Teatro Real Archives - Página 3 de 7

Tosca brilla en el Teatro Real
Tosca
Giacomo Puccini (1858-1924)
Melodramma en tres actos
Libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la obra La Tosca de Victorien Sardou
8 de julio de 2021 Teatro Real de Madrid
D. musical: Nicola Luisotti
D. escena: Paco Azorín
Figurinista: Isidre Prunés
Vestuario de Floria Tosca: Ulíses Mérida
Iluminador: Pedro Yagüe
Vídeo: Alessandro Arcangeli
Coreógrafo: Carlos Martos de la Veja
D. coro: Andrés Máspero
D. coro Pequeños Cantores: Ana González
Reparto: María Agresta, Michael Fabiano, Gevorg Hakobyam, Gerardo Bullón, Valeriano Lanchas, Mikeldi atxalandabaso, David Lagares e Inés Ballesteros
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y Pequeños Cantores de la JORCAMAbril de 1889, Puccini acaba de tener un sonoro fracaso en La Scala con el estreno de Edgar. Al cabo de unas semanas escribe a su editor Giulio Ricordi, para pedirle que solicite a Victorien Sardou una autorización para poder adaptar su obra La Tosca (1887).La obra de Sardou había recorrido los principales teatros europeos con gran éxito de público, teniendo a Sarah Bernhadt como protagonista. Puccini, que había asistido a una representación, quedó prendado por la fuerza escénica del personaje y de la manera teatral de mezclar la pasión amorosa con la pasión de los poderes políticos y eclesiásticos. Encarga entonces a sus dos libretistas, que acababan de tener un enorme éxito con la Bohéme, que inicien los trabajos de un nuevo libreto que será la envidia, entre otros, del propio Verdi.Tosca se convirtió en un claro ejemplo de verismo. No sin antes ser convenientemente dulcificada para agradar a los paladares más exquisitos, que no dudaban en criticar un libreto y unos personajes no muy refinados. La Tosca de Puccini resultó más sofisticada y femenina que la de Sardou.Pero los cambios no solo se centraron en los personajes. La música de Puccini marcó una gran diferencia y ruptura con los convencionalismos operísticos que se remontaban al barroco. La fluidez de la trama favorecía el conjunto y las, hasta ese momento, todopoderosas arias, quedaban disueltas y entrelazadas dentro de la globalidad de la obra. En Tosca las arias se reducen a tres, eso si, de enorme personalidad y belleza. “Recondita armonia”, que Cavaradossi interpreta en el primer acto, “Vissi d’arte”, aria emblemática de Floria Tosca y “E lucevan le stelle”, también interpretada por Cavaradossi justo antes de morir.El éxito de Tosca, como representante del verismo, está en su capacidad de crear clímax con una insoportable tensión dramática. Otra característica de Tosca es la utilización de los leivmotivs, que sin la sofisticación de los wagnerianos, eran muy efectivos dramáticamente y muy del gusto italiano. El más importante y constante a lo largo de la obra es el que representa al malvado Scarpia, jefe de la policía política y cuyo leivmotiv es una verdadera metáfora musical del terror político de la dictadura que en esos momentos dominaba Roma, como se demuestra en una de las frases que le dirige Tosca después de asesinarle, “E avanti a lui tremava tutta Roma!”.La producción de Tosca que presenta ahora el Teatro Real, es una coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla. La dirección escénica ha estado a cargo de Paco Azorín. Se nota que viene del mundo del teatro. Realiza tres escenas distintas con un único escenario, aprovechando la movilidad y recursos que ofrece el Real y que no tienen otros, como quedó demostrado en el tercer acto, haciendo desaparecer y aparecer simultáneamente dos escenarios de manera espectacular.Azorín se toma demasiadas licencias durante la obra. Aparecen frases proyectadas en escena que nada tienen que ver conel libreto y que repiten como un cansino mantra la palabra revolución, esas a las que algunos han llegado tarde. Tampoco tiene que ver ni se encuentra mcho sentido a una mujer desnuda que aparece en los momentos clave, restando protagonismo a las escenas y personajes y que, según Azorín, es la Libertad guiando al pueblo, de Delacroix. Imaginación no le falta.En conjunto la escenografía tiene elementos interesantes, como los ojos, a modo de gran hermano, que vigilan a Tosca. O la impresionante escena del Te Deum y, sobre todo, la buena disposición de los cantantes sobre el escenario.La dirección musical de Nicola Luisotti favorece enormemente este tipo de obras. Su manera de dirigir, llena de energía y musicalidad, acentuó la espectacularidad de las escenas más brillantes. Creó tensión dramática y permitió momentos de respiro e intimidad de manera acertada. Supo obtener de la orquesta el carácter italiano que respira la obra.Los repartos en esta ocasión son espectaculares. Tres son las Toscas, Anna Netrebko, que estará solo en las funciones del 21 y 24, Sondra Radvanovky, de voz homogénea y sonora cuya capacidad de dramatización hace que este personaje le encaje a la perfección y María Agresta, nuestra protagonista de hoy. Posee también una notable capacidad dramática. Su Tosca es más sutil y sentimental, también en lo vocal. Es un rol el de Tosca que tiene sus dificultades y Agresta las resolvió mejor en el segundo y tercer acto que en el primero. Pero también tuvo momentos de lucimiento, su “Vissì d’arte” estuvo lleno de emotividad. Toda una hazaña teniendo en cuenta que tuvo que interpretarlo tumbada en el suelo.Para el papel de Mario Cavaradossi tenemos cuatro tenores. Joseph Calleja, de hermoso y cálido timbre, Yusif Eyvazov, que casualmente actúa los mismos días que su esposa, Anna Netrebko, el mediático Jonas Kaufmann, solo dos funciones también, y Michael Fabiano, que se mostró más bien estático en escena y falto de naturalidad. Menos mal que estuvo más inspirado en lo vocal. Aceptable su “Recondita armonia”, y bastante bien en “E lucevan le stelle”, apianando con gusto. Fue el más aplaudido de la noche.Al Scarpia de Gevorg Hakobyan le faltó presencia escénica y, en algunos momentos, también vocal. Empezó bien, pero fue perdiendo maldad a medida que se acercaba el momento de su muerte. Tiene unos buenos y baritonales graves, pero a su Scarpia le faltaron quilates. No ayuda en estos casos tener en los otros repartos a Carlos Álvarez, que ha construido un magnífico Scarpia o a Luca Salsi, que acompaña al matrimonio Netrebko.El resto de comprimarios tuvieron una buena actuación. Muy bien Gerardo Bullón en su rol de Cesare Angelotti. Valeriano Lanchas interpretó a un resuelto y desenfadado sacristán. Mikeldi Atxalandabaso, como Spoletta, cumplió con su profesionalidad habitual, al iguañ que David Lagares, con su Sciarrone y la hermosa voz del pastorcillo de Inés Ballesteros.Magnífico el Coro Intermezzo, Titular del Teatro Real, que continúa dando una lección de profesionalidad y esfuerzo enfrentándose y venciendo a los elementos y a las mascarillas. Bien también el Coro de Pequeños Cantores de la JORCAM, bajo la dirección de Ana González.Con Tosca termina la temporada lírica del Teatro Real, una temporada que puede catalogarse de histórica. Donde la calidad artística, que la ha tenido, puede quedar en un segundo plano ante una decisión difícil y extraordinariamente valiente que tomó el Teatro hace ahora un año, permanecer abierto y con su programación, a pesar de la situación pandémica mundial demostrando, que no solo era posible, sino necesario, levantar el telón.Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Su cara y su nombre se han hecho populares tras alzarse con la victoria en la primera edición del programa The Dancer, el concurso de talentos que la ha consagrado como mejor bailarina de España, pero Macarena Ramírez tenía ya un lugar destacado en el mundo del Flamenco, donde su arte, su técnica y su estilo ya eran reconocidos por compañeros y aficionados.

Como tantos bailaores, Macarena Ramírez comenzó su formación profesional siendo muy niña. Con sólo 6 años ya pisaba el escenario, empezando un camino que la llevaría, un año después, a ganar el Premio Revelación de Andalucía y, recién cumplidos los 12, a dar vida a una Lola Flores adolescente en la película Lola. Ha perfeccionado su técnica con figuras como Eva la Yerbabuena, Carmen la Talegona o Rubén Olmo, por citar algunos, y ha trabajado en las compañías de Sara Baras, Antonio “El Pipa” y María Pagés, entre otros.

Destacan de ella su técnica, de pies velocísimos, y la delicadeza de sus manos. Afianzada en el flamenco más puro, sus movimientos denotan la esencia femenina, con su delicadeza y su fuerza, y una forma de girar y de expresar que la hacen reconocible en cuanto pisa el escenario.

En Efímero, su último trabajo, nos contará una historia de encuentro y aprendizaje, de amor con su trenza de alegría, fortaleza y fragilidad; de amor intenso que pasa, efímero, dejando marca en el alma. Una narración a dos en la que contará con la participación especial del bailaor Eduardo Guerrero, un artista con quien ha compartido cartel y cuyos bailes se entienden y complementan.

La banda sonora la pondrán la guitarra de Juan José Alba, el cante de Ismael de la Rosa “el Bola” y Miguel Lavi, y la percusión de Carlos Merino.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, las bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

Fotografía © Isa de la Calle

Se acerca el final de una temporada de ópera que el Teatro Real ha vivido con especial intensidad, ya que ha sido el único teatro lírico del mundo que ha presentado una programación completa en el periodo 2020-2021, y en la que cada vez que se ha levantado el telón se ha sentido como una recompensa artística y humana en defensa de la cultura segura.

Con este ánimo, el Teatro Real quiere compartir con todos estas citas, antes del descanso estival y cuando se cumple justo un año de la reapertura después del confinamiento, retransmitiendo en pantallas al aire libre, en la Plaza de Oriente y en la Plaza de Isabel II (Ópera), dos de sus espectáculos de esta Temporada. Para ello, se ha adaptado el espacio público a la normativa de seguridad sanitaria de la Comunidad de Madrid frente a la COVID-19, procurando un aforo limitado, con distancia de seguridad, al que se accederá con localidades gratuitas obtenidas previa reserva en la página web del Teatro a partir del 5 de julio a las 11.00 horas.

Ese mismo día, para quienes no puedan desplazarse o vivan fuera de la Comunidad, la ópera también se retransmitirá gratuitamente, a las 21.00 horas, en MyOperaPlayer (donde pasará a formar parte del catálogo) y en los canales de YouTube del Teatro Real y de RTVE, coproductora de la producción audiovisual. Al día siguiente, 11 de julio, a las 23.00 horas, Tosca será emitida en La 2 de TV.

La gran fiesta comenzará el sábado a las 12.00 horas con la retransmisión de la Novena Sinfonía de Beethoven, Sinfonía nº 9 en re menor, op. 125 “Coral”, interpretada en el Teatro Real el pasado mes de septiembre para conmemorar el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán, dirigida por Gustavo Dudamel al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

El concierto contó también con la participación de los Alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, el

Orfeo Català, el Cor de Cambra del Palau de la Musica Catalana, la soprano Susanne Elmark, la mezzosoprano Aigul Akhmetshina, el tenor Leonardo Capalbo, y el barítono José Antonio López.

A las 21.00 horas, una hora y media después del inicio de la ópera en el escenario, para evitar el calor y la excesiva claridad que puede haber a las 19.30 horas, dará comienzo la retransmisión de Tosca, de Giacomo Puccini, uno de los títulos más bellos y populares del repertorio lírico. La obra estará protagonizada por las voces de la soprano Sondra Radvanovsky (Floria Tosca), el tenor Joseph Calleja (Cavaradossi) y el barítono Carlos Álvarez (Scarpia).

Al frente del extraordinario elenco y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real estará el maestro Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real, cuya presencia ha sido fundamental durante este largo período de convivencia con la pandemia, dirigiendo la excepcional Traviata después del confinamiento estricto (hace justo un año) e inaugurando la presente temporada, el pasado septiembre, con Un ballo in maschera, estimulando con su dedicación, confianza y entrega, tanto a los artistas como a los trabajadores.

El director de escena Paco Azorín concibe la ópera como concebida como un viaje del exterior al interior de los personajes, con apoyo de proyecciones y un decorado circular que evoluciona del realismo del primer acto a un progresivo lenguaje más conceptual y simbólico, llevando al espectador a penetrar en la atmósfera revolucionaria, caótica y despiadada de las luchas napoleónicas y contrarrevolucionarias, germen de los movimientos que llevarían a la unificación de Italia años más tarde.

Haciendo un paralelismo entre la trágica historia amorosa de la protagonista y la lucha contra un poder corrupto y autocrático, Tosca lucha por el hombre al que ama hasta la humillación y el asesinato, encarnando simbólicamente la defensa a ultranza de los ideales revolucionarios.

En la producción que se verá en el Real se ha mantenido la dramaturgia original, pero se han introducido algunos cambios, como la incorporación de un personaje inspirado en el cuadro La libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix, que simboliza la revolución, o el nuevo diseño del vestuario del personaje titular, concebido por Ulises Mérida, con el que se pretende reforzar el carácter de diva operística de Tosca, completando el figurinismo original de Isidre Prunés, fallecido en 2014.

Fotografía: Javier del Real

El próximo 9 de julio se presentará en la Sala Principal del Teatro Real, por primera vez, el bailaor sevillano Juan Fernández Montoya, Farruquito, gran nombre del flamenco y heredero de una de las estirpes con más personalidad de este arte universal, con el espectáculo Farruquito y amigos, en el que compartirá escenario con artistas como Ketama, Antonio Canales y Pepe de Lucía, en el que también estarán presentes la bailaora La Farruca, su madre, y Juan, el Moreno, su hijo.

En este punto de madurez artística, el bailaor selecciona los momentos más personales e identificativos de su carrera, los que han construido su personalidad y le han convertido en la figura que todos conocemos hoy en día. Una biografía forjada en la tradición de los Montoya y enriquecida con la innovación y la sensibilidad de un hombre hambriento de arte, de ganas, de técnica y de una forma única de expresar el flamenco.

Estarán junto a él grandes nombres que le han acompañado toda la vida y que han marcado, de alguna manera, su rumbo. De la mano de los Carmona, otra de las grandes sagas del mundo flamenco, debutó en Broadway con tan solo 5 años. Los caminos de ambas familias se cruzan y discurren en paralelo en una convivencia enriquecedora que ahora, dos generaciones después de aquel espectáculo en el escenario neoyorquino, dará forma nueva a la mítica soleá del abuelo Farruco, acompañado por la música de Ketama.

Antonio Canales y Pepe de Lucía, dos grandes amigos, tampoco podían faltar en esta velada del Teatro Real. Del primero, aprendizaje y baile, hondura en los pies, buscar el camino y dar forma al futuro. Si el joven Montoya encontraba en el maestro una fuente de la que aprender, Canales le reconocía como la gran figura actual y el futuro del baile, y no se equivocaba, porque el mundo flamenco le admira y respeta como a una gran estrella. Del segundo, hermandad, apoyo, voz y música.

En esta biografía artística que Farruquito escribirá en el escenario del Teatro Real, es fundamental la presencia de su madre, Rosario Montoya, la Farruca, y de su hijo, Juan, el Moreno, un bailarín extraordinario de sólo nueve años. Ambos le hacen recordar de dónde viene y a dónde va. Ambos con el sello inconfundible de los Montoya: zapateado prodigioso y técnica impecable. El gesto, la cintura y el desplante de una saga que tiene a gala la esencia gitana y el baile más puro.

Farruquito, bailaor, coreógrafo, compositor, artista premiado y reconocido, crea con Farruquito y amigos un espacio para compartir el flamenco y entregar al espectador un poquito de todo lo que ha vivido.

EL ESPECTÁCULO, SEGÚN FARRUQUITO

En este encuentro con mis amigos, con mi familia, cuento todas mis inquietudes como bailaor y también como músico. Es una obra original en letra, música y coreografía. El cante, la guitarra, la percusión, etc., no son un simple acompañamiento: todos los músicos protagonizan un con- cierto, un diálogo musical entre ellos, y de ellos con el baile.

Con este espectáculo desvelo lo más personal de mí, capto lo tradicional pero también muestro lo más actual de mi flamenco. Revivo los mejores momentos de anteriores espectáculos integrando nuevas creaciones; eso sí, guardando siempre la esencia.

Quiero mostrar la improvisación como origen del flamenco y enriquecerlo con el montaje coreográfico, ambos –improvisación y coreografía– conceptos imprescindibles en mi aprendizaje desde niño. Deseo encontrar el maravilloso equilibrio entre las diferentes épocas del flamenco que he tenido la suerte de vivir y engrandecerlo con la influencia imprescindible del cante y la guitarra.

ELENCO

Baile – Farruquito

Baile – La Farruca (Madre Farruquito)

Baile – Juan “El Moreno” (Hijo Farruquito)

Guitarra – Juan Campallo

Cante – Mari Vizarraga

Cante – María Mezcle

Cante – El Chanito

Flauta – Juan Parrilla

Bajo – Julián Heredia

Percusión – Paco Vega

ARTISTAS INVITADOS

Baile – Antonio Canales

Cante – Pepe de Lucía

Ketama (Antonio Carmona Amaya, Juan José Carmona Amaya y José Miguel Carmona Niño)

EQUIPO TÉCNICO

Sonido – Gaspar Leal

Iluminación – Oscar Gómez

Producción y Manager – Daliris Gutiérrez

PROGRAMA

1.- Soleá

2.- Soleá por Bulerías

3.- Seguirilla

4.- Alegrías

5.- Bulerías

6.- Zapateao

7.- Fin de Fiesta

BIOGRAFÍAS

Farruquito (Baile)

Juan Fernandez Montoya “Farruquito”, nace en Sevilla en 1982. Hijo del cantaor Juan Fernández Flores “El Moreno” y de la bailaora Rosario Montoya Manzano, “La Farruca”. Heredero de una escuela única fundada por Farruco, su abuelo, ha vivido desde niño inmerso en el arte flamenco más puro. Debutó en la escena internacional a los cinco años en Broadway con el espectáculo Puro, compartiendo cartel con las figuras más legendarias del flamenco y con quince años, tras fallecer su abuelo, asume la responsabilidad de mantener el legado de pureza y estilo inconfundible de su estirpe. Bailaor, Coreógrafo y Compositor musical, ha producido y dirigido más de diez espectáculos girando con su compañía por los mejores teatros a nivel nacional e internacional. Entre los muchos premios y reconocimientos, Farruquito ha sido galardonado con el Premio Público al mejor bailaor y el prestigioso Premio APDE 2004 al digno depositario de la herencia del baile gitano.

La Farruca (Baile)

Nace en Sevilla en 1963, Rosario Montoya, hija del legendario bailaor Farruco. Subió a un escenario por primera vez con 13 años, con el mismísimo Camarón de la Isla al cante en una actuación en Camas; y Sabicas tocó para su baile por bulerías en Los Ángeles. Tras protagonizar espectáculos como ‘Andalucía flamenca’, ‘Persecución’, ‘Flamenco puro’, ‘Amante’ y ‘Bodas de gloria’, y compartir escena con figuras de la talla de El Güito, Angelita Vargas, Manuela Carrasco y Antonio Canales, arropa el primer espectáculo de Farruquito, ‘Raíces flamencas’. Ya con ‘Farruquito y familia’, deslumbra a la crítica en Estados Unidos y, más recientemente, con espectáculos tan exitosos como ‘Gitanas’ o ‘De Farruca a Faraona’.

Juan “El Moreno” (Baile)

Hijo de Farruquito, pese a su corta edad, ya tiene una larga trayectoria de colaboraciones con su padre, y juntos por primera vez debutan en el Teatro Real de Madrid con el espectáculo “Farruquito y Amigos”.

Juan Campallo (Guitarra)

Nacido en Sevilla en 1983. En una familia de artistas flamencos, empezó a tocar en los escenarios con tan solo 12 años acompañando a sus hermanos, los bailaores Rafael y Adela Campallo. Con ellos trabaja en los escenarios de todo el mundo, desde Tokio a Nueva York, en teatros y Festivales como la Bienal de Flamenco, el Festival de Jerez, el de Mont de Marsans, el de Monterrey, o el de Santa Bárbara en California, entre otros. En 2006 entra a formar parte de las compañías de Antonio Canales y de Javier Barón, con los cuales sigue trabajando en la actualidad. En 2007 gana el prestigioso premio «Bordón Minero» del Festival de la Unión.

Mari Vizarraga (Cante)

Cantaora sevillana, gitana del barrio del Polígono Sur, de Las Tres Mil Viviendas, una cantera inagotable de artistas flamencos auténticos y con duende. Descendiente de una familia de artistas, Juana la del Revuelo la dio a conocer profesionalmente hace veinticinco años, y desde entonces ha estado al lado de los más grandes: Joaquín Cortés, Juana Amaya, Torombo o Farruco.

María Mezcle (Cante)

Biznieta de El Mezcle y descendiente de María Vargas. Diplomada en Magisterio Musical. Ha compartido cartel con artistas como José Mercé, Pansequito, Juana la del Revuelo, Miguel Poveda, Gerardo Núñez, Esperanza Fernández, y otros muchos. Ganadora de innumerables concursos nacionales de flamenco y saetas. Ganadora del premio de los cantes bajo-andaluces en el Festival Internacional de las Minas de la Unión 2013.

El Chanito (Cante)

Sus primeros pasos en los escenarios los da junto a Manuel Fernández Montoya El Carpeta en Gitanas, un espectáculo encabezado por Rosario Montoya La Farruca, a la que considera una maestra. Desde entonces forma parte de la compañía de El Carpeta. Con este artista ha cantado en Flamenco show y en A bailar. También ha acompañado a Raimundo Amador como artista invitado en Noches de flamenco jazz y ha formado parte del elenco de Manuela Carrasco y Farruquito.

Juan Parrilla (Flauta)

Nace en Jerez de la Frontera. Cursa estudios de flauta en el conservatorio y posteriormente en Madrid. Procede de una de las grandes familias del flamenco, los Parrilla de Jerez, y destaca como uno de los máximos exponentes del nuevo flamenco. Es uno de los compositores más requeridos por las grandes figuras como Aída Gómez, Antonio Canales, Joaquín Cortés, Rafael Amargo y Farruquito.

Julián Heredia (Bajo)

Granada, bajista, polifacético y autodidacta, con su raíz gitana proveniente del flamenco, pero con un amplio recorrido musical en diferentes estilos. Trabaja y graba con Enrique Morente en varios discos, también simultáneamente tocando con casi todos los artistas, guitarristas y músicos españoles más renombrados en el ámbito flamenco, jazz y flamenco fusión, como por ejemplo José el Francés, David de María, El Farru, Farruquito, Jerónimo Maya, Antonio Canales, Jorge Pardo, Remedios Amaya, Diego del Morao, Montse Cortés, Estrella Morente, con el grupo Ketama, Pepe Habichuela, Rubem Dantas, Raimundo Amador, Ray Gómez, Niño Josele, Tomatito, y un largo etc.

Paco Vega (Percusión)

Nace en Sevilla en el seno de una familia flamenca, recibiendo sus primeras lecciones de su padre el bailaor Paco Vega. Ha ido creando su propio lenguaje de la percusión flamenca, lo que le ha llevado a acompañar a artistas tan significativos del panorama flamenco como: Farruquito, el Lebrijano, Richard Bona, Antonio Molina “el Choro” o María Pagés.

Fotografía: Javier del Real

Entre el 4 y el 24 de julio se ofrecerán 16 funciones de Tosca, con retransmisiones gratuitas en distintos formatos canales de YouTube, MyOperaPlayer, La 2 de TVE, Radio Clásica de RNE y pantallas exteriores en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II, que llevarán el popular título de Puccini a todos los rincones, celebrando el final de una programación operística intensa y muy especial, ya que el Real ha sido el único teatro lírico del mundo en presentar una temporada 2020-2021.

Nicola Luisotti ha tenido un importante papel durante este largo período de convivencia con la pandemia, dirigiendo la excepcional Traviata después del confinamiento estricto, inaugurando la presente temporada el pasado septiembre con Un ballo in maschera y estimulando, con su dedicación, confianza y entrega, a los artistas, trabajadores y al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real durante estos tiempos de incertidumbre.

Con Tosca, Luisotti dirigirá su novena ópera en el Teatro Real, en esta ocasión al frente de tres repartos con cuatro Cavaradossi, trabajando junto a Paco Azorín, que ha renovado para el Real la producción creada en 2014 para el Liceu de Barcelona y la Maestranza de Sevilla.

Concebida como un thriller cinematográfico, con apoyo de proyecciones y un decorado circular que evoluciona del realismo del primer acto a un progresivo lenguaje más conceptual y simbólico, Azorín lleva al espectador a penetrar en la atmósfera revolucionaria, caótica y despiadada de las luchas napoleónicas y contrarrevolucionarias, germen de los movimientos que llevarían a la unificación de Italia años más tarde.

Paco Azorín, que inició su carrera como escenógrafo en el Real se han visto sus decorados para las óperas Il prigioniero y Suor Angelica (con dirección de Lluís Pasqual) y para los ballets 2 you Maestro, El amor brujo y Electra, asume en esta producción también la dirección de escena, adaptando las directrices de la interpretación actoral a la idiosincrasia de cada cantante.

En la producción que se verá en el Real se ha mantenido la dramaturgia original, pero se han introducido algunos cambios, como la incorporación de una actriz que simboliza la revolución, o el nuevo diseño del vestuario del personaje titular, concebido por Ulises Mérida, con el que se pretende reforzar el carácter de diva operística de Tosca, completando el figurinismo original de Isidre Prunés, fallecido en 2014.

La ópera, coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y del Teatro de la Maestranza de Sevilla estrenada en 2014, estará protagonizada por tres repartos encabezados por las sopranos Sondra Radvanovsky, Maria Agresta y Anna Netrebko; los tenores Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazov y Jonas Kaufmann; y los barítonos Carlos Álvarez, Gevorg Hakobyan y Luca Salsi.

Sondra Radvanovsky, que ya interpretó a Tosca en 2011, volverá al Real con este papel, después de encarnar a Amelia en Un ballo in maschera en la inauguración de la presente temporada. También regresa la soprano Maria Agresta, que protagonizó Norma (2016), Il trovatore (2019) y Don Carlo (2019). Anna Netrebko interpretará su segunda ópera en el Real, después de su participación en Guerra y Paz, de Serguéi Prokófiev, en 2001.

El tenor estadounidense Joseph Calleja debuta en el Teatro Real, Michael Fabiano asume un nuevo papel protagonista después de su participación en Cyrano de Bergerac (2012), I due Foscari (2016), Giovanna d’Arco (2019), La traviata (2020) y Un ballo in maschera (2020), y Yusif Eyvazov interpretará por primera vez una ópera en el coliseo madrileño, después de haber participado en un concierto al lado de Anna Netrebko en 2019. Finalmente, Jonas Kaufmann, que actuó en una función de La clemenza di Tito en 2009, encarnará ahora a Cavaradossi en dos funciones.

El papel de Scarpia será defendido por Carlos Álvarez que cambia completamente de registro después de su reciente triunfo en Viva la Mamma, Gevorg Hakobyan, que debuta en el Real, y Luca Salsi, que ya actuó en Rigoletto (2015) y Don Carlo (2019).

Después de la reapertura del Real, se han ofrecido 32 funciones de Tosca en las temporadas 2003-2004 y 2010-2011, todas con dirección de escena de Nuria Espert. Este popular título operístico regresa con un nuevo enfoque, que nace de la riqueza musical y dramática de esta trepidante obra maestra de Puccini.

Fotografía © Antoni Bofill

En el ámbito de la celebración del Día Europeo de la Música, que se conmemora, desde 2016, el 21 de junio, el Teatro Real ofrecerá en la Sala Gayarre dos conciertos de “fin de curso” con su AGRUPACIÓN MÚSICA INCLUSIVA, conformada por niños con necesidades especiales de aprendizaje.

Nacida en 2020, la AMI es un proyecto pedagógico inclusivo en el que menores de diferentes perfiles desarrollan sus capacidades cognitivas y sociales a través de experiencias proporcionadas por el aprendizaje y la práctica musical colectiva.

La Agrupación Música Inclusiva está conformada por 20 niños y jóvenes que se reúnen dos veces por semana a lo largo de todo el curso en un estudio del Teatro Real, donde, bajo la dirección de Francisco Borro, interpretan obras musicales creadas especialmente para el grupo, atendiendo a la singularidad de cada uno de sus integrantes.

Con ese fin, Francisco Borro y Jesús Alonso han compuesto las piezas Suite Alborada de la Diversidad, Homenaje a la Inclusión y Blues-Rock del Teatro Real, que se estrenarán el 20 de junio a las 19 horas y se repetirán el 27 de junio a las 12 horas en la Sala Gayarre del Teatro Real.

También en el marco simbólico del Día Europeo de la Música, los centros escolares adscritos al programa EL REAL EN TU CLASE podrán el 21 de junio, la grabación de la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven interpretada el pasado 19 de septiembre en el Teatro Real por la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Gustavo Dudamel, con la participación de la soprano Susanne Elmark, la mezzosoprano Aigul Akhmetshina, el tenor Leonardo Capalbo, el bajo José Antonio López, el Orfeó Català, el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía (próximamente disponible en My Opera Player).
Asimismo, para ampliar esta celebración a toda España, a partir de hoy, 18 de junio, y hasta el lunes, 21 de junio, se ofrecerá el acceso a todo el catálogo audiovisual de MyOperaPlayer con el 10% de descuento, una excelente oportunidad para acercarse a las últimas novedades de la plataforma, que incluye óperas, conciertos y programas de danza procedentes de los más importantes teatros líricos de todo el mundo y joyas del archivo histórico de RTVE. Los usuarios interesados a acogerse a esta promoción deberán canjear el código MOPMUSICA al suscribirse para obtener el descuento.

CONCIERTOS DE LA AGRUPACIÓN MÚSICA INCLUSIVA

20 de junio 19:00 – 27 de junio 12:00

Sala Gayarre

PROGRAMA

Suite Alborada de la Diversidad, de Francisco Borro Y Jesús Alonso | Estreno

Principio
Evolución

III. Aurora

Homenaje a la Inclusión, de Francisco Borro y Jesús Alonso | Estreno

Blues-Rock del Teatro Real, de Francisco Borro y Jesús Alonso | Estreno

INTÉRPRETES
Darío Lloret, Javier Ruiz, Saúl Pérez, Miguel Ángel Carrión, Alma-Martina Fernández, Michael Imre Richli, Beatriz Alexia Cano, Irene Oriol, Raúl Martínez, Samuel Aparicio, Manuel Gadea, Gabriela Bueno, Juan Rodríguez, Violeta de la Torre, Celia López, María Prieto, Zoë Kamila Vargas, Fernando, Nicolás Bergquist, Raquel Vázquez, Nicolás Rubira

Francisco Borro, director artístico y musical

Jesús Alonso, codirección musical.

Fotógrafa: © Purita | AMI

El próximo 17 de junio el escenario del Teatro Real se llenará con la música de una de las joyas del barroco, Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi. Interpretada por la formación Armonia Atenea, bajo la dirección del gran especialista en el repertorio, George Petrou, cuenta con un reparto de grandes voces encabezadas por el contratenor Max Emanuel Cencic en el papel protagonista.

Completan el elenco la soprano Julia Lezhneva (Angelica), la mezzosoprano Ruxandra Donose (Alcina), la contralto Jess Dandy (Bradamante), los contratenores Philipp Mathmann (Medoro) y David D.Q. Lee (Ruggiero) y el bajo barítono Pavel Kudinov (Astolfo).

Orlando furioso es una ópera en tres actos de Antonio Vivaldi, con libreto en italiano de Grazio Braccioli, basado en el poema épico Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. La obra cuenta la historia de Orlando, un noble caballero valiente y enamorado, aunque no correspondido, atrapado en la isla de la bella hechicera Alcina. La escena, tejida con triángulos amorosos, enredos y magia, combina varios argumentos de la obra original y compone una historia de amor, celos y locura.

El poema épico caballeresco escrito por Ariosto en 1532 contiene varios personajes principales, a pesar de que solo uno le dé nombre, y ha servido de inspiración a numerosos autores, desde Lully hasta Haydn. Años después del estreno de este Vivaldi, verían la luz dos de los títulos más conocidos de Händel: Alcina (1735) y Orlando (1733).

La primera representación del título tuvo lugar en Venecia, en el Teatro Sant’Angelo, en 1727, y es una de las pocas que se conservan de la prolífica creación del compositor veneciano. Su exigente escritura vocal -cargada de arias y recitativos tan bellos como difíciles-, su compleja trama –que hace evolucionar a los personajes en su color dramático- y la extensión de la obra, precisa de un conjunto de voces de primer nivel, como el que ahora se da cita en el Teatro Real.

Armonia Atenea es un proyecto de la Camerata de Atenas, fundado en 1991 en la inauguración de la sala de conciertos Megaron de Atenas, donde tiene su sede desde entonces. En otoño de 2009, inició una colaboración regular con el director de orquesta George Petrou, interpretando con instrumentos de época un amplio repertorio que va del barroco al clasicismo. Además de sus actividades habituales con instrumentos de época, la orquesta mantiene diversos proyectos en el ámbito de la ópera y la música contemporánea.

Petrou está considerado como uno de los principales especialistas del barroco del mundo, sin embargo, su actividad musical es muy amplia, e incluye música del siglo XX y contemporánea.

Diseño de fotografía © Pep Carrió

Le convenienze ed inconvenienze teatrali
¡Viva la Mamma!
Gaetano Donizetti (1797-1848)
Dramma giocoso en dos actos
Teatro Real, Madrid 5 junio de 2021
Libreto de Domenico Gilardoni, basado en las obras Le convenienze teatrali
(1794) y Le inconvenienze teatrali (1800) de Antonio Simeone Sografi
Coro y Orquesta titulares del Teatro Real
D. musical: Evelino Pidò
D. escena: Laurent Pelly
Figurinista: Jean-Jacques Delmotte
Escenógrafa: Chantal Thomas
Iluminador: Joël Adam
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Sabina Puértolas, Gabriel Bermúdez, Luis Cansino, Francesca Sassu,
Alejandro del Cerro, Carol García, Enric Martínez-Castignani, Piotr Micinski,
Luis López NavarroLa ópera es una expresión artística muy amplia. El Arte total, del que hablaba Wagner. Y detrás de las historias propias que nos cuenta una ópera, existen otras que se van tejiendo entre quienes participan en ellas. Hasta tal punto esas otras historias fueron importantes, que llegaron a ser un género dentro del panorama compositivo operístico hacia la segunda mitad del siglo XVIII, en pleno clasicismo.El gran animador de este nuevo género fue Benedetto Marcello. Relacionado con la ópera a través de sus múltiples facetas como compositor, escritor y empresario, en 1720 publica una especie de panfleto satírico titulado “Il teatro alla moda”, que rápidamente generó un movimiento de críticos adeptos a su causa y que no dejaba títere con cabeza, ya fueran compositores, cantantes, empresarios o simples tramoyistas. Marcello pensaba que la ópera clásica había sucumbido a los caprichos de las divas y la superficialidad de las escenografías.

El “Il teatro alla moda” en realidad tenía mucho que ver con la forma de hacer teatro de la época con gran éxito entre el público. En aquel momento todavía se desarrollaba una especie de espectáculo operístico fuertemente jerarquizado, donde los cantantes tenían el mando. Las partituras estaban al servicio de los intérpretes, llegando incluso a escribirse las obras sobre la marcha en función de los gustos o caprichos del cantante de turno.

Se escribieron entonces un buen número de obras sobre el tema, pero con el transcurrir del tiempo se invirtieron los papeles y fueron los directores y empresarios los que pasaron a tomar el mando. A partir de ese momento dejaron de tener sentido estas obras y fueron quedando en el olvido.

Una de estas obras es ¡Viva la Mamma!, cuyo verdadero título es Le convenienze ed inconvenienze teatrali. Era un título demasiado largo que fue sustituido por ¡Viva la Mamma! cuando regresó a los escenarios. Fue una de las últimas composiciones de este género y es la primera vez que Donizetti escribe el libreto de una de sus obras. Una divertida sátira que habla de los enredos y rivalidades que se producen durante el montaje y representación de una ópera.

Estas obras tan populares tenían también una gran flexibilidad para introducir cambios. Donizetti compuso una primera versión que constaba de un solo acto y, como si fuese una zarzuela, tenía partes habladas que estaban escritas en dialecto napolitano.

Cuatro años después se estrena en Milán y el compositor le añade un segundo acto, eliminando el napolitano de la partitura para que pudiera llegar a todo el público.

Laurent Pelly es el director de escena de esta nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra National de Lyon y el Grand Théâtre de Ginebra. La escenografía, utilizando la idea del olvido de este tipo de obras, presenta un viejo teatro que es utilizado como parking. Sobre el escenario, van desfilando los personajes que rivalizan por el papel protagonista o por cantar las mejores arias, siendo las víctimas de estas guerras internas, empresarios, compositores y libretistas.

Pelly ha recurrido al teatro dentro del teatro y ha creado unos personajes, más bien pertenecientes al pasado, que son divertidos a la vez que producen una cierta melancolía. Personajes que, como escribieron sus autores y describía bien Benedetto Marcello, exageran sus defectos para causar mayor hilaridad. Personajes para los que se necesitan cantantes que tengan un nivel interpretativo muy importante, a parte de las exigencias vocales, que no son pocas en esta partitura.

Este segundo reparto ha estado encabezado por la soprano Sabina Puértolas y su Daria, la prima donna. Un caramelo que Puértolas borda gracias a su sofisticación sobre el escenario y una muy buena ejecución de la cabaletta del primer acto, llena de dificultad por sus exigentes agilidades.

Procolo es el marido de Daria, interpretado por Gabriel Bermúdez. Un marido tóxico que pretende ser otra prima donna como su esposa. Bermúdez logra una gran interpretación, divertida y con un buen nivel vocal.

El tenor Alejandro del Cerro interpretó a Guglielmo, el primo tenore, que bordó el personaje estirado y con acento alemán. Tuvo algunos momentos muy inspirados, como en su aria del segundo acto.

Sin duda el triunfador de la noche fue Luis Cansino y su rol de Mamma Agata. Un travestido a la inversa, pues hasta entonces solo las mujeres se vestían de hombre. Cansino se mete en este rol del que se puede decir que es un especialista. Recreó brillantemente a la retorcida mamma de la seconda donna con la pretensión de ser ella misma la diva. Cambiaba su registro de baritonal a falsetone con toda naturalidad en esas notas no escritas y con las que jugó con maestría.

Luigia, la seconda dona, hija de Mamma Agata, corrió a cargo de la italiana Francesca Sassu. Interpretó muy bien el carácter apocado y tímido de comprimaria y dejó muestras de la calidad de su instrumento, estando a un muy buen nivel.

El resto del reparto tuvo una participación a la altura de los protagonistas. El director de escena Luis López Navarro, el empresario Piort Micindki, el poeta Enric Martínez-Catignani y el divertido Pipeto de Carol García.

Evelino Pidó conoce bien este repertorio y se nota que tiene oficio y experiencia. Resolvió muy bien el equilibrio entre foso y escenario en una obra tan chispeante.

La representación termina con un grupo de trabajadores que entran en escena con sus máquinas destructoras, lo que supone un auténtico alegato en defensa de la cultura en un año tan complicado como este. Pero también queda demostrada la fortaleza de quienes, en las peores circunstancias, la han defendido.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

El Teatro Real ha presentado esta mañana la primera edición de un proyecto que esperamos sea de largo recorrido. Veinte cantantes menores de 35 años y de ocho nacionalidades España, Rumanía Ucrania, Colombia, Noruega, Alemania, Venezuela y Chile participan desde el pasado mes de marzo en el programa CRESCENDO, creado por la Fundación Amigos del Teatro Real e impulsado por Fonds de Dotation Porosus y Edmond de Rothschild Foundations.

Este proyecto internacional, con vocación pedagógica e inclusiva, pretende complementar la formación académica adquirida por los jóvenes cantantes en sus centros de estudio, ofreciéndoles talleres, clases magistrales, debates y distintas actividades transversales que enriquezcan su desarrollo artístico y humano para afrontar una carrera profesional de gran exigencia, exposición pública y competencia.

Pero quizás la dimensión más importante y estimulante del proyecto sea la creación de oportunidades reales para que los jóvenes participantes inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real.

A través de audiciones con la dirección artística del Teatro Real y los directores implicados en las distintas producciones o iniciativas, se han seleccionado cantantes para actuar en la presentación de la Temporada 2021-2022 el pasado 20 de mayo (emitida por el Canal de YouTube del Teatro Real), en la carroza itinerante instalada en Fitur con actuaciones muy bien recibidas por los asistentes los días 20, 21, 22 y 23 de Mayo- y en varios eventos a corto y medio plazo:

Festival Real Junior: concierto de clausura de la Temporada 2020-2021 de El Real Junior. Sala Principal del Teatro Real, 12 de junio de 2021 a las 12 horas.
Semana de la Ópera del Teatro Real: recital lírico. Sala Gayarre, 9 de julio
Mozart Revolution: concierto de apertura de la Temporada 2021-2022 de El Real Junior. Sala Principal, 3 de octubre de 2021 a las 12 horas.
La cenicienta: ópera de Pauline Viardot. Producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Teatro Cervantes de Málaga y la Fundación Ópera de Oviedo. Teatro Real, Sala Principal, 20, 21 y 23 de noviembre de 2021, a las 11 y 13 horas. Actuaciones posteriores en los teatros coproductores.
¡Todos a la Gayarre!: talleres para toda la familia que se desarrollarán a lo largo de la temporada Sala Gayarrre, fines de semana a las 12 y 17 horas.

CANTANTES PARTICIPANTES EN CRESCENDO (orden alfabético)

Agustín Gómez Cortez, tenor (España)
Alejandra María Acuña Manrique, mezzosoprano (Colombia)
Beatriz Arenas Lago, soprano (España)
Celia Cuéllar Calvín, soprano (España)
Christian Gil Borrelli, contratenor (España)
Cristina Van Roy Roy Rathe, soprano (Noruega)
Estíbaliz Martyn, soprano (España)
Gabriel Alonso Diaz, barítono (España)
Guiomar Cantó Gómez, soprano (España)
Juliane Stolzenbach Ramos, soprano (Alemania/Portugal)
María de los Ángeles Gómez Rojas, soprano (Venezuela)
María Eugenia Barcia Mendiola, soprano (España)
Mario Méndez Saavedra, tenor (España)
Marta Briales Villalba, soprano (España)
Míriam Silva Martínez, soprano (España)
Olga Syniakova, mezzosoprano (Ucrania)
Paola Andrea Leguizamón Santos, mezzosoprano (Colombia)
Ramina Scrob, soprano (Rumania)
Ramiro Maturana Coronado, barítono (Chile/Argentina)
Vanessa Cera Bula, soprano (Colombia)

FESTIVAL REAL JUNIOR PARA TODA LA FAMILIA

Sala Principal del Teatro Real

12 de junio, sábado, a las 12 horas

Guión y presentación de Fernando Palacios

Una visita atractiva, divertida y sorprendente a rincones insospechados del mundo con músicas excitantes: cantos nativos de indios del Amazonas, ritos de Malasia y Bali, danzas para acompañar el paso chulesco de una Pantera Rosa o de una ópera barroca, ritmos trepidantes de Vivaldi y Mozart, bandas sonoras de piratas y novelas, paseos por el centro de Madrid… Un variado surtido de cantos y danzas que serán interpretados por jóvenes del Coro y Orquesta de la JORCAM, con la participación de la mezzosoprano Olga Syniakova bajo la dirección de Rubén Gimeno.

LOS PATROCINADORES DE CRESCENDO

El Fondo de dotación de Porosus tiene la misión de ayudar a los jóvenes talentos que surgen en los ámbitos deportivo y artístico. Su objetivo es apoyar y promover sus carreras. Los proyectos deportivos apoyados incluyen el golf, el surf, la equitación, el bádminton, el patinaje artístico, etc. Las disciplinas artísticas concernientes son, entre otras, las artes escénicas, la danza, la música, el cine… El fondo de dotación de Porosus tiene como objetivo la excelencia y el alto nivel para apoyar a los jóvenes talentos más meritorios en sus esfuerzos deportivos y artísticos.

En las Fundaciones Edmond de Rothschild superan los límites de la filantropía. Encuentran formas disruptivas de involucrar a los socios y de establecer colaboraciones imprevistas entre la sociedad civil, el sector privado y las instituciones públicas. Al ampliar el impacto, promover la diversidad y aprovechar el celo empresarial, realizan un verdadero cambio. El resultado es más que la suma de todas las partes para crear juntos el futuro.

El Teatro Real acogerá, un año más, el concierto de los ganadores del Concurso Internacional de Canto Tenor Viñas, que el pasado mes de enero celebraba su 58ª edición y en el que la mezzosoprano donostiarra Carmen Artaza se alzó con el Primer Gran Premio, además de obtener el Premio Mozart y el premio extraordinario a la Mejor Cantante Española.

Junto a ella, el público tendrá la oportunidad de escuchar las voces de la mezzosoprano ucraniana Olga Syniakova (Segundo Premio ofrecido por el grupo Amics del Concurs Tenor Viñas); el barítono argentino Germán Enrique Alcántara (Tercer Premio “Maria Esperança Salvans Piera”) y el barítono ruso Vasily Sokolov (Cuarto Premio).

Los jóvenes cantantes interpretarán arias de Mozart, Rossini, Donizetti, Bellini, y Chaikovski, entre otros, acompañados por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección del maestro Álvaro Albiach.

La edición de este año, marcada por las restricciones que imponía la pandemia, celebró las audiciones preliminares de forma telemática desde Barcelona, Madrid, Londres, Nueva York, París, Berlín, Milán, Los Ángeles, Pekin y Moscú, con una participación de inicial de 447 cantantes procedentes de 55 países. Las dos últimas pruebas pudieron celebrarse en Barcelona y los galardonados ofrecieron el tradicional concierto en el Gran Teatre del Liceu.

Fundado en 1963 en Barcelona, el Concurso Internacional de Canto Francisco Vinas quiere mantener viva la memoria de uno de los tenores más importantes de nuestro país –fue la gran voz wagneriana en España y el responsable de estrenar Tristán e Isolda en el Teatro Real- y es trampolín de muchas de las voces más importantes del panorama lírico actual, ya que se ha convertido en una de las competiciones más prestigiosas del mundo.

Entre los nombres galardonados a lo largo de su historia figuran Javier Camarena, Violeta Urmana, Marina Rebeka, Giuseppe Filianoti, Dmitri Korchak o el ganador del último International Opera Awards, Xabier Anduaga, por citar solo algunos.

En la actualidad, forman parte de la organización del concurso grandes centros líricos de todo el mundo como el Gran Teatre del Liceu, el Bolshoi de Moscú, la Opéra national de Paris, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la San Francisco Opera, el Teatro alla Scala de Milán, la Staatsoper Berlín, el Centro nacional de las Artes Escénicas de Pekín y el Teatro Real.

Tiene las cosas claras, una voluntad firme y un espíritu que ha nacido para bailar. Es Mercedes de Córdoba, la bailaora que el próximo 3 de junio protagonizará las dos sesiones del ciclo Flamenco Real, a las 19.00 y a las 21.00 horas, para demostrar al público que nada es por casualidad y que lo que ella hace es flamenco, Sin más.

Ganadora del Primer Premio en la Bienal de Sevilla (2002), del Segundo Premio de Baile en el Festival Internacional del Cante de las Minas (2013) y del Primer Premio del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba (2013), entre otros, son sólo una parte del reconocimiento de una artista cuya trayectoria comienza a los 4 años con su formación en danza española, primero, y en ballet clásico, después.

Su temprana vocación la lleva a participar, a los 6, en la película Montoyas y Tarantos; al año siguiente se incorpora a la compañía de Manuel Morao, y con sólo 11 años debuta en la Bienal de Lyon, junto a Javier Latorre y Eva Yerbabuena. Luego vendría el Ballet de Andalucía, dirigido por José Antonio, con el que formó parte del equipo artístico de la ópera La vida Breve, de Manuel de Falla, que inauguró el Teatro Real en 1997.

Mercedes de Córdoba domina todos los palos, con extraordinaria técnica e innata naturalidad, con presencia poderosa y expresiva, capaz de comunicar y emocionar al público a través de su baile elegante y flamenco, tanto en su carrera como bailaora en las más importantes compañías, como interpretando sus propias coreografías al frente de su compañía.

El espectáculo que ahora presenta en el Teatro Real, Sin más, refleja su pasión por el flamenco, sin otra explicación; la muestra de la lucha, la entrega y el amor incondicional por el arte que ha marcado su vida, que la enferma y que la cura. Sobre las tablas de Flamenco Real estará acompañada por Enrique «El Extremeño», como artista invitado en el cante; Juan Campallo, a la guitarra; Jesús Corbacho, al cante y Paco Vega, en la percusión.

Fotografía ®Beatrix Mexi Molnar

La Sala Fernando Arrabal A de Naves del Español en Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, acoge del 29 de mayo y hasta el 5 de junio el estreno mundial de Tránsito, ópera de cámara con música y libreto de Jesús Torres, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Eduardo Vasco, a partir de la obra de teatro breve del mismo nombre que Max Aub escribió en 1944 desde su exilio en México y que nos habla del conflicto, la lealtad, el compromiso y la obligación de los españoles que sufrieron el destierro tras la Guerra Civil. El elenco de Tránsito está compuesto por el barítono Isaac Galán (Emilio) y la soprano María Miró (Cruz) en los papeles principales, junto con la mezzosoprano Anna Brull (Tránsito), el barítono Javier Franco (Alfredo) y el tenor Pablo García López (Pedro).

Tránsito es un encargo y una nueva coproducción del Teatro Real y el Teatro Español que podrá verse en seis únicas funciones: 29 y 30 de mayo y 1, 2, 4 y 5 de junio, a las 19 horas.

En Tránsito, obra de teatro en un acto escrita en 1944 pero ambientada tres años después, en una noche de duermevela de 1947, Max Aub reflejó la historia de Emilio, un español en el exilio mexicano que dialoga, simultáneamente, con Cruz, la esposa que se quedó en España junto a sus hijos, y con Tránsito, su actual compañera sentimental. Emilio se enfrenta a la complejidad y a las dudas de construir una vida y un amor en el exilio que convivan con el compromiso y el recuerdo de su vida y de sus ideales políticos en España. Unos sentimientos en permanente conflicto marcados por la inseguridad, el destierro, el abandono, la distancia, la posibilidad del regreso y la culpa.

Cuando todavía muchos excombatientes y exiliados republicanos españoles conservaban la esperanza de que los ejércitos aliados contendientes en la II Guerra Mundial pusiesen fin al régimen franquista, Max Aub adelantó la detención total del tiempo con la que la historia habría de condenar a todos ellos en un laberinto de lealtades encontradas, desgarros y desengaños políticos y personales. Esta pieza de teatro breve constituye un testimonio ético de dicho momento histórico y la base literaria de esta ópera de cámara en un acto dividida en 12 «instantes» del zaragozano Jesús Torres, galardonado con el Premio Nacional de Música 2012.

El debut operístico de Torres está avalado por una sólida trayectoria artística de más de tres décadas, una voz autónoma y versátil que ha experimentado con el paso del tiempo una creciente libertad, intensidad y emoción y un apasionado vínculo con la poesía castellana reflejado permanentemente en su producción musical. Desde los primeros compases del prólogo orquestal, la música es densa y compleja, reflejo del inquietante texto de Max Aub.

“La idea de escribir una ópera me persigue desde mis inicios como compositor”, explica Jesús Torres. “El teatro breve del exilio de Max Aub me sedujo y creí encontrar un argumento sólido para embarcarme en mi primera ópera, Tránsito, cuando hubiera una oportunidad cierta para estrenarla. Ha sido un reto poner música a un texto que en esencia es coloquial. El trazado melódico de las voces está íntimamente ligado a la fonética de nuestra lengua y esto, en consecuencia, provoca que toda la orquesta esté impregnada de esa calidez melódica y armónica”.

La dirección de escena corre a cargo de Eduardo Vasco. “No siempre se encuentra uno con un regalo como este: verse inmerso en el proceso de llevar a escena una ópera contemporánea que se está escribiendo en el momento, de un compositor al que se admira y de la mano de un maestro de prestigio. Pero, además, el disfrute se multiplica cuando la complicidad comienza a funcionar desde los primeros encuentros con un denominador común tan potente como el nombre de Max Aub”, apunta el director de escena. Y continúa: “Nos une de una manera muy fuerte la temática que desarrolla la obra sobre aquellos españoles republicanos exiliados en México tras la Guerra Civil, perdidos en un limbo hospitalario, aunque ajeno, desenraizados, trasterrados y perdidos en un laberinto sin salida del que, en su mayoría, no lograron salir. Y también que pensamos que este drama, como otros casi olvidados ya de nuestro pasado, ha sido guardado sin contemplaciones en el cajón de los tópicos que alimenta la simpleza de nuestra política actual, y tratarlo con delicadeza, a través de este montaje, nos parece un asunto de urgencia nacional.

Tránsito es una coproducción del Teatro Real y el Teatro Español con música y libreto de Jesús Torres, dirección musical de Jordi Francés, dirección de escena de Eduardo Vasco, diseño de escenografía de Carolina González, diseño de iluminación de Miguel Ángel Camacho y diseño de vestuario de Lorenzo Caprile.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Entre el 2 y el 13 de junio, el Teatro Real ofrecerá 11 funciones de la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales (Le convenienze ed inconvenienze teatrali), de Gaetano Donizetti, que se estrenará en el Teatro Real.

La nueva producción del Teatro Real, cuyo título, Viva la Mamma, fue acuñado por el director de cine Helmut Käutner, es una coproducción con las Óperas de Lyon y de Ginebra, donde fue presentada con gran éxito.

Laurent Pelly, que en el Real ha dirigido La fille du régiment (2014), Hänsel und Gretel (2015), El gallo de oro (2017) y Falstaff (2019), vuelve con otro título lleno de humor en el que muestra, una vez más, su genio e ingenio en el tratamiento de la comedia y en la dirección de actores.

También Evelino Pidò estará al frente, nuevamente, del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, que ya dirigió en La Gioconda (2007) e I puritani (2016). Tres de las 11 funciones estarán dirigidas por José Miguel Pérez Sierra, director musical, recientemente, de Don Fernando el Emplazado.Un doble reparto dará vida a los grotescos personajes de Donizetti, en el que destacan Carlos Álvarez y Luis Cansino, Nino Machaidze y Sabina Puértolas, Xabier Anduaga y Alejandro del Cerro, Borja Quiza y Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz y Francesca Sassu, secundados por Pietro di Bianco, Enric Martínez-Castignani, Piotr Micinski y Luis López Navarro.

En torno a Viva la Mamma se han organizado actividades en el Teatro Real, Sala Berlanga, Museo del Romanticismo y Biblioteca Regional de Madrid.

Las funciones comenzarán a las 19.30 horas (los domingos, a las 18.00 horas), tendrán un aforo máximo del 66% (frente al 75% autorizado por la Comunidad de Madrid) y habrá una butaca vacía interpuesta entre cada grupo de convivientes.

Radio Clásica, de RNE, grabará la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales –Viva la Mamma para su posterior emisión en España y en los países de la Unión Europea de Radiodifusión (UER).

Las funciones de Viva la Mamma cuentan con el patrocinio de la Junta de Amigos del Teatro Real.

Entre el 2 y el 13 de junio, el Teatro Real ofrecerá 11 funciones de la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales (Le convenienze ed inconvenienze teatrali), de Gaetano Donizetti, nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra National de Lyon y el Grand Théâtre de Ginebra, donde ya fue presentada con gran éxito.

Esta ópera estrenada en Nápoles en 1827, perteneciente al primer período de la prolífica carrera de Gaetano Donizetti (1797-1848) y durante mucho tiempo olvidada, fue redescubierta en los años 60, y desde entonces viene cautivando a la audiencia. Su título, tan serio como poco atractivo, en nada sugiere la trama burlesca y crítica del libreto, la ironía del texto y la habilidad de Donizetti para burlarse de los cánones de la ópera seria y de la ópera buffa que entrelaza magistralmente y para caricaturizar musicalmente los personajes y situaciones, con chispa, agudeza y gran economía de medios.

El título Viva la Mamma, acuñado por el director de cine Helmut Käutner y reutilizado, con éxito, desde entonces, remite inmediatamente al eje de la trama jocosa de la ópera, en la que el personaje más histriónico es una matriarca ¡interpretada por un barítono! que no se conforma con que su hija cantante sea la seconda donna de la ópera. Y mientras lucha, con todas sus malas artes, para otorgarle el protagonismo de una prima donna, aspira ella misma a tenerlo, a cualquier precio, peleándose por la interpretación de un papel a su medida.

Las conveniencias e inconveniencias teatrales es, pues, una crítica a los excesos y tiranía de los divos, sus mezquindades, envidias y luchas de poder; una parodia sobre las jerarquías en el seno de las producciones operísticas, con los creadores -compositor y libretista- subordinados a los caprichos de los cantantes, disposiciones de los empresarios y arbitrariedades del público.

En el género cómico, la ópera que se mira al espejo y se ríe de su propio mundo ha ocupado un importante lugar, como pasaría posteriormente con los musicales y en un ingente número de películas de Hollywood, que han contado los sueños, desengaños, ambiciones y espejismos del mundo del celuloide y del papel cuché.

Es precisamente ese universo centelleante de Broadway y de la fiebre modernizadora de los años 50 que sirve de inspiración a la producción creada por Laurent Pelly que también firma el vestuario, con escenografía de Chantal Thomas, iluminación de Joël Adam.

Concebida como un flash-back, la trama se desarrolla en un parking construido en un espacio para siempre mágico que antes había ocupado un teatro de provincias, demolido sin contemplaciones. Por ahí desfilan los arrebatadores y excesivos personajes que antes brillaron en su escenario, como espectros henchidos de ternura y poesía con la pátina del tiempo. Un universo con claras reminiscencias del teatro de variedades y del célebre musical Follies, de Stephen Sondheim, que disfraza la autocrítica de diversión, la burla, de reflexión, siempre con una pizca de melancolía en la evocación de un pasado de luces y purpurina, que la epidemia ha alejado todavía más, como recuerda Joan Matabosch en su artículo del programa de mano (incluido en el dossier de prensa).

ACTIVIDADES PARALELAS

28 de mayo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

ENFOQUES: encuentro con Evelino Pidò y José Miguel Pérez Sierra (directores musicales), Laurent Pelly (director de escena), Stefano Rossomanno (musicólogo) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

8 y 9 de junio | Fundación SGAE, Sala Berlanga

CINE Proyección de Mamá cumple cien años -dirigida por Carlos Saura- y La noche que mi madre mató a mi padre –obra de Inés París-, dos comedias españolas con tintes negros, en torno a dos madres de personalidades altamente adictivas para el espectador.

Información: www.salaberlanga.com

8 de junio, a las 18.30 horas | Biblioteca Regional de Madrid

CONFERENCIA Bajo el título Gargantas de cristal con egos de hormigón, Joaquín Turina, el mejor conocedor de la historia del Teatro Real nos hará un recorrido a través del tiempo para conocer las manías, bulos, exigencias y caprichos de las divas que pasaron por el escenario de la plaza de Oriente.

Actividad gratuita

Información e inscripciones: www.madrid.org/bibliotecaregional

5, 19 y 26 de junio, a las 11.00 horas | Museo del Romanticismo

TALLERES DE IMPROVISACIÓN Como homenaje al teatro del XIX, el Museo propone una divertida actividad para niños entre 8 y 12 años titulada Saliendo del cuadro. Improvisando en el Museo. En ella, los participantes, además de descubrir a algunos autores de la escena española, conocerán técnicas y trucos que se utilizan sobre el escenario.

Actividad gratuita

Información e inscripciones: www.museodelromanticismo.es

El director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, es el nuevo vicepresidente de Opera Europa, la organización que vela, en el ámbito de los países europeos, por el desarrollo y difusión del género lírico.

Opera Europa, a la que pertenecen todos los grandes teatros líricos del continente, ha celebrado esta mañana, de forma telemática, su asamblea general y, tras esta, su Consejo Ejecutivo –órgano máximo de gestión- ha procedido al nombramiento de García-Belenguer y al de la nueva presidenta, Anna Maria Meo (Teatro Regio di Parma), que sustituye a Birgitta Svenden.

En la reunión del Consejo se ha decidido también el nombramiento, a propuesta del Teatro Real, del director general del Gran Teatre del Liceu, Valentí Oviedo, como miembro de ese órgano de gestión.

Guy Coolen (Berliner Fetspiele) y Achim Sieben (Stadtische Buehnen Frankfurt) han sido designados nuevos miembros del Consejo, junto a Oviedo.

La elección, por 2 años, se produce en reconocimiento al activo apoyo del Teatro Real a la organización, a su decidido impulso de proyectos de colaboración e intercambio con teatros de todo el mundo, su esfuerzo por abrir y permanecer abiertos durante la pandemia, a la colaboración en proyectos audiovisuales y a su activo papel como puente entre las tres principales asociaciones de teatros de ópera del mundo: Ópera América, Opera Europa y Opera Latinoamérica.

El debate en la asamblea general celebrada hoy se ha centrado en la recuperación de la actividad de los teatros europeos, que en su gran mayoría permanecen cerrados desde hace un año.

Las nuevas tecnologías, la diversidad, el patrocinio, el mecenazgo y la participación de las nuevas audiencias son otros de los temas debatidos durante la mañana de hoy.

Uno de los asuntos principales ha sido cómo incentivar la participación de la sociedad civil y del sector empresarial en el mantenimiento de la actividad de los teatros de ópera y la gestación de oportunidades para los nuevos creadores.

El Teatro Real ha sido responsable de organización en España de dos reuniones de Ópera Latinoamérica, en el marco de la convención anual de Ópera Europa, celebrada en Madrid 2015, y de la primera reunión del World Opera Forum (WOF), en abril de 2018, en la que, además de las mencionadas asociaciones, participaron representantes de África, Asia y Oceanía, con la asistencia de más de 250 profesionales de distintos ámbitos profesionales.

Fotografía: Javer del Real

Todavía en medio de la conmoción social y las secuelas económicas provocadas por la pandemia, la 25ª temporada del Teatro Real después de su reinauguración, se presenta en un contexto más esperanzador, reivindicando la paulatina vuelta a la normalidad.

Es una programación ambiciosa y ecléctica con un recorrido por 5 siglos, que incorpora 10 nuevos títulos al repertorio lírico que el Teatro Real ha ido conformando a lo largo de su historia y que llegará este año a su temporada número 100.

Además de todas las actividades paralelas dentro y fuera del Teatro, de su oferta de cursos, talleres y proyectos con centros educativos, la Temporada 2021-2022, con gran variedad de épocas y estilos, está compuesta por 16 títulos de ópera, 3 programas de danza, 9 conciertos más los 6 que conforman Los domingos de cámara; 8 producciones para niños y adolescentes enmarcadas en El Real Junior además de los 9 talleres infantiles ¡Todos a la Gayarre!; y 5 proyecciones de producciones del Real dentro del ciclo Ópera en Cine.

En la programación de Ópera destaca el estreno absoluto de la ópera de Luis de Pablo, El abrecartas, a partir de la novela homónima de Vicente Molina Foix, libretista, una vez más, del compositor; y el estreno de la versión escénica de la ópera de cámara Las horas vacías, de Ricardo Llorca.

Junto a títulos populares del repertorio lírico, como Las bodas de Fígaro, La Cenerentola, Nabucco, El ocaso de los dioses, Lakmé o La bohème, se ofrecerán obras poco conocidas del barroco inglés como Parténope, de Georg Friedrich Händel (estreno en España) y Rey Arturo, de Henry Purcell, y 3 obras del siglo XX raramente interpretadas: Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger, El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev (estreno en España) y Siberia, de Umberto Giordano.

Cinco interesantes propuestas dramatúrgicas evidencian el sincretismo de la programación de ópera: la puesta en escena del oratorio Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger, y de la cantata La damoiselle élue, de Claude Debussy; el estreno absoluto de Extinción producción concebida a partir de dos misas del compositor barroco español Joan Cererols; la miscelánea de fragmentos de ópera y danza del siglo XVII titulada El nacimiento del Rey Sol; o la propuesta híbrida del músico Rufus Wainwright, Hadrian, ‘belcantismo pop’ con fotografías de Robert Mapplethorpe.

PROGRAMACIÓN DE ÓPERA

La Cenerentola, de Gioachino Rossini

Coproducción de la Den Norske Opera de Oslo (2017) y la Opéra National de Lyon.

Inaugurará la temporada lírica el 23 de septiembre, precedida de un preestreno para jóvenes menores de 35 años, el 20 de septiembre. La puesta en escena de Stefan Herheim, que debuta en el Real, es una deliciosa y divertida lectura del drama giocoso de Rossini, con la presencia en el escenario del mismísimo compositor, que con esta partitura se despidió para siempre de la ópera buffa, género en el que fue insuperable.

Riccardo Frizza, especialista en repertorio italiano, contará con dos selectos repartos belcantistas, encabezados por las mezzosopranos Karine Deshayes y Aigul Akhmetshina y los tenores Dmitry Korchak y Michele Angelini.

23 septiembre – 9 octubre | 14 funciones | 2 repartos

Las horas vacías, de Ricardo Llorca | Estreno de la versión escénica | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con los Teatros del Canal y la colaboración de la New York Opera Society.

José Luis Arellano García es el responsable de la primera puesta en escena de esta ópera de cámara que indaga sobre la soledad de una mujer adicta a internet que confunde el mundo real y el imaginario, protagonizada por la soprano Sonia de Munck. La dirección musical es de Alexis Soriano.

9 noviembre – 14 noviembre | 5 funciones | Teatros del Canal

Parténope, de Georg Friedrich Händel | Estreno en España | Estreno el Teatro Real

Coproducción de la English National Opera (2008), la San Francisco Opera y la Opera Australia.

Cuatro pretendientes, uno de ellos travestido, luchan por la misma mujer en una ópera satírica, obscena, ágil y ligera, poco habitual en el catálogo haendeliano.

Ivor Bolton, especialista en este repertorio, estará al frente de dos repartos de cantantes ‘del universo barroco’ -como Brenda Rae, Sabina Puértolas, Iestyn Davies, Franco Fagioli, Anthony Roth Constanzo, Jeremy Ovenen o Juan Sancho– que darán vida a esta divertida comedia de enredo con la que el director de escena Christopher Alden conquistó el premio Oliver a la mejor producción operística en 2009.

13 noviembre – 23 noviembre | 9 funciones | 2 repartos

La bohème, de Giacomo Puccini

Coproducción del Teatro Real (2017), en coproducción con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago.

Se repone la producción concebida por Richard Jones en la que el espectador, transformado en voyeur, sigue las Escenas de la vida bohemia de los protagonistas, pero también los entresijos de las bambalinas y trabajos de backstage. Ermonela Jaho y Michael Fabiano, y Eleonora Buratto y Andeka Gorrotxategi, encabezan dos repartos corales que actuarán bajo la batuta segura y meticulosa de Nicola Luisotti.

12 diciembre – 4 enero | 15 funciones | 2 repartos

El ocaso de los dioses, de Richard Wagner

Producción de la Ópera de Colonia (2007).

Culmina la visionaria Tetralogía wagneriana con la alegoría ecologista ‘demasiado real’ de Robert Carsen y Patrick Kinmonth, en la que el capitalismo y el consumismo salvajes conducen a la devastación del planeta y a la extinción de la humanidad.

Pablo Heras-Casado culminará la saga al lado de cantantes como Andreas Schager, Ricarda Merbeth, Martin Winkler, Lauri Vasar o Stephen Milling.

26 enero – 27 febrero | 9 funciones

El Abrecartas, de Luis de Pablo, con libreto de Vicente Molina Foix | Estreno en el Teatro Real

Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real.

Vicente Molina Foix transforma en libreto la primera parte de su novela El abrecartas, caleidoscopio del mundo político, social y cultural español de la primera mitad del siglo XX, que funde lo íntimo y lo público, lo personal y lo histórico, a través de personajes anónimos y otros reales como Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Miguel Hernández o Eugenio D’Ors, a los que De Pablo da voz con una partitura de grandísima riqueza orquestal, llena de reminiscencias y evocaciones musicales que la harán más cercana al espectador que sus óperas anteriores. La dirección musical será de Fabián Panisello y la puesta en escena de Xavier Albertí –que debuta en el Real- con la complicidad de un gran reparto de cantantes españoles.

16 febrero – 26 febrero | 6 funciones

Lakmé, de Leo Delibes

El director inglés Leo Hussain será el encargado de la dirección musical de esta ópera tan representativa del exotismo orientalista y trágico de la ópera francesa decimonónica. Sabine Devieilhe interpretará el comprometido papel titular, al lado de Xabier Anduaga, Stéphane Degout y el resto del elenco.

1, 3 marzo| 2 funciones | Ópera en versión de concierto

El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Opernhaus de Zúrich (2017).

En esta intensa ópera que Prokófiev no pudo ver estrenada por la represión soviética, Renata, dificilísimo papel en el que se alternarán Austine Stundyte y Elena Popovskaya, busca a un extraño ángel de fuego, transformado en obsesiva pasión erótica, vivida entre una especie de triángulo amoroso, en el que no faltan el esoterismo, la locura y las emociones exacerbadas, que Calixto Bieito trata con un brillante artificio dramatúrgico y conceptual. En la dirección musical estará el español Gustavo Gimeno, con una imparable carrera internacional, que debutará en el Teatro Real al frente de un gran (y doble) reparto coral.

22 marzo – 5 abril | 10 funciones

Rey Arturo, de Henry Purcell | Estreno en el Teatro Real

El grupo vocal e instrumental belga Vox Luminis, con su director Lionel Meunier, es el ideal para revivir esta obra de Purcell de manera atractiva e imbuida de la atmósfera del barroco inglés, que saben recrear con gran esmero.

27 marzo | 1 función | Ópera en versión de concierto dramatizada

Extinción: Misa de Batalla y Misa pro defunctis de Joan Cererols | Estreno en el Teatro Real

Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Abadía y en colaboración con el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS).

La versátil Agrupación Señor Serrano y el Ensemble Nereydas, dirigido por Javier Ulises Illán, ofrecerán el estreno absoluto de una producción creada a partir de dos misas del siglo XVII de Joan Cererols presentadas con un poderoso discurso dramatúrgico y audiovisual, que reflexiona sobre el expolio de la naturaleza.

12 abril – 24 abril | 12 funciones | Teatro de la Abadía

Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Festival d’Aix-en-Provence.

El próximo 30 de junio se estrenará en el Festival d’Aix-en-Provence esta nueva coproducción con el Teatro Real, en la que la directora holandesa Lotte de Beer se sumerge en la parte más invisible de las relaciones entre los personajes, desvelando los secretos de la partitura con la complicidad de Ivor Bolton, gran director mozartiano, y de un doble reparto que destaca por la calidad musical y actoral de sus cantantes, tan necesaria para el éxito de esta genial comedia de enredo.

22 abril – 12 mayo | 13 funciones | 2 repartos

Siberia, de Umberto Giordano | Estreno en el Teatro Real

El director venezolano en alza Domingo Hindoyan, ‘hijo’ del Sistema de José Antonio Abreu, será el responsable de la dirección musical de esta ópera olvidada, en la que sobresale la fuerza dramatúrgica de Umberto Giordano, que utiliza las melodías rusas para reforzar la veracidad del drama.

6, 9 mayo | 2 funciones | Ópera en versión de concierto

La damoiselle élue, de Claude Debussy | Estreno en el Teatro Real

Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Oper Frankfurt (2017).

Àlex Ollé une el oratorio dramático de Honegger con texto de Paul Claudel y la cantata simbolista de Debussy a partir del poema homónimo de Dante Gabriel Rossetti a través del icono femenino de heroína y mártir, que vertebra ambas partituras, con discursos musicales casi antagónicos.

Juanjo Mena será el responsable de crear el universo musical de cada una de estas obras, en las que destaca la participación de la soprano Camilla Tilling, como La Damoiselle, en la primera, y de la actriz Irene Escolar, como Juana de Arco, en la segunda.

7 junio – 17 junio | 8 funciones

El nacimiento del Rey Sol, de varios compositores | Estreno en el Teatro Real

Esta deliciosa miscelánea de ópera y danza con obras de varios compositores del siglo XVII será recreada por el Ensemble Correspondances dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé.

19 junio | 1 función| Semiópera en versión de concierto

Nabucco, de Giuseppe Verdi

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opernhaus de Zúrich (2019).

Nabucco fue el primer título verdiano que sonó en el Teatro Real, en las pruebas acústicas previas a su inauguración. La ópera se estrenó en 1853 y se presentó en temporadas sucesivas, siempre con gran éxito, hasta 1871. Desde entonces no ha vuelto a ofrecerse en su sala. Ahora, 151 años después de la última función, regresa con dirección de escena de Andreas Homoki, que debutará en el Teatro Real.

Nicola Luisotti extraerá todo el jugo de la partitura, potenciando su riqueza dramatúrgica, en la que Verdi tiene ya rasgos del genio que florecería en obras posteriores. Tres elencos de grandes voces darán vida al popular drama verdiano situado en la Italia del risorgimento, con suntuoso vestuario de Susana Mendoza.

9 julio – 14 julio | 15 funciones | Teatro Real

Hadrian, de Rufus Wainwright | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

La desolación del emperador Adriano por la muerte de su joven amante Antínoo, que inspiró tantas grandes obras literarias y musicales, fue también la fuente de inspiración del cantautor canadiense Rufus Wainwright para su nueva incursión en el mundo de la ópera con la ayuda de Jorn Weisbrodt en la dirección de escena, apoyada en las potentes imágenes del mítico fotógrafo Robert Mapplethorpe.

27 julio | 1 función | Universal Music Festival | Versión de concierto semiescenificada

ÓPERAS DE LA TEMPORADA POR ORDEN CRONOLÓGICO DE CREACIÓN:

La PROGRAMACIÓN DE DANZA traerá al Teatro Real 3 compañías que representan diferentes universos coreográficos. El Ballet Nacional de España celebrará en nuestro escenario el Centenario de Antonio Ruiz Soler, ‘Antonio el Bailarín’, con un programa compuesto por coreografías de esta mítica figura de la danza española junto a otras de Rubén Olmo, actual director del BNE, y Carlos Vilán. Acosta Danza, compañía fundada por el gran nombre de la danza clásica, Carlos Acosta, rendirá homenaje a su Cuba natal a través de la mirada de algunos de los coreógrafos más relevantes del momento, entre los que figuran Sidi Larbi Cherkaoui y Russell Maliphant, entre otros. El broche de la temporada lo pondrá el Ballet Bolshói, que regresa al Teatro Real con uno de los títulos más emblemáticos de la danza clásica, La bayadera, en la versión de Yuri Grigorovich sobre el original de Marius Petipá.

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto en esta temporada por 6 conciertos protagonizados por algunos de los mejores artistas líricos del mundo: Juan Diego Flórez, Ana Netrebko y Yusif Eyvazof, Lise Davidsen y Leif Ove Andsnes (piano), Lisette Oropesa, Jakub Józef Orlinski y Bejun Metha.

Completan la oferta de CONCIERTOS los 6 que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA, y otras 3 interesantes propuestas. Bajo el título Rossini y España. Isabel Colbrán, la musa, la soprano Olga Syniakova y la directora de orquesta Lucía Marín, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, actuarán en la Fundación Juan March. El pianista Lang Lang será el protagonista del Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real y, una vez más, el Teatro Real acogerá el Concierto del Concurso Tenor Viñas, en el que intervendrán los ganadores de la 59ª edición del certamen, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Daniel Montané.

ÓPERA EN CINE afianza su espacio con un ciclo de 5 títulos que podrán verse en la sala principal, todos ellos grabados en su escenario: La pietra del paragone, de Gioachino Rossini (Alberto Zedda/Pier Luigi Pizzi); Alcina, de Georg Friedrich Händel (Christopher Moulds/David Alden); Idomeneo (Ivor Bolton/Robert Carsen); Rusalka, de Antonín Dvorák (Ivor Bolton/Christof Loy) y Aida, de Giuseppe Verdi (Nicola Luisotti/Hugo de Ana).

La programación infantil y juvenil tiene su espacio en EL REAL JUNIOR con 8 espectáculos para diferentes edades y distintos formatos como cuentos musicales, cine, danza y conciertos dramatizados, destinados al público familiar y a centros escolares.

La temporada más joven se inaugura el 3 de octubre, en la Sala Principal, con el desenfadado y alegre concierto Mozart Revolution, interpretado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, primer programa de promoción de jóvenes talentos organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real, todos ellos bajo la dirección de Rubén Gimeno, con guión y presentación de Ana Hernández Sanchís. El piano protagonizará dos citas mágicas de la temporada joven; por un lado, con la proyección de la película de animación Magic Chopin, por primera vez en España, con música en vivo interpretada por la pianista ucraniana Mariana Gurkova, y, por otro, con Piano sin límites, esta vez con la artista Karina Azizova al teclado, en el marco incomparable de la Sala de Orquesta. Ambos espectáculos serán guionizados y presentados por Fernando Palacios. Y recuperamos el homenaje a Beethoven, truncado por la pandemia, de la mano de Luis Piedrahita y la directora de orquesta Lucía Marín, al frente de la JORCAM, para interpretar sus obras en un concierto didáctico con el humor e ingenio del título ¡Alabín, alabán, a la Ludwig van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más!

En paralelo a las funciones de Acosta Danza, la compañía ofrecerá una cita única, a modo de clase magistral y de iniciación al mundo del ballet, destinada a todos los públicos, bajo el título Aprendiendo a volar. Y la ópera tendrá su protagonismo con La Cenicienta, de Pauline Viardot, con la participación de cantantes solistas del programa Crescendo.

La Sala Gayarre sigue siendo un lugar de referencia en el Real Junior. Regresa a su escenario Una sonrisa sin gato, espectáculo concebido por Ferrán Carvajal e inspirado en Alicia en el país de las maravillas, del que tanto han disfrutado este año los pequeños, y cerrará la temporada Juego de niños, donde la obra de Georges Bizet y los juegos tradicionales, de la mano de Fernando Palacios, ayudarán a comprender y escuchar mejor la música. Aquí también tendrán lugar las citas mensuales ¡Todos a la Gayarre!, para toda la familia, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera.

El PROGRAMA DE FORMACIÓN consolida sus cursos destinados tanto a universitarios como al público en general y abordará tanto la formación presencial como online.

En el apartado La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en: Parténope (noviembre), La bohème (diciembre-enero), El ángel de fuego (marzo-abril), Juana de Arco en la hoguera (junio).

Los Cursos relacionados con la temporada ofrecerán 4 monográficos denominados Comprender a… Rossini (La Cenerentola), Händel (Parténope), Wagner (El ocaso de los dioses) y Verdi (Nabucco).

La novedad de esta temporada serán los Cursos sobre danza, divididos en Conceptos fundamentales de la danza e Historia y teoría del flamenco. Proseguirán los cursos para estudiantes de educación superior dentro del programa La Universidad a Escena y los Cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura: Ópera y liderazgo I: el arte de trabajar con equipos de alto rendimiento, Ópera y liderazgo II: el arte de transformar retos en oportunidades y Fotografía de escena.

Además de estas propuestas formativas, EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, contará con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

Regresa al escenario del Teatro Real, tras el largo paréntesis forzado por la pandemia, el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL, que celebrará en verano su sexta edición, y FLAMENCO REAL consolida su ciclo de actuaciones en el Salón de Baile del Teatro Real, por cuarto año consecutivo.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones y la ampliación del catálogo de MyOperaPlayer.

LA TEMPORADA EN NÚMEROS

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 272 funciones: 124 funciones de ópera repartidas entre 16 títulos; 14 funciones de danza con 3 diferentes espectáculos; 15 conciertos de distintos formatos (6 conciertos de Voces del Real; 6 conciertos de Los domingos de cámara, 3 conciertos extraordinarios); 60 funciones de El Real Junior y 5 proyecciones de Ópera en Cine.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | Se ofrecerán 8 producciones del Teatro Real, incluyendo el estreno mundial de 1 una ópera (El abrecartas) y el estreno de 2 nuevas producciones (El abrecartas y Extinción); 10 títulos que nunca se han interpretado en el Teatro Real; 3 producciones invitadas ─La Cenerentola, Parténope, El ocaso de los dioses; y 5 propuestas en versión de concierto con distintas variantes, incluyendo 1 versión dramatizada (Rey Arturo) y 1 versión semiescenificada (Hadrian).

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina La Cenerentola; Endesa patrocina Parténope y Las bodas de Fígaro; Fundación BBVA patrocina La Bohème y Nabucco; Fundación Santander patrocina Juana de Arco en la hoguera y La damoiselle élue; y la Junta Amigos del Teatro Real patrocina El ocaso de los dioses.

OBRAS POR SIGLOS DE LA TEMPORADA DE ÓPERA | Habrá 3 producciones con obras del siglo XVII (Extinción, El nacimiento del Rey Sol y El Rey Arturo); 2 óperas del siglo XVIII (Parténope y Las bodas de Fígaro); 6 obras del siglo XIX (La Cenerentola, Nabucco, El ocaso de los dioses, Lakmé, La damoiselle élue y La Bohème); 3 obras del siglo XX (Siberia, Juana de Arco en la hoguera y El ángel de fuego); y 3 títulos del siglo XXI (Las horas vacías, Hadrian y El Abrecartas).

OBRAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS | Se presentarán 4 óperas italianas, 3 producciones españolas, 2 óperas germánicas (1 de ellas, Las bodas de Fígaro en italiano), 2 óperas inglesas (1 de ellas, de Händel -alemán afincado en Inglaterra-, en italiano), 3 producciones con obras francesas, 1 ópera rusa y 1 ópera estadounidense.

DANZA | Habrá 14 funciones protagonizadas por 3 compañías: Ballet Nacional de España, Acosta Danza y Ballet Bolshói.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está compuesta por 84 funciones –60 para todos los públicos y 24 para centros escolares- con 8 programas, incluyendo 18 talleres ¡Todos a la Gayarre!

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 4 talleres de Ópera al Descubierto, 4 cursos monográficos relacionados con la Temporada, 3 cursos de conocimientos generales sobre la ópera, 3 cursos sobre Conceptos fundamentales de la historia de la ópera, 3 cursos de formación en Artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura, 2 cursos de danza y 1 nueva edición del programa La Universidad a Escena.

Como “un músico apasionado y comprometido”. Así se define a sí mismo Jordi Francés (Banyeres de Mariola, Alicante), el director musical que a finales de mayo se pone al mando de un grupo de solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real de Madrid (Sinfónica de Madrid) y de un selecto reparto con el que compartirá protagonismo en el estreno absoluto de la ópera Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres basada en la obra teatral homónima (1944) de Max Aub. La ópera de cámara, un encargo del Teatro Real, se inscribe en la programación del coliseo madrileño en coproducción con el Teatro Español y verá la luz los días 29 y 30 de mayo y 1, 2, 4 y 5 de junio en la Sala Fernando Arrabal A de Naves del Español en Matadero de Madrid. “Es una obra muy exigente tanto desde el punto de vista vocal e instrumental como teatral”, afirma el director. “Se trata de una partitura extraordinariamente bien orquestada, en la que cada detalle está muy cuidado. Hay algunas partes muy exigentes, como es el caso del acordeón, el piano o la percusión, resultando una ejecución de enorme dificultad”.

Tránsito se estrena en una producción que escénicamente firma Eduardo Vasco; el figurinista es nada menos que el popular modista Lorenzo Caprile y en el reparto figuran Isaac Galán, María Miró, Anna Brull, Javier Franco y Pablo García López. Compuesta durante los meses del confinamiento, la ópera pone en música Tránsito, una obra de teatro escrita en 1944 cuando Max Aub se encontraba en el exilio en México y ambienta la acción en dos planos paralelos que se mezclan, el de la realidad y el de la fantasía que vive el protagonista en su mente. Tránsito, su amante mexicana, y Cruz, su mujer a la que deja en España huyendo de la Guerra Civil, encarnan estos dos ámbitos.

Para Francés, “musicalmente la ópera está planteada con una inteligencia tremenda; música y texto conviven y evolucionan de la mano. Además, Jesús ha logrado algo que no todos consiguen, unas líneas vocales en las que el castellano funciona tan bien para el canto como lo hacen otras lenguas de la tradición operística. Conozco a Torres desde hace 15 años, he estrenado diversas obras suyas y compartimos una muy buena química a la hora de trabajar. Es un creador con una fuerte personalidad y una gran determinación para hacer llegar al público las ideas que hay detrás de su música; esta virtud nos sitúa a los intérpretes en una tesitura muy potente y estimulante”, concluye.

El maestro alicantino, que debutó en la programación del Teatro Real en 2016 con Brundibar, lleva a sus espaldas una ascendente trayectoria en podios de importantes orquestas y teatros de Europa y América, afrontando un repertorio tanto operístico como sinfónico, clásico y de nueva creación. Ha dirigido conjuntos como la Orquesta Nacional de España, la de la Comunidad de Madrid, la de Valencia, la BBC Philharmonic, el Ensemble InterContemporain o la Sinfónica de Bilbao.

Entre otros compromisos, Jordi Francés regresará a Madrid el mes de junio para ensayar un programa con obras de Brahms y Schumann que dirigirá ese mismo mes, ante la Orquesta Freixenet, en Mérida.

Web Jordi Francés

Web Teatro Real

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de Pedro, el hijo del protagonista, se une al elenco de Tránsito, la primera ópera del compositor zaragozano Jesús Torres, basada en el texto homónimo de Max Aub, coproducción del Teatro Real y el Teatro Español, que se estrena el 29 de mayo en Matadero en Madrid.

Para Pablo García-López su participación en esta ópera de cámara supone “una experiencia única no solo por el hecho de cantar música actual sino por la posibilidad de trabajar en estrecha colaboración con el propio compositor, compartiendo ideas y visiones que contribuyen a ir perfilando el resultado final de un emocionante estreno absoluto”.

Tránsito está basada en la obra homónima de Max Aub de 1944 que aborda el tema del exilio republicano español y su conflicto entre el posible regreso o la permanencia en la nueva tierra. La ópera se desarrolla en un acto dividido en doce “instantes”, en los que el protagonista, Emilio, va interactuando con el resto de personajes durante una noche de duermevela.

Como explica el propio autor de la ópera, el papel de Pedro, uno de los cinco únicos de Tránsito, se adapta perfectamente al momento y características del tenor Pablo García López,. “En 2019, cuando Joan Matabosch y yo hablamos de los cantantes para mi ópera Tránsito, coincidimos en que Pablo García López era el tenor ideal para el rol de Pedro –explica Torres-. Por compromisos fuera de España, a Pablo no le fue posible estar en el inicio de este proyecto. Tres días antes del comienzo de los ensayos, y por enfermedad del sustituto, se volvió a solicitar desde el Teatro Real su participación y en esta ocasión sí que confirmó su presencia. Creo que ha sido una elección muy acertada –continúa el autor-. Pablo está en un momento radiante de su carrera, con un bellísimo timbre y potencia amplia, y en el rol de Pedro, el joven hijo de Emilio y protagonista de la ópera, aporta toda la carga expresiva necesaria para este personaje trágico”.

García López llega a este estreno tras su reciente participación en Manon Lescaut, de Puccini, en Baluarte de Pamplona, en enero y, su concierto “La Canción Española”, en el Gran Teatro de Córdoba el 3 de marzo. Entre sus próximos proyectos destacan su Basilio en “Las bodas de Fígaro” en la Ópera de Lausanne en noviembre y la presentación de su último disco, “Rutas”, en el Club Matador, de Madrid, el 21 de junio.

TRÁNSITO

Ópera de cámara, estreno absoluto

29 de mayo al 5 de junio de 2021, Sala Fernando Arrabal A, Las Naves del Español, Matadero

Música y libreto: Jesús Torres
Dirección musical: Jordi Francés
Dirección de escena: Eduardo Vasco
Isaac Galán (barítono) ‐ Emilio
María Miró (soprano) ‐ Cruz
Anna Brull (mezzosoprano) ‐ Tránsito
Javier Franco (barítono) ‐ Alfredo
Pablo García López (tenor) ‐ Pedro
Orquesta Titular del Teatro Real

La llegada de Sergio de Lope a Flamenco Real supone un punto de inflexión en un ciclo dedicado al baile y en el que, en esta ocasión, dará a la música el total protagonismo de una velada en la que el intérprete y su grupo recogen los sonidos del origen, de la memoria y de la fuerza flamenca para despertar nuevas emociones con reminiscencias de jazz.

Anabel Moreno, bailaora de raigambre, pondrá todo su arte flamenco, curtido junto a grandes nombres como Lola Greco, Mario Maya o La Chunga, al servicio de un concepto musical único y diferente dentro del ciclo de la presente temporada.

Les acompañan en esta aventura Matías López “El Mati”, en el cante y la electrónica; David Caro con la guitarra flamenca; Daniel Arjona, en la guitarra eléctrica; Juanfe Pérez, bajo eléctrico, y Javier Rabadán, en la batería.

Sergio de Lope comienza sus estudios de saxofón con 8 años en el conservatorio, pero es a partir de los 16 años cuando decide iniciarse en la flauta travesera de forma autodidacta para tocar flamenco, mientras prosigue su formación hasta licenciarse en Flamencología en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba. Después llegarían los reconocimientos, como el primer premio del Concurso de Instrumentista Flamenco del 57 Festival Internacional del Cante de las Minas de la Unión o el galardón al Músico Emergente del Mediterráneo otorgado por la Berklee School of Music.

Su espíritu inquieto y el afán transformador, afianzado en las raíces más hondas, le han llevado a participar, junto a su grupo, en importantes encuentros internacionales como el Festival de Aix en Provence o el Festival Mugham de Bakú, de Azerbaiyán, y a actuar en centros como el Lyric Theatre de Johannesburgo, The Concourse, en Sydney; Elisabeth Murdoch Hall en Melbourne o el Festival Flamenco de Montreal.

En diciembre de 2015, publica su primer álbum titulado “Una noche en Utrera”, donde el cante clásico camina con los acordes del jazz, reinterpretando la pureza y exponiendo las vivencias más personales. Su siguiente proyecto, del que disfrutarán los asistentes a Flamenco Real, continúa en esta línea de trabajo, pero ahondando aún más en las raíces y reivindicándolas: “Si la música es la memoria del mundo, el flamenco es la memoria del pueblo andaluz. Ser de luz es un alegato a la memoria musical de los pueblos.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, la bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

El Teatro Real ha recibido esta noche el International Opera Award 2021 a la Mejor Teatro de Ópera, que reconoce la calidad de la programación artística a lo largo de 2019 y ha recibido el homenaje de la profesión a una trayectoria que ha afianzado su proyección internacional convirtiéndole en uno de los teatros de referencia en el mundo.

El director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, ha agradecido el premio, en nombre de la institución, y alabado el esfuerzo de la organización para llevar a cabo esta gala, a pesar de las complicadas circunstancias actuales, por el respaldo que supone para todos y el estímulo para recuperar la normalidad lo antes posible. Sus palabras han tenido un emotivo reconocimiento para todo el equipo del Teatro Real, tanto para sus órganos de gobierno como para todos y cada uno de los trabajadores que “cada día, con tesón, profesionalidad e ilusión consiguen levantar el telón”.

En este sentido, la organización de los International Opera Awards ha realizado una mención especial al Teatro Real por el trabajo realizado durante la pandemia – el 1 de julio se convertía en el primer teatro del mundo en reabrir sus puertas y durante los meses siguientes fue el único con actividad escénica ininterrumpida- lo que le ha convertido en símbolo de fortaleza, creatividad y esfuerzo en el panorama internacional.

El Teatro Real competía en la categoría de Mejor Compañía de Ópera con la Royal Opera House (Londres), la Finnish National Opera (Helsinki), la Ópera de Frankfurt, Opéra Comique (París) y La Monnaie/De Munt (Bruselas), siendo la segunda ocasión en la que optaba como finalista a este premio (fue nominado en 2018).

El Teatro Real estrenó, en 2019, nuevas producciones de Idomeneo, de Mozart (con Ivor Bolton en la dirección musical y escénica de Robert Carsen, nominado también en esta edición como Mejor Director de Escena); Falstaff, de Verdi (con Daniele Rustioni y Laurent Pelly); Capriccio, de Richard Strauss (con Asher Fish y dirección de escena de Christof Loy) e Il Pirata, de Bellini (con Maurizio Benini y Emilio Sagi).

Ese mismo año inició la Tetralogía wagneriana con El oro del Rin (con Pablo Heras-Casado y Robert Carsen); se estrenó La Calisto, de Cavalli (con Ivor Bolton y David Alden); regresó Dido & Aeneas, de Purcell (Christopher Moulds/Sasha Waltz), y se presentaron títulos tan populares como Il Trovatore (Maurizio Benini / Francisco Negrín) y Don Carlo (Nicola Luisotti / David McVicar) de Verdi, y L’elisir d’amore, de Donizetti (MarcPiollet/Damiano Michieletto), además del estreno absoluto de Je suis narcissiste, de Raquel García Tomás.

En mayo de 2018 el Teatro Real obtuvo también cuatro nominaciones: Mejor Coro, Mejor Compañía de Ópera, Mejor Obra Recuperada (Bomarzo) y Mejor Nueva Producción por Billy Budd, consiguiendo el primer galardón para esta última, dirigida en la escena por la británica Deborah Warner y en el foso por Ivor Bolton, y con especial mención a la excelente interpretación musical de los solistas, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la presente edición, el Teatro Real había obtenido otras tres nominaciones en las categorías de Mejor Orquesta, con la Orquesta Titular del Teatro Real, Orquesta Sinfónica de Madrid; Mejor Estreno Absoluto, con la ópera Je suis narcisiste, de la compositora Raquel García Tomás, y Mejor Grabación Audiovisual por el DVD de Street Scene.

Esta noche hemos celebrado también el premio al Mejor Cantante Joven, otorgado a Xabier Anduaga, quién se encuentra estos días en el Teatro Real ensayando la ópera Viva la mamma, de Gaetano Donizetti, cuyo estreno tendrá lugar el próximo 2 de junio, en el que también participa el barítono Carlos Álvarez, uno de los cuatro finalistas a Mejor Cantante Masculino.

El Teatro Real quiere agradecer a todos: público, artistas, instituciones, patrocinadores y medios de comunicación, su apoyo decidido al proyecto cultural y artístico que, a lo largo de estos casi 25 años de trabajo desde su reapertura, le han convertido en uno de los teatros de ópera más importantes del mundo.

El próximo lunes, 10 de mayo se conocerán los ganadores de los International Opera Awards 2021 en una emocionante gala virtual, en la que se fallarán las candidaturas de 2019 , tras suspenderse la edición del pasado año debido a la pandemia, en los que el Teatro Real está nominado en las categorías de Mejor Teatro, Mejor Orquesta, Mejor Estreno Absoluto (Je suis narcisiste) y Mejor Grabación en DVD (Street Scene).

El formato en streaming no restará emoción al esperado anuncio de los ganadores en una ceremonia que también quiere rendir homenaje a la resilencia de la industria de la ópera durante los meses pasados, tan duros para todos, en los que el Teatro Real se ha convertido en símbolo de fortaleza, creatividad y perseverancia en el panorama internacional. Su proyección, dentro y fuera de nuestras fronteras, y la calidad de la programación artística a lo largo de 2019, le harán competir en la categoría de Mejor Compañía de Ópera frente a la Royal Opera House (Londres), la Finnish National Opera (Helsinki), la Ópera de Frankfurt, Opéra Comique (París) y La Monnaie/De Munt (Bruselas). Esta es la segunda ocasión en la que el Teatro Real opta a este premio.

El Teatro Real estrenó en 2019 nuevas producciones de Idomeneo, de Mozart (con Ivor Bolton en la dirección musical y escénica de Robert Carsen, nominado también en esta edición como Mejor Director de Escena); Falstaff, de Verdi (con Daniele Rustioni y Laurent Pelly), Capriccio, de Richard Strauss (con Asher Fish y dirección de escena de Christof Loy) e Il Pirata, de Bellini (con Maurizio Benini y Emilio Sagi).

Ese mismo año inició la Tetralogía wagneriana con El oro del Rin (con Pablo Heras-Casado y Robert Carsen); se estrenó La Calisto, de Cavalli (con Ivor Bolton y David Alden); regresó Dido & Aeneas, de Purcell, y se presentaron títulos tan populares como Il Trovatore (Maurizio Benini / Francisco Negrín) y Don Carlo (Nicola Luisotti / David McVicar) de Verdi, y L’elisir d’amore, de Donizetti, además del estreno absoluto de Je suis narcissiste, de Raquel García Tomás.

La Orquesta Titular del Teatro Real es, en la actualidad, una de las formaciones mejor valoradas por los grandes directores de ópera por su profesionalidad, versatilidad y entrega, cuyos valores musicales han conseguido el reconocimiento de la crítica y el aplauso del público, tras demostrar sus capacidades de interpretación en títulos desde Mozart a Wagner, de Verdi a Janáček, de Britten a Zimmermann.

Je suis narcissiste, es una ópera bufa de la compositora española Raquel García-Tomás, con libreto de Helena Tornero, en el que se denuncia, en clave de humor, el delirante narcisismo imperante en la sociedad actual. Con dirección musical de Vinicius Kattah y escénica de Marta Pazos, la ópera contó con la interpretación de las sopranos Elena Copons y María Hinojosa, el barítono Toni Marsol, el tenor Joan Ribalta y la Orquesta Titular del Teatro Real. Un apasionante proyecto con equipo esencialmente joven y femenino, que puso en pie una historia llena de frescura y cargada de humor negro en un proyecto en el que, por primera vez, colaboraban el Teatro Real y el Teatro Español, en coproducción con la Òpera de Butxaca i Nova Creació y el Teatro Lliure de Barcelona

El DVD grabado en el Teatro Real de Street Scene, de Kurt Weill, realizado en coproducción con Bel Air Classiques y ganador del prestigioso premio Diamant d’Opéra Magazine en diciembre de 2018, es uno de los nominados a la Mejor Grabación de una Ópera Completa. Street Scene, producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Colonia y de Montecarlo, fue estrenada en Madrid con dirección musical de Tim Murray y escénica de John Fulljames, quien recreaba la atmósfera de los años 40 neoyorquinos.

Las nominaciones reconocen también el trabajo de grandes voces de la lírica –Mejor Cantante Femenino y Mejor Cantante Masculino- muchas de las cuales han podido escucharse ya en distintas producciones del Teatro Real como Maria Agresta, Lisette Oropesa, Javier Camarena, René Pape, Carlos Álvarez o George Petean, entre otros. Entre los candidatos a Mejor Cantante Joven destaca la presencia del tenor español Xabier Anduaga, quien competirá con nuevas promesas del canto como Teresa Iervolino, Roberta Mantegna o Adela Zaharia, también conocidas por el público madrileño.

Tanto Carlos Álvarez como Xabier Anduaga están actualmente ensayando en el Teatro Real la ópera Viva la mamma, cuyo estreno tendrá lugar el próximo 2 de junio.

Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde el principio fueron consideraron los Oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas, y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.

Fotógrafo: © Javier del Real / Teatro Rea

Consulta aquí todas las nominaciones a los premios y sus diferentes categorías.

Mejor Compañía de Ópera

– Finnish National Opera

– La Monnaie/De Munt

– Oper Frankfurt

– Opéra Comique

– Royal Opera House

– Teatro Real

Mejor Orquesta

– Bayerische Staatsoper / Bayerisches Staatsorchester

– La Fenice

– Le Concert d’Astrée

– Oper Leipzig / Gewandhausorchester

– Opera Vlaanderen

– Teatro Real

Mejor Estreno Absoluto

– García-Tomás: Je suis narcissiste (Teatro Real)

– Glanert: Oceane (Deutsche Oper Berlin)

– Kats-Chernin: Whiteley (Opera Australia)

– MacRae: Anthropocene (Scottish Opera)

– Nishimura: Asters (New National Theatre Tokyo)

– Reid: p r i s m (Beth Morrison Projects)
Schreier: Schade, dass sie eine Hure war (Deutsche Oper am Rhein)

– Venables: Denis & Katya (Opera Philadelphia)

Mejor Grabación Audiovisual

– Beethoven: Leonore (Harmonia Mundi)

– Gounod: Faust (Bru Zane)

– Moniuszko: Halka (Fryderyk Chopin Institute)

– Picker: Fantastic Mr Fox (Boston Modern Orchestra Project)

– Thomas: Hamlet (Naxos)

– Weill: Street Scene (Bel Air Classiques)

La nueva producción de Peter Grimes, de Benjamin Britten, actualmente en escena en el Teatro Real, con gran éxito de público y crítica, se podrá seguir en toda España el próximo fin de semana.

My Opera Player emitirá la penúltima función de la ópera, el viernes, 7 de mayo, a las 19.00 horas. Se trata de una ocasión única, ya que la ópera solamente se podrá ver en directo, tanto por los suscriptores como por quienes adquieran el ‘Ticket directo’. Una vez finalizada la función, la grabación no formará parte del catálogo de la plataforma.

Al día siguiente, sábado, 8 de mayo, a las 19.00 horas, Peter Grimes llegará a los países de toda Europa a través de la grabación realizada por Radio Clásica, de RNE el pasado 24 de abril, que será emitida en España y ofrecida a través de la UER (Unión Europea de Radiodifusión).

La nueva producción del Teatro Real, coproducida con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma, y estrenada el pasado 19 de abril, está teniendo una enorme repercusión nacional e internacional, no solo por su gran calidad artística como por el desafío que supuso llevarla a cabo en el actual contexto de pandemia.

Su equipo artístico -con Ivor Bolton en la dirección musical, Deborah Warner en la dirección de escena, Michael Levine en la escenografía y Kim Brandstrup en la coreografía- es el mismo que triunfó en 2017 con Billy Budd, también de Britten, convertida en la producción más premiada del Teatro Real.

En el reparto coral de esta ópera destacan, en sus respectivos papeles, el tenor Allan Clayton como Peter Grimes, la soprano Maria Bengtsson como Ellen Orford, y el barítono Christopher Purves como Capitán Balstrode, secundados por Clive Bayley (Swallow), Jacques Imbrailo (Ned Keene), Catherine Wyn-Rogers (Auntie), John Graham Hall (Bob Boles), Rosie Aldridge (Mrs. Sedley), James Gilchrist (Rev. Horace Adams), Barnaby Rea (Hobson), Rocío Pérez (sobrina primera) y Natalia Labourdette (sobrina segunda).

El Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en esta ópera un importante cometido tanto musical como dramatúrgico, así como la Orquesta Titular del Teatro Real, que vuelve a sumergirse en la colosal música de Benjamin Britten bajo la batuta de su director musical, Ivor Bolton.

En esta ópera magistral, los habitantes de un pequeño pueblo costero, cuya dura vida transcurre bajo el influjo implacable del mar, se enfrentan, sentencian, calumnian y humillan a un pescador hosco y violento que anhela torpemente integrarse en esa sociedad que lo desprecia. La pregunta que late a lo largo de todo el drama -¿es Peter Grimes el asesino de un niño?- desencadena muchas otras, de gran hondura, a las que Britten no contesta, aunque su música trata siempre con una conmovedora compasión a los seres marginados y solitarios.

Para mostrar en toda su crudeza el drama de Peter Grimes, estigmatizado en una sociedad que crea sus propios monstruos, Deborah Warner, con la complicidad del escenógrafo Michael Levine, ha situado el drama en una población muy pobre de la costa de Suffolk. Ahí permanecen la misma línea del horizonte, la furia del mar y la playa de guijarros que inspiraron la poesía de Crabbe y la ópera de Britten. Pero la miseria y el desamparo de sus gentes en la actualidad son fundamentales en la puesta en escena, en la que sobresale el meticuloso trabajo de Warner, que explora siempre la hondura psicológica de los personajes.

Peter Grimes, del rumor a la destrucción
Peter Grimes
Benjamin Britten (1913-1976)
Ópera en un prólogo y tres actos
D. musical: Ivor Bolton; D. escena: Deborah Warner; Escenógrafo: Michael Levine; Figurinista: Luis Carvalho; Iluminador: Peter Mumford; Diseñador de vídeo: Will Duke; D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Allan Clayton, Maria Bengtsson, Christopher Purves, Catherine Why-Rogers, Hohn Graham-Hall, Clive Bayley, Rosie Aldridge, James Gilchrist, Jacques Imbrailo, Barnaby Rea, Rocío Pérez, Natalia Labourdette, Saúl EsguevaLas teorías de masas han sido siempre un atractivo objeto de estudio para sociólogos y psicólogos. Pero no solo despiertan la curiosidad de investigadores en la materia. Como punto de partida para los movimientos de masas, existe un elemento que funciona como catalizador, el rumor. Los rumores se asocian a la defensa de la identidad social (Rouquette, 1997). Generalmente evocan consecuencias o resultados negativos o temidos y su puesta en circulación es una forma de validar prejuicios y estereotipos. Cuando existe una situación crítica, nace la necesidad de construir una referencia afectiva común, siendo el rumor un vehículo eficaz de cohesión social. Participar en la difusión de un rumor y validarlo, aumenta la percepción de pertenencia al grupo.
Peter Grimes es el personaje ideal para poner en marcha la rumorología cohesionadora de uno de los protagonistas de la obra, Borough. El pueblo imaginario de la costa del condado de Suffolk, lugar de nacimiento del compositor, y cuya situación socioeconómica puede ayudar a explicar el comportamiento de una sociedad en contra del diferente, que en este caso no es precisamente un personaje con el que se pueda empatizar. Es oscuro, atormentado, desconfiado, solitario y desabrido, que vive al margen de toda norma social y despierta la desconfianza de los que le rodean.Esta obra fue un encargo realizado por Sergei Koussevitzkt, director de la Orquesta Sinfónica de Boston, durante la estancia de Britten en EEUU, entre 1939 y 1942. Está basada en el libreto de Montagu Slater, inspirado a su vez en el poema de la colección de The Borough (1810) de George Crabbe.De regreso a Inglaterra, tras su decepcionante estancia en EEUU, Britten se puso manos a la obra con su nuevo proyecto que se estrenó apenas un mes después del final de la Segunda Guerra Mundial, en un ambiente de euforia por la victoria. En esta obra Britten trata un tema recurrente en muchas de sus óperas, el drama de personajes marginales que se enfrentan a sociedades hipócritas. Una situación que el propio Britten conocía muy bien.

Peter Grimes no se estrena en el Teatro Real hasta noviembre de 1997, tras su reapertura. Aunque es una ópera que ya forma parte del repertorio en muchos teatros, su programación sigue siendo una decisión valiente, pues supone un desafío incómodo por la crudeza de los temas que trata.

Ahora llega de nuevo al Real el título más conocido de Britten, después de haber dedicado a este compositor un importante espacio en los últimos años, desde Muerte en Venecia, pasando por Gloriana y el premiado Billy Budd. Y lo hace escénicamente de la mano maestra de Deborah Warner.

Warner ha situado la escenografía en la actualidad. Como siempre en los trabajos del tándem Warner – Levine, la elegancia está presente incluso en los más sórdidos decorados. La escena inicial del pueblo con sus linternas buscando a Grimes es magistral. La dirección de actores y los movimientos que se desarrollan sobre el escenario a cargo de Kim Brandstrup están muy cuidados, son perfectos. Igual que la extraordinaria iluminación de Peter Mumford. Todas las atmósferas que crean resultan emotivas y turbadoras. Nada está situado al azar ni de manera frívola o gratuita. Todo tiene sentido para describir el puerto, lleno de aparejos y cajas en perfecto desorden. O la taberna, un lugar caótico y cochambroso en el que los habitantes del pueblo van entrando a oleadas, al ritmo que marca la tormenta y donde, por supuesto, tampoco es bien venido el protagonista que, de cara a la puerta y de espalas a todos, interpreta “now the great bear and pleiades”, creando uno de los momentos más emotivos.

Los famosos seis interludios tienen su protagonismo, tanto en lo musical como en lo escénico. Sirven para reflexionar, a veces sobe los personajes, a veces sobre la acción, pero siempre creando una atmósfera especial.

Al frente de la Orquesta, un Ivor Bolton que, como ya hizo en Gloriana y Billy Budd, demuestra ser un gran especialista en Britten. Supo poner a la orquesta al servicio del drama, en una perfecta coordinación con la escenografía. Tal vez ese equilibrio entre foso y escenario fuera la causa de la lentitud orquestal en algunos momentos. Pero la calidad del sonido, sobre todo en alguno de los interludios, estuvo a un nivel muy alto.

El Coro, uno de los personajes principales en esta obra, tiene una participación brillante en esta producción. Además del esfuerzo que viene haciendo al tener que cantar con mascarilla, realiza de manera intachable su papel depredador y amenazante. Tiene momentos sobresalientes, como en la última escena.

El cuadro de cantantes ha estado a una altísimo nivel. La calidad de todos ellos ha creado un conjunto muy equilibrado y compacto, combinando magníficos cantantes con asombrosos actores.

Allan Clayton interpretó un Peter Grimes excepcional. El dramatismo de su actuación construyó el personaje más idóneo, sin excesos ni histrionismos. Su voz fresca acompañó con gran sensibilidad los momentos de mayor intimidad de Grimes, que fueron los más destacados. Supo resaltar esa parte más vulnerable e íntima del rudo personaje. A este lirismo tal vez le ayuden sus orígenes barroquistas. Sin duda fue el triunfador de la noche.

Maria Bengtsson fue una conmovedora Ellen Orford, la recién llegada y también diferente y extraña a ojos del pueblo. Su voz ligera dotó al personaje de una gran delicadeza. Destacó también en la parte dramática, enamorada de Grimes y siempre atenta y tierna con el malogrado aprendiz.
Otra de las voces más destacadas ha sido la de Christopher Purves. Un Capitán Balstrode que entiende perfectamente a Grimes y le aprecia, pero sabe también que no debe traspasar la delgada línea que haría ponerse en contra a todo el pueblo. En el plano vocal estuvo a un nivel muy alto. Con una voz homogénea y un timbre cálido, como su personaje.

Catherine Wyn-Rogers como Auntie, la irritante dueña de la taberna cuya voz estuvo perfectamente ajustada al rol y su interpretación fue impecable.

La Sedley de Rosie Aldridge también brilló en la interpretación. Creó el personaje perfecto de cotilla del pueblo, de donde parten casi todos los rumores. Tan solo en algunos momentos quedó tapada por la orquesta.

James Gilchrist dio vida al reverendo Adams, el desagradable representante de la iglesia con un comportamiento impostado y ampuloso. Su timbre tenoril encajaba bien en el personaje. También fue acertada la interpretación de John Graham-Hall como Bob Boles, el histriónico personaje que supo caracterizar de manera impecable. Resaltar también a Jacques Imbrailo, que fue el flamante Billy Budd de 2017 y aquí ha interpretado a Ned Keene.

Las dos únicas españolas del reparto, pues todos eran británicos, has sido Rocío Pérez y Natalia Labourdette, como las sobrinas de la dueña de la taberna. Ambas supieron estar al nivel del resto del reparto.

Nuevo éxito del Teatro Real con este Peter Grimes, una ópera nada fácil, ni para los que la llevan a cabo, ni para el público, que salió entusiasmado del Teatro. Pero nada es fácil en estos tiempos. Y para desafíos y aciertos, el Teatro Real.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

El Teatro Real y la Escuela Superior de Música Reina Sofía han firmado un acuerdo de colaboración gracias al cual los usuarios de la plataforma audiovisual My Opera Player podrán disfrutar de nuevos contenidos musicales y didácticos interpretados por quienes representan el futuro de este arte universal.

Esta iniciativa, que amplía el vínculo que une a ambas instituciones desde hace largo tiempo y refuerza el proyecto conjunto para la difusión de la música y las artes escénicas, ofrece la doble oportunidad de escuchar, por un lado, los conciertos en los que participan los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y, por otro, descubrir detalles de técnica interpretativa a través de clases magistrales ofrecidas por reconocidos profesionales como el violonchelista Asier Polo (antiguo alumno de la Escuela), el violinista Oliver Wille, el clarinetista Pascal Moraguès (profesor de la Escuela) o grandes figuras del canto como el tenor Javier Camarena o el barítono Leigh Melrose.

El Teatro Real quiere comprometerse aún más en su apuesta por el talento y el público joven, siendo altavoz del proyecto docente de una de las escuelas de música más importantes del mundo a través de los conciertos grabados en el Auditorio Sony de la Escuela Reina Sofía, en Madrid, y en el Centro Botín de Santander, entre otros. Conciertos sinfónicos, música de cámara, recitales y sesiones líricas mostrarán el trabajo de los nuevos músicos.

La programación está disponible en My Opera Player a partir de hoy, viernes 30 de abril, con la presentación de dos conciertos interpretados por los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía para el Ciclo Jóvenes Talentos de la Fundación Banco Sabadell, con Vincenzo Bellini y Antonín Dvorák como protagonistas, y una sesión denominada “Reencuentro musical con vistas al mar” en el que participan la extraordinaria pianista Pallavi Mahidhara – antigua alumna de la Escuela- y el joven violonchelista Hayk Sukiasyan.

Además de las actuaciones musicales, los contenidos se completarán con las dos primeras clases magistrales; una de ellas a cargo de Asier Polo, en la que desvelará la esencia de Brahms y sus códigos, y otra impartida por el violinista y cofundador del Kuss Quartett, Oliver Wille, quien compartirá sus conocimientos sobre Beethoven.

Los contenidos se irán incrementando en los próximos meses, con nuevas grabaciones y actividades docentes, que permitirán ampliar los conocimientos musicales y la diversidad de sus intérpretes.

“Me gusta sentirme, pero no verme, me gusta bailar. Yo, bailo”. Con esta firmeza se define la bailaora María Moreno, protagonista de la próxima sesión de Flamenco Real, que tendrá lugar el 6 de mayo, en la que irá componiendo piezas de un mosaico único y original que la definen como artista y, un poco también, como persona.

Nacida y formada en Cádiz, en el Conservatorio Profesional de Danza de la ciudad, Moreno está ya consolidada como uno de los puntales de una generación de flamencos que han aprendido la técnica hasta dominarla, que han buscado los detalles de los maestros para definir la esencia, pero que han sabido encontrar su propio lenguaje sin desvirtuar lo que están haciendo, el baile flamenco.

El Premio Artista Revelación del Festival de Jerez en 2017, el Giraldillo de la Bienal de Sevilla en 2019 y premio Giraldillo al Momento Mágico de la última edición del certamen sevillano, son el respaldo definitivo a una carrera forjada por maestros como Javier Latorre, Rafaela Carrasco, Antonio Canales y Eva Yerbabuena, siendo esta última su referente, inspiración y apoyo en su camino en solitario. Con la compañía de Yerbabuena participa en algunos de los espectáculos más emblemáticos de la bailaora y coreógrafa, y colabora con grandes artistas flamencos como Miguel Poveda, José Mercé, Marina Heredia y Arcángel, entre otras figuras.

En su presentación en Flamenco Real, Moreno estará acompañada por la guitarra de Óscar Lago y el cante de Pepe de Pura, junto a las palmas de Roberto Jaén.

®Pablo Padira_fotografo

El Teatro Real cerrará su ciclo de Las Voces del Real con el concierto protagonizado por el tenor Piotr Beczala, sin duda una de las grandes estrellas del mundo de la lírica actual, que tendrá lugar el próximo sábado, 1 de mayo, a las 19.30 horas, y en el que estará acompañado por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Łucasz Borowicz.

Su cuidado en la elección del repertorio, su flexibilidad vocal, su dominio de la técnica y el color de la voz le han convertido en el gran deseado por los teatros más importantes del mundo, por los que transita con inusual sencillez y trato cálido.

Para su cita en Madrid, Beczala ha contado en el programa con una importante presencia de compositores procedentes de Polonia, su país de origen. Autores menos conocidos por el gran público como Stanislaw Moniuszko, padre de la ópera polaca; Władysław Żeleński, el gran representante del neorromanticismo en su país, o el laureado Feliks Nowowiejski, por citar algunos.

No faltarán, sin embargo, arias de óperas como Turandot, de Puccini, o Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, y Andrea Chenier, de Umberto Giordano, autores con los que el tenor se adentra en el territorio verista en el camino de evolución natural de su voz, sin perder el dominio y el brillo de su amplio registro, pero dotándola ahora de mayor expresividad dramática, como muestra el disco grabado el pasado año en el que hace ya suyos los roles que han de venir.

Nacido en Varsovia, Łucasz Borowicz ha sido director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio Polaca entre 2007 y 2015, conjunto con el que debutó como director de ópera con Don Giovanni y es director invitado principal de la Poznań Philharmonic desde 2006.

Fotografías de © Javier del Real / Teatro Real

Inspirado en el maravilloso cuento de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, llega al Real Junior una delicada y colorida propuesta para los más pequeños: Una sonrisa sin gato, nueva producción para el Teatro Real en la que se darán la mano danza, teatro, música y fantasía, los días 17, 18 y 24 de abril y 1, 2, 8 y 9 de mayo, en sesión doble, a las 12.00 y a las 17.00 horas.

A lo largo de casi una hora, los pequeños –la función está concebido para niños a partir de 4 años- reconocerán muchos de los personajes que intervienen en el mítico cuento: el Conejo Blanco, la Reina de Corazones, el Sombrerero loco y por supuesto, el Gato de Cheshire, cuya sonrisa permanecía flotando en el ambiente cuando el felino ya había desaparecido y que tanto sorprendía a Alicia.

El espectáculo ha sido concebido por el polifacético Ferrán Carvajal, responsable de la dirección escénica, dramaturgia y coreografía. A través de su singular visión artística acompañamos a la protagonista en el descubrimiento de un mundo nuevo, en el que se adentra empujada por su curiosidad y sus ganas de entender el mundo, a través de una desbordante fantasía.

Completan el equipo artístico Elisa Sanz, creadora de la escenografía y el vestuario; Eduardo Bartrina, en la iluminación y los intérpretes bailarines Daniel Arancibia, Sara Sanz y Anna Serra.

La música de José Luis Greco, camino y banda sonora de esta historia, será interpretada por el violinista Alejandro González Romero, la flautista Olga Ramón Chiquero y los percusionistas Robert Úbeda Bordería y Elezar Higuera Barragán, todos ellos solistas de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.

Entre el 19 de abril y el 10 de mayo, el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de Peter Grimes, de Benjamin Britten, nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma.

Cuando en 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Benjamin Britten (1913-1976) y su inseparable pareja, el tenor Peter Pears, se encontraban en California, descubren la obra del poeta inglés George Crabbe (1754-1832) que, como Britten, había nacido en un pueblo de la costa de Suffolk, escenario de todas sus historias. Fue tal la identificación y empatía de Britten con ese mundo tan cercano y añorado, que decide volver a Inglaterra impulsado por un revelador sentimiento de pertenencia y arraigo que lo llevan a fijar su residencia, para siempre, en esas tierras a orillas del mar del Norte. Allí mismo vive también el desdichado Peter Grimes, personaje del poema The Borough, de Crabbe, que Britten decide transformar en una ópera, esbozada, con la ayuda de Pears, durante la travesía en barco que los dos hicieron de vuelta a su patria.

En Inglaterra, donde la homosexualidad estaba penalizada, les esperaba una vida difícil en la que tendrían que esconder su amor de la sociedad bien pensante. Este hecho subyace en la ópera y en casi toda la producción operística de Britten, protagonizada por seres insondables, oscuros, a los que se contraponen generalmente víctimas inocentes.

Para ello cuenta con un reparto en el que destacan el debut, en sus respectivos papeles, del tenor Allan Clayton (Peter Grimes) y de la soprano Maria Bengtsson (Ellen Orford), y la vuelta al Teatro Real del barítono Christopher Purves (Capitán Balstrode), protagonista del estreno mundial de The Perfect American, de Philip Glass, en 2013 y de Written on Skin, George Benjamin, en 2016.

También vuelven al Real dos intérpretes que actuaron en Billy Budd en 2017: Jacques Imbrailo, protagonista de la ópera en 2017 y que ahora interpreta el papel de Ned Keene, y Clive Bayley como Swallow. Les acompañan Catherine Wyn-Rogers (Auntie), John Graham Hall (Bob Boles), Rosie Aldridge (Mrs. Sedley), James Gilchrist (Rev. Horace Adams), Barnaby Rea (Hobson), Rocío Pérez (sobrina primera) y Natalia Labourdette (sobrina segunda).

El Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en esta ópera un importante cometido tanto musical como dramatúrgico. Actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de su director musical Ivor Bolton.

Benjamin Britten ha ocupado un lugar privilegiado en la programación del Teatro Real desde su reapertura. En 1997, dos meses después de la reinauguración, Peter Grimes obtuvo un gran éxito, en una producción con dirección escénica de Willy Decker procedente del Teatro de La Monnaie de Bruselas, con su coro y orquesta titulares dirigidos por Antonio Pappano. Le han seguido el Sueño de una noche de verano (2005/2006), La violación de Lucrecia (2007/2008), Otra vuelta de tuerca (2010/2011), Muerte en Venecia (2014/2015), Billy Budd (2016/2017), Gloriana (2017/2018) y las obras infantiles El pequeño deshollinador (2004/2005, 2005/2006 y 2007/2008) y El diluvio de Noé (2007/2008).

Todas estas obras dan fe del inmenso talento musical y dramatúrgico de Benjamin Britten como compositor operístico, que ha expresado a través de sus personajes los dramas, sueños, traumas, pasiones e inquietudes más hondas e inconfesables del individuo, con una profunda compasión por las miserias de la condición humana.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

En el marco de apertura a otras audiencias, el Teatro Real lanza en su canal de YouTube Aventura en el Real, una iniciativa para todos los públicos protagonizada por los youtubers y divulgadores Jaime Altozano y Ter, ambos miembros del Comité Joven del Teatro Real, quienes, a través de un juego de vídeos interactivos, explorarán y descubrirán las diferentes zonas del teatro y sus secretos, ofreciendo a los ganadores la posibilidad de participar en un sorteo final de distintos premios vinculados con el mundo de la música y la lírica. El concurso permanecerá activo hasta el 20 de abril.

Se trata de la primera iniciativa dentro del proyecto de intensificación de contenidos divulgativos en el Canal YouTube del Teatro Real dirigido a todos los públicos pero, de forma especial, a nuevas audiencias y a quienes se están iniciando en el mundo de la ópera.

Uno de los puntos más destacados de este proyecto será la emisión en el canal de YouTube del Teatro Real de encuentros con artistas y creadores y de algunos de los títulos más emblemáticos de la historia del Teatro como La traviata, Lucia di Lammermoor, Il trovatore, o Madama Butterfy.

La oferta de óperas en streaming se enmarca en la ambiciosa política divulgativa y audiovisual del Teatro Real, que tiene en MyOperaPlayer, plataforma pionera en España en difusión audiovisual lírica, su principal activo y que cuenta con el patrocinio de Telefónica y Endesa. La plataforma posibilita el acceso a una amplia videoteca, con más de 150 títulos, que se enriquece con lanzamientos mensuales y con emisiones de óperas en directo.

Asimismo, el Teatro lanzará nuevas colecciones dentro de su página en Google Arts & Culture, plataforma de la que forma parte desde su lanzamiento en España en 2015. A lo largo de este año se desarrollarán nuevos contenidos, imágenes, vídeos y actividades que completarán la exposición online de la que está considerada la primera institución española de las artes escénicas y musicales, e iniciativas tipo “Quiz” en las que se desvelarán las claves y curiosidades de los procesos creativos que tienen lugar en el Real, desde la creación de un espectáculo (estudios, ensayos, preparaciones técnicas) a las experiencias artísticas o los detalles históricos.

Para los que dan sus primeros pasos como curiosos o aficionados a la lírica y a la música escénica, se han preparado contenidos especiales denominados Conceptos y ritos no escritos en la experiencia de la ópera.

En la actualidad se puede acceder a la visita virtual que explora gran parte de los 77.000 m2 del edificio, gracias a la tecnología Street View, que captura imágenes 360º de alta calidad, y que transita tanto por espacios públicos (sala principal, salones) como por lugares inaccesibles como el escenario, los talleres, salas de ensayo y el tejado, desde el que se disfruta de la espectacular vista panorámica.

Tras el esfuerzo de presentar simultáneamente Siegfried y Norma, llega al Teatro Real, el próximo 19 de abril, el esperado estreno de la nueva producción de Peter Grimes, de Benjamin Britten, coproducción con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma.

El cambio de fechas del estreno –del 8 al 19 de abril– se ha debido a distintos factores: al retraso en la incorporación de los artistas a los ensayos provocado por las restricciones de movilidad y las trabas burocráticas del Brexit (la mayoría son británicos) y también a un reajuste completo de todos los ensayos.

Así, las 9 funciones de Peter Grimes tendrán lugar los días 19, 22, 24, 27 y 29 de abril y 2, 5, 7 y 10 de mayo, a las 19 horas (domingos, a las 18 horas), lo que afectará a la siguiente ópera, Lessons in Love and Violence, de George Benjamin, que será trasladada a otra temporada.

Aunque durante 3 semanas los ensayos de Peter Grimes se han desarrollado en la sala de puesta en escena, la sala de ballet y la sala de coro, el único espacio que se ha considerado idóneo para reunir a todos los artistas y al equipo técnico de la producción –y hacer el máximo de ensayos posibles– es el escenario.

Este hecho ha obligado a suspender los ensayos en las distintas salas del Teatro hasta tener montado en el escenario el decorado de la ópera, después del desalojo de las escenografías de Norma y Siegfried.

Una vez más el Teatro Real se ha visto obligado a reorganizar toda su actividad para adaptarse a las directrices de su Comité Médico y a las limitaciones de movilidad de los artistas.

Peter Grimes, con dirección musical de Ivor Bolton, dirección de escena de Deborah Warner y escenografía de Michael Levine –el mismo equipo artístico de Billy Budd, también de Benjamin Britten, que triunfó en 2017–es la más importante nueva coproducción internacional desde el inicio de la pandemia, no solo por la excelencia de su equipo artístico, sino porque está coproducida con tres de los más relevantes teatros europeos, que presentarán la ópera posteriormente.

La producción será protagonizada por un selecto reparto, mayoritariamente británico, en el que destaca el debut del tenor Allan Clayton en el rol titular. A su lado tendrá un papel importantísimo el Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director, Andrés Máspero, que actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

Con un baile enraizado en la tradición cordobesa, sincera y solemne, llega a Flamenco Real Yolanda Osuna. Su danza llena de color, inspirada en la tradición, pero siempre en busca de sinergias que conectan y envuelven al espectador, se muestra llena de luz en IRRADIA, el nuevo espectáculo que presenta ahora en el Teatro Real.

Educada en el Conservatorio de Danza de Córdoba, donde se graduó con 18 años, ha completado su formación con artistas como Matilde Coral, Milagros Mengíbar o Blanca del Rey, a la que Flamenco Real rindió homenaje en su tercera temporada. Ganadora del premio ‘Antonio Hidalgo’ en el Concurso Nacional de Fandangos de Lucena y premio ‘Jovenes flamencos’ de la Diputación de Córdoba, entre otros, y ha resultado finalista en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba y en el del Cante de las Minas de La Unión.

Ha participado en los más prestigiosos teatros y festivales de flamenco tanto de España como del extranjero y ha formado parte de la compañía de Javier Latorre en el espectáculo “Rinconete y Cortadillo”. Su parada en el Teatro Real de Madrid en 2016, con el espectáculo de Las Minas Puerto Flamenco, marca el comienzo de sus experimentos entre el flamenco más tradicional y otras disciplinas artísticas, haciendo incursiones en la danza contemporánea, el arte plástico, la tecnología interactiva y la performance, ampliando el abanico flamenco con recursos multidisciplinares para expresar su arte.

En IRRADIA, Yolanda Osuna contará con el cante y la guitarra de Ricardo Fernández del Moral, como artista invitado; la voz de Bernardo Miranda, la guitarra de Miguel Pérez, las palmas de Beatriz y Lorena Osuna, y el toque de la percusión de Roberto Jaén.

Norma
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Tragedia lírica en dos actos
Libreto deFelice Romani, basado en la obra Norma, ou l´infanticide (1831) de Alexandre Soumet
Nueva producción del Teatro Real
D. musical: Marco Armiliato
D. escena: Justin Way
Escenógrafo: Charles Edwards
Figurinista: Susan Willmington
Iluminador: Nicolas Fischtel
Coreografía: Jo Meredith
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Hibla Gerzmava, Annalisa Stroppa, John Osborn, Fernando Radó, Berna Perles, Juan Antonio SanabriaLlega al Teatro Real Norma, de Bellini, en una nueva producción propia. Lo hace coincidiendo con Siegfried, de Wagner, al que no le gustaba precisamente la ópera italiana y que, sin embargo, mostraba una gran admiración por el maestro italiano. Concretamente era Norma una de las obras por las que el maestro alemán mostraba mayor interés. Norma trascendía el bel canto, contaba con algunos elementos nuevos y plenos de romanticismo y capacidad expresiva. El declamato-cantato belliniano que en Norma alcanzaba su máxima expresión, donde las arias no son menos importantes que los diálogos y la manera, casi en forma de duelo, en los que se enfrentaban los distintos personajes mediante duetos y tercetos, dejando así de lado la tradicional sucesión de arias virtuosas que definían hasta ese momento la tradición de ópera italiana.Los personajes de esta obra, sobre todo su protagonista Norma, tienen múltiples caras. Algunas incluso contradictorias, lo que les otorga ese halo enigmático que llena el argumento de intrigas y situaciones románticas, con las que Bellini y su libretista Felice Romani pretendían hacer llorar de emoción a su público.En esta producción del Teatro Real, la escenografía de Justin Way repite el ya clásico teatro dentro del teatro, situado en la Italia anterior a la reunificación. Pero la escenografía, que está llena de originalidad y numerosos guiños a los decorados de 1831, cuando se estrenó en la Escala de Milán, se presta a cierta confusión entre las dos escenas que se combinan y que no quedan muy bien diferenciadas.Marco Armiliato ha sido el encargado de sustituir a Maurizio Benini. El cambio puede que haya ganado en sonoridad y volumen, pero quizá haya perdido matices y delicadeza. Norma es una de esas óperas por excelencia, que definen por si solas lo que es este género.

La partitura es de gran riqueza y, al mismo tiempo, sencilla. Su orquestación es de una gran delicadeza. No pretende acompañar al cantante, sino servirles de delicado colchón. Esta es sin duda una de sus mayores dificultades a la hora de abordarla, tanto para la orquesta como para los cantantes.

En esta ocasión el Teatro Real presenta dos repartos de gran altura. En este ensayo general asistimos a un segundo de extraordinario nivel que promete unas funciones de gran calidad interpretativa. Es la primera Norma a la que se enfrenta la rusa Hibla Gerzmava y la aborda con valentía. Posee un buen volumen de voz y gran dramatismo. Además de esa ligereza que exige el personaje, brilló en el duetto con Adalgisa, en el que empastaron a la perfección.

La Adalgisa de Annalisa Stroppa es sin duda la voz más claramente belcantista del reparto. Su línea de canto está muy bien definida, frasea con delicadeza y con intención belliniana. Dibuja una Adalgisa llena de sensibilidad y expresividad. Elegante siempre sobre el escenario, destacó en el duetto con Norma y el terceto del segundo acto, logrando algunos momentos de brillante lirismo. No en vano es una experimentada Adalgisa.

Otra de las voces más acertadamente belcantistas es la del Polione del estadounidense John Osborn. Sus características vocales son muy adecuadas para el personaje y para este estilo de declamato belliniano.

El resto des reparto está a gran altura. A destacar Fernando Radó, como Orobeso. Bien la Clotilde de Berna Perles y el Flavio de Juan Antonio Sanabria.
El Teatro Real acierta con esta obra del repertorio clásico que es un respiro para el aficionado tras haber asistido al interminable y descontextualizado Siegfried.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Sábado 13, 11.00 horas: el cicloÓpera en Cine proyectará la multipremiada producción de Billy Budd, de Benjamin Britten, estrenada en el Teatro Real en 2017 con entusiasta acogida del público y el reconocimiento unánime de la crítica nacional e internacional .

Con Billy Budd comienza el ciclo dedicado a Britten que incluye la proyección de Gloriana, el 5 de junio, y el estreno de la nueva producción de Peter Grimes, el 13 de abril.

Viernes 12 y sábado 13, a las 19.00 horas: Se ofrecerán dos funciones de la ópera Norma, con dirección musical de Marco Armiliato y escénica de Justin Way, en las que se alternarán en la interpretación del papel protagonista la soprano española Yolanda Auyanet y la rusa Hibla Gerzmava.

Domingo 14, a las 12.00 horas y a las 17.00 horas: dos nuevas sesiones familiares de ¡Todos a la Gayarre! descubrirán Los embrujos de una maga, cuyos hechizos giran en torno a Norma.

Domingo 14, a las 17.30: Pablo Heras-Casado volverá a colocarse al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real, para representar la colosal partitura de Siegfried, tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas.

El Teatro Real se prepara para el fin de semana con una programación que se presenta en distintos formatos y para todos los públicos. En el escenario se alternarán dos grandes títulos de ópera, Norma y Siegfried; la Sala Gayarre se entregará al público familiar y en la sala principal dará comienzo el ciclo dedicado a Britten con la proyección de Billy Budd, que incluye la proyección de Gloriana, el 5 de junio, y el estreno de la nueva producción de Peter Grimes, el 13 de abril.

Estrenada en enero de 2017, Billy Budd ha sido la producción más premiada del Teatro Real y cuenta entre sus galardones con el International Opera Award 2018 a la Mejor Nueva Producción y el Premio Olivier a la mejor nueva producción operística 2020 en el Reino Unido, además de los reconocimientos obtenidos por su grabación audiovisual, entre los que destacan los premios de las revistas Diapason (Diapason d’or) y BBC Music Magazine.

Tanto la versión de Billy Budd, que se proyectará el próximo sábado, como la nueva producción de Peter Grimes que veremos esta primavera, cuentan con dirección de escena de Deborah Warner, escenografía de Michael Levine, y la parte musical estará bajo la batuta del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton.

Esta ópera coral, para la que Deborah Warner crea un espacio escénico de gran simbolismo y enorme complejidad técnica -el tumultuoso barco de Billy Budd se transforma en una inmensa cárcel flotante que refuerza la universalidad de la obra- contó con un elenco exclusivamente masculino que tuvo como protagonistas al barítono Jacques Imbrailo, el tenor Toby Spence y el bajo Brindley Sherratt, junto a las 60 voces masculinas del Coro Titular del Teatro Real y los niños de los Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, que actuaron junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

El 5 de junio, también como parte de la programación de Ópera en Cine, se proyectará Gloriana, estrenada y grabada en el Real en abril 2018 (donde se representaba por primera vez en Madrid) bajo la atenta dirección musical del maestro Ivor Bolton, presente en las tres producciones confirmando su profundo conocimiento del compositor británico, y dirección de escena de David McVicar, quien concibe una escenografía depurada y conceptual en el que el rico vestuario isabelino concebido por Brigitte Reiffenstuel asume un carácter casi escenográfico.

Completará el ciclo dedicado a Britten el estreno de Peter Grimes, considerada la ópera inglesa más importante desde los tiempos de Henry Purcell. El compositor construye en ella una oscura parábola sumergida en un ambiente marino, donde el conflicto entre la masa y el individuo, la rudeza de las vidas y de las pasiones de los habitantes de este pueblo del mar del Norte y el carácter complejo e impenetrable del protagonista, configuran una tragedia que fermenta y estalla sumida en el estruendo de los silencios y las habladurías. La directora de escena Deborah Warner vuelve al Real para estrenar esta coproducción realizada junto a la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera de Roma.

El viernes 12 y el sábado 13, reinará en el escenario Norma. Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, en cuya interpretación se alternarán la soprano española Yolanda Auyanet y la rusa Hibla Gerzmava. Su extraordinaria dramaturgia expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer, en una producción concebida por Justin Way y dirigida musicalmente por Marco Armiliato.

Dos nuevas sesiones familiares de ¡Todos a la Gayarre!, Domingo 14, a las 12.00 horas y a las 17.00 horas descubrirán Los embrujos de una maga, cuyos hechizos giran en torno a Norma. Fernando Palacios, responsable del guion y la presentación, contará con la complicidad de la soprano Cristina Toledo y el pianista Aurelio Viribay. Juntos tratarán de averiguar qué quiere hacer la druida con “los hierbajos y aromas secretos” que atesora.

Y ese mismo domingo, por la tarde, Pablo Heras-Casado volverá a colocarse al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real, para representar la colosal partitura de Siegfried, tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas.

Entrevistamos a Annalisa «Adalgisa» Stroppa.
Llega con su mascarilla y tras ella una gran sonrisa, hay vida en la calle, ha salido el sol y se dispone a tomar un café en una terraza. Algo muy diferente a lo que ocurre en su Brescia natal. Es su décima producción de Norma, pero para ella es como la primera vez. Y es que nada es igual, tampoco para Annalisa Stroppa, una Adalgisa puramente belcantista capaz de describir con su voz todos los colores de las emociones que vive su personaje en escena.Brío Clásica: Annalisa Stroppa llega al Teatro Real para interpretar Adalgisa en la Norma, de Bellini, un compositor por el que siente debilidad. ¿Qué le atrae tanto de este compositor?Annalisa Stroppa: Adalgisa es un personaje al que quiero y me gusta por diferentes motivos. El primero es el estilo de escritura de Bellini. A parte de ser mi compositor favorito, siempre pone las voces por encima de todo. La expresividad que puede haber en cada palabra, para él es lo primero. Ninguno como Bellini ha dado tanta importancia al sonido, a la mezza voce, al legato y al declamato, conocido ya como declamato belliniano. Pero las partituras de Bellini no son fáciles. Los cantantes deben comportarse como atletas. Son necesarios diferentes colores de voz para poder expresar el texto y Bellini permite mucha libertad en la expresión.Esta es una de las razones por las que Wagner admiraba tanto a Bellini. Por esta escritura belliniana tan particular. Por eso, para mi es extraordinario poder utilizar la voz para expresar de esta manera, coloreando cada palabra. Para Bellini es muy importante la expresión y lo acompaña orquestalmente de una manera muy sutil. Es aquí donde está la dificultad, en que la orquesta tiene que sostener lo que dices, pero no como un acompañamiento, sino teniendo el mismo sonido y la misma intención con la que se expresa el cantante.B.C: ¿Cómo es vocalmete Adalgisa y qué dificultades tiene?A.S: En este momento puedo decir que esta música es mi territorio vocal. Me siento muy cómoda expresándome a través del bellcanto y del repertorio francés. Pero Bellini es lo que más se acerca a mi vocalidad en este momento.
La dificultad que tiene Adalgisa es su amplia tesitura, llega hasta el Do5. Pero, si la voz te lo permite y te sientes cómoda, es perfecto. Las partituras de Bellini tienen una línea melódica bellísima e inimitable. Con muy pocas notas te atrapa el corazón.A nivel de personaje y también vocalmente, es el contrapunto perfecto de Norma. porque ellas, en los duetos y en la cadencia, llegan a ser la misma persona. Sus voces se entrelazan y se funden en una sola. y esto es mágico. Deben tener una gran sincronización en el sonido y en la expresión. Cuando todo esto ocurre el resultado es espectacular.B.C: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa que construye Annalisa Stroppa?A.S: Adalgisa es una mujer muy pura, una mujer que permanece siempre fiel a sí misma desde el principio de la obra, siendo muy respetuosa con Norma, nunca la traiciona y siempre está cerca de ella. El rol de Adalgisa me permite jugar con la expresión y los matices de la voz. Al principio ella muestra su esfuerzo, sus dudas, su sufrimiento. Está tan enamorada de Polione que está dispuesta a dejar sus votos como sacerdotisa. Este es para ella un conflicto muy profundo, esta enamorada y, a la vez, quiere mantener la fidelidad a su Dios y a la vida religiosa. Esto requiere de una gran delicadeza a la hora de expresarlo. Ella teme la reacción de Norma cuando conozca sus intenciones. Descubre entonces la gran humanidad de Norma que comprende su situación. Hasta que se da cuenta de la doble vida de Norma y Polione y de sus dos hijos en común. ¡Cuantos colores y expresiones hay en este argumento!. Y Bellini permite traducir con la voz el color del amor, de la humildad, de la desesperación… Todo esto está en la música de Bellini. Hasta que en el dueto del segundo acto, se revela leal y coherente con Norma. Se quedará con ella para que pueda reunir a su familia y volver con Polione. Esto es de una pureza muy grande. Ella permanece fiel a Norma pues el traidor es Polione.Esta producción de Norma en el Teatro Real es además nueva para mi. Es la primera vez que trabajo con el maestro Marco Armiliato y con el Regista Justin Way, por eso es una experiencia nueva. Me he encontrado además con un equipo de colegas maravilloso. La labor que estamos haciendo entre todos es espectacular, aunque sea con mascarilla. Es empezar de nuevo a vivir y estoy feliz.B.C: Al enfrentarse de nuevo a este personaje en estos momentos, ¿qué emociones nuevas tiene o espera?A.S: Cada vez que voy a cantar, no canta solo Adalgisa, canta también una parte de mi. Y sobre todo ahora, después de todo lo que estamos pasando, de todo este sufrimiento que todos estamos viviendo, de ese silencio de nuestro interior que tiene ahora tanto que decir… Todas estas razones harán mi Adalgisa diferente. Porque vuelvo al escenario con el calor del público que tanta falta me hace. Yo se que me voy a emocionar, porque lo que hasta hoy era normal, ahora va a ser muy especial. Vuelvo a compartir las emociones y la atmósfera que se va a generar en ese momento, siempre diferente. Lo que ahora agradezco es poder estar aquí. Gracias al Teatro Real por darme esta oportunidad y lo que me gustaría es transmitir mi emoción a través de mi voz. No se cuando volveré a cantar otra vez, por eso ahora lo haré como si fuera la primera y la última vez. Sin preocuparme de nada, solo por la emoción de volver a cantar con un público que comparte conmigo esta emoción.Por eso mi Adalgisa ahora será muy diferente a las anteriores. Esta es la décima producción de Norma en la que participo, y todas mis Adalgisas son diferentes, por distintas razones. La madurez de la voz, la madurez de la persona y vivirlo de manera diferente. También influye la Norma que me acompaña. Recuerdo con especial cariño las producciones con la Señora Mariela Devia y Edita Gruberová, por ser dos damas históricas y grandísimos iconos de la ópera.

B.C: Cuando sale del teatro, después de haberlo dado todo por un personaje como este, ¿Cómo se libera una de un roltan intenso?

A.S: No es fácil liberarse de un personaje así. Lo sientes tan fuerte en tu propia piel, que creo que hasta el final de la producción, incluso semanas después, forma parte de ti. Porque lo construyes, lo vives y le descubres siempre algo nuevo que, al final, lo llevas contigo. No son dos personas separadas, están juntas. Es como un juego muy divertido porque, a veces, los directores, me llaman Adalgisa en lugar de Annalisa (risas).

Yo no tengo capacidad de vivir de manera separada las dos personas. En el escenario llevo una parte de Annalisa con sus emociones, su vida… y las traduzco en las emociones de Adalgisa. No puedo separarlas. A veces sucede que, después de interpretar un papel, tienes que empezar rápidamente con otro, sin el tiempo necesario para decantar, como el vino, un nuevo personaje pasando página del anterior. Cuando abandonas un personaje tienes que despedirle con respeto y saludar, también con respeto, al nuevo personaje. Son nuestras pequeñas criaturas, que has elaborado con tiempo, con amor y cuidado para crear algo especial que forma parte de ti y que no desaparece de repente tras la última función.

B.C: Cuando llega a una ciudad, como ahora a Madrid, ¿cómo es el día a día fuera y dentro del teatro?

A.S: Ahora no es fácil porque lo que estamos viviendo no es normal. Siempre te cuidas, descansas, cuidas la voz pero, claro, en el día libre podía ver amigos, visitar un museo, dar un paseo por la calle… Para mi no ha sido un cambio muy grande en este aspecto pero, lo que más se nota es la tristeza. Aquí en Madrid no he sentido mucho este cambio porque la gente del teatro me hace sentir tan bien, es increíble como te cuidan. Están siempre atentos a todas las necesidades que puedas tener, a cómo te sientes. Con esto lo que demuestran es que todo esto se puede hacer y se puede hacer bien.

Siempre que llego a Madrid me siento como en casa. Por eso estar aquí para mi es tan especial. Me siento muy querida y apreciada. Si tuviera que elegir otro país donde vivir, sin duda sería España.

Sin duda es muy importante la salud física, pero es también muy importante la salud mental y emocional y la música nos cura. Es como una medicina del alma. Hay mucho público que quiere volver al teatro y espero que en Italia se pueda encontrar muy pronto una solución, por el público, por nosotros y por toda la familia que está dentro del escenario, que no se ve y que lo está pasando muy mal. El teatro es un engranaje de una máquina que funciona cuando todas las partes están presentes, como la vida.

B.C: ¿Qué opina que Madrid esté siendo casi la única ciudad de Europa que tiene los teatros abiertos?

A.S: ¡Es un milagro!. Yo, hasta el último minuto antes de tomar el avión para llegar hasta aquí, no sabía si podría venir. No me lo creía, por eso digo, ¡viva Madrid!, que ha puesto la música y la cultura en un lugar importante. La salud es importante, la economía es importante pero… no se puede quitar a la gente la posibilidad de soñar, de vivir y de compartir emociones, esto forma parte de la vida. La música es oxígeno, es vida. Gracias Madrid por ser un ejemplo en el que pueden inspirarse los demás, es la demostración de que se puede hacer. Madrid es un ejemplo de como se puede seguir adelante.

B.C: En mayo volvió a los escenarios en Wiesbaden, ¿cómo fue esa experiencia en un momento tan dramático como el que estábamos pasando?

A.S: Marzo y abril fueron unos meses muy crueles en el lugar donde yo vivo. En dos meses no pude cantar porque en ese momento había mucho sufrimiento, muchas víctimas. Era como una guerra. Y la voz participaba de este luto y no sentía la necesidad de volver a cantar.

Wiesbaden ha sido como un arco iris en el cielo después de la lluvia y la tormenta. Yo tenía este contrato hacía tiempo y pensaba que el recital se iba a cancelar. Pero no se canceló. Alemania decidió representarlo sin escenificación y lo organizaron todo. Al llegar al aeropuerto de Malpensa, desértico, yo empecé a llorar al ver a toda la gente cubierta con trajes de protección, era todo increíble. Cuando llegué a Alemania, su situación sanitaria no era tan mala y todo me pareció como un sueño. No lo podía creer.

La peculiaridad es que tenía que hacer la función sin coro y sin orquesta, era una selección de arias y duetos de Carmen y en el camerino estaba yo sola. Había llevado una maleta con vestidos similares a los de la producción, pero míos. Cantaba un aria, volvía al camerino a cambiarme para la siguiente aria pero lo hacía todo sola, no había nadie para ayudarme o indicarme. Al final, lo importante es que la música estaba ahí y yo estaba cantando. En el teatro había unas 200 personas y me pareció que estaba lleno. Ese día salió de mi todo lo acumulado en mi corazón los meses anteriores. Todo el sufrimiento, todas las emociones, todas las reflexiones, todo traducido en música. Creo que esta intensidad llegó al público porque al final lloramos juntos de la emoción. Es algo que no podré olvidar.

B.C: ¿Cómo se está trabajando ahora de cara al futuro, no tiene que ser fácil preparar una agenda?.

A.S: No, no lo es. Lo difícil es reorganizar todas las cancelaciones que ha habido todo este año. Yo tengo actuaciones que se habían cancelado y ahora se han programado en fechas donde ya tengo otros compromisos. La situación es complicada para conseguir cuadrar fechas, a pesar de la incertidumbre. Pero soy una cantante muy afortunada porque en estos meses he podido seguir trabajando, menos marzo y abril que para mi han sido meses de silencio.

Nuestra vida era muy acelerada, siempre corriendo y viajando a todas partes y, de repente, todo se paró. Durante esos meses he tenido mucho tiempo para reflexionar, para disfrutar de mi familia. Empiezas a dar valor a las cosas pequeñas, aquellas cosas que son realmente importantes. Es extraño porque descubrimos cosas que ya sabíamos pero que observas con otro punto de vista.

B.C: ¿En qué situaciones especiales se ha visto profesionalmente en estos meses?

A.S: Todo lo que ha pasado nos ayuda a redimensionarnos. He cantado en streaming en un teatro vacío y he llorado de emoción. He cantado en el cementerio de Bérgamo como homenaje a las víctimas de nuestra tierra. En abril pude cantar en la misa de Pascua en mi ciudad, después de dos meses en que mi voz no quería expresarse pero, en esos momentos, la voz se proyecta. Y lo hace porque tiene un motivo, era como una plegaria. La voz retomó su camino para volver a cantar porque, al final, no cantamos solo con la cabeza. Estamos acostumbrados a cantar en situaciones diversas, pero estas han sido especiales.

Entrevista: Paloma SanzAdalgisa-AnnalisaStroppa

El próximo fin de semana –26, 27 y 28 de febrero–, y también el 12, 13 y 14 de marzo, tendrán lugar en la Sala de Orquesta del Teatro Real seis atractivos conciertos protagonizados por Alexis Delgado e Iñaki Salvador. Los dos pianistas tocarán una selección de obras de Johann Sebastian Bach (ver programa abajo) fundiendo dos lenguajes interpretativos: la lectura ortodoxa de una partitura del siglo XVIII y las fórmulas jazzísticas basadas en un armazón estructural sobre el cual se improvisa.

La música de Johann Sebastian Bach (1685-1750) nos ha llegado a través de las partituras, pero en su tiempo, y durante todo el período Barroco, la improvisación ocupaba una parte muy importante de la interpretación, por lo que estos mundos aparentemente divergentes son, en realidad, muy cercanos. Más, todavía, si pensamos que Bach ha basado gran parte de su producción instrumental en un concepto muy general de la variación, es decir: de un tema musical germinan ‘mutaciones’ del mismo, normalmente dentro de un complejo entramado estructural. Este concepto es fácilmente aplicable, también, al lenguaje del jazz.

Pero más allá de estas consideraciones, Alexis Delgado e Iñaki Salvador logran una ósmosis musical perfecta, con una complicidad y una empatía que hacen de sus conciertos una ‘experiencia musical’ privilegiada para los espectadores de todas las edades.

PROGRAMA

26, 27 de febrero (20:00 horas) y 28 de febrero (19:00 horas)

12, 13 de marzo (20:00 horas) y 14 de marzo (19:00 horas)

Presentación

Clave bien temperado I: Preludio 24 en Si m

Vidas Paralelas

Suite nº 3 para orquesta en Re: Aria

Saludo de Bach

Clave bien temperado I: Fuga en Do m

El pianista en el océano

Pequeño Preludio en Do m Variaciones Goldberg: Variación 1ª

Casa de espejos

Clave bien temperado I: Preludio en Do M Pequeño Preludio alla bossa en Do M

Suite Francesa nº 2: Allemande alla ragtime

Pianistas: Alexis Delgado e Iñaki Salvador

Presentación: Fernando Palacios

Sala de Orquesta del Teatro Real

Música, drama y emoción serán absolutos protagonistas del escenario del Teatro Real con la llegada de Norma, ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835), de la que se ofrecerán 12 funciones entre el 3 y el 19 de marzo en una nueva producción concebida por el director de escena Justin Way, con dirección musical de Marco Armiliato.

Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, y con ella Bellini manipula como nadie las emociones más encendidas del melodrama. Norma posee, además, una extraordinaria dramaturgia que expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer. Es, quizás, esa percepción fuerte y moderna del mundo femenino la que hace de esta ópera uno de los títulos más deseados de la temporada.

Justin Way sitúa la acción en el interior de un viejo teatro italiano con toda la compañía ensayando Norma. En el exterior, el siglo XIX, que ha comenzado marcado por el Congreso de Viena tras la derrota de Napoleón, mantiene el norte de Italia bajo la dominación austriaca, cuyo gobierno reaccionario provoca el nacimiento de los primeros movimientos nacionalistas. Entre ambos mundos, los dos intérpretes principales de la función mantienen una relación secreta sometida a tensiones personales y sociales, inmersa en un conflicto que no saben gestionar.

La propuesta plantea un paralelismo entre el argumento de la ópera y la realidad histórica del momento de su estreno en Milán en 1831, ofreciendo al espectador la dualidad prima donna/Norma, austriacos/romanos, coro/patriotas italianos…en una narración de la que es doblemente observador.

La escenografía de Charles Edwards reproduce la estructura de un teatro en decadencia, con viejos telones pintados similares a los utilizados por los grandes ballets románticos, y el vestuario de Sue Willmington dibuja una imaginativa indumentaria para druidas y romanos, muy al gusto de la época, alternándose con figurines decimonónicos para la vida “real”. Nicolas Fischtel, responsable de la iluminación, evoca las candilejas de los escenarios de otros tiempos, cuya cálida luz contribuye al juego onírico en el que conviven ambas realidades.

El maestro Marco Armiliato, de cuya sensibilidad pudimos disfrutar en Tosca (2004) y Madama Butterfly (2017) regresa al foso del Teatro Real para ponerse al frente del Coro y la Orquesta Titulares, junto a un doble reparto encabezado por la soprano española Yolanda Auyanet – a quien escuchamos en el Real como Vitellia en La clemenza di Tito (2016); Mimi en La bohème (2017) y Liu en Turandot (2018)- y la rusa Hibla Gerzmava, intérprete de Leonora en Il trovatore del Real en 2019.

Completan el trío protagonista los tenores Michael Spyres y John Osborn, encarnando al romano Pollione y las mezzosopranos Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa, dando vida a la virginal Adalgisa. El papel de Oroveso estará en manos de los bajos Roberto Tagliavini y Fernando Radó.

En torno a este título, el Teatro Real ofrecerá una nueva sesión de Enfoques en la que participarán los principales artistas de la producción y donde se interpretará el aria de Oroveso compuesta en 1837 por Richard Wagner “a la manera de Bellini”, en complicidad con el compositor de Siegfried, cuyas representaciones se alternarán durante este mes con Norma. La cita será el próximo miércoles, 24 de febrero, a las 20.15 horas en la Sala Gayarre (a la que se puede asistir con aforo limitado) y on line a través del canal de Youtube del Teatro. Y el día 14 de marzo, con el tono alegre y desenfadado de los talleres familiares ¡Todos a la Gayarre!, entre pócimas y conjuros, descubrirán la otra cara de Norma.

Debido al toque de queda vigente en la Comunidad de Madrid, relativa a los protocolos Covid-19, todas las funciones de Norma darán comienzo a las 19.00 horas, con excepción del domingo 7 de marzo, que será a las 18.00 horas.

ACTIVIDADES PARALELAS · NORMA

Museo Arqueológico Nacional

24 de marzo, a las 17.30 horas. Visita guiada: Norma. Veni, vidi, vici. Roma conquistadora

Aforo limitado. Información

Veni, vidi, vici. Así señalaba Julio César la rapidez con la que se consigue un éxito. En este itinerario nos trasladamos a época romana para conocer cómo se fue forjando lo que acabaría siendo uno de los mayores imperios. Un ejército muy bien estructurado, una lengua común, el derecho romano y otros aspectos serán claves para la romanización de Hispania.

Museo Nacional del Romanticismo

Marzo. Una obra, una ópera.

Actividad gratuita

Para Una obra, una ópera, el Museo del Romanticismo ha seleccionado un conjunto de figuras policromadas de su colección, datado hacia 1840, que recuerda a una escena de la ópera en la que Norma, cuchillo en mano, entra en la habitación donde duermen los niños. Polión, por su parte, con su mano derecha en el corazón parece conmovido en la escena final de la obra, en el momento en el que Norma expresa ante el pueblo su amor por Polión y reconoce haber infringido sus votos sagrados.

Fotografía: Javier del Real

Flamenco Real prosigue su andadura, en una temporada dedicada a la danza, con dos representantes de la expresión flamenca más pura, sincera y plástica del momento. El próximo 26 de febrero, la bailaora Belén López presentará su espectáculo Flamenca, y el jueves 4 de marzo, hará lo propio Iván Vargas con una propuesta denominada Flamenco de raíz.

Nacida en Tarragona, y sin antecedentes artísticos en su familia, Belén López muestra desde muy niña una enorme sensibilidad por el espectáculo y una pasión sin límites por el flamenco. Con sólo cinco años actúa en un homenaje a Carmen Amaya, durante la Diada de Sant Jordi, ante dos nombres históricos de la danza: Antonio Ruiz Soler y Pilar López. Tres años después, Ángel Corella la invita a participar en un homenaje a UNICEF en el Teatro Madrid y, en poco tiempo, se traslada a vivir a la capital, donde baila regularmente en distintos tablaos y comienza estudiar en el Conservatorio de Danza de Madrid.

A partir de ese momento su trayectoria es imparable. Durante cuatro temporadas, desde 2001 hasta 2005, es primera bailarina en la Arena di Verona, continúa como estrella de la compañía La Corrala de la danza y durante meses es la primera figura del Corral de la Morería en Madrid. En 2004 gana el Premio Nacional de Flamenco Mario Maya, en 2005 es galardonada con el Premio a la Artista Revelación otorgado por el Corral de la Pacheca y en 2016 obtiene el Premio Desplante 2016 del Festival de Cante de las Minas de La Unión.

En Flamenca, acompañada por el bailaor José Carmona “Rapico” como artista invitado, las guitarras de Juan Jiménez y Carlos Jiménez, el cante de Antonio Moreno Maya “El Cancu” y Saúl Quirós y la percusión de Rafael Jiménez “El chispas”, Belén López mostrará su baile más genuino, lleno de fuerza y temperamento, de técnica impecable, gran creatividad y la marca de una juventud marcada en los escenarios.

Los orígenes de Iván Vargas marcan el destino de un niño nacido en el Sacromonte en el seno de una de las grandes dinastías del arte flamenco, los Maya. De su estirpe ha adquirido el conocimiento, la técnica y la disciplina, afianzado en una larga y fructífera trayectoria en la que, a pesar de la tradición, ha sabido moverse con libertad y personalidad propia.

Del trabajo en los tablaos más importantes de Madrid, donde ya destaca con apenas 8 años, a espectáculos vinculados a nombres como Estrella Morente, Niña Pastori o Rocío Molina, el bailaor ha compartido diferentes proyectos artísticos como el realizado en la Bienal de Sevilla de 1992, de la mano de Miguel Bosé, o el espectáculo Muerte en Granada de la Fura dels Baus. Después se abrirían las puertas del mundo internacional, donde su nombre es reconocido como gran bailaor y como profesor en importantes ciclos de flamenco.

En el Teatro Real Iván Vargas nos ofrece Flamenco de raíz, un espectáculo tejido con coreografías propias y de los maestros Manolete y Juan Andrés Maya, en el que se unen dos generaciones del baile y el cante y cuyo hilo argumental son Granada y las bases del flamenco del mítico barrio del Sacromonte. Vargas, protagonista absoluto, contará con la participación de la guitarra de Luis Mariano, el cante de Joni Cortés y Kiki Morente, como artista invitado, y la percusión de Miguel Rodríguez Hernández “El Cheyenne”.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Siegfried, el heroicoSiegfried
Richard Wagner (1813-1883)
Segunda jornada en tres actos del festival escénico Der Ring des Nibelungen
Estrenada en el Festtspielhaus de Bayreuth en 1876
D. musical: Pablo Heras-Casado
D. escena: Robert Carsen
Escenógrafo y figurinista: Patrick Kinmonth
Iluminador: Manfred Voss
Orquesta Titular del Teatro Real
Reparto: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler. Jongmin Park, Okka von der Damerau, Ricarda Merbeth, Leonor BonillaEn momentos extraordinarios, hacer el trabajo de cada día puede convertirse también en algo extraordinario. Eso está ocurriendo en el Teatro Real, que continua con su programación y estos días representa la tercera entrega del Anillo wagneriano, nada menos que ‘Siegfried’.Y lo hace sin que le falte de nada. ¿Qué la orquesta no cabe en el foso, por aquello de la distancia de seguridad?, pues se reparte por los palcos de platea. Arpas a un lado, metales a otro. ¿Qué la obra dura casi cinco horas y a las 22:00 hay que estar en casa?, pues se empieza a las 16:30. ¿Qué es mucho tiempo en una sala cerrada para tanto público?, pues se mejora el sistema de renovación de aire y en lugar de renovarlo 4 veces a la hora, se renueva 8. ¿Qué coincide con las representaciones de Norma?, ¡pues como en otras ocasiones!, ¿dónde está el problema?. Está claro que el problema lo tienen otros.Llegamos con Siegfried a la segunda jornada del festival escénico Der Ring des Nibelungen. Aunque en realidad es la tercera de la tetralogía, ya que Wagner compuso esta obra descomunal empezando por el final, demostrando su control sobre la unidad dramática mucho antes de iniciar su composición.Todo empezó hace dos temporadas con Das Rheingold, donde Wagner contextualiza la historia. Continuó la temporada pasada con Die Walküre, que nos muestra los orígenes del protagonista. Ahora llega Siegfried, que expresa su máximo esplendor. Y la próxima temporada veremos Götterdämmerung, que narra el ocaso y derrota del personaje.En este aparente caos en el orden compositivo, Wagner realizó varias interrupciones y diversas modificaciones, tanto en el libreto como en la partitura, durante la composición de Siegfried. En mayo de 1857, abandona la composición de esta obra en pleno segundo acto para centrarse en Tristan und Isolde y Die Meistersinger von Nürnberg. No sería hasta doce años después, en 1869, cuando reanudó su composición que dio por terminada del todo en 1871.

Fascinado por la mitología y amante de la naturaleza, Wagner crea un universo oscuro presidido por la destrucción. Y los dioses, que son muchas veces metáfora del ser humano, personifican esta destrucción.

Dentro de este universo de devastación, Wagner ve en Siegfried el modelo de hombre nuevo, que está libre de moral y convenciones sociales, que no se sujeta a las leyes que rigen el mundo y que es capaz de enfrentarse sin miedo a los dioses. Pero este comportamiento casi heroico es también muy inocente, pues Siegfried no es consciente de que sus hazañas benefician a aquellos contra los que lucha, el universo desolador en el que reina Wotan.

Como esta es la crónica del ensayo general, no hablaremos de las voces. Pero si quiero advertir de su excelente nivel, sobre todo el Siegfried del tenor austríaco Andreas Schager, que opina que ”para hacer Siegfried no hay que tener miedo a nada”, y Schager demuestra no tenerlo.

El resto de voces están a una gran altura. Mucha calidad en este reparto con Ricarda Merbeth, como Brünnhilde. El Mime del italiano Andreas Conrad. Tomasz Konieczny, como el caminante. El nibelungo Alberich interpretado por Martin Winkler. El coreano Jongmin Park como Fafner. Erda, la diosa de la tierra, magnífica en la voz y la interpretación de Okka von der Damerau y la sevillasa Leonor Bonilla, que se encargó de poner voz al pájaro del bosque.

Como en el resto de la tetralogía, Siegfried requiere de una orquesta de dimensiones máximas y desconocidas hasta ese momento. Es aquí donde el Teatro Real obra el primer milagro, y haciendo de la necesidad virtud, manteniene las seis arpas que exige el compositor situadas en uno de los palcos de platea, los más próximos al foso. En el palco opuesto, se sitúan el grupo de metales más graves. De esta forma, el grueso de la orquesta apenas ha quedado reducida. Tan solo se ha prescindido de algunos elementos de cuerda, un par de violines, un par de chelos… El resultado sonoro es envolvente, pero evidencia algunas dificultades a la hora de empastar o de mantener ciertos equilibrios sonoros.

Para abordar la escenogafía, Robert Carsen y Patrick Kinmonth, utilizan como metáfora la destrucción de la naturaleza, dando continuidad a la línea iniciada hace dos temporadas. El resultado escénico es, básicamente, feo y desolador.

Carsen descontextualiza completamente la música de Wagner y lo cede todo a un espectáculo, que no es tal. La naturaleza aparece devastada, el pájaro está muerto, los árboles han sido talados y solo la inocencia de los dos protagonistas despiertan un poco de luz y esperanza.

Se limita a ejercer la crítica sobre el cambio climático de manera simple y llena de lugares comunes, con escenografías cada vez más austeras y minimalistas. La belleza permanece ausente de sus producciones actuales. Como nos acordamos de aquella Katia Kavanovà (2008) o Dialogues de carmélites (2006).

Otro éxito que se apunta el Teatro Real ante la incredulidad y el asombro del resto de teatros del mundo. Como dice su director, Joan Mataboch (que como Siegfried, no tiene miedo a nada), el secreto está es anticiparse a los acontecimientos para dar solución a los posibles problemas. Lo que está claro es que si se quiere respirar aire limpio hay que ir a Teatro Real.

Texto: Paloma Sanaz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

El próximo 18 de febrero se inaugura la segunda edición del Ciclo Jóvenes Talentos Fundación Banco Sabadell, una iniciativa organizada por la Fundación Amigos del Teatro Real en colaboración con la Fundación Banco Sabadell y con la participación de los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. En esta segunda edición se incorporarán sesiones formativas a cargo de algunos de los directores musicales y escénicos que participan en las producciones del Teatro Real, que ayudarán a los jóvenes músicos a profundizar en el conocimiento de las óperas programadas en la presente temporada, vinculando sus explicaciones con el repertorio del Ciclo.

Las sesiones, que tendrán lugar en la Sala Gayarre del Teatro Real y en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, tienen como objetivo proporcionar una experiencia formativa y una oportunidad profesional a los jóvenes alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, al mismo tiempo que ofrecen contenido cultural y artístico con acceso gratuito a los Amigos Jóvenes del Teatro Real, estudiantes y Amigos Jóvenes de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.

Tomando como referencia las óperas de la Temporada 2020-2021 del Teatro Real, el ciclo se inaugura con oberturas de Wagner, cuya ópera Siegfried se está representando estos días en el escenario madrileño.

El segundo concierto contará con un repertorio clásico y romántico, de Joseph Haydn a Vincenzo Bellini, en consonancia con la ópera Norma, en escena durante el mes de marzo en el Teatro Real.

La tercera cita del Ciclo ofrecerá obras de Benjamin Britten, autor de Peter Grimes, y para el último concierto se ha diseñado un programa dedicado al barroco musical, con piezas de Johann Sebastian Bach, Benedetto Marcello y Antonio Vivaldi, éste último de autor de la ópera Orlando Furioso, cuyo estreno tendrá lugar el próximo mes de junio en el Teatro Real.

CICLO JÓVENES TALENTOS FUNDACIÓN BANCO SABADELL

Concierto nº1
Fecha: Jueves, 18 de febrero, a las 19:30 horas
Ópera en cartel: Siegfried, de Richard Wagner
Programa:
RICHARD WAGNER: Oberturas de Tannhäuser, Lohengrin y Parsifal
FRANZ LISZT: Sonata para piano en Si menor
HENRYK WIENIAWSKI: Fantasía para violín y piano sobre temas de la ópera “Faust”, de Gounod, Op.20

Concierto nº2
Fecha: Martes, 2 de marzo, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Norma, de Vincenzo Bellini
Programa:
JOSEPH HAYDN: Cuarteto de cuerdas en Mi bemol Op.33 nº2
VINCENZO BELLINI: Concierto para oboe y piano en Mi bemol mayor
ANTONIO PASCULLI: Omaggio a Bellini, para corno inglés y piano
FRÉDÉRIC CHOPIN: Nocturno Op.27, nº2 en Re bemol mayor; Vals Op.64 nº3 en La bemol Mayor y Balada nº4 en Fa menor, Op.52

Concierto nº3
Fecha: Jueves, 29 de abril, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Peter Grimes, de Benjamin Britten
Programa:
BENJAMIN BRITTEN: Cuarteto-fantasía para oboe y cuerdas Op.2, Cuarteto de cuerdas nº2 en Do mayor, Op. 36 y Lachrymae para viola y cuarteto de cuerdas, Op.48

Cuarteto nº 4
Fecha: Martes, 29 de junio, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi
Programa:
ANTONIO VIVALDI: Concierto para fagot en Sol menor, RV 495
ANTONIO VIVALDI / JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto en Re mayor, BWV 972
ANTONIO VIVALDI: Concierto para oboe La menor, RV 461
BENEDETTO MARCELLO /JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto en Re menor, BWV 974
JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto de Brandemburgo nº5 en Re mayor, BWV 1050

Mañana, 12 de febrero China dará la bienvenida al Año del Buey, una fecha que tradicionalmente se celebra de forma festiva, dentro y fuera de sus fronteras, y que este año estará marcada por las restricciones provocadas por el COVID-19, que limitarán todas las actividades organizadas en torno a esta fecha, concentrando todos los eventos de forma virtual.

El Teatro Real ha querido sumarse a estas celebraciones con la retransmisión en su plataforma de vídeo, My Opera Player, del Concierto para el Año Nuevo Chino celebrado en Pekín el pasado 13 de diciembre en el National Centre for Performing Arts (NCPA), en el que su orquesta titular, dirigida por Lü Jia, interpretó música popular china, clásicos occidentales y conocidas arias de ópera.

Así, junto a la Oda a la Bandera Roja, de Lyu Quiming, y el Capricho del Lago Honghu para erhu y orquesta, que contó con la participación de Deng Jiandong en el delicado instrumento oriental, los asistentes pudieron escuchar conocidas arias de ópera como “Una furtiva lagrima», del L’Elisir d’Amore de Gaetano Donizetti; “Mercè, dilette amiche”, de I Vespri Siciliani de Giuseppe Verdi y el brindis de La Traviata, interpretados por la soprano Hui He y el tenor Jinxu Xiahou junto al coro y orquesta de la NCPA.

El concierto se ha unido también a las celebraciones del Año Beethoven al incluir en el programa la Obertura Egmont y el Concierto para Piano Núm. 5 en Mi Bemol Mayor, con Haochen Zhang como solista.

El Teatro Real forma parte de la Silk Road International League of Theaters (Liga Internacional de Teatros de la Ruta de la Seda), plataforma cultural creada por el gobierno chino para promocionar el intercambio artístico en el ámbito de las artes escénicas entre el país asiático y los demás países miembros, un total de 56, entre los que se encuentran Estados Unidos, Rusia y Francia.

My Opera Player cuenta con la participación tecnológica de Telefónica y el patrocinio de Endesa.

Se ofrecerán 8 funciones de la ópera, entre el 13 de febrero y el 14 de marzo, que se alternarán con la nueva producción de Norma, de Vincenzo Bellini.
En la producción de la tetralogía wagneriana concebida por Robert Carsen y Patrick Kinmonth, el joven Siegfried, llamado a ser un prohombre, va descubriendo un mundo decadente, contaminado e inhóspito, resultado de la sobreexplotación irresponsable de la naturaleza.
El primer director musical invitado del Teatro Real, Pablo Heras-Casado, estará nuevamente al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real.
Protagonizan la ópera Andreas Schager (Siegfried), Andreas Conrad (Mime), Tomasz Konieczny (El viandante/Wotan), Martin Winkler (Alberich), Jongmin Park (Fafner), Okka von der Damerau (Erda), Ricarda Merbeth (Brünnhilde) y Leonor Bonilla (Voz del pájaro del bosque).
Para interpretar la partitura de Siegfried guardando la distancia de seguridad sanitaria, los músicos de la Orquesta Titular del Teatro Real ocuparán, además del foso, 8 palcos a ambos lados del escenario.
Debido a la larga duración de la ópera (cerca de 5 horas) y al toque de queda vigente actualmente en la Comunidad de Madrid (22.00 horas), todas las funciones comenzarán a las 16.30 horas.
En torno a Siegfried se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real –Enfoques, La universidad a escena y ¡Todos a la Gayarre!–, en el Museo del Romanticismo y en la Universidad Nebrija.
El Teatro Real proseguirá la grabación audiovisual de La tetralogía para su distribución internacional y emisión en My Opera Player.
Radio Clásica, de Radio Nacional de España, retransmitirá en diferido la ópera, tal como ha hecho con los dos títulos anteriores de la saga.
El Teatro Real agradece a la Junta de Amigos el patrocinio de Siegfried.

Entre el 13 de febrero y el 14 de marzo el Teatro Real ofrecerá 8 funciones de Siegfried, de Richard Wagner (1813-1883), tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y la icónica puesta en escena de Robert Carsen y Patrick Kinmonth concebida para la Ópera de Colonia, donde la producción se ha repuesto en varias ocasiones, siempre con un gran respaldo del público y de la crítica.

En La valquiria, Wotan, el dios que articula las cuatro óperas de La tetralogía, acaba fracasando estrepitosamente en su intento férreo de dominar el mundo. La liberación de ese gran cometido le produce una suerte de relajación que encaja con la categoría de scherzo muchas veces atribuida a la ópera Siegfried. El dios, disfrazado de Viandante cuando le conviene, indaga, reflexiona y maquina sobre el rumbo de la ‘humanidad’, velando ahora por el destino mesiánico de su nieto Siegfried.

En los dos primeros actos de la ópera, Wagner se recrea recapitulando, de forma filosófica, especulativa, dialéctica, y muchas veces irónica, todo lo acaecido en El oro del Rin y La valquiria, mientras el joven Siegfried, llamado a ser el ‘Hombre Moderno’, va descubriendo el mundo como un niño salvaje, sin miedo, sin pasado y libre de ataduras atávicas, morales y afectivas.

Entre la partitura de estos dos actos casi íntegros –una genial y endiablada prosodia musical llena de evocaciones, predicciones y advertencias entrelazadas en un sinfín de leitmotiv– y la escritura del final del segundo acto y todo el tercero, hubo un interregno de doce años con importantes cambios en la biografía de Wagner y la creación de otras obras magnas: Tristán e Isolda y Los maestros cantores de Nuremberg.

Cuando retoma la composición de Siegfried, su lenguaje musical había experimentado una gran evolución y también su visión del devenir de la saga, enriquecida por ávidas lecturas filosóficas –de Bakunin a Schopenhauer–, vivencias políticas –en una Europa en plena revolución industrial y luchas nacionalistas– y también cambios radicales en su turbulenta vida amorosa.

En el tercer acto, paroxismo de El anillo, la música alcanza un alto voltaje orquestal y armónico, cuando el temerario, indómito e infantil Siegfried descubre el miedo y tiembla finalmente con el éxtasis del amor al contemplar a Brünhilde, liberándola de su castigo con un beso redentor. Con este final feliz y luminoso culmina el ascenso del héroe antes de su fatal desenlace en El ocaso de los dioses.

En su concepción de El anillo del nibelungo, Robert Carsen, junto con el escenógrafo y figurinista Patrick Kinmonth y el iluminador Manfred Voss, trasladan el visionario universo mitológico wagneriano a un mundo también metafórico, pero más cercano a nuestra realidad, confrontando al espectador con el poder destructivo del capitalismo voraz, cuando la ambición desmesurada de poder y de riqueza conduce inevitablemente a la destrucción de la humanidad, de las relaciones interpersonales y de los lazos familiares.

Siegfried, huérfano, ingenuo, ignorante y dotado de poderes que pueden cambiar el rumbo del universo, deambula, juega y se divierte peligrosamente en un mundo contaminado y agreste, ajeno a todas las manipulaciones y maquinaciones que le harán partícipe de la destrucción de la humanidad.

Ocho cantantes con destacadas voces wagnerianas protagonizarán la ópera: los tenores Andreas Schager (Siegfried) y Andreas Conrad (Mime), los bajo-barítonos Tomasz Konieczny (El viandante / Wotan) y Martin Winkler (Alberich), las sopranos Ricarda Merbeth (Brünnhilde) y Leonor Bonilla (Voz del pájaro del bosque), la mezzosoprano Okka von der Damerau (Erda) y el bajo Jongmin Park (Fafner).

Tomasz Konieczny volverá a encarnar a Wotan (aquí disfrazado de Viandante), después de su interpretación del papel en La valquiria, y Ricarda Merbeth repetirá como Brünnhilde, volviendo a terminar la ópera como encarnación del Amor.

Para mantener la distancia de seguridad sanitaria entre sus integrantes, la Orquesta Titular del Teatro Real interpretará la colosal partitura de Siegfried, bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, con el esfuerzo adicional de cuidar el equilibrio sonoro y la concertación con los músicos ubicados en el foso (con extensiones laterales) y en 8 palcos a ambos lados del escenario: en el izquierdo estarán la percusión y seis arpas –que tocan juntas solamente en el tercer acto de la ópera–, y en el derecho, la tuba, trompetas y trombones, que en Siegfried tienen una presencia mucho más discreta que en las restantes óperas de El anillo.

La gran gesta wagneriana culminará en la próxima temporada con El ocaso de los dioses, en la que seguiremos los pasos del héroe de la tetralogía, desde su glorificación hasta el cataclismo final, en la visión inquietante, pero también esperanzadora de Carsen y Kinmonth: un alegato en defensa de la naturaleza como un bien común que todos debemos preservar porque “solo la consciencia de los problemas de la humanidad y de nosotros mismos, permite su solución.”

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

El próximo jueves, 11 de febrero, el ciclo Flamenco Real presentará el espectáculo De sepia y oro, Premio del Público en el XX Festival de Jerez, creado e interpretado por la bailaora gaditana Pilar Ogalla y el jerezano Andrés Peña, con el que hacen un retrato del flamenco tradicional, bailado con hondura y un dominio magistral de cada palo, en el que estarán acompañados por el guitarrista Jesús Guerrero y los cantaores Miguel Lavi y Miguel Soto.

Debido a las restricciones de movilidad implantadas en la Comunidad de Madrid, se han modificado los horarios de las funciones, que tendrán lugar a las 18.00 horas y 20.00 horas, con la apertura de la puerta de la Calle Felipe V media hora antes del inicio del espectáculo.

De sepia y oro no tiene línea argumental, no narra una historia. Nos muestra, como en un álbum antiguo de fotos, la historia del baile flamenco. A veces solos, a veces en pareja, la expresividad de los artistas y el sumo cuidado en la interpretación, unido al dinamismo de los distintos cuadros que forman el espectáculo, rescatan el placer de lo sencillo, del baile por el baile.

La bailaora gaditana Pilar Ogalla comenzó su formación, con apenas diez años, recibiendo clases de la profesora Concha Baras para seguir su perfeccionamiento con grandes nombres de la danza española como Cristina Hoyos, Eva Yerbabuena y Antonio Canales. Desde su debut en el Gran Teatro Falla de Cádiz, en 1982, con el espectáculo Las calles de Cai, Ogalla ha compartido escenario con figuras históricas como Camarón de la Isla y Manuel Carrasco hasta protagonizar, en 2006, su primer espectáculo en solitario, Locos del tiempo.

La sangre gitana de Andrés Peña y su baile curtido en grandes tablaos como el Café de Chinitas, o en las compañías de Eva la Yerbabuena o La Chunga, hacen de él un bailaor excepcional. En el año 2000 gana el Premio Jóvenes Intérpretes de la Bienal de Sevilla y es a partir de este momento cuando se lanza a su carrera en solitario con el espectáculo Peña, con el que recorre los grandes importantes festivales internacionales de flamenco.

Cuando ambos bailaores se encuentran en 2006, nace algo más que una colaboración que dura hasta hoy y es muestra de la identidad flamenca más pura. Tradición y elegancia han marcado un recorrido que no deja de mirar hacia el futuro sin renunciar al legado de sus raíces.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA Entertainment, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada dos o tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

En estos días de frío y lluvia, las puertas del Teatro Real se abren para reunir a toda la familia en un entorno cálido en el que disfrutar de las historias de siempre de la mano de los Hermanos Grimm y la compañía checa Karromato que, con sus marionetas de hilo y su teatro de sombras, nos devolverá a la tradición de los Cuentos al calor del hogar.

Se ofrecerán ocho funciones repartidas entre este fin de semana, sábado 24 y domingo 25, y el siguiente, sábado 30 y domingo 31, a las 12 y a las 17.00 horas, todas ellas en la Sala Gayarre.

Karromato recupera los cuentos originales, sin versiones ni adaptaciones, dejando la narración en el poder de la comunicación de las marionetas y la música, interpretada en esta ocasión por la violinista Silvia Romero y el pianista Duncan Gifford que convertirán en “palabras” la música de Robert Schumann, creando una atmósfera mágica de singular belleza.

A través de estas historias se enseña a los pequeños a superar los miedos, a afrontar los retos que les presenta la vida, a descubrir los secretos que se esconden en lo cotidiano, que serán sus herramientas del futuro. Recuerdan así los tiempos en que los ancianos transmitían a los niños y jóvenes la tradición y la sabiduría, en forma de fábula.

Karromato es una compañía europea de Marionetas con sede en Praga. Sus miembros provienen de España, Hungría y la Republica Checa, unidos por el interés en la técnica de la marioneta de hilo tradicional, en cuya construcción y manipulación están implicados desde 1997, trabajando la madera y poniendo sumo cuidado en los detalles.

Como en otros espectáculos de El Real Junior, está disponible en la página web una interesante guía didáctica con información sobre el espectáculo, detalles históricos y juegos y actividades concebidas para hacer de forma participativa en casa, antes o después de la función. Ya está disponible en el siguiente enlace: Cuentos al calor del hogar.

Producción de Karromato con la colaboración del Centro Checo de Madrid

EQUIPO ARTÍSTICO

Idea y Dirección: Compañía Karromato

Música: Robert Schumann

Adaptación musical: Marko Ivanovic

Escenógrafo: Luis Montoto

Constructor de marionetas: Jan Ruzicka

Diseñador de sombras: Ettore Battaglia

Violinista: Silvia Romero Ramos

Pianista: Duncan Gifford

Los próximos días 22, 23 y 24 de enero, la compañía IT Dansa, dirigida por Catharine Allard, se presentará en el Teatro Real para interpretar cuatro coreografías de jóvenes creadores, con diferentes personalidades y conceptos, cuyos nombres ocupan ya un lugar, por derecho propio, en el mundo de la danza: Kaash (Akram Khan), The Prom (Lorena Nogal), In memoriam (Sidi Larbi Cherkaoui) y Whim (Alexander Ekman).

Debido a las nuevas restricciones de movilidad implantadas en la Comunidad de Madrid, se han modificado los horarios de las funciones del sábado 23 de enero, que tendrán lugar a las 17.00 y a las 20.00 horas. Se mantienen las citas previstas para el estreno, viernes 22, a las 19.30 horas, y la del domingo 24, a las 18.00 horas. El espectáculo se desarrollará íntegro y sin descanso, salvo las breves pausas necesarias entre cada coreografía.

IT Dansa es un proyecto pedagógico creado en 1996 por el Instituto del Teatro de la Diputación de Barcelona, como curso de posgrado para el perfeccionamiento de formación de jóvenes bailarines y bailarinas. La compañía, Integrada por un máximo de 18 bailarines, ha estrenado coreografías tanto de autores noveles como de reconocidos creadores, consiguiendo un repertorio muy diverso que demuestra que la danza contemporánea vive un momento creativo apasionante, con una redefinición constante de sus códigos expresivos y un enriquecedor acercamiento a otros lenguajes artísticos.

Akram Khan creó Kaash como una meditación, como una evocación al origen del mundo inspirada en los dioses hindúes y en sus ciclos del tiempo. En ella entrelaza el lenguaje de la danza contemporánea y el de la danza clásica india Kathak, a través de giros vertiginosos, movimientos rotundos y una gran gestualidad con los que lleva a los bailarines a representar la vida y la muerte, la destrucción dolorosa y el renacer, la Creación.

La coreografía se desarrolla al ritmo del latido de la partitura de Nitin Sawhney, concebida especialmente para esta obra, y enmarcada en el diseño escénico de Anish Kapoor, construyendo un todo indisoluble que lleva al espectador a fundirse con los bailarines y la fuerza telúrica del universo. Desde su estreno en 2002, Kaash supuso el primer gran reconocimiento internacional de Akram Khan.

Lorena Nogal, formada como bailarina en el Instituto del Teatro de Barcelona y en la compañía IT Dansa, realiza con The Prom un dibujo dinámico, colorido y humorístico de un baile de graduación al cual se resiste a asistir. Una aversión a las fiestas, que retrata con benevolencia y superándose a sí misma, a través de encuentros joviales. Una mirada joven para una compañía joven, llena de detalles e ingenio que demuestran el talento de esta premiada bailarina y coreógrafa. IT Dansa representa por primera vez esta obra en julio de 2018, en el marco del Festival Grec de Barcelona, y la convierte en parte de su repertorio.

Desde el recuerdo de los que ya no están, casi como un homenaje, una oda, un rescate del olvido, nace esta coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui, In Memoriam. Inspirada en sus antepasados, en un momento de pérdida de varios miembros de su familia, el creador belga reflexiona sobre quienes somos y en que nos convertimos; la irrealidad del recuerdo los vuelve presentes en la ausencia y nos ayuda a comprendernos. Esta dualidad se manifiesta en una danza casi ritual, donde los bailarines realizan un juego de polarización, de atracción y repulsión, de lo que está y ya no está.

Cherkaoui crea esta pieza en 2004 contando con la colaboración musical de A Filetta, formación vocal de origen corso, cuyas interpretaciones y composiciones están inspiradas en la tradición oral de la isla francesa, en cantos sagrados o profanos, en las raíces de su cultura, lo que reafirma esta idea de conexión entre el presente y el pasado que es el germen de esta coreografía.

Cierra el programa Whim, coreografía del sueco Alexander Ekman, responsable también del vestuario, quien, sobre una ecléctica selección musical que camina desde Vivaldi a Nina Simone, y en estrecha colaboración con It Dansa, hace un retrato de las emociones del ser humano. En un espacio atemporal los bailarines describen el devenir de cualquiera de nosotros, entre la alegría y la amargura, la preocupación, el equilibrio, el cansancio… movimientos de la danza contemporánea más actual, con ritmos rápidos, transiciones inteligentes y un brillante sentido del humor.

Whim es, según Ekman, “divertido, pero no realmente divertido… triste, pero no realmente triste… agradable, pero no realmente agradable”. La mejor forma de cerrar una gran noche de danza.

Fotografía: Franck Thibault

El bailaor sevillano Amador Rojas (Los Palacios, 1979) vuelve el próximo jueves, 21 de enero, al ciclo Flamenco Real del Teatro Real. Acompañado de un espléndido cuadro artístico, en el que figuran la guitarrista flamenca Antonia Jiménez, la cantaora Inma “La Carbonera” y el instrumentista Sergio de Lope, recorrerá los palos flamencos con el hilo conductor del amor y el desamor.

“Amar bailando”, que se estrena en Madrid, es el primer espectáculo de 2021 de este tercer ciclo, en el que hasta el 19 de julio actuarán artistas como Andrés Peña y Pilar Ogalla, Belén López, Yolanda Osuna y Antonio Canales. En este musical flamenco dedicado a “las penas del alma y el corazón y a sus alegrías”, Rojas desgrana palos como la soleá, las alegrías y los tangos, con los que se “queja” de la traición y celebra la felicidad del enamoramiento correspondido.

Las mariposas en el estómago y la desolación sin fin son los dos extremos que sostienen “Amar bailando”, un bosque de emociones del que el protagonista hace del fin de fiesta tradicional de los espectáculos flamencos la alegoría del renacer de un nuevo amor en el nuevo amor.

Este gitano puro comenzó a bailar a los siete años de la mano de Farruco, pero nunca pudo tomar clases porque no se las podía permitir. No obstante, a los 12 ya bailaba como solista y creaba sus propias coreografías.

A los 16 años se unió a la compañía de Salvador Távora, en la que permaneció cinco años recorriendo el mundo con la producción “Carmen”. Luego formó parte de la compañía de Eva Yerbabuena, con la que participó en espectáculos como “A cuatro voces” o “Cinco mujeres”. Poco después Antonio Canales le daría el rol protagonista en espectáculos como “La casa de Bernarda Alba” o “Mano a Mano”.

Ya con su propia compañía montó “Kahlo Caló”, basada en la vida de Frida Kahlo, un espectáculo por el que recibió el premio de Artista Revelación de la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2008.

Al año siguiente estrenó “Mandala”, una mezcla de tradición y vanguardia flamenca sobre las vueltas que da la vida que se ha representado en Estados Unidos, Francia y Brasil.

En el espectáculo que presenta el día 21, Amador Rojas -que inauguró la primera edición de FLAMENCO REAL con “Poseidón y el hombre” en 2018-, estará acompañado al cante por la sevillana Inma “La Carbonera” (1971); la guitarrista gaditana Antonia Jiménez (1972); el flautista y saxofonista cordobés Sergio de Lope (1985) –premio “Filón” del festival del Cante de las Minas en 2017- y la percusión del también cordobés Lolo Plantón (1984).

En esta tercera edición, FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, se adapta a la actual normativa de seguridad sanitaria cambiando la configuración y estructura de todo el ciclo. Así, el formato anterior, con sillas y mesas con vino español, a semejanza de un tablao, se ha sustituido por butacas dispuestas en semicírculo, como un auditorio, de las que se ocuparán apenas 130 asientos (40% del aforo total), guardando la debida distancia de seguridad. También los horarios de las actuaciones se han visto afectados, adelantándose a las 18.30 horas y 20.30 horas, con la apertura de la puerta de la Calle Felipe V media hora antes del inicio de cada espectáculo.

Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Por el tercer ciclo de Flamenco Real han pasado ya El Yiyo, El Choro y Eduardo Guerrero, que sustituyó a Alba Heredia, de baja por una caída. Tras Amador Rojas actuarán Andrés Peña y Pilar Ogalla (11 de febrero), Belén López (26 de febrero), Iván Vargas (4 de marzo), Yolanda Osuna (25 de marzo), María José Franco (15 de abril), María Moreno (6 de mayo), Antonio Canales (20 de mayo), Mercedes de Córdoba (3 de junio), Ángel Muñoz (24 de junio), Macarena Ramírez (8 de julio) y Sergio de Lope (29 de julio).

Debido a la excepcional situación meteorológica y siguiendo las recomendaciones de las autoridades y servicios de emergencia, el Teatro Real ha decidido suspender la función de Don Giovanni prevista para hoy sábado, 9 de enero, a las 19.30 horas.

Asimismo, quedan canceladas las funciones familiares del ciclo Todos a la Gayarre programadas para mañana, domingo 10 de enero, a las 12.00 y a las 17.00 horas, y la sesión de Ópera en Cine, que debía tener lugar en la sala principal a las 11.00 horas.
El Teatro Real procederá a la devolución del importe de las localidades a lo largo del mes de enero a todos los compradores y abonados, por el mismo medio de pago por el que fueron adquiridas. No será necesario solicitar dicha devolución, ya que se realizará de forma automática.

El estreno mundial de la ópera Marie, del compositor madrileño Germán Alonso y la dramaturga alicantina Lola Blasco, que debía celebrase esta tarde en el Teatro de La Abadía, queda pospuesto para el próximo martes, 12 de enero, a las 19.00 horas. La función de mañana, domingo 10 de enero, queda también aplazada a fecha todavía por determinar, pero de la que informaremos a la mayor brevedad posible.

Lamentamos las molestias que estos cambios puedan ocasionar y que se han llevado a cabo para proteger la seguridad, tanto del público como de los artistas y personal del Teatro.

Fotografía: Javier del Real

Debido a la situación meteorológica excepcional y siguiendo las recomendaciones de las autoridades y los servicios de emergencia, este sábado 9 de enero y mañana domingo 10 de enero se suspenden las funciones de Marie previstas en el Teatro de La Abadía, para evitar riesgos para el público, lo artistas y el equipo del teatro.

El estreno previsto para hoy se pospone al martes 12 a las 19.00 horas. Para la función suspendida de mañana, en breve comunicaremos fechas alternativas y nos pondremos en contacto con los espectadores.

Fotografía: Javier del Real

Más información

13 de enero, a las 19.30 horas, la mezzosoprano Joyce DiDonato, acompañada al piano por Craig Terry, interpretará un programa ecléctico, de Haydn a canciones de cabaret.

14 de enero, a las 19.30 horas, el tenor Jonas Kaufmann, junto al pianista Helmut Deutsch, presentarán una amplia selección de lieder alemán y canciones.

15 de enero, a las 19.30 horas, el tenor Javier Camarena, con la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Iván López-Reynoso, ofrecerán arias del repertorio belcantista.

Los tres conciertos conforman el ciclo Festival de Estrellas de la Ópera, con ventajas especiales para la adquisición de localidades.

El Teatro Real ofrecerá en tres días consecutivos conciertos protagonizados por tres de los más importantes cantantes líricos de la actualidad: la mezzosoprano Joyce DiDonato (13 de enero) y los tenores Jonas Kaufmann (14 de enero) y Javier Camarena (15 de enero).

Los tres cantantes interpretarán programas distintos y complementarios, con un repertorio que revela los territorios artísticos en el que destacan en la actualidad en sus respectivos formatos: dos recitales con piano (DiDonato y Kaufmann) y un concierto lírico con orquesta (Camarena).

La versátil mezzosoprano Joyce DiDonato, muy querida por el público de Madrid, interpretará obras de Joseph Haydn, Gustav Mahler, Johann Adolph Hasse y Hector Berlioz, en la primera parte y cabaret songs, en la segunda, junto al pianista Craig Terry, con el que conquistó un premio Grammy al “Best Classical Solo Vocal Album” por el disco de Songplay.

Jonas Kaufmann retorna al Teatro Real con un concierto dedicado en su mayor parte al lieder alemán, acompañado por Helmut Deutsch, uno de los más hondos y sensibles pianistas en ese tipo de repertorio. Juntos interpretarán un extenso programa con obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Franz Liszt, Johannes Brahms, Friedrich Silcher, Alexander Zemlinsky, Piotr Ilich Chaikovski, Hugo Wolf, Gustav Mahler, Richard Strauss, Carl Böhm, Antonín Dvořák y Edvard Grieg.

Javier Camarena actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Iván López-Reynoso, interpretando arias de L’italiana in Algeri y Ricciardo e Zoraide de Gioachino Rossini; de Dom Sébastien, Roi de Portugal, Deux hommes et une femme, Don Pasquale y Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti; de Romeo et Juliette, de Charles Gounod, y Le roi D’Ys, de Édouard Lalo.

Fotografía: Javier del Real

El próximo 9 de enero tendrá lugar en el Teatro de La Abadía el estreno mundial de Marie, ‘tragedia contemporánea’ que nace de la colaboración entre tres reconocidos artistas nacidos en los años 80: el compositor madrileño Germán Alonso (1984), la dramaturga alicantina Lola Blasco (1983) –Premio Nacional de Literatura Dramática, 2016– y el director de escena sevillano Rafael Villalobos (1987) –Premio Artes y Letras de la Fundación Princesa de Girona, 2019.

La producción –primera colaboración del Teatro Real y el Teatro de la Abadía– propone una investigación en torno al asesinato de una prostituta a manos de su pareja a través del relato de varios personajes y de las reflexiones de la autora, que analiza el homicidio desde diferentes perspectivas, dando visibilidad en Marie a todas las Marie, víctimas olvidadas y sin nombre que constituyen el eje de la tragedia.

LA GÉNESIS DE LA OBRA

El director de escena Rafael Villalobos, impresionado por el potencial musical de los textos de la dramaturga Lola Blasco –con quien trabaja desde que coincidieron en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid)– le impulsa a escribir un libreto operístico, presentándole al compositor Germán Alonso, quien ya había estrenado su primera ópera de cámara, The Sins of the Cities of the Plain.

Lola Blasco propone a ambos la creación de una obra que indague sobre el personaje de Marie en la obra Woyzeck, de Georg Büchner (1813–1837), cuyo homicidio, al final del drama original, es tratado apenas como el epílogo de la desgraciada vida del protagonista, humillado, utilizado y vilipendiado por todos, generando en el público una empatía tan grande que la mujer asesinada pasa casi inadvertida.

Con el apoyo de la Fundación BBVA, que concedió a Lola Blasco una de sus Becas Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales, la dramaturga pudo escribir el libreto de la ópera en estrecha colaboración con Germán Alonso y Rafael Villalobos.

EL LIBRETO

Una autora –alter ego de Lola Blasco, cuyas reflexiones figuran en la obra grabadas con su propia voz– pretende escribir el libreto de una ópera centrado en los motivos que han llevado al soldado Woyzeck a asesinar a su pareja. Hilando sus meditaciones, intuiciones y conjeturas con las declaraciones de los varios testigos, reconstruye tres distintos escenarios para el mismo crimen.

En la estructura dramatúrgica de la obra, concebida como un vía crucis de la protagonista, se entrelazan tres planos, correspondientes a tres tiempos y tres lenguajes distintos: el presente, con las reflexiones de la autora mientras investiga el asesinato (texto grabado con electrónica); el pasado remoto, con los recuerdos de los personajes que han convivido con Marie (teatro); y un ‘tiempo revivido’, con la triple recreación de la escena del homicidio (lenguaje operístico).

Para la construcción de los personajes Lola Blasco ha escudriñado no solo el drama de Büchner, sino también las óperas Wozzeck y Lulu de Alban Berg, o mitos literarios de Otello a Carmen, de la Biblia a Goethe, que asoman de manera explícita u oculta en el devenir del drama.

LA MÚSICA

Las partes cantadas de Marie están escritas para contratenor y soprano, –Xavier Sabata y Nicola Beller Carbone (Jordi Domènech y Valentina Coladonato, el 10 de enero)–, cuyas voces son utilizadas en todos sus registros: voz natural, impostada y vocal fry.

Además de la música electrónica y de los textos pregrabados con la voz de Lola Blasco que aparecen a lo largo de la obra, la partitura ensambla distintas fuentes musicales, del barroco al rock y a la electrónica, en una fluida osmosis sonora en la que destaca la utilización de elementos de las óperas de Alban Berg y citas de temas reconocibles o sumergidos que han inspirado al compositor.

En su segunda obra escénica, German Alonso vuelve a contar el ensemble Proyecto OCNOS, en esta ocasión con Diana Muela (flauta), Olga Morral (acordeón), Pedro Pablo Cámara (saxofón), Gustavo A. Domínguez Ojalvo (clarinete bajo) y Pedro Rojas Ogáyar (guitarra eléctrica), que utilizan todas las potencialidades de sus instrumentos al servicio de la dramaturgia.

LA PRODUCCIÓN

Partiendo de la ópera como género intrínsecamente ligado a la tragedia griega, entendida como una amalgama de expresiones artísticas con vocación de convertirse en herramienta social, Rafael Villalobos plantea la producción basándose en un trabajo de personnenregie, que explora los límites vocales y físicos de los intérpretes a la vez que ahonda en el concepto de lo sublime, situando la belleza como el principal canal de comunicación con el público.

La obra, articulada como el vía crucis de Marie –con sus tres muertes que emulan las tres caídas de Cristo– se desarrolla en un espacio simbólico diseñado específicamente para los arcos del Teatro de la Abadía por Emanuele Sinisi. Presidido por una cruz versátil y omnipresente, con la iluminación cómplice de Felipe Ramos, ayuda a la metamorfosis de los distintos personajes que entran y salen a lo largo de las 14 ‘estaciones’ de la tragedia.

Rehuyendo la moraleja y cualquier anécdota espacio-temporal, la producción pretende propiciar un espacio de reflexión sobre la violencia de género, en la que el público, situado frente a una realidad compleja, es confrontado con la tragedia de Marie, de tantas Marie, con la mediación indecible y honda del Arte, la conjunción de todas las artes.

Fotografía: Javier del Real

Don Giovanni
Wolfgang A. Mozart (1756-1794)
Dramma giocoso en dos actos
Libreto de Lorenzo Da Ponte, basado en el Burlador de Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el libreto de Giovanni Bertati para la ópera Don Giovanni Tenorio ossia il convitato di pietra (1787)
Producción de la Staatsoper de Berlín, procedente de Salzburger Festpiele
Teatro Real, Madrid 29 de diciembre de 2020
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Responsable de la reposición: Julia Burbach
Iluminador: Olaf Winter
Dramaturgia: Ronny Dietrich
Coreógrafos: Ramses Sigl
D. coro: André Máspero
Intérpretes: Adrian Eröd, Goran Juric, Adela Zaharia, Airam Hernández, Federica Lombardi, Marco Mimica, Cody Quattlebaum, Marina Monzó
Coro y Orquesta Titulares del Teatro RealPersonalmente tengo que decir que he tenido mala suerte con los Don Giovanni a los que he asistido. Tan mala suerte que creo que este es el mejor que he visto. Y tengo también que reconocer que me surgen unas cuantas contradicciones después de ver la representación. Unas cosas me gustan mucho, otras, menos. Pero si nos fijamos en el conjunto, en todos los elementos (que no son pocos) que componen esta producción, puedo decir que salí del Teatro contenta después de haber disfrutado.Don Giovanni parece tener algún tipo de maldición en Madrid, pues las representaciones que de él se han hecho en las últimas décadas no han sido precisamente brillantes. La de Claus Guth, que se estrenó en 2008 en el Festival de Salzburgo y que llega ahora al Teatro Real, se mantiene desde entonces en los escenarios con bastante dignidad. Es además la única ópera de Mozart que permaneció en el repertorio desde su estreno en el período romántico, cuando el resto habían desaparecido de las programaciones.Existen dos versiones de Don Giovanni, la de Praga de 1787 y la de Viena en 1788, que es la que se representa en esta ocasión, aunque se ha prescindido del sexteto final y del dúo entre Zerlina-Leporello. Como Mozart escribía para los cantantes, adaptó la versión de Viena para la soprano austríaca Caterina Cavalieri para el rol de Elvira, una de las más famosas cantantes del momento. Lo mismo hizo con el papel de Don Ottavio, que en Viena fue interpretado por Francesco Morella, para quien escribió el aria de Il mio tesoro, un tenor con más habilidad y facilidad para la coloratura que Antonio Baglioni, que estrenó la versión en Praga.Guth ha creado un bosque de un realismo extraordinario. Giratorio, como no podía ser de otra manera tratándose del director alemán. El bosque… ese lugar donde nos escondemos o nos amamos. Un lugar en el que podemos sentir miedo, nos perdemos e inquietamos, pero donde siempre las emociones son fuertes.La escenografía de Claus Guth empieza alterando el libreto, pues el Comendador hiere de muerte a Don Giovanni ya en la obertura, a modo de spoiler. A partir de aquí asistimos a la agonía, en tiempo real, de un Don Giovanni que es como un animal cazado y herido en un bosque que, al girar, además de resultar un poco mareante, va desvelando los misterios y rincones en los que transcurren las escenas. Todo ello en una permanente y brillante penumbra creada por Olaf Winter. Hay espacio para un coche, una parada de autobús o un columpio. Todo, menos un palacio.Tampoco acompaña a sumergirse en la obra mozartiana el vestuario ni elementos escénicos incomprensibles, como la alusión a las drogas de Don Giovanni y, en general, la falta de sensibilidad en una obra como esta.Ivor Bolton, que se maneja muy bien en el repertorio mozartiano, tuvo un resultado un tanto desigual en esta ocasión. Fue de menos a más, tras una obertura un poco apagada, como casi toda la primera parte, llegó una segunda con mayor musicalidad y refinamiento en las cuerdas. La música conseguía sofocar los momentos en los que la escenografía te sacaba de la obra. No entendí que la mandolina de James Ellis tuviera que estar amplificada. No se si fue esta la causa de la falta de pulcritud en su emisión en un aria que, por otra parte, estuvo hábilmente iluminada creando uno de los momentos más sublimes de la representación.El cuadro de cantantes ha estado muy equilibrado. Cabes destacar la interpretación del Don Giovanni de Adrian Eröd, de un alto nivel interpretativo. Frívolo y apresurado en sus conquistas mientras agoniza. Lástima que su emisión no fuera limpia, parecía que tenía algún problema. El frio, quizá. Un personaje tratado escénicamente como un pobre hombre errático. Nada que ver con el Don Juan que tenemos interiorizado.El croata Goran Jurik ofrece una buena imagen de Comendador, gracias a su presencia escénica y su poderosa voz de bajo en un rol poco agradecido, por breve.Adela Zaharia me gustó en su papel de Donna Anna. La soprano rumana combinó sensibilidad con solvencia vocal y una buena interpretación. Ella, como el resto de solistas, tuvieron que cantar mientras mantenían el equilibrio sobre un escenario irregular. A veces se piensa poco en los cantantes y mucho en elementos inestables e innecesarios del decorado.Tampoco estuvo mal la Donna Elvira de Federica Lombardi, con una solida zona central y buenos en los agudos que le permitieron momentos de brillantez.El Leporello del croata Marko Mimica tuvo casi más protagonismo vocal que el propio Don Giovanni. No así en la faceta interpretativa. Aunque se echan de menos voces verdaderamente graves en la actualidad, Mimica cumplió con su rol.

El papel de Don Ottavio ha estado interpretado por Airam Hernández, un personaje pusilánime que quedó bien retratado por el tenor tinerfeño que estuvo a buen nivel también en la parte vocal.

La Zerlina de Marina Monzó fue una de las satisfacciones de la noche, que no sorpresa. Junto al Masetto de Cody Quattlenaum, crearon una pareja bien compenetrada en la parte teatral.

Otra noche de ópera en el Teatro Real, que se está comportando como un gran buque que avanza, contra viento y marea y manteniendo el rumbo, en un inmenso océano de hielo.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real/Teatro Real
Vídeos: Teatro Real

El joven bailaor gaditano Eduardo Guerrero presentará en el Teatro Real, los próximos días 16 y 17 de diciembre, uno de sus espectáculos más creativos y originales, ONÍRICO, una creación en la que, con su sutil lenguaje de poderoso zapateado y bellos remates dramáticos, nos transportará a un mundo irreal, fantástico, y vinculado, como su propio nombre indica, al mundo de los sueños.

Adelanta así Guerrero su presencia en Flamenco Real, al sustituir a la bailaora Alba Heredia, quien sufre un complicado esguince que la mantendrá apartada de los escenarios las próximas semanas y ha obligado a posponer su espectáculo ALBA&LANDO en el “tablao” de la Plaza de Oriente.

El joven bailaor gaditano comenzó a bailar, con tan sólo seis años, en la escuela de Carmen Guerrero. Allí aseguró los cimientos de un arte que construiría estudiando danza española en el Conservatorio de Danza de Cádiz, además de formarse en danza contemporánea y clásica, para pasar después a su desarrollo en profundidad junto a maestros como Mario Maya, Antonio Canales y Manolo Marín, entre otros.

A partir del 2002 empieza a trabajar con grandes artistas del panorama nacional que valoran su indudable calidad, su capacidad física y su técnica depurada, desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar.

En 2011 obtuvo el 1er Premio del Concurso Coreográfico de Conservatorios Profesionales, con su coreografía coreografía Mayo . A partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es el momento de este gran bailaor que, con una estética actual, un profundo conocimiento de la esencia del flamenco, su talento, su físico y su gran carisma, conmueve y emociona, triunfando allá donde baila.

FLAMENCO REAL se adapta a la actual normativa de seguridad sanitaria cambiando la configuración y estructura de todo el ciclo. Así, el formato anterior, con sillas y mesas con vino español, a semejanza de un tablao, se ha sustituido por butacas dispuestas en semicírculo, como un auditorio, de las que se ocuparán apenas 130 asientos (40% del aforo total), guardando la debida distancia de seguridad.

Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble, a las 19.30 y a las 22:00 horas. Se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Las restricciones provocadas por el COVID-19 relativas a la ubicación del público en los teatros desde el inicio del ‘desconfinamiento’, han obligado, en los últimos meses, a un constante trabajo de adaptación del aforo del Teatro Real a la normativa de seguridad sanitaria en cada momento y a la comunicación individualizada con los abonados antes de cada función programada.

Desde el pasado mes de junio las entradas de ópera, danza, conciertos y espectáculos infantiles han salido a la venta de forma irregular para algunas funciones de La traviata, Un ballo in maschera, Rusalka y Don Giovanni, conciertos, etc., cuando quedaban localidades libres después de la reubicación de los abonados y la devolución de entradas.

Finalmente, después del ajuste del aforo del Teatro Real de acuerdo con la normativa anti COVID actual, y realizados los cambios necesarios para que los abonados puedan guardar la distancia de seguridad sanitaria, a partir de mañana, 15 de diciembre, el público podrá adquirir sus entradas para cada título de la temporada (con un aforo máximo de 1280 asientos), consultando su respectiva fecha de salida a la venta, con el mismo procedimiento anterior a la pandemia.

La creación, a finales de octubre, del nuevo Plan de Atención al Abonado ha permitido agilizar la comunicación personalizada con los abonados y la reubicación de sus respectivas localidades hasta el final de la presente temporada.

En este link de la página web del Teatro Real se pueden consultar los días de salida a la venta de cada espectáculo para todo el público, con fechas preferenciales para los Amigos del Teatro Real y Abonados.

El Teatro Real, atento a las sensibilidades de los espectadores y consciente de que el público joven es uno de los pilares fundamentales del futuro de la cultura, trabaja desde hace tiempo en la elaboración de un proyecto destinado a quienes tienen entre 18 y 35 años, ambos inclusive, y que ahora ya es una realidad: El Real Joven.

Esta iniciativa nace con el objetivo de hacer que los jóvenes disfruten de la experiencia de la ópera y, a la vez, que formen parte de una de las realidades culturales más importantes del mundo. Para ello, el Teatro Real quiere facilitar el acceso a sus espectáculos, diversificar las actividades en torno a su programación, crear puntos de encuentro y debate sobre el futuro de la música y las artes escénicas y captar las aportaciones que ellos pueden realizar.

Con este empeño se ha creado un área propia para los jóvenes dentro de la Sala Principal denominada Butaca Joven, que incluye un número de asientos situados en los palcos de platea, entresuelo y anfiteatro, para cuya compra tendrán siempre prioridad y cuyo precio será de entre 25 y 35 euros, es decir, cuatro veces menos de su precio habitual. Asimismo, los canales de venta digitales permitirán adquirir entradas de Último minuto para las funciones de ópera y danza de la temporada y en todas las zonas del teatro, agilizando su adquisición y favoreciendo la seguridad de los espectadores al evitar las concentraciones y colas en las taquillas.

En cada estación – invierno, primavera, verano y otoño- se celebrará un Preestreno Joven en el que se distribuirán 650 entradas, con carácter gratuito, en cuyo reparto participarán, además de los Amigos Jóvenes y los jóvenes seguidores del Teatro, las tres administraciones que sustentan la institución: Gobierno de España, Comunidad de Madrid y Ayuntamiento de Madrid. Atendidos, en todos los casos, por orden de registro.

El proyecto incluye la creación de un Comité Joven, a semejanza de los órganos estables de la institución -como su Consejo Asesor, del que forman parte representantes de la Cultura y de la sociedad civil- en el que una veintena de jóvenes talentos de sectores diversos colaborarán en la creación e impulso de iniciativas y políticas orientadas a la construcción del teatro del futuro. Forman ya parte de este Comité Lucas Vidal, Ter, Jaime Altozano y Alberto Merlo, entre otros.

La nueva identidad habla también un lenguaje joven. Dentro del Teatro se está preparando un espacio físico que funcionará como punto de encuentro para los jóvenes espectadores, antes del comienzo y durante los descansos de la función. Fuera, la página web habilitará un microsite con todas las informaciones relativas al plan joven y se crearán perfiles específicos en las redes sociales.

Otra importante vía de participación es el programa Amigos Jóvenes que, por una suscripción de 25 euros al año, permite acceder a la compra anticipada de Butaca Joven una semana antes de la salida a la venta al público general y dos días antes que al resto de jóvenes, y preferencia en la adquisición de entradas de ”Último Minuto” online, el día de la función a partir de las 14.00 horas. Además de las ventajas de compra, se han diseñado actividades exclusivas para este grupo y descuentos en los cursos de formación que organiza el Teatro Real.

En estos momentos se ultiman los canales que vincularán el Real Joven con proyectos similares, nacionales e internacionales, como Juvenilia, red europea de amigos jóvenes de la ópera que organiza viajes y actividades en otros teatros de Europa.

Paso a paso, los jóvenes han construido en el Teatro Real un lugar con derecho propio. Este camino que comenzó con las entradas de último minuto y fue avanzando con programas como La Universidad a Escena, los encuentros con artistas o el recién creado Ciclo de Jóvenes talentos, abre ahora un universo de posibilidades para una comunidad que crece cada día, en torno a la ópera.

Fotografía: © Javier del Real / Teatro Real

La Fundación VIII Centenario de la Catedral. Burgos 2021 ha celebrado esta tarde la reunión de su Patronato en el coro de la Seo y en ella se ha aprobado la programación cultural y deportiva prevista para el próximo año. Se trata de un calendario de actividades de altura con vocación de llegar a todos los públicos, ya que 2021 será el año grande en el que el templo castellano cumpla 800 años desde que el obispo Mauricio y Fernando III pusieran la primera piedra de la basílica. El presupuesto aprobado inicialmente es de 2,5 millones de euros.

En esta programación destaca el apartado musical, con más de una veintena de conciertos previstos. Así, el VIII Centenario de la Catedral será el imán que atraiga a Burgos al director de orquesta venezolano Gustavo Dudamel, al tenor mexicano Javier Camarena o cantantes reconocidos internacionalmente como Raphael, Bunbury, Pablo López e Izal.

También recalarán en Burgos formaciones como el Teatro Real; la Orquesta Filarmónica de Múnich, dirigida por Barbara Hannigan; los Niños Cantores de Viena; la Ámsterdam Baroque Orchestra, dirigida por Ton Koopman; The English Concert, dirigido por Harry Bicket; y el coro The Sixteen, dirigido por Harry Christophers.

Asimismo, las corales burgalesas, orfeones, los órganos de la Catedral y otros conciertos dirigidos a los jóvenes, sin olvidar una misa campesina, la OSCyL, la JOSBu y un nuevo acuerdo con la Fundación Albéniz, tendrán protagonismo en los actos de conmemoración de los 800 años de la Seo.

Exposiciones de ‘genios’: Goya, Bigarny, Siloé, ‘El Quijote’

En 2021 la cultura también se abrirá paso a través de un amplio programa expositivo que mostrará cómo era Burgos en 1921, traerá Las Edades del Hombre a la Catedral de Burgos bajo el nombre de ‘Lux’ o llevará los mayores tesoros patrimoniales de la provincia castellana al Museo de Santa Cruz de Toledo en ‘Burgos-Toledo. Orígenes de España’. Además, el Fórum Evolución acogerá una muestra en la que los artistas burgaleses enseñarán cómo ven ellos la Catedral y otra que versará sobre la lengua castellana y la colección de volúmenes de ‘El Quijote’ que custodia el Archivo Catedralicio.

También Goya parará en la ciudad con ‘Los desastres de la guerra’, patrocinada por Fundación Ibercaja. Y se están estudiando una exposición en Sasamón, una de las sedes históricas de la diócesis de Burgos, y otra en la que confluyan dos genios que fueron contemporáneos, rivales y cruciales en la grandeza de la Catedral: Felipe Bigarny y Diego de Siloé.

Apuesta por la historia como motor turístico

2021 será Año Jacobeo y ese espíritu se trasladará a las calles burgalesas con la creación de una oficina de recepción de peregrinos en las cercanías de la Catedral, la instalación en la plaza del Rey San Fernando de una gran escultura vegetal con forma de peregrino de seis metros de altura y con una señalización especial del Camino de Santiago en fibra de vidrio a cargo del artista Cristino Díez.

También confluirán en Burgos la celebración del Año Jubilar concedido por el Papa y que ya está en marcha desde el mes pasado, la conmemoración del VIII Centenario del fallecimiento de uno de los castellano y leoneses más internacionales, Santo Domingo de Guzmán, y del VIII Centenario del nacimiento de Alfonso X el Sabio.

En este viaje por la historia destacará la recreación histórica de la boda de Fernando III y Beatriz de Suabia y la puesta en marcha de una red de catedrales europeas.

Se mantendrán en el calendarios actividades ya consolidadas como ‘La Catedral a la luz de las velas’, ‘Bailando con piedras’, charlas literarias, coloquios variados y recitales de poesía.

Entre los días 18 de diciembre y 10 de enero el Teatro Real ofrecerá 15 funciones de Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart, en una producción de la Staatsoper de Berlín, estrenada en el Festival de Salzburgo en 2008, con el mismo dúo protagonista que actuará en el Real: el barítono británico Christopher Maltman, como Don Giovanni, y el bajo-barítono hispano-uruguayo Erwin Schrott, como Leporello.

La interpretación de ambos, alabada unánimemente por la crítica, adquiere en este montaje un significado especial, ya que Claus Guth refuerza, en su puesta en escena, el macabro vínculo de los dos personajes, cuya complicidad y piedad aportan, quizás, los únicos momentos tiernos y compasivos de la producción.

La trama transcurre en un bosque de abetos muy versátil, diseñado por el escenógrafo Christian Schmidt, donde se van sucediendo los distintos cuadros de la ópera, distorsionados por la agonía de Don Giovanni, que se desangra lentamente desde la primera a la última escena.

Herido por el Comendador al inicio de la ópera, en el paroxismo de la muerte desfilan por su cabeza los perversos juegos de seducción que han llenado su vida trepidante, caminando hacía la enajenación y la muerte sin abandonar nunca su espíritu impetuoso, lúbrico y blasfemo.

Ayudado por Leporello, el amigo junkie y compinche de aventuras que lo acompaña en el doloroso trance, Don Giovanni mezcla, en la ópera, los recuerdos vívidos alentados por su afán hedonista, con las visiones borrosas que preceden la muerte. Escondido en los meandros y recovecos de un bosque siempre cómplice, sabiamente iluminado por Olaf Winter, la floresta refleja el drama de los personajes, en un juego pictórico de claroscuros que enlaza el universo barroco del libertino de Tirso de Molina, con el mundo turbio de los tarados sexuales del siglo XXI.

Dos elencos de cantantes de reconocido prestigio internacional encarnan los personajes de Don Giovanni, dirigidos con la pericia y hondura por Claus Guth, que ya dejó su impronta en tres producciones presentadas en el Teatro Real: Parsifal (15/16), Rodelinda (16/17) y Lucio Silla (17/18).

Los barítonos Christopher Maltman y Adrian Eröd (Don Giovanni), los bajo-barítonos Erwin Schrott y Marko Mimica (Leporello), las sopranos Anett Fritsch y Federica Lombardi (Donna Elvira), los tenores Mauro Peter y Airam Hernández (Don Ottavio), las sopranos Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno (Donna Anna), y también Louise Alder y Marina Monzó (Zerlina), así como los bajos Krzysztof Baczyk y Cody Quattlebaum (Masetto), y Tobias Kehrer y Goran Juric (El comendador), se alternarán en las 15 funciones programadas, siempre bajo la dirección de Ivor Bolton, que dirigirá su quinto título de Mozart en el Real, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro o Real.

Don Giovanni se presentará por cuarta vez desde la reinauguración del Teatro Real: en junio de 1999 con Daniel Barenboim y Thomas Langhoff; en octubre de 2005 con Víctor Pablo Pérez y Lluis Pasqual; y en abril de 2013, con Alejo Pérez y Dmitri Tcherniakov.

La producción que llega ahora al Real se ofrece en un período de incertidumbre y dificultades, exigiendo por parte de todos un esfuerzo suplementario para presentar la ópera dentro de la normativa de seguridad sanitaria.

El director de escena Claus Guth ha modificado varios detalles de la puesta en escena y el Coro Titular del Teatro Real actuará con unas mascarillas diseñadas especialmente para cantantes, que favorecen la proyección de la voz y el movimiento facial sin liberar los aerosoles. Pero estas y otras adaptaciones no impedirán al Teatro Real ofrecer, con la máxima calidad, una perspectiva distinta del gran mito de la literatura española, con nuevas interpretaciones que siguen enriqueciendo su aura.

EL PATROCINIO DE ENDESA

Para José Bogas, consejero delegado de Endesa “contribuir a que la cultura no se pare y, en particular, apoyar al Teatro Real, es un enorme orgullo para Endesa. Valoramos enormemente que el Teatro Real sea una de las escasas Opera House del mundo que ha mantenido su programación contra viento y marea, a pesar de la pandemia; además, lo ha hecho con una enorme calidad y sin descuidar la seguridad. Y eso es lo que vamos a comprobar con este ‘Don Giovanni’ que Endesa patrocina.”

EL REAL BALLET DE FLANDES SERÁ SUSTITUIDO POR LA COMPAÑÍA IT DANSA

Debido a la imposibilidad de que el Real Ballet de Flandes pueda viajar desde Amberes a Madrid, sus cuatro funciones, previstas para los días 22, 23 y 24 de enero, serán protagonizadas por la compañía IT Dansa, que presentará cuatro coreografías: Kaash (de Akram Khan), The Prom (de Lorena Nogal), In memoriam (de Sidi Larbi Cherkaoui) y Whim (de Alexander Ekman).

Los espectáculos tendrán lugar en los siguientes días y horarios:

22 de enero, viernes, a las 19.30 horas

23 de enero, sábado, a las 17.00 y 21.00 horas

24 de enero, domingo, a las 18.00 horas

Los abonados de danza con entradas para las funciones del Real Ballet de Flandes podrán acudir a la actuación de la compañía IT Dansa en la misma fecha de su función original y se les reembolsará la diferencia de precio entre ambos espectáculos en el mes de enero.

En caso contrario, podrán solicitar la devolución íntegra de sus entradas para el Real Ballet de Flandes hasta el 8 de diciembre, inclusive, en un formulario en nuestra página web: www.teatroreal.es

SE CANCELA LA FUNCIÓN DE ELEKTRA, EN VERSIÓN DE CONCIERTO

La Philharmonia Orchestra, bajo la dirección de su titular Esa-Pekka Salonen, no podrá desplazarse desde Londres a Madrid para la interpretación de la ópera Elektra, de Richard Strauss, en versión de concierto, prevista para el 18 de enero, debido a las restricciones de movilidad provocadas por la COVID-19.

El Teatro Real y la Philharmonia Orchestra intentarán encontrar una fecha para reprogramar la ópera en futuras temporadas.

Los abonados del turno Estreno de ópera con entrada para esta función recibirán la devolución del importe de la misma de manera automática durante el mes de enero.

La pieza rescata la historia del payaso Totolín y de su autor, Hermenegildo Lanz, así como la conexión de cuatro generaciones a través del teatro, el arte y la música

Se ofrecerán ocho funciones los días 5, 6, 7 y 8 de diciembre en sesión doble, a las 12.00 y a las 17.00 horas

El público dispone de información ampliada sobre el espectáculo en la página web del Teatro Real a través del siguiente enlace: Guía didáctica Totolín

Totolín -entredós- es el último espectáculo de Títeres Etcétera, la veterana compañía granadina, Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud

La obra, que combina el lenguaje musical y el titiritero, es un tributo a los payasos augustos como Charlie Rivel, Grock o los Rudi Llata y a su humor ingenuo y profundo a la vez

El Real Junior, en la Sala Gayarre, será el punto de encuentro para el público familiar los días 5, 6, 7 y 8 de diciembre en sesión doble, a las 12.00 y a las 17.00 horas, con la compañía de títeres Etcétera, que regresa al Teatro Real con una historia llena de ternura, con la amistad en el centro de la narración, para hablar de la capacidad de superación y de la lucha por hacer realidad los sueños, y es también un homenaje al mundo del circo y a los payasos augustos como Charlie Rivel, Grock o los Rudi Llata, Totolín-Entredós.

Concebido para un público a partir de 6 años, la escena combina los lenguajes musical y titiritero, siempre en busca de la complicidad y la sonrisa que caracterizan las propuestas de Etcétera. Con Enrique Lanz a la cabeza, el equipo compuesto por Yanisbel Martínez, Leo Lanz, Sra Martínez y Laura Renieblas nos arrastra a la ficción para hacernos formar parte de ella.

La pieza rescata la historia real del payaso Totolín y de su autor, Hermenegildo Lanz, así como la conexión de cuatro generaciones a través del teatro, el arte y la música. En palabras de su director, Enrique Lanz: «Durante el proceso de creación del espectáculo, nos percatamos de que nuestras ideas se materializaban en el personaje de Totolín, una marioneta realizada por mi abuelo, Hermenegildo Lanz, en los años cuarenta del pasado siglo.

Sobre el escenario, un músico y un payaso entablan en un circo una amistad llena de peripecias en las que se pondrán narices rojas y tocarán a dúo el saxofón. Temas como la capacidad de superación y la lucha por hacer realidad los sueños se combinan con los lenguajes musical y titiritero, apelando a la sonrisa y el disfrute en familia.

La música, creada para esta obra, se interpreta en directo con varios instrumentos -fundamentalmente piano y saxofones- y es el hilo que cose las relaciones entre los personajes. Ha sido compuesta por Leo Lanz, que también la interpreta en directo. Sara Martínez improvisa junto a Leo algún tema, tocando también el acordeón y el piano.

Fotografía: © Javier del Real / Teatro Real

135 títulos de más de 26 teatros componen un catálogo que crece cada mes con nuevas incorporaciones

A partir de hoy y hasta el próximo 30 de noviembre, inclusive, una promoción especial del 50% de descuento permitirá realizar una suscripción abonos de seis meses por 23€ o de un año, por 40€

My Opera Player cuenta con el desarrollo tecnológico de Telefónica y Samsung y el patrocinio de Endesa.

En un momento en el que la mayoría de los teatros del mundo continúan con el telón bajado, el Teatro Real, que no ha cesado su actividad ni en los difíciles tiempos de confinamiento, refuerza su vocación de convertirse en el punto de encuentro de los amantes de la ópera, la danza y la música a través de su plataforma de vídeo My Opera Player, que cuenta con la participación de las más importantes instituciones nacionales e internacionales.

Coincidiendo con la celebración del Black Friday, My Opera Player ofrecerá, a partir de hoy y hasta el próximo lunes 30 de noviembre, inclusive, una promoción especial del 50% de descuento que permitirá realizar suscripciones de seis meses por 23€ o de un año, por 40€, lo que supone menos de 4 euros al mes.

Espectáculos de más de 26 escenarios del mundo pueden verse en este “teatro de teatros” en el que, junto a las producciones propias del Teatro Real, se exhiben otras de la Ópera de París, la Royal Opera House, el Teatro Bolshoi, la Staatsoper Berlin, el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires o el Teatro Municipal de Santiago de Chile, por citar sólo algunos.

Desde el pasado mayo, la plataforma ha ido incorporando cada mes nuevos títulos, a los que se sumarán en los próximos días La flauta mágica, del Festival de Glyndebourne, y el ballet Giselle, interpretado por el Royal Ballet británico.

My Opera Player cuenta con el desarrollo tecnológico de Telefónica y Samsung y el patrocinio de Endesa.

El bailaor se presenta en el Teatro Real con un espectáculo en el que exhibirá su maestría y personalidad acompañado por Ismael de la Rosa “El Bola” y Moi de Morón, en el cante, y Juan Campallo, a la guitarra.

Las próximas citas de Flamenco Real serán el miércoles 16 de diciembre y el jueves 17 de diciembre, ambas protagonizadas por la bailaora Alba Heredi.

En la actual edición se han rebajado los precios un 15%, en relación con las anteriores, y se han creado nuevas categorías cuyos precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Sin un argumento definido, sin un hilo conductor, bailar para interpretar el baile, bailar desde la raiz flamenca con luz propia …así se presenta, por primera vez en el Teatro Real, el bailaor Miguel Fernández Ribas “El Choro”, nombre consolidado ya de las nuevas generaciones que mañana, jueves 26 de noviembre, ofrecreá al público de Flamenco Real su manera de entender el arte con el espectáculo Mi baile.

El Choro aprende las bases del flamenco de su padre, también llamado el “El Choro”. Amplia y profundiza su formación con Manolo Marín y Javier Cruz hasta que, en 1999, gana el II Certamen de Baile Flamenco Joven de Huelva y, a partir de este momento, instalado ya en Sevilla, continúa sus estudios con maestros como Javier Barón, Israel Galván, Rafael Campallo y Antonio Canaeles, entre otros.

Tras su participación en importantes compañías, lideradas por Vicente Amigo, Manuela Carrasco, Israel Galván o Javier Barón, se lanza a su primera aventura en solitario en 2016 con el espectáculo “Aviso: Bayles de Jitanos” en el XX Festival de Jerez con el que, bajo la dirección de Rafael Estévez y producido por la Fundación Cristina Heeren con la colaboración del Instituto Andaluz del Flamenco, consigue el Premio Revelación del Festival.

En su espectáculo de presentación en el Teatro Real, Mi baile, estará acompañado por los cantaores Ismael de la Rosa “El Bola” y Moi de Morón, y el guitarrista Juan Campallo.

En esta tercera edición, FLAMENCO REAL se adapta a la actual normativa de seguridad sanitaria cambiando la configuración y estructura de todo el ciclo. Así, el formato anterior, con sillas y mesas con vino español, a semejanza de un tablao, se ha sustituido por butacas dispuestas en semicírculo, como un auditorio, de las que se ocuparán apenas 130 asientos (40% del aforo total), guardando la debida distancia de seguridad.

Pasado mañana, miércoles, 25 de noviembre, a las 19.30 horas, las cadenas de televisión MEZZO y MEDICI TV retransmitirán en directo la ópera Rusalka, de Antonin Dvořák, nueva producción del Teatro Real, coproducida con la Säschsische Staatsoper de Dresde, el Teatro Comunale de Bolonia, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, en los que se presentará después de su estreno en Madrid.

La ópera será grabada en una coproducción audiovisual con Jake Febus, Televisión Española, Mezzo, Unitel y Medici. Posteriormente será retransmitida en La 2 de Televisión Española y pasará a integrar el catálogo de MyOperaPlayer antes de su edición en DVD con distribución internacional.

La grabación audiovisual y las retransmisiones de Rusalka han ganado un especial protagonismo internacional por ser el Teatro Real el único gran teatro lírico europeo que está en estos momentos presentando óperas escenificadas.

Rusalka, estrenada en Praga en 1901, fue la penúltima de las once óperas de Antonín Dvořák (1841-1904) y, sin duda, la más célebre de todas las que compuso.

El libreto, del poeta y dramaturgo Jaroslav Kvapil, está basado en la leyenda centroeuropea que inspiró el libro Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fouqué y en el cuento La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen, en el que una ninfa de las aguas decide abandonar su mundo acuático a cualquier precio para perseguir al príncipe al que ama.

La partitura, en la que laten sutilmente el influjo de Wagner y de las corrientes del nacionalismo musical centroeuropeo, entrelaza diferentes leitmotiv y temas del folclore bohemio, con una distinta orquestación para representar el mundo de la naturaleza y los espíritus -con mayor riqueza armónica y una paleta tímbrica diáfana y delicada- y el mundo de los hombres, con una instrumentación más convencional y oscura.

El director de escena Christof Loy tiende un puente entre estos dos universos aparentemente irreconciliables, ahondando en los sentimientos, pasiones, anhelos y contradicciones de los personajes, que, en una atmósfera fantasmal, transitan de la vida al escenario, en una producción que es un profundo homenaje al teatro como territorio de catarsis y sublimación de las emociones.

El reino de las aguas -con Rusalka, su autoritario padre Vodník, la avezada hechicera Ježibaba (convertida en su madre) y las ninfas, sus hermanas- esconde complejas y conflictivas relaciones entre los personajes que, en la concepción de Loy, se transforman en una extraña y olvidada familia de teatro con un pasado glorioso, cuyos miembros, como espectros, viven de recuerdos nostálgicos, pero también de ilusiones. Y en ese espacio cerrado, decadente y evocador concebido por el escenógrafo Johannes Leiacker, con iluminación de Bernd Purkrabek y vestuario de Ursula Renzenbrink, todo se mueve con el sueño de una bailarina coja enamorada, que aspira a llegar al cielo con sus zapatillas de punta y el poder transformador del amor.

Fotografía: © Monika Rittershaus

Rusalka, casi un siglo después, en el Teatro Real
Rusalka
Antonin Dvorák (1841-1904)
Libreto de Jaroslav Kvapil, basado en el cuento de hadas Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fourqué e inspirado en el cuento La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen y otros relatos europeos.
Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Semperoper de Dresde, el Teatro Comunale de Bolonia, el
Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Palau Les Arts Reina Sofía de Valencia.
Teatro Real de Madrid 13 de noviembre de 2020
D. Musical: Ivor Bolton
D. escena: Christof Loy
Escenógrafo: Johannes Leiacker
Figurinista: Ursula Renzenbrink
Coreógrafo: Klevis Elmazaj
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Olesya Golovneva, David Butt Philip, Rebecca von Lipinski, Andreas Bauer Kanabas, Okka von der Damerau, Sebastiá Peris, Manel Esteve, Juliette Mars, Julitta Aleksanyan, Rachel Kelly y Alyona Abramova.
En 1891 Antonin Dvorák recibía en su casa de Praga una carta en la que la influyente Jeanette Thurber, fundadora del Conservatorio Nacional de Música de Nueva York, le ofrecía el cargo de director del Conservatorio neoyorquino. Fue allí donde escribió una de sus obras más conocidas, la Sinfonía del Nuevo Mundo, y fue allí también donde Dvorák escuchaba, como no lo había hecho antes, las obas de Wagner. Vivió en Nueva York hasta 1895, año en que regresó a Praga para hacerse cargo de su Conservatorio. Fue entonces cuando escribió Rusalka, la penúltima de sus obras, y donde se advierte, de manera clara, las influencias de Wagner. No solo por su ambiciosa duración, más de tres horas, sino, por la utilización de los leitmotiv referidos a los personajes y una orquestación llena de complejidad y delicadeza.Pero, tratandose de Dvorák, no podía faltar en la partitura la inspiración nacionalista. Y es que Rusalka es, por encima de todo, una ópera con un marcado carácter checo. Evocadora de las melodías románticas, que pueden apreciarse en algunos de los momentos más brillantes interpretados por el arpa o ese final, casi trascendental, que está considerado por muchos uno de los más sublimes de la ópera de todos los tiempos.Rusalka llega al Teatro Real como uno de los grandes estrenos de la temporada. Y puede considerarse un estreno, ya que desde 1924 no se había vuelto a representar en Madrid. En aquella ocasión, fue su libretista, Jaroslav Kvapil, quien se hizo cargo de la dirección escénica.

El libreto está basado en el cuento de hadas Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fourqué e inspirado en el cuento La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen y otros relatos europeos. Es, en definitiva, un cuento que el director de escena Christof Loy (cuyo Capriccio de la temporada pasada nunca olvidaremos), ha situado en el interior de un teatro.

Para Loy el teatro es el único lugar en el que se puede representar la realidad y los sueños al mismo tiempo. Esa dualidad que existe en la obra entre el mundo fantástico, al que pertenece Rusalka y el mundo terrenal que tanto añora. Pero a la elegante y gris escenografía de Loy le faltan elementos imprescindibles de la obra. El lago, que es un personaje más y que da sentido a los protagonistas y a la historia, no aparece ni por casualidad. Como tampoco se hacen apenas referencias a la naturaleza, otro elemento romántico imprescindible.

La dirección musical de Ivor Bolton estuvo a una gran altura. La expresividad de sus gestos contagia a la orquesta que tuvo momentos de gran brillantez, generando esa atmósfera mágica de la partitura. Destacaron las cuerdas y la magia que Mickäele Granados supo generar con su arpa desde un lugar destacado por encima del foso.

Extraordinario el coro, en esta ocasión fuera de escena, que recrearon la magia del lago de manera impecable. Muy buena también la actuación de los bailarines y actores, que no ejercieron de mero acompañamiento en las escenas, sino que tuvieron gran protagonismo en esa especie de orgia sexual que se marcó Christof Loy.

La joven soprano rusa Olesya Golovneva demostró gran versatilidad sobre el escenario, no solo cantaba, también se desplazaba de puntas con sus zapatillas de ballet por el escenario. Con un timbre agradable y una delicada linea de canto, alcanzó momentos de gran belleza en sus intervenciones. Sus dificultades las encontró en las zonas más graves de su partitura.

El británico David Butt Philip se encargó de dar vida al príncipe que enamora a Rusalka. Un rol nada fácil, por la gran exigencia que el tenor tiene en esta obra y que Butt supo abordar sin grandes dificultades.

El Vodnik de Andreas Bauer Kanabas representó mejor la parte más desalmada del amenazante padre, que la de protector con su hija Rusalka. Posee unos potentes tonos graves y medios, pero tuvo sus dificultades en las notas más agudas.

La malvada Jezibaba estuvo interpretada por mezzosoprano alemana Okka von der Damerau. Su buena presencia escénica ayudó a plantear un personaje dual, como el resto, con su parte divertida y su parte inquietante y tenebrosa. Buen caudal de voz bien timbrada y ajustada.

Rebecca von Lipinski interpretó con mucha intención y frescura la insinuante princesa extranjera, rival de Rusalka en la conquista del príncipe.

Muy aplaudidas fueron las tres ninfas interpretadas por Julietta Aleksanyan, Rachel Kelly, con impresionantes agudos, y Alyona Abramova. Con voces muy equilibradas y bien timbradas, se desenvolvieron con soltura por todo el escenario.

El resto del reparto estuvo a gran nivel, tanto el cazador de Sebastiá Peris como los criados interpretados por Manel Esteve y Juliet Mars.

Un éxito más del Teatro Real, que continua realizando representaciones, esta ya sin adaptaciones escénicas por la pandemia, ante el asombro de los teatros del resto de Europa. ¡Bien por Matabosch!.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Monika Rittershaus

El Teatro Real recibe a la Compañía Nacional de Danza, por primera vez bajo la dirección de Joaquín de Luz desde que asumiera el cargo en 2019, de la que se ofrecerán cuatro funciones los días 19, 20 y 21 de noviembre, este último en sesión doble a las 17.00 y a las 21.00 horas, con un programa que incluye dos trabajos inéditos en este escenario: Apollo, de George Balanchine, y Concerto DSCH, de Alexei Ratmanski, junto a uno ya clásico de Nacho Duato, White Darkness.

Tres coreografías con tres grandes compositores como protagonistas: Igor Stravisnky, Dmitri Shostakóvich y Karl Jenkins, interpretados por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección del maestro Manuel Coves, con participación especial del pianista Luis Fernando Pérez para la coreografía Concerto DSCH.

Estrenada por los Ballet Rusos de Diághilev en París en 1928, Apollo fue la primera colaboración entre George Balanchine y el compositor ruso Igor Stravisnky, obteniendo un inmediato reconocimiento internacional. La sintonía entre ambos artistas desemboca en una obra de narración sencilla, casi leve, pero con una gran armonía entre forma y música, constituyendo el mejor exponente del lenguaje neoclásico.

La historia se centra en la figura de Apolo, dios griego de la música y su encuentro con tres Musas a las que acompaña al Parnaso: Terpsícore, musa de la danza y el canto; Polimnia, musa del mimo; y Caliope, musa de la poesía. La función del día 20 contará con la participación de Sergio Bernal, como bailarín invitado, dando vida a Apolo.

Cuando Alexei Ratmanski estrenó Concerto DSCH, con el New York City Ballet, contó con Joaquín de Luz y Gonzalo García como bailarines principales. El próximo 19 de noviembre, en el Teatro Real, ambos volverán a compartir escenario para transmitir la emoción, energía y drama del Concierto para piano nº 2 de Shostakóvich a través del lenguaje de Ratmanski, que aúna en un discurso continuo los contrastes de la partitura, de la exaltación a la serenidad, de la vitalidad a la melancolía, de las notas marciales al intimismo casi poético.

Gonzalo García, bailarín principal invitado, interpretará también el rol de Apolo el día 21 en la función de las 21.00 horas.

En White Darkness, última coreografía del programa, Nacho Duato nos empuja a reflexionar sobre el mundo de las drogas, su oscuridad, las consecuencias individuales y sociales, la destrucción y la oscuridad a la que conducen. La música de Karl Jenkins (Variaciones Adiemus, Cuarteto de cuerda nº 2), la escenografía de Jaffar Chalabbi y la iluminación de Joop Caboort acentúan el carácter desgarrador de una historia cuyo final conocemos, sufrimos, hacia el que caminamos, acompañando esa senda sin escapatoria por el que transita la bailarina.

Consagrada casi desde su estreno, White Darkness es, posiblemente, una de las mejores creaciones del coreógrafo español.

Es, sin duda, un programa de grandes momentos. Tres lenguajes distintos para una palabra común, danza.

Fotografía: Javier del Real

Con el baile como protagonista, esta noche, viernes 13 de noviembre, el Teatro Real inaugurará la tercera temporada de Flamenco Real, en coproducción con SO-LA-NA, en la que se rinde homenaje a la gran figura de la danza española Blanca del Rey y cuyo primer estreno contará con la presencia de uno de los artistas más carismáticos de la actualidad, Miguel Fernández Ribas, El Yiyo.

El joven bailaor, dotado de unas extraordinarias cualidades para el baile y con una personalidad y estilo propios, se ha convertido en el intérprete flamenco más demandado por los tablaos de referencia y también por los grandes teatros, donde ha compartido escenario con nombres del cante como Estrella Morente, Pitingo o Miguel Poveda, por citar algunas .

Su arte bebe de las fuentes de la danza clásica, contemporánea y de las raíces flamencas con las que se ha criado y desarrollado, creando una amalgama original y depurada capaz de seducir a los puristas del flamenco, a los aficionados y al mundo de la moda, nacional e internacional, que ha encontrado en él una seductora imagen racial.

En el espectáculo que presenta esta noche, El Yiyo & su troupe, estará acompañado en el baile por Ricardo Fernández “El Tete” y José Escarpín, al cante por Juan Carrasco “Juañarito” y Carmen Amador, que contarán con la guitarra de Eduardo Cortés y la percusión de José Córdoba. Con ellos, como un todo, reflexiona sobre sus emociones y experiencias sobre los escenarios para representar el flamenco, la danza y el lenguaje desde un emotivo paisaje de sensaciones.

Los espectáculos tendrán lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble, a las 19.30 y a las 22:00 horas, se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Las próximas citas de Flamenco Real tendrán lugar el jueves 26 de noviembre con Antonio Molina, ‘El Choro’ y su espectáculo Mi baile, en el que compartirá tablas con el guitarrista Juan Campallo y las voces de Ismael de la Rosa y Moi de Morón. Y el jueves 17 de diciembre estará protagonizado por Alba Heredia quien, junto a los cantaores Antonio Moreno Maya, ‘El Cancu’, y José Plantón, ‘José de Calli’, y las guitarras de David Jiménez y Juan Jiménez, ofrecerá una velada a la que ha denominado Alba&Lando.

Entre los días 12 y 27 de noviembre el Teatro Real ofrecerá 10 funciones de Rusalka, de Antonin Dvořák, en una nueva producción del Teatro Real, coproducida con la Säschsische Staatsoper de Dresde, el Teatro Comunale de Bolonia, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, en los que se presentará después de su estreno en Madrid.

Rusalka, estrenada en Praga en 1901, fue la penúltima de las once óperas de Antonín Dvořák (1841-1904) y, sin duda, la más célebre de todas las que compuso.

En perfecta consonancia con esta visión psicológica de los personajes de Rusalka, Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, estará al frente de dos selectos repartos en los que se alternarán, en los papeles protagonistas, las sopranos Asmik Grigorian y Olesya Golovneva (Rusalka); los tenores Eric Cutler y David Butt Philip (El príncipe); las sopranos Karita Mattila y Rebecca von Lipinski (La princesa extranjera); los bajos Maxim Kuzmin-Karavaev y Andreas Bauer Kanabas (Vodnik) y las mezzosopranos Katarina Dalayman y Okka von der Damerau (Ježibaba).

El Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real interpretarán por primera vez esta ópera, que vuelve al escenario del Real después de 96 años de ausencia y a punto de cumplir el 120 aniversario de su creación.

ACTIVIDADES PARALELAS

Del 15 de octubre al 17 de diciembre | Instituto Internacional

Ciclo de cine: a finales de los años 40 y durante los 50 del siglo XX, productores, directores, guionistas, actores, músicos de Hollywood fueron objeto de una espectacular persecución que afectó profundamente a la industria del cine. Este ciclo, con las películas en inglés subtituladas en castellano, recoge algunos títulos que sufrieron esa caza de brujas.

– Sesiones de noviembre: Un día en Nueva York (5/11), La jungla de asfalto (12/11), Solo ante el peligro (19/11), Vacaciones en Roma (26/11).

– Sesiones de diciembre: La ley del silencio (3/12), Fugitivos (10/12), Espartaco (17/12).

Actividad gratuita previa inscripción en www.iie.es

5 de noviembre, 20:15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Ivor Bolton (director musical de Rusalka), Christof Loy (director de escena de Rusalka), Pablo Rodríguez (musicólogo y crítico de El País) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

Interpretación de canciones del ciclo Canciones de amor Op. 83, de Antonin Dvořák, por la soprano Juliette Mars y el pianista Mack Sawyer.

Asistencia presencial con aforo limitado y retransmisión en directo por el canal Youtube del Teatro Real.

10 de noviembre, 19:00 h. | Centro Checo de Cultura

Conferencia en streaming: el musicólogo norteamericano David R. Beveridge, especializado en la obra y vida de Dvořak, ofrecerá una conferencia a través de Zoom sobre el compositor checo, sus orígenes, sus fuentes de inspiración y su influencia en la música.
Actividad gratuita en madrid.czechcentres.cz

Desde el 13 de noviembre, 19:00 horas | Museo Nacional de Artes Decorativas

Cuentacuentos en streaming: bajo el título Agua de luna, el público a partir de 9 años podrá celebrar su particular viernes 13 y disfrutar de un cuento con fantasmas, un pantano de aguas profundas y misteriosas y un príncipe enamorado de una niña mágica. Una historia de amores imposibles y brujas.
Actividad gratuita en www.museoartesdecorativas.es y en su canal de YouTube.

14 y 22 de noviembre, 12:00 y 16:00 h. | Rutas del Emperador Carlos V

Visita guiada: el palacio de los condes de Osorno en Pasarón de la Vera (Cáceres) abre sus puertas en exclusiva para, en grupos de seis personas, conocer la leyenda que encierra sus muros y que, como en Rusalka, cuenta una historia de amores imposibles.
Actividad gratuita previa inscripción. Más información en admin@itineracarolusv.eu

15 de noviembre, a las 12:00 horas | Teatro Real, Sala principal

En el 120 aniversario del estreno de Rusalka, los solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real ofrecerán un programa en torno a Antonín Dvořák.

Programa:

Antonín Dvořák: Terzetto en Do Mayor op. 74 para violines y viola

Bedřich Smetana: Cuarteto de cuerdas n°1

Josef Suk: Meditación op. 35 para cuarteto de cuerdas

Antonín Dvořák: Cuarteto de cuerdas n°13

16 de noviembre, 19.00 horas | Instituto Internacional

Tertulia literaria: Alix E. Harrow, autora de A Witch’s Guide to Escape: A Practical Compendium of Portal Fantasies, con el que ganó el Premio Hugo, ofrecerá una animada charla en inglés a través de Zoom para hablar de brujería, bibliotecas y libros en la que el público podrá participar libremente.
Actividad gratuita previa inscripción en www.iie.es

21 de noviembre, 17:00 horas | Museo Naval

Cuentacuentos: el renovado Museo Naval abre sus puertas para acoger una divertida y singular actividad para niños de entre 3 y 7 años, en la que se contará la historia de la ninfa Rusalka. El acto, que será presencial, tiene el aforo limitado a cinco personas.
Actividad gratuita previa inscripción en www.armada.defensa.gob.es/museonaval

22 de noviembre, 12:00 horas | Museo del Romanticismo

Cuentacuentos: la experta narradora Alba Muñoz pondrá voz al cuento de La sirenita, de Hans Christian Andersen, una obra maestra en la que se inspiró Dvořak para componer su ópera Rusalka. Una actividad para niños a partir de 8 años que les transportará a un mundo mágico.
Actividad gratuita previa reserva en www.culturaydeporte.gob.es/mromanticismo

23 de noviembre, 19:00 horas | Instituto Internacional

Conferencia en streaming: la escritora Alix E. Harrow se reunirá virtualmente con el público para hablar de la brujería y el voto femenino, temas principales de su nueva novela The Once and Future Witches. El acto, que será en inglés, tratará la lucha por los derechos de las brujas en el movimiento sufragista.
Actividad gratuita previa inscripción en www.iie.es

25 de noviembre, 17:30 horas | Museo Arqueológico Nacional

Visita guiada: un recorrido singular y exclusivo para conocer de la mano de un guía especializado las salas de Grecia, donde el público asistente podrá descubrir las muchas sirenas, ninfas y otros seres fantásticos que pueblan algunas de las piezas de la colección del museo.
Actividad gratuita con reserva de plaza. Más información en www.man.es

29 de noviembre, a las 12:00 y a las 17:00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

¡Todos a la Gayarre!: talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios. Historia de una sirena.

Una ninfa hechiza con sus canciones al que se acerque al lago.

Fotografía: Javier del Real

Los premios Lawrence Olivier, creados y tutelados por la Society of London Theatre, reconocen anualmente la excelencia de las artes escénicas en Londres, en una ceremonia con gran repercusión social que en los últimos años ha tenido lugar en la Royal Opera House (2012-2016) y, desde 2017, en el Royal Albert Hall.

Debido al confinamiento causado por el Covid, la ceremonia de entrega de los premios de este año, que hubiera tenido lugar el pasado mes de abril, fue retrasada hasta ayer, 25 de octubre, transformada en un programa televisivo presentado por Jason Manford y transmitido por ITV y Magic Radio.

En sus distintas categorías, que reconocen los varios ámbitos de las artes escénicas, incluyendo el teatro, ópera, musicales, danza, etc., Billy Budd ha ganado el Premio Olivier a la mejor nueva producción operística por su presentación el pasado año en la Royal Opera House, coproductora del montaje junto al Teatro Real, que la estrenó en 2017, y la Ópera de Roma, que la presentó en 2018.

La producción de Billy Budd fue galardonada con el International Opera Award 2018 a la Mejor Nueva Producción y su grabación audiovisual obtuvo también varios reconocimientos, destacando los premios de las revistas Diapason (Diapason d’or) y BBC Music Magazine.

Billy Budd se estrenó en Madrid el 31 de enero de 2017 con una nueva producción del Teatro Real con dirección musical de Ivor Bolton, dirección de escena de Deborah Warner, escenografía de Michael Levine, figurines de Chloe Obolensky e iluminación de Jean Kalman.

Esta ópera coral, con un elenco exclusivamente masculino ─5 tenores, 8 barítonos, 1 bajo-barítono y 3 bajos─ ha tenido como protagonistas al barítono Jacques Imbrailo, el tenor Toby Spence y el bajo Brindley Sherratt.

Las fantásticas partes corales fueron interpretadas por 60 voces masculinas del Coro Titular del Teatro Real y por niños de los Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, que actuaron junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

Fotografía: Javier del Real

Alcobendas inicia el próximo 28 de octubre un ciclo de seis espectáculos grabados en el Teatro Real, que serán proyectados el último miércoles de cada mes en el Auditorio Paco de Lucía, con las mejores condiciones de imagen y sonido, para que el acercamiento a la ópera llegue a los espectadores con los máximos estándares de calidad.

Las óperas Cavalleria rusticana e I pagliacci suelen presentarse en la misma velada, no solo por la corta duración de ambas sino porque las dos son un ejemplo paradigmático del llamado ‘verismo’ italiano, movimiento estilístico fugaz en el que la trama dramática pretende acercarse a la realidad sin artificios ni estilizaciones.

Estrenada en el Teatro Costanzi de Roma el 17 de mayo de 1890, Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, es un vibrante melodrama basado en la novela homónima de Giovanni Verga, sobre una historia de amor y celos en el campo siciliano.

I pagliacci, de Ruggero Leoncavallo, estrenada en el Teatro dal Verme de Milán el 21 de mayo de 1892 bajo la dirección de Arturo Toscanini, se basa en un crimen pasional en el seno de una compañía de cómicos ambulantes de Calabria, que fue juzgado por el padre del compositor.

El veterano director de escena Giancarlo del Monaco ha concedido a cada ópera una atmósfera única y profundamente evocadora, reforzada por su excelente trabajo de dirección de actores. Junto a Jesús López Cobos, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, ha dirigido los dos dramas pasionales con gran vigor teatral contando con las magníficas voces de Violeta Urmana y Vincenzo La Scola, en Cavalleria rusticana y Vladimir Galouzine y María Bayo, en I pagliacci.

Auditorio Paco de Lucía del Centro de Arte Alcobendas

C/ Mariano Sebastián Izuel, 9

Miércoles, 28 de octubre, a las 19 horas.

Entradas (4 euros) a la venta en internet (www.giglon.com) y en la taquilla del Centro de Arte el mismo día de la proyección desde las 18 horas.

My Opera Player, del Teatro Real, ofrecerá en abierto para todo el mundo las óperas Capriccio de Richard Strauss, el viernes 23, y Aida, de Giuseppe Verdi, el sábado 24.

Entre los eventos programados tendrá lugar la entrega virtual de los Premios Opera XXI, a las 19.00 horas, que este año celebran su segunda edición, y cuya ceremonia podrá seguirse en My Opera Player.

Los galardones cuentan con destacada presencia del Teatro Real representado por Christof Loy, Premio a la Mejor Dirección de Escena por Capriccio, y Nicola Luisotti, Mejor Dirección Musical, por Turandot.

Opera Europa ofrecerá retransmisiones en directo desde los cinco continentes en los teatros más importantes del mundo y con conocidas voces del mundo de la lírica que pondrán su arte en una jornada marcada por el difícil reto impuesto por la pandemia.

El próximo domingo, 25 de octubre, se celebra la segunda edición del Día Mundial de la Ópera, una conmemoración que busca promover el valor cultural de este género, rendir homenaje a los creadores e intérpretes y destacar su importancia como sector de especial relevancia en la economía.

La iniciativa, creada e impulsada por el Teatro Real con el apoyo de Ópera América, Ópera Latinoamérica y Ópera Europa, cuenta con el respaldo de importantes instituciones como Ópera Canadá; Réunion des Opéras de France (Francia); Ópera XXI (España); Opera & Music Theatre Forum (Reino Unido); el Instituto Internacional del Teatro (ITI) y los Centros Nacionales para las Artes Escénicas en China e India.

Este año, marcado por las restricciones y la especial situación creada por la pandemia, las celebraciones tendrán su epicentro en Opera Vision, plataforma audiovisual de Opera Europa, que incluirá retransmisiones en directo desde los cinco continentes comenzando a las 7 de la mañana en Tokio y para recorrer después Moscú, Londres o Nueva York.

A través de My Opera Player, el Teatro Real se adelantará dos días a la fecha oficial para ofrecer en abierto, durante todo el viernes 23 de octubre, uno de los grandes títulos de la temporada 18/19, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con dirección musical de Asher Fisch y una brillante producción concebida por Christof Loy, ganadora del premio a la mejor Dirección de Escena Opera XXI.

El sábado 24 el escenario de My Opera Player pondrá a disposición de los usuarios, también de forma gratuita, Aida, de Giuseppe Verdi, en la monumental producción de Hugo de Ana bajo la batuta de Nicola Luissotti, principal director musical invitado del Teatro Real y Premio al Mejor Director Musical Opera XXI por Turandot en el Teatro Real.

Tanto Christof Loy, que se encuentra actualmente preparando una nueva producción de Rusalka para el coliseo madrileño, como Nicola Luisotti, responsable de la dirección musical de la ópera Un ballo in maschera que inauguraba la actual temporada del Teatro Real, participarán de la virtual entrega de la segunda edición de los Premios Opera XXI, que tendrá lugar en domingo 25 que podrá seguirse en streaming en My Opera Player y en la plataforma Operavision a las 19.0 horas.

La ceremonia virtual, conducida por Daniel Bianco, director del Teatro de La Zarzuela, y por la directora de escena Bárbara Lluch, contará con la actuación de dos de las artistas premiadas, Sondra Radvanovsky y Leonor Bonilla, y del pianista Rubén Fernández Aguirre. A ellos se unirán las palabras del Ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, y del presidente de la asociación, Oriol Aguilà, director del Festival Internacional Castell de Peralada. El acto contará también con las intervenciones de grandes cantantes españoles como Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez, Ruth Iniesta, Saioa Hernández, Ismael Jordi, Xavier Sabata, Jorge de León, Nancy Fabiola Herrera y Sabina Puértolas.

Adjuntamos información ampliada de los Premios Ópera XXI y de las fichas artísticas de Capriccio y Aida del Teatro Real

PALMARÉS OPERA XXI

Sondra Radvanovsky, Premio a la Mejor Cantante, por su interpretación protagonista en Luisa Miller de Verdi, en el Gran Teatre del Liceu en julio de 2019, así como por el recital-homenaje a Montserrat Caballé en el Festival Castell de Peralada.
Leonor Bonilla, Premio a la Mejor Joven Cantante, por Lucia di Lamermoor en el Maestranza, Il viaggio a Reims en la Ópera de Tenerife, Orfeo y Euridice en el Teatro Villamarta y Capriccio en el Teatro Real.
Nicola Luisotti, Premio al Mejor Director Musical por Turandot en el Teatro Real.
Cristof Loy, Premio al Mejor Director de Escena por Capriccio en el Teatro Real de Madrid.
Teatro de la Zarzuela, Premio a la Mejor Nueva Producción por la ópera española La casa de Bernarda Alba.
Òpera de Butxaca i Nova Creació (OBNC), Premio Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica.
Gran Teatro de Lima, Mejor Nueva Producción Latinoamericana, por Alzira, de Verdi.

Premios Honoríficos, designados en Asamblea por todos los miembros Ópera XXI

Fundación La Caixa, Mejor Iniciativa de Mecenazgo.
José Antonio Campos Borrego, Premio Honorífico a la Persona.
Amigos Canarios de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Premio a la Institución Cultural.

CAPRICCIO, viernes 23 de octubre

El 27 de mayo de 2019 el Teatro Real presentaba, por primera vez en su escenario, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con la reafirmaba su proyecto de ampliación de repertorio a través de una obra maestra, cuya composición y contenido argumental trascienden el valor artístico para invitar al eterno debate en torno a la ópera: ¿qué es más importante, la palabra o la música?

El director de escena alemán Christof Loy, gran conocedor de la obra de Strauss, abordaba por primera vez la interpretación de esta compleja obra en la que, sin restar protagonismo al tema central, descubría las múltiples capas que perfilan los secretos que se esconden en el alma de cada protagonista, las inquietudes y motivaciones del ser humano derivadas de sus emociones ante la percepción de la belleza.

El director musical Asher Fisch, experta batuta en la música de Strauss, estaba al frente de un reparto que contó en los papeles principales con las voces de la soprano Malin Byström (Condesa Madeleine), el barítono Josef Wagner (Conde), el tenor Norman Reinhardt (Flamand), el barítono André Schuen (Olivier) y el bajo Christof Fischesser (La Roche), entre otros, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

AIDA, sábado 24 de octubre

Con casi 300 artistas ─entre solistas, coro, bailarines, actores y orquesta─ y una escenografía ya histórica, Aida regresaba al Teatro Real el 7 de marzo de 2018, con la gran producción concebida por Hugo de Ana para la inauguración de la segunda temporada del ‘nuevo’ Teatro Real, en octubre de 1998, que desvelaba al público las enormes dimensiones y las excepcionales capacidades técnicas de su flamante escenario.

Hugo de Ana opta por una producción de fuerte poder simbólico, dominada por una colosal pirámide que sugiere la magnificencia del poder político y religioso, contrapuesta a paisajes desérticos que enfatizan la profunda soledad de los personajes, que se debaten entre sentimientos, dudas y contradicciones.

La dirección musical contó con uno de los grandes expertos verdianos, el maestro Nicola Luisotti, principal director musical invitado del Teatro Real, quien, al frente de Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real tuvo a su cargo un brillante reparto encabezado por Liudmyla Monastyrska en el rol titular; Violeta Urmana, como Amneris; Gregory Kunde, en la piel de Radames; y George Gagnidze, como Amonasro, junto al resto del elenco.

El próximo sábado, 24 de octubre, el Auditorio Municipal de Boadilla del Monte ofrecerá a los más pequeños un precioso cuento musical en el que conocerán la Historia de Babar, el pequeño elefante. El simpático animalito atravesará, de la mano del Teatro Real, junglas, ciudades y jardines descubriendo un mundo diferente al lugar donde ha nacido.

Inspirado en el cuento original de Jean Brunhoff, autor del primer libro con ilustraciones para niños, y sustentado por la evocadora música de Francis Poulenc, el Teatro Real crea una producción en la que, con una sencilla escenografía y elementos bien reconocibles por los niños, consigue estimular la imaginación y creatividad, haciéndoles participar de la emoción del relato.

Además de la música, interpretada al piano por Miguel Huertas, la historia pondrá las palabras en la voz de la narradora, Ana Hernández-Sanchiz, directora también del espectáculo, y el movimiento en la danza de la bailarina Lara Sagastizabal. Completan el equipo artístico la escenógrafa Cristina Martín, la iluminadora Lía Alves y la figurinista Nadia Balada.

Las entradas ya están disponibles en la página web del Ayuntamiento, www.aytoboadilla.org, con localidades a 10 euros, para adultos, y a precio reducido de 5 euros para menores de 12 años, mayores de 65 y personas con discapacidad.

El pasado mes de septiembre el público infantil disfrutó en el Teatro Real de las aventuras del pequeño Babar y empezaba un camino que ahora le lleva hasta Boadilla del Monte.

Fotografía: Javier del Real

Los próximos días 22, 23 y 24 de octubre, este último en sesión doble a las 17.00 y a las 21.00 horas, el Teatro Real inaugurará su temporada de danza con el estreno de Fuego, coreografía de Antonio Gades inspirada en El amor brujo, de Manuel Falla, y última colaboración del artista con el director de cine Carlos Saura, interpretada por la Compañía Antonio Gades, con la que también se quiere rendir homenaje al recientemente desaparecido Gerardo Vera, creador del espacio escénico y el vestuario de esta producción, por el que obtuvo el Goya en 1987 en la versión cinematográfica.

La Compañía Antonio Gades, dirigida artísticamente por Stella Arauzo, contará con 26 artistas en escena, entre músicos y bailarines, con Esmeralda Manzanas (Candela), Álvaro Madrid (Carmelo), Juan Pedro Delgado (El espectro) y Raquel Valencia (La hechicera) en los papeles protagonistas, y los cantaores Sara Salado, Alfredo Tejada, Enrique Bermúdez ‘Piculabe’ y Aser Giménez y los guitarristas Antonio Solera y Basilio García, en la partes de música flamenca.

Los fragmentos orquestales serán interpretados por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Miquel Ortega.

Con esta obra, el Teatro Real completa la puesta en escena de la producción coreográfica de una de las figuras más relevantes de la historia de la danza en España, de la que ya se han ofrecido en anteriores temporadas Bodas de Sangre, Carmen, Fuenteovejuna y Suite Flamenca, todas ellas grabadas en DVD y disponibles en la plataforma audiovisual My Opera Player.

Fuego, nace en 1989 como encargo del Teatro de Châtelet de París. Es exponente del más puro sello Gades: “volver a la tradición si se quiere evolucionar”; una obra de transición entre los ya míticos montajes de Carmen y Fuenteovejuna, en la que se encuentran algunos recursos creados por el artista que por poco vistos nunca fueron repetidos y que constituyen, hoy en día, una sorpresa que hace que la obra mantenga su frescura.

La Compañía Antonio Gades sustituye al Ballet de Múnich, previsto en la programación en estas mismas fechas, que no ha podido viajar a España debido a las restricciones sanitarias impuestas por el Gobierno alemán.

Compañía Antonio Gades

Residente en Getafe. Directora artística Stella Arauzo

Antonio Gades hizo de la danza española un estilo universal con una amplísima capacidad expresiva. Esto le permitió llevar, a todos los rincones del mundo, sin utilizar las palabras, clásicos de la literatura mundial como Bodas de sangre de Federico García Lorca o Fuenteovejuna de Lope de Vega y Carmen que firmó junto a Carlos Saura y que ha quedado como una de las aproximaciones más reconocidas a este mito español y universal. Tras la muerte del coreógrafo en 2004, la Fundación Antonio Gades tiene como principales objetivos la difusión y conservación del legado del bailarín, auspicia la Compañía Antonio Gades y mantiene viva la escuela gadesiana: un lenguaje estético arraigado en la cultura popular y el arte de España, pero depurado en las vanguardias artísticas e intelectuales de la última mitad del siglo XX.

Fundación Antonio Gades

La Fundación Antonio Gades es una institución privada, sin ánimo de lucro, que tiene encomendados el mantenimiento, el cuidado y la difusión de la obra del coreógrafo y bailarín español. A tal fin, custodia y cataloga los fondos de un importante archivo documental relacionado con su vida artística, supervisa la reconstrucción de sus coreografías y edita publicaciones que profundizan en su obra. Además, promueve un importante programa pedagógico destinado a potenciar el conocimiento y el aprecio de la Danza Española y el Flamenco. Fundada en 2004 por el propio Gades, la Fundación está actualmente dirigida por su viuda, Eugenia Eiriz, que trabaja para el cumplimiento de los fines fundacionales con el apoyo de su cercano colaborador Josep Torrent y bajo la presidencia de María Esteve, actriz e hija mayor del maestro y Pepa Flores. En 2019, la Fundación Antonio Gades recibe la Medalla de Oro de la Academia de las Artes Escénicas de España por su «magnífica labor de conservación y promoción de la memoria del gran maestro de la danza española Antonio Gades».

Fotografía: Javier del Real

www.antoniogades.com

Debido a la difícil situación sanitaria que el COVID-19 ha generado en Europa, con especial incidencia en Francia y España, el espectáculo El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royal de la nuit, concebido e interpretado por la compañía francesa Ensemble Correspondances, cuyo estreno iba a tener lugar el próximo viernes 16 de octubre, ha sido cancelado por dificultades en el traslado de los artistas a Madrid.

Tanto el Teatro Real como el Ensemble Correspondances, dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé, están trabajando con sus agendas para buscar una nueva fecha en la que poder llevar a cabo esta hermosa función que supone la recuperación de una obra tan interesante como inusual en la historia de la música europea.

Los abonados y aficionados con entradas para este espectáculo recibirán la devolución del importe de las mismas en su cuenta corriente, en la tarjeta de crédito con la que realizaron la compra o en las taquillas del Teatro si este fue el modo de adquisición.

Son muchos los monarcas que han protagonizado títulos operísticos (solo en esta temporada del Real tenemos a Eduardo II de Inglaterra, Fernando IV de Castilla y Gustavo III de Suecia), pero muy pocos los títulos que tienen el honor de haber sido estrenados por un monarca, como es el caso de Le ballet royale de la nuit (1653), espectáculo en el que el rey Luis XIV encarnó al dios Apolo en calidad de bailarín con apenas 14 años de edad.

El espectáculo, nada inocente en términos políticos, sancionaba el triunfo de la corona sobre las revueltas que los aristócratas de la Fronda habían instigado durante el lustro precedente, a través de una alegoría en la que el Rey Sol disipaba las tinieblas de la noche, dispuestas musicalmente a lo largo de cuatro vigilias que alternaban números cantados y bailados.

La partitura, compuesta por diversos compositores franceses e italianos vinculados con la corte, durmió durante siglos entre los archivos de la colección Philidor del antiguo conservatorio de París, hasta su redescubrimiento en 2004 y su recreación musical en 2016 por parte de Sébastian Daucé y el Ensemble Correspondances.

Teatro Real

El principal director invitado del Teatro Real y embajador de Ayuda en Acción, Pablo Heras-Casado, se pondrá por sexto año consecutivo al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid para dirigir el concierto Acordes con Solidaridad, una iniciativa liderada por el propio director y Ayuda en Acción. La cita tendrá lugar el lunes 19 de octubre a las 20.00 horas en el Teatro Real de Madrid. En esta ocasión, se interpretará la Obertura Coriolano y la Sinfonía n. 7 de Beethoven, coincidiendo con el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán que se celebra este año. Allá por 2001, Pablo Heras-Casado hacía sonar por primera vez al genio de Bonn con su Séptima Sinfonía y, al cierre de este año y repitiendo repertorio, serán casi cien las interpretaciones de Beethoven que el director haya dirigido a lo largo de su carrera en algunos momentos tan importantes como su debut con The Cleveland Orchestra o con Los Angeles Philharmonic.

La actualidad de este autor no solo reside en la resignificación de su mensaje, sino en una música que nunca deja de sorprender. En palabras del propio director “es la ocasión para devolver a Beethoven la fuerza, el impacto y la novedad que no han de perder con el paso del tiempo”. En marzo de este año, la prestigiosa revista “The Gramophone”, aludiendo a su interpretación con la Freiburger Barockorchester aplaudía el acierto de “dejar a Beethoven ser Beethoven. Los desplazamientos rítmicos, los sforzandos explosivos, los contrastes dinámicos que desarman y suplican sinceridad, yuxtapuestos con una insistencia brutalmente empática, crean una sensación de asombro y deslumbramiento que la audiencia vienesa (…) debió experimentar al escuchar a Beethoven por primera vez; el cuidado y la consciente consideración de cada detalle, dejan en el oyente una impresión de completo abandono y rendición al espíritu de la música”.

Heras-Casado, la Freiburger Barockorchester y el pianista Kristian Bezuidenhout se han unido una vez más con el sello discográfico harmonia mundi en la grabación de una serie especial dedicada a Beethoven. Han dejado registro de la integral de los Conciertos para piano del compositor de Bonn y algunas de sus Oberturas, ya en el mercado -excepto el último de los discos de esta integral (los Conciertos 1&3) cuyo lanzamiento está previsto para agosto del próximo año, así como del “Triple Concerto” (junto a la violinista Isabel Faust, el cellista Jean-Guihen Queyras y el pianista Alexander Melnikov) el cual se espera para enero de 2021. Como broche a la mencionada colaboración con la Freiburger Barockorchester y el pianista Kristian Bezuidenhout, se ha grabado un disco muy especial con la Fantasía Coral y la Novena Sinfonía, con la que precisamente Heras-Casado cerrará el año Beethoven con la NHK Symphony Orchestra Tokyo en su tradicional proyecto de fin de año. Un cierre lleno de luz y esperanza que se suma a un amplio repertorio del gran compositor interpretado, aún todavía, en este año de celebración sobre el escenario, donde destacan el Concierto para violín en Re mayor, la 2ª, 3ª, 5ª, 7ª y 9ª Sinfonías, el Triple Concerto y el Piano Concerto 4 en sus versiones completa y de cámara. Sobre el escenario algunos de los mejores conjuntos del panorama como Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, European Union Youth Orchestra, Orquesta de la Escuela de Música Reina Sofía, Montreal Symphony Orchestra, Philarmonia Orchestra, Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker, la mencionada NHK o la Orquesta Sinfónica de Madrid, encargada de llevar al atril el programa del próximo día 19.

En esta sexta edición de la iniciativa Acordes con Solidaridad, la recaudación irá íntegramente destinada a la respuesta que Ayuda en Acción está dando a la emergencia provocada por la COVID-19 en España. A través del programa Aquí también, la ONG está luchando para reducir la brecha digital y educativa que se ha evidenciado y acentuado tras la pandemia, apoyando a cerca de 11.000 niños, niñas y adolescentes que se encuentran en riesgo de exclusión social en España a que puedan acceder a una educación en igualdad de oportunidades. “Se trata de una iniciativa solidaria fruto de una gran alianza en la que intervienen nuestro extraordinario embajador Pablo Heras-Casado y la Orquesta Sinfónica de Madrid, que participan en el concierto de forma completamente altruista; el Teatro Real, apoyándonos con la difusión de este gran evento; y la Fundación Repsol, que además colabora con nuestro programa Aquí también en España. Un año más, agradecemos a todos ellos su apoyo incondicional y lo extendemos al gran público del Teatro Real que, con su entrada (presencial o vía streaming) y con sus aportaciones a la fila 0, nos permiten continuar con nuestro trabajo que ahora es más necesario que nunca”, afirma Marta Marañón, directora de Relaciones Institucionales de Ayuda en Acción.

Como novedad, recalcar que el concierto se podrá disfrutar en directo por streaming desde cualquier parte del mundo. Las entradas para la retransmisión online, que ya están a la venta, se pueden adquirir en la web de la plataforma My Opera Player por 9,99 euros. Para aquellas personas interesadas en acudir a la cita de forma presencial, pueden adquirir sus entradas (desde 10€) a través de la web del Teatro Real en el teléfono 902 24 48 48 y en las taquillas del teatro. También se ha habilitado una fila 0 para donativos en el nº de cuenta ES55 0049 0001 58 2911863843. El evento se celebrará al 50% de su capacidad, con separación entre butacas y siguiendo todos los protocolos de seguridad.

Fotografía: Javier del Real

El Teatro Real había anunciado un recital en el que el protagonista absoluto iba a ser el contratenor francés Philippe Jaroussky. En dos sesiones, una a las 19:00 y otra a las 21:30 horas (hay que echarle imaginación para sortear las restricciones de aforo causadas por el covid-19). Pero lo que nos encontramos fue todo un concierto barroco, un tanto peculiar, pero todo un concierto. Eso si, el protagonismo de Jaroussky fue compartido por la alta calidad del resto de intérpretes y orquesta.

Doce obras de Vivaldi, entre arias y fragmentos de óperas, se repartieron entre los cuatro intérpretes. Tres para cada uno que, de manera un tanto mecánica, salían a escena uno tras otro. Supongo que como consecuencia del apremio de las dos sesiones, por lo que hay que valorar el esfuerdo de Teatro e intérpretes,

A pesar de estas situaciones poco habituales, producto del tiempo que vivimos, el resultado artístico y musical estuvo a un muy alto nivel. Comenzó con el aria de La fida ninfa “Non tempesta che gl´alberi sfronda”, interpretado por el tenor alemán, de origen chileno, Emiliano González Toro. El volumen y la coloratura no suelen ser compatibles y, en el caso de González Toro, el primero es sacrificado, claramente, en beneficio de la segunda, al menos en esta primera obra, porque en sus dos intervenciones posteriores sorprendió con una voz luminosa y bien timbrada, una línea de canto elegante y limpia que supo lucir sobre todo en la última de sus arias, la delicada “Tu vorresti col tuo pianto”, de Griseelda, donde demostró una exquisita expresividad.

La pirotecnia vocal estuvo reservada para la soprano húngara Emóke Baráth. Realizó gran despliegue de coloratura en sus dos primeras arias, “Armatae face et anguibus”, de Juditha Triumphans y “Alma oppressa da sorte crudele”, de La fida ninfa. Pero fue también en la dramática “Vede orgogliosa l´onda”, de Griselda, donde expuso una delicadeza vocal muy bien modulada.

La contralto Lucile Richardot tiene un hermoso y original timbre. Posee una buena amplitud vocal que demostró en los giros hacia el registro grave, desde unos potentes y afilados agudos. Se lució tanto en la coloratura como en los momentos más dramáticos y delicados. Toda una sorpresa desde su primera intervención con “Sovente il sole”, de Andromeda Liberata o la segunda “Frema pur”, de Ottone in villa.

El más conocido y esperado era, sin duda, Philippe Jaroussky. Como siempre, el contratenor francés ofreció en sus tres interpretaciones la expresividad matizada y la delicadeza que son su seña de identidad. Comenzó con la pieza más conocida “Vedró con mio diletto” de Il giustino, después “Gelido in ogni vena”, de Il farnace y terminó su breve intervención con “Se in ogni guardo”, de Orlando fintto pazzo.

Como regalo final, los cuatro intérpretes ofrecieron un bis en conjunto, “De’ll aura al susurrar” de La fida ninfa, una especie de adaptación que Vivaldi realizó de su Primavera.

Le Concert de la Loge, grupo no muy conocida en España, sorprendió gratamente de la mano de su director y violín Julien Chauvin, que dirigió con gran dinamismo y acento barroco a unos músicos de una calidad extraordinaria.

Fotografía: Javier del Real

La Compañía Antonio Gades sustituye al Ballet de Múnich, previsto en la programación, que no podrá viajar a España debido a las restricciones sanitarias impuestas por el Gobierno alemán.

Con el estreno de Fuego el Teatro Real completa la producción coreográfica de Gades de la que ya ha representado y grabado en DVD: Bodas de Sangre, Carmen,Fuenteovejuna y Suite Flamenca,disponibles en la plataforma audiovisual My Opera Player

Se ofrecerán cuatro funciones, los días 22, 23 y 24 de octubre, este último en sesión doble a las 17.00 y a las 21.00 horas

La música será interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Miquel Ortega.

Estrenada en el Teatro de Châtelet de París en 1989, Fuego es el exponente del más puro sello Gades: “volver a la tradición si se quiere evolucionar”; una obra de transición entre los ya míticos montajes de Carmen y Fuenteovejuna, que posee muchos de los recursos creados por el artista que nunca han sido repetidos, y constituyen hoy una sorpresa que hacen que la obra mantenga su frescura.

El Teatro Real y la Fundación Antonio Gades quieren rendir homenaje, con estas funciones, al recientemente desaparecido Gerardo Vera, responsable del espacio escénico y el vestuario de esta producción.

Fotografía: Javier del Real

La cita tendrá lugar el próximo 5 de octubre, como estaba previsto, en sesión doble a las 19.00 y a las 21.30 horas

Los abonados del ciclo Grandes Voces y los compradores con entrada para este concierto serán reubicados según las directrices del protocolo sanitario y en un nuevo horario

Bajo el título¡ Viva Vivaldi ! se ofrecerá un programa compuesto por arias y extractos de óperas del compositor veneciano

Jaroussky estará acompañado por la soprano Emóke Baráth, la contralto Lucile Richardot y el tenor Emiliano González Toro, junto a Le Concert de la Loge con dirección musical del violinista Julien Chauvin

El vínculo de Philippe Jaroussky con el Teatro Real siempre ha estado relacionado con el éxito artístico y con el enorme cariño que el público de Madrid le profesa desde su debut en este escenario en el año 2000 con Celos aun del aire matan, de Juan Hidalgo. Su rápida y brillante carrera, que le ha situado entre los mejores contratenores del mundo, señala al coliseo madrileño como testigo de grandes noches de lírica.

Por esta razón, y ante la actual situación provocada por el COVID-19, el artista francés y el Teatro Real han decidido ofrecer el concierto previsto para el próximo 5 de octubre, en una sesión doble, a las 19.00 y a las 21.30 horas, que permita reubicar al público con entrada para esta cita en las mejores condiciones de seguridad sanitaria.

Jaroussky se presentará en esta cita con una selección de arias y extractos de ópera de su compositor fetiche, Antonio Vivaldi, acompañado por la formación barroca Le Concert de la Loge, dirigida por el violinista Julien Chauvin. Junto a ellos participarán la soprano Emóke Baráth, la contralto Lucile Richardot y el tenor Emiliano González Toro.

El título del concierto lo dice todo, ¡Viva Vivaldi!. Las obras del compositor veneciano son el lugar en el que la voz de Jaroussky mejor exhibe su virtuosismo y sensibilidad dotando cada fragmento de una irrenunciable belleza. El timbre inconfundible de su voz se ensamblará, en algunos momentos del programa a las de Emóke Barát y Emiliano González Toro para interpretar el trío de La veritá in cimento, “Aura placide et serene” o compartirá las apasionadas notas de Il Giustino con Emiliano para contraponer la intensidad dramática y melódica de esta ópera que contiene algunas de las arias más redondas del compositor como “Vedrò con il mio diletto” e “Il piacer della vendetta”.

El Teatro Real se pondrá en contacto con todos los abonados del ciclo Grandes y Voces y con los compradores con entrada para este concierto para comunicarles el cambio de hora y la reubicación en nuevos lugares, con el fin de garantizar la distancia de seguridad sanitaria que permita disfrutar de una inolvidable velada.

Teatro Real

El próximo 13 de noviembre el Teatro Real inaugurará la tercera temporada de Flamenco Real, consolidando así la presencia del flamenco en su Salón de Baile, con una programación articulada en torno a un gran nombre del cante o del baile.

Después de Cristina Hoyos, homenajeada en la pasada edición, esta tercera temporada estará dedicada a la gran bailaora, coreógrafa, maestra, investigadora y empresaria Blanca del Rey, musa de la danza española en los últimos 50 años.

Antonio Canales, vinculado a FLAMENCO REAL desde su creación, seguirá tutelando, con su maestría, este ciclo, que en esta temporada tendrá una programación más ambiciosa, en la que destacan los nombres de Miguel Fernández Ribas, ‘El Yiyo’; Antonio Molina, ‘El Choro’; Juan Campallo, Alba Heredia, Amador Rojas, Andrés Peña & Pilar Ogalla; Rafael Rodriguez, “El Cabeza”; Belén López, Rapico, Iván Vargas, Kiki Morente, Yolanda Osuna, Ricardo Fernández del Moral, María José Franco, Juan Manuel Moneo, María Moreno, Óscar Lago, Antonio Canales, Mercedes de Córdoba, Enrique ‘El Extremeño’, Ángel Muñoz, Charo Espino, Macarena Ramírez, Eduardo Guerrero, Sergio de Lope, o el “El Mati”.

Para llevar a cabo la tercera edición de FLAMENCO REAL con la actual normativa de seguridad sanitaria se ha tenido que cambiar la configuración y estructura de todo el ciclo: las anteriores sillas y mesas con vino español, a semejanza de un tablao, se han sustituido por butacas dispuestas en semicírculo, como un auditorio, de las que se ocuparán apenas 130 asientos (40% del aforo total).

Para dar cabida a más espectadores, cada espectáculo se ofrecerá en doble sesión, a las 19.30 y a las 22:00 horas. Asimismo, se ha añadido una categoría de localidades a precio reducido y se han rebajado los precios un 15% en relación con las ediciones anteriores con el fin de facilitar el disfrute del flamenco al mayor número de personas en estos tiempos difíciles marcados por la pandemia. Las cuatro categorías de localidades tienen precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Los espectáculos, que tendrán lugar los jueves o los viernes, cada 3 semanas, aproximadamente, estarán precedidos por un vino de bienvenida, que se servirá media hora antes de cada espectáculo en los salones contiguos al salón de baile, con los espectadores de pie, siguiendo las medidas de sanidad en vigor.

Esta tercera edición de FLAMENCO REAL, en coproducción de SO-LA-NA, estará compuesta por 15 espectáculos de arte flamenco, cante, baile, toque y percusión, protagonizados por reconocidos artistas, que representan distintas familias, escuelas y corrientes de un arte muy arraigado a la tradición, pero permeable a la personalidad de sus distintos intérpretes.

El Salón de Baile volverá a acoger los espectáculos de flamenco a lo largo de toda su temporada, enriqueciendo ese espacio mítico con el patrimonio artístico español, en el marco de la política de apertura del Teatro Real a estilos y lenguajes diversos, fomentando el diálogo entre diferentes formas de expresión.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio de Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, Juan Gil, Grupo Corporalia.

FLAMENCO REAL | PROGRAMACIÓN

13 de noviembre 2020 | Miguel Fernández Ribas, ‘El Yiyo’

A contratiempo

Miguel Fernández Ribas, ‘El Yiyo’, baile

Miguel de la Tolea, cante

Manuel Tañe, cante

Eugenio Santiago, guitarra

Paco de Mode, percusión

26 de noviembre 2020 | Antonio Molina, ‘El Choro’

Con la participación de Juan Campallo, artista invitado

Mi baile

Antonio Molina, ‘El Choro’, baile

Juan Campallo, guitarra

Ismael de la Rosa, cante

Moi de Morón, cante

17 de diciembre 2020 | Alba Heredia

Alba&Lando

Alba Heredia, baile

Antonio Moreno Maya, ‘El Cancu’, cante

José Plantón, ‘José de Calli’, cante

David Jiménez, guitarra

Juan Jiménez, guitarra

Rober ‘El Moreno’, palmas

21 de enero 2021 | Amador Rojas

Amar bailando

Amador Rojas, baile

Joni Jiménez, guitarra

Inma ‘la Carbonera’, cante

11 febrero 2021 | Andrés Peña & Pilar Ogalla

Con la participación de Rafael Rodriguez, “El Cabeza” artista invitado

De sepia y oro

Andrés Peña, baile

Pilar Ogalla, baile

Rafael Rodríguez, ‘El Cabeza’, guitarra

Emilio Florido, cante

Miguel Soto, ‘El Londro’, cante

26 febrero 2021 | Belén López

Con la participación de Rapico, artista invitado

Flamenca

Belén López, baile

Morenito de Illora, cante

Pedro Jiménez, cante

Juan Jiménez, guitarra

Carlos Jiménez, guitarra

Rafael Jiménez, ‘El Chispa’, percusión

4 de marzo 2021| Iván Vargas

Con la participación de Kiki Morente, artista invitado

Flamenco de raíz

Iván Vargas, baile

Kiki Morente, cante

Joni Cortés, cante

Luis Mariano, guitarra

Miguel Rodríguez Fernández, “El Cheyenne”, percusión

25 de marzo 2021 | Yolanda Osuna

Con la participación de Ricardo Fernández del Moral, artista invitado

Irradia

Yolanda Osuna, baile

Miguel Pérez, guitarra

Bernardo Miranda, cante

David Moñiz, violín

Roberto Jaén, percusión

15 de abril 2021| María José Franco

Con la participación de Juan Manuel Moneo, artista invitado

Volver

María José Franco, baile

Juan Manuel Moneo, guitarra

Manuel Moneo, cante

Carmen Grilo, cante

6 de mayo 2021 | María Moreno

Con la participación de Óscar Lago, artista invitado

Yo bailo

María Moreno, baile

Óscar Lago, guitarra

Pepe de Pura, cante

Roberto Jaén, palmas

20 de mayo 2021 | Antonio Canales

La guitarra canta

Antonio Canales, baile

David «El Galli», ‘cante

Israel Fernández, cante

Manuel de la Tomasa, cante

David Rodríguez “David del Arahal”, guitarra

3 de junio 2021 | Mercedes de Córdoba,

Con la participación de Enrique ‘El Extremeño’, artista invitado

Sin más

Mercedes de Córdoba, baile

Enrique ‘El Extremeño’, cante

Pepe de Pura, cante

Juan Campallo, guitarra

Paco Vega, percusión

24 de junio 2021 | Ángel Muñoz

Con la participación de Charo Espino, artista invitada

Almíbar

Ángel Muñoz, baile

Charo Espino, baile

José Ángel Carmona, cante

Gaspar Rodríguez, guitarra

Diego Villegas, saxofón y flauta

8 de julio 2021 | Macarena Ramírez

Con la participación de Eduardo Guerrero, artista invitado

Efímero

Macarena Ramírez, baile

Juan José Alba, guitarra

José Plantón, ‘José de Calli’, cante

Ismael de la Rosa, ‘El Bola’, cante

Juan José Amador, ‘El Perre’, cante

29 de julio 2021 | Sergio de Lope

Con la participación de “El Mati”, artista invitado

Ser de Luz

David Caro, guitarra

Javier Rabadán, percusión

Juanfe Pérez, bajo

PRECIOS POR LOCALIDAD*

Zona Premium: 65 €

Zona A: 55 €

Zona B: 35 €

Zona c: 25 €

* El precio incluye un vino de bienvenida.

Amigos del Real

10% de descuento por compra de entradas para todos los espectáculos.

Abonos

Dos abonos con fechas alternas: 6 entradas por abono

Fotografía: Javier del Real

El público más joven vuelve a ser protagonista del fin de semana en el Teatro Real con un nuevo título de la programación del Real Junior en el que, de la mano de la música de Igor Stravinsky, descubriremos la Historia de un soldado, obra basada en el texto de Charles Ferdinand Ramuz del mismo título, inspirado a su vez en un cuento popular ruso.

Se ofrecerán tres sesiones los días 3 y 4 de octubre a las 12.00 horas, en la Sala Principal, con los protocolos y medidas sanitarias necesarias para que el público familiar se sienta seguro y pueda disfrutar de una jornada de música matinal.

El Teatro Real quiere sumarse al reconocimiento al esfuerzo y la labor desarrollada desde el inicio de la pandemia al personal sanitario y a los cuerpos y servicios de seguridad (policía nacional, protección civil, bomberos, SAMUR y policía municipal), poniendo a su disposición entradas gratuitas de funciones completas este fin de semana, para que puedan disfrutar de la música en familia. Las invitaciones han sido distribuidas a los interesados a través de hospitales, colegios profesionales y administraciones de los cuerpos de seguridad.

El cuento nos narra la historia de un soldado que, de regreso a su casa, con un permiso de descanso, es burlado por el Diablo, en forma de un desconocido, que le sugiere cambiar su violín por un libro mágico con el que podrá conocer el futuro y hacerse rico. El soldado acepta el trueque y pasar tres días en compañía del nuevo amigo con el fin, por una parte, de enseñarle a tocar el instrumento y, por otra, de aprender a interpretar el contenido del libro. Pero no todo será como él espera…

En este punto de partida, música, palabra y danza construirán el relato con una mirada más cercana y un formato más actual a los ojos y sensibilidades de los jóvenes de hoy en día, dirigido y coreografiado por Ferrán Carvajal, con la participación de Roger Orra en el diseño de la escenografía y los figurines y de Marc Lleixà en la iluminación.

El maestro Rubén Gimeno dirigirá a los solistas de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, en una partitura compleja en la que cada instrumento representa a un personaje y todos definen las distintas escenas a veces con un aire intimista y, a veces, festivo y desenfadado donde el vals, el jazz o el ragtime bailan juntos.

Historia de un soldado es una producción de L’Auditori de Barcelona, Thorus Arts y Jeloudoli que se presenta, por primera vez en el Teatro Real.

Como ya es habitual, el Teatro Real pone a disposición de los espectadores, en su página web, una completa Guía Didáctica con información complementaria y datos curiosos sobre el espectáculo.

Fotografía: Javier del Real

La periodista Concha Barrigós ha sido nombrada Directora de Comunicación y Relaciones Informativas del Teatro Real y pasa a integrarse en su Comité de Dirección.

Doctora en Periodismo por la Universidad Carlos III, era hasta su incorporación al Teatro Real, Redactora Jefa de la Agencia Efe, en la que ha sido la máxima responsable, en distintas etapas, de las secciones de Cultura y Espectáculos, Sociedad y Ciencia y Futuro. Desde hace una década se ocupaba, además, de la información en el ámbito de las Artes Escénicas y Música Clásica.

Ha sido Redactora Jefa de Informativos de Telecinco, fundadora y directora de Cable Canal Salud y socia fundadora de la revista de Comunicación Joiner.

Muy vinculada a la enseñanza superior desde hace años, ha sido profesora en las universidades Antonio de Nebrija y Carlos III. Invitada por distintas universidades e instituciones, fue ponente en seminarios de la Universidad Complutense, la Fundación Alternativas, la Fundación Santillana, la Fundación MonteMadrid, el Congreso Iberoamericano de Cultura de Zaragoza o el Hay Festival, representante española en la World Journaliste Conference de Seúl y organizadora de un congreso sobre juventud y drogas para la Presidencia Española de la UE.

Miembro del jurado de premios como el Cervantes o nacionales como los de Ensayo, Arquitectura o Literatura Infantil, tiene la Cruz Blanca de la Orden del Mérito del Plan Nacional de Drogas, el galardón Fecyt de Difusión de la Ciencia , el premio de «No violencia contra las mujeres» del ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales, entre otros.

Con el fin de atender a la demanda expresada por algunos espectadores el pasado 20 de septiembre, el Teatro Real, siempre sensible a los planteamientos y preocupaciones de su público, ha decidido limitar a un 65% el aforo en las zonas delimitadas del Teatro. Para ello, desde ayer por la tarde se está contactando con los abonados con entradas correspondientes a cada área para informarles del protocolo de seguridad sanitaria vigente en el Teatro y proponerles, si fuera el caso, la reubicación de sus localidades o, en su defecto, la devolución del importe íntegro de sus entradas.

El Teatro Real está recordando a todo el público que se mantiene activo su estricto protocolo de seguridad sanitaria: alfombras desinfectantes, gel hidroalcohólico, oferta de mascarillas y medición de temperatura en todos los accesos al teatro; áreas de movilidad limitadas dentro del edificio; incremento de baños y barras para evitar aglomeraciones; limpieza permanente de todos los espacios públicos (baños, escalinata, barras, etc.), entrada y salida de los espectadores de manera escalonada; asistencia permanente e individualizada al público por parte del personal de sala; servicio médico asistencial durante las representaciones, etc.

Asimismo, los espectadores con residencia en las zonas de semi-confinamiento delimitadas por la Comunidad de Madrid podrán recuperar el importe de su localidad acreditando la dirección postal de su domicilio.

El Teatro Real agradece el respaldo de las instituciones oficiales -Gobierno de España, Comunidad y Ayuntamiento de Madrid-, la colaboración imprescindible y generosa de los patrocinadores -y sus muestras de apoyo muy especial en estos últimos días-, así como la actuación conjunta de los órganos de gobierno del teatro y de todos los trabajadores.

Teatro Real

Después de analizar las posibles causas de la protesta de un grupo de espectadores que ha acudido ayer, 20 de septiembre, a representación de Un ballo in maschera, que finalmente no ha podido llevarse a cabo, el Teatro Real lamenta mucho lo sucedido y expresa su comprensión con todos los espectadores que no se han sentido seguros en sus butacas, aunque se cumpliera escrupulosamente con la normativa sanitaria vigente en la actualidad, comprobada por la Policía que se ha desplazado anoche al Teatro.

Quizás el origen de la disconformidad de una parte del público con la distribución de sus localidades en la sala se deba a los cambios en el protocolo de seguridad sanitaria adoptado para las funciones de Un ballo in maschera, que no son los mismos que se aplicaron en las representaciones de La traviata en julio: se ha eliminado el precintado de las sillas y la obligatoriedad de dejar dos butacas vacías al lado de otras dos ocupadas, ya que ha variado también la normativa sanitaria de la Comunidad de Madrid.

En las funciones de La traviata no salieron a la venta las localidades previamente bloqueadas y en Un ballo in maschera se ha dejado venta libre hasta completar el 65% del aforo total de la sala, cuando el máximo autorizado por la Comunidad de Madrid era ayer de un 75%. Así, el público que ha comprado sus entradas ha podido elegir libremente sus localidades en la sala, sin límite por zonas, estando contemplada por el teatro, dentro de la normativa sanitaria vigente, la posibilidad de que los espectadores se sentaran en butacas consecutivas –tal como pasa en los transportes públicos- protegidos por su mascarilla y en una sala en que están en silencio escuchando la ópera.

Quizás este hecho haya sido el desencadenante de las protestas, ya que el público esperaba encontrar la sala con una distribución de las butacas similar a la de las funciones de julio, pero el protocolo sanitario de entonces y el de ahora es distinto, como lo ha sido en el escenario, en el que se está ofreciendo ya una producción operística completa, con escenografía, figurines, y los solistas, coro y bailarines con una mayor movilidad en el escenario.

El Teatro Real quiere reiterar su compromiso con la seguridad sanitaria del público, artistas y trabajadores, en el que lleva trabajando con ahínco, responsabilidad y mucha energía, desde el mes de abril, con un Comité Médico proprio y el seguimiento escrupuloso de la normativa del Gobierno de España y de la Comunidad de Madrid.

Después del incidente de anoche el Teatro Real adoptará todas las medidas necesarias para que los espectadores se sientan más seguros, reforzando igualmente su comunicación con el público.

El Teatro Real agradece, como siempre, a los artistas y trabajadores toda su implicación y entrega para hacer la ópera posible en estos días de incertidumbre. Una vez más este agradecimiento es extensivo a todo el público, incluyendo también a los espectadores que anoche no se han sentido cómodos en la sala. A todos pedimos confianza, comprensión y generosidad para afrontar juntos estos días difíciles, en los que el arte y la música son más necesarios que nunca.

Fotografía: Javier del Real

Teatro Real

Hoy, 20 de septiembre, antes del inicio de la función de Un ballo in maschera, en la que había 905 localidades ocupadas (51,5% del aforo total de la sala), un grupo de espectadores ha expresado con aplausos y gritos su disconformidad con el emplazamiento de sus localidades.

La protesta se ha prolongado pese a los avisos de megafonía que ofrecían a los espectadores la posibilidad de recolocarles o devolverles el importe de las entradas.

Después de la reubicación de una gran parte de los espectadores que protestaban, y de dos intentos de interpretar la ópera por parte del director de orquesta y de todos los artistas y técnicos que participaban en la función, un reducidísimo grupo insistió en proseguir con sus protestas para boicotear la representación, por lo que la misma tuvo que suspenderse, cerca de las 21.10 horas.

La dirección del Teatro Real abrirá una investigación para averiguar esta lamentable incidencia y tomará las medidas necesarias para para que las sucesivas funciones se desarrollen con normalidad.

Teatro Real

Un Especial baile de máscaras

Un ballo in maschera

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Pocas veces un título es tan acertado para describir una situación. Y es que el Teatro Real estrena esta extraña e incierta temporada 20/21 con ‘Un ballo in maschera’, de Verdi.

Para entrar en el Teatro hay que dedicarle ahora un poco más de tiempo. No puede una saltarse ninguno de los pasos de la nueva liturgia de seguridad contra el covid-19 que en este Teatro es especialmente minuciosa. Todo perfectamente ordenado para evitar cualquier tipo de aglomeración y un solícito personal de sala que da todo tipo de información e indicaciones.

Esta temporada el Teatro Real pone en marcha una iniciativa que ya se viene realizando en otros teatros europeos con gran éxito. Se trata de un preestreno dedicado exclusivamente a los jóvenes. El 16 de septiembre, dos días antes del estreno oficial, ha tenido lugar esta estimulante premier que ha tenido una respuesta extraordinaria. Una magnífica iniciativa muy celebrada por una joven afición que normalmente, bien por razones de aforo o por el elevado precio de las localidades, no acude a estos espectáculos con la asiduidad que le gustaría.

Hemos hablado con alguno de estos jóvenes que han venido a esta primera gala y han compartido con nosotros sus puntos de vista. Hoy ellos son los protagonistas.

No es la primera vez que Cristina asiste a una ópera. De hecho, ha trabajado como maquilladora en el Teatro. ”Me parece muy buena la iniciativa, me gusta mucho y si hoy, que vengo sola, me gusta, me voy a traer a todos mis amigos. Por 35€ me parece brutal poder venir y disfrutar de todo esto”.

Manuel y José Ignacio, son músicos que vienen por primera vez al Teatro Real desde Sevilla y Aracena, Huelva. “Nuestras expectativas son muy altas. Siempre nos ha gustado la música de Verdi y venimos con ganas. La propuesta del Teatro nos parece muy interesante, sobre todo para el acercamiento de la ópera a los jóvenes. Generalmente no nos lo podemos permitir y estos son unos precios muy razonables. Siempre nos teníamos que conformar con verla por internet y ahora estamos aquí.”

Gonzalo y Eduardo es la primera vez que vienen a la ópera y se encuentran un poco perdidos. “Venimos con ganas, es una experiencia nueva y creo que nos va a gustar. Desde fuera tiene muy buena pinta. La primera vez, ¡a ver qué tal!”.

A diferencia de la Traviata del mes de julio, este Ballo in Maschera es escenificado. Ante la imposibilidad de trasladar a Madrid la producción inicialmente programada de David Alden, se ha optado por la escenografía de Gianmaria Aliverta. El esfuerzo realizado para adaptar esta producción, estrenada en 2017 en el Teatro La Fenice de Venecia, a los estrictos protocolos sanitarios ha sido importante. La escenificación es casi completa. Evitando el contacto o la cercanía entre los intérpretes y en el que solo los bailarines llevan mascarilla, por cierto, tan discreta que apenas se deja ver.

La escenografía resulta anticuada y sosa. Todos los elementos son muy estáticos, a excepción de una gran roca en el segundo acto que gira (para tormento de Amelia, que tiene que cantar a la vez que trepa por ella). Nada en el escenario proporciona el dinamismo al que no llegan los cantantes, por la necesaria falta de movimientos. Tampoco ayudan los largos cambios de escénicos durante la representación.

La coreografía del cuerpo de bailes tampoco es muy estimulante, no parece muy elaborada. Desconcierta también el hecho de situar la obra en la América de la esclavitud, con una bandera americana con excesiva presencia, por lo gigantesca.

Pero la ausencia de proximidad entre los cantantes, sobre todo en el dúo de amor, es compensado por la música. El maestro Luisotti lo describe muy bien: “La experiencia de la ópera es una experiencia personal. La posibilidad de cerrar los ojos e imaginar lo que está ocurriendo nos lo proporciona la música. En el dúo de amor, aunque no lo estuviera viendo, puedo imaginar el abrazo de los dos amantes.” Verdi consigue transmitir, a través de su música, las palabras exactas para describir una acción.

Un Ballo in maschera es sin duda la más italiana de las óperas de Verdi, y la batuta de Nicola Luisotti, gran conocedor de este repertorio, lo pone de manifiesto a lo largo de toda la representación. Si uno se abandona a la música y el color y detalle que Luisotti extrae de la orquesta, nada de lo que ocurre en el escenario altera la esencia de la obra.

Hay que reconocer el gran trabajo desarrollado por el escenógrafo Massimo Checchetto y por los cantantes. No es fácil desenvolverse en un escenario manteniendo distancias con todo el mundo. Lo que afecta también, no solo a la interpretación, sino a la proyección sin referencias cercanas.

Este Ballo in maschera cuenta con dos repartos y cuatro Amelias. La representación de la gala joven estuvo a cargo de un segundo reparto encabezado por el veterano Ramón Vargas, como el Conde Ricardo, que conserva la clase y el fraseo que hicieron de él uno de los más grandes tenores. La madrileña Saioa Hernández, como Amelia, que demostró una gran sensibilidad con la expresividad de su voz. Geroge Petean, con una profunda voz de barítono que dio vida al amigo y después rival de Ricardo. Silvia Beltrami, que construyó un oscuro personaje de la hechicera Ulrica. Elena Sánchez Pereg, que interpretó al joven Oscar, Tomeu Babiloni, como Silvano, Daniel Giulianini, como Samuel, Goderdzi Janelidze, como Tom y Jorge Rodríguez Norton.

El coro estuvo asistido en todo momento por la técnica para poder guardar las distancias sobre plataformas móviles.

Un comienzo de temporada esperanzador en medio de esta situación distópica y llena de incertidumbre pero, como recordó Vargas Llosa la noche del estreno “La cultura está hecha para enfrentar tiempos difíciles”. Por eso estamos aquí, rodeadas de jóvenes…

Texto: Paloma Sanaz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

La inauguración oficial de la presente temporada, el próximo 18 de septiembre, será precedida, por primera vez, de un preestreno sólo para menores de 35 años ─la Gala Joven─ el 16 de septiembre.
Se ofrecerán 16 funciones de Un ballo in maschera con un aforo máximo del 75% de las localidades y con las medidas de seguridad sanitaria implementadas en las 27 representaciones de La traviata el pasado julio, modificadas de acuerdo con la normativa aprobada recientemente por la Comunidad de Madrid.
El director de escena Gianmaria Aliverta y el escenógrafo Massimo Checchetto han introducido importantes modificaciones en la producción original del Teatro de La Fenice de Venecia para adaptarla al protocolo sanitario del Teatro Real, manteniendo intacto su concepto dramatúrgico.
Nicola Luisotti, primer director musical invitado del Teatro Real, dirigirá su sexto título verdiano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del enorme éxito obtenido con Don Carlo y La traviata en la pasada temporada.
Dos repartos (con cuatro Amelias) se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); las sopranos Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky (Amelia); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato); las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y las sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).
Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre a las 20.00 horas, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y en la Plaza de Isabel, con aforo limitado y de acuerdo con la normativa relativa a la COVID 19 de la Comunidad de Madrid.
En torno a Un ballo in maschera se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real y en colaboración con la Fundación SGAE, Museo de Artes Decorativas y Universidad Nebrija, destacando la sesión de Enfoques, el 14 de septiembre a las 20.15 horas, con un aforo del 75% de las localidades presenciales y retransmisión, por primera vez, en el canal de Youtube del Teatro Real.
Las funciones de Un ballo in mascheracuentan con el patrocinio de Telefónica.
La retransmisión en directo de la ópera en las pantallas exteriores está patrocinada por Telefónica, Endesa, Loterías y Apuestas del Estado, Mutua Madrileña, Fundación Redexis y Fundación EDP.
La Gala Joven contará con la colaboración de la firma de servicios profesionales EY.

El Teatro Real inaugurará la Temporada 2020-2021 ─la 24ª desde su reapertura─, con Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, que se ofrecerá en una producción procedente del Teatro La Fenice de Venecia y repuesta en colaboración con el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

El libreto de la ópera, algo trasnochado para la época, parte de uno anterior, de Agustin Eugène Scribe, inspirado tangencialmente en el asesinato del rey Gustavo III de Suecia durante un baile de máscaras en la Ópera de Estocolmo, víctima de una conspiración. Sucesivos problemas con la censura romana y napolitana obligaron al libretista Antonio Somma a trasladar el trasfondo político de la ópera de la corte sueca a Boston, a finales del XVII, entonces bajo gobernación británica.

El director de escena Gianmaria Aliverta mantiene la trama de la ópera en Estados Unidos, pero desplaza la acción al siglo XIX, cuando las violentas luchas fratricidas enfrentaban los estados del Norte y del Sur, que se resistían a abolir la esclavitud y a perder otras prerrogativas abusivas adscritas a los propietarios de los grandes latifundios.

En este contexto de enfrentamientos se enfatiza la tensión política que subyace en el libreto, que tiene, en primer plano, un funesto triángulo amoroso, en el que las vicisitudes de los protagonistas son descritas musicalmente con el afilado sentido dramático de Verdi y su inagotable inspiración melódica. El compositor entrelaza arias, dúos y escenas corales en bloques que conforman grandes cuadros, articulando con extrema habilidad el drama y la comedia, los números de conjunto y los momentos íntimos, el bullicio palaciego y el drama interior de los personajes, manteniendo siempre la tensión en “el más melodramático de los melodramas”, en las palabras de Gabrielle D’Annunzio.

Nicola Luisotti, primer director invitado del Teatro Real, estará al frente de dos repartos de grandes voces verdianas, en los que el papel protagonista femenino (Amelia), será interpretado por cuatro distintas sopranos: Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky. Completan los elencos los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato), las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).

Tal como ocurrió con las funciones de las La traviata, los solistas, coro, actores y trabajadores del teatro cumplirán rigurosamente con el Protocolo de Seguridad Sanitaria diseñado por el Comité Médico del Teatro Real, en conformidad con las directrices de la Comunidad de Madrid.

Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y, por primera vez, en la Plaza de Isabel II, donde se colocarán 450 sillas separadas entre sí por 2 m., en un área acotada de 4000 m2 con 320 m. de vallado de seguridad y 8 entradas y salidas debidamente señalizadas y dotadas de hidrogel.

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro. En estos años Telefónica ha ampliado el número de funcionalidades y servicios de la web, reforzando el carácter interactivo y la comunicación con los usuarios. De este modo, ha permitido crear un catálogo de productos mucho más amplio -abarcando diferentes tipos de música- y accesible, con servicios más ajustados a las preferencias de los seguidores de esta institución. Un paso más dentro de este proyecto global ha sido My Opera Player, plataforma digital que permite a los amantes de la ópera, la danza y la música clásica disfrutar desde casa, con tan sólo un click, de las mejores producciones de éxito internacional.

MyOperaPlayer, , cuenta con Telefónica, como socio tecnológico del Teatro Real, y con el patrocinio de Endesa, que apoyó esta iniciativa como patrocinador único cuando la plataforma se llamaba Palco Digital.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

11 de septiembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti y Gianmaria Aliverta -directores musical y de escena de Un ballo in maschera- y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real. Interpretación de arias de óperas de Mercadante y Auber basadas en el libreto de Eugene Scribe.

18 de septiembre, a las 20.00 horas | Retransmisión en la Plaza de Oriente y Plaza de Ópera

Retransmisión en directo de Un ballo in maschera en las pantallas situadas en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II.

8 de octubre, 19:00 h. | Universidad Nebrija

Conferencia en streaming: primera de cuatro las conferencias del ciclo Hilvanes de ópera, que a lo largo de toda la temporada del Teatro Real quiere ahondar en el fascinante mundo de la moda a través de la ópera.

Actividad gratuita previa inscripción en actos.nebrija.es

11 de octubre, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala Principal

Los domingos de cámara I: los Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real ofrecerán un concierto con afinidades con la ópera Un ballo in maschera.

18 de octubre, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Todos a la Gayarre: talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Un baile con suspense. Nos colamos con un paje en un baile de disfraces.

Sábados y domingos de octubre a diciembre | Museo de Artes Decorativas

Recorridos en familia: bajo el título Un baile de máscaras, Mitos clásicos el museo ofrece itinerarios autoguiados para descubrir en familia la multitud de héroes de la mitología clásica que se esconden en sus salas. Héroes que en muchas ocasiones la máscara del tiempo ha convertido en figuras anónimas y de los que ahora podremos conocer su nombre y su historia. Actividad gratuita previa inscripción en difusion.mnad@cultura.gob.es

Fotografía: Javier del Real

La famosa mezzosoprano italiana Daniela Barcellona regresa al escenario del Real para su debut como la maga Ulrica de la ópera de Verdi “Un ballo in maschera”, ópera que el próximo 18 de septiembre inaugura la nueva temporada lírica del coliseo madrileño. La cantante nacida en Trieste y aclamada como una de las grandes figuras de la lírica internacional en los teatros de ópera más importantes del mundo, vuelve al Teatro Real, con la que será su primera actuación operística tras su reciente éxito como solista de la Novena de Beethoven en el concierto de reapertura del mítico Teatro San Carlo, celebrado en la Piazza del Plebiscito.

Considerada como la mezzosoprano rossiniana de referencia de las últimas décadas, y una de las voces más importantes del circuito operístico internacional, tanto por su calidad vocal como por sus dotes escénicas, que la convirtieron en la primera cantante italiana galardonada con el prestigioso premio “Olivier Award”; Daniela Barcellona, que ha cantado bajo la batuta de maestros como Claudio Abbado, Colin Davis, Lorin Maazel, James Levin, Georges Prêtre, Kent Nagano, Valery Gergiev, Daniel Barenboim o Riccardo Muti, ha decidido seguir la evolución natural de su voz y en los últimos años ha incorporado nuevos roles a su repertorio. A su amplio catálogo de personajes ha añadido otros nuevos, como Baba la Turca en The rake’s progress de Stravinsky, su aplaudida Didon de Les Troyens de Berlioz, Santuzza (Cavalleria rusticana), Laura Adorno (La Gioconda) y los verdianos, Princesa de Éboli (Don Carlo), Ámneris (Aida) – tras su memorable interpretación en la Arena di Verona, la crítica italiana la saludó como “Grandissima Daniela Barcellona! Abbiamo finalmente trovato l’Amneris areniana che aspettavamo da anni!”- o la Mrs Quickly de Falstaff, rol que ha cantado en Chicago con Riccardo Muti, en la Opéra National de París, La Scala de Milán, Dutch National Opera de Holanda, la Staatsoper de Berlín con Daniel Barenboim y Zubin Mehta, o la primavera pasada en el Teatro Real de Madrid, en la nueva producción de Laurent Pelly.

Sus compromisos más inmediatos incluyen, de nuevo, Falstaff en Bruselas, su debut como Azucena (Il trovatore) en la Opéra National de París, y el Requiem de Verdi junto a la Staatskapelle Berlin y Zubin Mehta en la Staatsoper Unter den Linden y la Philharmonie de Berlín.

Fotografía: Fabio Parenzan

https://www.danielabarcellona.com/

Ya están a la venta las entradas del Festival Internacional de Fado de Madrid que se celebrará en el Teatro Real el sábado 26 de septiembre de 2020 y que a lo largo del día contará con los conciertos de Ana Moura, Cuca Roseta y Fábia Rebordão.

El Festival de Fado de Madrid dedicará la programación de su X Edición a rendir homenaje a la gran diva del género luso, Amália Rodrigues, en el año que se conmemora el centenario de su nacimiento.

Para esta efeméride tan importante se ha diseñado una jornada en la que tendrán cabida distintas disciplinas que intentarán acercar la figura de la artista al espectador.

Durante todo el día se podrá visitar la exposición “Amália Rodrigues” creada por el Museo de Fado y el EGEAC con fotografías y textos relacionados con la diva portuguesa. También habrá dos conferencias sobre Amália ofrecidas por los expertos Jorge Fernando y Tiago Torres da Silva. Antes de la música se pasarán dos películas emblemáticas del género Luso “The Art of Amália” de Bruno de Almeida y “Amália o Filme” de Carlos Coelho da Silva. Como colofón del festival tres grandes voces femeninas ofrecerán sendos conciertos: Fábia Rebordão (17.30H Sala de Orquesta), Cuca Roseta (19.00h Sala Principal) y Ana Moura (21.30h Sala Principal)

ANA MOURA

El regreso de Ana Moura a Madrid quedará marcado por un espectáculo diferente e imperdible.

En una altura que la artista prepara su próximo disco y que se celebra el centenario del nacimiento de Amália Rodrigues, el nombre mayor del Fado, Ana Moura presenta en la mítica sala de Teatro Real un concierto con algún repertorio que habitualmente no hace parte de sus espectáculos y con algunas relecturas del cancionero de Amália Rodrigues.

Se trata, probablemente, de una de las últimas oportunidades de ver Ana Moura en el escenario, antes de la llegada del nuevo disco, de los nuevos temas y del nuevo espectáculo.

Día 26 de Septiembre: Ana Moura– Voz: Ana Moura- Guitarra portuguesa: Ângelo Freire –Viola Fado: Pedro Soares- Bajo acústico: André Moreira Teclado: João Gomes -Percusión- Mário Costa –21.30 h., Sala principal.

CUCA ROSETA

Cuca Roseta es una de las voces más aclamadas y aplaudidas del fado. Su voz y su enorme talento han conquistado muchos de los más importantes escenarios del mundo.

Tras cinco discos publicados, en los que destaca la firma de producción de Gustavo Santaolalla o Nelson Motta, Cuca Roseta presenta ahora un disco y un espectáculo íntegramente dedicado a Amália Rodrigues.Más que un homenaje de Cuca Roseta a la mayor voz del fado se trata, sobre todo, de un agradecimiento personal a una mujer y una obra que, desde el primer momento, se convirtieron en un apoyo fundamental para su crecimiento artístico como fadista.

https://www.teatroreal.es/es/espectaculo/ana-moura

Día 26 de Septiembre: Cuca Roseta- Obrigada Amália-Voz-: Cuca Roseta – Guitarra portuguesa: Sandro Costa – Viola Fado: Tuniko Goulart- Bajo acústico: Marino de Freitas –Piano: Rubén Alves -Percusión- Ivo Costa- 19.00 h., Sala principal.

https://www.teatroreal.es/es/espectaculo/cuca-roseta

FÁBIA REBORDÃO

Es considerada, de forma unánime, una de las voces de referencia del nuevo fado.

Prima de Amália Rodrigues, Fábia Rebordão empieza a cantar de forma habitual en casas de fados. Desde entonces, muchos consideran que la cantante «tiene la misma amargura en la voz que Amália» Se presenta ahora al público con una imagen y energía renovadas en el año de lanzamiento de su tercer álbum de originales.

En el nuevo espectáculo de Fábia Rebordão, serán abordados algunos temas del nuevo álbum y los fados más emblemáticos de Amália Rodrigues.

En el año de conmemoración del centenario de la muerte de Amália, sería inevitable la presencia de un momento de tributo a la mayor voz de siempre del fado.

Día 26 de Septiembre: Fábia Rebordão Voz: Fábia Rebordão – Guitarra portuguesa: Bruno Chaveiro – Viola Fado: Jorge Fernando –Bajo acústico: José Ganchinho 17.30 h., Sala de orquesta.

https://www.teatroreal.es/es/espectaculo/fabia-rebordao

Concluyen con éxito las 27 funciones de La traviata que despiden la temporada del Teatro Real

LA ÓPERA ES POSIBLE CON LA COMPLICIDAD DE TODOS

Entre los días 1 y 29 de julio se han ofrecido 27 funciones de La traviata, en las que el público ha seguido escrupulosamente las medidas de seguridad sanitaria implementadas por el Teatro Real sin que se produjera ninguna incidencia relevante.
22.000 espectadores han asistido a las representaciones, superando el objetivo de ocupar el 50% del aforo total de la sala en todas las representaciones.
El Teatro Real culmina así un proyecto ilusionante y muy complejo, en el que han trabajado con ahínco sus 300 trabajadores, en estrecha complicidad con los intérpretes (cuatro repartos), el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, el director musical Nicola Luisotti y el director de escena Leo Castaldi.
El protocolo sanitario diseñado por el Comité Médico del Teatro Real, en colaboración con sus equipos de Prevención e Infraestructuras, se está ofreciendo a las instituciones nacionales y extranjeras que lo solicitan.

Para que toda España y el resto del mundo pudieran ver la primera ópera íntegra ofrecida en un escenario después del período de confinamiento obligatorio, La traviata se emitió en directo y gratuitamente en MyOperaPlayer -sigue disponible en su catálogo- y en RTVE.
El Teatro Real lleva dos meses trabajando con el equipo artístico de Un ballo in maschera, que inaugurará la próxima temporada, para que la producción pueda realizarse dentro de las directrices sanitarias, con la escenografía, figurines y dirección de escena originales adaptadas a las nuevas circunstancias.
El plazo de venta de abonos para la próxima temporada seguirá abierto hasta el 17 de septiembre y se pueden adquirir ya las localidades para toda la programación de septiembre y octubre.
Hasta la reapertura del Teatro Real al público, el próximo 16 de septiembre, MyOperaPlayer seguirá muy activa, incorporando nuevos títulos a su catálogo semanalmente.

Finalizaron las 27 funciones de La traviata que ha ofrecido el Teatro Real durante el mes de julio, sin que se registrara ningún caso de coronavirus entre los intérpretes (cuatro repartos procedentes de distintos países), trabajadores, coro, orquesta y público que ha acudido a las funciones.

El éxito de este proyecto complejo y singular ha sido posible por la emocionante complicidad de todos: el apoyo emotivo y responsable del público, la confianza y entrega de los artistas, la implicación entusiasta de los trabajadores del Teatro Real y de su Coro y Orquesta Titulares, la grandísima contribución de los medios de comunicación nacionales e internacionales en la difusión de las funciones, la colaboración imprescindible de los patrocinadores y el respaldo de las instituciones oficiales: Gobierno de España, Comunidad y Ayuntamiento de Madrid.

Las medidas de seguridad sanitaria diseñadas por el Comité Médico del Teatro Real ─compuesto por seis médicos de reconocido prestigio y distintas especialidades─, en colaboración con sus equipos de Prevención e Infraestructuras, se han ido adaptando permanentemente a los dictámenes de las autoridades sanitarias, lo que permitió al teatro comenzar con una ocupación de la sala del 50% del aforo y ampliarla posteriormente al 75%.

El riguroso protocolo adoptado, que supuso una inversión de 340.000 euros, se está ofreciendo a instituciones nacionales e internacionales que lo solicitan para adaptarlo a la idiosincrasia de cada espacio y territorio.

Así, después del triunfo de las funciones de La traviata, el Teatro Real prosigue su camino hacia la ‘normalidad’ preparándose ya para la inauguración de la próxima temporada, el 18 de septiembre, con Un ballo in maschera, que se ofrecerá en una producción procedente del Teatro La Fenice de Venecia, con dirección de escena de Gianmaria Aliverta y escenografía de Massimo Chequeto, que están trabajando con los equipos del Teatro Real para rediseñar el espectáculo cumpliendo estrictamente con las medidas de seguridad sanitaria. Nicola Luisotti, primer director invitado del Teatro Real, volverá a asumir la dirección musical del título verdiano, después del aplauso unánime de público y crítica por su honda y sobrecogedora lectura de La traviata.

Un ballo in maschera se presentará con el decorado, atrezzo, figurines y dirección de escena adaptados de la producción original del Teatro de la Fenice, lo que supone un paso más en la conformación de una programación que se irá adaptando a las circunstancias de cada momento.

Paralelamente prosiguen los trabajos, ya muy adelantados, de la primera nueva producción de la próxima temporada, la popular ópera romántica checa Rusalka, con dirección de escena de Christof Loy, coproducida con los teatros de ópera de Dresde, Bolonia, Barcelona y Valencia, donde se presentará posteriormente.

El Teatro Real despide, pues, esta temporada cercenada por la pandemia, con esperanza en el futuro y un profundo sentimiento de gratitud por el apoyo, colaboración, confianza y complicidad de todos.

Éste ha sido el segundo bis que ha ofrecido la soprano en el Teatro Real, después de la repetición del Sexteto de Lucia di Lammermoor, en 2018, en el que estuvo acompañada de los restantes solistas que interpretaban la ópera.

BISES EN EL TEATRO REAL

2009 – Leo Nucci: Rigoletto. Dúo ‘Sí, vendetta, tremenda vendetta’ con Patricia Ciofi

2014 – Javier Camarena: La fille du régimen. Aria ‘A mes amis’

2015 – Leo Nucci: Rigoletto. Dúo ‘Sí, vendetta, tremenda vendetta’ con Olga Peretiatko

2018 – Seis solistas (incluyendo Camarena y Oropesa) Sexteto de Lucía di Lammermoor

2019 – Camarena: L’elisir d’amore. Aria ‘Una furtiva lagrima’

La Traviata, «ritorno alla vita»
La Traviata
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Ópera en tres actos
Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la novela y la obra de teatro La Dame aux camélias de Alexandre Dumas hijo
Estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853 y el el Teatro Real el 1 de febrero de 1855. Ópera en versión de concierto semiescenificada
D. musical: Nicola Luisotti
Concepto escénico: Leo Castaldi
Iluminación: Carlos Torrijos
D. Coro: Andrés Máspero
Reparto: Marina Rebeka, Michael Fabiano, Artur Rucinski, Sandra Fernández, Marifé Nogales, Albert Casals, Isaac Galán, Tomeu Bibiloni, Stefano Palatchi, Emmanuel Faraldo, Elier Muñoz y Carlos García
Habían pasado cuatro meses desde que todo se suspendió. Al principio parecía que sería por poco tiempo, pero a medida que pasaban las semanas y los acontecimientos, la incertidumbre pasó a ocuparlo todo.
En este período ha habido tiempo para pensar en muchas cosas. También en que solo un milagro me devolvería a esta butaca. Pero los milagros existen, y los hacemos nosotros. En este caso, el Teatro Real. Y ha obrado un milagro que cubre varios aspectos. El primero, tener la valentía y determinación de volver a la actividad operística de la forma más segura, y el segundo, y no por ello menos importante, tener la capacidad de demostrar que, por difíciles que sean las circunstancias, se puede hacer una buena gestión, incluso, muy buena.La apuesta es arriesgada, mantener este frágil equilibrio cuando todo el mundo operístico está mirando, no es fácil. Durante un mes completo, en el que se han multiplicado las representaciones para compensar la limitación del aforo, se presenta esta adaptación escénica que ha realizado Leo Castaldi, como quien dice, con cuatro cositas que ha encontrado por el teatro, para crear una escenografía que no puede ser más eficaz. En ella aparecen los elementos imprescindibles, no falta ni sobra nada. Un escenario parcelado delimita los dos metros cuadrados de los que dispone cada cantante para moverse. Un espacio reducido, pero en el que caben todas las emociones de los protagonistas. El coro, que ocupa la mitad posterior de la caja escénica, permanece disciplinadamente recluido, cada uno de ellos, en su terreno, lo que no le resta un ápice de su sonoridad y profesionalidad. Todo ello iluminado con gran acierto por Carlos Torrijos.No era fácil sumergirse en la historia en un ambiente tan diferente al que estamos acostumbrados. Demasiados elementos nos distraen en la sala, en el escenario, la distancia, la mascarilla… Pero entonces, apareció él, como un héroe sin capa para rescatarnos del silencio, Nicola Luisotti. Uno de los hombres que más debe estar trabajando en las últimas semanas y que se mostraba exultantemente feliz ante este reto, tal vez por haber vivido las circunstancias dramáticas que nos han tocado con la intensidad que solo tiene un apasionado como él. Fue el primero en suspender el estreno de Il Trovatore en la Scala de Milán y ahora es el primero en levantar el telón en lo que llama “ritorno alla vita”.Fue entonces cuando empezó a sonar uno de los fragmentos de ópera más elaboradamente románticos y evocadores que se han escrito, la obertura del primer acto de La Traviata. La Orquesta, que ocupa todo el espacio del foso, aparece también con sus mascarillas, a excepción del viento, que está separado por mampara, como el propio Luisotti. El maestro italiano fue el vínculo perfecto entre lo que sucedía en el alejado escenario y el amplio foso, generando confianza y equilibrio en esta novedosa y extraña forma de interpretación. Después de una obertura profunda, sobria y sentida, por quien es gran conocedor de este repertorio, supo transmitir al escenario la teatralidad que le faltaba. Su dirección estuvo por encima de algunos sonidos más apagados provocados por las distancias físicas y técnicas. La orquesta sonó empastada y con la delicadeza que a veces algunos abandonan cuando se trata de Verdi.La distancia a la que se mantenían los cantantes no resulto perturbadora. Siempre atentos al maestro que les acompañaba, más que dirigía. A pesar de no acercarse ni tocarse, Violetta y Alfredo fueron capaces de demostrar su pasión.La letona Marina Rebeka es la primera de las cinco sopranos que abordan el personaje de Violetta Valéry. Posee una extensa y voluminosa voz de soprano lírica, un preciosos timbre y gran sonoridad que se apreció muy bien en las partes más dramáticas y en unos bien delineados pianos. Demasiado contenida quizá, lo que afectaba a la parte más teatral del personaje, algo muy importante en este rol del que Rebeka es gran conocedora y amante. Si dejara que el personaje se apoderara de ella, unido a su excepcional técnica, sería la mejor de las Violetas.El Alfredo de Michael Fabiano fue de menos a más. Tuvo momentos de gran inspiración, aunque se le notó un poco inseguro al inicio, algo que puede ser normal dadas las circunstancias, y que desapareció a partir del segundo y tercer acto, en el que brilló con un Alfredo inspirado e intenso.El más aplaudido de la noche fue el Artur Rucinski y su Giorgio Germont. Una buena dicción y un fraseo elegante y muy cuidado para su estirado Germont. Muy bien en el Di Provenza.

El resto de comprimarios estuvieron a gran altura. Estupenda la participación Marifé Nogales en su rol de Annina. Perfecta también Sandra Fernández, con una frívola Flora Bervoix, ambas intervienen en todas las funciones. Al igual que Albert Casals, como Gastone, Isaac Galán, como el Barón Douphol, Tomeu Bibiloni, como Marqués de Obigny, Stefano Palatchi, como el Doctor Grenvil y Emmanuel Faraldo, como Giuseppe y el criado de Violetta.

Un éxito sin duda del Teatro Real demostrando una gran valentía y capacidad. Todo ello servido con una seguridad que se palpa. Si se produce un brote importante, yo me voy al Teatro Real. Y es que la normalidad no viene sola, hay que conquistarla.
Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

My Opera Player, la plataforma de vídeo del Teatro Real, consolida su presencia internacional gracias a un nuevo catálogo que incluye, además de producciones propias, títulos de importantes coliseos líricos como la Ópera de París, la Royal Opera House, el Teatro Bolshoi, el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires o el Teatro Municipal de Santiago de Chile, por citar sólo algunos.

Durante el periodo de confinamiento, en el que el Teatro Real dio acceso gratuito en España a la videoteca completa de la plataforma, sin dejar de ampliar contenidos, más de 52.000 personas se sumaron a la iniciativa con cerca de 4 millones de visitas. My Opera Player se convertía así en un teatro de teatros al que pueden acudir melómanos de todo el mundo.

En un paso más hacia el futuro, el Teatro Real, de la mano de Samsung, Telefónica y Endesa, ha puesto en marcha la aplicación My Opera Player para smartphones y tablets con sistemas Android, que próximamente estará disponible en otros entornos, dando la oportunidad de disfrutar del contenido exclusivo que incluye la aplicación en cualquier momento y desde cualquier lugar a través de sus dispositivos móviles.

MyOperaPlayer, que ya estaba operativa en Samsung Smart TV desde el pasado mes de noviembre, cuenta con Telefónica, como socio tecnológico del Teatro Real, y con el patrocinio de Endesa, que apoyó esta iniciativa como patrocinador único cuando la plataforma se llamaba Palco Digital.

La videoteca de MyOperaPlayer, disponible bajo demanda, para una sola conexión o en diversas modalidades de suscripción, ofrece una amplia selección de títulos que incluyen ópera, danza, conciertos, espectáculos infantiles y juveniles, contenidos extras sobre las producciones, grabaciones en 4K y emisiones en directo.

Mañana,15 de julio, a las 20.00 h*, vive en directo una Traviata histórica desde el Teatro Real de Madrid.

Disfruta en My Opera Player de La traviata de Verdi en una cuidada versión semiescenificada por Leo Castaldi y con Marina Rebeka y Michael Fabiano en los roles principales.

Con esta emocionante propuesta, adaptada al nuevo contexto actual, el Teatro Real se convierte en uno de los primeros coliseos del mundo en levantar de nuevo el telón.

Una vez emitida, se incorporará al catálogo de My Opera Player para que puedas volver a verla cuando y donde quieras dentro de tu suscripción.

¡Nos vemos en My Opera Player!

Tras su extraordinario éxito como Lucia (Lucia di Lammermoor, Donizetti) en la temporada 2017-2018, la soprano estadounidense de origen cubano regresa al coliseo madrileño los próximos días 18, 22, 25 y 28 de julio para protagonizar uno de los títulos operísticos más conocidos, La Traviata de Giuseppe Verdi. Después de haber sido galardonada con dos de los más grandes premios de la ópera en Estados Unidos, el Premio Richard Tucker y el Premio Beverly Sills, y de sus aplaudidos debuts como Marguerite de Valois (Les Huguenots, Meyerbeer) en la Opéra national de París, Rodelinda (Rodelinda, Haendel) en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Amalia (I masnadieri, Verdi) en la Scala de Milán o Manon (Manon Lescaut, Massenet) en la Metropolitan Opera de Nueva York, la soprano vuelve a Madrid para interpretar a la desdichada heroína de La traviata, la primera ópera postconfinamiento del Teatro Real. Se da la circunstancia de que Lisette Oropesa, en su primera actuación post-Covid, vuelve al escenario del Real para ponerse en la piel de Violetta Valery, el mismo rol con el que estaba cosechando un gran éxito en la Metropolitan Opera de Nueva York, tal y como reflejó The New York Times: “Lisette Oropesa hace suya La Traviata”, Anthony Tommasini (critic’s pick), cuando cerró sus puertas en plena emergencia mundial por el coronavirus.

Lisette Oropesa está nominada en la categoría de mejor Female Singer en la edición 2020 de los prestigiosos International Opera Awards, que se celebrarán en septiembre, y entre sus próximos compromisos destacan: la “Rossini Gala” de la Arena de Verona, Konstanze en Die Entführung aus dem Serail de Mozart en la Wiener Staatsoper, en una nueva producción de Hans Neuenfels, recitales en el Wexford Festival Opera, el Théâtre des Champs Elysées y el Smetana Hall de Praga, La Traviata de Verdi en la Metropolitan Opera de Nueva York, y la Premiere de Lucia di Lammermoor de Donizetti en la Opernhaus Zürich, con firma escénica de Tatjana Gürbaca.

https://lisetteoropesa.com/

La traviata, de Giuseppe Verdi, estaba prevista en la presente temporada ─con la célebre producción del Festival de Salzburgo dirigida por Willy Decker─ en dos períodos: del 9 a 24 de mayo (10 funciones) y del 7 al 19 de julio (9 funciones).

Debido al estado de alarma decretado por el Gobierno de España, las representaciones de mayo no han podido realizarse, por lo que el Teatro Real está intentando reubicar en julio a las personas que habían adquirido sus entradas para esas fechas. Paralelamente, se recolocará a los espectadores de las funciones de julio afectados por la restricción del aforo, que será de 869 localidades, en cumplimiento de la normativa de seguridad sanitaria.

De las 19 funciones programadas se ha pasado a 27 con aforo reducido, que se ofrecerán del 1 al 29 de julio (el 6 y el 20 de julio no habrá función), con cuatro distintos repartos en la interpretación del trío protagonista: como Violeta, las sopranos Marina Rebeka, Ruth Iniesta, Ekaterina Bakanova, Lana Kos y Lisette Oropesa; como Alfredo Germont, los tenores Michael Fabiano, Ivan Magrì, Matthew Polenzani y Ismael Jordi; y como Giorgio Germont, los barítonos Artur Rucinski, Nicola Alaimo, Luis Cansino y Javier Franco.

Debido a las restricciones de movilidad provocadas por la crisis del coronavirus tanto en España como en los diversos países de procedencia de los cantantes ─que viajaron desde Estados Unidos, Austria, Croacia, Italia, Letonia, Polonia, etc.─, los ensayos han comenzado el 19 de junio con todos los solistas, con excepción de la soprano Lisette Oropesa, que llegará a Madrid el 13 de julio para participar en las funciones finales de la ópera.

Junto a los solistas actuarán el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Nicola Luisotti, que dirigirá su quinto título verdiano en el Teatro Real ─después de Il trovatore (2007), Rigoletto (2015), Aida (2018) y Don Carlo (2019)- y que volverá en septiembre con el sexto, Un ballo in maschera, que inaugurará la próxima temporada.

La producción de La traviata que se ofrecerá a lo largo del mes de julio ya no será la que estaba anunciada, con dirección de Willy Decker, ya que los cantantes, coro y orquesta deberán adecuarse a las directrices de seguridad sanitaria vigentes en la actualidad.

Para presentar una versión de la ópera que respete estas normas y que se pueda realizar con apenas 10 días de ensayos, pruebas de vestuario y caracterización, el director de escena Leo Castaldi ha ideado una versión de concierto semiescenificada, en colaboración con el iluminador Carlos Torrijos y el equipo técnico del Teatro Real, utilizando elementos de atrezzo, vestuario y caracterización procedentes de los fondos del Teatro.

Partiendo precisamente de la contundencia con la que la distancia de seguridad se está interponiendo entre nosotros, Leo Castaldi ha concebido una ‘escenografía’ marcada por un reticulado de cuadrados de 2 por 2 metros dibujados en el suelo y proyectados sobre los muros del escenario, ‘aprisionando’ psicológicamente a los personajes en sus espacios limitados. Los solistas, que guardarán una distancia mínima de 2 m. entre ellos se moverán en 100 m2, compartiendo el escenario con el coro, que ocupará 260 m2, y con la banda interna (grupo de 16 músicos que toca en el escenario), que utilizará, durante su actuación, 60 m2.

Para unificar y cohesionar la propuesta dramatúrgica sin un diseño previo de vestuario ni tiempo material para realizarlo, Castaldi ha optado por crear una atmósfera vintage, de mediados del siglo XX, en la que se utilizarán trajes del Teatro y de los propios intérpretes y elementos de atrezzo del mismo período.

En el foso, con su máxima dimensión de 140 m2, estará la orquesta con la plantilla completa de la partitura para interpretación de La traviata: 56 músicos tocarán con mascarilla, atril individual y con 1,5 m. de distancia entre ellos. Los instrumentistas de viento tendrán paneles de metacrilato estratégicamente colocados delante de sus instrumentos. Sobre el escenario tocará la banda interna con 16 profesores.

Para que los músicos puedan tener jornadas de descanso entre las 27 funciones, la Orquesta Titular del Teatro Real se desdoblará en dos tocando cada formación por períodos de 3 días consecutivos.

El Coro Titular del Teatro Real, con 51 cantantes, interpretará la ópera sobre tarimas, lo que permitirá la optimización del sonido, pese a la distancia de seguridad de 2 m. entre sus miembros. Ocuparán un área de 260 m2, con aproximadamente 24 m. de ancho por 11 m. de fondo.

La traviata se presentará en el Teatro Real en el contexto singular que todos estamos viviendo. La ópera se presentará con menos ensayos de los normales y con una propuesta escénica diseñada para adaptarse a las circunstancias. Todo el equipo del Teatro Real, así como los artistas y el Coro y Orquesta Titulares, asumen el reto con un enorme sentido de responsabilidad, mucha imaginación y una gran ilusión por dar un paso más hacia la normalización de la vida artística, animando al público y a la ciudadanía a afrontar con ánimo y espíritu positivo la nueva realidad en la que nos encontramos. Eso sí, todo se hará respetando escrupulosamente las directrices de las autoridades sanitarias del Gobierno de España y de la Comunidad de Madrid.

Traviata

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

7 y 8 de julio, a las 18.30 y 21.00 horas | Fundación SGAE, Sala Berlanga

Cine: la Fundación SGAE programará un ciclo titulado Modelos de mujer en el que se proyectarán Yo soy la Juani de Bigas Luna y Nadie quiere la noche de Isabel Coixet. Dos películas sobre mujeres que, como Violetta Valèry, han transgredido los “roles femeninos” a los que por su condición social y/o momento histórico estaban abocadas.

Del 1 al 31 de julio | Museo del Romanticismo

Exposición: dentro de la iniciativa Una obra, una ópera, el Museo expondrá una maravillosa edición ilustrada de 1857 de La dama de las camelias, la novela que inspiró La traviata. De esta forma, el público que visite las salas podrá ver esta joya impresa que se custodia en la biblioteca del Museo.

A partir del 10 de julio | Museo Lázaro Galdiano

Audioguía: el Lázaro Galdiano ofrece al público del Teatro Real la posibilidad de descargarse un podcast exclusivo con el que conocerá las historias y leyendas que rodean a algunas de las mujeres que aparecen representadas en sus salas. Mujeres que, como la protagonista de La traviata, lucharon contra el destino que les dibujaron. Solicitud de código de descarga en educación@museolazarogaldiano.es

Fotografía: Javier del Real

Para celebrar la Fiesta Internacional de la Música y festejar el solsticio de verano después de los difíciles días de confinamiento, Opera Europa ofrecerá gratuitamente, desde su plataforma de ópera en streaming, el próximo domingo, 21 de junio, a las 19:00 horas, la Opera Vision Summer Gala, en la que se presentará una sucesión de breves recitales líricos desde ocho teatros de ópera europeos.

El Teatro Real dará a conocer una ópera olvidada del patrimonio lírico español, Don Fernando, el emplazado, de Valentín de Zubiaurre, que se ofrecerá íntegramente la próxima temporada, bajo la dirección musical de José Miguel Pérez Sierra. El barítono Damián del Castillo encarnará al desdichado Don Fernando, y el tenor Gerardo López, a Don Rodrigo, interpretando, junto con la pianista Patricia Barton, un fragmento de esta ópera romántica de abruptos contrastes muy aplaudida por el público del Real en el siglo XIX.

Ruth Iniesta, que será una de las cinco Violetas en las funciones de La traviata que tendrán lugar en julio en el Teatro Real, interpreta en la Gala el aria de Donna Anna, de Don Giovanni, «Crudele… Non mi dir».

El prestigioso director de escena Kasper Holten, que en el Teatro Real dirigió La prohibición de amar, será el encargado de presentar la Opera Vision Summer Gala desde el Teatro Real de Dinamarca, del cual fue director artístico antes de asumir el mismo cargo en la Royal Opera House.

TEATROS DE ÓPERA	INTÉRPRETES
Ópera Nacional de Holanda, Ámsterdam	Eva-Maria Westbroek (soprano) Thomas Oliemans (barítono) Ernst Munneke (piano) Vadim Tsibulevsky (violin)
Ópera Cómica de Berlín	Alma Sadé (soprano) Barrie Kosky (piano)
Festival de Glyndebourne	Danielle de Niese (soprano) Allan Clayton (tenor) Matthew Fletcher (piano)
Teatro Real de Madrid	Damián del Castillo (barítono) Gerardo López (tenor) Ruth Iniesta (soprano) Patricia Barton (piano)
Ópera Cómica de París	Jodie Devos (soprano) Cyrille Dubois (tenor) Marine Thoreau La Salle (piano)
Ópera de Roma	Rosa Feola (soprano) Roberto Frontali (barítono)
Ópera Real de Suecia, Estocolmo	Nina Stemme (soprano) Alan Gilbert (director musical) Inese Klotina (piano) The Royal Swedish Orchestra
Ópera Nacional de Polonia, Varsovia	Andrzej Filończyk (barítono) Katarzyna Sienkiewicz (piano)

Fotografía: Javier del Real

El músico madrileño regresa al coliseo madrileño por partida doble, a cargo de Don Fernando, el Emplazado de Zubiaurre y de Viva la Mamma de Donizetti. Debido a la crisis sanitaria, retrasa su debut en Macerata, donde debería haber debutado con Don Giovanni este mes de julio.

El director José Miguel Pérez-Sierra estará en el podio de dos óperas en el curso 2020-2021 del Teatro Real de Madrid según pudo saberse a inicios de junio tras la presentación oficial de la próxima temporada del Teatro Real de Madrid. El maestro madrileño, además, dirigirá en dos auténticos acontecimientos. Por una parte se pondrá al mando de la esperada exhumación de la ópera Don Fernando, el Emplazado, del hoy olvidado compositor vizcaíno Valentín de Zubiaurre, título que se ofrecerá en versión de concierto (con funciones los días 15 y 17 de mayo de 2021) y que en su momento llegó a convertirse en una de las óperas españolas más importantes del siglo XIX. “Se trata de un título muy interesante e injustamente olvidado”, afirma Pérez-Sierra; ”Zubiaurre era un compositor de gran solvencia técnica y el público va a reconocer en la partitura un carácter muy verdiano, sobre todo del de la primera época y con tintes belcantistas; es sin duda una música bellísima y estoy seguro de que la recuperación de esta ópera dará muchas alegrías”.

Siempre en el Teatro Real, Pérez-Sierra también participará en el estreno en la capital española de la farsa de Donizetti Viva la Mamma o Le convenienze ed inconvenienze teatrali –título muy poco frecuente y nunca antes visto en Madrid– que llegará en la producción del aclamado director de escena Laurent Pelly que firma para la Opéra de Lyon, el Grand Théâtre de Ginebra y el coliseo español. Pérez-Sierra se muestra “encantado de poder trabajar junto a Laurent Pelly y de bajar finalmente al foso del Teatro Real tras mis dos comparecencias anteriores en concierto, tanto en el homenaje a Montserrat Caballé en 2014 como en la despedida de los escenarios madrileños de la soprano Mariella Devia en 2018”.

Por otra parte, el director madrileño, que este mes de julio tenía que dirigir Don Giovanni de Mozart inaugurando el Festival de Macerata, ha cedido la batuta al director musical del certamen italiano, Francesco Lanzilotta, debido a la situación excepcional ocasionada por la crisis sanitaria. La Associazione Arena Sferisterio, organizadora del Festival de Macerata, ha agradecido el gesto a Pérez-Sierra y lo ha invitado a dirigir uno de los títulos que se programarán durante el verano de 2021, todavía por determinar.

Además, en el próximo curso, José Miguel Pérez-Sierra dirigirá tanto ópera como música sinfónica en países como España, Italia y Alemania.

Más información

«No podemos esperar que la normalidad llegue sola, tenemos que ser valientes». Estas palabras del director del Teatro Real, Joan Matabosch, que son toda una declaración de intenciones, han acompañado la presentación de la próxima temporada del coliseo madrileño. Una programación que, como ha apuntado Matabosch, apenas ha sufrido variaciones con respecto a la que estaba prevista. Muchas novedades, óperas de repertorio y un buen número de artistas nacionales, son alguna de las características de esta nueva temporada.

En su 24ª temporada después de la reinauguración, el Teatro Real presenta una ambiciosa programación, capitaneando coproducciones con los más importantes teatros europeos, impulsando la creación actual, defendiendo el patrimonio musical español y ofreciendo grandes títulos del repertorio lírico con algunos de los cantantes más aclamados mundialmente en sus respectivos repertorios.

Entre los 15 títulos de la PROGRAMACIÓN DE ÓPERA, que se extiende del siglo XVII a la actualidad, habrá 7 nuevas producciones del Teatro Real ─Rusalka, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Norma, Viva la Mamma! y los 2 estrenos mundiales Marie y Tránsito─; 4 producciones invitadas ─Un ballo in maschera, Don Giovanni, Siegfried y Tosca─; y 4 óperas en versión de concierto: El nacimiento del Rey Sol, Elektra, Don Fernando, el emplazado y Orlando Furioso.

Esta temporada es posible gracias al apoyo de todos los patrocinadores del Teatro Real y en especial a Telefónica, como mecenas principal tecnológico; a Endesa, como mecenas principal energético; y a Fundación BBVA y a Fundación Santander, como mecenas principales.

Nuevas producciones del Teatro Real

Por su proyección internacional, destacan dos nuevas e importantes coproducciones europeas que se estrenarán en el Teatro Real antes de presentarse en los demás teatros coproductores: Rusalka, de Antonin Dvořák (Ivor Bolton/Christof Loy), coproducida con los teatros de ópera de Dresde, Bolonia, Barcelona y Valencia; y Peter Grimes, de Benjamin Britten (Ivor Bolton/Deborah Warner), coproducción con la Royal Opera House de Londres, Ópera de París y Ópera de Roma.

La popular ópera romántica checa Rusalka se presentará por primera vez en el reinaugurado Teatro Real con dirección de escena de Christof Loy, artífice del gran triunfo de Capriccio, de Richard Strauss, la pasada temporada. Con la complicidad de Ivor Bolton, responsable de la dirección musical, Loy volverá a explorar un universo mítico y misterioso teñido de trágicas resonancias y poblado por ninfas, duendes, príncipes y princesas que entonan bellas melodías y a los que darán vida dos repartos encabezados por Asmik Grigorian y Olesya Golovneva, que estarán acompañadas por Karita Mattila y Alexandra Deshorties; Eric Cutler y David Butt Philip; Katarina Dalayman y Okka von der Damerau, Maxim Kuzmin-Karavaev y Steven Humes.

Peter Grimes volverá a reunir a Ivor Bolton (dirección musical), Deborah Warner (dirección escénica) y Michael Levine (escenografía), después del grandísimo éxito obtenido con la premiada producción de Billy Budd, también de Britten, en la que trabajaron juntos. Contarán nuevamente con un reparto coral encabezado por Allan Clayton, Maria Bengtsson y Christopher Purves, en esta obra maestra que habla del poder destructivo de una sociedad hipócrita e inclemente.

Peter Grimes volverá al Teatro Real después de 23 años, ahora con la participación de su Coro y Orquesta Titulares, ya que en 1997 la ópera fue presentada con los cuerpos estables del Teatro de La Monnaie.

Otra importante coproducción internacional, Lessons in Love and Violence, de George Benjamin ─encargo conjunto y coproducción del Teatro Real con las Óperas de Londres, Ámsterdam, Hamburgo, Lyon, Chicago y Barcelona─ culminará la presentación en Madrid de las óperas de este genial compositor, después del enorme éxito de Written on Skin (2016) e Into the Little Hill (2019).

La ópera, creada como las anteriores en parcería con el dramaturgo Martin Crimp, parte del drama isabelino Edward II, de Christopher Marlowe, para adentrarse en el sórdido y tortuoso camino de ascenso al poder como una perversa espiral de la que nadie se salva, reflejada con agudeza en la puesta en escena de Katie Mitchell, muy elogiada por la crítica internacional en su estreno en la Royal Opera House de Londres hace dos años. Josep Pons, director musical del Gran Teatre del Liceu de Barcelona, dirigirá la ópera en ambos teatros. Entre los solistas destacan Stéphane Degout, Gyula Orendt y Georgia Jarman.

Dos estrenos mundiales de compositores españoles de distintas generaciones reafirman el compromiso del Teatro Real con la creación actual. Marie, de Germán Alonso, con libreto y dramaturgia de Lola Blasco, indaga sobre la lucha de una mujer por su libertad sexual partiendo del personaje de Woyzeck de Georg Büchner, presente en la ópera de Alban Berg. Se presentará en el Teatro de la Abadía, con puesta en escena de Rafael Villalobos y la participación de los cantantes Xavier Sabata, Jordi Domènech, Nicole Beller Carbone y Valentina Coladonato, que actuarán con el Ensemble Proyecto Ocnos bajo la dirección del compositor.

Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres, es una incursión al universo de los exilados republicanos españoles después de la segunda guerra mundial, en un tiempo de dudas y decepciones evocadas en el desgarrador drama homónimo de Max Aub. La ópera se estrenará en Naves Matadero, con Lydia Vinyes-Curtis, Isaac Galán, María Miró, Javier Franco y José Manuel Sánchez; dirección de escena de Eduardo Vasco y dirección musical de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

El Teatro Real estrenará una nueva producción de Norma, de Vincenzo Bellini, con dirección musical de Maurizio Benini y dos repartos de grandes voces en el que se alternarán en el rol titular Yolanda Auyanet y Hibla Gerzmava, secundadas por Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa; Michael Spyres y John Osborn; y Roberto Tagliavini y Fernando Radó, en los papeles principales.

La dirección de escena será de Justin Way, quien, junto con el reputado escenógrafo Charles Edwards, ha concebido un montaje minimalista y de fuerte poder simbólico preparado para una fácil itinerancia. El Real pasará así a contar con una producción propia de esta ópera icónica del belcantismo romántico, con flexibilidad para ser adaptada a diferentes espacios, como el del Festival de Ljubljana, donde subirá a escena cinco meses después de su estreno en Madrid, en una gira del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Viva la Mamma!, nueva producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Lyon y Ginebra, es el nombre acuñado por el director de cine Helmut Käutner al dramma giocoso de Gaetano Donizetti Le Convenienze ed Inconvenienze Teatrali, que se estrenará en Madrid con una puesta en escena hilarante e ingeniosa firmada por Laurent Pelly y aclamada por público y crítica desde su estreno. En su satírico enredo, que desvela la trastienda de un ensayo de ópera donde desfila una galería de personajes caricaturescos, destaca el de la histriónica Mamma Agata, madre de la seconda-donna, cuyo disparatado papel Donizetti adjudicó a un barítono y que será interpretado en el Real por Carlos Álvarez y Luis Cansino, al frente de ambos repartos. Le acompañarán Sabina Puértolas, Borja Quiza, Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz, Xabier Anduaga, Carol García y Enric Martínez-Castignani, bajo la dirección musical de Evelino Pidò.

Producciones invitadas

Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, inaugurará la temporada con una producción procedente del Teatro de la Fenice, en la que el director de escena Gianmaria Aliverta reivindica la ambientación estadounidense ideada por los libretistas de Verdi para sortear la censura.

Nicola Luisotti, principal director invitado del Teatro Real, dirigirá dos repartos de grandes voces verdianas, que se alternarán en los papeles protagonistas: Michael Fabiano, Ramón Vargas, Anna Pirozzi, Tatiana Serjan, Artur Rucinski, George Petean, Daniela Barcellona, María José Montiel, Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí.

Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart traerá al Real la aclamada puesta en escena de Claus Guth, en la que Don Giovanni, asestado desde el inicio de la ópera por un golpe mortal, rememora, agonizante, los episodios de su vida disoluta en un ambiente tenebroso e inquietante.

Ivor Bolton, eximio director mozartiano, estará al frente de dos repartos con Christopher Maltman y Adrian Erod; Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno; Mauro Peter y Airam Hernández; Anett Fritsch y Federica Lombardi; Erwin Schrott y Marko Mimica; en los papeles protagonistas.

Con Siegfried proseguirá la tetralogía El anillo del nibelungo, de Richard Wagner, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y la perturbadora y reivindicativa producción de Robert Carsen y Patrick Kinmonth protagonizada por un selecto reparto wagneriano: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler, Ricarda Merbeth y Ronnita Miller, entre otros.

Tosca, de Giacomo Puccini, con Nicola Luisotti en la dirección musical, cerrará la temporada con una producción concebida por Paco Azorín, responsable de la dirección de escena y escenografía del drama pucciniano, que fluye de manera directa y eficaz, dejando espacio a la expresión de los personajes, que serán encarnados por tres repartos de estrellas y que traerán a Madrid a Sondra Radvanovsky, Maria Agresta, Anna Netrebko, Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazof, Jonas Kaufmann, Carlos Álvarez y Luca Salsi.

Óperas en versión de concierto

En el marco de la defensa del patrimonio musical español se rescatará del olvido una ópera romántica que triunfó en el Teatro Real en el siglo XIX, Don Fernando, el emplazado, de Valentín de Zubiaurre con revisión del gran experto verdiano Francesco Izzo y la colaboración del ICCMU, Instituto Complutense de Ciencias Musicales. José Miguel Pérez Sierra será el encargado de dirigir la partitura al frente de un reparto en el que destacan José Bros, Miren Urbieta Vega, Damián del Castillo, Fernando Radó y Cristina Faus, entre otros.

La ópera barroca estará representada por dos propuestas muy diversas, ambas en versión de concierto y con cantantes y orquestas especializadas en ese repertorio. El nacimiento del Rey Sol (Le Ballet Royal de la Nuit), deliciosa ‘miscelánea’ de ópera y danza del siglo XVII concebida por varios compositores, será recreada por el Ensemble Correspondances dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé. Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi, será interpretada por la versátil agrupación griega Armonia Atenea, con la impronta de su multifacético y premiado director George Petrou, reconocido experto en el universo barroco.

Finalmente, se ofrecerá una única función de Elektra, de Richard Strauss, con la Philharmonia Orchestra, que actuará junto a un impactante trío femenino ─Irene Theorin, Lise Davidsen y Anna Larsson─, bajo las órdenes del célebre director finlandés Esa-Pekka Salonen.

La PROGRAMACIÓN DE DANZA traerá al Teatro Real 3 compañías que representan a diferentes universos coreográficos y estilísticos. El Ballet de Múnich interpretará Giselle, en la versión de Peter Wright revisada por su actual director, Igor Zelensky. La Compañía Nacional de Danza presentará tres obras: Apollo, de George Balanchine; Concerto DSCH, de Alexei Ratmanski; y White Darkness, de Nacho Duato. Y el Real Ballet de Flandes ofrecerá el estreno absoluto de una nueva versión de la obra In memoriam, concebida por su director, Sidi Larbi Cherkaoui.

El ciclo VOCES DEL REAL tendrá 5 conciertos: el primero será protagonizado por la versátil artista estadounidense Audra McDonald, siguiéndole cuatro magníficos cantantes que forman parte de la ‘gran familia’ del Teatro Real: Philippe Jaroussky, Joyce DiDonato, Javier Camarena y Piotr Beczala.

Completan la programación musical el ciclo de 7 conciertos los DOMINGOS DE CÁMARA protagonizados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real; el Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real en conmemoración del 250º aniversario de Ludwig van Beethoven, en el que la Mahler Chamber Orchestra y el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, bajo la dirección de Gustavo Dudamel, interpretarán la arrebatadora 9ª Sinfonía; y el Concierto del Concurso tenor Viñas, protagonizado por los ganadores de su 58ª edición, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Álvaro Albiach.

ÓPERA EN CINE, con una programación articulada con las producciones de la temporada, ofrecerá en la sala principal 4 óperas grabadas en su escenario: Faust, de Charles Gounod (Dan Ettinger/Àlex Ollé); Il travatore, de Giuseppe Verdi (Maurizio Benini/Francesco Negrín); y las premiadas producciones de Benjamin Britten Billy Budd (Ivor Bolton/Deborah Warner) y Gloriana (Ivor Bolton/David McVicar).

Conforman la programación infantil y juvenil de EL REAL JUNIOR 8 espectáculos de distintos formatos ─música, danza, cine, títeres, marionetas, teatro de sombras, cuentos musicales, etc.─ concebidos para diferentes edades, de los cuales 3 son producciones propias y 5 nuevas producciones que se verán por primera vez en el Teatro Real y un total de 83 funciones destinadas al público familiar y a centros escolares.

La temporada de EL REAL JUNIOR arranca con la Gala ¡Todos a la Gayarre!, esta vez en la Sala principal, que evocará los momentos estelares de los 70 talleres infantiles realizados durante 9 años con este exitoso ciclo concebido por Fernando Palacios, que ofrecerá otras nuevas 18 funciones familiares en la acogedora Sala Gayarre, íntimamente relacionadas, como siempre, con las óperas programadas. Le seguirán una inspirada versión de la Historia de un soldado, de Igor Stravinsky, con coreografía y dramaturgia de Ferran Carvajal e interpretación de los solistas de la JORCAM; el mágico espectáculo de títeres y circo Totolín-Entredós, creación de la compañía Etcétera Teatro; la celebrada versión cinematográfica (premiada con un Oscar en 2011 a la mejor película de animación) de Pedro y el Lobo, de Serguéi Prokofiev, con interpretación de la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Luis Miguel Méndez; los Cuentos al calor del hogar, creación para marionetas y teatro de sombras sobre cuentos de los hermanos Grimm concebida por la compañía Karromato de Praga; el concierto Al piano… ¡Johann Sebastian Jazz! con un diálogo a dos pianos entre Alexis Delgado e Iñaki Salvador en la Sala de orquesta; la poética propuesta Una sonrisa sin gato (suite) inspirada en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Caroll, con música del compositor José Luis Greco e interpretación de los solistas de la JORCAM; y, finalmente, el divertido Festival Real Junior para celebrar por todo lo alto el inicio de las vacaciones de verano, con la complicidad del Coro y Orquesta de la JORCAM y de invitados sorpresa, bajo la dirección de Rubén Gimeno.

El PROGRAMA DE FORMACIÓN se incrementa y diversifica notablemente en la próxima temporada, y abordará tanto formación presencial como online.

En el apartado de La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 6 talleres: Un ballo in maschera, Siegfried, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Viva la Mamma! y Tosca. Asimismo, también en estrecha relación con la temporada, se ofrecerán 4 cursos monográficos: Comprender a… Mozart, Benjamin Britten, George Benjamin y el teatro musical norteamericano.

Para aquellos que quieran iniciarse o ampliar su cultura operística, el Teatro Real ofrece 4 cursos de conocimientos sobre la ópera, 1 sobre Historia de las voces y 3 alrededor de Conceptos fundamentales: Desde el inicio hasta el siglo XIX, La ópera romántica y La ópera contemporánea; y también 3 cursos interdisciplinares: El papel de las mujeres en la historia de la ópera, Didáctica de las artes escénicas y Música e inteligencia emocional.

Proseguirán los cursos para estudiantes de educación superior dentro del programa La Universidad a Escena y se han diseñado 3 cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura: Ópera y liderazgo: el arte de trabajar con equipos de alto rendimiento, Fotografía de escena y Regiduría y protocolo.

Además de estas propuestas formativas, el Teatro Real ha creado EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, que contará con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

Paralelamente a estos programas, el Real ha ideado, como en las temporadas precedentes, una riquísima programación de ACTIVIDADES PARALELAS a cada producción operística, con la colaboración de prestigiosas instituciones culturales como (por orden alfabético): ACNUR, Biblioteca Nacional, Biblioteca Regional de Madrid, British Council, Centro Checo de Cultura, Círculo de Bellas Artes, Fundación SGAE, Instituto Internacional, Instituto Polaco de Cultura, Museo Arqueológico Nacional, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo de Artes Decorativas, Museo Lázaro Galdiano, Museo Nacional de Escultura, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Museo Naval, Museo del Romanticismo, Residencia de Estudiantes, Rutas del Emperador Carlos V y Universidad Nebrija.

Dentro de este permanente diálogo con diferentes formas de expresión artística y lenguajes musicales, tendrá lugar la sexta edición del UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL, en verano, y la tercera edición del ciclo FLAMENCO REAL, con actuaciones a lo largo de toda la temporada en el Salón de Baile del Teatro Real.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones y la ampliación del catálogo de MyOperaPlayer, plataforma audiovisual internacional creada y tutelada por el Teatro Real, que ofrece grabaciones procedentes de un gran número de teatros de Europa, América y Asia.

Finalmente, en el marco de su AULA SOCIAL, el Teatro Real sigue acogiendo durante todo el curso a niños en situaciones desfavorables, ya sean físicas, psíquicas o sociales, con un programa que utiliza la música como vehículo integrador y terapéutico, desarrollado con el apoyo de la fundación Acción Social por la Música.

DATOS Y CIFRAS

PROGRAMACIÓN

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 234 funciones: 122 funciones de ópera, repartidas entre 15 títulos; 12 funciones de danza con 3 diferentes espectáculos; 13 conciertos de distintos formatos; 5 conciertos de Voces del Real; 6 conciertos de Los domingos de cámara, 2 conciertos extraordinarios; 83 funciones de El Real Junior y 4 proyecciones de Ópera en Cine.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | Se ofrecerán 7 nuevas producciones del Teatro Real ─Rusalka, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Norma, Viva la Mamma!, incluyendo los 2 estrenos mundiales, Marie y Tránsito─; 4 producciones invitadas ─Un ballo in maschera, Don Giovanni, Siegfried y Tosca─; y 4 óperas en versión de concierto: El nacimiento del Rey Sol, Elektra, Don Fernando, el emplazado y Orlando Furioso.

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina Un ballo in maschera; Fundación Santander patrocina Rusalka; Endesa patrocina Don Giovanni y Norma; la Junta Amigos del Teatro Real patrocina Elektra y Viva la Mamma!; y la Fundación BBVA patrocina Peter Grimes y Tosca.

ÓPERAS POR SIGLOS | Habrá 1 ópera del siglo XVII (El nacimiento del Rey Sol); 2 óperas del siglo XVIII (Orlando Furioso y Don Giovanni); 5 óperas del siglo XIX (Viva la Mama!, Norma, Un ballo in maschera, Siegried y Don Fernando, el emplazado); 4 óperas del siglo XX (Rusalka, Tosca, Elektra y Peter Grimes); y 3 títulos del siglo XXI (Lessons in Love and Violence, Marie y Tránsito).

ÓPERAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS | Se presentarán 4 óperas italianas; 3 óperas españolas, 3 óperas germánicas (1 de ellas, Don Giovanni, en italiano); 2 óperas inglesas, 1 ópera francesa y 1 ópera checa.

DANZA | Habrá 12 funciones protagonizadas por 3 compañías, con 4 funciones para cada una.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está composta por 83 funciones, divididas entre 26 escolares y 57 familiares, incluyendo 18 talleres ¡Todos a la Gayarre!.

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 6 talleres de Ópera al Descubierto, 4 cursos monográficos, 4 cursos de conocimientos generales sobre la ópera, 1 curso de Historia de las voces, 3 cursos sobre Conceptos fundamentales de la historia de la ópera, 3 cursos interdisciplinares, 3 cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura y 1 edición del programa La Universidad a Escena.

ACTIVIDADES PARALELAS | En torno a cada producción de ópera se han organizado 75 actividades con la colaboración de 20 instituciones culturales, que serán ampliadas a lo largo de la temporada

LOCALIDADES Y ABONOS

LOCALIDADES Y ABONOS | Se pondrán a la venta cerca de 255.000 localidades (incluyendo las de los abonos) de la próxima temporada.

CATEGORIAS DE ABONOS DE ÓPERA | Se ofrecen 2 turnos de abonos de 10 óperas, 5 turnos de abonos de 9 óperas (uno en fin de semana), 1 turno de abono de 7 óperas, 3 turnos de abonos de 6 óperas (uno también en fin de semana), 2 turnos de abonos de 5 óperas y 2 turnos de abonos (Selección I y II) de 3 títulos populares.

ABONOS DE DANZA | Se ofrecen 4 turnos de abonos de danza con 3 espectáculos cada uno.

ABONO DE ‘VOCES DEL REAL’ | Se ofrece 1 turno de abono de 3 conciertos.

ABONOS DE ‘DOMINGOS DE CÁMARA’ | Se ofrece 1 turno de abono de 7 conciertos (incluye el Concierto Viñas)

ABONOS DE ‘ÓPERA EN CINE’ | Se ofrece 1 turno de abono de 4 proyecciones.

ABONOS DE ‘EL REAL JUNIOR’ | Se ofrecen 3 modalidades de abonos distintos con funciones de fin de semana: 2 turnos para la sala principal en sábado y domingo con 3 espectáculos; 2 turnos para la Sala Gayarre y Sala de Orquesta con 4 espectáculos también en sábado y domingo; y el abono dominical ¡Todos a la Gayarre! en turno matutino y vespertino.

EL REAL JOVEN | El compromiso con los jóvenes se refuerza con nuevas y ampliadas iniciativas como la primera Gala inaugural de la temporada para jóvenes con Un ballo in maschera a precios especiales el 16 de septiembre. También se crea la Butaca Joven, con más de 5.000 entradas en butacas para jóvenes distribuidas en Platea, Principal y Entresuelo, que tendrá una venta preferente para Amigos jóvenes y para resto de jóvenes hasta 35 años antes de la salida a la venta al público. Los menores de 26 conseguirán estas entradas por 20 € y aquellos hasta 35 años por 30 €. Asimismo, se abrirá la venta online del Último Minuto, en la que los menores de 26 años podrán adquirir una entrada por 20 euros y los jóvenes de entre 26 y 35 años podrán adquirir entradas por 35 euros.

AMIGOS DEL TEATRO REAL | A partir de 60 euros por año ya se podrá disfrutar de las ventajas de ser Amigo del Teatro Real, con un 75% de la donación deducible.

AMIGOS JÓVENES DEL TEATRO REAL | A partir de 25 euros por año ya se podrá disfrutar de las ventajas de ser Amigo Joven del Teatro Real.

Fotografía: Javier del Real

Ya está abierta la matrícula para el curso, que arrancará el próximo mes de octubre en la sede de Musikene en Donostia.

El Centro Superior de música del País Vasco Musikene e Intermezzo se unen para ofrecer un innovador posgrado dirigido a cantantes de coro que buscan hacer de su pasión su profesión. El curso de especialización se ofrecerá a partir de octubre en Donostia-San Sebastián, y persigue profundizar en la formación requerida a un cantante profesional de coro. En las 14 sesiones dobles previstas durante el curso y que se realizarán viernes y sábados, se trabajarán tanto la técnica vocal específica, como todos aquellos aspectos relacionados con la interpretación del repertorio coral y su puesta en escena.

Intermezzo, además, ofrecerá varias propuestas de trabajo para participar en producciones en las que colabora. La empresa, con una trayectoria de más de 15 años, gestiona el coro titular del Teatro Real de Madrid, refuerza el coro del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y participa en temporadas de Ópera y Festivales.

El curso de 150 horas repartidas entre octubre y mayo, tiene como objetivo principal ofrecer las herramientas necesarias a los alumnos que quieran profesionalizarse como cantantes de coro, desarrollando todos los aspectos profesionales relacionados con su trabajo. El posgrado incluye asignaturas para trabajar la técnica vocal, el repertorio lírico y sinfónico coral, la correcta dicción de los diversos idiomas utilizados en dicho repertorio, o técnicas corporales y movimientos en escena, entre otras. La especialización se completará con diferentes conferencias sobre aspectos profesionales con las que el alumno conseguirá obtener una visión global de cómo funciona el sector, con ponentes expertos en diferentes disciplinas.

La matrícula ya está abierta para todos aquellos interesados que estén en posesión de una titulación superior de música (o equivalente). Se puede consultar toda la información y programa.

La iniciativa, que comienza hoy, tratará de paliar la difícil situación generada por el cierre del Teatro tras el comienzo del estado de alarma del pasado 13 de marzo.

Todas las donaciones podrán beneficiarse de un 80% de desgravación fiscal.

Los interesados en participar en la iniciativa pueden hacerlo a través de la página de la Fundación Amigos del Teatro Real.

La Fundación Amigos del Teatro Real ha iniciado una campaña de captación de fondos, a través de donaciones, con el fin de contribuir a la recuperación de la situación generada por el cese de su actividad, ayudar al mantenimiento de su estabilidad económica y formar parte del impulso de su proyecto cultural.

Gracias a la aprobación, el pasado 7 de mayo, del Real Decreto-ley que incluía la declaración del «Plan de Fomento de la Ópera del Teatro Real» como Acontecimiento de Excepcional Interés Público, todas las donaciones que se hagan a la Fundación Amigos del Teatro Real podrán beneficiarse de una desgravación fiscal cercana al 80% del importe.

Como reconocimiento a la colaboración de los donantes, el Teatro Real les concederá una mención especial en la lista de mecenas del Teatro Real, que tendrá visibilidad en sus diversos canales de difusión, como publicaciones, página web, etc.

l pasado mes de noviembre nacía la plataforma de video del Teatro Real, MyOperaPlayer, con la vocación de convertirse en un teatro de teatros en el que los amantes de la ópera, la danza y la música pudieran acceder al mayor número de títulos posibles, tanto de producción propia como de otras importantes instituciones nacionales e internacionales.

En esta primera etapa, el proyecto ha contado con la participación de grandes centros de ópera, como el Gran Teatre del Liceu, el Gran Teatro Nacional de China, el Colón de Buenos Aires, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o el Teatro del Bicentenario (San Juan, Argentina) junto a Patrimonio Nacional, Fundación Albéniz y RTVE.

A partir de ahora, MyOperaPlayer crece con la incorporación de nuevas producciones procedentes de la Ópera de París, la Royal Opera House, el Teatro Bolshoi, la Staatsoper Berlin, la Ópera de Zúrich o la Ópera de Baviera, por citar sólo algunos, que aportarán algunas de sus espectaculares producciones en los próximos meses.

Entre los títulos que estarán disponibles en los próximos días figura Capriccio, en la espectacular producción del Teatro Real en la pasada temporada, Madama Butterfly, desde la Royal Opera House, y Elektra, procedente de la Ópera de París, en el plano lírico.

La danza verá reforzada su presencia con obras emblemáticas como La bella durmiente y El lago de los cisnes, interpretados por los bailarines del Teatro Boshoi, o Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, a cargo del Royal Ballet londinense.

Esta nueva proyección internacional de MyOperaPlayer ha sido posible gracias al acuerdo suscrito con Naxos, uno de los sellos más importantes en la grabación y distribución de música clásica en el mundo.

En los dos últimos meses, el Teatro Real ha dado acceso gratuito en España al catálogo completo de la plataforma, sin dejar de ampliar contenidos, acompañando a los aficionados y abriendo un nuevo horizonte cultural a otros públicos durante los largos días de confinamiento. Más de 52.000 personas formaron parte de la iniciativa con cerca de 4 millones de visitas.

A partir ahora, MyOperaPlayer recupera su formato por suscripción que, en los próximos días, desde el pasado domingo, 10 de mayo, y hasta el próximo 17 de mayo, se ofrecerá una promoción especial del 50% de descuento que permitirá adquirir abonos de seis meses por 23€ o de un año, por 40€, lo que supone menos de 4 euros al mes.

MyOperaPlayer cuenta con el desarrollo tecnológico de Telefónica y Samsung, y el patrocinio de Endesa.

El próximo 29 de abril se conmemora el Día Internacional de la Danza y el Teatro Real ha querido unirse a esta celebración con una presencia más destacada de este arte en MyOperaPlayer

Desde el Municipal de Santiago-Ópera Nacional de Chile nos llega la versión coreográfica que Marcia Haydée realiza del clásico El lago de los cisnes interpretado por el Ballet de Santiago, que ella dirige

Recuperamos otra obra emblemática de Antonio Gades, Bodas de sangre, inspirada en el drama homónimo de Federico García Lorca, en la que el bailarín y coreógrafo recoge la esencia de la tragedia, sustentada sobre el temperamento andaluz, interpretada magistralmente por su compañía

El coreógrafo norteamericano Mark Morris busca su inspiración en la música de Händel y en los cuadros de William Blake para crear una bellísima coreografía: L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato

Fuenteovejuna, basada en el original de Lope de Vega, convierte el Siglo de Oro en ópera con la música de Jorge Muñiz y el libreto de Javier Almuzara, estreno mundial en una magnífica producción que inauguró la temporada de la Ópera de Oviedo en 2018

El gran drama romántico, Lucia de Lammermoor, llegará a la plataforma el fin de semana desde el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, con un reparto de lujo encabezado por Elena Mosuc y Juan Diego Flórez

Os recordamos que, para acceder gratuitamente a todos los contenidos de MyOperaPlayer sólo hay que registrarse en el enlace www.myoperaplayer.com e introducir el código OperaEnCasa.

Con la cercana celebración del Día Internacional de la Danza, el próximo miércoles, 29 de abril, MyOperaPlayer ha querido abrir una ventana especial a esta expresión artística con la presentación de tres espectáculos muy distintos que muestran desde la esbelta elegancia de la danza clásica, con El lago de cisnes, a la expresión y fuerza raciales del baile español, en Bodas de sangre, a la sutil ligereza de la forma contemporánea de L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato.

La directora artística del Ballet de Santiago de Chile, la brasileña Marcia Haydée, nos ofrece una versión del famoso ballet El lago de los cisnes en la que el perverso hechicero Rothbart adquiere especial protagonismo, equiparando su presencia en escena a la de la “doble” pareja protagonista y consiguiendo una lectura novedosa de la historia que ha cautivado al mundo entero desde su aparición en 1895. El chileno César Morales en la interpretación de Sigfrido, la brasileña Andieza Randisek en el doble reto de Odette/Odile y el chileno Rodrigo Guzmán encarnando a Rothbart, componen un virtuoso trío protagonista arropado por una compañía que atraviesa un magnífico momento técnico y artístico.

En 1974 el escenario del Teatro Olímpico de Roma acogía el estreno mundial de la que sería una de las grandes coreografías del mítico Antonio Gades, Bodas de sangre, con la que el bailarín y coreógrafo quería rendir homenaje al poeta Federico García Lorca, al que le unían posturas éticas y políticas, y la utilización del folclore y de las tradiciones de la cultura popular española como fuente de inspiración artística. El sentimiento trágico del pueblo andaluz, la fuerza de la danza española y la esencia flamenca se amalgaman en una obra que interpreta y engrandece aún más la obra del autor granadino. En su concepción Gades lo entrega todo componiendo una narración, casi fílmica, que no ha dejado de interpretarse por todo el mundo desde su nacimiento convirtiendo Bodas de sangre en el estandarte del baile español.

L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato, del coreógrafo Mark Morris recrea 32 escenas inspiradas en pinturas de William Blake, sobre música de Georg Friedrich Händel. Morris dibuja una obra expresiva, con presencia predominante del grupo a través de una coreografía marcada por pasos vitales y espontáneos que caminan desde la melancolía inicial hacia la energía contagiosa, donde el colectivo predomina sobre el individuo, convenciendo a este de la alegría plena que el ser humano siente cuando es parte de algo.

En septiembre de 2018 la Ópera de Oviedo asumía, probablemente, uno de sus retos más valientes con el estreno mundial de la ópera Fuenteovejuna, primera producción propia del teatro asturiano, con música de Jorge Muñiz y libreto de Javier Almuzara basado en el original de Lope de Vega, cuya publicación celebraba entonces su 400 aniversario. Un equipo artístico íntegramente español en el que participaron nombres de lujo de la escena de nuestro país encabezados por Miguel de Arco en la dirección de escena, con la colaboración de Paco Azorín en los decorados y Sandra Espinosa en los decorados, por citar sólo algunos.

Las funciones de Lucia de Lammermoor, de Gaetano Donizetti, en el Gran Teatre del Liceu, fueron la ocasión perfecta para que el tenor Juan Diego Flórez debutara el difícil papel de Edgardo. Este gran melodrama tejido con amores imposibles, traiciones, enfrentamientos ancestrales y muerte, contiene una de las arias más conocidas de la historia de la lírica en el momento de la locura de su protagonista, interpretada en esta ocasión por Elena Mosuc.

La producción de Damiano Michieletto, dirigida musicalmente por Marco Armiliato, recrea un ambiente desnudo de excesos, dominado sólo por el vidrio cortante y frío de una torre, que es a la vez lugar de fiesta y de muerte.

My Opera Player fue puesta en marcha por el Teatro Real en noviembre de 2019 y ha contado con la participación tecnológica de Telefónica y Samsung y el patrocinio de Endesa.

#QuedateEnCasa, el Teatro Real se queda contigo.

PROGRAMACIÓN

EL LAGO DE LOS CISNES

Marcia Haydée

Municipal de Santiago-Ópera Nacional de Chile

Fundado en 1959 con el nombre de Ballet de Arte Moderno, el Ballet de Santiago es la única compañía de danza clásica profesional de Chile. Su domino del repertorio clásico, su cercana relación con coreógrafos contemporáneos, la calidad de sus artistas y la experiencia de sus maestros, el Ballet de Santiago es una de las compañías más importantes de Latinoamérica.

Desde 2004, la compañía está dirigida por Marcia Haydée, considerada una de las bailarinas más importantes del siglo XX. De ella es la versión coreográfica de esta producción que ofrece MyOperaPlayer, con escenografía y vestuario de Pablo Núñez e iluminación de Ricardo Castro.

Estrenado en 2009 por el Ballet Real de Flandes, El lago de los cisnes de Marcia Haydée da una lectura novedosa a la historia. en la que el personaje de Rothbart, tantas veces relegado a un lugar secundario, adquiere especial importancia, sumándose a la “doble” pareja de los enamorados como un protagonista más.

El chileno César Morales en la interpretación de Sigfrido, la brasileña Andieza Randisek en el doble reto de Odette/Odile y el también chileno Rodrigo Guzmán encarnando a Rothbart, componen un virtuoso trío protagonista arropado por una compañía que atraviesa un magnífico momento técnico y artístico.

La música está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Santiago, bajo la dirección musical de Roberto Rizzi Brignoli.

BODAS DE SANGRE

Antonio Gades

Teatro Real 2011

En 1974 se estrena en el Teatro Olímpico de Roma Bodas de sangre, coreografía de Antonio Gades con la que quería rendir homenaje al poeta Federico García-Lorca, al que le unían posturas éticas y políticas,y la fuente inagotable de inspiración que emana de la cultura popular española.

Gades, con la colaboración de Alfredo Mañas en la adaptación para el ballet de la obra literaria, estructura la obra en seis escenas a lo largo de las cuales se describe la tragedia con una expresividad y una plasticidad que señalan, de manera rotunda, la personalidad del bailarín. Desprovisto de artificio, combina los lenguajes de la danza, pero también de las otras artes, que explora y devora con curiosidad, y extrae la esencia.

Protagonizan esta representación los bailarines Cristina Carnero (Novia), Joaquín Mulero (Novio), Ángel Gil (Leonardo) y Vanesa Vento (Madre), junto a la Compañía Antonio Gades. Los decorados y el vestuario son diseño de Francisco Nieva.

L’ALLEGRO, IL PENSEROSO ED IL MODERATO

Mark Morris

Teatro Real 2014

L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato, está considerada una de las coreografías más interesantes de Mark Morris. Inspirada en la oda pastoral de George Friedrich Händel (1685-1759) del mismo título, la obra está dividida en dos actos, en los que recrea 32 escenas inspiradas en pinturas de William Blake.

Predomina en esta creación la presencia del grupo, la estructura coral, marcada por pasos vitales y espontáneos en forma de trazados básicos que caminan desde la melancolía inicial hacia la energía contagiosa, donde el colectivo predomina sobre el individuo, convenciendo a este de la alegría plena que el ser humano siente cuando es parte de algo.

Morris cuenta en este espectáculo con la presencia de las sopranos Sarah-Jane Brandon y Elizabeth Watts, el tenor James Gilchrist y el bajo Andrew Foster-Williams, quienes, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, Händel bajo la dirección de la maestra Jane Glover.

FUENTEOVEJUNA

Jorge Muñiz

Opera de Oviedo 2018

En septiembre de 2018 tenía lugar en la Ópera de Oviedo el estreno absoluto de una ópera basada en una de las obras maestras del Siglo de Oro español, Fuenteovejuna, de Lope de Vega, que plantea interrogantes perfectamente trasladables a la sociedad actual: la fuerza solidaria de una masa social bajo la represión del poder establecido y la corrupción y sirve de homenaje a los 400 años de la primera publicación de esta obra maestra.

Con este punto de partida, el compositor Jorge Muñiz, con la colaboración en el libreto de Javier Almuzara, concibe una obra con música de ritmo muy activo, muestra muchas tradiciones y géneros diferentes pero conectados de una manera muy orgánica, con referencias a las corrientes populares de hoy, como el motown, el jazz o el hip hop.

La apuesta escénica está sustentada sobre algunos de los nombres más importantes del teatro de nuestro país, encabezados Miguel del Arco (por el Premio Nacional de Teatro) que contó con la colaboración de Paco Azorín en la concepción escenográfica, Sandra Espinosa en el diseño de vestuario, Juanjo Llorens en la iluminación y Pedro Chamizo en el diseño de proyecciones.

Santiago Serrate estuvo al frente de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y el Coro de la ópera de Oviedo, junto a un reparto encabezado por Mariola Cantarero (Laurencia), Antonio Lozano (Frondoso), Felipe Bou (Esteban), Damián del Castillo (Fernán Gómez), Juan Antonio Sanabria (Mengo), Isabela Gaudí (Pascuala), Luis Cansino (Flores) y Pablo García-López (Juez).

LUCIA DE LAMMERMOOR

Gaetano Donizetti

Gran Teatre del Liceu 2015

Juan Diego Flórez debutaba el rol de Edgardo en Lucia di Lammermoor en noviembre de 2015, en el Gran Teatre del Liceu, con esta producción de Damiano Michieletto dirigida musicalmente por Marco Armiliato y con la soprano Elena Mosuc en el papel protagonista de la ópera.

Basada en la truculenta novela histórica de Walter Scott, The Bride of Lammermoor, que Salvatore Camarano transformó en libreto para Gaetano Donizetti, quien compuso la ópera en apenas un mes, Lucia di Lammemoor expresa el amor romántico que perdura más allá de la mentira, de la incomprensión, de la locura y de la muerte. Situada en Escocia, la rivalidad entre dos clanes enemigos es el escenario que ve nacer el amor entre Lucia y Edgardo, que se juran en secreto voto de matrimonio. La protagonista, Lucía, es uno de los grandes retos del repertorio operístico, tanto en el ámbito vocal como escénico, y que es conocido por uno de sus puntos álgidos, cuando el personaje se entrega a la locura.

La propuesta escénica que nos ofrece el Liceu, dirigida por Damiano Micheletto y estrenada en la Opernhaus Zürich, recrea un ambiente «desnudo de excesos, dominado sólo por el vidrio cortante y frío de una torre, que es a la vez lugar de fiesta y de muerte», en palabras del director de escena.

Fotografía: Javier del Real

Etiqueta: Teatro Real

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