Mosuc, el debut de Clementine Margaine y Vladimir Stoyanov en el cuarteto protagonista. Al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa el maestro de gran proyección internacional Josep Caballé-Domenech. En el escenario una producción de la Ópera de Las Palmas-ACO de corte clásico, con momentos de carga dramática sublime en algunos pasajes, ideada por el debutante Mario Pontiggia.

LA SONNAMBULA
· Ópera cumbre del bel canto romántico italiano y una de las más representadas de Bellini.
· Jessica Pratt interpreta el rol de Amina en su presentación en Bilbao.
2016 se abre con La Sonnambula de Bellini, una de las cumbres del bel canto romántico italiano. De los dos personajes principales se encargan Jessica Pratt, debutante en la temporada bilbaína, y Antonino Siragusa. En escena una producción muy visual del Teatro Bolshói de Moscú concebida por Pier Luigi Pizzi, poética, muy visual y con mucho movimiento escénico. En el foso, José Miguel Pérez Sierra hábil conocedor del bel canto italiano, dirigiendo a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

MANON LESCAUT
· Un dúo de excepción: Ainhoa Arteta y Gregory Kunde.
· Pedro Halffter en el foso y Stephen Medcalf en la dirección de escena debutan en ABAO.
La obra de Puccini llega en febrero para envolvernos en una fascinante y trágica historia que encumbró al maestro toscano como uno de los referentes de la escuela verista. Ponen voz a esta sinfonía en cuatro movimientos que no va a dejar indiferente a nadie, un dúo de excepción: Ainhoa Arteta y Gregory Kunde. Hace su presentación en ABAO el destacado director musical Pedro Halffter para afrontar una de las partituras más complejas del repertorio pucciniano. Atenta a su batuta la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa. Producción basada en los flashbacks procedente del Teatro Regio di Parma ideada por el debutante en ABAO Stephen Medcalf, con una escenografía de gran eficacia visual llena de elementos versátiles.

IL BARBIERE DI SIVIGLIA
· Debuts de Marco Caria y Annalisa Stroppa en los roles principales y de Ottavio Datone en la dirección musical.
· Premiada puesta en escena de Emilio Sagi, para celebrar el bicentenario del estreno de esta ópera.
En mayo la ópera bufa por antonomasia de Rossini, llena de gracia, humor y vitalidad, pone un magnífico colofón a la temporada en el año que se celebra el bicentenario de su estreno. En el elenco las presentaciones de Marco Caria y Annalisa Stroppa junto a MIchele Angelini, Carlos Chausson y Nicola Uliveri. En el escenario una exquisita producción, Premio Teatro Campoamor 2005 de Emilio Sagi de ágil escenografía y espectacular vestuario proveniente del Teatro Real. Debut de una de las batutas que mejor conoce este tipo de repertorio en el ámbito internacional, Ottavio Dantone, al frente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.
El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

POR PRIMERA VEZ EN ABAO: MESSA DA REQUIEM DE VERDI
El 16 de abril ABAO estrena por primera vez en su historia esta composición sacra, considerada como la gran obra maestra de Giuseppe Verdi. Es una composición en siete movimientos con un poder dramático indescriptible, para gran orquesta, gran coro y cuatro voces solistas. En Bilbao estará interpretado por la debutante Angela Meade, Erwin Shortt, Dolora Zajick, y un tenor aún por confirmar; arropados por el coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, y la Orquestra Sinfónica de Navarra, bajo la batuta del director de orquesta italiano Francesco Ivan Ciampa.

OPERA BERRI ALCANZA LA X EDICIÓN
· Se recupera el programa de dos títulos en la X edición de Opera Berri: La sonnambula e Il babiere di Siviglia.
· Se esperan 4.200 espectadores y volver a colgar el cartel de “no hay entradas”.
Esta iniciativa de ABAO-OLBE, desarrollada con el objetivo de acercar la ópera a nuevos públicos con títulos muy conocidos y entradas que rondan el 50% de su precio habitual, es un proyecto con enorme aceptación, que cumple una función socio-cultural aportando valor a la sociedad y que en su X aniversario recupera el programa de dos títulos.
Esta edición las óperas representados serán: La Sonnambula de Bellini el 30 de enero con Irina Duvrovskaia y José Antonio Sanabria en los roles de Amina y Elvino, y el 15 de mayo Il barbiere di Siviglia de Rossini con Damián del Castillo y Marifé Nogales como Figaro y Rosina.

ABAO TXIKI, ESPECTÁCULOS PARA TODA LA FAMILIA
Cinco títulos suben a las tablas del Teatro Arriaga, un estreno absoluto en euskera y cuatro reposiciones, dentro de la undécima temporada de ópera dirigida a los espectadores más jóvenes y para el disfrute de toda la familia. Una reafirmación del compromiso social y educativo que asume ABAO-OLBE para despertar el interés cultural del público de menor edad.
El concierto dramatizado Soñando el carnaval de los animales con música de Debussy y Saint-Saëns e ideado por la Compañía Etcétera abre en octubre la temporada.
En enero llega El flautista de Hamelin, una ópera basada en el popular cuento de los hermanos Grimm con música de Iñigo Casalí, y dirección de escena de Pablo Ramos.
A finales de febrero sube a escena, La cenicienta; una adaptación para el público infantil de La Cenerentola de Rossini llevada a cabo por Comediants.
El estreno absoluto de la temporada llega en marzo, Txanozuritxu, ópera en euskera para cinco músicos y ocho cantantes. Una versión libre del popular cuento infantil con música de Carlos Imaz y dirección de escena de Mitxel Santamarina producida por ABAO-OLBE para conmemorar el 25 aniversario del Programa Didáctico.
Cierra este programa a finales de mayo Guillermo Tell, una trepidante y divertida adaptación de la ópera de Rossini producida por el Gran Teatre del Liceu.
La undécima temporada de ABAO TXIKI cuenta con diecisiete funciones de sesiones en familia y cinco funciones escolares en las que participan 35 centros educativos y 4.000 alumnos.

EL PROGRAMA DIDÁCTICO CUMPLE 25 AÑOS
El Programa Didáctico de ABAO-OLBE complementa la temporada de ópera infantil con su amplia oferta de actividades para acercar el mundo de la lírica a los jóvenes a través de charlas didácticas, talleres, visitas al teatro y asistencia a ensayos pregenerales y generales. 180 centros educativos y más de 19.000 personas participan anualmente en las distintas actividades desarrolladas.
ABAO-OLBE celebra este año el 25 aniversario de esta iniciativa, pionera en el Estado con el estreno absoluto de la ópera en euskera Txanozuritxu.

TUTTO VERDI
Esta temporada el emblemático proyecto de ABAO-OLBE, TUTTO VERDI, alcanza su décima edición y continua fiel a su objetivo de descubrir al genial maestro italiano en sus todas sus facetas. En la parte artística, los dos estrenos de la temporada: Don Carlos y la Messa da Requiem de Verdi. En la cultural, entre otras actividades, la X Semana Verdi de ABAO, en colaboración con Deusto Forum, que ya ha traído a Bilbao más de medio centenar de conferenciantes de Europa y América y que esta edición contará con la presencia entre otros de Chrisytian Merlin, Luisa Cymbron, Suddeutsche Zeitung y Jorge Volpi, para situar la figura de Verdi en Francia, Portugal, Alemania y Latinoamérica; Ignacio Cobeta para ofrecer la relación de Verdi y la vocalidad, y una visión transversal de la obra del maestro y la gastronomía.

 

Liceu

El Gran Teatre del Liceu de Barcelona presentó el pasado 27 de febrero la nueva temporada 2015/16. Con ella, el Teatro refuerza su papel como referente artístico en cuanto al nivel de sus producciones, muchas de ellas innovadoras, y la calidad de sus voces, con un debut mundial. En muchos casos, la programación viene a cubrir vacíos históricos, con estrenos absolutos de títulos.

El presupuesto de la temporada será de 41,5 millones de euros, frente a los 40,2 millones de la actual, con un reequilibrio de las cuentas que, por primera vez, reflejarán un ligero superávit: 123.000 euros, dando así cumplimiento al Plan Estratégico 2014-2017.

La temporada –que vuelve a ser de septiembre a julio- se incrementa en número de funciones, que pasan de 108 a 114 y se mantiene el número de títulos de ópera: 12.

Ópera

La inauguración oficial de la temporada de ópera será el 7 de octubre con Nabucco, en una coproducción del Gran Teatre del Liceu con el Teatro alla Scala de Milán, el Royal Opera House Covent Garden de Londres y la Lyric Opera de Chicago. Entre su reparto, destaca Ambrogio Maestri, triunfador la pasada temporada con Tosca, y el director de escena Daniele Abbado.

A continuación, se programará Benvenuto Cellini, de Hector Berlioz, una ópera que sólo se ha representado una vez en el Liceu, en la temporada 1977. Esta obra llega de la mano de Terry Gillam, uno de los fundadores de los míticos Monty Python, con una escenografía innovadora. La obra, producida por la English National Opera (ENO) y la De Nederlande Opera de Ámsterdam, acaba de conseguir un éxito abrumador en Londres. La orquesta estará dirigida por el director musical del Liceu, Josep Pons.

En el mes de diciembre, llegará Lucia di Lammermoor, de Gaetano Donizetti, donde se producirá el debut mundial del tenor Juan Diego Flórez en el papel de Edgardo y que estará acompañado por Elena Mosuc, entre otros. En la escenografía destaca una enorme torre de vidrio inclinada, situada en el escenario, en una ópera dirigida musicalmente por Marco Armiliato y con la dirección de escena de Damiano Michieletto.

Otro plato fuerte de la temporada será la representación de dos Otello: el de Verdi y el de Rossini, de la mano de los dos tenores más reputados en el papel protagonista: Aleksandrs Antonenko y Gregory Kunde (el Pollione en Norma de esta temporada).

Así mismo, se cierra la Teatralogía de Wagner con Götterdämmerung (El crepúsculo de los dioses), con Iréne Theorin, Lance Ryan y las mejores voces wagnerianas de Bayreuth. La dirección musical correrá a cargo de Josep Pons.

El Liceu acogerá el estreno en España de Written on skin (Escrito sobre piel), una ópera del siglo XXI, que estrenada hace tres años en Aix-en-Provence se ha convertido en un referente a escala mundial. La ópera, en versión semiescenificada, estará dirigida por su propio compositor: George Benjamin.

También será estreno absoluto Serse de Händel, que nunca se ha visto en el Liceu. Esta ópera barroca, en versión concierto, estará interpretada por una de las mejores formaciones en el género, el Ensemble Matheus, con instrumentos de época.

La temporada acogerá una celebración especial: la de los 50 años del debut de Plácido Domingo, que actuará en Simon Boccanegra, de Verdi, con un elenco que incluye a Leo Nucci y a Giovanni Meoni, en una producción propia del Liceu y el Grand Théâtre de Ginebra.

Un reparto de lujo se verá en I Capuleti e i Montecchi, de Bellini, una ópera poco representada en el Liceu, que contará con las voces de Elina Garança, Silvia Tro Santafé, Patricia Ciofi y Ekaterina Siurina. El vestuario lleva el sello del diseñador francés Christian Lacroix.

Una de las óperas más apreciadas por el público del Liceu, la Bohème de Puccini, se podrá ver en los meses de junio y julio, en una nueva producción en el Liceu de la English National Opera y la Cincinatti Opera, bajo la dirección de escena de Jonathan Miller, uno de los renovadores de la escenografía lírica moderna. En el reparto se verá a la ganadora del Concurso Viñas de este año, la ucraniana Olga Kulchynska, en una apuesta por las nuevas voces.

Clausurará la temporada Die Zauberflöte (La flauta mágica), de Mozart, con una estética innovadora que recuerda al cine mudo de los años 20. La producción proviene de la Komische Oper de Berlin, que ha triunfado en varios países.

Danza

La programación de danza incluye dos reputadas compañías: la English National Ballet de Tamara Rojo, que interpretará El lago de los cisnes, y la Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección de José Carlos Martínez. En ambos casos, la música irá a cargo de la Orquesta Sinfónica del Liceu.

La Compañía Nacional estrenará en el Liceu su Homenaje a Granados y a continuación ofrecerá coreografías contemporáneas, entre ellas de Jerome Robbins, William Forsythe y el propio director de la compañía.

Conciertos y recitales

En este capítulo destaca el concierto que ofrecerá el director italiano Riccardo Muti, que interpretará Mozart con una orquesta integrada por miembros de la “Luigi Cherubini” y la Orquesta del Liceu, con acompañamiento al piano de Ignasi Cambra.

Una propuesta atractiva será la del actor norteamericano John Malkovich, que interpretará Egmont de Beethoven, basado en el clásico de Goethe, en un programa que incluye la Sinfonía número 7 del genio alemán.

La Orquesta del Liceu, bajo la batuta del maestro Pons, interpretará su programa sinfónico con obras vinculadas a títulos de ópera y músicas procedentes de otros géneros, como el cine. Es el caso de un concierto a propósito de Wagner (con obras vinculadas a Star Wars, Indiana Jones y El señor de los anillos) y otro a propósito de Romeo y Julieta. El ciclo sinfónico se completará con un programa dedicado a Mendelson y Tchaikovsky que tendrá lugar en L’Auditori.

Por Navidad, se volverá a programar Els Pastorets, cantata de Nadal, de Albert Guinovart, después del éxito conseguido en la pasada edición, cuando el Liceu contó con programación propia por estas fechas. El Memorial Pau Casals tendrá continuidad con El Pessebre, del propio Casals, con textos de Joan Alavedra y la interpretación de la Orquesta del Teatro y la Polifónica de Puig-reig.

En el capítulo de grandes voces, destaca el concierto de la mezzo Joyce DiDonato, que acaba de triunfar con Maria Stuarda, el concierto con Diana Damrau, que interpretará piezas de bel canto, y el concierto del barítono Christian Gerhaher, uno de los principales lideristas del momento y ganador del premio al mejor recital del 2014 de los Premios Campoamor.

El Petit Liceu

La programación para los más pequeños se renueva la próxima temporada, aunque se mantienen algunos de los espectáculos más solicitados por el público, como El superbarber de Sevilla, Guillem Tell y La casa flotant.

Destaca el estreno de un espectáculo: Aria kadabra, una nueva producción del Liceu donde se explicará la temporada de los adultos a los niños mediante el ilusionismo y la magia, un espectáculo que tiene intención de continuidad en próximas temporadas.

Asimismo, se estrenará L’ocell prodigiós, de la compañía La Maquiné, un espectáculo de marionetas basado en la leyenda El pájaro de fuego de Igor Stravinsky.

Por último, se recupera un espectáculo de danza: Minus 16. Un ballo, de IT dansa, la compañía del Institut del Teatre, con la intención de introducir a los más pequeños en el mundo de la danza.

Real

El Teatro Real ha presentado esta semana la nueva temporada 15-16. Una temporada equilibrada en cuanto a títulos de repertorio y aquellos más desconocidos. Realiza una clara apuesta por las coproducciones con otros teatro y no tanto las propias. Lo que contribuye al cumplimiento del objetivo de ajustar el presupuesto al máximo. Mayor número de representaciones. la eliminación del gasto de gestión al adquirir las entradas a través de internet. La programación, vertebrada por los títulos operísticos, articula diferentes líneas conceptuales y temáticas con variadas propuestas interdisciplinares. Se ofrecerán cinco nuevas producciones, cuatro producciones invitadas, tres óperas en versión de concierto y dos óperas de cámara. Se mantienen en la próxima temporada las líneas estructurales de la programación, con la ampliación de los ciclos VOCES DEL REAL y SESIONES GOLFAS, y la creación del ciclo BAILANDO SOBRE EL VOLCÁN. El Teatro Real se une a la Conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes y William Shakespeare. Se afianza el vínculo con instituciones culturales y artísticas, con múltiples y atractivas actividades. Y se amplían las modalidades de abonos (16 en total), se anticipa y agiliza su venta y se flexibilizan los procedimientos para cambio de fechas.

En la 19ª temporada del Teatro Real desde su reapertura, en 1997, se presentarán cinco nuevas producciones operísticas —todas en coproducción con importantes teatros, cuatro producciones invitadas, tres óperas en versión de concierto y dos óperas de cámara que se ofrecerán en los Teatros del Canal. La programación se completa con tres espectáculos de danza y dieciséis conciertos integrados en los ciclos Voces del Real, Sesiones golfas y el recién creado Bailando sobre el volcán.

Cabe destacar el estreno en Madrid de la versión escenificada de Moisés y Aarón, de Arnold Schönberg, sin duda una de las obras señeras del repertorio lírico del siglo XX, que llegará en una coproducción entre el Teatro Real y la Ópera de París, con dirección de escena Romeo Castellucci —uno de los creadores más brillantes de la actualidad que debutará en Madrid. En estrecha sintonía con el argumento y las circunstancias históricas de esta ópera, se estrenará también El emperador de la Atlántida, de Viktor Ullmann, discípulo de Schönberg y uno de los grandes compositores de la época, cuya carrera quedó truncada por el ascenso del nazismo. La ópera se compuso en el campo de concentración de Terezín. Ambas obras esbozan un eje temático que se extenderá a espectáculos del Programa Pedagógico, como la pequeña ópera juvenil Brundibár, de Hans Krasa, estrenada también en Terezin. En el mismo marco conceptual, pero con otra atmósfera, se ofrecerán en el Auditorio Sony de la Fundación Albéniz cuatro conciertos (uno de ellos escenificado) dentro del ciclo Bailando sobre el volcán, que incluyen referencias al cabaret judío que tanta influencia ejerció sobre Schönberg, Kurt Weill y otros compositores coetáneos.

Entre las novedades de la temporada figuran los estrenos de Alcina —una de las mejores óperas del extenso catálogo de Händel, con dirección escénica de David Alden— y, sobre todo, La prohibición de amar, de Richard Wagner, obra juvenil injustamente relegada, que el Teatro Real y la Royal Opera House rescatarán del olvido con la complicidad de Kasper Holten, responsable de la dirección de escena, e Ivor Bolton, director musical del Teatro Real. La ópera de Wagner está basada en Medida por medida, de William Shakespeare, de quien se conmemora el cuarto centenario de su muerte. En el marco de esta efeméride se ha programado en los Teatros del Canal la obra Dos delirios shakesperianos, de Alfredo Aracil.

El Teatro Real se ha unido también a la Conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes programando El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, y El caballero de la triste figura, de Tomás Marco.

Además de La prohibición de amar, que Wagner consideraba un “pecado de juventud”, la temporada incluye la última ópera del compositor, Parsifal, que dirigirá musicalmente Semyon Bychkov y que supondrá el debut en el Real de Claus Guth, otro de los nombres más cotizados de la dirección escénica actual.
Mariella Devia, Gregory Kunde, Mariusz Kwiecien y Silvia Tro Santafé conformarán el cuarteto estelar que protagonizará el regreso de Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti, que inaugurará la temporada lírica el 22 de septiembre. Otro título crucial del belcantismo romántico, I Puritani, de Vincenzo Bellini, reunirá algunos de los mejores cantantes de este repertorio: Diana Damrau, Javier Camarena y Ludovic Tezier, dirigidos por Evelino Pido, en el foso, y Emilio Sagi, en la escena.
También Rigoletto, de Giuseppe Verdi, con dirección musical de Nicola Luisotti y escénica de David McVicar, unirá a cantantes tan reconocidos como Olga Peretyatko, Lisette Oropesa, Stephen Costello o Leo Nucci, que también protagonizará Luisa Miller de Giuseppe Verdi, en versión de concierto, bajo la dirección de James Conlon.
Plácido Domingo interpretará junto a Ainhoa Arteta y Michael Fabiano, I due Foscari, de Giuseppe Verdi, bajo la batuta de Pablo Heras-Casado, Principal Director Invitado del Teatro Real. También en versión de concierto se presentará Written on Skin, que dirigirá el propio compositor, George Benjamin.

Entre los títulos más populares del repertorio lírico destaca asimismo el regreso de La flauta mágica, con dirección musical del experto mozartiano Ivor Bolton, con magistral puesta en escena de Barrie Kosky, que debutará en el Teatro Real. El Programa Pedagógico incluirá, a su vez, La flauta encantada, una magnífica introducción a la ópera de Mozart para niños, y una versión para adolescentes de Dido y Eneas, de Henry Purcell, con dirección de Rafael Villalobos.
En la programación de conciertos y recitales figuran nombres de tanto prestigio como Measha Brueggergosman, Natalie Dessay, Angela Denoke, Renée Fleming, Karina Gauvin, Venera Gimadieva, Barbara Hannigan, Anja Kampe, Susan Graham, Juan Diego Flórez, Francesco Meli, Bejun Mehta, Andreas Scholl, Simon Keenlyside, Christopher Maltman, Peter Mattei y Franz Josef Selig, entre otros.

Tres compañías de danza se darán cita en la temporada: Nacho Duato presentará su versión de La bella durmiente con el Staatsballett de Berlin, y un triple programa con coreografías suyas y de Marco Goecke. Sasha Waltz traerá, junto con su compañía, la aclamada versión de La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky. Finalmente, José Carlos Martínez propondrá un homenaje a Enrique Granados con la Compañía Nacional de Danza finalizando en julio del próximo año, la 19ª temporada del nuevo Teatro Real.

María José Montiel

Después de realizar con extraordinario éxito una gira de conciertos con la Orquesta Sinfónica Ciudad de Elche y la Coral Crevillentina este mes de enero (Abarán, Cieza y Murcia), la diva madrileña María José Montiel amplía su ya anunciada agenda de recitales y conciertos integrando ahora las ciudades de Barcelona y Zaragoza. Se trata de dos actuaciones junto a la Classical Concert Chamber Orchestra, un conjunto con sede en California (Estados Unidos) dirigido por el violinista Ashot Tigranyan, que en febrero realizará una amplia gira por diversas ciudades españolas y a la que María José Montiel se unirá en las paradas que la orquesta realice en las capitales catalana (Palau de la Música Catalana, 18 de febrero) y aragonesa (Auditorio de Zaragoza, 28 de febrero). En el programa se anuncian las Siete canciones populares españolas, de Manuel de Falla, piezas a las que se unirán obras Vivaldi, Mozart y Sarasate interpretadas por el conjunto norteamericano.

Antes, el 2 de febrero, la cantante española regresará al escenario del Teatro de La Zarzuela de Madrid donde inauguró la temporada como protagonista de Carmen, de Bizet, ahora para debutar en el Ciclo de Lied del coliseo lírico madrileño, acompañada de Josep Colom desde el piano. El 10 de febrero, María José Montiel ofrecerá un recital en el Palau de la Música de Valencia junto al pianista Miquel Estelrich con obras, entre otros, de Montsalvatge, García Abril, Ravel, Massenet y Saint-Saëns.

Y como ya se había anunciado, los días 26 y 27 de febrero Montiel volverá a interpretar una de las obras que la han hecho famosa a nivel internacional, la Messa da Requiem, de Verdi; será bajo la dirección de Carlos Kalmar en el Teatro Monumental de Madrid y dentro de la temporada de la Orquesta y Coro de RTVE.

Ya entrado el mes de marzo, la mezzo madrileña se trasladará a Pamplona para ofrecer un recital en el Teatro Gayarre de la capital navarra acompañada al piano por Laurence Verna (3 de marzo). Unos días más tarde volverá a Lisboa para interpretar, junto a la Orquestra Sinfónica Portuguesa y en el Centro Cultural de Belém, la Tercera Sinfonía de Gustav Mahler (8 de marzo), todo ello antes de su regreso a Tel-Aviv (Israel), ciudad en la que volverá a estar dirigida por Zubin Mehta en dos funciones de Carmen al lado de la Israel Philharmonic Orchestra (15 y 22 de marzo). María José Montiel regresa a la temporada del conjunto israelí en la que ya estuvo el pasado mes de diciembre como protagonista de la popular ópera de Bizet, siempre dirigida por el maestro Mehta, uno de sus directores favoritos y con el que acostumbra a colaborar.

Caballé

El 9 de diciembre el Teatro Real brindó un merecido homenaje a una de las más grandes intérpretes de la lírica internacional, Montserrat Caballé. A sus 81 años, La Caballé hizo gala, una vez más, de su extraordinario sentido del humor. A pesar de sus dificultades para caminar, subió al escenario tras el recital para agradecer a la Orquesta, al público y a Joan Mataboch, este sentido homenaje.

Durante el recital se intercalaron vídeos de sus mejores actuaciones en el Real con arias del que ha sido su repertorio operístico y con felicitaciones en diferido de Plácido Domingo, Josep Carreras y Renne Fleming.

Todo empezó con una interpretación, un tanto fría, de “Piangete voi… Al dolce guidami”, de Anna Bolena de Donizetti, a cargo de Mariella Devia. Una auténtica dama sobre el escenario que demostró que el paso del tiempo no le ha quitado ni ápice de técnica vocal, y que conserva sus impecables y emocionados legatos. Todo ello en su segunda y última aria de “Il pirata”, de Bellini.

Jessica Nuccio sustituyó a última hora a la anunciada María Agresta. La Nuccio empezó con “Sempre libea” de La traviata de Verdi, con una voz desagradable y gritona que no mejoró en el “Addio del passato”. Parecía una alumna de canto examinándose, para suspender.

Irina Churilova, tiene una voz poderosa e intensa y a sus buenas interpretaciones de “Pace, pace, mio Dio” de Verdi y un “Un bel di vedremo”, de Madama Butterfly, de Puccini, solo le faltaron más delicadeza y refinamiento canoro.

Montserrat Martí no podía faltar a este homenaje a su madre con dos arias, “Depuis le jour” de Louise, de Charpentier y “O mio babbino caro”, Gianni Schicchi, de Puccini.

Ángeles Blancas interpretó “Ah, Du wolltest minch nicht…” el aria final de Salomé, de Richard Strauss, y lo hizo con una sensualidad y una capacidad dramática impresionante. Pide a gritos una visita más contundente a Madrid.

Ann Petersen nos regaló un “Mild und leise wie er lächelt”, de Tristan un Isolde de Wagner. Le pesaba la voz en algunos momentos pero sus agudos son brillantes.

Montserrat Caballé nos citó para un próximo recital, en fecha no muy lejana, cuando se recupere de sus dificultades para caminar. La esperamos.

http://youtu.be/uL5pQr9zbQI

Logo Festival Castell Peralada 2'13

Como no podía ser menos en este año 2013, conmemorativo de los bicentenarios de Richard Wagner (Leipzig, Alemania, 22 de mayo de 1813 – Venecia, Italia, 13 de febrero de 1883), y Giuseppe Verdi (La Roncole, Bussetto, Parma, Italia, 10 de octubre de 1813 – Milán, Italia, 27 de enero de 1901):
El Festival del Castell de Peralada, ha dedicado una amplia programación para festejar ambos eventos. Ante todo, cabria señalar –es justo y necesario- la perfecta y modélica organización de este festival veraniego, en ese bello marco del catalán “Alt Empurdà”, ya muy cerca de la frontera francesa, y al que tuve el placer de asistir por primera vez en un ya lejano 2002, en un recital, con entrevista incluida del tenor peruano Juan Diego Florez, cuando empezaba a ser conocido y estaba perfilando el camino hacia esa gran fama que ha adquirido en años posteriores.
Esa magnífica programación lírica dedicada a ambos bicentenarios, se inició desde el mismo día de la inauguración del Festival, el 17 de julio, con la interpretación de la verdiana Messa di Requiem, interpretada por el Cor i l’Orquestra del Gran Teatre del Liceu, bajo la dirección de su titular Josep Pons, quien imprimió a la orquesta un ritmo vibrante y, al unísono, logrando ese alto tono dramático que requiere esta obra: cuyo estreno tuvo lugar en 1874, en homenaje al gran poeta Alessandro Manzoni, fallecido justamente un año antes. En esta composición puede comprobarse la capacidad de Verdi como orquestador, conseguida poco a poco, durante los treinta y cinco años de intenso trabajo que median entre su primera ópera Oberto Conte di San Bonifacio (1839) y ese año 1874 de estreno del Requiem. Los solistas vocales eran de auténtica categoría encabezados por la magnífica soprano holandesa Eva-María Westbroek, voz voluminosa y timbrada, dotada de ese <<squillo>> y rotundidad que precisa esta obra. No le fue a la zaga la prestación de la mezzo italiana Luciana D’Intino. También, buena prestación del bajo Michele Pertusi. Y, más discreto, el tenor Giuseppe Filianoti, de bonita y timbrada emisión, pero algo ligero para esta obra que requiere una voz de más rotunda; y, ello se pone de manifiesto, en su gran momento solista el “Ingemisco”, donde su interpretación resulta muy alejada de las realizadas por un Jussi Björling junto a Zinca Milanov en 1940 o Leontine Price en 1960, en sus grabaciones dirigidas respectivamente por Arturo Toscanini y Fritz Reiner.
El propio Toscanini dirigió otro Requiem histórico en 1951, en el neoyorkino Carnegie Hall, con la maravillosa voz del joven Giuseppe Di Stefano, flanqueado por otros dos grandes de la lírica: Fedora Barbieri y Cesare Siepi. Es preciso resaltar otro histórico Requiem, con la magnífica interpretación de un joven Luciano Pavarotti, con Leontine Price, la gran mezzo Fiorenza Cossotto, y un Nicolai Ghiaurov en su mejor momento vocal, todos dirigidos en 1967 por Herbert von Karajan, en una función scalígera filmada, y posteriormente remasterizada y editada en DVD, que ha llegado a convertirse en un documento imprescindible de esta magna obra religiosa verdiana.
De cualquier forma, este Requiem de Peralada resultó de bastantes quilates sobre todo por la dirección de Josep Pons, y las prestaciones vocales de Eva-María Westbroek y Luciana D’Intino.
La interpretación de esta obra era también un homenaje a la memoria del poeta, dramaturgo y novelista en lengua catalana Salvador Spriu, en el centenario de su nacimiento acaecido el 10 de julio de 1813, cien años después  de  Verdi y Wagner.
Y, pasamos a la segunda jornada lírica del viernes 2 de agosto, dedicada a Wagner con la Orquesta del Teatro Mariinsky de San Petersburgo dirigida por su titular Valery Gergiev, con esa fuerza y convicción que en él son habituales. Quizás, en la primera parte dedicada a la interpretación del Acto I de Die Walküre (La Valquiría), algunos instrumentistas no consiguieron unas introducciones solistas del todo ortodoxas, y me refiero a las cuerdas graves y metales. En compensación si tuvimos la fortuna de escuchar a tres cantantes rusos de voces rotundas y entonadas, con un buen dominio de la lengua alemana, algo fundamental para matizar debidamente sus respectivos roles. Muy notable la Sieglinde de la soprano Mlada Judoléi con un timbre de gran atractivo, y empastando muy bien con el Siegmund del tenor August Amonov, bastante entonado en los pasajes de mayor empuje heroico, con un fraseo pleno de intencionalidad, aunque no excesivamente refinado en los momentos más líricos de esos largos y preciosos dúos con Sieglinde.
Magnífico por presencia escénica y vocalidad el bajo Mijail Petrenko, quien realizó una gran interpretación de el celoso y malévolo Hunding.
La orquesta estuvo mucho mejor en la segunda parte, con unas excelentes interpretaciones de las oberturas de Lohengrin y Los Maestros Cantores. Aunque, los grandes momentos de este concierto, corrieron a cargo de una magnífica Eva-María Wetbroek, quien después de haber encarado con verdadera brillantez los roles más líricos wagnerianos como Elisabeth de Tannhäuser, la Eva de Los maestros cantores, Sieglinde de Die Walküre, y la Gutrune de Götterdämmerung, está preparando su debut como Isolda, ensayando este complejo rol, en sus interpretaciones de la <<Imprecación de Isolda>> y la <<Muerte de amor>>, donde estuvo impresionante por su gran capacidad dramática, rotundidad vocal, y absoluto dominio de todos los registros: graves, centro y agudos. Un público totalmente entregado aplaudió con gran fuerza tanto a Gergiev como a la Westbroek.
Al día siguiente sábado 3 de agosto tuvo lugar otro evento wagneriano con el estreno absoluto en España de Das liebesverbot (La prohibición de amar), opera juvenil de Richard Wagner estrenada 1836 en Magdeburgo –con un estruendoso fracaso- cuando su autor solo tenía veintidós años. El montaje, realizado por el director escénico Georgios Kapoglou, fue realizado por encargo del Festival de Jóvenes Artistas de Bayreuth en 2005, en una versión donde se reducen las casi tres horas y media de la partitura original, a menos de dos, realizada por el compositor Frank Böhme en clave moderna, para el conjunto camerístico Ensamble Orquesta de Cadaqués, con instrumentación adicional de guitarra eléctrica y saxofones, que supo dirigir con verdadera destreza Fausto Nardi. El arreglo musical podía recordar, por momentos, el teatro musical de Kurt Weill.
Esta versión intenta concentrar lo más esencial de la acción, con una especial atención a mostrar una defensa a ultranza del amor libre y la emancipación femenina, marcando de sobremanera, el derecho de la mujer a tener absoluta libertad para elegir al hombre que más les guste, sin cortapisas familiares o sociales. Se trata de una adaptación que el propio Wagner realizó de la obra de teatro Medida por medida de Schakespeare.
Muy interesante la puesta escena en el interior de la Iglesia del Carmen de Peralada, con la orquesta al fondo, y la acción desarrollada dentro de un graderío rectangular y cerrado donde los espectadores podían seguir la acción desde muy cerca, prácticamente escuchando la respiración de los diferentes actuantes.
Magnífica actuación vocal y teatral de jóvenes cantantes, como los barítonos Enric Martinez-Castignani y Àlex Sanmartí, las sopranos Júlia Farrés-Llongueras, Rocio Martinez y Mercedes Gancedo, y el tenor David Alegret.
Buena prestación del Coro de Cámara del Palau de la Música Catalana. Magnífica función de estreno de esta auténtica rareza wagneriana. Solamente, significar el calor sofocante en el interior de la Iglesia del Carmen donde tuvo lugar la representación.
En fin, estos tres eventos musicales reseñados, han sido la magnífica aportación del Festival de Peralada 2013, a los bicentenarios de Wagner y Verdi.

Diego Manuel García Pérez-Espejo

Otello

Mucha era la expectación que había generado el estreno del Otello de Zubin Mehta y Davide Livermore en el Palau de Les Arts. Y oportuno y merecido el éxito que ha cosechado.
Mientras otros miran hacia dentro, sin encontrar nada, Les Arts pone fin a su magnífica temporada con una demostración de fuerza. Ni las amenazas de la crisis, ni las dificultades para conseguir recursos han sido un obstáculo para que Valencia haya ofrecido una importante temporada de ópera, que culmina con la brillantez de esta obra de producción propia.
Otello, la perfecta tragedia tramada por Giuseppe Verdi y Arrigo Boito, es una obra heroica e intensa con la que Verdi logra continuidad musical y dramática a través de sus intensos monólogos y dúos, más declamados que cantados, y con una orquestación que acentúa el dramatismo y la sutileza a lo largo de toda la obra.
La ópera da comienzo y transcurre con un gran despliegue de efectos visuales. El director de escena y de iluminación, Davide Livermore, sorprendió con su planteamiento escénico formado por una plataforma en espiral, con un núcleo móvil.
Sobre el mismo escenario se suceden todas las escenas, cada una definida por unas efectistas proyecciones, desde un mar embravecido a las íntimas estancias donde se desarrolla la tragedia y muerte de Desdémona. Aunque fueron precisamente las imágenes que ilustraron el crimen las menos afortunadas por quedar fuera de contexto.
Una escenografía cargada de simbolismo. Los celos, el resentimiento, la traición… representados por un gran agujero negro que los actores recorrían acercándose o alejándose del núcleo.
Y como maestro de ceremonias, un Zubin Mehta que, a pesar de llevar la obra en un tempo tal vez demasiado lento, desplegó gran variedad de matices en una pulcrísima dirección, más brillante en los momentos explosivos que en los delicados.
La Orquesta de la Comunidad Valenciana, merecidamente ovacionada, respondió con flexibilidad y soltura a las órdenes de la batuta, consiguiendo momentos de gran belleza, sobre todo por parte de las cuerdas, y alcanzando los efectos sonoros tan determinantes en Otello.
El tenor estadounidense Gregory Kunde, que llegó al Palau sustituyendo a Aleksandrs Antonenko, fue otra agradable sorpresa de la noche. Aunque para la voz de Otello me gusta un timbre más oscuro y menos rossiniano, el de Kunde fue un Otello sobresaliente. Sin pretender buscar sonoridades graves, que definen mejor al personaje, pero que él no posee, lo mejor fue la variedad de armónicos, sobre todo en las notas altas que atacó sin miedo. Lástima que al apianar su voz pierda consistencia. Pero dotó a su personaje de un emocionante dramatismo, sobre todo en el último acto y en la escena, cargada de simbolismo, en la que Yago repite como una sombra todos sus movimientos.
María Agresta, como Desdemona, fue de menos a más. Posee un hermoso timbre y una hábil capacidad de regulación de su voz. Construyó una Desdemona delicada, inocente y de gran sentimiento, aunque debe trabajar más la dramatización.
Otro de los atractivos de la noche era poder escuchar de nuevo, esta vez como el maquiavélico y traidor Yago, al barítono Carlos Álvarez. Su regreso a los escenarios está siendo cuidadosamente pausado.
Su voz no es la de antes. El volumen ha disminuido y evidenció dificultades en los ascensos. Pero su fraseo, su nobleza sobre el escenario, su canto elegante y un primer y segundo actos en los que su instrumento sonó firme y lleno de musicalidad, dejan la puerta abierta a una evolución vocal innegable. Visiblemente emocionado recibió una gran ovación.
Marcelo Puente, como Cassio, y sobre todo Cristina Faus como Emilia, resolvieron con mucha dignidad sus papeles.
Muy bien el Coro de la Comunidad Valenciana. Potente y bien desenvuelto por el escenario. Más discreta fue la actuación del coro infantil, Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats, manifiestamente mejorable.
Escelente la dirección de actores. Verdi tiene la dificultad de sus grandes cuadros escénicos, con multitudes sobre el escenario que no siempre son fáciles de gestionar. En esta ocasión Davide Livermore realiza una excelente dirección actoral. El equilibrio sobre el escenario es permanente, también cuando éste se llena de coro, soldados, cantantes, niños… No es fácil mover tanta gente en una superficie tan irregular, pero Livermore lo consigue.
El vestuario, del propio Livermore, redondea el empaque de los personajes, sobre todo de Otello y Yago. Aunque confieso que no entendí bien el peinado del coro de mujeres.
En definitiva, un Otello que, con toda su carga dramática, está lleno de frescura, de luz y de talento sobre y tras es escenario.

OTELLO
Giuseppe Verdi (1813-1901)
1 de junio de 2013
Ópera en cuatro actos
Libreto de Arrigo Boito. Basado en el drama homónimo de W. Shakespeare
D. musical: Zubin Mehta
D. escena iluminación: Davide Livermore
Videocreación: D-WOK
Nueva producción del Palau de Les Arts Reina Sofía.
Gregory Kunde, Carlos Álvarez, María Agresta, Marcelo Puente, Cristina Faus, Mario Cerdá

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